Catálogo-desplegable: "Objetual". Texto Susana Benko

Juan Toro Diez Serie: Costureras destrozadas… Fin, 2014-2015 Fotografía digital copiada en papel Luster 100 x 80 cm (tres piezas)

Mari Carmen Carrillo | Vive y trabaja en Venezuela

Ricardo Pérez Quintero | Nace y reside en Caracas

Licenciada en Geografía en la UCV, 1986. En 1994 culmina sus estudios de Artes Plásticas en el Instituto de Arte Federico Brandt.

Maestría en Artes Visuales en la Escuela Nacional de Artes Plásticas Academia San Carlos del la UNAM, 1996. Desde 1995 ha expuesto asiduamente en diversas exposiciones colectivas en Estados Unidos, Puerto Rico, China, México, España, Portugal, Cuba y Venezuela. Desde 1996 ha realizado importantes muestras individuales en Puerto Rico, Miami y Caracas. Su obra ha sido reseñada en varias ocasiones en la revista Art Nexus y en El Nacional.

Es arquitecto y artista plástico. Inicia estudios de arquitectura en la UNAM, y prosigue luego en la UCV donde recibe el título de Arquitecto en 1969. Obtiene la Maestría de Diseño Urbano en The Victoria University of Manchester, Inglaterra, en 1973. Realizó el Diplomado y Especialización en conservación y rehabilitación de centros históricos en la Universidad de La Sapienza, Roma. Ha elaborado proyectos y ejecutado construcciones de obras de servicio, residenciales y hoteles.

Diseñó y ejecutó Planes Especiales para ciudades como Barquisimeto, La Victoria y el Centro Histórico de Caracas. Restauró las fachadas del Teatro Ayacucho y del Palacio de Miraflores, en Caracas. Desde 1969 participa en salones y en diversas muestras colectivas. Desde 2004 realiza exposiciones individuales en Caracas y actualmente en Saint Berthelemy, French West Indies. Ha recibido numerosos premios y reconocimientos como arquitecto y escultor.

Costanza De Rogatis | Caracas, 1976

Miguel Triviño Encopetada I, II y III - 2016 Hierro, latón, cobre, zinc, bronce 30 x 29 x 15 cm 21 x 20 x 12 cm 21 x 20 x 12 cm

Licenciada en Artes en la UCV en 2001. En 2010 obtiene el Diploma en Fotografía de la Fondazione Studio Marangoni, Florencia. Curadora e investigadora. Como parte de su formación fotográfica ha participado en diversos workshops con reconocidos fotógrafos como Rineke Dikjstra, Arno Minkkinen, Elina Brotherus, Abelardo Morell, y Anna Fox entre otros. Desde 2006 participa en diversas exposiciones colectivas en Venezuela y Europa, en las que ha recibido varios reconocimientos.

En 2016 realiza su muestra individual: Puente en la Galería Tres y 3, Caracas. Su obra ha sido reseñada en importantes revistas internacionales como en OjodePez y Rearviewmirror Magazine. Desarrolla su trabajo fotográfico de modo independiente.

Katherine Di Turi | Caracas, 1972 Vive y trabaja entre Londres y Caracas.

Licenciada en Comunicación Social, Mención Audiovisual en la UCAB, 1993. Licenciada en Artes, especialidad Escultura, en el IUESAPAR, 1997, y M.F.A. Art Media, en Slade School of Fine Art, University College London, Reino Unido. Es co-fundadora junto a Piers Veness de Square Art Projects, iniciativa independiente con sede en Londres que organiza desde 2005 exposiciones de arte contemporáneo. Ha participado en numerosas exposiciones colectivas en Estados Unidos, Chile, Reino Unido, Francia, España, Italia, Colombia y Venezuela y desde 2008 varias exposiciones individuales en Barcelona, España. La serie Das Glas ha sido publicada en la revista online: Yet Magazine, Londres, en 2014. Su obra ha sido reseñada en diversas publicaciones desde 1996 a la actualidad.

Julián Waldman Vuelo sincronizado, 2016 Collage 26 x 19 cm

Claudia Garcés | Caracas, 1972 Vive y trabaja entre Caracas y Los Teques.

Es TSU en Química graduada en el Instituto Universitario de Tecnología Región Capital, Caracas, 1991. Egresó del Instituto Universitario de Estudios Superiores de las Artes Plásticas Armando Reverón (IUESAPAR), Caracas. Actualmente trabaja para la Fundación Gego. Desde 2003 a la actualidad participa en diversas muestras colectivas en diversas galerías e instituciones venezolanas.

Juan Toro Diez | Caracas, 1969 Licenciado en Comunicación Social en la UCV. Desde el año 2000 a la actualidad ha participado en numerosos salones y exposiciones colectivas en Venezuela, así como en Estados Unidos, España, República Dominicana y Chile. Ha sido merecedor de varios reconocimientos.

Ha participado en varias muestras colectivas y realizado importantes muestras individuales en galerías y museos nacionales e internacionales. Su obra ha sido reseñada en importantes publicaciones como en el libro: Prixt Pictet: Disorder, London 2015 y el catálogo: Basta!, Art and Violence in Latinamerica, New York. 2016, por mencionar las más recientes. En 2015 publica su libro Expedientes: fragmentos de un país publicado por Ediciones B en Caracas.

Miguel Triviño | Caracas, 1977 Egresa de la Escuela Artes Plásticas Cristóbal Rojas en 1998. Continúa su formación en el taller del artista Eugenio Espinoza donde realiza varias pasantías y en 1996 es invitado a formar parte del Círculo de Dibujo en el Museo de Arte Contemporáneo de Caracas Sofía Imber (MACCSI). Desde 1996 participa en numerosas exposiciones colectivas y desde 1999 ha realizado varias muestras individuales en Caracas. En 2014 crea y promueve el proyecto cultural comunitario “Colores para mi barrio”.

Julián Waldman | Caracas, 1982 Realiza estudios de Photoshop en el Centro de Diseño Digital y Diseño en el Instituto de Diseño Caracas. Posteriormente energía eólica y solar en Santiago de Compostela y se licencia en Artes Plásticas en 2014 en la Universidad Nacional Experimental de las Artes (UNEARTE), en la especialidad de Escultura. Labora como Asistente de Museografía en el Centro de Estudios Latinoamericanos Rómulo Gallegos. A partir de 2015, trabaja en restauración de pinturas en colecciones públicas y privadas. Desde 2011 participa en diversas muestras colectivas y realiza dos muestras individuales en 2010 y 2014 en el Museo Jacobo Borges y en el CECA Armando Reverón, ambas del UNEARTE.

La Asociación Venezolana de Conciertos y el Centro de Artes Integradas, rinden homenaje a un visionario, Salvador Itriago Sifontes, en el marco de la celebración de su centenario, en mayo de 2017.

En vida, 1917 a 2004, se desempeñaría como abogado, diplomático, promotor y gerente cultural.

Luchó incansablemente por su país, Venezuela.

Su trayectoria estuvo enmarcada por su constancia, dedicación y amor profundo por su país. Fue un hombre honesto, que no se detuvo por la indiferencia, siempre tuvo un espíritu fuerte e incansable.

Como parte de su legado y precursor de la labor social empresarial se plantea la necesidad de crear un complejo educativo/cultural, en el cual se lograse integrar los cuatro pilares de las artes: la música, la danza, el teatro y las artes plásticas. Es así como nace el Centro de Artes Integradas en el año 1972, proyecto premiado por la UNESCO. La Sala William Werner, la inaugura en el año 2004, con la exposición Lara al Pie del Ávila.

Los dejo con un pensamiento de cómo visualizaba Salvador las artes, la cultura y al Centro de Artes Integradas “Esta obra debe ser coherente, una completa síntesis, una máxima expresión, en la que no haya inquietud sin su correspondiente respuesta, un lugar donde el hombre sea explorador incansable e insatisfecho del sentido y la forma. Esta obra es para espíritus fuertes, decididos, convencidos de su necesidad, de su importancia.

Para hombres que no desalienten la indiferencia y el escepticismo. La concepción del plan general debe ser tan mutante como el signo del tiempo.”

Trina Itriago Directora Ejecutiva y Secretaria Permanente del Centro de Artes Integradas Caracas, 16 de octubre de 2016

Agradecemos a Carlos Maldonado Bourgoin y a Ramón Paolini por su colaboración en esta exposición así como a todos los artistas participantes.

Objetual - Inauguración 16 de Octubre de 2016 / Exposición Nº 37 Catálogo Nº 35 A.C. Centro de Artes Integradas Dirección Ejecutiva y Secretaría Permanente Trina Itriago de Vallenilla Dirección de Galería Trina Itriago de Vallenilla Junta Directiva Juan Ernesto Aguilera Vitto Ippólito Trina Itriago de Vallenilla Martha Aceituno Salvador Pedro Itriago Santaella Omer Lares Fernández Juan Maragall Velutini Eduardo Pérez Alfonso Tomás Polanco Fernández Enrique Zambrano Curaduría y texto Susana Benko Montaje Alberto Baptista, Henry Peñaloza, Billy Cuevas Fotografías Giovanna D’Onghia (fotografía de Juan Toro Diez)

Anna De Rogatis (fotografía de Costanza De Rogatis).

Claudia Garcés. Autorretrato y obras.

Jennina Guzmán

(fotografía de Julián Waldman y de la obra ASfalto de sueños).

Karla Krohn (fotografía de Miguel Triviño).

Roberto Mata (fotografía de Mari Carmen

Carrillo).

Ramón Paolini (fotografías de obras y retrato de Ricardo Pérez Quintero).

Piers Veness (fotografía de Katherine Di Turi).

Con excepción del artista Ricardo Pérez Quintero, todos los demás artistas participantes tomaron las fotografías de sus obras.

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Mari Carmen Carrillo Costanza De Rogatis Katherine Di Turi Claudia Garcés Ricardo Pérez Quintero Juan Toro Diez Miguel Triviño Julián Waldman

Katherine Di Turi Los objetos siguen siendo un buen pretexto en el arte. En muchos casos porque ellos en sí mismos encarnan la belleza como resultado de una creación humana. Además, porque también son testimonio de una época, de una cultura y de una historia. Los objetos, en tal sentido, hablan.

Esta exposición, Objetual, consiste en la presentación particular de algunos objetos que tienen una determinada significación. Mientras unos funcionan como expresión de una intimidad, otros testimonian algún acontecimiento que signa un tiempo y una historia. El campo de posibilidades que este tema suscita es ilimitado. De allí que el concepto que rige en esta muestra es igualmente amplio: se trata de una exposición interdisciplinaria y heterogénea en la que participan fotógrafos, pintores y escultores con el fin de presentar sus objetos, sea a través de su imagen o mediante su presencia física utilitaria y real o aquélla transfigurada plásticamente.

Ocho artistas venezolanos re–trabajan el objeto y lo vuelven tema de sus investigaciones plásticas: Mari Carmen Carrillo, Costanza De Rogatis, Katherine Di Turi, Claudia Garcés, Ricardo Pérez Quintero, Juan Toro Diez, Miguel Triviño y Julián Waldman. Todos ellos hacen que sus objetos pierdan su referencia utilitaria volviéndolos, de distintas maneras, objetos estéticamente relevantes.

Susana Benko Investigadora de arte, crítico y curadora Miembro de la Asociación Internacional de Críticos de Arte-Capítulo Venezuela

Dos ejes fundamentales destacan en esta exposición. La primera de ellas es de orden formal; la segunda refiere al poder comunicante de las imágenes y, por ende, de los objetos. En el primer caso, hacemos referencia a esa capacidad de los artistas de modificar la apariencia de los objetos, sea transformándolos al recortar o fragmentar alguna de sus partes o bien al acumular o adicionar materiales u objetos encontrados de distinta naturaleza. En cualquiera de estas variantes, aparece una nueva sintaxis y un nuevo e inusitado objeto. Julián Waldman, por ejemplo, recorta y pega para elaborar objetos con significaciones inusitadas en sus collages. Recurso similar utiliza para las piezas tridimensionales. En ambos medios, une objetos diversos y compone uno nuevo de naturaleza híbrida. El resultado oscila entre lo jocoso, lo crudamente realista y, en muchos casos, en lo poético cuando crea nuevos objetos de ensoñación.

Todo esto es logrado con imágenes y objetos tomados de la cotidianidad. Asimismo, puede decirse sobre los títulos: reformula la lógica lingüística de las palabras cuya alteración sintáctica genera interesantes significados, cónsonos con la naturaleza híbrida de los objetos a los que hacen referencia. Títulos como: Rasca Suelo; ASfalto de sueños (juego de palabras que alude a la falta de sueños); Flor de rapiña, El secreto del tiempo, etc. son elocuentes. Miguel Triviño, por otro lado, trabaja la pintura y la escultura basándose recurrentemente en un solo tema: las cafeteras. Con este objeto, no sólo se inspira en las transformaciones que Alejandro Otero realizó a su serie de Cafeteras, sino que, con las suyas, recrea todo un mundo alusivo al hábito del café. En lugar de intervenir cafeteras reales de fabricación industrial para sus esculturas, Triviño concibe nuevas mediante la adición —y la costura— de láminas y alambres de diversos metales. Cada cafetera resultante es única en tanto forma, color e incluso varían entre éstas según el estado anímico con las que fueron hechas.

El artista de alguna manera humaniza sus cafeteras. Sugiere personajes con ellas en sus pinturas, aludiendo asimismo a situaciones específicas que de alguna forma lo golpean tales como la violencia en la calle y la escasez de alimento en Venezuela. Todo ello lo expresa mediante la quema y la soldadura de los metales, o bien, al pintar, rasgar y quemar algunas telas. Por otra parte, el uso de textiles diversos sobre sus lienzos enriquece la imagen particularizando

así sus procedimientos pictóricos. Ricardo Pérez Quintero, a su vez, recopila, acumula y adiciona objetos diversos encontrados y los compone en cajas. Según su naturaleza, éstos determinan sus diversos ejes temáticos. Ha trabajado temas como el tiempo, el espacio, la imagen urbana, entre otros. Para esta ocasión, presenta la serie El arte de los sonidos. En estos ensamblajes, instrumentos musicales y algunas partituras funcionan como objetos identificadores de la serie en medio de franjas o listones de madera que demarcan a su vez el ritmo de la composición. Carlos Maldonado Bourgoin así lo señala en su texto “Ventanas pensadas en música”: “El artista compone a través de planos, colores, texturas, diversos objetos y materiales, la profundidad que conforman las partes de la música: ritmo (tiempo y movimiento), la melodía y la armonía.”

Y más adelante agrega: “Dentro de los contenedores–ensamblajes, definidos por marcos viejos, se adivinan pentagramas, la notación alfabética universal, formas musicales: conciertos clásicos y de jazz e instrumentos. Son una memorabilia y una historia de la cultura.” En efecto, Pérez Quintero, además de artista y arquitecto, es amante de la música y a la vez, en cada uno de sus ensamblajes, es un ‘constructor de espacios’. En éstos, los elementos que la constituyen conforman el tema específico de cada pieza.

El segundo eje que refiere al campo de las significaciones no se sustrae, como hemos visto, del eje anterior: forma y contenido, mantienen una relación indisoluble, más cuando hablamos sobre objetos. Ello sucede tanto en las imágenes que los representan como en los objetos mismos. En ambos la valoración estética está presente, así como el poder comunicante que ellos poseen. Lo que transmiten depende en gran medida de las particularidades expresivas manejadas en el lenguaje de cada artista y muy especialmente de su intención. En tal sentido, los objetos aquí re/presentados pueden suscitar reflexiones acerca de nuestro entorno social, nuestras emociones, o sobre lo que se expresa a través de la memoria o nuestra percepción. Juan Toro Diez tiene varios años trabajando el tema de la violencia en el país. Investiga, registra y colecciona objetos que son testimonio de las diversas modalidades de violencia a la que estamos sometidos los venezolanos en la actualidad: violencia física, política, económica, social, psicológica y sin duda, emocional. Con la serie Costureras destrozadas... Fin, Toro fotografió diversas sillas en la que se sentaban a trabajar las costureras que pertenecían a una fábrica de textiles que tuvo que cerrar. Estas trabajadoras, luego de muchos años de labor, se vieron forzadas a abandonar el lugar y quedaron desempleadas. De allí el letrero testimonial del último día de labor: “Costureras destrozadas... Fin”. Cada silla tiene la huella de la persona que durante años la utilizó. Son sillas personalizadas. Cada silla es el retrato silente de su humanidad. Toro de esta forma documentó el vaciamiento contundente del sistema productivo nacional que expresa la violencia existente de esta aplastante realidad.

Con la serie Cinematográfico, Claudia Garcés continúa explorando en la vida de Barbie y Ken. Ya en 2008 su serie de fotografías titulada Doméstico mostraba aspectos del hogar de esta conocida pareja: muebles, detalles del baño, objetos utilitarios tales como los dispuestos en su cocina, lavandero, comedor, objetos decorativos, entre otros accesorios que confecciona la marca Mattel.

Un año después, en 2009, Garcés muestra directamente a los amantes en su serie fotográfica titulada Young Lovers. Estos muñecos, Barbie y Ken, superan su condición objetual, por la forma como la fotógrafa detalla y manipula sus cuerpos: las posiciones, los gestos y las miradas expresan momentos de gran erotismo y pasión. Es otra forma de entender su humanidad. Los collages de

Mari Carmen Carrillo, por otro lado, comenzaron siendo ejercicios estéticos que resultan de su interés por el mundo femenino infantil. La artista ha ido coleccionando estampas antiguas, juegos de papeles, cabello además del papel amate que le sirve de soporte. Este papel –el mismo utilizado para los códices en Mesoamérica– los fue “atesorando en el taller y un día, –señala Carrillo– por una suerte de revelación, empecé a jugar con ellos: recortar, tejer, bordar, pegar y peluquear.” Hay un dejo nostálgico en estos collages y a la vez una complacencia plástica por la textura y el calor que se desprende de estos materiales.

Pero igualmente hay una violencia muy íntima en torno a la femineidad. La ceguera (la mirada oculta por los mechones de cabello o por las rosas) son, para la artista, varias cosas: miedo, por un lado, invisibilizarse para no ver o, también ocultar la mirada “ante el horror, no ver el mal, para sobrevivir a la existencia o mantener la pureza”. Aunque al final, todo es un juego.

Katherine Di Turi trabaja la imagen de objetos problematizando, en cierto modo, los procesos fotográficos para re-valorizar nuevamente a la fotografía como medio y como lenguaje. Le interesa re-evaluar la fotografía analógica vista en la era digital. De este modo, toma como punto de partida imágenes pre-existentes provenientes de álbumes fotográficos, revistas, postales, entre otras, las re-trabaja e interviene para recuperarlas del olvido. De allí que una de sus motivaciones es el trabajo con la memoria. Señala Di Turi que “estamos presenciando (aunque sin darnos cuenta) la constante muerte de las imágenes fotográficas”. De allí la serie Das Glas. Se trata de una recopilación de varios objetos de cristal de diferentes épocas tomadas de fotografías impresas en diversos medios (revistas, postales, álbumes fotográficos, etc.). Las interviene con filtros transparentes, arena o papel carbón como un modo de contrastar y a la vez enfatizar aspectos del objeto fotografiado. Al re-fotografiar estas imágenes, busca “recuperarlas del olvido”, modo como nuevamente éstas se insertan “en el ámbito de la fotografía en su presentación final”.

Las imágenes fotográficas contienen mensajes y al quedar reunidas en un libro trascienden su función representativa para conformarse en un objeto. Costanza De Rogatis propone con la pieza A Light Within (A Day’s Journey into Night) un libro cuyas imágenes fotográficas se despliegan como las postales de las “guías turísticas”. Como su título indica, se trata: del viaje de un día hacia la noche a través de una luz interior. La secuencia de estas imágenes, al ser desplegadas, dan cuenta de las visiones de la fotógrafa desde el inicio del día, su transcurrir en diversos ámbitos, hasta llegar a la noche iluminada por una luna llena. Su planteamiento es temporal –el transcurrir de un día– y a la vez es perceptual: su mirada recorre tanto el mundo exterior –hermosos paisajes–, así como cuadros de costumbres que ambientan su cotidianidad. En todos estos escenarios, la luz matiza su percepción del mundo exterior y, de alguna forma, proyecta asimismo el verdadero clima de su estado interior. La imagen, en este caso, se sirve del objeto y éste a su vez actúa como guía de una crónica existencial.

Todos los artistas invitados a participar en Objetual mantienen una relación particular con el objeto, con su imagen y con las significaciones que ellos suscitan.

El resultado es muy diverso como lo es la perspectiva con la que cada quien se relaciona con su entorno. En consecuencia, los lenguajes se individualizan por lo que reinventan nuevos códigos que ponen de manifiesto el poder significativo y estético que muchos objetos poseen.

“El objeto artístico es gustado por una pluralidad de consumidores, cada uno de los cuales llevará en el acto de gustar sus propias características psicológicas y fisiológicas, su propia formación ambiental y natural... Por consiguiente, por honesto y total que sea el compromiso de fidelidad con respecto a la obra que ha de gustarse, todo deleite será inevitablemente personal y captará la obra en uno de sus aspectos posibles. El autor... crea la obra como apertura a estas posibilidades.”

Das Glas - 49, 2013 Impresión C-Type en papel fotográfico Fuji Edición 1 de 5 + 2 PA 59,5 x 42 cm

Umberto Eco

Mari Carmen Carrillo

Claudia Garcés

Gallinita ciega 4, 2012 Serie: Juego de niñas Estampa, cabellos falsos, cinta de razo sobre papel amate 40 x 30 cm

Young Lovers, 2009 De la serie: Cinematográfico Impresión digital.

35 x 40 cm

Costanza De Rogatis

Ricardo Pérez Quintero

A Light Within (A Day’s Journey into Night). Una luz interior.

El viaje de un día hacia la noche 2011-2013 Libro-objeto fotográfico Inyección de tinta sobre papel 12 x 105 cm (cerrado) 12 x 533 cm (abierto)

Concierto para clarinete, 2016 Serie: El arte de los sonidos (Clarinete vintage Rampone.

Milano, Brevettato, circa 1925) Ensamblaje 40 x 100 x 10 cm