Koreana Spring 2015 (Spanish)

PRIMAVER A 2015

CULTURA Y ARTE DE COREA

ESPECIAL

ARTE MODERNO

Pioneros del arte moderno

TOMO. 24 No- 1 ISSN 1225-4606

IMAGEN DE COREA

Farolillos de loto Flores del corazón que iluminan el cielo

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a primavera en Corea comienza en las islas del sur.

A finales de febrero, contra el fondo del mar azul, el rosa profundo de las camelias florece entre las hojas brillantes, de color verde oscuro, mostrando primero sus estambres amarillos. Su corazón, en silencio durante el invierno, comienza a revolotear. Junto a troncos de cientos de años de edad, emergen las primeras flores de ciruelo, tan apreciadas por los eruditos confucianistas en el pasado.

Desde finales de marzo hasta principios de abril, tanto el amarillo dorado de las forsitias, amigas de los niños y de la gente común, como los cerezos y las azaleas rosadas oscuras, aparecen por turnos. Pero pese a que la mente se adelanta, el tiempo sigue siendo bastante frío por ahora. La primavera realmente llega, sólo cuando los árboles que bordean las calles, repletos de flores de cerezo, estallan con abundantes racimos en todas sus ramas.

Pero, sin duda, lo más destacado de la primavera es el desfile de farolillos de loto en el cumpleaños de Buda, a mediados de mayo, cuando los rododendros florecen. Entonces es cuando la luz que habita en los corazones de la gente brilla más, y acompaña con un broche de oro a la belleza de las flores que asoman en primavera, alimentadas por la naturaleza.

Los farolillos de loto, conocidos como Yeondeung en coreano, son linternas de papel con forma de flor de loto. Se cuelgan en el cumpleaños de Buda e invitan a rezar para que el corazón, lleno de oscuridad y angustia, se vuelva brillante como la sabiduría de Buda, y para que el calor del amor se disperse como un rayo de luz, e inunde el mundo con la sabiduría y la compasión de Buda.

Cuando era un niño, antes del cumpleaños de Buda, mi abuela de pronto se convirtió en creyente budista. Entonces comenzó a cortar y a pegar trozos de

Kim Hwa-young Crítica literaria y Miembro de la Academia Nacional de las Artes

papel teñido -de color amarillo, verde y rosa- sobre un marco de bambú, curvando los bordes para crear una linterna o farolillo, con forma de flor de loto. Luego, con esa linterna en la mano, comenzó a caminar hacia un gran templo en las montañas, ubicado a unos 30 km de distancia.

A partir de entonces, el largo camino que conducía hacia el templo, ese camino cubierto de flores que recorrí con mi abuela, fue un festival en sí mismo y el camino más deslumbrante de la primavera, porque sabía que el amor y las bendiciones contenidas en el farolillo de loto que mi abuela ofrecería a Buda, conducirían mi corazón hacia el cielo azul y me harían completamente feliz.

Cuando la linterna, y su luz que desaparece, se convierte en un puñado de cenizas que vuela lejos, el verano llega en un abrir y cerrar de ojos y la primavera parece un sueño diurno del que uno despierta súbitamente. (Traducido por Javier Castañeda)

CULTURA Y ARTE DE COREA 1

REPORTAJE ESPECIAL

REPORTAJE ESPECIAL 1

04

El renacer del espíritu de los artistas coreanos tras un periodo de agitación

Kim Young-na

REPORTAJE ESPECIAL 2

Pioneros del arte moderno

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08 El paisaje trascendental y la estética de lo sublime de Kim Whanki

Park Mee-jung

REPORTAJE ESPECIAL 3

12 Letras, signos y personas: introspección y reflexión en la tinta y el pincel

Mok Soo-hyun

REPORTAJE ESPECIAL 4

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44

ENTREVISTA

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Park Saeng-kwang, la estrella de la pintura coreana a color

Park Young-taek

REPORTAJE ESPECIAL 5

22 Park Soo-Keun: El artista más querido de Corea

Choi Youl

LIBROS Y MÁS

ESTILOS DE VIDA

26 Lee Ja-ram: Joven diva del Pansori

Kim Soo-hyun

50 “ Caminos hacia la cultura coreana:

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FOCO

Estudios de casos significativos de las pinturas

VIAJE A LA LITERATURA COREANA

32 La masiva llegada de turistas

de Joseon como “traducción cultural”’

chinos: luces y sombras

62 Largo,

Kim Bo-ram

La odisea de un hombre en su ardua búsqueda de

un espacio para la vida plena

DELICIAS DEL GOURMET

pinturas de la Dinastía Joseon, 1392-1910

“La Plaza”

ENAMORADO DE COREA

36

Eat your Kimchi

Ben Jackson

52

Gimbap , un plato popular pero muy especial

OPINION DESDE LA LEJANÍA

Park Chan-il

ENTRETENIMIENTO

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Yo elegí Corea

Laura Tirador

EN EL CAMINO

44 Geonmundo, el auténtico sonido de la canción de la vida

Gwak Jae-gu

56 Hidden singer: Cuando la pasión de los imitadores resucita canciones

Wee Geun-woo

El síndrome del Selfie-stick Koo Bon-kwon

es el camino que lleva de la oscuridad a la luz

Du-yeong Jang

La escolta de la luz

Jo Hae-jin

REPORTAJE ESPECIAL 1 Pioneros del arte moderno

El renacer del espíritu de los artistas coreanos

tras un periodo de agitación Kim Young-na

Directora del Museo Nacional de Corea

La pintura occidental llegó a Corea por primera vez a finales del siglo XIX y principios del XX. Aunque su introducción al país fue parte de la influencia de la nueva cultura en el período de la ocupación japonesa, Corea no permaneció inmune a los rápidos cambios en la pintura a medida que se ponían de moda los más diversos modos de expresión y formas de pensar. En las diversas corrientes de la historia de la pintura, desde la época moderna hasta la contemporánea, los esfuerzos de los maestros por expresar, tanto la modernidad como el sentimiento propios de Corea, fueron la semilla que ha dado lugar a la pintura coreana tal y como es a día de hoy.

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“Puesta de Sol” (1916) de Kim Gwan-ho, 127,5 x 127,5 cm, óleo sobre lienzo, Escuela de Bellas Artes de Tokio. Cuando el trabajo de Kim Gwan-ho (1890) fue aceptado oficialmente en el Salon Bunten, un diario coreano proclamó dicha hazaña con orgullo pero sin fotos, ya que en aquel momento se consideraba que los desnudos trasgredían la ética confuciana tradicional.

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n 1916 el periódico coreano Daily News divulgó que el cuadro “Atardecer” de Kim Gwan-ho había sido aceptado oficialmente en el Salón de Japón, bajo el patrocinio del Ministerio de Educación. Sin embargo, el diario publicó la noticia sin foto, debido a que las dos mujeres que aparecían en la obra estaban desnudas. La pintura de Asia Oriental, dominada por la tinta y el pincel, tenía como temas tradicionales los paisajes y los retratos, por lo que el desnudo femenino era un género completamente nuevo. En torno a finales del siglo XIX y principios del XX, cuando la pintura occidental se introdujo en Asia como parte de una nueva cultura, emanaron como temas artísticos -además de los desnudos- retratos de personas de la calle e impresiones de la vida cotidiana. En la sociedad confuciana de Corea era muy impactante el hecho de que surgieran cuadros en los que aparecían mujeres sin ropa. Las pinturas de desnudos en la Exposición de Arte de Joseon, fundada en 1921 por el gobierno general japonés como parte de su política cultural, no pudieron ser reproducidas en ninguno de los periódicos del país, bajo el argumento de que “generaban el riesgo de incitar emociones indecentes entre la gente común, incapaz de comprenderlas”. No obstante, bosquejar desnudos se concebía como parte fundamental de la formación de aquellos artistas que se especializaban en la pintura o la escultura occidentales. En la década de 1930 los horizontes del arte moderno de Corea se habían expandido hasta el punto de que podía declararse como iniciada la experimentación con el género abstracto.

La pintura moderna bajo el liderazgo de artistas educados en Japón Durante el periodo de la ocupación japonesa, entre 1910 y 1945, no se establecieron en Corea escuelas de arte importantes.

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1. “Retrato del padre Kim Dae-Geon” (1920) por Jang Bal, 60,5 x 50cm, óleo sobre tela, Museo de Católicos de Corea. Jang Bal (1901-2001) era un católico devoto que pintó muchos cuadros religiosos, y contribuyó en gran medida al establecimiento de las catedrales y a la educación artística tras la liberación del dominio japonés. El Padre Kim Dae-Geon, primer sacerdote católico de Corea, fue martirizado en 1846.

2. “Retrato de un amigo” por Gu Bon-ung, 62 x 50 cm, óleo sobre lienzo, Museo Nacional de Arte Moderno y Contemporáneo. Gu Bon-ung (1906-1953) fue un pintor fuertemente influenciado por los fauvistas, además de escultor y crítico de arte. El retrato es del mejor amigo de Gu, el poeta Yi Sang, quien murió a una edad temprana.

La viuda de Yi, Kim Hyang-an, se casó después con Kim Whanki, un pintor abstracto pionero. En la historia del arte coreano es recordada como compañera de vida de dos de los grandes del arte moderno coreano.

Cualquiera que quisiera estudiar arte en serio no tenía otra opción que trasladarse a Japón. Aunque unos cuantos creadores como Bae Un-seong (1901-1978), Lee Jong-u (1899-1981) y Bal Jang (1901-2001), pudieron permitirse estudiar en Europa o en Estados Unidos. Cualquier artista que deseara viajar al extranjero tenía que obtener primero un pasaporte japonés, y esto supuso que, de forma natural, la mayoría de ellos fuera a estudiar a Japón.

En su mayoría, los primeros coreanos estudiantes de arte en el extranjero recibieron formación en la Escuela de Bellas Artes de Tokio. Más adelante, desde la década de los 30, se aventuraron en diferentes liceos como la Universidad de Nihon (que en aquel tiempo era un centro privado), la Escuela Imperial de Bellas

Artes y la Universidad de Bunka Gakuen. Algunos de estos alumnos se unieron a grupos de artistas o participaron en exposiciones. Cuando regresaron a Corea enseñaron arte en las escuelas y organizaron nuevas muestras, como forma de cultivar a la próxima generación de artistas. En aquel momento, la mayoría de los estudiantes que poseía los medios suficientes para ir a estudiar arte a Tokio provenía de familias acomodadas. Esto significaba que muchos de los artistas no tenían que preocuparse por la venta de sus cuadros, ya que podían ganarse la vida solo dando clase en la universidad y mostraban un cierto orgullo al ser la vanguardia de las nuevas tendencias de arte en el país. En un pasado más lejano, la condición social de los artistas era más bien baja, pero esta situación empezó a cambiar cuando aparecieron en escena creadores que habían recibido una educación formal de estilo occidental. Desde su punto de vista, los artistas eran “genios solitarios” y personas dotadas de un talento especial. Esto fue fruto de la influencia de la cultura elitista occidental, que seguía los pasos del romanticismo. Quizá fuera un destino inevitable que, en sus épocas iniciales, el arte moderno coreano tuviera como principales referentes a artistas que habían estudiado en Japón.

Una era de experimentación y de grandes turbulencias A la liberación del dominio colonial japonés en 1945, le siguió el conflicto entre la izquierda y la derecha. Más tarde, el estallido de la Guerra de Corea en 1950 y la posterior confusión generada por la división nacional, hizo imposible que los artistas coreanos pudieran desarrollar sus habilidades con el pincel; y no fue hasta alrededor de 1955 cuando comenzaron a superar el shock de la guerra. El círculo artístico coreano comenzó a mirar más allá de Japón y pasó a centrar su interés en las tendencias internacionales del arte. En las complicadas circunstancias de la posguerra algunos artistas como Park Soo-Keun (1914-1965), que había permanecido en activo desde el período de la ocupación japonesa, se ganaba la vida pintando retratos en la base del Ejército de Estados Unidos, y más tarde vendiendo cuadros a los soldados estadounidenses. Algunos de los artistas que gozaban de mejores condiciones de vida se mudaron a Francia, considerada en aquel momento el centro artístico del mundo. Los más importantes fueron Lee Ung-no (1904-1989), Kim Whanki (1913-1974), Kim Heung-su (1919-2014) y Kwon Ok-Youn (1923-2011), todos ellos figuras prominentes que habían seguido pintando durante la era de la ocupación. En aquellos días, para un artista suponía un gran problema salir a estudiar al extranjero, y cuando alguno lo hacía quedaba reflejado en los medios de comunicación.

Los artistas que viajaron a Francia vieron y aprendieron mucho allí, y se plantearon seriamente cómo pintar al estilo occidental, pero de una forma diferente a la de los occidentales. La toma de contacto de Lee Ung-no con el “arte informal” o “arte sin forma”,

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© Lee Ungno / Lee Ungno Museum, Daejeon, 2015

1. Lee Ung-no realizó su primera exposición individual en 1962 en la Galería Paul Facchetti de París. El artista y su esposa, Park In-kyung (en hanbok, en el centro), con los invitados a la inauguración.

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© Whanki Foundation / Whanki Museum

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2. En 1959 el periódico de Alemania Occidental Neue Presse escribió una opinión muy favorable de la exposición de pinturas tinta aguada de Lee Ung no en Frankfurt. El retrato de Lee fue elaborado por el periodista.

3. Kim Whanki y su esposa, Kim Hyang-an, caminan por las calles de París. En París, Kim buscó las raíces de su arte y también exploró diversas formas de expresión.

4. Al finalizar la Guerra de Corea, Park Soo-Keun se ganaba la vida pintando retratos en la base del ejército estadounidense y vendiendo sus obras a los soldados.

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© Park Soo Keun Museum

En un pasado más lejano la condición social de los artistas era más bien baja, pero esa situación empezó a cambiar al aparecer en escena creadores que habían recibido una educación formal de estilo occidental. Desde su punto de vista, los artistas eran “genios solitarios” y personas dotadas de un talento especial. Esto era fruto de la influencia de la cultura elitista occidental, que seguía los pasos del romanticismo. Quizá fuera un destino inevitable que, en sus épocas iniciales, el arte moderno coreano tuviera como principales referentes a los artistas que habían estudiado en Japón.

dos por la amplia disponibilidad de chatarra de hierro y acero después de la guerra.

le llevó a comenzar nuevos trabajos con piezas de hanji (un papel tradicional de morera) pegadas al lienzo; mientras Kim Whanki se centró en la expresión de temas y sentimientos coreanos.

Los creadores jóvenes de la década de los 50 formaban parte de una generación más completa. A estos artistas, licenciados en su mayoría en las escuelas de arte de la Universidad Nacional de Seúl o la Universidad de Hongik, que fueron establecidas tras la liberación del país, ya no les satisfacía pintar cuadros de figuras académicas o paisajes, ni ganar premios en las exposiciones de arte patrocinadas por el Gobierno. Era una generación que había experimentado los horrores de la guerra, que se alejó de las formalidades y buscó la libertad de expresión. Ellos abrazaron con entusiasmo el expresionismo abstracto llegado de Estados Unidos, y el informalismo que se introdujo desde Europa; movimientos artísticos ambos caracterizados por una fuerte y explosiva pincelada, que parecía ignorar todas las reglas respetadas hasta entonces. El expresionismo abstracto también comenzó a influir en los pintores de estilo tradicional que trabajaban con tinta y pincel, y comenzaron a usar sus herramientas de trabajo para experimentar con la abstracción. En el caso de los escultores, también se alejaron de las obras realistas de bronce o madera y comenzaron a experimentar con trozos de acero, utilizando nuevas técnicas de soldadura para crear obras expresionistas; parcialmente influencia-

“Sueños” (1960) por Kwon Ok-yeon, Óleo sobre lienzo, 73 x 100 cm, Museo Nacional de Arte Moderno y Contemporáneo.

Kwon Ok-yeon (1923-2011) fue un destacado artista que estudió en París y en Japón. Su trabajo aborda la fantasía y el misterio oriental, expresadas mediante sentimiento y técnicas occidentales.

Arte e intercambios en la era global Desde los años 60, los artistas comenzaron a desviar su mirada de Europa a los Estados Unidos, donde tenían lugar nuevos avances en el arte. EEUU había asumido un rol activo en la guerra de Corea, y brindó asistencia a la reconstrucción del país en muchas áreas. Como es de suponer, el apoyo al arte fue insignificante en comparación con las ayudas a la agricultura, la medicina y la educación. Sin embargo, algunas de las exposiciones generaron entre los coreanos un mayor interés por el arte estadounidense, entre ellas “Ocho pintores y escultores modernos”, exhibida en 1957 en el Museo de Arte de Deoksugung, que contó con obras de artistas del noroeste de Estados Unidos como Mark Tobey, Morris Graves o David Hare.

Además, también se instalaron en tierras estadounidenses artistas coreanos como Kim Whanki, formado en Japón durante el período de la ocupación, quien vivió en Francia durante tres años -de 1956 a 1959antes de regresar a Corea para enseñar arte en la Universidad de Hongik. Artistas como él se sintieron impulsados por el interés en EEUU como el nuevo centro neurálgico mundial del arte contemporáneo.

Desde entonces y por muchos años, Estados Unidos seguiría siendo visto como centro del arte contemporáneo, y el lugar ideal para la formación práctica de los estudiantes de arte coreanos. Todavía a día de hoy es habitual ver a numerosos alumnos coreanos en las escuelas de arte de Nueva York, como Pratt y Parsons. En todo caso, a partir de la década de los 80, los estudiantes de arte comenzaron a diversificar sus destinos para dirigirse a Alemania, Inglaterra y otros países del mundo. Para entonces ya no tendían a aceptar un solo sentido del arte occidental, y en su lugar asumieron el concepto de intercambio. Según la visión de estos jóvenes, Estados Unidos y Europa, ya no eran tanto espacios de los que aprender cosas nuevas, sino más bien lugares en los que era necesario experimentar en la era global. Desde la década de los 90 muchas exposiciones internacionales de arte, como la Bienal de Gwangju, se han celebrado en Corea; y el arte de otros países ya no es objeto de vago temor o curiosidad. Estudiar en un país extranjero se considera más bien una forma de ampliar el alcance de las actividades de cada creador. (Traducido por Atahualpa Amerise)

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REPORTAJE ESPECIAL 2 Pioneros del arte moderno

Kim Whanki es un pionero en el arte abstracto moderno de Corea y fue quien sentó las bases del mundo lírico del arte, mediante su sutil y sofisticado lenguaje de la forma. Sus obras, creadas en un recorrido por diversos modos de experimentación plástica, revelan el espíritu poético del artista al alabar lo espiritual y lo eterno. Son eco de la luz de la luna y del brillo del sol, así como la expresión de su anhelo por lo desconocido.

Park Mee-jung Directora, Museo Whanki

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n los días en los que concibió al artista, su madre soñaba con brillantes banderas de todos los colores que sobrevolaban el cielo. Como modo de hacer realidad lo que sugería el sueño, Kim Whanki (1913-1974) se convirtió en un artista. A sus 20 años se sintió atraído por el arte abstracto y más tarde lideró el movimiento modernista en el arte coreano. Kim tenía un amplio abanico de intereses en el arte, la literatura y otras áreas de la cultura, y llevó a cabo numerosos intercambios con personalidades de este ámbito, que no solo enriquecieron su vida como artista, sino que también le brindaron la oportunidad de conocer a su esposa, Kim Hyang-an. Como socia en el arte y compañera de toda la vida, capaz de profesarle un apoyo incondicional, su mujer tuvo una gran influencia en su carrera artística. Ella realizó un importante trabajo a la hora de promover la investigación, exposiciones y publicaciones, para lograr que tanto él como sus obras fueran más conocidos en todo el mundo. Además, tras la muerte del artista, ella fue quien creó la Fundación Whanki, con el fin de preservar sus obras como activos culturales para el pueblo coreano. También fundó el Museo Whanki, y contribuyó a apoyar a otros artistas y a crear ambientes artísticos en el país.

Cantando a la naturaleza Kim Whanki, quien en su juventud mostró una marcada inclinación hacia las vanguardias y el arte abstracto, desarrolló con el paso del tiempo su estilo original, y creó pinturas de objetos naturales sobre fondos abstractos. Con las montañas, la luna, las flores de ciruelo y las jarras de porcelana como temas favoritos, pintó sobre la naturaleza, expresando sus ideas asiáticas en una armonía natural marcada por la lírica belleza de las formas.

Al principio descubrió la calidad estética de la cultura tradicional y el arte antiguo de Corea, y comenzó a recoger antigüedades como viejas pinturas y obras caligráficas. Concretamente, el gran recipiente de porcelana blanca llamado “Moon Jar” (“Jarrón de Luna”) era un objeto con el que mantenía un vínculo especial, por lo que coleccionarlo fue para él algo más que un mero pasatiempo y ejerció una gran influencia en su obra.

Muchas de las pinturas que Kim creó antes de llegar a la abs-

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© Whanki Foundation / Whanki Museum

El desafío de un artista por captar la esencia del arte En lo que a arte se refiere, Kim Whanki no admitía compromiso alguno. Este creador poseía un indomable espíritu de desafío, lo que le llevaría a abandonar su posición de privilegio y la reputación de la que gozaba en Corea, para empezar desde cero en París y Nueva York, al ser estas ciudades la vanguardia de la escena artística en el mundo. En la década de los 40 formó el grupo de artistas llamado Nuevo Realismo, basado en su creencia de que la deconstrucción y la expresión interna de los objetos naturales, revelarían “una nueva realidad que va más allá de lo que es verdadero y lo que es ilusorio”. Él pensaba que un artista debe capturar la esencia del arte mediante el descubrimiento de su verdadero yo, a través de una expresión sin restricción alguna, y esa fue la forma de hallar su propio lugar en el escenario mundial del arte.

Definido a menudo como “un poeta visual que cantó a la naturaleza” o “un juglar que glorificó a la eternidad”, Kim Whanki trazó una carrera artística que se puede dividir en dos fases: desde y a partir del año 1963. En la primera fase, era un artista joven en busca de las raíces de su estilo creativo y más tarde miembro de los Nuevos Realistas; en un momento en el que pasó a tratar de ser fiel a sus ideales artísticos. Luego vino la época de París (1956-1959) en la que exploró persistentemente su identidad creativa y buscó la esencia del arte, y posteriormente su participación en la Bienal de Arte de São Paulo en 1963. En este periodo trató de fundirse en uno con la naturaleza, al interpretar el mundo con la forma de esta. La última parte de su carrera se corresponde con el período en el que residió en Nueva York (19631974). En esta fase llevó a cabo diversas formas de experimentación plástica, y adquirió una visión contemplativa y objetiva de la naturaleza, con la que avanzó hacia el más puro abstraccionismo.

1. “10-X-73 # 322 Aire y Sonido II” (1973), 264 x 208 cm, óleo sobre 2. “Naturalezas Inmortales” (1956- 1957), 128 x 104 cm, óleo sobre lienzo

tracción completa, muestran los paisajes naturales de Corea y sus objetos tradicionales como elementos figurativos que representan la identidad y el espíritu poético del autor. Incluso en sus pinturas abstractas, los trazos simples y los colores suaves se interpretan como una reminiscencia de las líneas suaves y elegantes, y de los claros y refinados tonos de la porcelana blanca coreana. Con estas líneas elegantes y los planos de color que suavemente se superponen y se repiten, sus pinturas representan el motivo de la creación y la destrucción de la naturaleza, empleando una combinación perfecta de expresiones abstractas y figurativas. Al añadir la calidad lírica y onírica de sus pinturas, los distintos tonos de azul que solía usar, representan el entorno natural de su tierra natal o la energía positiva, como origen de toda la creación. También como símbolo de la vida misma, el color era su medio de expresión, y el elemento que servía para resaltar los temas principales de sus obras.

Durante los días que pasó en París, su persecución naturalista de la forma, fue toda una guía para su esfuerzo por explorar su propia identidad emocional y creativa en búsqueda de la esencia del arte. En París, al observar las verdaderas obras de los maestros del mundo y sentir los intensos “mensajes poéticos” que emanaban de ellas, Kim reflexionó sobre lo que había tratado de transmitir en sus propias obras. La carta que envió desde París en 1957 a un conocido revela este estado de ánimo: “Mi arte no ha cambiado ni una micra. Lo que he sentido aquí es el espíritu poético. Creo que el arte debe tener música dentro, y todas las obras de los grandes maestros transmiten música con un poderoso alcance. Supongo que mi estancia en París me ha dado una idea clara de qué tipo de música he aplicado a mis obras hasta hoy. Me siento como si hasta mi llegada a París no hubiera conocido realmente lo brillante que es el sol”.

En París, Kim logró identificar la raíz de su espíritu artístico y aprendió a expresarlo hacia el exterior. Se dio cuenta de que no era el aspecto, sino la esencia de sus obras, lo que le permitiría sobrevivir como artista en la capital francesa; y compren-

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dió que debía ser fiel a su espíritu poético, arraigado en su cultura nativa. En este período realizó algunas de sus obras maestras, que incluyen sus objetos de inspiración favoritos –las montañas, la luna, las aves, los jarrones de porcelana y las flores de ciruelosobre el fondo de sus característicos colores azulados. Los cuadros reinterpretan estos temas, que simbolizan tanto su identidad coreana como la naturaleza de su tierra natal. Para el artista, la era de París fue una época creativa enriquecida por su pasión, su intensidad y su espíritu de desafío.

Un canto a la Eternidad Kim Whanki recibió en 1963 el Premio Honorario en la Bienal de Arte de São Paulo en Brasil. Al juntarse con artistas de todo el mundo y apreciar sus obras, le surgió el deseo de trasladarse a Nueva York, centro artístico del mundo, para refrescar su visión creativa y hacer una revisión de su trabajo. En ese momento tenía cincuenta años. Mientras disfrutaba de la energía creativa y la atmósfera de libertad que impregnaban la ciudad, se dedicó una vez más a explorar la nueva dirección en la que debía enfocar su arte. Inmerso en este nuevo entorno, Kim se aventuró en otro desafío artístico. Después de las dos guerras mundiales del siglo XX, en aquel momento histórico se había formado en Nueva York un complejo entorno social con personas procedentes de diversos orígenes étnicos y culturales, que servía para fomentar puntos de vista abiertos y objetivos y la búsqueda de un mayor consenso entre todos ellos. Tal y como demostraron los artistas del expresionismo abstracto de la Escuela de Nueva York, la ciudad ofrecía una atmósfera ideal para promover las ideas compartidas de los artistas, a través de diversos estilos expresados en sus maneras personales y únicas.

Según la visión de Kim Whanki, Nueva York no era un terrible campo de batalla en el que había que luchar por la supervivencia,

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Cada uno de los puntos que proliferan como células vivas en el campo visual es un fragmento de su meditación. Los puntos representan el flujo de la poderosa energía solar, la luz de ritmo vacilante que desprende una constelación, el escenario nocturno de una gran metrópoli y el hermoso paisaje de su patria perdida, así como las caras de sus seres queridos. También expresan los insondables abismos del mar y del universo. sino un nuevo mundo que podía estimular su curiosidad, su inspiración, y su voluntad de seguir adelante con los objetivos marcados. También era un espacio óptimo para la creación ininterrumpida. El autor no estaba obligado a participar en diversas actividades sociales, tal y como sucedía en Corea, de modo que podía permitirse dedicar todas las energías a su trabajo. En esta ciudad, en la que podía entrar en contacto con todo tipo de estilos de arte a nivel mundial, vio frente a él un nuevo horizonte de apertura y esto le inspiró para crear pinturas que abarcaran un atractivo más amplio, en lugar de permanecer anclado en el lirismo figurativo basado en su amor por la naturaleza. A través de su arte llevó a cabo una incansable búsqueda estilística que incluyó diversos cambios, tanto en contenido como en estilo. Además, como había experimentado con diversos materiales y composiciones, sus imágenes figurativas de la naturaleza evolucionaron gradualmente hacia la abstracción, con la condensación de puntos, líneas y planos.

Los experimentos del autor con los puntos y las líneas, que habían comenzado a aparecer en sus dibujos de la década de los

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50, continuaron en sus obras mediante diversas composiciones, hasta que se dirigió al puntillismo más puro. Su anterior estilo, con composiciones intensas y tonos generalmente azules, evolucionó hacia obras sobre estados de ánimo poéticos, tanto íntimos como universales, a través de formas básicas como puntos, líneas y planos. En el proceso llevó a cabo una serie de experimentos originales en las formas (la abstracción de las montañas y la luna, la composición de la cruz, la abstracción de colores y planos, el puntillismo, etc.) y en los materiales (arcilla, objetos, collage, óleo de colores sobre periódicos, etc.). En la década de los 70 comenzó a producir pinturas compuestas solo por puntos, líneas y planos que se convirtieron más tarde en un estilo original, consistente en cubrir todo el lienzo con un sinnúmero de puntos, creando un profundo y elaborado efecto visual. Cada uno de los puntos, que proliferan como células vivas en el campo visual, es un fragmento de su meditación. Los puntos representan el flujo de la poderosa energía solar, la luz de ritmo vacilante que desprende una constelación, el escenario nocturno de una gran metrópoli y el hermoso paisaje de su patria perdida, así como las caras de sus seres queridos. También expresan los insondables abismos del mar y del universo.

Por el arte y con el arte Las pinturas puntillistas, que son la quintaesencia de Kim Whanki, incluyen los trabajos en serie “Dónde, Cómo y Cuándo nos encontraremos de nuevo” (1970) y “Universo” (1971), que también son consideradas obras maestras del arte moderno de Corea. En estas pinturas, el autor creó un espacio de meditación con la profundidad y el misterio del azul cerúleo, el azul ultramar y el azul de Prusia. Al expresar las diversas emociones de todo tipo que el artista debió haber sentido en el extranjero, los delicados matices de los puntos de colores trascienden el tiempo y el espacio para acercarse a la eternidad. Pintar estos numerosos puntos no fue más que una reproducción mecánica de la misma pauta, pero en su vida evolucionó hacia la práctica de la contemplación trascendental, en un estrecho vínculo con la naturaleza, las relaciones y el arte.

Las pinturas puntillistas de Kim son el resultado de su investigación sobre el mundo, del espíritu poético que se extiende hasta alcanzar el reino de la fantasía. Con el uso de los colores al óleo sobre lienzo -materiales propios de la pintura occidental- y el control de la concentración de las pinturas, logró el efecto de la tinta de Asia; como si los colores finos, ligeros y translúcidos se hubieran extendido de forma silenciosa sobre el papel de morera o la tela. Sus sensibilidades asiáticas se elevaron hasta pasar por encima de las características propias de los materiales occidentales, para trascender de lo físico a lo espiritual, del mundo material al mental, de la realidad a la eternidad o a la ausencia del ser, a lo que trasciende el tiempo y el lugar. Estas deben haber sido

1. Kim Whanki trabajando. El artista estaba interesado en la cultura tradicional y el arte antiguo, así como en coleccionar antigüedades, pinturas antiguas y caligrafía. Le gustaban especialmente “los jarrones-luna”, y coleccionarlos no era sólo su hobby, sino algo que tuvo una gran influencia en su obra.

2. La era de Kim Whanki en Nueva York comenzó en 1963, periodo en el que desarrolló su original estilo puntillista.

3. “16-VII-68 #28” (1968), 177 x 128 cm óleo sobre lienzo

las formas de la naturaleza, los seres humanos y el universo que, a través del arte, el autor trataba de entender.

La experiencia creativa de Kim le llevó a darse cuenta de que el camino perfecto para un artista debía ser emprendido “en el arte, por el arte y con el arte”. El mundo de la creación era un reino trascendental al que el artista lucharía por llegar en su vida real, con el arte como compañero; y ese reino no podía ser alcanzado sin sufrir los dolores propios de un parto. Era un mundo sublime alcanzado mediante la incineración de su alma, a fin de alimentar su impulso creativo y conmover a la gente con su “estética de la trascendencia”.

Mientras el Kim Whanki de la era de París describía la naturaleza con pinceladas contemplativas basadas en su espíritu poético, el Kim Whanki de la era de Nueva York expresaba un lirismo puro, abriendo su mundo interior a la nueva forma de la naturaleza y al espacio metafísico que se encuentran en la urbana civilización cosmopolita. Las pinturas que creó bajo estos conceptos siguen siendo hoy relevantes, y altamente apreciadas como obras de arte profundamente conmovedoras. (Traducido por Atahualpa Amerise)

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REPORTAJE ESPECIAL 3 Pioneros del arte moderno

Mok Soo-hyun Investigadora invitada en Kyujanggak, Universidad Nacional de Seúl

Desde los años de sus primeras pinturas con tinta y pincel de bambú hasta su última serie llamada “Gente”, Lee Ungno nunca se quedó sin tinta ni papel. Fue un artista pionero y activo en la escena internacional que se afincó en Europa después de la guerra. Lee no solo aportó obras de tinta sobre papel, sino también diversos materiales y técnicas que incluyen óleos sobre lienzo y collages con papel. Su trabajo abarcó un amplio espectro que incluye la impresión, la escultura y la ilustración, y como resultado dejó atrás una vasta colección de más de 10.000 obras, imprimiendo así su huella personal en la historia del arte abstracto.

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n 1958, a la edad de 55 años, Lee Ungno (1904-1989) se mudó a París dejando tras de sí una sólida carrera como artista y profesor universitario. Al margen de los tres años que pasó en prisión entre 1967 y 1969, después de participar en el llamado “Incidente de Berlín Oriental”, producto de la situación política de división nacional de Corea, Lee pasó el resto de su vida en París para trabajar con una perspectiva más internacional.

Fue en la capital francesa donde creó su propio y original mundo artístico, que rebasó las barreras entre el pasado y el presente, y también entre oriente y occidente.

Experimentación sin descanso Cuando Lee llegó a París, el mundo del arte estaba envuelto en un movimiento conocido como informalismo. Según la introducción del famoso crítico Jacques Lassaigne, Lee realizó un exitoso debut en la escena artística de la metrópoli en 1962, con una exposición de obras de collage en la galería Paul Facchetti. El creador coreano había descubierto otra manera de expresar el mundo que le rodeaba, gracias a la influencia de otros artistas de diversos países como Pierre Soulages, Hans Hartung y Zao Wouki, todos ellos reunidos en París.

Previamente, en su época en Corea, Lee había estudiado pintura de tinta y pincel de bambú, de la mano del principal artista y calígrafo de la época, Kim Gyu-jin. De 1935 a 1945 pasó diez años cursando arte en Tokio en la Escuela de Pintura de Kawabata y el

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Instituto de Pintura Hongo, y fue bajo la influencia de Matsubayashi Keigetsu cuando abrió los ojos al realismo. No obstante, en la segunda mitad de la década de los 40 y hasta principios de los 50, se concentró en la expresión abstracta de la pintura de tinta y pincel antes de partir hacia París, donde tomó contacto con el informalismo. Mientras que otros artistas tradicionales de tinta y pincel continuaron pintando los mismos temas, Lee exploraba las formas de adaptar esta tradición al arte contemporáneo. Al dar este paso no abandonó sus raíces artísticas, sino que las tomó como un firme cimiento para absorber la nueva tendencia del informalismo. Con base en el espíritu de la caligrafía -que adopta sus formas de las de los objetos reales- y el mundo de la pintura de tinta y pincel -que trata de revelar con tinta sobre papel los principios de todas las cosas- comenzó a explorar mentalmente el mundo de sus contemporáneos, que intentaban expresar la devastación y el trauma de la guerra tal y como los habían experimentado.

En todo caso, Lee Ungno no se limitó al informalismo. Aunque su deconstrucción de las formas caligráficas que había dominado desde la infancia estaba en línea con la característica de “ausencia de forma” propia de este género, el artista coreano fue más allá de la experimentación con la forma, y llegó a crear obras empleando papel y caracteres chinos. En la década de los 60 se centró en la creación de formas con collages que consistían en trozos de papel rasgados a mano, así como formas deconstructivas en obras abstractas de tinta y pincel. Aunque los trozos de

“Su (Longevidad, 1972)” 274 x 132 cm, tinta sobre hanji, collage. En la década de 1970, Lee mostró una fuerte inclinación constructivista en sus obras ideográfico-abstractas, compuestas de símbolos con contornos claros.

© Lee Ungno / Lee Ungno Museum, Daejeon, 2015

papel rasgados y pegados todos juntos podrían ser considerados como “carentes de forma”, se recomponen al mismo tiempo en el lienzo mediante pinceladas y otros elementos. Al añadir algodón en la parte superior de las obras, estas presentan una textura y sustancia únicas. En las obras de tinta y pincel de Lee las formas abstractas se presentan en ocasiones como signos, otras como árboles o montañas, y también como animales o seres humanos. Lee describió sus obras de este período con el término “abstracto de sauijeok ”, es decir, como obras abstractas que expresan los pensamientos del autor.

Otro de los grandes logros de este creador en París fue la fundación en noviembre de 1964 de la Academie de Peinture Oriental (Academia de Pintura Oriental) de París en el Musee Cernnuschi (Museo de las Artes de Asia). En esa época, los europeos estaban mostrando un incipiente interés por la psique de Asia, y muchos querían profundizar en su aprendizaje de la mano del espíritu oriental de Lee Ungno, el artista coreano conocido por aplicar el modernismo europeo a su trabajo a modo de fusión. En sus últimos años, Lee enseñó en esta escuela a los estudiantes cómo usar el pincel y la tinta, así como las técnicas de la pintura de Sumi-e, y a cómo hacer uso de los espacios

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vacíos. Gracias a sus estudiantes se difundieron por toda Europa las formas orientales del pensamiento y lenguaje formativo.

El oscuro retrato de la historia moderna de Corea El suceso más doloroso en la vida de Lee Ungno fue su condena a tres años de prisión, de 1967 a 1969. Su estancia en la cárcel se debió al llamado “Incidente de Berlín Oriental”, un caso de espionaje fabricado por una agencia del Gobierno coreano. El caso afectó a los estudiantes del país que estudiaban en Europa, y a las figuras de los círculos de arte y cultura que habían estado en contacto con ciudadanos de Corea del Norte. El hijo de Lee había sido reclutado en las fuerzas militares de Corea del Norte durante la Guerra de Corea y llevado al país vecino para no volver jamás, y por eso Lee fue al lado oriental de Berlín, para tratar de encontrar alguna información sobre su hijo. Durante su tiempo en prisión, el pintor - que logró obtener permiso para usar un pincelcreó unas 300 obras con salsa y pasta de soja, granos de arroz cocido, y las bandejas de madera en las que se servía la comida. La serie “Autorretrato”, que muestra a Lee agachado, es de esa época. Estas obras, que presentan un cúmulo de tinta coagulada que se asemeja a “un trozo de hollín”, tal vez reflejan mejor que cualquiera de sus otros trabajos el mundo interior de Lee en un estilo informal. En sus últimos años el autor hizo uso de esta experiencia para observar más profundamente a los seres humanos y a la historia.

Abstracción de caracteres y personas Las obras compuestas por Lee desde los años 70 se describen como una “abstracción caligráfica”. La reconstrucción de caracteres previamente desgranados para representar sus significados originales, aportó nueva vida al espíritu de la pintura oriental. En comparación con sus obras realizadas en los años 60, sus cuadros abstractos de la década posterior se componen de símbolos y signos con los contornos bien marcados, y muestran una tendencia hacia el constructivismo. El pintor coreano presentó una nueva caligrafía, resultado de la deconstrucción y transformación modernas de la gramática tradicional. Un ejemplo de esto es la serie “I Ching” (“Juyeok”) en la que ensambla de nuevo los sesenta y cuatro trigramas del “I Ching” o “Libro de los Cambios” como caracteres chinos con sus formas definidas.

Las principales obras de Lee a partir de la década de los 80, son series que representan a “seres humanos” y a “multitudes”.

A pesar de que el artista había dedicado su trabajo a dar forma a las personas desde los años 60, desde este momento sus pinturas muestran cientos e incluso miles de figuras humanas en movimiento, en algunas ocasiones como en el desfile de una procesión, y en otras en pleno baile, dibujadas con tinta en un lienzo gigante. Su serie “Gente” representa el movimiento de democra-

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tización de Corea, incluyendo el levantamiento democrático del 18 de mayo de 1980 en la ciudad suroccidental de Gwangju. Estas pinturas, que reflejan la profunda introspección de la humanidad propia de un gran maestro en sus últimos años, también están fuertemente imbuidas de un intenso amor por Corea y la dolorosa añoranza de su tierra natal, que por razones políticas había evitado pisar de nuevo.

En 1977 la esposa de Lee estuvo implicada en el intento del secuestro del pianista Paik Kun-woo y su esposa, la actriz Yun Junghee, por parte del régimen de Corea del Norte, y una vez más el mundo del arte coreano dio la espalda a Lee Ungno. Debido a este incidente, tuvo que renunciar a su tan añorado deseo de regresar a Corea y pasar sus últimos años pintando y viviendo en una tranquila rutina. Antes de abandonar el país en 1958, Lee se había mostrado activo durante más de 30 años en la escena artística de Corea, y más adelante logró un amplio reconocimiento en Europa. Sin embargo, su nombre no era conocido ampliamente en la sociedad coreana, debido a la situación política relativa a la división nacional.

En el tiempo en el que su obra pasó de la abstracción de los caracteres a las personas, de los tótems a la abstracción caligráfica, Lee nunca dejó de pintar bambú. Después del Incidente de Berlín Oriental, sus obras de bambú se convirtieron en “hojas de bambú bailando”, y estas más tarde se transformaron en personas en movimiento. Las figuras humanas, adoptadas desde la década de los 80 como tema principal, eran en realidad las hojas de bambú que había estado pintando a lo largo de toda su vida, así como la naturaleza, las personas y la historia. En sus pinturas llamadas “Multitud”, todas las figuras se mueven a un ritmo determinado. No obstante, si miramos más de cerca el cuadro, se hace evidente que cada figura realiza movimientos diferentes respecto a la siguiente. En todo caso, todas las que caminan juntas hacia algún lugar y el “nosotros” o el “yo”, se pueden hallar entre este sinnúmero de personas.

En plena oleada de democratización, el gobierno de Corea del Sur levantó en 1988 la prohibición impuesta sobre las obras de los escritores que habían desertado a Corea del Norte y, al mismo tiempo, Lee Ungno recuperó sus derechos como ciudadano del país. Por último, en 1989 se expuso una retrospectiva de sus obras en Corea, lo que implicó un “redescubrimiento” de su trabajo en la escena artística nacional. Lee tenía previsto visitar Corea durante la exposición, pero el 10 de enero de 1989, el mismo día en el que se inauguró su retrospectiva en Seúl, falleció en un hospital de París de un ataque al corazón. Desde entonces, se han organizado en Corea muchas exposiciones que reflejan un profundo amor y admiración por sus obras. Actualmente, su vida y obra se plasman en el Museo Lee Ungno en la ciudad de Daejeon, y en la Casa y Memorial Lee Ungno en Hongseong, la localidad natal del artista en la provincia de Chungcheong del Sur. (Traducido por Atahualpa Amerise)

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Las figuras humanas, adoptadas desde la década de los 80 como tema principal, eran en realidad las hojas de bambú que había estado pintando a lo largo de toda su vida, así como la naturaleza, las personas y la historia. En sus pinturas, llamadas “Multitud”, todas las figuras se mueven a un ritmo determinado. No obstante, si miramos más de cerca el cuadro, se hace evidente que cada figura realiza movimientos diferentes respecto a la siguiente. En todo caso, todas las que caminan juntas hacia algún lugar y el “nosotros” o el “yo”, se pueden hallar entre este sinnúmero de personas.

1. “ Personas” (1986), 167 x 266 cm, tinta sobre hanji 2. En 1964 Lee Ung-no fundó la Academia de Pintura Oriental de París (Museo de Arte Asiático en París) en el Musée Cernuschi, donde enseñó a los alumnos a utilizar el pincel y la tinta, las técnicas de pintura con tinta aguada, y la función del espacio vacío en la composición.

En total, fue profesor de unos 3.000 estudiantes.

3. El museo Lee Ungno, situado en el centro de Daejeon, se abrió en 2007 para dar a conocer al mundo las obras de Lee. Se organiza exhibiciones y lleva a cabo diversas investigaciones.

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Dos matriarcas de la Pintura Moderna

Choi Youl Crítico de Arte

Park Re-hyun (1920-1976) y Chun Kyung-ja (1924-), dos mujeres artistas que vivieron vidas completamente distintas, tuvieron sueños diferentes, y también diversas formas de representar el mundo, son almas fascinantes que siempre serán recordadas en la historia femenina del arte de Corea.

Ambas fueron grandes innovadoras en el arte tradicional de la pintura con tinta china y acuarela (chaesaekhwa), y produjeron obras imbuidas por el 2

Park Re-hyun nació en Jinnampo, en la provincia de Pyeongan (actual Corea del Norte), pero creció en Gunsan, en Jeolla del Norte. A los 20 años se fue a estudiar a Japón, a la Escuela de Arte de Mujeres deTokio, para realizar su sueño de convertirse en artista. Todavía era una estudiante cuando obtuvo el gran premio de la Exposición de Arte de Joseon, lo que le auguraba un brillante futuro.

En líneas generales, el arte de Park puede dividirse en tres tipos: en primer lugar, el de las pinturas de composición geométrica, creada al dividir el plano del cuadro mediante técnicas cubistas occidentales, para representar las escenas rurales tradicionales de Corea; segundo, el de las pinturas que ofrecen la abstracción de motivos populares, tales como cadenas de monedas antiguas y esteras redondas de paja; y en tercer lugar, una serie de relieves hechos de tejidos pegados al lienzo.

El enfoque hacia los trabajos de Park no es simple. Si aludimos solo a sus motivos, fue una artista que mayormente pintó mujeres y escenas pre-modernas de Corea. Pero aparte de eso, tenía tal espíritu experimental y tal interés en la forma en sí, que adoptó los estilos del modernismo occidental para hacer innovaciones con colores, líneas y planos. Era una artista que buscaba la fusión entre Oriente y 1 16 KOREANA Primavera 2015

© Woonbo Foundation

enigmático sentimiento de la mujer e impregnadas de colores de ensueño, para dejar su huella en el arte coreano del siglo XX.

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Occidente. Las obras de Park que incorporan elementos textiles, comenzaron cuando tenía ella unos 50 años, y reflejan la manifestación artística de las condiciones de la vida diaria de la mujer de entonces. Al colgar viejas monedas de la dinastía Joseon en sus relieves textiles, intentaba mezclar lo tradicional y lo moderno, retratar la vida cotidiana y el trabajo de las mujeres, y también el ambiente de los mercados. Por otra parte, los colores lisos, las texturas delicadas y esas sobrias aunque imponentes composiciones, transformaban sus lienzos en gráciles espacios de ensueño.

Chun Kyung-ja nació en la península Goheung, al sur de la provincia de Jeolla.

Ingresó en la Escuela de Arte de Mujeres de Tokio a los 18 años y aún siendo estudiante, su trabajo fue aceptado en la Exposición de Arte de Joseon. Tras la liberación de Corea del dominio japonés, se convirtió en profesora de arte y comenzó su propia carrera. Al principio, se centró en aquello que representaba fielmente la apariencia de su temática, pero la Guerra de Corea (1950-1953) introdujo grandes cambios en su trabajo. Como mujer artista en su treintena, Chun comenzó a liberarse y a usar el color con valentía, para expresar temas tanto reales como oníricos. Sus pinturas, tremendamente dec-

4 1. “El Origen B” (1972) de Park Re-hyun, 50,5 x 37 cm, grabado a media tinta, Museo Nacional de Arte Moderno y Contemporáneo. Park adoptó las formas de la modernidad occidental y produjo trabajos profundos e innovadores, compuestos de colores, líneas y planos.

2. Park Re-hyun y su esposo, el pintor Kim Ki-chang, en el estudio de su casa.

3. Chun Kyung-ja explica su obra “Mujer bella” (1977).

4. “Página 22 de mi legenda dolorosa” (1977), 43,5 × 36cm, colores sobre papel, Museo de Arte de Seúl. Con su particilar sensibilidad femenina, Chun crea una utopía fantástica al fusionar naturaleza y humanidad.

orativas y de imaginativa audacia, adquirieron un carácter fantástico. Entonces Chun adoptó la “feminidad sensual” como tema principal y creó una utopía fantástica: un mundo especial que fusionaba la naturaleza con la humanidad y que sólo podían poseer las mujeres. Rompiendo las reglas de la perspectiva, cambió el formato tradicional de utilizar múltiples puntos de vista, que era tan popular en la Dinastía Joseon y llenaba los lienzos con diversos objetos. En las manos expertas de Chun, los colores brillantes prestaron a sus obras no sólo sensualidad, sino también gracia y elegancia.

Aunque Park Re-hyun y Chun Kyung-ja buscaban temas distintos y también diversas formas de expresarlos, tenían un rasgo en común: la transformación libre y la reconstrucción de sujetos y objetos en función de su propia lógica e imaginación. Aunque si-guiendo fielmente los dictados del arte de posguerra, Park logra un estilo muy personal marcado por ese propio punto de vista tan femenino y especial y por la reconstrucción de los sujetos. Chun, por su parte, rechazó la lógica del arte de entonces, pero con un muy instintivo gusto, creó un estilo altamente singular, caracterizado por la explosión del color y la imaginación. En este sentido, ambas artistas podrían considerarse como compañeras de camino. (Traducido por Atahualpa Amerise)

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REPORTAJE ESPECIAL 4 Pioneros del arte moderno

Park Young-taek CrĂ­tico de arte y Profesor (Universidad de Kyonggi)

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“Emperatriz Myeongseong” (1984), 330 x 200 cm, color sobre papel.

En la década de los 80 Park SaengKwang comenzó a desarrollar su propio estilo, basado en la exploración del budismo, el chamanismo y las figuras históricas.

Park Saeng-Kwang (1904-1985) recorrió un trayecto extraordinario en su vida como pintor, pues vivió los tiempos caóticos en los que la nación sufrió el dominio colonial japonés, cuando los nuevos estilos de la pintura occidental inundaron el mundo del arte coreano. Por sus pinturas repletas de original creatividad y su espiritualidad al reflejar las imágenes tradicionales de Corea, Park es reverenciado como uno de los más destacados pintores coreanos del siglo XX.

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oco después de llegar la pintura occidental a principios del siglo XX, Corea fue sometido al dominio colonial japonés y obligado a modernizarse. Separados de la tradición, los artistas coreanos tuvieron que escribir su propia historia del arte y, ante la confrontación entre los estilos tradicionales y occidentales, optaron por seguir un “arte nacional” independiente. Sin embargo, muchos artistas tendían a ignorar el arte tradicional coreano, en una admiración ciega por el arte occidental. Y en sus esfuerzos por imitar las obras de arte occidentales, privaron a sus creaciones del poder espiritual y religioso que había persistido en el arte tradicional coreano durante los últimos miles de años.

Aunque la mayoría de los artistas adoptaron esa actitud hacia lo tradicional, al transitar la historia del arte moderno y contemporáneo de Corea por tiempos caóticos, algunos siguieron su propio camino, como en particular ejemplifica Park Saeng-Kwang.

Estudio en Japón Nacido en una familia de clase media en una aldea agrícola de Jinju, en la provincia Gyeongsang del Sur, Park SaengKwang estudió a los clásicos chinos en una escuela de la aldea en su adolescencia temprana. A partir de entonces, recibió una educación moderna en la escuela primaria de Jinju Jeil y en la Escuela Agrícola de Jinju, y se fue a Japón para estudiar Bellas Artes en 1920. Se matriculó en la Escuela Especial de Pintura Municipal de Kioto en 1923, presumiblemente como aprendiz en vez de como alumno regular, y allí estudió durante dos años con Takeuchi Seiho (竹 内 栖鳳, 1864-1942), la figura principal de la escuela de Kioto de Nihonga (pintura de estilo japonés), así como con otros prominentes pintores, incluidos Murakami Kagaku (村 上 華岳, 1888-1939) y Tsuchida Bakusen (土 田 麥 僊, 1887-1936).

En ese momento, la llamada “Democracia Taisho” (大 正, 19121926) floreció en Japón. Al disfrutar de un ambiente liberal y abierto a la cultura occidental y a la civilización, un grupo de pintores probó diversos nuevos estilos de pintura japonesa en Kioto, creando así una “bulliciosa” era de experimentos. Muy influenciado por las tendencias de la época, Park Saeng-Kwang desarrolló su propio estilo pictórico del color, basado en lo que había aprendido en la escuela: fiel representación de formas y estructuras, técnicas

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136 x136 cm, “Shaman” (1981), color sobre papel.

Inspirada por la pintura chamánica y budista, Park incorpora técnicas primitivas en sus obras, como colores brillantes y contornos gruesos, para dotarlas de poder espiritual.

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Kwang, cuya obra Park Saengestuvo fuertemente influenciada por la pintura moderna de estilo japonés, regresó a Corea en sus últimos años y pasó sus últimos días de su vida en soledad y dedicado al arte.

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de dibujo de líneas, y uso de colores vivos, según la tradición de la escuela del norte de la pintura china.

Tras completar su curso en la escuela de arte de Kioto en 1926, se fue a Tokio a la edad de veintidós años y estudió con Ochiai Rofu (落 合 朗 風, 1896-1937). El nuevo maestro de Park era una figura prominente de la escuela hiperrealista de NeoNihonga, y era conocido porque sus pinturas enfatizaban la planitud de sus obras, mientras que lograba perspectiva con colores puros y brillantes. En Tokio, Park fue integrante del (明 郞) Instituto de Arte Meirou y mostró sus obras en la Exposición de Arte de dicho centro. También presentó sus obras en Seúl. En 1930, Park ganó un premio con un dibujo presentado a la Sección de Arte Occidental de la 9ª Muestra de Arte de Joseon, y al año siguiente obtuvo un premio con un cuadro titulado “Huerto”, en la sección de arte oriental de dicha exposición. En ese momento, Park Saeng-Kwang creaba pinturas realistas y decorativas con colores suaves, sin tener en cuenta la distinción entre arte occi-

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dental y oriental.

La expresión de “lo Asiático” Después de veinticinco años de estancia en Japón, Park Saeng-Kwang regresó a Corea -convertido en padre de mediana edad de dos hijos- en enero de 1945. Tras sufrir la pobreza del país, se mudó a Tokio en 1974 para “probarse a sí mismo” y dijo así: “Con todos mis sentidos me gustaría expresar Asia en vez de Japón, y esta ambición es la motivación para mi trabajo. Como parte de Asia que soy, me gustaría crear pinturas que incorporen ese “espíritu asiático”, sin limitarme a Corea o Japón. El estilo japonés de mis pinturas es sólo mi forma de expresarme”.

En 1975, Park Saeng-Kwang realizó tres exposiciones individuales, en Tokio, Osaka y Nagoya, respectivamente. A pesar de que quiso elevar el presupuesto para permanecer más tiempo en Japón, no tuvo éxito con las ventas. Después de haber pasado la mayor parte de su vida en Japón, Park Saeng-Kwang final-

Park Saeng-Kwang descubrió los valores del arte tradicional coreano, como los poderosos colores y motivos, la expresión audaz, y la armonía entre el mensaje y la composición, y los expresó en sus pinturas de un modo incomparable en la historia del arte coreano.

Inspirado por las pinturas budistas y chamánicas, usó colores vivos y audaces contornos para infundir un poder espiritual a sus obras.

Además, su arte mezcla el budismo, el chamanismo y la religión popular, presentando toda una constelación de imágenes.

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mente regresó a Corea en 1977, donde siguió siendo un extraño en el mundo del arte coreano, que estaba ansioso por limpiar los vestigios del régimen colonial japonés. Tras la liberación, en 1945, los pintores coreanos menospreciaban ciegamente la pintura de color, por ser una reminiscencia de la pintura tradicional japonesa, y perseguían un estilo académico de pintura de tinta aguada como única alternativa a la pintura de color. Así, Park SaengKwang fue casi totalmente excluido de los círculos de arte coreanos, puesto que era una figura poco conocida y sus obras estaban fuertemente influenciadas por la pintura japonesa. Irónicamente, y sin embargo, esta alienación y esta soledad motivaron a Park a crear tan originales obras de arte.

Colores y líneas reviven el poder de la pintura tradicional coreana Desde la década de 1980, Park Saeng-Kwang comenzó a establecer un estilo único de pintura basado en investigaciones sobre pinturas budistas, chamánicas y figuras tradicionales coreanas, y reinterpretó la “estética coreana” con motivos tomados de dichos géneros. La actitud de Park hacia la tradición parece haber sido influenciada por el mundo del arte contemporáneo, en la que los géneros antes mencionados fueron muy apreciados como portadores de tradición de la pintura coreana. Park no fue una excepción a la tendencia y su expresión realista y con colores vivos, tuvo una estrecha afinidad con esas pinturas religiosas y folclóricas. Park Saeng-Kwang estableció un estilo sin precedentes de pintura con los elementos de la pintura tradicional coreana, es decir, el poder de los colores y los motivos, la expresión audaz, y la armonía entre el mensaje y la composición. Inspirado por las características primitivas del arte budista y chamánico, usó colores fuertes y trazos audaces para infundir un poder espiritual a sus obras, que consiguen mezclar el arte budista, el chamánico y el de la religión popular, presentando una constelación de imágenes. En particular, él tenía un gran interés en el chamanis-

mo, algo estrechamente ligado al inconsciente colectivo.

Las obras de Park Saeng-Kwang presentan imágenes abstractas distorsionadas, creando un conjunto aleatorio de imágenes fragmentadas. Así, el principio estricto de la perspectiva parece perder potencia en sus pinturas -altamente decorativas- que ofrecen una yuxtaposición de imágenes planas. Y si bien el arte occidental tradicional trató de superar la planitud de las dos dimensiones, en lo que podría considerarse un intento por reflejar el punto de vista humano de la perspectiva ilusionista, el arte tradicional asiático estimula la energía mental, respetando la planitud esencial de la pintura. Siguiendo esa tradición, Park Saeng-Kwang dispuso libremente los objetos, trascendiendo tiempo y espacio, creando un plano de pintura muy decorativa. Y la aparente crudeza de estas imágenes es lo que conforma el profundo mundo artístico de Park. En particular, las líneas anaranjadas que crean dinámicos espacios mientras integran tan heterogéneas imágenes, son elementos únicos del estilo de Park.

Pero Park Saeng-Kwang no vio la tradición como una mera fuente de motivos para sus cuadros; sino que trató de transmitir el verdadero significado de esa tradición, y recuperar la espiritualidad de las imágenes tradicionales de Corea. Así, sus pinturas restauraron el poder y los valores budistas, chamánicos y de las pinturas tradicionales folk, que hasta la fecha se habían olvidado o subestimado.

Luchando contra largos años de pobreza y soledad, Park Saeng-Kwang dio consistencia a un mundo artístico único. La mayoría de sus obras maestras fueron producidas en la década de los 80, etapa que marcó un hito en la historia del arte coreano contemporáneo. En sus pinturas, los colores vivos parecen bailar en armonía con el arte budista, con lo chamánico y con los motivos populares. El arte de Park fue una bendición sin precedentes para el arte coreano, y un shock para otros pintores que producen repetidamente estilizadas pinturas de colores sobre flores y mujeres hermosas. Al referirse a Park, muchos artistas expresan cómo sus pinturas dieron un salto adelante respecto a los círculos tradicionales coreanos de pintura de mediados de la década de los 80, rompiendo con los motivos y clichés de las pinturas de tinta aguada convencionales. (Traducido por Javier Castañeda)

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REPORTAJE ESPECIAL 5 Pioneros del arte moderno

Choi Youl Crítico de Arte

El artista más querido de Corea

Como artista autodidacta, Park Soo-Keun practica incesantemente hasta conseguir una simplicidad ingenua y de arcaica belleza en sus obras. Su estilo, que parecía acercarse a los insondables “secretos del universo”, es un estilo inimitable que representó el apogeo del arte coreano en su día y que nos introduce en aquellos tiempos.

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ark Soo-Keun (1914-1965) falleció en 1965 a la edad de 51 años, cuando estaba en su mejor momento. En 1957, ocho años antes, no consiguió que su obra fuera aceptada en la Exposición Nacional de Arte (Daehan Minguk Misul Jeollamhoe). Por supuesto, por aquel entonces Park ya era un artista muy reconocido, cuyo trabajo había sido previamente aceptado en la Exposición de la Asociación de Arte de Corea en varias ocasiones; y en 1955 había recibido el Premio del Comité Director Cultural de la Asamblea Nacional, en la Exposición de la Asociación de Arte de Corea. Pero ante ese inesperado y excluyente fallo en 1957, se dice que Park se echó a llorar. El resultado fue aún más difícil de entender, teniendo en cuenta que dos años más tarde, en 1959, fue seleccionado como artista recomendado en la Exposición Nacional de Arte y nombrado jurado de dicho premio en 1962.

Park Soo-Keun fue un artista autodidacta, sin otra formación que la educación primaria. Su elección como artista recomendado y juez en la Exposición Nacional de Arte, sin duda, dan fe de su condición de figura esencial en los círculos del arte de Corea, al menos en la esfera formal. Pero en realidad, estos movimientos de las fuerzas que controlaban los círculos de arte resultaron casi ridículos, al provocar esas lágrimas a un hombre maduro, que procedían de la introspección y de un corazón sensible. Dicho auto-tormento cristalizó en la aparición de una cirrosis hepática, cataratas, enfermedades renales y hepatitis. Tanto la pobreza, de la que nunca logró escapar en toda su vida, como las poderosas camarillas de la escena artística nacional, fueron un problema constante para Park, que no poseía contactos ni regionales ni de ningún otro tipo. Finalmente, falleció demasiado pronto.

El sueño de retratar la vida cotidiana Cuando era niño, Park vagaba por las montañas y los campos, y pintaba escenas cotidianas ordinarias de la vida rural, como mujeres que trabajan en la granja o habitantes del pueblo mientras recogían verduras silvestres. Pero cuando vio una copia del

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“L’Angelus” de Millet, comenzó a esbozar el vago sueño de convertirse en un gran artista como él. El deseo de Millet de pintar las cosas tal y como las veía y expresarlas lo mejor posible mediante sus obras, se convirtió también en el sueño del joven Park SooKeun. Park quedó hipnotizado por la obra de Millet y, al igual que él, buscó capturar honestamente los paisajes naturales de su pueblo natal y la vida cotidiana de la gente sencilla que allí habitaba.

Pero a pesar de las fervientes aspiraciones de Park, su familia no pudo permitirse el lujo de enviarle a una escuela de arte.

Así pues, trabajó por su cuenta y a la edad de 18 años, consiguió que una de sus pinturas fuera aceptada en la Exposición de Arte de Joseon, que en aquel momento era la única forma para que un artista pudiera debutar en la escena. Park se dedicó por completo al arte de la época, pero como sus circunstancias no mejoraban, en 1953 finalmente consiguió un trabajo para pintar retratos en el Comando Americano de Investigación Criminal y en el PX (Puesto de Mando) de la base del Ejército de Estados Unidos en Seúl. Por ello fue tildado de “artista propagandístico” y rechazado en gran medida; pero con el dinero ahorrado, logró asentarse en una chabola en Changsin-dong, que en aquellos días estaba en las afueras de Seúl.

Durante sus últimos años, en cambio, Park atrajo la atención de extranjeros en Seúl como Maria Henderson, esposa del vicecónsul en la Embajada de Estados Unidos; Margaret Miller, esposa de otro diplomático de Estados Unidos; y Celia Zimmermn, marchante de arte y coleccionista.

Estos mecenas resultaron ser los mayores partidarios de Park.

Así, y pese a que a sus 48 años nunca había realizado una exposición, en 1962 sus clientes estadounidenses y admiradores, organizaron su primera exposición individual en la base de la Fuerza Aérea de Estados Unidos en Pyeongtaek. Aunque era una pequeña aventura que tuvo lugar en la biblioteca de una base militar de Estados Unidos, fue la primera y última exposición individual en vida de Park Soo-Keun.

© Gallery Hyundai

1 1. óleo sobre madera “Chicas jugando a laprensada. payaya” (1960), 22 x 30 cm, 2. esposa, Kim Bok-sun, y su junto segunda hija, In-ae, Park Soo-keun en su casa a sus obras y suen 1959.

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© Park Soo Keun Museum

No tenía ningún maestro o tradición que seguir. Era libre para establecer su propia dirección y pintar en la forma en que deseara pintar. Al no tener ese background de ninguna ilustre escuela de arte, no pudo participar en los entramados de los círculos artísticos y de hecho no tenía ningunas ganas de hacerlo. Durante su corta vida, vagó itinerante entre Gangwon-do, Seúl y Pyongyang, pero solo con tenacidad logró forjar su camino a seguir como artista.

Pintó sólo lo que quería pintar, captando honestamente las hermosas pero duras vidas de la gente común.

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Posteriormente, en 1959 fue nombrado artista recomendado en la Exposición Nacional de Bellas Artes, y fue invitado a participar en la tercera “Exposición del Chosun Ilbo de Artistas Modernos”.

Gracias a sus logros en el extranjero, Park fue capaz de superar las barreras en Corea. Aunque, todo hay que decirlo, esta forma de seguir los pasos de Occidente es un triste retrato de la sociedad coreana del siglo XX. Por un lado, Park se benefició en cierto modo de no estar atado a las tendencias de los círculos de arte existentes entonces.

No tenía ningún maestro o tradición que seguir. Era libre para establecer su propia dirección y pintar en la forma en que deseara pintar. Al no tener ese background de ninguna ilustre escuela de arte, no pudo participar en los entramados de los círculos artísticos, y de hecho no tenía ningunas ganas de hacerlo. Durante su corta vida, vagó itinerante entre Gangwon-do, Seúl y Pyongyang, pero solo con tenacidad logró forjar su camino a seguir como artista. Pintó sólo lo que quería pintar, captando honestamente las hermosas pero duras vidas de la gente común.

Casi todos los jóvenes artistas de la década de los 30 que vivieron bajo el dominio colonial, intentaron capturar algo del color local o del sabor del campo en sus obras, conscientes de que este era uno de los principales criterios a valorar en todo tipo de concursos de arte. En aquellos días, Park era un artista joven, de unos 20 años, que luchaba contra la dureza de la vida. Nunca soñó con ganar un gran premio: lo único que esperaba era que su trabajo fuera aceptado en la exposición nacional. Siempre fue un extraño en el mundo del arte, que no tenía a quién acudir para aplacar su soledad; y no fue hasta la década de los 40 cuando finalmente comenzó a mezclarse con otros artistas. Park consiguió un trabajo como empleado en la oficina de la provincia meridional de Pyeongan (ahora Corea del Norte) y allí conoció a Choe Yeong-lim (1916-1985), a Jang Ri-seok (1916-) y a Hwang Yu-yeop (1916-2010). El mismo año también se casó y tuvo un hijo, y aunque su salario era bastante pobre, su vida se convirtió en algo más estable. Se cree que el período comprendido entre 1940 y 1944 fue el más feliz de la vida del artista. Con su esposa Kim Bok-sol, su único modelo y compañera constante en la vida, Park logró superar todo tipo de dificultades.

La trayectoria de un artista tenaz y solitario En 1958, un año después de no ser aceptado para participar en la Exposición de Arte Nacional, el trabajo de Park fue mostrado en la “Exposición Arte oriental y occidental”, celebrada en San Francisco, y patrocinada por la Comisión de Estados Unidos para la UNESCO; así como en la “Exposición de Pintura Moderna de Corea”, celebrada en la World House Gallery de Nueva York.

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Sensibilidades urbanas modernas Park fue un pintor que trató la tradición con una sensibilidad urbana totalmente moderna. Después de haberse trasplantado a sí mismo desde el campo a la ciudad, y tras establecerse finalmente, pasó mucho tiempo a la deriva, como un artista marginal y sufriendo todo el tiempo, por lo que su temática se desplazó desde el pasado hasta el presente, y de lo clásico a lo moderno. El crítico de arte Lee Gyeong-seong (1919-2009) lo expresó así: “Es un testamento al talento de Park Soo-Keun, quien ha sido capaz

1.

28 x 13 con cm, bebé óleo sobre lienzo.

“Chica a cuestas” (1953), 2. cm, óleo sobre madera “Camino a Casa” (1965),prensada.

20,5 x 36,5

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de abordar el tema de la ‘ciudad natal’, que fácilmente se convierte en lugar común. En lugar de degradarlo, lo transformó en una oda lírica limpia y noble a la gente sencilla. Más que de su talento, esta podría ser la manifestación de su carácter, totalmente desafectado. La falta de pretensiones de sus obras se puede atribuir al hecho de que, sin importarle el tiempo que llevara pintando o cuánto hubiera pintado, siempre se consideraba, hasta cierto punto, un aficionado en sus composiciones y en su trayectoria.

Sus obras contienen una salubridad primitiva, no contaminada por técnicas o artificios. Un artista como éste no nace del esfuerzo de un solo individuo, sino que es el resultado de los tiempos que vive, o también de su entorno”.

Park Soo-Keun comenzó como un aficionado, ajeno a cualquier clase de teorías o técnicas académicas, y buscó inevitablemente su temática en su ciudad natal (de la época colonial), aunque inconscientemente. Sin embargo, casi ninguna de las primeras obras de Park de los años 1930 y 1940 se conserva. Sus pinturas de esa época -que sólo pueden verse en fotografías- están dominadas por líneas curvas y son ásperas, aunque producidas con esmero. A partir de la década de los 40 comenzó a utilizar pintura gruesa y trazos gruesos, y mostró un fuerte deseo de recrear ciertas imágenes en términos de color y composición.

Esto se puede ver en obras como “Mujer recogiendo verduras” de 1940, que cuenta con la composición exacta de su acuarela “Primavera”, de 1937; así como en “Mujer moliendo grano en la piedra del molino”, presuntamente fechada a finales de 1940.

Desde la década de los 50, Park comenzó a desarrollar un claro estilo propio. Los sujetos fueron rotundamente aplastados, sus contornos se volvieron más gruesos y simples, y sus líneas más rectas en general. Algunos buenos ejemplos son “Mujer golpeando un mortero” y “Lavandero” de 1954, así como “Dos mujeres y un árbol”, de 1962. Creaba una superficie de textura rugosa mediante la aplicación de varias capas de pintura en la parte superior, una sobre otra de forma metódica, como si tejiera una tela con hilos; y tuvo éxito al recrear la textura de las esculturas tradi-

cionales de piedra de granito. En aquellos días, Park percibía una indescriptible fuente de belleza en las obras de arte tradicionales, como las pagodas de piedra o las imágenes de piedra de Buda, y quería imprimir esa misma sensación a sus propias pinturas.

En cuanto a sus obras y a su propio estilo de pintar, en 1962 Park dijo: “Estos días estoy utilizando técnicas del simbolismo y del impresionismo. Estoy tratando de crear hermosos lienzos”.

Seguramente lo que buscaba simbolizar era “la vida de aquellos tiempos”. Para Park, que había experimentado la guerra y la vida de la ciudad, la rusticidad y la simplicidad se habían convertido en los temas de su simbología. Las vidas de la gente común en la periferia de la ciudad, era un tema que había comenzado a abrazar de nuevo, y también se convirtieron en sujetos de su simbolismo los mitos y las leyendas imbuidos en los Budas de piedra.

En algún momento, el interés del Park se había desplazado a la creación de “pinturas en las que uno pudiera sentir el origen de la belleza”, o dicho en otras palabras, “pinturas hermosas”.

Park logró imbuir sus pinturas, muy estilizadas, con el estado de ánimo de la ciudad, atrapada en el capitalismo. Ningún otro artista de aquellos tiempos podía igualarle; y en ese sentido él era el centro de la vanguardia. No sólo no tenía igual, sino que había logrado el mayor estilo moderno de la época. “El uso del gris como tono principal, esos toques blancos, esos negros y ocasionales brillos de azul-verdoso, como estrellas en lienzos impregnados de melancolía... Utilizando composiciones sólidas, uno por uno aplicó sus propios colores distintivos, simples pero sutiles y sofisticados”, expresó sobre su obra el crítico de arte Lee Gyeong-seong.

Park Soo-Keun, quien llevó una vida dura bajo la ocupación japonesa, seguida por la guerra y el capitalismo moderno, fue más aclamado tras su muerte, y es el artista más querido hoy en Corea. En los márgenes entre lo primitivo y la civilización, entre el país y la ciudad, entre el realismo y la abstracción, y entre la tradición y la modernidad, Park creó y descubrió un lirismo puro… Y finalmente alcanzó el lejano mundo del Nirvana. (Traducido por Atahualpa Amerise)

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ENTREVISTA

LEE JA-RAM

Joven diva del Pansori Kim Soo-hyun Columnista de Arte Pop Cho Ji-young Fotógrafa

Lee Ja-ram, 36 años, es un prodigio del pansori. Ha logrado recobrar la popularidad del género de la ópera tradicional narrativa coreana, que durante mucho tiempo sólo fue disfrutada por algunos grupos de edad, y ahora reúne a públicos de todas las edades... hombres y mujeres, jóvenes y viejos, etc. Todas las entradas para sus actuaciones se agotan, un fenómeno poco común en eventos de pansori, pues es muy apreciada tanto en festivales extranjeros, como en eventos del país. A finales de enero conocí a Lee en el Festival de Sídney 2015, donde interpretó con gran éxito Ukchuk-ga: Pansori sobre una Madre Coraje, una adaptación al pansori de ‘Una Madre Coraje y sus hijos’, la obra de teatro compuesta por el dramaturgo alemán Bertolt Brecht.

U

na Madre Coraje grita desgarradoramente sobre el cadáver de su hija. La abarrotada audiencia del Teatro de la Ópera de Sídney, envolvió a Lee Ja-ram con aplausos por su voz triste y patética. El público aplaudió y aplaudió en reconocimiento a las casi dos horas y 30 minutos, durante las que Lee interpretó en solitario unos 15 personajes diferentes, incluyendo el de Madre Coraje, en la obra Ukchuk-ga.

No fue fácil decidir llevar esta obra a un escenario en Sídney, un lugar donde el pansori como género era completamente desconocido. Pero tras su actuación, la artista recibió tanto el aplauso del público, como reseñas por parte de los críticos mucho más favorables de lo esperado. Fiona Winning, coordinadora de programación del Festival de Sídney comentó: ‘Lee también afirmó sentir el “calor de la audiencia” mientras recordaba tan cálida y abrumadora respuesta’.

No en vano, Lee jugó un papel cuádruple como guionista, compositora, directora de arte e intérprete, de esta versión de Ukchuk-ga, definida como “pansori creativo”, un género que se encuentra en el límite entre el pansori y el teatro. Ella introdujo gran parte de los instrumentos africanos de percusión, la guitarra y el contrabajo junto a los instrumentos musicales tradicionales de Corea, para crear tensión dramática;

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a la vez que mantuvo las características distintivas del pansori tradicional como ópera unipersonal, donde un único intérprete recorre una larga historia a través del canto y la actuación, recitando frases y ofreciendo una escena narrativa individual. Así logró recrear y contar una historia de la dura vida de una mujer fuerte, que lucha por sobrevivir en una zona de guerra, en el marco de Jeokbyeokga -una de las cinco obras de pansori que subsisten a día de hoy, y que recrea la leyenda histórica china de la batalla de Red Cliffs-, aunque Ukchuk-ga de hecho está basada en una obra de Brecht.

Sacheon-ga, uno de sus trabajos previos de pansori creativo, fue estrenada en el año 2008 -antes de Ukchuk-ga, que se estrenó en 2011- y también se basa en otra obra de Brecht, La buena persona de Szechwan. En Sacheon-ga, que recrea la Corea del siglo XXI, Sundeok, el personaje principal, se burla de los aspectos ridículos y lamentables de la sociedad contemporánea –tales como la obsesión por el look, el énfasis por la formación académica o la ilimitada competencia- e intenta eliminar esas contradicciones mediante el lema “¡Haz el bien!”, con la alegre música del pansori como fondo. (Lee fue galardonada con el Premio a la Mejor Actriz por este trabajo en el Festival Internacional de Teatro KONTACT, celebrado en Polo-

La diva del pansori Young Lee Ja-ram capta inmediatamente la atención del público, poco familiarizado con el canto épico pansori, con su voz única suave y por su actitud afectada.

nia en 2010).

Sacheon-ga y Ukchuk-ga arrojan una nueva luz sobre la época contemporánea, y mediante el uso de los clásicos como espejo, resuelven preocupaciones comunes actuales a través de pansori. Estas interpretaciones de Lee recibieron críticas muy favorables en Francia, Polonia, Rumania, Brasil y Uruguay, y también en Corea. Desde 2011, el Teatro Nacional Popular de Lyon ha invitado a Lee todos los años.

‘Cosas locales, cosas globales’ Kim Soo-hyun Entiendo que el Teatro Dramático de la Ópera de Sídney sólo permite actuar en su escenario a aquellos artistas que interpretan obras de arte originales. Su desempeño del pansori en el teatro fue noticia en el país y en el extranjero, al tratarse de un caso muy especial. El diario Sydney Morning Herald del 20 de enero, describe su actuación como “una muestra de percusión que Brecht habría aprobado”, y añade: “El efecto fue devastador”. Tengo curiosidad por saber cómo te sentiste ante aquella respuesta del público.

Lee Ja-ram Sentí como si hubiera podido decirle a la audiencia de un país donde el pansori era totalmente desconocido: “Esto es el pansori y forma parte de la cultura tradicional de Corea”. De hecho, yo estaba nerviosa y asustada porque era mi primera actuación en un país de habla inglesa, aunque había viajado a muchos países de Europa y Latinoamérica.

En Sídney se produjo tal estallido de aplausos entre la actuación, que tuve que parar de vez en cuando. Yo estaba muy feliz porque sentía que sería un “golpe” de éxito, por decirlo de algún modo. El director de escena, expresó que rara vez había visto tantas ovaciones con el público en pie en una actuación durante los 26 años que llevaba trabajando en Australia.

KS ¿Qué parte de Ukchuk-ga les sorprendió más?

LJ Ya sean coreanos o extranjeros, la audiencia casi siempre se maravilla por el hecho de que un solo actor interprete a varios personajes y mantenga la tensión dramática durante tanto tiempo. Pero además, su voz interpreta ricas texturas, más ligero ras, sin gritar, como sin rumbo… Por encima de todo, les sorprende el logro de añadir algo nuevo a una antigua tradición. Algunos de los críticos, al escribir sobre mi actuación, reflexionaron sobre la necesidad de debatir

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la futura dirección de su propia ópera.

KS Los coreanos han sentido durante mucho tiempo la necesidad de dar a conocer ampliamente las artes tradicionales del país a la comunidad internacional. ¿Qué opinas de la expresión “las cosas coreanas son cosas globales”?

LJ Preferiría decirlo así, “Las cosas más naturales para mí, suelen ser cosas globales”. Si le preguntas a la gente en la calle lo que consideran que define el estilo coreano, cada persona responderá de forma diferente. Creo que lo más natural para mí son las cosas contemporáneas. Además, yo represento fenómenos sociales que reflejan la mayoría de las escenas contemporáneas. A menudo soy mencionada como un ejemplo visible de “popularización y globalización de la cultura tradicional”, pero nunca fui consciente de ello. Acabo de descubrir ideas o pistas que me permitirán comunicar con más personas y, tras un proceso de autorreflexión, tratar de encontrar más respuestas.

KS En Corea el público responde instantáneamente a las actuaciones de pansori con gritos e interjecciones como “eolssu”, “eolssigu”, “jotta” o “jalhanda”. Me gustaría saber cómo reacciona la audiencia extranjera a sus interpretaciones.

LJ Antes de mis actuaciones, les enseño a gritar algunas de esas interjecciones. Les explico que “los gritos de interjecciones por la audiencia son una parte importante del pansori. Si lanzas esos gritos entre pausas, el intérprete se volverá más enérgico y alegre. ¡Voy a mostrarles cómo hacerlo: Vamos a practicar juntos!”. Pero a veces aplauden en vez de gritar las interjecciones, con la intención de ayudarme o motivarme. Recuerdo haber dicho a la audiencia, tras finalizar una actuación hace algún tiempo: “Ahora siento que me he convertido en su amiga. Esto es pansori. Tanto si ustedes sabían algo del pansori antes como si no, ahora lo han experimentado”.

‘Mi deber es mantener viva la tradición’ El año pasado Lee presentó Una persona fea/ Asesinato, una colección de adaptaciones al pansori para el público, de dos cuentos de Joo Yo-Seop (19021972). Una persona fea es la historia de una mujer poco agraciada que ha sido tratada como un monstruo desde su nacimiento; mientras que Asesinato, es la

Lee Ja-ram actĂşa sola sobre el escenario e interpreta 15 personajes diferentes en Ukchukga: Pansori sobre una madre-coraje, durante dos horas y 30 minutos.

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Su sonrisa angelical y un rostro sin demasiado maquillaje, no evocan la imagen de alguien que impresionarรก y cautivarรก a la audiencia con una carismรกtica presencia sobre el escenario.

“Creo que lo más natural para mí son las cosas contemporáneas. Además, yo represento fenómenos sociales que reflejan la mayoría de las escenas contemporáneas. A menudo soy mencionada como un ejemplo visible de “popularización y globalización de la cultura tradicional”, pero nunca fui consciente de ello. Acabo de descubrir ideas o pistas que me permitirán comunicar con más personas y, tras un proceso de autorreflexión, tratar de encontrar más respuestas”. historia de una prostituta que hace un repaso de su vida, tras caer en el amor por casualidad. También estrenó una adaptación al pansori de Bon Voyage, Sr. Presidente, una novela de Gabriel García Márquez, en el Festival Internacional de Música de Tongyeong. Lee es una artista que ha estado siempre experimentando con motivos frescos e innovadores, pero también considera su deber mantener vivo el pansori tradicional.

Comenzó a aprender el arte del pansori a los 11 años. Después de participar en un programa de música tradicional para niños, se convirtió en la primera estudiante a tiempo completo de la diva del pansori Eun Hee-jin (1947-2000), de quien aprendió los fundamentos de dicha tradición. También estudió pansori en la escuela media y secundaria de artes tradicionales, y se graduó y realizó un master en pansori en el Departamento de Música de Corea de la Universidad Nacional de Seúl. En 1999, cuando tenía 20 años, pasó a formar parte del Libro Guinness de los Récords como la artista más joven de pansori, por su interpretación de Chunhyangga durante ocho largas horas. También grabó discos de sus actuaciones con obras de pansori como Sugungga, Jeokbyeokga y Simcheongga.

KS Pude percibir un cambio en su trabajo después de Sacheon-ga y de Ukchuk-ga.

LJ Para ser honesta, durante un tiempo odié mi éxito con Ukchuk-ga. Sentía una muy pesada carga de responsabilidad al realizar interpretaciones individuales en teatros grandes, como el Centro de Artes de LG. Así que traté de evitar actuar en grandes teatros por un tiempo. El pansori que más disfruto es el que realizo en pequeños teatros. Entonces puedo encontrarme a mí misma y sentir mil emociones, incluso si el escenario está vacío... Sólo necesito una falda de algodón, una camiseta y un abanico tradicional en mi mano. Pero de ésto me percaté tardíamente. Mis actuaciones en Una persona fea/Asesinato y Bon Voyage, Sr. Presidente, obras que interpreté en un pequeño escenario, eran parte de mis esfuerzos por acercarme al estilo original del pansori. Por supuesto, todavía soy joven, lo que significa que debería estar lista para actuar en cualquier auditorio,

tanto en escenarios grandes como pequeños. Afortunadamente, la obra de teatro que actualmente estoy adaptando es Nuestra ciudad, del dramaturgo estadounidense Thornton Wilder. Y puedo visualizar una mayor perspectiva, que no se puede presentar a la audiencia en un pequeño teatro.

KS Con Una persona fea/Asesinato ganaste tres premios, incluyendo el de Nuevo Concepto Teatral, de los Premios de Teatro Dong-A en 2014. ¿Qué opinas del término Nuevo Concepto Teatral?

LJ Estoy muy agradecida, porque significa que los círculos teatrales coreanos han aceptado el pansori como parte de sus géneros. De hecho, siento que yo no pertenezco ni a la música tradicional ni al teatro, en el pleno sentido de la palabra. Ese premio me dio mucho ánimo y también reconocimiento oficial y espero que eso allane el camino a muchos jóvenes estudiantes de pansori, para que puedan actuar en diversos ámbitos teatrales.

KS Algunas personas señalan que la esfera del pansori tradicional se ha ido reduciendo gradualmente, mientras que se amplía el perímetro exterior del pansori creativo…

LJ Considero importante hallar el equilibrio entre el pansori tradicional y el pansori creativo. De hecho, he seguido haciendo pansori tradicional, pese a que a menudo he sido considerada mucho más activa en el género del pansori creativo. Por ejemplo, he seguido haciendo actuaciones de pansori tradicional en el Café Iri, cerca de la Universidad Hongik, cada otoño.

Sus asientos siempre están llenos de caras jóvenes y me gustaría ver esperanza por ahí. Espero que, si sigo tratando de luchar contra las dificultades, un día haya un cambio.

KS ¿Cuáles son sus próximos planes?

LJ En primer lugar, interpretaré la obra Bon Voyage, Sr. Presidente -que estrené en Tongyeong- pronto en Seúl. También tengo planificada una actuación en Okinawa para este verano y otra para Lyon el año que viene. Y espero poder terminar de escribir el guion de Nuestra ciudad a finales de año. (Traducido por Javier Castañeda)

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FOCO

Kim Bo-ram Periodista de la Revista Económica de Corea

luces y sombras Durante el año pasado, 100 millones de chinos viajaron por el mundo y Corea del Sur fue el país que recibió el mayor número de turistas de esa nacionalidad, con un total de 6 millones de viajeros. Así, ya no resulta extraño escuchar diálogos en chino en las zonas más concurridas de Seúl, tales como Myeongdong, el mercado Namdaemun y las calles a lo largo del arroyo Cheonggyecheon. De igual forma se ha convertido en un paisaje habitual ver tiendas con carteles o anuncios escritos en chino.

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Hasta hace poco, la mayoría de los turistas chinos visitaban Corea principalmente para ir de compras. De hecho, o bien compraban productos de diseño en tiendas libres de impuestos en los aeropuertos y en los grandes almacenes del centro, o bien compraban productos baratos a granel en mercados tradicionales, como el Mercado de Dongdaemun.

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egún la Oficina Turística Nacional de China, los destinos a los que más chinos viajaron durante el año pasado fueron Hong Kong, Macao y Corea del Sur, en este orden. Considerando que los dos primeros son distritos de administración especial de China, indiscutiblemente el destino turístico favorito de los chinos en el exterior fue Corea. De hecho, el número de viajeros procedentes del país vecino ha aumentado exponencialmente en los últimos años, siendo esto el resultado de varios factores, como el hallyu que aterrizó con éxito en China, la cercanía geográfica, el conflicto con Japón, la política del gobierno hongkonés de limitar el número de visitantes de la China continental, etc..

Los chinos y el aumento de la industria turística de Corea A medida que aumentan los chinos que visitan Corea del Sur, la industria turística nacional y el mercado de demanda doméstica han comenzado a recobrar la vitalidad. La contribución que hacen los viajeros chinos a la economía surcoreana es tal, que incluso se ha creado un neologismo para referirse a ellos: “youke”, palabra que significa turista en chino, y que los coreanos usan para definirles como “invitados que viajan”.

La Organización de Turismo de Corea ilustra que el 82,8% de las actividades que realizan los turistas chinos en el país son

compras. En otras palabras, el dinero que gastan alcanza sumas astronómicas. Los chinos compran no solo en las tiendas libres de impuestos, sino también en los grandes almacenes, boutiques de lujo e incluso en zonas comerciales que ofrecen productos a precios más bajos, como Myeongdong y el mercado Dongdaemun. Lo que más compran son cosméticos, ropa, alimentos y hierbas medicinales. Gracias al enorme poder adquisitivo de los chinos, las marcas coreanas -tanto de alta, como de media y baja gama- observan un notable incremento en sus ventas. La balanza turística, por otro lado, se ha vuelto superavitaria por primera vez en 2 años. Todo esto indica que los “youke” son ahora más que simples turistas: son un pilar que sostiene, no solo la industria turística de Corea, sino también el sector de distribución y comercio al por menor.

Mas sin embargo no todo es de color de rosa; pues paralelamente a los efectos positivos del abrupto incremento de viajeros chinos, existe también un lado negativo. En particular, es criticable la actitud de algunas agencias de viajes, que venden paquetes turísticos baratos e intentan obtener ganancias adicionales mediante comisiones, llevando de una tienda a otra a los viajeros.

Su error está en ver a los “youke” como meros clientes con un alto poder adquisitivo, y en centrarse únicamente en obtener un

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Los chinos, que viajan por Corea por cuenta propia sin formar parte de un paquete turístico, van a cualquier lugar con tal de conocer el estilo de vida propio de los coreanos, aunque eso signifique salirse de los recorridos turísticos tradicionales o los famosos centros de compras de Seúl.

Este nuevo patrón de viaje, ha provocado un aumento de turistas en los barrios seulitas más selectos o frecuentados por la juventud local -que antaño eran muy poco visitadostales como Itaewon, con su espectacular vida nocturna, o el área de Garosugil en Sinsadong, catalogada como el nuevo centro de moda en la capital surcoreana. Incluso, hay cada vez más chinos que realizan viajes gourmet y comen en restaurantes que solo conocen los locales.

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lucro inmediato, pasando por alto su misión tácita de ofrecer a los visitantes una valiosa experiencia turística y cultural.

Turistas chinos que desean disfrutar un viaje diferente En este contexto, ya se perciben cambios en el patrón de viaje de los turistas chinos que visitan Corea. La nueva tendencia es reducir las compras y dedicar más tiempo a conocer la cultura coreana, viendo obras de teatro, musicales u otras presentaciones artístico-culturales. Así, son particularmente populares las producciones mudas, donde el elenco cautiva al público con bailes y movimientos corporales, en vez de con diálogos. Podríamos decir que estamos asistiendo al nacimiento de un nuevo género del hallyu, que no recurre al nombre de una estrella de K-pop o de telenovela para atraer la atención de los espectadores.

Un claro ejemplo de esas producciones mudas es <Nanta>, una obra ambientada en la cocina. La empresa a cargo de su realización, PMC Production, ha reportado que durante los días de vacaciones por el Día Nacional de China del año pasado, el Teatro Nanta -ubicado en Myeongdong- fue ocupado por “youke” en más de un 80%. Es más, el espectador número 10 millones que entró al teatro para ver esta obra fue un turista chino, durante la función del 29 de diciembre de 2014.

En realidad, desde hace ya varios años ver <Nanta> se ha convertido en parte de muchos paquetes turísticos que se ofrecen

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a los chinos que visitan Corea del Sur. Así, hasta hace 1 o 2 años, en el Teatro Nanta se podía ver una mayor presencia de grupos de turistas. Sin embargo, ahora, el número de visitantes foráneos que van al teatro por su cuenta es más elevado. Según informan, muchos chinos que viajan a Corea por su cuenta, sin contratar una agencia turística, obtienen datos sobre el país en el sitio web www.hanyouwang.com. Y allí pueden comprar de antemano entradas a funciones artístico-culturales representadas en Seúl.

Otro cambio de tendencia, es que un número cada vez mayor de chinos que visita Corea, tiende a salir de Seúl y a dirigirse a otras zonas del país, como Busan, la provincia de Gangwon y la isla de Jeju. Sobre todo, los dos últimos son actualmente dos de los destinos preferidos por los turistas chinos, gracias a sus hermosos paisajes naturales y a los recién inaugurados resorts, museos, centros comerciales e instalaciones recreativas que se habilitaron en ellos.

Un viaje para sentir la verdadera Corea Antes los chinos viajaban por Corea en grupos numerosos.

Caminaban en filas detrás del guía que levantaba una banderita para que su “manada” de clientes no se desorientara. Pero, parece que esos viajes en grupo son ya cosa del pasado, incluso para los chinos, que ahora prefieren viajar individualmente o en grupos pequeños. Y eso demanda en estos momentos la creación de

1. Se está produciendo un cambio en el patrón de turismo de los “Youke” (“遊 客”, turistas en chino), en su día conocidos como “grupos de turistas con banderitas”, porque solían precipitarse hacia las principales atracciones para visitar en Seúl, portando banderas de colores.

2. Las actuaciones sin palabras, que tan sólo usan los movimientos del cuerpo y la expresión mediante el baile, se están convirtiendo en una de las novedades turísticas para los Youke que quieren experimentar Corea de otro modo. La imagen muestra un espectáculo callejero especial de la troupe de Salta, un espectáculo no verbal.

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nuevos programas turísticos, diferentes de los paquetes de viajes hasta ahora existentes, que tenían como mayor atracción recorrer la zona comercial de Myeongdong e ir de compras a las tiendas libres de impuestos. Es obvio que a estas alturas, tales paquetes son insuficientes para satisfacer a los viajeros chinos, que regresan a Corea una segunda, y hasta una tercera vez.

Los chinos, que viajan por Corea por cuenta propia sin formar parte de un paquete turístico, van a cualquier lugar con tal de conocer el estilo de vida propio de los coreanos, aunque eso signifique salirse de los recorridos turísticos tradicionales o los famosos centros de compras de Seúl. Este nuevo patrón de viaje, ha provocado un aumento de turistas en los barrios seulitas más selectos o frecuentados por la juventud local -que antaño eran muy poco visitados- tales como Itaewon, con su espectacular vida nocturna, o el área de Garosugil en Sinsadong, catalogada como el nuevo centro de moda en la capital surcoreana. Incluso, hay cada vez más chinos que realizan viajes gourmet y comen en restaurantes que solo conocen los locales. En realidad, esta tendencia sintoniza con la corriente mundial de realizar viajes cada vez más personalizados. Así, los visitantes chinos, lo que buscan ahora en Corea no es tanto sacarse fotos en los principales sitios turísticos, sino conocer más a fondo el estilo de vida de los locales e interactuar con ellos.

Pero algo que ha surgido como un problema, mientras aumen-

tan los “youke” con deseos de viajar por Corea como si fueran locales, es la falta de infraestructuras y servicios turísticos propios para ellos. Es natural que al viajar por cuenta propia, estos turistas se enfrentan a mayores dificultades a la hora de conseguir alojamiento, elegir donde comer o desplazarse por Corea.

Sin embargo, no estaría mal que pudieran tener acceso a herramientas para ayudarles a obtener información o a moverse por el país. De ahí que se plantea la urgencia de optimizar las redes de transporte público en otras ciudades, aparte de Seúl, o de desarrollar sistemas útiles, tales como aplicaciones de información turística para móviles.

Por suerte, algunas agencias de viajes ya han empezado a realizar esfuerzos por contentar a los turistas chinos cuyo patrón de viaje está cambiando. En concreto, lo que hacen es diseñar nuevos paquetes de vuelo más hospedaje, o programas selectivos que ofrecen una amplia variedad de actividades -entre las que el propio viajero puede escoger cuáles realizar- con tours clasificados por temas, que van desde medicina o turismo de salud, hasta preparativos matrimoniales o compras en los mercados tradicionales.

En resumen, el imperativo es estar al tanto de las nuevas necesidades y preferencias de los visitantes chinos, para así crear productos turísticos únicos que les permitan conocer la verdadera Corea. Solo así será posible hacer que los “youke” repitan una y otra vez sus viajes a Corea. (Traducido por Joo Hasun)

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ENAMORADO DE COREA

Eat your Kimchi

Ben Jackson Escritor independiente Cho Ji-young Fotógrafa

El imperio Eat Your Kimchi (“Cómete tu Kimchi”) ha crecido en los últimos cuatro años, y lo ha hecho de una forma espectacular. El camino hacia su estudio en el barrio de Hongdae en Seúl concluye con el hallazgo de un inequívoco cartel gigante en el costado de un edificio en el que se leen las iniciales “EYK”. En el estacionamiento trasero al inmueble está aparcado un pequeño vehículo de la marca Kia forrado con una decoración chillona y el logo de “Eat Your Kimchi”. El coche es tan colorido y llamativo que sería posible verlo desde el espacio.

En algún lugar cercano está el café You Are Here, abierto en agosto de 2014 por EYK junto con la academia de idiomas Talk to Me in Korean (Háblame en Coreano). ¿Qué es lo que ha sucedido aquí?

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A

finales de 2010 los creadores de EYK, Simon y Martina Stawski, posaron para la portada de una de las revistas en inglés que se publican en Seúl. Con unas gafas 3D y comiendo palomitas de maíz, aparecían sentados en un banco de un campo de juncos en el parque de Nodeul en Seúl con la puesta de sol detrás de ellos. En aquel momento esta pareja de canadienses con talante optimista y su enigmático perro, Spudgy, estaban empezando a generar un importante seguimiento al aportar con su videoblog un estilo nuevo y distintivo a este género. Su punto de vista humorístico aportó un caprichoso rayo de luz a cada nuevo aspecto de la cultura coreana con el que se topaban; su química frente a la cámara y su extrema desinhibición comenzaron a ser adictivos para internautas de todo el mundo. En un acto de valentía, Simon había dejado su trabajo como profesor de inglés para poder centrarse en desarrollar la página web de Eat Your Kimchi y el canal de YouTube de la pareja; Martina, por su parte, aún debía ganarse la vida en el aula y tuvo que mantenerlo a él por un tiempo.

Simon y Martina Stawski han logrado captar el corazón de los espectadores, tanto dentro como fuera de Corea, con vídeos de YouTube que introducen en clave de humor la vida coreana y la cultura pop a los extranjeros, de forma muy peculiar.

En el lago de fuego Todo comenzó en 2008, cuando los Stawski aterrizaron en el Aeropuerto Internacional de Incheon. Por delante de ellos se extendía una amplia oferta de nuevos puestos de trabajo como profesores de inglés. A su espalda, en Canadá, quedaban sus carreras también como docentes y sus aterrorizados padres sumidos en el terror por la reciente amenaza de Corea del Norte de convertir el Sur en un “mar de fuego”. “Más tarde nos dimos cuenta de que Corea del Norte simplemente tiene una gran afición a las metáforas con océanos, lagos y fuego”, comenta Martina.

“La destrucción líquida”, añade Simon.

Para tranquilizar un poco a sus familias, se filmaron a sí mismos comiendo “sundubu jjigae”, un popular plato coreano que es un estofado suave de tofu.

Así comenzó una serie de videos que a día de hoy suman alrededor de 2.000 y que abarcan todo tipo de temas, desde la comida hasta el K-pop o las respuestas a las preguntas de los fans. El público al que se dirige la pareja ha pasado de ser desde los miembros de su familia y sus compañeros profesores de inglés (se dieron cuenta de que nadie más había publicado videos con respuestas a asuntos prácticos como el uso de una lavadora coreana o tirar la basura correctamente) hasta los espectadores interesados en Corea

en general y, finalmente, a todos aquellos que accedían a la web para ver a Simon y a Martina.

“Recuerdo a nuestro primer espectador, un tipo llamado Steve, de Inglaterra”, rememora Simon.

“Nos envió un correo electrónico diciendo ‘oye, voy a ir a Bucheon, así que me gustaría tener algo de información sobre esto y aquello’. ¿Te acuerdas de AntiEnglish Spectrum (Espectro Anti-inglés, un grupo de coreanos de aquel momento conocido por acosar a los profesores nativos de inglés en el país)? Pensamos que era alguien de Anti-English Spectrum fingiendo ser un extranjero. ¿Por qué a alguien le importan un comino nuestros videos y por qué demonios habría de ser tan agradable con nosotros? Deben estar tratando de atraernos hacia algún lugar remoto para asesinarnos. Sin embargo, afortunadamente no era un asesino sino simplemente un tío enrollado de Inglaterra”.

El número de espectadores aumentó constantemente y en el proceso vivimos algunos hitos importantes. El estudio EYK logró un premio oficial de YouTube por sobrepasar la marca de las 100.000 reproducciones. En el momento en que esto se escribe, sus tres canales de YouTube han recibido un total de 241.033.279 clics. Los Stawski reaccionan con perplejidad a su propio éxito.

“Es desconcertante”, afirma Simon. “¿Por qué a alguien le importa un pito lo que hacemos? No tengo ni idea”.

“Nunca lo sabremos”, dice Martina. “Estamos disfrutando de ello mientras podemos”.

Al ser entrevistados juntos demostraron ser una pareja particularmente bien equilibrada. Ambos son ingeniosos y entusiastas pero ninguno domina al otro.

Sus bromas rebotan de aquí allá de forma natural y siempre parecen estar pasándolo bien. De hecho, su relación eternamente positiva puede ser en parte responsable de su éxito: algunos fans comentan que el hecho de ver a una pareja felizmente casada supone un reconfortante contraste con sus propias experiencias de haber crecido en una familia difícil o haber pasado por una relación complicada.

En pleno control La fama, especialmente en el mundo de Internet, puede ser inconstante y de corta duración. Sin embargo, mientras otros se han estrellado contra las rocas, de momento los Stawski están navegando hábilmente sobre su ola de popularidad, incluso a medida que

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1. Simon y Martina disfrutan en un tobogán de agua de un parque acuático, el lugar favorito de los coreanos en vacaciones, y explican cómo evitar el calor veraniego sin salir de la ciudad.

2. Simon y Martina describen los ingredientes y el sabor del naengmyeon, un plato de fideos fríos, especialidad veraniega de Corea.

ésta alcanza proporciones épicas. Su animada charla en pantalla se basa, en todo caso, en un frío cálculo de números. Simon, que se describe a sí mismo como un “friki de la tecnología” supervisa y analiza constantemente las cifras de audiencia que indican a qué tipo de personas les gusta ver cierto contenido y el tiempo durante el cual lo suelen visualizar antes de aburrirse y pasar a otra cosa. En consecuencia, EYK ajusta sus contenidos al público.

Ellos ofrecen ahora a los fans vídeos en seis categorías semanales, desde el “Segmento Indie K Crunch” del domingo, que presenta al público la música indie coreana, hasta el Wonderful Treasure Find (“WTF” o “Búsqueda del Tesoro Maravilloso”) del sábado, en el que la pareja proyecta su aguzado sentido del absurdo sobre los diversos productos y objetos inusuales que descubren (por ejemplo unos calentadores de pies Hello Kitty o unos vasos de soju que cuentan con marcas para mezclar las cantidades óptimas de cerveza y este licor coreano con el fin de crear el cóctel perfecto de “somaek”). Los vídeos de YouTube son cortos y con fuerza, mientras las entradas de su sitio web ofrecen una mayor profundidad.

Seguimiento internacional Después de siete años, gozan de un seguimiento enorme. Han protagonizado varias giras internacionales: han visitado Europa dos veces, además de Australia, Singapur y otros lugares. También tienen prevista una gira por Estados Unidos.

“Es conmovedor y también confuso”, califica Simon. “Algunas personas esperan haciendo cola durante horas cuando llevamos a cabo un evento.

El año pasado, cuando abrimos nuestro estudio a la gente un día antes de la inauguración de la cafetería, un chico voló desde Australia para asistir a este evento de un día. No había podido asistir a nuestra visita a Melbourne y en esta ocasión no quería perder la oportunidad de vernos”.

Aunque son un poco desconcertantes, reconocen, los viajes de la pareja les dieron una idea de lo que motiva a sus fans. “Una cosa que olvidamos es que hemos estado haciendo vídeos en Corea durante unos siete años”, reflexiona Martina. “Hay gente que ha crecido con nuestros videos. Empezaron a verlos en la escuela secundaria y terminaron en la universidad, y así nos observaron crecer a medida que ellos crecían también. “Así que en ese sentido es casi como un pro-

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grama de televisión tipo reality. Han visto las dificultades por las que pasamos al no hablar coreano, o también nuestras evaluaciones de productos de aquí que al principio no nos gustaban nada.

Por ejemplo, yo odiaba la leche con sabor a plátano y el llamado “soseji”, que es un producto industrial mezcla de queso solidificado y carne envuelto en plástico y comercializado como una salchicha; o el “odeng” –un pastel de harina de pescado en sopa- en los puestos de “tteokbokki” (pasta de arroz con salsa picante) de la ciudad. Sin embargo, cinco años después solo podemos decir ¡esto es lo más grande que hay! así que nos han visto cambiar y crecer. Nuestros peinados, nuestro peso, nuestro estilo, todo”.

Simon añade que los medios online generan una relación aún más estrecha con los espectadores: “La cámara está justo frente a nuestras caras, miramos hacia ella, estamos hablando con la gente e incluso nos referimos a ellos por su nombre en gran parte de nuestros videos. También hacemos chats en vivo, por eso hay esa sensación de comunión de la que los medios tradicionales carecen”.

“La experiencia más rara fue hacer el espectáculo en nuestra propia ciudad natal, porque el evento se celebraba en la Universidad de Toronto, en la que nos graduamos”, explica Martina. “En la misma sala. Tener en esa misma sala a gente a la que habíamos escuchado en conferencias, viéndote a ti en un evento, y encontrarte a ti misma en el escenario; eso es desconcertante. Vinieron nuestros padres y Simon se puso a llorar a moco tendido en la primera fila”.

¿Quién consume el kimchi de EYK? Los extranjeros aparecen con frecuencia en los medios de comunicación de Corea por ser... extranjeros. Si hablan coreano, la curiosidad de los espectadores crece exponencialmente y en ocasiones se convierten en conocidas celebridades hasta que protagonizan un escándalo por tener una relación extramarital o cometen algún error letal para los coreanos, como referirse al Mar del Este como el “Mar de Japón”. Sin embargo, un vistazo a las cifras de audiencia de Simon y Martina muestra que a ellos les va bien al margen de esta estereotipada categoría. “Si te fijas en nuestra audiencia, el 98 por ciento está fuera de Corea”, dice Simon. “El 75 por ciento son mujeres, y por edades el mayor porcentaje se sitúa entre los 20 y 29 años, seguido por el grupo de entre 13 y 18. El 35 por ciento son de Estados Unidos, el 10 por ciento de Canadá, el 9 por ciento del Reino Unido y también hay muchos de países del sudeste de Asia”. Muchos fans han resultado ser coreanos étnicos en diversos lugares del mundo como pequeñas ciudades de América, en las que se sentían aislados de su cultura ancestral y quedaron fascinados al encontrar a una desinhibida pareja canadiense filmando sus propios intentos de adaptarse a las particularidades de Corea.

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Mientras el mundo está lleno de aspirantes a celebridades que tratan desesperadamente de trepar por los resbaladizos muros de mármol de la fama, Martina y Simon se han visto impulsados de forma inesperada por un grupo grande y fiel de fans. Cuando en 2012 se dispusieron a recaudar 40.000 dólares en el sitio web de “crowdfunding” Indiegogo para abrir un estudio, su objetivo se cumplió en apenas siete horas. “Empezamos por la noche antes de irnos a la cama y cuando nos levantamos a la mañana siguiente vimos que habíamos llegado a nuestra marca”, recuerda Martina. El estudio, que cuenta con unos pufs gigantes donde se sientan a hablar, da la sensación de ser una especie de realización material del contenido online de EYK: además de todos los colores primarios y bigotes falsos que presenta en un primer vistazo, también está lleno de elementos prácticos como una sala para dormir (con una galaxia de brillantes estrellas incluida), un escritorio para estar de pie (“dicen que, al igual que fumar, sentarse todo el tiempo no es saludable”, bromea Martina) y una pared impresa con los nombres de los donantes que han aportado a EYK a través de Indiegogo. Otra sala está llena de productos de “merchandising” de EYK para venderlos en la tienda online de la pareja, mientras varias paredes están cubiertas con regalos, cartas y dibujos de sus admiradores.

Un éxito de patrocinio El “Eat Your Kimchi móvil” en el aparcamiento fue otro hito en la evolución de EYK. Rodó por primera vez en las carreteras de Corea en mayo de 2014 como resultado de más de un año de negociaciones con Kia Motors. “Fue una sensación increíble que una empresa nos reconociera”, dice Martina. A diferencia de otros países, los bloggers y usuarios de YouTube no gozan de mucho reconocimiento en Corea. No están considerados como socios legítimos y tienen más dificultades a la hora de conseguir contratos de patrocinio”.

El coche aparece de forma frecuente en los vídeos de EYK y ayuda a los protagonistas a viajar a lo largo y ancho del país. “Enviamos a Kia todos los videos en los que sale el coche y les encanta la forma en la que lo usamos”. Martina continúa: “no nos limitamos a hacer la publicidad estereotipada en la que destacas todas las características y cuentas lo buenas que son”.

Otros logros importantes de la historia de EYK incluyen las giras mundiales de la pareja y la apertura el pasado agosto del café You Are Here, que se encuentra a un breve paseo desde el estudio. En el menú de la cafetería se pueden encontrar varios elementos creados por los propios Simon y Martina, como batidos, brownies de calabacín y “bolas mágicas” saludables. Lo más interesante es que cuenta con una cabina de video anónima en la que los huéspedes pueden expresar y grabar libremente en coreano o en inglés sus opiniones sobre diversos temas polémicos (EYK tiene un ejército de voluntarios encargados de los subtítulos).

”Así que en ese sentido es casi como un programa de televisión tipo reality. Han visto las dificultades por las que pasamos al no hablar coreano, o también nuestras evaluaciones de productos de aquí que al principio no nos gustaban nada. Por ejemplo, yo odiaba la leche con sabor a plátano y el llamado “soseji”, que es un producto industrial mezcla de queso solidificado y carne envuelto en plástico y comercializado como una salchicha; o el “odeng” –un pastel de harina de pescado en sopa- en los puestos de “tteokbokki” (pasta de arroz con salsa picante) de la ciudad. Sin embargo, cinco años después solo podemos decir ¡esto es lo más grande que hay! así que nos han visto cambiar y crecer”.

El futuro Hace cuatro años Simon y Martina veían a Japón como su próximo destino y fuente de aventuras. Su posterior rápido ascenso en Corea relegó a Japón a un segundo plano aunque finalmente han viajado allí poco después de hablar con Koreana. La popularidad de sus vídeos con contenidos europeos demostró que muchos fans buscaban este tipo de producciones, y no necesariamente relacionados con Corea. “Quiero que me sorprendan”, comenta Martina. ¿Cómo les han cambiado los últimos siete años?

“Echo de menos la antigua ingenuidad y espontaneidad”, responde Simon. “Estos días tenemos que pen-

sar mucho más en todo lo que subimos y la forma en la que podrá llegar a muchas más personas. Las cosas no se sienten tan nuevas y frescas”.

Sin embargo, eso no significa que se les estén secando las ideas. “Tenemos dos editores de vídeo, pero necesitamos aún más”, expone Simon. “Todavía nos queda mucho por hacer. Ojalá hubiéramos tenido más tiempo”. Con su imparable programación semanal, su continuo flujo de inspiración y la búsqueda permanente de la novedad es posible asegurar que Eat Your Kimchi mantendrá su éxito en el futuro. (Tra-

Martina muestra cómo hacer kimchi por sí misma, durante una visita a una familia coreana.

ducido por Atahualpa Amerise)

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OPINION DESDE LA LEJANÍA

Yo elegí Corea Laura Tirador

Profesora asistente, Universidad Católica de Daegu

Y

o elegí Corea. No fue el azar, ni por una interesante oferta de trabajo, ni tampoco vine por amor, como muchas de las historias que he escuchado entre mis compañeros de aventuras. Simplemente, hice un cálculo de posibilidades y llegué a la conclusión de que Corea era la opción que me ofrecía mayor número de oportunidades para mi carrera y desarrollo personal.

Siempre he tenido un perfil bastante internacional, y después de haber hecho intercambios académicos en Europa, me atreví a realizar una última estancia en la Universidad Nacional de Singapur. Sin duda, esta experiencia dibujó una flecha apuntando a Asia como parte de mis futuros planes. Terminé mis estudios de Derecho y Ciencias Políticas y a pesar de la mala situación del mercado laboral, no tuve problemas para encontrar trabajo en una multinacional, aunque no era lo suficientemente bueno como para no dejarme tentar por una aventura en el lejano oriente. Apenas trascurridos unos meses desde que acepté esa oferta, ya había tomado la decisión de volver a Asia.

Y, ¿por qué Corea del Sur? En primer lugar, porque Corea tiene un fuerte e interesante pasado histórico; así como una situación política y social excepcional -compartida con Corea del Norte- que quizá tenga un interesante desenlace en un periodo de tiempo relativamente corto. No viví la caída del muro de Berlín, ni el triunfo de la transición española, pero pensé que en Corea del Sur podría asistir a un momento de gran importancia histórica.

Por otro lado, es un país del que en España se tiene poca información, o menos que sobre otras grandes naciones de Asia, como Japón o China. Encontrar a occidentales que puedan hablar con fluidez el coreano resulta casi una misión imposible. Asimismo, Corea es un país con una economía pujante y con empresas

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internacionales de gran potencia global.

Una vez tomada la decisión de convertirme en expatriada en Corea me puse manos a la obra. Conseguir un trabajo en Corea no es algo sencillo. Escribí a todos los organismos oficiales que imaginé podrían ofrecer prácticas, pero no tuve suerte. Envié cartas de presentación y curriculums a todas las empresas españolas con representación en Corea y tampoco logré mucho. Mi siguiente paso fue ponerme en contacto con la comunidad coreana de España, pensando que conocer a gente coreana podría proporcionarme los contactos suficientes para encontrar alguna oferta laboral. Y además, empecé a estudiar un curso de coreano básico, tanto en una academia como con clases particulares. Aprendí algo de coreano, e hice grandes amigos que me dieron valiosos consejos sobre la sociedad y costumbres coreanas. Y así llegó mi esperada oportunidad: mi profesor particular de coreano había estudiado español en un colegio internacional y en aquel momento tenían una vacante. Envié una solicitud y, en menos de tres meses, ya estaba instalada en una pequeña ciudad de la costa oeste de Corea.

Acostumbrada a vivir en capitales y a viajar con frecuencia, no puedo decir que no sufriera un choque cultural inicial. En mi opinión la cultura en sí no era lo diferente –y podría haberme sentido igual de haberme trasladado a un pueblo de Castilla-, ya que, como pasa en muchos otros países, la capital suele ser totalmente distinta del interior. Y el hecho de vivir en una zona casi rural de Corea se convirtió en una experiencia cuanto menos intensa.

En Seúl pueden estar más habituados a los extranjeros, pero en otras zonas de Corea, aún despiertan/ despertamos, sentimientos encontrados entre los ciudadanos, particularmente entre los más mayores.

La curiosidad de tus vecinos te persigue con la mirada del supermercado a casa, cada vez que tomas un taxi, o cuando vas a la farmacia. Quizá hubo algún momento en el que me sentí incómoda ante tanta mirada, pero también pude ver el lado positivo en otros momentos. Por ejemplo, en los restaurantes tradicionales coreanos, siempre he tenido la sensación de que se esfuerzan mucho más en preparar mi comida que la de sus queridos compatriotas. Incluso mientras estoy comiendo, vienen a preguntarme qué tal encuentro los platos como si estuviera en un restaurante de lujo y viniera a atenderme el mismísimo chef.

De mi primer trabajo como profesora me quedo con mis estudiantes. Esos chicos que yo imaginaba como perfectas máquinas de estudio, fueron los que me dieron la más cálida bienvenida a este país. Trabajaba en un instituto internado y pasaba muchísimo tiempo con mis estudiantes. Espero que ellos aprendieran de mí tanto como yo aprendí de ellos; pues en cierta manera, me sentía más identificada con ellos que con los otros profesores. Los adultos te tratan con amable cordialidad, y siempre te preguntan si te gusta el picante; pero nunca te invitan a salir un viernes por la tarde. Ellos ya suelen tener su vida hecha, y no suelen necesitar crear las redes personales o sociales que cualquier expatriado necesita, por lo que para ellos los extranjeros somos algo así como una aceituna en un cóctel: atractivos pero irrelevantes.

Los adolescentes, no. Las relaciones más interesantes y profundas que tuve durante mis primeros meses en Corea fueron con mis estudiantes. Escuchando sus problemas, sus inquietudes y sus sueños, pude hacerme una idea más clara acerca de la sociedad coreana, tanto sobre sus puntos fuertes como sobre sus más críticas debilidades.

Ahora trabajo en la Universidad y me sigue encan-

tando mi trabajo. Mis estudiantes son más mayores y más adultos. Pero ahora que ya llevo aquí tres años, quizá mi vida también se ha vuelto menos fascinante y más rutinaria. Particularmente no he notado grandes contrastes culturales; y estudiar coreano, sin duda ha sido uno de los esfuerzos más gratamente recompensados que he realizado nunca. El idioma sigue siendo una gran barrera para todas las culturas; pero una vez superado, no hay tanta diferencia entre mi vida en España o en Corea. Trabajas, sales con amigos, vas al cine, a restaurantes, te echas un ligue…

Pero de las experiencias personales que he vivido como expatriada aquí en Corea, sobre todo me quedo con el descubrimiento de mi propia cultura. Creo que, durante mi estancia aquí, he aprendido tantas cosas sobre Corea como sobre España. He leído a escritores españoles por los que nunca tuve mucho interés.

He mirado con fascinantes ojos cuadros de Picasso u obras de Dalí que antes me parecían tan normales como la puerta de mi casa. He bebido vino maldiciéndome por no haberme dado cuenta antes de lo buenísimo que era… Y la lista sigue creciendo y me enriquece más cada día.

Expatriarse ayuda a ver desde otro ángulo nuestra propia cultura y, este cristal desde el que miramos, parece aportar un brillo nostálgico que nos convierte en perfectos embajadores. Podría pensarse que viviendo fuera perdemos parte de la pureza cultural propia. Muchos dirán que nos contaminamos, y que olvidamos nuestras raíces si comemos kimchi en vez de tortilla de patatas o jamón. Pero yo pienso justamente lo contrario: Cuando tomo mis palillos y me preparo una bolsita de ramen, me siento más unida a mi propia cultura; porque quizá las culturas no choquen sino que, simplemente, se engrandezcan las unas a las otras.

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EN EL CAMINO

Las ensenadas o brazos de mar se despliegan allí donde acaba la

Gwak Jae-gu

tierra. Para cualquier viajero que llega al muelle de una ensenada no existe lugar alguno adonde dirigirse. Sin embargo, en el caso de los

Lee Han-koo

Poeta

Fotógrafo

barcos de pesca, este es su punto de partida. ¿No es algo fascinante?

Donde concluye el camino para los pasos del ser humano, el viaje comienza de nuevo.

H

ace más o menos una década, cuando estaba a punto de dejar mis cuarenta y entrar en mis cincuenta, pasé algún tiempo vagando de un pueblo costero a otro. Cuando no podía encontrar una casa en la que pasar la noche, me acercaba al centro social de la aldea y preguntaba a los ancianos que había por allí si podía quedarme a dormir en ese lugar. Ninguno de ellos dudaba en decir: “por supuesto, pasa”. Los ancianos sonreían y me daban la mano con gestos de amistad. Cuando ellos posaban sus manos sobre las mías, me daba la sensación de que esas manos eran las de personas que habían pasado toda su vida trabajando en las ciudades, entre las fábricas y los mercados, antes de regresar definitivamente a su pueblo

natal; o bien podrían ser las manos de una persona que, concibiendo su aldea costera como el centro del universo, había gastado su juventud saliendo al mar a pescar y recolectando algas para ganarse la vida. Esas manos, ásperas y duras pero cálidas, son la imagen de la tristeza y los anhelos, de los sueños y la desesperación experimentados por cada individuo a lo largo de su vida.

En aquellos días en los que me dedicaba a vagar de un pueblo a otro, mis pies siempre me llevaban al puerto de donde partía el ferry. Mientras observaba los barcos de pesca navegando sobre el agua, anunciando su partida hacia algún lugar con el clásico sonido de sus bocinas, sentí un repentino dolor en mi corazón. Entonces, agazapado en un rin-

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cón, mientras veía a las embarcaciones partir y regresar hasta la puesta de sol, mi corazón recuperaba de nuevo su calor.

Tres islas abrazando el mar En el trayecto en barco de Yeosu a Geomundo (isla de Geomun) mi corazón empezó a latir más rápido. Yeosu es una ciudad portuaria con una población de unos 300.000 habitantes. En 2012 esta urbe fue sede de la última Expo Internacional. Se trata de una ciudad con una rica belleza intrínseca. El año en el que se celebró la muestra, viajé con unos amigos de Europa por algunas pequeñas aldeas costeras de Yeosu. Entre mis acompañantes estaba Eric, de la ciudad francesa de Niza, que es piloto de avioneta. Eric dice que se convirtió en piloto porque sentía un gran amor por la costa de su ciudad natal, Niza, y deseaba poder seguir viendo este paraje durante el resto de su vida. Cuando pasamos por el pueblo de Gajeong-ri, me dijo: “el mar aquí es como el mar en Niza. Me refiero a Niza antes de verse contaminada por la civilización”.

Geomundo es un parque nacional marítimo situado a 114,7 kilómetros del puerto de Yeosu. Se compone de tres pequeñas islas -Dongdo, Seodo y Godo- dispuestas en forma de círculo, de modo que se asemejan a un huevo. Las aguas que rodean a las islas se llaman Donaehae, y los litorales están salpicados de pueblos con una larga historia. Los acantilados de los extremos de las islas bloquean las fuertes olas, haciendo que las aguas que bañan las caras interiores sean tan calmadas, que en el pasado la gente las conocía como Samho, que vendría a significar algo así como “lago formado por tres islas”. Se dice que Geomundo pasó a ser conocida en el mundo, cuando en 1845 fue mencionada en el libro de a bordo del buque de guerra británico “Samarang”. Los británicos llamaron a este oportuno refugio “Puerto Hamilton”, un nombre que aludía al entonces secretario del Almirantazgo, el capitán Hamilton.

En aquellos días la dinastía Qing de China también mostró interés por la isla. Se dice que entró en sus aguas un buque de guerra de ese país y fue requisado por el almirante Ding Ruchang. Los chinos, en su deseo de comunicarse por escrito,

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1. La ruta de senderismo, que a lo largo de 1 kilómetro conecta el faro de Noksan con el extremo norte de Seodo, la isla occidental, es un camino bien cuidado entre extensas llanuras, y uno de los mejores tesoros para los que desean recorrer Geomundo a pie.

2. En febrero, cuando las camelias están en plena floración, los senderos del monte Suwol de Seodo quedan literalmente alfombrados por las camelias caídas de los árboles.

Me obsesiona la idea de pasar la noche junto a la ventana en una casa de un pequeño pueblo costero, porque quiero escuchar las olas. No importa si es de noche o de día, ni si es primavera, verano, otoño, o incluso el más frío de los inviernos. Siempre duermo con la ventana abierta para escuchar el sonido de las olas. Esto no resulta descabellado para una casa de Corea, donde generalmente las viviendas disponen de un sistema de calefacción radiante por suelo llamado “ondol”. anotaron tres caracteres “菊花 發” (“crisantemos en plena floración”), pero nadie podía leerlos. De este modo, los aldeanos contactaron con un viejo sabio que vivía en la isla, y éste les dijo que ofrecieran como obsequio a los chinos una cesta de caquis secos.

Los chinos habían llegado en otoño, cuando la isla estaba cubierta de crisantemos. Lo que querían expresar era que “los crisantemos habían florecido maravillosamente por toda la isla” y el erudito, conmovido por este sentimiento, pensó que debían regalarles caquis secos dulces. El anciano y los hombres del almirante se comunicaron por escrito y éstos quedaron enormemente impresionados por su sabiduría. Así, comenzaron a llamar a la isla Geomundo, que significa “la isla del gran erudito”. Anteriormente, esa isla era conocida entre los chinos como Geomado, que significaba “isla rodeada por rocas gigantes”. El nombre del sabio anciano era Kim Yu. El 5 de abril de 1885 Geomundo fue ocupada por tres naves de la marina real británica, y la bandera de este imperio fue izada en la isla. Los ingleses instalaron un campamento, construyeron fuertes e instalaron cables eléctricos. Gracias a este proyecto, los residentes de Geomundo se convirtieron en los primeros coreanos fuera del palacio real de Gyeongbokgung que tomaron contacto con la electricidad, y fueron testigos de la llegada de la moder-

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nización. Los británicos reclamaron su propiedad de la isla en preparación ante una posible guerra con Rusia, lo que claramente violaba las leyes internacionales. Geomundo quedó atrapada en el centro de una lucha de poder entre las grandes potencias del siglo XIX, pero el tribunal de la dinastía Joseon, aunque era consciente de los hechos, tenía muy poca fuerza para luchar contra esa ocupación ilegal. Los británicos finalmente se fueron en febrero de 1887, solo después de garantizar que Rusia no intentaría entrar en Geomundo. A día de hoy todavía permanecen en la isla las tumbas de tres marineros británicos que fallecieron allí.

La sirena de Sinjikki, guardiana de los pescadores de Geomundo Tan pronto como dejé mis maletas en el lugar donde me alojaba en el pueblo costero de Geomun-ri, salí de nuevo afuera para hacer trekking en Seodo. Esta isla, la más grande de las tres, cuenta con dos faros: el faro de Noksan en su extremo norte y el faro de Geomundo en el lado sur. La ruta de senderismo entre ambos faros pasa por los pueblos de Seodo-ri, Byeonchon-ri y Deokchon-ri. Cuando uno camina por los pueblos en los que vive la gente, las carreteras costeras y los caminos de montaña, se olvida de todas las preocupaciones del mundo.

A lo largo de la ruta de acceso al faro Noksan, se podían observar por todos lados campos cubiertos de un vegetal que parecía una red de plástico. Pregunté a una de las mujeres que trabajaban en esos campos, y ella me dijo que se trataba de la “artemisa de la brisa del mar”. Se trata de una especialidad de Geomundo que adopta el sabor de la brisa fresca del mar. Los isleños la preparan en sopa por su fresco aroma o secan sus hojas para hacer té.

Un poco antes de subir hasta el faro, vi en el parque marítimo la escultura de una sirena. Conocida como Sinjikki , o a veces Sinjikke , la leyenda dice que la sirena de Geomundo tiene la piel blanca y el pelo largo y negro, y aparece en las noches en las que brilla la luna o al amanecer. Esta criatura arroja piedras a los acantilados o emite otros sonidos, guiando a los pescadores lejos de los arrecifes y salvándoles de los tifones. Parece algo natural que esta isla tan lejana a la costa tenga su propia leyenda en la que la protagonista sea una sirena.

El novelista Han Chang-hun, que nació y pasó su infancia en Geomundo, escribió un libro titulado A veces el mar observa a la sombra de las islas, en el que recuerda con cariño las escenas de su juventud, y emociona al lector con las historias de miedo que le contaban sus amigos. En una oscura noche, un amigo de Han fue a pescar en la ladera rocosa del litoral de la isla, cuando sin-

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1. Geomundo es un pequeño lugar con una población de unas 1.400 personas (unos 590 hogares). Reconforta ver cómo los lugareños reciben a los turistas con una amable sonrisa.

2. El mar interior de Geomundo está rodeado y protegido del viento y las olas por tres islas, por lo que sus aguas son suaves y su atmósfera apacible.

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tió que algo tiraba fuerte de su sedal. Cuando recogió el hilo y sacó del agua lo que había capturado, pudo observar a una mujer que lo miraba a los ojos con el anzuelo en la boca. Esta mujer se acercó a él y le atacó; y el amigo de Han relató que había luchado con el diablo del agua para salvar su vida. Ella era increíblemente fuerte. Han asegura que en ningún momento dudó de la veracidad de la historia de su amigo, un tipo honesto y sencillo que no había tenido una educación muy formal, y que nunca había dicho una mentira.

Pero si las historias sobre la sirena Sinjikki son encantadores sueños sobre la vida, las que hablan del fantasma vestido con ropas blancas de luto que emerge a la superficie enganchado a un sedal, son realistas relatos sobre los sufrimientos de la vida.

El trayecto del faro de Geomundo, que pasa por el “acantilado de la silueta del dragón” y la “roca de los inmortales”, es el punto más destacado de mi ruta de senderismo. El recorrido por los acantilados a lo largo de la hermosa costa con hermosas vistas al mar, conduce a un bosque de árboles de camelia. La senda del bosque a veces parece una cueva, y otras veces aparenta ser un túnel. La gente llama a este camino “el sendero del amante” y resulta gratificante solo imaginar a las parejas de enamorados, cogidos de la mano y paseando por allí entre las camelias. El recorrido del bosque es un sendero brillante que se tiñe del rojo de estas flores, y del canto de los pájaros que vuelan entre los árboles. Es un signo encantador, de lo que está por venir, considerando el faro como el punto final. El faro, por su parte, ilumina el oscuro mar. Los barcos que han desviado su trayectoria sin querer, pueden ponerse de nuevo en ruta al observar su luz. Inaugurado en 1905, el viejo faro de Geomundo ha quedado en desuso, y allí descansa

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en paz mientras que el nuevo faro, de 33 metros de altura y construido en 2006, se encuentra al lado, difundiendo un destello que puede ser visto desde el mar, a una distancia de 42 kilómetros.

Olas que resuenan como la canción de cuna de una madre Cuando el sol se puso, fui a pasar la noche a una pequeña casa al lado del muelle. Al elegir el alojamiento me fijé especialmente en una particularidad. La ventana tenía que mirar hacia el exterior por la parte del mar. No importaba si era grande o pequeña, ni si entraba o no la luz del sol, siempre que estuviera localizada en una pared frente a las aguas. Me obsesiona la idea de pasar la noche junto a la ventana en una casa de un pequeño pueblo costero, porque quiero escuchar las olas. No importa si es de noche o de día, ni si es primavera, verano, otoño, o incluso el más frío de los inviernos. Siempre duermo con la ventana abierta para escuchar el sonido de las olas. Esto no resulta descabellado para una casa de Corea, donde generalmente las viviendas disponen de un sistema de calefacción radiante por suelo llamado “ondol”. El sonido de las olas es para mí como una canción de cuna cantada por mi madre. Las olas me cantan la nana de mi madre, que se ha convertido en una parte de mi cuerpo, como mi ADN, y me trae gratos recuerdos de cuando ella me acunaba en su regazo y cantaba suavemente para mí. Esto es quizá un sentimiento común para mucha gente. Aquellos que se acuerdan de las canciones de cuna de su infancia, acarician sus sueños durante mucho tiempo. Geomundo, un lugar donde habitan muchas de estas personas, seguirá siendo por mucho tiempo un lugar cálido y tranquilo. (Traducido por Atahualpa Amerise)

La banda de aficionados Deungdae y una madre amante de la poesía

El itinerario a la hermosa isla de Geomundo Aeropuerto Internacional Estación de Yongsan Seúl de Gimpo

Aeropuerto de Yeosu

Geonmundo Jejudo

Conocer a la banda musical de aficionados de Geomun-ri en el centro social de la localidad fue todo un golpe de suerte. Este grupo formado el año pasado tiene por nombre Deungdae, que significa “faro” en coreano. A pesar de que aún no han alcanzado un óptimo rendimiento, ensayan de una forma tan intensa como cualquier banda ya consolidada. Lo que hace que este grupo sea tan especial es el hecho de que sus 13 miembros son residentes del pueblo que durante el día se dedican a sus respectivos puestos de trabajo, pero al caer la noche se reúnen para ensayar y cumplir sus sueños.

“K” es el líder y la banda y también el baterista.

Como arquitecto y diseñador, se dedica a construir edificios en la isla y a decorar interiores. Él había querido ser baterista desde su época de secundaria y solo ahora ha logrado hacer realidad su sueño. “P” es el cantante y, a sus 42 años, es “el niño” de la banda. Durante el día conduce uno de los dos taxis que hay en Geomundo. En la sesión de ensayo, el cantante entona sus melodías favoritas como “Vamos de viaje” de Cho Yong-pil y “Raguyo” de Kang San-ae, entre los vítores y gritos de ánimo de los presentes en la sesión. Por su parte, “Y” es el dueño de un hostal y el bajista del grupo. Varios fracasos en los negocios que emprendió en la Corea peninsular le llevaron a sufrir una depresión severa, pero después de tres años en Geomundo dice que ha recuperado su salud. Su renovada capacidad de abrazar una vez más la vida ha sido el regalo del viento, la luz del sol y las olas de la isla. Mientras, la interpretación al saxofón de “J” es fantástica. Al haber sido soldado durante 32 años, la experiencia y disciplina acumuladas han llegado a formar parte de su música.

Mi charla con “T”, el guitarrista, fue conmovedora. Trabaja en una oficina en Yeosu y se encontraba de visita en su ciudad natal. Me dijo que hace 26 años, cuando formaba parte del ejército, su madre le envió una carta. En la misiva ella había escrito un poema, concretamente uno de mis poemas. Siguió comprobando mi nombre y, desde los extremos opuestos de la memoria de dos personas, nos estrechamos la mano.

Su madre había sido una amante de los libros desde que era adolescente. Ella se entregaba a la

Estación de Yeosu Expo Yeosu

Vía aérea Tren de alta velocidad Autobús

poesía durante la noche y, de las obras que había De Seúl a Yeosu leído, seleccionó y escribió una para enviársela a Por carretera El viaje de Seúl a Yeosu su hijo. “T” comentó que, en el momento en que lleva unas 4 horas en coche. Hay un autobús su madre envió la carta, era un año más joven de Kimpo expreso que parte de la terminal de Cenlo que era él en este momento.

YongsanSeúl; Station tral City en Banpo-dong, el trayecto es Aquella noche, de vuelta en mi habitación, abrí International Seoulcon autobuses que de 4 horas y 15 minutos, la ventana de par en par y me acosté. El rumor de Airport parten cada media hora desde las 5:30 AM las olas me mecía suavemente, como el sonido (hticket.co.kr). La tarifa es de 20.700 wones de las canciones de cuna que mi propia madre para un autobús general y de 30.800 en el me cantaba para hacerme dormir. Me resultó caso de un autobús de primera clase. difícil conciliar el sueño ya que en mi cabeza Por ferrocarril El tren de alta velocidad rondaba la idea de encontrarme al día siguiente KTX desde la Estación de Yongsan hasta la con la madre de “T”. He pasado más de 40 años estación de Yeosu Expo presta servicio nueve escribiendo poemas. Por supuesto, siempre veces al día en intervalos de aproximadaesperaba que cada uno de los poemas que mente dos horas. La duración del viaje es escribía fueran como cucharadas de alimento de 3 horas y 40 minutos. Para más detalles para el alma, pero no sería capaz de responder se puede consultar la página web de Korail si alguien me preguntara qué poema me hace (korail.com). sentir a mí de este modo. Mañana voy a preguntar Por aire Las aerolíneas Korean Air (korea esta señora cuál de mis poemas envió a su hijo. anair.com) y Asiana (flyasiana.com) operan La idea de que uno de mis poemas pudiera haber vuelos de Gimpo a Yeosu. Los vuelos parten sido alimento para el alma de una persona que tres o cuatro veces al día. pasa por momentos difíciles me hizo sentir que los últimos 40 años no habían pasado en vano.

Terminal de ferri Tomé el barco a Seodo y llamé por teléfono a de Yeosu la madre de “T”. “Soy Gwak Jae-gu, la persona Yeosu que escribe poemas. ¿Puedo hacerle una visita?”

Hablé con todo mi corazón. Entonces me dio su respuesta: “Soy ya una abuela muy anciana.

Cuando era joven me encantaba la poesía, pero estos días los paso recogiendo artemisa en Geomundo Por barco los campos y algas en el agua. Soy demasiado Desde la terminal de pasajeros de Yeosu a vieja y me siento avergonzada, así que no puedo Geomundo encontrarme con usted”. Me sentí entumecido. Al ElJejudo ferry desde la terminal de pasajeros de final no pude ver ese día a la madre de “T”. Pensé Yeosu hacia Geomundo opera dos veces al que sería mejor respetar su elección. Aunque día, a las 7:40 AM y a la 1:10 PM. El barco quedó desvanecido mi sueño de abrazarme de regreso parte a las 10:30 AM y las 3:50 a un poema que había alimentado el alma de PM. Los trayectos duran 1 hora y 26 minuotra persona, lo cierto es que me sentí bien por tos cada uno. El billete de ida y vuelta cuesta dentro. Había algo conmovedor acerca de la vida 72.000 wones. Los horarios de salida pueden de una mujer que en su juventud leía poesía y en cambiar en función de la climatología, así que su vejez recogía artemisa. se recomienda llamar a la terminal de pasaDesde el barco de regreso a Yeosu, agité mis jeros de Yeosu (el número principal es 1666manos mientras observaba Seodo. Diez años 0920). El sitio web oficial de la ciudad de Yeosu más tarde tendré la edad de esa mujer. Entonces (ystour.kr) ofrece información general sobre regresaré a Geomundo y estrecharé sus manos Geomundo en inglés, chino, japonés y francés. con las mías.

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Charles La Shure Profesor del Departamento de Lengua y Literatura de Corea de la Universidad Nacional de Seúl

LIBROS Y MÁS 50 KOREANA Primavera 2015

Estudios de casos significativos de las pinturas de Joseon como “traducción cultural” Caminos hacia la cultura coreana: pinturas de la Dinastía Joseon, 1392-1910

Burglind Jungmann, 392 páginas, 40 libras esterlinas, Londres: Reaktion Books

A

unque la pintura en la dinastía Joseon ha demostrado ser un fértil terreno para la investigación de la historia del arte en Corea, la erudición occidental en este ámbito se ha quedado rezagada. Pathways to Korean Culture trata de llenar este vacío entre la investigación de Corea y el conocimiento occidental. Quinientos años es, por supuesto, un período bastante largo que abarcar, incluso en un volumen que alcanza casi cuatro centenares de páginas. De este modo, en lugar de una cobertura completa de toda la dinastía, el autor Burglind Jungmann ha tratado de ofrecer “caminos” (pathways ) o estudios sobre casos que servirán de punto de partida a futuras investigaciones. Como resultado, inevitablemente hay ciertas áreas que no reciben la atención que merecen. Jungmann menciona como dos ejemplos los rituales que rodean al arte del retrato o las pinturas de los monjes budistas en el período final de la dinastía. Pero en todo caso, los temas que se abordan son enmarcados en sus contextos socioculturales, en vez de ser tratados de forma independiente. Es, necesariamente, un compromiso; pero un compromiso con éxito.

El autor reconoce los desafíos que se plantean al realizar una investigación de este tipo, desde el hecho de que se han perdido gran parte de las pinturas de Joseon, de antes del siglo XVII, hasta la falta de debate respecto a muchas de las obras que han sido legadas; e incluso el aparentemente prosaico –pero en realidad extremadamente frustrante tal y como saben todos los investigadores o traductores- conflicto de los sistemas de romanización. Jungmann ha intentado superar estas dificultades siempre que le ha sido posible (como en el caso de la romanización), y se ha esforzado en no perder de vista las implicaciones de problemas que no son tan fáciles de arreglar.

En cuanto a la metodología, Pathways se acerca al sujeto mediante dos principios: cuestiona el concepto de “influencia”, y ofrece el término alternativo de “traducción cultural”, propuesto por primera vez por Stuart Hall. Es decir, mientras muchos asumen que el arte chino influyó en el arte coreano a lo largo de su historia, Jungmann encuentra insostenible esta idea, y opta en su lugar por la inspiración y la interpretación, centrándose en el

proceso en el que se adaptaron los elementos para su uso en el arte coreano.

La principal diferencia es que el concepto de “influencia” impone en la historia del arte una visión jerárquica de arriba hacia abajo, mientras que el de “traducción cultural” no lo hace.

El libro está estructurado en tres partes. La primera cubre la dinastía Joseoh, desde el siglo XV hasta finales del siglo XVII. Se ocupa de temas como las tradiciones chinas y la forma en que fueron interpretadas por los primeros artistas de Joseon, la estética de los literatos en el siglo XV, y el papel que desempeñan las mujeres; no solo como productoras de arte sino también como consumidoras o aficionadas. Las partes segunda y tercera abarcan la segunda mitad de la Dinastía Joseon -es decir, los siglos XVIII y XIX-, un período que engloba numerosos temas que traen cambios a estilo de las pinturas de paisajes, los esfuerzos por explorar nuevas tendencias, las obras de pintores profesionales ubicadas fuera de los círculos literarios, y también la relación entre el arte cortesano y la pintura folclórica popular.

Tanto física como visualmente hablando, leer Pathways es todo un placer. Está impreso en una pesada y brillante cartulina e ilustrado con más de cien grandes reproducciones vivas y a todo color de las pinturas que aborda el texto. Al margen del esfuerzo dedicado a la investigación y el trabajo de análisis que requirió la composición de este volumen, es evidente que también se tuvo en cuenta que fuera agradable desde un punto de vista estético; algo de agradecer en el ámbito de la historia del arte coreano, que compensa en cierto modo el déficit de acceso a conocimientos al respecto en inglés o español. Este volumen no debería faltar en las estanterías de cualquier estudiante de cultura coreana o de historia mundial del arte que se precie de serlo.

La odisea de un hombre en su ardua búsqueda de un espacio para la vida plena La Plaza

Choi In-hun (traducido por Kim Seong-kon), 158 páginas, 14,95 dólares / 10,95 libras esterlinas, Champaign: Dalkey Archive Press

E

l famoso poeta y filósofo bengalí Rabindranath Tagore escribió una vez que “el nacionalismo es una cruel y malvada epidemia que actualmente se está propagando en el mundo de los humanos y devora su vitalidad moral”. Una vez que el lector pase la última página de The Square , no le resultará fácil creer que se trata de una mera coincidencia, que el nombre de este pensador sea el mismo que el del buque indio que transportó a un país neutral al ex prisionero de guerra Lee Myong-jun tras la Guerra de Corea.

Es en este barco, el Tagore, donde nos encontramos con Lee Myong-jun por primera vez en la novela, y también donde nos despedimos de él; pero gran parte de la historia que se desarrolla entre ambos momentos se narra en forma retrospectiva. Nos enteramos de que Myong-jun vivió en Corea del Sur después de finalizar la II Guerra Mundial y producirse la liberación del dominio colonial de Japón. Su padre, sin embargo, fue a Corea del Norte y allí se convirtió en una importante figura política, una conexión que provocó que Myong-jun sufriera en sus carnes las brutales palizas de la policía surcoreana. Irónicamente, estas mismas palizas fueron las que despertaron su conciencia política, y finalmente logró entrar en Corea del Norte para formar parte de lo que él imaginaba como la revolución del pueblo. Durante la posterior Guerra de Corea fue capturado y pasó tiempo en un campo de prisioneros de guerra. Tras su liberación, al finalizar el conflicto, se le dio la opción de regresar a Corea del Norte o ir a vivir a un país neutral. Para consternación y disgusto de sus antiguos compatriotas, eligió asentarse en un país neutral.

Aunque no es difícil reconstruir la línea de tiempo de la na-rración, el autor Choi In-hun parece mostrar poco interés en establecer los puntos concretos de la historia; ya que por ejemplo, en el libro no se mencionan fechas. Se hace evidente que, aunque en realidad el tiempo fluye -como sería de esperar en una historia como esta- el principio fundamental de su estructura narrativa no es temporal sino espacial. Por supuesto, relata el viaje de Myongjun desde el sur hasta el norte, enmarcado en su periplo en barco, pero hay otro concepto espacial que juega un papel aún más importante y de hecho da título a la novela: La plaza (The Square ).

En cierto modo, el viaje de Myong-jun comenta su evolución a la hora de comprender ese particular concepto, más que constituirse como una mera secuencia cronológica de acontecimientos. ¿Qué es, entonces, ‘La plaza’? El término que se utiliza en coreano –originalmente “gwangjang”- significa literalmente “espa-

cio amplio” y se utiliza para describir un espacio grande y vacío en el que pueden reunirse muchas personas. En la novela de Choi esto se utiliza para representar uno de los dos lados de la dicotomía abierto/cerrado, público/privado. “La humanidad no puede vivir en una habitación cerrada”, protesta desde el principio la obra de Myong-jun: “La humanidad pertenece a la plaza”. Sin embargo, esto no es más que su propio ideal y posteriormente, en un momento más tranquilo de autorreflexión, admite: “No era una plaza; era una habitación”. Su viaje es pues, un trayecto donde tiene lugar la búsqueda de una plaza en la que se pueda vivir la vida con todo su potencial, y es por eso que abandona Corea del Sur y parte convencido hacia el Norte. Sin embargo, a pesar de sus esfuerzos, su plaza sigue disminuyendo de tamaño. En un momento dado, desesperado en el frente de batalla, encuentra refugio en una pequeña cueva que él llama “la plaza primitiva”, sin llegar a comprender ese angosto lugar en que se ha convertido su mundo. No es hasta el final cuando se da cuenta de que “la plaza de su vida se ha hecho más y más pequeña hasta finalmente reducirse a un espacio mínimo, sólo suficiente como para apoyar los pies”.

En último término Myong-jun pasa su vida errando, buscando esta plaza tan difícil de alcanzar. No la encuentra en Corea del Sur, un país que es “una plaza para la gente que no existe”, en referencia a Kierkegaard; pero tampoco la puede hallar en Corea del Norte: “pues en la plaza de Corea del Norte no había gente: sólo marionetas”. Al final los dos sistemas no son más que diferentes expresiones de un mismo problema. La referencia a Kierkegaard expresa esto por sí misma. Este filósofo creía que la vida no tenía ningún significado intrínseco y que sólo podría adquirir sentido a partir del individuo que la vive “de forma auténtica” y es fiel a sí mismo. Así, cuando Myong-jun se lamenta de que la plaza de Corea del Sur se ha llenado de personas que no existen, lo que en realidad transmite es que sus vidas son superficiales y vacías, a diferencia del caso de las marionetas, que no tienen voluntad propia. El Norte fue liderado en base a una fe fanática, mientras que el Sur se perdió por falta de fe. Puede que en el Norte no existiera la libertad, pero el Sur tenía muchas libertades, en particular la libertad de ser corrupto y perezoso. Los resultados, sin embargo, fueron los mismos: la completa falta de la pasión que Myong-jun buscaba en la vida.

Escrita en 1960, La plaza sirvió como altavoz para una desnuda y honesta crítica social, en unos tiempos en los que las heridas de la guerra y la división aún estaban recientes. Aunque se mostraba crítico con lo que consideraba el vacío del Sur, Choi fue igual de duro en la censura al Norte, y escogió ampliar su mirada hacia el exterior, expresando así la creencia de que el futuro de Corea se hallaba más allá de la lucha ideológica que todavía define las relaciones en la península coreana hasta nuestros días. La plaza ocupa como tal un lugar importante en la historia de la literatura coreana moderna y se espera que esta nueva traducción sirva para presentar la novela a una nueva generación de lectores con interés en este país asiático.

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DELICIAS DEL GOURMET

Gimbap

Park Chan-il Cocinero

Lim Hark-hyoun Fotógrafo

un plato popular pero muy especial

Desde el gimbap que mi madre me preparaba en los días de excusión escolar, o el gimbap de 1.000 wones que alimenta a quienes están cortos de dinero, hasta el gimbap gourmet que se vende a precios elevados con la reciente tendencia a comer sano... Aquí, una reseña sobre

gimbap, uno de los platos populares más representativos de la gastronomía coreana con precios variados, y que a cada coreano trae diversos recuerdos personales.

C

uando yo era un niño, a menudo mi madre me mandaba a hacer las compras a la abacería del barrio. Quizá uno de los factores por los que me convertí en cocinero, fueron precisamente esos mandados de mi madre. La experiencia de cocinar comienza por tener una idea sobre los ingredientes necesarios, saber cuáles son de mejor calidad, tantear si su precio es adecuado, y alistar todo lo que hace falta para preparar un plato. En este sentido, los mandados de mi madre me permitieron vivir plenamente esa experiencia desde que apenas era un niño. Todavía recuerdo cómo me ponía de contento si el encargo de mi madre era ir a la tienda a comprar gim . El motivo de esa alegría era la expectativa de que al día siguiente podría comer gimbap . Entonces, compraba en la abacería -además de 20 hojas de gim o algas secas- espinacas, zanahorias, nabo encurtido, pasta de pescado y salchichas. A veces arrancaba una esquinita de una hoja de gim y me la comía en mi camino de regreso a casa. Ese pequeño trozo de gim -sin nada más- me sabía a cielo, máxime porque eran tiempos en los que dicho alimento era caro y poco asequible para familias de clase media o baja. De ese pedazo de gim , pegado en mi mano sudada, era posible sentir un olor muy especial, que se hacía más fuerte a medida que acercaba la mano a mi boca.

La mejor comida para las excusiones escolares En los días de excusión escolar, aún antes de la salida del sol, mi madre empezaba a preparar gimbap . El primer paso consistía en cocer el arroz con mucho esmero, para que no quede ni

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demasiado glutinoso ni excesivamente seco, ya que eso podía arruinar la receta. Una vez listo, el arroz cocido era sazonado con vinagre; para que no se pusiera malo en unas horas. Luego, se procedía a preparar el resto de los ingredientes, sobre las 4 o 5 de la mañana. Entonces, el agradable olor que se producía al freír el huevo o al sofreír las espinacas y la zanahoria, despertaba a todos los miembros de la familia y les invitaba a presenciar a la “mamá en acción”.

Pero, el verdadero espectáculo era ver a mi madre enrollando gimbap . Primero, sobre una esterilla colocaba una hoja de algas secas o gim , sobre la que extendía uniformemente una determinada cantidad de arroz cocido. Después ponía el resto de los ingredientes y enrollaba. En este último paso de la receta, lo más importante era regular bien la presión, para que no fuera ni excesiva ni insuficiente. Cortar tampoco es fácil; pues sin mucha técnica, el rollo de gimbap puede “reventarse” en el medio. Hay que cortarlo con un cuchillo bien afilado, mojándolo de vez en cuando con agua, para que su superficie no quede pegajosa por el arroz.

Recuerdo que mi madre cortaba los rollos de gimbap en trozos tan grandes, que mi boca no daba ni para uno de ellos.

No obstante, había ocasiones en las que a gimbap no sabía tan delicioso. Era en los días lluviosos, cuando la excursión se cancelaba y los alumnos tenían que abrir los paquetes de comida preparados por sus mamás en el aula o en el auditorio del colegio, para comer allí su gimbap . Entonces, este plato sabía mal, al no ir acompañado de la fragancia de la naturaleza y del cálido sol de mayo, que definitivamente eran las guarniciones más suculentas.

Š Baruda Kim Sunseng

El Gimbap es un plato de arroz y verduras envueltas en una hoja de alga marina. Puede tener distintos sabores y estar relleno de diversos ingredientes, tales como kimchi, atĂşn, queso, anchoas, y vegetales encurtidos, entre otros.

CULTURA KOREANYCULTURE ARTE DE&COREA ARTS 53

El debate sobre si el gimbap se originó en Japón o si es un plato autóctono de Corea, sigue en pie a día de hoy. Unos alegan que el gimbap es la versión coreana del “maki sushi ” o “futomaki sushi ” de Japón, que entró en la dieta de los coreanos durante el período colonial japonés o incluso antes, cuando la Dinastía Joseon empezó a abrir sus puertos y a recibir culturas extranjeras. Sin embargo, otros insisten en que el consumo de gim o algas secas (que es uno de los ingredientes principales de gimbap) por parte de los coreanos data de hace mucho tiempo, y que es obvio que siendo el arroz su alimento principal, comieran desde épocas antiguas arroz cocido envuelto en gim.

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Las mil formas y sabores del gimbap La definición de gimbap , según el diccionario, es “Comida preparada en forma de rollo, envolviendo con gim arroz, verduras y otros ingredientes”. A partir de esta definición, hoy en día existe una gran variedad de gimbap , con ingredientes que tradicionalmente no se usaban para este plato, tales como kimchi, atún enlatado, queso, anchoas secas fritas y verduras encurtidas.

También se hace gimbap de diversas formas, desde el gimbap triangular y gimbap de un bocado para los más pequeños, hasta el “gimbap desnudo ”, con las hojas de algas secas o gim por dentro y arroz cocido por fuera.

Hay regiones que tienen un tipo de gimbap característico del lugar. Una de ellas es la localidad de Tongyeong en la provincia de Gyeongsang del Sur, con su Chungmu Gimbap , siendo Chungmu el nombre antiguo de esta ciudad. Lo que más destaca de este plato es que los rollos de gimbap se preparan solo con gim y arroz cocido, y siempre son servidos con dos guarniciones: con kimchi de rábano o ggakdugi , y con calamar frío en salsa picante. Se cuenta que el Chungmu Gimbap se creó pensando en los marineros, que tenían poco tiempo para comer.

La pregunta que surge a estas alturas es desde cuándo los

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1. También resulta divertido ver el proceso de elaboración del gimbap. Lo mejor del espectáculo es ver rodar el gimbap, ayudado por una estera de bambú, tras ajustar un relleno de colores sobre la capa de arroz, lo que estimula el apetito.

2. El nuevo gimbap premium, que rompe el clásico estereotipo del gimbap como plato pobre, está ganando popularidad entre los jóvenes, al introducir diversas y sofisticadas opciones para disfrutar en un ambiente agradable.

coreanos habrán comido gimbap . En realidad, el debate sobre si el gimbap se originó en Japón o si es un plato autóctono de Corea, sigue en pie a día de hoy. Unos alegan que el gimbap es la versión coreana del “maki sushi ” o “futomaki sushi ” de Japón, que entró en la dieta de los coreanos durante el período colonial japonés o incluso antes, cuando la Dinastía Joseon empezó a abrir sus puertos y a recibir culturas extranjeras. Sin embargo, otros insisten en que el consumo de gim o algas secas (que es uno de los ingredientes principales de gimbap ) por parte de los coreanos data de hace mucho tiempo, y que es obvio que siendo el arroz su alimento principal, comieran desde épocas antiguas arroz cocido envuelto en gim.

Jeong Mun-gi, el primer doctor en ciencias marinas y pesca de Corea, presenta en su libro Productos Marinos de Joseon , que la historia del gim comenzó hace 200 años, cuando descubrieron algas en una zona pesquera en la isla de Wando, en la provincia de Jeolla del Sur, y empezaron a cultivarlas. Enfatiza así que, más allá de la polémica sobre el país de origen del gimbap , Corea inició por cuenta propia el cultivo de gim . Otra prueba de ello -aún más antigua- es la lápida conmemorativa erigida en homenaje al escolar Kim Yeo-ik, que vivió en la década de 1640. Dicha lápida,

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ubicada en Gwangyang en la provincia de Jeolla del Sur, dice que “Kim Yeo-ik luchó como parte del ejército civil durante la guerra de invasión de China contra Joseon de 1636, y que entonces se cultivaba gim para alimentar a pueblos enteros“. Asimismo, libros como La Geografía de la Provincia de Gyeongsang -publicado bajo el gobierno del Rey Sejong- o el Dongguk-Yeoji-Seungram - un libro de geografía que fue compilado durante el reinado de Seongjong- aluden al cultivo de gim en Corea, lo que demuestra que las algas secas fueron desde tiempos remotos un alimento ampliamente consumido por los coreanos.

En Hadong, provincia de Gyeongsang del Sur, se cuenta una famosa historia sobre el cultivo de gim . Hace aproximadamente tres siglos, una señora mayor que se dedicaba a recoger conchas a las orillas del Río Seomjin, encontró por casualidad un pedazo de madera. La señora se dio cuenta entonces de que en ese trozo de madera había pegadas algas marinas e inspirada en ello, clavó palos de bambú cubiertos de gim en el mar, y así fue cómo se inició el cultivo de dicho producto marino. A este método de cultivo se le conoce como “cultivo con soportes”, siendo el mismo el más antiguo de los sistemas utilizados para producir gim .

Gimbap popular vs. Gimbap gourmet El Gimbap , que antaño era un plato altamente apreciado al prepararse solo para ocasiones especiales, como las excursiones escolares de los hijos o los paseos en familia, es a día de hoy una de las comidas más baratas y asequibles. De hecho, actual-

mente hay rollos de gimbap que cuestan 1.000 wones (menos de 1 dólar) por unidad. Yo, siendo cocinero, analizo constantemente los ingredientes que más se usan en la industria de los restaurantes, así como el nivel de los precios; y la pregunta que siempre me hago es qué ganarán las tiendas de comida que venden gimbap a ese precio, encima sirviendo sopa y kimchi gratis. Pero, independientemente de estas cuestiones, lo innegable es que el gimbap es un plato popular, por el que mucha gente con escasos recursos económicos siente gratitud.

Por otro lado, también está el llamado “gimbap gourmet”. Este es un gimbap caro, que se prepara con ingredientes de alta calidad y que es vendido bajo la etiqueta de “comida sana”. Al respecto, hay quienes critican que por su culpa el gimbap se ha convertido en una comida selecta o que se trata de una estrategia de márketing muy poco reflexiva. Sin embargo, otros afirman que el gimbap no tiene por qué permanecer siempre como una comida barata. En realidad, es bastante fresca la idea de romper con los estereotipos y distrutar del sabor de gimbap en un restaurante bien decorado. En todo caso, existe la duda de cuántos estarán dispuestos a pagar hasta entre 5.000 y 6.000 wones (aproximadamente entre 5 y 6 dólares) por rollo. Así, queda por ver si el gimbap gourmet constituirá una moda pasajera, provocada por el hastío hacia el gimbap barato y el fervor por encontrar nuevas alternativas de comida, o si será recordado como una importante iniciativa para reafirmar y mejorar el estatus del gimbap , ese nutritivo plato que tanto nos gustaba de niños. (Traducido por Joo Hasun)

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ENTRETENIMIENTO

Hidden singer: Cuando la pasión de los imitadores resucita canciones Wee Geun-woo

Reportero de la revista digital IZE

En noviembre de 2014, la emisora JTBC fue noticia por la venta del formato de Hidden Singer, un programa musical con rondas eliminatorias, a NBC Universal. Anteriormente, el formato de MBC Daddy, Where Are We Going? fue vendido a Hunan TV de China, y el formato de tvN Better Late Than Never, fue vendido a NBC por primera vez como un programa televisivo de entretenimiento coreano. Pero como Superstar K de Mnet había imitado el formato de Fox American Idol y el otro concurso de canciones de Mnet, The Voice of Korea , había importado su formato de un concurso de canciones en inglés de Holanda, The Voice of Holland , el estereotipo era que los programas de canciones con rondas eliminatorias se habían originado en países competentes en el uso del inglés. Por tanto, la exportación de Hidden Singer fue un acontecimiento innovador para los coreanos.

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s muy conocido el rumor de que a Charlie Chaplin, el mundialmente famoso actor cómico y director inglés, le fue bastante mal en un concurso de imitación de Charlie Chaplin.

No obstante, no se menciona al ganador del primer puesto, probablemente por la creencia de que una imitación constituye solamente una sombra del original, a lo sumo. Pero Hidden Singer , un programa de un canal por cable que disfruta de una excepcionalmente alta cuota de pantalla del 4%-5%, elimina esta creencia.

Esta innovación recibió una entusiasta acogida. Cuando emitieron como programa piloto el primer enfrentamiento con Lena Park, y el segundo con Kyung-ho Kim, a finales de 2012, los espectadores tuvieron una respuesta positiva e inmediata. Tres meses más tarde, en un enfrentamiento durante su primera emisión regular con Si-kyung Sung, Hidden Singer logró un 2% de cuota de audiencia, algo muy inusual para un canal de televisión de programación general, que apenas obtiene más del 1% de cuota de audiencia.

Cuando el cantante original compite con sus imitadores El programa es simple. Un cantante famoso y varios excelentes imitadores se esconden tras una pantalla en una cabina y, de forma continua, cada uno de ellos canta unos compases de la canción escogida. Cuando la canción se acaba, un público de unas cien personas pulsa un botón para eliminar al cantante menos parecido al original. Al terminar esta evaluación, la pantalla se abre para mostrar a los cantantes que quedan y al eliminado, y también el recuento de votos. A medida que los candidatos van siendo eliminado uno a uno en tres rondas, el ganador de la ronda final recibe unos diez mil dólares. Podría parecer que el programa solamente ha añadido un formato de supervivencia a un concurso corriente de imitadores. Sin embargo, el nuevo punto creativo de Hidden Singer es incluir un cantante original en la competición. En otras palabras, el sistema de competición consiste en que el cantante original podría perder contra su propio imitador.

La imitación supera al original En los inicios del programa, el aspecto más atractivo era relativamente claro. Difícilmente puede verse en ningún lugar al cantante original, sudando en una competición contra su imitador, “más real que el real”. Concretamente, durante el enfrentamiento con Kyung-ho Kim, este fue sorprendido por un candidato llamado Won Kill, que mostró un tono de voz agudo tan bueno como el del propio Kim. En el enfrentamiento con Moon-sae Lee, un candidato sorprendió al juez porque no solamente cantaba de forma parecida a la de Lee, sino porque su voz normal era exactamente como la de Lee. En cualquier caso, la posibilidad de que un cantante original pueda fallar en la competición, hace perder los nervios no solamente a los cantantes originales, sino también a los espectadores. En la mayor parte de los casos y durante tres temporadas, los cantantes originales sobrevivieron y ganaron en las finales, a veces tras superar una crisis por quedar cerca de ser eliminados; mientras que los espectadores, seguían con ansiedad

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La competencia entre los cantantes originales y los cantantes imitadores en Hidden Singer, ofrece un festival para los sentidos, al margen de quién pierda o gane.

El motivo de la popularidad de Hidden Singer fue que, más allá de la mera competición, el espectáculo llegaba emocionalmente a todos: al cantante original, a los cantantes imitadores, al juez y a los telespectadores. cada semana la competición final.

Pero durante la segunda temporada, que empezó en septiembre de 2013, sucedió algo especial, porque la ininterrumpida pauta de victorias de los cantantes originales, se rompió cuando un imitador derrotó al cantante original. Sucedió en el enfrentamiento con Seung-hun Shin, un legendario cantante tanto por su fama como por sus ventas de discos. Como el concurso utilizó sus canciones de éxito de los años 90, su mejor época, los imitadores llevaban ventaja, pues la voz original del cantante había cambiado con el tiempo. Pero aún así fue impactante: Antes de que el efectosorpresa se disipara, en el siguiente enfrentamiento, con Sung-mo Jo, el cantante original fue eliminado antes de la final.

Las canciones evocan recuerdos y emociones No obstante, el motivo por el que la popularidad de Hidden Singer continuó hasta la tercera temporada fue que, más allá de la mera competición, el espectáculo llegaba emocionalmente a todos: al cantante original, a los imitadores, al juez y a los telespectadores. La mayoría de los imitadores amaba y admiraba las canciones de los cantantes originales, que cuales habían practicado cantando como devotos admiradores. Algunos candidatos, durante el enfrentamiento con Chang-jung Lim en la segunda temporada, estuvieron a punto de llorar al recordar la salida de Lim del escenario. Cuando Chang-jung Lim y sus imitadores

cantaron juntos, la generación que creció escuchando sus canciones de éxito pudo regresar al pasado con la emoción de esas canciones y disfrutar cantándolas. El director de producción Seunguk Jo, también explica que el tema real del programa, es el vínculo emocional entre los cantantes y los candidatos junto con el público, más allá de la competición. “En realidad, primero pensé que sería un juego divertido tener al cantante original y a sus imitadores, cantando mientras se ocultaban sus caras. Pero a medida que pasábamos etapas y avanzaban las grabaciones preliminares, me di cuenta de que los candidatos no tenían solo talento en la imitación al cantar, sino que hacían un gran esfuerzo por imitar a ciertos cantantes, y las canciones de aquellos cantantes a los que realmente amaban. Vi en el corazón de los admiradores, que aquello iba más allá de lo normal”.

Aunque esto también podría ser una limitación para Hidden Singer . Cantantes hay muchos, pero no todos son amados por largo tiempo, más allá de un lapso generacional de diez años, y menos que hayan tenido muchas canciones de éxito. Los cantantes con un nivel legendario ya han aparecido en el programa, así que no quedan muchos disponibles, y los que restan, son difíciles de traer al programa. ¿Podrá Hidden Singer superar su principal limitación y tener una exitosa temporada una vez más? La respuesta a esta pregunta se halla en el comentario del director de programación Seung-uk Jo: “Otro de los ‘personajes’ principales del programa, junto al cantante original y sus imitadores, son las propias canciones. Pertenecen al cantante cuando salen por primera vez, pero con el tiempo cambian y adquieren un nuevo significado, como si fueran seres vivos. Pueden rehacerse y un nuevo público puede recibirlas nuevamente; así que me siento feliz al saber que la gente está recuperando viejos discos en su casa, para escuchar esas canciones de nuevo, tras ver nuestro programa”. (Traducido por Raimon Blancafort)

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ESTILOS DE VIDA

El síndrome del Selfie-stick El año pasado, el selfie-stick –o palo extensible para hacer selfies- fue seleccionado como producto del año en diversas encuestas realizadas a los consumidores. La alta tasa de penetración de teléfonos inteligentes de Corea, unida a la cultura de uso masivo de las redes sociales en el país, desembocó en una repentina popularidad de un simple dispositivo auxiliar –un pequeño palo o tubo que se extiende hasta una distancia de un metro- y se acopla al smartphone para tomar un autorretrato o autofoto (selfie).

Koo Bon-kwon Director del Instituto de Investigación Humano-Digital, The Hankyoreh

¿C

uál podría ser la escena reciente más vista por los visitantes de Corea? Los resultados de una encuesta realizada por una agencia de viajes a 466 turistas extranjeros el año pasado, muestra que en primer lugar, un 48% señaló “hacerse fotos con un selfie-stick”. De hecho, uno puede ver fácilmente colas de coreanos usando los selfie-sticks tanto en los típicos rincones turísticos, como en cualquier otra parte de la ciudad. Un australiano que participaba en la encuesta afirmó: “Estirar el brazo con un palo largo en la mano para tomarse un autorretrato es más difícil de ver en otros países”. (Sólo para curiosos, algunas de las otras escenas más vistas en Corea seleccionadas fueron “ciclistas urbanos vistiendo ropas especiales” y “lugareños con coloridos atuendos de senderismo”).

Selfie-stick, protagonista en el equipaje del viajero Pero en realidad el selfie-stick no está de moda sólo en Corea. La revista estadounidense Time seleccionó el palo -o tubo extensible- para autorretratos, como uno de los 25 mejores inventos de 2014. Decía así: “Si 2013 fue el año en que la palabra selfie se puso de moda, 2014 fue el año en que los selfies se convirtieron en todo un fenómeno cultural”, sobre todo porque, como la revista explica, “al intuir un nuevo mercado, varias compañías han lanzado dispositivos para optimizar la experiencia de tomar selfies”. Time añadía que, “el selfie-stick… al permitir a los usuarios desplazar

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su teléfono inteligente más allá del alcance de sus brazos para obtener mejores ángulos en las fotos, ‘añade genuino valor’”. Teniendo en cuenta que la lista de las otras 24 invenciones incluye artículos como el cargador inalámbrico, el reloj de Apple, la impresora 3D, y la Blackphone -todos productos de tecnología de vanguardia- la elección del selfie-stick resulta particularmente interesante, porque no es tanto fruto de una invención tecnológica innovadora, como un símbolo de un nuevo fenómeno cultural. En realidad, la idea original del selfie-stick procede inicialmente de Japón y data de 1983. Fue registrado como patente oficial por primera vez en Estados Unidos en 1985. Se desarrolló a partir del mono-pie (monopod), que básicamente es un poste que se clava en el suelo para evitar movimientos bruscos al usar una obturación lenta. Pero a veces el monopie se enganchaba en el cinturón y se sujetaba con la mano para tomar un autorretrato. La idea y el contenido básico del dispositivo de la patente japonesa, no son muy diferentes del actual selfie-stick. Simplemente, no logró encontrar demanda masiva hasta 30 años después.

El selfie-stick empezó a verse en Corea hace tres o cuatro años. Al principio, sujetar un palo extensible con un teléfono inteligente conectado al extremo mientras se posaba para una foto parecía un poco incómodo; pero la ventaja de lograr ángulos más amplios y obtener fotos más dinámicas comenzó a calar entre los jóvenes. Bastó comparar

Mucho mejor que tomar una foto estirando el brazo para obtener un ángulo eoljjang (o mejor ángulo de la cara), la ventaja del selfie-stick, al permitir mejores ángulos y hacer fotos más dinámicas, generó un éxito instantáneo entre los jóvenes.

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una foto tomada al estirar el brazo, con otra obtenida de un ángulo eoljjang (o mejor ángulo del rostro), para que el selfie-stick se convirtiera en un producto muy popular en poco tiempo. Son especialmente famosos para captar fotos en los viajes y mostrar destinos; pues los selfie-stick permiten capturar el fondo y a los amigos en el mismo encuadre, lo que sería imposible con sólo estirar el brazo. Los viajeros solitarios ya no necesitan pedir a un extraño que les haga una foto, pues el selfie-stick da libertad para tomar fotos en cualquier lugar y desde cualquier ángulo. En Corea se dice que el programa de televisión ‘Más vale tarde que nunca’, un reality-show que cuenta las aventuras en el extranjero de un grupo de famosos de avanzada edad, fue lo que definitivamente popularizó el selfie-stick. A medida que el programa mostraba a celebridades utilizando el selfie-stick y disfrutando de sus autorretratos durante a viaje, el selfie-stick se convirtió en complemento imprescindible e inseparable compañero de viaje.

Antecedentes de popularidad del selfie-stick en Corea Pero abundemos más en los antecedentes de la increíble popularidad del selfie-stick en Corea. En primer lugar, según datos del Ministerio de Ciencia, TIC y Planificación de Futuro, la penetración de teléfonos inteligentes en Corea, país considerado una potencia en TI, se jacta de estar entre las primeras del mundo, tras registrar un índice del 79,4% en 2014, cifra 4,6 veces mayor que la media de los países de la OCDE. La distribución del último modelo de smartphone LTE

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1. Como en el realityshow Más vale tarde que nunca, que narra las peripecias de cuatro famosos maduros durante sus viajes al extranjero, estas celebridades salían usando el selfie-stick y disfrutando su viaje, en Corea este accesorio se convirtió en un complemento imprescindible en el equipaje de cualquier viajero.

2. Los selfie-sticks se han vuelto especialmente populares entre los viajeros, pues permiten captar tanto el paisaje como a los amigos en un solo encuadre, hazaña que resultaba imposible con solo estirar el brazo.

está por encima del 55%, y Corea también lidera en proporción el ratio mundial de usuarios de dicha tecnología móvil. El promedio de uso del teléfono inteligente en el país es de 3 horas y 39 minutos diarios, tiempo que en su mayoría engulle el uso de las Redes Sociales, según dicho informe. La razón de tan alta popularidad del selfie-stick en Corea se explica pues por el uso masivo que los coreanos hacen tanto de los smartphones como de las Redes Sociales, muy alejado de los datos de uso de otros países.

En segundo lugar, los coreanos tienden a adaptarse rápidamente a la última moda. Siempre tratan de buscar artículos nuevos y consumen con pasión. Es por ello que muchas empresas internacionales consideran a Corea la mejor pista de pruebas del mercado para nuevos artículos; y antes de lanzar un producto oficialmente al mercado global, a menudo sondean la reacción del consumidor en el mercado coreano, para valorar sus probabilidades de éxito. En Corea, las películas y las canciones pop, así como otros productos culturales, como los best-seller, se transforman en “tendencia general” en un instante, tan pronto como se convierten en grandes éxitos de ventas. Incluso aspectos personales o individuales, como podría ser la ropa o el peinado de una mujer joven, así como su estilo de maquillaje, a menudo siguen la moda dominante. Esta sensibilidad hacia las nuevas tendencias puede igualmente haber impulsado la popularidad del selfie-stick.

La tercera explicación de tanta popularidad se encuentra en la desmedida conciencia de los coreanos por su apariencia. El fuerte deseo de los jóvenes por auto-expresarse y la preocupación por la apariencia, también tiene algo que ver con la popularidad del selfie-stick. Por ejemplo, The Economist, una revista semanal de noticias con sede en Londres, en un artículo de 2013 afirma que Corea es país del mundo con mayor número de cirugías plásticas en porcentaje de población, en base a un informe de la Sociedad Internacional de Cirugía Plástica Estética. Según otro artículo de 2013 del diario londinense Financial Times, incluso en el mercado de cosméticos para hombres, Corea registró un 20% del total mundial, reivindicación de la primera posición en el sector.

A pesar de que el motivo original del selfie era captar la mejor instantánea del propio rostro, su propósito real es construir relaciones más que buscar la propia satisfacción. La llamada “era del selfie o autorretrato compartido” ha llegado. (Traducido por Javier Castañeda)

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A pesar de que el motivo original del selfie era captar la mejor instantánea del propio rostro, su propósito real es construir relaciones más que buscar la propia satisfacción. La llamada “era del selfie o autorretrato compartido” ha llegado.

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VIAJE A LA LITERATURA COREANA

CRÍTICA

es el camino que lleva de la oscuridad a la luz Jang Du-yeong Crítico literario

La palabra “largo”, derivada del latín, es una palabra que, como una pieza musical, va acorde con la narrativa de Hae-jin Jo. “Extensa, pero lenta y con total magnitud”. Las obras de Hae-jin Jo destacan por desarrollarse lentamente con una selección precisa de términos, desprovista de frases superfluas, pero con un fluir ininterrumpido.

Su escritura no es de aquellas que dependen excesivamente de nuevos temas o ideas, ni tampoco se satisface solamente con el humor, el ingenio o la ironía. Acumulando diestramente una serie calculada de secuencias lentas, logra en el desenlace producir un eco persistente de profunda conmoción.

Desde esta perspectiva, se puede afirmar que las obras de Hae-jin Jo siguen fielmente las características de un relato, describiendo con delicadeza pero con agudeza las peculiaridades de la vida de los seres humanos.

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“L

a escolta de la luz” está llena de elementos que se desarrollan con mucha lentitud. Puede percibirse claramente desde el inicio de la narración. Empieza cuando la narradora, “yo”, llega al aeropuerto de Nueva York y, mientras se dirige hacia la sección de Inmigración, detiene momentáneamente sus pasos. El aeropuerto de Nueva York, lleno de gente que se dirige apresurada hacia su propio lugar de destino, es una representación simbólica de la vida diaria de los habitantes de una ciudad contemporánea. La protagonista se detiene en medio de este “tiempo acelerado” y se dirige hacia la “lentitud”. La narradora detiene sus pasos a causa de la nevada que cae tras las ventanas. La nieve que cubre la pista de aterrizaje del aeropuerto es la cristalización de la “lentitud”, hecha a través de esos elementos que caen a tierra silenciosamente desde el cielo. Al compás de la nieve que cae lentamente, “yo” detiene brevemente sus pasos y, en medio de esa “lentitud”, abandona la agitada vida diaria para encontrarse ante el recuerdo de una vaga y tenue escena pasada.

Desde ese punto, el relato se desarrolla lenta pero consistentemente, sin darse por vencido, dirigiéndose hacia los secretos que se mantienen en el pasado.

El tono de la melodía que se reproduce en ese momento en los oídos de “yo” es también incomparablemente lento. Sin saber quién la interpretaba o cuál era su título, era tan solo una canción que canturreaba todo el día, que nadie escuchaba y que sonaba únicamente en sus propios oídos. La protagonista del relato también recuerda vagamente la melodía. Filtrándose lentamente por largo tiempo en la vaporosa niebla de la vida, esa melodía traslada a la narradora a los vagos recuerdos enterrados hacía muchísimo tiempo, como la “fría y pequeña habitación”, “el patio cubierto de nieve en un domingo” y “la habitación de un hospital impregnada de olor a medicamentos”. Tras la melodía, una serie de pasos “amplios, lentos y completos” conforman el ritmo narrativo del relato.

Ese ritmo narrativo iniciado en la “lentitud”, a través de insinuaciones cuidadosamente calculadas, deja entrever un ingenioso control del desarrollo narrativo, además de una trama perfectamente estructurada que da lugar a una compleja variedad de significados. Despacio y, a veces, incluso provocando sobrecogimiento, su peculiar atmósfera hace pensar en una pieza de bordado que, puntada a puntada, elabora un maestro altamente reconocido. Este relato es una suma de múltiples procesos, una acumulación de insinuaciones que provocan admiración, reflexiones que permiten penetrar en la observación de la existencia de los seres humanos y la forma dada a su civilización.

Sobre todo, este relato es un proceso de desciframiento de adivinanzas. Los lectores participamos a gusto en el esfuerzo de la protagonista de traspasar el enorme vacío del olvido y enfrentarse a la realidad del pasado. Las insinuaciones aparecen una tras otra y “yo” las contempla detenida y silenciosamente. Por lo general, esas insinuaciones “se me acercaron lentamente, paso a paso, como las pisadas que se forman, a modo de salpicaduras, en un patio cubierto de nieve”. La melodía que escucha, más allá de la memoria, no es algo que pueda saber por mucho que se esfuerce, sino algo que sin querer se acerca, poco a poco, gradual y lentamente.

Segundo, este relato es un proceso mediante el cual se llega a una absoluta comprensión de los otros seres que nos rodean. Enseña cómo hablarle a aquellos que se mantienen aislados a nuestro alrededor y el esplendor de ese momento en que un rayo de luz se desborda en toda su magnitud. Los sentimientos que intercambian “yo” y “la contraparte” transcurren muy lenta-

mente en un difícil proceso de indecisión. La protagonista “yo”, que por un instante tuvo ganas de acercarse para ofrecerle su paraguas, desiste por el temor al molesto silencio que experimentaría bajo el paraguas. “Yo” percibe la simpatía o la comunicación como una intrusión y confiesa que “tampoco quería enterarme a la ligera de asuntos personales ajenos”. Esta forma de proceso, lento y difícil, nos lleva a darnos cuenta de lo que se requiere para una comunicación lenta y profunda, con verdadero sentido.

Tercero, este relato es un proceso mediante el cual nos damos cuenta de cuáles deben ser las cualidades óptimas que debería tener un ser humano. Al ir a la par de la narración, que se desarrolla poniendo en práctica una minuciosa técnica metafórica, nos viene a la mente la imagen de aquellas personas aisladas del mundo que, debido a una falta de interés por nuestra parte, se hallan recluidas en una fría y oscura habitación. A veces, tienen una dimensión personal y otras veces, histórica. La obra nos hace saber, silenciosa pero elocuentemente, que salvar a otros con la “escolta de la luz”, es un hecho de gran nobleza que no cualquiera puede atreverse a hacer, pero que al mismo tiempo constituye una de las obligaciones que los seres humanos pueden y deben esforzarse en llevar a la práctica.

En el relato, la protagonista dice: “Dentro de las pisadas hay rayos de luz. ¿No te parecen barguillos llenos de luz?”. La verdad es que hay luz, siempre y en todas partes, a nuestro alrededor. Tan solo que para descubrir esa luz, debe recuperarse la verdadera conciencia y extender las manos a los demás. Se requiere coraje para superar “la indecisión”. A través de esos esfuerzos, esa “luz trivial” puede convertirse en una “grandiosa luz” que escoltará a aquellos que viven a nuestro alrededor en la soledad y el aislamiento. La voz de la autora, amplia y deliberadamente lenta, se concentra en definitiva en la posibilidad de una verdadera comunicación con aquellos que nos rodean. Es precisamente la ética misma de los seres humanos la que intenta transmitir esta obra. (Traducido por Kim un kyung)

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