Fotografia de Boda contemporánea (primer capitulo)

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FotografĂ­a de Boda ContemporĂĄnea

un libro de Martino Buzzi 1

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Edición de prueba realizada en Enero 2014 Distribución limitada Todas las fotos y el texto son de Martino Buzzi Está prohibida la reproducción y difusión del contenido del libro.

Edición definitiva disponible en Abril 2014 en formato impreso.

Más info en: www.tripodart.net/cursos info@tripodart.net ©2013 Martino Buzzi www.studioboda.com info@studioboda.com

AGRADECIMIENTOS: Este libro no sería posible sin: Florencia Ruiz Iván Navarro

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INDICE: Introducción:

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Una forma de expresión artística

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El secreto de las 3 habilidades

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Capítulo 1: Conocimientos Técnicos

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1.1 Que es La Luz?

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1.2 El equipo técnico:

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1.3 El trabajo en cámara

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Capítulo 2 “sensibilidad artística”

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2.1 Estética - contenido

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2.2 Composición y luz

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2.3 Encontrando tu estilo

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Capítulo 3 "factor humano"

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Capítulo 4: Las fases del reportaje

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4.1- Reportaje previo (Pre-Boda)

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4.2 Los preparativos de los novios

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4.3 La Ceremonia

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4.4 La sesión de fotos en exterior

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4.5 El Banquete

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4.6 Trash the dress

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Capítulo 5: Postproducción

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5.1 Flujo de trabajo

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5.2 Entrega en formato digital

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5.3 Álbum digital

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Capítulo 6: "Somos una Empresa"

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6.1 El Producto

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6.2 Nuestros Clientes:

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6.3 Marketing

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Capítulo: 7 Internet:

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7.1 SEO: Optimizar tu web para los Buscadores

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7.2 Redes sociales

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7.3 Publicidad on-line

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Capítulo: 8 Biografía

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Introducción: Este libro me hubiese gustado leerlo hace cinco años, cuando no tenía idea de lo que podía ofrecer este campo de la fotografía. Lo escribo para dejar un apunte de las cosas que he aprendido durante este tiempo. Este texto no pretende ser un libro completo y definitivo, si no un manual de apuntes que exponen mi forma de ver la fotografía de boda y mi método de trabajo actual.

En contra del pensamiento corriente, la fotografía artística de boda es una disciplina fotográfica de las más complicadas y más enriquecedoras que existen. La mayoría de la gente no lo sabe porque durante años ha sido realizada de una forma repetitiva inexpresiva y rutinaria. En España y en otros países sin embargo estamos viviendo un momento de cambio. Cada día hay más profesionales que realizan trabajos de gran calidad y más parejas que los aprecian y los valoran.

El fotógrafo de boda no solo tiene que hacer fotos. Debe saber como editar las imágenes, como realizar álbumes, como vender su trabajo y como encontrar clientes. Hay un gran numero de tareas importantes que pueden realizarse de forma eficaz obteniendo mejores resultado en menor tiempo. El objetivo de este texto es transmitir mi forma de trabajo agilizando el trabajo del fotógrafo de boda en todos los aspectos.

En los últimos años he cambiado profundamente mi visión de la fotografía de boda. He asistido e impartido workshops, he compartido experiencias con importantes fotógrafos de boda a nivel internacional. He aprendido algo de cada uno y todos me han ayudado a crecer en mi trabajo y a definir mi estilo fotográfico. Hace tres años comencé a preparar unos apuntes para unas clase y ahora se han convertido en una texto más ordenado y completo.

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Si crees en ti y en lo que haces podrás disfrutar mucho de este trabajo, te permitirá hacer fotos creativas, conocer nuevas personas y vivir experiencias únicas. Pero ser fotógrafo de boda no es fácil. Hay que trabajar duro e invertir tiempo, especialmente en los fines de semana. Se necesita determinación y constancia, por esto recomiendo que lo intente solo quien es movido por una verdadera pasión.

Decidí dedicarme por completo a la fotografía matrimonial, con el apoyo de Florencia, mi compañera. Juntos fundamos Studio Boda, una marca dedicada exclusivamente a los reportajes de bodas. Ella aportó su talento artístico y de diseño gráfico y juntos nos empeñamos en crear un producto nuevo y original.

Un buen fotógrafo nunca deja de formarse, tanto en la técnica como en el estilo. Siempre podemos aprender algo de otros profesionales. El confronto nos permite descubrir nuestros errores y aprender de ellos renovando nuestra visión.

La idea fue la de revalorizar el reportaje matrimonial, haciendo fotos que nos interesaban por sus calidades artísticas y expresivas. Educamos las parejas a un nuevo concepto de fotografía, alejando la idea de un servicio rutinario como lo conocían hasta ese momento. Al inicio no fue fácil, pero con el tiempo conseguimos realizar nuestros objetivo.

Una forma de expresión artística Mi pasión por la fotografía deriva del Cine, ya de pequeño me sentía atraído de esta forma de Arte que te permite vivir los sueños en una pantalla a 25 frames por segundo. He estudiado en Italia la carrera de Música y Espectáculo con una tesis sobre los directores de fotografía del cine español. Antes de terminar los estudios ya tenía claro que la fotografía sería mi vocación. He comenzado como fotógrafo en distintos campos aprendiendo de cada uno: fotografía de retrato, deporte, moda y reportajes de eventos. (Al final del libro hay un capitulo con todos los detalles) Hace años yo mismo consideraba la fotografía de boda un género fotográfico “inferior”, acostumbrado a ver reportajes repetitivos, técnicamente pobres y mecánicos. Reportajes inexpresivos, con los novios siempre en las mismas localizaciones, en poses banales y kitch. A mediados del año 2008 me acerco a la fotografía de boda, desde una perspectiva diferente. Gracias a internet descubro trabajos de inspiración foto-periodística y reportajes matrimoniales de gran calidad técnica realizados por fotógrafos de todo el mundo. Descubro la fotografía de boda artística o de autor.

Se rompió este prejuicio que me impedía ver las potencialidades de la fotografía de boda. Comienzo a reconsiderar este campo y decido volcarme en él, ofreciendo un trabajo más complejo e interesante que me permita expresarme de forma creativa. La fotografía de matrimonio no es otra cosa que una ocasión para realizar retratos fotográficos. Y la fotografía es una forma de expresión humana, o sea una forma de Arte.

La novia saliendo hacía la ceremonia iso 200, 28mm, f/2,8 T:1/640

Sentimos que era importante apostar por un nuevo producto destinado a un público diferente. Hoy en día las parejas jóvenes, están acostumbradas a ver en revistas y publicidades fotografías realizadas con estilos particulares. Estas

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parejas reconocen la calidad artística en las fotografías y encuentran un valor añadido en este tipo de reportajes.

El reportaje de autor por lo tanto es un producto especial, nuevo, distinto. Se trata de hacer las fotos que tu quieres, no aquellas que se esperan de ti los novios. Experimentando nuevas perspectivas de ver los objetos cotidianos obteniendo imágenes especiales. Para hacer esto debemos acostumbrarnos a ver más allá de lo evidente y prestar atención a lo que nos rodea.

En el fondo lo más importante es la convicción profunda de hacer algo especial y único. Reconocer el valor artístico de las fotos nos permite volcarnos con más entusiasmo en lo que realizamos. Una buena forma de empezar es ponerse metas a corto y largo plazo y cumplirlas. Y siempre creer en ti mismo al cien por cien si quieres que los demás crean en ti.

este campo. Una foto es siempre una interpretación de la realidad y por lo tanto requiere un elección por parte del fotógrafo. La luz, los encuadres y los colores son los aspectos estéticos que utilizamos para crear una atmósfera. Cada fotógrafo tiene que buscar su camino, el cual es un proceso largo. Mirar revistas, películas incluso pintura realista nos ayuda a definir nuestras preferencias y por consecuencia el estilo de nuestras fotos.

Componente humano El fotógrafo tiene que ser un buen comunicador y saber como relacionarse de manera natural y directa. No hace falta hacerse amigo de los novios, pero si es importante saber crear la relación correcta transmitiendo entusiasmo, confianza o sensibilidad dependiendo del momento. El fotógrafo de boda es testigo de una celebración intima entre dos personas reunidos con sus seres más cercanos. La sensibilidad y la capacidad de crear lazos son calidades fundamentales en este campo.

El secreto de las 3 habilidades Después de reflexionar sobre el tema he llegado a la conclusión que para realizar un reportaje de autor son imprescindibles 3 habilidades fundamentales: Conocimientos técnicos Esta habilidad es la misma que se requiere para realizar un buen reportaje. No hace falta conocer toda la teoría de la luz en detalle, ni tener un control estricto de todos los detalles técnicos más pequeños.

Básicamente el conocimiento técnico tiene que permitirnos obtener la foto que deseamos, tenemos que saber como exponer y saberlo hacer de forma inmediata. En una boda hay situaciones que pasan de manera rápida y no se pueden repetir, por esto nuestra cámara tiene que ser una extensión de nuestro cuerpo y cuanto más la conozcamos podremos cambiar parámetros de forma rápida.

La complejidad de nuestro equipo es directamente proporcional al nivel de conocimiento técnico, que se requiere para manejarlo de forma correcta y eficaz. Si por ejemplo no usamos flash no tenemos que calcular toda una serie de variables y será más fácil obtener un control sobre el resultado.

Sensibilidad artística En este campo considero al conjunto de aspectos que describen el estilo del fotógrafo. Es importante recordar siempre que la fotografía es una forma de Arte y todo depende de como sepamos movernos en 9

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Capítulo 1: Conocimientos Técnicos Un buen conocimiento técnico se basa en saber controlar diferentes variables y por tanto es útil conocer las nociones fundamentales de la física de la luz. La luz es un elemento natural entre los más fascinantes y maravillosos de todo el universo. Sin luz no hay nada, la luz es energía y materia al mismo tiempo.

1.1 Que es La Luz? La física clásica no sabe bien como clasificar la luz: Por un lado se comporta como si fuera materia, viajando a gran velocidad en el espacio exterior. Por otro lado se comporta como una onda de energía en los fenómenos de la refracción.

La física cuántica intenta resumir diciendo que la luz se compone de unidades discretas de energía llamadas fotones.

Fuentes de Luz y calidades Identificar las diferentes fuentes de luz es un conocimiento primordial para el fotógrafo. Conocer las características de cada una permite tener un control completo sobre las situaciones reales que se nos presentan.

Luz dura - luz suave: Esta calidad de la luz depende del tamaño aparente de la fuente de luz respecto al sujeto e influye sobre el aspecto de las sombras. La luz dura produce sombras marcadas, mientras la luz suave crea espacios de penumbra y una iluminación más difusa.

La luz solar directa es una luz dura porque el sol es “aparentemente” pequeño y de el proceden los rayos ordenados. Una luz dura produce un resultado más “dramático” con un contraste más alto y unas lineas definidas.

Si queremos una luz suave necesitamos una fuente de luz grande y que esté lo más cerca posible al sujeto de nuestra foto. Una luz suave produce una escena “mórbida” con menor contraste y lineas menos definidas.

Dirección de la luz: Otro aspecto importante a considerar es la dirección de la luz, puede ser frontal, lateral u oblicua. La dirección de la luz nos permite descubrir los volúmenes de los sujetos fotografiados cuando es lateral u oblicua, o al contrario obtener una iluminación plana o una silueta cuando proviene desde frente o detrás. Cuanto más dura es la luz cuanto más fácil es identificar su dirección, al contrario una luz completamente difusa no tiene dirección dado que proviene de todos los lados con la misma intensidad. Es importante reconocer los efectos de las diferentes direcciones para aprovechar cada una de la mejor forma.

Luz directa - Luz reflejada Los rayos luminosos se reflejan sobre cualquier objeto que encuentre en su camino, transformando este en una fuente de luz a su vez. Es de gran importancia educar nuestra mirada a ver y reconocer esta característica en la vida real porque estamos tan acostumbrados a ella que no solemos prestarle atención. Cuando una superficie refleja la luz directa del sol la transforma de dura a suave cambiando por completo su calidad. Nos será útil recordarlo cuando deseamos obtener un retrato más “mórbido” en un día soleado, buscaremos una zona de sombra donde encontraremos una luz difusa.

Luz cálida - Luz fría: Esta calidad depende de la temperatura de color, una característica propia de cada fuente de luz. La temperatura de color se mide en grados Kelvin. Una temperatura de color baja de por ejemplo 7000 K produce una luz con aspecto azulado que nos produce una sensación “fría”. Una fuente de luz de 3000 K al contrario tiene y un aspecto amarillento y cálido. Como valor neutro ha sido elegido 5400 K aunque es un concepto subjetivo. Podemos definir el valor que consideramos “neutro” en nuestras fotos estableciendo en la cámara o posteriormente si trabajamos con archivos en formato RAW. LUZ SOLAR Una consecuencia importante de las características físicas de la luz es la ley del cuadrado de la distancia. Esta ley nos dice que si doblamos la distancia de una fuente de luz, nuestro sujeto recibe una cuarta parte de intensidad lumínica.

Esta regla explica porqué la luz solar directa es la única luz homogénea: la 11

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única fuente de luz que puede iluminar con la misma intensidad dos sujetos distantes entre ellos. Esto es posible porque la distancia entre la tierra y el sol es enorme en comparación con la separación de los sujetos. No habrá diferencia lumínica entre los sujetos separados por distancias de escala terrestre.

definidas, que nos permite tomar imágenes y retratos y con una calidad particular LUZ ARTIFICIAL La luz artificial es producida por lamparas eléctricas que pueden ser de varios tipos: hay bombillas de tungsteno, alógenas, neón, lamparas de leds y tantas otras. Cada una tiene características propias en cuanto a la temperatura de color y potencia. Es importante conocerlas para saber que resultado proporciona cada una. Trabajando con archivos RAW se ajusta la temperatura de color correcta en post producción.

Podemos introducir una fuente de luz artificial continua para iluminar escenas concretas de forma creativa. Ultimamente se utiliza las linternas de led, las cuales producen una luz suficiente para iluminar una situación de escasa luminosidad y funcionan durante algunas horas con baterías normales.

De la misma forma que con la luz natural, la luz artificial será más suave cuanto más grande su tamaño aparente en relación con el sujeto. Así que una bombilla que apunta directamente producirá una escena dura y contrastada mientras que una lampara con un gran difusor permite tomar una foto con bajo contraste y sin sombras marcadas.

Luz lateral (iso 200, 85mm, f/3.5 T:1/1250)

La luz solar puede incidir con ángulos muy diferentes dependiendo del lugar, la hora y el período del año. Según la altura del sol la temperatura de color y la calidad de la luz van cambiando. Cuando el día está despejado es una luz dura pero la atmósfera terrestre la está siempre modificando. Una parte de la radiación solar se refleja en la atmósfera (de hecho solo una parte de ella, la que corresponde al color azul) y suaviza la calidad general. Cuando el cielo está nublado la luz solar nos llega difusa por las nubes. Las nubes se transforman en fuente de luz produciendo una luminosidad suave y envolvente.

En esta situación encontramos una escena con menor contraste y sin sombras

FLASH: El flash es una fuente de luz particular, al desprender una gran potencia lumínica concentrada en un lapso de tiempo muy corto. Esto permite tener una potencia mucho mayor de las fuentes continuas pero tiene el inconveniente de que no “vemos” el efecto de la luz hasta ver la foto. Por otro lado nos permite “congelar” un movimiento rápido cuando la luz ambiente no es suficiente. Se fabrican diversos tipos de flashes que podemos utilizar y más adelante hablaremos de ello con mas detalle. Existen varios accesorios para suavizar la luz directa del flash que es por su naturaleza dura.

1.2 El equipo técnico: Quisiera hacer una consideración acerca del vinculo entre el fotógrafo y su cámara. La raza de los fotógrafos somos gente un poco rara. Amamos nuestra herramienta de trabajo de forma exagerada casi como si fuera un hijo. Nos

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emocionamos por cualquier nuevo modelo de cámara fotográfica con nuevas y superiores prestaciones. Somos unos auténticos frikis tecnológicos.

Por un segundo intentemos despegarnos de todos los conceptos técnicos y olvidemos las últimas características de nuestra cámara. Y centrémonos en lo que es realmente importante: nuestro proceso mental, nuestra forma de ver.

Recuerdas la emoción que sentiste cuando hiciste tus primeras fotos con una cámara compacta? Cuando sentiste la emoción al apretar el disparador para captar una de tus primeras fotos era tan importante el objetivo que utilizabas?

No. Lo importante era que podías captar aquel momento tal y como lo veías en tu mente.

Un fotógrafo no es superior por la cámara que tiene. El equipo nunca hará el trabajo primordial por ti, no será la cámara la que elegirá el encuadre perfecto ni el momento justo de una gran foto. No dejes que tu equipo técnico sea una excusa para limitarte. Siempre puedes mejorar tu forma de ver independientemente del equipo que tengas. Dicho esto, examinemos ahora los factores que nos facilitarán la labor.

LA CÁMARA: Cuando vamos a fotografiar una boda nuestra cámara réflex digital es el elemento fundamental y más importante de todo el equipo. La cámara tiene que ser como una extensión de nuestro brazo, debemos conocer perfectamente todas sus funciones y sobre todo saber cambiar rápidamente -casi sin mirar- las variables más importantes. Por ejemplo: debemos subir la sensibilidad sin pensarlo cuando seguimos los novios desde unos exteriores luminosos a un lugar oscuro.

Dependiendo de la forma de trabajar de cada uno podemos preferir una marca o un modelo específico por sus características. Yo he utilizado cámaras Nikon desde mi inicio profesional, cambiando siete u ocho modelos desde una F90 X en los primeros años hasta la D700 que empleo hoy. Personalmente me agrada fotografiar en modo manual aunque en determinadas ocasiones utilizo el automatismo con prioridad de diafragma, controlando el tiempo de exposición y modificando la sensibilidad cuando hace falta.

Las características importantes de la cámara: El tamaño del sensor. Por un lado tenemos las cámaras de sensor completo (full-frame) que corresponde con las dimensiones de la película fotográfica

35mm. Son equipos que proporcionan una calidad de imagen superior, tanto en nitidez, gama cromática y rango dinámico. Ofrecen los mejores resultados con las altas sensibilidades. Por otro lado hay cámaras de formato reducido que aunque con una nitidez y detalle de imagen inferior ofrecen la ventaja de ser más compactas y ligeras. Conociendo sus ventajas y desventajas elegimos el equipo que más nos conviene. Yo prefiero las de sensor completo.

La resolución es la cantidad de pixeles que el sensor es capaz de registrar. Este valor determina el tamaño máximo de impresión de una foto. Hoy en día hay cámaras réflex con resolución de hasta 36 Mp como la Nikon D800 que ofrecen una resolución enorme. Con 36 Mp podemos imprimir a 200 dpi hasta 90 x 60 cm, una resolución a mi forma de ver exagerada para todas las fotos que disparo en una boda. Es cierto que con grandes resoluciones podemos recortar el encuadre pero en cierta medida la resolución ha sido usada como recurso por la publicidad dando a este valor mayor importancia de la que tiene en realidad. Considero que con una cámara de 12 Mp obtenemos un resultado excelente con pocas diferencias visibles respecto a las mismas fotos tomadas con una cámara de 36 Mp. Las fotos con 12 Mp tienen suficiente resolución para ser impresas a sangre en un álbum de 35 x 35 cm con calidad fotográfica.

No creo que sea útil llenar las tarjetas de memoria y los discos duros de datos innecesarios El tamaño de la pantalla es otro aspecto a tener en cuenta en las cámaras digitales. En nuestra labor revisamos frecuentemente las fotos para ver si hemos obtenido el efecto deseado. Con un visor más grande la cámara nos ofrece más detalles y de consecuencia podemos darnos cuenta de pequeños fallos. Por ejemplo nos ayudará a identificar que el novio tiene los ojos cerrados en una foto y que tenemos que repetirla.

El enfoque automático es una característica que proporciona comodidad y velocidad al acto fotográfico, es un propiedad que agiliza y facilita enormemente esta tarea. Solo los fotógrafos que han trabajado con enfoque manual entienden hasta que punto el autofocus es un avance extraordinario. La rapidez y precisión de enfoque es especialmente importante cuando hacemos foto periodismo de boda. Para captar la novia perfectamente enfocada utilizando un objetivo de focal 1.8 es cómodo contar con un autofocus que no falle. Las cámaras contemporáneas ofrecen diferentes modalidad de autofocus : existe el enfoque automático en el punto central o podemos decidir desplazar el punto de enfoque dentro del encuadre. Esta segunda posibilidad es muy cómoda cuando realizamos una composición descentrada.

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Las fábricas indican por cada modelo de cámara fotográfica un valor de sensibilidad máxima que en realidad no es fiable. Es un valor nominal muchas veces declarado con fines publicitarios. El valor real que podemos utilizar para obtener una imagen de calidad es más bajo. Es importante identificar la sensibilidad máxima que produce una cantidad de ruido aceptable. Si no conoces este valor, haz una prueba comparando fotos de un mismo objeto tomadas con diferentes sensibilidades. Mira las fotos en el ordenador e imprime algunas. Compara los resultados y elige el valor de sensibilidad que consideras máximo.

En determinadas circunstancias podemos jugar con el ruido como si fuera grano de la película. No creo necesario obsesionarse para tener fotos totalmente limpias de ruido. "El defecto es el efecto" suelen decir los fotógrafos de moda.

Somos libres de incorporar una foto con ruido en nuestros reportajes, utilizando el ruido como elemento expresivo y dando un acabado diferente. Si hay demasiado ruido de color un truco es pasar la foto a B/N, bajando el contraste para minimizar los detalles.

diferente. Los Zooms son más "fáciles" y seguros al permitirnos modificar su focal hasta alcanzar el encuadre deseado. Durante años he utilizado los zooms hasta que un día comencé con las focales fijas. Ahora llevo una cámara con un lente 35mm fijo y otra con un zoom 70-200 o al revés una cámara con un 85mm y otra con un 28-70mm.

FOCALES FIJAS El 85mm es una focal clásica para el retrato. Grandes retratistas han hecho de esta focal su preferida, especialmente con grandes aberturas por el desenfoque que produce en los planos. Suele embellecer la figura y es un gran aliado para el fotógrafo de bodas. Me inclino por la versión Nikon con abertura 1.8 por ser un lente extraordinario, de pequeñas dimensiones y liviano. Para los más exigentes el lente 35 mm F1.4 ofrece una luminosidad mayor y un plano focal aún más pequeño siendo en cambio más pesado (y mucho más caro). En el caso de querer la focal 1.4 hace pocos meses ha salido al mercado un modelo de Sigma con prestaciones equiparables a los lentes de Nikon o Canon, por un precio más asequible.

Es de gran utilidad disponer de una cámara que produzca buenas imágenes con alta sensibilidad. La posibilidad de captar momentos en situaciones de poca luz sin utilizar un flash es una gran ventaja en varias ocasiones. Desde las iglesias poco luminosas a las casas oscuras pasando por sesiones en exterior al atardecer. La sensibilidad es sin duda el aspecto más importante en una cámara réflex digital para el fotógrafo de boda. En la actualidad disponemos de cámaras que permiten captar imágenes con calidad aceptable hasta 3200 iso y más.

LOS OBJETIVOS: Los objetivos son un elemento fundamental de nuestro equipo: determinan que planos podemos captar con nuestra cámara y cuales no. Si montas un lente en una cámara de sensor reducido (non full-frame) hay que multiplicar la focal del objetivo por 1.5 o 1.6. Por ejemplo cuando montas lente de 35 mm en un equipo de sensor reducido en realidad el encuadre es equivalente a 52.5mm (35x1.5) En este texto las focales son siempre en referencia a un sensor a tamaño completo.

Los objetivos se dividen en dos grandes grupos: lentes de focales fijas y lentes zoom. Las ventajas de la focal fija en el campo de la fotografía de boda se deben a su extraordinaria calidad en cuanto a definición y detalle. Otro aspecto que valoro de los lentes fijos es que nos obligan a componer de forma creativa y

El 50mm es el objetivo que no debería faltar. Es el primer objetivo del foto periodista por excelencia, su característica visión fiel de la realidad tal y cual como ven nuestros ojos. Aunque tengas un buen zoom, recomiendo invertir en un objetivo fijo de esta longitud focal, posiblemente con una abertura de 14

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diafragma grande (1.4 -1.8 - 2.0 - 2.2). Este objetivo te garantizará una calidad enorme de definición y contraste, junto con una luminosidad elevada muy útil en situaciones difíciles. Nikon, Canon y Sigma ofrecen excelentes modelos con pequeñas diferencias.

El 35mm es también un lente fijo excepcional. Es una focal que permite tener un primer plano sin distorsiones evidentes y contemporáneamente un entorno que describe el ambiente en que se encuentra el sujeto. En la fotografía de boda es un objetivo muy útil para los preparativos, las sesiones en exteriores y el banquete. Las versiones mejores, con mayor abertura son la F2 y F1.4.

Personalmente me decanto por la versión F2 por su pequeño tamaño y peso. La versión 1.4 es ópticamente superior pero con un peso y volumen mayor.

El 28mm el gran angular clásico más amplio. Con este lente captamos un espacio muy amplio alrededor del sujeto y el plano focal se hace grande. Un lente que ha sido usado desde los primeros años en el foto periodismo por su capacidad de captar imágenes completas en espacios reducidos. Canon y Nikon ofrecen variadas versiones de este lente, el modelo de Sigma de abertura F 1.8 es entre los mejores. El precio, las dimensiones y el peso de la versión 1.4 son excesivos.

La mayoría de fotógrafos de boda utilizan dos cámaras cada una con un lente de focal fija. En este caso las parejas más comunes son 50- 85mm o 28 - 50mm.

En ambos casos podemos pasar de una focal amplia a una estrecha con extrema rapidez, manteniendo siempre la misma luminosidad y calidad de imagen.

ZOOM Zoom 28-70 mm es un zoom “clásico” que cubre las focales más importantes desde un gran angular hasta un tele. Recomiendo invertir en un buen objetivo, de focal fija 2.8. Este será el objetivo todo terreno para cubrir fotos de grupo y ambiente general. Nos permite obtener con facilidad retratos desde un primer plano hasta un cuerpo entero.

Zoom 70-200 mm: Un excelente rango de focales desde un 70 mm con el que podemos tranquilamente captar una foto de cuerpo entero de dos personas desde una distancia de 2,5 mt hasta un 200 mm, un teleobjetivo que nos permite acercarnos para obtener retratos cerrados. La focal de 200 mm produce un difuminado hermoso y podemos “jugar” con el efecto para obtener fotos sorprendentes. Este zoom también tiene que ser la versión de focal fija F2.8

El súper gran angular es un lente que puede ser útil para captar fotos especiales de la fiesta, del baile o de grupos numerosos cuando no podemos alejarnos de ellos. Llamado fish-eye (ojo de pez) en su versión más extrema, cuando baja de los 10 mm es un objetivo que incluye todo lo que vemos alrededor en un ángulo de 180 grados. En sus versiones más moderadas, desde los 15 hasta los 24 mm es un lente útil para fotos de arquitectura o para mostrar espacios internos haciendo que parezcan más grandes. No lo considero un lente indispensable en la fotografía de boda, aunque puede servir para tomar unas fotos concretas en ciertas situaciones. Hay que evitar caer en la tentación de utilizarlo en exceso, como si fuera un juguete por los efectos especiales que produce. Por su enorme ángulo de visión, un lente super gran angular transforma la composición en un ejercicio secundario, siendo mucho más importante la perspectiva y el lugar donde colocamos la cámara. Hay lentes interesantes en este grupo como por ejemplo el 12- 24 mm de Nikon EL FLASH El flash es nuestro aliado en las situaciones de poca luz o cuando deseamos crear una situación particular en un retrato ambientado. Para manejar una iluminación creativa en toda libertad podemos utilizar dos o hasta tres flashes separados de la cámara. Tenemos que controlar al milímetro las variables para saber exactamente que efecto tendrá el flash y como equilibrarlo con la luz ambiente.

El flash en cámara nos proporciona una luz directa y dura, generalmente poco interesante estéticamente. Generalmente trato de utilizar lo menos posible el flash en cámara, solo lo uso cuando no hay alternativas o para sacar un clásico retrato documental posado de los invitados. Podemos mejorar la luz del flash en cámara rebotando hacía un techo o una pared blanca. Es importante que la superficie sea completamente blanca para evitar dominantes de color indeseadas. También tenemos en cuenta que cuanto más lejos está la superficie del flash cuanto menor será la potencia máxima del destello.

Cuando hay luz ambiente y flash. En ciertas situaciones obtendremos resultados interesantes utilizando el flash junto con una exposición larga, “recuperando” la luz ambiente. En estos casos tenemos que intentar uniformar la temperatura de color de las luces continuas con el destello del flash. Para hacerlo utilizamos gelatinas o filtros de color. Son unas hojas coloradas traslúcidas del tamaño del flash que al colocarlas correctamente modifican la temperatura de color de la luz emitida. Durante el banquete, por ejemplo en la mayoría de los casos tendremos una iluminación de bombillas de tungsteno o alógenas que emiten 15

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temperatura de color más cálida (amarilla) que la emitida por el flash. Sin el utilizo de las gelatinas cuando iluminamos el primer plano con flash obtenemos una imagen con dos tonalidades, neutro en primer plano y con dominante amarilla en el fondo. Aplicando una gelatina amarilla de la tonalidad correcta, modificamos la temperatura color del destello uniformándolo con las luces continuas del ambiente. Una vez colocada la gelatina seleccionamos el balance de blancos de nuestra cámara en el valor que corresponde al tungsteno (3500 k). El resultado será una foto sin dominantes.

Flashes separados de cámara. Un flash separado de cámara nos abre una multitud de posibilidades creativas al ser de una fuente de luz controlada y independiente. Es la mejor forma de obtener una iluminación de calidad en las más distintas situaciones. La cámara comunica con el flash para que este dispare en el exacto momento en que el obturador se abre. Existen diferentes formas de sincronizar un flash separado de la cámara: Sincronización por simpatía: El flash remoto dispara cuando el sensor detecta un brusco cambio de luz o sea cuando detecta el flash de la cámara. Este sistema tiene un alcance limitado y el flash remoto siempre tiene que estar a la vista de la cámara. Existen sistemas como el de Nikon que comunican información por medio de frecuencias de destellos y pueden mantener el TTL a distancia.

Sincronización por radio-frecuencia : Con este sistema el flash remoto comunica por radio-frecuencia. Hay aparatos como los “Poket Wizard” o "Phottix" que se ocupan de la transmisión de la señal entre la cámara y el flash remoto. Tiene un alcance que puede superar los 50 metros y no es necesario mantener el contacto visual así que el flash puede estar detrás de un obstáculo.

En algunos casos es posible controlar la potencia del flash remoto desde el controlador e incluso mantener la funcionalidad TTL. El utilizo de flashes separados de cámara puede producir efectos creativos sorprendentes. Podemos modificar la luz del flash haciendo que rebote sobre superficies claras, obteniendo una luz más difusa y suave, ideal para un retrato íntimo. Es de gran utilidad para iluminar una parte importante de la escena y resaltarla sobre lo demás. Durante el banquete si iluminamos por separado la mesa de los novios captaremos imágenes con una interesante separación de luminosidad entre los planos.

Disparador Phottix Odin

Si deseamos crear una atmósfera particular en un lugar poco atractivo podemos por ejemplo iluminar el fondo de la escena con un flash separado de cámara con una gelatina de color. Un flash separado de cámara nos permite disponer de una luz directa desde detrás de los novios (backlight) para obtener un efecto de silueta destacando y aislando nuestro sujeto.

Las posibilidades son casi infinitas, en la mayoría de mis imágenes utilizo un flash como el SB600 de Nikon con un disparador Phottix manteniendo el control TTL e incluso modificando el ángulo de abertura del flash desde lejos.

Con dos flashes las posibilidades son aún mayores pero siempre intento mantener las cosas lo más simples posible, no subir el nivel de complejidad sin necesidad. Me gusta disponer de una fuente de luz versátil y al mismo tiempo tan pequeña y compacta que puedo llevar en la mochila.

EQUIPO BASICO: El equipo básico que recomiendo para un fotógrafo que está empezando es el siguiente: Dos cámaras réflex de sensor DX con dos objetivos zoom luminosos.

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Un 18-55mm f2.8 y otro 50-150mm f2.8. (el equivalente de un 28-70mm y un 70-200mm ) Un flash compacto, Tarjetas de memoria, pilas.

EQUIPO AVANZADO: Para aquellos fotógrafos que ya han trabajado con lentes zoom luminosas y se sienten seguros de saber como realizar las fotos más importantes de la boda, recomiendo el siguiente equipo: Dos cámaras réflex de sensor completo con dos objetivos fijos muy luminosos.

Podrían ser un 35mm f2 y un 85mm f1.8 o bien un 28mm f2 y un 50mm f1.8.

Otros lentes opcionales son: un súper gran angular, un zoom 70-200 F2.8 y un 28-70mm. Un flash compacto con un disparador remoto. Tarjetas de memoria, pilas, gelatinas de color para el flash.

COMO LLEVAR EL EQUIPO? Una duda común entre los fotógrafos de boda: como llevar todo el equipo? En primer lugar recomiendo reducir al máximo el equipo que usaremos en la boda.

Es realmente útil llevar aquel lente que solo usarás en una o dos ocasiones y pesa 2.95 Kg? No. Aunque a veces me acompaña un asistente me gusta ser independiente y sentir que puedo solucionar las cosas solo. Llevar lo indispensable y colocarlo en una única mochila o en un bolso que lo proteja de golpes y humedad. Yo transporto mi equipo en una mochila Lowepro AW350 que puedo cargar cómodamente durante todo el día y que protege el contenido incluso contra una lluvia inesperada.

1.3 El trabajo en cámara La parte principal del proceso es la toma que realizamos en cámara. Este instante en que apretamos el botón marca el nacimiento de la foto y determina sus características fundamentales. El momento en que accionamos el obturador, la perspectiva desde que tomamos la foto, el diafragma y el encuadre que elegimos son los elementos fundamentales que no podremos modificar posteriormente.

Bases técnicas El conocimiento técnico que necesitamos es esencialmente el control perfecto de las tres variables que determinan la exposición: Sensibilidad, diafragma y tiempo de exposición. Cuando entendemos profundamente los efectos de cada variable podemos interpretar cualquier situación de luz. La práctica nos hace más rápidos en tomar las elecciones correctas en el menor tiempo posible.

Aprender y memorizar los valores de las variables nos da la seguridad que necesitamos.

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TRES VARIABLES La sensibilidad es la capacidad del sensor de captar la luz y es importante considerarla en todas las situaciones de poca luminosidad. En general la calidad de la imagen se va deteriorando al subir la sensibilidad del sensor. Subiendo a altas sensibilidades empezamos a notar ruido en la foto. Cada modelo de cámara fotográfica tiene un sensor diferente y cada uno responde de forma diferente siendo capaz de producir imágenes de calidad hasta un cierto nivel de sensibilidad. Es importante saber hasta que nivel de sensibilidad nuestra cámara produce imágenes con un nivel de ruido aceptable. Cada fotógrafo tiene que elegir el nivel máximo de sensibilidad al que puede trabajar obteniendo buenas imágenes, dependiendo de su estilo. No hay que tener miedo a subir la exposición de nuestra cámara cuando lo necesitamos.

El tiempo de exposición es una de las bases de la toma fotográfica. Tenemos que controlarlas de forma consciente para obtener el resultado deseado. Para que nuestra foto sea completamente nítida sin ningún desenfoque de movimiento eligiéremos un tiempo de exposición corto. En una situación con personas en movimiento disparando con un objetivo de 35 o 50 mm un tiempo de 1/250 de segundo congelará toda la imagen. No está demás recordar que los objetivos de focales largas (85mm, 200mm ...) amplifican las dimensiones y por tanto aumentan el riesgo de un desenfoque de movimiento debido al movimiento de nuestras manos. Como regla general el tiempo de exposición seguro sin trípode es igual a uno dividido por el doble de la distancia focal que utilizamos: 1/400 es un tiempo seguro disparando con un 200mm.

La profundidad de campo es la variable que permite actuar sobre la forma que tendrán los diferentes planos en la imagen final. Podemos desenfocar un fondo molesto para centrar la atención en el sujeto con un diafragma abierto o enfocar todos los planos con un diafragma cerrado. Dado que el diafragma controla la cantidad de luz que llega al sensor, en situaciones de escasa luminosidad estaremos obligados a usar un diafragma abierto. La elección del diafragma depende de varios factores y no hay una “correcta”, la elección de un diafragma con fines expresivos es una marca de nuestro estilo fotográfico.

En situaciones normales durante los momentos de preparativos, de la ceremonia o de la fiesta utilizo diafragmas bastante abiertos, alrededor de F3,5 o F4. Es un buen punto de partida para mantener información en el fondo y crear un contexto alrededor de los sujetos de la foto. En ocasiones decido abrir el diafragma al máximo para desenfocar el fondo u obtener un efecto de aislamiento del sujeto. En retratos de cerca como en los detalles, una

profundidad de campo pequeña puede ofrecer resultados interesantes. Cuando la situación lo requiere, cierro el diafragma para incorporar elementos de diferentes planos en la foto, intentando crear una relación entre los elementos.

MANUAL O AUTOMATICO? Esta es una de las dudas más habituales entre los fotógrafos de boda: con que modalidad es mejor trabajar en cámara durante el reportaje? Durante años he trabajado en modalidad automática con prioridad de diafragma. Las ventajas de trabajar en automático se aprecian cuando la luz cambia rápidamente en la escena que fotografiamos. La cámara elige el tiempo “correcto” sola y nosotros podemos centrarnos en elegir el diafragma y cuidar la composición. Es útil por ejemplo cuando seguimos a los novios saliendo de una iglesia oscura hacía el exterior luminoso.

Los limites de trabajar en automático derivan del hecho que delegamos la elección del tiempo a la cámara y esta interpreta siempre la escena como un gris medio. Si en el encuadre entra una fuente de luz, la cámara elegirá en automático un tiempo de exposición corto subexponiendo otros elementos (por ejemplo el traje negro del novio) al contrario si en el encuadre hay muchos elementos de color negro la cámara hará una sobre exposición quemando los detalles en elementos claros (por ejemplo el vestido de la novia).

El modo Manual nos obliga a ser conscientes en cada disparo de los valores de las variables empujando la mente a tomar elecciones según el resultado que desea. Cuando trabajamos en manual estamos más atentos a la luz y nos damos cuenta de como cambia en diferentes ambientes. Evidentemente al principio trabajar en manual parece más difícil y peligroso, pero con el tiempo y la práctica obtendremos más seguridad y control sobre el resultado. Si dejamos que sea siempre la cámara a elegir por nosotros estamos delegando parte del trabajo creativo y perdemos esta oportunidad.

Comprobar el resultado visualizando el monitor de la cámara es la mejor forma de saber si lo estamos haciendo bien. La fotografía digital ha introducido una herramienta increíble con la posibilidad de visualizar el resultado en pocos segundos. La pantalla de la cámara nos permite tener un control del resultado más allá del histograma o de las reglas fijas. Durante el reportaje es útil mirar la pantalla cada vez que cambia la luz de nuestra escena. Cuando encontramos la exposición correcta la mantendremos igual asegurando un resultado consistente en la serie de fotos.

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Con la medición puntual el exposímetro de la cámara mide la luz de una pequeña porción del encuadre. Utilizando este tipo de medición podemos elegir la exposición exacta para una pequeña porción del encuadre. La medición puntual es la más precisa y la única que nos permite medir correctamente cuando hay fuentes de luz en la escena. En ciertas situaciones podemos medir la luz en la cara de los sujetos que suele ser uno de los puntos más importantes de la escena. La piel tiene un valor de luminosidad parecido a un gris medio, por tanto como regla general podemos exponer correctamente midiendo la luz en la cara. Eventualmente podemos decidir de sobre o subexponer según el efecto general y los otros elementos de la escena. Al principio la medición puntual requiere un cierto esfuerzo pero cuando nos acostumbramos estaremos siempre atentos y tomaremos decisiones precisas sobre la exposición.

BALANCE DE BLANCOS, EL TONO DE LOS COLORES Otro elemento de vital importancia en las variables de una fotografía es el balance de blancos. Este es el responsable del aspecto final de los colores y de la percepción general de nuestra foto. Cuanto más "amarilla" más cálida, más "azul" más fría.

Tenemos que saber controlar el balance de blancos y aprender a "ver" la luz con su temperatura. Solo de esta forma seremos capaces de utilizar de forma creativa las situaciones que presentan una mezcla de diferentes temperaturas.

El balance de blancos nos permite afinar la luz de una escena, la temperatura de color de la luz es como la tonalidad de un sonido. Disparando en RAW podemos ajustar posteriormente el valor del balance de blancos, pero solo dentro de cierto limites si no queremos perder calidad. Elegir un balance de blanco correcto directamente en cámara es importante.

Durante años he utilizado el balance de blancos automático obteniendo un resultado “correcto” en la mayoría de casos. Es una opción perfecta para hacer fotos en un congreso o una rueda de prensa.

Para obtener un resultado artístico considero favorable elegir la tonalidad de la foto. Puedo alterar el balance de blanco de propósito para obtener una imagen más “cálida” o más “fría” según las circunstancias. Si hay dos o más fuentes del luz de diferente tonalidad puedo elegir cual será neutral y cuales tendrán dominantes. Utilizando el modo manual puedo ver el resultado de la foto en la pantalla tal y como la quiero. En situaciones más comunes de sombra en

exteriores suelo escoger una temperatura color de 6690 grados Kelvin (que corresponde al valor de la “sombra” en las cámaras que utilizan símbolos indicativos). Este valor me produce unas tonalidades ligeramente cálidas.

Partiendo de este valor si no me gusta el resultado en pantalla voy subiendo o bajando hasta alcanzar el valor que considero correcto. Manteniendo la temperatura de color constante aseguro que la secuencia de foto tenga toda la misma tonalidad.

El resultado “correcto” que elige la cámara suele ser el más común, el mismo que elige la cámara compacta del tío del novio, tantas veces un compromiso que lleva a neutralizar las características propias por ejemplo de una luz amarilla del atardecer. Esta neutralidad no ayudará a que nuestras fotos sean vistas como “diferentes” y “especiales”. “El defecto es el efecto” se suele decir.

No importa si el balance de blancos no es correcto siempre y cuando utilizamos esta herramienta en clave expresiva.

Si sabemos elegir en cámara el balance de blanco ahorraremos tiempo en post producción y también podremos en ocasiones disparar en formato jpg obteniendo un imagen con la tonalidad adecuada.

Los ajustes: Una de las elecciones más importantes es si disparar en formato RAW o en formato JPEG. EL formato JPEG es un archivo comprimido, esto significa que pierde parte de la información que la cámara capta. El formato RAW al revés registra toda la información captada por el sensor y nos permite modificar valores importantes como la exposición y el balance de blancos en postproducción.

Utilizar el formato RAW es una garantía en caso de errores de exposición en la toma y nos permite un trabajo más extenso sobre la imagen. Por otro lado los archivos RAW tienen un peso superior en Megabytes y por tanto requieren más espacio en las tarjetas de memoria y en los discos duros para ser almacenadas.

Para un trabajo profesional, recomiendo utilizar siempre el formato RAW. Si estás absolutamente seguro de tu capacidad de exponer perfectamente y encontrar el balance de blancos correcto, puedes decidir arriesgarte usando el formato Jpeg.

Espacio de color: El espacio de color que elegimos en la cámara puede ser SRGB o Adobe RGB. EL segundo es más amplio, o sea es capaz de captar un rango mayor de colores. El problema es que las impresoras y los laboratorios en 19

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su mayoría no son capaces de reproducir estos tonos adicionales. Así que mi consejo es de utilizar el espacio de color RGB para evitar posibles errores en la fase de impresión.

Autofocus: Prestar atención a las modalidades de autofocus, continuo o fijo. Éstas combinadas con la posibilidad de elegir el punto de enfoque serán nuestras herramientas para obtener imágenes enfocadas en el punto deseado.

Normalmente en un retrato nos interesa que esté enfocado el punto donde irá la mirada del espectador: los ojos del sujeto. Un foco perfecto es vital sobre todo cuando trabajamos con poca luz y aberturas grandes de diafragma. La profundidad de campo es un elemento que utilizamos en cada foto y tenemos que saber controlar para sacarle todo su potencial.

Balance de blancos: utilizando este en manual podemos pre-visualizar el efecto final que deseamos aplicar a la imagen. Si disparamos en RAW podremos cambiar este valor en post-producción pero aconsejo siempre intentar calibrarlo correctamente en cámara.

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