Confluencias 2014 by Teatro Sánchez Aguilar

Unidos por la cultura y el arte L

a iniciativa de conocer a los actores de la industria cultural: ¿quiénes son ellos, quiénes somos nosotros? Es un interés en el que “confluimos” la Fundación Sánchez Aguilar y esta Municipalidad; iniciativa que decidimos apoyar para que redunde en el beneficio cultural de nuestra sociedad. Lo que en su inicio nació como un proyecto, ahora servirá de guía para el mejor desarrollo y progreso de esta comunidad en pro de la valoración de las artes escénicas y musicales, asímismo hará que el público opte con más frecuencia por asistir a excelentes obras relacionadas con estas artes. Nuestro reconocimiento al Teatro Sánchez Aguilar por haber unido a la comunidad artística, la empresa privada y el público en general, en este gran esfuerzo por mejorar el nivel de profesionalización de sus protagonistas- artistas, agentes, salas y técnicos; logrando reforzar la estructura del sector para que sea cada vez mejor.

Seguiremos adelante, valorando el trabajo mancomunado que fortalece nuestro patrimonio cultural, contribuyendo ahora más que nunca en beneficio de nuestro Cantón, y de todo el País. Jose Yúnez Parra Alcalde I. Municipalidad de Samborondón

Las artes escénicas

Una experiencia vivencial única El disfrute de las artes escénicas y musicales supone una experiencia vivencial única por su cercanía y su inmediatez. Sin embargo, para que cada noche los artistas puedan ocupar los escenarios, hay que poner en marcha un inmenso entramado logístico y humano. Desde el esfuerzo constante del estudio, la práctica diaria y la confrontación con el público nace el artista. Pero, en este enorme esfuerzo también la organización, la iniciativa y el empeño de los promotores resultan fundamentales. La investigación realizada representa a una industria cultural en plena efervescencia, tanto del lado de los creadores como de los consumidores. Desde esta tribuna queremos animarlos a que mantengan su apuesta por la creación artística. Su emprendimiento contribuye ahora más que nunca al desarrollo cultural de esta gran ciudad. Gracias por su esfuerzo y trabajo, porque cada vez que un artista se sube al escenario se alimenta el talento de nuestros creadores y el interés de nuestro público.

Gabriel Castro Coordinador de Programa Museo Arte y Ciudad M.I. Municipalidad de Guayaquil

edit

editorial Una confluencia es la reunión de dos o más cursos de agua en uno solo. Una confluencia es también el punto específico donde esto ocurre.

Una confluencia es una unión. Esta primera edición de “Confluencias” quiere ser nuestra ciudad y todos nosotros, fluyendo hacia el mismo objetivo: hacer de esta urbe un espacio donde todos tengamos un lugar para crear nuestro arte, desde nuestro compromiso artístico, estético, político o comercial. Para este primer ejemplar quisimos presentar un panorama sobre el estado de las artes escénicas en el Gran Guayaquil, y aprovechamos los resultados de la primera investigación de mercado realizada por los Municipios de Guayaquil y Samborondón para tratar los temas que están a flor de piel. Asistimos a los focus groups y nos invitamos a algunas de las entrevistas realizadas por los especialistas para entendernos un poco mejor; quiénes somos como artistas, y quiénes somos como público. Cuáles son nuestras expectativas y a dónde nos dirigimos. Mientras empezamos a recaudar las ideas, los insights que produjo la investigación, pasó algo muy sorprendente en la ciudad. Julio y agosto trajeron una asistencia récord a una multitud de propuestas escénicas y musicales, que logró que las salas se inventaran (o reinventaran) y los espacios se llenaran con cúmulos de público. Nos sentimos en ese momento como si después de remar tranquilamente por el río, nos encontráramos de repente con el vertiginoso tumulto que provoca la unión de dos cuerpos de agua. Entonces supimos con más certeza aún, que es cuando estamos juntos que todo toma fuerza, y que frente a nosotros solo existe la inmensidad.

Marion Ecalle Directora editorial Revista Confluencias 2014

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CREDITOS Directora editorial Marion Ecalle Redacción Coordinacion de redacción Marion Ecalle Redactores Carol Arosemena, Noris Arroyave, Carlos Julio Bustamante, Estefanía Carlier, Camila Viteri, Susan Togra Fotografía Arcadio Arosemena, André Loor, Ricardo Bohórquez Corrección María de Lourdes Falconi Puig Coordinación de Producción Arturo Zöller Publicidad Luly Ossa Realización Diagramación Karen Tomalá Diseño Karen Tomalá, Gabriela Luzardo

Con la colaboración de

M.I Municipalidad de Guayaquil

I. Municipalidad de Samborondón

Alcalde: Jaime Nebot Director de Cultura: Melvin Hoyos Coordinador de Programa Museo Arte y Ciudad: Gabriel Castro Diseñador Gráfico: Andrés Guzmán Robelli Departamento Administrativo: Katty Vaca, Eveda Suárez, Enriqueta García, Eufemia Ronquillo Relacionista Pública: Peggy Artieda

Alcalde: José Yúnez Directora de Desarrollo Humano Social y Cultural: Mary Cruz Directora de Turismo: Allys Luey

A partir de la investigación coordinada por:

FUNDACIÓN SANCHEZ AGUILAR

Susan Togra – Angélica Parra

NEGOCIOS Y ESTRATEGIAS

Gerente General: Iván Sierra Directora de Cuentas: Karen Williams Ejecutiva de Cuentas: Erika Naranjo Villegas Coordinadora de Nuevos Negocios: Tatiana Dueñas Supervisor de Campo: Víctor Toral Supervisor de Campo: Christian Sánchez Supervisor de Campo: Darío Zhingri

Impresión Imprenta El Telégrafo Tiraje: 5 000 ejemplares Septiembre 2014

AMANTA

Director General: José Castro Director Comercial: Christopher Ticina Directora de Investigación de Mercado: Graciela Véliz Coordinador de Campo: Telmo Zambrano Coordinadora de Procesamiento de Datos: Martha Estrella Coordinadora de Comunicación: Katherine España

Cómo citar esta publicación

[Insertar aquí nombre del artículo] (2014, septiembre). Confluencias, 1, [insertar aquí página(s) del artículo]. Por ejemplo, Los guayaquileños prefieren reír sin pensar (2014, septiembre). Confluencias, 1, 14-15.

ACTUALIDAD

Los Guayaquileños prefieren reír sin pensar El consumo teatral: Educando a la audiencia Cómo hacer un buen plan De carteleras y programación cultural Supervivencia de las artes escénicas Más allá de lo ancestral Una industria en desarrollo La cultura sindical se afianza en los artistas de Guayaquil

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Teatro Arawa Casa de la Cultura Ecuatoriana Teatro Centro de Arte Teatro del Angel Teatro Eloy Alfaro La Fábrica Cuerpo-Espacio Casa Fantoche Fedenador Centro Cultural Simón Bolívar El Muégano Teatro Teatro Sánchez Aguilar Centro Cultural Sarao Centros Culturales Bares con presentaciones en vivo Festivales Espacios Públicos

ARTISTAS Instantanea El artista en el siglo XXI ¡Quiero ser artista! El compromiso familiar hacia una educación integral Vivencias Ser artista: lo bueno, lo malo y lo rebelde Agradecimientos

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Los guayaquileños prefieren reír sin pensar

arla Loaiza estudia Hotelería y Turismo en la Facultad de Comunicación Social (FACSO), tiene 23 años y cuenta que la última vez que asistió al teatro fue junto a sus dos hermanas para ver a quien ella considera el mejor cómico del país, Francisco Pinoargotti. “No soy amante del teatro porque a veces hay cosas que la verdad ni entiendo o son muy tristes. Cuando voy al teatro es porque sé que me voy a reír y voy a disfrutar del show”, cuenta Loaiza, quien asegura que existen pocas obras de comedia buenas y con una escenografía que impacte al espectador. Jorge Mieles, padre de familia de dos hijos, coincide. “Cuando salgo de casa para distraerme quiero ir a disfrutar, no quiero pensar ni recibir más información

de la que ya tengo en mi vida. Si pago por ir a ver una obra de teatro o un show tiene que ser divertido, me tiene que hacer reír porque de esa manera, aunque sea por un momento, olvido mis preocupaciones”. Estos dos casos ilustran muy claramente los resultados del estudio , el cual caracteriza al guayaquileño como un público que utiliza el entretenimiento como una forma de evadir sus preocupaciones y distender sus tensiones. Y es que reír implica un proceso físico y psicológico; cuando se ríe se libera endorfinas, y las endorfinas combaten el estrés. Reír va ligado al pragmatismo, y para el psicoanalista Antonio Aguirre, Guayaquil es

precisamente una ciudad de diestros comerciantes, de personas que tienen una vida productiva comercial. “Los guayaquileños no viven de inventar gestas épicas, ni reinventar mitos nacionales; para los guayaquileños la vida cotidiana ya es bastante cargada (deudas, trabajo, estudios, hijos, compras) entonces quieren una interpretación cómica de la realidad como forma de fuga”, dice Aguirre. La preferencia por la comedia ante otros géneros del teatro puede ser juzgada –en muchas ocasionesintelectualmente de forma dura, pero para Aguirre esa comedia refleja asuntos de todos “y eso es mucho más concreto y fuerte que las ilusiones de una patria mejor”. De este modo, para el psicoanalista no se puede pensar de una manera “desmerecedora” de esos gustos mayoritarios. El sociólogo Héctor Chiriboga recuerda que la tradición de las artes escénicas en la ciudad giró siempre en torno a la comedia picaresca, (Teatro Candilejas en los 80’s, la presencia de Ernesto Suárez y El Juglar, Guayaquil Super Star); “esa tradición no ha cambiado, y se apoya solidariamente con la TV, donde los mismos que hacen el teatro de comedia, son los que salen en los programas de farándula o series”.

resolución de problemas de esa cotidianidad y busque la risa fácil como medio de escape. ¿Es entonces la búsqueda de la comedia un reflejo absoluto de la idiosincrasia porteña? ¿Es un recurso meramente pragmático de supervivencia frente a los problemas de la cotidianidad? Como se puede vislumbrar a partir de las opiniones de los expertos, quizás la respuesta sea más compleja. La risa no tiene por qué significar únicamente evasión. El hecho de que este género teatral refleje las preferencias de la mayoría y no de una élite intelectual no le resta valor intrínseco al hecho de que existe una búsqueda por asistir eventos escénicos. Esto despierta visos cada vez más visibles de interés por el medio, algo que tradicionalmente ha resultado una lucha cuesta arriba en la ciudad. Esta incipiente búsqueda por shows que entretengan podría ser el pie en la puerta que dé paso a una paulatina complejización de la oferta escénica; todo reside en buscar matices de transición sutiles que permitan que el público pruebe formatos cada vez más diversos desde una base de familiaridad.

“No es que la comedia no nos hace pensar – así el público crea eso- lo que sucede es que nos invita a pensar de manera diferente”

Por otra parte, Chiriboga menciona que es posible que la forma de ser del guayaquileño -esto es, la ideología que se cree y que en parte Psicoanalista se observa en la realidad- lo haga plantearse las cosas de una manera mucho más pragmática, de tal forma que piensa en las cosas que le proveen satisfacción inmediata a sus necesidades, cuestión que realiza particularmente por cuenta propia o en relación de dependencia en emprendimientos privados; que eventualmente son precarios, lo que hace que esté más pendiente de la

Antonio Aguirre

El “rey de los monólogos”

atalogado como el rey de los monólogos, Francisco Pinoargotti conoce la importancia de generar estrategias para llegar al público. Pinoargotti dice no ser actor; se considera artista, showman y desde esa voz y el éxito que han tenido sus presentaciones manifiesta que las obras no se deben mostrar sólo porque son buenas, sino que también porque pueden ser vendidas al público.

“

Esto tiene que partir por no solamente traer obras de renombre, hay que hacer que el público se identifique, ir mostrándole de a poco que no todo es comedia, sino llevarlo a otros géneros; pero hay que hacerlo de la mano de lo que les gusta para luego ir probando el resto.”

El consumo teatral: Educando a la audiencia

Todo acto teatral necesita de una audiencia, ser presenciado y vivido por unos espectadores que, pacientemente, pueden llegar a maravillarse con lo representado sobre las tablas. Pero el teatro necesita también de una audiencia cuestionadora, reflexiva y arriesgada que pueda salir de su zona de confort y lanzarse a consumir nuevos productos teatrales.

l teatro en Guayaquil tiene una regla: la intermitencia. Así lo mencionaba Ramón Barranco, Director Artístico del Teatro Sánchez Aguilar, en una entrevista en 2013 a un diario local. Esta intermitencia ha construido en la mente de las audiencias un imaginario de discontinuidad tanto en la producción teatral, como en su consumo. Es decir, las personas no saben cuándo habrá teatro para ver. Aníbal Páez, actor y dramaturgo de la agrupación teatral Arawa, comenta que el teatro no debe ser pensado como un espectáculo de grandes masas. “Siempre defiendo que el teatro no es un hecho masivo. Si alguien piensa que lo es, tal vez lo fue en Grecia. Ahora no. Y creo que está bien que no lo sea, no tiene por qué serlo. Si vienen 100 personas a una obra de teatro es todo un evento”. Recientemente, Arawa estrenó “Celeste”, la historia de un guerrero de madera con el don de la ubicuidad. Pero también están las audiencias que no asisten a determinadas obras porque temen no entenderlas. Suelen decir que no van al teatro porque hay obras que no entienden o están mal elaboradas. Para Marcelo Báez, docente y crítico de cine, a las audiencias se las puede educar para que puedan leer críticamente la realidad. Es decir, para que puedan ampliar sus consumos culturales fuera de su zona de confort, de los contenidos que normalmente entenderían sin esforzarse. “Debemos educar a las audiencias para que no se pierdan la esencialidad del arte. Hay que enseñarles que el arte en general es lo único que puede salvarnos del analfabetismo visual. Aquí quiero citar a Yuri Lotman que dice que ‘es mejor conocer la semiótica que no conocerla’”. El alfabetismo visual es “la capacidad de entender y usar imágenes, incluyendo la habilidad de pensar, aprender y expresar en términos de imágenes”

según Hortin J.A. Es también según Bonomo A., la “habilidad de construir significado a partir de imágenes visuales. Para hacerlo, el espectador utiliza habilidades de exploración, crítica y reflexión”. Esta educación que la audiencia debería poseer para poder enfrentarse de forma adecuada al espectáculo teatral, ha sido la motivación para que instituciones teatrales como el Teatro Sánchez Aguilar formen “La Escuela del Espectador”, donde se reúnen actores, gestores culturales y audiencia para tener una conversación sobre teatro. El distanciamiento de las audiencias hacia contenidos que no conocen y por ende, no eligen consumir, traza una brecha entre el llamado teatro popular y de élite. Para Luis Carlos Mussó, escritor y profesor, “se puede acercar a un número mayor de audiencia mediante una actitud un tanto pedagógica, pero también por lo lúdico, tentar el placer de una obra montada como debe ser”. Por otro lado, para Marcelo, esta dicotomía es caduca. “Existe el teatro a secas y punto. No creo que las personas le tengan miedo al teatro, creo que quienes lo administran no le hablan a la masa en el tono cultural adecuado. Hace rato que la cuarta pared cultural se abolió. Cuando digo ‘cuarta pared cultural’ me refiero a esa que impide que el público vaya a las salas. No existe buen o mal teatro, lo que hay es una buena o mala difusión”. Bajo esta misma línea, la producción teatral de los espacios culturales no es regular. Es intermitente como lo mencionaba Ramón. Tiene “picos” altos en unos meses que luego cesan y esto se manifiesta a través de un consumo desordenado de parte de las audiencias, donde la desinformación de las carteleras teatrales es el principal argumento usado para justificar una sala vacía. Aun así, existe una audiencia que no tira la toalla y permanece inmóvil sentada en la butaca del teatro, esperando por un nuevo estreno.

Al momento de organizar una, salida además de preguntarse “quién viene conmigo”, nos encontramos con ciertas variantes como: el acceso, la distancia, el costo, los intereses personales. En estos casos lo más común es ir a lo conocido, o sino a lo que alguien más conoce o nos recomienda, es decir, lo que podría resultar menos complicado.

Cómo hacer un buen plan

¿Pero cuáles son las opciones que tiene el público al momento de escoger qué hacer en Guayaquil? Sin duda la principal actividad La población de Ecuador dedica en es el cine, y la mayor competencia de las artes promedio 10 horas 5 minutos a la semana escénicas. En la ciudad mayoría de los cines a actividades recreativas varias.1 la se encuentran en centros comerciales, con un total de 107 salas (68 de Supercines y 39 de Cinemark) además del IMAX, siendo así lugares que resultan

familiares para quienes asisten a ellos. Al estar distribuidos en las principales zonas de la ciudad facilita uno de los primeros puntos mencionados: la distancia, se puede acceder de acuerdo al momento o lugar en el que se está. La amplia gama de funciones desde la mañana hasta la noche, de lunes a domingo y para distintos públicos, brinda a los espectadores mayor comodidad. A diferencia de otras ciudades como Buenos Aires, que cuenta con alrededor de 200 salas de teatro o Bogotá, con más de 40 en las que se realizan temporadas y festivales de artes escénicas. En Guayaquil los horarios y número de funciones en este ámbito son más reducidos, ya que resulta complicado mantener en cartelera temporadas largas, a excepción del Teatro del Ángel, uno de los pocos teatros que mantiene por varias semanas la misma obra. Al considerar el costo sabemos que un boleto al cine puede costar entre $2,50 y $13, siendo este último el más caro si es un formato 3D y en sala VIP, pero dentro de este rango entran también las promociones semanales que son vox populi: los martes es 2x1, los jueves las mujeres pagan medio boleto, las tarjetas que aplican descuento, lo que le permite al espectador acudir en familia o en grupos sin recurrir a un gasto muy elevado.

Al preguntarles a las personas, por qué no asiste al Teatro, una de las respuestas más comunes es la falta de conocimiento sobre lo que se está presentando, no se entera de las carteleras y si las ven, no les parecen muy llamativas, por lo que resulta más fácil enterarse si es un espectáculo en el que interviene alguna persona famosa que genere una mayor cobertura mediática. La constante interrogante de por qué la gente no considera dentro de sus opciones a las Artes Escénicas para aprovechar su tiempo libre, se desglosa en una serie de excusas impuestas por el público que asiste (y el que no asiste). De acuerdo a Reynaldo D´Amore, Director y Fundador del Club de Teatro de Lima, existen varias falacias comunes respecto al tema entre las que están: el Teatro aburre, el Teatro es caro o simplemente no lo entiendo. Si bien es cierto que para una persona que no lo tiene como top of mind, la alternativa requerirá de una mayor previsión para llevarla a cabo frente a otras opciones más comunes y fáciles.

1 Encuesta de uso del tiempo 2012. www.ecuadorencifras.gob.ec

De carteleras y programación cultural En los últimos años, la producción de actividades culturales en Guayaquil ha crecido exponencialmente. Grupos y demás colectivos teatrales producen espectáculos que buscan ocupar un lugar dentro de la oferta de entretenimiento en las carteleras culturales. Aún así, para muchos, la programación cultural de la ciudad es el secreto mejor guardado.

na investigación realizada por Fernando A. Petrone de la Universidad de Buenos Aires titulada “Estudios de Agenda Setting. Conceptos, metodologías y abordajes posibles”, explica que una de las funciones de los medios de comunicación es la de fijar la agenda pública. Es decir, poner sobre la mesa de debate y en la mente de las personas, los temas de los cuales se hablará en el futuro inmediato. Pero ¿qué pasa si los medios no publican o agendan una noticia sobre un evento cultural? ¿Qué pasa si las carteleras se vuelven inaccesibles tanto para los colectivos teatrales como para el público?

por el valor económico que representa. Los gestores culturales, por ello, usan las redes sociales como una plataforma de comunicación masiva. Sobre esto, Janina Suárez, Directora Cultural en la Fundación Garza Roja, explica que el uso de Facebook ayuda pero no es una garantía de la asistencia del público. “En Facebook se puede contar con 1.000 contactos

Aníbal Páez, actor del colectivo teatral guayaquileño Arawa, ve la función de agenda de los medios como una debilidad. “No hay agenda si no aparece en los medios y eso es un problema terrible porque significa que la comunicación está mediatizada. La alternativa es ver cómo nosotros, los espacios alternativos de teatro, podemos poner en agenda ciertos temas”. Y es que la instantánea y ágil posmodernidad nos ha enseñado que si algo no está en Google, no existe. Walter Lippmann en su libro “Public Opinion” (1922), sostiene que “lo que conocemos del mundo lo conocemos a partir de lo que los medios nos presentan, ya que muchos de los asuntos públicos están fuera del alcance, vista y experiencia directa de los ciudadanos”. Es decir, los medios de comunicación nos dan una perspectiva de lo que está ocurriendo y tiene una relevancia social considerable. Pero ¿cómo es esta aproximación? Ser agendado o pautar en los medios de comunicación resulta en muchos casos inaccesible

a los que remitirás una invitación cuando se crea un evento, pero si haces estadísticas existe una brecha enorme entre las personas que dicen que asistirán y las que van a tu actividad”, indica Janina. Aún así, las redes sociales son uno de los motores principales de información tanto de espacios alternativos como de teatros oficiales. La viralización, una de las características principales del social media, actúa en algunos casos también como agenda porque le dice a las audiencias en qué temas pensar. El estudio sobre el consumidor de artes escénicas en el Gran Guayaquil1 , indica que 83% personas de una muestra de 2000 encuestados no va al teatro. Adicional a esto, del 17% que sí han asistido al teatro en menos de dos años, el 45% manifestó que fueron al teatro cuando eran niños y recuerdan sensaciones de emoción y diversión. Sin embargo, un poco menos de la mitad confiesa que actualmente no asiste al teatro de forma recurrente debido a la “oferta insuficiente”. Es decir, debido a la desinformación se tiende a creer que la oferta cultural es nula o inexistente. Y aunque los teatros con mayores posibilidades inviertan en papelería, en pauta en medios impresos, radio y televisión, hay personas que continúan sin saber cuándo se realizan los eventos culturales. Es como si la agenda cultural fuera el secreto mejor guardado. Para Aníbal, “la gente no se entera porque no quiere, porque no es parte de su consumo inmediato. La página cultural no es muy revisada y no hay una

disposición de tener siempre, de forma permanente, un espacio o una franja así como lo hay para el cine, para el teatro”, indica Aníbal. Para él, este tipo de acciones crearía una especie de cultura de revisión de carteleras y que el público tenga en su mente como una alternativa de entretenimiento, al quehacer teatral. Aún así, ¿cómo podemos acercar al teatro al ciudadano no espectador de teatro? Para Marcelo Báez, escritor y crítico de cine, la única manera de hacerlo “es con elementos de la semiótica, la historia del arte, del teatro, y con brochures que expliquen de manera didáctica lo que se va a ver”. Marcelo cuenta que en una experiencia en Lima, cuando se disponía a ver “La fiesta del Chivo”, le repartieron no un díptico sino todo un catálogo con una docena de páginas que explicaban cada detalle de lo que se disponía a presenciar. Esto es, en parte, educar a una audiencia que todavía ve al teatro como un código lejano difícil de entender. Y mientras esto ocurre, los gestores culturales, actores, programadores y demás, seguirán compartiendo espacios y creando propuestas en la espera de que cada día, más personas se levanten decididas a abrirle los ojos a una realidad distinta: el teatro.

1 El consumidor de artes escénicas del Gran

Guayaquil. Junio 2014. Negocios & Estretagias

Lleno, ¡por favor! ¿Se llenará la sala…? Este interrogante es bien conocido por la consciencia de gestores culturales, directores artísticos, productores, actores… en fin. ¿Cómo no habría de serlo? Después de todo, una alta afluencia del público garantizará la supervivencia de su montaje, proveyéndole un soporte económico y crítico suficiente para justificar y promover su existencia. Existen casos, claro está, en los cuales los artistas escénicos no se sienten supeditados al aforo que alcancen sus montajes. No en vano la creación del ‘arte por el arte’ es un eje del imaginario postmoderno. No obstante, sería peligroso ignorar la estrecha relación que existe entre la necesidad de tener un abundante público y el éxito de una propuesta escénica, particularmente en espacios donde la producción y apreciación artística es aún incipiente, como en el caso de la ciudad de Guayaquil. Y es que es innegable que en comparación a potenciales públicos de magnitudes similares, nuestra ciudad aún se encuentra ‘descubriendo’ qué son las artes escénicas, percibiéndolo con un tinte persistente de novelería, y por consiguiente, como una actividad completamente prescindible; una de las primeras a eliminarse si los medios económicos o la disponibilidad de tiempo se vuelven estrechos. Esto responde a que “el teatro”, como institución, es –y “debe ser”una fuente de diversión por excelencia para el guayaquileño promedio. En nuestra idiosincrasia, el teatro debe ser un lugar para desestresarnos,

para desconectarnos, para no tener que pensar. Si nuestra rutina se encuentra llena de tensiones, ¿por qué habríamos de pagar para sentirnos aún más abrumados por la imponderabilidad de las problemáticas humanas, aproximadas a través de lo artístico? No, definitivamente nos queremos distraer. Así, los guayaquileños tendemos a sentirnos muy llamados a disfrutar de propuestas muy complejas de forma, más no de contenido. Luces, música, colores, acrobacias… todo lo que implique una espectacularidad, un escape de lo cotidiano copa la demanda. ¡Ah! Y las risas. Definitivamente buscamos reírnos para facilitar ese escapismo rutinario. Cabe hacer un paréntesis para destacar que a lo largo del tiempo se prevé un aumento optimista de usuarios de la industria cultural con un perfil mucho más crítico, como producto principal de una profesionalización de la profesión artística y la consideración de las artes escénicas dentro de recursos de protección legislativa. Sin embargo, lo paradójico es que este cambio es que debe estar respaldado por una diversificación de la oferta escénica, con el propósito de asistir en una formación crítica del público. Considerando que lo que se busca es llenar las salas, por otro lado los gestores artísticos no pueden dejar de tomar en cuenta el perfil predominante de expectativas al momento de elaborar su propuesta, sobre todo si aspiran que sea de gran magnitud. Está claro, entonces, que hay un conflicto profundo entre estas situaciones. ¿Qué pasa si no quiero –o no puedo- proponer un espectáculo de estas características? ¿Qué sucede si prefiero dirigir mi trabajo al nuevo público en formación? ¿Será sustentable económicamente? ¿Se llenará la sala…?

¿Cuál es el precio justo? ¿Cuál es el precio justo? El conflicto entre la oferta y demanda respecto a la cualidad de la propuesta escénica no es la única crisis que contrapone a artistas y su público. Estrechamente relacionada a esta tenemos la confrontación de expectativas y realidad en lo que respecta al precio que el público está dispuesto a pagar por asistir a una puesta en escena. Como se mencionó anteriormente, al estado actual del consumo escénico, se cierne sobre el teatro la oscura sombra de la prescindibilidad. Teniendo en cuenta que el principal objetivo del público tiende a ser exclusivamente entretenerse y deslumbrarse visualmente, el cine es percibido como un concepto virtualmente intercambiable con el teatro. Una diferencia los separa a los ojos del público, eso sí, y es que el cine se presenta como un recurso bastante más económico y accesible. Para dimensionar más profundamente esta problemática, debemos tener en cuenta otra cualidad adicional del público guayaquileño; éste por lo general asiste a actividades recreativas en familia. Considerando que el objetivo es divertirse a todo costo en grupos bastante extensos, operaciones matemáticas sencillas evidencian que a menos que la asistencia al teatro sea de muy bajo costo –o la favorita de todos; gratuita- el cine será el rey del público. Existen, claro está, aquellos que diferencian una experiencia frente a otra; más allá de por sus evidentes disimilitudes, por las implicaciones artísticas y desafíos que suponen las

artes performáticas. Sin embargo, particularmente en contextos donde el presupuesto es ajustado, la educación artística limitada y la accesibilidad complicada, no es de extrañarse que el teatro ocupe un plano completamente incidental como propuesta de entretenimiento. Esto supone una nueva lucha en la realidad de los gestores artísticos; no sólo deben aspirar a hacer espectáculos de gran complejidad de montaje y dexteridad de interpretación, sino que también deben lograrlo bajo un presupuesto ínfimo. En la práctica, alcanzar ese estándar de producción es inalcanzable, puesto que los costos por mantenimiento de las salas, actualización de equipos, iluminación, y los múltiples otros rubros necesarios para el montaje implican altísimos costos. Por otro lado, se crea un conflicto moral y profesional a partir de ello, ya que, ¿pueden ser verdaderamente apreciadas las artes si se convierten en un negocio cruento en competencia constante por una clientela? ¿pueden serlo si se conciben como una fabricación que no tiene un piso monetario en su oferta? ¿pueden serlo si los artistas deben ceder creativamente de manera constante para proveerle viabilidad económica a sus proyectos? Empieza a sonar cada vez mejor la idea de hacer sólo arte por arte.

¿Cuánto cuestan las Artes?

or muy tentador que parezca hacerlo, negar y disasociarse de la dinámica cultural de la ciudad poco hará en la práctica para garantizar la supervivencia de las artes escénicas. Al encontrarse en la encrucijada entre la producción de un material económicamente viable y cualitativamente rico, las entidades gubernamentales parecerían ser el deus ex machina que viene a rescatarlos de la cesión de creatividad en virtud de la prevalencia sobre la escena. Sin embargo, también de manera similar a este recurso escénico, este apoyo administrativo tiene un trasfondo problemático. La búsqueda de recursos gubernamentales es teóricamente la mejor -y a veces, la única- solución ante el montaje de una propuesta de gran maestría técnica y artística pero poca alineación con las expectativas del público. El respaldo de estos proyectos permite romper con el círculo vicioso que prevalece en el mundo escénico; si se producen propuestas de mejor

calidad de contenido, el público desarrollará mejores herramientas de análisis, por lo que la matriz de la demanda cambiará, exigiendo y consumiendo nuevo material de calidad en detrimento de propuestas de escaso contenido conceptual. Cabe recalcar que este es un proceso de largo aliento, puesto que supone la modificación de una serie de pautas culturales profundamente embebidas socialmente. Suponer que en unos cuantos años la inyección de recursos traerá cambios altamente tangibles es poco realista, pero desalentarse por ello es poco visionario. Si bien la adjudicación de fondos a partir de la presentación de proyectos artísticos correctamente redactados y fundamentados resulta un mecanismo que provee esa solvencia económica que necesitan precisamente aquellas propuestas de mayor complejidad conceptual, existen tropiezos evidentes de este sistema. El proceso tiende a ser tedioso, con múltiples restricciones procedimentales y de formato que no

resultan claras a todos los potenciales participantes. Adicionalmente, tienden a estar centralizados en oficinas institucionales ubicadas en la capital, que aunque posean departamentos subalternos en otros lugares del país, no se encuentran cohesionadas informativa ni logísticamente. Esta ineficacia del proceso deja entrever las razones por las cuales la migración de artistas ha sido tan alta en el país; si éstos no se encuentran en el mismo lugar en el que los fondos concursables son convocados, entonces sus posibilidades de recibirlos son extremadamente bajas. Debido a que la asignación de recursos tiende a ser superior en la capital (con una diferencia de 20.5 a 1), producto de la migración de artistas y de la falta de accesibilidad a las instituciones otorgantes, los gestores artísticos costeños

reproducen una idea –justificada o no- de discriminación por regionalismo, lo cual desanima una posterior participación y mejoramiento de sus propuesta creativas. Asimismo, tiende a crear animosidad entre los concursantes guayaquileños, los que construyen una rivalidad a partir de la competencia por las escasas asignaciones a las que pueden ser acreedores. Cayendo en estas falencias, el desánimo se intensifica entre los productores culturales una vez más, los que se resignan a tener que plantear nuevas propuestas que resulten más factibles económicamente. Y así, vuelve a empezar el proceso. Los artistas se preguntan, de nuevo: ¿Se llenará la sala…?

Más allá de lo ancestral D

entro de nuestra consciencia colectiva, la idea de que la mejor formación de artistas se encuentra en cualquier país menos en el nuestro es, por decir lo menos, frecuente. Esto lleva a que aquellos que poseen la oportunidad aspiren a buscar lugares de formación o inspiración en el extranjero, donde puedan empaparse en una dinámica social que contenga una densidad mucho mayor de propuestas artísticas y culturales. Lo problemático de ello es que al momento de aplicar estos nuevos referentes a su país de origen, estos artistas se implantan con un bagaje de contenidos formales y conceptuales que difieren de las expectativas temáticas que se proyectan hacia los artistas ecuatorianos (y latinoamericanos en general). Tales expectativas no nacen únicamente del público o de la crítica, sino que residen en una problemática mucho más estructural, inherente a la supervivencia misma de las artes en este medio; la asignación de recursos financieros estatales. Así, el contenido de las propuestas artísticas se limita por una serie de parámetros –muchas veces arbitrarios- enunciados por un aparato Estatal que busca perpetuar un discurso en una variedad de medios diversos. En el caso ecuatoriano actual, es evidente que tal discurso se vierte hacia un ‘rescate’ o ‘revalorización’ de las culturas ancestrales, como un hipercorrectismo que camine hacia traer a colación de manera muy evi-

Asignando recursos para el Sistema Nacional de Festivales

Lo multidisciplinario tiene mayor peso porque

“es más visible ante un ministerio que apunta a una idea amplia de lo ecuatoriano”. Si se revisa el listado final se observa a ganadores en danza intercultural, literatura kichwa, saberes ancestrales, y murales sobre diversidad cultural. Gestor cultural Juan Reinoso, entrevistado por diario El Comercio

dente –a veces incluso agresiva- el tema de lo autóctono. Si bien es completamente válido buscar hablar de estos temas tan importantes para la construcción de una identidad nacional cohesiva, coaccionarlos a aparecer de una manera específica dentro de las manifestaciones artísticas fundadas por el Estado es igual de peligroso que invisibilizarlas. Ver a lo autóctono bajo una luz tan enfáticamente positiva cae en el peligro de no ser sólo condescendiente, sino también exotizante.

Frente a esta condición, se plantea un desafío: aceptar los referentes externos al momento de formular un lenguaje artístico, pero al mismo tiempo comprender que no son los únicos válidos. No se trata de enaltecer lo extranjero frente a lo autóctono, pero tampoco de movernos al extremo opuesto. Después de todo, utilizar el arte de manera instrumental para transmitir un discurso unificado revierte el espíritu crítico que tiene por definición.

[A los artistas que estudian en el exterior] Se les acepta el contagio temporariamente, porque están recién desembarcados, pero se les hace enseguida la advertencia infaltable: se espera de ellos que al contacto con el ambiente, el hombre y la naturaleza autóctonos entregarán –con el entusiasmo debido-, el “mensaje americano” a que están obligados por su nacimiento. Marta Traba “El problema de la existencia del artista latinoamericano” 1957

Una industria en desarrollo

Entre los años 2007-2013 el presupuesto destinado para actividades culturales en el Ecuador se incrementó en un 65%.

-Ministerio de Cultura-

uando hablamos de industrias culturales, nos referimos a una sección que actualmente se encuentra en desarrollo. El pasado nos ha demostrado que esta industria no ha sido priorizada, lo que ha repercutido hasta la actualidad por la falta de leyes y políticas culturales en el país que permitan el desarrollo de espacios y públicos culturales. La constante preocupación de las personas involucradas ha permitido que esta industria no se estanque y siga creciendo, sirviendo como un apoyo a lo social y cultural. Pero ¿qué son las industrias culturales? De acuerdo a la UNESCO “las industrias culturales se refieren a todas aquellas industrias que producen y distribuyen bienes o servicios culturales”; dentro de esta nos encontramos con una materia prima que es la creatividad, ligada a las artes y a la cultura; así como los derechos

de propiedad intelectual. Contribuyen a este sector 6 ramas importantes que son la música, lo audiovisual, el diseño, los videojuegos, el sector editorial y las artes escénicas que serán los medios que generan lo que en toda industria se llama ganancias y empleo. En los últimos 10 años se ha dado una gira en cuanto a políticas culturales. En el 2006: Se crea el Consejo Nacional de Cinematografía (CNCINE) y al siguiente año (2007) se instaura el Ministerio de Cultura del Ecuador y el Ministerio de Coordinación de Patrimonio ambos encargados de velar por las políticas y organismos que fomentan el intercambio cultural. En este mismo año y hasta la actualidad se discute la Ley 1 Enclave Cultural (Mayo 2014) Economía cultural. La Economía de la Cultura en Ecuador (Año 4 - Nº 3) p. 10-

Orgánica de Cultura, pero eso no ha terminado de regular la falta de información, de indicadores y de datos que permitan la creación de políticas culturales coherentes con las necesidades del país y de la ciudad de Guayaquil específicamente. Si bien entre los años 2007-2013 el presupuesto destinado para actividades culturales en el Ecuador se incrementó en un 65%1 , nos encontramos ante la realidad que no existe un índice actualizado del aporte de las industrias culturales al PIB en los últimos años. En el año 2011, se realizó el Censo de las Artes Escénicas y a pesar de presentarse los resultados estos no se encuentran en las páginas correspondientes, una iniciativa que permitiría conocer el número y perfil de los trabajadores en el sector cultural.

En la actualidad, Ecuador se encuentra trabajando en la construcción metodológica de la Cuenta Satélite de Cultura la que arrojó una cifra aproximada del 1,64% del PIB referente al aporte económico de 4 sectores culturales: la música, las artes visuales, el sector editorial y el audiovisual esto hace cuatro años, es decir, en el 2010. Entre estas la edición de publicaciones periódicas resulta ser una de las actividades culturales que aportó un crecimiento de 6,3%, pasando a generar alrededor de $373 millones de dólares en 2005 incrementándose a $500 millones de dólares en 20102. En la siguiente gráfica se muestra la tasa de crecimiento de las ramas relacionadas a la cultura.

2 Enclave Cultural, Publicación del Sicsur (Septiembre 2012). Mapear, medir, diagnosticar (Año 2 – Nº 2) p 13.

Fuente: Cuenta Satélite de Cultura- DANEMinisterio de Cultura (Extracto de Enclave Cultural, Publicación del Sicsur, Mayo 2014)

Como se puede observar el periodo 2007-2013, la industria de fabricación de papel y productos derivados –libros, diarios y otras publicaciones- tuvo un crecimiento promedio de 3,8% y la industria de entretenimiento, recreación y otras actividades de servicios- incluye sector audiovisual y radio- 2,9%

LA CULTURA SINDICAL SE AFIANZA EN LOS ARTISTAS DE GUAYAQUIL E

l mundo conoció el 1 de mayo de 1880, en Chicago, EE.UU., el alcance de las luchas sociales en beneficio de los derechos de los trabajadores, cuando los obreros fabriles se alzaron en huelga con el objetivo de mejorar sus condiciones laborales.

“Ninguno de nosotros es más importante que el resto de nosotros” Ray Kroc

La historia se repitió más tarde, en otro mayo, esta vez en París, Francia, 1968. En esta ocasión, ya no involucró sólo obreros, sino también una sociedad estudiantil que se reveló contra los problemas económicos y sociales que acarreaba el país. En ambos casos, la gremiación fue un objeto clave. Estos magnos colectivos buscaban un fin común; una representación ante las relaciones de poder.

El pasado 4 de junio fue inaugurada en Bogotá, la Asociación Colombiana de Actores, con una apertura de 700 artistas. Esta agrupación nació del interés de defender los derechos de su gremio, según contaron sus gestores, entre ellos varios actores de televisión y teatro. Si bien es cierto, la agrupación actoral en el vecino país está conformada recientemente, en Ecuador

los artistas se encuentran en el curso de una consolidación sindical también fresca. En abril del 2012, se erigió la asociación de Teatreros Casa del Teatro, organismo que nació de la necesidad de organizar la dispersión de los grupos dedicados al arte escénico en Guayaquil. Este gremio, que actualmente mantiene sus actividades en el bar galería “Barricaña”, cuenta en la actualidad, con la afiliación de 180 artistas, el 30% en activo. “En abril del 2012 pudimos concretar, gracias al Ministerio de Inclusión Económica y Social (MIES), la primera asociación teatral en la ciudad, en parte por el esfuerzo de ser reconocidos por los organismos estatales. Esto, por poseer un estatuto con marco jurídico”, explicó Héctor Garzón, Presidente de la entidad. El histrión resalta que la importancia de la existencia de la asociación radica en el objetivo de defender los derechos de los artistas así como la creación de una Ley de Culturas. “Lo que tratamos de hacer es luchar por políticas culturales que reemplacen a las viejas prácticas de subsistencia a las que hemos sido sometidos. Nos hemos reunido con las autoridades estatales y les hemos planteado la profesionalización, seguridad social y estabilidad laboral, derechos de una Ley de Culturas”. Para Virgilio Valero, actor y miembro del grupo Gestus, afiliado a la Casa del Teatro, una de los puntos más importantes de la entidad es que acoge a todos los artistas involucrados en las artes escénicas. “La asociación está reuniendo a todos; profesores, estudiantes, técnicos, directores o artistas circenses, porque se entiende que están buscando una presencia”.

En la misma línea, se presentó en febrero pasado una iniciativa liderada por Uniarte que busca revalorizar las condiciones laborales de los actores en televisión. Con la campaña, Es el momento de actuar, un grupo de histriones ecuatorianos difundió un video en el que repiten el lema “estoy firme y no firmo”. Los músicos, por su parte se encuentran más regulados, como en la Sociedad de Autores y Compositores del Ecuador (Sayce), entidad que se encarga de distribuir los fondos por derecho de autor. “En la Sayce hay 1.800 afiliados a nivel nacional. Guayaquil tiene una presencia del 30% del total. Nuestro objetivo es ser intermediarios para que los artistas cobren sus regalías. Además, cuentan con seguro de vida, seguro médico y auspicios, los cuales son de hasta 36.000 dólares al año.”, explicó Troi Alvarado, Titular de la entidad. Por otro lado, Eugenio Hadatty, secretario general del Sindicato Nacional de Músicos “Guayaquil”, cuyos orígenes se remontan al año 1938 en la urbe porteña, contrasta esta postura y propone soluciones. “Nosotros demandamos seguridad social. Pero también ofrecemos planificar un registro nacional de artistas para conseguir el Derecho del Buen Vivir. Queremos avalar esa inscripción”. Aunque con diferentes perspectivas, los partícipes en las artes escénicas coinciden con esa visión integradora que vio su origen en la lucha laboral de finales del siglo pasado, la misma que hoy en día busca darle valor a otra actividad igual de integral y más sensible para la sociedad; el arte.

El estudio, la experimentación y la diversión del teatro.

Obras “Celeste” Dramaturgia y dirección de Aníbal Páez y producción general del Teatro Arawa de la Universidad de Guayaquil. (2014) “Soliloquio Épico Coral” Dramaturgia de Aníbal Páez- 2010

fIcha Equipo 6 personas

“La comparsa” – pasacalle-. (2006)

Capacidad 70 personas

“Sancho Panza en el país de la balanza perdida”, dramaturgia de Arawa sobre textos de varios autores - versión para teatro de calle-. (2005)

Dirección Calle Chile y Av. Olmedo, entrando - por el parqueadero de la Casona Universitaria-

“Camas calientes”, creación colectiva. (2004)

Teléfono 2511572

“La apuesta de Don Tuto” de Isidora Aguirre. (2003)

Facebook Teatro Arawa

“El chorro” - teatro infantil-. (2002)

E-mail teatroarawa@gmail.com

“Pobre papá”, de Raúl Pérez Torres. (2001)

Parqueo Sí

“Muero, luego existo” de Jorge Díaz. (2001) “S+S=41”, del grupo quiteño Ollantay de Quito. (2000) “El habitante amenazado”, de Hugo Salazar Tamariz. (2000) “Farsa y justicia del señor Corregidor”, de Alejandro Casona. (1999) “Encuentro de Bolívar y su maestro Simón” -varios textos-. (1999) 40

“La fuerza del hombre”, de Oscar Liera. (1998)

TEATRO ARAWA N

ace en la Universidad de Guayaquil, en los años ochenta bajo la iniciativa de Juan Coba como, un proyecto universitario dentro de la Facultad de Filosofía con el que se buscaba incentivar la participación de los estudiantes en la práctica teatral. Con el pasar de los años, se fue convirtiendo en el grupo de teatro representante de la Universidad, a partir del año 2005, inició un nuevo proceso que lo lleva a conformarse como un grupo profesional de teatro, manteniéndose como parte de la Universidad de Guayaquil. Dentro de sus actividades constan: Festival ENTUPE, que en la actualidad cuenta ya con 18 ediciones. Encuentro de Teatro Popular Latinoamericano ENTEPOLA-Ecuador, con 11 ediciones Taller de teatro Universitario, abierto a estudiantes de la Universidad de Guayaquil y público en general, que es gratuito. En la actualidad Teatro Arawa sigue siendo dirigido por Juan Coba, añade Aníbal Páez que es gracias a “su insistencia a través de los años, y quien insistió en la Universidad para consolidar un grupo estable” lo que ha permitido que se mantenga un elenco estable, ensayos diarios con los que se trabaja en muestras y festivales nacionales e internacionales.

Entre los principales propósitos de la agrupación está el de “consolidar la sala como espacio alternativo de las artes escénicas con programación permanente e ininterrumpida local, nacional e internacional”. En el 2014 su última creación, “Celeste”, bajo la dirección y dramaturgia de Aníbal Páez, ganó en la categoría de Teatro dentro del marco del Concurso Nacional de Proyectos para el Fomento de la Circulación de las Artes, organizado por el Ministerio de Cultura. Como suma a las actividades de programación se mantiene un laboratorio permanente con los integrantes del grupo, de esta forma Grupo Teatro Arawa ha consolidado una visión del teatro, en el que los aportes teóricos prácticos aportan a un teatro experimental, que “da al público la oportunidad de hacer su propia lectura acerca de lo que ve”. Bajo este concepto continúan anualmente con el Encuentro de Teatro en Comunidad ENTEPOLA, llevado a cabo durante las fechas de la Fundación de Guayaquil, en el parque Stella Maris del Guasmo Sur, al sur de la ciudad. Su trayectoria cuenta con la participación en diversos festivales dentro y fuera del país, como el VII Festival Internacional de Teatro de la UCSUR, el Festival Internacional de Teatro y Danza La PlataArgentina, el Encuentro Internacional Ciudad de Lincoln y el Encuentro Internacional Ciudad de Benito Juárez.

“Es importante mantener un espacio alternativo de las artes escénicas con programación permanente e ininterrumpida local, nacional e internacional”. – Anibal Paez

NÚCLEO DEL GUAYAS

CASA DE LA CULTURA ECUATORIANA M

ientras el mundo entero vivía el fin de la Segunda Guerra Mundial, en Guayaquil se levantaba la Casa de la Cultura Ecuatoriana Núcleo del Guayas. Un año antes, en 1944, se había fundado en Quito la sede oficial de la Casa de la Cultura, bajo el pensamiento del escritor, periodista e intelectual ecuatoriano Manuel Benjamín Carrión: “ennoblecer y rectificar los destinos de la patria”. En un inicio, sus miembros eran 14 intelectuales cuya concepción del arte no incluía representaciones populares. El teatro debía ser, en cierta forma, “culto”. Hoy los miembros son 9 entre escritores, artistas, gestores culturales y personalidades del medio cultural de la ciudad. Y las manifestaciones artísticas son ahora diversas y multidisciplinarias. En Guayaquil, la CCE está formada por seis pisos. En el primero está la Pinacoteca Dr. Manuel Rendón Seminario; en el segundo, la Biblioteca Aurora Estrada y Ayala; en el tercero, la sala de Teatro José Martínez Queirolo; en el cuarto, el Auditorio Grupo de Guayaquil; en el quinto, la sala de cine, el Nuevo Auditorio Centenario; y en el último, la Sala de Oro Carlos Zevallos Menéndez. Este último está en un proceso de rediseño mientras que la biblioteca se encuentra cerrada por remodelaciones. Y es que durante años, la CCE subsistió como un organismo independiente y atravesó una crisis en su infraestructura que continúa hasta nuestros días, pero desde el 2007, recibe apoyo del Ministerio de Cultura. Aún así, la autogestión se ha mantenido. Raúl Pérez Torres y Gabriel Cisneros son el binomio que asumió la dirección de la CCE hasta el 2016. En una entrevista a un diario local, Pérez Torres mencionó el mal estado en el que se encuentran las instalaciones desde hace años por falta de presupuesto.

Orellana, Sucumbíos, Bolívar, Los Ríos, entre otros. Son en total 23 núcleos que fueron formados según las necesidades de las provincias. La sede del Guayas, por ejemplo, cuenta con la “Sala Infantil Ruth Garaicoa”, que mantiene un espacio continuo llamado “Sueños de Papel”, en donde se realizan talleres de lectura gratuitos todos los días sábados. La CCE también tiene un espacio destinado al cine, la Cinemateca, y una Unidad de Danza, dirigida por la bailarina Yelena Marich. Es, en grandes términos, una casa donde conviven las artes. Recientemente cumplió 70 años y cuenta, como en muchas familias, con la sabiduría y la experiencia de los abuelos. Es sin duda, un espacio que invita a la creación artística y a mantener presente a la cultura en la ciudad. En 2014 se cumplieron 70 años desde su fundación,

fIcha Capacidad 155 personas

Equipo Presidenta, vocales, administrativo y financiero.

Además de la matriz en Quito y la sede en Guayas, la CCE tiene núcleos en Azuay, Esmeraldas,

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Dirección Av. 9 de Octubre 1200 entre Av. Quito y Pedro Moncayo. Teléfono 2300500 - 2304999 - 2304998 E-mail info@ccng.org.ec Parqueo En la calle

El Salón de Octubre (en 2014 celebrará su edición número 56) Concurso de Literatura Ileana Espinel se realizan anualmente.

obras

“El maíz, alimento sagrado” y “Felinos precolombinos” en el Museo de Arte Precolombino Carlos Zevallos Menéndez, 2do piso. (2014)

5ta edición de la Gala de Danza Contemporánea. (2014). Festival Internacional de Coros. (2014)

Muestra colectiva de escultura “Utopía y Realidad” en la Pinacoteca Manuel Rendón, 1er piso. (2014)

Las “Noches del Óscar” se realizan todos los meses.

Festival de Teatro José Martínez Queirolo. (2014) “Adobe”, Ensamble Musical de Barro, Schuberth Ganchozo. (2014)

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Fundación Sociedad Femenina de Cultura-

Teatro Centro de Arte Responsabilidad Social

esde el año 2006, a través del Programa Social Semilleros, trabajamos en la formación artística de niños que estudian en escuelas fiscales de la zona norte de Guayaquil. En la actualidad el programa brinda instrucción gratuita a cerca de un centenar de niños de escasos recursos que no pueden acceder a las escuelas de arte privadas de la ciudad.

Profesionalización del arte Con el afán dar continuidad al desarrollo profesional de artistas locales, el Teatro Centro de Arte (TCA) posee dos agrupaciones de artistas que llevan su nombre: Orquesta de Cámara TCA y Ballet TCA, quienes complementan la oferta cultural continua de la institución hacia la comunidad.

Cuando hace 48 años diez mujeres presididas por Inge Brückmann apostaron a la creación de la Sociedad Femenina de Cultura, tal vez no midieron los alcances de su sueño. El tiempo transcurrido nos ofrece hoy una visión real y óptima de aquel sueño: una Fundación, que a través de su Teatro Centro de Arte, se encamina al medio siglo de servicios y nadie duda que se ha convertido en la entidad más representativa de la sociedad guayaquileña en materia de fomento cultural y artístico, de mayor trayectoria. Debemos visualizar correctamente el papel que nuestra Fundación cumple en nuestro medio: Por un lado, una incansable labor didáctica de naturaleza incuestionablemente social, y por otro está su vinculación a las expresiones artísticas y espectáculos de artistas nacionales y de aquellos extranjeros que marcan la pauta del desarrollo artístico en el mundo contemporáneo.

Historia Sociedad Femenina de Cultura, reconociendo la necesidad de construir un teatro con las condiciones y comodidades acordes a las exigencias del mundo moderno, pone en marcha en 1976 el anteproyecto de un Teatro para Guayaquil. Se decidió que el proyectado teatro se complementara con un Centro de actividades artísticas, que diera vida y continuidad a la obra. Con el apoyo económico público y privado se inauguró el “Teatro Centro de Arte: León Febres Cordero” el 20 de Enero de 1988.

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Teatro Principal Dotado de una impecable infraestructura, se asienta en un área total de 9.000 m2. Sus actividades se desarrollan en un edificio principal de 5 plantas y 3.000 m2 de construcción. El aforo del Teatro Principal es de 869 butacas: 578 Platea Baja y 291 Platea Alta. Está diseñado para atender requerimientos de personas con discapacidad motriz, con aparcadero para 450 vehículos y servicio de vigilancia permanente. Su escenario posee dimensiones apropiadas para todo tipo de producciones, cabina de control técnico y vestidores. Personal especializado presta servicios de montaje y operación de las áreas de iluminación, sonido y tramoya.

Teatro Experimental Con vestíbulo y boleterías independientes, y características técnicas similares a las del Teatro Principal, el Teatro Experimental, cuenta con un espacio de 250 butacas.

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fIcha

Capacidad 869 personas en la sala principal 250 personas en la sala experimental. Dirección Km. 4.5 Vía a Daule Teléfono 2003699 – 2004465 Pág. web www.teatrocentrodearte.org E-mail info@teatrocentrodearte.org Parqueo Sí 45

TEATRO DEL ANGEL E

l Teatro “Del Angel” se inauguró el 10 de junio de 1994. Fue creado como un espacio cultural independiente. Siempre se ha mantenido abierto de manera ininterrumpida durante todo el año para el disfrute del público guayaquileño. Ofrecen espectáculos los fines de semana -viernes y sábados a las 9 p.m., y los domingos a las 8 p.m.-. Realizan una función diaria y constan de la misma cartelera por un periodo de dos a tres meses. Reconocidos grupos de teatro y actores independientes se han presentado en el Teatro: Azul Profundo, de Quito, Impromaniacos, de Colombia, Ariel Varela, Sarao, Gestus, Kurombos, entre otros. El Teatro “Del Angel” pertenece al grupo de Teatro “La Mueca”. Este equipo de actores reconocidos por su larga trayectoria, empezó en el año de 1984 como resultado de un taller de investigación y estudio en artes escénicas, bajo la dirección del actor Oswaldo Segura. El objetivo del grupo es multiplicar y fortalecer el campo teatral en el país. El grupo de teatro “La Mueca” está en constante búsqueda de un lenguaje teatral que, a través de la investigación, confronte el aspecto socio-cultural que se vive en el Ecuador.

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Adicional, ofrecen otros servicios como cursos de actuación dictados por Oswaldo Segura y Sandra Pareja, al igual que sketchs para empresas. Dentro de sus planes a futuro está continuar trabajando como lo han venido haciendo y seguir desarrollándose como actores, creando nuevos públicos, enseñando, y difundiendo el teatro, sostiene Segura.

Obras

“El hombre que vendió su alma”. (2014) “Pareja Segura”. (2010-2014) “70 y 20”. (2013) “El Viudo”. (2011)

fIcha Equipo Grupo “La Mueca” Capacidad 150 personas Teléfono 2380585 – 0989375593 Dirección Bálsamos 620 entre Las Monjas y Ficus Pág. web www.teatrodelangel.com E-mail info@teatrodelangel.com Parqueo En la calle

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TEATRO ELOY ALFARO Su característica principal es su forma: está cubierto por una cúpula que lo hace destacar de las demás construcciones cercanas

l Teatro Centro Cívico “Eloy Alfaro” representa, por sí solo, una tradición en la ciudad. Fue construido en 1970, pero fundado 20 años después en la presidencia de Rodrigo Borja, aún sin tener una edificación completamente finalizada. Su característica principal es su forma: está cubierto por una cúpula que lo hace destacar de las demás construcciones cercanas. Con 1 522 butacas, es el escenario más grande de Guayaquil. Por él han pasado miles de artistas de la talla de Joan Manuel Serrat y Mercedes Sosa. La Orquesta Sinfónica de Guayaquil (OSG), una de las entidades adscritas al Ministerio de Cultura y Patrimonio, tiene su sede institucional ahí desde el 2009 y es la encargada de administrar y coordinar los eventos que se lleven a cabo tanto en el teatro principal como en el mini teatro. Los ensayos y presentaciones de la orquesta tienen lugar también en el Teatro Eloy Alfaro. Una parte de sus instalaciones es usada como aulas de clase del ITAE (Instituto Tecnológico de Artes del Ecuador), especialmente el mini teatro, donde los estudiantes realizan presentaciones constantes, muchas veces experimentales. Todos los espacios que comprende el Teatro, bajo la administración del Ministerio de Cultura y Patrimonio, fueron diseñados por Oswaldo Guayasamín.

En 2009 el Teatro fue remodelado y se incluyeron rampas, salidas de emergencias y se rediseñó el sistema acústico de la sala. En sus exteriores, se realizan también festivales, conciertos, obras de teatro y más actividades culturales mayoritariamente gratuitas. Claudio Vélez, administrador del lugar y de la Plaza de Artes y Oficios, explica que, para acceder a los espacios del Teatro Eloy Alfaro, se le debe realizar una solicitud al Ministerio de Cultura y Patrimonio. De igual manera, añade que no existe censura a ningún tipo de expresión artística. Es importante mencionar que el Ministerio de Cultura y Patrimonio ha organizado actividades culturales en ese espacio. Han realizado múltiples presentaciones culturales junto con las Embajadas de Japón, China y Corea. Desde el 2013, el Teatro Eloy Alfaro ha sido la sede de las audiciones y grabaciones del programa “Ecuador Tiene Talento”. En 2014, el espacio volverá a ser usado para producir este reality show. Y es así como en medio de la naturaleza, continúa erigido desde hace más de 40 años un Teatro en forma de cúpula que ha sido una presencia visible de las artes del Ecuador.

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La Orquesta Filarmónica Alemana de Cuerdas. (2013) Grabaciones del concurso “Ecuador tiene talento”. (2013) Elección Miss Ecuador. (2013) Noche de gala del pasillo. (2012) Ensamble de música gregoriana Rustavi. (2011) Reina del Guayas. (2011) Sweeney Todd, producción de la Fundación Teatro Nacional Sucre de Quito. (2010)

La OSG tiene su sede

Ha recibido a artistas como Joan Manuel Serrat, Mercedes Sosa, entre otros.

institucional en el teatro

actividades

desde el 2009.

fIcha Capacidad 1 522 personas

Dirección Avenida Quito y Bolivia Teléfono 2582794 E-mail comunicacioncclsb@culturaypatrimonio.gob.ec Parqueo Sí

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Una plataforma para impulsar el encuentro y la creación artística.

LA FABRICA CUERPO ESPACIO

a Fábrica, cuerpo espacio nació como un sueño de su creadora y actual directora, Nathalie ElGhoul, para poder crear un espacio interdisciplinario de formación de danza contemporánea regido por una visión distinta del cuerpo, donde el bailarín se confronte a un reto profesional, una labor que debe trabajarse a largo plazo. Muchas de sus creaciones han recibido reconocimientos que les ha permitido mostrar su trabajo en diferentes ciudades del país. Dentro de constan:

sus

actividades

Clases con diferentes profesores

en las siguientes disciplinas: Danza Flamenca, Capoeira, Yoga, Teatro y Tango. En Danza Contemporánea se otorga un valor preferencial para bailarines. Nathalie comenta que este espacio nace en Julio del 2010 como una escuela con énfasis en la danza contemporánea, pero con el propósito de convertirse en un espacio alternativo para las artes escénicas. Además de las actividades que realizan, conceden un apoyo con becas a personas que consideran que tienen talento y no poseen los recursos para poder realizar una carrera en danza contemporánea. Junto con Aníbal Paéz quien trabaja también en Teatro Arawa, sacan adelante este proyecto, regularmente este espacio se gestiona con la modalidad “teatro a la gorra”, es decir, dejan al público hacer una contribución voluntaria de

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“La Fábrica es un espacio de confluencia de la gente que está haciendo danza en Guayaquil”.

fIcha

Capacidad 100 personas en la sala de la planta alta y 30 personas en la sala de la planta baja Dirección Guayacanes 215 y 2da.Urdesa Central Teléfono 2888893 – 0991616046 Facebook La Fábrica Email lafabrica@gmail.com

tal forma que ellos valoren lo que están viendo en base a su propio criterio. Además, dentro de las instalaciones se difunden y promueven diferentes actividades dancísticas como capoeira, tango, flamenco y teatro.

Parqueo En la calle

Anualmente La Fábrica es sede de La Residencia Internacional de Danza Contemporánea, esta la realiza en colaboración con el Goethe Institute y el Centro Cultural Ecuatoriano Alemán. Para esta residencia se gestiona la visita de una bailarina y coreógrafa desde Alemania, que durante 3 ó 4 semanas realiza en Guayaquil un taller-montaje con bailarines y bailarinas del país, que acuden a una convocatoria y previa audición. Desde el estreno en el 2013 de “Pura” obra ganadora de los Fondos concursables del Ministerio de Cultura, en la categoría de Difusión y Circulación 2013-2014, con la que se realizó una gira nacional de marzo a mayo del año 2014 se pretende lograr formar un elenco estable para el laboratorio y creación de una “compañía profesional de danza, y adecuar las dos salas que tenemos con la infraestructura técnica básica para poder mantener una programación continua y de alta calidad en artes escénicas, con énfasis en la danza contemporánea”.

OBRAS

“Pura” obra de danza contemporánea dirigida por Nathalie Elghoul. (2013)

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Teatro experimental, impro, y obras desde la sala de una casa en la Zona Rosa.

Teatro Casa Fantoche

ace 29 años, Ruth Coello y Hugo Avilés decidieron dedicar sus vidas al teatro. Y hace 16, formaron juntos el Teatro Casa Fantoche. Pero es más que una casa antigua ubicada en la Zona Rosa con máscaras pintadas en los ventanales, es un espacio de creación teatral, talleres, cursos, juegos, charlas e impro, donde todos son bienvenidos. Y aunque hace 2 años, Coello y Avilés tomaron caminos distintos, el Teatro Casa Fantoche sigue en pie. La sala es el espacio donde se realizan las obras y demás actividades vinculadas al teatro. “Es una salita pequeña que nos ayuda, se auto sostiene, pero no vivimos de lo que produce la sala”, señala Hugo. La forma que Avilés encontró para vivir del teatro y mantener la sala fue incluir talleres, producciones y trabajos adicionales en la sala: proyectos, contratos externos con empresas, etc. Teatro Casa Fantoche cuenta con un segundo salón, espacio donde se dictan clases y por las noches se convierte en cafetería; un salón de audiovisuales; una oficina que al mismo tiempo funciona como sala de reuniones; un camerino; un vestuario; una sala de huéspedes; una bodega y una cocina.

La programación de la sala la decide el Director Artístico y Gerente del espacio, Hugo Avilés. “Hay un tipo de trabajo de especialización en el que Fantoche es pionero: la impro, que casi inevitablemente es comedia. Hacemos también teatro experimental, que es generalmente un poco más dramático. La sala entonces, no está diseñada ni condicionada al gé-

nero de comedia, drama, o tragedia. Sino más bien, a lo apasionante que resulte una pieza con respecto a su propuesta artística” agrega Avilés. Su vinculación al teatro como actor se remonta a 1984. “He hecho todo lo concerniente a la producción teatral y escénica. En ese tiempo nos llamábamos ‘Luz y Sombra’. Empezamos con una obra de José Martínez Queirolo el 21 de mayo de 1984, y ya se cumplieron 30 años desde ese día”, dice Avilés. De la misma forma, la polifacética y experimentada cabeza detrás del Teatro Casa Fantoche explica que el trabajo técnico de luces y sonido se realiza casa adentro. “Es bastante artesanal el proyecto, pero no hay pretensiones. Para las necesidades de lo que presentamos acá es suficiente. Hay que trabajarlo como todo un negocio, pero no nos enriquecemos”, indica Avilés. Las obras que Teatro Casa Fantoche produce se promocionan con papelería; en medios tradicionales, y a través de redes sociales. “Ahora se está usando mucho hacer un teaser de cada evento y subirlo a las redes como promoción”. De todas, para Avilés, la más efectiva sigue siendo el boca a boca. “Es inmejorable ese método de promoción y representa del 30% al 40% del público que asiste a la obra”, agrega. Y así es como día a día Hugo sostiene en sus brazos al teatro que ha sido su hogar durante los últimos 30 años, la Casa Fantoche.

“Han sido 30 años en los que hemos hecho maravillas”, comenta Avilés.

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fIcha Equipo 3 personas

Capacidad 50 personas Dirección Rocafuerte 264 y Loja Teléfono 2305582 Facebook Fantoche Teatro de grupo E-mail hugoavilesespinoza@yahoo.com

Obras

Parqueo En la calle

““Mujeres soñaron caballos” del argentino Daniel Veronesse. (2012) “Murphyélagos en la cabeza” la actuación de Fabricio Mantilla, Karen Mendoza y Hugo Avilés. (2012) “Los pintores no tienen recuerdos”, de Darío Fo, dirigida por Ruth Coello. (2010) “Kazisonsei” con la que inauguraron el espacio Casa Fantoche. (2010) En Impro “Estrés” (2010) “El Principito” versión de Hugo Avilés. (2008) “Momentos Improlongados” (2006) “Colcha de Retazos” de Hugo Avilés. (2002) “En Esta Casa de Enfermos” de Jorge Velasco Mackenzie. (1995) “La Empresa Perdona un Momento de Locura” de Rodolfo Santana. (1986)

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Teatro Fedenador H

ace ya 8 años nació el Teatro Fedenador de la mano de la Federación Deportiva Nacional del Ecuador, su institución “madre”. Luego de cuatro años de gestión interna para que el espacio vea la luz, Fedenador se ha constituido como un espacio que acoge varias propuestas culturales. Por su sala, la cual se encuentra dentro de la instución deportiva, han pasado conocidos artistas ecuatorianos como Flor María Palomeque, quien, junto a Víctor Arauz, protagonizan el popular ‘Moflólogo indefinido’, un monólogo cómico. Asimismo, otra de las actividades populares del Teatro Fedenador, es la peña de Roy y Max en vivo.

fIcha Equipo 5 personas

Capacidad 794 personas Dirección Avenida del Bombero Teléfono 2001434 - 2001574 - 2003-727 Pág. web www.fedenador.org.ec Email fdne@fedenador.org.ec Parqueo Sí

Un concierto en este formato informal donde los músicos ecuatorianos, Roy Maruri y Max Andrade, hacen gala de sus destrezas en la guitarra y piano respectivamente, deleitando al público. El teatro lleva funcionando 8 años y en ese tiempo, se ha consolidado como un espacio que aunque es cultural, tiene sus profundas bases en la Federación que los acoge, como explica Johana Camacho, Administradora de Escenarios Deportivos y Teatro. “Nuestro teatro es hermoso, no es moderno, pero sí es acogedor. Contamos con instalaciones equipadas. En materia de iluminación y escenario, tenemos alta tecnología.”, manifiesta Johana. La funcionaria cuenta que la sala es amplia y posee todas las comodidades para los artistas. “El teatro tiene una capacidad para 794 personas. Cuenta con una sala con platea alta y platea baja y cuatro camerinos para los artistas”, sostiene Camacho. La asistencia del público es constante, salvo los meses bajos: marzo, abril, mayo. El escenario del Teatro se ilumina los fines de semana con una propuesta que se orienta hacia la comedia, la música y la danza. “La programación es semanal, las funciones se dan de viernes a domingo. La cartelera está compuesta por artistas como Oswaldo Segura, Flor María Palomeque, Víctor Arauz, Roy y Max. También participan escuelas de danzas como la de Jessenia Mendoza y Priscilla Ramos. Sin embargo, los monólogos son los de mayor éxito”, detalla Camacho. Además explica que el financiamiento del Teatro se da por autogestión y no pueden financiarse con auspiciantes. “El Teatro Fedenador se mantiene por autogestión. Fedenador es una entidad semipública, no puede gestionarse con auspiciantes porque recibe fondos del Ministerio de Deportes. Cada artista promociona sus eventos”, sostiene Camacho.

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CENTRO CULTURAL LIBERTADOR SIMÓN BOLÍVAR Por años, el Centro Cultural Libertador Simón Bolívar ha sido el hogar de conciertos, proyecciones, estrenos de películas y festivales audiovisuales

l Centro Cultural Libertador Simón Bolívar, conocido popularmente como MAAC, es un complejo cultural que comprende los siguientes espacios: el Museo Antropológico de Arte Contemporáneo (MAAC por sus siglas), un auditorio (MAAC Cultura), seis salas de exposiciones, tres salas de video arte, tres talleres, biblioteca (MAAC Libro), centro documental (MAAC Documental), punto de venta de artesanías y publicaciones (MAAC Tienda) y una cafetería (Café del MAAC). En el exterior tiene también una explanada. Todos, destinados a la distribución del arte en la ciudad. El MAAC Cine, recientemente llamado MAAC Cultura, abrió sus puertas en 2003 bajo la dirección del Banco Central y con la promesa de ofrecer cine arte: un río de imágenes. La programación cultural fue responsabilidad de la organización cultural Ochoymedio de Quito, y de la Escuela Superior Politécnica del Litoral (ESPOL) de manera alternada hasta diciembre del 2013. En el 2014, el Ministerio de Cultura y Patrimonio designó a un nuevo programador de la sala, además de una remodelación y equipamiento total del lugar. Jorge Saade, Director de la Dirección Cultural Guayaquil, explica que el espacio donde se encuentra ubicado el Centro Cultural es simbólico y un baluarte de la cultura en la ciudad. Y es que las actividades que se realizan son múltiples: teatro, danza, encuentros, talleres, ferias de libros, ciclos de documentales y cine, audiovisuales, etc.

Jorge Saade indica que no existe censura a ningún tipo de expresión artística. Explica que la propuesta debe ser presentada, y si existe disponibilidad se lo acepta. Sobre este tema, Saade agrega que únicamente para exponer en las salas de exhibición, sí se maneja un filtro o curaduría. En este caso, se analiza el contenido con un curador y se revisa la trayectoria del artista, ya que los que llegan a presentarse son los más destacados. El Museo MAAC posee 59 mil piezas arqueológicas de la época precolombina de la costa y una colección de arte de 3 400 obras aproximadamente. Existe también una exposición permanente de los 10 000 años del Antiguo Ecuador. La Dirección Cultural de Guayaquil maneja, además, 9 espacios que le dan cabida a eventos culturales: Museo Nahím Isaías, Presley Norton, Archivo Histórico del Guayas, Museo Amantes de Sumpa (Santa Elena), Museo de Portoviejo, Museo Centro Cultural (Manta) y el Museo Bahía de Caráquez. El Centro Cultural Libertador Simón Bolívar es un complejo cultural donde el arte se presenta en múltiples manifestaciones: cine, arqueología, literatura, música, danza, audiovisuales, historia y más tienen cabida al pie del río Guayas.

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fIcha

ACTIVIDADES

Capacidad 4 000 personas en la plataforma y 350 personas en el auditorio

Centro Cultural Libertador Simón Bolívar Festival Internacional Encuentros del Otro Cine (EDOC).

Dirección Av. Malecón Simón Bolívar y Calle Loja -frente a la Escuela Superior Politécnica del Litoral (ESPOL)-

Cine Chiro, organizado por la carrera de Comunicación Social de la Universidad Católica de Santiago de Guayaquil.

Teléfono 2309400

Festival Audiovisual Ojo Loco, organizado por la Universidad Casa Grande.

E-mail comunicacioncclsb@culturaypatrimonio.gob.ec

Festival Internacional Un Cerro de Cuentos, organizado por la Corporación Imaginario.

Parqueo En la calle

Museo Nahím Isaías Exposiciones permanentes de cosmogonías y muestras continuas de arte colonial. Museo Presley Norton Muestras fotográficas, talleres didácticos, conciertos y muestras arqueológicas.

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EL MUÉGANO TEATRO

Por Santiago Roldós

ació en Madrid en 2000, en medio de exilios de diversa índole, como una estrategia de resistencia contra el status quo, el teatro mercantil, el individualismo y la desmemoria. Esto lo sabríamos más claramente cuando, en medio de una crisis a todo nivel que amenazó con nuestra disolución, creamos nuestros primeros talleres autodidactas en torno a Bertolt Brecht, un continente que nos conectó con otras poéticas de la diversión y la disidencia, pero sobre todo con nosotros mismos. Entonces decidimos volver a América Latina (2004), concretamente a Guayaquil, primero porque su aridez y conservadurismo, aún hoy hegemónicos, nos parecieron

dialéctica e irónicamente idóneos para proyectar nuestro teatro en contra de la corriente; pero sobre todo para hacernos cargo de nuestras herencias y nuestros muertos. 10 años después, en marzo de 2014, abrimos Espacio Muégano Teatro, reafirmación de la dimensión más pequeña, la escala humana, como táctica de dinamitación simbólica de la estulticia, la ignominia y, por qué no decirlo, el capitalismo. Durante esa década creamos, fundamos y dirigimos primero el Laboratorio de Teatro Independiente del ITAE y luego su Carrera de Teatro; desarrollamos una dramaturgia propia; nuestras obras fueron invitadas a algunos de los festivales más

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importantes de Iberoamérica (Cádiz, Manizales, Bogotá, Sao Paulo, Translatines, Recife, etc.) y entramos cada tanto en nuevas crisis de disolución, ya que el teatro es una pregunta sobre la vida, la transgresión, el afecto y la muerte. En los actuales tiempos sombríos de masificación, intolerancia, patriotismo vacuo e indiferencia, la diversión radical, la cercanía, la proximidad, la singularidad, el silencio y la disonancia son cosas que nuestros espectadores y espectadoras parecen valorar con intensidad.

Obras

“Caramba, qué coincidencia” Creación colectiva de graduación de la IV generación de la Carrera de Teatro del ITAE. (2014) “Pequeño ensayo sobre la soledad”, De Santiago Roldós - varias versiones-. (2012-2014) “Karaoke Orquesta Vacía” De Santiago Roldós – varias versiones-. (2009-2014) “Ese viento que trae la muerte eres tú”, de Pilar Aranda. (2006-2013) “Juguete cerca de la violencia”, Dramaturgia de Santiago Roldós a partir de textos de Brecht, Müller y Pessoa – varias versiones-. (2003-2010) “El viejo truco del círculo de tiza”, subversión de Santiago Roldós de los textos de Brecht y Li Sin Tao. (2007-2008) “Señales de tránsito” Creación colectiva con el Laboratorio de Teatro Independiente del ITAE. (2006)

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Capacidad Variable, de acuerdo a la disposición del espectáculo. 40 personas en promedio Dirección Vacas Galindo 1308 y Guaranda Teléfono 2337343

“La tabaquería” Ejercicio escénico para el Laboratorio de Teatro Independiente del ITAE a partir del poema de Pessoa. (2005) “La edad de la ciruela” De Arístides Vargas. Montaje ganador de la VI Muestra de Teatro de Barcelona. (2000-2003) “Palabras contra el silencio” De Santiago Roldós - creación para la Asociación Rumiñahui de Inmigrantes Ecuatorianos en España-. (2002)

Facebook Muégano Teatro E-mail elmueganoteatro@gmail.com

“El pozo de los mil demonios” De Maribel Carrasco. (2002)

Adhesión sugerida voluntaria Parqueo En la calle

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TEATRO SÁNCHEZ AGUILAR

l Teatro Sánchez Aguilar nació el 16 de mayo del 2012, gestionado por la fundación del mismo nombre como un proyecto de compromiso social y aporte al acceso y desarrollo de expresiones culturales. Ubicado en el cantón Samborondón, este teatro se posiciona como un espacio escénico dirigido a toda el área del Gran Guayaquil, incluyendo los cantones Daule y Durán. De acuerdo a su Directora General Marion Ecalle, como proyecto cultural, este teatro se configuró con tres objetivos principales. En primer lugar, ser una plataforma que impulse la profesionalización artística; proveyendo la infraestructura necesaria para habilitar e impulsar nuevas creaciones locales, así como un escenario para una programación variada y constante, tanto nacional como internacional. En segundo lugar, este teatro se propone ser un “catalizador de la memoria local samborondeña”, buscando crear un panorama identitario del cantón donde se ubica. Este objetivo ya ha comenzado a materizalizarse desde la inauguración del teatro, con un proyecto de tres etapas. A la primera la constituyó un plan de recuperación de la tradición oral del cantón lle-

vado adelante por la narradora y actriz Ángela Arboleda, de la cual surgieron un documento de investigación, un reporte fotográfico, y un corto cinematográfico. La segunda se compone de un plan de asimilación de estos contenidos a través de propuestas pedagógicas en las escuelas del cantón, como forma de que sus habitantes se apropien de ellos. Por último, la tercera implica la creación de un libro de texto que habilite la segunda etapa, traduciendo la intencionalidad del proyecto a un lenguaje que los maestros puedan difundir con facilidad. Finalmente, el tercer objetivo de este teatro es educativo, tal como recalca el lema de la fundación “Educar es liberar”. Éste es aún incipiente, pero permanece en la mira del Comité Directivo. Para el equipo detrás del proyecto, resulta fundamental incluir a secciones infantiles y juveniles en la oferta cultural del Sánchez Aguilar, ya que creen firmemente que de tal modo se puede fortalecer a largo aliento no sólo un disfrute de las artes escénicas, sino también una postura crítica ante ellas. Por ello, traen propuestas como “La Escuela del Espectador” o el “Programa de Acompañamiento” (llevado a cabo junto a alumnos de la UEES),

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los que insertan a nuevos públicos a las dinámicas teatrales. Puntualmente en lo que respecta a sus propuestas escénicas, a pesar de su corto tiempo de funcionamiento, el Teatro Sánchez Aguilar ha presentado ya cuatro producciones propias, todas ellas con un trasfondo social, queriendo abordar en escena distintas problemáticas de nuestra urbe. En muchos casos, estas han ido acompañadas de campañas sociales asociadas que visibilicen el subtexto que se aborda en las obras. Para producirlas, se ha trabajado de la mano de reconocidos actores y directores nacionales, como un modo de poner en todo sentido al Ecuador en escena.

Obras

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Capacidad 952 personas en la Sala Principal 150 personas en la Sala Zaruma Equipo 42 personas Dirección Av. Río Esmeraldas, frente al C.C. Las Terrazas Teléfono 2097447

producidas por el equipo del Teatro Sánchez Aguilar

Pág. Web www.teatrosanchezaguilar.org

“La Hacedora de Milagros” dirigida por Mario Ernesto Sánchez. (2014) “Enredos Entre Dos” dirigida por Jorge Hugo Marín y Christian Valencia. (2014)

E-mail info@teatrosanchezaguilar.org Parqueo Sí, capacidad para 450 vehículos

“Las Burladas por Don Juan” dirigida por Lucía Miranda. (2013) “La Leyenda del Cascanueces” dirigida por Laura Solórzano. (2012)

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CENTRO CULTURAL SARAO 25 años D

irigido por Lucho Mueckay, Sarao fue desde el inicio el espacio de la danza contemporánea en Guayaquil, y desde 2011, un referente en el movimiento de la danza contemporánea, no solo por haber sido sus precursores sino también porque en él se formaron la mayoría de los bailarines contemporáneos de la ciudad. SARAO como grupo ganó el Premio a la Excelencia Coreográfica en 1991 en el I Concurso de Coreografías, celebrado en el teatro Sucre de Quito, con la obra “Muetevieja”, que bailaron Jorge Parra y Mirella Carbonne. ActualmenteeslasededeDansedumbre, encuentro anual que convoca a autores y grupos internacionales que durante dos semanas presentan en la ciudad sus espectáculos de danza. Pero Sarao no deja de ser una sala de teatro: actores y dramaturgos reconocidos de la escena nacional han pasado una y otra vez por sus tablas, cuyas carteleras se llenan de programa cada semana.

Artistas y gestores culturales del país han participado de talleres, clases magistrales y residencias artísticas, con la visión de seguir impulsando el movimiento escénico. Con el apoyo de ciudadanos guayaquileños, artistas y empresarios, abre sus puertas en el 25 de agosto de 1995, con el estreno la obra de teatro, NO PUEDO VERTE TRISTE PORQUE ME MATA, del género de las tragicomedias musicales escénicas a lo café concert parisien, escrita y dirigida por Lucho Mueckay, con la que tuvo un enorme éxito. La sala se apunta desde ese momento como una alternativa para una serie de actividades de gestión y producción artística. Es indudable que las propuestas se han incrementado. Y Sarao ha puesto y sigue poniendo una gran cuota en la generación de nuevos artistas y espacios. En publicación de diario El Telégrafo del 20 de diciembre del año 2013, Lucho Mueckay comenta que en el plano de la construcción de nuevos públicos, el centro cultural ha colaborado en la evolución de criterios de excelencia cuando se escoge lo que se va a ver.

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Iniciativa de un grupo de artes escénicas en Guayaquil que ha logrado ubicarse como un referente del arte experimental

fIcha Capacidad 120 personas

Dirección Cdla. Kennedy Vieja, calle 1ra. Oeste 313 y Av. del Periodista

OBRAS

“No puedo verte triste porque me mata” escrita y dirigida por Lucho Mueckay “La Boda”, de Bertolt Brecht. “Foroloco” teatro para niños.

Teléfono 2295118 Pág. web ccsarao.jimdo.com/ E-mail ccsarao.programacion@gmail.com

“Diario de un loco” daptación del libro de Nikolai Gogol que sobrepasa las 100 representaciones.

Parqueo En la calle

“Pechiche” espectáculo para dirigido a público infantil. “Crónica de luto cerrado” “Antígona” de Jean Anouilh “Fiel piel de hiel“ “Civilizatoria” “Opera tropical bufa” “Normalixta” “Tuco y Manuco”

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Centros Culturales Centro Cultural Ecuatoriano Alemán Este espacio que instruye del idioma alemán, se erigió el 4 de abril de 1957. Con en el lema, “Un centro cultural apoyando a la niñez y a la juventud”, el CCEA se caracterizó desde su fundación por ofertar cursos de alemán, además de fomentar la cultura del país europeo y local.

esde los centros de enseñanza de idiomas extranjeros se viene gestando una propuesta artística más formal y longeva que converge la cultura extranjera y local desde lo privado. Dentro de una audiencia más distinguida, el Centro Cultural Ecuatoriano Alemán, el Centro Ecuatoriano Norteamericano y la Alianza Francesa, son reconocidos por las políticas culturales públicas, que ven en ellos un aporte fundamental para sostener las expresiones artísticas en Guayaquil.

Como miembro de la Red Cultural Alemana, el CCEA forma parte, desde el 2009, de la cadena de Centros Culturales subvencionados por el Instituto Goethe de Alemania. Por lo cual, el espacio ofrece una variada propuesta escénica entre las que destacan orquestas sinfónicas juveniles de Alemania, obras de teatro y títeres, conciertos de Jazz y Rock con bandas juveniles alemanas, entre otros.

FICHA

Propuesta Enseñanza del idioma alemán y actividades de arte escénico

En ellos se sostienen escenarios donde confluyen conciertos de música, exposiciones fotográficas, obras de teatro o lectura de poesía que no tienen como objetivo prioritario la actividad comercial, sino la muestra de los talentos que estos centros forman en sus aulas y presentan en sociedad. Con ensambles y agrupaciones propias, estos centros de intercambio cultural, buscan afianzar las prácticas sociales conocidas en el extranjero, sin olvidar que las prácticas artísticas son universales y hablan un mismo idioma.

Capacidad 120 personas Dirección Av. Francisco Boloña 719 Teléfono 2396793 – 2396794 Web www.centroaleman.org E-mail info@centroaleman.org Parqueo En la calle

Alianza Francesa Con 56 años de existencia, la Alianza Francesa promueve la cultura y el idioma francés en Guayaquil. Desde sus inicios, este centro cultural ha acogido en sus salas a artistas plásticos de diferentes épocas. Además, se estipula que se realizan un promedio de 300 actividades al año, en las que se incluyen ciclos de cine, conciertos de música clásica y contemporánea, exposiciones y actividades socioeducativas de la cultura francesa.

Centro Ecuatoriano Norteamericano (CEN)

“No tenemos una producción propia. Nosotros somos un medio para que los artistas ofrezcan su propuesta cultural”, sostiene Galo Arteaga, Director Cultural del organismo. Propuesta: Enseñanza del idioma francés y centro cultural.

Este espacio nació con el objetivo de fomentar el intercambio cultural de Ecuador con Estados Unidos, para lo cual, se prima la enseñanza del idioma inglés y el desarrollo de actividades lúdicas dentro de la institución. Con conciertos de música, exposiciones fotográficas y muestras de cine, el CEN se caracteriza por ofrecer una propuesta propia. Tal es el caso del CEN Jazz Ensamble, un grupo de Jazz formado por los alumnos de esta institución. Otra de las actividades recurrentes del CEN, es el cine de biblioteca, una muestra de cine norteamericano que luego deriva en la lectura del libro producto del filme.

FICHA

Propuesta Intercambio cultural Ecuador – Estados Unidos

Propuesta Enseñanza del idioma francés y centro cultural

Capacidad 200 personas

Capacidad 120 personas

Dirección Luis Urdaneta 112 y General Córdova

Dirección Hurtado 436 y José Mascote

Teléfono: 2564536

Teléfono 2532009

Web www.cenecuador.org

Web www.alianzafrancesaguayaquil.com

E-mail cengye@cenecuador.org

E-mail cultural.afguayaquil@gmail.com

Parqueo En la calle

BARES CON PRESENTACIONES EN VIVO E

n la necesidad de ampliar la oferta cultural de la ciudad, se han gestado varios espacios que han fungido como escenarios para propiciar el arte en Guayaquil; uno de ellos, los bares. Diva Nicotina y Ojos de Perro Azul, se han caracterizado por ser espacios asociados a la cultura musical de Guayaquil y del resto del país. Sus escenarios acogen propuestas locales e internacionales, aunque lo que los define, en muchos casos, es la escena ‘underground’, aquella con una selecta audiencia. En sus salas, no existe una temática o una orientación específica por un género musical, tan sólo la necesidad de comunicar artísticamente, para lo

cual, diferentes propuestas pueden convivir en la agenda de estos espacios donde la prioridad es la formación continua de los gestores, además de la difusión de los artistas que la ciudad produce. Algo que posiciona a estos bares en el imaginario colectivo de la ciudad, es la bohemia. Además de la propuesta escénica, Diva Nicotina y Ojos de Perro Azul llevan en sus paredes el glamour de las expresiones artísticas populares, lo que los convierte en centros de reunión para quienes gustan o gestan de la cultura en Guayaquil

Diva Nicotina Este bar nació de la necesidad de brindar un espacio para la música en Guayaquil. Con tan sólo 11 años de existencia, Diva es un referente de la cultura melómana de la ciudad. Por su escenario han pasado la mayoría de bandas locales, así como las más destacadas de otros rincones del país. Además, en su agenda también hay espacio para propuestas internacionales. Bandas de Venezuela, Brasil, Argentina y ensambles de varios músicos de distintos países, han podido ofrecer conciertos en Diva.

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Propuesta Espacio dedicado a la música en vivo

Ojos de Perro Azul

Capacidad 200 personas

Este espacio, que lleva el nombre de uno de los cuentos del escritor colombiano, Gabriel García Márquez, es conocido por ser uno de los puntos fijos en Guayaquil para disfrutar de la música en vivo.

Dirección Barrio Las Peñas, Escalón 10 Teléfono 2309040

Con ocho años de trayectoria, Ojos de Perro Azul ofrece una surtida agenda de conciertos, aunque también, hay lugar para exposiciones pictóricas o recitación de poemas en su escenario.

Pág. Web myspace.com/divanicotina

El bar, el cual se enfoca en lo local, ofrece además un entorno integral donde los artistas nacionales puedan desarrollarse y mostrar sus propuestas en lo escénico, convergiendo así en un ambiente bohemio idóneo.

fIcha

Propuesta Música y artes escénicas Capacidad: 80 personas Capacidad 80 personas Dirección Rocafuerte entre Juan Montalvo y Loja Teléfono 0999484777 E-mail barojosperroazul@gmail.com

Festi vales

l desarrollo de festivales tanto a nivel nacional como regional es un espacio importante para el desenvolvimiento y esparcimiento de la cultura. Esto permite ofrecer un abanico que acoge la producción y creación, no solo de nuevas representaciones, sino que permite al público apropiarse de diversos escenarios y empaparse de la cultura nacional. A continuación describiremos algunos de los encuentros que se realizan en la ciudad de Guayaquil y que aportan a este intercambio cultural en distintos ámbitos de las artes.

Narración oral Encuentro Internacional de Narradores Orales

Corporación Cultural Imaginario dirigida por Ángela Arboleda, es la organización cultural detrás de este Festival, encuentro de artistas nacionales y extranjeros que reúne a expertos en narración oral. Entre sus objetivos está el recuperar la identidad, la capacidad de expresión y escucha a través de las historias tradicionales contemporáneas del país, tomando como punto de partida el cuento. Este encuentro se inicia con una investigación sobre la memoria oral de diversos sectores con artistas locales e invitados extranjeros, éste se lleva a cabo en diferentes ciudades aunque su sede principal es Guayaquil.

Artes Escénicas

Organizado por Corporación Zona Escena, FiartesG (Festival Internacional de Artes Escénicas de Guayaquil) proporciona desde hace 17 años una plataforma de encuentro a reconocidas agrupaciones nacionales e internacionales. Su objetivo principal es fortalecer la creación artística y formación de nuevos públicos para las artes. La programación del Festival incluye clases, talleres, desmontaje de obras y funciones, que en algunos casos son gratuitas principalmente al público estudiantil.

fIcha Director Jorge Parra

Número de Ediciones XVII Año de creación 1999

Un Cerrito de Cuentos Como complemento a este Encuentro hace 6 años Corporativo Imaginario becó a 13 niños y niñas entre 12 y 16 años para que formen una nueva parte del Festival que iría dedicado al mundo infantil. El Cerrito de Cuentos pone en las tablas a los artistas de la palabra que más y mejor entienden el juego escénico: los niños y las niñas. Este nació como respuesta al considerar a la lectura y la oralidad como herramientas fundamentales para el desarrollo del pensamiento crítico de los futuros ciudadanos que este país necesita.

fIcha Directora Ángela Arboleda

Número de Ediciones 11 ediciones, desde hace 6 años se incorporó el Cerrito de Cuentos a este Encuentro. Año de creación Un Cerro de Cuentos (2003); Cerrito de Cuentos (2008) Meses en que se realiza agosto-septiembre

Meses en que se realiza agosto-septiembre

José Martínez Queirolo / Rosa Amelia Alvarado Este Festival nació como un homenaje a uno de los más representativos dramaturgos del país: José Martínez Queirolo. El propósito principal del Festival es el de incentivar el desarrollo de la dramaturgia local, para lo cual durante una semana se realizan talleres de dramaturgia y se reúne a numerosos grupos de teatro del país en el Teatro de la Casa de la Cultura Núcleo del Guayas con el mismo nombre del dramaturgo.

fIcha

Director Casa de la Cultura Núcleo del Guayas Número de Ediciones VI Año de creación 2007

Meses en que se realiza agosto

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Entepola El Encuentro de Teatro en Comunidad (Entepola) nace de la iniciativa del Teatro Arawa, como réplica al encuentro con el mismo nombre, que se lleva a cabo en Chile desde el año 1983. Organizado en Guayaquil, desde sus inicios tuvo sede en Guasmo Sur y se celebra con motivo a las fiestas julianas. Este proyecto nace por la necesidad de la formación de públicos en sectores populares. Como parte de la vinculación con la comunidad, los actores internacionales invitados se hospedan en casa de las familias del sector.

Encuentro de danza de la ciudad de Guayaquil en el que bailarines, coreógrafos y directores de danza local, nacional e internacional, exponen sus propuestas artísticas. Este Festival recibe una diversidad de propuestas dancísticas, pero con énfasis en lo contemporáneo. El encuentro a cargo de Zona Escena, cuenta con actividades paralelas como: residencias artísticas, clases maestras, muestra internacional de video danza, encuentro de coreógrafos y mesas redondas.

fIcha Director Jorge Parra

fIcha

Número de Ediciones XII Año de creación 1993 – Tuvo su segunda edición en el año 2003

Director Juan Coba Número de Ediciones XI

Meses en que se realiza junio

Año de creación 2003

Música

Meses en que se realiza julio

Musimuestras Desde el año 2000 el Festival de Artes en Presencia y al Aire Libre, en el que participan más de 1300 artistas en diez categorías, es un proyecto que inició como un concurso de pintura y escultura en el Malecón 2000 de forma que disoció el arte de los espacios privados, llevando a un espacio público acercando así a artistas y la ciudadanía. A partir de la segunda edición del Festival se incorporaron las artes escénicas y se desarrollaron nuevos concursos de teatro de calle, música, danza, títeres, cortometrajes, declamación, fotografía y artes alternativas.

fIcha

Musimuestras nace en el año 2005 como un seminario sobre música occidental, pero debido a su gran éxito se organizaron nuevas ediciones a partir del 2011 en espacios abiertos como el Malecón 2000 para poder recibir más público. Este es el primer festival musical con fines didácticos del Ecuador. Durante cada edición se manejan ciclos de conciertos didácticos que giran en torno a una temática sobre la historia de la música. Anualmente participan cientos de músicos nacionales seleccionados por el Municipio.

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Director Museo Municipal

Número de Ediciones XIV

Número de Ediciones X

Año de creación 2000 Meses en que se realiza octubre

Año de creación 2005 Meses en que se realiza mayo

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ESPACIOS PÚBLICOS ÁGORAS, PLAZAS Y ESPACIOS PÚBLICOS

uayaquil es una ciudad plural donde convergen diversas manifestaciones de arte. Los espacios públicos que acogen todas estas expresiones, son también plurales y están abiertos a recibir nuevas propuestas artísticas. Conozcamos cuáles son estos espacios.

Plaza de la música Dirección: Clemente Ballén y Leonidas Plaza, Malecón del Salado. Va desde el puente del velero hasta el puente de la calle 17.

Plaza de la Integración Dirección: Malecón y Av. Olmedo. Esta plaza ocupa el espacio del antiguo Mercado Sur. Como parte del proyecto del Malecón 2000, en 2002 se remodeló está edificación convirtiéndola en lo que ahora se conoce como Palacio de Cristal. La construcción inicial del Mercado Sur data de 1905, según el portal web Visita Ecuador, pero fue inaugurada 3 años después. Ahora, el Palacio de Cristal es un espacio para exposiciones, conferencias, charlas y demás expresiones culturales. La estructura está hecha de hierro y su estilo de construcción es moderno. Los espacios que rodean a este Palacio fueron también rehabilitados. Según el portal web Ecos Travel, el Palacio de Cristal fue declarado Patrimonio Histórico de la Ciudad, debido a su diseño que data del año 1907. Esta joya de la arquitectura mantiene todavía características de la estructura original que mantenía cuando era el Mercado Sur. Ahora, en el Palacio de Cristal se realizan eventos culturales como la “Feria Guayaquil Gastronómico”, “Feria del Mueble Expo Cuenca”, “Feria de Vivienda del BIESS”, y la II Reunión de Mandatarios de Sudamérica, entre otros.

Guayaquil tiene un espacio en forma de guitarra donde la música puede ser libre y volar por los alrededores del Estero Salado. La Plaza de la Música es este espacio. Este lugar cuenta con un atrio para presentaciones artísticas, un área de juegos infantiles -todos vinculados a instrumentos musicales como el triángulo, tubos sonoros, etc-, parqueo y tiendas de comida. Los eventos culturales que se realizan suelen hacerse los fines de semana. Según la publicación digital de la ESPOL “Evaluación del uso recreativo de la Plaza de la Música” (2011), las actividades que se realizan dentro de este lugar “deben ser aprobadas por la Fundación Siglo XXI y su área administrativa”. Pero este espacio también puede ser usado por la ciudadanía, y si se trata de un evento sin fines de lucro, el alquiler del mismo es gratuito. La construcción de sus 7.330.80 m2 formó parte del Plan de Regeneración Urbana emprendido por la M.I. Municipalidad de Guayaquil. La Plaza de la Música está adornada, además, con pérgolas, fuentes y lugares de comida.

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Malecón 2000. Las orillas del estero salado le dan a estos 19.360 m2 los mejores atardeceres. La Plaza Rodolfo Baquerizo Moreno fue inaugurada en 2004 y su edificio principal, construido de acero y vidrio, acoge exposiciones, eventos artísticos, conciertos y demás actividades culturales. En la XVI Bienal Panamericana de Arquitectura, en Quito, este edificio ganó el premio al mejor Diseño Arquitectónico. En la planta baja de la plaza hay un ágora donde se realizan presentaciones teatrales y musicales, además de locales comerciales y áreas verdes. El acceso a las actividades culturales suele ser gratuito. La planta alta tiene, a su costado izquierdo, una particularidad: a Juan Pueblo. Este tradicional personaje de Guayaquil fue reproducido en bronce, mide 2 metros y se encuentra sentado en una banca viendo cómo la gente transita. En esta planta también está localizado el centro de convenciones, que tiene capacidad para un poco más de 600 personas. Y si visitas la plaza con tu carro, no hay problema. El sótano cuenta con un parqueo para 112 vehículos. Entre los eventos más destacados que han tenido lugar en esta plaza están la “Bienal de Arte No Visual” y el “Programa Musical Más Inglés”, de la M.I. Municipalidad de Guayaquil.

Plaza Olmedo Dirección: Av. Olmedo y Malecón José Joaquín de Olmedo, histórico personaje de Guayaquil, le dio el nombre a esta plaza, ubicada junto al también tradicional Club de la Unión, frecuentado por expresidentes del Ecuador y funcionarios importantes. Olmedo formó parte del triunvirato del Ecuador que tomó el poder en la Revolución Marcista, fue el primer vicepresidente del Ecuador y alcalde de Guayaquil.

Plaza Colón

En honor a él se construyó el monumento que adorna la Plaza Olmedo, en el que se lo ve sentado en una silla y rodeado de fuentes de agua circulares. De acuerdo al sitio web Viajando, el área de la Plaza Olmedo es de 6.784 m2 y fue inaugurada el 9 de octubre de 1892. Esto la convierte en una de las plazas más antiguas de la ciudad. En ella se realizan actividades cívicas y artísticas, aunque en menor medida.

Plaza Rodolfo Baquerizo Moreno Dirección: Av. 9 de Octubre junto al Estero Salado, entre las calles Tungurahua y Quisquís. Ubicada al pie de la popular avenida 9 de octubre, esta plaza ocupa los terrenos del antiguo Parque Guayaquil y es administrada por la Fundación

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Dirección: Calle Morán de Butrón, al pie del Cerro Santa Ana, en Las Peñas. Hay lugares que guardan la historia del nacimiento de una ciudad, y la Plaza Colón es uno de ellos. Guayaquil, nacida en las faldas del Cerro Santa, tuvo como escenario de sus batallas, incendios e invasiones piratas a esta histórica plaza, llamada antes Plaza de la Concepción. Según la Enciclopedia del Ecuador del autor Efrén Avilés Pino, luego de un incendio, en 1982 la plaza fue recuperada y se le colocó el nombre actual. Frente a ella se levanta la iglesia más antigua de la ciudad, la iglesia de Santo Domingo. La Plaza Colón cuenta además con una explanada, donde se erige una estatua en honor a Francisco de Orellana, fundador de Guayaquil, realizada por la escultora Rosario Villagómez. El “Fortín de la Planchada” era el lugar desde donde se realizaba la defensa de la ciudad contra los piratas, afirma Avilés Pino. En la actualidad, la Plaza Colón es un espacio de una constante actividad cultural. En ella se llevan a cabo, entre otros eventos, la Convención Nacional de Cómics, los desfiles cívicos por la fundación de la ciudad, y el ciclo de Festivales Artísticos organizados por la M.I. Municipalidad de Guayaquil.

Experiencias SHURE

VANGUARDIA

Estar a la vanguardia consiste en anteponerse a las necesidades, tendencias y criterios. Esto se aplica tanto al arte como a la ciencia o la tecnología. Como una necesidad constante, la vanguardia permite que las chispas creativas se conviertan en preferencias y estas, a su vez, en apegos imposibles de obviar. En el arte la vanguardia garantiza la proliferación, mediante la innovación, de las opciones culturales y su constante renovación. En la tecnología pasa igual, una brillante idea inicial, original y creativa, se puede convertir en una necesidad técnica en relativamente poco tiempo.

Alexandra Cabanilla

Primera cantante ecuatoriana del Cirque Du Soleil Micrófono de mano: KSM9 inalámbrico (ULXD2/KSM9HS) Sistema de monitoreo personal PSM900. Audífonos: In Ear SE425

Pero claro… este no es un camino sencillo de recorrer.

Shure ha estado a la vanguardia de la tecnología del

sonido desde siempre. Sus modelos de micrófonos, que ahora son verdaderos clásicos como el SM58 o el 55SH, empezaron como eso, como un punto de inicio, una idea brillante que después de más de 80 años se convirtió en una necesidad. De igual manera sus sistemas de monitoreo de escenario, audífonos y micrófonos inalámbricos. Todos vieron la luz brindando soluciones adelantadas a su tiempo que ahora son casi vitales para la exposición de las artes en casi todos sus formatos.

PSM900

SE425

Hoy por hoy damos por sentado que han estado siempre aquí, pero en realidad empezaron como una apuesta arriesgada de creatividad, calidad y efectividad. Es por eso que Shure a acompañado a artistas también vanguardistas, también arriesgados y por lo tanto, también exitosos.

“Shure me ha acompañado desde el inicio de mi carrera. Hoy por hoy no puedo pensar en otro micro… es mi principal necesidad… mi herramienta de trabajo.”

Experiencias SHURE Sergio Sacoto Compositor, productor y artista Ecuatoriano con más de 25 años de exitosa carrera. Micrófono de mano: Shure Beta58 inalámbrico (ULXD2/B58) Sistema de monitoreo personal PSM900 Audífonos: In Ear SE315 Micrófonos en estudio: SM58, SM57, BETA52A

PSM900

SE315

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“La microfonía Shure es vital para mi porque me da seguridad, me da la confianza de que todo va a sonar como debe y que va a resistir cualquier tipo de contratiempo.”

Renato Zamora / Jero Silveti Productores Musicales / Ingenieros de Sonido Micrófonos: Shure KSM313, SM58, SM57, SM81, BETA52A, BETA56 Audífonos: Shure SRH840, Shure SRH1540 KSM313

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Renato Zamora “Busco siempre que mis resultados cumplan los mas altos niveles de calidad por la exigencia del mercado en donde trabajo pero también que los artistas con quienes trabajo se sientan cómodos y contentos con los resultados. En toda esta cadena de valores Shure me da la confianza para que esto ocurra.” Jero Silvetti “Shure es una marca que me ofrece todo lo que necesito a la hora de planificar una producción. Me agrada el resultado y a los artistas también. No necesito de ninguna otra marca para complementar el arsenal.”

Distribuidor oficial en el Ecuador.

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INSTANTรกNEA

El artista en el siglo

XXI

ás allá de las destrezas o de la creatividad artística, la actualidad del país nos enfrenta ante una imagen del artista en el siglo XXI que ya no es igual a tiempos pasados. En el Renacimiento se inició una de las etapas más comprometidas del arte, ahora en Guayaquil quienes se dedican a las artes no la han tenido tan fácil; la falta de espacios, la falta de apoyo, e internamente la falta de organización de las mismas compañías, llevan a que la situación del artista se desdibuje de la noción de “carrera” y se convierta en algo que más se asemeja a un hobbie. Sin contar con las pocas opciones para la formación en las artes escénicas que existen en la ciudad, el artista ha tenido que enfrentarse a varios factores. Si bien es cierto que vivir del arte nunca ha sido cosa fácil, una de las principales premisas que éstos sostienen es que han aceptado que no deben esperar nada de nadie, sino más bien valerse de sus propios recursos para llevar adelante proyectos y así mismo para educarse.

En Guayaquil y sus alrededores (Samborondón, Durán y Daule) el 66% de los artistas son guayaquileños, el 3% proviene de Manabí y Quito, el 1% de Los Ríos, al igual que de la provincia de Santa Elena, el 2% del resto de Guayas y un 24% provienen de otros países. Para muchos de estos al decidir seguir la carrera de artes el primer obstáculo que encuentran es dentro de su núcleo familiar, comenta Jorge Parra, Director de los Festivales Fiartes-G y Fragmentos de Junio, que su familia creía que “debía buscar algo más productivo” para lo que tuvo que partir de su casa y seguir sus instintos; en otros casos los padres han llegado a aceptar esta decisión con cierto recelo y hay otros casos muy particulares como el de Luisa Cuesta, actriz guayaquileña, en que gracias a que su abuela, tías abuelas, tíos, primos, son todos artistas y se encuentran más involucrados con las artes escénicas resulta como algo que “lo esperaban, hubiera sido raro que escoja otra profesión”.

Hay millones de artistas que crean; sólo unos cuantos miles son aceptados o, siquiera, discutidos por el espectador; y de ellos, muchos menos todavía llegan a ser consagrados por la posteridad. Marcel Duchamp

Encuestas realizadas a los artistas de Guayaquil demuestran que el 32% de ellos recibieron apoyo de sus padres, el 61% restante tuvo que hacerlo bajo sus propios medios. Para muchos estudios realizados si bien no son un absoluto necesario para poder desarrollarse como artista, sí son una plataforma relevante para el redescubrimiento en la labor artística. Para Jaime Tamariz, Director de Daemon producciones, seguir una carrera le “aportó una formación multidisciplinar, varias técnicas y herramientas. Además de la experiencia de desarrollar un proceso de formación completo”. La visión general es que estos pueden brindar un soporte a que se continúen generando mejores propuestas para el público, y como al igual que en toda carrera tradicional a medida que se sube el nivel se genera un standard en el que el público también demande calidad y se comprometa un poco más. Pero a final de cuentas cuáles son realmente las opciones de trabajo de los artistas, si bien es cierto que la falta de leyes que los apoyen es una de las principales razones por las que se genera inestabilidad laboral, nos encontramos ante una realidad en que “vivir del arte” resulta casi imposible. La mayor parte de los artistas se dedican a otro trabajo como dar clases, talleres, en universidades, en gran medida manteniéndose vinculados con las artes escénicas; muy pocos tienen otra profesión y reparten su tiempo entre ambas. En el caso de Alejandro Fajardo, actor guayaquileño, menciona que de no tener su óptica, donde trabaja en un horario de oficina regular, no cree que podría “vivir solo de artista”, para lo que lo-

gra dividir su tiempo por las mañanas en el trabajo y por las noches en ensayos y preparación de sus proyectos. Esta repartición de tiempo es lo que les permite mantenerse como artista en el caso de no contar con ayudas como las que otorga el Ministerio de Cultura. Solo el 45% de los artistas producen obras para lo que el 56% utiliza dinero propio, 22% logran cubrir costos con patrocinadores, 10% con la colecta y el restante 12% de otros medios, lo que evidencia que si a duras penas logran cubrir los costes para montar espectáculos resulta un poco complejo poder vivir solo de esto. Pareciera entonces que vivimos en un mundo al revés, los artistas que se dedican a la labor cultural tienen menos exposición que quienes se dedican al entretenimiento, y que a final de cuentas se transforman en meras herramientas publicitarias. Esta polarización crea prejuicios hacia la imagen del artista, por lo que resulta inminente que los organismos culturales de la ciudad tomen la posta y que los mismos artistas dejen un poco de lado el distanciamiento y competencia que recae entre ellos. No es una cuestión de solo ser gremio sino unirse en una misma causa y seguir una línea hacia la profesionalización y regulación laboral, para así tener una mayor estabilidad. La importancia de valorar el trabajo artístico debe iniciar desde el artífice ya que el impacto en cuestiones públicas, en la creación de nuevos espacios, el aprovechamiento de la facilidad para la difusión de la actualidad solo suman a un proceso que será beneficioso para la sociedad y la creación de nuevos públicos.

¡Quiero ser artista! U

na de las preguntas más clásicas cuando se es niño es la tan conocida ¿qué quieres ser cuando seas grande? A lo largo del crecimiento físico e intelectual del ser humano, cada uno se va inclinando por alguna rama que les inspira, pero ¿qué pasa cuando esa pasión y ese amor a lo que más gusta y apasiona no es respaldado por sus propios familiares, amigos, sociedad, entidades estatales? De todas las profesiones existentes y las nuevas que se crean a medida que la tecnología avanza, la respuesta “¡papá, quiero ser artista!” ha sido y es una de las menos aceptadas en Ecuador.

Una investigación realizada a artistas en el Gran Guayaquil, demuestra que existe un futuro alentador para los artistas venideros. Esto se debe a la mayor aceptación por parte de los padres de familia en apoyar a sus hijos en carreras relacionadas a las Artes. Dicha investigación indica que el 60% de los artistas iguales o menores de 30 años cuenta con una educación formal en uno de los campos de las Artes Escénicas- Música, Teatro y Danza-, y que 40% contó con el apoyo económico de sus padres. Por otro lado, artistas de 31 años y más constan con un 53% de educación formal, mientras que 22% recibió soporte económico de sus padres.

No obstante, la percepción de la sociedad al oír que jóvenes talentosos no solo en el ámbito artístico, sino también en el ámbito intelectual, ejercen y/o desean estudiar Artes ha sido motivo de crítica, y burla inclusive. Al parecer el ser artista se lo asocia con vicios, vagancia e inestabilidad económica. Un factor en común que se logró evidenciar en las entrevistas a los artistas en el Gran Guayaquil, en especial a artistas jóvenes, es el ‘… pero, ¿cuál es tu profesión? ¿Ése es tu trabajo de verdad?’. La mayoría coincidió que en algún momento de su vida, y no necesariamente en sus inicios, han sido llamados para la realización de espectáculos de forma gratuita. Esto, según la actriz Luciana Grassi, incita la poca valorización al arte. Por su parte, Grassi confiesa haberse negado en algunas ocasiones a realizar espectáculos gratuitos, lo que le ha permitido encontrarse poco a poco con un entorno que “valora su calidad”. Ser artista implica ser un profesional de las Artes Escénicas, y para lograrlo se requiere años de práctica. En la investigación realizada, se mostró que la instrucción formal de artistas empezó cuando aún eran menores de edad. La compositora Blanca Layana y la bailarina Ana Wiesner, coinciden que es preferible empezar el estudio de las Artes en la niñez ya que se desarrollaría las aptitudes del niño. Wiesner dice que “el bailarín nace con las condiciones necesarias para desarrollar su arte.” Por lo que es indispensable la “coordinación del cuerpo para luego trabajar la flexibilidad que se va adquiriendo en el camino, y después el rompimiento de las articulaciones.” Wiesner reitera que ser artista es complicado, y que lo importante para sobrevivir en el medio es el carácter más las ganas que se le ponga al trabajo diario.

Adicional al tiempo invertido por cada artista para su profesionalización, más el tiempo que le dedican a su arte –aprenderse el texto de memoria, practicar cada línea y pirueta, dominar las partituras- el factor dinero también debe ser considerado. Ser artista implica pagar su educación; instrumentos y repuestos, en el caso de los músicos; vestuario y maquillaje, en el caso de bailarines y actores. La carrera de artistas requiere de tiempo, dinero y vocación. Todo ejercicio de profesión y oficio se paga. Si es así, ¿por qué los artistas sólo deben trabajar por amor al arte? Sin ánimo de no reconocer la labor de entidades estatales, que por cierto, se ha ido desarrollando al pasar de los años, es importante recalcar la labor de los artistas que apostaron por una profesionalización cuando aún no existía carreras sólidas relacionadas con Artes en el país. Gracias a todos los que creyeron en su arte y se instruyeron, ahora se vive un nuevo nivel de propuesta artística. A medida que la sociedad acepte que ser artista es sinónimo de trabajo, a medida que los mismos artistas sean cada vez más profesionales llegando a tiempo a sus ensayos, estudiando sus líneas o partituras, crean en su arte y estén dispuestos a seguir profesionalizándose, se espera un nivel artístico superior junto a una mayor acogida por parte del público. Cabe mencionar que este proceso se facilitaría con el respaldo de instituciones públicas. Son ellos los que ayudarían a la mejora del entorno cultural, no solo ofreciéndoles espacios a los artistas para el ejercicio continuo de su profesión sino también incentivando la profesionalización junto a inversión en capital humano más políticas culturales que garanticen el buen vivir del artista.

No hay nada que puedas hacer hoy que te garantice dinero en 20 años… El dinero resuelve situaciones pero no da sentido a tu vida. Hacer cosas que te apasionan puede abrirte una puerta en la vida. Si tu vida no te permite cada día jugar, bailar, vivir, cambia de vida”. Joseé Miguel Anguiano en “¿Bailamos?”

El compromiso familiar hacia una educaci贸n integral

n la actualidad, el sistema de educación en el país continúa en proceso de mejora. Sin embargo, no hay que dejar atrás que la formación integral de cada niño y niña del Ecuador es tarea de todos, en especial, de los padres de familia. En una encuesta1 se muestra que la responsabilidad de mejorar el nivel de conocimiento y cultura artística en la ciudadanía del Gran Guayaquil depende mayoritariamente del Estado- nacional y seccional- 41% y 42%, respectivamente; y que un sorprendente 10% es tan solo responsabilidad de las familias. Si se toma en cuenta otros modelos de educación, como el de Finlandia por ejemplo, que ha sido reconocido como uno de los países con mejor nivel educativo en el mundo2 , “el éxito se debe a que encajan tres estructuras: la familia, la escuela y los recursos socioculturales (bibliotecas, ludotecas, cines…)”3 , según Javier Melgarejo, psicólogo escolar que estudió el sistema educativo finlandés hace más de una década. Inkeri Borgman, madre, y productora finlandesa, confirma lo mencionado. Borgman tiene dos hijos menores de dos años, y revela también la importancia de enganchar a sus hijos con las Artes. Desde su embarazo, escuchó música clásica, y con el nacimiento de sus hijos ha fomentado en ellos las Artes como una forma para despertar su creatividad, expresar emociones y construcción de su carácter. Le gusta estar informada respecto a los eventos culturales y artísticos en su ciudad. Ha asistido a óperas infantiles y a todo tipo de espectáculo que desarrolle a edad temprana la capacidad de aprendizaje de sus hijos. Al igual que Borgman, muchas madres de familia finlandesas realizan esta práctica porque consideran que los primeros responsables de la educación de sus hijos son los padres. Es importante mencionar que los padres participan activamente gracias a las medidas de conciliación laboral y familiar que existe en ese país4.

Si se lleva este modelo a la realidad ecuatoriana, actualmente se vive un avance en los factores escuela y recursos socioculturales, si es así, la última pieza faltante para lograr el éxito de una formación integral en niños y jóvenes sería el factor familia. Respecto a este tema, Aliona Dziouba, directora del conservatorio de música Sergei Rachmaninov, sostiene la importancia del estudio de música. Ella indica: “sea hobbie o su futura profesión, cualquier tipo de estudio hay que tomarlo en serio. Pensar que tu hijo no va a ser músico profesional, y que justamente por esa razón no hay que enseñar profesionalmente es un gran error. La enseñanza de música con calidad ayuda a desarrollar buen gusto y a entenderla mejor.” Dziouba explica también que hoy en día no existe crisis de músicos concertistas, ya que lo que se vive en la actualidad es un “déficit de público con educación”. “Si su hijo no será profesional en música, entonces formará parte del público conocedor que entiende y aprecia el arte”, recalca. Con esto, no se trata de hacer a todos los niños artistas, pero sí personas que tengan una educación integral. Es así que las artes no son solo para los artistas, sino para todos. Ya se ha demostrado científicamente que el estudio de las bellas artes cultiva sensibilidad en el ser humano, y que cada arte aporta al individuo de diversas maneras. Por ejemplo, se dice que la música da paso a la concentración, la literatura al desarrollo del pensamiento, el teatro al proceso de aprendizaje y la danza al trabajo en equipo. Entonces, ¿por qué no crear el hábito de ir al teatro? Hay que estar conscientes que el arte es un producto realizado por el ser humano, una forma de comunicarse. El arte permite que seamos personas con mejores habilidades creativas y expresionistas, seres humanos que cada vez hablen el mismo idioma y que desarrollen tolerancia los unos con los otros.

Encuesta realizada en el Gran Guayaquil. Junio del 2014. Muestra: 400 personas que han asistido al teatro en menos de dos años. Negocios & Estrategias.

2 De acuerdo al Programa Internacional para la Evaluación de Estudiantes (PISA, siglas en inglés). ARRIZABALAGA, M. , Así consigue Finlandia ser el número 1 en Educación en Europa, 2013, abc.es [Consulta Agosto

3 2014)¬

4VASQUEZ, Marta. , Por qué los finlandeses educan mejor, 2008, consumer.es [Consulta: Agosto 2014]

VIVEN� CIAS D

irectora de la Escuela Rusa de Ballet. Viajó a la antigua Unión Soviética para estudiar ballet clásico en 1981. Dentro de las dificultades que tuvo para profesionalizarse fue enfrentarse a su padre y familiares, que al final del camino la terminaron apoyando. Ella alega que ser bailarina no es solo prepararse, sino también estar activamente en los escenarios, sueño que nunca vio realizarse en Guayaquil ya que hasta el día de hoy no existe una compañía de danza en la ciudad que ofrezca un espacio para espectáculos recurrentes y mucho menos una remuneración mensual. Debido a esto, Wiesner se sintió en la necesidad de salir del país. Obtuvo una beca otorgada por el Partido Comunista Ecuatoriano de aquel entonces y comenta que le fue común escuchar antes de viajar, ‘loca’ o ‘bicho raro’ que iba a malgastar su vida, ya que “ser bailarina no es ser un profesional”. Luego de sobrevivir la brusca competencia durante sus estudios en el exterior, trabajó en Ópera y Ballet Infantil en Kiev. Estuvo fuera del país 10 años. Su misión en la actualidad es formar al menos una bailarina que represente al Ecuador a nivel internacional. Dicho anhelo se está cumpliendo con Valeria Sánchez Jairala, actual estudiante de Wiesner con quien viajó a Rusia para una capacitación en la reconocida Academia de Ballet de Bolshoi el año pasado, y culminará sus estudios en Kirov Ballet Academy en Estados Unidos.

ANA WIESNER

JAIME TAMARIZ D

irector, actor y productor guayaquileño. Desde pequeño ha tenido intereses artísticos. Estudió Diseño y Comunicación, y a los 30 años empezó a estudiar teatro. Comenta también que cuando decidió dedicarse a las Artes, fue apoyado 100% por sus padres y amigos cercanos. Sin embargo, a otros conocidos les pareció extraño ya que pensaron que únicamente se trataba de una ‘fase’ temporal. Vivió 8 años en Madrid, y participó en aproximadamente 200 funciones. Regresó al país a pesar que esa no fue su intención en un inicio. Sin embargo, ahora piensa que es lo mejor que le pudo haber pasado. Se siente muy valorado por sus compañeros y el público que asiste a ver sus trabajos. Aún cree que la vida de los artistas es muy dura, y que no hay remuneración que se encuentre a la par con el trabajo y sacrificio que éste demanda. Sostiene que el público está vivo y como todo ser vivo evoluciona. Piensa que “en su evolución, veremos la evolución de toda una sociedad”.

ctual estudiante de maestría de “Administración de Artes” de la Universidad de Artes de Helsinki, Finlandia. Se vio en la obligación de estudiar en el extranjero ya que tiene estudios de Economía y Música, y sintió la necesidad de estudiar esa carrera ya que en muchas organizaciones de cultura y arte existen dos mundos: el administrativo y el artístico. Confía que el éxito de los teatros y espacios culturales depende del entendimiento de ambos mundos para avanzar juntos por un mismo objetivo. Pretende ser el puente entre ambos y su meta es demostrar que la cultura y el arte no son solamente proyectos sociales, sino una industria que puede ser rentable, que genera empleos y aporte económicamente al país. Sus padres le han apoyado incondicionalmente. Sin embargo, comenta que es complicado explicar a la gente que no está en el medio la importancia de su carrera, ya que usualmente tienden a pensar que es un “malgaste de tiempo y dinero”.

SUSAN TOGRA DÍAZ

na guayaquileña que ha dedicado su vida a la música. Layana inició sus estudios en el Conservatorio Nacional de Música Antonio Neumane de Guayaquil y finalizó su formación superior en el Conservatorio Chaikovsky de Kiev, Ucrania específicamente en composición. Layana comenta que hizo dos intentos en viajar al exterior, y en su segundo intento consiguió una beca. Ella indica que no tuvo inconvenientes respecto al apoyo de sus padres y su entorno. Sin embargo, recalca que anhelaba salir del país ya que en aquel entonces se vivía un “panorama desértico” en su área. Estuvo en el exterior 6 años y retornó en la década de los ochenta por motivos familiares. Layana, quien compró su primer piano a base de un trabajo no relacionado con las Artes, fue también miembro fundadora del desaparecido y reconocido Conservatorio Superior de Música Rimsky Korsakov. Layana fue profesora en esa institución y luego vicerrectora. Ella recalca el valor que tuvo esa institución para la ciudad y para el país, ya que tanto ella, el fallecido pianista Reinaldo Cañizares –rector- y profesores del conservatorio brindaron conocimientos valiosos a los que actualmente son actores del quehacer cultural a nivel nacional e internacional. Entre ellos constan los pianistas Juan Carlos Escudero, Alejandro Ormaza, los cantantes Alex y Viviana Rodríguez, guitarristas Carlos Hernández, Christian Robinson. Dentro de las composiciones de Layana constan las óperas infantiles “La Luna de los niños” y “Juan Burrolón”. También, “Hermoso Planeta” para coro y orquesta sinfónica, “Obertura de Adrián”, Cuadro Sinfónico “Guayas y Quil”, “Poema Ecuatorial” para orquesta de cuerdas, entre otros. Dentro de sus planes a futuro, Layana desea ser compositora a tiempo completo puesto que por el momento se desempeña como maestra de música del Colegio Alemán Humboldt. Al momento se encuentra escribiendo libros para la educación musical. Su último artículo “La Armonía en la Música” es producto de una reflexión acerca de la importancia de la armonía en la educación musical.

BLANCA LAYANA

JEANMICHEL MARTINOD A

ctual estudiante de “Music Industry Studies Business Minor” de Loyola University New Orleans- Estados Unidos, se encuentra entusiasmado de educarse en lo que le apasiona. Indica que sus padres lo apoyan 100% y respetan su decisión de ser artista, a pesar que en un inicio sus padres querían convencerlo de estudiar otra carrera. Se fue hace un año a Estados Unidos ya que se le presentaron facilidades para estudiar en ese país y comenta que espera regresar a Ecuador para crear festivales relacionados con Música Electrónica. Aún le faltan cuatro años para finalizar sus estudios, pero apuesta a que en su regreso aportará al desarrollo de este nicho de mercado.

LUCIANA GRASSI A

ctriz guayaquileña de teatro y televisión. Empezó su gusto por las Artes desde muy niña. Estudió en “American Musical and Dramatic Academy” de Nueva York- Estados Unidos. Indica que recibió las críticas comunes cuando una persona tiene la intención de estudiar artes como “es raro” o “esa carrera no tiene futuro”. Estuvo cuatro años en el exterior donde realizó prácticas acorde con su carrera. Regresó a su país ya que considera que los conocimientos aprendidos en el exterior deben ser aplicados para el “crecimiento de nuestra propia gente”. Consideró también volver al Ecuador porque aquí siente que “forma parte de algo grande que perdurará por generaciones”. Dentro de sus planes a futuro está crecer con ‘Cuarta Pared’, compañía de artes escénicas y audiovisuales de Guayaquil. Cree firmemente también en la capacitación continua de los artistas, por lo que asiste frecuentemente a talleres a nivel nacional e internacional.

Ser artista: lo bueno, lo malo y lo rebelde

Las personas más felices son los artistas Dedicarse al arte en Guayaquil se hace, definitivamente, por vocación. Y es que en nuestro imaginario social, los deseos que pueblan las expectativas laborales que los padres tienen hacia sus hijos se alinean llamativamente con el estudio de carreras ‘tradicionales’. Médico, arquitecto, economista… y muy por sobre todas, ingeniero. Sí, ingeniero. Socialmente, parecemos tener una prodigiosa tendencia a querer que los nuevos bachilleres se inserten en este campo; de un estudio realizado a padres de estudiantes de 6to curso, un pasmoso 60% declaró su interés en que sus hijos persigan una carrera en las ingenierías.

Teniendo en cuenta este sesgo vocacional, además los múltiples desafíos económicos, educativos y situacionales que están intrínsecamente ligados al ser artista, una mirada absolutamente pragmática no dejaría de pensar: entonces, ¿por qué dedicarse a serlo? Hay, claro está, una contraparte de expectativas parentales también en este caso. Después de todo, se ha encontrado que el 71% de los artistas de la ciudad cuentan con al menos un (mayo-

1 Estudio realizado a padres de estudiantes de 6to cursos de colegios de Guayaquil durante el 27 de enero y el 2 de marzo de 2014. Responsable del estudio: empresa consultora Amanta.

ritariamente dos) familiares que también lo sean. No es de extrañarse, considerando que más del 90% de artistas dedicados a la música, danza y teatro desarrollaron su afición y aptitudes antes de los 18 años. No obstante, más allá de esta vocación genética, existe también un soporte biológico hacia su elección. El arte actúa sobre el sistema nervioso central haciendo que se liberen químicos que nos

de los artistas encuestados reconocen que no tienen una meta clara trazada, una condición problemática en sí misma, puesto que si no se tiene un objetivo específico de acción, ¿cómo se puede pretender hacer una medición de progreso?

proveen una sensación de bienestar y felicidad. Considerando que los artistas viven inmersos en ese estado de creación e interpretación estética, es consecuente que se autodeterminen como más felices que el resto de la población guayaquileña, llegando a tener un puntaje de 8.60 sobre 10, frente al 8.14 de felicidad que demuestra un guayaquileño promedio.

hace felices. Quizás la aprensión más compartida con profesionales de otros campos, la falta de tiempo se exacerba en estos casos debido a que muchos artistas deben compartir su tiempo entre aquel que le dedican a sus creaciones y aquel que deben dedicarle a otras actividades que los solventen financieramente, como la docencia o el trabajo en televisión o radio.

Los artistas hacen lo que aman y se sienten felices al respecto. Sin embargo, sería simplista pensar que esto supone un estado de negación ante los miedos y desafíos que subyacen la condición humana.

Finalmente, en correspondencia a este último miedo tenemos la necesidad de no tener que preocuparse por lo económico, algo que le quita el sueño a muchos artistas.

Un segundo miedo que se cierne sobre los artistas es el no tener suficiente tiempo para disfrutar el arte mismo; aquello que producen y que los

Los artistas también sienten miedo Así, el quehacer artístico no está pactado únicamente en función del ‘sentirse bien’; por muy bienvenida que esta sensación sea. Existen condiciones ligadas al dedicarse al arte que empañan esta felicidad y van en desmedro de conseguir ese puntaje 10/10, según señalan muchos artistas. En primer lugar, se encuentra el desafío que representa poder cumplir metas dentro de su campo de acción, ya sea la misma profesionalización de sus actividades o la capacidad de producir una gran obra que les provea reconocimiento frente a sus pares y el público general. Cabe hacer un paréntesis para notar que el 37%

Quiero que sea Ingeniero

El dinero en este caso no es un fin, sino un habilitante para poder alcanzar una estabilidad suficiente que les provea al menos cierta sensación de seguridad. Después de todo, si no se suplen las necesidades básicas de un individuo, estará en riesgo su capacidad de poder desarrollar su dimensión creativa, sensible y de resolución de conflictos, aspectos cruciales para el desenvolvimiento artístico.

El artista: Un niño rebelde Estos tres grandes miedos que sombrean la profesión artística pintan un panorama más complejo de la condición de los guayaquileños “más felices”. Ciertamente, no es una vida ‘bohemia’ idealizada, despreocupada, o ajena a las realidades en las que está inserto el guayaquileño común. Asimismo, evidentemente el artista no ignora las problemáticas que lo aquejan. Podría argumentarse incluso que en algunos casos existe un intencional enfoque en estos aprietos de la profesión –un disfrute de ellos, inclusive- como medio para alcanzar la inspiración en el proceso creativo. Un disfrute del sufrimiento podría sonar masoquista visto desde el exterior, pero extrañamente tiene mucho sentido con los rasgos de personalidad que los psicólogos y psiquiatras reconocen como comunes a los artistas. Si tomamos el análisis transaccional propuesto por el psiquiatra Eric Berne, vemos que el perfil de estos individuos se ubica en una categoría que él denomina como “niño rebelde”. ¿Sus características? Es vengativo, desconoce la autoridad, se muestra inconforme con lo establecido, busca llevar la contraria… Suena sentenciador visto bajo este prisma, pero cobra sentido una vez que recordamos que todos estos rasgos se traducen en un lenguaje expresivo que logra manifestaciones maravillosas, de extraordinaria sensibilidad. Precisamente esa reactividad, rebeldía e inconformidad es síntoma de una vulnerabilidad emocional absoluta, que no resiste vivir bajo las normas rígidas que estructuran el mundo, que hace que escapen a una vida interior rica en fantasía, que los dictamina a proceder con una dinámica diferente a la de todos los demás. Así, la felicidad que los caracteriza y los sobrecoge, así como los miedos que los anegan, hacen que la psiquis de los artistas viva en un tumulto constante, donde se produce el acto creativo que desafía y subleva la estructura, construyéndose en la forma más hermosa de rebeldía: el arte.

agradeci� mientos Aarón Duarte Abdón Calderón Yumbla Abel Salazar Adrián Cárdenas Alberto Caleris Alberto Castro Alejandra Paredes Alejandro Fajardo Alexis Solís Aliona Dziouba Allisson Tacuri América Flores Ana Belén Campoverde Ana María Adum Ana Wiesner Andrea Jaramillo Andrés Garzón Aníbal Páez Anita Mucks Antonio Aguirre Antonio Pepper Asisclo Álvarez Augusto Henríquez

Erick Cedeño Ernesto Molestina Eugenio Hadatty

Fernarda Aguirre Francisco Pinoargotti Freddy Echeverria

Gabriel Gallardo Gabriel Ormaza George Kutev German Vera Gina Jalón Giselle Hidalgo Gonzalo Flores Gorki Elizalde

Bernardo Menéndez Blanca Layana Héctor Chiriboga Héctor Garzón Hugo Avilés

Carlos Loaiza Carolina Pepper Cristian Luzuriaga Cristina Barros

Ian Díaz Ingrid Párraga Iraklii Panko Irina Pesantes Isabella Merchán Israel Maldonado Itzel Cuevas

Danilo Esteves Danny Arteaga Davit Harutyunyan Denisse Córdova Diana Verduga Diego Mendoza

92 92

Jaime Arévalo Jaime Tamariz Janina Garcia Janina Suárez Jasmani Flores Javier Blum Javier Cueva Jean-Michel Martinod Jefferson Cabrera Jenny Quirola Joan Sánchez Joao Vera Johanna Camacho Johnny Shapiro Jorge Mieles Jorge Parra Jorge Saade José De la Cruz José Suscal Josué Granda Juan Carlos Escudero Juan Coba Judith León

Nathalie Elghoul Néstor Arteaga Nicole Reale Noemí Campoverde

Julio Vaca Kary Dranguet Kenny Vega

Sandra Pareja

Omar Montalvo

Oswaldo Cedeño Oswaldo Segura Paúl Velasco

Patricia Quimí Pedro Menéndez Ramón Barranco

Ramón Piedra Rodrigo León Ronald Villa Samuel Villafuerte

Santiago Roldós Schubert Ganchozo Sebastián Romano Segundo Segarra Stalin Pérez Tetyana Makegerico Troi Alvarado

Klavid Panko Lexter Valdez Liliana Rendón Lucas Napolitano Lucciana Grassi Luiggi Castillo Luis Francisco Guzmán Luis Rueda

Verónica Moreira Verónica Muentes

Luisa Cuesta Manuel Campos Marcela Ramos Marcelo Báez Marcelo Gálvez María Antonieta Ochoa Mario Suarez Mariuxi Avila Martha Ontaneda Martín Peña Miriam Murillo Mónica Cuesta

Víctor Carrillo Virgilio Page Yanet Gómez Ysamara Franco

agradeci� 93 93