Banco Exbury Royal Mansour Marrakech - Morocco © Isaac Ichou
De una página a la otra, esta nueva edición de la revista T les propone salir al encuentro de nuestros creadores, pero también de los lugares íntimamente ligados al universo cultural de Tectona. Hemos viajado a la Suiza alemana, a Zug, un pueblo ubicado entre lagos y montañas. Ahí, hemos descubierto el nuevo restaurante Più para el cual Tectona ha acondicionado la terraza con la colección Clubhouse diseñada por BIG-GAME. En los Países Bajos, hemos entrevistado a la creadora Wieki Somers para que nos hable sobre la génesis de la colección Grasshoper, concebida para Tectona en 2010, y cómo un saltamontes y sus patas traseras se transformaron en un mobiliario a la vez elegante, lúdico y sólido. También nos pareció propicio pasar un momento de visita al Taller Tectona en Normandía con el fin de compartirles los secretos de fabricación del banco Muse, una creación de Isabelle Baudraz para el Museo Picasso de París, editada y perfeccio nada por Tectona.
El viaje ha continuado en compañía del paisajista español, Luis Vallejo, gran especialista en jar dines hispano-moriscos. En Marrakech, hemos visitado el exuberante oasis que concibió para el Royal Mansour, el cual ha acondicionado con el mobiliario Tectona por, en sus propias palabras, "la pureza de sus líneas y la durabilidad de la madera". Una elección que comparte con una gran variedad de instituciones culturales con los cuales Tectona se ha asociado, desde su creación en 1977. Permaneciendo en este universo inscrito en el movi miento del relajo y la comodidad, hemos realizado una selección de nuestros bancos más emblemáti cos. Para finalizar, hemos querido rendir homenaje al fotógrafo Éric Poitevin quien tuvo la amabilidad de exponer en nuestras tiendas una parte de su trabajo dedicado a las plantas modestas, capturadas a la manera de un herborista.
Los jardines son, según se dice, la cara visible del Paraíso. El oasis rebosante del Royal Mansour, en Marrakech, parece confirmar el refrán. Este maravilloso espacio, donde la infinita paleta de verdes - ópalos, salvias, esmeraldas... - se encuentra con el azul del cielo y el ocre de los muros, lo confirma. El paisajista español Luis Vallejo ha compuesto aquí una sinfonía vegetal, donde el esplendor de Marruecos vibra al ritmo del legado andaluz, así como de un gusto depurado proveniente de Japón.
El Royal Mansour, en Marrakech, no es un hotel. Más bien imagínese, a pocos pasos del tumulto de la plaza Jemma El Fna, una ciudad dentro de la ciudad. O más bien un gigantesco jardín, en el cual se acurrucan, detrás de sus toscas fachadas, los más bellos riads en el mundo hotelero actual. Alrededor, por todas partes, imagínese el murmullo de las fuentes, el canto de los pájaros, la apaciguadora danza de las ramas de olivos, palmeras y limoneros siendo acariciados por la brisa.
"Cada jardín pertenece al lugar donde se encuentra, a su historia y a su cultura. Aquí, me he inspirado en los paisajes agrícolas marroquíes, de los valles del Ziz y del Todra, así como de los jardines árabes tradicionales, con sus sabios sistemas de irrigación, sus patios, sus vergeles...", explica Luis Vallejo. El paisajista sabe de lo que habla. Nacido en Madrid, criado por un padre viverista, Luis Vallejo sabe todo sobre la belleza legendaria de los jardines andaluces, empezando por aquel de la Alhambra en Granada.
Este especialista en países cálidos, que trabaja desde Saint-Tropez hasta los Emiratos Árabes, Tel Aviv y Mallorca, no tiene igual en la transformación de tierras áridas en edenes de tranquilidad. Será cuestión de ingeniería, por supuesto. Pero sobre todo de sensibilidad.
de flor © Fernando Maquieira
Es admirable el dominio controlado de los jardines a la francesa, sin embargo Luis Vallejo prefiere una cierta libertad, aunque, en sus propias palabras, "cuando se entrega una obra, lo principal es encontrar al jardinero que sepa continuar el trabajo". Ya que un jardín nunca está terminado: cada estación es diferente. Cada año trae sus propias sorpresas.
Al estilo de un artista, le da hoy algunos retoques, sigue sus evoluciones, se prodiga con consejos sobre uno de los lugares más bellos (y más secretos) de Marrakech. Y debido a que se trata de un espacio para pasear, incluso de meditación, los jardines ocupan tres espacios principales: la medina, la piscina y el jardín huerto , éste último es el que ha elegido para el mobiliario Tectona: "la pureza de sus líneas, la durabilidad de su madera, eran esenciales".
Para disfrutar plenamente de este espacio privilegiado, de las perspectivas diseñadas una por una, cada asiento, cada banco debe saber fundirse en la pintura tridimensional que Luis Vallejo ha imaginado. Proveniente de una familia tan numerosa como lo es sensible - la mayoría de sus ocho hermanos eligieron el camino de la música - Luis Vallejo no ha seguido una senda menos singular, sin importar si se trata de clientes privados o de creaciones que concibe para los hospitales españoles de Burgos, Madrid y Valladolid.
Este sentido del detalle también fue cultivado por Japón. A mediados de los años 60, su padre pone rumbo a Estados Unidos,para asistir a un congreso sobre ingeniería del paisaje. Trae de vuelta varios libros: para Luis Vallejo, que todavía los conserva de forma preciada en la actualidad, son toda una revelación. Su gusto por la armonía del bonsái forma hoy parte de una de sus referencias mundiales. Su colección, acogida en el seno del "museo viviente" de Alcobendas que lleva su nombre, figura entre las más bellas del mundo. Esta pasión le vale, en 2008, ser condecorado con la Orden del Sol Naciente, la mayor distinción otorgada por el gobierno japonés a un ciudadano extranjero que promueve la cultura nipona.
Si cada jardín en un principio echa raíces en el territorio que es suyo, Luis Vallejo aporta a lo largo de sus obras una firma única. Un arraigo local reivindicado, pero también un gusto por lo ajeno y de larga duración: una discreta mezcla que, desde Marruecos hasta Provenza y del Oriente a la península ibérica, no deja de maravillar. Orquestando el diálogo de las identidades bajo el sello de la naturaleza.
Jardín privado en Cádiz, España © Miquel Tres
La revista T les invita a Zug, una pintoresca aldea ubicada en la Suiza alemana, entre Zúrich y Lucerna, a orillas de un lago con el mismo nombre. Conocida por su antigua ciudad histórica de calles estrechas y sinuosas, la ciudad incita al visitante a la ociosidad, al dulce farniente con sus bellas veladas estivales o incluso a disfrutar de las más románticas puestas de sol sobre el lago.
© Sarah Vonesch Photography
Oficialmente abierto el 1ero de junio de 2022, el restaurante Più eligió su domicilio en el centro de la ciudad, en el majestuoso hall central de la anti gua oficina de correos, así como sobre la Plaza del Correo. Clasificado como "monumento histórico" desde 1995, la oficina de correos es uno de los edificios más emblemáticos de la ciudad, que se destaca por su arquitectura neoclásica ates tiguada en su fachada y escalinata.Creado por el grupo italiano Bindella, Più Zug es el cuarto Più abierto en Suiza. Su generosa carta – Più significa "más" – se inspira en la cocina napolitana clásica sin olvidar de darle rienda suelta a las influencias de la gastronomía contemporánea.
DOLCE FAR NIENTEUbicada sobre la Plaza del Correo, la terraza se presta idealmente a los desayunos y a las cenas entre amigos en un ambiente particularmente familiar. En cuanto al mobiliario, la elección de NADER INTERIOR recayó en la colección Clubhouse, concebida por BIG-GAME para Tectona, debido a su diseño depurado pero cálido, funcional y de fácil uso, así como por la nobleza de su madera: la teca premium de Tectona. De esta manera, las sillas y las mesas podrán resistir tanto a la exposición al sol como a la lluvia. Aquí no hay collages, solamente ensamblajes mecánicos de piezas de madera maciza con caja y espiga que permiten la fabricación de un mobiliario extremadamente durable y sólido. La envergadura limitada de los travesaños de las mesas no solamente restringen su volumen, sino que permiten que las piernas del ocupante no encuentren obstáculos para una máxima comodidad. En cuanto a la estructura de las sillas, ésta posibilita apilarlas con facilidad.
Confiado a NADER INTERIOR, el acondiciona miento del restaurante (120 cubiertos), del café bar (42 asientos) y de la terraza (64 cubiertos) ofrece un mobiliario funcional con un diseño refinado tanto por la nobleza de sus materiales como por la pureza de sus formas. Así, el mobiliario de estilo contemporáneo rinde home naje a la rigurosidad del diseño helvético en una sutil alianza con la Grandezza italiana que se evidencia en el uso del mármol, de la madera maciza como la teca premium de Tectona, o incluso de la piedra negra tallada que acoge el horno para pizza.
Desde hace más de veinte años, Tectona se ha impuesto en el universo del diseño contemporáneo aco giendo en sus talleres una gran variedad de jóvenes creadores, entre los cuales se cuentan Ronan y Erwan Bouroullec, Pierre Charpin, Inga Sempé, Barber & Osgerby e incluso Christophe Delcourt... Tantos nombres que, desde entonces, han triunfado en la escena internacional del diseño. Desde 2017, este compromiso ha visto la colaboración entre Tectona y la ECAL de Lausana con ediciones de mobiliario crea das por estudiantes saliendo de esta célebre escuela, como lo son los tres miembros de BIG-GAME. Tras recibir sus diplomas, en 2004 fundan su estudio de diseño. En 2017, a petición de Tectona, crean la colección Clubhouse que luego enriquecieron con una versión en aluminio en 2021. Este diálogo entablado con jóvenes diseñadores forma parte de la vitalidad y dinamismo de la marca, valorizando a la vez su maestría técnica tradicional, al servicio de la creación contemporánea.
Paisajes, retratos, naturalezas muertas: a la vez inclasificables y reconocibles a primera vista, las imágenes del fotógrafo Éric Poitevin exploran un universo que reclama tanto un tiempo prolongado como, en ocasiones, una rapidez oportuna. Expuestas en Tectona de forma amistosa, su trabajo es simplemente fascinante.
Fotógrafo de lo singular, su trabajo refuta el género. Cero afectaciones en el marco. Escapando toda etiqueta y oxímoron, Éric Poitevin vive y trabaja en el lugar donde nació en 1961. Un pequeño pueblo del norte del Mosa, en los confines de Meurthe-et-Moselle. Apenas doce kilómetros separan su cuna de su cámara. Para comprender su taller, instalado ahí por el afecto que tiene pero también por necesidad, se debe entender que, en sus inicios, había que componer con una economía de "supervivencia". Lo cual tampoco significa que jamás viajó, vio el mundo y captó lo ajeno. Sino que simplemente continuó a producir imágenes con pocos recursos. Siempre me gustó no estar aislado, pero sí a la distancia...
Sus inicios, justamente, se dieron nada menos que en la Villa Médici, en Roma, en 1989. Ahí realizó un pequeño conjunto de retratos de monjas y carde nales, en blanco y negro. Dos años des pués, Éric Poitevin exponía en Bruselas, Burdeos, Ginebra, Metz, Atenas y París. Entre exposiciones y museos, lo vemos integrando las colecciones del Frac (Fondos regionales de arte contem poráneo), así como siendo comprado y expuesto en Luxemburgo, en Lisboa...
También enseña en el Bellas Artes de París. ¿Siente satisfacción de poder realizar esta transmisión de conoci mientos? La satisfacción es una palabra, "un sentimiento" que nunca padezco, por así decirlo, y que no tiene lugar aquí. Aceptar enseñar es una gran responsabilidad. A veces puede ser "ingrato" pero igualmente es una fuente de placer muy privilegiado en cuanto a las preguntas, los objetivos compartidos. La idea es de acom pañar de la mejor manera posible a los jóvenes que se interesan al arte, que se han mayori tariamente decidido a convertirse en artistas.
De regreso al taller de Mosela para evocar el método y la elección de trabajar con la cámara que conduce a la reflexión, a anticipar la imagen, a construirla.
La improvisación o la deambulación son impo sibles. La cámara establece una relación con el espacio que ninguna máquina, a mi parecer, es capaz de hacer. El costo de producción, especial mente en el formato 20 X 25, puede actuar como un obstáculo, y nos obliga a tomar decisiones. Esto me parece bastante sano. Todos estos parámetros engen dran un estado de conciencia y crean condiciones para la aparición de la imagen que me interesan. Por el contrario, Éric Poitevin no se esconde de los móviles. Si la cámara 20 X 25 es sinónimo de lentitud, del tiempo de reflexión y decantación, el móvil proporciona velo cidad y ciertas imágenes a menudo así lo requieren.
Autor de varias obras, su primer libro fue "Le chemin des hommes" (El camino de los hombres) que reunió cien retratos en blanco y negro de hombres que fueron a la guerra de 1914/1918. Se trataba de una de mis primeras series de imágenes. Esto se concretó en 1987, con Éditions Cenomane, que apenas se había fun dado, una pequeña editorial entusiasta y muy valiente. Después, se realizaron par ticularmente l'Anatomie d'une collection (Anatomía de una colección), ilustrando una exposición de piezas históricas del Museo de la Moda Galliera, y Servez Citron (Sirva Limón) con los Troisgros, padre e hijo. La última publicación, titulada Je plumerai les canards en rentrant (Desplumaré los patos al volver), fue lanzado tras algunos meses "coin cidiendo con una exposición personal que se acaba de realizar en el Museo de Bellas Artes de Lyon. Fue editado por el magnífico Éditions Macula."
Éric Poitevin es apoyado y promovido por tres galerías de primer nivel: Bernard Jordan en París, Christian Egger en Neuchâtel, Suiza, y Albert Baronian en Bruselas.
Es gracias a su amistad, que hoy día calificaría como antigua, establecida con Arnaud Brunel, que se sabe amante y coleccionista de fotos, que Éric Poitevin aceptó que su trabajo sea mostrado en Tectona.
Hoy, Tectona les abre las puertas de su taller para compartirles las etapas de fabricación del banco modular "Muse". En 2017, el Museo Picasso de París le pide a la ECAL, la célebre escuela suiza de diseño, que organice un concurso para renovar los asientos del museo.
El proyecto de la joven diseñadora Isabelle Baudraz es el elegido, y tanto su elaboración como fabricación son confiadas a Tectona. Realizado en roble, este banco alía la maestrías tradicionales de la carpintería y la ebanistería utilizadas por Tectona con la precisión del tallado por sistema de control digital.
Del tronco de roble al banco Muse, todas las etapas, desde el corte de la madera hasta el producto final.
El tronco es cortado transversalmente en leños con una sierra, luego es cortado longitudinalmente en tablones. El corte de un tablón, del cual son extraídos los listones del asiento del banco, se realiza sucesivamente desde el exterior hasta el núcleo:
1. la corteza y la albura, es decir la madera joven en proceso de formación, ambos inutilizables en la carpintería.
2. los costeros, los falsos quartiers, los quartiers (con la mejor veta en el caso del roble) en donde el núcleo es retirado ya que puede tener fisuras. Según este orden, los listones son extraídos de los más pequeños a los más grandes.
Una vez que se obtienen los listones, cuatro intervenciones se realizan de forma sucesiva:
1. el cepillado para darles una apariencia recta y regular;
2. el fresado para transformar el borde longitudinal del listón en una moldura
3. el calado para cortar formas semi-redondas en relieve sobre la moldura;
4. el tallado en bisel para abatir los bordes vivos de los ángulos rectos del listón.
Los listones son ensamblados entre ellos por doble caja y espiga, que les asegura la solidez deseada para un uso destinado al gran público, luego son fijadas a su soporte transversal a través de tornillos fijados en clavijas de madera, el conjunto reposando sobre cuatro patas en roble. Los módulos obtenidos también pueden ser conectados de dos en dos, o de tres en tres, formando así islotes de asientos de formas variadas.
Sean en teca o en aluminio lacado, los bancos de Tectona responden a una sola exigencia: la durabilidad. La elección de trabajar la teca en secciones enteras, y de seguir empleando antiguas técnicas de ebanistería, como el ensamblaje de caja y espiga, avalan la solidez de nuestros bancos. La misma exigencia técnica es aplicada en la utilización del aluminio lacado, naturalmente inmune a la corrosión.
¡El banco ideal para disfrutar de un panorama total! Se trata de uno de los más bellos representantes de la rigurosa maestría técnica implementada en Tectona: los travesaños de su respaldo y los listones del asiento han sido cortados y formados en una sola pieza desde la teca misma, un proceso de ebanistería que le garantiza al banco una estabilidad perfecta y una solidez a toda prueba.
En 2006, Tectona realiza su primer mueble en aluminio lacado al reeditar un banco, originalmente fabricado en hierro forjado, de Estilo Directorio. La fineza y el equilibrio de su estructura en aluminio lacado, azul-gris o negro, le otorgan una gracia aérea a un banco que, desde entonces, ha sido la fuente de inspiración de la colección 1800.
Desde su creación en 1977, Exbury se ha convertido en uno de los grandes clásicos de Tectona. Sus secciones en teca particularmente imponentes son de una sola pieza. Han sido ensambladas con caja y espiga, según las normas de ebanistería. Con su elegancia atemporal, Exbury desafía el tiempo y las modas.
Aquí, la belleza natural de la teca queda enfatizada por la disposición de los listones de madera, dibujando una estructura a la vez estricta y ligera, simple y sofisticada, clásica y contemporánea. El ensamblaje de caja y espiga enclavijada, así como los tapones de madera para ocultar los tornillos, atestiguan la maestría técnica implementada por el taller Tectona.
Diseño: Edward Barber & Jay Osgerby
Siendo la descubridora de talentos que es, Tectona ha realizado colaboraciones especiales con el Studio Wieki Somers (Dylan van den Berg & Wieki Somers). Sus proyectos combinan rigurosidad y fantasía, comodidad, técnica, funcionalidad y poesía. Un sentido agudo de las formas y de la ligereza de los movimientos que ,por ejemplo, podemos encontrar en sus jarrones, algo que sedujo a Tectona desde el primer momento.
Fue durante una estadía en las montañas que Wieki Somers tuvo la idea original para su colección Grasshoper. La diseñadora desvela los secretos de fabricación de este conjunto atemporal editado en 2010 y compuesto por dos mesas y una silla, que desarrolló con particular cuidado.
© Anne Timmer
Cuál es el concepto de la colección Grasshoper?
La esbelta postura de esta línea está inspirada en un saltamontes y sus patas traseras. Queríamos concebir una colección que se podía integrar tanto en un marco tradicional como en uno más contemporáneo. Muebles fabricados con materiales duraderos, pero también ligeros y elegantes, que tengan la solidez de un martillo y la inmaterialidad de una hoja de papel. El metal perforado permite que el sol juegue con sus perforaciones, así como que la lluvia pueda pasar a través sin dejar rastros. Nuestra práctica consiste en encontrar la maravilla y el asombro en lo cotidiano, a revelar las cualidades ocultas de lo ordinario.
Cómo ha combinado la fantasía y la tecnología, dos valores que aprecia, en esta colección? Experimentamos con materiales y técnicas para crear obras que tienen sentido y que activan la imaginación de sus usuarios. Nuestro enfoque se caracteriza por una combinación de invenciones técnicas y sensibilidad con las formas y los materiales.
Cada objeto celebra el proceso de producción que llevó a su concepción y, al mismo tiempo, intentamos ocultar la ingeniosidad del sistema para dejar que la fantasía se exprese.
La forma de las patas y el color verde son dos elementos distintivos de Grasshoper. ¿Cómo llegó a estas elecciones? Todo se produjo a partir de un saltamontes que hemos podido observar de cerca durante una estadía en las montañas. Sus patas largas y estrechas que se dirigen elegantemente hacia el suelo, su postura agraciadamente inclinada, han inspirado los travesaños de las mesas y de la silla. Son formas a la vez elegantes y robustas. Queríamos concebir una colección que sea ligera a la vista y poco invasiva, pero que también sea sólida, asociándose además a la comodidad y la estabilidad. Evidentemente, el color verde elegido para esta colección también ha sido una referencia directa al tono del saltamontes.
Esta colección igualmente parecer estar inspirada en el modernismo posguerra, una época importante para la historia del diseño...
Efectivamente, el aspecto de la silla saltamontes puede evocar los muebles de los años 50 con sus travesaños oblicuos, su tono anticuado y la simplicidad elegante de su forma. Para ser honesta, jamás consideramos esas referencias históricas durante el proceso de su concepción, pero a menudo el diseño se sorprende a sí mismo y descubrimos estos guiños a posteriori...
De forma más general en sus proyectos, ¿es la naturaleza una fuente de inspiración?
Con sus formas impredecibles y su relación ambigua con el hombre, la naturaleza es una fuente de inspiración sin fin, menor o mayormente directa en función de los proyectos mismos. En este caso, los saltamontes han sido una fuente directa. Parecen ser vulnerables, rompibles, como pequeñas ramas, pero también son capaces de crear una especie de camuflaje increíblemente refinado, aspirando a la protección, la seducción, la depredación. ¡Cuánta complejidad oculta en un insecto tan minúsculo, cuánto diseño extraordinario!
La marca de referencia para mobiliarios de exterior, Tectona igualmente implementa toda su maestría técnica tradicional en ebanistería para piezas excepcionales destinadas al acondicionamiento de interiores. Cuatro creaciones ilustran este compromiso en nombre de lo bello, del buen oficio y del gusto por un sublime arte del vivir.
Inspirado en el mobiliario tradicional británico, Glenwood fue concebido para la vida al aire libre. Su comodidad se debe a su espacioso y profundo asiento, a su respaldo suficientemente alto como para sostener toda la espalda y a sus reposabrazos ligeramente curvos. Su durabilidad y su solidez provienen del ensamblaje de diferentes elementos con caja y espiga enclavijada, así como de la confección de sus patas, talladas de una sola pieza desde la teca maciza.
Concebida en 2017 por el dúo de diseñadores THINKK Studio, la colección Batten (sillón y mesas) se inscribe en la evolución del gusto por la vida al aire libre, a partir de ahora ampliada a la ciudad y sus terrazas. Realizada en teca, esta colección alía la sobriedad contemporánea de su arquitectura con la puesta en valor de la madera trabajada en grandes listones según la maestría técnica tradicional de Tectona.
Imaginada por Alexis de La Falaise (1948-2004), esta biblioteca para interiores, montada sobre ruedas y giratoria, ha sido realizada en teca barnizada y satinada. Su forma en obelisco calado permite un rápido acceso a las obras escritas, sea cual sea su tamaño, repartidos desde la base hasta la cima, yendo desde los grandes libros de arte hasta las pequeñas novelas favoritas del lector asiduo.
Esta banqueta ha sido inspirada por dos bancos en roble que pertenecen a las colecciones patrimoniales del castillo de Versalles. Mientras el primero fue traspasado de las caballerizas del castillo real de Saint-Cloud al castillo de Versalles en 1855, el segundo figura en el inventario de las Pequeñas Caballerizas de Versalles. De estilo simple, ésta fue adaptada por el Taller Tectona a los usos de particulares pero también al gran público, como lo requiere el castillo de Versalles. Por lo tanto, la madera de roble ha remplazado el terciopelo de sus asientos, a partir de ahora en un tamaño más grande y más cómodo.
Desde su creación en 1977, Tectona ha implementado y transmitido a lo largo de los años su inigualable maestría técnica en materia de ebanistería. Su renombre no solamente se debe a un estilo a la vez clásico y contemporáneo, sino también a la solidez y durabilidad de su mobiliario. Éstas son cualidades particularmente codiciadas para lugares abiertos al público, tales como museos, parques o incluso jardines de instituciones prestigiosas.
En 1977, el banco Glenwood fue elegido para acoger a los visitantes del jardín del museo Rodin en París. 45 años después, este mismo banco, sin haber envejecido un solo día, ofrece una cómoda pausa, no solamente en París en el ya mencionado jardín, sino también en los senderos del parque de Chambord.
En 1992, Tectona edita el banco diseñado por Andrée Putman para el CAPC Museo de Arte Contemporáneo de Burdeos.
En 2021, Tectona se asocia con la Villa Médici, una alta esfera cultural que combina clasicismo y arte contemporáneo. A partir de entonces, los visitantes de los jardines de la Villa pueden disfrutar de la sombra de un árbol centenario descansando sobre el "Circle Bench", o bien gozar de un panorama espectacular ofrecido sobre la Ciudad Eterna desde la acogedora hamaca "Copacabana".
Desde 2020, la banqueta Grande Écurie-Versailles marca el recorrido de los visitantes en el castillo de Versalles. Realizada y editada por Tectona, su estilo se inspira en el mobiliario de la casa JacobDesmalter, principal proveedor del palacio a mediados del siglo XVIII. Esta edición es el resultado de una colaboración entre el castillo de Versalles y Tectona.
A raíz de un concurso organizado en 2017 de forma conjunta por la ECAL y el Museo Picasso de París, el banco Muse, concebido por la diseñadora Isabelle Baudraz, fue elegido para renovar los asientos del museo. Perfeccionado por el Taller Tectona, este banco modular en roble también forma parte del catálogo de la marca.
Banco Plateforme 10
© Daniela Droz & Tonatiuh Ambrosetti
Siendo un centro para residencias de artistas, la Villa Noailles cada verano organiza, desde 2006, un concurso abierto a diez jóvenes diseñadores, ofreciéndoles una vitrina y un acompañamiento único. En el marco de su compromiso con respecto a la creación joven y a los lugares culturales donde éste se expresa, Tectona ha dotado la plaza de la Villa con un verdadero ícono del diseño: el parasol Roma.
Plataforma 10 ha oficialmente abierto sus puertas al público el día 18 de junio del 2022. Este gigantesco centro cultural cubre unos 25.000 metros cuadrados en Lausana y agrupa tres museos cantonales, así como dos fundaciones. Siendo socio de este inmenso proyecto desde 2019, Tectona organizó un concurso internacional de diseño para la creación de un banco destinado a acoger el público en los salones de Plataforma 10.
Pierre Charpin, ganador de este concurso, fue el creador de dicho banco, realizado por Tectona, en secciones de roble macizo, cuya evidente simplicidad se invisibiliza con elegancia ante las obras expuestas.
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