N O. 02 | P R IM AV E R A 2015 | T H E - F R O N T D O O R . C O M
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IDEAS ESTÉTICAS
ANTIGUA GUATEMAL A: SIGLOS DE GRANDEZ A QU E H A BI TA N E N TR E LOS VOLC ANES
Discursos que se transforman en experiencias THE FRONT DOOR BY LA REVISTA, EL MUNDO DEL BUEN GUSTO
la Carta editorial No. 02 | Ideas estéticas | Primavera 2014
“El arte tiene la bonita costumbre de echar a perder todas las teorías artísticas.” —M A R C EL DUC H AM P
En esta edición ejercemos de auténticos conserjes para llevarlo a recorrer lugares fuera de serie, así como acercar personajes extraordinarios que, sin lugar a dudas, será un placer conocer. Empezamos con una amena charla con Gregg Anderson, Vicepresidente Global de The Registry Collection, nuestro socio y aliado, quien nos platica sobre las bondades de las propiedades que están a su cargo, así como de la actualidad del turismo de lujo, los destinos que hoy son más buscados y las experiencias y el estilo de vida que destaca tanto a The Registry Collection como a The Front Door. Como si de un auténtico hombre invisible se tratara, Liu Bolin es un artista chino cuyos performances y fotografías sorprenden y engañan al ojo, pues parece desaparecer en el paisaje. Reconocido mundialmente y sancionado en ocasiones por el gobierno chino, Liu Bolin retrata paisajes urbanos en donde su figura parece desaparecer, pues en su discurso afirma que la sociedad no se da cuenta de los problemas que vive día a día. Con gran técnica, un poco de humor y mucha vena estética, Liu Bolin es uno de los más importantes exponentes del arte contemporáneo chino. También en el terreno del arte echamos un vistazo a las portadas más icónicas de la revista The New Yorker, la publicación que durante décadas a plasmado con humor la vida neoyorquina, y en la que han colaborado extraordinarios ilustradores y artistas, haciendo que, a través de sus portadas, se narre nuestro momento histórico reciente. Y es que las artes gráficas, más allá de su valor estético, son la voz con la que reconocemos los símbolos de la vida cotidiana, sean productos o mensajes políticos. Y en nues-
tras páginas podrá también deleitarse con un recorrido visual extraordinario por el mundo del diseño gráfico, en un artículo que hemos titulado “Diseñar en Presente”. Viajamos hasta la Antigua, en Guatemala, descubriendo callecitas, rincones e imponentes monumentos coloniales que no dejan de sorprender con su descomunal belleza. Sin lugar a dudas es esta ciudad, a los pies de inmensos volcanes, una de las joyas más preciadas de nuestro continente, pues además de su importante pasado es hoy un legado de culturas, de paisajes y de una gran oferta culinaria. No hay que dejar de ir, por supuesto de la mano de The Front Door. De regreso a México nos adentramos en Casa Wabi, en la costa de Oaxaca, un espacio que se ha convertido en el nuevo refugio para artistas de todo el mundo. Y para cerrar con broche de oro les ofrecemos un recorrido a los más hermosos parajes de campos de golf, pues como bien saben el golf es mucho más que un juego, se trata de un estilo de vida en que la mayor competencia es uno mismo. Esa experiencia no se compara con nada, afirman los fieles y asiduos golfistas. Desde los nuevos campos en la Riviera Maya, hasta los de Baja California con impresionantes acantilados, los paisajes en los que están inmersos estos campos son tan apasionantes como el juego mismo. Y así, de la mano de The Front Door, los invitamos a descubrir y sumergirse en un mundo fuera de serie, de personajes excepcionales y sitios a los que querrá regresar mil veces, pues ser su conserje personal es nuestra misión, y en estas páginas encontrará la guía perfecta para iniciar un viaje descomunal. ¡Que lo disfruten!
Gerardo Rioseco Director General / The Front Door
el Contenido No. 02 | Ideas estéticas | Primavera 2014
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ABRIDORES
08 The Editorialist
El arte está en todas partes. En especial en la creciente oferta de la Ciudad de México.
10 El Blog
Bimba & Lola, Bobbi Brown y Shinola son los protagonistas de nuestras recomendaciones para esta primavera.
16 De la A a la Z
Viajar por el mundo es un privilegio. Conozca algunos datos curiosos del pasatiempo favorito de muchos.
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CENTRALES
22 El perfil: Liu Bolin por Andrea Villanueva El artista chino visitó México por primera vez para presentar su obra y realizar un par de performances.
30 El perfil: Gregg Anderson por Santiago Oria Probert Aprovechamos la visita del Vicepresidente Global de The Registry Collection a Puerto Vallarta para platicar sobre su historia y sus hoteles.
38 The New Yorker por Andrea Villanueva Revisamos las portadas más icónicas de la publicación para descubrir qué hay detrás de cada ilustración.
46 Diseñar en presente por Julieta García / Cynthia Márquez No hay que dar por sentado el diseño gráfico, ya que es una de las disciplinas que más influencia tiene en nuestra vida diaria.
54 Economía del Don por Santiago Oria Probert Nuestro mundo quizá aún no esté listo para esta corriente que cambiará la forma en que se hacen negocios.
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FINALES
62 El Destino
Antigua, en Guatemala, es uno de los destinos más hermosos del continente.
66 La Musa
Descubrimos la inspiración detrás de algunas de las bolsas más icónicas.
70 La Galería
Casa Wabi en Oaxaca se ha convertido en el nuevo refugio para artistas de todo el mundo.
74 Leisure
El golf es el deporte por excelencia cuando se trata de competir con uno mismo.
78 El Coleccionista
El coleccionismo en México no es nada nueva, conozca cómo comenzó esta costumbre en nuestro país.
80 El Libro
Dressing for the Dark es el libro que elegimos esta edición.
el Directorio
No. 02 | Ideas estéticas | Primavera 2014
Dirección Eduardo Sanmiguel Director general Marcela Aguilar y Maya Directora asociada
Editorial Santiago Oria Probert Director editorial santiago@aeditores.com Andrea Villanueva Coordinadora editorial andrea@aeditores.com
Arte Yair Orozco Director de arte yair@aeditores.com Fernanda Carrasco Edición fotográfica fernanda@aeditores.com
Gerardo Rioseco Director General Mauricio Carreón Director Comercial Carlos Velázquez Subdirector de Producto Hugo Jiménez Director de Marcas y Comunicación Ricardo Sánchez Subdirector de Marcas y Comunicación Anne Marie Chorné Coordinadora de Marcas y Comunicación
Síguenos en: 01(800) 841 8390 myfrontdoor@posadas.com TheFrontDoorMX @TheFrontDoorMX thefrontdoormx
Colaboradores Diana Amador | Michel Bellego | Daniel Benítez | Daniela Cuevas Guerrero Ignacio Galar | Julieta García | Carlos Sánchez-Morán | Rodrigo Rivero Lake
Consejo Editorial Marcela Aguilar y Maya | Anne Marie Chorné | Carmen Cordera | Allan Fis | Julieta García Hugo Jiménez | Bruno Newman | Santiago Oria Probert | Mónica Patiño | Ricardo Salas Ricardo Sánchez | Eduardo Sanmiguel | Gonzalo Tassier Las opiniones de los autores no necesariamente representan el punto de vista de los editores o la editorial. The Front Door by La Revista, es una publicación de A/EDITORES sobre estilo de vida y viajes especialmente creada para The Front Door. A/EDITORES, Leibnitz 20, piso 8-801, Col. Anzures, C.P. 11590, México, D.F., Teléfono: 5281 1778. The Front Door, Paseo de la Reforma 155, 1er. piso, Col. Lomas de Chapultepec, C.P. 11000, México, D.F., Teléfono: 9138 5700 The Front Door es una marca registrada propiedad de Grupo Posadas, S.A.B. de C.V., todos los derechos reservados. Revista trimestral. Número 2, primavera 2015. Editor responsable: Marcela Aguilar y Maya. El contenido de los artículos es responsabilidad de los autores y anunciantes. Todos los derechos reservados. Prohibida su reproducción parcial o total incluyendo cualquier medio electrónico o magnético para fines comerciales. La información contenida se ha obtenido de fuentes que se consideran fidedignas. Distribución interna por: The Front Door. Impresa por Documaster, Av. Coyoacán # 1450 Bis Col. Del Valle C.P. 03220, México D.F., Teléfono: 5524 2383. La Revista, el mundo del buen gusto: Número de reserva al Instituto Nacional de Derechos de Autor 04-208-092913333400-102. Número de certificado de licitud de contenido No. 11997. Número de certificado de licitud de título No. 14424.
En portada: Liu Bolin La Revista, el mundo del buen gusto, es una publicación de estilo de vida que aborda lo mejor de la cultura, el arte, arquitectura, gastronomía, viajes y diseño, así como las más destacadas tendencias, con un enfoque limpio, creativo e inteligente.
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ABRIDORES
“A mí dadme lo superfluo, que lo necesario todo el mundo puede tenerlo.” —Oscar Wilde
Galería Johannes Vogt, NY
The Editorialist Gabriel de la Mora, Galería OMR, CIudad de México
por: Marcela Aguilar y Maya fotos: Cortesía
Galería Arróniz, Ciudad de México Galería Ethra, Ciudad de México
Galería Art Lexing, Miami
8 | The Front Door by La Revista
El famoso dramaturgo ruso Antón Chéjov lo dijo mejor que nadie: “Las obras de arte se dividen en dos categorías: las que me gustan y las que no me gustan. No conozco ningún otro criterio”. Y pues sí, así como en gustos se rompen géneros, en el ámbito del arte reina la subjetividad, sobre todo en el contemporáneo, donde la oferta tan basta y “original” de obra rebasa a los mismos críticos y coleccionistas. El pasado mes de febrero se llevó a cabo en la Ciudad de México la feria de arte contemporáneo más importante de Latinoamérica, ZONA MACO, evento anual donde se reúnen más de 72 galerías de 17 países como Alemania, Brasil, Dinamarca, España, Estados Unidos, Francia, Gran Bretaña, Italia, México, Suiza, Turquía y Venezuela. Durante cuatro días, galeristas conviven con coleccionistas —que muchos denominan el art set—, visitantes anónimos y curiosos en general, que pueden ser testigos de las propuestas de arte que rigen el mercado. Es interesante que este año se incluyera una sección de Nuevas Propuestas que incluyó a 23 galerías que presentaron artistas emergentes bajo una selección que da prioridad a artistas que viven y trabajan en América Latina o que tratan en su obra temas relacionadas con la región. Es fenomenal ser testigo de la creciente oferta artística de la Ciudad de México y presenciar ferias como ésta que son las que ponen a esta ciudad en el radar del mundo del arte a nivel mundial. Los organizadores, Zélika García y Pablo del Val, sin lugar a dudas se anotaron un diez.
Zona MACO
Colección Stavenhagen
Centro Cultural Universitario Tlatelolco
Entre las galerías que participaron estaban algunas de las más prestigiadas a nivel mundial, como Caja Negra (Madrid), PEPE COBO (Lima), Victoria Miro (Londres), Raffaella Cortese (Milán), Paul Kasmin (NY) y el regreso, después de varios años de David Zwirner (NY). También estuvieron Dittrich & Schlechtriem (Berlín), Nils Staerk (Copenhague), Von Bartha (Basilea), Michael Fuchs, (Berlín), Andréhn-Schiptjenko (Estocolmo) y, por supuesto, las más destacadas galerías de México: Kurimanzutto, Hilario Galguera, Labor, Proyectos Monclova, Galería de Arte Mexicano entre muchas, muchas otras. Pero la oferta artística no acaba en ZONA MACO, pues en este inicio de año las exposiciones y eventos culturales están por doquier: en la galería OMR de la colonia Roma —en la Plaza Río de Janeiro— está la muestra de la obra más reciente de Gabriel de la Mora, uno de los mejores artistas contemporáneos mexicanos. Se titula “Función” y muestra la obra obsesiva del artista quien, a manera de archivista, reúne gran cantidad de objetos desde suelas de zapatos usadas y pedazos de cascarón de huevo, hasta mantillas de impresoras offset y lijas de cajetillas de cerillos. Cada material presenta la evidencia de la interacción humana-puntos de contacto, el paso del tiempo, el uso y desgaste de la vida. Al refinar y descontextualizar los objetos descartados, de la Mora crea una sintaxis visual a través de la cual se pueda comprender el lenguaje detrás del objeto cotidiano. La Ciudad de México siempre tiene sorpresas guardadas y no dejo de emocionarme al “encontrar” espacios que, a pesar de haber vivido toda mi vida aquí, aún desconocía. Tal es el caso del Museo de Tlatelolco (tlatelolco. unam.mx), donde además de conciertos, talleres y conferencias, hay exposiciones que vale la pena visitar. Una de ellas esla “Colección Stavenhagen”, donde se mira el pasado prehispánico desde una perspectiva artística a través de piezas arqueológicas extraordinarias por su forma, su expresividad, su armonía y su composición. Esta exposición temática permite apreciar la diversidad, riqueza y creatividad de los grupos mesoamericanos: chamanismo, ritualidad, enfermedades, sexualidad, la familia, la vida y la muerte están presentes en más de 500 piezas de esta colección. Y al salir se puede acompañar con un buen concierto de jazz, o de música clásica todos los domingos al medio día. Definitivamente, una ciudad muy artsy que no deja de sorprender…
Galería Luis Adelantado, Mexico DF
Galería Dillon, NY
Centro Cultural Universitario Tlatelolco
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ABRIDORES
el Blog
pág. 010 Damos la bienvenida a la primavera con bolsos llenos de color, innovadores relojes y un poco de historia sobre viajes.
por: La Redacción fotos: Cortesía
Shinola
Aterriza en México desde Detroit Garantía de por vida En Shinola creen que un producto debe estar creado para durar y no para cambiarlo por el modelo más reciente en menos de dos años. Es por eso que la marca decidió crear relojes que duren toda una vida. O hasta más. A partir de marzo de este año, todos los relojes hechos a mano por Shinola están garantizados de por vida —bajo sus términos y condiciones— porque confían absolutamente en el proceso de producción y en que ofrecen un producto excepcional.
De venta en el Palacio de Hierro | shinola.com |
Shinola
Cuando se pensaba que con la recesión la ciudad de Detroit no volvería a tener una buena época, una marca decidió que era el momento ideal para establecer un negocio ahí. En otoño del 2011, Shinola, una marca del conglomerado Bedrock Manufacturing, Co., fue creada con la creencia de que cualquier producto —ya sea un reloj, artículo de piel o hasta una bicicleta— puede ser creado con calidad e integridad. Por ello, decidieron que construirían estos artículos a mano y de manera local, eligiendo la ciudad de Detroit como su base de operaciones. La “Ciudad Motor”, como se le conoce por haber sido el centro del desarrollo de la industria automotriz, es una ciudad con un enorme sentido de comunidad y una enorme tradición de manufactura, por lo cual fue el lugar perfecto para el desarrollo de Shinola.
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Sus primeras piezas se agotaron gracias a un anuncio (a la antigua) en un periódico. En ese momento los relojes aún no se habían producido y en poco tiempo la marca se ha hecho de un nombre, a tal grado de que se han unido grandes de la talla de Oscar de la Renta —con quien se produjo una edición especial— así como la producción de mil relojes de bolsillo en honor a Henry Ford. Con la intención de entrar en el mercado latinoamericano, eligieron México como punto de partida y, aunque por ahora venden únicamente en el Palacio de Hierro, su intención es tener una tienda como su flagship en Detroit o la sucursal de Nueva York, que mucho más que simples puntos de venta son sitios que buscan crear comunidad. ¡No podemos esperar!
EL BLOG
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viaje de color → Un Hot Collection de Bobbi Brown Disponible a partir de marzo en Liverpool, Palacio de Hierro y Sak’s Fifth Avenue bobbibrowncosmetics.com
Bobbi Brown, experta en maquillaje y fundadora de la marca que lleva su nombre, y la modelo Kate Upton se unieron para crear una edición limitada a la que llamaron Hot Collection. La colección está inspirada en el pueblo natal de Kate, en Florida, y combina sutiles tonos nude con toques de color intenso, esta paleta de color representa los tonos nude cálidos de la playa y las brillantes luces artificiales de Miami. La modelo, considerada por muchos divertida y con una personalidad brillante, seleccionó cuidadosamente cada tono y producto de la colección para reflejar su estilo de vida juguetón y playero. La línea incluye un estuche de sombras combinables que van bien con todos los tonos de piel; para los labios presentan Art Sticks —que son lápices con una fórmula de larga duración que se desliza suavemente—en tres colores (Hot Berry, Hot Pink y Hot Orange) y una edición de Sheer Lip Color Shade Extensions en los mismos tonos; para cerrar y con un enfoque muy natural para resaltar las mejillas, están las Cheek Palettes que incluyen dos tonos de blush y un iluminador aperlado cada una, las tres opciones son Calypso, Pink, Berry. El mejor resultado surge de combinar unos ojos nude bien definidos con labios. Tal como lo haría Kate Upton.
Makeup Lesson Bobbi Brown cree que el maquillaje debe de ser personal, simple y accesible, por lo tanto, en todos los mostradores de Bobbi Brown Cosmetics hay expertos disponibles para enseñarle a las mujeres a incorporar la nueva Hot Collection en distintos looks. Sin importar cuál elija cada mujer, su Makeup Lesson concluye con la creación de un Face Chart personalizado para ayudarla a recrear el look en casa.
primavera tropical → La de Bimba & Lola C.C. Antara, Ejército Nacional 843, Polanco, México, D.F. | bimbaylola.com
Evocando a la gran Carmen Miranda, la marca española lanza su colección de nombre Tropicana para la primavera de 2015. Con una inspiración absoluta en Brasil, con sus animales exóticos, coloridas frutas y paisajes sin igual, Bimba & Lola ofrece a su fiel clientela siluetas limpias inspiradas en la moderna arquitectura de Brasilia que contrastan con estampados alocados de tucanes y plátanos. Se añaden trajes de baño y espectaculares prendas en neopreno; los bolsos también han evolucionado y han dejado atrás el logo del perrito para dar paso a uno mucho más moderno. Brasil es la inspiración perfecta para este año, ya que se ha convertido de alguna forma en el centro del mundo, y es que desde el 2013 los ojos se han postrado en este país tanto por su Mundial de fútbol y los Juegos Olímpicos, como por las protestas que estos eventos han generado. Aun así, no hay país más colorido y lleno de vida que Brasil. Perfecto para la mujer que busca representar Bimba & Lola. ACME Crocodile Print Para la edición 2015 de Salón ACME, del 5 al 8 de febrero, Bimba & Lola estará presente por primera vez en México con una pop-up
store en la que presentará también una colección cápsula que toma como inspiración mosaicos de las calles de Brasil (muy en sintonía con la colección Tropicana).
La artista gráfica Scarlett Baily estará presente creando ilustraciones para los asistentes. Así, la marca reafirma su vínculo con el arte contemporáneo.
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ABRIDORES
Brothers → Brooks 190 años vistiendo caballeros Arcos Bosques, Paseo de Tamarindos 900, Bosques de las Lomas, México, D.F. BrooksBrothersMexico brooksbrothers.com |
Tom Ford Beauty Tras su salida de la casa italiana Gucci, parecía que Tom Ford tomaría un nuevo rumbo en su carrera. El diseñador dirigió la película A Single Man en 2009 y muchos pensaron que no regresaría a la moda. En lugar de eso, su marca ha resurgido como una de estilo de vida, incluso diseña ropa para niños. Su línea de belleza se ha convertido en un objeto de culto. La colección de cosméticos ofrece los tratamientos para la piel más efectivos y los colores para labios y ojos más emocionantes. “El maquillaje es la forma más potente de transformación de una mujer”, ha dicho Ford. Y su línea lo deja muy en claro.
Brooks Brothers ha sido parte del guardarropa del caballero moderno durante más de 190 años, no por eso ha dejado de innovar y esta temporada la marca explora su icónico estilo: una elegancia atemporal es el estilo que caracteriza a la nueva colección. La colección incluye chalecos tanto debajo de trajes, como tejidos y a manera de pieza central. La siempre lujosa y durable lana Saxxon, una exclusiva de Brooks Brothers, es ofrecida en todas las piezas; desde piezas hechas a la medida hasta suéteres. La paleta de colores, por supuesto, es otoñal y va desde el verde oscuro, mostaza y azul marino hasta acentos de rosa y morado obscuro. Los rombos, otra detalle clave de esta temporada, se encuentran en los tejidos, accesorios y camisas. Esta temporada, además, Brooks Brothers presenta su nueva marca, Red Fleece, con un giro juvenil al estilo clásico de la marca en el que los clásicos de la familia Brooks Brothers son re interpretados en una gran variedad de colores frescos mezclados con chinos bordados, camisas y accesorios.
Absolu → Patchouli Lo nuevo de Tom Ford De venta en el Palacio de Hierro y Sak’s Fifth Avenue | tomford.com
Tom Ford es el rey del lujo y para su fragancia más reciente reinventa uno de sus ingredientes favoritos: el pachulí. Ford decidió transformar ese ingrediente en una fragancia nueva y visionaria, sensual como todo lo que hace, y la llamó Patchouli Absolu. La fragancia unisex es una oda personal del diseñador para la nota olfativa más icónica de los años setenta, la cual evoca una sensualidad sórdida y el glamour de la noche, así como la combinación excitante de lo masculino con lo femenino que definió la era. Patchouli Absolu mezcla tres versiones opulentas y diferentes de este ingrediente: el aceite de pachulí aporta una textura cruda y primaria; el corazón de pachulí —suntuoso extracto de la planta— aporta una cualidad terrosa, refinada y evasiva; y una iteración innovadora de pachulí llamada clearwood, usada por primera vez en la perfumería, es la interpretación más pura del aroma. La fragancia abre con una invitación de aromas obscuros, frescos y contrastantes como hoja de laurel y romero combinados con musgo; el corazón alberga el trío de pachulí rodeado por maderas provocativas; por último, la sensualidad cautivante de los granos de tonka y el ámbar, se mezclan con almizcles y notas de cuero para adornar la piel con una seducción descarada. Nada más Tom Ford que esta fragancia.
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Sobre Brooks Brothers Fundada en 1818, Brooks Brothers fue el primero en ofrecer ropa prêt-à-porter y a lo largo de los años ha creado productos icónicos que incluyen los primeros trajes prêt-à-porter, el botón original debajo del cuello, la franela y la camisa que no necesita planchado. Casi dos siglos tras su fundación en Nueva York, Brooks Brothers mantiene las mismas tradiciones y valores ahora que es una marca internacional legendaria.
EL BLOG
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→ Resaca o cómo salir del abismo Oliveira, L.M., Resaca, Literatura Random House, México, 2014 |
Cuando nos encontramos en caída libre es difícil saber en qué momento vamos a tocar fondo, aún más complicado es entender cuál va a ser nuestra transformación cuando al fin logremos levantarnos. Resaca (Random House, 2014), el más reciente libro de L.M. Oliveira, nos relata en sus páginas el crudísimo retrato de esta realidad a la cual todos, en diferente medida, nos enfrentamos. En la historia del Dr. Pablo Palacios sorprende descubrir que la zona de confort es mucho más frágil de lo que imaginamos. En el caso de nuestro personaje, la súbita pérdida de su hija, de su esposa y de Romina, su gata, podrían parecer sucesos que abalanzarían a cualquiera a la locura, pero sólo al entenderlos como consecuencia se descubren en todas sus dimensiones. La debacle, además, no está en los sucesos externos, en aquello que muchas veces no podemos controlar, sino en nosotros mismos, en los miedos, corajes y frustraciones que acumulamos hasta convertirlos en demonios que siempre, algún día, habrán de despertar de su letargo. Acallar esas voces no es fácil, como nos lo van demostrando en mezclas de humor y desolación
@munozoliveira
las frases del autor, y el alcohol es quizá la forma más fácil de olvidarlas. Acompasando con el ritmo vertiginoso de la caída, poco a poco el lector comienza a apoderarse de las emociones del personaje, ya que independientemente de las ideas de justicia que cada uno pueda poseer, la caída del Dr. Palacios lo acerca a nosotros al presentarlo cada vez más débil, más humano, cada vez más Pablo. La aparente reconciliación del personaje con el mundo es fascinante y a la vez común. La culpa muchas veces nos obliga a compensar y los errores que cometimos se reflejan igual de extravagantes en nuestra búsqueda de salvación. Así, el renovado protagonista comienza a divagar por los caminos de la filosofía y del humanismo complaciéndose a sí mismo, manejando así el desgaste físico y emocional de su caída. Finalmente, como apunta Oliveira a través de sus personajes, “Por supuesto que se puede disfrutar la resaca, es incluso el momento más elevado y lúcido de la fiesta”. El libro culmina manifestando nuestra humanidad más primitiva y nos despierta del ensueño con un balde de agua fría. Quizá el fin del precipicio. —SOP
El autor Luis Muñoz Oliveira nació en la Ciudad de México y es filósofo además de escritor. Ha colaborado en revistas como Letras Libres además de ser investigador del CIALC y profesor de la facultad de Filosofía y Letras de la unam. Es autor de la novela Bloody Mary (Mondadori, 2010) y el ensayo sobre la tolerancia La fragilidad del campamento, entre otros. En algún momento de su juventud escribió y publicó poesía, pero jamás un cuento. Oliveira presentará su libro el 28 de febrero a las 19 hrs en el salón Bernardo Quintana del Palacio de Minería.
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ABRIDORES
El estudio de diseño Baume & Mercier Un reloj de Baume & Mercier es una mezcla de modernidad y tradición, de autenticidad y creatividad, es por eso que en el estudio de diseño, dirigido por Alexandre Peraldi, se encuentra el secreto del éxito del departamento de producción. El proceso que lleva a la creación de un reloj, o una colección de los mismos, busca fusionar una visión contemporánea con las reglas tradicionales de la creación de relojes. Lo que tienen en común todas las colecciones es que están, de algún modo, inspiradas en modelos históricos del museo de la maison, son reinterpretaciones libres del estudio de diseño creadas con talento fresco para incrementar la cada vez más grande familia Baume & Mercier.
& Mercier → Baume El tiempo de la mujer @baumeetmercier |
BaumeEtMercier
Baume & Mercier es una de las casas relojeras suizas más importantes y esta temporada presenta la colección femenina Promesse. La casa busca dar a las mujeres un reloj que revele su verdadera personalidad, una tradición iniciada por Louis-Victor Baume en 1869 cuando ofreció a su Mélina un reloj de bolsillo de oro. Cuando William Baume y Paul Mercier se unieron en 1918 para crear Baume & Mercier Genève decidieron continuar con la tradición de los relojes femeninos representativos del art decó. Desde los años cincuenta, la era dorada del reloj de pulsera, pasando por los setenta —cuando la marca
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obtuvo el primer lugar en los premios Golden Rose para relojes y joyería por sus innovadores modelos— Baume & Mercier se ha distinguido por dar a la mujer el lugar que se merece y no relegarla a modelos más pequeños de los que se crean para los hombres. Es por eso que se creó Promesse, una colección delicada y atemporal. De estilo femenino, Promesse es descendiente directo de un modelo de Baume & Mercier de los setenta que se encuentra en la colección del museo de la marca. El modelo es un perfecto círculo de 30 o 34 mm absolutamente clásico y que nunca pasará de moda.
El diseño está presente en los catorce distintos y elegantes modelos que pueden ser tanto mecánicos como automáticos y van desde un sencillo reloj con correa de piel en negro, hasta la más lujosa versión en piel de cocodrilo blanca —aunque también se ofrece la opción en negro—, rodeada por 61 pequeños diamantes. Cada una de las versiones lleva elegantes números romanos sobre un fondo nacarado, surgiendo como una extensión de la mujer que lo lleva, un reflejo de su alma. Ya sea que elija un modelo sencillo y clásico o uno mucho más lujoso, Promesse será un reflejo de su personalidad.
EL BLOG
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Bally y su nuevo director de diseño Pablo Coppola —argentino de nacimiento y con experiencia en casas como Tom Ford, Alexander McQueen, Dior, Burberry y Cèline— es el nuevo director de diseño de Bally. Coppola fue elegido por el ceo Fréderic de Narp por su ntendimiento de la marca y su habilidad para canalizar la energía de un equipo en una visión más fresca para el futuro de Bally. Graduado del Institut Francais de la Mode de París, Coppola se desempeñaba antes de unirse a Bally como director de accesorios en Tom Ford. El enfoque de Coppola para Bally incluye un renovado enfoque en la innovación y el trabajo artesanal.
→ Bally El poder de la piel bally.com |
Bally |
@bally_swiss
Bally abrió el pasado mes de septiembre su primera flagship store en México como parte de su expansión mundial y renovación. Sobre la mítica avenida Masaryk y como parte de la creciente oferta de marcas de lujo en nuestro país, Bally ofrecerá aún más productos de los que ofrecían en tiendas departamentales. El nuevo ceO de Bally,
Fréderic de Narp, aseguró que México es un gran mercado para ellos y por eso lo eligieron como punta de lanza para entrar a Latinoamérica. En una superficie de 250m2, la nueva tienda se erige para exhibir las colecciones de hombre y mujer de la marca que van desde los conocidos y amados zapatos, hasta la línea de bolsas y
maletas, así como una renovada línea de accesorios y ready to wear que completan la nueva cara de la marca. Bally reafirma su compromiso de ser una marca moderna, con una construcción de gran calidad, suiza de origen pero de reputación global y está lista para satisfacer a los exigentes consumidores mexicanos.
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ABRIDORES
De la A a la Z ABUSO
a• DE
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L LU J O
Viajes para recordar
Ilustraciones: Daniel Benítez
De lujos y exceso Las vacaciones son la mejor oportunidad para hacer las cosas que en su vida cotidiana pueden parecer imposibles, como descansar. Pero también son el momento oportuno para dejar la zona de confort y experimentar nuevos paisajes, nuevas rutas, comida extraordinaria y acercarnos a lo que —aparentemente— nos es ajeno. Los viajes son mucho más que sellar el pasaporte y cambiar de huso horario, se trata de sumergirnos en un mundo desconocido no sólo para aprender y explorar, sino también para comprender de dónde venimos y por qué vamos a donde hemos llegado. Si existen decisiones que marcan nuestro presente y nuestro futuro, los viajes son sin duda una de las elecciones que dejan una huella permanente en nuestras vidas. Sin importar el presupuesto, los gustos personales, las fobias y nuestras secretas obsesiones, siempre hay un destino para todos y razones distintas para emprender una travesía. Al final, viajar es despegarse del mundo propio por un tiempo.
por: Diana Amador
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El concepto de comodidad ha expandido su reinado hasta invadir el mundo de lo ridículo: ya no basta con tener un asiento amplio y reclinable en un avión, una pantalla y algo qué comer durante el vuelo. Eso ya no es suficiente para quienes quieren mantener cierto nivel de confort, aun a 30 mil pies de altura. Pensando en quienes siempre quieren más —aunque no lo necesiten—, la aerolínea de Emiratos Árabes, Etihad Airways, convirtió sus naves A380 en un mini hotel cinco estrellas, con suites de 125 metros cuadrados. Estos aviones de dos niveles tienen la capacidad para albergar tres habitaciones premium nombradas “La Residence”, que son la primera clase dentro de la primera clase. Éstas cuentan con servicios como chefs, niñeras, mayordomo y un concierge. Estos espacios vip tienen su propia sala, dormitorio matrimonial y baño privado con ducha. En la categoría “First Apartaments”, por su parte, cada suite tiene minibar, baño privado, clóset y televisión. El resto del avión ofrece un 20% más de espacio personal que cualquier asiento de clase ejecutiva y los asientos se convierten en una cama totalmente plana de 204 centímetros. Hay además áreas especiales de oración para los pasajeros musulmanes, que están equipadas con un localizador de Qibla electrónico en tiempo real que muestra la dirección exacta de La Meca, basándose en la posición geográfica del avión. Todos los pasajeros en clase ejecutiva tienen acceso a “The Lobby”, una sala con servicios ubicada entre las cabinas de las dos clases, así como a las áreas donde pueden apreciarse varias obras de arte contemporáneo.
DE LA A A LA Z
BU QUE
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Viajar en barco Los transatlánticos con pasajeros se remontan al siglo xix cuando los barcos transportaban correo y carga. Samuel Cunard, fundador de la compañía naviera que lleva su nombre, no tenía idea de que estaba comenzando una nueva industria en 1830 cuando miles de personas se formaban para viajar de Inglaterra a Estados Unidos. Esto no era porque sus barcos fueran espectaculares sino porque eran más rápidos. Poco a poco, los navíos se fueron acomodando a las necesidadesde los pasajeros –de primera clase– hasta el punto de llevar una vaca a bordo para poder proporcionar leche fresca. Los inmigrantes que viajaban en barco lo hacían en tercera clase y eran abandonados a su suerte, tenían que encontrar su propio espacio para dormir en los rincones más incómodos del barco y llevar su propia comida. En 1900 los cruceros se convirtieron en el epítome del glamour y la sofisticación. El primer crucero de lujo zarpó en abril de 1912 y contaba con alberca, un café parisino y baño turco. En los días cuando viajar por mar era sinónimo de romance y glamour, la principal forma de entretenimiento en los cruceros era el juego de tejo. Fue Royal Caribbean quien instaló la primera pista de hielo en uno de sus barcos y hoy los cruceros tienen desde montañas rusas, tirolesas y simuladores de surf hasta paredes para escalar. Pero la industria ha decidido mirar al pasado: en 2010, varias líneas debutaron barcos estilo art déco como los grandes transatlánticos, otras ofrecen fiestas de despedida antes de zarpar y los pasajeros pueden invitar amigos a conocer el barco. 1. Camarotes primera clase 2. Comedor primera clase 3. Comedor tercera clase 4. Bodega para equipajes 5. Calderas
Ilustración tomada del Nuevo Tesoro de la Juventud, Volumen I, Barcelona circa 1946.
El majestuoso SS Normandie Conocido como el barco de luz, zarpó por primera vez en 1935. Fue el primer buque en lograr una velocidad media de 30 nudos, ganó cinco veces la cinta azul (premio al buque más veloz) y fue durante mucho tiempo el más grande. Después de 139 viajes, el transatlántico francés llego a Nueva York en 1939 y nunca más volvió a navegar. Los norteamericanos quisieron transformarlo en transporte de tropas, como hicieron con muchos otros transatlánticos en las guerras mundiales. Durante la transformación del Normandie, en 1942, una chispa de un soldador prendió una pila de chalecos salvavidas provocando el incendio que destruyó el transatlántico más espectacular de todos los tiempos. Pero el final del barco no fue el fuego sino el agua: tanta usaron para apagarlo, que el barco escoró y quedó semihundido, volcado en el mar. Así permaneció año y medio hasta que se trasladó a un astillero para transformarlo en portaaviones, proyecto que se abandonó y el Normandie fue desguazado en 1946.
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Documentar con estilo
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La generosidad, según la geografía
Everybody who’s somebody is there El mito de que los asiáticos pronto dominarán el mundo no es una exageración: son los países más poblados, las economías más grandes y boyantes y, entre los viajeros, sus ciudades arrebatan la popularidad a las europeas. El centro turístico más importante del mundo ya no está en París, sino en Hong Kong: recibe 23.7 millones de turistas al año (según un estudio de Euromonitor International). El segundo lugar es Singapur, el tercero Bangkok y hasta el cuarto Londres con sólo 15.4 millones de visitantes por año. Las ciudades de Asia Pacífico ocupan 32 posiciones de las 100 entre las urbes más visitadas. Aunque Alemania, Estados Unidos, Reino Unido, China y Rusia son los países con más turistas, para 2017 China será el líder en salidas internacionales. Las ciudades que alguna vez fueron parada obligada (Nueva York, París, Roma) ahora ocupan posiciones remotas como el octavo, el décimo y el duodécimo.
Cruzar el cielo miles de veces En las películas los personajes suelen llegar al aeropuerto y en cinco minutos tienen un vuelo directo a Zurich (para depositar dinero en efectivo). Las horas que suelen pasarse en las filas antes de un viaje son una sobredosis de realidad, pero en algunos
casos la frecuencia de los vuelos es suficiente para que cualquiera llegue al mostrador y en unos minutos tenga su boleto como cualquier estrella de televisión. Éstas son las rutas aéreas más transitadas que le permitirán viajar cualquier día casi a cualquier hora:
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Seúl − Jeju, Corea del Sur. Estas ciudades de Corea del Sur están unidas por 159 vuelos diarios realizados por cinco aerolíneas distintas. Río de Janeiro − Sao Paulo, Brasil. Dos las ciudades más importantes de Brasil, se conectan por 125 vuelos diarios de tres aerolíneas. Tokyo − Sapporo, Japón. Hay 119 vuelos de cuatro aerolíneas que lo llevarán entre estas dos ciudades. Helipuerto de Montecarlo-Mónaco − Niza, Francia. Hay 117 vuelos diarios de dos líneas de helicópteros. Madrid − Barcelona, España. Hay disponibles 116 vuelos diarios de cuatro aerolíneas. Melbourne − Sydney, Australia. Puede tomar cualquiera de los 116 vuelos diarios de ocho aerolíneas. Mumbai − Delhi, India. Cuenta con 103 vuelos diarios de nueve aerolíneas. Kahului − Honolulu,Hawaii. Cada día salen 98 aviones pertenecientes a cuatro aerolíneas. Johannesburgo − Ciudad del Cabo, Sudáfrica. Diario salen 96 vuelos de seis aerolíneas. Fukuoka − Tokyo, Japón. Tiene disponibles 92 vuelos de tres aerolíneas.
Más que pagar por un servicio, la propina es la gratificación por un trabajo bien hecho. Eso se cree en muchos países, pero hay otros donde dejar unas monedas en la mesa es de las mayores ofensas que pueden recibirse. Todo es relativo y cambia junto con la geografía. La palabra propina tiene su origen en el latín, propinare, que significa “dar de beber”, regalarle a una persona un trago. El porcentaje de este “trago” varía al cruzar las fronteras. En Estados Unidos, por ejemplo, es muy importante y puede llegar hasta el 22% de la cuenta. Si deja menos, seguramente le preguntarán varias veces si hubo algo del servicio que no lo dejara satisfecho. En países como Chile, México y Venezuela la propina es voluntaria, ronda el 10%, nunca se incluye en la cuenta y si no se dejara nada, es un gesto descortés pero no habrá gritos ni reclamos. En España y Francia dejar menos del 20% es una falta de respeto y el mesero le dirá que prefiere no recibir ni un euro. En algunos casos van a la segura y añaden a la cuenta el “servicio de mesa” que es más o menos el 15%. Aún así esperaran un par de euros extras. Por el contrario, en Singapur hay muchos letreros que prohíben claramente la propina. En China no es obligatorio y nadie espera que lo haga, pero si se dejara y ellos la rechazaran no es nada personal, es simplemente que no están acostumbrados. En Japón tampoco conocen las propinas y es mejor no intentar siquiera darles una gratificación, porque seguramente se sentirán más humillados y ofendidos que halagados por su trabajo.
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En busca del origen R U TA S
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El camino maya Desde el sureste de México hasta la selva de Honduras se conservan grandes vestigios de la que fue una de las culturas más importantes de Mesoamérica. Uno se adentra en la selva para descubrir pirámides y restos de palacios mayas. La ruta más completa incluye 100 sitios arqueológicos, pero también puede hacerse un recorrido más breve por los puntos neurálgicos de esta civilización. Desde el norte de Tabasco, la primera parada es Comalco, un centro urbano que es el único construido con ladrillos cocidos. De ahí hay que partir a Campeche, a Edzna, que tiene una pirámide de cinco pisos y uno de los sistemas hidráulicos más sorprendentes. En ese mismo estado la ruta sigue por Calakmul, en el centro
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Hay viajes interiores, otros para encontrarse a uno mismo y unos más en busca de respuestas. Para encontrarlas suelen hacerse largos recorridos y caminatas extraordinarias. Éstas son las tres rutas más antiguas y visitadas por quienes viajan también para comprender.
de la reserva de la biósfera que recientemente fue nombrada Patrimonio de la Humanidad. En Chiapas, el camino sigue por Palenque, después Tulum en Quintana Roo, Chichen Itzá en Mérida y la ciudad fortificada de Uxmal. Más al sur, en Belice, los aventureros que quieran ampliar su ruta deben visitar los centros arqueológicos de Altun Ha, Xunantunich, Nim-Li y Lubaantún. En El Salvador visitarán Joya de Cerén, conocida como la “Pompeya de las Américas”, El Tazumal, San Andrés y Casa Blanca. En Guatemala se incluyen en la ruta los sitios Tikal, Yaxhá, Uaxactún y Quiriguá. Finalmente, en Honduras, la ruta concluye en las ruinas de Copán, Las Sepulturas y el Parque Arqueológico El Puente.
La ruta inca Hay muchos caminos que llevan a Machu Picchu, pero ninguno como el camino inca. Son 43 kilómetros de bosques, niebla y llamas que miles de turistas recorren para llegar hasta la famosa Puerta del Sol y disfrutar de la vista más espectacular hacia las ruinas. El recorrido es casi un ritual de iniciación para los viajeros de aventura que dura entre dos y cinco días, y se puede hacer casi en cualquier época del año—excepto en febrero, cuando las lluvias arrecian y el camino se clausura temporalmente. La ruta más sencilla es una camino ascendente desde el kilómetro 104 hasta Wiñay Wayna, y dos horas más de caminata entre la vegetación te lleva a Machu Picchu. El camino por el Valle de
La navidad egipcia Egipto es escenario de uno de los capítulos más importantes de la historia bíblica y cualquier viajero puede revivirlo. Según el Evangelio de San Mateo, tras nacer Jesús, José y María huyeron a Egipto para escapar del rey Herodes, quien ordenó asesinar a todos los menores de dos años. Cuenta la tradición que la familia pasó cuatro años ahí, y si bien las rutas planteadas varían en orden, existen tours a los sitios relacionados con su peregrinaje. La ciudad de Tell el Farama, al noreste del delta del Nilo, fue su primera parada. Después, la familia se detuvo en Mostorod, al norte de El Cairo, donde hay una iglesia que protege la cueva donde la familia se refugió varios días. A pocos kilómetros,
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en Tell Basta hay un manantial que, según la Biblia, brotó milagrosamente cuando el niño Jesús se acercó a la zona. En el distrito de Matariya, en El Cairo, un antiquísimo sicomoro encorvado presume de haber proporcionado sombra a María; mucho más curiosa es la leyenda que asegura que en este barrio el pan no fermenta, por haberle negado ese alimento a la familia. Bajo la Iglesia de San Sergio y San Baco, en El Cairo antiguo, se encuentra otra cueva subterránea en la que la Sagrada Familia vivió y que miles de turistas visitan cada año. Para terminar su odisea, hay que ir a Maadi, donde la familia tomó un barco hacia el sur. Muchos dudarán de los relatos de los guías, pero la experiencia es inigualable.
Lares pasa por Ollantaytambo con los mejores paisajes del Valle Sagrado. Pero si quiere conocer las entrañas de esta civilización, la mejor opción es ir por el camino de la jungla que lleva desde Cuzco a Machu Picchu, pasando por Santa Teresa, y que se puede recorrer en bicicleta, caminando o en balsa. Esta ruta permite, literalmente, pisar suelo inca pues se avanza por el “camino de hierro”, la versión inca de una autopista. El acompañante infaltable es el río, su vegetación, las llamas que corren por los valles en libertad y el aire más fresco que puede respirarse. Tal vez aquí no está el origen del mundo, pero pareciera que es así.
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Estos datos curiosos sobre aviones, aeropuertos y pasaportes le serán de gran ayuda en su próximo viaje o simplemente satisfarán su curiosidad.
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¿Ya lo sabía?
Abrir las puertas de emergencia durante el vuelo es casi imposible. Están diseñadas para que sólo las asistentes de cabinas puedan abrirlas y en muchos aviones sólo se pueden abrir con un botón secreto.
A pesar de las normas de seguridad, recientemente una niña pasó el control en un aeropuerto de Turquía con un pasaporte de juguete que la identificaba con la foto de un unicornio rosa.
Envolturas de aluminio (como caramelos o ligas para el pelo), pequeñas botellas de alcohol, inhaladores y guantes de nieve hacen saltar las alarmas en los aeropuertos.
Los cinco países que no tienen aeropuerto están todos en Europa: Liechtenstein, Andorra, Vaticano y San Marino. ¿El motivo? Su tamaño.
El boleto de avión más caro de la historia fue para el primer vuelo del Airbus A380 de Singapore Airlines. Se pagaron 50 mil dólares por el boleto para una subasta de caridad.
El aeropuerto más visto en YouTube es el Aeropuerto Internacional Princesa Juliana en la isla de San Martín en el Caribe. Los aviones aterrizan tan cerca a la playa que se recomienda permanecer fuera de ésta cuando despega un avión por el aire caliente que los propulsa.
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La vuelta al mundo en 80 días… o menos Inspirada por la novela de Julio Verne, Nellie Bly, una reportera del New York World, propuso a los editores de su periódico una carrera para recorrer el mundo en 80 días. El 14 de noviembre de 1889, Bly partió desde Nueva York y, a pesar de los retrasos y complicaciones, regresó a la misma ciudad 72 días, 6 horas y 11 minutos después. Utilizó modos de transporte tan variados (trenes, transatlánticos, carruajes, catamaranes y bicitaxis) como sus destinos: Londres, Calais, Amiens, Brindisi, el Canal de Suez, Aden, Colombo, Hong Kong, Singapur, Cantón, Yokohama, San Francisco, Topeka y Chicago. A pesar de no tener mucho tiempo, incluso se dio a la tarea de visitar a Julio Verne en Francia. Lea el libro de Nellie, La vuelta al mundo en setenta y dos días, que relata su viaje histórico. Y si no es suficiente, siga sus pasos y visite algunos espacios relacionados con su viaje. ▶ Newseum (Washington, D.C., Estados Unidos): Una película en 4D le permite ir encubierto con Bly mientras descubre las horrendas condiciones de un manicomio, labor que la hizo famosa antes del viaje. ▶ Musee Jules Verne (Nantes, Francia): Conozca los conceptos que inspiraron al gran escritor de La vuelta al mundo en 80 días. ▶ Canal de Suez: El canal de Suez se abrió a la navegación sólo 20 años antes del viaje de Nellie Bly, por lo que para ella fue una gran emoción verlo.
Cuando viajar era sinónimo de glamour… Hubo una bella época, a mediados del siglo pasado, en que la comida en los aviones era mucho más elegante, se servían canapés y las aeromozas se cambiaban de atuendo para verse más atractivas a la hora de servir la comida. Los viajeros podían abandonar sus asientos y disfrutar del vagón de restaurante, pero el espacio y la economía significaba que las clases sociales bajas no viajaran por largo tiempo. Los vestíbulos de hoteles eran importantes centros sociales. Viajar tomaba mucho tiempo y los hoteles eran verdaderos hogares lejos de casa. Los hombres de negocios se reunían en los lobbies que estaban amueblados con amplias sillas de cuero, adecuadas para descansar y, por supuesto, fumar.
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LIU BOLIN nació en la provincia de Shandong, China en 1973. En 1995 se graduó con una licenciatura en escultura del Instituto de Arte de Shandong y en 2001 obtuvo su maestría también en escultura.
Liu Bolin Identidad, fotografía y escultura
por: Andrea Villanueva fotos: Ignacio Galar obra: Cortesía
Por primera vez visitó México uno de los artistas chinos más importantes de nuestros tiempos. Platicamos con Liu Bolin, lo vimos trabajar y hasta lo fotografiamos saltando sobre una cama. Esta es la historia. the-frontdoor.com 23
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La suite presidencial del Hotel Presidente Intercontinental (valga la redundancia) es un caos absoluto. Hay maquillistas y pintores, un chef y su asistente, latas de Red Bull vacías por todos lados y tres colombianos que no paran de hablar. Es difícil creer que estamos en el piso 42 de uno de los hoteles más importantes de la Ciudad de México porque las ventanas están cubiertas casi por completo y no se puede apreciar la vista. Por todos lados circulan personas con sudaderas azules a medio pintar pero con la cara completamente transformada en catrina. No es fácil entender el alboroto a mi alrededor mientras espero al artista chino Liu Bolin, el causante de todo esto. Resulta que Ai Weiwei no es el único artista chino contemporáneo haciendo olas. Una de las diferencias entre ellos es que a
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Bolin sí le permiten salir de China, lo que es sorprendente ya que también crea obras que molestan a su gobierno por su crítica social. Tanto así que cerraron su estudio en Beijing arbitrariamente. Aun así, Liu Bolin viaja por todo el mundo no solamente presentando obras, sino también creando al menos una que representa la problemática del lugar que visita. Al entrar al lobby del Hotel Presidente, nos encontramos con algunas fotografías que podrían ser consideradas parte de su trabajo más comercial, la serie en que pintó a diseñadores de moda —entre ellos Jean Paul
Gaultier, Angela Missoni y Alber Elbaz de Lanvin— perdidos entre un elemento característico de sus diseños. Estas fotografías fueron publicadas por un editorial de nombre “Lost in Fashion” en la edición de marzo de 2012 de Estados Unidos de la revista Harper’s Bazaar (esto, además de darle visibilidad a su obra, solucionaba un problema del artista: su piel comenzó a mostrarse afectada por la pintura y aún ahora necesita usar cremas medicinales). Pero también están preparados los escenarios “locales” en que el mismo Bolin se perderá en esta visita a México. El más característico es quizá un fondo compuesto por decenas de máscaras de luchador y que un par de días después sirvió para el performance que presenciaron más de 400 personas. Al preguntar si el artista chino se encuentra por ahí dando entrevistas, nadie sabe siquiera de quién se habla. Es únicamente al ver a una mujer pintada de catrina que los empleados del hotel recuerdan que algo de ese estilo está sucediendo.
EL PERFIL: LIU BOLIN
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LIU BOLIN COMO PERSONA
Para ser considerado un rockstar del arte, Bolin es sumamente accesible, aunque como a cualquier celebridad todos los que están presentes en medio del caos le piden fotos y autógrafos. Él, sin dudarlo, es parte de selfies y fotos de grupo, además de firmarle a quien se lo pida (groupies, ayudantes, pintores, fans…) una playera, un catálogo o un pantalón. Al preguntarle cómo se siente de visitar México por primera vez solamente sonríe, “muy bien, creo, perfecto”. Es su primera vez en el país y dice estar impresionado, la plática cambia entre inglés, mandarín y español —con la ayuda de su representante para América Latina, el colombiano Juan Camilo Montaña— y es emocionante aunque un tanto difícil de seguir. Por la mañana, antes de comenzar el maratón de entrevistas que ocuparía todo su día, una de las personas que sería pintada para la serie “Targets” —un conocido mexicano amante del arte que prefieren mantener en el anonimato— llegó con una escultura de Liu Bolin que había comprado siete años atrás en una galería. Se tomó una foto con el artista y la obra y procedió a ser pintado y fotografiado. Con una enorme sonrisa, aún con asombro, el artista cuenta esta peculiar historia, no tenía idea de que un mexicano fuera el dueño de una obra suya, mucho menos una que creó tantos años atrás.
“NO ES QUE YO ME SUMERJA EN EL E N TOR NO, SINO QU E E L E N T O R N O M E I N VA D E C OM P L E TA M E N T E . S I S OY ACTI VO O PA SI VO, NO DEPENDE DE MÍ.” –Liu Bolin
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Y de esta anécdota surge la pregunta que ignorantemente muchos (incluida yo) le formulan, “¿haces escultura? Pero si eres mucho más conocido por la fotografía.” Bolin siente cierto coraje al escuchar este comentario, que suele ser muy común. Ha estudiado tanto y ha trabajado tanto en escultura que siente que es realmente una pena que su trabajo como escultor sea tan poco conocido. Le pregunto entonces por qué no hace más escultura, “siempre estoy haciendo escultura”, contesta riendo. Lo que es cierto es que es para él un privilegio ser artista. “Siempre quise ser artista”, cuenta. “Pero tras terminar la escuela [tanto su licenciatura como su maestría en escultura] tuve muchos problemas y tenía que dar clases para ganar dinero. No tenía nada de dinero, ni trabajo. No era feliz”. Fue en ese momento que comenzaron a demoler la zona donde se encontraba su estudio y de la única forma que podía expresar su frustración era con el arte. Entonces su primera obra fue una propuesta contra esa situación y al querer resaltar el conflicto de las demoliciones en China, fue que dejó de ser invisible.
CRÍTICA SOCIAL
De regreso en la suite, es la crítica social lo que en este momento ocupa la mente de Liu Bolin —aunque él asegura no ser un artista político. Ya con el viaje a México planeado, estando en París el artista leyó en una revista Time la historia de los 43 normalistas desaparecidos en Guerrero y decidió que ese sería el tema que usaría para su obra de la serie Targets en México. Lo que hacen tantos maquillistas y pintores en este momento es crear los “personajes” que serán eventualmente los protagonistas de esta foto. Al saber que vendrían a México a hacer “Hiding in the City”, tenían varios meses planeando las obras que traerían, así como las que se crearían aquí, entre ellas su ya clásica foto entre revistas y una con máscaras de luchador. A pesar de que se piensa que es algo de pura estética, la serie comenzó con la idea de mostrar una problemática 26 | The Front Door by La Revista
Hiding in the City No. 33 - Promote Democracy, Strictly Follow the Law, 2006.
EL PERFIL: LIU BOLIN
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“ MI OBR A E S U N R E - P E NS A MIE N TO DE L A S O CIE D A D Y S U C OM P ORTA MIE N TO.” –Liu Bolin
Hiding in Colombia - Magazine Rack, 2013.
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L A IDE A DE TA R G E T S SURGIÓ EN COLOMBIA Y DE S DE E N TONC E S BOLIN BU S C A R E P R E S E N TA R U N PROBLEMA SOCIAL DE C A D A PA Í S Q U E V I S I TA de la sociedad, en ese entonces de China. Para Liu Bolin, la sociedad no se daba cuenta de los problemas que vivían día a día las personas, es decir, éstas eran invisibles. No es en realidad que él quisiera ser parte de sus obras, sino que quiere mostrar como en el día a día uno se olvida de aquéllas que sufren, la sociedad prefiere pensar que son invisibles. Ahora ha dejado atrás China como único escenario, creando una obra (o varias) de la serie en cada país que visita. Y entonces surgió también la idea de Targets, hace un par de años en Bogotá, que crea también en los países que son parte de su agenda. Ahora ya no es solamente él en sus fotografías siendo invisible, sino gente del país que visita que se une para criticar algo que, precisamente, no es un conflicto invisible. La primera vez que Liu Bolin visitó Colombia, Juan Camilo le contaba la historia del terrorismo en aquel país y se imaginó a los colombianos como “objetivos” o targets, de ahí el nombre. Pero no se trata de retratar a las personas como víctimas, se trata de hacer algo estético y que represente la fuerza de los habitantes del país en cuestión. Al conocer la historia de las catrinas y el día de muertos en México, dijo que le “encantaría pintar a las personas como catrinas, fundirlas con una flor que le dé vida a la obra y mostrar la fuerza del pueblo mexicano”. Se eligió el agave como una planta representativa del país, como algo que al llegar a cualquier otro lado se supiera que es México. Se invitó a 43 personas para representar a los desaparecidos, y en este caso fueron amigos de la galería, del hotel y de ellos 28 | The Front Door by La Revista
Galería Oscar Román La Galería Oscar Román abrió en 1991 para promover obras innovadoras, con cierto riesgo. Su coherencia en cuanto a criterios, calidad, pluralidad y la adecuada promoción, le han permitido generar un mercado nacional e internacional que la ha llevado a crecer en el espacio artístico y en el discurso crítico. Ha presentado más de 400 exposiciones de artistas nacionales e internacionales como Jesús Urbieta, Alejandro Arango, José Luis Bustamante, Rocío Caballero, Jorge Marín, Agustín Castro López, Luis Filcer, Vladimir Cora, entre otros. Con “Camuflaje” de Liu Bolin presenta una retrospectiva de todas las obras que el artista chino ha realizado en Nueva York, Roma, Beijing, Los Ángeles y París.
INFO Julio Verne 14, Polanco, México, D.F. T. (55) 5280 0436 galeriaoscarroman.mx Horarios Lunes a Viernes: 10 a 19 hrs. Sábados: 11 a 14:30 hrs. Facebook: Galería Oscar Román
EL PERFIL: LIU BOLIN
mismos (aunque en otras ocasiones han sido personas que “se han apuntado y llegan”, están abiertos a quien quiera colaborar en el proyecto) cuenta Juan Camilo. El background para esta imagen será una foto tomada por Fernando Marroquín en la que aparecen varios magueyes o agaves. Realmente sorprende que el trabajo de Liu Bolin sea considerado más pop o comercial de lo que en realidad es.
CHINA Y EL MUNDO
Liu Bolin dice que “viaja mucho porque es parte de su trabajo” y que entre sus ciudades favoritas están Nueva York y París, pero jamás consideraría mudar su hogar a una ciu-
dad que no sea Beijing (o Pekín, como él aún lo llama). Y es que China, según cuenta el artista, está experimentando un cambio que comenzó hace 30 años pero que en los últimos diez se ha acelerado. Para un artista, es un país lleno de inspiración e ideas al tratar de entender que el territorio se desarrolla a mayor velocidad que la sociedad. Es entonces que el foco del trabajo de Bolin es la sociedad china, mucho más que el gobierno o sus políticas, sino la reacción de los chinos a estas situaciones. A finales de los ochenta, con la apertura, surgió una nueva forma de ver el mundo en los chinos, hay nuevas visiones y opiniones pero también quienes preferirían que nada hu-
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biera cambiado. Como artista, busca explicar sus ideas y opiniones de la sociedad a través de personajes e imágenes, sin estar en contra, sino resaltando situaciones que le llaman la atención. Para finalizar, el artista chino asegura que le hubiera gustado tener una agenda menos apretada, quizá sin estar produciendo algo todos los días. “Me gustaría volver a México, estar más con la gente, más relajado y conocer más del país”. Y así termina un extraño encuentro en el que Liu Bolin seguirá dando entrevistas mientras da instrucciones a los pintores que lo ayudan, salta sobre la cama y pide a los reporteros que le tomen fotos con su celular. the-frontdoor.com 29
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GREGG A NDERS ON es vice presidente general de The Registry Collection, su trabajo es viajar a lujosas propiedades en todo el mundo. Estudió Comunicaciones en la Universidad Estatal de Florida y posteriormente arqueología en Florencia.
Gregg Anderson por: Santiago Oria Probert fotos: Ignacio Galar
En entrevista con Gregg H. Anderson, Vicepresidente Global de The Registry Collection, repasamos la actualidad del turismo, analizando el punto de vista de desarrolladores y viajeros por igual, siempre tomando en cuenta destinos, experiencias y el diferencial de lujo y estilo de vida que destaca tanto a The Registry Collection como a The Front Door.
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Más allá de la tranquilidad que nos daba el escenario — la hermosa propiedad de The Front Door en la Marina Vallarta— y el carácter accesible y alegre de Gregg Anderson, nuestra plática resultó ser una clase fundamental para entender la industria de la hospitalidad. Entre muchas, la primera sorpresa en la conversación surgió al escuchar que Gregg es arqueólogo, formación que parecería no tener relación con su profesión actual pero que desde muy joven le ayudó viajar, a vivir en lugares como Japón, Suecia o Italia, a moverse por el mundo con su familia. “De una u otra manera siempre he estado involucrado con el mundo del turismo”, cuenta. Más tarde, tras dos décadas de trabajar la industria del turismo y la hospitalidad, el negocio está en su sangre y “llegar a este puesto en The Registry Collection es una combinación de entrenamiento, conocimiento y experiencia. Soy un viajero que trabaja en lo que más me gusta hacer. Tengo el mejor trabajo del mundo, me pagan por ir a los mejores destinos y resorts. Es una buena vida”.
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A lo largo de estos 20 años, como es normal suponer, ha visto mucho en destinos, estilos de vida, formas de lujo, vacaciones, etc., por lo que está convencido de que “el lujo tiene diferentes significados para cada persona de acuerdo a la época del año y a sus circunstancias. Si una persona no viaja mucho y de un momento a otro tiene la oportunidad de ir aunque sea a un lugar muy cercano, pero a una residencia de primera categoría, ésa se convierte en la vacación más lujosa que ha tenido, pero si otra persona viaja al otro del mundo para dormir en una tienda de campaña, en un safari, esa es su experiencia de lujo y estilo de vida. Cuando yo trabajo incito a los desarrolladores a que determinen qué quieren obtener de sus propiedades y que construyan para personas que estén soñando con ir a ese tipo de vacaciones. Puede ser totalmente diferente en México que en India, son experiencias diferentes. Al hablar sobre desa-
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rrollo y lujo, hay que conocer escenarios y circunstancias para poder ofrecer algo que funcione”. Finalmente todo se trata de experiencias, “En los últimos diez o quince años viajar consiste en saber qué voy a sacar de la experiencia, ¿voy a aprender algo de comida, de música, de cultura? Y además tiene que ser cómodo y hermoso. Si tienes un lugar impresionante y no tienes las actividades, no es una buena vacación. En eso consisten ahora los desarrollos”. Adentrándonos más en la conversación, imaginando que todos los desarrolladores buscan ofrecer una experiencia única, pero a la vez están situados en el mismo escenario y con condiciones casi idénticas, la respuesta de Gregg resultó ser sencilla a la vez que contundente: “si voy a construir junto con otras diez propiedades, tengo que encontrar un valor agregado alrededor de lo que la gente va a experimentar en ese lugar, sobre todo en
PA R A GR EGG ANDERSON, VIA JAR CONSISTE EN S ABER QUÉ SE OBTENDRÁ DE ES A EXPEREINCIA EN ESPECÍFICO: C O N O C E R N U E VA COMIDA , MÚSIC A , C U LT U R A .
EL PERFIL: GREGG ANDERSON
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destinos alternativos para esquiar, realizar montañismo, golf, viajes de salud y bienestar o buceo, hay que desarrollar propiedades en función de que la gente pueda realizar dicha actividad. Es mucho más sencillo cuando descubres lo que las personas quieren y encuentras un lugar donde lo puedan hacer”. Esta búsqueda de experiencias cada vez más enfocadas obedece a un cambio en las audiencias, “ahora son las personas en sus 30 los que están alcanzando un pico económico. Antes eran los de 70. Pero para ambos públicos hay experiencias diferentes”, por lo tanto desde el punto de vista del desarrollador “puedes enfocarte en todas las edades, como lo hacen en Disney, pero eso es muy raro que pase hoy. Los desarrolladores piensan en un elemento primordial, en las actividades que puedes realizar, en las experiencias que se ofrecen en el destino, aunque siempre tendrás dónde comer, comprar y hacer otras cosas que no van a cambiar nunca. Hoy en día es muy complicado querer abarcar a todos. Eso ya no es recomendable”. De esta forma, cada compañía debe definirse dentro de este grupo, ofrecer algo distinto a un publico seleccionado y el tomar esa decisión es parte de su trabajo, ayudando a los desarrolladores a entender las nuevas tendencias, a descubrir qué está pasando en otras partes del mundo y en diferentes generaciones, “una de las cosas más complicadas pero que seguramente será exitosa, es aprender a hablar para personas que no pertenecen a tu generación”. Entre estos socios comerciales y clientes se destaca The Front Door, “un desarrollador de clase mundial con un gran grupo de trabajo”, ya que a través de uniones como ésta, en la cual se mezclan especialistas es que se han vuelto exitosos, “nuestro trabajo conjunto es sumar fortalezas y valores. Lo que la gente quiere saber es que tienen muchos beneficios y el poder ir a otros lugares y tener experiencias iguales o mejores es lo que hace diferentes a las compañías, en eso se ayudan The Front Door y The Registry Collection”. Juntos, la mezcla que ofrecen a sus clientes está repartida en varios niveles de lujo y exclusividad. Las diferencias obedecen a las necesidades de las mismas personas, the-frontdoor.com 33
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ES DE SUMA IM P ORTA NCI A PA R A LO S VIA JEROS DE LUJO DE HOY E S L A AT E NCIÓN A L DE TA L L E Y U N S E R V I CIO SIN IGUAL, MÉXICO OF R EC E E S TO Y M Á S . “muchos exigen algo mejor, ya sea por lugar, experiencia o servicio. Quieren más calidad en temas específicos. Entonces lo que hacemos es ofrecer esa posibilidad. Como desarrolladores hacemos diferencias entre productos que hacen felices a clientes distintos. Los niveles de calidad son parte de la audiencia y la segmentación cambia de acuerdo a cada destino, tomando en cuenta lo que quiero estar ahí y lo que quiero experimentar”. Hablando en específico sobre México como destino, Gregg menciona que para muchos clientes es interesante por su cercanía y facilidades en el hospedaje, pero que lo más importante no son los lugares hermosos, sino que la atención al detalle es impecable, el servicio se hace casual a altos niveles, algo que es difícil de conseguir pero que en México se hace muy bien. Finalmente, hablando sobre el futuro del turismo quedó remarcado que “el factor de creatividad para mantener el paso con el mundo es fundamental, a pesar de que la forma en que funciona la industria de la hospitalidad es muy tradicional en sus formas y riesgos. La innovación consiste en saber cómo puedo crear sinergias con otras empresas. Encontrar lo que yo hago mejor, lo que otro hace mejor y entre los dos ofrecer algo único y exclusivo”. A esta situación hay que agregarle el toque de responsabilidad que es ya una obligación para los nuevos negocios y en el caso del turismo corresponde a apoyar a los habitantes de la región, trabajar con artistas, granjeros, escuelas y todo tipo de productores locales, “lo mejor es que el 90% de las personas con las que trabajamos ya están haciendo algo así”. Así como la industria del turismo depende de las vivencias personales, la coherencia con la que vive Gregg Anderson su oficio hizo de nuestro tiempo de conversación, dentro de una de las propiedades The Front Door, una auténtica experiencia.
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L i b r os | r ev i sta s | d i s e 単 o | c o n t e n i d o
Primavera 2015 Llegamos a la época del año en que —por mucho que suene a cliché— es tiempo de renacer y florecer, de activar cada uno de nuestros sentidos. Por eso lo invitamos a redescubrir disciplinas que damos por sentado en nuestro día a día así como actividades del pasado que nos pueden llevar hacia el futuro. La Antigua Guatemala (p. 62) puede ser uno de los mejores ejemplos en el mundo de una ciudad que ha resurgido cual Fénix de entre las cenizas; la Economía del Don (p. 54) retoma la milenaria práctica del trueque pero la adapta a nuestra época; repasamos la historia de las ilustraciones en The New Yorker (p. 38), que a pesar de estar “chapadas a la antigua” no podrían representar mejor el mundo contemporáneo. Lo invitamos a redescubrir estos y otros placeres tan clásicos como modernos.
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El arte
análogo desechable de The New Yorker por: Andrea Villanueva / Yair Orozco
La revista neoyorquina por excelencia tiene casi 100 años de existir y reflejar el mundo cambiante en el que vivimos. El más claro reflejo de nuestros tiempos se encuentra presente en sus portadas que son siempre ilustradas y por lo general polémicas. Una historia digna de conocerse.
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The New Yorker es una revista que se publica semanalmente en los Estados Unidos y ofrece a sus (sumamente fieles, pero cada vez menos) lectores una interesante mezcla de artículos de investigación y opiniones sobre todo tipo de temas que van desde política y asuntos globales hasta cultura pop, tecnología y arte. Lo que la hace diferente, y que quizá sea gran parte de su éxito, es que incluye humor, obras de ficción, poesía y cartones. Ahora con 90 años de existencia (fue fundada en 1925), la publicación suele tener textos de los mejores escritores de su tiempo, lo que le ha hecho ganar más National Magazine Awards (Premio Nacional de Revistas de Estados Unidos) que cualquier otra revista y 33 desde que David Remnick tomó la dirección editorial en 1998. Hoy, una de las publicaciones más clásicas, que conserva el estilo con el que inició, también se mantiene un paso adelante con un excelente uso de redes sociales y su portal en línea, así como sus aplicaciones móviles. Pero es precisamente su esencia clásica lo que la ha hecho permanecer entre las favoritas de quienes admiran portadas de revistas de todo el mundo. Desde sus inicios, The New Yorker lleva siempre en sus portadas una ilustración. Ésta, sin embargo, no es cualquier ilustración. Se trata de una imagen relacionada con eventos actuales —como la portada del 19 de enero del 2015, creada por Ana Juan, que hace alusión al reciente atentado contra caricaturistas del semanario francés Charlie Hebdo— que usualmente toca temas delicados pero los presenta como crítica y no solamente una simple noticia. Esto se ha mantenido así en gran parte gracias al trabajo de Françoise Mouly —esposa del conocidísimo cartonista Art Spiegelman— quien es editora de arte desde 1993. Su relación con los artistas que crean las portadas está muy lejos de ser una relación normal, a tal grado que una vez le dijo a uno de ellos “piensa en mí como tu sacerdote”. Entre estos artistas se encuentran actualmente Barry Blitt, Christoph Niemann, Ana Juan, R. Crumb, quienes han recibido la instrucción de no guardarse nada al bocetar una portada. Eso significa que
una broma sobre el holocausto puede llegar a su escritorio. Aunque es muy probable que no se publique tal cual. Lo que sucede en estas ocasiones es que la idea inicial suele ser “demasiado provocativa, o provocativa sexista o demasiado racista”, dice Mouly, pero tras esa locura inicial se inspira una línea o idea que se irá desarrollando hasta convertirse en algo con la misma esencia que es mucho más publicable. En 2012 incluso se publicó un libro de nombre Blown Covers: New Yorker Covers You Were Never Meant to See con todas esas incómodas imágenes que no llegaron a la portada. Algo que tenía que suceder, ya que en 20 años como editora de arte, Mouly ha sido responsable de más de 100 portadas. Pero en realidad, de lo que hablamos aquí es de todas aquellas que sí llegaron a verse en puestos de revistas y que se han convertido en íconos de la actualidad. Para muchos una revista es algo efímero, para otros un objeto de colección, para nosotros una edición de The New Yorker es ambos. Es entonces cuando la portada ilustrada de una revista semanal se convierte en una obra de arte, tan efímera como un performance, pero a final de cuentas todo lo que implica su creación hace que realmente sea una obra de arte. ¿Y qué es lo que busca Françoise Mouly en una portada? El primer criterio, aunque no lo crea, tiene que ver con logística: al ser una revista semanal, la ilustración debe llegar a tiempo y ser pertinente con los temas actuales (en ese sentido, The New Yorker es casi como el internet). En segundo lugar está el buen gusto, ya que por más artística que sea la portada, ésta debe ser aprobada por el director editorial, David Remnick, quien sabe perfectamente la reacción que pueden causar estas portadas. Fuera de eso, nada está prohibido y Mouly motiva a los artistas a no guardarse nada. A continuación presentamos una (muy breve) selección de artistas y sus obras que, aunque efímeras, a través de los años han dejado huella en los fanáticos de la revista tanto por su temática como por la perfección en los trazos.
Cómo publicar una caricatura en The New Yorker Sería fácil pensar que es demasiado complicado lograr un lugar en la importante publicación, pero no es así si se siguen estos sencillos pasos. • La caricatura debe ser en blanco y negro, en dos dimensiones y con una frase. • Hacer una copia de la caricatura. Los editores pensarán que es una copia por lo que pueden rayar o maltratar el papel. • Enviar entre cinco y diez caricaturas acompañadas de una carta de intención. Puede ser por correo electrónico o tradicional. • Tras la espera pueden pasar tres cosas: a) que nunca vuelva a saber de la revista, b) recibir una respuesta negativa, c) la más emocionante, que reciba en dos semanas la noticia de que su caricatura fue aceptada. • Inténtelo de nuevo.
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Saul Steinberg Rumania, 1914 Hizo su debut en The New Yorker en 1941 y tuvo 90 portadas en 50 años de trabajo con la revista.
Steinberg (Râmnicul Sarat, Romania, 1914 – Nueva York, 1999) estudió filosofía y letras en la Universidad de Bucarest antes de irse a Milán a estudiar arquitectura. Aunque en 1940 se tituló, las leyes italianas antisemitas le prohibieron practicar su profesión y decidió huir a Estados Unidos, llegando a Nueva York tras un año en Santo Domingo. Fue soldado americano en la Segunda Guerra Mundial y tras la guerra se estableció en Nueva York. Sus viajes por (literalmente) todo el mundo le dieron una amplia visión de la vida en el siglo xx, misma que se vio reflejada en sus casi 90 portadas y mil 200 dibujos para The New Yorker. Su trabajo llegó a ser expuesto en el MoMA como parte de la exhibición “Fourteen Americans” e incluso se dedicó a la escultura. El 15 de septiembre del 2014 la revista le rindió un homenaje al publicar una portada cuando hubiera sido su cumpleaños número 100: una sátira de Mickey Mouse, un ratón un tanto macabro y calaverico. Para ser un hombre que vivió persecuciones y vio la guerra de tan cerca, que no haya perdido su sentido del humor es casi un milagro.
Nadie más que Steinberg podía haber parodiado algunos de los símbolos más representativos de Estados Unidos.
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“De los más de mil dibujos que Steinberg publicó en The New Yorker a lo largo de su vida, menos de diez contenían un pie y prácticamente todos estaban alejados del molde clásico. En lugar de atenerse a eso, desarrolló su propio vocabulario gráfico. Los dibujos de Steinberg siempre daban a uno algo en qué pensar”, Bob Mankoff, editor de cartones
En 1976 fue publicada “View of the World from Ninth Avenue” como portada, una de las más representativas de Steinberg, en la que se mostraba (y quizá sea aún pertinente) la forma en que los neoyorquinos ven el mundo. Tuvo tal relevancia que ha sido parodiada y es de las más vendidas entre los fans.
Doce días después de la muerte del “hombre más original de su tiempo”, este boceto fue la portada de la revista.
Esta portada celebra el que hubiera sido el cumpleaños 100 de Steinberg. Un homenaje póstumo al pionero.
EL ARTE ANÁLOGO DESECHABLE DE THE NEW YORKER
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Bruce McCall Canadá, 1935 Dejó su natal Canadá para perseguir su sueño de dibujar. Hasta ahora tiene más de 65 portadas.
“New Money”, 2013.
El triste anonimato del Óscar.
A McCall le gusta representar a Manhattan en todas sus épocas.
Bruce McCall (Simcoe, Ontario, 1935) comenzó a colaborar con The New Yorker en 1980 como escritor y artista por igual. Su fascinación por los cómics lo llevó a buscar una carrera relacionada con dibujos e historias, lo que lo llevó a Nueva York a los 27 años a buscar fortuna fuera de su tediosa patria. Tiene más de 65 portadas y más de 80 piezas en la sección “Shouts & Murmurs”. Su más reciente libro This Land Was Made For You and Me (But Mostly Me) fue escrito en colaboración con David Letterman, pero tiene otros varios. Sus portadas para The New Yorker suelen contener vehículos de todo tipo, desde bicicletas y taxis hasta barcos de vapor y dirigibles. Vive cerca de Central Park y no piensa regresar nunca a Canadá.
Mark Ulriksen EE.UU., 1957 Le gusta dibujar animales y deportistas, principalmente perros y estrellas del beisbol.
Mark Ulriksen (Estados Unidos, 1957) es un artista que desde 1994 ha creado 45 portadas para The New Yorker. Sus pinturas de acrílico suelen tener uno de tres temas: política, perros o deportes. Como es aficionado al beisbol fue el elegido para crear la portada relativa al retiro de Derek Jeter de los Yankees. Suele pintar sujetos con características muy exageradas, por ejemplo cabezas enormes y manos y pies muy pequeños. Su trabajo se encuentra entre las colecciones permanentes del Smithsonian Institution y la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos, además la Sociedad de Ilustradores le ha entregado varios premios. Ulriksen reparte su tiempo entre obras para galerías, libros para niños y retratos comisionados. Vive en San Francisco.
El adiós de Derek Jeter.
Todo es diversión en el Congreso.
En 2007 le dedicó una portada al final de la serie “The Sopranos”.
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Barry Blitt Canadá, 1958 Con más de 80 portadas, es uno de los dibujantes más controversiales al satirizar presidentes y líderes religiosos.
Barry Blitt (Côte Saint-Luc, Quebec, 1958) es ilustrador y cartonero, graduado del Ontario College of Art and Design. El canadiense, que actualmente vive en Connecticut, comenzó a trabajar para The New Yorker en 1992 y desde entonces lleva más de 80 portadas publicadas, así como alrededor de 250 ilustraciones. En julio de 2008 la revista publicó una de sus portadas más controversiales en la que Michelle y Barack Obama están vestidos como musulmanes en la oficina Oval de la Casa Blanca. En 2006 su ilustración ganó el premio a la Portada del Año al retratar al entonces presidente George W. Bush en la oficina Oval inundada tras Katrina. Vanity Fair, Time y Rolling Stone también han publicado su trabajo como ilustrador y tiene libros para niños entre los que destacan George Washington’s Birthday: A Mostly True Tale y Once Upon a Time, the End (Asleep in 60 Seconds). En 1994 Blitt ilustró un sello postal para los correos de su país natal, diseñó una secuencia animada para Saturday Night Live en 1996 y también toca el piano.
Blitt asegura no saber mucho sobre la NFL, pero eso no le ha impedido dibujar varias portada sobre el tema.
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Sobre la portada de los Obama como terroristas “[lo fantástico aquí es que] lo único que hizo el artista fue visualizar lo que la gente insinuaba y mostrarlo gráficamente para demostrar lo ridículo que era”, Françoise Mouly, editora de arte de The New Yorker
La intención del artista con esta portada era mostrar lo ridículas que eran las acusaciones de que los Obama eran antipatriotas y hasta terroristas previo a las elecciones del 2008... que como sabemos, Obama ganó.
Esta imagen del presidente iraní Ahmadinejad se publicó al éste asegurar que “no había homosexuales en Irán”.
Para Blitt, dibujar a personajes de la política como niños malcriados fue un enorme disfrute.
EL ARTE ANÁLOGO DESECHABLE DE THE NEW YORKER
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Adrian Tomine EE.UU., 1974 Se mudó de California a Nueva York y es un gran representante de la ciudad. El metro le parece fascinante.
Reflexiones de un alcalde.
Después del Huracán Katrina.
Sobre tener un hijo y dejar Nueva York como tantos hacen (no así Tomine).
Adrian Tomine (Sacramento, California, 1974) es muy conocido por su serie de cómics Optic Nerve, la cual comenzó a dibujar desde que tenía quince años y publicaba él mismo. En 1994, Drawn & Quarterly le ofreció publicarla comercialmente y fue entones que se convirtió en comiquero profesional. Estudió en la Universidad de California en Berkeley y aunque en un principio había elegido Arte, decidió cambiarse a Literatura Inglesa para poder mantener su vida académica separada de la profesional. Comenzó a trabajar para The New Yorker en 1999 y desde entonces tiene 13 portadas. En 2012 publicó su libro New York Drawings, un homenaje a la ciudad que llama hogar —aunque en realidad vive en Brooklyn— a través de todas sus portadas, cómics e ilustraciones que han aparecido en The New Yorker y otras extrañas ilustraciones, notas y trabajos ocultos.
Daniel Clowes EE.UU., 1961 El comiquero a veces crea sus propias portadas para libros cuando no le gustan las que traen.
Daniel Clowes (Chicago, Illinois, 1961) es conocido por su trabajo en cómics, principalmente Ghost World, además de haber sido reconocido por el video animado de la banda The Ramones “I Don’t Wanna Grow Up”. En 1985 su trabajo fue publicado por primera vez en la revista Cracked y posteriormente en revistas como Time, Newsweek y GQ. Además de sus muchas portadas para The New Yorker, usualmente con alguna imagen relacioanda con la ciencia ficción, y sus propios libros, Clowes ha escrito guiones para cine que lo han llevado a una nominación para los Premios de la Academia —por Ghost World, aunque Art School Confidential fue también bien recibida—y a figurar en un capítulo de Los Simpson.
Dos portadas se publicaron juntas.
Antes y después.
“Black Friday” toca el tema de cuando una librería deja de ser tal
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Chris Ware EE.UU., 1967 Ser descubierto por Art Spiegelman a temprana edad le dio un lugar casi permanente en The New Yorker.
Chris Ware (Omaha, Nebraska, 1967) tiene más de quince portadas con The New Yorker desde que comenzó su trabajo con la revista en 1999. Franklin Christenson Ware es su verdadero nombre y estudió en la Universidad de Texas en Austin, donde a finales de los ochenta publicó sus primeras tiras cómicas en el periódico estudiantil The Daily Texan. Cuando aún era estudiante, el mismo Art Spiegelman descubrió su trabajo y lo invitó a colaborar en la revista RAW que estaba editando en ese entonces con su esposa Françoise Mouly (editora de arte de The New Yorker) y así nació su relación con el semanario. Ware toca el banjo y el piano, además de ser admirador y coleccionista de todo lo relacionado con el tipo de música conocido como ragtime. También ha diseñado portadas para libros, participó con una ilustración para la portada creada por Chip Kidd de la traducción al inglés de Crónica del pájaro que da cuerda al mundo del japonés Haruki Murakami. También es escritor y en 2001 recibió por su libro Jimmy Corrigan: The Smartest Kid on Earth el premio Guardian First Book. Su personaje el Ratón Quimby es uno de sus más conocidos y quizá el que más lo representa de manera autobiográfica.
Un experimento del aniversario de 2010 en que cuatro artistas crearon portadas que al unirse eran una sola.
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“Ware tiene el poder absoluto de un lenguaje visual creado específicamente para la forma en que la mente humana procesa imágenes en una secuencia para que sean entendidas como una narrativa”, Curadores de la muestra de Ware en el Art Institute de Chicago
“Discovering America” es un tema mucho más amplio que la vida en Nueva York, habla de los momentos de crisis por los que ha pasado Estados Unidos (más recientemente en 2009) y la forma en que las nuevas generaciones están aprendiendo a vivir entre deudas.
El 2014 fue el año en que oficialmente fue más importante capturar un momento que vivirlo.
En “Protocol”, Ware introduce a un personaje de su historieta Building Stories, la mujer con la niña en rosa.
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Ivan Brunetti Italia, 1967 Su amor por Peanuts y el Hombre Araña lo llevó a buscar una carrera dibujando tiras cómicas.
Del experimento con Chris Ware.
El número de comida del 2013.
“High and Low” muestra la diferencia entre personas que parecerían similares.
Ivan Brunetti (Mondavio, Italia, 1967) ha dicho que su más grande influencia a la hora de convertirse en artista fue Peanuts de Charles M. Schulz. A pesar de que las imágenes del estadounidense nacido en Italia a primera vista parecen ser “bonitas” y alegres, los temas que suele tocar son bastante controversiales. Su trabajo más conocido es Schizo, una serie de cómics que podría ser considerada autobiográfica y que le dio el premio Ignatz al cómic más sobresaliente del año en 2006. Desde el 2007 ha colaborado con unas diez portadas para The New Yorker. Brunetti es también maestro en el Columbia College de Chicago donde da clases de cómics, diseño y dibujo. Su libro más reciente es Aesthetics: A Memoir, una autobiografía que recorre —en imágenes y algunas palabras— tanto su carrera profesional como algunos aspectos de su vida personal.
Ana Juan España, 1961 Es una de las pocas mujeres que ha colaborado frecuentemente con The New Yorker desde los noventa.
La española creó esta reciente portada en honor a los cartonistas asesinados.
Ana Juan (Valencia, España, 1961) es la única mujer en esta lista, una ilustradora que ha contribuido con más de 20 portadas a The New Yorker desde 1995. Es licenciada en Bellas Artes por la Universidad Politécnica de Valencia y comenzó a colaborar con revistas españolas a principios de los años ochenta. Una de sus portadas más importantes para The New Yorker es en la que presenta al personaje del logo de la revista como una mujer. Gracias a su trabajo en Nueva York obtuvo dos años consecutivos (1998 y 1999) la Medalla de Oro en la categoría de ilustración de la Society of Newspaper Design. The Night Eater el primer libro que escribió e ilustró, obtuvo en 2004 el premio Ezra Jack Keats para un Ilustrador Nuevo.
The New Yorker digital El artista alemán Christoph Niemann creó esta portada en la que las gotas caen como en el vidrio de un auto.
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Diseñando en presente Introducción: Cynthia Márquez Fichas: Julieta García Selección: Cynthia Márquez y Yair Orozco
De los caracteres deliciosamente impresos en Holanda a las líneas de código detrás de pantallas retina display desplegando toda clase de información en una estructura compleja en la que interactúan datos, gráficos en 3D y video en alta definición; aquí una muestra de qué implica, cómo se ve y quiénes están haciendo el diseño del presente. Gutenberg, considerado por Jeff Jarvis como el primer emprendedor del ámbito tecnológico con un start-up más revolucionario que cualquiera que haya surgido en Silicon Valley, murió endeudado tras haber arriesgado todo su capital —y otro tanto que le pidió prestado a Johann Fust— en la puesta en marcha de la primera imprenta en Occidente. Era una empresa que imprimía biblias y toda clase de documentos para la Iglesia católica y que, aunque no llegó a ser rentable para el viejo Gutenberg, lo fue después para muchos otros, llegando a convertirse en pieza fundamental del engranaje de la máquina del desarrollo económico de la mano de la publicidad y los medios de comunicación impresos, contribuyendo a la prosperidad de todas aquellas empresas que surgieron con la Revolución Industrial. He ahí los trazos de un origen —mucho menos romántico de lo que muchos imaginan— de la profesión del diseño gráfico, una disciplina que ha evolucionado al compás de las necesidades del sistema de producción actual y de las tecnologías a su alcance. Esto ha hecho de la especialización una necesidad que exige de los diseñadores una capacidad de estar al día no sólo en el manejo de un software 46 | The Front Door by La Revista
cada vez más sofisticado, sino también de venderse como un “producto” único en el mercado que elabora soluciones únicas para la multiplicidad de clientes de un mundo globalizado a quienes cada vez les resulta más difícil diferenciarse de su competencia; por otra parte, la especialización ha dado paso a la diversificación de este quehacer: diseño editorial, digital, de información, interactivo, de campañas, de familias tipográficas, de experiencia y hasta diseño generativo. No importa si se diseña para el papel o para una pantalla táctil de tres metros, los principios armónicos, de proporciones, selección tipográfica, forma y función deben ser dominados por el diseñador para alcanzar la meta básica: transmitir el mensaje de manera eficiente. La selección de diseñadores y despachos presentados aquí no pretende ser una lista definitiva de quién es quién en el mundo del diseño, sino una pequeña muestra del talento, la versatilidad y la sofisticación que ha alcanzado la profesión en nuestros días; sirva esto como un documento que da testimonio de la heterogeneidad y el nivel de exigencia del mercado actual y las diferentes soluciones a su alcance en 2014.
C Dirección de arte, diseño editorial y tipog ráfico
DISEÑANDO EN PRESENTE
> Non-Format
non-format.com El dueto formado por Kjell Ekhorn y Jon Forss (de Noruega y Reino Unido respectivamente) es algo así como el Simon & Garfunkel del diseño: su trabajo tiene rasgos minimales, casi acústicos, que pueden estallar de pronto en algo cercano a lo sinfónico; sólo han probado ser super versátiles. Se dice de ellos que son un caso de 1+1=3 (o más) y hay una profunda admiración en el medio por lo que han logrado con clientes que parecían más bien cuadrados: Coca Cola, Gap, ibm, Sony… ¶ Consideran el diseño —como muchos de los incluidos en esta lista— un trabajo integral. Y eso es lo que ofrecen. Desde dirección de arte hasta creación de tipografías específicas, pasando por diseño puro y duro, animación y visuales. Merecedores de todos sus premios.
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Diseño editorial (libros de literatura)
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> Chip Kidd
chipkidd.com El mago de las portadas es, también, adicto a Batman y a los superhéroes. Para el estadounidense, la atracción debe ser inmediata. Esto puede ser por la fascinación que sintió en la infancia por las historias veloces que proponían los cómics. ¶ Kidd es capaz de la reinterpretación y de la traducción de un lenguaje a otro. Puede contar una historia con algunos trazos y hacerla creíble y hasta deseable. Algunos de los autores más notables miran enriquecido su trabajo con las propuestas de Kidd: de Oliver Sacks a John Updike, pasando por Bret Easton Ellis, Corman McCarthy, John LeCarré y un buen número de autores contemporáneos.
> Martin Pecina
Lettering y caligrafía
book-design.eu No hay que confundirlo con el político checo, aunque también ha organizado cambios revolucionarios. Su enfoque son los libros y tiene la virtud notable de conocerlos y hacerlos desde todos sus ángulos. Porque Pecina es, además, autor. Y es capaz de interpretar los contenidos para dar un paso más y hacer que el libro mismo, como objeto, haga declaraciones por su cuenta. ¶ Este hombre es un hacedor de libros en el sentido más estricto. Su poemario Perverse, de 2010, es un ejemplo de lo íntegro y asombroso que es su trabajo: con figuras geométricas y signos de puntuación, representa zonas erógenas del cuerpo haciendo aún más llamativa y peculiar su propuesta.
> Sawdust
> Jessica Hische
> Marian Bantjes
La dupla inglesa creada por Rob González y Jonathan Quainton se especializa en crear tipografías e identidades a la medida de lo que su clientela requiere (no se trata de cualquier hijo de vecino: los contratan Wired, FastCompany, Esquire…). Su meta suele ser, según sus palabras, “desafiar las convenciones y preconcepciones que hay en torno a la tipografía tradicional, manteniendo claridad y legibilidad”. ¶ Ambos se ríen cuando los clientes les expresan la necesidad de que la letra se lea porque eso es, precisamente, una parte fundamental de su propuesta. Al final (o al principio) saben comunicar y transformar simples palabras en algo con peso, textura, volumen.
Esta jovencísima (1984) tipógrafa norteamericana parece una muñeca antigua, de porcelana. Su apariencia no es relevante por otra razón que por la sincronía que hay entre ella y sus creaciones. Sus trazos dan la idea de algo muy reciente que sueña con el pasado o de un sueño del pasado trasladado al futuro. Es versátil, siempre y cuando se mantenga en un espacio donde pueda ser fácilmente identificable. Cada uno de sus trabajos es sin duda muy personal y está dotado de una energía a la vez femenina, juvenil y universal. Una de sus más recientes campañas es para Starbucks: con mirar la tipografía garigoleada en miel, betún y espuma, usted podrá tener una idea de por qué esta mujer impacta.
Intrincada: así la describien algunos críticos. En su página web, la biografía de la canadiense asegura que el diseño que comenzó a hacer hacia 2003 era “muy personal, obsesivo y a veces sencillamente raro”. Su trabajo se trata, en realidad, de la reproducción de patrones mentales repetitivos (hermanos de la obsesión) que abrevan del pasado tanto como del presente, de Oriente Medio, Londres, París… Patrones siempre cíclicos, casi fractales. ¶ Jamás concursa para ganarse premios, pero suele ser jurado en los mismos. Además, pinta desde el mismo estado circular y fascinante con el que diseña (pintó, después de una visita al dentista, una acuarela con dientes en espiral, numerados y nombrados) y escribe.
madebysawdust.co.uk
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jessicahische.is
bantjes.com
DISEÑANDO EN PRESENTE
C Diseño editorial (libros de arte)
> Irma Boom
irmaboom.nl Esta holandesa es considerada la diosa del diseño de libros. De hecho, algo más parecido a Shiva que a un dios condescendiente y compasivo. De entrada, se niega a suponer que existan clientes (porque entonces habría que “servirlos”, cosa a la que se niega). Así que hay quien comisiona un trabajo y quien lo ejecuta. ¶ Es Boom uno de los mejores ejemplos de la reproducción, a través del diseño, de la forma en que funciona el cerebro. Sus libros permiten ver el proceso mismo del diseño, de manera clara y precisa. Ha hecho libros gigantes y libros mínimos porque es capaz de poner en cada uno la dosis adecuada de información y de vaciar en ellos, de manera apropiada, un esquema mental, visual y grágrá fico sin importar el tamaño.
> Atelier Dyakova atelierdyakova.com Sonya Dyakova es una rusa afincada en Londres con el gran talento de usar los recursos a su alcance para ejecutar su trabajo de manera inédita; pese a que suena a perogrullada, no siempre es común en el diseño. Hizo la dirección de arte y el rediseño de la revista Frieze, publicación oficial de la feria de arte del mismo nombre. Trabaja constantemente también para Phaidon, una suerte de Meca en publicaciones elaboradas de manera artística. ¶ Entre sus clientes también existen firmas (como la Fundación Cartier) que buscan asociarse a algo elegante, que transmita la sensación de belleza que sólo una obra de arte logra.
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Diseño de infor mación
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> Francesco Franchi
francescofranchi.com En un mundo obsesionado con la información —más aún, con la “nueva” información— el diseño de las noticias es materia para una discusión erudita. El italiano, diseñador e infógrafo, ha refrescado las posibilidades para ofrecer desde la comidilla diaria hasta el análisis sesudo de algunas publicaciones periódicas. ¶ Franchi es periodista, así que conoce las entrañas de lo que se puede y debe comunicar. Tal vez por lo mismo, sus infografías son capaces de contar una historia a partir de abstracciones. Ha trabajado para publicaciones como la revista New York, para el diario Independent, para Monocle, para la New York Times Magazine… y la abrumadora lista sigue.
> David McCandless informationisbeautiful.net
Diseño de familias tipográficas
Dice el creador de Information Is Beautiful: “me interesa todo lo que sea extraño e interesante”. También dice que una de sus pasiones es “visualizar información”: datos duros, hechos concretos, ideas, materias, temas, asuntos, estadísticas, preguntas… Añade: “todo esto, con el mínimo de palabras”. ¶ El diseñador y escritor, con base en Londres, propone un regreso al origen y le pasa la batuta al sentido rey en los humanos: la vista. Su genio estriba en hacer conexiones peculiares, en atar cabos y en ofrecer temáticas desde un ángulo que resulta fascinante, del cual no se puede quitar la mirada.
> Commercial Type
> Luc(as) de Groot
> Fred Smeijers
Los ingleses Paul Barnes y Christian Schwartz iniciaron una sociedad en 2007. Para entonces, cada uno tenía ya un bagaje laboral que incluía rediseños de grandes publicaciones o dirección de arte para títulos como Newsweek, Gentleman y Esquire, además del diseño de fuentes a la medida para distintas corporaciones y publicaciones del mundo entero. ¶ Su actitud desenfadada y su trabajo cuidadoso los llevó a que la revista Wallpaper los nombrara parte de la camada de jóvenes “más influyente” del Reino Unido. Han desarrollado familias tipográficas para algunos de los medios más sonados del planeta. Viven en Nueva York y a sus filas se ha unido Miguel Reyes, tipógrafo orgullosamente mexicano.
El tipógrafo holandés exige el paréntesis en su nombre, tal vez porque su trabajo es el de un orfebre y tiene muy claro que todos los símbolos del alfabeto tienen un peso y un valor determinados. Es el autor de tipografías que parecen haber estado ahí desde tiempos inmemoriales; para empezar, Calibri. Thesis es la fuente por la que es más reconocido y con justa razón: es una amplia y nutrida familia tipográfica. ¶ En sus inicios, a finales de los años ochenta, Luc (su nombre real) hacía tipografías a mano con una precisión que aún hoy, en tiempos hipertecnologizados, sorprenden. Su pasión por el trazo específico de letras que conformarán palabras es evidente y agradecible. Su nueva aventura son las tipografías arábigas.
Holandés, por supuesto. Heredero de una tradición que honra la luz, el volumen, el espacio y el orden. Este decano de la tipografía digital —con 30 años de experiencia en el ámbito— se siente orgulloso de crear fuentes diseñadas “para las necesidades contemporáneas” pero respetando “valores tradicionales”. Sus palabras lo dicen muy bien: “[Mi trabajo] está igualmente distanciado del de quienes son esclavos de lo nuevo y del de quienes simplemente tratan de recrear el pasado”. También ha diseñado logotipos que ahora resultan icónicos, como el de Philips. ¶ Es profesor e investigador, porque su pasión es el conocimiento que transmite desde y para la palabra escrita (en forma puramente tipográfica).
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lucasfonts.com
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Las dos revistas que ponen a editores y diseñadores de rodillas, como imágenes sagradas, surgieron de la mente prodigiosa de este hombre, diseñador, editor y reportero. Mientras se reponía de heridas de guerra que le dejaron dañada para siempre la mano derecha (sí, es héroe de guerra), Brûlè se dedicó a mirar revistas y a transformarlas en su cabeza. ¶ Su primer “bebé” fue Wallpaper, que modificó para siempre la manera de ver, hacer y entender las revistas. Abandonó ese proyecto para lanzar, poco después, Monocle. Esta última publicación deja claro que la primera fue un ensayo para obtener mejores réditos en el mundo editorial. Por si fuera poco, dirige una agencia creativa que todo el tiempo da de qué hablar.
> Nick Millington nickmillington.com
Es bien conocido en el medio editorial como el “mago”, una persona con un don innegable. La gente de Bloomberg lo contrató para darle un giro a su revista y ¡shazam!, los negocios se hicieron divertidos. Su trabajo como diseñador y director de arte ha llegado a influir incluso en los mismos contenidos: dar información monetaria, del mercado, puede ser atractivo. Más pronto que tarde, las publicaciones de este tipo comenzaron a cambiar, tratando de seguir los veloces y polémicos pasos de Turley. En busca de una nueva aventura Turley se lanzó a lo que él llamaba “el vacío” de mtv. Ahí, su asombrosa capacidad para conjurar imágenes y dar en el clavo visual está por romper, nuevamente, barreras.
C Diseño editorial y dirección de arte (revista)
winkreative.com
richardturley.tumblr.com
> Tyler Brûlé
> Richard Turley
DISEÑANDO EN PRESENTE
Joven y con sentido del humor, Millington es un director de arte, diseñador e ilustrador que parece llevarse muy bien con el mundo. Sus propuestas son vigorosas —es colorido, no le teme a llenar todos los espacios disponibles— y parecen abrevar de un tiempo pretérito, cuando había que llamar la atención con pocos recursos. ¶ Su trabajo al frente de Esquire le ha ganado premios y reconocimientos. Trabajó también en Mr. Porter, Culture y hace proyectos aislados de publicidad que tienen ese toque entre irónico y campechano que le da a su tema (el estilo de vida) un giro más que interesante.
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D i s e ñ o g e n e ra t i v o, i n t e ra c t i v o y visualización de datos
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CENTRALES
> Variable
variable.io El polaco Marcin Ignac se define a sí mismo como un artista y un ingeniero fusionados en una persona. Esto no se aleja mucho de la realidad. Ignac estudió ciencia computacional y luego se matriculó en comunicación multimedia en una academia de artes. Es programador, diseñador y un analista feroz. Con los datos más duros y, en apariencia, menos atractivos, este hombre es capaz de lograr imágenes poderosas cargadas de significado. El ejercicio visual con el que revisa los mercados asiáticos de combustibles es una de las formas más poéticas de ver el caos, la interacción, la avaricia y el capitalismo. Sus trabajos interactivos se mueven siempre al ritmo de la música electrónica porque… ¿por qué no?
> Karsten Schmidt
Diseño digital
Diseño de Identidad
postspectacular.com “Me temo que no soy una persona muy linear”, dijo el diseñador en una entrevista. La gente se refiere a él como un virtuoso y como una suerte de gurú del diseño generativo, la programación y el diseño interdisciplinario. Su pieza Forever —una instalación de luces generadas por computadora, previa programación— fue un éxito rotundo en Londres porque es parte de un lenguaje compartido, a la vez humano y extraño. El nombre de su compañía (PostSpectacular) apela a sus intereses: se refiere a lo que sucede antes, durante y después de un espectáculo, donde la participación de todos está arriba y abajo del escenario. Su trabajo es inusual, bello, metafísico.
> Scandinavian Design Group
sdg.no El colectivo escandinavo apuesta por la limpieza y la sencillez. Aunque su gama de trabajo es muy amplia, es en la creación de identidad cuando realmente sobresale. El cuidado que imprimen a cada una de las facetas involucradas en el proceso de identificar a una marca con una imagen (y un color, etcétera) es notable en un medio que puede engolosinarse con las herramientas a su alcance. Las soluciones elegantes que ofrecen a sus clientes hablan de un equipo que prueba la filosofía y la semiótica para aplicarlos a logotipos, paquetes, ideas.
52 | The Front Door by La Revista
> Nieal Grewal
niealgrewal.com Grewal es una figura icónica en el mundo del lujo. Es ya una suerte de marca en sí. Ha trabajado como director de arte para Vogue, Elle y Tatler y entre sus clientes se encuentran Revlon, Chanel y Armani. Cuenta en su haber con la dirección artística de Mr. Porter, la tienda-revista por excelencia, que resume el elusivo tono de las revistas femeninas de los años noventa con la mirada depurada del siglo xxi en una mezcla que alucina, especialmente porque es un sitio dirigido a hombres. Una leyenda que está por ahí, vivita y coleando.
DISEÑANDO EN PRESENTE
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Multitalento designboom.com
D AV I D B Y R N E
PETER MENDELSUND
Willey quería ser pintor pero, dice, no tenía las agallas para serlo, tal vez por su sordera. Cuando sus intentos académicos en el campo fallaron, salió del edificio universitario en el que estaba y llegó al departamento de diseño. Ahí se instaló para darle al mundo un poco de su genio total. Diseñador, artista, tipógrafo, pensador, ilustrador, editor, director de arte… Willey es el creador de una revista llamada Port: revolucionaria, estética, maravillosa.
Byrne es uno de esos genios que pisa la tierra una vez cada tantos siglos. Sus capacidades y talentos son imposibles de describir porque exigen de la gente (de su público) participación e interacción. Hace música, teatro, cine, arte, ensayos, esculturas, radio, objetos varios. Entre sus monerías está el diseño (a pesar de haber abandonado sus estudios en la Rhode Island School of Design). Diseña desde un punto de vista conceptual: ¿cómo se lee un libro?, ¿cómo se usa un rack para bicicleta?, ¿cómo se deberían usar? Es un hombre excedido, que vale la pena conocer más a fondo.
No hay que juzgar a un libro por su portada… salvo que la haya pensado y ejecutado Mendelsund. Durante décadas, este hombre fue pianista. Luego, casi por accidente, terminó realizando portadas para libros que son irresistibles: lo que haya detrás de esa portada será bueno. Su trabajo no sólo es paradigmático en lo visual —lo es también desde el punto de vista filosófico. Sus libros Cover y What we see when we read (divertidos, fascinantes y profundos) lo han colocado en la cúspide del pensamiento asociado a la lectura y la visión.
Animación y Motion Graphics
artcom.de Andreas Wiek, Joachim Sauter y Dirk Lüsebrink lideran un estudio interactivo que funciona desde mediados de los años ochenta. El colectivo se fundó cuando un grupo de diseñadores, arquitectos y artistas de la Universidad de las Artes en Berlín se juntó con un grupo de hackers de ChaosComputerClub. ¶ El grupo no tiene fines de lucro. Trabaja los siguientes formatos: autoactivo, reactivo e interactivo. Esto se refiere a objetos, instalaciones, arquitecturas y entornos. Su filosofía es interesante porque dicen que los mueve siempre el contenido, no la innovación tecnológica; es decir, el formato se pone al servicio del mensaje.
Shawn Brackbil
> ART+COM
M AT T W IL L E Y
George Baier IV / The New Yorker
Hay algunas figuras que son totémicas en el diseño y hay algunas otras que son una especie de contestación a lo totémico: figuras vitales, polémicas, distintas, que provienen de otros bagajes y tradiciones, lo que le da al diseño un sentido nuevo. Aquí, sólo tres:
> Dvein
dvein.com El colectivo catalán es la vanguardia personificada. Hacen piezas visuales, interactivas, fílmicas y comerciales —ya sea por separado o todo a la vez. Les gusta explorar lo raro, lo que parece un poco fuera de lugar, y juegan con entregarle al público que tienen cautivo (en los comerciales, por ejemplo) imágenes que resultan inquietantes o perturbadoras. Lo mórbido y extravagante les resulta apetecible, pero tienen una estética que lo convierte en algo a lo que uno no se puede resistir. Estos chicos exploran las fronteras de lo tolerable.
> Vallée Duhamel
valleeduhamel.com El estudio creado por el diseñador Vallée y la artista plástica Duhamel se ha propuesto enfrentar el mundo del diseño con un “ánimo experimental y juguetón”. Con comerciales, pequeños filmes, imágenes móviles e interactivas, los diseñadores han creado un mundo lúdico, naíf y estéticamente deseable. Su trabajo suele involucrar comida (que se destruye), figuras geométricas, gatos, peces, colores pastel y neutros. Ofrecen en sus piezas la posibilidad de disfrutar con los distintos niveles que adopta cada uno de sus mensajes.
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Economía del Don por: Santiago Oria Probert ilustraciones: Daniel Benítez
Para algunos podría parecer un sueño que limita nuestras expectativas comerciales o que pone en entredicho nuestra satisfacción de necesidades, pero la llamada gift economy está presente en nuestras sociedades desde el comienzo de los días y se ha probado rentable. Hoy en día estamos más involucrados con ella de lo que podríamos pensar y a través de pequeñas acciones los beneficios que podemos conseguir, como comunidad, son invaluables.
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CENTRALES
Por ser un concepto tan nuevo, al menos en cuanto a su estudio formal y uso práctico dentro de las sociedades modernas, la llamada Economía del Don (Gift Economy), está sujeta a múltiples malos entendidos y a visiones parciales que esconden sus beneficios y defectos en las perspectivas, experiencias, conocimientos y objetivos segmentados de cada persona. Con la idea de partir desde terrenos conocidos, quizá lo más prudente es entender, aunque sea en su versión más básica, los dos términos que se entrelazan para crear una nueva teoría: economía y don. La economía, si se pretende definir en pocas palabras, es la ciencia de la elección, es poder satisfacer nuestras necesidades, tan cambiantes e ilimitadas como son, por medio de recursos limitados y representados, principalmente, por el dinero: una herramienta diseñada para facilitar los intercambios que satisfacen nuestros deseos y ayudarnos en la difícil decisión de saber qué hacer con lo que tenemos. El don, por su parte, trasciende el concepto regalo, pues además de simbolizar los bienes que se entregan sin exigir o pretender nada a cambio (idealmente), también involucra cualidades o habilidades que pueden integrarse a la definición. Ambos términos, si bien pueden entenderse como opuestos bajo ciertas miradas, están integrados en muy buena medida y podría asegurar que todos, absolutamente todos, hemos gozado los beneficios de la Economía del Don en algún momento de nuestras vidas, probablemente sin saberlo.
CONTENIDO LIBRE
Al hablar de contenido libre o información libre, nos referimos en específico a los trabajos culturales que no tienen restricciones legales para beneficiarse de su uso, para ser estudiados y entendidos, para aplicar el conocimiento aprendido, para ser copia56 | The Front Door by La Revista
dos y distribuidos de forma gratuita y para ser modificados, mejorados y redistribuidos en su nueva versión. Este último aspecto es sumamente importante, ya que genera directamente proyectos colaborativos alrededor del mundo que están en constante movimiento. Hay tres ejemplos tradicionales, el primero es el llamado filesharing, que consiste en compartir archivos libremente, situación que los usuarios de la red han potencializado de una manera casi incontrolable. Este fenómeno se hizo público con el polémico tema de Napster hace unos años y hoy en día con Megaupload, Bit Torrent y otras formas de descarga imposibles de monitorear. Otro caso son los programas de código abierto (open-source software), en los cuales no se discuten los derechos de propiedad y autoría pues sus jugadores ofrecen de manera gratuita su tiempo, energía, creatividad y otros recursos a cambio de nada —o quizá de prestigio, oportunidades—, al tiempo que están ofreciendo programas que compiten con aquellos que venden los más importantes desarrolladores. Finalmente, los trabajos colaborativos (collaborative works) que son creados por una comunidad para uso del público en general. El mejor ejemplo: Wikipedia. Pero así como millones dedican tiempo y esfuerzo en la creación de artículos enciclopédicos, muchos más —diseñadores, ilustradores, fotógrafos, cineastas, documentalistas, entre otros— están creando comunidades en las cuales utilizan sus dones particulares para crear algo —que en otros tiempos uno tendría que haber pagado para conseguir— y regalarlo.
ECONOMÍA DEL DON
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EL EQUILIBRIO DE NASH
La realidad de los contenidos libres quizá no refleje a la perfección todos los principios económicos, ya que hoy en día, además de consumo y producción, es importante entender lo que significan rendimiento, riesgo, incentivo o expectativa de retorno, ya que son los causantes y motivadores de la economía de mercado tal como la conocemos. Todos estos términos y muchos otros más son importantes, por lo que la integración de procesos económicos distintos no tiene por qué erradicarlos: finalmente no EL ARTISTA ALEMÁN KARSTEN SCHMIDT COMPARTE se puede cambiar un coche por una SU CÓDIGO EN SU SITIO, redacción en cualquier wiki. Sin emTOXICLIBS.ORG, PARA QUE LA bargo, para los grandes inversores de COMUNIDAD LAS TRANSFORME capital o aquellos que han trabajado EN ALGO MÁS durante una vida buscando satisfacer sus necesidades y las de aquellos que los rodean, el objetivo de la Economía del Don no radica en la igualdad total, en la comuna utópica, sino que puede aspirar a conseguir aquello que se conoce como el equilibrio de Nash. De acuerdo a esta teoría —que se hizo famosa en la película Una mente brillante (2001), inspirada en la vida del premio Nobel de Economía en 1994, John Forbes Nash Jr.—, parte fundamental en el desarrollo de la teoría de los juegos, que a su vez incluye el conocido dilema del prisionero —mismo que se explica en la memorable escena de los barcos y los explosivos que sucede en Batman: El caballero de la noche (2008)—, ninguno de los jugadores involucrados en el mercado puede o debe mejorar su situación a partir de quitarle algo al otro. Es decir, cada decisión que se toma es la mejor posible, tomando en cuenta que los otros también tomarán the-frontdoor.com 57
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la mejor decisión posible. En este caso es importante especificar que las posiciones de estos jugadores no tienen que ser las mismas, ni tampoco los beneficios, simplemente que los resultados deben coordinarse para ser los mejores en relación a las posibilidades individuales de cada quien. Tomando en cuenta este principio, ya son varias las redes de negocio o alianzas estratégicas dirigidas al bien común, en la cuales las personas ofrecen su dinero, tiempo o conocimiento, sin solicitar nada a cambio, con la única intención de ver su industria y comunidad crecer, sabedores de que ese crecimiento se va a reflejar en ellos tarde o temprano. Como ejemplo notable podemos hablar de las comunidades de emprendedores y proyectos de crowdfunding (financiación colectiva) como Kickstarter, que ayudan a las perSEEDS@CITY, sonas a conseguir los recursos y asesoUNA GRANJA INSTALADA EN ría que necesitan para comenzar con UNA UNIVERSIDAD DE SAN sus proyectos. A cambio, los benefacDIEGO DONDE LOS ESTUDIANTES tores, quizá, en algún momento, poAPRENDEN A CULTIVAR, FUE POSIBLE GRACIAS AL drán necesitar ayuda de los otros. CROWDFUNDING Para comprender este fenómeno —y siguiendo con las referencias cinematográficas— está la película Cadena de favores (2000), en la cual el protagonista ayuda a alguien, con la única condición de que ese alguien ayude a más y que esos más ayuden a otros y que esos otros, en fin… Habla sobre regalar tiempo, esfuerzo, habilidades o bienes sin pensar en la remuneración inmediata ni exacta, rompiendo los límites de temporalidad, espacio, situación e interés. Precisamente con esa idea han surgido los llamados Bancos de Tiempo (Time Banks), sobre todo en Estados Unidos y en lugares como España, que tras la fuerte crisis de los años anteriores, encontró en 58 | The Front Door by La Revista
ECONOMÍA DEL DON
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La Economía del Don representa un cambio del consumo a la contribución, de la transacción a la confianza, de la escasez a la abundancia y del aislamiento a la comunidad. —Charles Eisenstein
la gente de Bilbao en específico, y más tarde en el resto del país, alternativas para continuar produciendo y consumiendo a pesar de la terrible situación que sufría su economía de mercado. Es decir, integraron una nueva economía a su vida para satisfacer las necesidades que sus recursos más tradicionales (dinero) no podían costear.
BANCOS DE TIEMPO
La idea básica de los bancos de tiempo gira en función del ya mencionado “pay it forward”, sólo que de una forma más organizada: en lugar de ofrecer favores cada persona, independientemente de su edad, capacidad o recursos, ofrece lo mejor de sí, desde niños hasta adultos mayores, y a cambio contabilizan horas de servicio que pueden cobrar en el momento que quieran y de acuerdo a sus necesidades, o nunca hacerlo. Así, un doctor puede ofrecer horas de consulta de manera gratuita y, si en algún momento necesita algo, ya sea un trabajo de plomería, que alguien pasee a sus perros, redacciones, fotografías, tutorías o clases particulares, lo que sea mientras exista alguien en su banco capaz de ofrecerlo, este doctor lo puede solicitar siempre y cuando sea consistente con la filosofía detrás del movimiento y que consta de cinco puntos principales. El primero de ellos dicta que todos, absolutamente todos son un bien o recurso
valioso; el siguiente precisa que el trabajo trasciende los costos monetarios; el tercero habla sobre reciprocidad; uno más sobre la necesidad de hacer comunidad y crear relaciones sociales; para finalmente confirmar que todos los seres humanos deben ser respetados. Bajo estos principios hoy existen bancos de tiempo en más de 50 países repartidos en todos los continentes.
COMUNIDAD
El concepto de comunidad bajo el cual se soporta la Economía del Don —y que ha sido utilizado constantemente en estas líneas—, trasciende la idea más básica: deja de ser un simple grupo de personas con elementos en común, ya que precisamente esos elementos rompen las fronteras geográficas o de edad bajo las cuales estamos obligados a vivir, para enfocarse en intereses tan particulares como se quieran y en la decisión consciente y voluntaria de sus participantes por integrarse. La consecuencia más inmediata de estas nuevas comunidades, al perseguir por convicción un mismo objetivo, deriva en una búsqueda del bien común. Así, lo que se haga en beneficio de la comunidad me traerá beneficios personales por obligación. Estas comunidades y la puesta en práctica de una Economía del Don dentro de ellas pueden comenzar desde una familia nuclear hasta una empresa transnacional,
pueden representar intereses en común de acuerdo a la ubicación geográfica o aficiones compartidas por personas repartidas alrededor del mundo. Pueden existir a gran escala o ser micro entidades que de acuerdo al nivel de especialización que tiene el mundo se van segmentando y partiendo cada vez más y más, permitiendo que cada quien pertenezca a tantas como guste y que incluso se generen comunidades de comunidades. Estos conceptos son fáciles de entender pero complicados de realizar. Muchos teóricos afirman que hacer comunidad es casi imposible en las sociedades altamente monetizadas, como la nuestra. Estos mismos sostienen incluso que las comunidades están tejidas con regalos y por eso ciertos sectores con menos recursos están más unidos entre sí: cuando tienes independencia financiera no dependes de tus vecinos ni de nadie más para nada, simplemente pagas por lo que quieres o para que otro haga algo que necesitas, en lugar de ofrecer tu ayuda, muchas veces sin pedir nada a cambio. En las “culturas del don” las personas dan sus excedentes en lugar de acumularlos, ya que tu fortuna es la fortuna de los demás: más para todos es más para ti. Esta situación, además, a partir de la intimidad que genera es fundamental en los procesos de co-creación, ya que las comunidades, al igual que un grupo de música, producen sus mejores canciones the-frontdoor.com 59
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CENTRALES
a partir de la aportación libre, gratuita y voluntaria de todos sus integrantes. Mientras tanto, en las sociedades monetizadas la creatividad sucede en dominios especializados y a cambio de dinero.
LA ECONOMÍA DEL DON
En su forma más simple, la Economía del Don no representa ningún problema de definición: un acuerdo para la transferencia de bienes o servicios sin un método aceptado de quid pro quo. De hecho, no existe una expectativa de recibir algo a cambio, el regalo es en sí la base de la interacción. Pero las complicaciones aparecen rápido, ya que la aplicación de principios varía de manera importante y para muchos existen diferentes formas de entender conceptos tan básicos como regalo y transacción. Las confusiones y malas interpretaciones se deben, en parte, a lo nuevo del concepto y su escaso conocimiento popular. Pensando en solucionar estos factores, los teóricos de la materia han identificado ciertos elementos esenciales para entenderla: 1.
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3.
HAY UN ACTO DE DESINTERÉS por parte de quien pro-
duce los bienes y/o servicios. Esto no significa necesariamente que vayan a dar algo sin ninguna remuneración (aunque muchas veces sea el caso) pero hay elementos de altruismo que trascienden los cálculos de beneficios más allá del simple intercambio. HAY UN FACTOR GRATUITO dentro de la estructura, opuesto a los modos de economía del mercado, lo que altera la percepción de valor que se tiene sobre algo. Mientras que en la economía de mercado los precios están usualmente establecidos por el proveedor, en la Economía del Don los roles se invierten, y es quien recibe aquel que decide el valor de las cosas. LA ECONOMÍA DEL DON considera más grandes objetivos sociales y a largo plazo, más allá del valor de los productos o servicios. Los intercambios de mercado se basan en el valor del producto, de la producción, la satisfacción emocional, uso, funcionalidad, abundancia o necesidad, por lo tanto asocian los costos y beneficios sociales con el consumo. En contraste, los productores en la Economía del Don están motivados únicamente por el hecho de que dar,
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libremente, fortalece el tejido social y beneficia a todos, incluso cuando el “regalo” sea pequeño, muy específico o de carácter limitado.
CAFFÈ SOSPESO
No se sabe con certeza cuándo surgió la tradición de los cafés pendientes. Algunos hablan de hace un siglo (como figura retórica de longevidad), otros de las Guerras Mundiales, unos más (los menos) de nuestro siglo. En lo que sí está de acuerdo la mayoría es en que esta tradición surgió en Nápoles, en Italia, donde las personas cada vez que contaban con algo de suerte entraban a cualquier café, pagaban por dos y se tomaban uno, dejando ese extra para alguien desafortunado. Se habla, incluso, de que el presidente del S.S.C. Napoli, el equipo de futbol de la ciudad, paga un alto número de cafés pendientes cuando gana el equipo. Esta tradición, que podría parecer casi un juego, se ha transformado como parte de un modelo de negocio y cada vez más locales, con diferentes características, productos y servicios hacen de este esquema parte de su día a día y responsabilidad. Muchos de ellos, incluso, ya no solamente incluyen esta posibilidad, sino que la hacen la única posibilidad. Con este modelo operan locales como Karma Kitchen en Berkeley, D.C., Hayward y Chicago en Estados Unidos; Seva Café en la India; múltiples locales en Francia que portan orgullosos el mensaje “café en attente”; y muchos restaurantes y cafeterías en Bulgaria, Ucrania, Argentina, Costa Rica, Rusia, España, Australia e incluso México, que más allá de adoptar el esquema, lo tropicalizó de acuerdo a sus costumbres y en algunos lugares se ofrece el ahora llamado “taco pendiente”. Dentro de las ramificaciones de esta variante comercial, otros negocios alrededor del mundo, han apostado por ofrecer sus productos o servicios al precio de cero, dejando que el cliente decida cuánto pagar por lo que recibió. Contrario a lo que se podría pensar, los ingresos de estos locales han crecido, al mismo tiempo que se obligaron a mejorar la calidad de su oferta y los inevitables “parásitos” fueron expulsados naturalmente por la comunidad que se fue formando alrededor de ellos, con personas que descubrieron en su interés e intención un bien común que los beneficiaría a todos.
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CAMBIO DE PARADIGMAS
Podemos decir que la Economía del Don es un cambio de paradigma sobre los incentivos de rendimiento y recuperación que se tienen. Se trata de saber que si uno le regala algo a la EL CAFÉ PENDIENTE: sociedad, ésta dará algo a camUNA TRADICIÓN QUE bio. La única obligación que BENEFICIA A MILES DE PERSOse exige a sus participantes —y NAS, YA SEA ACUMULANDO que deja de ser exigencia KARMA POSITIVO O TOMÁNDOSE UNA BUENA TAZA cuando se asimila el concepDE CAFÉ SIN COSTO to— es dar lo que se pueda y pasarlo, hacer cadena. En palabras de Nipun Mehta, uno de sus principales activistas, quien a partir de trabajar un proyecto en Silicon Valley ahora cuenta con un ecosistema de 350 mil miembros con el que ha distribuido millones de dólares sin pedir nada a cambio: “Amaba lo que hacía y a las personas con quienes trabajaba, pero quería experimentar con la idea de dar sin condiciones, dar tan sólo por el placer de hacerlo”. Finalmente su proyecto se ha probado rentable, ha acelerado el motor de la Economía del Don y ha recuperado su confianza en la gente. Por imposible que sea incluso de imaginar tras leer cualquier periódico, está teoría, a todas luces optimista, apela a la ética, a las acciones de generosidad, compasión, confianza y motivación por el bien común. Es un cambio de perspectiva en cuanto a la medida de valor y los conceptos de costo y beneficio, ya que las consecuencias de nuestro esfuerzo parecen desaparecer en el tiempo y en el espacio, y las podemos pensar inexistentes al no ser tangibles e inmediatas, pero que si funcionan, en pequeña o gran medida, desde la comunidad que forman nuestras familias o nuestras empresas, representan un cambio en el comportamiento colectivo, un cambio que posiblemente genere dividendos.
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el Destino por: Santiago Oria Probert fotos: Cortesía
pág. 062 Primavera es la temporada ideal para jugar golf y descubrir destinos insospechados. Acompáñenos.
La Antigua Guatemala: recorriendo la historia
La Antigua Guatemala es reconocida por su gastronomía, por sus riquezas naturales, por las grandes fincas de cacao y café que la rodean, por sus tradiciones, costumbres y una extraordinaria herencia cultural que se refleja en sus calles y construcciones con una belleza que no puede pasar desapercibida.
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L A ANTIGUA GUATEMAL A : RECORRIENDO L A HISTORIA
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Construida a más de mil 500 metros sobre el nivel del mar, en una región
propensa a terremotos y otros desastres naturales (que como veremos más adelante han marcado significativamente su historia), la Antigua Guatemala fue oficialmente inaugurada en 1524 bajo el nombre Santiago de Guatemala, sede de la Capitanía General de la nación. Poco tiempo después fue destruida completamente a causa de un incendio provocado por rebeldes indígenas y vuelta a establecer en 1527. Catorce años después, en 1941 una vez más se desvaneció bajo el poder de fuertes terremotos, una avalancha y una inundación, obligándose a levantar de entre las cenizas por tercera vez. En 1943, una vez más, fue fundada la capital colonial de Reino de Guatemala, la cual incluía las regiones de Chiapas, Guatemala, Belice, El Salvador, Honduras, Nicaragua y Costa Rica, convirtiéndose por 230 años en el corazón cultural, económico, religioso, político y educacional de la nación. Durante estos más de dos siglos los habitantes de la región levantaron grandes templos sobre un trazado urbano moderno para la época que hacía honor a la grandeza de la ciudad, soportando a la vez inundaciones y erupciones volcánicas, hasta que los terremotos de Santa Marta, en 1773, terminaron por derrotar a la ciudad inquebrantable. Tras la catástrofe, las autoridades decidieron mover la ubicación de la capital a una región más estable, constituyendo lo que hoy es la Ciudad de Guatemala y dejando atrás, escondidos entre escombros, lava y agua, los restos de su pasado colonial y renacentista. Aquellos valientes arraigados que se quedaron en el lugar, comenzaron a poblar y reconstruir, de nuevo, la que a partir de ese momento sería llamada La Antigua Guatemala. A más de 200 años de la catástrofe, la integridad y autenticidad con que se con-
Ciudad libre de claxon En Antigua, la preservación y cuidado de la ciudad, así como la calidad de vida de sus habitantes ha llegado a unos límites de respeto y tranquilidad pocas veces visto antes. Así, con la intención de reducir la contaminación auditiva y educar a la población en materia vial, a partir de 2009 está prohibido utilizar el claxon, una medida que se ha probado exitosa. Al principio, como es lógico suponer, los olvidos y los abusos fueron constantes, pero con el paso de los años la medida fue arraigándose en los antigüeños que hoy disfrutan de una ciudad más cortés y silenciosa.
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UNO DE LOS DETALLES QUE MÁS LLAMA LA ATENCIÓN SOBRE ESTA PROPIEDAD, AUNQUE PAREZCA UNA NIMIEDAD A LA QUE ESTAMOS ACOSTUMBRADOS, ES EL HORIZONTE. serva la ciudad es quizá uno de sus mayores atributos, ya que su parcial abandono permitió que las ruinas hoy luzcan en su estado original, con el estilo barroco que las vio nacer y con la influencia de las tendencias estéticas en cada una de sus reconstrucciones. Las plazas, calles, fuentes, iglesias y hogares que permanecen en pie fueron restaurados y las nuevas edificaciones, siguiendo parámetros bien definidos, han sido levantadas con un estilo neo-colonial que por su originalidad también es llamado, por algunos, estilo “Antigua”. Entre los muchos espacios que vale la pena recorrer, el Palacio de los Capitanes Generales es imperdible. Su construcción comenzó en 1549 y fue terminada nueve años después, pero tras cada seísmo o deslave fue parcialmente enmendado, logrando una variedad de estilos y épocas en una mezcla única. Otro
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hermoso ejemplo se encuentra a un costado de la Plaza de Armas, donde en 1680 y tras once años de construcción abrió sus puertas la catedral, dispuesta en forma de cruz pero también derruida por la naturaleza. Muy cerca de ahí están la Fuente de las Sirenas, diseñada en 1739 por el arquitecto Miguel Porras y el edificio del ayuntamiento, cuyo origen data de 1743. Ambas construcciones reflejan en cada uno de sus detalles la tradición de la ciudad. También podemos destacar la Universidad de San Carlos, fundada en 1676 pero que en su construcción tiene estructuras hasta de 1832; Las Capuchinas, convento de 1736 que hoy se conserva parcialmente en ruinas; La Merced, con una de las fachadas más hermosas en toda la ciudad; así como múltiples mansiones y casas humildes que significaban el día a día de sus habitantes.
L A REUNIÓN Ruta Nacional CA 14, Km. 91.5, Alotenango, Sacatepéquez Antigua Guatemala T. (502) 7873 1400 lareunion.com.gt Facebook: LaReunionGolfResort Twitter: @LaReunionGT
L A ANTIGUA GUATEMAL A : RECORRIENDO L A HISTORIA
Patrimonio de la Humanidad En 1979 la UNESCO la declaró Patrimonio Cultural de la Humanidad apoyándose en su historia, portadora del conocimiento de diferentes épocas. Estos son algunos de los criterios que justifican su inclusión en la lista: • Es una memoria viva de la cultura española antigua gracias a sus construcciones barrocas del s. xviii. • Al ser un centro de exportaciones de artesanías e imágenes religiosas, su colección de objetos es única e irremplazable. • Es uno de los ejemplos más importantes de urbanismo en América Latina, conservando su trazado desde
1543, el cual es igualado por una arquitectura colonial extraordinaria. • Sus múltiples conventos y monasterios testifican la influencia de la iglesia católica en la vida diaria de la ciudad. • Desarrollaron un estilo barroco “antigüeño” propio de la región, motivado por la reconstrucción tras cada uno de los desastres naturales que sufrieron.
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LA REUNIÓN
Teniendo como escenario la gran ciudad colonial y rodeada por los cuatro imponentes volcanes que han sido causa de la ruina y la grandeza de la ciudad, se encuentra una de las plantaciones de café más hermosas e importantes de la región: La Reunión. En este terreno se levanta con la misma estética “Antigua” que caracteriza la zona, pero renovada con el lujo más exclusivo de la modernidad, uno de los resorts y campos de golf más imponentes que se puedan presenciar.Uno de los detalles que más llama la atención sobre esta propiedad, aunque parezca una nimiedad a la que estamos acostumbrados, es el horizonte, no importa si estás en tu habitación, en alguna de las múltiples terrazas del lugar, en el campo de golf, las albercas, bares, restaurantes o cualquier otro lugar, siempre tendrás una vista única e interminable, tan sólo interrumpida por los volcanes, los atardeceres o las nubes. Con esta característica como estandarte, el disfrute de cualquier actividad en cualquier tipo de viaje, ya sea en familia, pareja o con la firme intención de jugar golf, montar a caballo o realizar actividades de montañismo, comienza con una ventaja en la percepción de sus visitantes, una ventaja que todos quisiéramos descubrir.
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la Musa
por: Inés Marrón
El misterio de las damas
Dicen que la forma más segura de adivinar lo que piensa y siente una mujer es conociendo los contenidos de su bolsa. Tal vez para proteger el misterio es que los grandes diseñadores han dedicado horas a crear piezas maravillosas que suman el arte y el diseño. Aquí, un breve recuento de las más icónicas.
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La anécdota es muy famosa: Grace Kelly, recién convertida en princesa, no quería que nadie supiera de su
embarazo. Esto fue en 1956, pero ya pululaban los paparazzi y era Grace la persona que más atraía la atención. La primera imagen muestra a la princesa descender de un auto con la ayuda de su marido, el príncipe Rainiero. Lleva guantes blancos, lentes oscuros, un abrigo de piel sobre un dos piezas y… una enorme bolsa que cubría su pancita de apenas unas semanas. En los días y meses subsecuentes, Kelly llevaría ese mismo bolso de cuero frente a su esbelta (aunque preñada) figura. No tardó mucho tiempo para que la gente asociara princesa y objeto. ¿La marca que se honraba con el pudor real? Nada menos que Hermès. La bolsa fue rebautizada como la “Kelly Bag” o “Bolsa Kelly”. Fue la primera de una serie de talabartería de lujo que llevaría el nombre de una mujer hermosa y famosa.
EL MISTERIO DE LAS DAMAS
LAS BOLSAS HERMÈS, EN ESPECIAL LA BIRKIN, HAN ALCANZADO TAL NIVEL DE DEMANDA QUE HAY LISTA DE ESPERA PARA OBTENER UNA NUEVA Y EN UNA SUBASTA UNA USADA PUEDE ALCANZAR LOS 70 MIL DÓLARES.
La Kelly, que se sigue produciendo, obtuvo su nombre gracias a la casualidad, pero no fue casual el nacimiento de la Birkin Bag. En este caso, sí hubo una musa previa al prodigio de talabartería. La inglesa Jane Birkin fue una de las modelos, cantantes y actrices más codiciadas de su época. Se casó con Serge Gainsbourg, un ídolo de las masas en su natal Francia. Birkin era escandalosamente bella: delgadísima, con poco pecho (que enseñaba a la menor provocación) y unas piernas perfectas. Tenía —y tiene— un estilo personal para vestir tan notable que marcó época y sirvió de inspiración para que los diseñadores realizaran colecciones siguiendo su ejemplo. Uno de ellos fue Jean-Louis Dumas, quien estaba al frente del diseño en Hermès a inicios de los ochenta. La estrella de Birkin, que comenzó a brillar en los años sesenta, era fulgurante por entonces. La actriz —madre de la musa de Ghesquiere para Louis Vuitton, Char-
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lotte Gainsbourg, por cierto— cargaba sus pertenencias en canastas o en bolsas para ir al mercado, hechas con paja trenzada. En un vuelo en el que compartía asiento con Dumas, todo el contenido de su bolsa perdió el misterio porque voló por los aires y cayó sobre el diseñador. Después de ayudarla a recoger las cosas —y de escucharla quejarse porque no había una bolsa en la que le cupiera todo lo que quería guardar— el diseñador creó una bolsa grande, con cierres de metal al frente, dos gruesas correas en aro para llevarla sin problemas y un fondo ancho, rectangular, para servir como amplio contenedor y que fuera fácil de poner en el suelo. La Birkin Bag es tan icónica, que forma parte ya de la cultura popular. La propia Jane Birkin, ahora de 67 años, lleva a todos lados a su tocaya sólo que, fiel a sí misma, la ha saturado de pequeños detalles personales: le cuelgan una foto, listones, un mala, un ojo turco contra el mal de ojo…
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TENDENCIA RECUPERADA
Después de Birkin vino un vacío que duró poco más de una década. O las grandes casas de diseño no encontraban inspiración para hacer más bolsas con nombre o había cierta timidez en nombrar sus productos para honrar a alguna mujer. Fue hasta 1995 que un bolso de la casa Dior encontró el camino. Bernadette Chirac, quien por entonces era primera dama de Francia, entregó este artículo como obsequio a la princesa Diana cuando ella y su marido, el príncipe Carlos,
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asistían a una exposición de Cezanne en el Grand Palais de París. A Diana le gustó tanto el regalo, que ordenó más y pidió que le hicieran llegar siempre las nuevas ediciones. En 1996 la firma le solicitó a la princesa el permiso de nombrar la bolsa Lady Dior en su honor. Un año antes de su muerte, la princesa accedió a ese bautizo. La bolsa es hoy una de las más populares de la casa Dior con sus asas cortas y confortables, en piel de cordero acolchada. Tiene el famoso “cannage”; es decir, pespuntes que
lo hacen parecerse al tejido tradicional del mimbre. Las asas se sostienen de aros metálicos sujetos, a su vez, a cuatro placas de metal ovaladas. De uno de los aros penden las letras, también en metal, D-I-O-R, separadas. Fue John Galliano quien retomó el bolso — siempre un éxito de ventas para la marca— y le dio un giro muy particular: el colorido. Morado, rojo sangre, negro azabache… todos estos colores tienen nombres como Lady Rouge, Lady Noir, etcétera. Una pieza coleccionable que recuperó una tradición.
EL MISTERIO DE LAS DAMAS
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Otras musas Hay más bolsas con nombres de chicas reales, inspiradas en ellas: en su forma de moverse, de vestir, de ver la vida. Una de nuestras favoritas es, por supuesto, la Alexa Bag, de Mulberry, lanzada en 2010, inspirada en la presentadora y modelo Alexa Chung. Es confortable, versátil (podría pasar por portafolios) y elegante sin esfuerzos. También nos gusta la Daphne Bag, de Jason Wu, inspirada en la modelo Daphne Groeneveld y que fue lanzada apenas en el 2012. Es una bolsa estilizada, sexy, con algo casi divertido, de la que se han hecho distintas ediciones.
DÓNDE COM PRA R
El equipo de diseño de Ferragamo no quiso quedarse atrás y diseñó un producto que emulaba la belleza sensual, un poco salvaje, de Sofía Loren. Su bolsa tiene una serie de elementos que la distinguen de otras de su género. Loren es cliente frecuente de la tienda y tiene una relación personal con las cabezas de diseño, así que nadie descarta que haya puesto un poco de su cosecha para llegar al resultado final. Se trata de una bolsa de una sola asa, firme, fija a la cúspide de un producto diseñado casi en forma de triángulo. El fondo es ancho y amplio, aunque no tiene las inmensas proporciones de la Birkin. Se cierra con una solapa al frente y tiene el famoso broche Palladio Gancino, emblema de la marca. Tiene una pequeña bolsita trasera que se cierra con zíper y detalles metálicos a los lados (que pueden expandirse un poco, según el contenido). Tiene una correa que puede alargarse o extenderse para llevarla al hombro. Se hace en colores llamativos y divertidos, incluyendo combinaciones: azul con gris plata, púrpura, rojo-café-negro. Es una de las piezas favoritas de las estrellas de Hollywood. Así, las bolsas más deseadas para llevar de un lado a otro misteriosos contenidos surgieron de personas reales, de carne y hueso. Son a la vez un homenaje y se refieren a una forma de entender el estilo y la elegancia.
Hermès Presidente Masaryk 422-A, Polanco T. (55) 5282 2118 hermes.com Dior / Palacio de Hierro Horacio 222, Polanco T. (55) 5283 7200 elpalaciodehierro.com Mulberry mulberry.com (Hacen envíos a México) Salvatore Ferragamo Altavista 147, San Ángel Inn T. (55) 5616 5246 ferragamo.com
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la Galería
por: Andrea Villanueva fotos: Fernanda Romadía
Fundación Casa Wabi, el nuevo hogar del arte contemporáneo
En un pueblo en la costa de Oaxaca el famoso arquitecto japonés Tadao Ando está construyendo, de la mano del artista plástico mexicano Bosco Sodi, un centro dedicado al arte que cambiará el panorama de la región. Conozca la historia y el futuro de Fundación Casa Wabi.
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FUNDACIÓN CASA WABI
Wabi sabi es un término japonés que significa encontrar belleza en la Bosco Sodi (Ciudad de México, 1970) Es reconocido por sus enormes pinturas —llenas de colores y texturas— que son creadas con materiales muy básicos. Sodi busca que su trabajo trascienda las barreras conceptuales que comúnmente se encuentran en el arte a través de la exploración de diferentes materiales que domina de forma creativa. Muchas de sus obras son “sin título” para no influir en la percepción del público y eliminar cualquier predisposición. Entre las influencias más importantes para Bosco Sodi se encuentran Antoni Tàpies y Jean Dubuffet, así como los expertos en color Willem de Kooning y Mark Rothko.
imperfección, en el accidente y en la profundidad de la naturaleza. Ubicada en el pueblo Hidalgo, cerca de Puerto Escondido, en Oaxaca, Casa Wabi funciona como hogar de un proyecto interdisciplinario cuyo objetivo es fomentar el intercambio de ideas entre artistas de diversas especialidades y nacionalidades. La Fundación Casa Wabi es una idea, un poco excéntrica, que combina el talento de Bosco Sodi, Patricia Martín y Tadao Ando en el que se busca la creación de obra inédita, así como la exploración de nuevas ideas y conceptos. Todo esto rodeado de tranquilidad y resaltando siempre el aspecto humano en esta convivencia de arte y naturaleza. A grandes rasgos, la Casa Wabi, difícil de describir, es una serie de estructuras gobernadas por los principios utópicos de su fundador: Bosco Sodi, artista mexicano afincado en Brooklyn. Estas estructuras albergan un salón de usos múltiples que puede funcionar como galería de arte,
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dos estudios, un jardín escultórico, biblioteca, seis villas para albergar a los artistas residentes y una espectacular alberca. Todo diseñado por el arquitecto japonés Tadao Ando, uno de los ídolos de Sodi. Tras una residencia en Tokio hace unos diez años, Bosco Sodi se enamoró de las estructuras de concreto de Ando: la filosofía detrás de las construcciones, la austeridad, la belleza de la imperfección. Entonces Sodi le pidió diseñar un estudio para él. La respuesta fue “estamos muy ocupados”. Pero el artista mexicano no desistió y, con fotografías aéreas del terreno en Oaxaca y la idea de la Fundación, así como la ayuda del galerista —y amigo en común— Kazuhito Yoshii, se reunió con Ando en Los Ángeles. Con un gran reto por delante debido a la localización y condiciones del terreno pero la promesa de trabajar con la comunidad oaxaqueña y la identidad que esto le daría al proyecto, el japonés aceptó. El diseño de la Fundación está basado, como toda la obra de Tadao Ando, en líneas simples. En este caso enfrenta los elementos clásicos de
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“AMBICIOSO NI SIQUIERA SE ACERCA A DESCRIBIR ESTE PROYECTO. HONESTAMENTE, EN UN PRINCIPIO PENSÉ QUE BOSCO ESTABA COMPLETAMENTE LOCO.” –Marc Glimcher
la costa —agua, cielo, arena, sol— con la montaña y, por supuesto, las estructuras de concreto. El complejo, aseguran, no estará nunca terminado, sino que irá cambiando gradualmente a medida que el jardín acumule esculturas y las plantas ocupen su espacio. El arquitecto asegura que la obra se irá definiendo conforme sea visitada y Sodi, por su parte, está tan emocionado que intentará apoyar cualquier idea que se le ocurra construir a Ando. Por ahora, las residencias —con una duración de hasta tres meses— ya están apartadas hasta mayo del 2015 y obras de artistas amigos de Sodi, como el escultor Michael Joo, han ido llegando poco a poco a ocupar su lugar en los jardines de la Fundación. Joo será también uno de los primeros residentes junto con la artista visual Mickalene Thomas, el poeta James Fenton y Teresita Fernández, cantautora, narradora y trovadora. Se espera que ellos, como los artistas que lleguen a Casa Wabi en un futuro, trabajen con artesanos locales, lo cual ha sido una ardua tarea para Sodi. El artista cuenta que a la gente de estas comunidades se le han hecho promesas que no se cumplen y por eso se ha empeñado en trabajar con líderes locales para eliminar suspicacias. Está tan emocionado y volcado en el proyecto que ha invertido gran parte de su tiempo y dinero en él, e incluso creó un fideicomiso que prohíbe a sus hijos vender Casa Wabi cuando él ya no esté. Definitivamente, Casa Wabi ha sido creada como una obra de arte que debe pasar de generación en generación —como dictan las tradiciones oaxaqueñas. Con el trabajo multidisciplinario del artista, el arquitecto y los trabajadores de la zona, no es un proyecto efímero sino un futuro referente en el arte contemporáneo en México.
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Tadao Ando (Osaka, Japón, 1941) Su obra arquitectónica se caracteriza por evocar la tradición nipona contrastando elementos naturales como el sol, la lluvia y el viento con el concreto como material principal. Fundó su despacho en 1969 tras estudiar de forma autodidacta e in situ –con libreta de dibujo en mano– las obras arquitectónicas más importantes de Japón, Europa y Estados Unidos por casi 10 años. La casa Azuma de 1976 lo hizo ganador del premio de la Asociación Japonesa de Arquitectura, poniéndolo en el mapa internacional y en 1995 fue honrado con el Premio Pritzker— ese mismo año un terrible terremoto sacudió Japón y Ando donó todo el dinero del premio a los damnificados del desastre.
Patricia Martín (Ciudad de México, 1969) Martín es, desde los años noventa, curadora de arte. Su objetivo es promover colecciones de arte contemporáneo tanto en México como en el extranjero y en los últimos años ha tenido una enorme labor en el reconocimiento que el arte contemporáneo mexicano tiene hoy en día. Uno de sus grandes logros fue la creación de la Colección Jumex, de la cual fue directora entre 1997 y 2005. Actualmente es consultora en diferentes colecciones y tiene una columna semanal sobre arte en El Financiero.
INFO Facebook: CasaWabi Twitter: @casawabi
FUNDACIÓN CASA WABI
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La comunidad Oaxaca es uno de los estados con mayor índice de pobreza en México, por eso para Fundación Casa Wabi un intercambio social con las comunidades que la rodean, así como la conciencia de protección del medio ambiente son factores inseparables del proyecto. Gran parte de la residencia de los artistas será el intercambio con los habitantes de las
comunidades, buscando nutrir y expandir sus horizontes—a nivel personal, social y multicultural. Este trabajo consistirá en crear un vínculo con escuelas, comunidades locales y el público en general, por medio de talleres, ciclos de cine y pláticas, en los que la Fundación se hará cargo de proveer transporte y alimentación a los asistentes. Como
cuenta Sodi, los niños y adultos de estas comunidades no tienen ningún contacto con el arte y espera que con Casa Wabi exista un acercamiento con estudiantes de todas las edades o mujeres que trabajan en las cooperativas para que comiencen a ver el mundo de otra manera y, a través del arte, mejoren su calidad de vida.
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Leisure
Driver
directo al paraíso El golf es mucho más que un juego, se trata de un estilo de vida en que la mayor competencia es uno mismo. Aquí una pequeña guía de los mejores campos a visitar en nuestro país.
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por: Carlos Sánchez-Morán
Desde la primera vez que uno golpea bien la pelota y la hace volar hacia fairway o green se enamora del golf. Esa experiencia, la sensación en el estómago cuando entra por fin el birdie o se deja la pelota puesta, a unos pies de embocar, se repite cada vez que los spikes pisan una nueva grama. En este deporte hay un viejo dicho: “No estás compitiendo contra los demás, compites contra ti mismo”; así que el campo es donde se pueden desplegar todas las habilidades de decisión y riesgo que cada hombre tiene y que llevan a conquistar las 18 banderas. Uno domina el trazado. Desde luego, el golf no sólo es un entretenimiento, es un estilo de vida, de ser una dama o un caballero y de jugar como tal en el campo y en la vida.
DRIVER: DIRECTO AL PARAÍSO
EN LA RIVIERA MAYA EL AGUA Y EL ARENA NO SON PARA DARSE UN CHAPUZÓN O TIRARSE A DESCANSAR, SON OBSTÁCULOS QUE PUEDEN CONVERTIRSE EN UNA VERDADERA PESADILLA.
Para quienes se apasionan por este deporte hay opciones que lo llevan a descubrir nuevos retos, otros campos donde probarse y despejar la mente. México tiene distintos ambientes para tomar los bastones y salir a la ronda con los amigos, familia o socios. Desde los complejos antiguos y modernos en el Estado de México hasta los resorts de la costa, ya sea en la Riviera Maya o el Pacífico… O el Bajío. Siempre habrá un nuevo campo para regresar a la casa club a las seis de la tarde con la sensación de victoria y el Hoyo 19 disponible para tomar una copa de whisky.
GREEN CON VISTA AL MAR
Riviera Maya es uno de los principales destinos de golf en México, pues los desarrollos se hicieron para disfrutar del juego en las mejores condiciones de playa, pero no hay que dejarse cegar por su belleza. En los últimos años la
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joya de la corona ha sido El Camaleón. Ubicado en Playa del Carmen, el club recibe el OHL Classic, único torneo del PGA Tour en el país. De esta forma los aficionados pueden vivir la experiencia de un torneo del máximo circuito. Sus 7 mil yardas fueron diseñadas por Greg Norman, quien no dejó duda de por qué sigue siendo el “Tiburón”. En su trazado, además de los bunkers que pueden volver el paraíso maya en una pesadilla, se encuentra la peculiaridad del hoyo 7, sobre la costa, que tiene un reto adicional: un cenote que parte el fairway. Así que el agua y la arena no serán sólo para tenderse a descansar. Por alrededor de 280 dólares por persona, este campo es ideal para jugar foursome y pisar los greenes de pasto de Bahía. Su acceso se encuentra abierto al público en general. Pero si su leyenda preferida sobre la grama es el “Oso Dorado”, máximo ganador de
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majors, con 18, en Cancún también pueden encontrar un trazado con su firma. El Moon Spa & Golf Club consta de 27 hoyos, lo que da la oportunidad de jugar tres sectores diferentes, cada uno con nueve banderas por conquistar. Jungla, Lago y Dunas son los nombres de cada una de las vueltas que Jack Nicklaus ideó para ofrecer exóticos paisajes y lujo en las instalaciones. Para quien busque un campo para entretenimiento, bien puede jugar en alguna de estas vueltas de par 36. La vista, la comida y la bebida son un aliciente para escoger este sitio para pasar grandes días de golf y amigos y, quizá, cerrar un buen negocio entre la arena, lagos y mar.
TAMBIÉN EN EL PACÍFICO
Si de lujo se trata, hay un campo en el Pacífico mexicano que lo tiene todo para una ronda de fantasía. Estrella de Mar de Mazatlán,
Campos a la vista • Marina Vallarta Puerto Vallarta. 18 hoyos. Par 71. 6,701 yd. • El Camaleón Golf Club Riviera Maya. 18 hoyos. Par 72. 7,024 yd. • Jungle, Dunes y Lake Courses at Moon Spa & Golf Club Cancún. 27 hoyos. 3 vueltas Par 36. • Grand Coral Playa del Carmen. 18 hoyos. Par 71. 7,043 yd. • Riviera Maya Golf Club Cancún. 27 hoyos. 3 vueltas Par 36. • Estrella de Mar Mazatlán. 18 hoyos. Par 72. 7,015 yd. • El Cid Mazatlán. 27 hoyos. 3 vueltas Par 36.
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Sinaloa. Desde la entrada a las instalaciones, imponentes palmeras resguardan el camino, lo que otorga una imagen de grandeza que sólo este sitio tiene. Es un trazado, como los que se sitúan en la costa, con pocas pendientes, pero eso no debe confundir al visitante. Los fairways tienen declives que deben medirse muy bien y hay que seguir los consejos del caddie por los amplios greens. Los últimos cuatro hoyos son especialmente complicados y el viento puede ser un verdadero dolor de cabeza para los que intenten la vuelta. Una de las grandes ventajas de este campo es que se encuentra lejos de la Zona Dorada, muy cerca del aeropuerto local y solo los ruidos de las olas y las aves se escuchan en kilómetros a la redonda. La experiencia de la cocina sinaloense también es un buen pretexto para pasar el día en este campo diseñado por Robert Trent Jones Jr.
EN UN CAMPO DE GOLF UNO NO COMPITE CONTRA LOS DEMÁS, SINO CONTRA LOS ELEMENTOS Y EL MISMO CAMPO Y, POR SUPUESTO, CONTRA UNO MISMO.
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Trazados de las leyendas en México En México existen varios campos de diseñador, empezando con los 24 de Jack Nicklaus seis de Robert Trent Jones Sr., cinco de Greg Norman, cuatro de Robert Trent Jones Jr. y uno de Lee Treviño.
El puerto también cuenta con el campo de El Cid. Es una grama en el centro de la zona Hotelera de Mazatlán, donde se juega la gira nacional profesional y también ha recibido etapas del tour canadiense. El complejo de la familia Berdegué tiene un trazado diseñado por Larry Hughes y Lee Treviño que se compone de tres vueltas, El Moro, Castilla y Marina. Desde luego, para disfrutar al máximo de la vista y la vegetación, lo mejor es tomar la tercera opción. Es un campo muy plano, pero no por eso hay que confiarse, pues los árboles suelen complicar la ronda en este bello circuito que inició su funcionamiento en 1972. Claro, no es un sitio moderno, pero se puede gozar de sus amplios fairways y las facilidades que otorga
para los jugadores. Quienes no participen estarán bien atendidos con comida del mar al alcance y la plaza a unos pasos. Sólo deben cruzar un puente que conecta con el campo y estarán justo frente al Pacífico.
NO, NO SÓLO SOCIOS
Hay clubes en la zona metropolitana del Valle de México que son privados, pero que quien es un apasionado del golf no debe perderse. Uno de ellos es Bosque Real CC. Es un verdadero reto y es recordado por haber ofrecido grandes emociones con los torneos LPGA donde participó la gran Lorena Ochoa. Aunque la tapatía no pudo ganar en ese trazado, Annika Sorenstam, Pat Hurst, Louise Friberg y la sorpresiva
Meaghan Francella fueron campeonas de este certamen y demostraron que jugar ahí es un desafío tanto físico como mental que bien vale la pena. Sus declives obligan a la mente a mantenerse fuerte para seguir adelante. Ahí se puede jugar como invitado o en un torneo empresarial, para demostrar que no sólo en los negocios uno puede ser osado. Tres Marías de Morelia, El Tigre de Nuevo Vallarta, los trece campos de Baja California Sur donde se puede apreciar una belleza extraordinaria… Siempre habrá una grama dónde jugar contra uno mismo y disfrutar, al mismo tiempo, de la experiencia de lujo que significa ser un jugador de golf.
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el Coleccionista por Rodrigo Rivero Lake
El Coleccionismo en México El c o le c cio ni smo e s un arte que p o d ría c o n sid erar se mo d ern o, p ero en re alid ad e xi ste en n ue str o paí s d e sd e an te s d e ser e s o, un paí s. C o n o z c a l a hi st o ria d e lo s p rimero s c o le c cio ni sta s me xic an o s.
ras el descubrimiento de América el coleccionismo europeo sufrió un cambio notable, ya que las diferentes expresiones artísticas surgidas de las culturas mesoamericanas no correspondían a la estética del viejo continente. Como ejemplo el caso del oro, tan apreciado por los conquistadores y que los pueblos prehispánicos sólo utilizaban en la realización de piezas para personajes de alto rango o como ofrenda, ya que el anhelado metal estaba relacionado con lo divino. Así, el tipo de coleccionismo que los españoles encontraron tras su llegada a México fue fundamentalmente de carácter zoológico y botánico. ❡Según los testimonios de Hernán Cortés y Bernal Díaz del Castillo, fue Moctezuma quien creó una de las colecciones prehispánicas más significativas, compuesta por jardines botánicos como el de Oaxtepec, el de su propia casa —donde hoy se encuentra el Palacio Nacional— y Chapultepec. Los españoles encontraron también colecciones zoológicas formadas por un rico conjunto de especies, entre ellas aves de plumaje precioso con el cual los amantecas elaboraban obras de arte plumario excepcional. De este género, nueve piezas importantes han pasado por mis manos. ❡Existen testimonios escritos en los que se narra cómo los antiguos mexicanos cuidaban las aves, los felinos o los peces y describen los conocimientos que poseían sobre botánica, zoología y todo lo relacionado con la naturaleza, su ciencia y utilidad. El doctor Hernández, visitador de la Nueva España y médico de Carlos V, escribió un libro en donde realizó una clasificación de diversas hierbas medicinales y su uso, y otro acerca de las hierbas tintóreas y sus características de pigmentación. También realizó un estudio sobre las fibras textiles y sus reacciones ante los pigmentos. Por su parte, Don Antonio de Mendoza, primer Virrey de la Nueva España, envió a Carlos V un compendio de la historia de los mexicanos y la colección de pictogramas que da forma al famoso Códice Mendocino. ❡El desarrollo del coleccionismo fomentado por los españo-
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les en México tuvo un interés fundamental en proyectos específicos como el del Gabinete de Medallas, Láminas y Bustos para la Real Academia de San Carlos, en 1778. Anteriormente, fue conocido y reconocido el acervo integrado por Lorenzo Boturini. Este excepcional hombre, originario de Italia, conoció México en 1736 como enviado de la Condesa de Santibáñez y desde su llegada se interesó en coleccionar antigüedades mexicanas, dejando testimonio de su pasión en una publicación aparecida en España bajo el título Idea de una Nueva Historia General de la América Septentrional. ❡Entre las pruebas que demuestran la existencia del coleccionismo precolombino está el Tesoro de Axayácatl, mismo que encontraron los españoles huéspedes de Moctezuma; la Casa de las Fieras, del propio Moctezuma; así como una serie de documentos que nos permiten saber que en el mundo azteca había coleccionismo, aunque no de la manera en que occidentalmente se conocía. Se trataba de un coleccionismo de rarezas, que comprendía desde la Casa de los Monstruos de Moctezuma, en donde tenía a saltimbanquis, jorobados y casos raros de la naturaleza, hasta los ya mencionados jardines botánicos. ❡Sin embargo, considero que aquí debo referirme fundamentalmente a un coleccionismo en el sentido occidental. Así, evidentemente, Hernán Cortés fue el primer coleccionista de México y esto es comprobable mediante la apreciación de todos los objetos que acumuló y los envíos que le hizo a Carlos V. De éstos, los principales no llegaron nunca a su destino pues un pirata francés los interceptaba antes de llegar a España. Además, en un principio y no obstante la vastedad de su cultura, no les otorgaba a los objetos provenientes de América la importancia suficiente y, en muchos casos, se los enviaba a su hermano Fernando como cosas curiosas, exóticas. Por esta razón, una gran mayoría de los objetos provenientes de México que Cortés le envió a Carlos V se encuentran en Austria y no en España. Tal es el caso del tan controvertido Penacho de Moctezuma. ❡ El primer coleccionista que hubo en México en un sentido más renacentista fue don Antonio de Mendoza, personaje histórico
EL COLECCIONISTA
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Códice Mendocino
representante en su momento del humanismo español que, en aquella época, constituía uno de los grandes niveles de la cultura europea. Él pertenecía a la Casa de Mendoza que puede considerarse la esencia del Renacimiento Español, y que se debe al Duque del Infantado y a su padre, el Marqués de Santillana. Don Antonio de Mendoza poseía una cultura universal humanística única para su era, prueba de ello es el esplendido Códice Mendocino que sólo pudo haber sido encomendado por una mente sagaz, adelantada a su tiempo. Deben haber existido otros coleccionistas en la época, pero ninguno como él. Tenemos, por ejemplo, a Zumárraga que, aunque el coleccionismo de libros y de antigüedades van siempre de la mano, es conocido exclusivamente como bibliófilo. ❡Del siglo XVII podemos recordar al Virrey Don Luis de Velasco el Segundo como un gran coleccionista. Existen inventarios de las cosas que recogió a lo largo de su vida en México o en el Perú que suman más de 400 páginas. Además, del siglo XVII se posee vasta información, dada a conocer sobre todo por Don José Ignacio Conde y Díaz Rubín, experto en el tema. En su opinión, los datos más significativos que existen acerca del coleccionismo en México durante ese siglo se refieren, entre otros personajes, a un canónigo de la Catedral de Puebla, el Dr. Joseph de Salazar Barona, quien se dedicó a coleccionar pintura, escultura, mármoles, piezas de arte plumario, casi todas obras de dimensiones pequeñas. ❡A su muerte, cedió su colección a la Catedral de Puebla y con el conjunto de esas piezas fue construida una magna obra: La Capilla del Ochavo. Ésta posee cuadros de Luis Lagarto, objetos de arte plu-
mario, pinturas de Echave, en total 400 o 500 piezas de primer orden. La Capilla del Ochavo es una obra única a nivel universal que contiene esta espléndida colección, pobremente conocida, lo cual es inadmisible, ya que exigiría un estudio pormenorizado de sus piezas y de la historia del canónigo. ❡La fuente acerca de la Capilla del Ochavo la tenemos en Don Antonio Bermúdez de Castro, uno de los cronistas de Puebla del siglo XVIII. El refiere como el Dr. Joseph De Salazar Barona, prebendado canónigo, “tesorero en nuestra escuela que fue de la Santa Iglesia, construyó esta espléndida capilla con tres altares de láminas y preciosos relicarios mandados pintar y dorar al óleo por toda la bóveda y cornisas, hermoseando su espacio con cristalinos espejos de tan bien compasados que parada una persona en los azulejos que están en el medio, se leerá en el peso de sus lunas, con caracteres de oro los nombres de los cinco señores Jesús, María y José, Ana y Joaquín, constando del mismo adorno en los tapetes frontales, doce blandones de plata para los tres altares que con puerta de curiosos baluartes entre puertas de terciopelo carmesí ocupan cuatro ángulos del ochavo. Y en los otros cuatro forman unas exquisitas alacenas que sirven de aparadores para guardar la plata de la Iglesia. Y así mismo puso a su costa este señor maestre, escuela, vidrieras finas con marcos dorados de las doce cruces que se hicieron para la consagración, consumiendo de su caudal en dicha obra más de quince mil pesos y pidiendo la sepultura en dicho ochavo como se hizo y a sus cenizas le grabara mi afecto este epitafio: El coleccionismo en México es tan extenso que en breve continuaremos”.
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el Libro
por: La Redacción
Casa Palacio
Centro Comercial Antara México, D.F. T. (55) 9138 3750
casapalacio.com.mx vivetotalmentepalacio.com casa_palacio casa_palacio
Librería Assouline Newton 35 Col. Polanco México, D.F. T. (55) 5281 0568
Dressing for the Dark, Una guía para la noche
DRESSING FOR THE DARK es el primer libro de Kate Young, estilista de figuras como Natalie Portman y Michelle Williams, es reconocida en el mundo de la moda por su casi blanca cabellera, vestir a las más grandes estrellas y por su trabajo con firmas de la talla de Dior y revistas como Vogue e Interview. En este tomo de Assouline, Young combina su experiencia en alfombras rojas con momentos icónicos de la moda que van desde el cine —incluyendo a Elizabeth Taylor vestida de blanco en Cat on a Hot Tin Roof y a Julia Roberts en Pretty Woman— hasta entregas de premios, para ofrecer tanto un entretenido recuento histórico como una guía para vestir en las noches especiales. Dressing for the Dark incluye también un directorio e incontables ideas y consejos.
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