E mag ballet2000 n 245 ed france by florian nicolas

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la revue internationale de

www.ballet2000.com la danse •

Édition FRANCE • n°245

Marie-Claude Pietragalla et la danse en 3D

Directeur de la publication Direttore responsabile / Editor-in-chief Alfio Agostini Collaborateurs/Collaboratori/Contributors Erik Aschengreen Leonetta Bentivoglio Donatella Bertozzi Valeria Crippa Clement Crisp Gerald Dowler Elisa Guzzo Vaccarino Marc Haegeman Anna Kisselgoff Kevin Ng Jean-Pierre Pastori Emmanuèle Rüegger Roger Salas Sonia Schoonejans René Sirvin Isis Wirth

la revue internationale de la danse édition France the international dance magazine English edition

la rivista internazionale della danza

edizione Italia

Editorial advisor Elisa Guzzo Vaccarino Editorial assistant Cristiano Merlo Traductions/Traduzioni/Translations Simonetta Allder Cristiano Merlo Collaborateurs à la rédaction/Collaboratori alla redazione/Collaborators Luca Ruzza Alain Garanger Publicité / Advertising pub@ballet2000.com

Chargée de communication et pub. (France) Anne-Marie Fourcade Tél. 06.99.55.96.52 amfourcade@ballet2000.com

Pubblicità, PR & Internaional advertising service Annalisa Pozzi Ph +39.338.7797048 apozzi@ballet2000.com Abonnements/Abbonamenti/Subscriptions service@ballet2000.com n. 245 - III. 2014 BALLET2000 B.P. 1283 – 06005 Nice cedex 01 – F tél. (+33) 09.82.29.82.84 Éditions Ballet 2000 Sarl – France ISSN 2112-2288 Commission Paritaire P.A.P. 0718K91919 Distribution Presstalis, 30 rue R. Wallenberg, 75019, Paris – 01.49.28.70.00 per l’Italia: Ballet2000 - Piazza Statuto 1 - 10122 Torino tel. 011.19.58.20.38 Reg. Tribunale di Milano 546 - 26.XI.1983 e 177 - 1.III.1990. Distribuzione Italia: Me. Pe., via E. Bugatti 15, 20142 Milano Imprimé en Italie/Printed in Italy by Pinelli Printing - Seggiano di Pioltello - Milano

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Marie-Claude Pietragalla, Julien Derouault: “Mr & Mme Rêve” (ph. P. Elliott)

Calendar

News

Cover : Dance & 3D

On Stage : Ballet de l’Opéra de Paris Balletto del Teatro alla Scala, Milano Mark Morris Dance Group Eun-Me Ahn Company Ballet Nice-Méditerranée Ballett Zürich Compagnie Opinion Public Michael Clark Company Les Ballets de Monte-Carlo Compañía Nacional de Danza, Madrid Ballet du Grand Théâtre de Genève Eko Dance International Project

Michael Clark Company

Ballet de l’Opéra de Paris: “Onegin”

BalletTube: “Le Jeune Homme et la Mort”

Multimedia : TV, Web, Dvd, Cinema...

On TV

Photo Gallery 3

Bolshoi Ballet: “Jewels”

af he • car tellone • calendar • af he • car tellone afffic iche cartellone afffic iche cartellone

Lena-Maria Gruber, Alban Lendorf – Royal Danish Ballet: “La Bayadère” (ph. C. Radu)

BELGIQUE Anvers Theater’t Eilandje 16-19. IV: “Beyond the tutu”: La Bayadère (Royaume des Ombres) – c. M. Petipa; Made Man – c. N. Fonte; Tyll – c. A. Ekman – Ballet Royal de Flandre Gand Vlaamse Opera 9-11. IV: “Beyond the tutu”: La Bayadère (Royaume des Ombres) – c. M. Petipa; Made Man – c. N. Fonte; Tyll – c. A. Ekman – Ballet Royal de Flandre

CZECH REPUBLIC Prague Opera 24, 26. IV, 13, 15. V: Le Lac des cygnes – c. M. Petipa, L. Ivanov – Prague National Theatre Ballet

10, 12, 13, 14, 15. V: Twelfth Night – c. N. Hübbe – Royal Danish Ballet

4. V: Romeo and Juliet – c. P. Zuska – Prague National Theatre Ballet National Theatre 5. IV: Krabat – c. J. Kodet – Prague National Theatre Ballet 18, 19, 20, 30. IV, 11. V: Field Mass – c. J. Kylián; Stabat Mater – c. P. Zuska; creation – c. V. Konvalinka – Prague National Theatre Ballet 27, 30. V: Brel; Vysotsky; Kryl/ Solo for Three – c. P. Zuska – Prague National Theatre Ballet Estates Theatre 19. V: Carmina Burana – c. I. Kubicová; Boy and Death – c. L. Vaculík; Variations – c. S. Lifar – Prague National Theatre Ballet

DEUTSCHLAND Berlin Schiller Theater 4, 5, 8. IV: Namouna – c. A. Ratmansky; Clear – c. S. Welch – Staatsballett Berlin 11, 18, 19. IV: Arcangelo – c. N. Duato; Herman Schmerman – c. W. Forsythe; and the sky on that cloudy old day – c. M. Goecke – Staatsballet Berlin 25, 30. IV, 1. V: Onegin – c. J. Cranko – Staatsballett Berlin Deutsche Oper 3. IV: Les Nuits – c. A. Preljocaj – Staatsballett Berlin 17, 24, 29. IV, 11. V: Romeo und Juliet – c. J. Cranko – Staatsballett Berlin Komische Oper 15. IV: The Open Square – c. I. Galili – Staatsballett Berlin

DANEMARK Copenhagen Det Kongelige Teater 4, 5, 24, 26. IV, 2, 3, 7, 14. V: La Bayadère – c. M. Petipa (N. Hübbe) – Royal Danish Ballet Det Kongelige Teater – Operahouse

Dresden

Semperoper 24, 26, 27. IV: Romeo and Juliet – c. S. Celis – Semperoper Ballett Europäisches Zentrum der Künste 14, 15, 16, 19. II: Sider – c. W. Forsythe – The Forsythe Company Düsseldorf Opernhaus 4, 5, 12, 21, 24, 27, 29. IV: Hidden Features – c. A, Jully; Scenario – c. M. Cunningham; Grosse Fuge – c. H. van Manen – Ballett der Deutschen Oper am Rhein Frankfurt Bockenheimer Depot 24, 25, 26, 27, 30, 31. IV, 1, 2, 3. V: The Returns – c. W. Forsythe – The Forsythe Company Hamburg Staatsoper 18, 20, 24, 26, 29. IV: Messias – c. J. Neumeier – Hamburg Ballett 1-6. IV, 11, 16. V: Renku – c. Y. Oishi, O. Dann – Hamburg Ballett

calendar • af he • car tellone • calendar • af he afffic iche cartellone afffic iche Créteil Maison des Arts 1, 2. IV: Alexander Whitley: The Measures Taken 13-17. V: Cie José Montalvo: Don Quichotte du Trokadéro

Stuttgart Opernhaus 4, 8. IV: Orphée et Eurydice – c. C. Spuck – Stuttgart Ballet 6, 12, 19, 20. IV: Giselle – c. J. Perrot, J. Coralli, M. Petipa – Stuttgarter Ballett 17, 25, 26. IV, 7, 9. V: creation – c. E. Clug; creation – c. D. Volpi; Le Chant du compagnon errant – c. M. Béjart – Stuttgarter Ballett

Échirolles La Rampe 15. IV: Cie Propos: Rite – c. D. Plassard 24. IV: Cie Ahimsa: Ahimsa – c. C. Kosatakani; Cie Par Terre: Yonder Woman – c. A. Nguyen

ESPAÑA Madrid Teatros del Canal 3-6. IV: Ballet Biarritz: Cendrillon – c. T. Malandain

Le Havre Le Volcan 1. IV: Carte Blanche: Corps de Walk – c. S. Eyal

Sevilla Teatre Central 16, 17. V: Compañía Nacional de Danza: Sleepless; Petite Mort– c. J. Kylián; Casi-Casa – c. M. Ek

Lille Opéra 15-17. IV: Sasha Waltz and

München Nationaltheater 4, 5, 27. IV, 2, 8, 11, 17. V: Der gelbe Klang – c. M. Simon; creations – c. R. Maliphant; c. A. Barton– Bayeriches Staatsballett 8, 9. IV: Dido and Aeneas – c. S. Waltz – Sahsha Waltz and Guests 11. IV: Helden – c. T. Kohler – Bayerisches Staatsballett 12. IV: Ein Sommernachtstraum – c. J. Neumeier, Bayerisches Staatsballett 13. IV: Broken Fall – c. R. Maliphant; The Moor’s Pavane – c. J. Limón; Choreartium – c. L. Massine – Bayerisches Staatsballett 17, 18, 19. IV: Romeo und Julia – c. J. Cranko – Bayerisches Staatsballett 10. V: La Bayadère – c. M. Petipa (P. Bart) – Bayerisches Staatsballett

Lyon Opéra de Lyon 13-17. V: Bella Figura – c. J. Kylián; Sarabande – c. B. Millepied; Quintett – c. William Forsythe – Ballet de l’Opéra de Lyon Maison de la Danse 2, 3, 4, 5, 6, 8, 9, 10, 11, 12, 13. IV: Pilobolus: Shadowland 16, 17. IV: Emanuel Gat Dance: The Goldlandbergs 23-25. IV: Thomas Guerry, Camille Rocailleux: Solonely Mulhouse La Filature 4. IV: Cie Estro: Milonga 2 16. IV: Sylvain Prunenec: Précis de camouflage

Iana Salenko, Marian Walter – Berlin Staatsballett: “Romeo and Juliet”, c. John Cranko (ph. B. Stöß)

Valencia Teatro Principal 11, 12. IV: Compañía Nacional de Danza: Nippon-Koku – c. M. Morau Leipzig Opernhaus 6, 21, 26. IV: Mozart Requiem – c. M. Schröder – Leipziger Ballett

Guests: Gefaltet 13-15. V: Cie Daniel Linehan: The Karaoke Dialogues

FINLAND Helsinki Operahouse 11, 12, 14, 16, 29. IV, 7, 10, 14, 16. V: Peer Gynt – c. H. Spoerli – Finnish National Ballet

FRANCE Aix-en-Provence Le Pavillon Noir 3, 5. IV: Cie Seyodo Boro: Porquoi la hyène a les pattes... 9-11. IV: Neuer Tanz: Sacre du printemps + & DU – c. VA Wölfl 16. IV: Centre Choégraphique National d’Orléans: Atem le souffle – c. J. Nadj Bobigny MC93 6. V: Ballet de Marseille: Élegie – c. O. Dubois Colmar Théâtre Municipal 26, 27. IV: Die Schöpfung (La Création) – c. U. Scholz – Ballet du Rhin

af he • car tellone • calendar • af he • car tellone afffic iche cartellone afffic iche cartellone Le Gymnase 5. IV: Cie Karine Saporta: Luciola Le Garage 5. IV: Simon Tanguy: Japan.Fever.More 6. IV: Michaël Allibert: La Nuit est tombée sur le royaume La Condition Publique 5. IV: Kubilai Khan investigations: Volt(s) Face – c. F. Micheletti 9. IV: Cie Tabea Martin: Field 10. IV: Cie Caterina et Carlotta Sagna: Bal en Chine 12. IV: Cie Heddy Maalem: Éloge du puissant royaume CCN 9. IV: Cie Olivier Dubois: Pour tout l’or du monde... Saint-Quentin-en-Yvelines Théâtre de Saint-Quentinen-Yvelines 12, 13. IV: Héla Fattoumi, Eric Lamoureux: Just to Dance

Théâtre de Chaillot, Paris: Paul André Fortier: “Vertiges” (ph. R. Etcheverry) Nice Opéra 11, 12, 13, 18, 19, 20. IV: Night Creature – c. A. Ailey; Three Preludes – c. B. Stevenson; Sinfonietta – c. J. Kylián – Ballet Nice Méditerranée Pantin Studios du Centre National de la Danse 1. IV: Lila Greene: Clinamen… 9-11. IV: Cie Uzumé: Vertige d’Elle – c. C. Moineau; Cie Hervé Koubi: Ce que le jour doit à la nuit 6-7. V: Ensemble l'Abrupt: Forevermore – c. A. Richard 14-16. V: Cie L’Octogonale: Impar – c. J. Brabant Paris Opéra Garnier 5, 6, 8, 10. IV: Concerto en ré – c. C. Bessy; Napoli (divertissement) – c. A. Bournonville; Scaramouche – c. J. Martínez; Yondering – c. J. Neumeier – École de Danse de l’Opéra de Paris 18, 19, 22. IV: “Danseurs chorégraphes”– Ballet de l’Opéra de Paris 3, 4, 5, 8, 9, 10, 12, 13, 15, 16, 17, 19, 20, 21. V: Orphée et Eurydice – c. P. Bausch – Ballet de l’Opéra de Paris Centre Pompidou 9-11. IV: Cie Thomas Hauert:

Strasbourg Pôle Sud 8, 9. IV: Ali Thabet, Hèdi Thabet: Rayahzone Opéra de Strasbourg 3-9. V: Die Schöpfung (La Création) – c. U. Scholz – Ballet du Rhin

Mono Théâtre des Champs-Élysées 1-6. IV: Cie Mau: The Crimson House – c. L. Ponifasio 9-11. IV: L’Association Fragile: D’Après une histoire vraie – c. C. Rizzo 14-25. IV: Cie Ultima Vez: Booty Looting – c. W. Vandekeybus 28. IV-7. V: Cie Rosas: Vortex Temporum – c. A.T. De Keersmaeker Théâtre de la Ville – Les Abbesses 28. IV-2. V: Studios Kabako: Drums and Digging – c. L. Linyekula Théâtre Chaillot (Salle Jean Vilar) 3-5. IV: Catherine Diverrès: Penthésilée 9-18. IV: Ballet de Biarritz: Cendrillon – c. T. Malandain 6-7. IV: Cie De L’Entre d’Eux: Entre les écrans du temps – c. D. Dobbels 13-16. V: Cie Karas: Dah-DahSho-Dha-Dha – c. S. Teshigawara Théâtre Chaillot (Grand Foyer) 15-18. IV: La Veronal: Russia – c. M. Morau Théâtre Chaillot 8-11. IV: Paul-André Fortier: Vertiges 13-17. V: Edmond Russo et Shlomi Tuizer: Embrace

Toulouse Halle aux Grains 10, 11, 12, 13. IV: Chopiniana – c. M. Fokine; Le Fils Prodigue – c. G. Balanchine; Paquita (Grand Pas) – c. M. Petipa (O. Vinogradov) – Ballet du Capitole

GREAT BRITAIN Birmingham Hippodrome 24-26. IV: Kin – c. A. Whitley; Les Rendez-vous – c. F. Ashton; Quatrain – c. K. Holder – Birmingham Royal Ballet Glasgow Theatre Royal 16-26. IV: Romeo and Juliet – c. K. Pastor – Scottish Ballet London Royal Opera House 1, 5, 8, 9. IV: La Belle au bois dormant –c. M. Petipa (P. Wright) – The Royal Ballet 10, 12, 15, 16, 22, 23, 26, 28, 29. IV, 1, 8. V: The Winter’s Tale – c. C. Wheeldon – The Royal Ballet Linbury Theatre 8-10. V: Northern Ballet Sadler’s Wells Theatre 3, 6. IV: Savion Glover 8, 9. IV: Les Ballets C. de la B.: Tauberbach – c. A. Platel 11, 12. IV: Fabilous Beast Dance Theatre: The Rite of Spring; Petrushka – c. M. Keegan-Dolan 16. IV: National Youth Dance Company 25, 26. IV: Kidd Pivot: The Tempest Replica – c. C. Pite 8-10. V: Compagnie Olivier Dubois: Tragédie – c. O. Dubois 14-17. V: Scottish Ballet: Romeo and Juliet –c. K. Pastor Peacock Theatre 8-19. IV: English National Ballet:

Théâtre de la Ville, Paris: Cie Ultima Vez: “Booty Looting”, c. Wim Vandekeybus (ph. D. Willems)

Roubaix

af he • car tellone • calendar • af he • car tellone afffic iche cartellone afffic iche cartellone 17, 18. IV: Aterballetto: Don Q. - Don Quixote de la Mancha – c. E. Scigliano; Rossini Cards – c. M. Bigonzetti Catania Scenario Pubblico 5, 6. IV: Susanne Kempster: Borderline danza 19. IV: Giovanna Velardi: Clown Cremona Teatro Ponchielli 3. IV: Aterballetto: Don Q. – Don Quixotte de la Mancha – c. E. Sciagliano 12. IV: Wayne McGregor/ Random Dance: Atomos Ferrara Teatro Comunale 17. IV: Co. Dada Masilo: Swan Lake Firenze Teatro Verdi 1. IV: Gala “Il cigno nero”

Pierre Cartonnet, Hassan Razak: “Bataille”, c. Pierre Rigal (p. P. Grosbois) My First Ballet: Coppélia Barbican Theatre 2-12. IV: English National Ballet: creations – c. A. Khan, R. Maliphant, L. Scarlett Coliseum 9-12. IV: Les Ballets de Monte-Carlo: Le Lac – c. J.-C. Maillot 15-17. IV: Eifman Ballet: Rodin – c. B. Eifman 19. IV: Eifman Ballet: Anna Karenina – c. B. Eifman

Forlì Teatro Fabbri 2. IV: Spellbound Contemporary Ballet: Open – c. D. Ezralow

Brescia Teatro Grande 29. III: Balletto dell’Opera di Kiev: Shéhérazade – c. M. Fokine; Carmen suite – c. A. Alonso 11. V: Co. Virgilio Sieni: Di fronte agli occhi degli altri

Milano Teatro alla Scala 15, 17, 18, 19, 24, 27, 29. IV, 6, 8, 9, 10, 11. V: Le Lac des cygnes – c. R. Nureyev – Balletto del Teatro alla Scala Teatro degli Arcimboldi

Cagliari Teatro Massimo

26-28. IV: Shen Yun Performing Arts 11. V: Accademia Ucraina di Balletto: Don Quichotte Teatro Strehler 7-11. V: Scuola di Ballo Accademia Teatro alla Scala Teatro dell’Elfo 14. IV: Matteo Levaggi: Sinfonia in nero Modena Teatro Comunale Luciano Pavarotti 27. III: Balletto dell’Opera di Kiev: Shéhérazade – c. M. Fokine; Carmen Suite – c. A. Alonso 2. IV: Rioult Dance: “Serata Bach” 17. IV: Compañía Nacional de Danza: Who Cares? – c. G. Balanchine; Three Preludes – c. B. Stevenson; Herman Schmerman – c. W. Forsythe; Delibes Suite; Sonatas – c. J. C. Martínez 11. V: Grupo Corpo: Imã; Triz – c. R. Pederneiras Padova Teatro Verdi (Prospettiva Teatro Danza) 15. IV: Wayne McGregor/ Random Dance: Atomos 30. IV: MM Company: Over the Skin – c. E. Morelli; A Cunzegna – c. M. Merola 2. V: Marco D’Agostin, Sara Leghissa: Dressed up... – c. G. Nardin 8. V: Balletto di Toscana Junior:

Sophie Martin, Erik Cavallari – Scottish Ballet: “Romeo and Juliet”, c. Krzysztof Pastor (ph. A. Ross)

ITALIA Bari Teatro Petruzzelli 26-29. IV: Balletto del Teatro Bolshoi della Bielorussia: Giselle – c. J. Perrot, J. Coralli, M. Petipa Bologna Teatro Comunale 8.-14. V: Balletto del Cremlino: Le Lac des cygnes – c. M. Petipa, L. Ivanov Auditorium Manzoni 28. III: Balletto dell’Opera di Kiev: Shéhérazade – c. M. Fokine; Carmen Suite – c. A. Alonso Bolzano Teatro Comunale 5. IV: Iceland Dance Company: The Swan – c. L. Stefánsdóttir

af he • car tellone • calendar • af he • car tellone afffic iche cartellone afffic iche cartellone 15, 16. V: Ballet du Grand Théâtre de Genève: Lux – c. K. Ossola; Glory – c. A. Foniadakis 17, 18. V: Sabine Kupferberg, Gary Chryst: East Shadow

NEDERLAND Amsterdam Het Muziektheater 16, 18, 19, 21, 24. IV, 3, 4, 7. V: Creations – c. H. van Manen, J. Elo, T. Simons, J. Arqués – Het Nationale Ballet 14, 16, 19, 20. V: Paquita (Grand Pas) – c. M. Petipa; Tchaikovsky Pas de Deux – c. G. Balanchine; Trois Gnossiennes; Without Words – c. H. van Manen; Duet – c. C. Wheeldon 10-12. IV: Uprising; In Your Rooms – c. Hofesh Shechter – Nederlands Dans Theater I Balletto del Teatro alla Scala: “Pink Floyd Ballet”, c. Roland Petit (ph. R. Amisano) Giselle – c. E. Scigliano 18. V: Cie Käfig: Yo gee ti – c. M. Merzouki Pisa Teatro di Pisa 3. IV: Balletto del Sud: Le quattro stagioni – c. F. Franzutti 16. IV: DaCruDanceCompany: Kaze Mononoke – c. M. Ragazzo 10. V: Imperfect Dancers Company: Anna Frank, Parole dall’ombra – c. W. Matteini 22. V: Aterballetto: Don Q. – Don Quixote de la Mancha – c. E. Scigliano; Rain Dogs – c. J. Inger; Tempesta – c. C. Rizzo Reggio Emilia Teatro Romolo Valli 9. V: Aterballetto: Wim – c. M. Bigonzetti; Rain Dogs – c. J. Inger Roma Teatro dell’Opera 16-19. IV: Verdi Danse – Balletto dell’Opera di Roma Auditorium Conciliazione 2, 3. IV: Gala: “Il cigno nero” Sassari Teatro Comunale 16. IV: Aterballetto: Don Q. - Don Quixote de la Mancha – c. E. Scigliano; Rossini Cards – c. M. Bigonzetti

Torino Teatro Nuovo 5. IV: Cie Mvula Sungani Company: Il vestito di Marlene 17. IV: Tango Torino Festival Lavanderia a Vapore – Collegno 11, 12. IV: Studio per Antigone – c. M. Levaggi – Balletto Teatro di Torino

Verona Teatro Filarmonico 15-18. V: Le Lac des cygnes – c. R. Zanella – Balletto dell’Arena di Verona Vicenza Teatro Comunale di Vicenza 13. V: Grupo Corpo: Imã; Triz – c. R. Pederneiras

Trieste Teatro Rossetti 13. V: Aterballetto: Workwithinwork – c. W. Forsythe; Rossini Cards – c. M. Bigonzetti 14. V: Aterballetto: Come un respiro; Absolutely Free – c. M. Bigonzetti Teatro Verdi 22, 23, 24, 26, 27. IV: Balletto Nazionale del Teatro di Zagabria: Six Antique Epigraphs; In White and Black; Le Sacre du printemps – c. E. Clug

MONACO Monte-Carlo Grimaldi Forum

Teatro di Pisa: DaCruDanceCompany: “Kaze Mononoke”, c. Marisa Ragazzo (ph. G. Castelli)

Den Haag Lucent Danstheater 17-19. IV: Uprising; In Your Rooms – c. H. Shechter – Nederlands Dans Theater I 11-13. IV: Postscript – c. S. León, P. Lightfoot; B.R.I.S.A – c. J. Inger – Nederlands Dans Theater

NORWAY Oslo Operahouse (II) 26, 28. IV, 2, 3, 10, 11, 13, 15, 20, 24. V: Swan Lake – c. A Ekman – Norwegian National Ballet

af he • car tellone • calendar • af he • car tellone afffic iche cartellone afffic iche cartellone

Anna Tsygankova – Het Nationale Ballet: “Paquita” (ph. A. Sterling)

ÖSTERREICH Wien Staatsoper 6, 13, 26. IV: Le Lac des cygnes – c. R. Nureyev – Wiener Staatsballett Volksoper 17, 21. IV: Carmina Burana – c. V. Orlic; Nachmittag eines Fauns – c. A. Lukacs; Boléro – c. B. Nebyla – Wiener Staatsballett 28, 29. IV, 2. V: Ein Reigen – c. Ashley Page – Wiener Staatsballett

POLAND Warsaw Teatr Wielki

9, 10. IV: Returning Waves – c. E. Wesolowsky; Adagio & Scherzo; Moving Rooms – c. K. Pastor – Polish National Ballet 25, 26. IV: Le Sacre du printemps – c. V. Nijinsky; Le Sacre du printemps – c. E. Gat; Le Sacre du printemps – c. M. Béjart – Polish National Ballet 5, 6, 8. IV: 6th Chroreographic Workshop

27. IV: Het Nationale Ballet: “Hans van Manen. Master of Movement” 28. IV: Ballet Gala and Open Dance Award Mariinsky Teatr 3, 4. IV: Sylvia – c. F. Ashton – Mariinsky Ballet 7. IV: Diana Vishneva: On the Edge 11, 17, 18. IV: Giselle – c. J. Coralli, J. Perrot, M. Petipa – Mariinsky Ballet 12. IV: Le Corsaire – c. M. Petipa, P. Gusev – Mariinsky Ballet 15. IV: La Sylphide – c. A. Bournonville – Mariinsky Ballet 23. IV: L’Oiseau de Feu; Petrushka – c. M. Fokine – Mariinsky/Kirov Ballet 25, 27. IV: Chopiniana; Shéhérazade; L’Oiseau de feu

RUSSIA St Petersburg Alexandrinsky Teatr (Festival Dance Open) 2 3 , 2 4 . I V: C o m p l e x i o n s Contemporary Ballet 26. IV: Ballet Biarritz: Magifique – c. T. Malandain

– c. M. Fokine – Kirov Ballet Mariinsky Theatr II 5. IV: Infra – c. W. McGregor; Concerto DSCH – c. A. Ratmansky; Sacre – c. S. Waltz – Mariinsky Ballet 6, 8. IV: Le Lac des cygnes – c. M. Petipa, L. Ivanov (K. Sergeyev) – Mariinsky Ballet 10, 11. IV: Danish Royal Ballet: Napoli – c. A. Bournonville (N. Hübbe) – Mariinsky Ballet 26, 29, 30. IV: Anna Karenina – c. A. Ratmansky – Mariinsky Ballet Mikhailovsky Theatr 1, 2, 4, 5. IV: La Bayadère – c. M. Petipa – Mikhailovsky Ballet 5, 11, 12. IV: Laurencia – c. V. Chabukiani – Mikhailovsky Ballet 16-18. IV: Multeplicidad, Formas de silencio y vacío – c. N. Duato – Mikhailovsky Ballet

af he • car tellone • calendar • af he • car tellone afffic iche cartellone afffic iche cartellone 5. V: Projet Koukansuru Konzert Theater Bern (Festival Steps) 25, 26. IV: Danza Contemporánea de Cuba: Identidad-1 – c. G. Céspedes; Demo-N/Crazy – c. R. Bonachela Biel-Bienne Spectacle Français (Festival Steps) 6. V: Lev: House 9. V: Danza Contemporánea de Cuba: Identidad-1 – c. G. Céspedes; Demo-N/Crazy – c. R. Bonachela 1. V: Projet Koukansuru Chiasso Teatro Cinema (Festival Steps) 10. V: Avshalom Pollak Dance Company: Goldfish – c. I. Pinto Chur Staadttheater (Festival Steps) 16. V: Cie Dada Masilo: Swan Lake 11, 13. V: Projet Koukansuru Fribourg Équilibre (Festival Steps) 25, 26. IV: Akram Khan: Desh 4. V: Cie Käfig: Yo Gee Ti 17. V: Cie Sidi Larbi Cherkaoui: m¡longa

Sabina Yapparova, Nikolay Korypayev – Mikhailovsky Ballet: “La Belle au bois dormant”, c. Nacho Duato (ph. S. Levshin) 24-26. IV: La Bella au bois dormant – c. N. Duato – Mikhailovsky Ballet Moscow Bolshoi Teatr 14, 15, 17. V: Marco Spada – c. P. Lacotte – Bolshoi Ballet 7-11. V: La Bayadère – c. M. Petipa (Y. Grigorovich) – Bolshoi Ballet 10, 12, 13. IV: Spartacus – c. Y. Grigorovich – Bolshoi Ballet Bolshoi Teatr II 1. IV: Paquita (Grand Pas) – c. M. Petipa (Y. Burlaka); Pulcinella – c. K. Simonov – Bolshoi Ballet 5, 6. IV: Don Quichotte – c. M. Petipa (A. Fadeyechev) – Bolshoi Ballet

17-20. IV: Raymonda – c. M. Petipa (Y. Grigorovich) – Bolshoi Ballet 22, 23. IV: Kvartira – c. M. Ek; Classical Symphony – c. Y. Possokhov – Mariinsky Ballet 30. IV, 1, 2, 3. V: The Bright Stream – c. A. Ratmansky – Bolshoi Ballet

Theater Basel (Festival Steps) 11. V: Danza Contemporánea de Cuba: Identidad-1 – c. G. Céspedes; Demo-N/Crazy – c. R. Bonachela Kaserne Basel (Festival Steps) 28. IV: Lev: House 8. V: Cie Sidi Larbi Cherkaoui: m¡longa

SUISSE

Bern Dampfzentrale Bern (Festival Steps) 1. V: Cie Sidi Larbi Cherkaoui: m¡longa 3. V: Mandeep Raikhy: Inhabited Geometry 28. IV: Cie Käfig: Yo Gee Ti

Baden Kurtheater (Festival Steps) 10. V: Cie Dada Masilo: Swan Lake 26. IV: Cie Käfig: Yo Gee Ti 7. V: Projet Koukansuru Basel

Genève Bâtiment des Forces Motrices 25. IV: Ballet du Grand Théâtre de Genève: Glory – c. Andonis Foniadakis 26. IV: Ballett Zürich: créations – c. W. McGregor, M. Goecke, C. Spuck (Festival Steps) 2 8 , 2 9 . I V: B é j a r t B a l l e t Lausanne: Cantate 51; Bakhti III; Boléro – c. M. Béjart: Syncope – c. G. Roman 30. IV: Ballett Basel: Tempus fugit – c. R. Wherlock; Flock Work – c. A. Ekman Meyrin 1 – Théâtre Forum (Festival Steps) 7, 8. V: Cie Dada Masilo: Swan Lake Lausanne Théâtre Vidy (Festival Steps) 4, 5. V: Avshalom Pollak Dance Company: Goldfish – c. I. Pinto Luzern Luzerntheater (Festival Steps) 3. V: Lev: House Pully

af he • car tellone • calendar • af he • car tellone afffic iche cartellone afffic iche cartellone Anna Tsygankova, Matthew Golding – Het Nationale Ballet: “Variations for Two Couples”, c. Hans van Manen (ph. M. Haegeman)

Spuck 16. V: Cie Käfig: Yo Gee Ti Olten Kulturzentrum Schützi Olten (Festival Steps) 4. V: Mandeep Raikhy: Inhabited Geometry Steckborn Phoenix Theater (Festival Steps) 4. V: Arushi Mudgal, Roland Auzet: Sama – I Can Try 6. V: Mandeep Raikhy: Inhabited Geometry Schaffhausen Stadttheater Schaffhausen (Festival Steps) 27, 28. IV: Cie Dada Masilo: Swan Lake

Festival Steps: Cie Käfig: “Yo Gee Ti”, c. Mourad Merzouki (ph. M. Cavalca) Théâtre de L’Octogone (Festival Steps) 2. V: Cie Käfig: Yo Gee Ti

Festival Steps: Joseph Aitken – Ballet du Grand Théâtre de Genève: “Le Sacre du printemps”, c. Andonis Foniadakis (ph. G. Batardon)

Lugano Palazzo dei Congressi (Festival Steps) 6. V: Danza Contemporánea de Cuba: Identidad-1 – c. G. Céspedes; Demo-N/Crazy – c. R. Bonachela 13. V: Dada Masilo: Swan Lake

Vevey Théâtre de Vevey (Festival Steps) 4. V: Cie Dada Masilo: Swan Lake Winterthur Theater Winterthur (Festival Steps) 25, 26. IV: Danza Contemporánea de Cuba: Identidad-1 – c. G. Céspedes; Demo-N/Crazy – c. R. Bonachela Zürich Opernhaus (Festival Steps) 24, 30. IV, 1. V: créations – c. W. McGregor, M. Goecke, C. Spuck – Ballett Zürich 9. V: Ballet du Grand Théâtre de Genève: Les Noces – c. D. Veldman; Le Sacre du printemps – c. S. L. Cherkaoui Theater der Künste (Festival Steps) 25, 26. IV: Akram Khan: Desh Theaterhaus Gessnerallee (Festival Steps) 25. IV: Mandeep Raikhy: Inhabited Geometry 27, 28. IV: Cie Dada Masilo: Swan Lake 30. IV: Lev: House 3, 4. V: Danza Contemporánea de Cuba: Identidad-1 – c. G. Céspedes; Demo-N/Crazy – c. R. Bonachela 10, 11. V: Cie Sidi Larbi Cherkaoui: m¡longa 13. V: Avshalom Pollak Dance Company: Goldfish – c. I. Pinto 15, 16. V: Projet Koukansuru

Le Lignon – Vernier Salle des Fêtes (Festival Steps) 30. IV: Mandeep Raikhy: Inhabited Geometry 8. V: Arushi Mudgal, Roland Auzet: Sama – I Can Try Mézières Théâtre du Jorat (Festival Steps) 3. V: Ballett Zürich: c. W. McGregor, M. Goecke, C. Spuck Moutier Salle de Chantemerle (Festival Steps) 27. IV: Mandeep Raikhy: Inhabited Geometry Neuchâtel Théâtre du Passage (Festival Steps) 5. V: Ballett Zürich: créations – c. W. McGregor, M. Goecke, C.

XIV International Ballet Festival Mariinsky: Yekaterina Kondaurova – Mariinsky Ballet: “Le Corsaire” (ph. N. Razina)

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Les Ballets Russes à Sotchi Le ballet, lui aussi, a joué son rôle lors des cérémonies qui ont ouvert et fermé les Jeux Olympiques de Sotchi, en février dernier. Et comment aurait-il pu en être autrement, en Russie? Le tout, cependant, conçu à l’occasion d’une manifestation sportive, dans le contexte d’un spectacle à effet, aussi fastueux que coûteux, ponctué de références à l’histoire et à la culture russes et de scènes “chorégraphiques” massives confiées à la fantaisie de l’Américain Daniel Ezralow. Dans l’indicatif du gala d’ouverture, où chaque lettre de l’alphabet cyrillique était associée à des événements ou à des noms importants de l’histoire de la Russie, voici qu’à la lettre R correspondait Russkij Balet. Toutefois, on ne faisait pas référence au ballet russe en général mais aux Ballets Russes de Diaghilev (comme l’indiquait aussi la traduction en français et en anglais sur l’écran). Ce qui est bien étrange, étant donné que les Ballets Russes furent un phénomène beaucoup plus occidental ou, tout au moins, externe à la Russie. En ce qui concerne le ballet, le clou lors de la première cérémonie a été cependant l’apparition de Svetlana Zakharova au bras du grand Vladimir Vassiliev (74 ans), dans une scène en costumes d’époque, tirée de Guerre et paix et intitulée “Bal impérial”. Elle y incarnait Natacha Rostova, la protagoniste féminine du roman monumental de Lev Tolstoï, et lui son père le comte. Dans la même scène, le jeune phénomène du ballet actuel, Ivan Vassiliev, habillé en hussard, mais dans un rôle pas vraiment défini, a eu son moment de gloire, avec une séquence de sauts pyrotechniques – plus en circassien qu’en danseur à vrai dire. La présence de Diana Vishneva, par contre, n’a pas été très exploitée: en reprenant l’idée de F.L.O.W. de Moses Pendleton, elle tourbillonnait (sur un extrait de la partition du Lac des cygnes) sous un manteau aux franges fluorescentes évoquant une méduse, mais sans qu’on puisse vraiment la distinguer au milieu

d’un corps de ballet très étoffé, lui aussi fluorescent. L’hommage aux Ballets Russes a été rendu lors du gala de clôture. Lorsque des reproductions des rideaux du Théâtre Mariinsky de Saint-Pétersbourg et du Théâtre Bolchoï de Moscou sont sortis les danseurs des compagnies respectives, on aurait dit un tableau à la Degas. Et après eux, ont défilé un Diaghilev dansant, la Shéhérazade d’Ida Rubinstein, l’Oiseau de feu de Tamara Karsavina, le Spectre de la rose de Vaslav Nijinsky, le Cygne mourant (mais ici pas trop) d’Anna Pavlova... Le tout était assez beau. Mais un doute demeure: le grand ballet russe n’était-il pas celui de la fin du XIXème siècle? Cristiano Merlo

Orphée, Eurydice, Daphnis et Chloé: tous à Paris Après la soirée avec Fall River Legend d’Agnes De Mille et Mademoiselle Julie de Birgit Cullberg, le Ballet de l’Opéra de Paris reprend au mois de mai Orphée et Eurydice de Gluck dans la version “opéra dansé” de Pina Bausch. Créée à Wuppertal en 1975 mais entrée au répertoire de l’Opéra en 2005, cette pièce a tout de suite conquis le public et est bientôt devenue l’un des succès de la compagnie parisienne. L’Opéra présente le titre en français mais il ne s’agit ici ni de la version française ni du libretto original en italien de l’opéra de Gluck, les chanteurs (qui doublent les danseurs sur scène) chantant en allemand. Toujours au mois de mai, il y aura l’un des rendez-vous les plus importants de la saison: une création de Benjamin Millepied, qui à partir d’octobre prochain sera le nouveau directeur de la compagnie, à 37 ans seulement, après sa carrière de danseur au New York City Ballet et après s’être imposé aux États-Unis, il y a quelques années, comme révélation de la chorégraphie. Il s’empare du mythe de Daphnis et Chloé, sur la musique de Maurice Ravel, avec la collaboration du plasticien Daniel Buren. Complète ce programme,

Jeux Olympiques de Sotchi, cérémonie d’inauguration: Svetlana Zakharova, Vladimir Vassiliev en hommage à la musique française, Le Palais de Cristal, le ballet que George Balanchine créa pour la compagnie parisienne en 1947 sur la Symphonie en ut majeur de Georges Bizet (il est en effet le plus souvent dansé sous le titre de Symphony in C).

Élèves et jeunes danseurs de l’Opéra L’École de Danse de l’Opéra de Paris qu’Élisabeth Platel dirige depuis 2004 et qui a fêté l’année dernière les trois cents ans de l’école française de danse, reviendra sur scène à l’Opéra Garnier en avril pour son spectacle annuel, un moment incontournable pour tous les observateurs du ballet en France. À l’affiche le divertissement de Napoli d’August Bournonville, Scaramouche que José Martínez avait créé pour les élèves de l’école en 2005 en s’inspirant de la commedia dell’arte et Yondering de

Jeux Olympiques de Sotchi, cérémonie de clôture

ECHOS • NEWS • ECHOS • NEWS • ECHOS • NEWS • ECHOS • NEWS • ECHOS • NEWS • ECHOS • NEWS • ECHOS Europe (sauf lorsque l’Alvin Ailey American Dance Theater la présente lors des tournées). Le Ballet Nice Méditerranée la danse en avril à l’Opéra de Nice, dans une soirée comprenant également Sinfonietta de Jirí Kylián et Three Preludes de Ben stevenson.

La Russie de La Veronal On a découvert le danseur et chorégraphe canadien Paul-André Fortier à Paris, l’année dernière, pour un drôle de spectacle, Solo30X30: il s’est installé pendant trente jours de suite sur le parvis du Trocadéro, sans s’inquiéter du climat. En avril, il revient à Paris, mais cette fois-ci à l’abri, au Théâtre de Chaillot, pour un duo avec un violoniste, Vertiges, défini par son créateur comme “une danse ciselée dans la maturité”. Le théâtre parisien accueille ensuite le Ballet Biarritz dirigé par Thierry Malandain avec sa Cendrillon sur la musique de Prokofiev, suivi par la compagnie espagnole La Veronal qui présente l’une des pièces géographiques de son directeur Marcos Morau. Cette fois, il s’agit de Russia, une pièce plongeant dans l’esthétique soviétique des années 1980, mais qui évoque tout un pan de références de la culture et de l’art russes.

Marie-Agnès Gillot, Stéphane Bullion – Ballet de l’Opéra de Paris: “Orphée et Eurydice”, c. Pina Bausch (ph. A. Poupeney) John Neumeier. Il y aura également Concerto en ré, une pièce qui avait été créée pour l’ensemble des élèves par Claude Bessy, qui a dirigé l’école parisienne pendant trente ans. Toujours en avril, la soirée “Jeunes Danseurs” est une vitrine importante pour la dernière génération des danseurs de l’Opéra de Paris: les artistes les plus jeunes du corps de ballet, que le public ne connaît pas encore, se produisent dans des extraits du répertoire de la maison.

Une créature nocturne à Nice Night Creature est une pièce à la veine «jazzy» d’Alvin Ailey de 1975 sur la musique de Duke Ellington que l’on ne voit pas tellement en

De la Nouvelle-Zélande au Congo sans quitter la Ville

Tout particulièrement riche est la programmation du mois d’avril au Théâtre de la Ville de Paris. On commence par le chorégraphe Lemi Ponifasio de Nouvelle-Zélande, avec ses cérémonies chorégraphiques “engagées” et on continue avec le chorégraphe-plasticien Christian Rizzo qui s’inspire cette fois des danses traditionnelles de la Méditerranée pour D’Après

Tadayoshi Kokeguchi, Julian Nicosia – Ballet de l’Opéra de Lyon: “Sarabande”, c. Benjamin Millepied (ph. M. Cavalca)

Triptyque lyonnais Après la création de Rachid Ouramdane (Tout autour), le Ballet de l’Opéra de Lyon revient sur scène au mois de mai avec un programme de trois pièces à l’atmosphère intimiste. Aux côtés de deux chorégraphes de référence de nos jours, Jirí Kylián et William Forsythe, on retrouve l’un des auteurs du moment, Benjamin Millepied. De Kylián, on reprend Bella Figura (1995), un hommage à l’esthétique baroque et aux illusions de la fiction scénique; de Forsythe, Quintett (1993), qui se veut une sorte de litanie ou de lutte pour la résistance (créée à une époque où la compagnie du chorégraphe américain à Francfort allait fermer ses activités); de Millepied, Sarabande (2009), qui à partir d’un solo enchaîne une série de combinaisons à deux, à trois etc. sur des musiques de Bach, avec le style enjoué et décontracté typique de son auteur.

Emio Greco à la tête du Ballet de Marseille

Linehan, nouvelle création

Le chorégraphe belge Frédéric Flamand a quitté, comme prévu, la direction du Ballet de Marseille en décembre, néanmoins le nom du nouveau directeur n’a été communiqué qu’en février dernier: il s’agit d’Emio Greco, chorégraphe italien installé en Hollande, qui s’associe à son collaborateur de toujours Peter C. Scholten, metteur en scène néerlandais. Par ailleurs, les deux artistes travaillent ensemble depuis 1995 et ils ont fondé ensemble une compagnie à Amsterdam, qui a été au fil de ces années l’instrument principal de leurs créations. Ils ont toutefois collaboré avec le Ballet de Marseille en 2013, pour lequel ils ont créé Double Points: Extremalism. Le Ministère de la Culture a déclaré: “Leur projet pour le Ballet National de Marseille s’inscrit dans la continuité de leur ligne artistique et s’appuie sur leur connaissance du Ballet, avec lequel ils ont eu l’occasion de collaborer. Tout en poursuivant le travail d’ouverture et de partage de cet outil dédié à la danse, ils proposent de mettre en œuvre un projet artistique autour de deux thématiques principales, “le corps en révolte” – sur l’expression et la présence de la danse dans la société ainsi que sur la position de l’artiste – et “le corps du ballet” – sur la recherche et le développement d’une nouvelle forme de ballet contemporain”. On rappelle que Roland Petit constitua une compagnie alors appelée Les Ballets de Marseille en 1972 et devenue Ballet National en 1981; ses vingt-six ans à sa tête la rendirent célèbre dans le monde entier; après son départ en 1998, d’abord avec Marie-Claude Pietragalla et ensuite avec Frédéric Flamand, la compagnie prit de nouvelles orientations.

Depuis 2013, Daniel Linehan est chorégraphe résident à l’Opéra de Lille. Âgé de 32 ans, après ses études à l’école P.A.R.T.S. de Bruxelles d’Anne Teresa De Keersmaeker, il s’est fait remarquer en 2008 aux Rencontres Chorégraphiques Internationales de Seine-Saint-Denis (héritières de l’ancien concours de Bagnolet) avec son solo Not About Everything. Il travaille sur les relations entre l’espace et le temps et sur les thèmes de la représentation, nouvelles technologies à la clef, non sans être influencé par la “contact improvisation” mais aussi par les “genres” de la non-danse et de la “performance art”. C’est bien le cas de Gaze is a Gap is a Ghost qu’il avait présenté l’année dernière à Lille (voir le compte-rendu dans le numéro 240 de BALLET2000); en mai, c’est au tour d’une nouvelle création intitulée The Karaoke Dialogues.

EmioGreco, Peter C. Scholten une histoire vraie. La danse belge prend la suite: après le chorégraphe Wim Vandekeybus avec Booty Looting, qui met en scène et sur écran un univers à la limite de la réalité et de l’imposture, la Compagnie Rosas reprend Vortex temporum, une pièce d’Anne Teresa De Keersmaeker construite sur la modulation de la vitesse du mouvement. Le dernier rendezvous du mois aura lieu avec la danse africaine et Faustin Linyekula, qui s’interroge sur l’histoire et l’identité de son pays: la République du Congo.

cumentaire radiophonique réalisé par Gould luimême. Les rendez-vous suivants seront avec le tandem Thomas Guerry et Camille Rocailleux, entre danse et nouveau cirque (fin avril), Les Ballets de Monte-Carlo dans Le Lac de JeanChristophe Maillot (mai) et la chorégraphe japonaise Carlotta Ikeda (juin), qui, à 70 ans, n’est pas en reste et présente Chez Ikkyû, voyage initiatique sur le mode de la danse butô.

Un grand bain de danse Le Gymnase de Roubaix est l’un des neuf Centres de Développement Chorégraphique (CDC) en France. Soutenus par l’état et la collectivité territoriale, les CDC poursuivent des missions de soutien à la création et à la diffusion d’œuvres chorégraphiques, d’accompagnement des équipes et des artistes, de transmission et de sensibilisation à la danse. Le Gymnase, dirigé par Céline Bréant, programme en avril à Roubaix, à Lille et sur la métropole un festival: “Le Grand Bain, une immersion dans le paysage chorégraphique” (qui prend en quelque sorte le relais de l’ancien festival Danse à Lille). Parmi les artistes invités: Karine Saporta, Olivier Dubois, Pierre Rigal, Caterina Sagna.... (v. Affiche pour le programme complet et les détails). Stages, master-classes, rencontres sont également au programme.

“Chez Ikkyû”, c. Carlotta Ikeda (ph. Lot)

Ombres et butô à la Maison de la Danse

Les ombres et la magie de la métamorphose sont à l’honneur à la Maison de la Danse de Lyon en avril avec le groupe Pilobolus (fondé en 1971 par Moses Pendleton). Il présente Shadowland, un spectacle entre danse, acrobatie, théâtre d’ombres et d’images, mais sans effets technologiques spéciaux. Toujours en avril, la maison lyonnaise accueille à nouveau le chorégraphe israélien Emanuel Gat, qui avait ouvert la saison avec une création pour la compagnie de Benjamin Millepied, mais cette fois avec son propre groupe, installé désormais à Istres. Il présente une pièce qui s’appuie sur des extraits de la célèbre interprétation du pianiste Glenn Gould des Variations Goldberg de Bach et sur un do-

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Kylián à Monaco

Coppélia revient à l’ENB

East Shadow est une pièce de danse-théâtre que Jirí Kylián a créée en 2013 pour sa femme et muse Sabine Kupferberg. La pièce s’inspire du texte de Samuel Beckett pour Neither de Morton Feldman (une composition pour orchestre de chambre et soprano), mais elle évoque aussi le tremblement de terre au Japon en 2011. Présenté précisément au Japon, East Shadow arrive maintenant en Europe dans le cadre de la deuxième partie du Monaco Dance Forum.

Comme on l’a déjà annoncé dans le dernier numéro de BALLET2000, Tamara Rojo (la danseuse espagnole qui dirige l’English National Ballet) a commandé à trois figures de proue de la chorégraphie britannique trois créations à l’occasion du centenaire du déclenchement de la première guerre mondiale. Il s’agit d’Akram Khan, Russell Maliphant et du chorégraphe du Royal Ballet, Liam Scarlett (v. écho sur ce dernier). La soirée sera présentée au Barbican Theatre de Londres en avril. Également en avril (puis en mai) au Peacock Theatre, la compagnie anglaise et son école (l’English National Ballet School) présentent Coppélia, dans le cadre d’un programme pour encourager les jeunes à suivre le ballet. La production, signée par le jeune “Associate artist” de la compagnie, George Williamson, s’appuie sur la version traditionnelle de l’ENB de Ronald Hynd “d’après” Marius Petipa et est intitulée en l’occurrence: My First Ballet: Coppélia.

Paré au Conservatoire Jean-Christophe Paré est le nouveau directeur des Études Chorégraphiques du Conservatoire National Supérieur de Musique et Danse de Paris. Clairemarie Osta en avait quitté la direction à la fin de l’année dernière, suite à une polémique contre le directeur général du Conservatoire, le musicien Bruno Mantovani, qui voulait déclasser la direction de la section danse en sous-direction – initiative bloquée par la suite par le ministre de la culture Aurélie Filippetti. Paré (qui s’est formé précisément au Conservatoire de Paris) a aujourd’hui 57 ans, a été premier danseur de l’Opéra de Paris et puis directeur de l’École Supérieure de Danse de Marseille.

Godani héritier de Forsythe? Au moment de mettre sous presse, on a diffusé une nouvelle, pas encore officielle ni définitive, selon laquelle William Forsythe (65 ans) aurait décidé de quitter la direction artistique de sa compagnie, The Forsythe Company, à Francfort. Forsythe continuerait de travailler avec sa troupe comme chorégraphe et conseiller artistique, mais sans l’engagement de la direction, qui serait confiée au chorégraphe italien Jacopo Godani, qui a été son danseur et puis collaborateur.

De nouveaux danseurs au Royal Ballet

Depuis le mois de mars, le danseur canadien Matthew Golding (29 ans) est passé de Het Nationale Ballet d’Amsterdam au Royal Ballet de Londres. Il est attendu en avril au Covent Garden dans le rôle du Prince de La Belle au bois dormant, aux côtés de Natalia Osipova, elle aussi devenue récemment principal de la compagnie anglaise. Autre nouveau danseur au Royal Ballet, c’est le russe Vadim Muntagirov (23 ans) en provenance de l’English National Ballet; lui aussi, il fait ses débuts dans La Belle en mars. Le Royal Ballet continue entre-temps à présenter ses créations: après Tetractys, la nouvelle pièce de Wayne McGregor présentée en février sur L’Art de la Fugue de Bach (dont on rendra compte prochainement), c’est au tour en avril (et jusqu’à début mai) d’un ballet full-evening de l’autre chorégraphe de la compagnie,

Eifman à Londres

Lauretta Summerscales – English National Ballet: “Coppélia” (ph. E. Richmond)

Christopher Wheeldon, qui s’inspire du Conte d’hiver de William Shakespeare. La pièce s’appuie sur une musique originale commandée à Joby Talbot, avec des décors et costumes de Bob Crowley et des effets spéciaux de Basil Twist (les mêmes artistes avec lesquels Wheeldon a créé son heureuse Alice au pays des merveilles). Le programme suivant sera présenté en mai avec Serenade de George Balanchine, DGV: Danse à grande vitesse de Wheeldon et Sweet Violets, une pièce “à la MacMillan” créée en 2012 par le chorégraphe le plus jeune de la compagnie, Liam Scarlett, âgé de 27 ans (v. écho sur le chorégraphe).

Boris Eifman (68 ans) revient à Londres (au Coliseum) au mois d’avril à l’occasion de l’ “UK-Russia Year of Culture 2014”. Le chorégraphe russe, qui dirige sa compagnie à SaintPétersbourg (Eifman Ballet), est connu pour ses choréo-drames très émotionnels centrés sur des personnalités de l’histoire et de la culture (le plus souvent russes) et pour une danse de base académique mais extrémisée et rendue presque acrobatique. Maintenant à Londres, Eifman reprend Rodin, inspiré de la vie du sculpteur, et puis l’un de ses plus grands succès, Anna Karenina, d’après le roman de Lev Tolstoï.

Le Lac revient à La Scala Après Jewels de George Balanchine, le Ballet de La Scala de Milan, dirigé par Makhar Vaziev, est à nouveau sur scène entre avril et mai avec une reprise de son Lac des cygnes dans la version chorégraphique de Rudolf Nureyev.

Royal Ballet, London: “Serenade”, c. George Balanchine (ph. B. Cooper)

ECHOS ••ECHOS NEWS •• ECHOS • ECHOS NEWS ••ECHOS NEWS • ECHOS ECHOS ••ECHOS NEWS • ECHOS NEWS •• ECHOS NEWS ••ECHOS ECHOS BREVI ••ECHOS ECHOS •• ECHOS ECHOS • ECHOS ECHOS Svetlana Zakharova revient pour l’occasion dans le théâtre milanais dont elle est “étoile invitée permanente”, mais cette fois elle dansera avec David Hallberg de l’American Ballet Theatre (mais aussi son collègue au Théâtre Bolchoï de Moscou dont Hallberg est danseur principal depuis 2011). Dans le rôle d’Odette/ Odile se produira ensuite également Polina Semionova (aujourd’hui elle aussi à l’ABT). Fin mai, ce sera au tour d’une soirée Roland Petit, composée de deux pièces très différentes mais qui expriment “l’esprit des temps” de l’époque respective à laquelle elles furent créées. Le premier est Le Jeune Homme et la Mort, pièce existentialiste sur une idée de Jean Cocteau qui remonte à 1946 (y alternent Roberto Bolle et Ivan Vassiliev); la deuxième est Pink Floyd Ballet, créée dans les années 1970 avec le fameux rock band qui jouait live (mais aujourd’hui on le présente évidemment avec la musique enregistrée). Les deux pièces sont reprises par Luigi Bonino, l’un des interprètes fétiches de Petit et ensuite son assistant. À remarquer, en outre, qu’en février l’École de Danse de La Scala, dirigée par Frédéric Olivieri, est revenue sur scène dans son théâtre pour une soirée de gala où ont dansé aussi deux “délégations” de l’école de l’Opéra de Paris et de celle du Théâtre Bolchoï de Moscou, dans un programme éclectique qui allait du Grand Pas de Paquita à Unsung de José Limón.

Steps, le festival itinérant “Steps”, en Suisse, pourrait être défini comme un festival itinérant de danse contemporaine: les divers spectacles sont en effet proposés dans de grandes et petites villes de la Confédération, tour à tour pendant trois semaines. La prochaine édition se déroule du 24 avril au 17 mai. Le spectacle d’inauguration est donné à Zurich par le Ballet de l’Opéra de lcette ville qui présente trois créations, respectivement de Wayne McGregor, chorégraphe du Royal Ballet de Londres, Marco Goecke du Ballet de Stuttgart, et Christian Spuck, qui dirige aujourd’hui la compagnie zurichoise. Le Ballet du Grand Théâtre de Genève présente lui aussi une soirée, avec les recréations de deux titres

Festival Steps: Danza Contemporánea de Cuba: “Demo-N/Crazy”, c. Rafael Bonachela (ph. T. Ammerpohl) célèbres des Ballets Russes: Le Sacre du printemps ici dans la chorégraphie du grec Andonis Foniadakis et Les Noces de la Hollandaise Didy Veldman. Au programme, on trouve également, entre autres, Akram Khan avec Desh, son spectacle autobiographique, Dada Masilo qui revient d’Afrique avec son singulier Swan Lake à succès, l’Israélien Inbal Pinto, la compagnie Danza Contemporánea de Cuba avec des pièces de George Céspedes et Rafael Bonachela. Pour la programmation complète voir Affiche.

McGregor à la russe (et à la zurichoise)

En 2013, Wayne McGregor (44 ans, chorégraphe résident du Royal Ballet de Londres et

actif avec sa compagnie, la Random Dance) aurait dû créer un Sacre du printemps pour le Ballet du Théâtre Bolchoï de Moscou. Suite à l’attentat contre le directeur de la compagnie russe, Sergueï Filine, et à la tension générale que ce fait bouleversant engendra dans le théâtre moscovite, McGregor décida d’annuler la création. Toutefois, le chorégraphe devrait créer pour la compagnie (qui a déjà à son répertoire son Chroma) en 2015, mais il ne s’agira plus du Sacre (qui avait été choisi à l’occasion du centenaire de ce ballet). Entre-temps, fin février, l’une de ses pièces a débuté au Théâtre Mariinsky de Saint-Pétersbourg, Infra, créée avec le plasticien Julian Opie pour le Royal Ballet de Londres en 2008, alors que la prochaine création du chorégraphe britannique sera présentée fin avril avec le Ballet de l’Opéra de Zurich.

Open Festival à SaintPétersbourg...

La treizième édition du festival Dance Open de Saint-Pétersbourg se déroule du 23 au 28 avril, au Théâtre Alexandrinsky. Au top du programme, la compagnie Het Nationale Ballet présente un hommage à Hans van Manen, comprenant également la dernière création du chorégraphe hollandais qui sera présentée à Amsterdam quelques jours auparavant (voir écho). On affiche aussi le Complexions Contemporary Ballet de Desmond Richardson et le Ballet Biarritz de Thierry Malandain,

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Un Prix de Lausanne cosmopolite La 42ème édition du Prix de Lausanne s’est terminée en février. Ce célèbre concours pour jeunes danseurs distribue aux lauréats des bourses d’études pour parfaire leur formation dans des écoles importantes. Comme toujours, chacun des candidats a présenté une variation classique et un solo de danse contemporaine, face à un jury présidé cette année par Kay Mazzo, en son temps principal du New York City Ballet. On a choisi 73 candidats pour prendre part à la phase finale, sur 295 dvd envoyés pour la sélection préliminaire depuis 15 pays du monde. Voici les noms des lauréats, dont trois proviennent du Soleil Levant: Niyama Haruo (Japon), Maeda Sae (Japon), Precious Adams (États-Unis), David Fernando Navarro (Espagne), qui a reçu aussi le prix du public, Garegin Pogossian (France) et Kato Mikio (Japon). Dans l’attente du prochain Prix de Lausanne (qui aura lieu en février 2015), on pourra voir la finale de la dernière édition sur www.prixdelausanne.org. Precious Adams (ph. G. Batardon)

outre une soirée de gala clôturant le festival, avec de nombreux danseurs étoiles de grandes compagnies de ballet, russes et internationales. La soirée comprend également la cérémonie pour la remise du prix associé au festival.

... et Festival Mariinsky L’habituel festival de ballet au Théâtre Mariinsky de Saint-Pétersbourg se déroule du 3 au 13 avril: sur 10 jours, il concentre quelques grands titres du ballet et des pièces modernes dansés par la compagnie maison; les distributions sont toutefois enrichies d’artistes invités et on affiche aussi une compagnie étrangère. En ouverture, une nouveauté: Sylvia de Frederick Ashton entre au répertoire à Saint-Pétersbourg (dans la version de Christopher Newton, qui, en 2004, avait remonté intégralement pour le Royal Ballet de Londres ce ballet créé par Ashton dans les années 1950 pour Margot Fonteyn mais qui n’avait plus été représenté depuis des décennies); dans le rôle de la nymphe Sylvia et du berger Aminta danseront Victoria Tereshkina et Vladimir Shklyarov. Diana Vishneva, l’une des deux stars de la compagnie russe actuelle (avec Ulyana Lopatkina), reprendra son “récital” On the Edge, composé de Switch de Jean-Christophe Maillot et A Woman in a Room de Carolyn Carlson (dont on a rendu compte

Garegin Pogossian (ph. G. Batardon)

dans le dernier numéro de la revue). Parmi les distributions déjà annoncées, Alina Somova sera Nikya dans La Bayadère, aux côtés du Coréen Kimin Kim (Solor), jeune espoir de la compagnie; Olga Esina (de l’Opéra de Vienne) reviendra dans sa ville d’origine dans Giselle, alors qu’Yekaterina Kondaourova et l’invité Ivan Vassiliev danseront Le Corsaire. La compagnie invitée sera le Ballet Royal Danois.

Varna, 50 ans de concours Le Concours International de Ballet de Varna (Bulgarie) fête ses 50 ans: c’est le concours de ballet le plus ancien et l’un des plus célèbres et prestigieux au monde. La liste des lauréats en est la preuve: certains d’entre d’eux ont fait l’histoire du ballet du dernier demi-siècle, d’Ekaterina Maximova et Natalia Makarova à Mikhaïl Barychnikov et de Patrick Dupond et Fernando Bujones jusqu’à Sylvie Guillem. La prochaine édition se déroulera du 15 au 30 juillet; le jury, composé de personnalités du monde du ballet international, sera présidé cette année par Vladimir Vassiliev. Le concours est ouvert aux jeunes danseurs entre 15 et 26 ans, divisés en deux sections – juniors et séniors – qui présentent des variations ou des pas de deux du répertoire classique indiqués dans le règlement et des solos de danse contemporaine. Les lauréats obtiennent des prix en argent mais surtout un prestige qui marque souvent le début de leur carrière. Pour les informations sur le règlement et les modalités de participation, voir www.varna-ibc.org. On peut s’inscrire jusqu’au 30 avril.

Alban Lendorf – Ballet Royal Danois: “Kermesse à Bruges”, c. August Bournonville (ph. C. Radu)

Salades de danse

Collaboration haut de gamme en Hollande

Le Dance Salad Festival est de retour, à Houston aux États-Unis. Désormais entré dans sa dix-neuvième édition, ce festival donne toujours beaucoup d’espace à la danse européenne avec trois soirées en avril (du 17 au 19) qui sont un véritable pot-pourri de compagnies et d’artistes de provenances différentes et de genres multiples. Cette année dans les “programmes-salades” l’on remarque, entre autres, deux invités français, Laëtitia Pujol et Manuel Legris, m¡longa, la pièce de tango de Sidi Larbi Cherkaoui et le Ballet Royal Danois avec Kermesse à Bruges, l’un des ballets d’August Bournonville que l’on ne voit normalement qu’au Danemark. On affiche aussi plusieurs compagnies chinoises de danse contemporaine, dont la Beijing Dance.

C’est une saison de créations pour Het Nationale Ballet (la compagnie nationale hollandaise d’Amsterdam). En effet, quatre nouvelles pièces seront présentées en avril, quatre chorégraphes ayant été appelés à collaborer avec des personnalités de l’art et de la mode des Pays Bas. La première création est signée par Hans van Manen, doyen du ballet moderne hollandais et européen, lequel a aujourd’hui 82 ans mais demeure l’un des chorégraphes toujours d’avant-garde; à cette occasion, il a décidé de travailler avec l’artiste le plus jeune, Remy van Kesteren (23 ans), un phénomène singulier et déjà célèbre virtuose de la harpe. Ce sera ensuite au tour de Jorma Elo, le chorégraphe américain actif principalement aux États-Unis, qui crée pour la première fois pour la compagnie d’Amsterdam; ici, il travaille avec le duo de stylistes Viktor & Rolf, qui, par ailleurs, en janvier dernier, avaient déjà employé les danseurs de Het Nationale Ballet au lieu de leurs mannequins pour un défilé “très chorégraphique” – c’est ainsi que l’ont défini les journalistes de mode. Les deux autres créations sont de Ton Simons, chorégraphe connu en Hollande, et du jeune Espagnol Juanjo Arqués qui travaillent avec deux figures de proue de l’art néerlandais actuel, respectivement le photographe Rineke Dijkstra et le plasticien Krijn de Koning.

Jackson, le concours américain Autre concours célèbre est l’USA International Ballet Competition, plus connu sous le nom de “Concours de Jackson”, la ville du Mississippi où il a lieu. La prochaine édition s’ouvre le 14 juin avec le “défilé des nations” et un spectacle du Complexion Contemporary Ballet de Dwight Rhoden et Desmond Richardson. Mais d’autres spectacles et événements marquent le programme du véritable concours, où des danseurs de 15 à 26 ans (divisés en deux sections) se produisent dans des extraits du répertoire classique et de danse contemporaine prévus par le règlement du concours (à voir sur www.usaibc.com). Les lauréats reçoivent des prix en espèce mais celui-ci, comme d’autres concours, sert surtout de vitrine aux Youhee Son, Hyonjun Rhee – Tulsa Ballet: “In the Middle, Somewhat Elevated”, c. William Forsythe

jeunes danseurs qui peuvent se faire remarquer par les professionnels, membres du jury ou dans la salle, afin de pouvoir – pour les plus jeunes – continuer leurs études dans des écoles prestigieuses et – pour les autres – entreprendre de nouveaux parcours professionnels.

Tulsa en version rock Le Tulsa Ballet (en Oklahoma, aux ÉtatsUnis), dirigé par un Italien, Marcello Angelini, compte actuellement 25 danseurs, plus 12 “stagiaires”, et, tout en étant de base classique, reste évidemment très ouvert aussi à la danse moderne et à la création. À l’affiche, en mars, un programme qui, outre In the Middle, Somewhat Elevated de William Forsythe et une pièce du jeune Espagnol Alejandro Cerruto, comprend également Rooster du chorégraphe britannique Christopher Bruce. La pièce utilise des morceaux célèbres des Rolling Stones, dont Paint It Black, qui donne le titre à la soirée. Puis, en mai, en clôture de la saison, la compagnie programme des créations de jeunes chorégraphes.

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Ashley Bouder, Amar Ramasar – New York City Ballet: “Acheron”, c. Liam Scarlett (ph. P. Kolnik)

Scarlett: le chérubin qui aime les Enfers

C’est décidément le moment de Liam Scarlett. Chorégraphe résident du Royal Ballet de Londres, il s’est révélé en 2010 sur la scène du Covent Garden avec Asphodel Meadows. Cette première moitié de l’année, il se partage entre les deux côtés de l’Atlantique. Fin janvier, il a présenté Acheron (sur un concerto de Francis Poulenc) au New York City Ballet, sa première création pour la compagnie américaine (mais il s’était déjà fait connaître aux États-Unis en 2012 quand il avait créé Viscera pour le Miami City Ballet, remportant un succès qui, peut-être, lui a servi de tremplin OutreAtlantique). Le New York Times le lendemain de ses débuts dans la Grande Pomme faisait remarquer que ce chorégraphe âgé de 27 ans, en dépit d’une allure angélique avec ses boucles dorées (“en chérubin” – écrivait le quotidien newyorkais), semble étrangement attiré par une symbolique qui renvoie à l’univers souterrain: c’est le cas de

l’Asphodel Meadow (la Plaine des Enfers) tout juste cité ou d’Acheron (Achéron) luimême, précisément l’un des fleuves associés aux Enfers dans la mythologie grecque. Il aime aussi les thèmes macabres: il suffit de penser à son Sweet Violets, une pièce de 2012 qui sera reprise par le Royal Ballet en mai et inspirée de l’imaginaire de Jack l’éventreur dans une atmosphère lugubre que la critique britannique a associée aux ballets de Kenneth MacMillan. Après la création au NYCB, le jeune chorégraphe en présentera une autre en avril avec l’English National Ballet à l’occasion des célébrations pour le centenaire de la première guerre mondiale (dont les aspects violents ne devraient pas lui poser de problèmes au niveau de son inspiration); puis, une autre première mondiale (sur la musique de Philip Glass) est attendue fin avril au San Francisco Ballet. Les Anglais étonnés par le fait que Scarlett ne présente aucune nouveauté dans la saison du Royal Ballet trouvent ici une explication possible. Trop d’engagements à l’étranger.

Classiques à la Ratmansky Le sujet de couverture du dernier numéro de BALLET2000 était Alexeï Ratmansky, l’éclectique chorégraphe russe du moment, très demandé par les compagnies de ballet internationales. Ratmansky est surtout “resident choreographer” de l’American Ballet Theatre qui entretemps a annoncé une nouvelle production de La Belle au bois dormant de Marius Petipa qui sera présentée en mars 2015 à Costa Mesa en Californie. Le lauréat d’un Tony Award, Richard Hudson, qui avait déjà collaboré avec Ratmansky pour Le Casse-Noisette de l’ABT, en dessine les décors s’inspirant des maquettes de Léon Bakst pour la production historique de La Belle présentée en 1921 par les Ballets Russes de Serge de Diaghilev. Ratmansky a signé également d’autres versions des classiques du répertoire: Le Corsaire pour le Ballet du Théâtre Bolchoï de Moscou en 2007 (avec la collaboration de Youri Bourlaka) et Don Quichotte pour Het Nationale Ballet en 2010. En outre, en décembre 2014, il présentera une nouvelle Paquita en version intégrale

ECHOS ••ECHOS NEWS •• ECHOS • ECHOS NEWS ••ECHOS NEWS • ECHOS ECHOS ••ECHOS NEWS • ECHOS NEWS •• ECHOS NEWS ••ECHOS ECHOS BREVI ••ECHOS ECHOS •• ECHOS ECHOS • ECHOS ECHOS pour le Bayerisches Staatsballett (la compagnie de l’Opéra de Munich): il s’agit toutefois d’une opération différente, de recréation, étant donné que l’on ne danse plus que le Grand Pas et le Pas de trois de ce ballet du XIXème siècle (dans la chorégraphie de Petipa).

....et à Ivan Nagy

Adieu à Jean Babilée Jean Babilée s’est éteint, à Paris le 30 janvier dernier, quelques jours avant de pouvoir fêter ses 91 ans. On oubliait son âge. Avec la même silhouette fine, altière, Jean Babilée restait ce Jeune Homme pour qui Jean Cocteau, inspiré par son hypersensibilité et son tempérament rebelle, écrivait en 1946 l’argument du Jeune Homme et la Mort (chorégraphie de Roland Petit), il restait ce danseur pour qui Luchino Visconti, subjugué par sa jeunesse insolente, inventait, dans les années cinquante, deux ballets, Mario il mago (chorégraphie de Léonide Massine, La Scala de Milan) et Maratona di danza (chorégraphie Dick Sanders, Berlin). De son enfance auprès d’une mère qui emmenait son enfant voir les classiques du théâtre et applaudir les ballets, et d’un père médecin ami des artistes, Jean Babilée, qui s’appelait encore Jean Gutmann, avait gardé le goût de la poésie (il connaissait tant de poèmes par cœur) et de l’indépendance. Sa santé fragile ne laissait pas supposer l’immense maîtrise corporelle qui serait la sienne. Mais quand la volonté de devenir danseur s’affirma – il n’avait pas treize ans –, toute sa vie s’organisa autour de cette décision. L’École de Danse de l’Opéra de Paris était à cette époque le choix le plus exigeant pour un Parisien, il y fit ses classes et entra ensuite dans le corps de ballet de l’Opéra. Il y noua des amitiés durables – Janine Charrat, Roland Petit –, mais y découvrit aussi la vilenie et la haine raciale lorsqu’en 1940, sur le miroir de sa loge, le mot “juif” avait été apposé en grosses lettres rouges. Il quitta donc Paris pour la France libre et dansa avec les Ballets de Cannes avant de rejoindre le maquis. À la Libération, quelques jeunes danseurs, sous l’égide de Jean Cocteau, de Boris Kochno, d’Irène Lidova et d’autres personnalités de renom, se réunissent et fondent les Ballets des ChampsÉlysées dans lesquels Jean, devenu Babilée, se distingue immédiatement. Pour Jeux de cartes, le ballet de Janine Charrat, il crée le rôle d’un joker irrésistible; un an plus tard, en 1946, Le

Jean Babilée sur la place Saint Marc à Venise, 1949 (ph. Serge Lido) Jeune Homme et la Mort le fait d’un bond entrer dans la légende. Désormais, ce qu’il fait, ce qu’il vit, intéresse la presse. Il est courtisé par les metteurs en scène et les réalisateurs, ses apparitions au théâtre ou au cinéma lui valent autant de lauriers. Jean Genet, Raymond Rouleau, Jacques Rivette, Georges Franju, ce ne sont que quelques-uns parmi les nombreux compagnonnages artistiques dont sa carrière est jalonnée. Et pourtant, malgré un travail incessant, tout semblait naturel, léger, évident autour de Babilée comme si rien de ce qu’il entreprenait n’était forcé. Sans doute était-ce dû au fait qu’il faisait de sa vie et de son art une seule et même chose, tressant l’art de vivre avec celui de danser. Aucune cage ne pouvait convenir à cet esprit libre. Nommé danseur-étoile, il avait très vite quitté l’Opéra de Paris dont les règles lui pesaient. Sa présence sur les plus grandes scènes du monde, ses choix artistiques, très éclectiques, relevaient toujours d’une exigence qu’il se devait à luimême. Il vécut menant ensemble travail et plaisir, recevant des honneurs dus à l’immense talent autant qu’au vrai labeur. Et la vie lui resta douce jusqu’aux derniers instants, s’éteignant paisiblement dans les bras de son épouse “Zapo”, sa plus grande et plus fidèle admiratrice. Sonia Schoonejans

à g. Jean Babilée, 2013 – à dr. Natalia Makarova, Ivan Nagy: “Le Lac des cygnes”, années 70 (ph. M. Waldman)

Le danseur hongrois Ivan Nagy est mort subitement en février dernier à l’âge de 71 ans. Il avait fait récemment retour dans son pays natal rappelé par le Ministère de la Culture Hongrois pour diriger le Ballet National de l’Opéra de Budapest, qui avait été sa première maison artistique. Après les premières classes avec sa mère, il entra à l’école de l’Opéra de Budapest, pour passer ensuite dans la compagnie. Il étudia, entre autres, aussi avec la danseuse russe Olga Lepechinskaïa (1916-2008) qui, dans les années 1950, à une époque de relations étroites entre Moscou et Budapest, voyageait fréquemment en Hongrie pour y enseigner la didactique du ballet russe. Quand Nagy participa au Concours de Varna (Bulgarie), le danseur angloaméricain Frederic Franklin, alors directeur du National Ballet of Washington, le remarqua et l’intégra dans sa compagnie. En 1968, il se produisit avec le New York City Ballet, accueilli avec enthousiasme par la critique et le public qui salua l’harmonie de ses proportions et son style noble. Cette même année, il entra à l’American Ballet Theatre comme danseur principal et y demeura jusqu’à ses adieux prématurés à la scène en 1978. Ce fut un Apollon parfait dans le ballet de George Balanchine. Il était très apprécié comme partenaire par les plus grandes danseuses de l’époque: outre des exhibitions occasionnelles avec Margot Fonteyn et Carla Fracci, il dansa avec Cynthia Gregory (dans de nombreux ballets dont Gaîté Parisienne de Léonide Massine), Gelsey Kirkland, Eleaonor D’Antuono et surtout Natalia Makarova, avec laquelle il donna vie à un couple légendaire dans Le Lac des cygnes (dont il existe une vidéo), La Bayadère et Giselle – dès les débuts de la danseuse russe dans ce rôle sur le sol américain. La raison pour laquelle, à l’âge de 35 ans, en pleine carrière, il décida de quitter la scène demeure, aux yeux de tous, inexplicable. Il déclara que lui aussi, tout comme sa bien-aimée Greta Garbo, il voulait partir dans tout l’éclat de sa splendeur. Il dirigea ensuite plusieurs compagnies: le Ballet Municipal de Santiago du Chili, le Cincinnati-New Orleans Ballet (1986-89) et puis l’English National Ballet à Londres (1990-93). Il remonta en outre des classiques du ballet pour plus i e u r s compagnies dans le monde. Il était marié à Marilyn Burr, la danseuse australienne du London Festival Ballet. Roger Salas

Maximova et le Bolchoï, l’amour pour toujours Ekaterina Maximova, disparue il y a quatre ans à l’âge de 70 ans, a été une danseuse tout particulièrement aimée du public et même des artistes du Théâtre Bolchoï de Moscou. Ce n’est pas une banalité ou une phrase de circonstance. Je veux dire que, dans son théâtre et dans son pays, elle était vraiment considérée comme l’une de grandes ballerines de sa génération, elle avait ses admirateurs exclusifs, et, parmi les nombreux rôles qu’elle dansait (étant une interprète vraiment accomplie et très éclectique), dans certains d’entre eux elle était considérée comme incomparable: par exemple, Aurore dans La Belle au bois dormant, Macha dans Casse-Noisette, et même Giselle (rôles qui n’appartenaient pas à l’immense personnalité de Maïa Plissetskaïa). Au Bolchoï, donc, Ekaterina Maximova brillait de sa propre lumière. Ce ne fut pas le cas à l’étranger, en Europe, où elle était tout de même bien connue et admirée – pour sa beauté (précisément au sens plein de la “belle ballerine”), pour sa techni-

Les saluts à la fin du gala à la mémoire d’Ekaterina Maximova (ph. L. Ruzza)

Vladislav Lantratov: “Valse Fantaisie”, c. Vladimir Vassiliev (ph. E. Fetisova)

que et sa finesse dans l’interprétation, et pour sa personnalité féminine sobre, presque revêche, à vrai dire, et cependant touchante et lumineuse – mais toujours dans l’ombre de Vladimir Vassiliev, son mari et partenaire, véritable star du ballet mondial. Maintenant, Vassiliev, dans un acte de vraie fidelité humaine et artistique, a voulu rappeler “Katya” à son vrai public, celui justement du Théâtre Bolchoï, où il a organisé un gala en son honneur, le 4 février dernier, auquel ont pris part l’orchestre, le choeur, la compagnie de ballet et l’école de danse du grand théâtre moscovite, outre de nombreux artistes invités, pas exclusivement russes. Il faut dire que tout le monde a été surpris par l’idée de Vassiliev de ne pas proposer directement les rôles et les moments de la carrière de Maximova, mais de les évoquer dans des créations signées par lui et par quelques chorégraphes actuels qu’il a choisis lui-même. Katya souriait, dans les projections à l’arrièrescène, à certains moments de cette longue soirée, mais sur scène on voyait des danseurs et des chorégraphies qui ne faisaient allusion à elle que très vaguement. Les noms des auteurs ne nous disent pas grand-chose: Ido Tadmor, Elena Bogdanovitch, Marianna Ryzhkina, Radu Poklitaru, Lucas Axel, Alexeï Busko, Dmitri Zalesski et Eduardo Guerrero (le plus applaudi, dans un morceau de flamenco avec les musiciens de son groupe de Cádiz). Les chorégraphies de Vassiliev ont offert des moments de ballet plus pertinents, pour quelques danseurs de la compagnie du Bolchoï, dont Kristina Kretova et Vladislav Lantratov. Et lorsque, à la fin, “Valodia” est apparu sur scène, assis sur une chaise à côté d’une autre vide, les applaudissements ont éclaté, interminables. “Katya” est encore au Bolchoï. Alfio Agostini

EN COUVERTURE

Plus réelle que le réel, la danse en 3D Sur la scène de la danse apparaît la technologie tridimensionnelle, c’est-à-dire la possibilité de “projeter” dans l’espace scénique des images qui semblent des corps solides en mouvement, mais sans les limites de ces derniers. Dassault Systèmes a demandé à Marie-Claude Pietragalla et à son partenaire Julien Derouault de créer un spectacle où les corps dansants plongent dans des images virtuelles

MarieClaude Pietragalla, Julien Derouault: "Mr & Mme Rêve" (ph. P. Elliott)

de nombreuses tendances de la danse contemporaine, c’est une autre histoire.

Parmi les nombreuses sottises qui circulent nonchalamment dans la “communauté de la danse”, assumées faute de pensée critique, celle selon laquelle «la danse est l’art du corps» est bien enracinée et sans cesse répétée. On le dirait évident, mais les idées évidentes sont presque toujours erronées. Donc, laissons les demoiselles qui écrivent dans les journaux le répéter avec assurance; vous et moi, chers lecteurs, nous ne dirons jamais que la sculpture est l’art de la pierre; et, par conséquent, nous ne dirons pas non plus que la danse est l’art du corps. De quoi la danse est-elle l’art, ce n’est pas une question que je prétends savoir éclaircir, et encore moins dans ces quelques pages. Je crois toutefois que l’on pourrait tenter l’hypothèse que la danse (ou mieux, la chorégraphie) est l’art de l’invention du mouvement – du corps humain mais, en théorie, pas nécessairement – c’est-à-dire de la composition des formes dans l’espace et dans le temps. Espace et temps, qui sont les deux formes essentielles avec lesquelles l’intellect perçoit et ordonne les phénomènes qui constituent ladite “réalité”. Donc la danse est, comme tous les arts – et peut-être même plus que les autres – l’art de l’esprit (et pas du corps, aussi paradoxale que cela puisse paraître). Que la recherche du corps puisse être aussi l’une

Mes lecteurs me pardonneront ce préambule ‘philosophique’, dont je les prie de retenir deux points. Le premier, c’est que la danse s’exprime traditionnellement par le corps humain, mais on peut penser abstraitement que sa matière peut être aussi une autre, en perdant donc la composante d’identification que je qualifierais de sensuelle entre danseur et danse – et entre danseur et spectateur – mais ne perdant pas pour cela sa nature d’invention de l’esprit. Le second point est que la danse, étant constituée d’espace et de temps, de par sa nature est pensable dans une réalité faite de phénomènes et non d’objets concrets; à savoir, comme l’on dirait aujourd’hui, dans une réalité “virtuelle”. La question exigerait des livres entiers; quelques-uns ont été écrits, mais aucun, que je sache, a été vraiment influent. Les artistes ont été bien évidemment plus proches du cœur de la question: de nombreux chorégraphes – chacun avec les moyens techniques de son époque – ont voulu “dématérialiser” le corps dansant, le présenter comme une image (comme un pur phénomène) plutôt que comme un objet concret.

(ph. © Dassault S.)

fet est acceptable seulement à cause de la qualité des danseurs, surtout Pietragalla (que j’ai vue lors de l’avantpremière parisienne). Elle garde sa présence scénique forte et originelle, en véritable star, comme elle est considérée à juste titre par le public. Derrière, aux côtés et au-dessous des deux danseurs sur scène, apparaissent et disparaissent des décors impressionnants, précis comme des solides et soudainement éphémères comme la lumière. Et voilà le hic, et la déception. On dirait que les ingénieurs de Dassault mettent à disposition avec passion une technique audacieuse aux possibilités spectaculaires et presque illimitées; et que les artistes ne s’en rendent pas compte et qu’ils continuent de concevoir le spectacle de danse d’une manière tout à fait conventionnelle: des corps dansant au milieu d’éléments

Dans ces pages, Elisa Guzzo Vaccarino nous rappelle quelques expériences dans l’histoire récente de la danse, d’où se détache l’œuvre de Merce Cunningham, le génie de la chorégraphie (et de la pensée chorégraphique) qui peut-être mieux que quiconque a eu conscience de la nécessité de “déshumaniser” la danse, c’està-dire de lui enlever son côté “animal” et de la concevoir en dehors de la “réalité” au sens commun du terme. Depuis quelques années, les artistes de la danse sont tentés par les expériences possibles sur scène grâce aux nouveaux instruments de construction d’images en trois dimensions (des projetions dans l’espace d’images qui apparaissent à la vue comme des objets solides). Mais la tentation – semble-t-il – concerne aussi les scientifiques et les ingénieurs. Une entreprise à l’avant-garde mondiale dans ce secteur, Dassault Systèmes - 3D Experience Company, a demandé à Marie-Claude Pietragalla et à son partenaire Julien Derouault de créer un spectacle où leurs corps dansants plongent dans des images virtuelles. Le concepteur du projet, Mehdi Tayoubi, est un technicien et manager passionné d’applications visuelles de la technologie numérique dans le domaine culturel; avec son équipe, il a collaboré avec les deux chorégraphes-interprètes à la création de ce spectacle, M. & Mme Rêve, présenté à Paris il y a quelques mois en avant-première pour la presse et au mois de mars au Grand Rex, la somptueuse salle de cinéma et de théâtre des années 30 qui avec ses 2800 places et sa large scène est la plus grande de Paris. MarieClaude Pietragalla, blessée, a été remplacée par Clairemarie Osta, étoile de l’Opéra). Le spectacle sera ensuite repris en tournée en France et ailleurs. D’après le programme de salle, Pietragalla et Derouault se sont inspirés de la pensée et de l’œuvre d’Eugène Ionesco; ils ont tiré quelques moments de ses œuvres principales pour en faire le sujet d’une série de tableaux; et ils ont créé une chorégraphie qu’ils ont dansée dans de simples costumes, tous les deux avec la même perruque blanche coupée au carré. Quant à la danse, c’est vite dit: c’est le genre non-genre auquel on a été habitué par les ex danseurs classiques qui décident d’inventer un style contemporain à eux, en alliant des formes de mouvement et des techniques (et de non-techniques) différentes d’une manière évidemment instinctive, pour ne pas dire improvisée et casuelle. L’ef-

Après les spectacles au Grand Rex à Paris, fin mars, M. et Mme Rêve sera en tournée en avril à Montpellier (1), Lyon (3, 4, 5), Toulouse (16), Marseille (18, 19), St Benoît La Hune (23), La Souterraine (25), Clermont-Ferrand (29); au mois de mai à Nice (3), Dinan (6), Nantes (16, 17), Strasbourg (23) et ensuite le 28 et 29 juin à Bruxelles.

(ph. © Dassault S.)

tence réelle? Pour en revenir à la danse, pourquoi ne pas concevoir vraiment un art chorégraphique dont les “danseurs” sont autant les corps naturels que ceux construits par les techniques tridimensionnelles? Ce n’est qu’une hypothèse, qui a été déjà expérimentée par quelques pionniers, et qui pourrait avoir des développements dans l’art chorégraphique de l’avenir. Mais, certes, ce n’est pas ce que nous avons vu maintenant. Pietragalla et son partenaire citent beaucoup Ionesco, qui leur a sans doute embrouillé les idées. Peutêtre que les mots que Shakespeare fait dire dans La Tempête à Prospero (le plus grand ingénieur et chorégraphe virtuel de l’histoire du théâtre) auraient suffi: “We are such stuff as dreams are made on…– Nous sommes faits de la même étoffe dont sont faits les songes…”. Alfio Agostini

scénographiques; qu’ils soient en bois, en toile, en plastique ou des formes en 3D, absolument rien ne change le vieux principe. Principe qui, par contre, avec plus d’audace intellectuelle, grâce à ces nouvelles technologies, pourrait désormais subir une révolution copernicienne. Mais il faudrait surmonter le concept ingénu de “réalité” qui ressort à chaque pas et à chaque mot. Par exemple, la compagnie-duo Pietragalla-Derouault s’appelle “Théâtre du corps”. Nous y revoilà. Et sur la couverture du programme, on peut lire: “La danse au cœur de l’irréalité virtuelle”. Et puis l’on parle d’images, de représentation de la réalité, de corps physiques juxtaposés à l’imagination, de la réalité versus l’irréalité, dans la signification habituelle que le sens commun donne à ces mots. Mais pourquoi parler d’“irréalité”? Pourquoi ne pas oser la pensée selon laquelle tout ce que nous voyons sur scène a le même dégré de réalité, la réalité du pur phénomène, indépendante de la question de ladite exis-

MarieClaude Pietragalla : "Mr & Mme Rêve" (ph. P. Elliott)

Danse virtuelle: avant et après Cunningham

Le “green screen”, qui permet de placer dans un espace vide un arrière-plan avec n’importe quelle image enregistrée à l’avance – un paysage, un aquarium ou un deuxième danseur – devant lequel on peut danser en direct, ainsi que la technique de la répétition, le

Que peut faire la technologie numérique pour la danse? Existe-t-il une danse virtuelle? Si la réponse est oui, elle est évidemment en devenir. Il faut donc commencer par quelques données historiques récentes. Le maître de l’ouverture aux nouveaux médias en fonction artistique, dans le domaine de la danse, a été Merce Cunningham, qui a été le premier à croire dans les potentialités de la vidéo. Merce by Merce by Paik de 197576 est, à cet égard, exemplaire: c’est un hommage en deux parties au chorégraphe post-modern et au chantre de l’avant-garde artistique Marcel Duchamp. Il s’agit de Blue Studio: Five Segments, une pièce de vidéo-danse de Merce Cunningham et de son réalisateur, Charles Atlas, et de Merce and Marcel, un riche collage de vidéos créé par Nam June Paik et Shigeto Kubota qui confronte les deux artistes visionnaires, le chorégraphe et le chef de file du dadaïsme.

"Blue Studio: Five Segments," 1975-1976

Roberto Bolle: “Prototype”, c. Massimiliano Volpini (ph.L. Romano) Holley Farmer, Lisa Boudreau – Merce Cunningham Dance Company: “Biped”, c. Merce Cunningham (ph. S. Berger)

backward et le forward… toutes ces nouveautés se trouvent déjà dans les deux vidéos citées, considérées comme des oeuvres d’art visuel, où la danse cohabite avec les images et le son. C’est précisément ce que Cunningham a toujours fait sur scène. L’année suivante, en 1979, avec Dance, ce fut au tour de Lucinda Childs de faire évoluer dans un théâtre ses danseurs – et elle-même – devant un écran sur lequel les projections de leurs doubles perçus de points de vues différents dansaient la même chorégraphie. Le tout dans un noir et blanc élégant, avec la contribution du plasticien Sol LeWitt, auteur de la vidéo. Sur la musique minimale et répétitive de Philip Glass, qui offre le rythme idéal, ce sont sans aucun doute les vrais danseurs qui suivent les danseurs projetés, dans la succession des séquences. Par la suite, Baryshnikov a fait à peu près la même chose: dans Years Later de Benjamin Millepied, il dansait davant un film où on le voyait dans sa jeunesse. Entre-temps, Merce Cunningham s’était consacré à écrire et à enregistrer ses chorégraphies “graphiques”

Ballet du Rhin: “Dance”, c. Lucinda Childs (ph. J. Tanghe)

de danse pure sur ordinateur avec le logiciel Life Forms, avant de les transmettre à sa compagnie en salle. Son Biped de 1999 dispose des capteurs placés sur le corps des danseurs, des caméras infrarouges qui en enregistrent les mouvements, des ordinateurs qui en reproduisent les silhouettes sous forme de signes graphiques, des rétroprojections numériques qui en renvoient l’image sur scène, de sorte que ces danseurs “virtuels” dansent avec les danseurs réels. Il en résulte un chef-d’oeuvre exemplaire, qui demeure sans égal. Pourquoi? Parce qu’il ne s’agit pas que d’un “jeu” avec la technologie, mais de poésie, d’art, d’émotion intellectuelle. Dans ce même ordre d’idées (“live performance into computerised moving images” – représentation vivante dans des images numériques en mouvement), des exemples ont par la suite été innombrables, tant au théâtre qu’à l’écran. Même Roberto Bolle dans ses galas danse avec lui-même ou avec son sillage, dans Prototype (chorégraphie de Massimiliano Volpini). Pour donner un autre exemple, dans le récent Robot! de Blanca Li, ce sont encore une fois les danseurs qui dépendent des automates préprogrammés avec lesquels ils interprètent de petits duos, en se confrontant à la chorégraphie écrite à l’avance pour ces machines. La technologie ajoute-t’elle ou enlève-t-elle quelque chose au “naturel” de la danse? Elle peut lui en ajouter, si la danse est belle, riche, intelligente, comme c’est le cas pour Dance et Biped, deux chef-d’oeuvres. Autrement, elle ne reste qu’un ornement pour faire oublier les inconsistances de la danse, précisément comme cela se passait autrefois avec l’excès d’oripeaux pour les costumes et les décors, jadis matériels et non “virtuels” (qu’il vaudrait mieux, par ailleurs, définire d’immatériels). On se rappelle d’Excelsior, le “ballo grande” de 1881, et de ses danseurs avec la foudre à la main. Du tableau de la pile d’Alessandro Volta à celui de la victoire de la Lumière, les auteurs d’Excelsior, Luigi Manzotti et Romualdo Marenco, entonnent un véritable hymne à

la science et à la technique. Giacomo Balla, un artiste futuriste, dessina en 1926 pour Theodore Kosloff (danseur des Ballets Russes de Serge de Diaghilev) un costume-sculpture utilisé dans le court-métrage italien Elettricità (“Electricité”) et ensuite à Hollywood dans le film Madame Satan de Cecil B. De Mille de 1930. Quelques exemples, tout juste pour dire qu’à chaque époque chacun y va de son invention, avec les moyens technologiques dont il dispose, à condition qu’il soit un véritable créateur. Elisa Guzzo Vaccarino

“Biped”, c. Merce Cunningham, 1999 (ph. S. Berger)

critiques • comptes-rendus • critiques EN SCÈNE ! critiques • comptes-rendus • critique

Isabelle Ciaravola – Ballet de l’Opéra de Paris: “Onegin”, c. John Cranko (ph. M. Lidvac) qui dans le rôle de Tatiana a fait ses adieux à l’Opéra, vit le drame de l’amour offert et refusé avec une gravité intense. La loi intimant le départ à 42 ans, à tout danseur de l’Opéra de Paris, quel que soit son rang dans la hiérarchie, semble bien cruelle quand il s’agit de rôles réclamant une maturité acquise après de nombreuses années. Mais la relève est à ce prix. Charline Giezendanner, dans le rôle d’Olga, la sœur de Tatiana, était touchante de fraîcheur et de spontanéité. À ses côtés, Marc Moreau, dans le rôle de Lenski, l’ami d’Onéguine, était aussi convaincant en amoureux comblé qu’en jaloux blessé. Parmi les autres distributions de cette reprise, il faut distinguer Josuah Hoffalt, toujours juste dans ce qu’il danse, et Amandine Albisson, qui avait déjà ébloui le public dans le rôle d’Aurore dans La Belle au bois dormant. (Au moment de mettre sous presse, nous apprenons qu’Amandine Albisson a été nommée étoile; on en reparlera, ndlr). Sonia Schoonejans

Ballet de l’Opéra de Paris

Ciaravola, la cruauté des adieux à l’Opéra Onéguine – chor. John Cranko, mus. Piotr I. Tchaïkovsky Paris, Opéra Garnier “Le roman d’Alexandre Pouchkine m’a fait une très forte impression parce qu’il se prête merveilleusement au ballet et permet de chorégraphier des scènes entières… articulées autour d’un quatuor parfaitement structuré”. C’est ainsi que John Cranko, maître dans le genre du ballet narratif, manifestait son enthousiasme à la lecture d’Eugène Onéguine, le roman écrit en pleine période romantique qui allait donner ses lettres de noblesse à la langue russe. Il créera le ballet en 1965 pour le Ballet de Stuttgart, avant d’en proposer une nouvelle version deux ans plus tard. C’est cette seconde version qui est entrée au répertoire du Ballet de l’Opéra de Paris en 2009. La plupart des étoiles de l’Opéra de Paris se sont distinguées ces dernières années dans les rôles principaux. Je ne peux parler que de la distribution que j’ai vue lors de cette dernière reprise: Onéguine interprété par Hervé Moreau et Tatiana par Isabelle Ciaravola. Moreau a beaucoup d’allure, c’est indéniable, et il possède le physique du rôle. Mais pourquoi ne peutil habiter son rôle davantage? Sans cette capacité à incarner un personnage, à lui donner de l’épaisseur, on rate l’intensité dramatique et Onéguine reste un stéréotype, une simple marionnette. En revanche, Ciaravola,

Ballet de La Scala de Milan

Bouquet de roses à La Scala Le Spectre de la Rose – chor. Michel Fokine, mus. Carl Maria von Weber; La Rose malade – chor. Roland Petit, mus. Gustav Mahler Milan, Teatro alla Scala Danse et opéra, goût franco-russe et culture italienne: ce sont les associations insolites qui étaient au programme de La Scala de Milan, sous la baguette du jeune et fameux chef Daniel Harding, qui a dirigé l’orchestre

romantique Tamara Karsavina). Dans le rôle qui fut celui de Nijinsky, lors de la première on a vu Ivan Vassiliev, superstar d’école Bolchoï, aux côtés d’une agréable Lusymay Di Stefano, à l’allure d’adolescente comme il convient. Époustouflant dans ses sauts, Vassiliev a souligné, comme c’était prévisible, le côté athlétique et masculin de son “personnage”, avec un costume pourpre au lieu du rose traditionnel. Là aussi on peut faire appel à YouTube: il faut voir Vladimir Malakhov, spectre idéal, le meilleur après Nijinsky, connu uniquement par ouï-dire. La légende est plus forte que la réalité et Fokine, déjà lors des débuts parisiens, se plaignait que l’on ne se focalise que sur les sauts du grand Vaslav au détriment du côté poétique et novateur de sa chorégraphie. Elisa Guzzo Vaccarino

dans deux ballets, Le Spectre de la Rose de Michel Fokine et La Rose malade de Roland Petit, et dans un opéra, Cavalleria rusticana de Pietro Mascagni (généralement associée à Pagliacci de Ruggero Leoncavallo ou à un ballet italien comme La strada de Mario Pistoni, inspiré du film de Federico Fellini). Mais pas cette fois avec un maestro comme Harding, qui s’intéresse à la belle musique de ballet, comme on avait déjà pu le constater à Milan lors de la saison 2009-2010 pour la “Soirée Béjart”, composée de L’Oiseau de feu et du Sacre du printemps (Stravinsky) ainsi que du Chant du compagnon errant (Mahler). Dans le programme actuel, voici encore Gustav Mahler, avec le hyper-célèbre Adagietto de La Cinquième Symphonie pour La Rose malade, un duo “d’occasion” créé en 1973 par Roland Petit pour le talent expressif unique de la divine Maïa Plissetskaïa, habillée d’un tout léger costume voilé d’Yves Saint-Laurent. Lors de la première à La Scala, le rôle de la Rose qui s’épanouit a été confié à Maria Eichwald du Ballet de Stuttgart; son partenaire était Igor Yebra, espagnol. Elle, délicate, gracieuse, immatérielle, traduit sa danse en spiritualité aérienne; pour lui, ce n’est qu’un rôle de soutien, plutôt ingrat. Cette pièce “décadente”, toutefois, demanderait des personnalités capables de transformer son côté conventionnel en quelque habit fait sur mesure: voir sur YouTube Plissetskaïa et Oulyana Lopatkina, pour saisir ce point. Le Spectre de la Rose, créé par Fokine pour les Ballets Russes de Serge de Diaghilev en 1911 sur L’Invitation à la danse de Carl Maria von Weber orchestrée par Hector Berlioz, est un bijou encore plus ingrat. À l’origine, le rôle fut créé par Vaslav Nijinsky, star masculine de la compagnie, aux sauts prodigieux; habillé d’un costume orné de pétales créé par Léon Bakst, il avait – dit-on – des bras languissants comme le parfum nocturne et féminin de la rose donnée à une débutante et, en même temps, des élans vibrants et éthérés, tel le fantôme de la fleur qui apparaît dans les rêves de la jeune fille endormie après un bal (à l’époque la

Mark Morris Dance Group

Morris, le compositeur de la danse Chor. Mark Morris: The Muir; Cease Your Funning – mus. Ludwig van Beethoven; Crosswalk – mus. Carl Maria von Weber; Socrates – mus. Erik Satie; Excursions – mus. Samuel Barber; Jenn and Spencer – mus. Henry Cowell; Festival Dance – mus. Johann Nepomuk Hummel; A Wooden Tree – mus. Ivor Cutler London, Sadler’s Wells Theatre Le Mark Morris Dance Group occupe une place spéciale dans le cœur des passionnés de danse; Morris (58 ans) est l’un des chorégraphes les plus talentueux vivants de nos jours et une soirée de ses pièces est presque toujours pour le public stimulante et captivante. Morris allie à son extraordinaire dextérité dans la création de mouvements pétris de sens une sophistication musi-

Lusymay Di Stefano, Ivan Vassiliev – Balletto del Teatro alla Scala: “Le Spectre de la Rose”, c. Michel Fokine (ph. BresciaAmisano)

Domingo Estrada, Michelle Yard – Mark Morris Dance Group: “Festival Dance”, c. Mark Morris (ph. S. Berger)

cale insolite. On ne fait pas référence aux musiques médiocres commandées exprès mais plutôt à la redécouverte de musiques rares, parfois oubliées, auxquelles Morris redonne vie avec son mouvement. Pour ses deux programmes au Sadler’s Wells Theatre de Londres, Morris a choisi un éventail varié de compositions de petit format, confiées au talent musical d’un petit groupe de jeunes interprètes. Des associations éclectiques qui vont de l’apollinien Socrate de Satie aux chansons nonsense du poète écossais Ivor Cutler, sans que jamais l’inventivité du chorégraphe s’épuise. Mark Morris est l’un des rares créateurs qui transmettent avec leur danse un souffle de joie authentique. Ce qui est arrivé aussi avec son Festival Dance inspiré sur le jaillissant Trio du compositeur autrichien Johann Nepomuk Hummel du début du XIXème siècle: ici les danseurs incarnent la touche rococo de la musique avec un mouvement pur. Les danseurs de Morris forment un groupe physiquement diversifié, sans la perfection plastique d’une compagnie de ballet, ce qui donne au mouvement, bien qu’accompli, une qualité intensément humaine. Jenn and Spencer a été le seul bémol de ces deux programmes composés de sept pièces, un duo à-fleur-de-peu avec les danseurs qui se scrutaient furtivement l’un l’autre, dans l’atmosphère houleuse d’une relation tendue jusqu’à l’extrême. Socrates se détachait des autres pièces: une magistrale évocation de l’oeuvre d’Erik Satie qui décrit le philosophe lui-même, son procès et sa mort. Morris évoque avec aisance la Grèce antique dans l’utilisation de poses plastiques mais jamais de manière banale, et emploie la narration avec des intentions descriptives, parfois avec une gestuelle très subtile. C’est précisément cette subtilité qui fait de Morris un chorégraphe de très haut niveau: ses mouvements ont une valeur autonome mais ils peuvent aussi ajouter à la musique ainsi qu’au récit plusieurs niveaux de sens et d’interprétations. Gerald Dowler

Ballet Nice-Méditerranée

Sylvia et les Deux Pigeons Sylvia Suite – chor. Eric Vu-An “d’après” Louis Mérante, mus. Léo Delibes; Les Deux Pigeons – chor. Eric Vu-An “d’après” Albert Aveline, mus. André Messager Nice, Opéra Deux ballets plus qu’inhabituels ont délecté les balletomanes de l’Opéra de Nice: le mérite en revient au directeur de la compagnie Eric Vu-An, fort d’un héritage dont l’École de Danse de l’Opéra de Paris (où il s’est formé) garde la tradition. La suite de Sylvia présentée à cette occasion n’a rien à voir chorégraphiquement avec le ballet de Frederick Ashton et encore moins avec ceux récents de John Neumeier à Paris et Mark Morris aux ÉtatsUnis; mais il s’appuie sur l’original du chorégraphe Louis Mérante qui débuta à l’Opéra de Paris en 1876, à la fin du Romantisme. Le sujet s’inspire de la mythologie grecque antique (Sylvia étant une nymphe de la déesse Diana). Le berger Aminta aime Sylvia sans que ses sentiments soient partagés, mais elle finira par tomber amoureuse de lui grâce à l’aide d’Eros, dans une scène peuplée de chasseresses sur pointes et en tuniques roses et d’Éthiopiennes en blousons

Paula Acosta Carli, Alessio Passaquindici – Ballet Nice Méditerranée: “Les Deux Pigeons”, c. Albert Aveline (ph. D. Jaussein)

ment du passage vers la vie adulte. L’action se déroule au XIXème siècle en Thessalie, région de la Grèce: qui choisira-t-il, le protagoniste Pepio, entre Gourouli, jeune fille pieuse qui cherche un engagement sérieux et vrai, et Djali, gitane passionnée? Mais Gourouli apprendra l’art de la séduction précisément des gitans et arrivera ainsi à reconquérir son Pépio. Tambourins, festons, châles et foulards, voici un monde esthétique suranné à proposer aujourd’hui avec élégance. La Gourouli de Paula Acosta Carli et la torride Djali de Marie-Astrid Casinelli n’ont pas manqué des dons d’actrices et de la technique nécessaires, alors que Pepio était un Alessio Passaquindici candide aux prises avec le chef des gitans, le vigoureux Zafiri, interprété par un Claude Gamba coquin et de belle prestance. Eric Vu-An veillait personnellement sur ses jeunes danseurs sur scène, en campant le petit rôle du tavernier. Un grand divertissement pour tout le monde. Elisa Guzzo Vaccarino

Eun-Me Ahn Company

Les grands-mamans de Corée Dancing Grandmothers – chor. Eun-Me Ahn, mus. Younggyu Jang Liège (Belgique), Manège/Théâtre de Liège (dans le cadre du festival Pays de danses)

Eun-Me Ahn Company: “Dancing Grandmothers”, c. Eun-Me Ahn (ph. Y. Choi)

colorés. Gaëla Pujol (une Sylvia grande et élégante) a su décliner avec aisance le style précieux de son rôle aux cotés de Cesar Rubio Sancho, Aminta avec les incontournables sandales entrelacées sur des jambes nues. La deuxième pièce de la soirée, Les Deux Pigeons, s’appuie elle aussi sur l’original de Mérante de 1886 à travers la version de 1925 d’Albert Aveline, danseur et maître de ballet de l’Opéra de Paris (Christiane Vaussard – autre danseuse qui a transmis les ballets de la maison – l’avait remonté pour l’école parisienne par volonté de l’ancienne directrice Claude Bessy). Dans ce cas également, il ne s’agit donc pas de l’habituel ballet d’Ashton, situé à Paris dans un atelier de peintre; ici, la source narrative est une fable de La Fontaine, qui devient une histoire d’amour entre adolescents, au mo-

La chorégraphe sud-coréenne Eun-Me Ahn est une star dans son pays. C’est elle qui a chorégraphié la cérémonie d’ouverture de la Coupe du Monde de football à Daegu en 2002. C’est elle qui, avec son crâne rasé, ses performances intrépides et son intérêt pour le “gender”, bouscule un public qui, entre l’underground et le kitsch assumé de ses productions, ne sait plus où la classer. Son parcours est d’ailleurs aussi atypique que ses choix artistiques. Formée aux pratiques chamaniques dès son plus jeune âge, elle étudie les différentes techniques de danse moderne d’abord à Séoul puis à New York à la Tisch School of the Arts; de retour en Corée, elle prend la direction d’une compagnie, la Daegu

porteuses d’un savoir en péril. Dancing Grandmothers met en scène une quinzaine de vieilles dames emmenées par les neuf membres de la compagnie, dans un tourbillon dansant pendant une heure et demie. Emportés par une partition musicale où se mélangent, là aussi, sons traditionnels coréens et remixages contemporains, les corps évoluent sur scène sans jamais se bousculer, comme habitués aux villes surpeuplées d’Asie. Entrées et sorties se succèdent, à un rythme d’enfer, jeunes et vieux tournant, virevoltant avec bonheur. Difficile de parler d’un style là où il s’agit plutôt d’un chaudron qui rassemble passé et présent, tradition et modernité. Très vite, on oublie le temps comme on oublie l’âge, et à la fin du spectacle, le public, invité à monter sur scène, se mêle aux danseurs, tous âges confondus, pour danser avec eux. Succès assuré. Sonia Schoonejans

Ballet de Zurich

Kylián s’envole sur ses ailes de cire A-Life – chor. Douglas Lee, mus. Frank Henne et d’autres; Wings of Wax – chor. Jirí Kylián, mus. diverses; Forellenquintett – chor. Martin Schläpfer, mus. The Libertines, Franz Schubert Zurich (Suisse), Théâtre de l’Opéra

Yen Han, Wei Chen – Ballett Zürich: “Wings of Wax”, c. Jirí Kylián (ph. B. Stöss)

En février, le Ballet de Zurich (Ballett Zürich) a proposé le meilleur et le pire ainsi qu’une pièce moyenne. Commençons par le meilleur, Wings of Wax de Jirí Kylián, dont nous avons déjà parlé plusieurs fois étant donné que cette pièce remonte à 1997 (les ailes de cire du titre font allusion à Icare). Un arbre pend des cintres à l’envers, les racines en-haut, le feuillage en bas. Un projecteur forme un cercle en tournant autour de l’arbre, il illumine les danseurs, quatre filles et quatre garçons. Ils évoluent principalement en couple, plus rarement à trois ou plus nombreux. La chorégraphie est d’un grand raffinement. Les mouvements amples mais denses sont toujours accompagnés de détails inattendus qui donnent aux gestes une impression de liberté. Les solistes du Ballet de Zurich sont excellents. On a l’impression qu’ils créent cette pièce. On attendait beaucoup de Forellenquintett (sur le Quintette La Truite de Schubert) qui était précédé par une bonne critique. Mais cette pièce de 2010 du chorégraphe suisse Martin Schläpfer nous a deçus. Les costumes (des collants académiques bariolés) sont hideux, et ce n’est pas la première fois que Keso Dekker fait une faute de goût. La chorégraphie, parfois drôle, est trop hétéroclite. On ne reconnaît aucun style. Douglas Lee (37 ans) est un ancien danseur principal du Ballet de Stuttgart, désormais engagé dans la création chorégraphique. Sa pièce A-life, froide, mais très esthétique, se ressent du style du William Forsythe première manière. Les portés par contre, aux résolutions inattendues, sont originaux. Les danseurs, au nombre de douze et habillés en gris-bleu, évoluent devant un fond gris et noir. Cette pièce, l’unique création de la soirée, est aux antipodes du brouillon Forellenquintett. Le Ballett Zürich démontre sa virtuosité. On a remarqué Katja Wünsche (dans les trois pièces), Yen Han, Viktorina Kapitonova, William Moore et Filipe Portugal. Emmanuèle Rüegger

Metropolitan City Dance Company, avant de créer celle qui aujourd’hui porte son nom: Eun-Me Ahn Company. Elle s’est fait connaître en Occident dès les années 2000 grâce au Festival Wuppertal où Pina Bausch, devenue son amie après une résidence en Corée, l’a invitée plusieurs années de suite. L’été dernier, elle avait tenu la vedette à Paris, lors du festival Quartiers d’été par sa mise en scène radicale d’une légende coréenne, Symphoca Princess Bari, racontant le voyage initiatique d’une princesse abandonnée par son père: mais le rôle de la princesse était interprété par un homme! Cette fois, elle clôt superbement le Festival Pays de Danses organisé autour des artistes coréens par le Théâtre de Liège, avec Dancing Grandmothers (“Grands-mères qui dansent”), une création de 2011 présentée pour la première fois en Europe. L’idée du spectacle s’est imposée peu à peu lors des rencontres avec les habitants des campagnes les plus reculées de la Corée qu’Eun-Me Ahn et sa compagnie ont pu faire durant leurs tournées dans le pays. Le film qui ouvre le spectacle témoigne non seulement de la richesse de ces danses rustiques mais aussi de ce qu’elles peuvent révéler de la vie de ceux qui en conservent la mémoire. Après avoir composé une pièce avec les hommes âgés, puis une autre avec les jeunes, Eun-Me Ahn, avec une énergie contagieuse, beaucoup de générosité et pas mal de malice, a laissé la place aux femmes âgées,

La soirée se terminait avec une pièce plus dynamique qui emploie des projections vidéo ingénieuses de Clark lui-même et une grande variété de lumières, mais tout au long de la pièce les danseurs ont presque un air de zombies qui semble dépouiller le mouvement de son essence. La deuxième partie est plus fascinante, lorsque deux, puis quatre danseurs se contrebalancent pour créer des figures apparemment improbables avec les bustes, les bras et les jambes, on dirait vraiment une sculpture abstraite en mouvement. Clark aime les bras qui se détachent latéralement du corps, souvent en V, et les jambes pliées, ainsi que les danseurs au visage toujours impassible. Ses six interprètes, agréablement différents, dans leur physique et dans leur qualité du mouvement, sont tous vraiment époustouflants; ils se donnent complètement à leur directeur et dansent ses chorégraphies avec talent et un engagement total. Clark a atteint un point culminant dans sa carrière de créateur et, grâce à sa compréhension intrinsèque et profonde du corps humain, il fait paraître plus superficielles et bornées les nombreuses tentatives de chorégraphes plus jeunes et plus en vue. Gerald Dowler

Michael Clark Company

Clark, l’ “enfant terrible” est devenu bien sage Chor. – Michael Clark, mus. – ScrittiPolitti, Public Image Ltd, New York Dolls, Sex Pistols, Pulp, Relaxed Muscle Londres, Barbican Theatre Ce n’est pas forcement vrai que les plus jeunes sont toujours les meilleurs. Michael Clark (qui a aujourd’hui 52 ans) est considéré depuis des décennies désormais comme un “bad boy” de la danse britannique, mais, en vérité, comme artiste, depuis sa période iconoclaste des années 80, il a mûri et changé. Il a une compagnie qui porte son nom, un petit groupe de danseurs qui abordent son travail avec un enthousiasme presque messianique. Il a depuis longtemps abandonné l’esprit rebelle de ses premières années, de celui qui veut “épater le bourgeois”, et il opte désormais pour un style plus essentiel, les corps enveloppés dans des maillots collants et illuminés par Charles Atlas, son éclairagiste depuis longtemps. C’est ce qu’on a vu au Barbican Theatre de Londres, plein d’admirateurs du chorégraphe (jeunes et plus âgés), avec un programme de trois pièces sans titre sur des musiques pop (ce qui reste le cachet distinctif de Clark). Son style chorégraphique exige des danseurs impassibles, disposés à se faire manipuler comme s’ils étaient des sculptures vivantes. L’essence de la pièce demeure dans le mouvement pur et dans les rapports spacieux entre les danseurs: Clark est un maître dans la coordination des entrées et des sorties. Le meilleur exemple se trouve dans la scène du début de la première pièce où l’on voit un danseur qui descend lentement des cintres. La pièce la mieux réussie, c’est précisément celle-ci, sur des chansons folk, de style “Simon and Gardfunker” du groupe Scritti Politti; sur un mode serein, elle est centrée sur le placement précis et étudié des pieds et des bras produisant un effet magnétique.

Les Ballets de Monte-Carlo

Casse-Noisette (auto)célèbre Maillot Casse-Noisette Compagnie – chor. Jean-Christophe Maillot, mus. Piotr I. Tchaïkovsky, Bertrand Maillot Monte-Carlo, Grimaldi Forum Vingt ans à la tête des Ballets de Monte-Carlo (la compagnie de ballet sous le patronage de la Princesse Caroline), c’est un anniversaire important pour le chorégraphe Jean-Christophe Maillot. Pour le célébrer, Maillot a créé pour ses danseurs talentueux Casse-Noisette Compagnie (avec en prime l’Orchestre Philarmonique de Monte-Carlo dirigé par

Melissa Hetherington, Daniel Squire, Benjamin Warbis – Michael Clark Company (ph. T. Nandi)

Bernice Coppieters, Alexis Oliveira, George Oliveira – Les Ballets de MonteCarlo: “CasseNoisette Compagnie”, c. JeanChristophe Maillot (ph. A. Steling)

Nicolas Brochot). Il s’agit d’une espèce de jeu de l’oie, avec les différentes étapes ayant marqué les créations de la compagnie au cours de ses vingt dernières années, à partir du ballet de Noël par excellence. Au premier acte, Clara (Anjara Ballesteros, gracieuse et délicate) est une enfant pleine d’imagination qui joue avec son théâtre de poupées et rêve de la scène et de la danse, même si cela reste pour l’instant un vain espoir. Ses parents en effet ne s’occupent pas tellement d’elle dans leur salle de danse, où brillent deux étoiles (Francesca Podini et Gabriele Corrado, tous les deux danseurs de La Scala). Mais, alors qu’elle répète un ballet qui évoque Serenade de Balanchine, le Prince Charmant la remarque (il s’agit de Stephan Bourgond, un danseur qui a le physique du rôle et un sourire captivant). Arrive ensuite la sensuelle Fée Drosselmeyer (la toute blonde et longiligne Bernice Coppieters) avec ses séduisants Anges gardiens (Alexis et George Oliveira); elle aidera Clara et son Casse-Noisette (Jeroen Verbruggen) à transformer leurs rêves en réalité. Clara, toujours au centre de l’histoire au second acte, imposera sa volonté à ses parents. Et l’on voit ainsi des fragments et des citations des ballets de Maillot: Cendrillon, Songe d’une nuit d’été, Roméo et Juliette, La Belle au bois dormant (réveillée par Roméo). Elle deviendra donc une danseuse accomplie. Casse-Noisette Compagnie est par conséquent une soirée de “ballets dans le ballet”, emboîtés les uns dans les autres, pour célébrer joyeusement cet anniversaire, avec tout l’univers coloré des créations de Philippe Guillotel (extraordinaire créateur des costumes au cours de ces années).

Le grand final enthousiasme les spectateurs du Grimaldi Forum, avec des confettis et des mirlitons et les danseurs qui envahissent la salle au grand amusement du public. Et maintenant un nouveau chapitre commence: après les vingt premières années, quelles surprises nous réservera le directeur de la compagnie monégasque? Elisa Guzzo Vaccarino

Compañía Nacional de Danza

Le Japon à Madrid Nippon-Koku – chor. Marcos Morau et La Veronal (en collaboration avec les danseurs), mus. diverses Madrid, Matadero La nouvelle création de la Compañía Nacional de Danza (dont le sigle est CND, la principale compagnie espagnole, installée à Madrid et dirigée par José Carlos Martínez) est une pièce théâtrale épurée, très influencée, dans la forme et dans la substance, par l’esthétique du metteur en scène américain Robert Wilson, et qui pose de nouvelles questions sur la route que la troupe madrilène est en train de parcourir. Le chorégraphe Marcos Morau s’est forgé un style personnel avec sa compagnie espagnole La Veronal, qu’il a cherché à insuffler maintenant aux danseurs de la CND. Mais il s’agit d’artistes différents et donc le mouvement change: le style a été en effet altéré, il était ici plus retenu. Convulsions et contorsions reviennent fréquemment; et on fait aussi référence au théâtre Kabuki de la tradition japonaise. Un fait important à remarquer, c’est que le chorégraphe n’a jamais été un danseur; il a étudié la chorégraphie, mais il manque d’expérience corporelle personnelle. Ce n’est pas le premier cas, mais c’est quand même inhabituel. Les artistes de la CND sont des professionnels et on voit qu’ils se sont engagés à fond dans

phique Barakei (Ordalie par les roses) avec des nus de Mishima lui-même, publié avec le photographe Eikoh Hosoe – manifestation d’un hédonisme refoulé par la discipline des samouraïs, mais en même temps, préfiguration de l’homo-érotisme et de la poésie sacrificielle. En conclusion, on entend Ombra mai fu, l’air de Serse de Georg Friedrich Händel dans lequel le roi guerrier eut le pressentiment de sa fin. Cela dit, au-delà du succès et du fait que peut-être la CND pourrait finalement avoir trouvé un genre de spectacle qui ne s’avère pas un échec total (comme ce fut le cas avec Balanchine ou avec des tentatives pseudoacadémiques), le doute principal demeure: est-ce le répertoire idéal pour la compagnie nationale d’Espagne? Roger Salas

Compagnie Opinion Public

S’il faut tuer le père Bob’art – chor. Étienne Béchard, musiciens Livio Luzzi et Raphaël Tholance Paris, Centre Wallonie Bruxelles (dans le cadre du festival On y danse) Bruxelles, Théâtre Marny Compañía Nacional de Danza: “NipponKoku”, c. Marcos Morau (ph. B. Suárez, L. Galdiano)

la pièce; et on voit aussi qu’une bonne partie de la chorégraphie a été réglée sans musique, qui doit avoir été ajoutée ultérieurement. Étant donné l’ambiance de la pièce, Morau a eu la chance de trouver dans la compagnie une danseuse japonaise (Tamako Akiyama) qui en devient la protagoniste et qui joue aussi dans sa langue maternelle. Les costumes de David Delfín sont impeccables, pris individuellement et dans l’ensemble; ils témoignent non seulement de sa dextérité vestimentaire mais aussi de sa sensibilité en révélant sa source d’inspiration: les pompeux uniformes conçus par l’écrivain Yukio Mishima pour son organisation Tatenokaï (la Société du Bouclier), qui avait pour but de défendre les valeurs nipponnes traditionnelles. Le décor aussi fonctionne bien: lors de la première scène, un tableau avec un Saint-Sébastien semble évoquer l’album photogra-

Le véritable atout de la compagnie Opinion Public, ce sont ses danseurs. Cette jeune troupe belge installée à Bruxelles – depuis à peine trois ans – réunit, autour du chorégraphe Étienne Béchard, quatre garçons et une fille, tous issus de Rudra (l’école suisse fondée par Maurice Béjart) et ex-membres pour la plupart du Béjart Ballet Lausanne. Outre leur personnalité, ils possèdent chacun suffisamment de maîtrise de leur métier pour tenir un propos satirique sans tomber dans une simple agitation rythmique. Bob’art est en effet, comme son nom le laisse supposer, une entreprise ironique de déstabilisation de l’art contemporain et de ses dérives, une sorte de pendant chorégraphique à la pièce de théâtre à succès de l’auteur dramatique Yasmina Reza, L’Art (lard ou cochon? là était la question). Bourré de citations sur le mode ludique – notamment de Yasmina Reza –,

Cie Opinion Public: “Bob ART”, c. Étienne Béchard (ph. O. Vanhellemont)

Paul Girard, Aurélien Dougé – Ballet du Grand Théâtre de Genève: “Mémoire de l’ombre”, c. Ken Ossola (ph. G. Batardon)

vient de créer Mémoire de l’ombre. Ossola n’est pas nouveau dans la maison. Il a déjà composé deux pièces pour le Ballet du Grand Théâtre: Ombre fragile en 2008 et Lux en 2009, la première sur une musique de Franz Schubert, la seconde sur le Requiem de Gabriel Fauré. Il connaît bien les 22 danseurs de la compagnie, mais cette fois Cohen lui a commandé une œuvre plus importante, une pièce full-evening, sur des musiques de Gustav Mahler. Avec son titre, Mémoire de l’ombre pourrait évoquer le dibouk, ce fantôme d’un mort contrarié, ce démon perturbateur qui, dans la tradition juive hassidique, vient hanter un vivant, habiter son corps, occuper son esprit. Le Dibouk est aussi le titre d’une pièce de théâtre yiddish dont Maurice Béjart avait tiré une adaptation chorégraphique en 1988. Mais l’“ombre” évoque aussi, bien sûr, le mythe de la caverne de Platon où les hommes, enchaînés dans la caverne, prennent pour des réalités ce qui ne sont que des ombres fugaces projetées sur le mur par les flammes d’un grand feu. Et c’est plutôt cette recherche de la vérité qui intéresse Ossola: l’ombre qu’il faut dépasser pour accéder à la lumière. Mais comment donner à voir ce qui, par essence, reste inaccessible? La scénographie de Nicolas Musin, simple mais efficace, apporte un certain mystère: une immense photographie en noir et blanc, représentant une forêt de conifères enneigés dans la brume, sert de toile de fond; devant elle, tantôt transparente, tantôt éblouissante, selon l’éclairage, une espèce de membrane argentée toute ébouriffée avec laquelle les danseurs semblent dialoguer. Pas de récit, pas d’anecdote, pas même un fil conducteur autre que celui de la musique. La sensibilité d’Ossola (on remarque une distance pudique dans l’expression des émotions) le pousse à suggérer plutôt qu’à affir-

Bob’art n’épargne pas non plus le monde de la danse et, dans un final hilarant, s’attaque au Boléro de Maurice Ravel et à la version chorégraphique de Béjart. On pouvait se douter, de la part de jeunes gens ayant interprété de multiples fois Boléro, qu’ils ne résisteraient pas à la tentation de se moquer de leur maître et mentor Maurice Béjart. Après tout, il faut bien que les jeunes tuent leur père (symboliquement) s’ils ne veulent pas eux-mêmes être supprimés. C’est donc avec une saine franchise et une sacrée dose d’humour que Bob’art parodie ce monument musical et chorégraphique. La séquence est hilarante et vaut à cette jeune troupe un succès public intégral. On attend Post Anima, sa prochaine création à l’automne prochain. Sonia Schoonejans

Ballet du Grand Théâtre de Genève

Ossola, l’ombre et la mémoire Mémoire de l’ombre – chor. Ken Ossola, mus. Gustav Mahler Genève (Suisse), Bâtiment des Forces Motrices Quand le Ballet du Grand Théâtre de Genève présente des créations, c’est souvent l’occasion pour le public de découvrir de jeunes chorégraphes dont Philippe Cohen, directeur de la compagnie, a su déceler le potentiel artistique. Ce fut le cas du Grec Andonis Foniadakis (avec un superbe Glory) et bientôt de Jeroen Verbruggen, actuellement danseur aux Ballets de MonteCarlo. Philippe Cohen a aussi conseillé et accompagné Ken Ossola, chorégraphe suisse d’origine coréenne, qui

sur les différentes facettes de la vie de couple. Santoro a choisi un éventail d’extraits de chorégraphies connues et moins connues du répertoire du Cullberg Ballet, que la danseuse connaît très bien comme interprète et pour l’avoir remonté dans plusieurs compagnies. Une soirée de très bonne danse, qui s’est déroulée à merveille. On commence par Adam et Ève de la grande Birgit, les premiers citoyens de la terre, pour passer au Singe et son inconscient tiré d’Old Children d’Ek, avec ses primates quadrupèdes et bipèdes, et puis Roméo et Juliette de Cullberg, Giselle d’Ek (confié à une délicieuse et toute fraîche Alice Capello) et la flamboyante Carmen (une Veronica Morello pleine d’énergie). Des pièces que l’on revoit toujours avec un grand plaisir. L’Homme et son mouchoir, sur une musique populaire, a montré le côté le plus ironique et authentique d’Ek, alors qu’un beau trio masculin tiré de Fluke toujours d’Ek a séduit grâce à des danseurs vigoureux et expressifs, Andrea Carozzi, Tiziano Pilloni et Edoardo Cino. Puis, grand final avec Tous ensemble (toujours extrait d’Old Children). Ce fut un succès, prévisible étant donné le niveau élevé des chorégraphies, concrètes, directes, honnêtes, et ces jeunes danseurs enthousiastes qui s’engagent à fond et sont heureux d’être sur scène. Un spectacle très agréable allant des titres des années 1960 à ceux des années 2000 qu’il faudrait présenter dans tous les théâtres intelligents, en invitant les filles et les garçons d’Entre nous, certains d’aller au-devant du goût du public avec cette proposition de valeur. Elisa Guzzo Vaccarino

mer et laisse aux spectateurs toute liberté d’interpréter comme ils l’entendent. Ayant dansé pendant six ans au Nederlands Dans Theater I, Ossola a assimilé le style et les qualités de mouvements propres à Jirí Kylián. On retrouve en effet les mouvements amples, les profonds pliés, mais aussi un “laissez-agir” dans l’impulsion du mouvement qui donne à celui-ci davantage de souplesse et moins de précision. Parallèlement, Ossola entreprend un travail sur la lenteur dont on peut supposer qu’il participera à l’élaboration d’un style personnel. Encore un effort. Sonia Schoonejans

Eko Dance International Project

Le couple à l’époque du Cullberg Entre nous – chor. Birgit Cullberg, Mats Ek, mus. Jules Massenet, Hilding Risemberg, Sergueï Prokofiev, Adolphe Adam, Georges Bizet, Flaäsk Kvartetten, Camille Saint-Saëns, populaire suédoise Turin, Teatro Astra Pompea Santoro a toujours été la porte-parole de Birgit Cullberg et de Mats Ek, ses maîtres à penser dans la vie et dans l’art lors des années passées à Stockholm. Maintenant elle a proposé avec son groupe italien de jeunes professionnels en plein essor un programme

Piqué

L’Esclave et la Princesse Lors d’une récente soirée de gala, ledit “Corsaire Pas de Deux” (à savoir le “pas de deux à trois” du Corsaire sous la forme du simple pas de deux pour Medora et l’esclave Ali) a déclenché des discussions parmi les journalistes dans la salle. En effet, la danseuse ne se produisait pas dans la variation habituelle (de Medora) mais dans celle que danse la princesse Gamzatti dans le Grand Pas du deuxième acte de La Bayadère. Une bizarrerie qui, à vrai dire, n’a rien de bizarre. Tout d’abord il faut dire qu’au XIXème siècle il n’était pas du tout insolite que les danseuses célèbres choisissent à leur gré leur variation, puisant dans d’autres ballets, pour mieux mettre en relief leurs qualités. En Russie, on a maintenu cet usage jusqu’à une époque relativement récente. Il suffit de penser au célèbre film tourné en 1958 à Moscou où Alla Sizova danse avec Rudolf Noureev précisément le pas de deux du Corsaire; mais sa variation est celle de la Reine des Dryades de Don Quichotte. Dans ce cas, il s’agissait, évidemment, de montrer le saut époustouflant de la jeune Alla, alors tout juste sortie de l’Académie Vaganova et destinée à devenir l’une des grandes ballerines du Kirov. (Par la suite, d’autres danseuses, comme Margot Fonteyn et Sylvie Guillem, ont dansé dans ce contexte la variation de la Reine des Dryades. Guillem toutefois, dans la séquence initiale de grand jeté et développé à la seconde, ne mettait pas l’accent sur le grand jeté, comme Sizova, mais sur le développé. Bien sûr.) Par ailleurs, si on se mettait à jouer au “philologue” jusqu’au bout, on découvrirait que maintes variations que nous attribuons aujourd’hui à certains ballets n’ont été introduites qu’ultérieurement et proviennent, elles aussi, d’autres ballets (parfois oubliés). Par exemple, la musique de la variation de Gamzatti en question est de Riccardo Drigo (elle ne fait pas partie de la partition de Ludwig Minkus pour La Bayadère), et avait été composée pour un autre ballet de Petipa, Le Roi Candaule. Et que le pas de deux du Corsaire présenté avec la variation de Gamzatti ne soit pas une drôle d’idée, mais qu’il ait sa tradition en Russie, une vidéo de 1986 en témoigne également: on y voit Tatiana Terekhova, splendide virtuose du Kirov, et un jeune Farouk Rouzimatov, Terekhova y dansant justement la variation tirée de La Bayadère. La vraie erreur réside plutôt dans le fait que l’on continue d’attribuer ce pas de deux à Marius Petipa. Mais s’il ressuscitait il ne saurait même pas dire de quoi nous parlons. Il s’agit en effet d’un ajout à la version de Petipa du Corsaire introduit seulement cinq ans après la mort du grand chorégraphe et qui, dans les années qui suivirent, fut beaucoup modifié, en un processus d’accumulation qui ne nous permet pas d’identifier un unique chorégraphe-auteur. Sauf la tradition. Cristiano Merlo

B a l l e t Tu b e Cherchons sur YouTube plusieurs vidéos du même morceau chorégraphique (une variation, un solo, un pas de deux) dansé par des interprètes différents. Nous les comparons ici, en invitant le lecteur à vérifier... Les vidéos en question se trouvent sur la chaîne YouTube: magazineBALLET2000.

Jean Babilée, l’éternel Jeune Homme La Mort est venue chercher le Jeune Homme. Cette fois, cependant, non pas dans la fiction de la scène mais dans la réalité. Jean Babilée, le danseur sur lequel Jean Cocteau et Roland Petit façonnèrent en 1946 Le Jeune Homme et la Mort, s’est éteint en janvier dernier à presque 91 ans (v. l’article dans ce numéro). Nous lui consacrons ce BalletTube, allant à la recherche sur la toile des vidéos du Jeune Homme avec Babilée lui-même et les interprètes qui le dansèrent après lui, à partir des années 1960 – lorsque Petit avait désormais transformé ce mimodrame existentialiste, conçu par Cocteau, en une pièce chorégraphique à part entière. Mais, à dire vrai, c’était dès le début une pièce chorégraphique, tout au moins à en juger d’après une vidéo de l’époque avec un solo tourmenté de Babilée. Des enchaînements ponctués de sauts et de tours très rapides alternent avec des mouvements au ralenti alors qu’une danse “aérienne” s’écrase au sol à l’improviste, faisant ressortir une dialectique de forces du plus bel effet. Babilée montre ici le naturel pour lequel il était célèbre, son sens instinctif et maîtrisé à la fois de la danse, dans un mélange d’énergie frétillante et de souplesse plastique, d’éclats vigoureux

et de poses éloquentes. La vidéo apparaît dans un documentaire, Le Mystère Babilée de Patrick Bensard, dont on retrouve plusieurs extraits sur YouTube. Au cours des années, Petit réadapta Le Jeune Homme pour les interprètes qui tour à tour le dansèrent, superposant à la subtilité psychologique du mimodrame de Cocteau des “couches” de chorégraphie, avec une approche de plus en plus physique. On a le témoignage du début de cette métamorphose dans le film de 1966 où Rudolf Noureev danse avec Zizi Jeanmaire. Le grand danseur russe y crée un Jeune Homme aux mouvements secs, tranchants, “classiques” dans la forme mais nerveux et sombres dans la dynamique. Quand il embrasse la Jeune Fille/Mort (avec le sourire moqueur) de Zizi, on dirait presque une revisitation macabre de l’iconographie d’Amour et Psyché. On peut voir ensuite Mikhaïl Barychnikov qui se produisit dans cette pièce également sur les écrans de cinéma (dans une version réduite): il s’agit de la scène d’ouverture du film White Nights (Soleil de nuit) de Taylor Hackford de 1985. La netteté de sa danse, peaufinée dans les moindres détails, miraculeusement désincarnée, sert de contrepoint à l’inquiétude et au charme morbide de l’artiste bohème. Par ailleurs,

Nicolas Le Riche: “Le Jeune Homme et la Mort”, c. Roland Petit

c’est une œuvre de contrastes dont on parle: il suffit de penser au choix musical (la Passacaille en ut mineur pour orgue de Bach orchestrée par Ottorino Respighi) qui pourrait sembler inexplicable mais qui se révéla par contre un coup de génie de Cocteau. Pour en venir aux interprétations actuelles que nous voyons sur YouTube: Nicolas Le Riche exprime fort bien l’anxiété intérieure du protagoniste (et il a été très apprécié à l’Opéra de Paris dans ce rôle qu’il danse depuis l’âge de 18 ans); Ivan Vassiliev lui confère une puissance physique peut-être excessive, alors que l’image et la danse d’Igor Zelensky demeurent trop apolliniennes pour convaincre pleinement. Au fil des années, cette pièce a ainsi trouvé de nouveaux interprètes (certains d’exception, comme on l’a vu) et s’est adaptée aux temps nouveaux. Mais il ne fait aucun doute que dans l’imaginaire collectif on l’identifie avec Jean Babilée, qui peut vraiment être défini (dans la vie aussi, semble-t-il) comme l’ “éternel Jeune Homme”. Cristiano Merlo Jean Babilée, Nathalie Philippart: “Le Jeune Homme et la Mort”, c. Roland Petit (1946)

MultiMÉDIA

Olga Smirnova, Semyon Chudin – Bolshoi Ballet: “Jewels”, c. George Balanchine (ph. Marc Haegeman at Bolshoi Theatre)

Cinéma

Ossipova depuis Londres, Smirnova depuis Moscou En janvier dernier, l’une des soirées de Giselle du Royal Ballet, avec Natalia Ossipova et Carlos Acosta dans les rôles principaux, a été transmise en direct depuis Londres dans un millier de salles de cinéma dans le monde. La Giselle d’Ossipova mériterait un discours trop long pour ces courtes lignes dans lesquelles on mettra en évidence les applaudissements enthousiastes que le public londonien lui a réservés. Par ailleurs, il est tout à fait compréhensible que les spectateurs soient impressionnés par l’exubérance de sa technique exhibitionniste (bien qu’incontestablement hors propos dans Giselle) et par un histrionisme poursuivi si tenacement qu’il finit même par envahir l’acte blanc. C’est certainement la Giselle la plus singulière parmi les vedettes du ballet actuel, pour ne pas dire qu’elle est la plus erronée. Cependant – je l’admets moi-même – son excès est tel qu’il dépasse parfois la caricature (qu’elle frôle souvent) pour se faire étrangement séduisant: je crois qu’il est difficile de ne pas rester secoué par sa scène de la folie ou par cette Willi, vraiment spectrale, qui danse les

paupières à demi fermées. À ne pas manquer le prochain rendez-vous en direct du Covent Garden de Londres, le 28 avril, avec la création de Christopher Wheeldon inspirée du Conte d’hiver de William Shakespeare. On trouvera davantage d’informations sur www.roh.org.uk/cinemas. Grâce à Pathé Live, on a pu voir d’autres spectacles de ballet au cinéma en direct depuis le Théâtre Bolchoï de Moscou. Dans Diamonds, la dernière partie de Jewels de George Balanchine, resplendissait Olga Smirnova, un vrai diamant de la compagnie moscovite de nos jours (mais – ce qui est évident – de formation pétersbourgeoise): épaulements et ports de bras exquis, coordination et legato impeccables s’allient chez elle à une dimension lyrique palpable. Au demeurant, à vrai dire, la compagnie du Bolchoï, malgré ses incontestables qualités techniques, reste trop éloignée du style balanchinien. Par contre, elle était tout à fait à son aise dans Les Illusions perdues d’Alexeï Ratmansky (en dépit de nombreuses réserves que l’on pourrait exprimer sur ce drambalet “moderne”). La saison se termine le 30 mars avec Marco Spada de Pierre Lacotte, une acquisition récente du répertoire moscovite dont BALLET2000 a rendu compte dans le dernier numéro. Pour les détails voir www.pathelive.com. C. M.

DVD

Bausch derrière la caméra: un film inédit Ahnen ahnen – un film de Pina Bausch – L’Arche On a récemment découvert dans les archives de la Pina Bausch Foundation un long-métrage inédit de la grande chorégraphe allemande disparue en 2009. Il s’intitule AHNEN ahnen, et remonte à la même année (1987) où Bausch tourna le film La Plainte de l’Impératrice, la seule production cinématographique que l’on connaissait jusqu’à maintenant. AHNEN ahnen dure 77 minutes et est désormais disponible dans un DVD publié par L’Arche. Ce nouveau documentaire, conservé dans les archives depuis un quart de siècle, explore la singulière méthode d’improvisation et de montage qu’adopta Pina Bausch avec son

Tanztheater Wuppertal pour la création d’un spectacle théâtral. Il fut réalisé parce qu’à l’époque les producteurs de La Plainte de l’Impératrice (qui sortirait en 1990) demandèrent à la néocinéaste un scénario pour le film en préparation. Bausch voulut démontrer qu’elle était en mesure de tourner un film même sans un texte de référence écrit. Réalisé et monté par Bausch elle-même, AHNEN ahnen est une analyse intéressante de sa manière de travailler tout à fait spéciale, dont on suit ici les différentes étapes, de la première idée à l’expérimentation progressive des images, de la composition des séquences de mouvements aux débuts sur scène. Cette singulière exploration des moyens expressifs de la chorégraphe s’avère une leçon très utile sur le plan de son esthétique et un patrimoine riche de suggestions pour ses adeptes et ses admirateurs. Le film AHNEN ahnen fait référence à la création du spectacle Ahnen (1987), dont la scène est dominée par une forêt inquiétante de cactus épineux. C’est une sorte de tableau aux nuances sombres et tourmentées décrivant des relations interpersonnelles, typique de la Bausch des années 1980. Leonetta Bentivoglio

Grande Bayadère La Bayadère – version scénique de Youri Grigorovitch “d’après” Marius Petipa et ses successeurs – Ballet du Théâtre Bolchoï de Moscou – BelAir Classiques La vidéographie de La Bayadère compte aussi un dvd publié par BelAir Classiques avec ce “grand ballet” dans la dernière version signée par Youri Grigorovitch pour la compagnie du Théâtre Bolchoï de Moscou en 2013. Les différences par rapport à La Bayadère au répertoire du Théâtre Mariinsky de SaintPétersbourg sont minimes et marginales. Au premier acte, on a introduit des danses d’ensemble secondaires et une variation pour Gamzatti, et l’ordre de quelques scènes a été inverti; en général, la pantomime a été réduite et l’Apothéose est devenue un solo final pour Solor. À noter que les décors et les costumes de cette production somptueuse ont été reproduits sur la base des maquettes originelles du XIXème siècle. Comme on le sait, Svetlana Zakharova a trouvé dans Nikiya un rôle idéal qui synthétise le penchant dramatique et lyrique à la fois de son tempérament artistique. Ici, dans le solo et les duos du premier acte (celui avec Solor et celui avec l’Esclave), on admire la pureté de sa danse; au deuxième acte, elle émeut par le travail de bras et les cambrés d’une Réminiscence déchirante et sensuelle à la fois

(certainement son temps fort dans ce ballet); dans les adages et dans l’allegretto du Royaume des Ombres, elle s’avère d’une beauté extatique (en dépit d’une erreur dans le premier adage) mais l’on remarque un côté quelque peu mécanique dans la variation du voile (pas toujours parfaite) et dans les pas de bravoure de la coda. Le choix de Maria Alexandrova dans le rôle de Gamzatti crée un contraste intéressant entre les deux primedonne du ballet. Technique d’acier et belle dynamique, Alexandrova s’impose par son ballon, l’ample parcours et la spontanéité d’une danse “directe”, “synthétique”, qui ne s’inquiète pas trop d’affiner les détails. Vladislav Lantratov (Solor) allie à sa technique tout à fait remarquable (voir le manège d’assemblés en tournant du III acte) et à la qualité “aérienne” de son mouvement, un style noble, qui semble désormais incontournable pour danser ce rôle, qui est néanmoins de demicaractère selon la tradition. Quant à la grande compagnie moscovite, à ses solistes et à son corps de ballet, dans les classiques du répertoire, il est inutile de répéter ce que nos lecteurs savent déjà. C. M.

Web Le cygne meurt par protestation. Sur le web, on peut voir une Mort du cygne de protestation que la danseuse Alexandra Portiannikova a dansé en tutu à Moscou par moins 20 degrés, en réaction contre les récentes lois russes liberticides, à la veille des Jeux Olympiques de Sotchi et de la remise d’une pétition au Kremlin par Amnesty International. Une autre Mort du cygne “engagée” a été dansée dans une flaque d’huile noire au Tonhalle de Zurich avant le concert Classical Highlights sous l’égide de Greenpeace pour dénoncer le forage pétrolier dans le Cercle Arctique comportant de graves risques pour la flore et la faune. La soirée a été sponsorisée par le groupe russe Gazprom. Flamenco sur le web. De la froide Russie à l’Espagne torride. Pour tous les amateurs et les connaisseurs de flamenco, voici une adresse intéressante: www.danza.es. Ici, à l’entrée “Multimedias” et puis “Coreografías”, outre de nombreux extraits de vidéos de danse contemporaine, on peut voir, entre autres, Eva Yerbabuena, Rocío Molina, María Pagés, Pepa Molina, Los Vivancos,

les compagnies de Carlos Carbonell, Aída Goméz, Carmen Cantero, Antonio Canales, Cecilia Gómez, et encore le Ballet Flamenco de Madrid et les chefs-d’œuvre d’Antonio Gades. À ne pas manquer Manuel Liñan, un jeune Fred Astaire du flamenco, et Olga Pericet, délicieuse enfant de la balle. E.G.V.

Livres Les Grandes Étoiles du XXe siècle – par Gérard Mannoni – Buchet-Chastel Gérard Mannoni, critique musical et chorégraphique bien connu, a publié un recueil de 53 médaillons d’artistes de la danse qui ont marqué le XXème siècle. Il l’a intitulé, non sans hardiesse, Les Grandes Étoiles du XXe siècle. On se dira que 53 danseurs (les chorégraphes ayant été exclus), cela fait du monde sur le Mont Olympe. Par ailleurs, établir des critères pour dresser la liste des artistes qu’il fallait y inclure n’a pas dû être facile et a comporté pas mal de revirements (comme l’auteur nous le dit dans sa préface). Surtout, qu’outre les danseurs classiques y figurent aussi Fred Astaire ou Kazuo Ohno ou Antonio Gades. Il est donc évident qu’un tel choix comporte toujours une marge de subjectivité, ce qui justifie peut-être le fait que dans ces pages on a beau chercher Irina Kolpakova (pour ne citer qu’un seul exemple), on ne la trouvera pas; en revanche, d’autres artistes beaucoup moins importants (surtout des dernières décennies de l’Opéra de Paris) y trouvent leur place. Du reste, l’auteur lui-même a conscience d’avoir un peu péché par chauvinisme. Mais c’est un péché véniel. Cela dit, ce livre se lit avec intérêt et curiosité. Mannoni brosse des portraits fascinants du trait élégant et cultivé de son écriture, toujours très compétente et ponctuelle. Il parle de la vie et de la carrière de ces artistes mais surtout de leurs qualités en tant que danseurs. Toutefois, il ne se limite pas à ses propres commentaires (certains d’entre eux prêteraient à discussion et pourraient déclencher des débats fort passionnés) mais il a aussi recours aux propos d’autres critiques parus dans les journaux au fil du siècle. Ainsi, est-il très intéressant, par exemple, de pouvoir lire des considérations d’André Levinson (le premier critique moderne de danse) sur Olga Spessivtseva ou d’Irène Lidova sur Alicia Markova. Bien que ce ne soit pas le but de ce livre, il est vrai qu’avec ces portraits, allant de Carlotta Zambelli à Svetlana Zakharova, on finit même par offrir au lecteur une brillante synthèse de l’histoire chorégraphique du XXème siècle. C. M.

Natalia Osipova, Carlos Acosta – The Royal Ballet: “Giselle” (ph. B. Cooper)

programmes • programmi • calendar • programmes TV programmi • calendar • programmes • programmi ARTE www.arte.tv 27. IV: Une Saison à la Juilliard School, épisodes 1, 2, 3 (docum.) 4. V: Une Saison à la Juilliard School, épisodes 4, 5, 6 (docum.)

Classica www.mondoclassica.it 2, 11, 13. IV: Casse-Noisette – c. Kirill Simonov – Mariinsky Ballet 4, 6. IV: Magnificat – c. Heinz Spoerli – Zurich Ballet 9, 18, 20. IV: Don Quichotte – c. Marius Petipa, Al e x a n d e r G o r s k y ( A l e x e i Ratmansky) – Het Nationale Ballet, int. Anna Tsygankova, Matthew Golding 16, 24, 27. IV: Le Sacre du printemps – c. Vaslav Nijinsky/Millicent Hodson – Mariinsky Ballet; Grandi coreografi al Maggio (docum.) 23. IV: Les Noces – c. Bronislava Nijinska – Mariinsky Ballet; L’Oiseau de feu – c. Michel Fokine – Mariinsky Ballet 30. IV: Le Lac des cygnes – c. Marius Petipa, Lev Ivanov, Patrice Bart – Staatsballett Berlin Agnès Letestu, Stéphane Bullion – Ballet de l’Opéra de Paris: “La Dame aux camélias”, c. John Neumeier (ph. J. Benhamou)

Mezzo www.mezzo.tv 25. IV: Bamboo Dreams, Water Stains on the Wall – c. Lin Hwai-Min – Cloud Gate Dance Theater of Taiwan 2. V: Moon Water; Songs of the Wanderers; Cursive II – c. Lin Hwai-Min – Cloud Gate Dance Theater of Taiwan

Mezzo live HD www.mezzo.tv 10. IV: Romeo and Juliet – c. Leonid Lavrovsky – Mariinsky Ballet, int.

George Balanchine, New York, 1950’s

Diana Vishneva, Vladimir Shklyarov; Le Sacre du printemps – c. Vaslav Nijinsky/ Millicent Hodson – Mariinsky Ballet 17. IV: Casse-Noisette – c. Vassili Vainonen – Mariinsky Ballet, int. Alina Somova, Vladimir Shklyarov, Grigory Popov; L’Oiseau de feu – c. Michel Fokine – Mariinsky Ballet, int. Ekaterina Kondaurova

Sky www.skyprogrammeinformation.co.uk 5. IV: George Balanchine Forever (docum.) 5. IV: Le Lac des cygnes – c. Marius Petipa, Lev Ivanov (Yuri Grigorovich) – Bolshoi Ballet, int. Maya Plissetskaya, Nikolai Fadayechev 6, 13, 17, 24, 27. IV, 1. V: BalletBoyz: “A Chance to Dance” 6. IV: La Danse (docum. Frederick Wiseman) 9, 12. IV: Cinderella – c. Christopher Wheeldon – Het Nationale Ballet, int. Anna Tsygankova 9, 12, 13, 14, 15. IV: Nacho Duato Danse la Danse (docum.) 11, 12, 14. IV: To Dance Like a Man (docum.) 16, 19. IV: La Dame aux camélias – c. John Neumeier – Ballet de l’Opéra de Paris, int. Agnès Letestu, Stéphane Bullion

PHOTO GALLERY Wayne McGregor | Random Dance: “AtaXia”, c. Wayne McGregor (ph. R. Deepres)

Marie-Claude Pietragalla, Julien Derouault: "Mr & Mme RĂŞve" (ph. P. Elliott)

Filipe Portugal, Juliette Brunner, Ty Gurfein – Ballett Zürich: “A-Life”, c. Douglas Lee (ph. B. Stöss) Gaëla Pujol – Ballet Nice Méditerranée: “Sylvia”, c. Louis Mérante/Eric Vu An (ph. D. Jaussein)

Maria Eichwald, Igor Yebra – Balletto del Teatro alla Scala: “La Rose malade”, c. Roland Petit (ph. Brescia-Amisano) Kristýna Nemecková, Adam Zvonar – Prague National Theatre Ballet: “Krabat”, c. Jan Kodet (ph. A. Ramussen)

www.amnesty.org France: www.amnesty.asso.fr Italia: www.amnesty.it UK: www.amnesty.org.uk Deutschland: www.amnesty.de

Aurélie Dupont, Nicolas Le Riche – Ballet de l’Opéra de Paris: “Miss Julie”, c. Birgit Cullberg (ph. H. Soumireu-Lartigue) Katerina Kozachenko – Kiev Ballet: “Shéhérazade”, c. Michel Fokine

Filipp Stepin, Victoria Brilyova – Mariinsky Ballet: “Infra”, c. Wayne McGregor (ph. N. Razina)

Olga Esina, Vladimir Shishov – Wiener Staatsballett: “Le Lac des cygnes” (ph. M. Poehn )

Lucía Lacarra, Cyril Pierre – Bayerisches Staatsballett: “Ein Sommernachtstraum”, c. John Neumeier (ph. W. Hösl)

Charline Giezendanner, Marc Moreau – Ballet de l’Opéra de Paris: “Onegin”, c. John Cranko (ph. J. Benhamou)

Eifman Ballet:“Rodin”, c. Boris Eifman (ph. S. M. Khoury)

Sarah Lamb, Steven McRae – The Royal Ballet, London: “Tetractys”, c. Wayne McGregor (ph. J. Persson)