Nord Art catalogue 2020-2021

5. Juni – 10. Oktober 2021 Di–So, 11–19 Uhr 5 June – 10 October 2021 Tue–Sun, 11 am–7 pm Kunstwerk Carlshütte Vorwerksallee, 24782 Büdelsdorf Deutschland / Germany

NordArt 2019: QIN CHONG "United Nations Black And White"

NordArt 2019: DAVID ČERNÝ "Pegasus – Horsepowers"

8–9

KÜNSTLERVERZEICHNIS • ARTISTS LIST 2021

12 – 21

GRUSSWORT • GREETING

24 – 52

LÄNDERFOKUS • COUNTRY FOCUS – UKRAINISCHER PAVILLON • UKRAINIAN PAVILION

58 – 67

SONDERPROJEKT ZENTRALASIEN • SPECIAL PROJECT CENTRAL ASIA

70 – 85

PREISTRÄGER • AWARDEES NORDART 2019

90 – 153

MALEREI • PAINTING • GRAFIK • GRAPHIC • MIXED MEDIA

156 – 177

FOTOGRAFIE • PHOTOGRAPHY • VIDEO ART

182 – 263

SKULPTUR • SCULPTURE • OBJEKT • OBJECT • INSTALLATION

266 – 267

NORDART MAKING-OF

268 – 271

NORDART DIGITAL

272 – 283

KOOPERATIONSPARTNER • COOPERATION PARTNER • UNTERSTÜTZER • SUPPORTER

284 – 285

KUNSTWERK CARLSHÜTTE • IHR WEG ZU UNS • HOW TO FIND US

286

IMPRESSUM • IMPRINT

KÜNSTLERVERZEICHNIS • ARTISTS LIST • 2021

UKRAINISCHER PAVILLON • UKRAINIAN PAVILION "Die Grenzen der Realität" • "The Borders of Reality" Bazhay, Vasyl . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .

Dudchenko, Andriy . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .

Kanivets, Igor & Sherstyuk, Margarita . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .

Kolodiy, Eduard . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .

Kulikovska, Maria & Vinnichenko, Uleg . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .

Kuzyura, Olha . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .

Lukin, Mykola . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .

Malyshko, Mykola . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .

Mikhaylov, Roman . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .

Panasenko, Sergey . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .

Podervianska, Anastasiia . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .

Rashtanova, Liudmila . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .

Reva, Masha . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .

Roik, Andriy . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .

Sagaidakovsky, Andriy . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .

Sai, Oleksiy . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .

Savchuk, Andriy . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .

Symotiuk, Nazar . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .

Synchrodogs: Tetiana Shcheglova & Roman Noven . . . . . . . . . . . . . . .

Tistol, Oleg . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .

Tokovenko, Aliona . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .

Volokitin, Artem . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .

"A4 ballpoint project" . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .

"IDENTITÄT – Zeitgenössische Kunst aus Zentralasien" "IDENTITY – Contemporary Art from Central Asia" Akhmedov, Timur Ernst – Uzbekistan . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .

Bekeyev, Marat – Kazakhstan . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .

D'Vatz, Timur – Uzbekistan . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .

Ismoilov, Bobur – Uzbekistan . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .

Kambina, Elena – Uzbekistan . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .

Karabaev, Murad – Uzbekistan . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .

Mamadzhanov, Ilyos – Tajikistan . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .

Olimov, Eraj – Tajikistan . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .

PREISTRÄGER • AWARDEES 2019 Ochirbold Ayurzana – Mongolia – NordArt Prize 2019 . . . . . . . . . . . Černý, David – Czech Republic – Public Choice Award . . . . . . . . . . . .

Deng Guoyuan – China – Public Choice Award . . . . . . . . . . . . . . . . . .

Xi Jianjun – China/Great Britain – Public Choice Award . . . . . . . . . . .

30 31 32 33 34 35 36 37 38 39 40 41 42 43 44 45 46 47 48 49 50 51 52

60 61 62 63 64 65 66 67

70–73 74–77 78–81 82–85

KÜNSTLER AUS ALLER WELT • ARTISTS FROM ALL OVER THE WORLD Adoni, Nir – Israel . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 222 Ahmadi Monfared, Sepideh – Iran . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 90 Al Saleh, Maisoon – United Arab Emirates . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 91 Albrecht, Hans – Germany . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 156 Álvarez, Nando – Spain . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 223 Aru, Inga – Estonia/Germany . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 224 Ayuna – South Korea . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 92 Bandelin, Undine – Germany . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 93

Bautra, Alvīne – Latvia . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 94 Becker, Alf – Germany . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 225 Belkina, Katerina – Russia/Germany . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 157 Berela, Vasil – Georgia/Germany . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 182 Bickel, Harald – Germany . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 158 Bikova, Anastasija – Russia/Latvia . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 95 Boelsums, Saskia – Netherlands . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 159 Braun, Günter – Germany . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 183 Brixel, Richard – Sweden . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 226 Caragea, Raluca – Romania/Belgium . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 160 Chen Zhiguang – China . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 184 Cziesso, Andrea – Germany . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 161 Damdin, Duulal – Mongolia . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 96 Dammann-Arndt, Ingeborg – Germany . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 97 de Weryha, Jan – Poland/Germany . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 185 Dejous, David – France . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 98 Déry, Konstantin – Hungary/Germany . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 99 Diekmann, Dorsten – Germany . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 227 Dostál, Jan – Czech Republic . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 186 Dronov, Mikhail – Russia . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 228 Dusavitskiy, Gleb – Russia/Denmark . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 187 Elizondo, Jorge – Mexico . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 229 Emmerich, Sabine – Germany . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 188 Ferreiro Badia, Manuel – Spain . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 189 Fest, Rainer – Germany . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 190 Fey, Gaby – Germany . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 162 Fieseler, Michael – Germany . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 100 Filin, Gheorghi – Bulgaria/Italy . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 230 Fini, Francesca – Italy . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 163 Frączek, Bartosz – Poland . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 101 Freed, Itamar – USA/Israel & Chan, Kristina – Canada . . . . . . . . . . . . . . 164 Gabriel, Michal – Czech Republic . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 191 Gaisser, Renate – Germany . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 102 Gallardo Weinstein, Muriel – Chile/Italy/Germany . . . . . . . . . . . . . . . . . 192 Garo, Bernard – Switzerland . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 103 Gatarik, Václav – Czech Republic . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 231 Gebauer, Kurt – Czech Republic . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 193 Gerritz, Frank – Germany . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 194 Golos, Olga – Russia/Germany . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 195 González, Mónica – Colombia . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 232 Gramm, Wolfgang – Germany . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 233 Gross, Mauri – Estonia . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 104 Haak, Angelika – Germany . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 165 Haberland, Jörg – Germany . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 234 Harpaz, Alona – Israel/Germany . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 105 Hasan, Mohammad Rakibul – Bangladesh . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 166 Hauschka, Jiří – Czech Republic . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 106 Heemann, Ulrich – Germany . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 167 Herup, Dorthe – Denmark/Norway . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 107 Hinn, Mirjam – Estonia . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 108 Hischer, Michael – Germany . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 235 Hoffman, Anna – Russia . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 168 Hosey, Bernard – USA . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 236

ARTISTS LIST • KÜNSTLERVERZEICHNIS • 2021

Jakob, Christoph – Germany . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 196 Jakubowski, Jakub – Poland . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 109 Jakuschewa, Sonia – Russia/Germany . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 110 Kadolph, Mathias – Germany . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 197 Kándl, Lukáš – Czech Republic/France . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 111 Khuc Dinh Duong – Vietnam . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 112 Khundmaa, Enkhnomin – Mongolia . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 198 Kielnhofer, Manfred – Austria . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 199 Kleszczewski, Paweł & Zimnoch, Kasia – Poland . . . . . . . . . . . . . . . . . . 169 Kley, Jo – Germany . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 200 Koblasa, Jan – Czech Republic/Germany . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 237 Koch, Uschi – Germany . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 201 Kociánová, Katerína – Czech Republic . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 238 Korneev, Viktor – Russia/Sweden . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 239 Korshunov, Ivan – Russia . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 113 Kosinskaitė, Miglė – Lithuania . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 114 Kusmuk, Marko – Bosnia and Herzegovina/Serbia . . . . . . . . . . . . . . . . . . 115 Kuznetsova-Ruf, Anastasia – Russia . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 116 Lacombe, Gilles T. – France . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 202 Laratta, Clara – Canada . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 170 Lázár, Tibor – Hungary/Serbia . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 117 Le Vo Tuan – Vietnam . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 118 Lieu Nguyen Huong Duong – Vietnam . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 119 Litvan, Václav – Czech Republic . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 240 Liu Ruowang – China . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 203 Lucas, Joana – Portugal/Germany . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 120 Ludviksson, Gudmundur R – Iceland . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 204 Lundberg, Peter – USA . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 241 Lundqvist, Christina Maj – Denmark . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 171 Luong Trung – Vietnam . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 121 Luu Tuyen – Vietnam . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 122 Makarenko, Aleš – Czech Republic . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 242 Marchetti, Matteo – Italy . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 205 Marjanović, Jelena – Serbia . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 123 Marticorena Álvarez, Javier – Chile . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 124 Matiz, Veronica – Columbia . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 206 McKee, Casey – USA/Germany . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 125 Meinberg, Marion – Germany . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 126 Milenković, Ivan – Serbia . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 127 Milkov, Stefan – Czech Republic . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 206 Milovanović, Nenad – Serbia . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 208 Minchev, Georgi – Bulgaria . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 243 Müllers, Tom – Germany . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 244 Murashkina, Nina – Ukraine/Spain . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 128 Nagata, Akiko – Japan . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 245 Neves, Paulo – Portugal . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 209 Nguyen Dinh Vu – Vietnam . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 129 Niemann, Peter – Germany . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 246 Norbutaitė, Meda – Lithuania . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 130 Norouzi, Hamed – Iran . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 131 Nwobu, Chriss Aghana – Nigeria . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 172 Petroff, Rodion – Lithuania . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 132 Piho, Juss – Estonia . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 133

Píštělková, Lucie – Czech Republic . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 247 Pivasevic-Tenner, Danijela – Serbia/Germany . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 210 Plickat, Jörg – Germany . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 211 Pobornikova, Liliya – Bulgaria/Spain . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 248 Porel, Subhendu – India . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 134 Portero, Aixa – Spain . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 212 Prokop, Igor Eugen – Hungary . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 135 Psotková, Veronika – Czech Republic . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 213 Qin Chong – China . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 136 Radovanović, Bratislav – Serbia . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 137 Radovanović, Ranka – Serbia . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 138 Rais, Lukáš – Czech Republic . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 214 Rath, Horst-Hagen – Germany . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 139 Ren Rong – China/Germany . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 249 Renee-Ell, Renat – Russia . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 173 Röhe Hansen Schlichting, Philipp – Germany . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 174 Róna, Jaroslav – Czech Republic . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 215 Rupcich, Nicolás – Chile/Germany . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 175 Saadat, Barana – Iran . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 140 Sadaj, Paweł – Poland . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 176 Safronova, Maria – Russia . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 141 Saletová, Zdenka – Czech Republic . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 250 Salim, Dayah – Brunei Darussalam . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 142 Schaak, Winni – Germany . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 251 Schmidt, Ana – Spain . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 143 Schohl, Hans – Germany . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 252 Schumann, Pierre A. – Germany . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 253 Schwichtenberg, Tina – Germany . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 254 Šmíd, Zdeněk – Czech Republic . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 255 Štaněk, Jiří – Czech Republic . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 256 Staniorowska-Buła, Aleksandra – Poland . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 144 Steinkopf, Roswitha – Germany . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 257 Strobel, Jörg – Germany . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 145 Tanabe, Takeshi – Japan . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 258 Taratynov, Alexander – Russia . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 216 Taratynova, Ekaterina – Russia/Netherlands . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 146 Taus, Fede – Chile/Germany . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 147 Trommer, Konstanze – Germany . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 148 Twellmann, Urs-Peter – Switzerland . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 217 van Boeckel, Pat – Netherlands . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 177 van Willegen, Eelke – Netherlands . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 218 Vázquez, Xuxo – Spain . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 259 Wang Huangsheng – China . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 219 Weiss, Andrea Michaela – Germany . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 149 West, Søren – Denmark . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 260 Wolfram, Maria – Finland . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 150 Xu Songbo – China . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 151 Zacharova, Ekatarina – Russia/Germany . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 152 Zeng Chenggang – China . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 261 Zhang Zhaohui – China . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 262 Zorilla, Percy – Peru . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 263 Żychlińska, Agata – Poland . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 153

PUBLIC CHOICE AWARD 2019 • PUBLIKUMSPREIS 2019

NordArt 2019: KÜNSTLER:INNEN • ARTISTS 11

NordArt 2019: DAVID ČERNÝ "Quo Vadis" – vor dem Landtag SH / in front of the Parliament building

GRUSSWORT • GREETING

Liebe Kunstfreundinnen und Kunstfreunde,

Dear art lovers,

was wäre ein Kunstwerk ohne den Menschen, der es betrachtet? Die Kunst braucht Betrachtung, sie braucht die Auseinandersetzung und die Annäherung. Das alles war im vergangenen Jahr nicht einfach oder gar nicht möglich. Museen und Galerien mussten schließen, viele Ausstellungen konnten nur digital stattfinden. Und auch in den ersten Monaten dieses Jahres ist der Kunstbetrieb, so wie ihn die Kunstfreunde in unserem Land kennen und schätzen, nur eingeschränkt möglich.

What would a work of art be without the person looking at it? Art needs viewing, it needs confrontation and convergence. All of this was not easy or not possible in the past year. Museums and galleries had to close, and many exhibitions could only take place digitally. And even in the first few months of this year, the art business, as known and valued by art lovers in our country, is only possible to a limited extent.

Dabei ist es gerade die Kunst, die in derartigen Krisenzeiten ein bereicherndes Element darstellt, die inspiriert, tröstet und auch Mut macht. Ich bin deshalb sehr froh, dass die NordArt auch 2021 unter den derzeitigen widrigen Umständen, aber mit der gewohnten vollen Kraft ein Ausstellungsprogramm auf die Beine gestellt hat. Damit – so beschreiben es die Organisatoren und Kuratoren der NordArt selbst sehr treffend – ist die NordArt auch in diesem Jahr ein verlässlicher "Ankerplatz für Künstler aus aller Welt und ein Zuhause für die internationale Kunst".

And yet it is precisely the arts that represent an enriching element in such times of crisis, being inspiring, comforting and also encouraging. I am therefore very happy that NordArt has set up an exhibition program in 2021 amid the current adverse circumstances, but with its usual full strength. Hence, again this year – as the organizers and curators of NordArt themselves describe it aptly – NordArt is a reliable "anchorage for artists from all over the world and a home for international art".

Das große Thema, das die NordArt 2021 aufgreift, die Auseinandersetzung mit unseren ethischen Grundsätzen und die Suche nach Wegen, um verloren gegangene Werte in die Moderne zu retten, ist dabei ebenso ein Thema der Kunst wie der Politik. Ethische Grundsätze, Werte, die auch in unser Grundgesetz maßgeblich eingeflossen sind, müssen sich gerade in Krisenzeiten ganz besonders beweisen. Bestand aber haben diese Werte nur dann, wenn die gesamte Gesellschaft an diesen Werten festhält; der Kunst kommt hier eine besondere Bedeutung zu: Die Kunst schöpft aus den ethischen Grundsätzen des Menschen, sie kann – und muss – diese zu einem Bestandteil ihrer Sprache machen und sie kann sich zugleich nur dann entfalten, wenn diese Grundsätze uneingeschränkte Geltung haben.

The major topic that NordArt 2021 will take up, the examination of our ethical principles and the search for ways to save lost values in the modern age, is as much a topic of art as it is of politics. Ethical principles and values, which have also been significantly incorporated into our Basic Law, have to prove themselves particularly in times of crisis. But these values only endure if society as a whole adheres to these values, and art is crucially important here: Art draws from the ethical principles of human beings, it can – and must – make them an integral part of its language, while at the same time it can only develop if these principles are fully valid.

In diesem Jahr legt die NordArt den Länderfokus auf die Ukraine und damit auf ein Land, dessen territoriale Integrität in der Vergangenheit und leider auch in der unmittelbaren Gegenwart mit ständiger Provokation und Waffengewalt infrage gestellt wird. Dieser seit 1945 in Europa als überwunden geglaubte Bruch mit ethischen Grundsätzen darf nicht unbeantwortet und unwidersprochen bleiben. Auch hier ist die Kunst ein besonders geeignetes Mittel der Auseinandersetzung mit der Frage, welche Werte uns Menschen zusammenhalten und welche Grundsätze und Werte wir zukünftig teilen und als Gesellschaft gemeinsam verteidigen wollen.

Ich wünsche der NordArt 2021, ganz gleich, wie sie in diesem Jahr stattfinden wird, gutes Gelingen, ein engagiertes, neugieriges, kritisches und begeisterungsfähiges Publikum.

This year, NordArt is focusing on Ukraine and thus on a country whose territorial integrity has been called into question in the past and unfortunately also in the immediate present with constant provocation and armed violence.

This break with ethical principles, believed to have been overcome in Europe since 1945, must not remain unanswered and unchallenged. Here, too, art is a particularly suitable means of dealing with the question of which values hold us human beings together and which principles and values we would like to share in the future and defend together as a society.

I wish NordArt 2021, no matter how it is going to take place this year, all the best, and a committed, curious, critical and enthusiastic audience.

Klaus Schlie President of the Schleswig Holstein State Parliament

Klaus Schlie Präsident des Schleswig-Holsteinischen Landtages

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NordArt14 2019: JÖRG PLICKAT "Move – Wheel of Time"

GRUSSWORT • GREETING

Wer die 22. NordArt in Büdelsdorf besucht, wird erneut spannende Stunden in der Ausstellungshalle und im Skulpturenpark verbringen. Das Unternehmerehepaar Hans-Julius und Johanna Ahlmann zeigt auf dem eheamligen Industriegelände wieder eine riesige Vielfalt an junger und aktueller Kunst. Unter dem Titel "Die Grenzen der Realität" werden etwa die Arbeiten von 25 ukrainischen Künstlerinnen und Künstlern ausgestellt. Ich freue mich, dass die Ukraine dafür eine Schirmherrschaft übernommen hat und dieses Projekt unterstützt.

Ein weiterer Schwerpunkt der NordArt 2021 wird die Sonderausstellung "Identität – Zeitgenössische Kunst aus Zentralasien" sein. Sie zeigt Malerei aus Usbekistan, Kasachstan und Tadschikistan. Ein Wiedersehen wird es auch mit den Preisträgern der NordArt 2019 geben, die im vergangenen Jahr aufgrund der Corona-Pandemie nicht gezeigt werden konnten. Dazu gehören der tschechische Künstler David Černý, Deng Guoyuan aus China und Xi Jianjun aus Großbritannien sowie Orchirbold Ayurzana aus der Mongolei.

Die NordArt in Büdelsdorf hat sich in den 22 Jahren ihres Bestehens zu einer der größten Ausstellungen zeitgenössischer Kunst in Europa entwickelt. Ich freue mich sehr darüber, dass die NordArt uns auch in dieser herausfordernden Zeit mit einem besonderen Hygienekonzept und mit digitalen Angeboten zu einer Weltreise durch die Kunst einlädt. Vielen Dank für dieses außergewöhnliche und großzügige Engagement!

Ich wünsche allen, die ihr Herzblut in die Organisation dieser NordArt gesteckt haben, den größtmöglichen Erfolg.

Anyone visiting the 22nd NordArt in Büdelsdorf will again spend fascinating hours in the exhibition hall and the sculpture park. Once more, the entrepreneurial couple Hans-Julius and Johanna Ahlmann are showing a huge variety of young and contemporary art on the former industrial site. The works of 25 Ukrainian artists will be exhibited under the title "The Borders of Reality". I am pleased that Ukraine has taken on patronage for this project and is supporting it.

Another focus of NordArt 2021 will be the special exhibition "Identity – Contemporary Art from Central Asia", presenting paintings from Uzbekistan, Kazakhstan and Tajikistan. There will also be a reunion with the awardees of NordArt 2019, who could not be shown last year due to the corona pandemic. These include the Czech artist David Černý, Deng Guoyuan from China and Xi Jianjun from Great Britain, as well as Orchirbold Ayurzana from Mongolia.

In the 22 years of its existence, the NordArt in Büdelsdorf has developed into one of the largest exhibitions of contemporary art in Europe. I am very pleased that, even in this challenging time, NordArt is inviting us on a trip around the world through art with a specific hygiene concept and digital offers. Thank you for this extraordinary and generous commitment!

I wish all those who have put their heart and soul into the organization of this NordArt, the greatest possible success.

Daniel Günther Prime Minister of the State of Schleswig Holstein

Daniel Günther Ministerpräsident des Landes Schleswig-Holstein

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NordArt 2019: RUDOLF BURDA "Multiversum"

VORWORT • FOREWORD

Seit den 1990er Jahren erzählt die Carlshütte mit der NordArt ein neues, erfolgreiches Kapitel ihrer langen Geschichte weiter. Als die Corona-Pandemie uns im vergangenen Jahr abrupt stoppte, waren wir wie alle anderen zunächst damit beschäftigt, pragmatisch mit der ganz und gar neuen Situation umzugehen. Leere Hallen, ein leerer Park – was sich am Anfang als unglaubliche Ruhe, in einigen Momenten sogar nach Entschleunigung anfühlte, erwies sich schnell als schmerzliche Leerstelle. Wir, und mit uns viele NordArt-Fans, haben die Kunst, die Künstlerinnen und Künstler, die Besucherinnen und Besucher sehr vermisst.

Deshalb wollten und wollen wir 2021 auf jeden Fall wieder zu einer NordArt einladen.

Mit hohen Risiken – denn ein Großteil der Vorbereitungen lief während der immer wieder und wieder verhängten "Lockdowns" im Spätherbst, Winter und Frühling, mit allen zu beachtenden Einschränkungen.

Als aber zu Ostern der große blaue Teppich der Scilla-Blüten unter der riesigen Blutbuche am Teich aufblühte, quasi das "Wiedererwachen der Schöpfung", für das ja Ostern steht, symbolisierte, da festigte sich dann unsere Zuversicht, dass wir 2021 schon irgendwie eine neue NordArt mit Publikum hinbekommen würden.

Aber es hängt nicht von unserem Wollen oder den Blumen ab, dass diese NordArt gelingt, auch nicht allein an Corona, noch nicht einmal nur an den Kuratoren Wolfgang Gramm und Inga Aru mit ihrem Team, sondern es sind die Künstlerinnen und Künstler aus vielen Ländern, die uns diese NordArt ermöglichen. Sie hatten schon alles für 2020 vorbereitet, und sie haben durchgehalten, sodass wir ihre Arbeiten nun zeigen können.

Es sind sogar noch etliche hinzugekommen.

Auch unsere vielen freien Mitarbeiter auf der NordArt haben es 2020 ganz schwer gehabt. Und wir sind dankbar und glücklich, dass die meisten uns treu geblieben sind und 2021 wieder durchstarten. Sie sind eine unverzichtbare Säule der NordArt, besonders die – für viele Besucher erlebbar – hochqualifizierten Guides.

Neben der NordArt selbst gibt es weitere neue Elemente: Wir werden die Eintrittskarten online anbieten mit allem Drum und Dran. Wir werden einen weiteren Haupteingang an der ACO Thormannhalle haben, mit einem neuen geräumigen PopUp Café gleich nebenan. Und wir sind – wie die meisten von uns – digitaler geworden: Wer sie noch nicht gesehen hat, sollte sie sich auf YouTube ansehen – unsere zwölf NordArt-Führungen von Conrad Pfüller – eine Kunstform für sich, die bereits viel Zuspruch bekommen hat.

Since the 1990s, the Carlshütte has continued its long history with each successive chapter of wonderful NordArt. Last year, when the coronavirus pandemic suddenly stopped us, we, like everybody else, were initially busy finding practical solutions for this unexpected and entirely new situation. At first, the empty halls and park felt unbelievably peaceful and quiet, even soothing for a few moments, but this quickly turned out to be a painful void. We, and many NordArt fans along with us, bitterly missed art last year.

That is why we are so overjoyed to invite you to another NordArt in 2021. It has entailed high risks because a majority of preparations took place during the repeatedly imposed 'lockdowns' in the late autumn, winter and spring, including all the restrictions that had to be followed.

But at Easter, when the big blue carpet of Scilla blossoms came into bloom under the huge copper beech by the pond, symbolising the 'reawakening of creation' that Easter stands for, our confidence grew that, somehow, we will be able to have a new NordArt in front of a live audience in 2021.

But, of course, the success of NordArt does not depend upon our will or the spring flowers, nor the coronavirus or the Herculean efforts of our curators Wolfgang Gramm and Inga Aru with their team – it is the artists from many countries who make NordArt possible for us. They had everything prepared for 2020 and, despite complications, they persevered, so now, we are finally able to present their work. Indeed, quite a few new pieces have been added to the show.

Also, many freelance employees at NordArt had a very difficult time during 2020.

We are grateful and happy that most of them have remained loyal and will rejoin us in 2021. They are the indispensable support pillars of NordArt, especially the highly qualified guides who have enhanced the experience for many visitors.

In addition to NordArt 2021 itself, there is some other news. The tickets will be available online and another main entrance will open at the ACO Thormannhalle with a new spacious pop-up café right next door. Also, like the rest of the world, we have expanded our digital platform. If you have not seen these already, we recommend our twelve tours of NordArt on YouTube by Conrad Pfüller. His work is an art form in its own right that has achieved much praise already.

Und im Sommer dürfen wir uns auch auf ein neues Format des Schleswig-Holstein Musik Festivals bei uns freuen: Zwei Open-Air-Konzerte sind außen am alten Kupolofen geplant, der früher das Eisen der Gießerei erschmolzen hat.

Furthermore, we are delighted to present a new arrangement with the Schleswig Holstein Music Festival this summer – two open-air concerts are planned to take place outside the historical cupola furnace that used to melt the iron of the foundry.

Wir freuen uns auf das Abenteuer NordArt 2021 mit Ihnen.

We are looking forward to the NordArt 2021 adventure with you.

Hans-Julius und Johanna Ahlmann Gastgeber im Kunstwerk Carlshütte Gesellschafter der ACO Gruppe

Hans-Julius and Johanna Ahlmann Hosts at the Kunstwerk Carlshütte Shareholders of the ACO Group

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NordArt 2019: MICHAL GABRIEL

VORWORT • FOREWORD

Die Wege der Kunst

The Pathways of Art

Ihre Stimme ist zuletzt leise geworden, zu leise. Deshalb freut sich das Kunstwerk Carlshütte in diesem Jahr ganz besonders, dass die NordArt der Kunst wieder eine Bühne geben kann. Denn: Kunst mischt sich ein, spießt auf, führt vor, verrückt bekannte Perspektiven. Kunst öffnet die Türen zu einer anderen Dimension, lässt die Seele träumen, bringt die Gedanken auf einen neuen Weg – und das in einer Sprache, die Menschen in der ganzen Welt verstehen.

Recently, its voice has become silent, too silent. For that reason, the Kunstwerk Carlshütte is particularly delighted this year that NordArt will once again be able to provide a stage for art. Because art interferes, it names and shames and offers fresh perspectives. Art opens the doors to another dimension, it lets the soul dream and paves the way for new ideas – talking in a language that is globally understood.

Die Welt ohne Kunst wäre eine andere. Von Anbeginn der Geschichte spielt sie eine im wahrsten Sinne hervorragende Rolle und ist für das gemeinsame Gespräch unverzichtbar. Auch, wenn die Kunst je nach religiöser, politischer oder wirtschaftlicher Dominanz manipuliert werden kann: Sie hat immer ihre freien Wege gesucht und gefunden.

The world would be different without art. From the beginning of history, it has played an outstanding role in the truest sense of the word, has been indispensable for sincere and effective communication. Even when art gets manipulated by religious, political or economic dominance, it always seeks and finds its path to freedom.

Welche Verantwortung trägt die Kunst? Ist sie Mittlerin zwischen den Welten, quasi ein nonverbaler Diplomat? Oder spiegelt sie die Sehnsucht nach einer besseren Welt?

Beides stimmt wohl. Kunst sucht die Antworten auf alles, was den Menschen bewegt und berührt, und die Menschen finden Antworten in der Kunst.

Der Weg ist das Ziel.

What are the obligations of art? Is it a mediator between the oppositions, a kind of non-verbal diplomat? Or does it reflect a longing for a better world?

Both are probably true. Art seeks answers to everything that moves and touches people, while people find the solutions in art.

The journey becomes the goal.

Auch die NordArt 2021 zeigt wieder viele Perspektiven und Horizonte. Die Bilder, Skulpturen, Fotografien und Installationen fußen zwar einerseits auf den nationalen Traditionen, Erfahrungen und Sehweisen – und fügen sich doch andererseits zu einem großen globalen Weltbild zusammen.

NordArt 2021 will again unfold many new perspectives and horizons. On the one hand, the artworks create a narrative based on national traditions, experiences and standpoints. On the other hand, they merge to form a current global world view.

Die aktuelle Ausstellung wirft ein Schlaglicht auf verlorene Werte und setzt sich auseinander mit unseren ethischen Grundsätzen. Die Künstlerinnen und Künstler suchen danach, was des Bewahrens wert ist. Das Nachdenken darüber, das zeigt die NordArt 2021 mehr als deutlich, treibt Künstlerinnen und Künstler in Ost und West, Nord und Süd gleichermaßen um.

The new exhibition draws attention to the loss of core values and deals with the principles of ethics. The artists debate what is worth preserving. The reflections, weight up by the artists in East and West, North and South, are very similar, as clearly demonstrated in NordArt 2021.

Die NordArt hat sich von Anfang an als Ort der Begegnungen und des Austauschs verstanden, an dem Kunst die Brücken baut und Einblicke über viele Horizonte hinweg schafft.

Wir freuen uns sehr, Künstlerinnen und Künstler, Besucherinnen und Besucher nach einem Jahr Pause endlich wieder zur NordArt begrüßen zu können und wünschen allen unvergessliche Momente auf der NordArt 2021!

From the very beginning, NordArt has been recognised as a place of encounter and exchange where art builds bridges and creates insights across many horizons.

We are delighted to welcome artists and visitors back to NordArt after a yearlong break and we wish everyone unforgettable moments at NordArt 2021!

Wolfgang Gramm Chief Curator of NordArt Managing Director Kunstwerk Carlshütte

Wolfgang Gramm Chefkurator der NordArt Geschäftsführer Kunstwerk Carlshütte

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NordArt 2019: JAN DOSTÁL "Rounded"

«З усього розвитку людського життя ми можемо відзначити, що найчудовішим пам’ятником якоїсь доби все ж лишається мистецтво» Казимир Малевич видатний український художник-авангардист (1879–1935) Мистецтво об'єднує. Об’єднує країни, народи, покоління, сприяє їх зближенню і порозумінню, утворюючи потужну рушійну силу сталого розвитку світової цивілізації. Одним із надважливих місць утворення цієї енергії можна вважати найбільшу в Європі виставку сучасного мистецтва NordArt у мальовничому куточку Північної Німеччини. У 2021 році протягом чотирьох місяців понад 200 кращих митців з різних країн занурюватимуть глядачів у дивовижний світ сучасного мистецтва міжнародного рівня у найрізноманітніших його формах. Обрання нашої держави фокус-країною головної цьогорічної арт-події на європейському континенті є важливим кроком на шляху нашого повернення на те місце, що по праву належіть Україні на мистецькій карті світу. Адже саме Україна подарувала людству такі видатні імена, як Казимир Малевич, Михайло Бойчук, Іван Айвазовський, Ілля Рєпін, Михайло Врубель, Іван Марчук, Анатолій Криволап, Емма Андієвська та багато інших. Українські митці створювали свої шедеври у всі часи у різних країнах світу, залишали й продовжують залишати свій безцінний відбиток в історії світової культури. Наразі, коли Україні доводиться захищати власну територіальну цілісність й право самостійно визначати свій проєвропейський та євроатлантичний вибір від зазіхань тих, хто мріє про відновлення СРСР, сучасне мистецтво України переживає часи нового відродження й самоідентифікації у світовій культурі після десятиліть ізоляції під більшовицьким режимом, невпинних утисків і репресій за «залізною завісою». Розглядаємо почесну місію України на цьому престижному європейському фестивалі як можливість продемонструвати здобутки та розмаїття українського мистецтва, а також як визнання вагомого місця й ролі вітчизняної культури та її невіддільність від європейської. Користуючись нагодою, хотів би виловити щиру подяку фестивалю NordArt за особливий інтерес до сучасного українського мистецтва та титанічні зусилля навколо організації цієї виняткової події. Окремо хотів би подякувати NGO Perfect Art Group за професійну організацію роботи українського павільйону. Міністр закордонних справ України

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Дмитро КУЛЕБА

GRUSSWORT • GREETING

"Aus der ganzen Entwicklung des menschlichen Lebens können wir ersehen, dass als wunderbarstes Denkmal einer Ära die Kunst bleibt."

Kasimir Malewytsch berühmter ukrainischer Avantgarde-Künstler (1879–1935)

"Regarding the entire human evolution, we have to admit that it is the art that remains the most wonderful monument to a particular era" Kazimir Malevych a prominent Ukrainian avant-garde artist (1879-1935)

Kunst verbindet. Kunst vereint Länder, Völker und Generationen, sie trägt zu deren Annäherung und gegenseitigem Verständnis bei. Sie schafft eine starke Antriebskraft für eine nachhaltige Entwicklung der Zivilisation.

Art unites. It unites countries, peoples and generations. It draws them closer together and fosters mutual understanding, culminating in a powerful driving force for sustainable development of global civilisation.

Einer der wichtigsten Orte, an denen diese Energie entsteht, ist Europas größte Ausstellung für zeitgenössische Kunst, die NordArt, in einer pittoresken Gegend Norddeutschlands. 2021 werden mehr als 200 herausragende Künstler aus verschiedenen Ländern vier Monate lang das Publikum in die wunderbare Welt der internationalen zeitgenössischen Kunst in ihren unterschiedlichsten Formen eintauchen lassen.

NordArt, the largest contemporary art exhibition in Europe, in a charming corner of Northern Germany, could rightfully be considered as one of the paramount places that generate such energy. In 2021, over four months, more than 200 world's finest artists will immerse the viewers in a captivating world of international contemporary art in a wide variety of genres.

Die Entscheidung für die Ukraine als Fokusland des wichtigsten diesjährigen Kunstereignisses auf dem europäischen Kontinent ist ein wichtiger Schritt auf dem Weg zur Rückkehr der Ukraine zu dem Platz, der ihr in der Welt der Kunst zu Recht gebührt.

Schließlich hat die Ukraine der Menschheit solch herausragende Künstler wie Kasimir Malewytsch, Mychajlo Bojtschuk, Iwan Ajwasowskyj, Ilja Repin, Mychajlo Wrubel, Iwan Martschuk, Anatolij Krywolap, Emma Andijewska und viele andere geschenkt.

Ukrainische Künstler haben zu allen Zeiten in verschiedenen Ländern Meisterwerke geschaffen, sie hinterließen und hinterlassen weiterhin ihre unschätzbaren Spuren in der Geschichte der Weltkultur.

The honour of being chosen as a country of focus at the major European art event of the year is a significant step towards Ukraine's return to its deserving place on the art map of the world. After all, it was Ukraine that gave humanity such outstanding talents as Kazimir Malevych, Mykhailo Boichuk, Ivan Aivazovsky, Ilya Repin, Mykhailo Vrubel, Ivan Marchuk, Anatoly Kryvolap, Emma Andievska and many others. Ukrainian artists have created masterpieces across countries at all times and continue doing so, leaving their invaluable contribution to global cultural history.

Heute muss die Ukraine ihre territoriale Integrität samt dem Recht, selbstständig über ihre Entscheidung für eine pro-europäische und euro-atlantische Ausrichtung zu bestimmen, gegen Übergriffe derjenigen verteidigen, die von der Wiederherstellung der Sowjetunion träumen. Gleichzeitig erlebt die zeitgenössische Kunst in der Ukraine nach Jahrzehnten der Isolation unter dem bolschewistischen Regime und einer unerbittlichen Unterdrückung und Repression hinter dem Eisernen Vorhang eine neue Wiedergeburt und Selbstidentifikation in der Weltkultur.

Wir betrachten die ehrenvolle Mission der Ukraine auf diesem prestigeträchtigen europäischen Festival als Gelegenheit, die Errungenschaften und die Vielfalt der ukrainischen Kunst zu präsentieren, aber auch als Anerkennung dessen, dass der ukrainischen Kultur ein bedeutender Platz und eine wichtige Rolle zukommen und dass sie ein untrennbarer Teil der europäischen Kultur ist.

Ich möchte diese Gelegenheit nutzen, um der NordArt meinen aufrichtigen Dank für das besondere Interesse an der zeitgenössischen ukrainischen Kunst und die gewaltigen Anstrengungen bei der Organisation dieses außergewöhnlichen Ereignisses auszusprechen. Ebenso möchte ich mich bei der NGO Perfect Art Group für die professionelle Organisation des ukrainischen Pavillons herzlich bedanken.

Currently, Ukraine has to defend its territorial integrity, including the right to independently define its pro-European and Euro-Atlantic course against the encroachments of those who dream of restoring the Soviet Union. At the same time, following the decades of isolation under the Bolshevik regime as well as relentless oppression and suppression behind the Iron Curtain, Ukrainian contemporary art is celebrating a new renaissance and seeking its identity in the world culture.

We consider Ukraine's honourable mission at this prestigious European art event as an opportunity to showcase the achievements and diversity of Ukrainian art, but also as a recognition of the significance of Ukrainian culture as an integral part of the European one.

I would like to take this opportunity to express my sincere gratitude to NordArt for this special interest in Ukrainian contemporary art, along with my admiration for the tremendous efforts put into organising such an extraordinary event.

Also, I would like to pass on my thanks to the NGO Perfect Art Group for organising the Ukrainian Pavilion in an exceptionally professional manner.

Dmytro KULEBA Foreign Minister of Ukraine

Dmytro KULEBA Außenminister der Ukraine 25

Для мене як Посла України в Німеччині є особливою приємністю, що головною країною мистецької мекки Європи NordArt у мальовничому містечку Бюдельсдорф у 2021 році була обрана саме Україна – найбільша держава на континенті, а головне – велика європейська культурна нація, яка після Революції Гідності попри всі виклики переживає справжній ренесанс. Ми пишаємося тим, що сучасне українське мистецтво все більше пізнається та цінується у світі, а вітчизняні митці виступають справжніми амбасадорами цієї нової України, яка впевнено повертається на міжнародну авансцену. Почесна роль України на цьогорічній виставці NordArt є справжнім визнанням її дедалі важливішої ролі у глобальному культурному просторі. Тож для мене величезне задоволення надати патронат нашій потужній арт-делегації на Півночі Німеччини. Український павільйон носить доволі символічну назву – «Кордони реальності». Він покликаний продемонструвати усьому світові жорсткі реалії життя України, якій в умовах збройної агресії північного сусіда, безпрецедентної пропаганди і дезінформації доводиться щодня виборювати власну ідентичність і утверджувати незалежність. Неймовірно щасливий, що на NordArt 2021 Україну представлятиме плеяда одних із найбільш яскравих вітчизняних митців, які продемонструють глядачеві феєрію сучасної мистецької традиції та здивують польотом фантазії. Щиро запрошую Вас до арт-подорожі, щоб по-новому відкрити для себе сучасну Україну. Надзвичайний і Повноважний Посол України в Німеччині

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Андрій МЕЛЬНИК

GRUSSWORT • GREETING

Für mich als Botschafter der Ukraine in Deutschland ist es eine besondere Freude, dass der diesjährige Länderfokus von Europas Kunstmekka, der NordArt 2021 im malerischen Büdelsdorf, auf der Ukraine liegt – dem größten Land auf dem europäischen Kontinent und vor allem auf einer großen europäischen Kulturnation, die nach der Revolution der Würde trotz aller Herausforderungen eine wahre Renaissance erlebt.

For me, as an Ambassador of Ukraine to Germany, it is a special pleasure that Europe's art mecca in a picturesque Büdelsdorf, NordArt 2021, has chosen Ukraine as the country of focus. In the wake of the Revolution of Dignity and in the face of numerous challenges, Ukraine, the largest country in Europe and, above all, a great cultural nation, is experiencing a true renaissance.

Wir sind stolz darauf, dass zeitgenössische ukrainische Kunst in der Welt zunehmend bekannter und geschätzter wird. Ukrainische Künstler sind inzwischen zu regelrechten Botschaftern dieser neuen Ukraine geworden, die sicheren Schrittes in den Kreis der internationalen Kunstszene zurückkehrt. Die Ehre, die der Ukraine mit der Kunstausstellung NordArt zuteil wird, ist eine wirkliche Anerkennung dessen, dass ihre Rolle im globalen Kulturkontext immer wichtiger wird. Es ist mir daher auch ein echtes Vergnügen, die Schirmherrschaft für unsere starke Delegation zu übernehmen, die in Norddeutschland die ukrainische Kunst präsentiert.

We are proud that Ukrainian contemporary art is being increasingly recognised and appreciated in the world. Ukrainian artists have now become veritable ambassadors of this new Ukraine which is confidently returning to the international art scene. The honour bestowed on Ukraine at this year's NordArt exhibition is a true recognition of its progressively growing role in global cultural life. It is therefore a great feeling for me to take over the patronage of our strong delegation presenting Ukrainian art in Northern Germany.

Der ukrainische Pavillon trägt einen symbolischen Namen: "Die Grenzen der Realität". Er soll der Welt die harte Realität des Lebens in der Ukraine vor Augen führen. Denn angesichts der bewaffneten Aggression seitens ihres nördlichen Nachbarn, seiner beispiellosen Propaganda und Desinformation muss die Ukraine tagtäglich um ihre eigene Identität kämpfen und ihre Unabhängigkeit behaupten.

The Ukrainian pavilion's rather symbolic name – "The Borders of Reality" – is to lay out the harsh reality of life in Ukraine for the world to see. With ongoing armed aggression by its Northern neighbour, along with an unprecedented propaganda and disinformation campaign of the latter, Ukraine has to fight for its identity and assert its independence day after day.

Es macht mich sehr glücklich, dass die Ukraine bei der NordArt 2021 von einer ganzen Reihe ihrer besten Künstler vertreten wird, die das Publikum mit einer außergewöhnlichen Schau zeitgenössischer Kunst und mit viel Fantasie überraschen werden.

I am thrilled that, at NordArt 2021, Ukraine will be represented by a number of its greatest artists who will surprise the audience with an extraordinary contemporary art show and vivid imagination.

Ich lade Sie herzlich dazu ein, eine spannende Kunstreise zu unternehmen, um so die heutige Ukraine neu zu entdecken.

I cordially invite you to take this art journey and rediscover contemporary Ukraine.

Dr. Andrij MELNYK, LL.M. Botschafter der Ukraine in der Bundesrepublik Deutschland

Dr Andrij MELNYK, LL.M. Ambassador of Ukraine to the Federal Republic of Germany

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UKRAINISCHER PAVILLON • UKRAINIAN PAVILION

U K R A I N I A N PAV I L I O N THE BORDERS OF REALITY DIE GRENZEN DER REALITÄT Vasyl Bazhay Andriy Dudchenko Igor Kanivets & Margarita Sherstyuk Eduard Kolodiy Maria Kulikovska & Uleg Vinnichenko Olha Kuzyura Mykola Lukin Mykola Malyshko Roman Mikhaylov Sergey Panasenko Anastasiia Podervianska Liudmila Rashtanova Masha Reva Andriy Roik Andriy Sagaidakovsky Oleksiy Sai Andriy Savchuk Nazar Symotiuk Synchrodogs: Tetiana Shcheglova & Roman Noven Oleg Tistol Aliona Tokovenko Artem Volokitin "A4 – ballpoint project" CUR Evg A TOR Dar en Kara S ina s • Євге Mom н ot• Дар Карас ь ина Мом от

Василь Бажай Андрій Дудченко Ігор Канівець та Маргарита Шерстюк Едуард Колодій Марія Куліковська та Улег Вінніченко Ольга Кузюра Микола Лукін Микола Малишко Роман Михайлов Сергій Панасенко Анастасія Подерев‘янська Людмила Раштанова Маша Рєва Андрій Роік Андрій Сагайдаковський Олексій Сай Андрій Савчук Назар Симотюк Synchrodogs: Тетяна Щеглова та Роман Новен Олег Тістол Альона Токовенко Артем Волокітін "А4 – кулькова ручка"

Artem Volokitin "Triumph"

C O U N T R Y F O C U S AT N O R D A R T 2 0 21

05/0 6—10/10 2 021 w w w.nordar t.de 28

UKRAINIAN PAVILION • UKRAINISCHER PAVILLON

Die Grenzen der Realität

The Borders of Reality

Die Welt befindet sich in einem globalen Pandemiekollaps, der das Gesundheitssystem, die Weltwirtschaft, die Werte, sowie die Sprachen der Kommunikation herausfordert, die über Jahrtausende entstanden sind, und in denen die bildende Kunst als Methode und Form weiterhin einen universellen Platz einnimmt und als Metasprache der Zukunft bestehen bleibt.

The world is going through a global collapse caused by the pandemic. It challenges the health care system, global economy, systems of communication and values that have formed over millennia. However, visual art, as a method and form, continues to provide a universal platform and remains the metalanguage of the future.

Neue planetarische Herausforderungen, Spannungsherde, die laufend weltweit entstehen, sind ein Beweis für die Notwendigkeit einer Modernisierung traditioneller zwischenstaatlicher und innersozialer Interaktionen, da jene die Kollision der Realitäten verschiedener Gemeinschaften nicht ertragen können. Jede Seite des Konflikts hat ihre eigene Vision von Gerechtigkeit, daher sind ihre Handlungen innerhalb ihrer eigenen Weltanschauung logisch.

New challenges, tension hotspots that are constantly emerging all over the world, are a testament to the need to modernise conventional transnational and national interactions since the ongoing collisions between contrasting realities of disparate communities have become intolerable. Each side of the conflict has its own vision of justice, so its actions are logical within its worldview.

In diesem Zusammenhang wird die Ukraine zu einem Ort des Konflikts europäischer Traditionen und des Abbruchs von der Metropole, zu einem Ort moderner Nationenbildung und des Konflikts mit der staatlichen Souveränität; ein Ort fragwürdiger Medienobjektivität und Online-Manipulationen, ein Testfeld für internationales Recht.

In this context, Ukraine becomes a place of turmoil between European traditions, the disintegration of a metropolis, the formation of a modern nation and the conflict with state sovereignty. It is a place of questionable media objectivity and online manipulations and a testing ground for international law.

Ein Entwicklungsland mit instabilen wirtschaftlichen und liberalen Institutionen wird zum Marker für diskreditierte humanitäre Normen und für die Fähigkeit, den Vektor der historischen globalen Situationsentwicklung zu beeinflussen und die Zukunft vorauszusehen.

"Sand" im ukrainischen Projekt ist eine visuelle Metapher für wechselnde Instabilität und Ewigkeit, Unsicherheit und Resistenz gegen natürlichen Stress, ein riesiger Ökosystemorganismus aus einer Milliarde identischer Partikel – und das alles gleichzeitig.

Kunst stellt Fragen und sucht nach Antworten. Was bedeutet es, ein Mensch zu sein, ohne die Grenzen der Realität? Wir können miterleben, wie Kunst neu gewonnene Kenntnisse erforscht und mit früheren zivilisatorischen Hinterlassenschaften vergleicht, um einen neuen konzeptuellen Apparat für die Navigation in einer Welt zu entwickeln, in der die Realitäten sich auflösender Grenzen kollidieren, sich überschneiden, im Widerstreit sind und Erkenntnis suchen.

A developing country with unstable economical and liberal institutions becomes a marker for discredited humanitarian norms, however, similar historical global developments enable us to foresee the future.

'Sand' is a good visual metaphor for the Ukrainian project. Sand is simultaneously unreliable yet eternal, unstable yet resistant to natural stress, a giant ecosystem, an organism made of billions of identical particles.

Art asks questions and seeks answers. What does it mean to be a human without the borders of reality? We witness how art analyses the newly learnt lessons and compares them with cultural legacies of the past in order to develop a new conceptual system for navigating in a world where realities of dissolving boundaries collide, overlap, conflict, and seek understanding.

Evgen Karas and Darina Momot Curators of the Ukrainian Pavillon

Evgen Karas und Darina Momot Kuratoren des Ukrainischen Pavillons

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UKRAINISCHER PAVILLON • UKRAINIAN PAVILION

Vasyl Bazhay Ukraine

Василь Бажай

Vasyl Bazhay entwickelte in den 80er-Jahren, als die Welt von "Neuen Wilden", Neo-Expressionismus und Transavantgarde sprach, ein Interesse an nonfigurativer Kunst. Er liebt monumentale Formen, bedeutungsfreie Kompositionen, Impasto, breite Pinselstriche, Mehrschichtigkeit. Ausstellungen ergänzt er oft mit brutalen Installationen und Performances. Fast jährlich organisiert er Shows komplexer, nahezu "szenografischer" Arbeiten. Die NordArt zeigt eine Reihe drei Meter langer Arbeiten aus den 90er-Jahren, einer bedeutsamen Entwicklungsperiode zeitgenössischer ukrainischer Kunst. Dutzende vertikal angeordneter bildhafter Kokons verkörpern gemalte Skulpturen, die den Eindruck schlichter, unabhängiger Gegenstände innerhalb eines landschaftlichen Gefüges erwecken.

Vasyl Bazhay developed an interest in non-figurative painting during the mid'80s as the world started speaking of 'new savages', neo-expressionism, transavantgarde. Не loves monumental forms, incoherent compositions, impasto, broad brushstrokes and multilayering. Bazhay often accompanies his exhibitions with brutal installations and performances. Almost every year, he creates a largescale show of complex, almost 'scenographic' works. NordArt presents a series of three-metre-long artworks from the 1990s, a very important formation period of Ukrainian contemporary art. Dozens of vertically mounted pictorial cocoons impersonate painted sculptures, creating an impression of the revered fine art as a plain and independent thing, separate from the rest.

*1950 in Lwiw, wo er lebt und arbeitet. 1979 Absolvent der Nationalen Akademie der Künste Lwiw. Vasyl Bazhay wird als Pionier der modernen ukrainischen Kunst gesehen, der sowohl mit nonfigurativer Abstraktion als auch mit Performance, Ready-made und Installation arbeitet.

*1950 in Lviv, where he lives and works. Vasyl Bazhay is considered to be a pioneer of modern Ukrainian art, working with non-figurative abstraction as well as performance art, ready-mades and installation. In 1979, he graduated from the Lviv National Academy of Arts

DE-TERMINO I, 1996, Öl auf Leinwand, 170 x 290 cm DE-TERMINO I, 1996, oil on canvas, 170 x 290 cm 30

UKRAINIAN PAVILION • UKRAINISCHER PAVILLON

Андрій Дудченко Der Künstler steht in der Tradition metaphysischer Malerei, wobei ein feinsinniges Verständnis für Entfremdung in einer zeitgenössischen Welt sein Werk auszeichnet. Andriy Dudchenkos Projekt "Figuren" ist eine Illustrationsreihe zu Helden, die die Schlacht mit ihrer eigenen Zukunft verloren haben. Man sieht verlassene Küstenlandschaften. Wellen, auf geometrische Linien im griechischen Stil reduziert und in Farben des sowjetischen Modernismus neu erdacht, werden räumlich fixiert und weit über ihre zeitliche Wirklichkeit hinaus transportiert. Die nahende Zukunft enteignet das Dargestellte, konfrontiert es im Dialog, zerstört es und schafft, mit den Figuren der Vergangenheit spielend wie mit Darstellern antiker Tragödien, die Wirklichkeit einer neuen Gegenwart. *1983 in Jewpatoria. Absolvierte 2002 die N. S. Samokish Kunstschule der Krim und 2009 die Nationale Akademie der Bildenden Künste und Architektur in Kyjiw, Abteilung Malerei.

Andriy Dudchenko Ukraine

The artist is influenced by the metaphysical painting tradition, his work is being characterised by a subtle understanding of alienation in the contemporary world.

Andriy Dudchenko's project "Figures" is a series of illustrations about heroes who lost the battle with their future. We see deserted seaside landscapes. Waves, reduced to rectangular lines, reminiscent of ancient Greek style and painted in Soviet modernist colours, are fixed in space and moved far beyond their existence in time. The approaching future takes over what is depicted, confronts and then destroys it in a dialogue. Then, while playing with the figures of the past like with the characters of ancient tragedies, it creates the reality of a new presence. *1983 in Yevpatoria. In 2002, he graduated from N. S. Samokish Crimean Art School and, in 2009, from the National Academy of Fine Arts and Architecture in Kyiv, Department of Painting.

Post, 2019, Acryl auf Leinwand, 190 х 140 cm • Delfin-Liebe, 2019, Acryl auf Leinwand, 195 х 145 cm Post, 2019, acrylic on canvas, 190 х 140 cm • Delphine Love, 2019, acrylic on canvas, 195 х 145 cm 31

UKRAINISCHER PAVILLON • UKRAINIAN PAVILION

Igor Kanivets & Margarita Sherstyuk

Ігор Канівець та Маргарита Шерстюк

Das Künstlerduo Kanivets-Sherstyuk erkundet die Grenzen zwischen dem Privaten und dem Öffentlichen. Es untersucht auch die Heiligsprechung der Lebenskraft durch Malerei und wie künstlerischer Ausdruck dadurch beeinflusst wird.

Die hier gezeigten ausgewählten Arbeiten stammen aus den Jahren 2014–2016.

Sie dokumentieren das Privatleben des Künstlerpaares in der "ersten Person" und ahmen alltägliche Haushalts-Selfies nach. Betrachter werden so zu Komplizen und Beobachtern der Intimsphäre der beiden.

Igor Kanivets (*1984) und Margarita Sherstyuk (*1989) arbeiten als Künstlerduo seit 2010 auf den Gebieten von Malerei, Grafik, Fotografie und Installation.

Beide sind Absolventen des Publishing and Printing Institute der Nationalen Technischen Universität "KPI", Abteilung Grafik. Kanivets und Sherstyuk gründeten 2018 die musikalisch-poetische Künstlergruppe "Ambrozia" und 2019 das experimentelle "Kombinat Khudozhnik Space".

The artistic duo Kanivets-Sherstyuk explores the boundaries between the private and public. They also examine the canonization of vitality through painting and how it affects artistic expression. The selected artworks, presented here, dating back to the years 2014–2016. These works document the duo's private life in the first person and resemble selfie shots of a regular household. The viewer thus becomes an associate and observer of the intimate quarters of the couple's life.

Ukraine

Porträt der Künstlerin Margarita Sherstyuk, 2016, Öl auf Leinwand, 140 x 190 cm Portrait of the artist Margarita Sherstyuk, 2016, oil on canvas, 140 x 190 cm 32

Igor Kanivets (*1984) and Margarita Sherstyuk (*1989) have been working together in painting, graphics, photography and installation since 2010. Both artists graduated from the Publishing and Printing Institute at the National Technical University of Ukraine "KPI", Department of Graphics. In 2018, Kanivets and Sherstyuk created a musical-poetical art group "Ambrozia" and, in 2019, an experimental art centre "Kombinat Khudozhnik Space".

UKRAINIAN PAVILION • UKRAINISCHER PAVILLON

Едуард Колодій Das Projekt "Travelling Plots" geht von der Hypothese aus, die Anzahl erzählerischer Handlungen in der Welt sei begrenzt. In seinem Buch "Die 36 dramatischen Situationen" behauptet George Polti, alle dramatischen Werke ließen sich auf wenigstens einen von 36 Handlungssträngen zurückführen, die eine Typenlehre menschlicher Beziehungen und Erfahrungen verkörpern. Das würde bedeuten, dass die Menschen sich seit Jahrtausenden immer wieder dieselben Geschichten erzählen. Grundsätzlich ließe sich das als Weltkultur bezeichnen.

"Travelling Plots" sind mehrfigurige, skizzenhafte Kompositionen mit einer inneren Dramatik und Spannung außerhalb bestimmter Räumlichkeiten und Zeiten. *1970 in Mariupol, Region Donezk. Maler und Grafiker, Autor von Kunstobjekten, Videos und Performancekunst. 1995 Absolvent der Grekov Odessa State Art School. Arbeiten von Eduard Kolodiy befinden sich in: Odessa Fine Arts Museum; Museum of Modern Art Odessa; PinchukArtCentre; Guelman Gallery; Mystecky Arsenal und Privatsammlungen.

Eduard Kolodiy

Ukraine

The project "Travelling Plots" is based on the hypothesis that there is a limited number of storylines in the world. Dramatist George Polti argued in his book "The Thirty-six Dramatic Situations" that all dramatic novels are limited to only 36 storylines, representing a typology of human relationships and experiences.

This would mean that for millennia, people have been telling each other the same stories over and over again. Principally, this is called a worldwide culture. "Travelling Plots" presents multi-figure, sketch-like compositions of intrinsic drama and tension in a non-specific setting and time. *1970 in Mariupol, Donezk region. He is a painter and a graphic artist, an author of objects of art, video and performance art. In 1995, he graduated from Grekov Odessa State Art School. Eduard Kolodiy's works can be found in Odessa Fine Arts Museum, The Museum of Odessa Modern Art, PinchukArtCentre, Guelman Gallery, Mystecky Arsenal and in many private collections.

Rivalität der Ungleichen, 2012, Öl auf Leinwand, 140 х 240 cm Rivalry of Unequal, 2012, oil on canvas, 140 х 240 cm 33

UKRAINISCHER PAVILLON • UKRAINIAN PAVILION

Maria Kulikovska & Uleg Vinnichenko

Марія Куліковська та Улег Вінніченко

"Carpe Diem" besteht aus fünf Abgüssen des Körpers der Künstlerin. Eingebettet in das Epoxidharz, aus dem diese Reihe "performativer Skulpturen" gegossen wurde, sind metaphorische Gegenstände. Sie evozieren durch die unterschiedlichen Symbole und Elemente unter ihrer Haut traumatische Erinnerungen und Erfahrungen im Leben der Künstlerin.

Maria Kulikovska (*1988) wuchs in Kerch auf der Krim auf und ist seit der russischen Annexion von der Halbinsel verbannt. Sie ist Multimediakünstlerin, Architektin, Aktionistin-Performerin, Forscherin und Lehrbeauftragte. 2007–2013 MA Architektur Nationale Akademie der Bildenden Künste und Architektur Kyjiw.

Zurzeit im MA-Fine-Art-Programm der Konstfack Universität Stockholm. Seit 2017 Zusammenarbeit mit Architekt-Ingenieur Uleg Vinnichenko (*1987), technischer Leiter, Co-Forscher und Co-Autor ihrer Projekte und ihr Lebenspartner.

2017 gründeten Maria und Uleg die Schule für Politische Performance in Kyjiw.

Vinnichenko wurde 2020 Mitbegründer und Leiter des Gallery-Shelter "Garage 33" in Kyjiw.

"Carpe Diem" consists of five body-casts, moulded from the artist's own body.

The 'performative sculptures' in this series are cast in epoxy resin with metaphorical objects embedded inside. The statues evoke traumatic memories and experiences in the artist's life through various symbols and elements buried under their 'skin'.

Maria Kulikovska (*1988) grew up in Kerch in Crimea, exiled from the peninsula since its annexation by Russia. She is a multimedia artist, architect, actionistperformer, researcher and lecturer. 2007–2013, she completed an MA Architecture at the National Academy of Fine Arts and Architecture, Kyiv. Currently, she is finishing an MA Fine Art programme at Konstfack University, Stockholm.

Since 2017, she has been collaborating with architect-engineer Uleg Vinnichenko (*1987), a technical director, co-researcher and co-author of her projects and her life partner. In 2017, Maria and Uleg founded the School of Political Performance in Kyiv. In 2020, Vinnichenko became a co-founder and director of the first international Gallery-Shelter Garage 33 in Kyiv. www.mariakulikovska.net

Ukraine

Serie Carpe Diem, 2017–2018, Epoxidharz Series Carpe Diem, 2017–2018, epoxy resin 34

UKRAINIAN PAVILION • UKRAINISCHER PAVILLON

Ольга Кузюра "Lost Presence" (2017–2020) resultierte aus der Erkundung des Phänomens kollektiver Erinnerung. Die Installation besteht aus Abdrücken verlorener Innenräume, zerstörter Häuser und Grenzsäulen nicht mehr existierender Staaten. Jedes der Papierobjekte ist nicht nur eine Totenmaske, sondern fängt auch die Anwesenheit einer Person in einem Raum ein. Die Malereiserie "Amnesia" (2017–2019) reflektiert die Suche nach Verbindungen zwischen dem Kollektiven und dem Individuellen, die Analyse der "Gedankenstriche" und "Fragezeichen" der eigenen Identität. Kindheitsamnesie ist eine Ernüchterung, gefüllt mit Bildern und Ereignissen, die so nie stattgefunden haben. Nichtsdestotrotz begleiten einen diese "Erinnerungen" als wesentliche Symbole ein Leben lang und werden zum Schlüssel im Selbstfindungsprozess. *1990 in Mostyska, Region Lwiw. Arbeitet mit Malerei, Grafik und Installation.

Promovierte 2016 an der Nationalen Akademie der Künste Lwiw, Fakultät für Kunstgeschichte und Kunsttheorie.

Olha Kuzyura Ukraine

The installation "Lost Presence" (2017–2020) is an exploration of the phenomenon of collective memory. It is made of paper casts of lost interiors, destroyed houses and the border columns of states which no longer exist. Each paper cast becomes a death mask of the lost object and also captures the presence of the people who once occupied that space. The series "Amnesia" (2017–2019) is reflecting a search for connections between an individual and a group. It's an analysis of the 'dashes' and 'question marks' of one's own identity. Childhood amnesia is a disillusion, a space filled with images and events that never happened. Nevertheless, these first 'memories' will accompany people, like principal symbols, throughout their lives, becoming the key elements in a process of selfidentification. *1990 in Mostyska, Lviv region. She works in painting, graphics and installation.

In 2016, she graduated from Lviv National Academy of Arts, with a PhD, in faculty of History and Theory of Arts. http://olhakuzyura.com

Verlorene Gegenwart, 2016–2021, Installation: Papier, Blindprägung Lost Presence, 2016–2021, installation: paper, blind print 35

UKRAINISCHER PAVILLON • UKRAINIAN PAVILION

Mykola Lukin Ukraine

Микола Лукін

Mykola Lukin schafft mit seiner Arbeit eine Atmosphäre intimer existenzieller Erfahrungen. Diese verkörpert er in figurativen Kompositionen, die sich auf geschichtliche Erinnerung beziehen. "Erased Faces" stellt eine Reihe grafischer Porträts von Kriegsversehrten dar. Der Künstler nimmt dabei Bezug auf Berichte über Gesichtschirurgie aus dem Ersten Weltkrieg. Absicht und Zweck ist dabei die Umsetzung rein dokumentarischer Fotografien in Kunstwerke, in denen aus Laboraufzeichnungen von Traumata psychologische Porträts werden. Auch Porträts dieser gesichtslosen Menschen bleiben am Ende Porträts.

Mykola Lukin creates a tangible atmosphere of intimate existential experience with his work. The captured experiences refer to historical events, presented as figurative compositions. "Erased Faces" is a series of graphic portraits of warravaged people. The artist's reference for this series was a chronicle of a facial surgery from the First World War. By converting straightforward photographic documents into artworks, his intention and purpose were to transform the laboratory records of trauma into emotionally charged portraits. After all, even faceless portraits remain portraits.

*1988 in Odessa. Arbeitet in den Bereichen Malerei, Grafik, Objektkunst und Installation. Absolvent der Grekow Kunstschule Odessa und der Fakultät Grafische Kunst der Nationalen Pädagogischen Universität.

*1988 in Odessa. He works in the fields of painting and graphics, objects and installations. He studied in the Grekov Art School in Odessa and graduated from the National Pedagogical University, in the faculty of Graphic Arts.

Aus der Serie "Ausradierte Gesichter", 2017, Tusche und Bleistift auf Papier, je 40 х 35 cm From the series "Erased Faces", 2017, ink and pencil on paper, each 40 х 35 cm 36

UKRAINIAN PAVILION • UKRAINISCHER PAVILLON

Микола Малишко

Mykola Malyshko Ukraine

Mykola Malyshkos Skulpturen verbinden die Ästhetik verschiedener künstlerischer Stile und Strömungen, von der Volkskunst bis zur sakralen Holzarchitektur.

Das Holz in Malyshkos Skulpturen hat seine eigene Logik, seine eigenen Gesetze.

Er schafft Skulpturen, die auf die Meisterwerke von Alexander Archipenko und Ernst Barlach antworten, aber er fügt dieser künstlerischen Gemeinsamkeit eine nationale Note hinzu. Seine Arbeiten sind mehr als Skulpturen, es sind Konstruktionen, Mobiles, Gestelle, postmoderne Installationen, Kunst-Objekte.

Mykola Malyshko's sculptures combine the aesthetics of different artistic styles and trends, from folk art to sacred wooden architecture. The wood in Malyshko's sculpture has its own logic and laws. He creates sculptures that resonate with the masterpieces of Alexander Archipenko and Ernst Barlach but adds national ground to this artistic community. His work expands beyond the confines of the traditional sculpture – there are structures, mobiles, frames, postmodern installations and art objects.

*1938 in Znamenivka, Region Dnipropetrowsk. 1961 Kunsthochschule in Dnipropetrowsk, 1967 Nationales Kunstinstitut in Kyjiw. 1997 ausgezeichnet als Maler des Jahres, "Zolotyi Peretyn". 1998 ausgezeichnet mit dem prestigeträchtigen Vasyl-Stus-Preis. 2009 "DE PROFUNDIS" Mystetskyi Arsenal Kyjiw. 2012 ausgezeichnet als "Bedeutendste Entdeckung" auf der ersten Biennale für moderne Kunst ARSENALE Kyjiw. 2017 ausgezeichnet mit dem Schewtschenko-Nationalpreis für bildende Kunst. Lebt und arbeitet in der Region Kyjiw.

*1938 in Znamenivka, Dnipropetrovsk region. In 1961, graduated from the Dnipropetrovsk Art College, and in 1967, from the Kyiv National Art Institute. 1997, named The Painter of the Year "Zolotyi Peretyn". 1998, awarded the prestigious Vasyl Stus Prize. 2009, "DE PROFUNDIS" Mystetskyi Arsenal Kyiv. 2012, named The Most Significant Discovery in the first modern art biennale ARSENALE Kyiv.

2017, awarded the Shevchenko National Prize in Visual Arts. Lives and works in the Kyiv region.

Klotz, 2000, Holz, Farbe, 75 х 40 х 35 cm Lump, 2000, wood, paint, 75 х 40 х 35 cm 37

UKRAINISCHER PAVILLON • UKRAINIAN PAVILION

Roman Mikhaylov

Ukraine

Роман Михайлов

Roman Mikhaylovs stets äußerst soziale Arbeiten erwecken beim Betrachten eine Bandbreite an widersprüchlichen Gefühlen. Sein Projekt "Fear" berührt das Zeitgeistthema menschlicher Phobien. Wir werden vom Autor aufgefordert, uns zu fragen, was wir fürchten, was unser Leben unzumutbar macht und warum wir davonlaufen vor unseren Ängsten. Es geht um die Unstimmigkeit zwischen den Ängsten moderner Menschen und den wirklichen Bedrohungen. Die grotesken Bilder enthüllen den Zustand der Panik aus unterschiedlichen Gründen als Eigenart zeitgenössischer Menschen. *1989 in Charkiw. MA Bildende Kunst der Staatlichen Akademie Charkiw. Teilnahme an zahlreichen internationalen Gruppenausstellungen, u. a. 3. Odessa Biennale für Zeitgenössische Kunst; "I Am A Drop In The Ocean", Wien 2014; Ukraine – Scéne Libre Festival, Paris 2015. Finalist beim Non-Stop Media Festival, Charkiw 2014; Nominierter für den PinchukArtPrize, Kyjiw 2015 & 2018; Gewinner des Best Installation Award 2015, Saatchi Gallery, London.

Aus dem Projekt "Fear", 2017, Acryl auf Papier, 150 x 290 cm From the project "Fear", 2017, acrylic on paper, 150 x 290 cm 38

Roman Mikhaylov's works are always hitting the social nerve and stir a wide range of conflicting emotions in the viewer. His project Fear touches on the zeitgeist topic of human phobias. The author asks us to explore the reasons that make our lives intolerable. What are we afraid of and why are we running from our fears?

The project focuses on the discrepancy between the perceived fears of our contemporaries and the real threats they face. The grotesque images reveal the state of panic, for varying reasons, as a peculiarity of modern humans. *1989 in Kharkiv. He graduated from the Kharkiv State Academy with an MA in Fine Art. He has taken part in numerous international group exhibitions, including the 3rd Odessa Biennale of Contemporary Art 2013; "I Am A Drop In The Ocean", Vienna 2014; Ukraine – Scéne Libre Festival, Paris 2015. He has found recognition as a finalist of Non-Stop Media Festival 2014, in Kharkiv, as a nominee of PinchukArtPrize 2015 and 2018, in Kyiv, and the winner of the Best Installation Award at Saatchi Gallery, London 2015.

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Сергій Панасенко

Sergey Panasenko

Ukraine

Sergey Panasenko ist ein Meister der dramatischen Darstellung. Er wählt Themen aus den Bereichen Religion, Gesellschaft, Mode und Artefakte als Grundlage für seine Genreskulpturen, Malerei, Grafik, Installationen und Ready-Mades. Gezeigt werden hier Arbeiten aus den Jahren 2015–2020: "The Broken Cross" (2015) sowie eine Reihe eindringlicher Skulpturen und Bilder aus dem Projekt "SS2019" (2019). Darin geht es um den "Vandalismus", die natürliche Schönheit des Holzes zu übermalen. Das Projekt greift das soziale Thema von Menschen auf, die unbedingt stylish und attraktiv wirken wollen, indem sie sich hinter grellen Farben, Trends, Symbolen und Gold als Zeichen des Erfolgs verstecken.

Sergey Panasenko is a master of the dramatic display. He picks his themes from religion, society, fashion and artefacts for creating his sculptures, paintings, graphic art, installations and ready-mades. The works presented here are fairly recent, dating from 2015–2020: "The Broken Cross" (2015) and a series of vivid sculptures and paintings from the project "SS2019" (2019). It's all about 'vandalising' the natural beauty of wood with decorative painting. The project revolves around society's perception of success. It exposes people's desperate attempts to appear stylish and attractive by hiding behind bright colours, trends, symbols and gold as the signs of success.

*1983 in Kyjiw, wo er lebt und arbeitet. 2008 Absolvent der KNUBA – Nationale Universität für Bauwesen und Architektur Kyjiw, Fakultät Zeichnen und Malerei.

*1983 in Kyiv, where he lives and works. In 2008, he graduated from KNUBA – National University of Engineering and Architecture Kyiv, Department of Drawing and Painting.

Aus der Serie "Hardcore": Ohne Titel (Fuß), 2016, Galvanisierung auf Holz, 9 x 56 х 22 cm • "Hardcore": Symbol, 2016, Goldfarbe auf Holz, 115 x 18 x 20 cm From the series "Hardcore": No Name (Foot), 2016, plating on wood, 9 x 56 х 22 cm • "Hardcore": Symbol, 2016, golden paint on wood, 115 x 18 x 20 cm 39

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Anastasiia Podervianska

Анастасія Подерев'янська

Ausgestellt ist eine Serie von handgefertigte Textilpaneelen, Kombinationen aus Applikationen, Kinderkleidung und anatomischen Themen. Einige der Paneelen bestehen aus zusammengenähten Seiten von Schülertage- und Notizbüchern.

Diese Dinge stellen Meilensteine eines Lebensweges dar. Gemeinsam bilden sie die Matrix unserer Umgebung, eine Anhäufung unserer Erfahrungen. Erfahrungen unterschiedlicher Art, die eine Synergie freisetzen, dank derer Alltagsgegenstände erhöht werden. "Handgestickte, kitschige Servietten, verrückte Leinwände, Kombinationen aus Unvereinbarem begeistern mich. Ich spiele mit all diesen Dingen und lasse mich von ihnen in hohem Maße inspirieren."

Presented here is a series of handcrafted textile panels, combining appliqué, children's clothing and anatomical themes. Some panels consist of sewn-together pages of student diaries and notebooks. All these objects form milestones of a life's journey. Together, they make up the matrix of the environment we exist in, an accumulation of all different kind of experiences. Viewing them in conjunction, sparks a synergy that grants everyday things an elevated significance. "Hand embroidered kitschy napkins, crazy canvases, combinations of incompatible objects excite me. I play with all these items and allow myself to get carried away by inspiration." *1978 in Kyiv, where she lives and works. In 2002, she graduated from the National Academy of Fine Arts and Architecture in Kyiv, Faculty of Monumental Painting. Anastasiia works with patchwork, textiles, scenography, assemblage and painting. She was awarded the Third Prize at the 8th WTA World Textile Art Biennale, Madrid 2019, and she won a prize at the 5th Ukrainian Textile Triennial 2016. http://jyvopis.blogspot.com

Ukraine

*1978 in Kyjiw, wo sie lebt und arbeitet. 2002 Absolventin der Nationalen Akademie der Bildenden Künste und Architektur Kyjiw, Abteilung für Monumentale Malerei. Anastasiia arbeitet mit Patchwork, Textilien, Szenografie, Assemblage und Malerei. Dritter Preis bei der 8. WTA World Textile Art Biennale, Madrid 2019.

Preisträgerin bei der 5. Ukrainischen Textil-Triennale 2016.

Geburt II, 2019, Textil, Handstickerei, 113 x 169 cm Birth II, 2019, textile, hand embroidery, 113 x 169 cm 40

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Людмила Раштанова

Liudmila Rashtanova

Liudmila Rashtanova schlachtet Medien aller Art ganz postmodernistisch aus.

Emotions- und erinnerungsgeladene Fragmente bringt sie auf die Leinwand: Vintage- sowie sentimentale Postkarten, Fotos und Filme, Zeitungen und Computermonitore. Die Medien als superschnelle Nachrichtenquelle liefern ständig denkwürdiges Schockmaterial und verstopfen damit unser Informationsumfeld. Kunst setzt Information in Malerei um, heiligt dadurch die Nachrichten und macht historisch bedeutungsvollen Inhalt daraus. Die Arbeiten der Reihe "Triumph of Wilfulness" (Triumph der Eigenwilligkeit) und "Portrait in Exterior" (Porträt im Freien) entstanden in den vergangenen fünf Jahren.

Liudmila Rashtanova culls all kinds of media in the fashion of true postmodernism. Fragments, charged with emotions and memories, are transferred onto the canvas: vintage and sentimental postcards, photos and films, print newspapers and PC monitors. The media, being the fastest source of news and continually providing thought-provoking shocking material, densely fills our information environment. Art transforms information into paintings and, by canonizing the news this way, converts it into historically meaningful content. The series "Triumph of Wilfulness" and "Portrait in Exterior" were made during the last five years.

*1981 in Kyjiw. Sie arbeitet mit Grafik, Malerei und Installation. 2006 Absolventin der Nationalen Akademie der Bildenden Künste und Architektur Kyjiw, Abteilung für Grafik.

*1981 in Kyiv. She works with graphics, painting and installation. In 2006, she graduated from the National Academy of Fine Arts and Architecture in Kyiv, faculty of Graphics. www.rashtanova.com

Ukraine

Jungfrau Maria, 2018, Öl und Acryl auf Leinwand, 130 х 200 cm Virgin Mary, 2018, oil and acryl on canvas, 130 х 200 cm 41

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Masha Reva

Ukraine

Маша Рєва

Der forschende Caharakter zeichnet Masha Revas Arbeiten aus. Sie überzieht alle denkbaren Oberflächen mit ihren Zeichnungen, von Wandmalereien, Schmuck, Töpferwaren und Textilien bis hin zum menschlichen Körper. Revas Bildsprache sind Objekte, die sie zusammen mit ihrem Team herstellt und danach fotografisch dokumentiert. Das Projekt "Bugaz" spiegelt ihre Kindheitserinnerungen. Das Aufwachsen am Schwarzen Meer in einer Bildhauer- und Designerfamilie prägte die Lebenseinstellung der Künstlerin. Die grotesken Typen in Odessa, Flohmarktschätze, künstlerische Familientraditionen und ein spielerischer Geist formten ihre fantasievolle Welt. Ihre Suche nach Selbstidentität über verschiedene Disziplinen hinweg ist ein fortlaufender Prozess. *1987 in Odessa. 2010 MA Modedesign, Nationale Universität für Technologie und Design, Kyjiw. 2015 MA Modedesign, Central Saint Martins College of Art and Design, London. Reva ist eine multidisziplinäre Künstlerin mit Modehintergrund. Zusammenarbeiten mit u. a. Simon Jaquemus, PepsiCo, Rachel Comey, Rijksmuseum Amsterdam, Nadiia.

Aus dem Projekt "Bugaz", Fotografie, Digitaldruck, je 150 x 110 cm From the project "Bugaz", photography, digital print, each 150 x 110 cm 42

The distinctive feature in Masha Reva's work is her exploratory 'line'. She covers all kinds of surfaces with her drawings: from murals, jewellery, pottery and textiles to the human body. Reva's visual language consists of objects, designed and produced together with her team, and which she documents photographically herself. The project "Bugaz" reflects her childhood memories. Her childhood by the Black Sea, in a family of a sculptor and a designer, has shaped her approach to life. The grotesque characters of Odessa, the flea market treasures, artistic family traditions and a spirit of playfulness shaped her imaginative world. Her search for self-identity, crossing different disciplines, is an ongoing process. *1987 in Odessa. In 2010, an MA in Fashion Design, Kyiv National University of Technology and Design. In 2015, an MA in Fashion Design, Central Saint Martins College of Art and Design, London. Masha is a multidisciplinary artist with a background in fashion. She has collaborated with Simon Jaquemus, PepsiCo, Rachel Comey, Rijksmuseum in Amsterdam and Nadiia, amongst others. www.mashareva.com

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Андрій Роік Andriy Roik verbindet als Künstler meisterhafte akademische Technik mit Drama. Seine eher grafischen als malerischen figurativen Bilder sind monumental.

Roik schenkt seine besondere Aufmerksamkeit dem Körper als physiologische und anthropologische Studie der menschlichen Natur. Im Zusammenspiel der Abbildungen sollen traditionelle Beschränkungen der Vorschriftsmäßigkeit von Körpern dekonstruiert und überwunden werden. Der Autor erteilt der Form und Struktur seiner Figuren Funktionen. Die auf der NordArt gezeigten Arbeiten der Serien "Körper" und "Figuren" entstanden in den letzten Jahren. *1995 in Lwiw, wo er lebt und arbeitet. Maler und Grafiker. 2016 Absolvent der Iwan Trush Hochschule für Dekorative und Angewandte Kunst Lwiw. 2018 Absolvent der Nationalen Akademie der Künste Lwiw, Fakultät der Freien Künste und Restaurierung, Monumentale Malerei. Andriy Roik ist Vertreter der "Lviv New Wave".

Andriy Roik Ukraine

Andriy Roik is an artist who combines masterful academic technique with drama.

His monumental figurative canvases are graphic rather than painterly. Roik pays special attention to the body as part of the physiological and anthropological study of human nature. The conjuncture of imagery aims to deconstruct and overcome the traditional constraints on the body's canonicality. The author assigns functions to the shape and structure of his figures. The works from the series "Body and Figures", presented at NordArt, were created over the last few years. *1995 in Lviv, where he lives and works. Andriy is a painter and a graphic artist.

In 2016, he studied at Ivan Trush Lviv College of Decorative and Applied Arts.

In 2018, he graduated from the Lviv National Academy of Arts, Faculty of Fine Arts and Restoration, Monumental Painting. Andriy Roik is a representative of Lviv New Wave.

Verhältnis, 2018, Acryl auf Faserplatte, 100 х 150 cm Proportion, 2018, acryl on fiberboard, 100 х 150 cm 43

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Andriy Sagaidakovsky

Андрій Сагайдаковський

Andriy Sagaidakovsky arbeitet im Bereich der Malerei und praktiziert ungewöhnliche Techniken, wie zum Beispiel das Malen auf Teppichen. Er ist einer der ironischsten zeitgenössischen ukrainischen Künstler, der ungewöhnliche Perspektiven auf alltägliche Themen findet. Als Impuls für das Schaffen betrachtet Sagaidakovsky das Leben selbst, genau hier und jetzt. In seinen Werken verwendet er alte Leinwände, zerrissene Tücher, Teppiche. Der Künstler arbeitet in der bildenden Kunst und kreiert Installationen und Objekten.

Andriy Sagaidakovsky is a painter who practices unusual techniques such as painting old rugs. He is possibly the most ironic contemporary Ukrainian artist, finding unusual perspectives of everyday topics. The creative impulse behind Sagaidakovsky's art is his studies of life itself – right here, right now. His choice of support medium is rather unconventional – he uses old canvases, torn clothes and old rugs.

Ukraine

*1957 in Lwiw. 1979 Abschluss an der Fakultät für Architektur des Polytechnischen Instituts in Lwiw. Seine Lehrer waren Karl Zvirynsyi und Roman Selskyi – Legenden des Lwiwer Kunstmilieus und Schüler von Fernand Lége. 1990 wurden die Werke von Sagaidakovsky in der "Defloration", die bedeutende Ausstellung der informellen Kunst in Lwiw, ausgestellt. 2015 war er Teilnehmer des polnischen Pavillons auf der Biennale Venedig. Er lebt und arbeitet in Lwiw.

Vieh auf der Weide, 2016, Teppich, Öl, 142 х 205 cm Cattle on pasture, 2016, carpet, oil, 142 х 205 cm 44

*1957 in Lviv. In 1979, graduated from the Architecture faculty of Lviv Polytechnic Institute. His teachers were Karl Zvirynsyi and Roman Selskyi – the legends of the Lviv art milieu and students of Fernand Léger. Andriy Sagaidakovsky's works were included in "Defloration" – a significant exhibition of informal art of Lviv in 1990. He won the prize at the First Kyiv International Biennale of Contemporary Art ARSENALE АWARDS 2012. In 2015, he was the participant of the Polish pavilion at the 56th Venice Biennale. He lives and works in Lviv.

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Олексій Сай "Das Ausmaß der heutigen globalen Kultur lässt sich nur schwer feststellen. Auf meiner Suche nach einer angemessenen visuellen Sprache zur Beschreibung zeitgenössischer Prozesse erschaffe ich Arbeiten mit Hilfe des Programms, das das Geld zählt – Microsoft Excel. Millionen Verwaltungsbeamte machen ihre Arbeit, ohne je mit der Wirklichkeit in Berührung zu kommen. Und die Daten, die ich als Elemente einer Bildsprache benutze, werden von Personen der Unternehmenskultur – vielleicht die jüngste der wohldefinierten menschlichen Kulturen – klar verstanden. Die auf der NordArt gezeigten Landschaften sollen perfekt sein, können es aber niemals werden, da ein Tool zur Datenverarbeitung außerstande ist, Wirklichkeit abzubilden." *1975 in Kyjiw. 1994 Student der Abteilung Grafikdesign des Art and Industry College Kyjiw. 2001–2005 Studium an der Nationalen Akademie der Bildenden Künste und Architektur Kyjiw, Fakultät für Grafik. Arbeitet mit den Medien Digitale Kunst, Skulptur, Objektkunst und Installation.

Oleksiy Sai Ukraine

"It is difficult to assess the scale of today's global culture. To find an adequate visual language to describe contemporary processes, I am making a series of works using a computer program that usually counts money – Microsoft Excel. Millions of accountants use it every day without ever coming into contact with the reality of their calculations. The data, which I use as elements of visual language, is very familiar to the members of a corporate culture, which is perhaps the newest of all well-defined cultures of humanity. Regarding the works exhibited at NordArt, these are landscapes that are meant to be perfect, but will never be perfect because the tool, designed to process data, can not reproduce reality." *1975 in Kyiv. In 1994, he studied at Graphic Design Department at Kyiv Art and Industry College. 2001-2005, further studies at Kyiv National Academy of Fine Arts and Architecture, Faculty of Graphics. He works in several media - digital art, sculpture, object art and installation. www.oleksiysai.com

Berge, 2020, Digitaldruck (Auflage 1-1), 141 x 121 cm Mountains, 2020, digital print (edition 1-1), 141 x 121 cm 45

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Andriy Savchuk Ukraine

Андрій Савчук

Andriy Savchuks Wahlmaterialien sind gefärbtes Holz und Plastik. Seinen Stil kennzeichnen vor allem starke Farbigkeit und einfache geometrische Formen.

Andriy Savchuk bezieht sich oft auf seine eigene Vergangenheit und sinnt der Frage nach, inwiefern Kindheitserinnerungen und -eindrücke sich im Erwachsenenleben und der Arbeit widerspiegeln. *1993 im Dorf Koropets, Region Ternopil. Der Op-Art-Künstler lebt und arbeitet in Lwiw. 2012–2018 MA Studium an der Nationalen Akademie der Künste Lwiw, Fakultät für Dekorative und Angewandte Künste – Holzkunst. Teilnahme an diversen internationalen Künstleraufenthalten, Plein-Airs und Kunstveranstaltungen.

Game Over, Triptychon, MDF-Holz, Acryl, Polyurethan, je 120 х 70 cm Game Over, triptych, MDF wood, acrylic, polyurethane, each 120 х 70 cm 46

Coloured wood and plastic are the materials of choice for Andriy Savchuk. Strong colours and simple geometric forms characterize his style. Andriy Savchuk often uses references to his past, pondering over how childhood memories and impressions reflect in adult life and work. *1993 in the village of Koropets, Ternopil region. The Op Artist lives and works in Lviv. From 2012–2018, he studied Masters at Lviv National Academy of Arts, Faculty of Decorative and Applied Arts, Wood Art. He has been a participant in various international residencies, plein-airs and art events.

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Назар Симотюк Op-Art bildet inzwischen einen Schwerpunkt in Nazar Symotiuks Arbeit und erschließt ihm ein breites Spektrum an originellen Ideen. "Beim Erschaffen meiner umfangreichen Kompositionen kombiniere ich den Minimalismus einfacher geometrischer Formen mit Kontrastfarben und steigere so die emotionale Wahrnehmung der Betrachter:innen. Diese Art abstrakter Skulptur aus Holz und Acryl hat mir zu neuen visuellen Mitteln in einem traditionellen Medium verholfen und damit zur Synthese meiner Leidenschaft für Impressionismus, Pointillismus und Op Art." *1992 im Dorf Buchyaki, Region Ivano-Frankivsk. 2012–2018 MA Studium an der Nationalen Akademie der Künste Lwiw, Fakultät für Dekorative und Angewandte Künste – Holzkunst.

Nazar Symotiuk

Ukraine

Op Art has become a key focus of Symotiuk's work and has opened it up to a wide range of original ideas.

"In creating my voluminous compositions, I combine the minimalism of simple geometric shapes with contrasting colours to enhance the emotional perception of the viewer. This format of abstract objects, made of wood and acrylic, has helped me to find new visual methods on how to use a traditional medium to synthesise my passion for Impressionism, Pointillism and Optical Art." *1992 in the village of Buchyaki, Ivano-Frankivsk region. During 2012–2018, he studied Masters at Lviv National Academy of Arts, Faculty of Decorative and Applied Arts, Wood Art.

Farbige Autobahnen, 2018, Diptychon, MDF-Holz, Acryl, Polyurethan, 100 x 200 х 5 cm Coloured Highways, 2018, diptych, MDF wood, acrylic, polyurethane, 100 x 200 х 5 cm 47

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Synchrodogs: Tetiana Shcheglova & Roman Noven

Ukraine

Für das Projekt "Slightly Altered" schufen Synchrodogs Installationen, deren Lebensspanne nur einen Tag betrug. Diese Objekte überleben lediglich als Fotos und erscheinen vor uns in einer sich aufgrund menschlicher Invasion rasant wandelnden und verschwindenden Landschaft.

Das Künstlerduo Synchrodogs, bestehend aus Tetiana Scheglova (*1986) und Roman Noven (*1984), arbeitet seit 2008 zusammen in den Bereichen (Mode-) Fotografie, Installation, Performance und Happening. Beide Künstler absolvierten die Nationale Technische Universität der Ukraine. Synchrodogs waren nominiert für den PinchukArtPrize 2013; Gewinner des FOAM Construct 2012 Award, NL; nominiert zum "Best Art Photographer" beim Vogue Talent Contest; Gewinner des "Best Portfolio"-Preises bei Weitsprung No. 5; Gewinner bei Feature Shoot Emerging Photography; Finalisten des LensCulture Visual Storytelling Award 2019. Fotos des Duos wurden bereits in Esquire, Vice, Dust, Vision und Dazed and Confused veröffentlicht.

Aus dem Projekt "Slightly Altered" (Leicht verändert), 2018, Fotografie, Digitaldruck From the project "Slightly Altered", 2018, photography, digital print 48

Тетяна Щеглова та Роман Новен

For the project "Slightly Altered", Synchrodogs created installations with a 'life span' of one day only. These objects, surviving only as photos, appear before us in a landscape that is rapidly changing and disappearing due to human invasion.

Artistic duo Synchrodogs, Tetiana Scheglova (*1986) and Roman Noven (*1984), has been working together in the fields of (fashion) photography, installation, performance and happening since 2008. Both artists graduated from the National Technical University of Ukraine. Synchrodogs were nominees for the PinchukArtPrize 2013; winners of the FOAM Construct 2012 Award, Netherlands; nominees for The Best Art Photographer in the Vogue Talent Contest; winners of The Best Portfolio prize at Weitsprung No. 5, Germany; winners at Feature Shoot Emerging Photography; finalists for the LensCulture Visual Storytelling Award 2019. Photos by the duo have been published in Esquire, Vice, Dust, Vision and Dazed and Confused. https://synchrodogs.com

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Олег Тістол Oleg Tistols Kunst entstand an der Grenze zwischen den sowjetischen und postsowjetischen Epochen und kombiniert Kritik sowjetischer Kultur mit einer Neubewertung derer Klischees sowie der vitalen, fröhlichen, spielerischen Atmosphäre, die die ukrainische "New Wave" so reizvoll macht. In der Verbindung nationaler Symbole, Mythen und Utopien mit sowjetischen entdeckte er für sich den Simulacrum-Gedanken – eine Kopie ohne Original. Im paradoxen Selbsterhalt von Propaganda als Ersatz für nicht vorhandene Dinge vereinen sich unerwartet Propaganda und Pop-Art. Tistol interessieren in erster Linie deren formalästhetische Aspekte – Schablonen, Farbhintergründe, glatte Maloberflächen.

Oleg Tistol (*1960) ist ein Vertreter des ukrainischen Neobarock und einer der führenden Künstler der ukrainischen "New Wave". Seine Arbeiten – Malerei, großformatige Installationen, Fotos, Skulpturen und Objekte – spielten immer schon eine große Rolle in der Kunstszene des Landes, was in seiner regelmäßigen Teilnahme an internationalen Kunstevents zum Ausdruck kommt.

Oleg Tistol Ukraine

Oleg Tistol's art emerged on a boundary of the Soviet and the Post-Soviet era.

It combines a critique of Soviet culture with its clichés with the spirited, joyful, and playful atmosphere that largely defined the appeal of Ukraine's 'New Wave'.

Merging the national symbols, myths and utopias with Soviet ones, he discovered for himself the notion of simulacrum – a copy without the original. Such paradoxical self-sustainability of propaganda, as a substitution for non-existing items, unexpectedly unites propaganda with Pop Art. Tistol is primarily interested in its formal aesthetical aspects – stencil plates, colourful backgrounds, smooth painted surfaces.

Oleg Tistol (*1960) is a representative of Ukrainian Neo-Baroque and one of Ukraine's leading 'New Wave' artists. His work – paintings, large-scale installations, photos, sculptures and art objects – has always played a major role in the country's art scene, as is illustrated by his regular participation in international art events.

Der Weg, 2013, Acryl auf Leinwand, 300 х 300 cm The Way, 2013, acrylic on canvas, 300 х 300 cm 49

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Aliona Tokovenko Ukraine

Альона Токовенко

Aliona Tokovenko dekonstruiert mit Hilfe von Abstraktion und Leiblichkeit Körper zu visuellen Objekten. Deren Form- und Wahrnehmungsbasis bilden Empfindsamkeit und Sinnlichkeit. Sie löst erkennbare Formen in ihrem Bewusstsein zu einer amorphen Masse auf, aus der sie Bilder und Figuren formt. Diese Gesichtslosen sind ohne innere Gedanken und Gefühle – Hülle und Essenz zugleich, Symbole roher Physiologie, schmerzhafter Themen. In der Absicht, Hirnvorgänge zu enthüllen, ihre Vorstellungs- und Denkprozesse zu zeigen, überschreitet die Künstlerin Grenzen zwischen Sichtbarem und Imaginärem. Das Projekt "Phantomschmerz" reflektiert ukrainische Geschichte, Kultur und Sozialprozesse. Tokovenko hält Weiterkommen für unmöglich ohne eine Tiefenanalyse, ein Neudenken der Traumata und der tiefgreifenden komplexen Verformungen ukrainischen gesellschaftlichen Bewusstseins. *1990 in Odessa. Arbeitet mit Malerei, Grafik und Installation. Absolventin der Grekov Odessa Art School und der Nationalen Universität für Technologie und Design Kyjiw, Fakultät für Kostümdesign.

Rote Ecke (Altar), 2019, Installation, 150 x 150 cm Red Corner (Altar), 2019, installation, 150 x 150 cm 50

Aliona Tokovenko uses abstraction and corporeality to deconstruct a body into visual objects. The shape and our perception of the objects are based on sensitivity and sensuality. She dissolves recognizable forms in her consciousness into an amorphous mass from which images and characters are moulded. These faceless figures are devoid of inner thoughts and feelings – both a shell and an essence, they represent raw physiology as well as painful themes. Intending to reveal the workings of her brain and to illustrate her imagination and thoughtprocess, the artist crosses boundaries between the visible and the imaginary. The project "Phantom Pain" reflects Ukrainian history, culture and social processes.

Tokovenko considers it impossible to move forward without in-depth analysis and rethinking of the profound and complex traumas and deformations that have been inflicted upon the consciousness of Ukrainian society. *1990 in Odessa. Works with painting, graphics and installation. Graduated from Grekov Odessa Art School and Kyiv National University of Technology and Design, Faculty of Costume Design.

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Артем Волокітін

Artem Volokitin Ukraine

Artem Volotkin verwendet traditionelle Techniken der Ölmalerei. Im Ursprung fast hyperrealistisch, sind seine Arbeiten inzwischen in Richtung eines konventionelleren Realismus' und dem Neo-Barock zuzuordnen. Im Ukrainischen Pavillon der NordArt sind seine bekannten Polyptychen "Triumph" und "After Image" zu sehen, die bereits vielerorts international ausgestellt wurden.

Artem Volokitin employs traditional oil painting techniques. Originally, the artist was working close to hyperrealism, his work has now shifted towards a more conventional realism and Neo-Baroque. The Ukrainian Pavilion at NordArt presents his well-known polyptychs "Triumph" and "After Image" which have been featured at many international venues.

*1981 in Chuguiw, Region Charkiw. Lebt und arbeitet in Charkiw. Absolvent der Staatlichen Akademie für Design und Bildende Künste Charkiw. Praktikum im Malereiatelier von Antony Gormley in London. Gewinner PinchukArtCentre-Preis 2011, was zur ersten Teilnahme am Nebenprogramm der Biennale von Venedig im selben Jahr führte. Teilnahme am Hauptprogramm der Venedig-Biennale 2015 im ukrainischen Pavillon "Hope!". In den vergangenen drei Jahren wurden seine Bilder an folgenden Orten ausgestellt: Saatchi Gallery, London; Vienna Contemporary; Art Basel; Ukrainian Institute of America, Inc., New York; Art Copenhagen und Kölner Liste.

*1981 in Chuguiv, Kharkiv region. Lives and works in Kharkiv, Ukraine. Graduated from Kharkiv State Academy of Design and Fine Arts, served his internship at Antony Gormley's painting studio in London. Became a winner for PinchukArtCentre Prize 2011, leading to a first appearance in the parallel programme at Venice Biennale that year. In 2015, as a part of the Ukrainian pavilion "Hope!", he participated in the Venice Biennale's main programme. Over the past three years, his canvases have been displayed at Saatchi Gallery, London; Vienna Contemporary; Art Basel; Ukrainian Institute of America, Inc., New York; Art Copenhagen and Kölner Liste.

Aus der Serie "Triumph", 2011–2013, Acryl auf Leinwand, 217 x 260 cm From the series "Triumph", 2011–2013, acrylic on canvas, 217 x 260 cm 51

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A4 ballpoint Ukraine

А4 кулькова ручка

Das Kunstprojekt "A4 ballpoint" umfasst mit rund 7000 Seiten die wohl größte Sammlung von Kugelschreiberzeichnungen weltweit. Der Name selbst erklärt das Konzept – alle Werke werden mit dem einfachsten aller Büroutensilien hergestellt, einem Kugelschreiber auf einem A4-Büropapier. Kontinuität machte das Kunstprojekt zum Phänomen: Seit 2006 haben mehr als 1000 Künstler und Künstlerinnen, vom etablierten bis zum unbekannten Talent, beigetragen. Als kulturelle Kuriosität hat "A4 ballpoint" die ukrainische Kunstszene bereichert, denn es ist sowohl Instrument des künstlerischen Dialogs als auch Dokumentation dieser Epoche und Fingerabdruck im kollektiven Unterbewusstsein der ukrainischen kreativen Klasse. Seit 15 Jahren kommen ununterbrochen noch jährlich Tausende von Arbeiten hinzu. Vom Kuratorenteam sorgfältig ausgewählt, werden 1000 davon in der Karas Gallery gezeigt. Gleichzeitig findet ein Essaywettbewerb zur Phänomenologie des Projektes statt. In Zusammenarbeit mit der Voronov Art Foundation (Ihor Voronov) erscheint jährlich ein Katalog der Arbeiten. Projektpartner für die "A4 ballpoint" ist das Kaminskiy Studio.

Projekt "A4 ballpoint" im Kunstraum der Galerie Karas • oben: Iryna Zastavna Project "A4 ballpoint" in the Karas Gallery art space • above: Iryna Zastavna 52

"A4 ballpoint" is an art project of some 7000 A4 pages; it might well be the world's biggest collection of ballpoint drawings. The name itself explains the concept – all artworks are produced using the most basic of all office equipment, a ballpoint pen on a sheet of A4 office paper. Continuity has made this project a cultural phenomenon in Ukrainian art scene. Since 2006, more than 1000 artists, some already established and some young talents, have contributed to this project. As a cultural curiosity, A4 ballpoint has enriched Ukraine's art scene, enabling artistic dialogue and documenting the era. It's a fingerprint of the collective subconciousness of the Ukrainian creative class. Uninterrupted for 15 years, the project is still growing. Thousands of ballpoint artworks are being added every year. Carefully selected by the curatorial team, 1000 of them will be on display at the Karas Gallery. Alongside the exhibition, a contest of essays, exploring the phenomenology of the project, is taking place. An annual catalogue of the works is published in partnership with Voronov Art Foundation (Ihor Voronov) and the project's partner is Kaminskiy Studio. www.facebook.com/A4.ballpoint

UKRAINIAN PAVILION • UKRAINISCHER PAVILLON

53

NordArt 2019: OLEKSII ZOLOTARIOV "Exercises I–III" • Paintings by BERNARD GARO • sculptures above by TINA SCHWICHTENBERG

NordArt 2019: FRENCH PAVILION "Some of Us"

NordArt 2016 – Israelischer Pavillon • Israeli Pavilon

IDENTITÄT – ZENTRALASIEN • IDENTITY – CENTRAL ASIA

IDENTITY • Contemporary Art from Central Asia IDENTITÄT • Zeitgenössische Kunst aus Zentralasien Curator: Dr. Manuchehr Kudratov Timur Ernst Akhmedov•Тимур Эрнст Ахмедов Uzbekistan Marat Bekeyev•Марат Бекеев Kazakhstan Timur D'Vatz•Тимур Даватц Uzbekistan Bobur Ismoilov•Бобур Исмоилов Uzbekistan Elena Kambina•Елена Камбина Uzbekistan Murad Karabaev•Мурад Карабаев Uzbekistan Ilyos Mamadzhanov•Илёс Мамаджанов Tajikistan Eraj Olimov•Эрадж Олимов Tajikistan

Timur D'Vatz "The Journey"

S P E C I A L P R OJ E C T AT N O R D A R T 2 0 21

05/0 6—10/10 2 021 w w w.nordar t.de 58

IDENTITY – CENTRAL ASIA • IDENTITÄT – ZENTRALASIEN

IDENTITÄT – Zeitgenössische Kunst aus Zentralasien

IDENTITY – Contemporary Art from Central Asia

Die Geschichte der zeitgenössischen Kunst in Zentralasien beginnt in den 1980er Jahren – während der Sozialismus in einer Krise steckt und sich das politischkulturelle System in einem Umbruch befindet. In Kasachstan, Kirgisistan und Usbekistan entstehen in dieser Dekade richtungsweisende informelle Kunstbewegungen durch Nonkonformisten. Es ist der Versuch einer künstlerischen Minderheit, nach eigenen Wegen jenseits der sowjetischen Kunst zu suchen.

Dieses sich eigenständig entwickelnde Kunstfeld ist die Geburtsstunde der "Contemporary Art" in Zentralasien.

The history of contemporary art in Central Asia begins in the '80s while socialism is in crisis and the political-cultural system is in a state of upheaval. During this decade, informal trend-setting nonconformist art movements emerge in Kazakhstan, Kyrgyzstan and Uzbekistan. It is an attempt by an artistic minority to seek their own ways beyond Soviet art. This independently evolving field of art marks the birth of Contemporary Art in Central Asia.

Das Ende des Eisernen Vorhangs, der Zerfall der Sowjetunion und der Weg in die nationale Unabhängigkeit stellt die zentralasiatischen Künstler vor einen kulturellen Paradigmenwechsel. Es entsteht ein offener Raum: ein Raum für Meinungsfreiheit und künstlerische Experimente. Es ist der Beginn einer radikal ethnokulturellen Identitätssuche in der regionalen Kunstszene. Die kulturelle Aufbruchstimmung ist zugleich eine Identitätssuche, die an das Erbe der islamischen Kultur anknüpft. Die Spurensuche über die eigene Identität orientiert sich an mythopoetischen Traditionen und dem Sufismus, die zugleich hinterfragt werden. Durch die Identitätsfindung und den Umgang mit der ursprünglichen Kultur erhält die Malerei eine transzendentale Bedeutung, eine Abstraktion von der Realität, die der orientalischen Mentalität eigen ist. Die Künstler demonstrieren ihre "individuellen Mythologien" und originellen Wege im Umgang mit dem kulturellen Erbe der Region.

Mit Blick auf die Gegenwart stellen wir fest, dass die Euphorie des kulturellen Aufbruchs Vergangenheit ist. Übrig geblieben sind regionale und globale Probleme, die von zeitgenössischen Künstlerinnen und Künstlern in Zentralasien reflektiert werden. Viele Künstlerinnen und Künstler in der Region sehen die zeitgenössische Kunst als einen Ausdruck der Freiheit von staatlicher Kontrolle und staatlicher Finanzierung, als Freiheit von Zensur und vom totalitären Rahmen der Produktion. Mit dem Blick auf tiefer liegende Motive für die eigene Kreativität lösen sich die Künstlerinnen und Künstler von den Fesseln der "nationalen" Kunst und widmen sich verschiedenen Formen, Ausdrucksweisen und Themen in der zeitgenössischen Kunst.

Die Ausstellung "IDENTITY" zeigt aufstrebende und etablierte Künstlerinnen und Künstler aus Zentralasien mit ihren Werken. Ihre Arbeiten spiegeln die gesellschaftlichen und politischen Befindlichkeiten der zentralasiatischen Region, die einst eine internationale Drehscheibe für Waren-, Gedanken- und Kulturaustausch war.

The downfall of the Iron Curtain, the collapse of the Soviet Union and the road to national independence confront the Central Asian artists with a cultural paradigm shift. An open space is created: a space for freedom of expression and artistic experiments. It marks the beginning of a radical ethnocultural quest for identity in the regional art scene. At the same time, the cultural wind of change is a quest for identity that ties in with the legacy of Islamic culture. The tracking of one's own identity is based on mythopoetic traditions and Sufism, which are simultaneously scrutinised. By searching for identity and dealing with primordial culture, painting acquires a transcendental meaning, an abstraction from reality that is inherent in oriental mentality. The artists demonstrate their 'individual mythologies' and original ways of dealing with the region's cultural heritage.

Looking at the present, we note that the euphoria of cultural awakening is history.

What remains are regional and global problems that are reflected by contemporary artists in Central Asia. Many artists of the region view contemporary art as an expression of freedom from government control and funding, as freedom from censorship and the totalitarian framework of production. With all the profound themes at their disposal, the artists liberate themselves from the shackles of 'national' art and dedicate themselves to various styles, modes of expression and topics in contemporary art.

The exhibition IDENTITY displays the works of both emerging and established artists from Central Asia. Their artworks reflect the social and political sensitivities of the Central Asian region that, in the past, used to be an international hub for the exchange of goods, ideas and culture.

Dr. Manuchehr Kudratov Curator

Dr. Manuchehr Kudratov Kurator

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IDENTITÄT – ZENTRALASIEN • IDENTITY – CENTRAL ASIA

Timur Ernst Akhmedov

Тимур Эрнст Ахмедов

Timur Ernst Akhmedovs Kunstwerke sind ein Versuch, zur Harmonie zurückzukehren, sowohl in sich selbst, als auch zwischen sich und der Welt. Sie sind ein Versuch, eine Verbindung mit der Welt zu finden und gleichzeitig von ihr weg in eine bessere Welt zu fliehen. Die charakteristische Atmosphäre seiner Werke ähnelt der Meditation im Gebet. Seine Bilder sind das Ergebnis einer künstlerischen Vermischung europäischer Kunstschule mit zentralasiatischen Kulturtraditionen, wobei die klare Kombination von asiatischem Türkis, warmem Ocker und kaltem Rot einen Raum der besonderen Musikalität erschafft. *1968 in Taschkent. 1983–1987 Studium an der Kunsthochschule in Taschkent und 1987–1990 an der Kunstakademie in Taschkent. Lebt und arbeitet in Usbekistan.

Timur Ernst Akhmedov's artwork attempts to restore harmony within oneself as well as between oneself and the world. It's an endeavour to connect with a world and, at the same time, an escape into a better one. The atmosphere of his work resembles a quiet contemplation of a prayer. His images artistically blend European art with cultural traditions of Central Asia. The brilliant colour combinations of Asian turquoise, warm ochres and cool reds create a space of particular musicality.

Usbekistan/Uzbekistan

Frühlingsreiter, 2019, Öl auf Leinwand, 110 x 200 cm Spring Rider, 2019, oil on canvas, 110 x 200 cm 60

*1968 in Tashkent. 1983–1987, studied at Tashkent Art College and 1987–1990, at Tashkent Art Academy. Lives and works in Uzbekistan. www.mehran-contemporary.de

IDENTITY – CENTRAL ASIA • IDENTITÄT – ZENTRALASIEN

Марат Бекеев Wärme, lyrische Intonation und Vertrauenswürdigkeit der Erzählung charakterisieren Marat Bekeyevs Kunstwerke. Er entwickelt seine eigene, einzigartige visuelle Interpretation der Bilder, indem er eine fortschreitende und systematische Wahrnehmung formt. Scheinbar chaotische und flickenteppichartige Kompositionsrhythmen werden durch sich anhäufendes Schwarz vereint und verleihen seinen Werken eine besondere metaphysische Bedeutung. "Die zerbrechliche und berührende Welt der Kindheit, auf die sich der Künstler immer wieder bezieht, ist Ariadnes Faden, der den Menschen durch die Labyrinthe des Lebens führt." (Musina M.) *1964 in Kasachstan. Abschluss an der Aktubinsk Kulturhochschule, Fachbereich Kunst und Design, Aqtöbe, Kasachstan. Seit 1990 Mitglied der Union der Künstler von Kasachstan. Lebt und arbeitet in Almaty.

Marat Bekeyev Kasachstan/Kazakhstan

The warm, lyrical intonation and trustworthy narrative distinguish Marat Bekeyev's artworks. He develops a unique interpretation of visual imagery by shaping a progressive and systematic perception. Seemingly chaotic and patchwork-like rhythms of his compositions become united by an accumulation of black. This lends to his work a certain metaphysical significance. "The fragile and touching world of childhood, to which the artist refers time and again, is Ariadne's thread which leads humans through life's labyrinths." (Musina M.) *1964 in Kazakhstan. Since 1994, member of the Artists' Union of Kazakhstan.

Graduate of Aktubinsk Culture College, Department of Art and Design, Aktobe, Kazakhstan. Lives and works in Almaty. https://bekeyev.kz • www.mehran-contemporary.de

Wanderung des Wolfs, 2019, Öl auf Leinwand, 130 x 150 cm Wandering of the Wolf, 2019, oil on canvas, 130 x 150 cm 61

IDENTITÄT – ZENTRALASIEN • IDENTITY – CENTRAL ASIA

Timur D'Vatz

Usbekistan/Uzbekistan

Тимур Даватц

Die meisten Bilder von Timur D'Vatz sind von alten Mythen und Legenden inspiriert. Eine Mythologie, die uns an den Ausgangspunkt für die innere Reise durch die äußere Erfahrung erinnert. Um vorwärts zu gehen, müssen wir stets zu unseren Wurzeln zurückkehren; die Reise nach vorne ist immer eine Rückkehr zu den Ursprüngen. Der Mythos ist eine poetische Interpretation des menschlichen Wissens. Der Hirsch in den Arbeiten von Timur D'Vatz symbolisiert das Sonnentier. Die Form des Geweihs erinnert uns an den Baum des Lebens. Einige alte Legenden benutzen die Metapher der Jagd für die Reise zu und die Suche nach innerem Wissen. Durch diese Metapher inspiriert, erschafft Timur D'Vatz ein dynamisches Wechselspiel von Bewegung und Stille, das in den Jagdszenen zu beobachten ist. Der Hund und das Pferd stehen für Bewegung. Der Falke ist ein Symbol für die Sonne und steht für die Freiheit des Geistes. Der Granatapfel repräsentiert Fruchtbarkeit, Leben, den Samen der Existenz. *1968 in Usbekistan. 1983–1987 Republikanische Kunsthochschule in Taschkent.

1993–1996 Aufbaustudium in der Royal Academy Schools, London. Ausgezeichnet mit Jack-Goldhill- und Sir-James-Walker-Stipendien.

Die Reise, 2018, Öl auf Leinwand, 5-teilig, 225 x 450 cm The Journey, 2018, oil on canvas, 5 parts, 225 x 450 cm 62

The majority of Timur D'Vatz's paintings are inspired by old myths and legends.

When disoriented in the chaos of life experiences, mythology reminds us where our journey inwards started. In order to grow, we draw energy from our roots; a journey forward always feeds on the origins. Myth is a poetic interpretation of human knowledge. The stag in Timur D'Vatz's work symbolizes the Sun animal.

The shape of his antlers resembles the tree of life. In various old legends, a hunt is a metaphor for a voyage in search of inner wisdom. Inspired by this metaphor, Timur D'Vatz creates a dynamic interplay between motion and repose, discernible in the hunting scenes. The dog and the horse stand for a motion. The falcon is a symbol of the Sun and stands for freedom of spirit. The pomegranate, the seed of existence, represents fertility and life. *1968. 1983–1987 Republican College of Art, Tashkent, Uzbekistan. 1993–1996 Post-Graduate from the Royal Academy Schools, London. Awarded with Jack Goldhill and Sir James Walker Scholarships. www.timurdvatzstudio.com www.mehran-contemporary.de

IDENTITY – CENTRAL ASIA • IDENTITÄT – ZENTRALASIEN

Бобур Исмоилов "Ich male nicht nach der natürlichen Umgebung oder nach Modellen, ich kopiere nicht die Realität. Die Entstehung der Malerei ist für mich ein viel tieferer Prozess als die Materialisierung von Gedanken. Leinwände sind eine Bühne und die Malerei ist immer faszinierend, wie die Entwicklung der Handlung eines Theaterstücks. Meine erfundenen Charaktere, wie ihre Welten, sind Dekoration meiner Illusionen. Ein fertiges Gemälde enthält für mich immer noch eine unerzählte Geschichte. Jedes Gemälde ist wie eine unvollendete Aufführung." *1973 in Taschkent, wo er lebt und arbeitet. 1987–1990 Studium an der Kunsthochschule Benkov in Taschkent und 1990–1996 am Staatlichen Institut für Bildende Künste in Taschkent. Zahlreiche Diplome und Auszeichnungen, wie die Goldene Medaille der Akademie der Schönen Künste Usbekistans und die Medaille der Verdienten Künstler Usbekistans.

Bobur Ismoilov

Usbekistan/Uzbekistan

"I do not paint from natural surroundings or models, I do not copy reality. For me, the creation of paintings is a much deeper process than a materialisation of thoughts. Canvasses are a stage, while painting is always alluring like the development of a performance act. My invented characters, like their worlds, are decorations of my visions. A finished painting, for me personally, always holds an untold story. Every painting is like an incomplete performance." *1973 in Tashkent, where he lives and works. 1987–1990 studied at Benkov Art College in Tashkent, and 1990–1996 at Tashkent State Institute of Fine Arts. Babur Ismailov holds a great number of diplomas and awards, such as a Golden Medal of the Fine Arts Academy of Uzbekistan and The Medal of the Honored Artists of Uzbekistan. https://baburism.uz • www.mehran-contemporary.de

Aufblasen des Vollmonds, 2019, Öl auf Leinwand, 110 x 110 cm Inflating the Full Moon, 2019, oil on canvas, 110 x 110 cm 63

IDENTITÄT – ZENTRALASIEN • IDENTITY – CENTRAL ASIA

Elena Kambina

Usbekistan/Uzbekistan

Елена Камбина

"Bei der Erforschung der Gesellschaft stellt die zeitgenössische Kunst nicht nur dar, sondern interagiert selbst mit dem Betrachter. Sie projiziert die Einstellungen der Menschen zueinander innerhalb der Gesellschaft und zu gemeinsamen gesellschaftlichen Werten. Mein Projekt 'Verlassene Gesichter' ist eine Art psychologische Verflechtung eines Menschen mit dieser Gesellschaft, ihren Werten in dieser Verflechtung und ihren Lebensprioritäten. Spirituelle Werte werden in der Gegenwart zu einem reinen Modeartikel."

Geboren in Chirchik, Usbekistan. 1988–1993 Studium an der Nizami Universität in Taschkent, Fachbereich Bildende Künste. Lebt und arbeitet in Taschkent und Kyjiw.

Aus der Serie "Verlassene Gesichter", 2010, Öl auf Leinwand, je 85 x 75,5 cm From the series "Leaving Images", 2010, oil on canvas, each 85 x 75,5 cm 64

"While exploring the society, the artists don't just depict it but they interact with the audience themselves. They are projecting people's attitudes towards one another within the society and towards common societal values. My project 'Lost Faces' is a kind of psychological interdependence with people of this society, with their values in this interdependence and their life priorities. In present times, the spiritual values are becoming mere fashion items."

Born in Chirchik, Uzbekistan. 1988–1993, studied at Nizami University, Department of Fine Arts in Tashkent. Lives and works in Tashkent and Kyiv. http://kambinaelena.com www.mehran-contemporary.de

IDENTITY – CENTRAL ASIA • IDENTITÄT – ZENTRALASIEN

Мурад Карабаев "Unsere Welt verändert sich so atemberaubend schnell, dass wir es kaum wahrnehmen können. Haben wir eine Chance, mit den Entwicklungen Schritt zu halten? Werden wir uns im Zeitalter des Digitalen verloren fühlen? Können wir lernen, uns selbst und einander zu verstehen? Kann die Kunst uns dabei helfen?

Ich interessiere mich für globale Metamorphosen: Veränderungen im Menschen, die Entstehung neuer Kommunikationsformen und damit verbundene Veränderungen in der Kunst. Kunst soll Zeit und Ereignisse widerspiegeln. Mein neues Kunstprojekt 'Transformation' befasst sich mit dem Menschen und den Veränderungen, die er in der heutigen Welt durchmacht." *1963 in Taschkent. 1978–1982 Studium an der Kunsthochschule in Taschkent und 1982–1991 an der Kunstfakultät des Gerassimow-Instituts für Kinematografie (Atelier von Alexander Borisov). Lebt und arbeitet in Taschkent.

Murad Karabaev

Usbekistan/Uzbekistan

"Our world is changing at such a breathtaking pace that we can hardly perceive it. Have we even got a chance to keep up with the development? Are we lost in the digital age? Could we learn to understand ourselves and others? Could art help us? I'm interested in global metamorphoses: changes in humankind, the emergence of new forms of communication and its reflections in art. Art is meant to reflect current times and events. My new project 'Transformations' deals with humankind and the changes it experiences in today's world." *1963 in Tashkent. 1978–1982, studied at Art College in Tashkent and 1982– 1991, at the Faculty of Art of the Gerassimov Institute of Cinematography, Studio Alexander Borisov. Lives and works in Tashkent. www.mehran-contemporary.de

Pompilius, 2020, Öl auf Leinwand, Mischtechnik, 120 x 150 cm Pompilius, 2020, oil on canvas, mixed technique, 120 x 150 cm 65

IDENTITÄT – ZENTRALASIEN • IDENTITY – CENTRAL ASIA

Ilyos Mamadzhanov Tadschikistan/Tajikistan

Илёс Мамаджанов

Die absolute Konzentration auf die Form, die Ästhetik der Details und die intensiven Farbvariationen sind charakteristisch für Ilyos Mamadzhanovs Kunstwerke.

Im Gegensatz dazu demonstriert er eine relative Indifferenz gegenüber einer Handlung. Inspiriert durch klassische persische Poesie zeigen seine Werke die Momente der Wahrnehmung, in denen der Gegenwart eine besondere Bedeutung zukommt und das Morgen keine Rolle spielt. *1977 in Duschanbe. 2002 Abschluss an der Staatlichen Kunsthochschule Tadschikistan. Lebt und arbeitet in Tadschikistan.

Vergnügen I–IV, 2020, Öl auf Leinwand, je 40 x 40 cm Pleasure I–IV, 2020, oil on canvas, each 40 x 40 cm 66

Complete devotion to a form and the intense colour variations is characteristic of Ilyos Mamadzhanov's artwork. In comparison, he demonstrates a relative indifference towards a storyline, content and aesthetic of details. Inspired by classical Persian poetry, his works show those moments of perception where a special significance is given to a sense of presence and tomorrow plays no role. *1977 in Dushanbe. Graduated from Tadjikistan State Fine Art School in 2002.

Lives and works in Tadjikistan. www.mehran-contemporary.de

IDENTITY – CENTRAL ASIA • IDENTITÄT – ZENTRALASIEN

Эрадж Олимов Eraj Olimov erschafft ethno-signifikante Kunstwerke, wobei er die Aufmerksamkeit auf das innere Wesen der Dinge richtet. Durch die Kombination der Farben, die mal aus der Höhe herabfließen, mal wie Wasserspritzer nach oben steigen, scheint die Farbfläche in Bewegung zu sein. Dieser Eindruck von Dynamik, Rotation und unruhiger Bewegung fesselt den Betrachter durch die Farbsättigung in den abstrakten Kompositionen des Künstlers. Die Ausgewogenheit der kontrastierenden Farben und Schattierungen sowie die dichte Textur in seinen Bildern erinnern an orientalische Emaille. *1985 in Tadschikistan. 2000–2004 Studium an der Kunsthochschule und 2004– 2009 am Staatlichen Institut für Bildende Künste in Duschanbe. Lebt und arbeitet in Tadschikistan.

Eraj Olimov

Tadschikistan/Tajikistan

Eraj Olimov creates ethno-significant artwork with a focus on the inner nature of things. The colour combinations that sometimes flow from above and, at other times, splash upwards like water seem to set the fields of colour in motion. These dynamic impressions, rotations and restless movements captivate the viewer with the rich colours of their abstract compositions. The balance between the contrasting colours and shades, as well as the dense texture of his paintings, bear resemblance to oriental enamelling. *1985 in Tadjikistan. 2000–2004, studied at Art College and 2004-2009, at the State Institute of Fine arts in Dushanbe. Lives and works in Tadjikistan. www.mehran-contemporary.de

Karneval, 2018, Öl auf Leinwand, 90 x 140 cm Carnival, 2018, oil on canvas, 90 x 140 cm 67

NordArt 2019: RUNGPLOY LORPAITOON "Lifewaves"

NordArt 2017: Xu Bing "PHOENIX" – Lange Nacht der Lichter/Long Night of the Lights

NordArt 2019: OCHIRBOLD AYURZANA "Degree"

NORDART-PREIS 2019 • NORDART PRIZE 2019

Ochirbold Ayurzana – NordArt-Preis 2019 • NordArt Prize 2019 Ochirbold Ayurzanas begehbare Skulptureninstallation "Degree" wurde 2019 innerhalb des mongolischen Sonderprojekts im Skulpturenpark der NordArt gezeigt.

Dem Titel "Degree" wohnt eine, in der mongolischen Volkslehre tief verwurzelte, Symbolik inne, welche, ähnlich wie Yin und Yang, eng mit dem Gleichgewicht und mit den Ursprüngen des Lebens in Verbindung steht. Die Protagonisten des Kunstwerks befinden sich in einer ungewöhnlichen Haltung, mithin in einem zutiefst meditativen Zustand. Sie sind überlebensgroß, geschlechtsneutral und dem spiralförmigen Zentrum zugewandt. Jenes steht metaphorisch für das geistige Reich und die Zwischenwelt, in welche die Gestalten bestrebt sind hinüberzugehen, um den Prozess der Reinkarnation zu erfahren.

Das Werk, bestehend aus filigranem, oxidiertem Stahldrahtgeflecht, wurde vom Künstler selbst geschlagen und geschweißt. Assoziativ sind die Körper durch das Geflecht wie von Pflanzenfasern benetzt und in der Erde und dem Diesseits verwurzelt. Durch die durchlässige Art der Verarbeitung des Stahls wird der Transzendenzgedanke untermalt, und das Innere der jenseitigen Welt in der Mitte wirkt weiträumig und frei, sodass das Hindurchschreiten zu einer unerwarteten Erfahrung wird. (Hanna Kremp)

DEGREE, 2017–2019, Skulptureninstallation, Stahldraht, 320 x 2100 x 1700 cm DEGREE, 2017–2019, sculpture Installation, iron wire, 320 x 2100 x 1700 cm 72

Ochirbold Ayurzana's walk-in sculpture installation "Degree" was displayed at the NordArt sculpture park as part of the Mongolian Project in 2019.

The title refers to Mongolian symbolism which, like yin and yang, is closely related to the balance and origins of life.

The protagonists of the artwork are balancing in an unusual posture and a deeply meditative state. They are larger than life, unisex and facing the spiral-shaped centre. The centre stands metaphorically for the spiritual realm and the intermediate world into which the figures strive to enter to experience the process of reincarnation.

The work consists of filigree, oxidized steel mesh which was beaten and welded by the artist himself. The texture of the steel mesh is reminiscent of plant fibres, rooted in the earth and belonging to the material universe. The permeable way of steel processing underlines the idea of transcendence and the enclosed central world of the installation appears surprisingly spacious and free from constraints.

Walking through it becomes an unexpectedly uplifting experience.

(Hanna Kremp)

NORDART PRIZE 2019 • NORDART-PREIS 2019

Аюурзанын Очирболд

Ochirbold Ayurzana

Seit 2014 beruht das künstlerische Konzept von Ochirbold auf seinen Beobachtungen der Gesellschaft, der Menschen und ihres Verhaltens. Wie verändert sich unser Bewusstsein in einer globalisierten Welt? Dies fragt der Künstler und stellt die große Wolke der Informationsflut zur Disposition. Eine Wolke, welche unser Denken vereinigt, aber auch unsere nationale und regionale Individualität gefährdet. Seine sozial- und gesellschaftskritischen Werke sind für jeden Betrachter individuell interpretierbar. *1976 in der Mongolei. Studium an der Mongolischen Universität für Künste und Kultur in Ulaanbaatar. Zahlreiche Gruppenausstellungen in Deutschland, Südkorea, China, Russland, in den USA und der Mongolei. Zahlreiche monumentale Skulpturen stehen an öffentlichen Plätzen in der Mongolei. Seine Skulptur "Consciousness" befindet sich im Skulpturenpark des UN-Hauptquartiers in New York.

Ochirbold ist Publikumspreisträger der NordArt 2015 und NordArt-Preisträger 2019. 2020 Auszeichnung der mongolischen Regierung als "Verdienter Künstler der Mongolei".

Since 2014, the artistic concept of Ochirbold is based on his observations of society, human beings and their behaviour. He questions the changes in our consciousness in a globalised world and sees information sharing, the Cloud, as a challenge. The Cloud unites our thinking but also endangers our national and regional individuality. Recently, Ochirbold's work has become increasingly critical of current social and political conditions yet is open to individual interpretations.

Mongolei/Mongolia

*1976 in Mongolia. Studied at the Mongolian University of Arts and Culture in Ulaanbaatar. His works have been included in numerous exhibitions in Germany, Korea, China, Russia, the USA and Mongolia and his large-scale sculptures are displayed in public places in Mongolia. His sculpture "Consciousness" is in the sculpture park of the UN headquarter in New York. Ochirbold won the Public Prize in NordArt 2015 and NordArt Prize in 2019. In 2020, Mongolian Government Award of "Honored Artist of Mongolia".

Der Mensch ist kein Überfluss der Erde, 2015, Stahldraht, 450 x 350 x 500 cm (Entstanden auf dem NordArt-Symposium 2015) Man is not an Abudance of the Earth, 2015, steel wire, 450 x 350 x 500 cm (Created at the NordArt Symposium 2015) 73

NordArt 2019: DAVID ČERNÝ "Quo Vadis" & "Pegasus – Horsepowers"

PUBLIKUMSPREIS 2019 • PUBLIC CHOICE AWARD 2019

David Černý – Publikumspreis 2019 • Public Choice Award 2019 Eines der wohl symbolträchtigsten und geschichtlich bedeutsamsten Werke David Černýs ist die Skulptur "Quo Vadis". Sie erinnert an die Ereignisse im Herbst 1989, als Tausende ostdeutsche Bürger nach Prag strömten, um dort in der westdeutschen Botschaft ihre Ausreise in die Bundesrepublik zu erwirken. Mit ihren geliebten Trabis schafften die Prager Botschaftsflüchtlinge ihren Weg über die Grenzen hinweg in die Freiheit, obgleich sie ihre Fahrzeuge bei ihrer Ausreise in den Prager Straßen zurücklassen mussten. Einer jener Trabis wurde zu dem Hybriden "Quo Vadis" – dem wandernden Trabanten auf vier Beinen aus Fiberglas und Metall, versehen mit jeweils nur vier Zehen, für jeweils ein Jahrzehnt des Kommunismus stehend.

Erstmalig gezeigt wurde das Werk am 1. Juli 1990 in Prag, anlässlich des Tags der Währungs-, Wirtschafts- und Sozialunion der neuen Bundesrepublik. Anschließend wurde es im Garten der dortigen deutschen Botschaft ausgestellt und später durch einen Bronzeabguss ersetzt. Auf der NordArt 2019 war das Original einer der Publikumsmagneten in der Ausstellung. Seit dem Jahrhundertereignis zur Wendezeit hat der Titel des Werks hinsichtlich deutsch-deutscher Geschichte an Aktualität nichts verloren. So kam es, dass "Quo Vadis", als Symbolträger für den Mut der DDR-Flüchtlinge und die Freiheit am 3. Oktober 2019 von der NordArt einen spektakulären Kurzausflug nach Kiel machen durfte und Teil des deutschen Einheitsfestes war. (Hanna Kremp)

Quo Vadis, 1990, Fiberglas, Metall, 310 x 390 x 170 cm Quo Vadis, 1990, fiberglass, metal, 310 x 390 x 170 cm 76

One of David Černý's most symbolic and historically significant works is the sculpture "Quo Vadis". It recalls the events of the 1989 autumn when thousands of East Germans came to Prague to seek their departure to the German Federal Republic at the West German embassy. With their beloved Trabants, the refugees made their way to freedom, across the borders, although they had to leave their cars behind on the crossing. One of those Trabants became the hybrid "Quo Vadis" – a wandering Trabant on four legs, made of fibreglass and metal, provided with only four toes on each foot to represent forty years of communism.

The work premiered in Prague on the 1st July of 1990, to mark the occasion of the monetary, economic and social union of the new Federal Republic. Afterwards, it was exhibited in the garden of the German Embassy in Prague and, later on, it was replaced by a bronze cast.

At NordArt 2019, the original artwork became one of the exhibition's crowd pullers. Since the fall of the Berlin Wall and regarding the history of East and West Germany, the title of the work has remained relevant. For this reason, on the 3rd October 2019, "Quo Vadis" made a spectacular short trip from NordArt to Kiel, as a symbol of the courage of the DDR-refugees and the freedom, and was part of the German Unity Day Celebration. (Hanna Kremp)

PUBLIC CHOICE AWARD 2019 • PUBLIKUMSPREIS 2019

David Černý

Tschechische Republik/Czech Republic Der aufrührerische tschechische Künstler David Černý ist eine der prominentesten Persönlichkeiten in der Kunstwelt der Tschechischen Republik. Mit seinen oft im gesellschaftskritischen Kontext stehenden Arbeiten sorgt er bewusst für Kontroversen und erregt Aufsehen, sowohl in der Bevölkerung als auch in den Medien.

Die unabhängige Kulturszene der späten 80er hat Černýs künstlerischen Weg sehr stark geprägt. Das erste Werk, das öffentlich diskutiert wurde, war "Quo Vadis".

Ein weiteres, politisch motiviertes Kunstereignis mit breitem Medienecho war ein Panzer, der als Denkmal für die Sowjetarmee diente und von David Černý mit pinker Farbe bemalt wurde. Eines der wohl bekanntesten Objekte in Prag ist seine elf Meter hohe kinetische Edelstahlskulptur "The Head of Franz Kafka". Zweiundvierzig unabhängig voneinander, von einem Motor angetriebene Schichten formen sich zu dem Gesicht des berühmten böhmischen Schriftstellers. *1967 in Prag. 1988–1994 Akademie der Angewandten Künste, Prag.

NordArt-Preisträger 2016 und Publikumspreisträger der NordArt 2017 und 2019.

The rebellious Czech artist David Černý is one of the most prominent personalities in the art world of the Czech Republic. With his works, which are often in a socio-critical context, he deliberately creates controversy and attracts the attention of both the public and the media. The independent cultural scene of the late '80s had a very strong influence on Černý's artistic career. The first artwork to be publicly discussed was "Quo Vadis". Another politically motivated art event that received wide media coverage was an army tank, served as a monument to the Soviet Army, painted pink by David Černý. Probably one of the best-known objects in Prague is his eleven-metre-high stainless steel kinetic sculpture "The Head of Franz Kafka". Forty-two independently driven layers align to form the face of the famous Bohemian writer. *1967 in Prague. 1988–1994 Academy of Applied Arts, Prague. NordArt Prize awardee in 2016 and Public Prize awardee of NordArt 2017 and 2019. www.davidcerny.cz

Denker, 2016, Edelstahl, Stahl, Höhe 400 cm Thinker, 2016, stainless steel, steel, height 400 cm 77

NordArt 2019: DENG GUOYUAN "Noah's Garden II"

PUBLIKUMSPREIS 2019 • PUBLIC CHOICE AWARD 2019

Deng Guoyuan – Publikumspreis 2019 • Public Choice Award 2019 In seinem begehbaren, künstlichen Garten Eden, in dem alles Natürliche in Substitute übersetzt wurde, erkundet Deng Guoyuan die Möglichkeiten künftiger menschlicher Schöpfungen und stößt zu einem neuen Naturverständnis an. Er rekurriert hierbei auf die alttestamentarische Geschichte von Noahs Arche, die von dem Untergang der Menschheit und der Welt als solche erzählt und in die Erkenntnis der Verkommenheit des Menschen mündet. Eine gänzlich artifizielle Weltvorstellung, hervorgerufen durch die exzessive Ausbeutung und Zerstörung der Natur, führe laut Deng Guoyuan letztlich zur Entfremdung des Menschen von sich selbst.

Sein Spiegellabyrinth ähnelt einem übergroßen Kaleidoskop und wirkt durch die wundersam bunten Taihu-Steine und Pflanzen wie aus einer anderen, surrealen Welt. Es evoziert, durch die sich multiplizierenden Spiegelflächen, eine bis in die Unendlichkeit scheinende Tiefendimension, die sich jedoch als Illusion erweist.

Die sich in der Installation befindenden Personen scheinen sich in einem Zustand der Orientierungslosigkeit zu verlieren, noch verstärkt dadurch, dass sie ihr wahres Spiegelbild nicht zu identifizieren wissen. (Hanna Kremp)

With his accessible, artificial 'Garden of Eden' where everything natural has been replaced with a synthetic substitute, Deng Guoyuan explores the possibilities of future human creations and tries to initiate a new understanding of nature. He refers to Noah's Ark from the Old Testament – the story of the downfall of mankind and the recognition of humanity's sordidness. According to Deng Guoyuan, a completely artificial concept of the world, caused by the excessive exploitation and destruction of nature, will ultimately result in man's alienation from himself.

The mirror labyrinth of "Noah's Garden" resembles an oversized kaleidoscope.

Through the colourful Taihu stones and plants, the installation seems to be from another, surreal world. The multiplying mirror surfaces evoke a dimension of infinity which, however, proves to be an illusion. The people entering the installation seem to get lost in a state of disorientation, intensified by the fact that they do not know how to identify their true reflection. (Hanna Kremp)

Noah's Garden II, 2016, Stahl, Spiegelglas, LED-Licht, halbautomatische Karusselltür, Kunstpflanzen, Kunststeine, 1160 x 650 x 320 cm (Detail) Noah's Garden II, 2016, steel, mirror glass, LED light, semi-automatic revolving door, artificial plants, artificial stones, 1160 x 650 x 320 cm (detail) 80

PUBLIC CHOICE AWARD 2019 • PUBLIKUMSPREIS 2019

Deng Guoyuan

China

Deng Guoyuans künstlerisches Werk erforscht die Beziehung zwischen Mensch und Technik. In all seinen Arbeiten sucht er nach einem besonderen Einklang mit der Natur, indem er eine parallele Kommunikationsebene zu dieser aufbaut.

Gleichzeitig offenbart er die Widersprüchlichkeit in der Existenz des Menschen, zwischen seiner komplexen Lebenssituation und seinen persönlichen Bedürfnissen. Deng schafft mit seinem Werk eine andere Realität mit eigenem mythischen Kontext, die sehr vielfältig ist und immer offen für viele verschiedene Interpretationen bleibt. In gewisser Weise signalisieren seine Werke die Veränderungen unserer Zeit und inspirieren uns zum Nachdenken über das Schicksal der Menschheit und die Herausforderungen, denen wir uns heute stellen müssen. *1957 in Tianjing. Deng Guoyuan gehört zu den renommierten Künstlern in China, ist Präsident der Akademie der Bildenden Künste Tianjing, Professor und Doktorvater. Zahlreiche Ausstellungen weltweit. Lebt und arbeitet in Tianjing, China.

Deng Guoyuan's artistic work explores the relationship between man and technology. Through his work, he searches for a special form of harmony with nature, looking to build a parallel relationship of discourse with it. At the same time, Deng also reveals the contradiction between the complex situation that human beings find themselves in today and their own desires. With his work, Deng creates a different reality with its own mythical context, which is very many-sighted and always remains open to many different interpretations. To certain extent, his works signal the changes of our time, inspiring us to reflect on the destiny of mankind and the challenges we are facing today. *1957 in Tianjin. Deng Guoyuan is one of the most prestigious artists in China and President of the Tianjin Academy of Fine Arts, a professor, and a doctoral supervisor. Numerous exhibitions worldwide. Lives and works in Tianjing, China. https://dengguoyuan.artron.net

Schmetterlinge erobern den Garten der Dinosaurier I–II, 2019, Aluminiumblech, Glasspiegel, modifiziertes Spielzeug, je 180 x 100 x 30 cm Butterflies Take Over the Dinosaurs' Garden I–II, 2019, aluminium sheet, glass mirror, modified toys, each 180 x 100 x 30 cm 81

NordArt 2019: Paintings by ZHANG DALI • XI JIANJUN "Babylonian" & "Parliament Building"

NORDART-PREIS 2019 • NORDART PRIZE 2019

Xi Jianjun – Publikumspreis 2019 • Public Choice Award 2019 Xi Jianjun interpretiert eine der bekanntesten biblischen Erzählungen des Alten Testaments – den Turmbau zu Babel und Gottes Strafe, den Menschen unterschiedliche Sprachen zu geben, wodurch Verständigung unmöglich wurde und der Turmbau dem Himmel entgegen stoppte. Mit seiner begehbaren Installation "Babylonian" projiziert Xi Jianjun das Motiv in die heutige Zeit und setzt hinsichtlich des Unendlichkeitsgedankens die Geschichte fort. Sinnbildlich für die globalisierte Welt, lässt er östliche und westliche Kulturelemente zum Träger der Erfahrungen und Errungenschaften historisch bedeutsamer Persönlichkeiten verschmelzen. Das Motiv des unvollendeten Turmes steht laut Xi Jianjun metaphorisch auch für diejenigen Mutigen unter uns, die mit ihren Visionen und ihrem Tun die künftige Menschheitsgeschichte zu formen wagen. Das Werk "Parlamentsgebäude" zeigt eine hölzerne Nachbildung der Kuppel des U.S.-Kapitols. Auf der Erde liegend, als sei es gestürzt worden, verweist es auf den mondialen Disput der Kulturen, der über den Widerstreit zwischen Ewigkeit und Vergänglichkeit, Ordnung und Chaos, Frieden und Gewalt weit hinausgeht – gipfelnd in der Unsicherheit sowie der Hoffnungslosigkeit der Menschen. Nunmehr drei Jahre nach der Entstehung des Werks, hat es nichts an Aktualität eingebüßt. Im Gegenteil – jüngste Ereignisse wie die des gestürmten Kapitols in den USA im Januar 2021, die Demonstration von Hunderttausenden Menschen in London im April 2021 oder auch die Demonstrierenden auf der Treppe des Bundestags in Berlin vom August 2020, werden schnell vom Betrachtenden assoziiert. (Hanna Kremp)

Xi Jianjun interprets the famous biblical story of Tower of Babel, a story of God's punishment for stepping out of line. By confusing the shared language of the human race who are building a tower to reach the heavens, God makes communication impossible and stops the construction of the tower. With his walk-in installation "Babylonian", Xi Jianjun borrows the theme and continues the story in the present time. He blends the cultural elements of the East and West as a symbol of our globalised world and the accumulating wisdom and achievements of historically significant personalities keep adding to the height of the tower.

According to Xi Jianjun, the unfinished tower metaphorically stands for the courageous people amongst us who dare to shape the future of humanity with their visions and actions.

The work "Parliament Building" shows a wooden reproduction of the USA Capitol dome. Lying on the ground as if overthrown, it offers a visual narrative of the ongoing dispute over the future of humanity. It goes far beyond the conflict between eternity and transience, order and chaos, peace and violence – culminating in the insecurity and hopelessness but also the defiance of the people.

Three years after its completion, the work has not lost any topicality. Quite the contrary – recent events such as the stormed Capitol in the USA in January 2021, the censored demonstration of hundreds of thousands of protesters in London on the 24th April 2021 and also the Bundestag demonstration in Berlin in August 2020 are fiercely relevant indicators of unresolved serious issues. (Hanna Kremp)

Babylonian, 2017–2018, Holz, Eisenträger, Zeitungen und Fotokopien, 750 x 500 x 500 cm (Innenansicht) • Parlamentsgebäude (Detail oben) Babylonian, 2017–2018, wood, iron girder, newspapers and photocopies, 750 x 500 x 500 cm (Inner view) • Parliament Building (detail above) 84

NORDART PRIZE 2019 • NORDART-PREIS 2019

Xi Jianjun

China/Großbritannien/China/Great Britain *1962 in China. 1986 Abschluss der Central Academy of Art and Design Peking.

Gründungsmitglied der ersten chinesischen Aktionskunstgruppe "Concept 21".

1987 Umzug nach Großbritannien. 1995 Abschluss am Goldsmiths College London. Lebt und arbeitet in Peking und London.

1999 gründete er gemeinsam mit dem chinesischen Künstler CIA Yuan die Künstlergruppe "Mad For Real", welche mit Furore machenden Performances und Interventionen in namhaften britischen Galerien auf sich aufmerksam machte.

Die beiden anarchischen Kunstaktionen "Two Artists Jump on Tracey Emin's Bed" und "Two Artists Piss on Duchamp's Urinal" (Tate Britain, 1999 und 2000) gehörten zu den derzeit provokantesten ihrer Art. 2006 Jackson Pollock Art Prize.

2016 China Phoenix Art Prize. Ausstellungen in mehr als 25 Ländern. Seine Arbeiten befinden sich in Sammlungen der White Rabbit Gallery (Sydney), der Ming Shen Bank China, des British Museum London.

*1962 in China. 1986 graduates from Central Academy of Art and Design Beijing.

Founder member of "Concept 21", China's first action art group. 1987 moves to Great Britain. 1995 graduates from Goldsmith's College, London. Lives and works in Beijing and London.

1999 co-founds artists group "Mad for Real" with fellow Chinese artist CIA Yuan, attracting the attention of renowned British galleries by causing a big stir with their performances and interventions. "Two Artists Jump on Tracey Emin's Bed" and "Two Artists Piss on Duchamp's Urinal" (Tate Britain, 1999 and 2000) were anarchic art events that at the time ranked among the most provocative of their kind. 2006 Jackson Pollock Art Prize. 2016 China Phoenix Art Prize. Exhibitions in more than 25 countries. His works can be found in the collections of White Rabbit Gallery in Sydney, Ming Shen Bank in China and the British Museum in London. www.jianjunxi.com

Babylonian, 2017–2018, Holz, Eisenträger, 750 x 500 x 500 cm • Parlamentsgebäude, 2017–2018, Holz, 520 x 220 x 220 cm Babylonian, 2017–2018, wood, iron girder, 750 x 500 x 500 cm • Parliament Building, 2017–2018, wood, 520 x 220 x 220 cm 85

NordArt 2019: XIANG JING "Anger in Motion"

NordArt 2019: SPECIAL PROJECT MONGOLIA "In der Welt Sein: Encountering Sublimity"

MALEREI · PAINTING • GRAFIK · GRAPHIC • MIXED MEDIA

Arabic script: ‫سبیده احمدی منفرد‬ Farsi script: Sepideh Ahmadi Monfared

‫سپیده احمدی منفرد‬

Sapideh begann das Projekt "Familienmelancholie" mit 21 Jahren, nach dem Tod ihres Vaters. Sie reflektiert darin ihre Gefühle von Verlust und Einsamkeit mit verschiedenen Techniken. Daraus ergeben sich Bilder einer postmodernen Familie, die unter dem Verlust eines ihrer Mitglieder leidet. Jedes Element ist symbolisch und hat für sich eine tiefe Bedeutung. Die fehlerhafte Perspektive repräsentiert einen Konflikt von kalten Berechnungen in der intimen Atmosphäre einer traditionellen Familie. Der Bambus suggeriert eine Freud'sche Auffassung des Elektrakomplexes. Der Schwerpunkt liegt auf Innenräumen, in denen Vanitasmotive die Vergänglichkeit des Lebens zeigen. Dort herrscht eine festgelegte Ordnung zwischen den Objekten und einem Menschen, geflickte Sofas usw. Die meisten ihrer Leinwände, Stoffe und Farben stellt sie selbst her. *1996 im Iran. BA Malerei der Tehran University of Art. Nominiert oder ausgezeichnet für zahlreiche lokale und internationale Wettbewerbe, Festivals, Gruppenausstellungen und Kunstresidenzen.

Sapideh was 21 years old when she started the project "Family Melancholia", following the passing of her father. She reflects her sense of loss and solitude using different techniques. The resulting images depict a postmodern family or a family suffering the loss of one of its members. Every element is symbolic and has a profound meaning. The flawed perspective represents a conflict of cold calculations in the intimate atmosphere of a traditional family. The bamboo suggests a Freudian take on the Electra complex. The emphasis is on interior spaces with vanitas motifs representing the transience of life. There is an established order between the objects and a human figure, patched sofas etc. Most of her canvases, fabrics and paints are made by her own hands. *1996 in Iran. Sepideh graduated from the Art University of Tehran with a BA in Painting. She has participated in numerous local and international contests, festivals, group exhibitions and residential art projects, either as a nominee or awardee. www.instagram.com/amazing_sepid

Iran

Aus der Serie "Familienmelancholie", 2018/2019, Acryl auf Leinwand, 91 x 60 cm / 90 x 61 cm From the series "Family Melancholia", 2018/2019, acrylic on canvas, 91 x 60 cm / 90 x 61 cm 90

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‫ميسون آل صالح‬ Maisoon Al Saleh erzählt von menschlicher Toleranz und Verbundenheit durch die Symbolik von Sinuswellen. Die Künstlerin bricht klassisch komponierte Porträts, indem sie die porträtierten Gesichter leer lässt oder durch farbige Effekte ersetzt. Manchmal werden Bildhintergrund und jegliche Hinweise auf Ort oder kulturelle Attribute durch das sogenannte Monoskop – ein TV-Testbild – ausgelöscht. Das allgegenwärtige Muster repräsentiert nicht nur quasi visuell die Sinuswelle, sondern einen universellen, weltweit bekannten Bezugspunkt. Traditionelle oder religiöse Kleidung charakterisiert als einziges die Porträts, während die Gesichtszüge zu leeren Farbfelder werden, vom Monoskop selbst abgeleitet.

Die Kombination verschiedener Sinuswellen schafft harmonische Bezüge, wodurch die Künstlerin den Bedarf an tieferer Verbindung zwischen Nationalitäten und Religionen betont. Gleich der farbenfrohen, sich verändernden und doch so vertrauten Darstellung der Sinuswellen, wird unsere Menschlichkeit uns trotz aller kulturellen Unterschiede immer verbinden.

Maisoon Al Saleh

Vereinigte Arabische Emirate/United Arab Emirates

Maisoon Al Saleh tells a story of tolerance and human connection through the symbolic use of sine waves. The artist disrupts the composition of classical portraits by leaving the faces blank or replacing them with colourful visual effects.

Sometimes, the background and all clues of location or cultural attributes are replaced by the so-called mono-scope – a television test pattern. This ubiquitous pattern is not only a quasi-visual representation of the sine wave but also a universal reference point, known throughout the world. The portraits are only defined by their traditional or religious attire, while their features are transformed into blank colour fields, derived from the mono-scope itself. By combining various sine waves to create a harmonic bond, the artist seeks to emphasise the need for a deeper connection between different nationalities and religions. Just like the colourful, ever-changing, yet familiar visual representation of the sine waves, our humanity, despite all cultural differences, will always connect us. www.maisoonalsaleh.com

Aus der Serie "Sinuswelle", 2019, Digitaldruck auf Plexiglas, je 50 x 50 cm From the series "Sine Wave", 2019, digital print on plexiglass, each 50 x 50 cm 91

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Ayuna

Südkorea/South Korea

아윤아

"Ich grübele immer darüber, wie wir die Kraft erlangen, mehr zu leben und unsere Leben besser zu ertragen. In dieser gewalttätigen Welt brauchen wir einen Stützpfeiler zur Sicherheit, der den Damm davon abhält, jeden Moment zu brechen. Meine Arbeiten erforschen Methoden zum Umgang mit solchen Fragen.

Meine Themen drücken sich in der Persona 'A' aus. Zum Beispiel führt 'A' uns alle in einen Wald, der dazu dient, die Natur wiederherzustellen, die wir verloren haben. Der Wald ist ein Raum, der frei von physikalischen Gesetzen ist. Dort koexistieren zahlreiche Wesen, die sterben, während zahlreiche andere Wesen geboren werden. Die Menschen, die auf diesen endlosen Lebenskreislauf blicken, werden von der Natur umarmt und geheilt. Und nicht nur der Wald erwartet uns.

'A' wird uns alle auch in fließende Lüfte mitnehmen, gefüllt mit unzähligen unsichtbaren Körnchen, oder ins Meer, in dem das Universum fließt, in die Erde, auf der wir stehen, in die Blätter und anderswohin. 'A' wird über die Gründe sprechen, warum wir unsere Lebenskraft und unser Leben erhalten sollten. Alles fließt."

Regenerationsraum, 2019, Öl auf Leinwand, 130,3 x 162,2 cm Regenerating Space, 2019, oil on canvas, 130.3 x 162.2 cm 92

"I have always agonised over how to gain the power to live more and how to endure our lives better. This violent world requires a buttress to keep us safe and prevent the dam from collapsing at any moment. My works explore methods for dealing with such questions. I express my themes through the persona 'A'. For example, 'A' takes us all to a forest that serves to restore the nature we have lost.

The forest is a space free from physical laws. In it, numerous beings co-exist, only to die, while numerous other beings are being born. The humans, staring at this endless life cycle, are embraced by nature and healed. And it's not just the forest awaiting us. 'A' will also take us up into the flowing air, filled with innumerable invisible grains, or to the sea where the universe flows, to the Earth, upon which we stand, to the leaves and elsewhere. 'A' will talk about all the reasons why we should preserve our vital power and life. Everything flows." www.solar-azure.com

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Undine Bandelin

Deutschland/Germany

"Meine Arbeit lenkt den Blick auf die Menschen und menschliches Verhalten.

Scheinbar vertraute Situationen werden dabei ins Absurde, Groteske und Unheimliche transformiert. Indem die verschiedensten Gestalten auftreten, wird der Bildraum zum Bühnenraum. Die Figuren erscheinen hierbei in einem anderen Licht, in düsteren Kehrseiten und absurden Spiegelungen. Durch das Spiel mit den Rollen und den Klischees können die Bilder zu Projektionsfiguren werden.

Das ermöglicht die Übertragungen der verschiedenen Rollen auf sich selbst oder andere. So werden sie zu Symbolfiguren, die jeder auf sein Leben übertragen kann. Bestenfalls soll so eine Irritation entstehen." *1980. Studium der Malerei an der Burg Giebichenstein, Halle. Meisterschülerstudium bei Prof. Pleuger. Vertreten durch die Galerie Grass is Greener in Leipzig, Spinnerei und Galerie Rothamel in Erfurt. Lebt und arbeitet in Leipzig.

"My artwork focuses on humans and their behaviour. Seemingly familiar situations are transformed into absurd, grotesque and uncanny scenes. The appearance of the most diverse characters turns the pictorial space into a stage. The figures appear in a different light here, in gloomy flip-sides and absurd reflections. Through the clichés and roleplay, the images become projection surfaces, shifting and changing the roles between the characters. All of these symbolic figures could be applied to the viewer's own life or, at least, I hope to provoke such a reaction!" *1980, studied painting at Burg Giebichenstein Halle, master student, represented by Galerie Grass is Greener Leipzig, Spinnerei and Galerie Rothamel in Erfurt, lives and works in Leipzig. www.undine-bandelin.de

Das Gastmahl, 2020, Öl und Acryl auf Leinwand, 160 x 300 cm Symposia, 2020, oil and acrylic on canvas, 160 x 300 cm 93

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Alvīne Bautra Lettland/Latvia

Die Kompositionen dieser Porträts verkörpern ein Gefühl von Zeitlupenbewegung. Sie tragen die unausweichlichen Wahrheiten ewig sich verschiebender Standpunkte und nie endender Veränderungen in sich. Die Künstlerin betrachtet Bewegung als Metapher für den Menschen – für dessen Vielschichtigkeit, Vielfalt und auch Unsicherheit. Durch die Gemälde umreißt sie die Komplexität des menschlichen Geistes und Körpers in ihrer Existenz. *1990. MA in Malerei an der Kunstakademie Lettlands, 2019. Kunsthochschule Berlin-Weißensee, 2014. Estnische Akademie der Künste, 2018. Brederlo-vonSengbusch-Kunstpreis, 2018. Von einer internationalen Jury 2019 als Finalistin für den Young Painter Prize nominiert. Aufgenommen in das Buch "100 Artists of the Future". Lebt und arbeitet in Riga, Lettland.

Zwischen An- und Abwesenheit 1–2, 2018, Öl auf Leinwand, je 130 x 100 cm Between the Presence and Absence 1–2, 2018, oil on vanvas, each 130 x 100 cm 94

The compositions of these portraits embody the feeling of slow-motion movement. They carry the inescapable truth that change is the only constant in our world. The artist considers movement to be a metaphor for human beings, representing their multi-layered nature and diversity but also uncertainty. Her paintings outline the complexity of the human mind and body in their existence. *1990, lives and works in Riga, Latvia. In 2019, graduated from the Art Academy of Latvia with an MA in Painting, followed by postgraduate studies at the Kunsthochschule Berlin Weissensee in Germany (2014) and the Estonian Academy of Arts (2018). In 2018, she received Brederlo-von Sengbusch art prize. She has been nominated by the international jury as a finalist for the Young Painter Prize 2019. Included in a book "100 Artists of the Future". www.alvinebautra.com

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Anastasija Bikova

Russland/Lettland/Russia/Latvia

Anastasija Bikova will in ihren Arbeiten die unbegrenzten Bewegungsmöglichkeiten des menschlichen Körpers in einem beschränkten Raum zeigen.

Anastasia Bikova wishes to demonstrate in her work the unlimited possibilities of movement of the human body in limited spaces.

*1990. BA und MA an der Kunstakademie Lettlands, Abteilung Malerei. Derzeit arbeitet sie als Dozentin für Malerei und Zeichnen ebenda. Teilnahme an nationalen und internationalen Ausstellungen.

*1990. She graduated from the Art Academy of Latvia with a BA and an MA in Fine Arts, Painting. Currently works as a lecturer of painting and drawing at the Latvian Academy of Arts. She participates in exhibitions at home and abroad. www.instagram.com/erartlv

Im Gedankenraum eingesperrt, 2018, Öl auf Leinwand, 300 x 300 cm Spirit Locked up in the Space of Mind, 2018, oil on canvas, 300 x 300 cm 95

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Duulal Damdin

Дамдингийн Дуулал

Mongolei/Mongolia "Meine Werke sind von den Punktmalereien der australischen Aborigines inspiriert und drücken meine tiefsten Emotionen, Gedanken und Ideen aus. Bei genauerem Hinschauen wird die Symmetrie und perfekte Form der leuchtenden Farbpunkte erkenntlich. Während sie sich vor dem Hintergrund frei und unabhängig voneinander bewegen, bleiben sie dennoch zusammenhängend. Die Menschen sehen die Dinge normalerweise auf eine praktische Art und Weise.

Meine Arbeit basiert auf Konzepten, die sich mit Gefühlen, Wissenschaften und dem spirituellen Bereich beschäftigen. Dieses hilft uns, Dinge von einem ideellen Standpunkt aus zu sehen und zu zeigen, dass man nicht verrückt sein muss, um eine idealistische Vision zu haben." *1985. Studierte MBA an der Fatih Universität in Istanbul, Türkei. Duulal hatte bereits vier Einzelausstellungen in der Mongolei und Gruppenausstellungen in der Mongolei, der Türkei, China und Korea.

Verbindungsnachweis, 2020, Acryl auf Leinwand, 100 x 120 cm Evidence of Connection, 2020, acrylic on canvas, 100 x 120 cm 96

"My pieces are inspired by Australian Aboriginal dot paintings. They express my inner world, my deepest emotions, thoughts and ideas. If you take a closer look, you will notice the dots' symmetry and perfect shape. The dots come in various bright colours. As they move along against the changing background features, free and independent from each other, they still remain united and integrated.

People usually visualise things in a practical manner. My work is based on concepts dealing with feelings, sciences and the spiritual realm. These concepts help us to see things from an idealistic point of view and demonstrate that one doesn't have to be mad to have an idealistic vision." *1985. Studied MBA at the Fatih University in Istanbul, Turkey. She has held four solo exhibitions in Mongolia and group exhibitions in Mongolia, Turkey, China and Korea. facebook.com/duulal.art

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Ingeborg Dammann-Arndt

Deutschland/Germany

"Seit 2003 beschäftige ich mich mit dem Raum, mit dem fiktiven Raum auf der Fläche. Durch die unterschiedlichen Strichgrößen modelliere ich eine irrationale wie plausible Raumstruktur. In den Darstellungen von 2018 habe ich den strukturierten, architektonischen Raum verschoben. Im Mittelpunkt steht der Raum im Raum, den ich umforme, verdrehe, verzerre und verkante. Es geht mir nicht um illusionäre Nachschaffung von Wirklichkeit, sondern meine Arbeiten verwandeln eine zweidimensionale Bildfläche in eine fiktive dreidimensionale Bildwelt."

"I have been dealing with space since 2003, fictitious space on a surface. The different line widths enable me to model spatial structures that could be either illogical or plausible. In the drawings from 2018, I implemented a shift towards a structured architectonic space. At the centre of this is a space within a space, which I reshape, distort and tilt. My aim is not to reconstruct an illusion of reality.

Instead, my work transforms a two-dimensional surface into a fictional threedimensional visual world."

*1958 in Bederkesa. 1976–1980 Studium Diplom-Grafikdesign in Hamburg.

1980–1987 Studium Freie Kunst, Bildhauerei, an der Gesamthochschule Kassel.

Lebt und arbeitet in Sellstedt.

*1958 in Bederkesa, Germany. 1976–1980, studied Graphic Design in Hamburg.

1980–1987, studied Sculpture at the University of Kassel. Lives and works in Sellstedt. www.idammann-arndt.de

Verschiebung des Raumes 3, 2018, Graphitzeichnung auf Papier, 150 x 150 cm Displacement of Space 3, 2018, graphite drawing on paper, 150 x 150 cm 97

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David Dejous Frankreich/France

Der Pariser David Dejous arbeitet daran, die Paradoxien aufzudecken und untersucht ihre Mehrdeutigkeit. Er nutzt die Vermischung der verschiedenen Darstellungsformen, die mit Malerei, Fotografie und Zeichnung, aber auch mit Fotokopien, Siebdrucken, Dokumenten und szenografischen Medien verbunden sind.

Die daraus resultierenden Bilder stellen Fragen nach Authentizität, Realismus und Illusion. Die Serie "Nachtschicht" betrachtet ein zufälliges Spielzeug als Phänomen. Die Porträts der Spielzeuge verbildlichen ein nicht eingelöstes Versprechen einer sinnlichen Erfahrung. Isoliert und eingesperrt in ihren Leinwänden werden sie als das ängstliche Bestiarium dargestellt. Gespenstisch, hybrid, traumgleich, mondartig und grotesk laden sie zur Selbsterinnerung und -beobachtung ein.

Die Bilder aus der Serie "Hunts" illustrieren ein Versteckspiel zwischen Beute und Raubtier. Hier sind die Figuren verloren in Räumen relativer Freiheit, gejagt von ständiger Bedrohung, zwischen Verwirrung und Missverständnisse gestellt. Hier könnten die Rollen leicht verwechselt und manchmal vertauscht werden.

Aus der Serie "Nachtschicht", 2019, Öl auf Leinwand, 12-teilig, je 65 x 60 cm (Detail) From the series "Night Shift", 2019, oil on canvas, 12 parts, each 65 x 60 cm (detail) 98

Parisian David Dejous works towards revealing the paradoxes within images, considering their equivocal nature and their ambiguities. He draws upon the confusion between the various codes of representation associated with paintings, photographs and drawings, but also with photocopies, screen-prints, documents and scenographic media. The resulting images raise issues of authenticity, realism and illusion. The purpose of the series "Night Shift" is to consider random toys as a phenomenon. The portraits of the toys illustrate an aborted promise of a sensational experience. Isolated and locked up in their canvas frames, they are exhibited as the anxious bestiary. Ghostly, hybrid, dream-like, lunar and grotesque, they welcome self-observation and memories. The paintings from the series "Hunts" illustrate a hide-and-seek game between the preys and the predators.

In here, the figures are lost in spaces of relative freedom, hunted by continuous threat, set for confusion and misunderstanding. Here the roles could be easily mistaken and sometimes permuted. www.david-dejous.com

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Konstantin Déry

Ungarn/Deutschland/Hungary/Germany Dérys Bilder unterliegen einem langsamen Arbeitsprozess, und so laden sie mit ihren Motiven aus der Natur auch zu einer langsamen Betrachtung ein. Durch das Auftragen der Farbe mit Spachteln und spitzen Holzstäbchen entstehen raue Bildoberflächen, welche die durch kräftige Farbakkorde und strukturelle Vielfalt der Textur hervorgerufene Intensität dieser Bilder noch weiter steigern. Eine eigenwillige Lebendigkeit, die auch der wuchernden Flora und den Gebilden des Zerfalls innewohnt, tritt vor den Betrachter. Das Gefühl einer primären Freude am Sehen, am visuellen Wahrnehmen wird erweckt. Aus der Nähe betrachtet können sich die Motive in Dérys Bildern in dynamische abstrakte Strukturen auflösen, um dann bei einem Blick aus einer gewissen Entfernung, aufgeladen durch eben diese innere Dynamik, umso sinnlicher zu erscheinen. *1976 in Budapest, Ungarn. 1998–2005 Studium an der HGB Leipzig (Malerei/ Grafik). Lebt und arbeitet in Berlin.

Konstantin Déry's intricately patterned paintings take shape gradually, through slow processes and the viewer is invited to enjoy them slowly, too. His paintings feature strong colour harmonies and a diversity of textures. By applying the paint with the palette knives and small wooden implements, he creates rough surfaces that further increase the intensity of colour. The eye meets a distinctive liveliness that inhabits the uncontrolled flora and formations of decay on his paintings. It celebrates the joy of sight, an ecstatic visual experience as a symbol of being alive.

Viewed up-close, the images in Déry's paintings dissolve into dynamic abstract structures, only to become sensual, electrifying images from afar. *1976, Budapest. Studied painting and graphics at the Academy of Fine Arts in Leipzig 1998–2005. Lives and works in Berlin. www.konstantin-dery.de

Lichtung am Abend, 2015, Öl auf Leinwand, 200 x 130 cm • Steine und Wurzeln bei Mondlicht, 2015, Öl auf Leinwand, 200 x 130 cm Clearing in the Evening, 2015, oil on canvas, 200 x 130 cm • Rocks and Roots in Moonlight, 2015, oil on canvas, 200 x 130 cm 99

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Michael Fieseler Deutschland/Germany

Michael Fieselers Thema ist das 19. Jahrhundert. Eine Zeit größter Gegensätze: Rauschhaftes, irrationales Sehnen und Fühlen sowie präzise, beweisbare, objektive Wissenschaft; das letzte Aufbäumen feudaler Macht und das gleichzeitige Wachsen bürgerlicher und industrieller Strukturen; das Entstehen von menschenverachtender Ideologien als Religionsersatz und die gezielte Vermittlung, Organisation und Schaffung beweisbaren, objektiven Wissens in Schulen und Universitäten. Es ist die Epoche, die Jürgen Osterhammel in "Die Verwandlung der Welt" so eindringlich beschrieben hat. Diese Spannung ist es, die Michael Fieseler beschreibt und lebendig werden lässt. Seine Bilder zeigen Personen oder das von ihnen Erschaffene in vorgestellten Welten. Fieseler lässt offen, ob seine Bilder Idyll oder Bedrohung sind. Das entscheidet, wie überall, ausschließlich der Betrachter.

Michael Fieseler (*1966), Preisträger der Darmstädter Sezession, war Meisterschüler von Kurt Haug an der Kassleer Kunsthochschule und malt auf einem von wenigen erreichtem technischen Niveau.

Der Abschied, 2018, Öl auf Leinwand, 150 x 240 cm The Farewell, 2018, oil on canvas, 150 x 240 cm 100

Michael Fieseler's subject is the 19th century. It was a time of great contrasts – an era of exhilarating irrational emotions as well as precise and objective science. It was a century that witnessed the last rebellion of feudal power and simultaneous growth of the bourgeois and industrial structures, the emergence of freethinking ideologies to substitute religion and targeted teaching, organisation and creation of scientific knowledge in schools and universities. It is the epoch that Jürgen Osterhammel described so vividly in "The Transformation of the World".

It is this tension that Michael Fieseler's paintings describe and bring to life. His work depicts people or their creations in imagined worlds. It is left to the viewer to decide whether his pictures are idyllic or frightening.

Michael Fieseler (*1966) is a prize-winner of the Darmstadt Secession. He was a master student of Kurt Haug at the Kassel Art Academy and paints at a technical level achieved by only a few. www.michael-fieseler.de

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Bartosz Frączek Polen/Poland "Mein Zyklus 'Geschichten vom Mittelmeer' wurde von antiken griechischen Mythen inspiriert Die Mythologie war die erste große künstlerische Idee und öffnete meinen Geist für imaginäre Monster und Hybriden wie Satyr, Minotaurus, Harpyie oder den dreiköpfigen Hund Cerberus. Diese Kreaturen sind für mich inspirierend." *1974. BA Malerei der Kunstfakultät der Pädagogischen Universität Tschenstochau. Promotion an der Akademie der Bildenden Künste Krakau. Derzeit außerordentlicher Professor an der Jan-Długosz-Universität in Tschenstochau mit eigenem Malatelier. Er war Gastprofessor in der Slowakei, Thailand und China und Initiator und Organisator der Biennale für Miniaturkunst (6 Ausgaben). Fraczek kuratiert viele Ausstellungen und Symposien in Polen und im Ausland. Über 200 Gruppen- und 90 Einzelausstellungen. Die letzten Einzelausstellungen fanden 2019 in Mexiko, Japan, Kasachstan, Zypern, Österreich und China statt. Seine Bilder befinden sich in privaten und öffentlichen Sammlungen weltweit.

"My cycle 'Tales of the Mediterranean' is inspired by ancient Greek myths. Mythology was the first great artistic idea that inspired me. It opened my mind for imaginary monsters and hybrids such as Satyr, Minotaur, Harpy or the three-headed dog Cerberus. These creatures excite me." *1974, he graduated with an undergraduate degree in Painting from the Pedagogical University in Czestochowa, Poland. He acquired a doctorate with Habilitation in Art at the Academy of Fine Arts in Krakow, Poland. Currently, he works as an associate professor at Jan Długosz University in Czestochowa. He has been a visiting professor in Slovakia, Thailand and China as well as the initiator and organizer of the Biennial of Miniature Art (6 editions). He serves as an art curator for exhibitions and symposiums in Poland and abroad. His works have been exhibited in over 200 group and 90 solo exhibitions; the latest ones took place in Mexico, Japan, Kazakhstan, Cyprus, Austria and China in 2019. His paintings are in private and public collections all over the world. www.fraczek.art.pl

Minotaurus, 2019, Acryl auf Leinwand, 100 x 100 cm Minotaur, 2019, acrylic on canvas, 100 x 100 cm 101

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Renate Gaisser Deutschland/Germany

Die Natur selbst ist das Atelier von Renate Gaisser. In konzentrierten Motivreihen befasst sie sich dabei mit dem in der Natur Gesehenen. Unabhängig jedoch davon, ob wir mit Winterimpressionen vertrockneter Grashalme oder aber sommerlich zerströmenden Wasserpflanzen konfrontiert sind, können wir in denselben ebenso gut abstrakte Malkompositionen wahrnehmen. In ihnen kehren die Fragen eines jeden Bildgefüges wieder, nach Verdichtung und Vereinzelung, Hell und Dunkel, der Farbigkeit der Schatten, Raum und Umraum, von Dynamik und Erstarrung, von Chaos und von Ordnung. (Clemens Ottnad) *1961 in Reutlingen. 1980–1988 Architekturstudium TU Stuttgart. 1988 Diplom bei W. M. Förderer. Prof. an der Staatl. Akademie der Bildenden Künste Karlsruhe. 1988–1996 Mitarbeit Büro Prof. Günther Domenig, Graz/A. 1997 1. Preis Wettbewerb Denkmal für Deserteure in Stuttgart. Zahlreiche Ausstellungen und Ausstellungsbeteiligungen im In- und Ausland.

Sumpflilienkraut 6 & 7, 2019, Öl auf Leinwand, je 120 x 90 cm Leaves of yellow Iris 6 & 7, 2019, oil on canvas, each 120 x 90 cm 102

Nature itself represents the studio of Renate Gaisser. In concentrated sequences of related motifs, she engages with the live view experienced in the natural environment. Irrespective of whether we are confronted with wintry impressions of dried grass blades or summery, divergently flowing water plants, abstract compositions can be easily perceived in the paintings as well. In these arrangements, recurrent questions resurface, addressing the pictorial structure. These include consolidation and separation, brightness and darkness, colour transitions of shadows, space and periphery, dynamics and solidification, chaos and order.

(Clemens Ottnad) *1961 in Reutlingen, 1980–1988 studied architecture at TU Stuttgart; 1988 diploma under W. M. Förderer, Prof. at the State Academy of Fine Arts in Karlsruhe; 1988–1996 worked in the office of Prof. Günther Domenig, Graz/A; 1997 the first prize Memorial to Deserters in Stuttgart; numerous national and international solo and group exhibitions. www.renategaisser.de

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Bernard Garo

Schweiz/Switzerland

Bernard Garo behandelt sowohl Themen wie Identität, Erinnerung und unsere Verletzlichkeit angesichts der Naturelemente als auch menschliche Auswirkungen auf die Umwelt. Seine Konzepte weisen oft auf den Klimawandel hin.

In einzelnen Monumentalgemälden und Serien enthüllt Garo die Schönheit der Natur in unsichtbaren Erdbewegungen – Drehungen, Rückzüge, Zusammenbrüche, Erosionen – und schärft so das Bewusstsein für die Notwendigkeit ihres Erhalts. Auch die Zerbrechlichkeit unserer Zivilisation gegenüber unvorhersehbaren Gewalten aus Wind, Sand, Wasser, Eis, Lava, Schlamm und Viren, die die Topografie verändern, drückt er aus. Garo malt mit Maurerkelle und Sieb und verwendet dabei nur natürliche Elemente, die er selbst in der Natur sammelt – Mineralpigmente, Meeressedimente, Vulkansand, Marmorpulver, zerkleinerte Ziegel, Bitumen und Latex. Statt Figuration finden wir bei ihm Fragmente von Sichtbarem und Unsichtbarem, Strukturen, Rhythmen und Energie, aus denen sich Landschaften neu zusammensetzen. Seine Bilder und Fotografien werden auf der ganzen Welt ausgestellt.

Bernard Garo is dedicated to themes like identity, memory and vulnerability in the face of the natural elements. He also explores humanity's environmental impact and develops concepts linked to climate change. Through his monumental paintings and series, Garo seeks to reveal the beauty of nature and the invisible movements of our Earth – twists, retractions, collapses, erosion. He wishes to raise awareness that nature needs protection while also addressing the fragility of our civilisation when confronted with unpredictable elemental forces that transform the topography – wind, sand, water, ice, lava, mud and viruses. He paints with a trowel and a sieve, using only natural elements gathered by him from nature: mineral pigments, marine sediments, volcanic sand, marble powder, crushed brick, bitumen and latex. There's no figuration, only fragments of visible and invisible, structures, rhythms and energy, recomposed into new landscapes. His paintings and photographs are exhibited all over the world. www.bernardgaro.com

Erosion I–IX, 2020, Mischtechnik auf Leinwand, je 100 x 100 cm Erosion I–IX, 2020, mixed technic on canvas , 100 x 100 cm 103

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Mauri Gross Estland/Estonia

Mauri Gross erforscht derzeit das Thema Realität. Was ist eigentlich real? Wenn der Künstler Realität einfängt und diese dann modifiziert und neu erschafft, nachdem er sie seinen eigenen persönlichen Wahrnehmungen, Visionen und Techniken unterworfen hat, ist es dann immer noch dieselbe Realität, die der Betrachter wahrnimmt? "Leerililled" (Konfirmationsblumen) fordert das Publikum zur Wahrnehmung eines Momentes der persönlichen Realität auf und zur Navigation durch die vielfältigen Ebenen, die der Künstler anbietet. *1969. Absolvierte die Estnischen Kunstakademie 1997 und arbeitet als freischaffender Künstler in Tallinn. Sein Hauptmedium ist die Ölmalerei.

Leeri lilled (Konfirmationsblumen), 2019, Öl auf Leinwand, 201 x 201 cm Leeri lilled (Confirmation Flowers), 2019, oil on canvas, 201 x 201cm 104

Mauri Gross is currently researching the topic of reality. What is actually real? If an artist captures reality, then subjects it to his own personal perceptions, visions and techniques, modifies and recreates it, will it be the same reality perceived by viewers? "Leerililled"(Confirmation flowers) invites the audience to visit a moment of personal reality, navigating through the multiple layers offered by the artist. *1969. Gross graduated from the Estonian Academy of Arts in 1997. He works as a freelance artist in Tallinn, his main medium is oil painting.

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Alona Harpaz Israel/Deutschland/Israel/Germany Alona Harpaz verwischt Grenzen zwischen Persönlichem und Unpersönlichem, Öffentlichem und Privatem, Intimem und Fremdem. Sie malt mit kräftigen Linien und leuchtenden Farben. Die Malerin behandelt alle in ihren Bildern dargestellten Frauen mit ihren generischen Figuren ähnlich. Selbstporträts stehen neben Porträts von Familienmitgliedern, Magazinmodellen, ikonischen Personen. Harpaz' Frauenfiguren bewohnen vergleichbare Settings – nahbare, doch verklärte Orte.

Sie sind berühmt und anonym zugleich, einladend, doch unantastbar. Harpaz' Technik bildet die Grundlage für Sphärenvermischung: Diese Frauen – manchmal nackt – sind zwar dem Betrachterblick ausgesetzt, starren aber unverblümt zurück. Die Blickbeziehung, die zwischen ihren Frauen und den Betrachtenden hätte entstehen können, unterbricht Harpaz, indem sie die Augen der Frauen mit Sprühfarbe verdeckt. Die gezielte Unterbrechung der potenziellen Blickinteraktion gibt diesen Frauen die Kraft, sich dem voyeuristischen Blick des Betrachtenden zu widersetzen. (nach Gilad Ben David)

Harpaz blurs the boundaries between personal and impersonal, public and private, intimate and alien. She paints with bold lines and illuminating colours. The women in her paintings are generic and are treated accordingly by the painter.

These are self-portraits appearing alongside portraits of family members, magazine models and iconic personalities. Harpaz's female characters inhabit similar settings – approachable, yet glorified places. The women are both famous and anonymous, inviting, yet untouchable. Harpaz's technique lays a foundation for sphere blending – these women, usually naked, are exposed to the viewer's gaze while staring boldly back. However, the painter interrupts the gaze engagement that could have emerged between Harpaz's women and a viewer – a spray of paint obscures the women's eyes. This deliberate interruption of the potential gaze interactions gives these women a power to resist the voyeuristic eye of the viewer. (after Gilad Ben David) www.alona-harpaz.com

Selbstporträt, 2009, Acryl, Industriefarbe und Spray auf Leinwand, 160 x 210 cm Self portrait , 2009, acrylic, industrial paint and spray on canvas, 160 x 210 cm 105

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Jiří Hauschka

Tschechische Republik/Czech Republic "Wir alle nehmen manchmal an Jagdspielen teil, entweder als Wild oder als Jäger. Der Wald ist der perfekte Ort, um herauszufinden auf welcher Seite wir stehen." (Jiří Hauschka) "Seine Bilder führen uns in eine Umgebung der Gegenüberstellung, oder vielmehr Symbiose, von Mensch und Natur. Die Natur beeinflusst uns mehr als wir zugeben. Einige Maler:innen spüren das bereits seit Langem – vor allem an Orten mit üppiger Natur, wie den nördlichen Regionen mit großen Wäldern, Seen und sprudelnden Bächen oder südlichen Dschungeln mit Wasserfällen und brüllenden Affen. Naturereignisse mit Menschen mögen grob und roh erscheinen. Der Titel meines Textes zu Hauschkas Malerei verweist auf David Lynchs legendäre TV-Serie, die in einer derartigen nordischen Umgebung spielt. Ihr erinnert euch vielleicht an Twin Peaks, eine US-kanadische Grenzstadt mit ländlicher Atmosphäre, Wäldern, Bergen, einem Sägewerk, einer Raststätte und einem echten Sheriff. Vielleicht vermittelt das eine Vorstellung zur Entschlüsselung von Hauschkas geordneten Bildern und wie man ihn in deren Wildnis begleiten kann." (Martin Dostál)

Attersee 2, 2019, Acryl auf Leinwand, 90 x 140 cm Attersee 2, 2019, acrylic on canvas, 90 x 140 cm 106

"Sometimes, we all take part in a hunting game, either as a deer or a hunter. The forest is the perfect place to find out on which side we stand." (Jiří Hauschka) "His paintings take us to the environment of confrontation, or rather symbiosis, between humans and nature. Nature influences us more than we admit. Some painters have sensed it for a while – especially in places with more abundant nature, like the Northern regions with plenty of forests, lakes and bubbling streams or in the Southern jungles with waterfalls and howling monkeys. In nature, events involving a man may come a bit rough and raw. The name of my text concerning Hauschka's paintings is a reference to David Lynch's legendary TV series that was set in a similar Nordic environment. You may remember Twin Peaks, a US-Canadian border town with a rural atmosphere, forests, mountains, a sawmill, roadhouse and an real sheriff. Perhaps this could lend an idea of how to read Hauschka's paintings. To accompany him to the wilderness of his tidy paintings." (Martin Dostál) http://jirihauschka.com

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Dorthe Herup Dänemark/Norwegen/Denmark/Norway "Die Bank". Jeden Tag treffen sich die alten Seeleute auf der Bank an der Hafenmauer. Viele Geschichten von den sieben Weltmeeren werden dort erzählt.

"The Bench". Every day the old seamen meet on the bench along the harbour wall. Many tales of the Seven Seas are told there.

*1953 in Ærøskøbing, Dänemark. Lebt und arbeitet in Norwegen. Sie ist Mitglied der Norwegischen Vereinigung für Kunst und Handwerk und der Norwegischen Vereinigung für Textilkunst. Ausbildung 1971-1978 an den Nationalen Hochschulen für Kunst und Design in Kolding, Oslo und Bergen. Einzelausstellungen 2019: "BENKEN" im Marstal Søfartsmuseum, Ærø, Dänemark; "Family Stories" in Galleri Galleberg, Tønsberg, Norwegen. Diverse Gruppenausstellungen in Europa, Asien und Amerika. Auszeichnungen: 2006 Bronzepreis der 4. Internationalen Faserkunst-Biennale, Shanghai und 2017 Erster Preis für 2D-Objekte in Treasure Island, St. Petersburg, Russland.

*1953 in Ærøskøbing, Denmark. Lives and works in Norway. She is a member of the Norwegian Association for Art and Craft and the Norwegian Association for Textile Art. Education: 1971–1978, National College of Art and Design Bergen, Oslo and Kolding. Solo Exhibitions: in 2019, Benken in Marstal Søfartsmuseum, Ærø, Denmark; Family-Stories, Galleri Galleberg, Tønsberg, Norway. Several group exhibitions in Europe, Asia and America. Awards: in 2006, bronze award 4th International Fibre Art Biennial, Shanghai, China and in 2017, first prize in the 2D object at Treasure Island, St. Petersburg, Russia. https://dortheherup.com

Die Bank, 2018, Handweberei, 180 x 450 cm The Bench, 2018, hand weaving, 180 x 450 cm 107

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Mirjam Hinn Estland/Estonia

Mirjam Hinns Schlüsselthemen ergeben sich aus ihrer Faszination für Synästhesie, einer Vermischung von Sinnen, die normalerweise ohne Verbindung sind.

Hinn untersucht, wie sich Erfahrungen auf der Leinwand visualisieren lassen. In jüngsten Arbeiten rückt sie Fragen innerer menschlicher Erfahrungen in den Mittelpunkt, indem sie die Rolle intensiver Geisteszustände für das Menschsein untersucht. Durch das Zerlegen extremer Erfahrungen in wesentliche Bestandteile enthüllt ihre Arbeit grundlegende Strukturen, die kennzeichnend sind für all die berauschenden Erfahrungen, welche Hinn in der Palette schillernder Farben ihrer abstrakten Gemälde festhält. Zu hellen Farben und überirdischen, fast leuchtenden künstlichen Tönen fühlt sie sich schon lange hingezogen. Hinn verwendet häufig Pinselstriche, Linien, Zacken und Formen mit abgerissenen Kanten als zentrale Motive ihrer Bildsprache. *1990 in Tartu, Estland. 2014 BA an der Kunsthochschule Tartu. 2018 MA in Malerei an der Universität Tartu. 2018 Ausgezeichnet mit dem Akzo Nobel Kunstpreis.

Key themes in Hinn's work have evolved from her fascination with synaesthesia, a condition of blending senses which aren't normally connected. Hinn is keen to investigate ways to visualise experiences on the canvas. Her latest work focuses on profound internal experiences by exploring intense states of mind and their role in being a human. By dismantling extreme experiences into essential components, her works reveal the common underlying structures that characterise all the exhilarating incidents. Hinn's abstract paintings express them in a gamut of dazzling colours. For a long while, she has been attracted to bright colours and otherworldly, almost luminous artificial shades. Hinn frequently uses brush strokes, lines, spikes and shapes with torn edges as central motifs of her visual language. *1990 in Tartu, Estonia. BA from the Tartu Art College in 2014. MA in painting from the University of Tartu in 2018. Awarded with the Akzo Nobel Art Prize in 2018. www.mirjam-hinn.com

Nachwirkung, 2019, Acryl auf Leinwand, 180 x 130 cm • Nullpunkt, 2019, Acryl auf Leinwand, 180 x 130 cm Ripple Effect, 2019, acrylic on canvas, 180 x 130 cm • Point Zero, 2019, acrylic on canvas, 180 x 130 cm 108

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Jakub Jakubowski

Polen/Poland

"Die Serie 'Am Berghang starben die Ideen friedlich' ist meine ganz persönliche Herausforderung, angesiedelt in der Poesie, die ich seit meiner Schulzeit schreibe. Das jedoch nur zum eigenen Vergnügen, muttersprachlich 'Schreiben für die Schublade' genannt. Zum Thema passend sind diese Gedanken 'auf dem Abreißzettel' aufgezeichnet. Sie sind wichtig, da sie die Intention meiner Bilder bestimmen. Ich schaffe diese Arbeiten aus innerer Motivation heraus. Dabei oszilliere ich um Figur und Objekt herum, gebe ihnen eine symbolische Dimension und lasse so die Möglichkeit für andere Interpretationen. Für mich sind die Gemälde daher Originale, sowohl in Bezug auf die Intention der Malerei als auch auf das Thema." *1980. Malerei-Absolvent der Jan Długosz Akademie in Tschenstochau. Seit 2005 kooperiert er mit einer Heimhochschule in der Abteilung Malerei und unterrichtet Malerei und Zeichnen. Er promovierte in Kunst an der Akademie der Bildenden Künste, Kattowitz. Mehr als 20 Einzelausstellungen und Teilnahme an mehr als 100 Gemeinschaftsausstellungen.

"A series of paintings 'On a Mountainside, Ideas Were Dying Peacefully' is my most personal challenge. It is set in the poetry that I have been writing since my highschool years. I've been writing for my own pleasure which, in my native language, is known as 'writing for the drawer'. Matching the theme of the series these are records of thoughts that were written 'on a margin'. These are important because they determine the intention of the paintings. I create these works based on intrinsic motivations. I oscillate around the figure and the object, give them a symbolic dimension thus leaving a possibility for a different interpretation. For me, therefore, these paintings become 'the original' both in the context of the painting's intention as well as the theme."

Jakub Jakubowski (*1980) graduated from the Academy Jan Długosz in Czestochowa, in painting. Since 2005 he has been associated with a home academy called the Painting Division. He teaches painting and drawing. He gained a Doctorate in Art at the Academy of Fine Arts in Katowice. More than twenty solo exhibitions and over 100 group exhibitions.

Probleme der Wahl werden durch die Wahl geboren, 2019, Öl auf Leinwand, 180 x 210 cm Problems of choice are born of choice, 2019, oil on canvas, 180 x 210 cm 109

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Sonia Jakuschewa Russland/Deutschland/Russia/Germany

Соня Якушева

*1961 in Moskau. 1980–1985 Malereistudium an der Moskauer Staatlichen Kunsthochschule Surikov. 1992 Stipendium des Landes Schleswig-Holstein. Seit 1993 Mitglied im BBK Hamburg und Schleswig-Holstein. Seit 1981 Ausstellungen im In- und Ausland, u.a. in Belgien, Chile, Finnland, Frankreich, Holland, Polen, Russland, Schweden, Tschechien und den USA. 1994 "Das Maß/Hamburger Format", Dänemark; 1995–1999 Projekt "...und Moskau ist so weit...", Rom, New York und Ibiza; 2002 "Weg der Freundschaft" (deutsch-tschechisches Projekt unter Schirmherrschaft des Präsidenten V. Havel), Bilka, CZ; 2014/2015 "Gespräche" (mit Jan Koblasa), Topič-Salon, Prag; "Verborgene Botschaften" (mit J. Koblasa), Nordtschechische Galerie, Leitmeritz, CZ; 2016 "Erschaffung der Tiere", Steinmonument (mit J. Koblasa), Blankeneser Friedhof, Hamburg; 2017 "Freiheitsbotschaften" (mit J. Koblasa), Mahnmal St. Nikolai, Hamburg; "Der Weite Weg" (mit J. Koblasa), Rathaus-Galerie, Tabor, CZ. Seit 1999 regelmäßige Teilnahme an der NordArt. Lebt und arbeitet in Hamburg.

Erinnerung, 2019, Öl auf Leinwand, 65 x 65 cm Memory, 2019, oil on canvas, 65 x 65 cm 110

*1961 in Moscow. 1980–1985 Painting at the Moscow State Art Institute Surikov.

1992 Grant of the Federal State of Schleswig-Holstein. Since 1993 member of the BBK artists associations of Hamburg and Schleswig-Holstein. Since 1981 exhibitions in Germany and abroad, i.a. Belgium, Chile, Finland, France, Holland, Poland, Russia, Sweden, the Czech Republic and the USA. 1994 "The Measure/Hamburg Format", Denmark; 1995–1999 project "...and Moscow is so far...", Rome, New York and Ibiza; 2002 "The Road of the Friendship" (German-Czech art project under the patronage of President Vaclav Havel), Bilka, CZ; 2014/2015 "Talks" (with Jan Koblasa), Topič-Salon, Prague; "Hidden Messages" (with J. Koblasa), Northern Czech Gallery, Leitmeritz, CZ; 2016 "Creation of animals", stone monument (with J. Koblasa), Blankenese Cemetery, Hamburg; 2017 "Messages of Freedom" (with J. Koblasa), cenotaph St. Nikolai, Hamburg; "The Long Way" (with J. Koblasa), Town Hall Gallery, Tabor, CZ. Since 1999 regular participation at NordArt. Lives and works in Hamburg.

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Lukáš Kándl

Tschechische Republik/Frankreich/Czech Republic/France "Ich komme aus der Stadt Prag, wo Kaiser Rudolf II., Arcimboldo und viele andere ihre Spuren hinterließen. Meine Malerei, zwischen Surrealismus und Fantasie schwebend, verbindet das kleine bisschen Seltsam mit einer Prise Magie. Ich stelle mir gern mein früheres Leben in dieser Stadt als Verwalter der sagenhaften Sammlung Kaiser Richards vor, die Dinge enthielt wie Rezepte zur Herstellung von Gold, den mythischen Stein der Weisen, astrologische Instrumente, unergründbare Manuskripte mit Vitriolformeln. Inspiration findet mich mühelos. Es fühlt sich an, als würden Ideen in einer großen, spirituellen Bibliothek bewahrt.

Beim bloßen Hindurchschlendern lasse ich mit ausgestreckter Hand wie durch Zauberei, doch ganz natürlich, die Kompositionen erscheinen. Das Wichtigste beim Schaffen meiner Bilder ist, dass diese den Betrachtenden erlauben, sich Zeit zu nehmen, friedlich einzutreten auf einen privaten Rundgang wie durch einen Wachtraum. Damit möchte ich ihnen, zumindest für einen kurzen Moment, etwas selten Gefühltes schenken."

"I was born in Prague. It's a city filled with memories of the emperor Rudolf II, Arcimboldo and many others who left their permanent marks. My painting sits somewhere between surrealism and fantasy, mixing a bit of the bizarre with a twist of magic. I like to think that I was, in a previous life, living in this city and in charge of Rudolph II's fabulous collection which includes, for example, recipes to produce gold, the mythical philosopher's stone, astrological tools and impenetrable manuscripts full of Vitriol formula. Inspiration comes to me fairly easily.

I feel as if the ideas are stored in a large spiritual library. I just need to take a stroll in this library, stretch out my hand and let the composition appear both magically and very naturally. For me, the most important thing is to create pictures that allow the viewer to take time to enter in peace and have a private walk-about as if wide-awake in a dream. I hope to give the viewer, even for a short time, a gift of a rare special feeling." www.kandl.net

Bewahrer eines unzugänglichen Schatzes, 2011, Öl auf Leinwand, 180 x 300 cm Keeper of an unaccessible treasure, 2011, oil on canvas, 180 x 300 cm 111

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Khuc Dinh Duong Vietnam

Khúc Đình Dương

"Thema meiner Kunst sind oft politische Figuren wie berühmte Diktatoren, die heute wie gestern Kontroversen auslösen. Mein Ziel ist ein scharfer Kontrast zwischen trivialem Material wie Papp- oder Plastikbehälter für Lebensmittel und diesen historischen Gesichtern, so ganz anders in ihren Uniformen, die jeweils für eine bestimmte Zeit stehen. Aufrecht in den Behältern stehend, bedecken Lagen von Klarsichtfolie die Figuren. Das Wegwerfplastik steht für die Flüchtigkeit allgegenwärtiger kommerzieller Supermarktprodukte. Ich will nicht anstößig sein, sondern diese geschichtlichen Figuren der öffentlichen Prüfung aussetzen, so dass die Welt sie und ihr Vermächtnis begreift und die Meinungen über sie vielleicht objektiver werden. Mein humoristischer und satirischer Stil soll dazu beitragen, die Reise bunter zu machen, auf der ich mehr und mehr Bedeutung finde und ein Verständnis für die Welt entwickle, in der wir leben." *1983. BA der Universität der Bildenden Künste Vietnam. Mitglied der Hanoi Fine Arts Association & der Vietnam Fine Arts Association.

Der Diktator 1–3, 2020, Öl auf Leinwand, je 160 x 70 cm The Dictator 1–3, 2020, oil on canvas, each 160 x 70 cm 112

"I aim to create satirical paintings and sculptures of controversial political characters throughout history. I like to portray the eminent faces in the backdrop of cheap stuff like plastic food containers normally reserved for pre-packed fish or meat, a world apart from these famous faces representing whole remarkable eras in history. I present those highly esteemed figures in the centre of a plastic tray, wrapped in layers of cling film. I use cling film, a cheap disposable material, to draw attention to the transience of commercial merchandise all over the world.

My aim is not to be offensive to historical figures. I want to bring them closer to the public so that everybody can learn about them and their legacy. But, I also hope to change the opinions surrounding these figures, make them more objective. My artworks are created in a humorous style with a splash of solemnity to better aid our understanding of the world that we live in." *1983, graduated from Vietnam University of Fine Arts with a BA. Member of Hanoi Fine Arts Association and Vietnam Fine Arts Association. www.kaysertradegalleries.com

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Иван Коршунов Ivan Korshunov wendet für seine Arbeiten im hyperrealistischen Stil die alte Dreistufenmethode der Malerei an. Laut dem Künstler verbindet sich diese Methode auf höchst organische Weise mit der Philosophie seiner Arbeit. Korshunovs größtes Interesse gilt der Übertragung traditioneller Bilder in eine moderne Realität, also der Beziehung zwischen unserer heutigen Zeit und den Traditionen. Die auf der NordArt gezeigten Gemälde stellen auf verschiedene Art und Weise Tiere als Metaphern für gesellschaftliche Phänomene und Prozesse dar. *1983 in Moskau. Absolvierte 2003 das Institut für Zeitgenössische Kunst in Moskau und 2007 das Surikov-Institut (Moskauer Staatliches Akademische Kunstinstitut). Mitglied der Moskauer Künstlervereinigung. Doktor der Kunstkritik. Werke von Ivan Korshunov befinden sich in Privatsammlungen in Russland, Österreich, der Schweiz, Belgien, Deutschland, Lettland, England, sowie außerdem im Nationalmuseum von Peking und dem Staatlichen Kunstmuseum von Nowosibirsk.

Lebt und arbeitet in Moskau.

Ivan Korshunov

Russland/Russia

Ivan Korshunov paints in a hyper-realistic style using the old three-stage method of painting. The author is convinced that this method organically combines with the philosophy of his work. For Ivan, the most interesting aspect is the traditional images' transformation into a modern-day reality, the relationships between time and traditions. *1983 in Moscow. Graduated from the Moscow State Academic Art Institute named after V.I. Surikov (2007), Graduated from the Institute of Contemporary Art, Moscow (2003). Member of Moscow Union of Artists. Doctor of Art Criticism.

Since 2019, Ivan Korshunov has been included in the all-Russian investment rating Top 100 Recognized Artists of Russia (InArt). He is listed as one of the Best Contemporary Artists of Russia (ARTEEX). The works of Ivan Korshunov are held in private collections in Russia, Austria, Switzerland, Belgium, Germany, Latvia, England and the National Museum of Beijing in China. He lives and works in Moscow. www.ivankorshunov.ru

Das Lamm, 2011, Öl auf Leinwand, 90 x 190 cm The Lamb, 2011, oil on canvas, 90 x 190 cm 113

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Miglė Kosinskaitė Litauen/Lithuania

Miglė Kosinskaitės Kunst ist surrealistischer Natur. Üblicherweise finden sich darin realistische Darstellungen von Menschen und Tieren, oftmals in Begleitung geometrischer Formen und Muster. Thematisch weisen ihre Gemälde theatralische Tendenzen auf, weshalb ihre Bildsprache auch entsprechende Elemente wie Masken und Kostüme enthält. Kosinskaitė erörtert in ihren Werken konsequent Fragen zur Weiblichkeit und bildet darin sinnliche, romantische und expressive Ideen ab. *1965 in Vilnius. Die Malerin lebt und arbeitet in Kaunas, Litauen. Sie erwarb 1989 ihren Abschluss in Malerei an der Kunstakademie Vilnius und ist seit 2001 Mitglied des litauischen Künstlerverbandes. Außer in Litauen hatte sie bereits Einzelausstellungen in den Niederlanden, Russland, der Ukraine und Schweden.

Keine Kommentare, 2018, Öl auf Leinwand, 120 x 120 cm No comments, 2018, oil on canvas, 120 x 120 cm 114

Miglè Kosinskaitė's art is surrealist in nature. It usually consists of realistic depictions of humans and animals which are often accompanied by geometric shapes and patterns. The themes tend to be theatrical and the pictures include appropriate imagery like masks and costumes. Kosinskaitė's works consistently explore issues concerning femininity and display sensual, romantic and expressive ideas. *1965 in Vilnius, Lithuania. She's living and working in Kaunas, Lithuania. She graduated from the Painting Department of the Vilnius Academy of Arts in 1989 and has been a member of the Lithuanian Artists' Association since 2001. Besides Lithuania, her solo exhibitions have taken place in the Netherlands, Russia, Ukraine and Sweden. www.miglek.com

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Марко Кусмук

Marko Kusmuk

Bosnien-Herzegowina/Serbien/Bosnia and Herzegovina/Serbia

Marko Kusmuks Zyklus "Surditas", lateinisch für Taubheit, ist eine Form der Metamorphose, die auf Taubheit als gesellschaftliches Kommunikationsproblem hinweist. Zunehmende Evolutionsträgheit reduziert soziale Kommunikation auf ein Minimum und zerstört den Bedarf an hörbarer Interaktion, etwa wie im Traum. Da heutzutage eine ideologisch-konnotative Stimmung alles versiegelt, ist Kommunikation nicht mehr hör-, sondern nur noch spürbar. Der Bilderzyklus vermittelt das durch ein Gefühl des Schwebens und der fehlenden Schwerkraft, wobei die akzentuierte Inszenierung des Ohres in den Bildern eine Komponente der Klanglosigkeit darstellt. *1985 in Sarajevo, Bosnien-Herzegowina. Lebt und arbeitet in Belgrad, Serbien.

2007 Abschluss in Malerei an der Akademie der Künste Sarajevo. 2008 MA Malerei an der Accademia di Belle Arti di Roma. 2016 Promotion in Kunst an der Fakultät für Kunst und Design in Belgrad. Als freischaffender Künstler arbeitet er in den Bereichen Malerei, Zeichnung und Bildhauerei. Zahlreiche Ausstellungen im In- und Ausland, Arbeiten in öffentlichen und privaten Sammlungen.

A cycle of paintings called "Surditas" (lat. deafness) is a form of metamorphosis which indicates deafness as a communication issue in society. An increasingly inert evolution reduces social communication to the minimum and eliminates the need for audible interaction in a dream-like manner. Since today's ideologicalconnotative sphere seals everything, the communication simply can't be heard and we can only feel it. For this reason, the cycle presents this emotion through a feeling of levitation and lack of gravity, and the accentuated orchestration of the ear in the paintings fulfils one component of the painting's soundness. *1985 in Sarajevo, Bosnia and Herzegovina. He lives and works in Belgrade, Serbia. In 2007, he graduated from the Academy of Fine Arts in Sarajevo. In 2008, an MA in Painting, Academia di Belle Arti, Rome. In 2016, PhD in Arts, Belgrade.

He is a freelance artist, working in painting, drawing and sculpture. Numerous exhibitions at home and abroad, artworks in public and private collections. www.kusmuk.net

Aus dem Zyklus "Surditas": Dialog, 2019, Mischtechnik auf Leinwand, 170 x 380 cm From the cycle "Surditas": Dialogue, 2019, combined tehnique on canvas, 170 x 380 cm 115

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Anastasia Kuznetsova-Ruf

Анастасия Кузнецова-Руф

Anastasia Kuznetsova-Ruf ist Vertreterin einer neuen Generation von Künstlern des Genres Konzeptueller Realismus. Sie arbeitet in monochromer Maltechnik mit Tempera und Kohlestift. Trotz klassischer Kunstausbildung und tadelloser Technik: Mit den zentralen Elementen der zugrunde liegenden Ideen, den Charakteren und metaphorischen Aussagen ihrer Arbeiten geht sie weit über "das Akademische" hinaus. *1983 in Moskau. Gehört zu den 100 anerkannten russischen Künstler:innen (InArt 2019) sowie den 37 jungen Künstler:innen des Russian Investment Art Rating 49Art. Als erste Russin gewann sie den 2. Platz beim Brewer J. C. Jacobsen's Portrait Award "Portrait Now!" 2013. Arbeiten in Privatsammlungen in Österreich, Schweden, Belgien, Deutschland, Irland, Israel, Frankreich, Italien, Russland und im Nationalen Kunstmuseum in Peking. Mehr als 80 Ausstellungen, darunter 12 Einzelausstellungen. Anastasia arbeitet zusammen mit: Agardh & Tornvall Galleri in Stockholm, Happy Art Museum in Riga, La Galerie Art XXI in Genf und der Fine Art Gallery in Moskau.

Anastasia Kuznetsova-Ruf represents a new generation of artists working in the Conceptual Realism. She works in monochrome painting technique with tempera and charcoal pencil. Her works escape from being overly 'academic' despite her classical art education and impeccable technique. She focuses on the underlying ideas, the characters and metaphoric expressions.

She is listed in the Top 100 Recognised Artists of Russia (InArt, 2019), among the 37 young artists in the Russian Investment Art Rating 49ART. In 2013, Anastasia took the 2nd prize at the Brewer J.C. Jacobsen's Portrait award Portrait Now! and became the first artist from Russia to do so. Her works are in private collections in Austria, Sweden, Belgium, Germany, Ireland, Israel, France, Italy, Russia and by the National Art Museum of China (Beijing). Anastasia has taken part in over 80 exhibitions, this is including the 12 solo exhibitions. Anastasia collaborates with Agardh & Tornvall Gallery (Stockholm, Sweden), Happy Art Museum (Riga, Latvia), La Galerie ART XXI (Geneva, Switzerland), Gallery Fine Art (Moscow, Russia). www.kuznetsova-ruf.com

Russland/Russia

Tiefenschärfe, 2015, Holzkohle und Tempera auf Leinwand, 124 x 183 cm Depth of Field, 2015, charcoal and tempera on canvas, 124 x 183 cm 116

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Tibor Lázár

Ungarn/Serbien/Hungary/Serbia "In meiner Arbeit gehe ich von bestimmten Dingen aus, die man früher in den Häusern der Bourgeoisie fand und durch die sich oft Verbindungen zum Thema Essen in Stillleben und Akten herstellen lassen. Ganz im Geiste vergangener Zeiten verwende ich Neuinterpretationen jener Wandteppiche, Ikonen, Keramiken, Porzellanfiguren und anderer Gegenstände, welche früher die Glasvitrinen großbürgerlicher Villen schmückten. Als Familienschätze erfüllten diese Symbole erlesenen Geschmacks in den Salons einzig den Zweck, den gesellschaftlichen Rang der Familie anzuzeigen. In meiner Arbeit spiele ich auf Pseudoversionen jener Objekte an, wobei meine Haltung ihnen gegenüber komplex ist. Manchmal behandele ich sie auf melancholische Weise, indem ich eine utopische Sicht der Vergangenheit, der "guten alten Zeit", darauf projiziere. Nostalgie und Geheimnis sollten jedes Stück umgeben, was sich manchmal auch mit etwas Makabrem vermischt. Die Anachronismen meiner Arbeit zeigen sich gespickt mit reichlich Zynismus – viele der älteren Stücke wirken aus heutiger Perspektive humorvoll naiv."

"The starting point for my art were certain items found in the houses of the bourgeoisie, comparable to the subject of food in still lifes or nudes. In the spirit of those bygone times, I use reinterpretations of the tapestries, icons, ceramics, porcelain figurines and other objects which used to adorn the glass cabinets of the houses of the bourgeois. These items in the salons were the family valuables which stood as the symbol of refined taste, their only purpose to signal the social status of the family. I make allusions to pseudo-versions of these items in my work. My attitude toward them is complex. At times, I treat them with melancholy by projecting upon them utopian views of the past, the 'good old days'.

The nostalgia and mystery that should shroud each piece are, sometimes, mixed with a little bit of the macabre. The anachronisms in my works are present with copious amounts of cynicism – many of the older pieces seem humorously naive when viewed through today's perspective." www.lazartibor.com

Die Frage nach dem optimalen Cholesterinspiegel, 2019, Sprühfarbe und Acryl auf Leinwand, 100 x 120 cm Wondering about the optimal Level of Cholesterol, 2019, spray paint and acrylic on canvas, 100 x 120 cm 117

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Le Vo Tuan Vietnam

Lê Võ Tuân

Von 2001 bis 2019 fertigt Le Vo Tuan eine Reihe seiner "Portraits of Cuts" an. In den Porträts zerlegen bewusst platzierte Einschnitte die gemalten Gesichter in einzelne Teile. Diese Schnitte variieren, so wie auch menschliche Umstände nie gleichbleiben. Le Vo Tuan verfolgt in diesen Bildern das Ziel, einen optimistischen, introspektiven Blick auszudrücken, und zwar über die geradeaus schauenden Figuren, deren Gesichter die Schnitte der Erfahrung schmücken. *1981 in der Provinz Quang Binh, Vietnam. 2004 BA von der Hue University of Fine Arts, Vietnam. Lebt und arbeitet in Ho-Chi-Minh-Stadt. 2006 und 2007 Preise des Young Artist Grant Programme, Australisches Konsulat. 2001 zweiter Preis der Young Artists Ausstellung in Hue. 2001 ausgezeichnet bei der Ausstellung "Vietnam – My Homeland". 2001 Gewinner des ersten Preises bei "Eye on the World" von Nokia.

Porträt der Schnitte #1–#2 , 2011–2019, Öl und Acryl auf Leinwand, je 160 x 90 cm Portrait of cuts #1–#2, 2011–2019, oil and acrylic on canvas, each 160 x 90 cm 118

During 2011-2019, he made a series "Portraits of Cuts". The artist drew face parts that became the portraits and then made cuts in them. Those cuts vary, the same way as the human circumstances vary. His goal is to express an optimistic introspective gaze, looking straight ahead, adorned with cuts of experience. *1981 in Quang Binh Province, Vietnam. In 2094, he graduated with a BA from the Hue University of Fine Arts, Hue, Vietnam and is living and working in Hochiminh City, Vietnam. In 2007 and 2006, he won awards for the Young Artists Grant Program, Australian Consulate. In 2001, the second award of Young Artists exhibition, Hue, Vietnam. In 2001, an award from the exhibition "Vietnam – My Homeland". In 2001, the First Award "Eye on the World", by Nokia. https://levotuan.jimdofree.com • www.kaysertradegalleries.com

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Liêu Nguyễn Hướng Dương

Lieu Nguyen Huong Duong

"Die Stunden, in denen ich meine Bilder schaffe, brennen sich unauslöschlich in mein Gedächtnis. Darstellungen tauchen aus meinen inneren Emotionen auf. Mir erscheint die Fantasiewelt grundsätzlich interessanter als die reale. Sie hat eine außergewöhnliche Kraft, die vielleicht daher rührt, dass sie meine ganz eigene Welt ist. Die Landschaft gehört mir, die Menschen auch, oder vielleicht sind sie tatsächlich sogar ich. Die Kreationen meiner Bilder vermitteln starke Gefühle des Seins, der Freiheit und verfolgen keinen definierbaren Zweck. Sie sind still und einsam. Frühling, Sommer, Herbst, Winter und dann wieder Frühling. Ich tauche ab in einen tiefen Wald, wo man den Lebenspuls jede Sekunde spürt. Mir bleibt das Gefühl, die Natur sei eine wahre und ehrliche Freundin ohne Anspruch auf Veränderungen, doch mit dem unwiderstehlichen Verlangen des Ausdrucks ihrer eigenen reinen, natürlichen Schönheit." *1975 in Vietnam. Abschluss an der Universität der Schönen Künste Ho-ChiMinh-Stadt im Jahr 2001. Lehrbeauftragter ebenda von 2001 bis 2011.

"The hours when I am creating my paintings are indelibly etched to my mind. The images emerge from my inner emotions. For me, the imagined world is always more interesting than the real one. It has extraordinary strength. Perhaps this strength is born out of the fact that it is a world of my own: the landscape is mine, the people, they are also mine or maybe they are, in fact, me. The images I create, appear with a strong sense of being, free and defined without a purpose, they are silent and lonesome. Spring, summer, autumn, winter and then spring again.

I am drowned in a deep forest pulsating with life. I feel that nature is a true and honest friend: undemanding of changes but with an alluring desire to express its pure natural beauty." *1975 in Vietnam. Graduated from the Ho Chi Minh City University of Fine Arts in 2001. Lecturer at the Ho Chi Minh City Fine Arts University between 2001 and 2011. www.kaysertradegalleries.com

Vietnam

Welle I, 2019, Industriefarbe auf Leinwand, 200 x 240 cm Wave I, 2019, inustrual paint on canvas, 200 x 240 cm 119

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Joana Lucas

Portugal/Deutschland/Portugal/Germany Ausschnitte städtischen Alltags und von menschlicher Präsenz geprägte Szenen sind es, die Joana Lucas anziehen. In ihrem Gemäldezyklus "About Walls" drücken Bilder imaginierter Räumlichkeit realen Wandraum aus. Sie schlägt darin eine Interpretation des Trompe-l'oeil vor, in der die Schnittstelle zwischen architektonischer Realität, gewünschter Virtualität der Malerei und der Präsenz des Betrachters dargestellt wird. Dort findet man, wie auf einer Leiter, die in einen anderen Raum führt, Zugang zu einer anderen Realität. Es kommt zum Kontakt mit der Präsenz eines Subjekts. Der Schatten wird zum Beweis für dessen Existenz.

Die Absicht dieser Serie ist es, den Raum zu objektivieren, in dem ein Ort in den anderen übergeht, angesiedelt zwischen Realität und Schöpfung.

Geboren in Lissabon, lebt und arbeitet seit 2005 in Berlin. Seit 2001 stellt sie ihre Arbeiten regelmäßig in Einzel- und Gruppenausstellungen auf internationaler Ebene aus. Diese sind auch in zahlreichen Kunstsammlungen in Portugal, Spanien, Frankreich, der Schweiz, Deutschland, Polen, Schweden und China vertreten.

Joana Lucas is drawn to fragments of daily urban life, scenes that are marked by human presence. "About Walls" is a series of paintings that articulate the real wall space with a picture of an imaginary space. It proposes an interpretation of trompe l'oeil, presenting the place between the architectural reality, the desired virtuality of painting and the presence of the observer. It is the access to another reality, just as the ladder is the access to another space. It is the contact with the presence of a subject. The shadow becomes the proof of its existence. This series intention is to objectify the space of transition between one place and another, between reality and creation.

Born in Lisbon, lives and works in Berlin since 2005. Her work has been regularly exhibited since 2001, in several solo and group exhibitions at an international level. It is represented in numerous art collections in Portugal, Spain, France, Switzerland, Germany, Poland, Sweden and China. www.joanalucas.com

Aufsteigend 1–4, 2016, Acryl auf Leinwand, je 80 x 190 cm • Guillotine, 2018, Acryl auf Leinwand, 100 x 130 cm Going Up 1–4, 2016, acrylic on canvas, each 80 x 190 cm • Guillotine, 2018, acrylic on canvas, 100 x 130 cm 120

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Lương Trung "Ich lebe schon lange in Hanoi und erlebe tagtäglich die Veränderungen dieser Stadt. Die lange Geschichte Hanois mit der bis heute stattfindenden Integration von fremden Kulturen manifestiert sich detailreich im Stadtbild. Kleine verschwiegene Ecken werden zunehmend mit großen Gebäuden überbaut, es tauchen westliche Reklameschilder in den Straßen, Gassen und Alleen auf. Aber im Altstadtkern Hanois, dem Alten Viertel mit seinem kleinen Markt und 36 Straßen, auf denen tagtäglich rührige und stets freundlich lächelnde Straßenverkäufer ihre Waren anpreisen, findet man noch die alte Seele dieser traditionsreichen Stadt.

Das fasziniert mich und ich konserviere in meinen Gemälden, wie die Nachmittagssonne romantisch die alten Gassen durchflutet, mit feinen Staubwolken in den Straßen spielt und sich in Hausecken fängt. Von einem leicht erhöhten Blickwinkel werden wir das gewaltige Panorama von zahllosen moosbedeckten Dächern gewahr, die sanfte Friedfertigkeit verströmen." *1981 in der Provinz Nam Định.

Luong Trung Vietnam

"I have lived in Hanoi for a long time and I experience changes in the city every day. Even today, the long history of Hanoi and the influx of foreign cultures is evident in the cityscape. The big new buildings are increasingly swallowing the small secret corners of the old Hanoi, Western advertising appearing on the streets, alleyways and boulevards. However, in the central Old Quarter, with its small market and the 36 streets, full of friendly and ever-smiling street vendors offering their wares, we can still find the ancient soul of the city, so rich in traditions. I am fascinated by this and, in my paintings, I capture the afternoon sun romantically flooding the old lanes, playing in the clouds of fine dust and being caught in the corners of the buildings. From a slightly elevated vantage point, we become aware of the incredible panorama of countless moss-covered roofs that exude gentle peacefulness." *1981 in Nam Định province. www.kaysertradegalleries.com

Die Kirche, 2019, Öl auf Leinwand, 100 x 80 cm The Church, 2019, oil on canvas, 100 x 80 cm 121

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Luu Tuyen

Vietnam

Lưu Tuyên

"Für mich ist Kunst ein Spiegel, der einen reflektiert und wachsen lässt. Meine Kunst ist ein Spiegelbild meiner selbst. In der Kunst spiegeln sich meine Ängste und Qualen wie auch meine Sorgen wider, was die heutige Wirklichkeit betrifft, in der altgediente Werte verblassen und von oberflächlicheren ersetzt werden.

Meine Arbeit dient dem Erhalt von Werten wie Tradition, Vielfalt und Individualität und soll die Betrachtenden daran erinnern. Oft genug werden diese Werte vergessen und von der Schnelllebigkeit überschattet."

"My art reflects my concerns, fears and questions about a present-day reality where time-honoured values have been replaced with superficial ones and even untruths. In a nutshell – core values must be preserved". Through his unique ideas, techniques and media, Luu Tuyen skilfully conveys his love for people, objects and scenes from his everyday life. The series of still-lifes 'Treasures', highlights his appreciation of age-old virtues, cultural artefacts and forefather' heritage."

*1982 in der Provinz Thai Binh, Vietnam. Absolvent der Hanoi University of Industrial Fine Arts. Mitglied der Vietnam Fine Arts Association. Lebt und arbeitet in Hanoi. Seit 2003 zahlreiche Gruppenausstellungen in Vietnam, Malaysia, China und Deutschland. Einzelausstellungen: 2018 "Reality of Perfection" im National Museum of Fine Arts, Hanoi; 2012 "Cover of Reality" im Viet Art Centre, Hanoi.

*1982 in Thai Binh Province. Luu Tuyen graduated from Hanoi University of Industrial Fine Arts. He is a member of the Vietnam Fine Arts Association, lives and works in Hanoi. Numerous group exhibitions in Vietnam, Malaysia, China and Germany since 2003. Solo exhibitions: 2018, Reality of Perfection at the National Museum of Fine Arts, Hanoi; 2012, Cover of Reality at Viet Art Centre, Hanoi. www.kaysertradegalleries.com

Dong-Son-Schatz 2, 2020, Öl auf Leinwand, 60 x 55 cm Dong Son Treasure 2, 2020, oil on canvas, 60 x 55 cm 122

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Јелена Марјановић Jelena Marjanovic erforscht unter anderem die Grenzen des Frauseins. Welche Attribute verwendet man, um Frauen in unserem Alltag zu beschreiben? Dabei ist sicherlich der Konsum eines der bestimmenden Themen. Es sind vor allem die Frauen dem unerbittlichen Terror der Werbung ausgesetzt. Der Großteil davon entstammt dem sogenannten Mode-Establishment. Dieses diktiert die Trends, gibt die Regeln vor und drängt uns unerbittlich zur Geldausgabe in einem nicht enden wollenden Wettlauf um imaginäre Schönheitsideale. Darüber hinaus befasst die Künstlerin sich mit tieferen Fragen: Wer ist die zeitgenössische Frau? Wie funktioniert sie? Welche Rolle nimmt sie innerhalb von Familie und Gesellschaft ein? Wie sieht ihr Innenleben aus? (Sasa Janjic, Kunsthistoriker) *1980 in Belgrad. Absolventin der Akademie der Bildenden Künste Belgrad in Malerei 2005. Akademisches Postgraduiertenstudium ebenda 2009 abgeschlossen. Die freischaffende Künstlerin hat an zahlreichen Kunstausstellungen im Inund Ausland teilgenommen.

Jelena Marjanović

Serbien/Serbia

Amongst her other topics, Jelena Marjanovic explores the boundaries of womanhood. What kind of attributes describe women in our everyday life? One of the defining topics is certainly consumption. Women, in particular, are exposed to the relentless terror of commercials and advertising. Most of it comes from a socalled fashion establishment. It dictates the trends, sets the rules and directs us towards relentless spending in an endless race for the imaginary beauty ideal. Her work is also addressing deeper issues. Who is the contemporary woman? How does she function? What is her role within the family and society? What does her inner world look like? (Sasa Janjic, art historian) Jelena Marjanovic (*1980 in Belgrade) graduated from the Acadamy of Fine Arts, Belgrade, with a degree in painting in 2005. In 2009, she also completed the Postgraduate academic studies there. She has been working as a freelance artist and has participated in numerous art exhibitions at home and abroad. https://jelenamarjanovic.weebly.com

Selbstporträt, 2019, Mischtechnik auf Leinwand, 140 x 120 cm Self portrait, 2019, mixed media on canvas, 140 x 120 cm 123

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Javier Marticorena Álvarez Chile

"Von Beruf bin ich Architekt, geboren wurde ich als Maler. Seit Mitte der 90er Jahre zeige ich meine Kunst in Chile und im Ausland. Ab und zu arbeite ich in Theater- und Filmproduktionen. In der Pariser Cité d'Art war ich Artist-in-residence.

Im Mittelpunkt meiner Kunst stehen die Zonen des Widerstands in den Straßen der Großstädte. Zonen nenne ich sie deshalb, weil sich dort über bestimmte Topografien bedeutungsvolle Bilder legen. Aus einer Vielfalt von Straßenaufmärschen leitet sich die Fauna eines dramatischen Widerstandes ab. So viel Land, das eigentlich fürsorglichen Zwecken dient, ist bereits in den gierigen Händen von Staaten und Konzerne. Man kann darüber lachen oder weinen. In Lateinamerika haben wir uns auf unsere besondere Art für das Lachen entschieden. Derartige Szenarien irrer urbaner Vanitas erkunde ich in meinen Gemälden. Vereint zu sein auf den Straßen, vor dem Hintergrund einer zerbrechenden Welt, ist vielleicht heutzutage unsere beste Daseinsform. Womöglich wird dies unser bestes und letztes Porträt sein."

Marsch I–II, 2019, Öl auf Papier, je 154 x 110 cm March I–II, 2019, oil on paper, each 154 x 110 cm 124

"I am an architect by trade, but born to be a painter. Since the mid-90s, my work has been exhibited in Chile and abroad. Sometimes, I also undertake theatre and cinema productions. I took up a residency in fine arts at the Cité d'Art in Paris. The focus of my art is on the resistance zones on the streets of the great cities. And I say zones because it is about meaningful visuals, laid over a certain topography. It is a fauna derived from the diversity of the street marches, a dramatic resistance.

Already, so much land with a caring purpose has been lost in the greedy hands of the states and corporations. One could only laugh or cry, and in Latin America, in our special way, we have chosen laughter. That is the scenario that my paintings explore – the mad urban Vanitas. Perhaps it is the best we can be today, united on the streets, the collapsing world for a backdrop. Perhaps this will be our best and last portrait." https://asupinta.com

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Casey McKee USA/Deutschland/USA/Germany Casey McKee kombiniert die Medien Fotografie und Malerei. Die Kritik an Machtstrukturen in Systemen zieht sich durch seine Werke, wobei absurder Humor oft als Einstieg dient. In der hier gezeigten Serie wurden Fotos von Vogelköpfen aus dem Londoner Naturhistorischen Museum manipuliert und mit Porträts von Berliner Kindern kombiniert. Die zunächst schwarz-weiß auf Leinwand gedruckten Bilder übermalte McKee mit Ölfarben, wodurch er die Grenzen zwischen Fotografie und Malerei verwischt. Der Verweis auf früheuropäisches Heidentum mit seinen Ritualen und Kostümen, der in den Tiermasken steckt, soll uns an unsere Verbindung zu Natur und Tierwelt erinnern, die in der modernen Welt weitgehend verloren gegangen ist, und außerdem daran, dass wir dem Schutz der Ökosphäre, die wir bewohnen, mehr Aufmerksamkeit schenken sollten.

Den Großteil seiner Künstlerlaufbahn verbrachte McKee in Berlin. Jetzt lebt er auf dem Land. Seine Werke werden weltweit ausgestellt und gesammelt.

Casey McKee combines photography and painting. His works criticise institutional power systems, with absurd humour often serving as an entry point. In the series shown here, the photographs of birds' heads from the Natural History Museum in London were manipulated and combined with portraits of Berlin children. McKee painted over the initially monochromatic canvas prints with oil paint, blurring the boundaries between photography and painting. The reference to early European paganism with its rituals and costumes serves to remind us of our connection to nature and animals that are largely lost in a modern world. Also, it warns that we should pay more attention to the protection of the ecosphere we inhabit.

Casey McKee spent most of his artistic career in Berlin but lives in the countryside now. His works are exhibited and collected worldwide. www.caseymckee.com

Mimir, 2017, Foto und Öl auf Leinwand, 50 x 44 cm • Meili, 2017, Foto und Öl auf Leinwand, 50 x 32 cm Mimir, 2017, photograph and oil on canvas, 50 x 44 cm • Meili, 2017, photograph and oil on canvas, 50 x 32 cm 125

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Marion Meinberg Deutschland/Germany

Chimären: Halb Mensch, halb Tier. Unendlich vielgestaltig verkörpern sie in Marion Meinbergs Werken das Prinzip der fundamentalen Schönheit aller Lebewesen. Auf dem Triptychon "An der Ecke" tummeln sich farbenfrohe Gestalten.

Gesellschaftliche Milieus als Biotope? Der Spiegel einer Metropole. Rollenwechsel. Queerness. Die spielerische Verfremdung ermöglicht eine neue Perspektive auf den Facettenreichtum unserer modernen Großstadt-Spezies. Das kompositorische Spiel mit Figuren und Flächen lenkt den Blick auf das Wesentliche.

Die Künstlerin setzt einen inneren Dialog in Szene: Dort das Erlebnis, hier das erinnernde Ich, der Blick zurück, der Erfahrungsvorsprung. Das Ringen um eine universelle Wahrheit.

The chimaeras, the half-human-half-animal creatures in Marion Meinberg's art, embody the principle of fundamental beauty of all living things in their endless variety. In the triptych "An der Ecke" (On the Corner), colourful creatures cavort.

The artist offers social settings of a modern metropolis as a habitat for this peculiar species. It's a mirror of a metropolis. There are role reversal and bizarreness.

Their playful alienation from humanity lends a new perspective to the multifaceted nature of our modern metropolitan species. The compositional play with figures and surfaces directs the viewer's attention to the essence. The artist stages an internal dialogue between the raw experience and the recollections of the ego, analysing the memory. It's a struggle for universal truth.

*1964 in Hamburg, Studium an der Kunstschule Alsterdamm in Hamburg (GrafikDesign). Seit 1992 freiberufliche und seit 2012 freischaffende Künstlerin. Mitglied im BBK Hamburg und Bild-Kunst.

*1964 in Hamburg, studied graphic design at Alsterdamm Art School in Hamburg. Freelance artist since 1992 and, again, since 2012. Member of the BBK Hamburg and Bild-Kunst. www.art.marion-meinberg.de

Aus dem Triptychon "An der Ecke": Der Barkeeper / Die Tänzer, 2020, Acryl auf Leinwand, je 200 x 150 cm From the triptych "On the Corner": The Barkeeper / The Dancer, 2020, acrylic on canvas, each 200 x 150 cm 126

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Иван Миленковић Indem er klassisches Chiaroscuro einsetzt, steigert Ivan Milenkovic die Dramatik seiner Bilder und betont die Stärke der Beziehung zwischen Mensch und Maschine. Darin steckt der Verweis auf unsere nahezu religiöse, ja magische Verbindung mit Geräten. Einem alles verknüpfenden Knoten gleich, erinnert der Künstler uns unserer Gefühle und hebt unsere beinahe kosmische Vereinzelung hervor. Das besondere Verhältnis des Menschen zur Technologie ermöglicht dynamische, sofortige virtuelle Kommunikation und führt unweigerlich zu einem Mangel an direktem physischem Kontakt. Ironischerweise wird Einsamkeit so zur unerwarteten Konsequenz der Hyper-Kommunikation. (nach Slavko Timotijevic, Kunsthistoriker) *1988 in Leskovac, Serbien. Absolvent der Fakultät für Bildende Kunst Belgrad 2012. 13 Einzel- und mehr als 80 Gruppenausstellungen. Erster Preis beim 53. und 54. Oktobersalon in Leskovac 2015 und 2016. Erster Preis für ein Mosaik, Fakultät für Bildende Künste, Belgrad 2010. Auszeichnung mit dem Biafarin Award, NordArt 2019. Seine Bilder finden sich in verschiedenen Sammlungen.

Ivan Milenkovic

Serbien/Serbia

By using the classical technique of chiaroscuro (contrasting light and dark), Ivan aims to dramatise the visuals and emphasise the strength of the relationship between a man and a machine. This, in turn, points to a religious, almost magical connection that we have with our devices. The artist, like a knot which ties everything together, reminds us how we feel and highlights our deep, almost cosmic, solitude. The strong relationship between people and technology enables dynamic and instant virtual communication, leading, inevitably, to a lack of direct physical contact. Ironically, solitude is the unexpected consequence of hyper-communication. (Art Historian Slavko Timotijevic) *1988 in Leskovac, Serbia. In 2012, graduated from the Faculty of Fine Arts in Belgrade. He has had 13 solo exhibitions and participated in more than 80 group exhibitions. In 2015 and 2016, the first prizes during the 53rd and 54th October Salon in Leskovac. In 2010, the first prize from the Faculty of Fine Arts, Belgrade, for a mosaic. In 2019, Biafarin Award at NordArt. His paintings are held in various collections. www.behance.net/IvanMilenkovic

Laptop Light 7, 2019–2020, Öl auf Leinwand, 170 x 230 cm Laptop Light 7, 2019–2020, oil on canvas, 170 x 230 cm 127

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Nina Murashkina Ukraine/Spanien/Ukraine/Spain

Нина Мурашкина

Nina Murashkina entfaltet in ihren Frauengeschichten Themen wie Körperlichkeit, Flirten, Liebe und Grausamkeit, Intimität und Gewalt. Lysistrata, Heldin aus Aristophanes' Komödie, ruft die Athenerinnen im Krieg gegen Sparta zum Sexstreik auf. "Hört her, wir Frauen müssen Griechenland retten! Das Glück unseres Landes hängt von uns ab", so Lysistrata vor der Akropolis, als sie die Frauen auffordert, jeglichen sexuellen Kontakt mit Männern zu verweigern. Nach der Handlung des antiken griechischen Theaterstücks ließen die Männer tatsächlich ihre Waffen fallen. Die Welt kehrte zu Frieden und Liebe zurück. Davon erzählt Murashkinas "Lysistrata" – von Frauen, die Militärkampagnen stoppen. Was Aristophanes einst als Heldentum erdachte, wird von ihnen heute im wirklichen Leben vollbracht. *1985 in Donezk, Ukraine. Studium: Kunsthochschule Donezk (Grafikdesign) 2000–2005; Kunst-und-Design-Akademie Charkiw (Monumentalmalerei) 2005–2009; Kunstakademie Kyjiw (Bühnenbild und Film) 2011; Jan-MateykoKunstakademie Krakau 2012 (Malerei). Mitglied der National State Artists Union.

Nina Murashkina tells stories about women, developing themes of corporeality, flirt, love and cruelty, intimacy and violence. Lysistrata is a heroine from Aristophanes's comedy who called for a sex strike against the war between Athens and Sparta. "Listen up, Greece has to be saved by women! Our country's fortune depends on us..." cried Lysistrata, standing in front of the Acropolis, calling women to refuse all sexual encounters with men in a protest for peace.

According to the plot of the ancient Greek play, men, indeed, dropped their weapons. The world returned to peace and love. This is what Murashkina's "Lysistrata" tells – a story of women who stop military campaigns, once just imagined

by Aristophanes, but accomplishing their feat in real life today. *1985 in Donetsk, Ukraine. Studies: 2000–2005 Donetsk Art College (Graphics Design); 2005–2009 Kharkiv Art Design Academy (Monumental Painting); 2011 Kyiv Art Academy (Stage Design and Film); 2012 Art Academy of Jan Mateyko, Krakow, Poland (Painting). Member of the National State Artists Union. www.ninamurashkina.com

Lysistrata, 2019, Acryl, Blattgold, Leinwand auf Holzplatte, 200 x 150 cm • Das Mädchen und das Einhorn, 2019, Acryl, Blattgold, Leinwand auf Holzplatte, ø 150 cm Lysistrata, 2019, acrylic, golden leaf, canvas on board, 200 x 150 cm • The Girl and Unicorn, 2019, acrylic, golden leaf, canvas on board, ø 150 cm 128

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Nguyễn Đình Vũ Die Realität entfaltet sich in jedem flüchtigen Augenblick und beinhaltet so alle Momente der Vergangenheit. Das Leben verändert sich stetig. Menschen verändern sich ebenfalls, erfasst von den Strömungen kultureller Entwicklungen. Je weiter sich die Gesellschaft entwickelt, desto komplexer und multidimensionaler wird unser Leben. Wo stehen wir? Verfangen zwischen Tradition und Moderne, zwischen Instinkten und anerzogenen Sozialkompetenzen, zwischen Natur und Künstlichkeit, wo befinden wir uns? *1980 in Thai Nguyen, Vietnam. Lebt und arbeitet in Hanoi. 2008 BA und 2013 MA an der Hochschule für Bildende Künste Vietnam, Hanoi. 2015 Einzelausstellung "Box it up", A Gallery, Hongkong. Zahlreiche weitere Ausstellungen in Vietnam, Thailand, Korea, Philippinen, den Niederlanden, Dänemark und Deutschland.

Nguyen Dinh Vu Vietnam

The reality keeps evolving with every passing moment and it withholds all the moments of the past. Life keeps changing, continuously. The people, caught in the currents of cultural development, change as well. The more society develops, the more complex and multidimensional our lives become. Where do we stand?

Caught between traditions and modernity, between instincts and acquired social skills, between natural and artificial, where do we stand? *1980 in Thai Nguyen, Vietnam. Lives and works in Hanoi. 2008 a BA and 2013 an MA from Vietnam University of Fine Arts, Hanoi. In 2015, solo exhibition "Box It Up", A Gallery, Hong Kong. Numerous other exhibitions in Vietnam, Thailand, Korea, Philippines, Netherlands, Denmark and Germany. http://hoasivu.wix.com/nguyendinhvu • www.kaysertradegalleries.com

Inside, 2019, Acryl und Blattgold auf Leinwand, 4-teilig, 179,5 x 558 cm (Detail) Inside, 2019, acrylic and golden leaf on canvas, 4 parts, 179,5 x 558 cm (detail) 129

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Meda Norbutaitė Litauen/Lithuania

"Menschliche Beziehungen fesseln mich, von ihnen ausgelöste Zustände oder Verhalten, in alltäglichen Existenzen sowie auch bestimmten Bereichen der Geschichte, Religion oder Politik. Meine Kunst verweilt auf diesen Übertragungen täglicher Reflexionen oder Einsichten. Ich erforsche Ewigkeit und Unbeständigkeit, Wahrheit und Lüge, Leidenschaft und Erfahrung." *1969 in Litauen. Wandmalereistudium, Kunsthochschule Kaunas. MA Malerei & Kunstkritik, Šiauliai Universität. Außerordentliche Professorin für Kunst an litauischen Universitäten. Workshops in vielen Universitäten Europas. Einzel- und Gruppenausstellungen in Litauen und anderswo seit 1997. Aufenthalt in der Cité Internationale des Arts Paris 2017. Erhielt den Swiss Baltic Net Graduate Award. Nominierung Internationale Biennale für Malerei Chisinau. 2.

Preis beim Internationalen Kunstforum St. Petersburg. Mitglied der Litauischen Künstlervereinigung. Kuratorin von Kunstprojekten. Werke in privaten Sammlungen in Litauen, Estland, Österreich, USA, Frankreich, Italien und anderswo.

Blaues Blut II, 2016, Öl auf Leinwand, 120 x 150 cm Blue Blood II, 2016, oil on canvas, 120 x 150 cm 130

"I am captivated by human relationships, the states or behaviours that these provoke, from daily existence to certain aspects of history, religion or politics. My art dwells on those transmissions of daily reflections or insights. I explore eternity and impermanence, truth and lies, passion and experience." *1969 in Lithuania. Studied mural painting at the Kaunas Higher School of Arts.

Graduated from the Siauliai University, Faculty of Arts with an MA in painting and art criticism. Works as an Associate Professor of Arts at Lithuanian universities.

Held art workshops in many European universities. Since 1997, solo and group exhibitions in Lithuania and abroad. In 2017, residency in the International City of Arts in Paris. Received the Swiss Baltic Net Graduate Award. Was nominated in International Chisinau Painting Biennial. Winner of the Second Prize at the International Art Forum in St. Petersburg. Member of Lithuanian Artists' Association.

Curator of art projects. Works held in private collections in Lithuania, Estonia, Austria, USA, France, Italy and others. www.medanorbutaite.lt

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‫ﺣﺎﻣد ﻧوروزی‬ Hamed Norouzi stützt sich auf die Kunstgeschichte und lehnt gleichzeitig die Konzepte historischer Gemälde in einer Tradition der künstlerischen Aneignung ab. Er kommt zu einer zeitgenössische Lesart der Kunstwelt, in der popkulturelle Elemente auf dem Körper der klassischen Kunst ruhen und diese scheinbar solide Welt herausfordern. Oft verwendet er in seiner Arbeit Bienen und verleiht so der von ihm geschaffenen historischen Stimmung einen mythologischen Dreh. Die Bienen lassen sich als Anknüpfungspunkt sehen, der knotengleich verschiedene Kulturen verbindet. Der Mythos der Biene nimmt bestimmte Rollen und Positionen in diversen saudiarabischen Kulturen und Koranbezügen ein. Früheuropäischen Mythologien galten Bienen als Götterboten, verknüpft mit Leben und Tod der Menschen. Derartige interkulturelle Anspielungen, im Hintergrund verbunden mit geschichtlichen Verweisen auf iranische Kunst, ist genau die seltsame Mischung, die postmoderne Kunst ausmacht. *1991 in Teheran. Architektur-Ausgebildung. Biafarin Award in der NordArt 2019.

Hamed Norouzi

Iran

Hamed Norouzi relies on the history of art and, simultaneously, rejects the concepts of historical paintings in a tradition of artistic appropriation. He achieves a contemporary take of the art world where elements of pop culture rest on the body of classic art and challenge this seemingly solid world. Norouzi often uses bees in his work, adding a mythological twist to the historical atmosphere he creates. The use of bees can be considered as a point of reference, like a knot linking different cultures. A myth of a bee has its specific role and place in various Saudi traditions and Quran references. In the early European mythologies, the bees were regarded as messengers of gods, related to human life and death. Such cross-cultural hints, along with historical references to Iranian art on background, is exactly the curious blend that characterises post-modern art. *1991 in Tehran. Educated in architecture. 2019, Biafarin Award at NordArt.

Don Quichotte, 2021, Öl auf Leinwand, 130 x 130 cm Don Quixote, 2021, oil on canvas, 130 x 130 cm 131

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Rodion Petroff Litauen/Lithuania

Erkennbare Stadtlandschaften und die konventionellen sozialen Interaktionen der Figuren darin vermitteln die Illusion alltäglicher Routine. Rodion Petroffs architektonische Landschaften sind wie Schlüssel zur Vergangenheit im Gewand historischer Codes. Das künstliche, von Menschen geschaffene System Stadt nimmt zu verschiedenen Zeiten unterschiedliche Formen und Gestalten an. *1985 in Klaipeda. MA der Kunstakademie Vilnius 2011. Publikumspreis der Jeune Création Européenne Biennale 2011 und 2013. Zehn Einzelausstellungen, u.a.: 2019: "Noise", Arka Galerie Vilnius; Baroti Galerie, ArtVilnius2019. Einzelausstellungen 2018: "Noise", Klaipeda Culture Communication Center; Agardh & Tornvall Galerie, Stockholm; "In Search of the Past", Galerie Leger, Malmö. Teilnahme an mehr als 30 Gruppenausstellungen in Litauen, Deutschland, Polen, den Niederlanden, Schweden, Norwegen, Belgien, Frankreich, Italien, Spanien, Portugal, Österreich, Russland, Ungarn, Slowakei und China.

Recognisable urban landscapes and conventional social interactions of the figures create an illusion of daily routines. Rodion Petroff's architectural landscapes are a key to the past, dressed in a historical code. The city, an artificial system created by humans, takes varying shapes and forms at different times. *1985 in Klaipeda. In 2011, he graduated Vilnius Academy of Arts (VDA KVDF) with an MA in arts. In 2011 and 2013, he received the People’s Prize in Jeune Création Européenne biennale. Ten solo shows a.o.: in 2019, "Noise", Arka Gallery and Baroti gallery, ArtVilnius2019, Vilnius, Lithuania. In 2018, "Noise", Klaipeda Culture Communication Center (KCCC), Klaipeda, Lithuania. Agardh & Tornvall gallery, Stockholm, Sweden. "In search of the past", Galerie Leger, Malmo, Sweden. Participation in more than 30 group exhibitions in Lithuania, Germany, Poland, Holland, Sweden, Norway, Belgium, France, Italy, Spain, Portugal, Austria, Russia, Hungary, Slovakia and China. www.rodionpetroff.com

Bereits rot II, 2021, Öl auf Leinwand, 140 x 110 cm • 1. und 2., 2018, Öl auf Leinwand, 140 x 120 cm Already red II, 2021, oil on canvas, 140 x 110 cm • 1st and 2nd, 2018, oil on canvas, 140 x 120 cm 132

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Juss Piho

Estland/Estonia

"Was ich male, ist großenteils die Synthese von bestimmten Erfahrungen und deren schwer in Worte zu fassenden Fragmenten. Es sind die Beziehungen zwischen den positiven und negativen Gefühlen in unerklärlichen Situationen, menschlichen Empfindungen und Momenten. In der Erinnerung an scheinbar unwichtige Details spiele ich zunächst alle möglichen Kompositionen durch, um dann die für mich eindrucksvollsten festzuhalten. Ziel meiner Arbeit ist nicht die Fülle der Farbe, aber der Grad der Farbabstufung und -intensivierung sowie die Komposition spielen eine sehr wichtige Rolle." *1963 in Tallinn. Lebt und arbeitet dort als freischaffender Künstler. Mitglied im Estnischen Künstlerbund. Seit 1987 zahlreiche Einzel- und Gruppenausstellungen in Estland, Finnland, Norwegen, Irland, der Slowakei, Russland, Deutschland, Italien, Iran, Japan und den USA. Seine Arbeiten sind in privaten und öffentlichen Sammlungen in der ganzen Welt vertreten.

"In large part, what I paint is a synthesis of certain experiences and their fragments which are difficult to put into words. It's a relationship between positive and negative feelings of inexplicable situations, of human feelings, of moments.

Remembering the seemingly unimportant details, I first play with all sorts of memory compositions and hold onto the most impressive ones for me. The fullness of colour is not the goal of my work but the degree of colour gradation and intensification, as well as the composition, play a very important role." *1963 in Tallinn, Estonia. Lives and works as a freelance artist in Tallinn. Member of the Estonian Artist's Association. Since 1988, numerous solo and group exhibitions in Estonia, Finland, Norway, Ireland, Slovakia, Russia, Germany, Italy, Iran, Japan and the United States. His works are represented in private and public collections throughout the world. www.jusspiho.com

Ankunft, 2021, Öl auf Leinwand, 200 x 200 cm Arrival, 2021, oil on canvas, 200 x 200 cm 133

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Subhendu Porel Indien/India

Umweltethik und menschliche Werte lösen herausfordernde philosophische Debatten über menschlichen Umgang mit Umweltverschmutzung aus. Der Abbau natürlicher Rohstoffe, die Zerstörung von Ökosystemen und der Klimawandel sind Teil der Umweltethikdebatte. Man sieht, dass der Mensch innerhalb dieser Thematik schwierige Entscheidungen treffen muss. Die sogenannte Intelligenz macht den Menschen zwar zu einer besonderen globalen Spezies, die aber in ihrer Entwicklung den Umgang mit der Natur vergisst und immer noch Kriege führt. Subhendu Porel kombiniert in jüngeren Arbeiten zu diesen Themen Realität und surreale Bilder. In ihnen koexistieren positive und negative Haltungen. Die Zivilisation steht vor der großen Frage, ob sie sich noch weiterentwickelt. *1974 in Kolkata, Indien. Abschluss am Government College of Art & Craft, Kolkata 1998.

Ironie, 2014, Öl auf Leinwand, 190 x 274 cm Irony, 2014, oil on canvas, 190 x 274 cm 134

Environmental ethics along with human values make for a challenging philosophical debate. Human impact on environmental pollution, the depletion of natural resources, destruction of ecosystems and climate change are all part of this debate. And we see that within the discipline of environmental ethics, there are tough ethical decisions to consider. Our so-called intelligence is turning human beings into a different species entirely. A species at war with nature, still evolving but perhaps in the wrong direction. His recent works on this subject is a combination of reality and surreal imagery. Civilization faces the big question – are we advancing at all? *1974 in Kolkata, India. Graduated from Government College of Art & Craft, Kolkata in 1998. www.subhenduporel.com

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Igor Eugen Prokop Ungarn/Hungary

"Im endlosen Universum existieren, ungeachtet unseres Denkens und Wissens, von besonderen Humanoidwesen geschaffene Welten. Möglicherweise ist dies selbst Voraussetzung für den Betrieb des ganzen Systems durch den Schöpfer.

Gott bedarf wohl kaum eines defekten, irreparablen "Bauteiles" wie einer sterbenden Erde mit all ihrer Natur und ihren Lebensformen. Er würde es einfach auf den kosmischen Müllhaufen werfen. Um das zu verhindern und den Prozess möglichst umzukehren, wird zur Steuerung und zum Ausdruck von Gefühlen und Gedanken die Kunst sowie ein spezielles System kreativer Köpfe benötigt. Kunst entsteht am selben Ort wie wissenschaftliche Erkenntnisse – im menschlichen Hirn. Nach bestem Wissen könnten wir dieses als höchste Errungenschaft der Natur betrachten, als Gottes Meisterwerk. Die Gesamtfülle an Kunstwerken bildet ein wesentliches Element kollektiven irdischen Bewusstseins. Die Fähigkeit zur Kreativität ist für Schöpfer und Erdenbewohner gleichermaßen wichtig und könnte für Gottes Mission, das gesamte Universum zu steuern, sogar von entscheidender Bedeutung sein."

"In the infinite universe, irrespective of our thoughts or knowledge, there are other worlds created by special humanoid beings. This, perhaps, is even a prerequisite for the Creator, to operate the entire system. God has no real need for a broken and irreparable 'component' like dying Earth with all its nature and lifeforms. God will just chuck it to the cosmic garbage heap. To stop and reverse the Earth's decline, art and a special system of creative minds are required for guidance, to express feelings and thoughts. The birthplace of art and science is the same - the human brain. To our best knowledge, the human brain could be nature's highest accomplishment, God's masterpiece. An abundance of artworks forms an important element of collective consciousness on Earth. Our ability to be creative is important both to the Creator and the earthlings and could even be instrumental to God's mission to operate the whole Universe." www.prokopigoreugen.com

Lebensrevolution, 2020, Acryl auf Leinwand, 233 x 300 cm Life Revolution, 2020, acrylic on canvas, 233 x 300 cm 135

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QIN Chong China

"KONKAV KONVEX" Die Menschen verlangen unsrer Welt zu viel ab, und Menschenhand hat sie aus dem Lot gebracht.

Der Horizont, alles darüber wie darunter, ist rational aufgebaut, mit Tag und Nacht, konkav und konvex, sie sind unbestritten.

"concave convex" People demand too much from our world, By a hand of a man, the world got out of order.

Everything above and below the horizon is rationally constructed, With day and night, concave and convex, they remain undoubted.

Für Qin Chong bildet seit den 90er-Jahren "Schwarz-Weiß" den Kern seines künstlerischen Schaffens und Forschens. Durch sein "Schwarz-Weiß – Eine Frage des Prinzips" leitet er Debatten über die Zukunft kultureller Wahrnehmung von Nationen in Zeiten der Globalisierung ein. *1968 in Xinjiang, China. Lebt und arbeitet derzeit in Peking und Berlin. Seine Arbeiten wurden in Museen, Galerien und auf internationalen Kunstmessen in Deutschland, China, Hongkong, Taiwan, Japan, Korea, Singapur, Italien, der Schweiz und den USA ausgestellt.

Since the '90s, "Black and White" has been the core of Qin Chong's artistic expressions and research. With his main topic "Black and White – A Matter of Principle" he discusses the future of cultural perception of nations in times of globalisation. *1968 in Xinjiang/China, Qin Chong lives and works today in Beijing and Berlin.

His works have been shown in museums, galleries and at international art fairs in Germany, China, Hong Kong, Taiwan, Japan, Korea, Singapore, Italy, Switzerland and the US. www.qinchong.com

KONKAV KONVEX, 2020, Papier, 310 x 720 x 9 cm concave convex, 2020, paper, 310 x 720 x 9 cm 136

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Братислав Радовановић

Bratislav Radovanović

Die Bedeutungsebenen in den Arbeiten von Bratislav Radovanović bauen auf dem künstlerischen Erbe verschiedener Epochen auf und stecken voller Energie und Wissen, die sie aus den Bräuchen und Traditionen, den Glauben und Lebensweisen vergangener Zeiten beziehen. Die drei Männer beim "Risiko", einem Welteroberungs-Brettspiel, stellen eine moderne Replika der drei Propheten dar.

Scheinbar suchen sie auf der Weltkarte Bethlehem und unterhalten sich dabei über die Opfergaben für Gottes Sohn, der die gefallene moderne Welt erlösen wird.

Der Titel des Gemäldes "Deep Blue" bezieht sich auf den ersten Schachcomputer der Geschichte, der einen Menschen besiegte, wodurch dieses zum Symbol für den Übergang zwischen zwei Jahrhunderten wird.

Bratislav Radovanović creates paintings layered with meaning, building upon the artistic heritage of different cultures and periods. His paintings are filled with wisdom and energy, gathered from customs and traditions, beliefs and lifestyles of bygone eras. The three men, playing a children's world conquest board game, are portrayed as a modern replica of the three prophets. They appear to be searching for Bethlehem on the world map while conversing about the offerings to the son of God who will bring salvation to the fallen modern world.

The painting "Deep Blue" symbolises the transition between two centuries. It was named after the computer that defeated a man in a chess game for the first time in history.

*1972 in Skopje, Mazedonien. 1993–1997 BA und 1997–2002 MA in Grafikkunst der Fakultät für Bildende Kunst, Pristina. Lebt und arbeitet in Belgrad.

Serbien/Serbia

*1972 in Skopje, Macedonia. 1993–1997, a BA and 1997–2002, an MA in graphic art, Faculty of Fine Arts, Pristina. Lives and works in Belgrade. http://bratislavradovanovic.com

Risiko, 2019, Öl auf Leinwand, 80 x 170 cm The Risk, 2019, oil on canvas, 80 x 170 cm 137

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Ranka Radovanović

Ранка Радовановић

"Die Szene selbst erscheint recht gewöhnlich, wie etwas von Geburt an Bekanntes, das schon immer da war. Ein Bild des Himmels und der Erde, vertraut und weit verbreitet in der Kunst. Doch der besondere Winkel erhebt es. Hier erscheinen Himmel und Erde nicht in ihrer bekannten Art und Weise, sondern als eine neue Art von Himmel, in dem ich mich selbst befinde, während die Erde weit unter mir liegt. So wird der Himmel zu unserem Element und Bewegungsraum, vertraut und geliebt, während die Erde diejenige ist, die fern, geheimnisvoll und unbekannt wirkt." *1977 in S. Palanka, Serbien. Abschluss in Malerei 2003 und Aufbaustudium 2007, Universität der Künste in Belgrad. Auszeichnungen: 2. Preis der Spring Annale Čačak 2014; besondere Anerkennung der Jury der XI. Internationalen Biennale für Miniaturkunst in G. Milanovac 2012; Preisträgerin M.-Janjusevic-Fond der Fakultät der Bildenden Künste Belgrad 2003; Preis der Fakultät der bildenden Künste "Cuca Sokic", Belgrad 2002. Lebt und arbeitet in Belgrad.

"The scene itself is somewhat generic, a scene that we've known since birth – an image of the Sky and Earth, familiar and widely used in art but the unusual presentation makes it stand out. We'll find ourselves in a new kind of Sky while the Earth lies far beneath us. Suddenly, the Sky becomes our element, our playground, familiar and dear, while Earth is the one which is far away, mysterious and unknown."

Serbien/Serbia

Do Not Walk Outside This Area, 2007, Öl auf Leinwand, 5-teilig, 220 x 800 cm (Detail) Do Not Walk Outside This Area, 2007, oil on canvas, 5 parts, 220 x 800 cm (detail) 138

*1977, S.Palanka, Serbia. Graduated from the University of Arts, Belgrade, in painting (2003) and postgraduate studies (2007). Awards: 2014, the second prize at Spring Annals, Čačak, Serbia; 2012, Special Recognition of the Jury, XI International Biennial of Miniature Art in G.Milanovac, Serbia; 2003, Faculty of Fine Arts award from the M.Janjusevic fund, Belgrade; 2002, Faculty of Fine Arts award Cuca Sokic, Belgrade. Ranks lives and works in Belgrade. www.rankaradovanovic.com

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Horst-Hagen Rath

Deutschland/Germany

Die Bilder Horst-Hagen Raths gehören zur Tradition des Realismus. Sie fügen auseinanderliegende Phänomene zu Konstellationen zusammen – wie Sterne zu Sternbildern. So formen sie den fantastischen Realismus seines Lehrers Rudolf Hausner zum hermeneutischen Realismus um. Der hermeneutische Realismus zeigt nicht die Realität. Er zeigt eine Deutung der Realität. Der hermeneutische Realismus ist deutungschronistisch. Die Themen seiner Deutungschronik sind: Sexualität und Tod, Religion und Leiblichkeit. (Hermann Hartmann)

Horst-Hagen Rath's paintings carry the tradition of realism. They combine disparate phenomena into constellations – like the stars form stellar constellations.

His art transforms the fantastic realism of his teacher Rudolf Hausner into hermeneutic realism. Hermeneutic realism does not show reality. It shows an interpretation of reality. Hermeneutic realism is interpretive chronology. The themes of its interpretive chronicles are sexuality and death, religion and corporeality.

(Hermann Hartmann)

*1952 in Beetenbrück. 1970–1977 Studium an der Hochschule für Bildende Künste Hamburg, bei Hans Thiemann, Rudolf Hausner, Meret Oppenheim, Alfred Hrdlicka, Ulrich Rückriem, Almir Mavignier. 1993–1996 Vorsitzender des Berufsverbands Bildender Künstler, Region Lüneburg. Lebt und arbeitet in Asendorf, Landkreis Harburg.

*1952 in Beetenbrück. 1970–1977, studies at the Hamburg University of Fine Arts, with Hans Thiemann, Rudolf Hausner, Meret Oppenheim, Alfred Hrdlicka, Ulrich Rückriem, Almir Mavignier. 1993–1996, Chairman of the Professional Association of Fine Artists, Lüneburg Region. Lives and works in Asendorf, Harburg district. www.artoe.de

Narrenschiff 2, 2019, Öl auf Leinwand, 210 x 190 cm Ship of Fools 2, 2019, oil on canvas, 210 x 190 cm 139

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Barana Saadat Iran

‫ﺑﺎراﻧﺎ ﺳﻌﺎدت‬

Die Gemälde-Serie "Metamorphismus" befasst sich mit den Lebensumständen postmoderner Menschen. Sorge, Angst, Aufruhr, Skepsis, Misstrauen und Hilflosigkeit zeichnen heutzutage die Menschheit aus. Sich zu sorgen ist natürlich, doch haben wir die Verbindung mit uns selbst verloren. Selbst in Momenten stiller Besinnung wissen wir nicht mehr, wer wir sind. Das Verdrängen und die Angst vor der Selbstfindung berauben den Menschen seiner wahren Identität.

Darüber hinaus wurde das spirituelle Heiligtum, das einstige Vermächtnis unserer Vorfahren, in den Kämpfen zwischen Wissenschaft, Philosophie, Tradition und Religion zerstört. Saadat sorgt sich zutiefst um die Menschheit. In wunderschönen, tiefen Farben fängt sie die Dissonanz zwischen unserem irrsinnigen Hunger nach Spaß und unserem fehlenden Bewusstsein ein. *1991. Barana studiert seit 2009 Grafik und Ölmalerei. Auf Basis kunstgeschichtlicher Recherchen arbeitet sie an einer neuartigen Methode, philosophische Ideen, die der Logik entspringen, in visuelle Sprache zu verwandeln.

The paintings from a series "Metamorphism" observe the circumstances of a postmodern humankind. Anxiety, fear, turmoil, scepticism, distrust and helplessness are the outstanding characteristics of a contemporary man. Being concerned is natural but we have lost the connection with ourselves. Even in the moments of quiet contemplation, we don't know who we are any more. Evading and fearing self-discovery deprive humans of their true identity and the battles between science, philosophy, tradition and religion have destroyed the spiritual sanctuary that once was the legacy of our ancestors. Barana is deeply concerned for humanity and captures the dissonance between our idiotic hunger for pleasure and lack of conscience in beautiful deep colours. *1991. Barana has been studying drawing and oil painting since 2009. She has researched the history of art and is working on a new method of converting philosophical ideas, derived from logic, into visual art. www.instagaram.com/barana_saadat_

Schweinereich, 2019, Öl auf Leinwand, 155 x 125 cm • Liebe im Mai, 2019, Öl auf Leinwand, 200 x 150 cm Pig's Kingdom, 2019, oil on canvas, 155 x 125 cm • Love in May, 2019, oil on canvas, 200 x 150 cm 140

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Сафронова Мария *1979 in Rzhev, Russland. Maria Safronova machte 2003 ihren Abschluss am Surikov Moscow State Academic Art Institute und 2011 am Moskauer Institut für Gegenwartskunst. Sie wurde in die InArt Top 100 der anerkannten Künstler:innen Russlands ebenso aufgenommen wie in das russische Investment Art Rating 49ART, das herausragende zeitgenössische Künstler:innen unter 50 repräsentiert.

2012 war sie Finalistin beim Kandinsky-Preis, für den sie 2014 und 2017 ebenfalls nominiert wurde. 2016 Curator's Choice bei der jährlichen Sommerauktion des Boston Museum of Fine Arts. 2015 gewann sie den Sergey-Kurekhin-Preis für das beste Werk der Visuellen Kunst. Werke von Maria Safronova befinden sich in folgenden Sammlungen; MMOMA in Moskau; Erarta-Museum für zeitgenössische Kunst in St. Petersburg; Sergey Kuryokhin Modern Art Center in St. Petersburg; Chinese Museum of Women and Children in Peking sowie in einer Vielzahl von Privatsammlungen in Russland und im Ausland.

Maria Safronova

Russland/Russia

*1979 Rzhev, Russia. Maria Safronova graduated from the Surikov Moscow State Academic Art Institute in 2003 and from the Institute of Contemporary Art in 2011. She was included in the Top 100 Recognised Artists of Russia, according to InArt. She features in the Russian investment art rating 49ART that represents outstanding contemporary artists. She became a finalist of the Kandinsky Prize in 2012 (nominee in 2014 and 2017); Curator's Choice at the Boston Museum of Fine Arts annual summer auction in 2016; Sergey Kurekhin Prize in the nomination for the Best Work of Visual Art in 2015. The works of Maria Safronova are in the collections of the MMOMA (Moscow, Russia), the Erarta Museum of contemporary art (St. Petersburg, Russia), the Sergey Kuryokhin Modern Art Center (St. Petersburg, Russia), The Museum of Chinese Women and Children (Beijing, China), as well as in a variety of private collections in Russia and abroad. www.mariasafronova.com

Stadtrand, 2018, Öl auf Leinwand, Holztafel, 45,2 x 71 cm • Trommler, 2018, Öl auf Leinwand, Holztafel, 78 x 45 cm Outskirts, 2018, oil on canvas, wooden panel, 45,2 x 71 cm • Drummer, 2018, oil on canvas, wooden panel, 78 x 45 cm 141

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Dayah Salim Brunei Darussalam

"Ich entdeckte meine Leidenschaft für die realistische Malerei während des Studiums in Malaysia. "Desolate" basiert auf meiner persönlichen Erfahrung von emotionalem Missbrauch und Schmerz und stellt die Benommenheit im Gefängnis aus Leid, Manipulation, Unsicherheit und Demütigung durch fünf Elemente dar – die menschliche Figur, Wasser, die Glasabtrennung, Augen und Hände. Das Opfer schaut aus dem Wasser flehend empor. Kräuseleffekte verzerren sein Gesicht, das zeigt den Schmerz. Negativ gesehen ertrinkt man unter Wasser, positiv gesehen wird das Leid fortgewaschen, man ist geborgen vor der Lebenswirklichkeit. Diese zeigt sich in der chaotischen, 'lauten' Struktur der Wasseroberfläche.

Die verbreitete Angst vor dem Hilferuf, den der Täter ja hören könnte, zeigt sich im Zögern der Person, die Hände auszustrecken. Schließlich repräsentieren die Tropfen auf der Glasscheibe Tränen. Was ich sagen will, ist: Ignoriert nicht Menschen, die still leiden. Helft ihnen, indem ihr sie wissen lasst, dass sie nicht allein sind." *1995 in Brunei Darussalam. BA (Hons) Fine Arts, UNIMAS, Malaysia. Dayah Salim hatte bereits Ausstellungen in Brunei und Malaysien und gewann verschiedene Preise für ihre Arbeit.

Trostlos, 2019, Mischtechnik auf Leinwand, 183 x 305 cm Desolate, 2019, mixed media on canvas, 183 x 305 cm 142

"I discovered my passion for realistic painting whilst studying for my A-levels and, later, for my degree in Malaysia. My painting "Desolate" is based upon a personal experience of emotional abuse and pain. Victims of abuse tend to remain silent and live in fear. In my painting, the victim floats underwater, trapped behind an invisible barrier of pain and humiliation. The (under)water element serves as a metaphor for shame as well as healing. The victim is drowned by abuse but also hidden from further humiliation, lonely but recovering, not ready to return to the rough surface of real life. The distortion of waves represents the victim's self-esteem. The hands are powerless and hesitant to ask for help, fearing another rejection. I hope to evoke a reaction from the viewer. Perhaps, when you encounter someone who is silently suffering, you won't ignore them. They are helpless and need your support. This is the intention of my artwork, to share and to let the victims out there know they are not alone. My art speaks for all the silenced people." *1995 in Brunei Darussalam. BA (Hons) Fine Arts, UNIMAS, Malaysia. Exhibitions in Brunei and Malaysia and several awards. instagram.com/dayah_s_art/

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Ana Schmidt Spanien/Spain

"Meine Gemälde stellen urbane Ödnis realistisch dar. Auf der Suche nach faszinierenden Motiven durchstreife ich menschengemachte Plätze. Diese Abbilder gegenwärtigen Lebens zeichne ich detailgetreu auf, zeige bröckelnde Bürgersteige, marode Mauern, Graffiti. Alltagsdinge zählen in diesen Bildern als Thema, als "gewisses Extra". Üblicherweise übergehen wir solche Dinge, würdigen sie nicht als visuelle Quelle der Kunst. Bei mir finden sich verlassene Räume, Müll, Verfall, also Dinge, die kaum zu ernsthaften Bildsujets gereichen. Die meist recht unattraktiven Orte meiner Stadtrandlandschaften sind nach dem Überdauern ihres ursprünglichen Zwecks jetzt überwuchert und übersät mit Spuren menschlicher Aktivität. Obwohl ich bevorzugt Landschaften meiner Umgebung bearbeite, geht es mir statt detaillierter Auskunft zu irgendwelchen bestimmten Orten vielmehr um Allegorien und Reflexionen modernen Lebens. Als Resultat bleiben Meditationen über Orte sowie ortsbezogene zeitgenössische Erinnerungen, von denen die Logik menschengemachter Räume untergraben wird."

"My paintings are realistic depictions of urban wasteland. I navigate the manmade environment to discover subjects that intrigue me. I record detailed reflections of modern life, crumbling pavements, broken walls, graffiti tags. In these images, the stuff of daily life counts as the subject, the 'something' of the picture.

My paintings include abandoned spaces, rubbish and decay. Ordinarily, we just walk past, we don't give these objects any credit as desirable subjects for art.

My landscapes are often of the outskirts of the cities, usually quite unattractive.

These are places that have outlived their original purpose, now overgrown and littered with traces of human activity. Although I prefer to work on landscapes around me, I am not focused on giving detailed information about any specific location; I am interested in allegories and reflections of modern life. The resulting subjects are meditations of a place, location-based memories of modern life, subverting the logic of a man-made space." www.schmidtana.com

Dies ist kein Graffiti, 2015, Öl auf Leinwand, 120 x 180 cm This is not graffiti, 2015, oil on canvas, 120 x 180 cm 143

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Aleksandra Staniorowska-Buła Polen/Poland

Die Malerei ermöglicht es mir, die Gegensätze zu vereinen – aufwendig geplante Unternehmungen und zufällige Ereignisse. Meine Themen sind vielseitig, und mein Stil mäandert zwischen Abstraktion und Realismus. Das verbindende Element ist der Hintergrund, dessen Struktur an organisches und ungebändigtes Element erinnert und die Materie vibrieren lässt. Ein Wechselspiel zwischen den sorgfältig geplanten und den unvorhersehbaren Dingen erinnert an das Leben selbst. Dieses lässt sich unmöglich in einem einzigen Projekt fangen. Es entzieht sich der festgelegten Ordnung und entwickelt eine Eigendynamik, die alle Pläne dem Zufall und dem Geheimnis unterwirft." *1990 in Wrocław, Polen. 2017 MA in Malerei an der Eugeniusz-Geppert-Akademie für Kunst und Design in Breslau. Preisträgerin zahlreicher nationaler und internationaler Wettbewerbe, darunter Jesienne Konfrontacje Triennale (2019), Nowy Obraz. Nowe Spojrzenie (2017) sowie Osten Biennial of Drawing (2016).

Januar, 2018, Öl auf Leinwand, 120 x 140 cm January, 2018, oil on canvas, 120 x 140 cm 144

"Painting allows me to unite the opposites – elaborately planned ventures and accidental events. The subject matter of my work is diverse, and my style meanders from abstraction to realism. Beyond the subject matter, my paintings are linked by the background. The background structures bear a resemblance to organic elements, unbridled, pulsating with energy. The play on contradictions between the carefully planned and the unpredictable is like life itself. It's impossible to capture it in a single project. As the plans get subjected to chances and secrecy, they escape the established order and take on a life of their own." *1990 in Wrocław, Poland. In 2017, graduated from the Academy of Fine Arts, Wrocław, with an MA in painting. Finalist in competitions such as Jesienne Konfrontacje 5th Triennale of Contemporary Polish Painting (2019), Promotions 28th All-Poland Review of Young Painters (2018), Nowy Obraz. Nowe Spojrzenie (2017), Osten Biennial of Drawing (2016). instagram.com/stanbul.art

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Jörg Strobel Deutschland/Germany

Jörg Strobel beobachtet in seiner Werkreihe Menschen bei der Nahrungsaufnahme. Seine aufwendigen Ölgemälde berichten von Massenproduktion und Nachhaltigkeit, Konsum und Verzicht, Genuss und Kasteiung. Was bedeutet Essen in unserer Zeit? Verbindet es die Menschen oder trennt es sie voneinander? Ist Essen gar zur Ersatzreligion geworden? Der moderne Mensch lebt nach eigenen Vorstellungen, soziales Miteinander weicht der individuellen Verwirklichung. Im Zentrum steht "Das Mahl". Angelehnt an die Abendmahlszenerie von Leonardo da Vinci setzt Strobels Ölgemälde die unterschiedlichen Essenstypen der heutigen Zeit gemeinsam an einen Tisch. Vom Genießer über den Sportler und den Zügellosen bis hin zur Verweigerin offenbart der Maler eine facettenreiche und gleichzeitig fragmentierte Szenerie, die dem Betrachter die große Bandbreite an Ideologien und Lebensstilen vor Augen führt, die unsere Gesellschaft hervorbringt. In seinen Einzelporträts beleuchtet er außerdem auf plakative und surreale Weise den Dialog zwischen Mensch und Tier.

In his newest series, Jörg Strobel studies human's eating habits. His oil paintings illustrate mass production and sustainability, consumption and sacrifice, indulgence and mortification. How important are our eating habits? Do they connect or separate us? Could they be even serving as a substitute religion in society?

Modern man lives his life according to his own values and moral convictions; social interaction has been replaced by individual fulfilment. "Das Mahl", the centrepiece of Strobel's exhibition, takes inspiration from "The Last Supper" by Leonardo Da Vinci. Different eating habits are represented by carefully chosen characters, all gathered around the same table. It's all there, from a pretentious gourmet to an ambitious athlete, from a self-indulgent glutton to an anorexic who completely rejects all food. By presenting diverse ideologies, Strobel paints unique multifaceted scenery and invites the observer to question modern views on eating habits. With his portraits, he boldly and surreally addresses the dialogue between a man and other animals. www.joergstrobel.de

Die Hummernixe, 2019, Öl auf Leinwand, 140 x 100 cm • Der gute Hirte, 2019, Öl auf Leinwand, 119,5 x 89,5 cm The Lobster Mermaid, 2019, oil on canvas, 140 x 100 cm • The Good Shepherd, 2019, oil on canvas, 119,5 x 89,5 cm 145

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Ekaterina Taratynova

Екатерина Таратынова

Die Studie eines nackten weiblichen Körpers ist der prominenteste Aspekt in Taratynovas Arbeit. Die Abstraktion, Farbe, Licht, Harmonie, Komposition, Dunkelheit und Reinheit kommen an zweiter Stelle. Die Weiblichkeit wird mit hellen Tönen hervorgehoben und sticht aus der dunklen und melancholischen Umgebung hervor. Die Abstraktion gibt die Möglichkeit, in das Wesentliche der Malerei einzudringen und Eindrücke mithilfe der Farbsprache wiederzugeben. Es gelingt ihr, Momente von friedlicher Schönheit, Einsamkeit und Stimmungen einzufangen.

The study of a nude female body is the most prominent aspect in Taratynova's work. The abstraction, colour, light, harmony, composition, darkness and purity come a close second. Femininity is highlighted with bright tones and stands out in the dark and melancholic surroundings. The abstraction lends an opportunity to penetrate the essence of painting and reproduce impressions using the colour language. She manages to capture moments of peaceful beauty, loneliness and moods. *1980 in Moscow in an artistic family of the Ananievs. 1991–1998, studied at the Moscow Academic Art School in the Russian Academy of Arts. 1998–2002, studied at the Academy of Fine Arts, Wackers Academy, Amsterdam, The Netherlands. Member of the International Artists' Association of Russian Artists.

Since 1995, had exhibitions in Europa, United Kingdom and Russia. Since 2015, co-organiser of the art centre Artland Castle Strijthagen in The Netherlands. www.katjataratynova.com • www.artland.top

Russland/Niederlande/Russia/Netherlands

*1980 in Moskau in der Künstlerfamilie Ananievs. 1991–1998 Moskauer Akademische Kunstschule an der Russischen Kunstakademie. 1998–2002 Akademie der bildenden Künste, Wackers Akademie, Amsterdam. Mitglied des Internationalen Künstlerverbands und des Nationalen Russischen Künstlerverbands. Seit 1995 Ausstellungen in Europa, England und Russland. Seit 2015 Mitorganisatorin des Kunstzentrums Artland Castle Strijthagen in den Niederlanden.

Mittag, 2018, Acryl auf Leinwand, 120 x 160 cm Midday, 2018, acrylic on canvas, 120 x 160 cm 146

MALEREI · PAINTING • GRAFIK · GRAPHIC • MIXED MEDIA

Fede Taus

Chile/Deutschland/Chile/Germany Fede Taus untersucht und malt die verschiedenen Wege, die geschichtlich die Landschaft als ästhetische Disziplin eingeschlagen hat. Sein Studienbereich reicht von klassischen, bürgerlich-bukolischen Landschaften bis zu den aktuellen Google-Maps-Fehlern im Street-View-Modus. Sein Verfahren stellt den Versuch dar, die politischen und ideologischen Zustände hervorzuheben, die Landschaft als visuelles Mittel im Westen enthält. *1984 in Santiago de Chile. Abschluss in Malerei an der Universität von Chile 2006. Zwischen 2009-2010 gründete er die Initiative "Sudaca Project". Von 2014 bis 2019 war er Assistent verschiedener Künstler in Chile und der Schweiz. 2016 wurde er als DAAD-Stipendiat Meisterschüler in der Klasse Neue Medien unter Leitung von Prof. Alba D'Urbano an der Hochschule für Grafik und Buchkunst Leipzig. Er hat an verschiedenen Ausstellungen in Chile und Deutschland teilgenommen. Derzeit lebt und arbeitet er in Leipzig.

Fede Taus explores landscape painting at a different angle from the historical aesthetic discipline. His study ranges from a classic bucolic bourgeois landscape to the Google Street View errors. The idea behind his search is to highlight the political and ideological position that the landscape has as a visual device in the West. *1984 in Santiago de Chile. Studied painting at the University of Chile in 2006.

Between 2009 and 2010, he created and founded the initiative "Sudaca Project".

During 2014–2019, he worked as an assistant to various artists in Chile and Switzerland. In 2016, he won a DAAD Scholarship, allowing him to study Meisterschüler in the New Media class directed by Prof. Alba D'Urbano at Hochschule für Grafik und Buchkunst Leipzig, Germany. He has taken part in exhibitions in Chile and Germany. He currently lives and works in Leipzig, Germany. www.instagram.com/fedetaus

Die Heimat ist fiktiv, 2018, Öl auf Leinwand, 16-teilig, je 135 x 70 cm • NN (Amerikanische Landschaft II), 2018, Öl auf Leinwand, 140 x 550 cm The homeland is fictitious, 2018, oil on canvas, 16 parts, each 70 x 135 cm • NN (American Landscape II), 2018, oil on canvas, 16 parts, 140 x 550 cm 147

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Konstanze Trommer Deutschland/Germany

Erinnern an den Wert des Lebens ist primäres Anliegen der Gemälde "Pieta mit Waschbär" und "Ostern", die den Charakter einer Pieta adaptieren und zugleich die Kostbarkeit der Schöpfung vor Augen führen. Die Gemälde knüpfen an die Qual aller leidenden Geschöpfe an und mahnen, nicht in der Opferrolle zu verharren. "Die Bilder Konstanze Trommers entspringen oftmals dem Mitgefühl mit dem misshandelten Tier. Sie machen darauf aufmerksam, wie die Lebewesen an des Menschen Seite auf verschiedene Weise erkennen und fühlen – 'mit demselben Anspruch wie wir, zu leben, zu lieben, zu spielen', so die Künstlerin selbst.

Die eindringliche Kunst Konstanze Trommers dürfte an dieser Humanität mitwirken und beitragen, eine Ethik der Lebensbewahrung zu errichten." (Prof. Dr. Peter Arlt "... Mensch und Tier bei Konstanze Trommer") 1977 Diplom im Fachbereich Flächengestaltung. Arbeitsgebiete: Bildende und angewandte Kunst, Kunst für öffentliche Räume, Grafikdesign, Lehre. Infos zu Ausstellungen, Kunstpreisen und Stipendien auf der Webseite:

The paintings "Pieta mit Waschbär" (Pieta with Raccoon) and "Ostern" (Easter) adapt the character of a pietà and demonstrate the preciousness of nature all at once. These paintings are primarily concerned with reminding us of the importance of life. They point at the agony of all suffering creatures and warn us not to take the role of a victim. "Konstanze Trommer's paintings often grow from her compassion for a mistreated animal. They draw attention to the different ways how we perceive and treat the creatures next to the humans – the creatures 'who got equal rights to live, to love, to play', says the artist herself. Konstanze Trommer's haunting art is her contribution to humanity and helps to establish the ethics of protecting all life." (Prof. Dr Peter Arlt, "... man and animal in Konstanze Trommer's work".)

1977, Diploma in surface design. Fields of work: Fine and applied arts, teaching.

Information on exhibitions, art prizes and scholarships at: www.konstanze-trommer.de

Pieta mit Waschbär, 2015, Acryl, Blattgold auf Gewebe, Mischtechnik, 180 x 80 cm • Ostern, 2016, Acryl, Blattgold auf Gewebe, Mischtechnik, 180 x 80 cm Pieta with Raccoon, 2015, acrylic, gold leaf on fabric, mixed media, 180 x 80 cm • Eastern, 2016, acrylic, gold leaf on fabric, mixed media, 180 x 80 cm 148

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Andrea Michaela Weiss Deutschland/Germany

Die Werke der Serie "Flash for Empathy" bieten den Betrachtenden hinsichtlich ihrer individuellen Mediennutzung sowie ihrer Position in der Gesellschaft einen großen Interpretationsspielraum, werfen Fragen auf, regen zum Nachdenken und zur Reflexion an. Es scheint der Glaube zu bestehen, dass ein besonderer Moment, eine besondere Kulisse, ein Ereignis, ein Erlebnis in den ewigen Besitz übergeht, wenn er gefilmt oder fotografiert wird. Dies erscheint wichtiger als gemeinsam mit dem Gegenüber den vergänglichen, unwiederbringlichen Moment zu genießen. Die Intention hinter den Werken ist ein Appell, ein Aufruf, wieder genauer hinzuschauen, den Blick zu heben, zuzuhören, in den Dialog zu treten, sich wieder Zeit für sein Gegenüber zu nehmen. Andrea M. Weiss verwendet stets kraftvolle Farbkombinationen, um dies hervorzuheben. Ihre Werke werden abschließend in einen Schattenfugenrahmen aus Stahl gerahmt. Dies verleiht den Arbeiten und der dahinterstehenden Botschaft Substanz und Nachhaltigkeit.

The "Flash for Empathy" series offers food for thought concerning our media use and where it stands in society. It raises questions, stimulates thinking and invites a reflection. There is a growing trend that every special moment, event and experience has to be preserved through a camera lens, made permanent on a video or a photograph. Disturbingly, this has become more important than enjoying the fleeting, irretrievable moments together. Her art is an invitation, a call to take a closer look, listen, enter into a dialogue and make time for a person next to you.

Andrea M. Weiss always uses powerful colour combinations to emphasise her compassionate message. She frames her works in steel to give her art and the underlying message more substance and sustainability." www.andrea-m-weiss.de

Aus der Serie "Flash for Empathy": Blind 6, 2018, Acryl auf Leinwand, 102 x 102 cm From the series "Flash for Empathy": Blind 6, 2018, acrylic on canvas, 102 x 102 cm 149

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Maria Wolfram Finnland/Finland

In ihrem einzigartigen Stil kombiniert Maria Wolfram Ölfarben, Tusche und Acryl.

Ihre Installationen, Skulpturen und Gemälde betreffen wiederkehrende Themen wie Identität, Gleichheit, In- und Exklusion, Machtbeziehungen. In Gemälden befasst sie sich mit Frauengeschichte, den Rollen- und Vorbildern von Frauen.

Ernste, brisante Themen spricht sie mit einer liebenswerten Frechheit an. Wie anders würde unsere Welt aussehen, wenn Frauen und Männer in der Vergangenheit gleich behandelt worden wären? Würden sich Frauen heute anders verhalten und auftreten, wenn die Geschichte weibliche statt männlicher Vorbilder bevorzugt hätte? *1961. Lebt und arbeitet in Helsinki. MA in Malerei von der Kingston University und MFA vom Chelsea College of Art and Design, beide in London. Ausstellungen weltweit. Teilnahme an Artist-in-Residence-Programmen in Italien, Griechenland, der Schweiz, Israel, Brasilien und Ungarn. Ihre Kunstwerke befinden sich weltweit in privaten und öffentlichen Sammlungen.

Maria Wolfram has a very unique style. She combines oil paints, Indian ink and acrylics as her medium. The recurring topics of her installations, sculptures and paintings concern identity and equality, inclusion, exclusion and powerful relationships. Her paintings look at the history of womanhood, the roles and role models of women. She is addressing serious, volatile issues with an endearing cheekiness. Would the world have been different if women and men had been treated equally in the past? Would women behave and perform differently today if history had favoured female role models instead of male? *1961. Lives and works in Helsinki, Finland. She graduated from Kingston University, London, with an MA in painting and from Chelsea College of Art and Design, London University, with an MFA. She has held exhibitions worldwide. Wolfram has participated in artist-in-residence programs in Italy, Greece, Switzerland, Israel, Brazil and Hungary. Her artwork is held in private and public collections throughout the world. www.mariawolfram.com

Was wäre, wenn Rembrandt Rembrandtine gewesen wäre? • Was wäre, wenn Bellini Bellinda gewesen wäre?, 2018, Tinte und Öl auf MDF, je 140 x 110 cm What If Rembrandt Had Been Rembrandtine? • What If Bellini Had Been Bellinda?, 2020, ink and oil on MDF, each 140 x 110 cm 150

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Xu Songbo

China

Künstler und Schriftsteller, die den Höhepunkt der chinesischen Zivilisation suchen, wenden sich oft der Tang-Dynastie zu. Die Ära der Offenheit und Innovation brachte einige der besten Kunstschaffenden in der Han-Zivilisation hervor. Es ist also nicht verwunderlich, dass die Zeit eine ähnliche Inspiration für Xu Songbo darstellt und er den Geist der Tang-Dynastie in seinen atemberaubenden Ölkompositionen einfängt. Als Künstler nutzt Xu Songbo die positive Energie, um den Zeitgeist vergangener Epochen in einer modernen Perspektive neu zu gießen. Aus seiner Sicht lässt sich der Geist der traditionellen Kultur als einer von Vertrauen, Freiheit, Toleranz, Weisheit, Romantik und Tatkraft zusammenfassen.

"Es wird die Anstrengung mehrerer Generationen brauchen, um unsere Wurzeln zu finden – den Geist der traditionellen Kultur", sagt Xu Songbo. *1971 in Nanyang, Henan. BA Fine Art Henan Universität. MA Fine Art China Central Academy of Fine Arts, Peking. Seit 2005 Außerordentlicher Professor für Malerei an der Academy of Fine Arts, Tianjin. Publikationen zum Geist traditioneller Kultur im modernen Kontext. Lebt und arbeitet in Tianjin und Peking.

Artists and writers who are seeking the pinnacle of Chinese civilisation often turn to the Tang Dynasty. It's an era of openness and innovation, credited with fostering some of the finest art and poetry in the history of Han civilisation. It's no surprise then that such an amazing era provides similar inspiration to Xu Songbo who captures the Tang spirit in his breathtaking oil compositions. As an artist, Xu uses positive energy to re-cast the zeitgeist of bygone eras in a modern perspective. From his point of view, the spirit of traditional culture can be summed up as one of confidence, freedom, tolerance, wisdom, romance and initiative. "It will take the effort of several generations to find our roots – the spirit of traditional culture", says Xu Songbo. *1971 in Nanyang, Henan. A BA in Fine Art, Henan University. An MA in Fine Art, China Central Academy of Fine Arts, Beijing. Since 2005, Professor of Painting at the Tianjin Academy of Fine Arts. Publications about the spirit of traditional culture in the modern context. Lives and works in Tianjin and Beijing.

Safari in der Tang-Dynastie, 2019, Öl auf Leinwand, 4-teilig, 200 x 600 cm (Detail) Safari in Tang Dynasty, 2019, oil on canvas, 4 parts 200 x 600 cm (detail) 151

MALEREI · PAINTING • GRAFIK · GRAPHIC • MIXED MEDIA

Ekaterina Zacharova

Екатерина Захарова

"Das Illusorische in dem Bewegungsablauf des Tanzes fesselt mich als Malerin am stärksten. Jeder einzelne Tänzer mit seinen von Exerzitien schmerzenden Füßen wird in den friesartigen Figurenreihen auf der Bühne zu einer Kreatur von kanonischer Schönheit. Aber auch sinnliche Dichte in dem Durcheinander der muskulösen Körper in den modernen Choreografien, Exaktheit in jeder beiläufigen Geste des Tanzes, exponiert in dem gespenstischen Schein der Kulissen lassen diese Lebewesen irreal erscheinen. Nirgendwo prallen die Gegenpole – Höhenfluge und Abstürze, Ekstase und Erschöpfung, Pathos und Desillusionierung, Magie und Manipulation – so gnadenlos aufeinander. Die Bühne, ein sakraler Platz für alle Mitwirkende, könnte auch als Schicksalsmetapher fungieren. Die Zeitlichkeit unserer Existenz und die Vergänglichkeit der Träume, die im Rampenlicht zu Materie werden, verschmelzen für mich zu einem Bild im Bild, zu einer Verdichtung der Wirklichkeit." *1968 in Moskau. Diplom für Malerei und Grafik der Surikov-Akademie. Publikumspreis der Nordart 2018. 2019 war sie auf der Biennale in Venedig vertreten.

"As a painter, I am thoroughly captivated by the illusionary effects born from dance movements. Every single dancer, with his feet aching from the exercise, becomes a creature of canonical beauty in the frieze-like rows of figures on the stage. The sensual concentration of tangled-up muscular bodies in modern choreographies, the precision in every gesture of the dance in the ghostly glow of stage lights make these creatures appear illusive. Nowhere else do the opposites collide so mercilessly – flights of fancy and broken dreams, ecstasy and exhaustion, pathos and disillusionment, magic and manipulation. The stage, a sacred place for all participants, could also be a metaphor for fate. For me, the temporality of our existence and transience of dreams become a substance in the stage light, blending into a picture within a picture, a compacted reality."

Russland/Deutschland/Russia/Germany

*1968 in Moscow. A Diploma in Painting and Graphics from the Surikov Academy.

2018, NordArt's Public Choice Award. 2019 represented at the Venice Biennale. www.zacharova.de

Nymphen und Satyrn (Serie Alchemical Dance), 2019, Öl auf Leinwand, 150 x 330 cm (Detail) Nymphs and Satyrs (series Alchemical Dance), 2019, oil on canvas, 150 x 330 cm (detail) 152

MALEREI · PAINTING • GRAFIK · GRAPHIC • MIXED MEDIA

Agata Żychlińska

Polen/Poland

"Alles dreht sich ums Verstehen. Ich als Person probiere, meine eigene und andere Spezies zu verstehen. Beziehungen sind die Bausteine des Lebens. Es gibt Partner, Mütter, eine Nachbarin, einen Arbeitgeber. Ist die Beziehung intim, öffentlich, geheim, gespielt oder echt? Finde es heraus, indem du genau hinsiehst. Es verbirgt sich in Gesten, Posen, Blicken. In meinen Bildern versuche ich es einzufangen, um diese Sprache zu lernen. Ich möchte universelle Geschichten erzählen, in Formen.

Lernen tue ich, indem ich Fremde und Freunde gleichermaßen beobachte. Mich selbst natürlich auch." *1992 im Dorf Stara Łubianka, Polen. Malereistudium an der Akademie für Bildende Künste Danzig. 2016 MA an der Eugeniusz-Geppert-Akademie der Bildenden Künste. Ihre Diplomarbeit "Rekonstruktion des alltäglichen Lebens" beruhte auf der Beobachtung eines gewöhnlichen Tages. Ihre Bilder wurden bereits in Oxford, Luxemburg, Indien und Polen ausgestellt. Lebt und arbeitet in Wrocław.

"It is all about communication. I'm a human, trying to understand my own species and the animals. Relationships are the building blocks of our life. Take a partner, a mother, a grandmother, a neighbour or an employer. Is the relationship intimate, public, secret, for show or for real? Look closely and you can find out.

It's hidden in gestures, poses and looks. I'm trying to capture it in my paintings, trying to learn this language by observing strangers and friends, observing myself. I long to tell these stories in shapes.

I was born in a small village Stara Łubianka in Poland. My journey began with painting at the Academy of Fine Arts in Gdansk. In 2016, I earned my masters degree in Eugeniusz Gepperts' Academy of Fine Arts. My diploma Reconstructing Everyday Life was an observation of an ordinary day. My paintings have been exhibited in Oxford, Luxembourg, India and Poland. I live and work in Wrocław but I hope to visit other countries soon, in search of new inspiration." www.agatazychlinska.com

Das Biest, 2019, Acryl, Textil und Ölkreide auf Leinwand, 130 x 180 cm The Beast, 2019, acrylic, textile and oil pastels on canvas, 130 x 180 cm 153

NordArt 2019: KLAUS G. KOHN "Credo"

FOTOGRAFIE · PHOTOGRAPHY • VIDEO ART

Hans Albrecht Deutschland/Germany

"Parallel zu den plastischen Arbeiten (vgl. Rauminstallation in der NordArt 2015) sind in den vergangenen Jahren auch Fotografien ins Zentrum meiner künstlerischen Arbeitsfelder gerückt. Es handelt sich dabei um Fotos von "objets trouvés" – zufällig gefundenen Objekten. Die konstruktiv-minimalistischen Arbeiten loten bewusst die Grenze der Abbildbarkeit aus und sind eher der abstrakten als der konkreten Fotografie zuzuordnen." *1953 in Bad Harzburg. 1973–1979 Staatliche Akademie der bildenden Künste Karlsruhe bei Prof. Kalinowski. 1975–1979 Studium der Germanistik an der Universität Karlsruhe. 1975–1976 Studium an der École des Beaux-Arts Angers in Frankreich. 1983–1984 Stipendium der Kunststiftung Baden-Württemberg.

2016 Kunstpreis der Künstlergilde Ulm. Mitglied des Künstlerbundes BadenWürttemberg. Seit 1974 zahlreiche Einzel- und Gruppenausstellungen im In- und Ausland. Arbeiten befinden sich im privaten und öffentlichen Besitz. Der Künstler lebt in Berlin und Zell unter Aichelberg/Württemberg.

Werkverzeichnis 40/19, 2019, Fotografie, Auflage 3, 70 x 100 cm catalogue raisonné 40/19, 2019, photography, edition 3, 70 x 100 cm 156

"Alongside my sculptural works (cf. room installation at NordArt 2015), photography has become my preferred medium in recent years. I capture 'objets trouvés' – photographs of objects found by chance. My constructive-minimalist approach consciously exposes the confines of capturing an image. I consider my pictures more abstract than concrete photography." *1953 in Bad Harzburg. 1973–1979 State Academy of Fine Arts Karlsruhe with Prof. Kalinowski. 1975–1979 studies of German at the University of Karlsruhe.

1975–1976 studies at the Ecole des Beaux-Arts Angers in France. 1983–1984 scholarship of the Kunststiftung Baden-Württemberg. In 2016, Art Prize of the Ulm Artists' Guild. Member of the Baden-Württemberg Artists' Association. Since 1974, numerous solo and group exhibitions at home and abroad. Works belong to private and public collections. The artist lives in Berlin as well as in Zell unter Aichelberg/Württemberg. www.albrecht-art.de

FOTOGRAFIE · PHOTOGRAPHY • VIDEO ART

Катерина Белкина Märchen erwecken Bilder in unseren Köpfen. Sie regen die Fantasie an und sollen unseren Urteilsvermögen schärfen. Katerina Belkina lässt sich von ihnen zu ihrer ganz eigenen Interpretation anregen. Ihre Bilder lassen sich zwischen schriftlicher und mündlicher Überlieferung ansiedeln. Eindeutig verbildlichen sie die Geschichten, andererseits schränken sie die Fantasie nicht ein. So wird man zum Traumwandler. Wenn kulturelle Identität so ernst genommen wird wie heute, wird die Suche nach gemeinsamen Grundlagen und Wurzeln sehr wichtig. Belkinas Arbeiten lassen diese zu und sind daher in hohem Maße relevant. *1974 in Samara. Wuchs bei der Mutter in künstlerischer Atmosphäre auf. Studierte an der Akademie der Künste Malerei und ab 2000 an der Fotoschule von Michael Musorin. Seitdem zahlreiche internationale Ausstellungen ihrer geheimnisvollen "gemalten" Fotografien. 2007 in Moskau für den Kandinsky Preis nominiert. 2015 Auszeichnung mit dem Lucas-Cranach-Preis, 2016 mit dem Hasselblad Masters Award. Lebt und arbeitet in Werder (Havel).

Katerina Belkina

Russland/Deutschland/Russia/Germany

Fairytales feed our imagination and are meant to hone our critical mind. A fascination with fairytales inspired Katerina Belkina to create her own interpretations of them. Her images reside somewhere between written and oral tradition. They lay out a narrative for a story without curbing imagination, allowing the viewer to enter the realm of Dreamwalkers. During a time of radical cultural oppositions dividing the human race, it is essential to find common ground and kinship.

Belkina's works provide for it and that makes them very relevant. *1974 in Samara. She was brought up in a creative atmosphere by her mother, a visual artist. She studied painting at the Art Academy and, in 2000, photography at Michael Musori's School for Photography. She has held numerous international exhibitions of her mystical 'painted' photographs. Awards: 2007, Kandinsky Prize nominee, Moscow; 2015, the International Lucas Cranach Award; 2016, the Hasselblad Masters Award. She lives and works in Werder (Havel) near Berlin. www.belkina.art

Serie Traumwandler, Märchen König Drosselbart (Brüder Grimm): "Er" & "Sie", 2019, Fotografie, Archival Pigment Print auf Leinwand, Aufl. 3+1, je 130 x 107 cm Series Dream Walkers, Fairy Tale King Thrushbeard (Brothers Grimm): "Him" & "Her", 2019, photography, Archival Pigment Print on canvas, Ed. 3+1, each 130 x 107 cm 157

FOTOGRAFIE · PHOTOGRAPHY • VIDEO ART

Harald Bickel Deutschland/Germany

Harald Bickels freie fotografische Arbeiten sind geprägt von der täglichen Auseinandersetzung mit der sich permanent wandelnden Landschaft am Meer.

Der Klimawandel wird die deutsche Insel- und Halligwelt nachhaltig verändern, formen, verformen, vielleicht verschwinden lassen. Die ausgestellten Werke suchen nicht nach Ursache oder Schuld, sie bleiben Visionen, die zur Reflexion der Gegenwart einladen. Die mittelalterlichen Kirchen als historische Zeugen der Insel Föhr verschmelzen mit der aktuellen Küstenlandschaft – Ruinen am Meer in einer im Takt der Gezeiten überfluteten Landschaft. Die Wandbilder zeigen sie in romantischer Schönheit, in klarer geometrischer Licht- und Linienführung historischer Gemälde. *1966 in Liebenburg, Niedersachsen. Studierte in Mainz Kommunikationsdesign.

Der Fotograf und Designer ließ sich nach Stationen in Bregenz, Mainz, Frankfurt und Wiesbaden vor gut zwanzig Jahren auf der Nordseeinsel Föhr nieder.

St. Nicolai in Wyk auf Föhr, 2019, Fotomontage, 200 x 300 cm St. Nicolai in Wyk on Föhr, 2019, photomontage, 200 x 300 cm 158

The photographer and designer Harald Bickel's art photography is an ongoing exploration of the perpetually changing landscape by the sea. Climate change continues to shape, contort and one day, perhaps, destroy this flat tidal island.

The exhibited works do not seek to blame nor look for a reason. These are quiet contemplations of a present situation. The medieval churches stand like ancient witnesses while the island slowly merges with the sea. These are the ruins on the coastal landscape of Föhr, being flooded to the rhythm of the tides. The murals capture the ruins romantic beauty in a clear light and clean geometric lines, reminiscent of classical paintings. *1966 Liebenburg/Lower Saxony. He studied communication design in Mainz and, after a busy working life in Bergenz, Mainz, Frankfurt and Wiesbaden, settled on the North Sea island of Föhr some twenty years ago. www.haraldbickel.com

FOTOGRAFIE · PHOTOGRAPHY • VIDEO ART

Saskia Boelsums Niederlande/Netherlands

Saskia Boelsums' Fotolandschaften tragen eine ganz eigene Handschrift, überwältigend, malerisch. Sie enthüllt die Schönheit des Dargestellten – sei es Mondlicht, blass gespiegelt in einer gefrorenen Pfütze, der goldene Glanz eines Spätsommerfeldes oder die grünliche Durchsichtigkeit einer Welle in grauer, rauer See. "Als Künstlerin und Fotografin trage ich ein reiches Kulturerbe in mir. Daher fühle ich mich der Tradition niederländischer Landschaftsmalerei und Künstlern wie van Gogh, Maris, van Ruisdael sehr verbunden." Boelsums teilt durch ihre Arbeit das Wesen ihrer Erfahrung, indem sie die Atmosphäre der Landschaften in Fotos nahezu greifbar werden lässt. *1960 in Nieuwer-Amstel, NL. Wuchs im Iran und auf Curaçao auf. Studium an der Minerva Akademie Groningen. Seit 2013 widmet sie sich exklusiv und sehr erfolgreich der Fotografie und stellt ihre Arbeiten in Weltstädten wie Amsterdam, London, Berlin, Moskau, Hongkong und New York aus. Saskia Boelsums wurde 2020 als eine der beliebtesten Künstler:innen der Niederlande ausgezeichnet.

Saskia Boelsums's landscapes are overwhelming and painterly. They reveal the quiet beauty of the scenery – the pale moonlight reflections in a frozen puddle, the cornfield's golden glow in late summer or a translucent green wave in a grey, turbulent sea. "As an artist and photographer, I carry a rich cultural heritage within me. For that reason, I feel strongly connected to the tradition of Dutch landscape painting and artists like van Gogh, Maris, van Ruisdael." Boelsums shares with us the essence of her experience, making the atmosphere of the photographed landscapes virtually tangible. *1960 in Nieuwer-Amstel, NL. Grew up in Iran and Curaçao. Studied at Minerva Art Academy in Groningen. Since 2013, she has focussed entirely and very successfully on photography, exhibiting her work in major cities around the world, such as Amsterdam, London, Berlin, Moscow, Hong Kong and New York. Saskia Boelsums received the Dutch Artist of the Year award in 2020, making her one of today's best-loved Dutch artists. www.saskiaboelsums.nl

Landschaft #51, 2019, Fotografie, 100 x 100 cm Landscape #51, 2019, photography, 100 x 100 cm 159

FOTOGRAFIE · PHOTOGRAPHY • VIDEO ART

Raluca Caragea

Rumänien/Belgien/Romania/Belgium Durch ihren Psychologiehintergrund entwickelte Raluca Caragea eine Leidenschaft für Fotografie und ein Portfolio voller Emotionen und Farben. Sie geht künstlerisch über Alltägliches hinaus, schafft Raum für Geschichten und Metaphern. Einflüsse von Träumen, Natur, Mythen und Musik lassen sie die Welt als Verschmelzung von Symbolen darstellen. Ihre Arbeit behandelt viele Genres und Themen, von Porträts bis zu Straßenbildern, von Körperteilen bis zur Natur und zu eher konzeptueller Fotografie.

Raluca Caragea ist eine rumänische Künstlerin und Fine-Art-Fotografin mit Sitz in Brüssel. Sie arbeitet mit mehreren Verlagen zusammen, ihre Bilder zieren Buchumschläge in Puerto Rico, den Niederlanden, Rumänien, dem Vereinigten Königreich und Spanien. Ausstellungen: "L'art vous va si bien", We Are Artists, Brüssel 2020; Graphic / Reality, Dana Art Gallery, Metropolis Art Center, Bukarest 2016; Artist Of The Day auf Saatchi Art, 5. März 2016; NordArt 2016. Nominierung für die International Color Awards 2018 & 2019 in den Kategorien Fine Art und Abstract.

Raluca is a Romanian visual artist and a fine art photographer, based in Brussels.

Trained as a psychologist, she developed a passion for photography and built up a portfolio full of emotions and colours. Her artwork goes beyond the mundane, creating space for stories and metaphors. Influenced by dreams, nature, myths and music, she tries to depict the world as a fusion of symbols. Her work explores a variety of subjects, from portraits to street images, from shooting body parts or nature to conceptual photography.

Raluca works with several publishing houses and her images can be seen on various book covers in Puerto Rico, Holland, Romania, UK, Spain. Exhibited artist at "L'art vous va si bien", We Are Artists – Brussels, Belgium, March 2020. Nominee of International Colour Awards – Fine Art and Abstract Categories, 2018 & 2019.

Exhibited artist at Graphic / Reality, DanaArtGallery – Metropolis Art Center, Bucharest, Romania, 2016. Artist Of The Day on Saatchi Art, 5th March 2016. Exhibited artist at NordArt 2016. www.caragearaluca.com

Traumfänger, 2018, Fotografie, Glanzdruck auf Dibond und Plexiglas, limitierte Auflage 1/3, 100 x 150 cm Dreamcatcher, 2018, photography, Glossy Print on dibond and plexiglass, limited edition 1/3, 100 x 150 cm 160

FOTOGRAFIE · PHOTOGRAPHY • VIDEO ART

Andrea Cziesso Deutschland/Germany

In der Serie "Kasatschok" inszeniert Andrea Cziesso menschlich-wesenhafte Ganzkörperfiguren als geisterhafte, amorphe Wesen. Vielfältige Übergänge in Form, Farbe und Technik (Fotografie und Malerei) sind Cziessos Mittel, um zeitliche und inhaltlich diffuse Zustände zu visualisieren. Trotz eindeutiger Referenzen auf Renaissanceporträts, griechische Mythologie, Märchen sowie russische Literatur und Tanz (Kasatschok), scheint jede Figur einer eindeutigen Zuschreibung in Person, Zeit und Raum entrückt zu sein. Cziessos schemenhafte Figuren schweben und taumeln im zeitlosen Raum. Sie zeigen sich dem Betrachter gerade noch in einem morbiden Übergang von Körper und Seele, bevor sie sich in Nebel und Rauch aufzulösen scheinen. (Khira Koopmann) *1961 in Hamburg. Diplomierte Kostümbildnerin. Gewinnerin des getPublished Awards bei der Photo+Art Book, Hamburg 2011 mit dem Buch "Timpetee". Zahlreiche Ausstellungen im In- und Ausland.

In the series "Kasatschok", Andrea Cziesso stages human-like full-body figures as ghostly, amorphous beings. Multiple transitions in form, colour and technique (photography and painting) are Cziesso's means of visualising states that are diffuse in time and content. Despite clear references to Renaissance portraiture, Greek mythology, fairy tales, Russian literature and dance (Kasachok), each figure seems to have been taken out of context, freed from personal attributes, time and space. Cziesso's shadowy figures float and tumble in timeless space. They reveal themselves as a morbid transition of body and soul before they seem to dissolve into fog and smoke. (Khira Koopmann) *1961 in Hamburg. Graduated as a costume designer, won the Get Published Award at Photo+Art Book Hamburg (2011) with the book "Timpetee" and has had numerous exhibitions in Germany and abroad. www.andreacziesso.de

Fjodor • Maruschka • Nelja, 2019, Fotografie, digitale Malerei auf Leinwand, Auflage 5, je 120 x 60 cm Fjodor • Maruschka • Nelja, 2019, photography, digital painting on canvas, edition 5, each 120 x 60 cm 161

FOTOGRAFIE · PHOTOGRAPHY • VIDEO ART

Gaby Fey

Deutschland/Germany Als internationales Model entdeckte Gaby Fey früh ihre Leidenschaft für die Fotografie. Der Schritt hinter die Kamera war so für sie eine natürliche Konsequenz.

Anfang der 90er gelang ihr der Durchbruch als Werbe- und Modefotografin. Seit mehr als zehn Jahren wendet sie sich ganz der technisch aufwendigen künstlerischen Fotografie unter Wasser zu. Wasser ist Leben. Bewegung und Ruhe ergänzen sich in perfekter Harmonie. Fey lässt sich gern auf das Unvorhergesehene und ewig Wandelbare im Wasser ein. Farben und Formen werden dort komponiert. Der schöpferische Akt erfährt so eine Unterstützung durch das Element.

Alles ist im Fluss. Die Komposition "Le Radeau de la Méduse" nach Théodore Géricault entstand 2016. Altes Holz aus der Provence wurde gesäubert und mit Steinen beschwert, damit das Floß unter Wasser gehalten werden konnte. Die Überlebenden schauen zum Licht, welches abweichend von der Vorlage die Rettung bringen soll. Weitere Werke in der NordArt: "Marianne" nach Eugéne Delacroix (2017) und "La Cene" nach Leonardo da Vinci (2014).

As an international model, Gaby Fey discovered her passion for photography early on. Stepping behind the camera was a natural progression for her. In the early '90s, she made her breakthrough as an advertising and fashion photographer.

For the last ten years, however, she has devoted herself entirely to technically challenging underwater art photography. Water is life. The movement and tranquillity of water complement each other in perfect harmony. Fey likes to get involved with the unpredictable and dynamic elements of water. New colours and forms are conceived there; the act of creation is supported by the very element. Everything is in a state of constant change. The composition "Le Radeau de la Méduse", after Théodore Géricault, was created in 2016. Old timber from Provence was cleaned and weighted down with stones so that the raft could be kept underwater. The figures, representing the survivors, look towards the light which, deviating from the original, is supposed to bring salvation. Other works in the NordArt: "Marianne", after Eugéne Delacroix (2017) and "La Cene", after Leonardo da Vinci (2014). www.gaby-fey.com

Das Floß der Medusa nach Théodore Géricault, 2016, Unterwasser-Fotografie, Diasec-Kaschierung, 200 x 280 cm Le Radeau de la Méduse after Théodore Géricault, 2016, underwater photography, diasec lamination, 200 x 280 cm 162

FOTOGRAFIE · PHOTOGRAPHY • VIDEO ART

Francesca Fini

Italien/Italy

Francesca Fini arbeitet mit Performance-, Video- und interaktiver Installationskunst. Ihre Live-Projekte befassen sich oft mit der Beziehung zwischen öffentlichem und privatem Raum, zwischen der Vorstellung und dem Publikum. Sie untersucht den Einfluss der Gesellschaft in Bezug auf Gender- und Frauenfragen und wie Mainstream-Medien die Wahrnehmung von Schönheit verzerren. Ironie und Paradox werden oft zum stilistischen Code ihrer Arbeiten, wie zum Beispiel in ihrem jüngsten Video "Skinned". Darin spielt sie in einer animierten Collage mit dem Konzept der Identität, ausgearbeitet in unmöglichen Selfies von Protagonisten berühmter kunsthistorischer Meisterwerke. Was hätten wohl Leonardo da Vinci oder Andy Warhol mit einem Smartphone gemacht? Für "Reading till the End of the World" benutzt Fini Cut-Out-Animationen, in denen sie Porträts der Renaissance und der Romantik manipuliert. Dank Augmented Reality erwachen die beiden Leinwanddrucke zum Leben und interagieren miteinander.

Francesca Fini works with performance, video art and interactive installations.

Her live projects often explore the relationship between public and private spaces, between the show and the audience. She studies society's impact on gender issues and how the perception of beauty is distorted by mainstream media.

Irony and paradox have become the stylistic code of her work. In her most recent video "Skinned", she creates an animated collage that plays on a concept of identity, elaborated through the impossible selfies, taken by protagonists of famous masterpieces in the history of portraiture. What would Leonardo da Vinci or Andy Warhol have done with a smartphone? In "Reading till the End of the World", Fini works with the cut-out animations, manipulating portraits from Renaissance and charming pictorials from romanticism. Thanks to an augmented reality app, the images magically become alive and begin to interact, creating a dense dialogue. www.francescafini.com

Lesen bis ans Ende der Welt, 2019, Augmented-Reality-Installation, 80 x 130 cm Reading till the end of the world, 2019, Augmented Reality installation, 80 x 130 cm 163

FOTOGRAFIE · PHOTOGRAPHY • VIDEO ART

Itamar Freed & Kristina Chan USA/Israel & Kanada/Canada

"Dream in Blue" ist eine Gemeinschaftsarbeit von Itamar Freed mit der Künstlerin Kristina Chan. Ihre Strategie ist die Herstellung von Synthese. Die Arbeit entsteht aus dem persönlichen und kollektiven Gedächtnis der Künstler heraus.

Itamar Freed: MA Fotografie, Royal College of Art London 2018. Soloausstellungen: Pulse Miami; Volta New York; Ramat Gan Museum für israelische Kunst; Gitler & ___ Gallery, New York und Mana Contemporary, New Jersey. In privaten und öffentlichen Sammlungen weltweit, u. a.: JP Morgan Chase Art Collection; Clore Duffield Art Collection; Estee Lauder Art Collection; Lauren and Mitchell Presser Photography Collection und American Embassies Collection.

Kristina Chan: MA Print (Auszeichnung), Royal College of Art London 2016. Ausbildung in analoger und digitaler Fotografie, Lithografie, Radierung, Siebdruck und digitaler Medienbearbeitung. Ausgewählte Ausstellungen: Musée du Louvre; Königliche Akademie der Schönen Künste Antwerpen; Mall Galleries, London; Royal Scottish Academy; Anise Gallery, London; Lyon and Turnbull Auctioneers; Project 88, Mumbai ,und Idio Gallery, New York.

"Dream in Blue" was created collaboratively by Itamar Freed and a London based artist Kristina Chan. Their strategy of working is to create a synthesis. The work is constructed through the artist's personal and collective memory.

Itamar Freed has an MA in Photography from the Royal College of Art (London 2018). Freed showcased solo exhibitions at Pulse Miami, Volta New York, RamatGan Museum of Israeli Art, Gitler &___ Gallery, Manhattan, New York and Mana Contemporary, New Jersey. His work resides in private and public collections worldwide, including the JP Morgan Chase Art Collection, Clore Duffield Art Collection, Estee Lauder Art Collection, Lauren and Mitchell Presser Photography Collection and the American Embassies collection.

Kristina Chan graduated with Distinction in MA Print from the Royal College of Art, London. She trained in analogue and digital photography, lithography, etching, screenprint and digital media manipulation. Her work has been widely exhibited, including Musée du Louvre; the Royal Academy of Fine Art, Antwerp; Mall Galleries, London; Royal Scottish Academy; Anise Gallery, London; Lyon and Turnbull Auctioneers; Project 88 Mumbai and Idio Gallery, New York. www.itamarfreed.net • www.kristinachan.com

Dream in Blue, 2019, Fotografie, Cyanotypie auf Tosa Wasa (handgeschöpftes Archival-Japanpapier), 12-teilig, Edition 3, (je 78 x 58 cm) 165 x 400 cm Dream in Blue, 2019, Photography, cyanotype on Tosa Wasa (handmade Archival Japanese paper), 12 parts, Edition 3, (78 x 58 cm each) 165 x 400 cm 164

FOTOGRAFIE · PHOTOGRAPHY • VIDEO ART

Angelika Haak

Deutschland/Germany

Angelika Haak untersucht in ihrer künstlerischen Arbeit die Konstruktion und Dekonstruktion von Identitäten. Im Fokus steht der Mensch, seine Vorstellungen von normativen Idealen, Handlungsstrukturen und Denkweisen. Ihre Videoporträts zeichnen sich durch ihre Symmetrie und formale Strenge aus. In ihrer kontemplativen Reduktion erzwingen sie eine Konzentration auf das Wesentliche.

"L'Inconnue de la Seine" war der Legende nach einer unbekannten jungen Frau, deren Leiche um 1900 aus der Seine geborgen wurde. Um ihre Todesumstände ranken sich zahlreiche Mythen. Die Totenmaske mit dem rätselhaft friedvollen Gesichtsausdruck stilisierte sie zur Projektionsfläche für die Fantasien männlicher Künstler und Literaten. Die Unbekannte aus der Seine repräsentiert eine Frau, die in ihrem Tod Schönheit, Reinheit und Perfektion erlangt. Sie steht für ein passives Frauenbild. Die Videoarbeit "L'Inconnue de la Seine" konfrontiert und kontrastiert die Maske mit den realen Gesichtszügen heutiger Frauen.

Angelika Haak dismantles and re-creates identities in her artistic work. The focus is on the human being, his standards for ideals, structures of action and patterns of thinking. Her video portraits are recognisable by their symmetry and formal rigour. Their thoughtful simplicity amplifies their message. According to the legend, L'Inconnue de la Seine (the unknown woman of the Seine) was an unidentified young woman whose body was recovered from the Seine around 1900.

Numerous myths surrounded the circumstances of her death. Her enigmatically serene death mask became a coveted object of desire, a projection screen for fantasies of male artists and writers. The unknown woman from the Seine represents a woman who became a symbol of beauty, purity and perfection in her death. She represents a passive image of a woman. The video work "L'Inconnue de la Seine" compares and contrasts her death mask with the real facial features of today's women. https://angelikahaak.de

L'Inconnue de la Seine (Die Unbekannte aus der Seine), 2020, 1-Kanal-Video Installation L'Inconnue de la Seine (The unknown woman of the Seine), 2020, 1-channel video installation 165

FOTOGRAFIE · PHOTOGRAPHY • VIDEO ART

Mohammad Rakibul Hasan Bangladesch/Bangladesh

2017 führte Myanmars Regierung tödliche Angriffe auf die notleidende Rohingyagemeinschaft aus. Die Armee mordete und plünderte in den niedergebrannten Dörfern. Sie vergewaltigte Frauen, die ungewünschte Kinder in Flüchtlingslagern zur Welt brachten. Der Genozid begann 1978; Angehörigen dieser ethnischen Minderheit wird noch immer die Staatsbürgerschaft verweigert, sie erleiden Diskriminierung. Mangel an Ausbildung und Gesundheitsfürsorge macht viele Vergewaltigungsopfer zu Müttern wider Willen. Diese Frauen erzählen der Welt mutig ihre Geschichten, in der Hoffnung auf längst überfällige Gerechtigkeit. Über eine Million Rohingyas leben derzeit in Flüchtlingslagern in Bangladesch, die größte Flüchtlingspopulation weltweit in einem einzigen Land.

Hasan ist Dokumentarfotograf, Filmemacher, bildender Künstler. BA für Kunstgeschichte der Universität Oxford und MA für Fotojournalismus der Ateneo de Manila University. Graduiert in Film- und Videoproduktion an der UBS Filmschule der Universität Sydney. Nominiert für zahlreiche internationale Preise. Gewinner von Hunderten Fotowettbewerben weltweit.

Aus der Serie "Die geraubte Ehre", 2018, Fotografie auf AluDibond, 50 x 75 cm From the series "The Looted Honor", 2018, photography on alu dibond, 50 x 75 cm 166

In 2017, the Myanmar government conducted a deadly crackdown on the longsuffering Rohingya community. The army murdered and looted through their burned-down villages. They raped women who later delivered unwanted babies in refugee camps. The genocide began in 1978 and to date, this unfortunate ethnic minority still haven't got citizenship in Myanmar and suffer from discrimination. With poor education and inadequate health care, many rape victims unwillingly became mothers from rape. These women are bravely telling their story to the world for a long-overdue justice. Over one million Rohingyas are now living in refugee camps in Bangladesh, the largest refugee population living in a single country globally.

Hasan is a documentary photographer, filmmaker and visual artist. Undergraduate Certificate in History of Art from Oxford University; Postgraduate Diploma in Photojournalism from Ateneo de Manila University; graduated from UBS Film School at the University of Sydney. Nominated for many international awards and won hundreds of photographic competitions worldwide. mrhasanphotos.com

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Ulrich Heemann Deutschland/Germany

Im Fokus steht bei Ulrich Heemann der Mensch. Nicht nur Schönheit oder erotischer Reiz interessieren ihn, sondern vor allem dessen Fragilität, Hinfälligkeit, Hilflosigkeit und Vergänglichkeit. Die Bildwelten wirken nicht selten morbid, meist irritierend, bisweilen sogar provozierend. Badewanne, Gitterbett, zerwühltes Bettzeug, albtraumhaftes Ambiente, darin Menschen, oft genug das eigene Selbst, notdürftig bekleidet. Unversehens fühlen sich Betrachtende seiner Bilder wie Voyeure, wenn die menschlichen Abbilder in Heemanns fotografischen Arrangements ihnen in ungewohnten, oft bizarren Haltungen und Situationen mit hohem Intimitätsgrad begegnen. Seien es schwerelose Körper traumverloren wirkender, in sich versunkener Butoh-Tänzer oder reliefartig aus einer zähen Lehmmasse sich herausarbeitende, verschlungene Leiber, die an archäologische Entdeckungen längst versunkener Zeiten erinnern – immer geht es Heemann um die ganze Bandbreite des Menschlichen, in dem Hässliches, Anstößiges, Verstörendes nicht ausgelassen werden darf. (nach Dr. Hubert Manke)

Ulrich Heemann's attention undoubtedly focuses on the subject of his work – the people. He is not exclusively concerned with their beauty and erotic appeal but also and, perhaps above all, with their vulnerability and decrepitude, helplessness and mortality. His imagery frequently appears morbid, often irritating, sometimes even provocative. The scantily dressed and often lonesome figures are laid out in a bathtub or a cot with crumpled bedding in a nightmarish ambience. Looking at these images, the viewer is caught unaware like a voyeur when confronted with the way Heemann depicts humans in his photographic arrangements – in unfamiliar, often bizarre positions and situations with a high degree of intimacy. Whether we see the weightless bodies of butoh dancers lost in reverie and thought or intertwining bodies forming from a mass of thick clay-like reliefs that remind us of archaeological discoveries from times long lost – Heemann is always concerned with the entire spectrum of humanity in which the ugly, the repulsive, the disturbing must not be left out. (after Dr. Hubert Manke) www.ulrich-heemann.de

Sonja 07, 2017, Fotografie auf Leinwand, 200 x 140 cm • Selbst 58, 2016, Fotografie auf Leinwand, 200 x 140 cm Sonja 07, 2017, photography on canvas, 200 x 140 cm • Myself 58, 2016, photography on canvas, 200 x 140 cm 167

FOTOGRAFIE · PHOTOGRAPHY • VIDEO ART

Anna Hoffman Russland/Russia

Анна Гофман

"Millennials ist eine Reihe von Porträts meiner Generation. Es sind Porträts von Menschen, die verschiedenen Kulten angehören. In diesem Fall sind es Menschen, die dem Kult der Schönheit und des gesunden Körpers zugehörig sind.

Millennials sind sensibel, ängstlich und ehrlich vor meiner Kamera. Stylistin bei diesem Projekt war Elena Dubok."

Anna Hoffman absolvierte die Akademie der Künste in Sankt Petersburg. Gruppenausstellungen in der Galerie Zerno, Sankt Petersburg: "Interlude" 2020; "Skin" 2019; "Panopticon" 2018. Einzelausstellung "New Land" bei MEGA Dybenko, Sankt Petersburg 2019. Finalistin der Friendship Photography Competition von Youmanity, London 2019. Residenz Glo'Art Belgien 2016 & 2019. Nominierte für IPA (Russland) Fine Art 2016 (1. Preis) und 2017 (2. Preis). Finalistin der "Im Age" Photography Competition 2016. Ausstellung Royal College of Art, London 2016.

Ausstellung NordArt 2016 und 2017.

Aus der Serie "Millenials", 2019, Fotografie auf AluDibond, je 100 x 68,5 cm From the series "Millenials", 2019, photography on alu dibond, each 100 x 68,5 cm 168

"The series 'Portraits of Millennials' presents my generation. These are portraits of people who tend to belong to various cults. In this particular case, it's people who serve the cult of beauty and a healthy body. Millennials are sensitive, anxious and honest in front of my camera. The stylist of this project was Elena Dubok."

Anna Hoffman graduated from the Academy of Arts in Saint-Petersburg, Russia.

Group exhibitions at Zerno Gallery, Saint Petersburg: "Interlude" 2020; "Skin" 2019; "Panopticon" 2018. Solo exhibition "New Land" at MEGA Dybenko, Saint Petersburg 2019. Finalist of the Friendship Photography Competition by Youmanity, London 2019. Residency at Glo'Art Belgium in 2016 & 2019. IPA (Russia) Fine Art nominee in 2016 (1st prize) and 2017 (2nd prize). Finalist of "Im Age" Photography Competition 2016. Exhibition at the Royal College of Art, London 2016.

Exhibited at NordArt in 2016 and 2017. https://annahoffman.com

FOTOGRAFIE · PHOTOGRAPHY • VIDEO ART

Paweł Kleszczewski & Kasia Zimnoch

Polen/Poland

"Shadow Walkers" ist eine Videoinstallation. Die Bewegungen der wandelnden Kreaturen auf den Monitoren kreuzen sich auf X- und Y-Achsen. Es sind Invasoren aus einer anderen Welt mit der Fähigkeit, durch verschiedene Dimensionen zu dringen sowie Radiowellen und Digitalgeräte zu bewohnen. Dieser Eindruck ist Teil einer unbekannten Realität, deren Logik wir nur erahnen können.

"Shadow Walkers" is a video installation. We see walking creatures on the monitors, their movements crossing over x and y axes. They are incomers from another world. These creatures can penetrate between different dimensions, they travel through radio frequencies and digital devices. This is an impression, a piece of an unknown reality and we can only guess the logic behind it.

Die Filmemacher und Künstler Kasia Zimnoch und Paweł Kleszczewski bilden ein preisgekröntes Duo. Ihre Animationen basieren auf Mythologie, Folklore und Legenden; die Verwendung uralter Geschichten für zeitgenössische Kunst findet ihr Interesse. Beide erwarben ihre MA-Titel an der Nicolaus-Copernicus-Universität in Torun, Polen. Für seine Werke, die bereits auf mehr als 50 internationalen Filmund Kunstfestivals präsentiert wurden, erhielt das Duo zahlreiche Preise und Auszeichnungen. Die beiden waren Artist in Residence in Schweden, Irland, Estland und Deutschland. Sie kommen aus Stettin, Polen.

Kasia Zimnoch and Paweł Kleszczewski is an award-winning duo of filmmakers and visual artists. They create animations based on mythology, folklore and legends. They like old stories used for contemporary art. Both graduated from Nicolaus Copernicus University in Torun, Poland, with an MA. Their works have been presented in over fifty international film and arts festivals, winning awards and distinctions. They have been artists in residence in Sweden, Ireland, Estonia and Germany. They come from Szczecin, Poland. https://konikstudio.jimdofree.com

Shadow Walkers, 2019, Videoinstallation auf Monitoren Shadow Walkers, 2019, video installation on monitors 169

FOTOGRAFIE · PHOTOGRAPHY • VIDEO ART

Clara Laratta Kanada/Canada

Ein ganzes Jahr lang fertigte Clara Laratta jeden Morgen beim Aufstehen zunächst eine Wasserzeichnung auf ihrem Badezimmerspiegel an. Am Abend dann, vor dem Schlaf, duschte sie und fotografierte ihr Bild in diesem Spiegel.

Die entstandenen Fotos zeigen daher sowohl Spuren der morgendlichen Zeichnungen, durch den Wasserdampf vom Duschen sichtbar gemacht, als auch ihr Spiegelbild nach dem Wegspülen der Tagesereignisse. Ihre Arbeit ist nicht nur eine Dokumentation des gesamten Prozesses, sondern sie untersucht darin die Auswirkungen unserer alltäglichen Wechselbeziehungen mit anderen und deren Verhältnis zur fließenden und permanenten Veränderung von Identität.

Clara Laratta schloss ihr BA-Kunststudium an der McMaster University in Hamilton, Ontario, mit Auszeichnung ab. Grundlage ihrer Arbeiten dort waren rwechselnde Identitäten. Als Frau reizt es sie, Kontrolle über die Möglichkeit zu haben, sich selbst als Subjekt und nicht als Objekt abzubilden. Darüber hinaus spielen die Verbindungen zwischen Fotografie, Porträtdarstellung und Selfies eine wichtige Rolle in ihrem Schaffensprozess.

Selbstporträt #55 & #201, 2019, Fotografie, je 75 x 55 cm Self Portrait #55 & #201, 2019, photography, each 75 x 55 cm 170

For a whole year, as the first thing each morning, the artist created a water drawing on her bathroom mirror. Before going to bed, she showered and took a photograph of her reflection in that mirror. The resulting image contained the remains of the morning drawing, made evident through the steam of the shower, water, and her reflection after the day's events were washed away. Her work is a study of the impacts of our daily interactions with others, its relation to the fluid and permanent changes in identity as well as a documentation of the process.

Clara Laratta has exhibited internationally since graduating with distinction from the Honours BFA program at the McMaster University, Canada, where her practice was based on relational identity. As a female, the control and ability to represent herself as the subject rather than an object appeals to her. Ties between portraiture, photography and selfies are also of interest and importance in the creation of her work. www.claralaratta.com

FOTOGRAFIE · PHOTOGRAPHY • VIDEO ART

Christina Maj Lundqvist Dänemark/Denmark

"Wir greifen nach Sekundenbruchteilen und finden uns in flüchtigen Augenblicken wieder. Wasser ist fortwährende Konstante in meiner Kunst, die auf der NordArt 2021 in einem Videoformat zu sehen ist. Das Element verändert sich ständig, ist unbeherrschbar, unkontrollierbar, flüchtig. Ich beschäftige mich mit schemenhaft verzerrten, gespiegelten Person unter der Wasseroberfläche. Dort treffen verschiedene Welten aufeinander – der gekräuselte Spiegel auf der Rückseite der Oberfläche, das Dasein im nassen Reich und die aufgelöste Wirklichkeit darüber. In den Zeitlupenaufnahmen der Videos erscheinen die Farben diffus und die Schwerkraft aufgehoben. Ton und Bilder fließen ineinander und enthüllen so obskure Realitäten, die sich uns normalerweise entziehen. Die digitalen Sequenzen sind so gestaltet, dass sie Gemälden ähneln."

"We reach out for a split second but find ourselves in a fleeting moment. Water is the ongoing constant in my art, represented in a video format at NordArt 2021.

I am preoccupied with the elusive, distorted and mirrored person below the surface of the water. Water is constantly changing, it's uncontainable, uncontrollable, it's fleeting. Underwater is an intersection where several worlds meet – the rippled mirror of the surface right beneath the water, the underwater existence and the dissolved reality out of water. My videos are a slow-motion subject matter in a colour and gravity diffused setup. The sound and images flow together, revealing obscure realities which are normally hidden from us. My digital sequences are designed to resemble paintings. I work in video, painting, light installation sculptures and more."

*1972 in Kopenhagen, Dänemark. 2014–2019 Kunstschule Spektrum, Kopenhagen. 2012–2013 Kunstschule Kopenhagen.

*1972 in Copenhagen, Denmark. 2014–2019, Art School Spektrum, Copenhagen.

2012–2013, Copenhagen Art school. www.christinalundqvist.com

Submerge 3, 2019, Video, 2:24 Min. Submerge 3, 2019, video, 2:24 min.

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FOTOGRAFIE · PHOTOGRAPHY • VIDEO ART

Chriss Aghana Nwobu Nigeria

Chriss Aghana Nwobu ist nigerianischer Abstammung, Sohn eines Schmieds.

1970 geboren, ein Jahr nach dem Ende des nigerianischen Bürgerkriegs, hörte er als Kind viele schreckliche Geschichten von politischer und sozialer Ungleichheit, vom Krieg und den bleibenden Narben, die Menschen davontrugen. Sowohl diese Geschichten als auch Erinnerungen an seinen Vater, der Eisen in unterschiedliche Formen brachte, haben seine Kunst stark beeinflusst. Als Künstler und Fotograf experimentiert er mit den Gegenständen und Materialien, die gerade zur Verfügung stehen und erkundet damit Möglichkeiten für Fotografie und Videoperformances, in denen er seine Ideen für das Publikum visualisiert.

Nwobu lebt und arbeitet in Lagos, Nigeria, und ist Gründungsmitglied des Invisible Borders Trans-African Photography Project. Er gewann 2012 den Preis in der Kategorie "Beste Fotostory" beim Intimate Lens Ethnographic Film Festival in Caserta, Italien, und wurde 2013 für den Prix Pictet in der Schweiz nominiert.

Nwobus Arbeiten wurden 2018 bei "Resignifications: The Black Mediterranean" in Palermo, Sizilien, ausgestellt.

Vor meinen Vorfahren, 2017, Fotografie, 100 x 150 cm Before my Ancestors, 2017, photography, 100 x 150 cm 172

Born to Nigerian parents, Chriss Aghana Nwobu is the son of a blacksmith. He was born a year after the end of the Nigerian civil war in 1970. Growing up, he heard many stories of political injustice and social inequality, horrible stories of war and indelible scars it had inflicted on the people. Those stories, and watching how his father worked iron into different shapes and forms, have greatly influenced his art. A self-taught visual artist and a photographer, he experiments with objects and materials at hand to explore the possibilities of photography and video performances to visualise his ideas for the audience.

Nwobu lives and works in Lagos Nigeria and he is a founding member of the Invisible Borders Trans-African Photography Project. He has won the Best Photo Story Award category at the 2012 Intimate Lens Ethnographic Film and Photography Festival in Caserta, Italy, and was a nominee for Prix-Pictet Award 2013 in Switzerland. Nwobu's works have been exhibited at Resignifications – The Black Mediterranean in Palermo 2018, Sicily. www.chrissnwobu.com

FOTOGRAFIE · PHOTOGRAPHY • VIDEO ART

Ренат Реней Эл

Renat Renee-Ell Russland/Russia

In der Serie "In jemand anderem" geht es um Co-Abhängigkeit, Selbstfindung durch eine andere Person, Gefühlsverlust, Traum, Täuschung. Die Inspiration dazu lieferten Renat Renee-Ell der Depeche-Mode-Song "Only When I Lose Myself" sowie der Roman "Unsichtbare Monster" von Chuck Palahniuk.

The series "In Someone Else" discusses co-dependence. It's about self-discovery through another person, about dreaming, delusions and the loss of feeling. The series is inspired by the song "Only When I Lose Myself" by Depeche Mode and Chuck Palahniuk's novel "Invisible Monsters".

*1988 in Wladiwostok, Russland. Die Künstlerin lebt und arbeitet in St. Petersburg. Seit 2011 beschäftigt sie sich stark mit der Fotografie. 2014 fand sie ihren eigenen Stil der Kunstfotografie und arbeitet an konzeptionellen Serien. Die Themen ihrer Werke sind innere Welten, Surrealismus, die Manifestation des Inneren im Äußeren.

*1988 in Vladivostok, Russia. Renat Renee-Ell lives and works in St. Petersburg.

She has been a very active photographer since 2011. She found her signature style in art photography and has been creating conceptual series since 2014.

The themes of her works are inner worlds, surrealism, the manifestation of the internal in the external.

Aus der Serie "In jemand anderem", 2016, Fotografie, 65 x 65 cm From the series "In Someone Else", 2016, photography, 65 x 65 cm 173

FOTOGRAFIE · PHOTOGRAPHY • VIDEO ART

Philipp Röhe Hansen Schlichting Deutschland/Germany

Die Porträtreihe "Zur Archäologie der Sinne" besteht aus Fotografien von 16 Personen und setzt sich mit den Methoden und Ergebnissen aktueller Studien in der Attraktivitätsforschung auseinander. Im Mittelpunkt des Diskurses und dieser Arbeit steht die Durchschnittshypothese. Um diese spezifische Bildgenese selbst nachvollziehen zu können, wurde aus den Porträtierten jeweils ein männlicher und ein weiblicher Durchschnittstypus (mittels eines Morphingprogramms) berechnet. Dieser bildet die hinterste Bildebene in jedem Porträt. Damit eröffnet sich kompositorisch in jedem Bild auf mehreren Ebenen das ambivalente Spannungsfeld zwischen realer Gestalt und idealisierter Gestaltung. Kräftige Farben, Leuchtreklame und schöne Gesichter, gewöhnlich konsumstrategisch angewandte Mittel einer omnipräsenten Popkultur, verführen hier zu einer Innenschau, in der es um die Tendenzen der kognitiven Idealisierung in uns selbst geht. Die strukturelle Architektur der Sinne wird so durch- und einsichtig.

The series "On the Archaeology of the Senses" is made up of 16 portraits. It deals with the methods and results of the current studies in the science of perception and aesthetics in terms of attractiveness. At the centre of the discourse and Philipp's work is the hypothesis of an 'average person'. In order to build these specific images, the 'average' male and female types are calculated with a morphing programme, using photos of models. This forms the rearmost picture plane in each portrait. Thus, compositionally, the ambivalent field of tension between a real form and an idealised design opens up on several layers in each picture.

Bright illumination, bold colours and beautiful faces usually indicate an omnipresent pop culture used in advertisements. Here, they seduce us into self-analysis about our tendency to idealise ourselves. The structural architecture of the senses becomes transparent and insightful. www.prhs.de

Zur Archäologie der Sinne, 2017/2018, Installation: UV härtender Plattendirektdruck, Acrylglas, Acrylfarbe, Fotografie, Leuchtkästen, 16-teilig, je 50 x 38 x 10 cm On the Archeology of the Senses, 2017/2018, installation: UV curing direct printing, acrylic glass, acrylic paint, photography, Light boxes, 16 parts, each 50 x 38 x 10 cm 174

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Nicolás Rupcich

Chile/Deutschland/Chile/Germany "In der überwiegenden Mehrheit meiner Projekte beschäftige ich mich mit Fragen der digitalen Bildproduktion. Es beunruhigt mich, dass nachbearbeitete Bilder so wenig Ähnlichkeit mit den ursprünglichen Landschaften aufweisen.

Digital veränderte Naturaufnahmen werden zunehmend unrealistisch, und dadurch verwandelt sich Natur in einen fiktionalen Raum. Mein Interesse gilt technischen Prozessen, denen diese Bilder unterworfen werden, und der Frage, wie sehr unsere Wahrnehmung der Wirklichkeit von der strahlenden und glänzenden Ästhetik digital veränderter Bilder beeinflusst wird." *1981 in Santiago de Chile. BA-Studium an der Universität Finis Terrae. MA-Studium an der Universität von Chile. MA in Medienkunst an der HGB Leipzig. Rupcichs Werke wurden in zahlreichen Ausstellungen gezeigt und seine Videos auf Festivals für neue Medien, darunter das FILE Festival, Sao Paulo; Ars Electronica, Linz; Transmediale, Berlin. Lebt und arbeitet in Leipzig.

"The vast majority of my projects deal with issues concerning digital image production. It bothers me that the post-production images have so little resemblance with the original landscapes. The digitally altered images of nature are becoming increasingly unrealistic, transforming nature into a fictional environment.

I'm interested in the technical processes to which these images are subjected to and I marvel how deeply the bright and glossy aesthetics of the digitally altered images influence our perception of reality." *1981 in Santiago de Chile. Graduated from the Finis Terrae University with a BA and the University of Chile with an MA. Was a master painter in Medienkunst at HGB Leipzig. His works have been displayed in numerous exhibitions and his videos screened in new media festivals, such as FILE Festival, Sao Paulo, Brazil; Ars Electronica, Linz, Austria; Transmediale, Berlin, Germany. He lives and works in Leipzig. www.nicolasrupcich.com

Chepu, 2018, Video, Stereo-Audio, 8:34 Min. Chepu, 2018, video, audio stereo, 8:34 min.

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Paweł Sadaj Polen/Poland

Ziel von Paweł Sadajs Kunst ist die emotionale Aufzeichnung von Gegenwart und Anwesenheit. Er entfacht eine visuelle Debatte, die auf der Komplexität historischer Ereignisse fußt. In seiner Kunst werden Gefühle und Handlungen durch Bilder analysiert, die mehr Fragen aufwerfen als sie beantworten. Ein typisches Merkmal seiner Arbeiten ist, dass jede davon eine abwegige Anekdote über die in ihr angesprochene Thematik enthält. Die Reihe "Wundermann" besteht aus fünf Fotos. In vieren davon geht es um große Persönlichkeiten und mit ihnen verbundene Streiche. Sadaj ermutigt hier zur Selbstanalyse: "Was glauben wir, und wie viel davon? Welche Menge an Falschmeldungen akzeptieren wir?"

Paweł Sadaj ist Absolvent der Akademie für Bildende Künste Danzig und der Staatlichen Hochschule für Bildende Künste Gdynia im Fach Künstlerische Fotografie. 2019 war er Finalist im Leica-6x7-Wettbewerb und wurde er für den "Color Awards"-Wettbewerb nominiert. Im selben Jahr wurde seine 7-teilige Fotoserie "Hotel Medusa" auf der NordArt gezeigt.

Paweł Sadaj aims to create an emotional record of the present time. He brings forth a visual debate, based on the historical complexity of events. His art analyses emotions and narratives through images that ask more questions than they give answers to. A characteristic feature in his work is the presence of a perverse anecdote about each discussed topic. "Wundermann" is a series of five photographs. They tell stories of great people with related pranks. The artist encourages us to find the boundaries of our beliefs: "What and how much do we believe in? How many hoaxes are we willing to accept?"

Paweł Sadaj is a graduate of the Academy of Fine Arts in Gdańsk (Poland) and from the State Secondary School of Fine Arts in Gdynia in the field of Artistic Photography. In 2019, he was among the finalists of the Leica 6x7 competition and was nominated in the Color Awards competition. In the same year, the series "Hotel Medusa" was presented at NordArt. www.pawelsadaj.com

Aus der Serie "Wundermann": Wundermann • Ecce Homo, 2019, Fotografie, Pigmentdruck auf Fine Art Papier, Auflage 8+2, je 130 x 92 cm From the series "Wundermann": Wundermann • Ecce Homo, 2019, photography, pigment Print on the Fine Art paper, edition 8+2, each 130 x 92 cm 176

FOTOGRAFIE · PHOTOGRAPHY • VIDEO ART

Pat van Boeckel Niederlande/Netherlands

Der Niederländer Pat van Boeckel ist Spezialist für Dokumentarfilm und Videokunst. Darin untersucht er die Beziehungsgeflechte von Mensch und (natürlicher) Umgebung. Allgemein zeichnen sich seine Arbeiten durch ihre scheinbare Schlichtheit aus. Ihr träges Tempo kontrastiert mit der rasenden Flüchtigkeit moderner Bildkultur. Die körperliche Erfahrung von Zeit und Raum steht sowohl in seinen Dokumentarfilmen als auch in seinen Videos zentral. Mit seiner Vorliebe, die Arbeiten in oder auf bestehende Objekte und Räume zu projizieren, fügt er den bewegten Bildern neue Lagen hinzu. Das ermöglicht es ihm, Bedeutungen zu verdrehen und mit Erwartungen zu spielen. Er erfindet seine eigene Bedeutungssprache, lässt jedoch gewisse Spielräume für Interpretationen. Die meisten seiner Dokumentarfilme wurden im niederländischen öffentlichen Fernsehen ausgestrahlt. Seine Videokunst entsteht vor Ort und wird international ausgestellt, von Deutschland, Großbritannien und den USA bis nach Russland, Japan und in die Mongolei.

Pat van Boeckel is a Dutch artist, specialising in documentary films and video art.

His video art examines the intertwined relations between humans and their natural environment. In general, his work is characterised by its apparent simplicity.

The slow pace of his videos is in contrast to the speed and volatility of the visual culture of modern times. The embodied experience of time and place is central to both his documentaries and video art. He prefers to project his video art in and on existing objects and spaces, thus adding new layers to the moving image. It enables him to twist the meanings and play with expectations. In the process, he invents his own language of purpose but leaving space for interpretation for the viewer. The majority of his documentaries have been broadcasted on Dutch public television. His video art is made on location and is exhibited internationally (from Germany, U.K. and the USA to Russia, Japan and Mongolia). www.patvanboeckel.nl

Gib mir Obdach, 2020, Videoprojektion, lebensgroß Gimme Shelter, 2020, video-projection, life-sized 177

NordArt 2019: ZHANG DALI "Chinese Offspring"

NordArt 2019: MICHAL GABRIEL "Moonlight"

SKULPTUR · SCULPTURE • OBKEKT · OBJECT • INSTALLATION

Vasil Berela

Georgien/Deutschland/Georgia/Germany Vasil Berela untersucht in seinen Arbeiten existenzielle Bemühungen Einzelner, transzendentale Zustände zu erreichen, wobei sie jedoch häufig hoffnungslos als gesellschaftliche Biomassen vor sich hinvegetieren. In der Installation "Unmündig" stecken die Füße einer wehrlosen jungen Frau, kahlrasiert wie eine Gefangene, in ein großes Tuch gehüllt, das Schutz und Zwangsjacke zugleich ist, wie zur Reinigung in einer Schüssel. zwölf weitere Schüsseln stehen um sie herum. Die Assoziation mit der Fußwaschung der Jünger Jesu erscheint so gut wie unausweichlich. Jedenfalls bieten die Schüsseln weiteren Fußpaaren bergenden Raum. Das fast farblose Arrangement vermittelt insgesamt ein Gefühl noch eingeschränkter geistiger Entfaltungsmöglichkeiten, die das begleitende Gemälde aufgreift. In ihm sind die Füße der Figur zu sehen, die jetzt, erwacht, über der Schüssel hängen oder ihr zu entschweben scheinen. *1986 in Georgien. Architekturstudium an der Staatlichen Akademie der Künste Tiflis, Georgien. 2015–2021 Kunsthochschule Weißensee, Berlin.

Vasil Berela examines the existential efforts of individuals attempting to achieve transcendental states of mind but, often enough, end up vegetating as hopeless biomass of society. "Adolescent" shows a young woman in need of protection, bald like a prisoner and blanketed in a sheet of fabric that protects her. However, it also wraps around her like a straitjacket. Her feet are in a bowl as if for cleaning.

Twelve more bowls surround her. The association with Jesus washing the feet of his disciples seems inevitable even if not intended. In any case, the bowls offer a shelter for more possible participants. The almost colourless arrangement conveys an overall feeling of a rather limited cognitive potential. The painting connects to the same theme. Here only the feet of the figure is visible. They hang weightlessly over a bowl as if awakened, or perhaps floating away from it. *1986 in Georgia. Tbilisi State Academy of Arts, Architecture, Tbilisi, Georgia.

2015–2021 the Weißensee Academy of Art, Berlin. www.velartez.com/artists/vasil-berela/

Unmündig, 2019, Installation: Epoxidharz, Öl, Stoff, Emaille, Stuhl, lebensgroß • Ohne Titel, 2019, Öl auf Leinwand, 70 x 58 cm Adolescent, 2019, installation: Epoxy resin, oil, fabric, enamel, chair, life-size • Untitled, 2019, oil on canvas, 70 x 58 cm 182

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Günter Braun

Deutschland/Germany

"Die hier gezeigten Arbeiten sind exemplarisch für mein Schaffen. In der Abstraktion wird in den Skulpturen die Welt auf das reduziert, was mir als ihr Kern erscheint. Es geht im Grunde um die Spannung zwischen dem Vollkommenen als Illusion und dem Gebrochenen als Schmerz und Wirklichkeit. Die Arbeiten weisen Brüche auf, die nur deshalb als solche wahrgenommen werden können, weil man eine Vorstellung eines Ganzen oder Heilen hat. Als ästhetischer Reiz und Irritation scheint sich das Material Stein zudem – wider seine Natur – zu biegen und zu winden." *1954 in Heidelberg. Nach Aufenthalten in italienischen Bildhauerstudios seit 1986 als selbstständiger Bildhauer tätig. Ausstellungstätigkeiten, Arbeiten im öffentlichen Raum/Kunst am Bau, Kunstpreise. Lebt und arbeitet in Eppelheim bei Heidelberg.

"The sculptures displayed here are examples of my artistic work. Their abstract form reduces the world to what I see as its core. Essentially, it's all about the tension between perfection as an illusion and a fractured state as a reality. The sculptures have fractures that are perceived as flaws but only because we have a concept of a 'whole' as an ideal. As an additional aesthetic stimulus and provocation, the stone is, quite contrary to its nature, also bent and twisted." *1954 in Heidelberg. Started working as a sculptor in 1986, after several stopovers in Italian studios. Exhibitions, sculptures in public spaces, awards. Lives and works in Eppelheim near Heidelberg. www.bildhauer-braun.de

OT, 2014, Granit, 120 x 230 x 30 cm Untitled, 2014, granite, 120 x 230 x 30 cm 183

SKULPTUR · SCULPTURE • OBKEKT · OBJECT • INSTALLATION

Chen Zhiguang China

Chen Zhiguang bezeugt seit vier Jahrzehnten große Veränderungen in der chinesischen Gesellschaft. Seine Arbeiten mit Ameisen sind sehr bekannt. Sie repräsentieren für ihn allgemeine Öffentlichkeit sowie spezielle Menschengruppen.

Genau wie einzelne Personen in einer Masse sollte man jede Ameise aus humanistischen Gründen als Individuum sehen. Mit anderen Worten: Wir sollten uns in einer Ära des Kollektivismus um jedes Einzelschicksal kümmern. Ein weiteres Hauptthema seiner Arbeit bildet gebrochenes Holz. Diese beiden Stränge seiner Kunst spiegeln die Spannung zwischen Erfahrung und Natur, Sinn und Sinnlichkeit, Staat und Lokalem. Zhiguang drückt spürbare romantische Leidenschaft im magisch-realistischen Stil aus. *1963. Absolvent des Instituts für Bildende Künste, Fujian Normal University.

Mitglied des Ständigen Ausschusses der China Sculpture Association und des International Visitor Leadership Program, initiiert vom U.S. State Department. Forscher der City Design School, China Central Academy of Fine Arts. Gastprofessor der Modern Art School, Tianjin Academy of Fine Arts.

Chen Zhiguang has witnessed great changes in Chinese society over the past four decades. He is well-known for his works on the subject of ants. In his view, 'ants' represent a group of people or a public in general. And, just like every individual in the crowd, an ant should be seen as an individual out of humanistic concern.

In other words, we should be concerned for every individual's destiny in the era of collectivism. Another main theme in Chen Zhiguang's works is 'broken wood'.

These two main lines of his art reflect the tension between experience and nature, between sense and sensibility, and between the state and the local. In the style of magical realism, there is a palpable romantic passion expressed by the artist. *1963. Graduated from Fine Arts Institute of Fujian Normal University. Member of the Standing Committee of the China Sculpture Association and the International Visitor Leadership Program initiated by the U.S. State Department. Researcher of the City Design School of China Central Academy of Fine Arts. Guest professor of the Modern Art School of Tianjin Academy of Fine Arts.

Ära der Migration, 2020, Installation: Eisen, 800-teilig, je 45 x 35 x 25 cm (Kunstraum Villa Friede, Bonn) Era of migration, 2020, installation: iron, 800 pieces, each 45 x 35 x 25 cm (Villa Friede Art Space, Bonn) 184

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Jan de Weryha

Polen/Deutschland/Poland/Germany Jan de Weryhas bevorzugtes Material ist Holz. Seine Schaffensprozesse stützen sich auf drei Säulen: Schnitt, Bruch, Spalt. *1950 in Gdańsk, Polen. Bildhauer. Absolvent der Staatlichen Hochschule für Bildende Künste in Danzig, bei Prof. Alfred Wiśniewski und Prof. Adam Smolana. 1976–1981 freischaffender Künstler in Danzig, seit 1981 in Hamburg. Prix du Jury, Salon de Printemps, Luxemburg 1998. Skulpturenrekonstruktionen in der Altstadt von Danzig. Entwurf und Realisation zweier Denkmäler. Zahlreiche Einzel- und Gruppenausstellungen in Polen, Deutschland, Großbritannien, Luxemburg, Belgien, Österreich, der Schweiz und den USA. Werke des Künstlers befinden sich in zahlreichen öffentlichen Sammlungen (Auswahl): Skulpturenzentrum Orońsko; Museum für Moderne Kunst in Radom; Nationalmuseum Stettin; sowie in zahlreichen Privatsammlungen. Seit 2012 sind einige von Weryhas Werken in einer ständigen Ausstellung in Hamburg der Öffentlichkeit zugänglich. 2016 wurde der Freundeskreis der Sammlung de Weryha e.V. gegründet.

Jan de Weryha's preferred material is wood. His creative processes rest on the three pillars of the cut, the break and the split. *1950 in Gdańsk, Poland. Sculptor. Graduate of the State University of Fine Art Gdańsk, under prof. Alfred Wiśniewski and prof. Adam Smolana. 1976–1981 freelance artist in Gdańsk and since 1981, in Hamburg. Prix du Jury, Salon de Printemps, Luxemburg in 1998. Sculpture reconstructions in Gdańsk historic centre. Design and realisation of two memorials. Numerous solo and group shows in Poland, Germany, Great Britain, Luxemburg, Belgium, Austria, Switzerland and the United States. The artis's work is found in numerous public collections (selection): Sculpture Centre Orońsko; Museum of Modern Art Radom; National Museum Szczecin; as well as numerous private collections. Since 2012, some of Werhya’s work is on permanent public display in Hamburg. In 2016, foundation of the society Friends of the Werhya Collection. www.de-weryha-art.de

Hölzerne Tafeln, 2009, Fichte gekohlt, Eiche, Ahorn, Rinde auf Holzrahmen montiert, 12-teilig, je 101 x 101 x 22 cm Wooden Panels, 2009, burned spruce, oak, maple, bark mounted on a wooden frame, 12 parts, each 101 x 101 x 22 cm 185

SKULPTUR · SCULPTURE • OBKEKT · OBJECT • INSTALLATION

Jan Dostál

Tschechische Republik/Czech Republic Die Skulptur "Rounded" ist aus einer primären geometrischen Form entstanden, daher der Name. Ein bestimmendes Prinzip dieser Skulptur ist die Form und die tatsächliche Dimension eines Kreises, der nicht nur in der resultierenden Form des Objekts, sondern auch in seinen einzelnen Komponenten erscheint. Die Skulptur entsteht durch das Zusammenfügen von Einzelteilen, die sorgfältig auf den Radius des entstehenden Objekts abgestimmt sind, so dass ein prächtig anwachsender Kreis entsteht. Die räumliche Gesamtkomposition des Werks bezieht sich auf grundlegende mathematische Formen. *1992. Jan Dostáls künstlerische Handschrift wurde von den unterschiedlichen Materialien geprägt, die er benutzte, Ton, Holz, Glas, und Harze, bis er den Stahl entdeckte und damit zu sich als Autor fand. Das Material ermöglicht ihm das Arbeiten vom ganz kleinen bis hin zum monumentalen Maßstab. Dostáls Arbeiten setzen sich aus kleinen geometrischen Elementen, Variablen, zusammen, aus denen er allmählich seine Multi-Element-Skulpturen entwickelt.

Rounded, 2016, Stahl, 600 x 600 x 140 cm Rounded, 2016, steel, 600 x 600 x 140 cm 186

The sculpture "Rounded" is born from a primary geometric shape, hence the name. A determining principle of this sculpture is the shape and the actual dimension of a circle, appearing in the overall outline of the object as well as in the independent components. The sculpture is constructed by joining up individual parts, carefully shaped to match the radius of the emerging object, resulting in a magnificent growing circle. The overall spatial composition of the work refers to a principal mathematical shape. *1992. Jan Dostál's 'signature' had been influenced by a variety of materials – clay, wood, glass and resin – until he found himself as an author in steel, a media which truly resonated with him. Steel allows him the flexibility to work either on a small scale or in monumental dimensions. Dostál's works are made up of small geometric elements (variables) from which he gradually builds his composite sculptures. www.jandostal.com

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Глеб Ткаченко Gleb Dusavitskiys fünf Meter hohes Skulpturenpaar wirkt wie eine minimalistische Zeichnung, mit einem monumentalen Silberstift meisterhaft in die sie umgebende Landschaft gezeichnet. Leitmotiv dieses Kunstwerks ist die Liebe – die Bedeutsamkeit des Geliebtwerdens und die Fähigkeit zu lieben. Es symbolisiert das Gefühl zwischen Lebewesen, aus dem sich im Laufe der Zeit ein Bund entwickelt. Die Skulpturengruppe strahlt Positivität und Friedfertigkeit aus und inspiriert Betrachter, diese Gefühle in sich selbst zu suchen. Die Installation vermittelt einen Eindruck von Einheit – sowohl zwischen ihren Einzelteilen als auch aus dem gesamten Kunstwerk und seiner Umgebung. Die Giraffe als das größte aller Landtiere ist ein bekanntes Symbol für das Leben auf unserem Planeten und bei den meisten Menschen sehr beliebt. *1987 in Pensa, UdSSR. 2004–2010 Staatliche Universität Pensa für Architektur und Bauwesen, Russland. Lebt und arbeitet in Dänemark.

Gleb Dusavitskiy

Russland/Dänemark/Russia/Denmark

The five-metre-high sculptures by Gleb Dusavitskiy have an appearance of a minimalist drawing – as if masterfully sketched into the landscape with a monumental silver pencil. The carrying theme for these delightful artworks is love – the importance of being loved and the ability to love. It illustrates the tender feeling between creatures that develops into a union over time. This sculptural composition oozes positivity and peacefulness, inspiring the loving feelings within the observer. The installation gives an impression of unity between the entwined elements of the piece and the whole artwork that blends harmoniously into the surrounding landscape. The giraffe, being the tallest of all land animals and universally loved, is a well-recognised symbol of life on Earth. *1987 in Penza, USSR. 2004–2010 Penza's University of Architecture and construction, Russia. Lives and works in Denmark. https://glebos.com

Liebe, 2019,Edelstahl, 2-teilig, 500 x 500 x 200 cm Love, 2019, stainless steel, 2 parts, 500 x 500 x 200 cm 187

SKULPTUR · SCULPTURE • OBKEKT · OBJECT • INSTALLATION

Sabine Emmerich Deutschland/Germany

Im Zentrum von Sabine Emmerichs Schaffen steht die Auseinandersetzung mit Erscheinungsformen, Verhaltensweisen und Lebensbedingungen von Tier und Mensch. Die Künstlerin erschließt und offenbart kritische Zonen des Ökosystems, der Gesellschaft und des Individuums. So umkreisen ihre skulpturalen und installativen Arbeiten beispielsweise die Ästhetik und Existenz von Insekten als Spezies. Ihre Bildsprache basiert auf intensiver und kundiger Naturanschauung und Recherche. Die Installation "Konferenz der Insekten" wird begleitet von einem Katalog mit Skizzen und wissenschaftlichen Texten. In ihrer Werkgruppe "Audienz bei Königin Christine" zeigt die Künstlerin Büsten von fünf Frauenportraits aus der Renaissancezeit bekannter Maler wie Cranach, Botticelli und Dürer. Mit einer kleinen Veränderung der Gestik führt sie die Damen von der Passivität in die Aktivität. *1964 in Marburg/Lahn. Studierte Freie Kunst an der HfBK Hamburg, bei Prof.

Franz Erhard Walther. Lehrauftrag an der HfK Bremen und Uni Bremen.

Sabine Emmerich's work examines the appearance, behaviour and living conditions of animals and humans. The artist finds and exposes critical areas of our ecosystem, our society and the individual. For example, her sculptural and installation works revolve around the aesthetics and existence of insects as species.

Her visual language is based on intensive and knowledgeable research and understanding the nature. The installation "Conference of Insects" is accompanied by a fascinating catalogue, filled with sketches and scientific texts. In her series "Audience with Queen Christine", the artist presents us with five female busts, inspired by the well-known works of famous Renaissance painters such as Cranach, Botticelli and Dürer. Intriguingly, with only a slight change of gestures, the artist manages to turn the ladies from passive to active. *1964 in Marburg/Lahn. Studied Fine Arts at the HfBK Hamburg with Prof. Franz Erhard Walther. Lecturer at the HfK Bremen and the University of Bremen. www.sabine-emmerich.com

Konferenz der Insekten, 2018, Installation: Drahtgeflecht und Seidenpapier, 22-teilig, 600 x 2500 x 1500 cm Conference of Insects, 2018, installation: wire mesh and tissue paper, 22 parts, 600 x 2500 x 1500 cm 188

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Manuel Ferreiro Badia

Spanien/Spain

Eine grundlegende Geometrie ist in dieser Skulptur zu spüren. "Das Ding" setzt eine futuristische Ästhetik, Prägnanz, Schematisierung und Reinheit der Linien ein.

Geboren 1944 in Spanien. Sein Gesamtwerk umfasst verschiedene Bereiche des künstlerischen Schaffens, wie z.B. Bildhauerei, Malerei, Medaillenkunst, Keramik, Design und bautechnische Installation. Ferreiro Badia hat 50 Einzelausstellungen realisiert und an 75 Gruppenausstellungen in Spanien und im Ausland teilgenommen. Seine Arbeiten wurden u.a. in Dänemark, Finnland, Portugal, Ukraine, Polen, New York City, San Francisco, Colorado, Frankreich, Spanien, Russland und Italien ausgestellt. Zahlreiche Monumente und Arbeiten befinden sich im öffentlichen Raum, in Museen und privaten Sammlungen. Ausgewählte Auszeichnungen: Nationaler Wettbewerbspreis (Nationalmuseum für Skulptur, Spanien), Tomas Francisco Prieto Preis (Spanish Royal Mint), Soho Sculpture Prize (UK), Ankauf für die Skulpturensammlung der Stadt Cottesloe, Australien. Mitglied: F.I.D.E.M., Internationaler Verband für Kunstmedaillen.

Basic geometry is evident in this piece of art. "The Thing" deploys futuristic aesthetics, conciseness, schematisation and purity of lines. *1944 in Spain. His work encompasses the different spheres of artistic creation, including sculpture, painting, medal making, ceramics, design and installations for civil engineering. Ferreiro Badia has held 50 individual exhibitions and 75 joint exhibitions, both in Spain and abroad. His work has been displayed in Denmark, Finland, Portugal, Ukraine, Poland, New York (USA), San Francisco (USA), Colorado (USA), France, Spain, Russia and Italy, to name a few. Numerous monuments and works in public spaces, museums and private collections. Selection of Awards: National Competitions Award (National Museum of Sculpture, Spain), Tomas Francisco Prieto Prize (Spanish Royal Mint), Soho Sculpture Prize (UK), Town of Cottesloe Sculpture Collection (Australia). He is a member of the F.I.D.E.M., International Art Medal Federation. www.ferreirobadia.com

Das Ding, 2017, Edelstahl, 296 x 160 x 164 cm The Thing, 2017, stainless steel, 296 x 160 x 164 cm 189

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Rainer Fest

Deutschland/Germany "Die Skulpturen des Bildhauers Rainer Fest sind von ungewöhnlicher Art. Im Spannungsfeld zeitgenössischer Kunstäußerungen markieren sie eine sehr eigene Position, gewonnen mehr aus persönlicher Lebenserfahrung als aus Anlehnung an Kunstgeschichte oder gar einer Orientierung am Markt. Rainer Fest ist einer jener Einsamen, die Kunst aus einer inneren Leidenschaft heraus betreiben, welche geistiger Natur ist." (Katrin Arrieta) "Der zentrale Begriff, um den Rainer Fests Kunst kreist, ist Verbindung. Dieses Thema zieht sich durch sein gesamtes Oeuvre. Er arbeitet mit dem vordergründig Nichtvereinbaren, und er sucht nach den Räumen zwischen den Gegensätzen, nach der Darstellung des NichtSichtbaren, nach der verborgenen Einheit, da die Pole ja doch immer irgendwie zusammengehören, so wie Negativ und Positiv, Materie und Geist, Diesseits und Jenseits, Leben und Tod." (Sigrun Angermann) *1953 in Berlin. Studien in Kiel, Finnland, Bremen und Madrid, internationale Ausstellungstätigkeiten seit 1986.

Ohne Titel, 2021, Granitfindling, Wasser, Eisengestell, 125 x 125 x 125 cm Untitled, 2021, Granite boulder, water, iron frame, 125 x 125 x 125 cm 190

"Rainer Fest's sculptures are unusual in character. Within the multiple contexts of contemporary artistic expression, they occupy a very unique position. They own the ground that he has conquered through personal experiences, rather than standing in debt to the knowledge of art history and, least of all, to an orientation towards the market. Rainer Fest is one of those solitary artists who work from an inner passion which is spiritual by nature." (Katrin Arrieta) "The central idea around which Rainer Fest's work revolves is connection. This theme is carried through the whole of his oeuvre. He works with the ostensibly incompatible and searches for the spaces between opposites, for representations of the not-visible, hidden unities, since opposite poles do always belong together somehow, such as negative and positive, matter and spirit, the here-and-now and the world beyond, life and death." (Sigrun Angermann) *1953 in Berlin. Studied in Kiel, Finland, Bremen and Madrid, international exhibition activities since 1986. www.fest-art.de

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Michal Gabriel

Tschechische Republik/Czech Republic Michal Gabriel verfolgt unterschiedliche kreative Herangehensweisen gleichzeitig – vom klassischen Modellieren in Ton für den Bronzeguss über die Arbeit mit digitalen 3D-Werkzeugen bis hin zu experimentellen Verfahren wie seine patentierte Anwendung natürlicher Produkte wie Walnussschalen, Erdnüsse und Eicheln zur Erzeugung besonderer Oberflächenstrukturen. Bezeichnend für Gabriels Werk ist die Verbindung klassischer und digitaler Verfahren. Traditioneller Bildhauerstoff wird inhaltlich für die heutige Zeit aktualisiert. Digitale Technologie eröffnet neue Möglichkeiten, indem sie bestimmte surreale Besonderheiten zulässt, die Traum und Wirklichkeit scheinbar miteinander verschmelzen lassen.

Michal Gabriel pursues various creative approaches at the same time. He models classical sculptures in clay and casts them in bronze but also works with 3D digital tools and experimental technology such as his patented surface structure, using natural products like walnut shells, peanuts or acorns. The symbiosis of classical and digital procedures is characteristic in Gabriel's work. Traditional sculptural subject matters are updated to present-day versions with regards to their content. Employing digital technology opens up new possibilities; it allows an introduction of certain surreal features giving the impression that dream and reality are blending into one another.

*1960 in Prag. 1982–1987 Studium an der Prager Kunstakademie. Seit 1998 leitet er eines der Bildhauerateliers der Abteilung Freie Kunst an der Technischen Universität Brünn. Michal Gabriel ist Preisträger des NordArt-Preises 2018.

*1960 in Prague. 1982–1987, studied at the Academy of Fine Arts in Prague. Since 1998, he has been head of one of the sculpture studios at the Faculty of Fine Arts of the University of Technology in Brno. Michal Gabriel is the winner of the NordArt Prize 2018. www.michal-gabriel.cz

Stahlpferd, 2020, Edelstahl, 250 x 240 x 70 cm Steel Horse, 2020, stainless steel, 250 x 240 x 70 cm 191

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Muriel Gallardo Weinstein Chile/Italien/Deutschland/Chile/Italy/Germany

In ihren Arbeiten beschäftigt sie sich mit einer kontinuierlichen Entdeckung des Raums, der Welt und ihrer Qualitäten, wobei sie die Instabilität und komplexe Natur der Realität durch den Einsatz verschiedener Techniken und Materialien hervorhebt. Die Künstlerin lässt sich hauptsächlich von Philosophie, Wissenschaft und Literatur inspirieren. Durch die Dekontextualisierung und Verschiebung von Elementen schafft sie eine visuelle poetische Sprache und Erfahrungswelten, wo neue mögliche Kombinationen von Beziehungen innerhalb der Welt entstehen.

Die Künstlerin hinterfragt das Wesen der Realität, die menschliche Wahrnehmung und die Grenzen der Gesellschaft.

Muriel Gallardo Weinstein ist eine interdisziplinäre chilenische Künstlerin mit Sitz in Berlin. MA in Textil- und Oberflächendesign an der Weißensee Kunsthochschule (DE). MA in Bildender Kunst an der Universidad de Chile und BA in Bildender Kunst an der Universität Finisterrae (CL). Residenzprogramme u.a. im Künstlerhaus Bethanien, GlogauAir-Residenz (DE) und Bloc-Residenz (CL). Sie hat in wichtigen Galerien und Museen weltweit ausgestellt.

Muriel Gallardo Weinstein's work is a continuous discovery of space, the world and its qualities. She highlights the unstable and complex nature of reality using a diversity of techniques and materials. The artist's main inspiration comes from philosophy, science and literature. She displaces the elements of her work, takes them out of their usual context. This creates a poetic visual language and opens up new possibilities to experience the world around us and our relationships within. The artist questions the very essence of reality, human perception and the boundaries of society.

Muriel Gallardo Weinstein is an interdisciplinary Chilean artist based in Berlin. She holds an MA in textile and surface design at Weißensee Kunsthochschule (DE), an MA in visual arts at the Universidad de Chile, a BA in visual arts at the University Finisterrae (CL). She has completed various residency programmes such as the Studio Program at Künstlerhaus Bethanien, GlogauAir residency (DE) and Bloc annual residency (CL). Her work is exhibited in the leading galleries and museums worldwide. www.murielgallardo.com

Aus der Serie "Berlin in a Basket": Europäische Bevölkerung in Berlin, 2019, Textilskulptur, 100 x 100 cm From the series "Berlin in a Basket": European population in Berlin, 2019, textile sculpture, 100 x 100 cm 192

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Kurt Gebauer

Tschechische Republik/Czech Republic "Es ist wohl bekannt, dass Schwimmerinnen und andere schwimmende Damen mein Lebensthema sind. Die Beine aus dem Wasser sind etwas ganz anderes. Es ist ein Teil des Handstandes, der über dem Wasserspiegel sichtbar ist, und das ist normalerweise der freudigste Ausdruck von Kindern und Mädchen im Wasser.

Auch ich probiere es manchmal aus. Dieser Unfug macht auch diejenigen glücklich, die ihn beobachten; und wie kann man die Freude auch an Orten entdecken, wo Mädchen normalerweise nicht baden, oder wo sie manchmal baden, aber wo es gerade zu kalt zum Baden ist? Eine Skulptur kann alle möglichen Menschen darstellen – tote Dichter, Heilige, aber auch Verbrecher. Warum also sollten Beine aus Wasser kein Denkmal kriegen, wenn sie als Symbol für das Wichtigste in unserem Dasein stehen – die Freude am Leben?" *1941 in Hradec nad Moravicí. Studium an der Kunstgewerbeschule in Brünn und in Hořice. 1963–1969 Akademie der Bildenden Künste in Prag. Seit 1990 leitender Lehrer und seit 1992 Professor an der Akademie für Kunst, Architektur und Design in Prag. Seit 2018 Professor an der Westböhmischen Universität in Pilsen.

"We all probably know that the female swimmers and other floating ladies are the themes of my life. Legs, sticking out of the water, are extraordinary. They are part of a handstand, visible above the water, and this is usually the most joyous expression of children and girls splashing around in the water. Well, sometimes I give it a try myself. This tomfoolery delights even those who just watch it. I also try to seek joy in places where girls usually do not bathe or where they sometimes bathe but it's just too cold for bathing at the moment. A sculpture can bring back to life all sorts of people – dead poets, saints, even criminals. So, why shouldn't the legs out of water have a monument of their own if they stand as a symbol for the most important thing of all – the joy of life?" *1941 in Hradec nad Moravicí. Studies at the School of Arts and Crafts in Brno and School of Arts and Crafts in Hořice. 1963–1969, Academy of Fine Arts in Prague.

Since 1990, leading teacher, and since 1992, professor at the Academy of Arts, Architecture and Design in Prague. Since 2018, professor at the University of West Bohemia in Pilsen. www.kurtgebauer.cz

Beine aus Wasser, 2015, Polyurethan, 3 Paare, lebensgroß Legs from Water, 2015, polyurethane, 3 pairs , life size 193

SKULPTUR · SCULPTURE • OBKEKT · OBJECT • INSTALLATION

Frank Gerritz Deutschland/Germany

Ab den späten 1980er Jahren entwickelt Frank Gerritz (*1964) Skulpturen, in denen er ein streng geordnetes System untersucht, deren Kern einzelne rechteckige Säulen bilden. Die meisten dieser Arbeiten leiten sich von unterschiedlichen Anordnungen solcher Elemente ab. In erster Linie bestehen sie aus rechteckigen Formen, die die Masse von zwölf Würfelelementen verkörpern, die das Volumen von neun Teilen repräsentieren. Jede Arbeit enthält ein einzelnes, scheinbar herausnehmbares Kernelement, manchmal zwei. Diese Skulpturen definieren einen präzise bestimmten Raum. In ihren Kompositionen zeigen sich überraschende Bezüge zwischen der Gesamtform und dem Kern, aus dem diese sich ableitet. Über diese elementaren Formbezüge hinaus bestimmen ganz wesentlich die Abstände zwischen den Volumen die Art und Weise, in der wir die Arbeiten lesen und erfahren. Es überrascht daher nicht, dass trotz ihrer geringen Größe diese dichten gusseisernen Skulpturen mit ihrer verführerischen Oberfläche von solch enormer Präsenz sind, dass lediglich ihr Gewicht da noch mithalten kann.

Two By Two Center Blockformation, 1995, Gusseisen (massiv), 20 x 33,3 x 20 cm Two By Two Center Blockformation, 1995, cast iron (solid), 20 x 33.3 x 20 cm 194

In the late '80s, German sculptor Frank Gerritz (*1964) embarked on his journey of developing sculptures that explore a highly ordered system, defined by a single rectangular column at its core. Most of the works are derived from varying arrangements of such elements. They are primarily made up of rectangular shapes, embodying the mass of twelve cube elements that represent the volume of nine parts. Each work encapsulates a single, seemingly removable, core element, sometimes two. These works of art define a precisely determined space.

The composition of these sculptures reveals surprising relationships between the overall shape and the core from which they are derived. Beyond the relationship of these elemental shapes, it is the gaps between the volumes that is crucial in determining the way we read and experience these works. It comes as no surprise then that despite their relatively small size, these dense cast-iron sculptures with their seductive surfaces command an immense presence matched only by their weight.

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Ольга Голос In der Installation "fluky flora" verwandeln sich winzige Fliederblüten, meist etwa zehn Millimeter lang, in großformatige Objekte, die per Zufall aufgeschichtet werden. Fliederblüten haben normalerweise nur jeweils vier Blütenblätter.

Durch eine Mutation kann einigen Blüten jedoch ein zusätzliches Blatt wachsen.

Diese extrem seltenen Blüten gelten in Russland und einigen anderen osteuropäischen Ländern als Glücksbringer. Gerade die Abweichung von der Norm wird als etwas Begehrenswertes angesehen. Aus diesem Grund enthält die Installation fast ausschließlich fünfblättrige Blüten. *1987 in Krasnojarsk, Russland. Studierte 2004–2010 an der Staatlichen A.L. Stieglitz Kunst- und Designakademie in Sankt Petersburg (Russland) und 2011–2017 in der Klasse von Prof. Stephan Huber an der Akademie der Bildenden Künste in München. 2018 GEDOK Debütantinnen Preis und Artist in Residency Gwangju (Korea). 2019 Stipendium im Oberpfälzer Künstlerhaus, das ihr einen Aufenthalt im Virginia Center for Creative Arts in den USA ermöglichte. Derzeit lebt und arbeitet sie in München.

Olga Golos

Russland/Deutschland/Russia/Germany

In the installation "fluky flora", tiny lilac flowers, usually about 10 mm long, are transformed into large-scale objects which are randomly piled on top of each other. Lilac blossoms normally only have four petals each. However, a mutation can cause some flowers to grow an extra petal. These extremely rare blossoms are considered lucky in Russia and some other Eastern European countries. It is, precisely, the deviation from the norm that is seen as something desirable. For this reason, the installation contains, almost exclusively, five-petalled blossoms. *1987 in Krasnoyarsk, Russia. 2004–2010 studied at the State A.L. Stieglitz Art and Design Academy in Saint Petersburg. 2011–2017 studied in the class of Prof.

Stephan Huber, at the Academy of Fine Arts in Munich. 2018 GEDOK Debutante Prize and Artist in Residency Gwangju, Korea. 2019 International Scholarship in the Oberpfälzer Künstlerhaus, which enabled her to stay in the Virginia Center for Creative Arts in the USA. Currently, she lives and works in Munich. https://olgagolos.com

fluky flora, 2018, Installation: Gips, Pigmente, 350 x 250 cm fluky flora, 2018, installation: plaster, paint, 350 x 250 cm 195

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Christoph Jakob Deutschland/Germany

"Basalt... Säulen, Kugeln, Platten, Bomben, grau, braun, schwarz, ocker, schroff und samtweich. Ich liebe diese erstarrten Formen, die Geschichten erzählen von eruptiver Kraft, und den kühlen Kern, den man aus ihnen herausschälen kann."

(Christoph Jakob) "In der Transformation der ursprünglichen Steinform zur endgültigen skulpturalen Erscheinung offenbart sich Jakobs künstlerische Energie und Kreativität.

Nichts mehr ist zu erkennen von dem schweren Arbeitsprozess, wenn die Skulptur auf ihrem Sockel ruht und Stille und Kraft ausströmt, da der Künstler stets eine harmonische Balance zwischen seinen gestalterischen Eingriffen und der Eigendynamik des Steins zu wahren weiß. An der Skulptur 'Reihung' lässt sich das exemplarisch nachverfolgen: Auftrennen und Aushöhlen des Materials, um in das Innere vorzudringen. Teilung in Segmente, Schleifen und Polieren lassen neue Facetten des Steins sichtbar werden, ohne ihn jedoch seiner Seele zu berauben."

(Elisabeth Claus, NKV Aschaffenburg)

Reihung, 2017/2021, Basalt, Cortenstahl, 10-teilig, 57 x 70 x 210 cm Sequence, 2017/2021, basalt, corten steel, 10 parts, 57 x 70 x 210 cm 196

"Basalt ... columns, spheres, plates, bombs, grey, brown, black, ochre, rugged and silky smooth. I love these frozen forms which tell stories of eruptive power and I love the cool core that can be peeled out of them." (Christoph Jakob) "It's the transformation from the original shape of the stone to the final sculptural appearance where Jakob's artistic energy and creativity are revealed. It's impossible to detect the difficult work process when the sculpture rests in its place and exudes silent strength. The artist always knows how to maintain a harmonious balance between his creative interventions and the natural dynamics of the stone. This can be exemplified in the sculpture 'Sequence': Cutting open and hollowing out the material in order to penetrate the depths. Dividing into segments, grinding and polishing allow new facets of the stone to become visible without robbing it of its soul." (Elisabeth Claus, NKV Aschaffenburg) www.christophjakob.de

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Mathias Kadolph

Deutschland/Germany

"Die Analyse räumlicher Zusammenhänge, die Dekonstruktion, das Aufbrechen tektonischer Strukturen und, last but not least, das Neu-Zusammenfügen der Formen innerhalb der Komposition sind wesentliche Kriterien für die Arbeit des Bildhauers Mathias Kadolph. Signifikant ist das Sichtbarmachen von Spannungsverhältnissen zwischen Stabilität und Instabilität. Formal und inhaltlich entstehen auf diese Weise neue Bezüge, Reibungen und Fragen an die Betrachter:innen."

(Angela Holzhauer, Galerie holzhauer hamburg) "Ich verstehe Dreidimensionalität in zweifacher Hinsicht: Als physikalische Tatsache, aber auch als geistigen, emotionalen Spielraum, in dem der Mensch agieren kann!" (Mathias Kadolph) *1957 in Hannover. 1978–1981 Architekturstudium, 1982–1988 Studium der Freien Kunst (Plastik), beides in Hannover. 2009 Dozent Internationale Sommerakademie Dresden. Lebt und arbeitet seit 2002 in Hamburg.

"The essential criteria for the sculptor Mathias Kadolph's work are the analysis of a spatial relationship. He deconstructs, breaks up the anatomy of the structure and then, most importantly, re-creates the forms within the composition. The most significant part is the visualisation of tension between stability and instability.

In terms of form and content, this creates discord and provides new references and questions for the viewer." (Angela Holzhauer, Gallery 'holzhauer hamburg') "I understand three-dimensionality in two ways – as a physical fact but also as a mental, emotional scope in which people can act." (Mathias Kadolph) *1957 in Hanover. 1978–1981, he studied Architecture, 1982–1988, Fine Art Sculpture, both in Hanover. In 2009, he was a lecturer in International Summer Academy, Dresden. Since 2002, he lives and works in Hamburg. www.mathiaskadolph.de

Wandlung, 2008/2021, Ahorn, weiß gefasst, 84 x 125 x 67 cm Conversion, 2008/2021, maple, white finisha, 84 x 125 x 67 cm 197

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Enkhnomin Khundmaa

Хундмаагийн Энхномин

"Als Mongolin füge ich meinen Kunstwerken mongolischen Lebensstil und kulturelle Aspekte hinzu. Meine Themen und Methoden haben sich im Laufe der Jahre verändert und weiterentwickelt. Meine neueste Inspiration ist die Suche nach innerem Frieden. Es scheint, dass alle um uns herum übermäßig gestresst und belastet sind und sich nach einem Moment des Friedens sehnen. Wie sehr sie auch suchen, sie können ihn nicht finden, weil sie an den falschen Orten suchen.

Man könnte den inneren Frieden in der Spiritualität, Religion oder in der Natur mit Freunden und Familie finden. Wahrer innerer Frieden ist jedoch unabhängig von äußeren Umständen und existiert nur im Inneren. Mein Ziel ist es, diese Ruhe in meinem Inneren zu visualisieren." *1985 in Ulaanbaatar. 1996–2002 Kunststudium an der Mongeni-Schule.

2002–2006 BA in Fine Art an der Mongolian State University of Arts and Culture.

2006–2008 Kunstlehrerin an der Mongeni-Schule und als Designerin bei Gobi Co.Ltd. Seit 2019 Designerin bei der Kaschmirfirma Mogol.

"As a Mongolian, I depict the lifestyle and cultural aspects of Mongolia in my artwork. My themes and methods have changed and evolved over the years. Finding inner peace has become my latest inspiration. It seems that, all around, everyone is overly stressed and burdened, longing for a moment of peace. However hard they search, they can't find it because they are looking in all the wrong places.

One could find peace of mind through spirituality, religion or even spending time in nature with friends and family. However, true inner peace is independent of external circumstances and only exists within. My aim is to visualise that serenity of my mind."

Mongolei/Mongolia

Tag 1, 2020, aus der 5-teiligen Installation: Kunstrasen, Pflanze, 15 x 200 x 100 cm Day 1, 2020, from the 5-part installation: artificial grass, plant, 15 x 200 x 100 cm 198

*1985 in Ulaanbaatar. 1996–2002, art studies at Mongeni school. 2002–2006, BA in Fine Art from the Mongolian State University of Arts and Culture. 2006– 2008, teaching art at Mongeni school. Since 2019, working as an artist and designer at Gobi Co.Ltd. A member of the Union of Mongolian Artists since 2009.

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Manfred Kielnhofer & Rolo Geisberger & Andreas Weiskopf

Österreich/Austria

Manfred Kielnhofers "Wächter der Zeit" standen unverrückbar an verschiedenen Brennpunkten der Welt und wachten ausdrucksstark schweigend über das Wohl der Natur. Plötzlich, als die Gefahren Plötzlich, als die Gefahr zur schieren Unvermeidlichkeit wurden, fanden sie ihre Worte wieder und erhoben ihre warnenden Stimmen, um das Bewusstsein der Menschen aufzurütteln und ein radikales Umdenken zu bewirken, das diese wunderbare Welt davor bewahrt, sinnlos ins Nichts gejagt zu werden.

Die "Sprechenden Wächter der Zeit" erzählen in verschiedenen Sprachen von ihren letzten Tagen und bieten eine mehrdimensionale Kunsterfahrung. Zusammenarbeit der Künstlergruppe "Rolo Geisberger (Texte), Manfred Kielnhofer (Skulpturen), Andreas Weiskopf (Musik)"

Manfred Kielnhofer's "Guardians of Time" stood unshakeably to attention in various global hot spots, watching over nature's well-being, expressively silent. All of a sudden, as danger was turning into sheer inevitability, they rediscovered their words, raising their warning voices in order to shake up people’s awareness and cause a radical rethinking that would prevent this wonderful world from being senselessly chased into nothingness.

In various languages, the "Talking Guardians of Time" speak of their final days and offer a multidimensional art experience. Collaboration of the artist group "Rolo Geisberger (texts), Manfred Kielnhofer (sculptures), Andreas Weiskopf (music)". www.guardian-of-time.com

Wächter der Zeit, Polyester, limitierte Auflage 99/Gold, je 220 x 220 x 220 cm Guardians of Time, polyester, limited edition 99/gold, each 220 x 220 x 220 cm 199

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Jo Kley

Deutschland/Germany "Meine Herangehensweise an den Stein ist ein individueller und leidenschaftlicher Akt zur Schaffung von Formen und Oberfächen, und mein Tun ist mäßig abhängig von der Meinung der Menschen. Natürlich macht es mich glücklich, wenn die Leute von meinen Skulpturen berührt werden und deshalb versuchen, sie anzufassen. Während es mir unmöglich ist, genau zu beschreiben, was eine andere Person sehen und fühlen könnte – irgendwie scheint es, dass die Prosa meiner Bildhauer-Sprache Illusionen und Assoziationen verursacht. Eine ausgezeichnete Stein-Skulptur ist Prosa und Gedicht zur gleichen Zeit, ohne eine gesprochene Sprache zu benutzen. Sie ist Grammatik und Vokabular ohne Worte.

Sie ist die Einheit von Materie und Idee. Sie ist Energie." *1964 in Ulm. 1981–1984 Ausbildung als Steinmetz und Steinbildhauer in Ulm. 1991–1997 Studium der Bildhauerei bei Prof. Jan Koblasa, Muthesius Hochschule für Kunst und Gestaltung in Kiel. 2012 promoviert als "Doctor of Liberal Arts" (DLA) an der Universität Pécs (Ungarn), unter Prof. Colin Foster.

Is There Anybody Out There, 2021, Granit und Diorit , Höhe 190 cm Is There Anybody Out There, 2021, granite and diorite. hight 190 cm 200

"My approach to stone is an individual and passionate act of creating forms and surfaces and as such only moderately dependent on people's opinion. Of course it makes me happy when people are moved by my sculptures and therefore move to try and touch them. While it is impossible for me to describe exactly what another person might see and feel, it seems that the prose of my sculptural language causes illusions and associations. An excellent stone sculpture is prose and poem at the same time, without the use of spoken language. It is grammar and vocabulary with no words. It is the entity of matter and idea. It is energy." *1964 in Ulm, Germany. 1981–1984 trained as stone mason and stone sculptor in Ulm. 1991–1997 studied Sculpture under Prof. Jan Koblasa, Muthesius Academy of Fine Arts and Design in Kiel, Germany. 2012 graduated as "Doctor of Liberal Arts" (DLA) from the Faculty of Music and Visual Arts of the University of Pécs, Hungary, supervised by Prof. Colin Foster. www.jokley.com

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Uschi Koch

Deutschland/Germany Das Hauptthema von Uschi Koch ist der Mensch und sein Körper. An ihren lebensgroßen menschlichen Plastiken aus Beton arbeitet sie bis zu einem Jahr. Doch die Künstlerin sucht sich parallel dazu immer auch kleinere Themen, spielerisch experimentell, quasi als Erholung.

Hier sind es nun die surrealen und skurrilen Figuren in Anlehnung an die Malereien des Hieronymus Bosch (z.B. "Versuchung des Hl. Antonius"). Sie werden herausgehoben aus ihrem mittelalterlich-religiösem Zusammenhang. Die Faszination des Unglaublichen, Skurrilen und Fremden kommt zu Tage. Die Vorlagen sind zweidimensionale, gemalte Bilder, denen die Künstlerin als Halbplastik an der Wand Dreidimensionalität verleiht. Die Körperlichkeit dieser Gestalten wird in ihrer Darstellung ganz neu erlebbar, auch durch die unterschiedlichsten feinen und gröberen Oberflächenstrukturen, der Haptik des gebrannten Tons. Diese Körperlichkeit steht für die Bildhauerin im Zentrum ihres Interesses.

Uschi Koch's main theme is people and their bodies. It could take up to a year for her to create one of her life-size concrete sculptures. But, during that year, the artist is always working with smaller topics, playfully experimental, as if for relaxation.

The surreal and bizarre figures, based on the paintings of Hieronymus Bosch (e.g.

"Temptation of St. Anthony") are removed from their religious medieval context.

The fascination with the unbelievable, bizarre and strange comes to light. The templates are two-dimensional paintings, to which the artist gives a threedimensional quality as a semi-sculpture on the wall. The physical attributes of these figures can be experienced in a completely new way, through the feel of fired clay, its smooth and courser textures. For the sculptor, this physicality is at the centre of interest. www.uschikoch.eu

Aus fremden Gärten: Musiker mit Hund, 2017, aus der 33-teiligen Installation, Keramik, Höhen: 32 cm / 48 cm / 17 cm From strange Gardens: Musicians with Dog, 2017, from the 33-part installation, ceramic, heights: 32 cm / 48 cm / 17 cm 201

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Gilles T Lacombe Frankreich/France

"Bevor die letzte typografische Gießerei in Paris schloss, ließ ich 500 winzige Bleizeichen als Ohr anfertigen. Die Anzahl dieser Bleibuchstaben erlaubte es mir, eine Schablone in Form eines größeren Ohrs zu erzeugen. Von diesem Ohr fertigte ich 420 Papierpulp-Kopien an und arrangierte sie zu einem riesigen Ohr. Das zweite Element ist eine Installation aus 80 kleinen Lautsprechern. Auf Kopfhöhe der Besucher positioniert, werden sie Aufnahmen eines einfachen Satzes ausstrahlen: "Ich spreche die Sprache meiner Mutter". 80 der am häufigsten gesprochenen Sprachen der Welt sind zu hören, ergänzt durch lokal gesprochene Sprachen, in der das "Ohr" präsentiert wird. Alle Besucher hören diesen Satz in der Sprache ihrer frühen Kindheit oder in der Sprache, in der sie sich am sichersten ausdrücken können. Die Übersetzungen können variieren, z.B.: "Ich spreche die Sprache, die ich gestillt habe" oder "Ich spreche die Sprache meiner Vorfahren".

Da jeder seine Muttersprache wiederfinden kann, wird es keine ausländischen Besucher mehr geben. Es ist eine Reise um die Welt in wenigen Schritten, ein weltweiter Trubel in der Mitte des Raumes."

"Before the last typographic foundry closed in Paris, I had 500 tiny lead characters made, each representing a small ear. The length of these lead characters allowed me to create a pin screen in a shape of a new, larger ear. I took 420 paper pulp copies of this larger ear and arranged these to form one gigantic ear.

The second element is an installation of 80 small loudspeakers. Positioned at the head height of the visitors, they will broadcast looped recordings of a simple sentence: "I speak the language of my mother". 80 of the most commonly spoken languages in the world will be audible, augmented by locally spoken languages spoken in the region where the "Ear" is presented. All visitors could hear this sentence spoken in the language of their early childhood or the one in which they express themselves most naturally. The translations sometimes vary slightly: "I speak the language I breastfed" or "I speak the language of my ancestors" etc.

Since everyone can regain their mother tongue, there will be no more foreign visitors. It's a trip around the world in just a few steps, a worldwide hubbub in the centre of the room." www.gillestlacombe.fr

Das große Ohr (zur Installation "Ich spreche die Sprache meiner Mutter"), 2020, Papierpulp, 330 x 230 cm (Detail) The Big Ear (to the Installation "I speak the language of my mother"), 2020, paper pulp, 330 x 230 cm (detail) 202

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Liu Ruowang

China

Welche Auswirkung hat das Aussterben einer Spezies? Dodo, der flugunfähige Vogel kam ausschließlich auf der Insel Mauritius vor und war 100 Jahre nach seiner Entdeckung von Menschen ausgerottet. Liu Ruowang nimmt das Schicksal des Dodos als Sinnbild für die Änderungen im Fluss der Zeiten und für die Dinge, die verschwinden. Mit der Rückkehr des Dodos möchte er die Menschen für die Wertigkeiten des Lebens sensibilisieren. Ihn beschäftigen die Fragen nach dem Sinn des Daseins und der Lebensaufgabe. Seine Werke versinnbildlichen eine Brücke zwischen Historie und unserem aktuellen Dasein und untersuchen den Wert des Ursprünglichen und seiner Bedrohung durch die Errungenschaften der Zivilisation. *1977 in Shaanxi. 2005 Abschluss an der CAFA. Fokus-Künstler der NordArt 2016 und Publikumspreisträger. Seitdem sind einige seiner Hauptwerke in der NordArt zu Hause, wo sie mehrfach neu inszeniert wurden, aber auch viele Gastauftritte in Dänemark, Tschechien, Frankreich und Italien hatten. Aktuell sind 23 Skulpturen in der schweizerische Skulpturentriennale Bad Ragartz zu sehen.

What are the consequences of the extinction of species? Dodo, a flightless bird, once found exclusively on the island of Mauritius, was wiped out by humans just 100 years after its discovery. Liu Ruowang uses Dodo's tragic fate as a symbol for steady changes and encompassing things that disappear. Bringing Dodo to the focus, he wants to alert people to the value of life. He is seeking an answer for our purpose in life and the meaning of existence. His work is a symbolic bridge between the past and the present. It examines the merits of origins and how it's threatened by the achievements of civilisation. *1977 in Shaanxi. Graduated from CAFA (China Central Academy of Fine Arts) in 2005. In 2016, he became a Focus Artist of NordArt and a Public Choice Awardee. Since then, NordArt has become a home to many of his major works. They have been restaged here several times, and have also taken part in many guest performances in Denmark, Czech Republic, France and Italy. Currently, 23 of his sculptures from NordArt are on tour at Swiss Sculpture Triennial Bad Ragartz.

Findet Dodo, 2020, Edelstahl, 205 x 220 x 155 cm Finding Dodo, 2020, stainless steel, 205 x 220 x 155 cm 203

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Gudmundur R Ludviksson Island/Iceland

"Was ist der Unterschied zwischen dem Einkauf von Rohstoffen wie Gips oder Zement und dem Ausflug in die Natur, um sie selbst zu sammeln? Was ist der Unterschied zwischen einer Idee und einem Handwerk, das die Idee manifestiert?

Die Aufgabe der Kunst ist es, Emotionen zu wecken, die bestehenden Ideen und Ideale in Frage zu stellen. Ich bin fasziniert von dem Prozess, wie eine Idee zum Kunstwerk wird. Dieser Vorgang selbst wird für mich Kunst. Auch die Gespräche mit den Menschen, die in den Schaffensprozess involviert sind, sind ein grundlegender Teil. Meine Arbeit ist eine Hommage an diesen Prozess. Es begann mit einem gewaltigen Vulkanausbruch, der das Land formte und ein faszinierendes Lavagestein hinterließ. Dieses unwegsame Gestein blieb 7000 Jahre lang unberührt. Nun wird er von seinem Geburtsort gelöst, 2.283 km weit transportiert und erhält eine neue Rolle als Objekt der Neugierde. Die komplizierte Angelegenheit, wo die Erfahrung und Geschicklichkeit von Dutzenden nötig sind, wird zu einem integralen Bestandteil dieses Kunstwerkes. Es ist der Prozess, der das Kunstwerk ausmacht."

Lava Natur, 2020/2021, Ausgangspunkt Island, Lavagestein vor der Reise zur NordArt Lava Nature, 2020/2021, starting point in Iceland, lava rock before the trip to NordArt 204

"How would shopping raw materials like gypsum or cement compare to setting off into nature to gather them yourself? What is the difference between an idea and a craft which manifests the idea? As always, the role of art is to evoke emotions, challenge the existing ideas and ideals. I am fascinated with the process of an idea becoming a piece of art. This process itself becomes a work of art for me.

Also, conversations with people who become involved in the process is a fundamental part along with materials, texture, presentation and craftsmanship, of course. My work is a homage to the process. It began with a huge volcanic eruption that shaped the land and left behind an intriguing lava rock. This impassable virgin rock remained untouched for 7000 years. It is carved from its birthplace, transported 2,283km from its home and given a new role as an object of curiosity. This whole complicated business, involving dozens of people, experience and skill, becomes an integral part of this piece of art. It is the process that is the work of art." www.ludviksson.com

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Matteo Marchetti

Italien/Italy

"Ich komme aus Versilia, Land von Kunst und Marmor. Mit dem dort gewonnenen Marmor sind die größten zeitgenössischen Künstler und sogar Michelangelo versorgt worden. Absolute Hauptdarstellerin meiner Werke, die der industriellen Archäologie der Steinbrüche entspringen, ist die Luft. Die Luft in Kombination mit einer bestimmten Phase der Marmorgewinnung lässt aussagekräftige Kreationen entstehen. Ihr verleihe ich gern eine Stimme, lasse sie tun, was sie will, unberechenbar, instinktiv.

Die Marmorgewinnung ist eine Kunstform für sich, denn kunstwürdigen Marmor herzustellen erfordert Intuition und Wissen. Seit jeher entringen Menschen dem Fels Marmorblöcke, die sie zum Ausdruck ihrer Kreativität, Ideen und Genialität inspirieren. Quarry Art (Steinbruchkunst) hebt eine bestimmte Phase hervor, in der Block und Berg sich voneinander lösen, denn damit beginnt die Verständigung. Der Moment ist da, in dem ein schweres Stück Fels sich auf die Suche nach seiner Stimme begibt. Quarry Art bahnt sich seinen eigenen Platz in der zeitgenössischen Kunstszene."

"I was born in Versilia, a land of artists and marble. The marble extraction and processing in Versilia has catered for the greatest contemporary artists and even Michelangelo. My artistic works are the result of the history and industrial archaeology of marble quarries, and the absolute protagonist in my work is the air. The Air, in combination with a specific phase of marble extraction, gives life to creations that leave us a meaningful message. I like giving a voice to the Air, unpredictable and intuitive, letting it create what it wants. A marble extraction is an art form in its own right, it demands intuition and knowledge to extract marble worthy of art. Man has always been inspired to express his creativity, ideas and genius in front of a marble block, once taken from the mountain. Quarry Art enhances a specific phase when a block of marble detaches from the mountain.

It's the moment when the communication begins, a moment when a heavy piece of rock starts a journey to find his voice. Quarry Art is carving out its original place in the contemporary art scene." www.quarryart.it

RED FAT CUBE, 2019, Quarry Art, Stahl, 180 x 198 x 180 cm RED FAT CUBE, 2019, Quarry Art, steel, 180 x 198 x 180 cm 205

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Veronica Matiz Kolumbien/Columbia

Veronica Matiz widmet sich der Erkundung der Formung und Bearbeitung von Stahl, ein Material, das als industriell gilt – rau, steif und kalt. Doch nach Jahren intensiver Arbeit hat es der Künstlerin seine edlen und geschmeidigen Seiten enthüllt. Vor allem aber entdeckte sie seine organischen Eigenschaften. Die Grundlage ihrer Arbeiten bildet die Geometrie, von dort aus schöpft sie Strukturen zur Untersuchung organischer Formen. Jede Skulptur zeigt sich vielseitig, entsprechend der Lesart, die der jeweilige Blickwinkel mit sich bringt. Der handwerkliche Herstellungsprozess macht jedes Teil zum Unikat. *1985. Als Bildhauerin hat Matiz 16 Jahre Erfahrung. Sie studierte an der School of Creative Arts, Instituto Lorenzo de' Medici in Florenz. MA Visuelle Künste (Bildhauerei) an der Universidad Javeriana in Bogota, Kolumbien. Sie hat ihre Arbeit vielerorts und auf verschiedenen Events gezeigt, u. a. La Feria de Arte Barcú, zwei Ausgaben der Auktion des Nationalmuseums in Bogotá und Galerie La Cometa.

Veronica Matiz has completed a long study of how to work and shape steel. Steel is considered an industrial material and is rough, rigid and cold. After a period of dedicated work, steel revealed to her its noble and malleable character. Most importantly, she discovered its organic attributes. Starting with basic geometrical shapes which form a foundation, she creates mesmerising structures that lead to an exploration of organic forms. The versatile and playful character of each sculpture reveals itself at changing viewpoints. Every piece is made by hand. *1985. Matiz has 16 years' experience as a sculptor. She studied at the School of Creative Arts, Instituto Lorenzo de' Medici in Florence. MA in Visual Arts (sculpture) from the Universidad Javeriana in Bogota, Colombia. She has presented her work in various events and locations such as La Feria de Arte Barcú, two editions of the National Museum Auction in Bogotá and La Cometa Gallery. www.veronicamatiz.com

Vinculos De Union (Krawattenverbund), 2021, Stahlblech, MIG-geschweißt, Epoxy-Lackierung, 70 x 50 x 50 cm Vinculos De Union (Union Ties), 2021, steel sheet, MIG welded, epoxy paint, 70 x 50 x 50 cm 206

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Stefan Milkov

Tschechische Republik/Czech Republic "Ich verwende neuartige Techniken zur Herstellung großer Skulpturen. Ausgehend von detaillierten Modellen verwende ich 3D-Scanner und CNC-Maschinen zum Vergrößern der Einzelteile, die dann zusammengefügt und weiterverarbeitet werden. Letztendlich entsteht daraus eine Skulptur, deren feine Metalloberfläche von innen glasfaserverstärkt ist. Diese Verfahren lassen Güsse mit einer harten, widerstandsfähigen Oberfläche zu, die gleichzeitig recht leicht sind. Großformatige Skulpturen lassen sich so viel leichter und schneller herstellen als mit klassischen Bildhauertechniken. Die Skulptur 'Amfroid' ist ein Teil meiner 'Maschinenskulpturen'. Ich suche nach einer Form, die eine Synthese aus etwas Biologischem und Technischem ist. In diesem speziellen Fall ist es eine animalische und sehr starke Maschine, bereit zur Aktion. Allerdings wissen wir noch nicht, ob diese Aktion nützlich oder gefährlich sein wird." *1955 in Bohumín. Studierte an der Oberschule für Angewandte Kunst in Uherské Hradiště, danach an der Akademie für Kunst, Architektur und Design Prag. Lebt und arbeitet in Prag.

"I use new technologies to create large-scale sculptures. Working from precise small model, a 3D scanner and CNC milling machine are used to enlarge it to the desired dimensions and mill the separate parts, which are then assembled and further processed. Eventually, a sculpture can be produced that has only a thin metal surface layer reinforced with fibreglass. The method allows castings with a metal surface that are very durable, resistant and light at the same time. Large sculptures can therefore be made more quickly and effortlessly than by using classical sculptural techniques. The sculpture 'Amfroid' is a part of my 'machine sculptures'. I'm looking for form which is synthesis of something biological and technical. In this particular case, it's some animalistic and very strong machine, ready for action. However, we don't know yet if this action will be useful or dangerous." *1955 in Bohumín. Studied at the Secondary School of Applied Art in Uherské Hradiště, then at the Academy of Arts, Architecture and Design Prague. Lives and works in Prague. http://stefanmilkov.com

Amfroid II, 2018, Kaltguss-Bronze, 170 x 370 x 150 cm Amfroid II, 2018, cold casting bronze, 170 x 370 x 150 cm 207

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Nenad Milovanović

Ненад Миловановић

Nenad Milovanovic zeigt die universelle Bedeutung der Säule in der Architektur und des Bauwesens auf. Säulen recken sich in den Himmel, bieten aber auch Unterstützung, Kraft und Stabilität. Wie eine Pflanze, die nach Sonnenlicht sucht, sich dreht und die Richtung ändert, während sie stark und ungebrochen bleibt.

Die Skulptur "Verlagerung" verkörpert den harten ,aber lohnenden Weg zum Erreichen von Zielen – den Weg, der uns stärker macht und kreatives Denken und ständiges Wachstum erfordert.

Nenad Milovanovic aims to demonstrate the significance of pillars in architecture and masonry. They provide support, strength and stability while reaching for the skies. Like a plant searching for sunlight, twisting and changing direction whilst remaining strong and unbroken. The sculpture "Displacement" embodies a harder yet more rewarding path to achieve our goals. The path that makes us stronger, one that requires creative thinking and constant growth.

Serbien/Serbia

*1990 in Belgrad. Absolvent der Fakultät für Angewandte Künste (Bildhauerei) 2013, MA-Titel ebenda 2015. Vier Einzel- und mehr als 30 Gruppenausstellungen, darunter Sculpture by the Sea (Australien), 2016 in Bondi und 2017 in Cottesloe.

Seine Skulpturen finden sich im öffentlichen Raum in Serbien und in Ron Gomboks Skulpturenpark in Australien. Lebt und arbeitet in Belgrad.

Verlagerung, 2021, Cortenstahl, 650 x 170 x 150 cm (Animation) Displacement, 2021, corten steel, 650 x 170 x 150 cm (animation) 208

*1990 in Belgrade. Graduated from the Faculty of Applied Arts at the Applied Sculpture department in 2013. In 2015, he received his Master's degree. He has had four solo shows and more than thirty group exhibitions at home and abroad; particularly distinguished are Sculpture by the Sea, Bondi 2016, and Cottesloe 2017, Australia. So far, his sculptures have been permanently installed in public spaces in Serbia and the Sculpture Park gallery of Ron Gombok in Australia. www.nenadmilovanovic.com

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Paulo Neves Portugal

Die morphologischen Aspekte in den Werken von Paulo Neves lassen sich vom Expressionismus und vom Barock herleiten, jedoch hat er eine ganz eigene Sprache und siedelt am Rande ästhetischer Tendenzen und Bewegungen unserer heutigen Zeit. *1959. Obwohl Paulo Neves die Porto School of Fine Arts in Portugal besuchte, war seine Ausbildung, nach moderner europäischer Tradition, ein reines Selbststudium. Er verließ bereits in jungen Jahren sein Zuhause auf der Suche nach neuen Erfahrungen. Er traf Künstler, besuchte Museen, entdeckte andere Welten.

Diese Erfahrungen haben zweifelsohne seine Arbeit bestimmt. In den 90er-Jahren erlangte er seine künstlerische Reife und ist heute ein etablierter, international anerkannter portugiesischer Bildhauer. Mit seinen Werken ist Paulo Neves, neben verschiedenen privaten wie öffentlichen portugiesischen Sammlungen, auch in den Vereinigten Staaten, Frankreich, Spanien, Brasilien, den Niederlanden, Belgien, Rumänien, Australien, Marokko, Deutschland, Thailand und Japan vertreten.

The morphological aspect of Paulo Neves' pieces leans upon Expressionism and Baroque, although his language is utterly original, built on the fringes of aesthetic tendencies and movements of contemporary times. *1959 Portugal. Paulo Neves attended the Porto School of Fine Arts in Portugal, however, his education, true to the modern European tradition, was exclusively self-taught. He left home at a very young age in a search for new experiences. He met artists, visited museums, discovered other worlds. These experiences, undoubtedly, determined the work he has been doing. During the '90s, his artistic maturity revealed itself and, today, Neves is a well-established and internationally recognised Portuguese sculptor. With pieces in various Portuguese collections, both private and public, Paulo Neves is also represented in the United States, France, Spain, Brazil, the Netherlands, Belgium, Romania, Australia, Morocco, Germany, Thailand and Japan. www.paulonevesescultor.cm

Roda, 2019, Holz, 7-teilig, 500 x 500 x 160 cm Roda, 2019, wood, 7 parts, 500 x 500 x 160 cm 209

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Danijela Pivašević-Tenner Serbien/Deutschland/Serbia/Germany

Die Bildhauerin Danijela Pivašević-Tenner entwickelt ihre Werke aus einem konzeptuellen Ansatz heraus, in dem gleichzeitig immer auch ein Kommentar zur Gattung der Keramik mit all ihren Traditionen und Dogmen ablesbar ist. Sie analysiert dabei unsere Gesellschaft und deren Gewohnheiten. Sie entzieht die Funktion oder prägenden Muster von Alltagsgegenständen durch künstlerische Strategien wie Deformation oder Überguss. Sie ermutigt das Publikum, sich zu beteiligen und konfrontiert es so mit seinen eigenen Gewohnheiten und Normen.

Ihre Arbeiten reichen von interaktiven Aktionen über Objekte bis zu Installationen, und sie hat damit an zahlreichen internationalen Symposien, Artist-inResidencies und kuratierten Ausstellungen teilgenommen.

Studium in Belgrad und Berlin. Von 2013 bis 2020 Künstlerische Leiterin der Dr.Hans-Hoch-Stiftung im Künstlerhaus Neumünster in Norddeutschland und Initiatorin des Förderprogramms "Ceramic Artist Exchange – Tandem". Sie lebt und arbeitet in Berlin. Seit 2020 ist sie Lehrkraft für künstlerische Werkstattlehre an der Universität der Künste.

The sculptor Danijela Pivašević-Tenner takes a conceptual approach, accompanied by the commentary of the genre of ceramics with all its traditions and teachings.

She analyses our society and its customs by disassociation. The artist removes the function or defining pattern from everyday objects through various artistic strategies such as deformation and pouring over. She encourages the audience to participate and confront their own habits and norms. Her work ranges from interactive acts to objects to installations which have earned her invitations to many international symposiums, art residencies and curated exhibitions.

Danijela Pivašević-Tenner studied in Belgrade and Berlin. 2013–2020, she has been Artistic Director of Dr Hans Hoch Foundation at the Künstlerhaus Neumünster in Northern Germany and initiator of the funding program "Ceramic Artist Exchange – Tandem". She lives and works in Berlin. Since 2020, she has taught art workshops at the Berlin University of the Arts. www.dada-art.net

Im Fluss, 2019, Wandinstallation: Porzellan-Gießmasse (Detail) • WohnFühlen, 2019, Installation: Möbel, Porzellan-Gießmasse ungebrannt, 160 x 270 x 240 cm In flow, 2019, wall installation: porcelain casting compound (detail) • LivingFeeling, 2019, installation: Furniture, porcelain casting compound, unfired, 160 x 270 x 240 cm 210

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Jörg Plickat

Deutschland/Germany

Plickat zählt zu den international anerkanntesten deutschen Bildhauern. Seine zunächst figurativ geprägte Kunst wandelt sich nach 1985 in eine abstrakt-kubisch geprägte Formensprache, hinter der vielfach die menschliche Figur erkennbar ist.

Seit 2000 bestimmt Cortenstahl – zum Teil auch Bronze – die Materialität seiner Plastiken. *1954 in Hamburg. 1980 Diplom Bildhauerei, Muthesius-Hochschule Kiel. Lebt seit 1980 in Bredenbek/SH. Über 350 Ausstellungen weltweit, mehr als 100 Skulpturen im öffentlichen Raum in zehn Ländern und vier Kontinenten.

Zahlreiche nationale und internationale Preise für Skulptur und Architektur, u.a.: 2015 MacQuarie Preis, Australien (Sculpture by the Sea, Bondi); 2012 Kunstpreis der Norddeutschen Wirtschaft (Einzelausstellung Schloss Gottorf, Landesmuseum SH); 2008 Landespreis für Denkmalpflege Niedersachsen und IF Gold Award Corporate Architecture (mit OM Architekten, BS); NordArt-Preis 2017. Lehrtätigkeiten an der: Tsinghua University Beijing; China Academy of Arts in Hangzhou; Universidad Complutense Madrid; Universidad Rey Juan Carlos Madrid; Honorarprofessur Kunstakademie der Xian University of Architecture (XAUAT)

Plickat counts among Germany's most recognized sculptors internationally. Initially figurative in his art, his vocabulary changed after 1985 to become more abstract and cubic, though the human figure is often still discernible. Corten steel, and sometimes bronze, has been his main material of choice since 2000. *1954 in Hamburg. 1980 Diploma for Sculpture, Muthesius University, Kiel. Since 1980, lives in Bredenbek, Schleswig-Holstein. More than 350 exhibitions worldwide, more than 100 sculptures in public spaces in ten countries on four continents. Numerous national and international awards, e.g.: 2015 MacQuarie Prize, Australia (Sculpture by the Sea, Bondi); 2012 Art Prize of the Northern German Economy (solo show at Schloss Gottorf, Landesmuseum SH); 2008 State Heritage Conservation Award Lower Saxony and IF Gold Award Corporate Architecture (with OM Architekten, BS); NordArt Prize 2017. Teaching activities at: Tsinghua University Beijing; China Academy of Arts in Hangzhou; Universidad Complutense in Madrid; Universidad Rey Juan Carlos, Madrid; Honorary Professorship, Academy of Art, Xian University of Architecture (XUAUT) www.plickat.com

Labyrinthum, 2020, Cortenstahl, 460 x 460 x 460 cm Labyrinthum, 2020, corten steel, 460 x 460 x 460 cm 211

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Aixa Portero Spanien/Spain

"The Roots of Flying" ist eine Buchinstallation aus leeren Seiten, die schwebend dahängen, während eine Myriade von Buchstaben auf dem Boden verstreut sind.

Wie bei einer Übung in Rekomposition, zu der wir eingeladen sind. *1975 in Málaga. Aixa Portero absolvierte die Universität von Granada im Bereich Plastische Kunst (Malerei & Skulptur) und studierte auch in Brüssel. Sie begann, sich für neue künstlerische Trends, neue Medien und die Kultur des Friedens zu interessieren. Es folgten Postgraduiertenstudien in Genf und Rotterdam. Anschließend arbeitete sie für Neue Medienkunst & Menschenrechte an der Universität von Kalifornien in San Diego. 2006 Europäischer Doktortitel der Universität von Granada. In diesem Rahmen entstand auch eine Reihe intensiver plastischer Arbeiten. 2018 hatte sie Einzelausstellungen im Minsker Nationalmuseum für Zeitgenössische Kunst und im Museum für Zeitgenössische Kunst in Vitebsk. Ihre Arbeiten wurden außerdem in Brüssel, Genf, Rotterdam, San Diego, Havanna, Los Angeles, Minsk, Vilnius und Bogotá gezeigt.

Die Wurzeln des Fliegens, 2018, Installation: Skizzenbücher und schwarze Buchstaben The Roots of Flying, 2018, installation: sketchbooks and black letters 212

"The Roots of Flying" is a book installation of blank pages hanging there suspended while a myriad of letters are scattered on the floor. Like a recomposition exercise to which we are invited. *1979 Málaga. Aixa Portero trained in painting and sculpture at the University of Granada and continued her studies in Brussels. She developed an interest in new artistic trends, new media and the culture of peace – amply and thoroughly rounding off her training abroad. In Geneva, she undertook advanced professional training, continued her studies in Rotterdam and, as an artist and a researcher in New Media Art & Human Rights, at the University of California, San Diego. In 2006, Doctorate Europaeus at the University of Granada, including an intense body of plastic work. Recently, she's had a solo exhibition at The National Museum of Contemporary Art at Minsk, at the Museum of Contemporary Art of Vitebsk, and her work has been shown in places like Brussels, Geneva, Rotterdam, San Diego, Havana, Los Angeles, Minsk, Vilna or Bogotá. https://aixaportero.com

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Veronika Psotková

Tschechische Republik/Czech Republic Veronika Psotková konzentriert sich in ihren Arbeiten der letzten Jahre vornehmlich auf unkonventionelle Rauminstallationen mit Figuren und Gegenständen aus Drahtgeflecht. Psotková stellt ihre Kunstwerke aus Rabitzgitter her, wobei sie dieses Industrieprodukt in figurative Strukturen verwandelt. Sie formt und vernäht die Gitter zu räumlichen "Zeichnungen", lässt diese sich auf natürliche Weise durch Rost verfärben und versiegelt sie anschließend mit klarem oder farbigem Lack. Seitdem sie 2007 ihre ersten Drahtskulpturen schuf, widmet sich Psotková in ihrem dynamischen Skulpturentagebuch autobiografischen Themen wie Familienleben, Partnerschaften und, während der vergangenen fünf Jahre, auch der Mutterschaft. *1981 in Opava. Psotkavá absolvierte die Fakultät Bildende Kunst (Bildhauerei) der Technischen Universität Brünn. Ihre Arbeiten wurden in Einzel- und Gruppenausstellungen in Tschechien und international gezeigt. Sie lebt und arbeitet derzeit in Obora u Loun.

In recent years, Veronika Psotková has been focusing on unconventional spatial installations containing wireframe figures and objects. Psotková is presenting artworks made of rabitz wire mesh. She transforms this industrial product into figurative structures. She shapes and stitches the netting into spatial 'drawings' and allows them to become naturally discoloured by the rust, finishing them with clear or coloured lacquer spray. Veronika Psotková is drawn towards autobiographical topics. Since 2007, when she created her first wire sculpture, she has kept a dynamic sculptural diary of her life, reflecting her family life, partnerships and, during the last five years, motherhood. *1981 in Opava. Veronika Psotková graduated from the Sculpture Studio at the Faculty of Fine Art, Brno University of Technology. Her work has been featured in solo and group exhibitions in the Czech Republic and abroad. She currently lives and works in Obora u Loun. www.veronikapsotkova.net

Zusammen – Mit ihr, 2019, Installation: Rabitzgitter, 600 x 700 x 550 cm Together – With Her, 2019, installation: mesh rabitz, 600 x 700 x 550 cm 213

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Lukáš Rais

Tschechische Republik/Czech Republic Lukáš Rais' Hauptanliegen ist es, mit den von ihm gewählten Materialien komplexe Welten zu schaffen. Aus Rohmaterial wie Stahl formt er organische Kompositionen, deren Einzelteile im Gesamtkontext sichtbar und erkennbar bleiben.

Ein derartiges System bringt Objekte hervor, die sowohl die Gefühle der Betrachtenden als auch den Geist des Künstlers ansprechen. Die Entstehung der Arbeiten ist ein sehr feinfühliger Prozess, wenngleich die Skuplpturen so massiv, ja robust erscheinen. Es ist nicht unbedingt die monumentale Größe seiner Arbeit, die bezeichnend ist, sondern die innere Harmonie, die in der Statue selbst zu finden ist.

Seine Skulpturen erscheinen gleichermaßen dynamisch, kraftvoll und anregend für das Verständnis der Betrachtenden wie das des Autors.

Lukáš Rais is engrossed in creating intricate worlds from the rough material he works with. Methodically he transforms the raw material into organic compositions, each individual element slotting neatly into the fluid framework of the whole composition. His method allows him to create objects that captivate both the observer's heart and the mind of the artist. Despite the large scale and perhaps even the robustness of the pieces, it's a very delicate process. It's not necessarily the monumental size of his work that is so significant but the innate harmony found within the statue itself. His statues are dynamic and stimulating both from the artist's perspective who creates them and from the observer's viewpoint who enjoys exploring them.

*1975. Studierte an der Akademie für Angewandte Künste Prag 2005-2011. Lebt und arbeitet in Prag.

*1975. Lukáš Rais studied at the Academy of Applied Arts in Prague, 2005–2011.

Lives and works in Prague. www.lukasrais.com

Herz, 2020, geschweißter Edelstahl, 120 x 250 x150 cm Heart, 2020, welded stainless steel, 120 x 250 x150 cm 214

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Jaroslav Róna

Tschechische Republik/Czech Republic Jaroslav Róna (*1957 in Prag) ist Bildhauer, Maler und Performer und gehört der postmodernen 80er-Jahre-Generation an, die den Fall des Kommunismus und den Wandel zur Demokratie erlebte. Er war Mitglied von Tvrdohlaví (Die Hartnäckigen), einer Künstlergruppe, die eine wichtige Rolle bei der Befreiung der Kunstszene von sozialistischer Demagogie spielte. Er arbeitete als Theater- und Filmdesigner und in der Architektur. Róna stellt vor allem Skulpturen für den öffentlichen Raum sowie Gemälde her. Er unterrichtete Bildhauerei an der Akademie der Bildenden Künste Prag von 2005–2011. Seine bekanntesten Arbeiten im öffentlichen Raum sind das Franz-Kafka-Monument in Prag, für das er den Grand Prix der Vereinigung Tschechischer Architekten erhielt; die "Rote Giraffe" in Prag; die Reiterstatue Jobst von Mährens in Brünn; das "Mythische Schiff" in Bratislava und das "Kind vom Mars" auf dem Berg Ještěd. Ausstellungen in Böhmen seit 1985 und international seit 1989. Er illustrierte mehrere Bücher, u. a. Orwells "1984" und Saint-Exupérys "Citadelle" (Die Stadt in der Wüste). Er veröffentlichte zwei Bände seiner Zeichnungen und Texte.

Jaroslav Róna (*1957 in Prag) belongs to the postmodern generation of the '80s.

Brought up in the communist era, he witnessed its fall and transition into democracy. He became a member of a significant art group Tvrdohlaví (The Stubborn) which helped to liberate the art scene from socialist propaganda. Róna mainly produces sculptures for public spaces as well as paintings, but he is also a performer and has done designs for film and theatre besides architectural work.

From 2005–2012, he taught sculpture at the Academy of Fine Arts in Prague. His best-known sculptures, among many others, are the following: Franz Kafka Monument in Prague for which he received the Grand Prix of the Society of Czech Architects; the "Red Giraffe" in Prague; the equestrian statue of Jošt of Luxembourg in Brno; the "Mythical Ship" in Bratislava; and the "Child from Mars" on Mount Ještěd. Since 1985, he has exhibited in Bohemia and after 1989 also abroad. He has illustrated several books, including "1984" by George Orwell and "Citadelle"

by Saint-Exupéry. He has published two books of his own drawings and texts. www.jaroslav-rona.cz

Sitzende Löwin, 2018, Bronze, 210 x 93 x 220 cm Sitting Lioness, 2018, bronze, 210 x 93 x 220 cm 215

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Alexander Taratynov

Александр Таратынов

Taratynov spürt sehr bewusst in seinen seit einigen Jahren verfolgten 3D-Projekten der Tradition in der Bildenden Kunst nach, indem er Monumentalskulpturen (Gruppen) schafft, die immer mit dem Betrachter spielen. Da in ihnen stets die kunsthistorische Dimension mitschwingt, fordern sie den Rezipienten zu Interaktion und damit zu einem tieferen Verständnis des Kunstwerkes und seines Kontextes auf. Taratynov nimmt sich beeindruckende Werke der Malerei zum Vorbild und setzt diese in das räumliche, skulpturale Medium um. (Almut Rix)

In his 3D projects, which have been pursued for several years, Taratynov is investigating very consciously the tradition of fine art, by creating monumental sculptures (groups), which are always playing with the viewer. As the art-historical dimension continually resonates in them, they challenge the recipient to interact and thus to gain a deeper understanding of the work of art and its context. Taratynov takes impressive works of painting as an example and transforms them into the spatial, sculptural medium. (Almut Rix)

*1956 in einer Künstlerfamilie in Moskau. 1974 Abschluss an der Moskauer Kunsthochschule, 1975–1981 Studium an der Staatlichen Moskauer Kunstakademie VI Surikow, Fachbereich Skulptur. 1990er Jahre Stipendium in Amsterdam, seit 2005 lebt und arbeitet er in Russland und Maastricht (NL). 2015 Bezug des Schlosses Strijthagen (Limburg, NL) mit Ausbau zum Kunstzentrum "Artland".

*1956 into a family of artists in Moscow. In 1974 graduation from Moscow School of Art, 1975–1981 studies at the Moscow State Academy of Arts VI Surikow, Department of Sculpture. 1990s scholarship in Amsterdam, since 2005 living and working in Russia and Maastricht (NL). In 2015 move to Strijthagen Castle (Limburg, NL) with development into the art centre "Artland" (http://artland.top).

Russland/Russia

Maler und die Unbekannte (nach Ivan Kramskoi), 2010–2012, Bronze, lebensgroß Painter and the Unknown (after Ivan Kramskoi), 2010–2012, bronze, life-size 216

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Urs-P. Twellmann

Schweiz/Switzerland

Hölzer in allen Erscheinungsformen bilden die Ausgangslage für die Objekte, Installationen und Interventionen von Urs Twellmann. Die Auseinandersetzung mit dem Material, das Erforschen seiner Eigenschaften und Möglichkeiten sowie das Spannungsfeld zwischen Chaos und Ordnung stehen im Zentrum des kreativen Prozesses, in dem der Künstler die Hölzer bricht, spaltet, zersägt und analysiert, um sie schließlich in neue Anordnungen und Zusammenhänge zu bringen.

Wood in all its manifold appearances forms the basis of Urs Twellmann's objects, installations and interventions. His discourse with the material, exploring its characteristics and possibilities as well as the tension between chaos and order are at the heart of the creative process in which the artist breaks, splits and saws up the wood, analysing before eventually organizing it in new and different arrangements and contexts.

*1959 in Langnau im Emmental, Schweiz. Künstlerische Ausbildung: Schule für Gestaltung, Bern Art; Students League, New York; Manhattan Graphic Center, New York. Seit 1979 stellt Twellmann regelmäßig im In- und Ausland aus. Für seine Arbeit hat er zahlreiche Stipendien, Werkbeiträge und Preise erhalten. Einladungen für Ausstellungen und Skulpturenprojekte führten ihn wiederholt auf alle Kontinente. Urs-P. Twellmann lebt und arbeitet bei Bern.

*1959 in Langnau in Emmental, Switzerland. Artistic education: Schule für Gestaltung, Bern Art; Students League, New York; Manhattan Graphic Center, New York. Since 1979 Twellmann regularly exhibits nationally and internationally. He has received numerous scholarships, grants and awards for his work. He has been invited to participate in exhibitions and sculpture projects on all continents. UrsP. Twellmann lives and works near Bern. www.twellmann.ch

2.25 x π, 2018, Eichenholz, 500 x 500 x 200 cm (Entstanden auf dem NordArt-Symposium 2018) 2.25 x π, 2018, oak wood, 500 x 500 x 200 cm (Created at the NordArt Symposium 2018) 217

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Eelke van Willegen Niederlande/Netherlands

Pantha Rhei – alles fließt.

Eelke van Willegen (*1974) schafft Kunst von großer Einfachheit. Schlicht, natürlich und ohne Schnickschnack. Der Künstler surft. Surfen macht Spaß. Surfen führt auch zu innerer Gelassenheit. Die Brandung lesen. Das Gewässer kennen.

Im Flug die vollendete Vereinigung von Körper, Brett, Wasser, Wind. Die Lippen rau vom Salz. Surfen, schlicht und ergreifend. Doch der Schein trügt. Bei näherem Hinsehen entpuppt sich sein Werk als komplex und wohldurchdacht. Die Form ist handlungsleitend. So wie der Ozeangrund die Wellen moduliert und sie nach den Gezeiten formt. Eelke fängt die sichtbare Welt in einfachen Zeichnungen und dreidimensionalen Kunstwerken ein. Kraftvolle wesentliche Elemente sind weder leicht erzielt noch erkannt. Betrachtende müssen das Werk lesen wie der Surfer das Wasser liest. Doch jedem, der sich die Mühe macht, genau hinzuschauen, wird sich einiges erschließen. So einfach ist das. Nicht leicht, jedoch sehr mächtig.

Und die See, die See ... (Taco Meeuwsen)

The big Blue, 2018, Stahl und Farbe, 90 x 110 x 78 cm The big Blue, 2018, steel and paint, 90 x 110 x 78 cm 218

Panta Rhei – everything flows.

Eelke van Willegen (*1974) creates art of great simplicity. Plain and natural, no bells and whistles. The artist is a surfer. Surfing is fun. But surfing is also about inner peace. Reading the surf. Knowing the water. The flight, the perfect union of a body, board, wind and water, the lips raw from salt. Surfing, plain and simple. However, the appearances may be deceitful. On a closer inspection, his work proves to be complex and carefully thought-out. The form is guided by action. It's like an ocean floor, moulding the surf and shaping it according to the tides. Eelke captures the visible world in a simple drawing and a three-dimensional work of art. Powerful essentials aren't easily accomplished nor easily spot. The viewer will have to read the work like the surfer reads the swell. But, for anyone who takes the trouble to look carefully, there will be plenty to see. It's as simple as that. Not easy, yet very powerful. And the sea, the sea ... (Taco Meeuwsen) www.eelkevanwillegen.nl

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Wang Huangsheng China

"Zwischen den Stacheldrähten wirbeln die zarten Gewebestreifen im Wind. Eine leichte Brise hebt ihre schönen Falten sanft an, so gefährlich nah an den Drähten.

Eine Böe wirbelt sie für einen Moment in der Luft auf. Eine seltsame Mischung aus Melancholie und Trost, Schmerz und Erleichterung entsteht daraus. Diese scheinbar heitere Szene ist voller Spannung und Widerspruch". (Wang Huangsheng) Die Werke des renommierten Künstlers Wang Huangsheng sind in Sammlungen zahlreicher Museen in China, England und Italien vertreten. Mit einem Doktortitel in Kunstgeschichte hat er viele bedeutende Positionen als Museumsdirektor, akademischer Leiter und Kurator ausgeübt. Derzeit ist er Professor an der Central Academy of Fine Arts, Mitglied des akademischen Komitees, Direktor des Museums der Guangzhou Academy of Fine Art, Direktor des Centre of New Art Museum, stv. Direktor des kuratorischen Kunstkomitees des chinesischen Künstlerbunds. Wang ist Jurymitglied für zahlreiche Ausstellungen, u.a. für den Chinesischen Pavillon auf der Biennale in Venedig.

"Between the barbed wires, strips of delicate fabric blow around in the wind. A light breeze gently lifts their beautiful folds, so perilously close to the wires. A gust whirls them up in the air for a moment. A curious blend of melancholy and comfort, pain and relief is born from it. This seemingly serene scene is filled with tension and conflict". (Wang Huangsheng) Wang Huangsheng is a renowned artist whose works are part of numerous museum collections in China, England and Italy. With a PhD in Art History, he has held influential positions in his career. Currently, he is a Professor at the Central Academy of Fine Arts, a member of the academic committee, director of the Guangzhou Academy of Fine Art Museum, director of the Centre of New Art Museum, deputy director of the curatorial art committee of the Chinese Artists Association. He is the founder of Guangzhou Triennale, Guangzhou Photo Biennale, CAFAM Biennale, CAFAM Future Exhibition and Beijing Photo Biennale and a member of the jury for numerous exhibitions, including the Chinese Pavilion at Venice Biennale.

Grenzen, 2014/2020, Installation: Nato-Draht, Gaze, Gebläse, 9-teilig, je 200 x 100 x 120 cm (Kunstraum Villa Friede, Bonn) Bounds, 2014/2020, installation: Nato wire, gauze, blower, 9 parts, each 200 x 100 x 120 cm (Villa Friede Art Space, Bonn) 219

Wolfgang Marleen" 1998 BERNARDGramm HOSEY"Lili • YAROSLAW BORODIN

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Nir Adoni

Israel

Nir Adoni untersucht in seinen Arbeiten die Beziehung zwischen Menschen und konstruierten Umgebungen – in der Überzeugung, dass Architektur einen großen Einfluss auf unsere Lebensweise hat und der Raum um uns herum unsere Einstellung zur Welt und unser Verständnis von dieser beeinflusst. Er ist fasziniert von der Spannung zwischen dem Menschen und seiner Umgebung in Bezug auf Maßstab, Raum und die Fragen, die die Architektur aufwirft. Religiöse Heiligtümer und riesige Industriegebiete werden zentrale Bereiche für seine Untersuchungen, verbunden mit der laufenden Erforschung der Region, in der wir leben, und seiner nahen Umgebung. Licht ist ein wesentlicher Bestandteil seiner Arbeit, da es zu einem eigenen Material wird. Indem er Elemente aus verschiedenen Umgebungen wieder zusammensetzt, kombiniert er alternative Szenerien – voller Anspielungen in ihrer Reflexion von Raum und Ort. Die erzwungene Begegnung zwischen den Elementen bildet aufgeladene, bisweilen sogar zerstörerische neue Territorien. *1980 in Israel, lebt und arbeitet in Tel Aviv. Ausstellungen in Museen und Galerien in Israel und weltweit.

Nir Adoni's work examines the relationship between man and constructed environments – believing that architecture plays a powerful role in the way we live and that the space around us dictates our approach and understanding of the world. Adoni is intrigued by the tension between man and his surroundings in means of scale, inhabiting space and the questions that architecture raises.

Religious sanctuaries and massive industrial areas become central domains for his investigation combined with ongoing research of the region we live in and his close surrounding environment. Light is an integral part of his work as it becomes a material of its own. As he re-assembles elements from different surroundings he combines alternative scenes – allusive in their reflection of space and place.

The forced encounter between the elements forms charged, at times even destructive new territories. *1980 in Israel. Lives and works in Tel Aviv, is a laser cutting, big scale installations and a sculpture artist whose works have been exhibited in museums and galleries in Israel and around the world. www.niradoni.com

Terminal, 2017, Stahlschnitt, LED-Licht, 266 x 979 cm (Entstanden auf dem NordArt-Symposium 2017) Terminal, 2017, steel, laser cutting, LED light, 266 x 979 cm (Created at the NordArt Symposium 2017) 222

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Nando Álvarez

Spanien/Spain

Abschluss in Kunstgeschichte, Universität Santiago de Compostela, Spanien. Seit 2003 Teilnahme an mehr als 90 internationalen Wettbewerbe und Bildhauersymposien in 24 Ländern.

Letzte Symposien und Ausstellungen: 2021 China Beichuan Yuqiang internationaler Skulpturenwettbewerb, Chengdu, China. 2020 Silk Road Dream Meeting Skulpturenwettbewerb, China (Goldmedaille). 2019 Holzskulpturensymposium in Varna, Bulgarien. 2019 Skulpturenpark-Ausstellung in Minqin, China. 2019 Internationales Bildhauersymposium in Cavriglia, Italien. 2019 Fuzhou Binhai internationale Skulpturenausstellung, Fujian, China. 2018 "Art with us", int.

Skulpturensymposium, Donghai Universität, Taiwan. Design und Realisierung der Luxussuite 311, Ice Hotel, Schweden – Zusammenarbeit mit Liliya Pobornikova.

2018 Arte na Foresta, Holzskulpturensymposium, Leiria, Portugal. Internationales Bildhauersymposium des Königreichs Marokko. 2018 Wood World Day, Siem Riap, Kambodscha.

Graduated in Art History, University of Santiago de Compostela, Spain. Since 2003, participation in more than 90 international competitions and sculpture symposia in 24 countries.

Last symposia and exhibitions: 2021 China Beichuan Yuqiang International Sculpture Competition, Chengdu, China. 2020 Silk Road Dream Meeting Sculpture Competition, China (Gold Medal). 2019 Wood Varna Sculpture Symposium, Bulgaria. 2019 Sculpture Park Exhibition in Minqin, China. 2019 International Sculpture Symposium in Cavriglia, Italy. 2019 Fuzhou Binhai International Sculpture Exhibition, Fujian, China. 2018 Donghai University "Art with us", Int. Sculpture Symposium, Taiwan. Design and realization of the Luxury Suite 311, Ice Hotel, Sweden – colaboration work with Liliya Pobornikova. 2018 Arte na Foresta, Wood Sculpture Symposium, Leiria, Portugal. International Sculpture Symposium of the Kingdom of Morocco. 2018 Wood World Day, Siem Riap, Cambodia. www.nandoalvarez.com

Regen, 2016, Portugiesischer Marmor, 258 x 110 x 57 cm (Entstanden auf dem NordArt-Symposium 2016) Rain, 2016, Portuguese marble, 258 x 110 x 57 cm (Created at the NordArt Symposium 2016) 223

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Inga Aru

Estland/Deutschland/Estonia/Germany Die "Muse der Industrie" von Inga Aru ist aus einer einzigen großformatigen Stahlplatte entstanden. Deren Ausschnitte sowie die Platte selbst werden in der Skulpturenreihe ohne jede Vergeudung des Materials verwendet. Ganz im Sinne der Epoche der Industrialisierung spricht diese moderne Muse von Standardisierung und Serialität. Ihre ausdrucksvoll geformten Körperteile treten aus der flachen Oberfläche hervor und präsentieren sich dem Betrachter als dreidimensionale, schamlos verführerische, abstrakte Frauenfigur. Jugendlich, hart und ikonisch, ist sie das zeitgenössische Gegenstück zur jahrtausendealten inspirierenden Göttin. *1964 in Tallinn, Estland. 1985–1991 MA-Malereistudium der Kunstakademie Tallinn. Aufbaustudium in Grafik und Kunstgeschichte. Lebt seit 1993 in Deutschland. Sie ist Künstlerin und Kuratorin. Zahlreiche Ausstellungen in ganz Europa, Japan, Korea, China und den USA. Bilder in Sammlungen u.a.: Estnisches Kunstmuseum, Kunstmuseum Tartu, Estnischer Kunstfonds. Skulpturen in öffentlichen Parks in China, Deutschland und Tschechien.

Aus der Serie "Muse der Industrie", 2016, Stahl, bemalt, Höhe: 450 cm / 510 cm From the series "Muse of Industry", 2016, steel, painted, height: 450 cm / 510 cm 224

Inga Aru's "Muse of Industry" is born from a single large-format steel plate. Its cut-out components as well as the plate itself are used in the sculpture without any waste. In the spirit of the epoch of industrialisation, this modern muse speaks of standardisation and seriality. Its exquisitely shaped body parts emerge from the flat surface to present themselves to the beholder as a three-dimensional shamelessly seductive abstract female figure. Adolescent, hard and iconic, she is the contemporary counterpart of the millennia-old inspirational goddess. *1964 in Tallinn, Estonia. 1985–1991 MA studies in painting, the Academy of Fine Arts, Tallinn. Post-graduate studies in graphic art and art history. Lives in Germany since 1993. She is an artist and curator. Numerous exhibitions throughout Europe, Japan, Korea, China and the USA. Paintings in collections at the Estonian Art Museum, Tartu Art Museum, Estonian Art Foundation and others. Sculptures in public parks in China, Germany and the Czech Republic. www.ingaaru.com

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Alf Becker

Deutschland/Germany "Die Hauptthemen meiner Arbeit sind das Gleichgewicht sowie das Verhältnis von Mensch und Natur."

Mit der Skulptur "Going to the Beach" symbolisiert Alf Becker augenzwinkernd die Mobilität des Menschen und die Balance zwischen dem hochtechnisierten Menschen und der Natur – die Ironie spiegelt sich im Titel wider.

"The main subject matters of my work are balance as well as the relationship between humankind and nature."

Alf Becker's sculpture "Going to the Beach" symbolises wryly the agility of mankind and the balance between a well-engineered human and nature – the title reflects the irony.

*1953 in Burgwald, Hessen. Studium der Grafik und Bildhauerei von 1974–1979 an der Folkwangschule Essen. Seit 1980 als freischaffender Bildhauer tätig. Seine bevorzugten Materialien sind Stahl und Stein. 2012 Umzug von Hessen an die Ostsee und Aufbau eines Skulpturenparks mit Galerie. Ausstellungen in verschiedenen Ländern und Skulpturen in zahlreichen deutschen Städten.

*1953 in Burgwald, Hessen. Studied Graphics and Sculpture at Folkwangschule Essen from 1974–1979. Freelance sculptor since 1980. His prefered materials are steel and stone. In 2012, he moves from Hesse to the Baltic Sea, establishing a sculpture park and gallery there. Exhibitions in various countries, sculptures in numerous German cities. www.alfbecker.de

Going to the Beach, 2010, Corten-Stahl, 165 x 200 x 165 cm (Dauerleihgabe an die NordArt) Going to the Beach, 2010, corten steel, 165 x 200 x 165 cm (Permanent loan to NordArt) 225

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Richard Brixel Schweden/Sweden

"Ich habe im Jahr 2012 für die Nationaloper in Peking vier Modelle von 'Carmen' angefertigt. 'Carmen' ist eine Skulptur über unendliche Liebe, Leidenschaft und absolute persönliche Integrität. 'Frei wurde sie geboren und frei wird sie sterben.'

Die Geschichte einer göttlichen Frau, die sich von keinem Mann Grenzen setzen lässt. Carmens und Don Josés Geschichte von Liebe und Leidenschaft ist unsterblich und wird immer Menschen auf der ganzen Welt faszinieren, egal mit welchen kulturellen oder sozialen Hintergründen. Sie ist die Heldin unserer Träume eines besseren Lebens, und ihre Geschichte über tiefe Gefühle wird uns ermutigen, Ziele zu erreichen, die wir ganz tief in unseren Herzen tragen."

Richard Brixel (*1943–†2019) studierte an der Universität der Bildenden Künste Stockholm (MFA) und Philosophie, Jura und Kunstgeschichte an der Universität Stockholm. Die 2019 gegründete Richard Brixel Kunststiftung bewahrt und zeigt sein künstlerisches Werk und organisiert Führungen im Brixelgården Museum – dem von Richard Brixel gebauten Künstlerhaus, Museum und Skulpturenpark.

"I made four models of 'Carmen' for the National Opera in Beijing 2012. 'Carmen' is a sculpture about immense love, passion, and absolute personal integrity. 'Free she was born and free she will die.' A story of a divine woman who would not let any men set her borders. Carmen's and don José's story of love and passion is eternal and will always fascinate people all over the world regardless of culture or social background. She is the heroin of our dreams for a better life and her story of deep emotions will encourage us to achieve goals we beer deep inside our hearts."

Richard Brixel (*1943–†2019) studied at Stockholm University of Fine Arts (MFA) and Philosophy, Law and Art History at Stockholm University. In 2019, the Richard Brixel Art Foundation was established. The foundation preserves and displays his artistic work and organises guided tours at Brixelgården Museum – the artist home, museum and sculpture park that Richard Brixel has built. http://brixel.com

Carmen IV, 2014, Bronze, 178 x 62 x 80 cm • Liebe, 2015, Bronze, 205 x 100 x 125 cm • Tanz, 2014, Bronze, 185 x 80 x 92 cm Carmen IV, 2014, bronze, 178 x 62 x 80 cm • Love, 2015, bronze, 205 x 100 x 125 cm • Dance, 2014, bronze, 185 x 80 x 92 cm 226

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Dorsten Diekmann Deutschland/Germany

"Ein Hauptthema meiner Arbeit ist Bewegung. Der Stein wird so bearbeitet, dass die Statik und die Schwere des Materials scheinbar aufgehoben werden. Durch die polierten Oberflächen wird eine Verbindung zur Umgebung hergestellt.

Sich verändernde Licht- und Witterungsverhältnisse werden reflektiert. Durch die Skulptur wird ein unmittelbarer Kontakt zu elementaren Dingen möglich, vielleicht auch eine Rückbesinnung auf den eigenen Ursprung. Für mich ist auch wichtig, dass der Stein zum Teil unbearbeitet bleibt. Bestehende Bearbeitungsspuren wie z.B. Keillöcher oder Bohrriefen sind für mich Teil der Geschichte des Steines und werden, soweit möglich, in die Gestaltung mit einbezogen. So ist die Entstehung einer Skulptur für mich nur in einer Form von Zusammenspiel meiner Bearbeitung mit dem individuellen Block möglich." *1960 in Osnabrück. Lebt und arbeitet in Lemgo. Teilnahme an internationalen Bildhauersymposien, Arbeiten im öffentlichen Raum. Seit 1985 zahlreiche Ausstellungen im In- und Ausland.

"One of the main subject matters of my work is movement. The stone is worked in such a way that the material appears to be lacking statics and weight.

The changing light and weather conditions reflected by the polished surfaces establish a connection with the surroundings. The sculpture enables immediate contact with elementary things and the possible recollection of one's own origins. It is important to me to leave the stone partially untreated. Existing traces of the work process, such as lewis holes and drag lines, are to me part of the stone's history and are integrated as much as possible into the design. The formation of sculpture for me becomes possible only through the interplay of my working process and the individual block of stone." *1960 in Osnabrück. Lives and works in Lemgo. Participated at international sculpture symposia, works in public spaces.Since 1985, numerous national and international exhibitions. www.dorsten-diekmann.de

Roter Block, 2003, Granit, Bohus rot, 275 x 160 x 110 cm (Entstanden auf dem NordArt-Symposium 2003) Red Block, 2003, granite Bohus red, 275 x 160 x 110 cm (Created at the NordArt Symposium 2003) 227

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Mikhail Dronov Russland/Russia

Михаил Дронов

*1956 in Moskau. 1980 Abschluss an der Staatlichen Moskauer Kunst-hochschule VI Surikow, Fach Bildhauerei bei Prof. M. F. Baburin. Auszeichnungen: 2016: Künstler-Verdienstpreis der Russischen Föderation; Medaille der Russischen Akademie der Künste; Goldmedaille der Union der russischen Künstler. 2006: Goldmedaille der Russischen Akademie der Künste. 2001: Medaille der Russischen Akademie der Künste für die Teilnahme am Wiederaufbau der Christ-Erlöser-Kathedrale in Moskau. 1995: Silbermedaille der Russischen Akademie der Künste. Arbeiten in Sammlungen (Auswahl): Sammlung von Königin Beatrix der Niederlande; Staatliche Tretjakow-Galerie in Moskau; Staatliches Russisches Museum in St. Petersburg; Kunstmuseen in Perm/Russland, Pavlodar/Kasachstan, Riga/Lettland, Daugavpils/Lettland; Dnepropetrovsk Art Museum in der Ukraine; Kutaissy Museum of Art in Georgia; A.V.Suvorov Museum Ismail/Ukraine; Moscow Museum of Modern Art (MMOMA). Ausgestellt in Großbritannien, Deutschland, Niederlande, Dänemark, Italien, Kanada, Russland, USA, Frankreich, Schweiz.

Schwanensee, Bronze, 130 x 82 x 22 cm Swan Lake, bronze, 130 x 82 x 22 cm 228

*1956 in Moscow. 1980 Graduated from the Moscow State Art Institute VI Surikov, Faculty of Sculpture under Prof. M.F. Baburin. 2016: Honored Artist of the Russian Federation; Medal of the Russian Academy of Arts; Gold Medal of Union of Russian Artists. 2006: Gold Medal of the Russian Academy of Arts. 2001: Medal of the Russian Academy of Arts for Participation in the Reconstruction of Cathedral of Christ the Savior, Moscow. Works in museum collections (selection): Queen Beatrix of the Netherlands Collection; State Tretyakov Gallery in Moscow; State Russia Museum in St. Petersburg; Museum of Art Perm in Russia, Museum of Art's Pavlodar in Kazakhstan; Art Museum Riga in Latvia, Art Museum Daugavpils in Latvia; Dnepropetrovsk Art Museum in Ukraine; Kutaissy Museum of Art in Georgia; A.V.Suvorov Museum in Ismail/Ukraine; Moscow Museum of Modern Art (MMOMA). Exhibited in Great Britain, Germany, Netherlands, Denmark, Italy, Canada, Russia, USA, France, Switzerland. www.mikhaildronov.com

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Jorge Elizondo

Mexiko/Mexico

"Meine Ängste, meine Träume, meine Wünsche, meine Leidenschaften. Dies sind die Dinge, die in meinem Inneren in einem großen Kessel kochen. Dieser innere große Kessel hat Luftblasen, die aufgehen und zu den Themen meiner Arbeit werden. Neugier ist meine größte Inspiration, und ein sinnliches Wechselspiel, manchmal erotisch, manchmal sogar mit sadomasochistischen Momenten, ist immer dabei. Eine andere wichtige Quelle für meine Arbeit ist meine Leidenschaft für die Astronomie." *1953 in Monterrey N.L., Mexiko. 1979 Chemiestudium an der UANL Mexiko.

1981 Kunststudium an der San Miguel de Allende Gto, Mexiko. 1993 Bildhauerstudium in Barcelona, Spanien, und in Pietra Santa, Italien. Seit 1978 Ausstellungen und Symposien in Mexiko, den USA, Deutschland, Spanien, Italien und China. 2000 Int. Symposium "CARLOS I" in Fuente Palmera, Spanien (2. Preis).

2012 "2. China Wuhu Liu Kaiqu Award". Lebt und arbeitet in Mexiko.

"My fears, my dreams, my desires, my passions. These are the things that I have cooking in my inner cauldron. That inner cauldron has bubbles that break and become the topics that I've incorporated into my work. If we're talking about a constant, curiosity is my greatest inspiration. There's always a sensual interplay – at times erotic, at times even sadomasochistic. My passion for astronomy has also been an important narrative in my work." *1953 in Monterrey N.L., Mexico. 1979 studied Chemistry at UANL Mexico. 1981 studied Art at San Miguel de Allende Gto, Mexico. 1993 studied Sculpture in Barcelona, Spain, and Pietra Santa, Italy. Since 1978, exhibitions and symposia in Mexico, USA, Germany, Spain, Italy and China. 2000, International Sculpture Symposium "CARLOS I" in Fuente Palmera, Spain (2nd prize). 2012, "2nd China Wuhu Liu Kaiqu Award". Lives and works in Mexico. www.jorgeelizondo.mx

Mensajero I (Bote I), 2002, Carrara Marmor, 135 x 60 x 52 cm (Entstanden auf dem NordArt-Symposium 2002) Mensajero I (Messenger I), 2002, Carrara marble, 135 x 60 x 52 cm (Created at the NordArt Symposium 2002) 229

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Gheorghi Filin

Bulgarien/Italien/Bulgaria/Italy *1953 in Bulgarien. MA, Nationale Akademie d. Bildenden Künste, Sofia. Diplom, Akademie d. Bildenden Künste, Carrara. 1979–94 Prof. f. Bildhauerei, Akademie d. Künste, Sofia. 2000–01 Prof. f. Bildhauerei, Akademie d. Künste, Carrara.

2007–09 Lehrauftrag, Akademie d. Künste, Sofia. Mitgliedschaft: Gesellschaft Piemonte Arte, Turin; Königlich Britische Gesellschaft der Bildhauer ARBS, London; Internationale Kunstvereinigung UBA, UNESCO; Künstlerunion CarrArte, Italien; Künstlerunion ASART, Pietrasanta, Italien. Mit mehr als 20 internationalen Skulpturpreisen ausgezeichnet. NordArt Preis 2012. Zahlreiche Teilnahmen an internationalen Bildhauersymposien, Ausstellungen und Biennalen weltweit.

Zahlreiche Werke in Dauerausstellungen und privaten Sammlungen u.a.: Skulpturenpark, Shanghai; Tsinghua Universität, Peking; Rose Garden Park, Taipeh; Yuzi Paradise, Guilin; Nationale Kunstgalerie, Sofia; Steinmuseum Hualien. Monumentale Skulpturen im öffentlichen Raum u.a.: Sofia, Berlin, Mailand, Malta, Vermont, Beverly Hills (NJ), Istanbul, Dubai, Abu Dhabi, Wuhu, Urumqui, Qingdao.

*1953 in Bulgaria. An MA from National Academy of Fine Arts, Sofia. Diploma, Academy of Fine Arts, Carrara, Italy. 1979–94 Prof. for Sculpture, Academy of Fine Arts, Sofia. 2000–01 Prof. for Sculpture, Academy of Fine Arts, Carrara. 2007–09 Lectureship, Academy of Fine Arts, Sofia. Memberships: Society Piemonte Arte, Turin, Italy; Royal British Society of Sculptors ARBS, London; International Association of Art UBA, UNESCO; Artists Union CarrArte, Italy; Artists Union ASART, Pietrasanta, Italy. Winner of more than 20 international prizes for sculpture.

NordArt Prize 2012. Numerous participations in international sculpture symposia, exhibitions and biennials worldwide. Numerous works in permanent exhibitions and private collections (selection): Sculpture Park Gallery, Shanghai; Tsinghua University, Beijing; Rose Garden Park, Taipei; Yuzi Paradise, Guilin; National Art Gallery, Sofia; Stone Museum Hualien. Monumental sculptures in public places (selection): Sofia, Berlin, Milan, Malta, Vermont, Beverly Hills (NJ), Istanbul, Dubai, Abu Dhabi, Wuhu, Urumqui, Qingdao. www.filinart.com

Echo der Antike, 2015, Carrara Marmor, 285 x 190 x 110 cm (Entstanden auf dem NordArt-Symposium 2015) Echo of the Ancient, 2015, Carrara marble, 285 x 190 x 110 cm (Created at the NordArt Symposium 2015) 230

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Václav Gatarik

Tschechische Republik/Czech Republic *1962 in Prag. †2020 in Nürnberg. 1976 Studium an der Kunstkeramikschule in Bechyne, Tschechische Republik. 1978 Übersiedlung nach Deutschland. 1980 Praktikant in der Kunstgießerei Lenz & Jahn, Nürnberg; Steinmetz- und Bildhauerausbildung in Nürnberg (Firma Franke). 1982 Studium der Kunstwissenschaften und der Bildhauerei an der Muthesius Kunsthochschule in Kiel. Seit 1983 freischaffend tätig mit Ausstellungen und Symposien im In-und Ausland. 1988 Abschluss als Diplombildhauer. 1988 Förderpreis der Stadt Kiel für sechs Monate mit Arbeitsaufenthalten in New York und Connecticut. Lebte und arbeitete in Nürnberg und Prag.

*1962 in Prague. †2020 in Nürnberg. 1976 Studied at the Ceramic Arts College in Bechyne, Czech Republic. Emigrated in 1978 to Germany. 1980 Internship at the Art Foundry Lenz & Jahn, Nuremberg, Germany; stone mason and sculptor training in Nuremberg (Franke Company). 1982 Studied Art and Sculpture at Muthesius University in Kiel, Germany. Since 1983, freelance artist with exhibitions and symposia in Germany and abroad. 1988 Graduate sculptor. 1988 Sponsorship from the city of Kiel for six months with working visits to New York and Conneticut. Lived and worked in Nuremberg and Prague. www.gatarik.de

Familie, 2005, Anröchter Grünstein, 2-teilig, Höhe: 270/280 cm (Entstanden auf dem NordArt-Symposium 2005) Family, 2005, Anröchter green stone, 2 parts, height: 270/280 cm (Created at the NordArt Symposium 2005) 231

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Mónica González Kolumbien/Peru/Colombia/Peru

Bezeichnend für die Skulpturen von Mónica González sind die klare Formensprache und die Ästhetik der Geometrie. Es sind Stahlskuplturen, die eine Einheit von Komponenten und Farbe bilden und keinen Titel brauchen:

Characteristic of Mónica González's sculptures are the clear language of form and the aesthetics of geometry. They are steel sculptures that form a unity of components and colour and do not need a title.

*1971 in Medellin, Kolumbien. 1988–1994 Studium der Bildhauerei an der Katholischen Universität von Peru P.U.C.P., Lima. 1999 1. Preis, "Luis Hochschild Plaut Preis", CADE, Peru. 2004 3. Preis, Architektur-Komplex Burj Dubai, VAE. 2007 Preis des Museums of America, Florida, EEUU. 2011 Auszeichnung, Salón Nacional de Escultura ICPNA. 2013 zusammen mit Percy Zorilla gewann sie den ersten Preis von Peter & Adriana Hobart – San Miguel, Lima. Zahlreiche Ausstellungen und Symposiaen im In- und Ausland, Kunst im öffentlichen Raum. 2001 7. Biennale von Havanna, Kuba. 2005 51. Biennale Venedig. Lebt und arbeitet in Peru.

*1971 in Medellin, Colombia. 1988–1994 Studied Sculpture at the Universidad Católica del Perù P.U.C.P., Lima. 1999, First Prize "Luis Hochschild Plaut Prize", CADE, Peru. 2004, Third Prize, Architectural Complex Burj Dubai, UAE. 2007, Prize of the Museum of Amerika, Florida, EEUU. 2011, Award, Salón Nacional de Escultura ICPNA, Lima Peru. 2013, First Prize, Peter & Adriana Hobart – San Miguel, Lima, Peru. Numerous exhibitionsans symposia at home and abroad, art in public spaces. 2001, 7th Havana Biennial, Cuba. 2005, 51st Venice Biennale. Lives and workes in Peru.

Ohne Titel I, 2001, Stahl, bemalt, 400 x 400 x 350 cm (Entstanden auf dem NordArt-Symposium 2001) Untitled I, 2001, painted steel, 400 x 400 x 350 cm (Created at the NordArt Symposium 2001) 232

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Wolfgang Gramm Deutschland/Germany

Die Skulpturen aus der Serie "Druidensteine" sind Erzähler alter Zeiten. Millionen Jahre alte Granitblöcke halten feierlich Erinnerungen an prähistorische Weisheiten und untergegangene Zivilisationen fest. Die monumentalen Skulpturen erinnern an das jahrtausendealte Erbe der Druiden. Die Verbindung zwischen Druiden und Megalithen erweckt seit Jahrhunderten ein Gefühl von Magie und Faszination. Es sind die Geschichten aus der Zeit, als der Mensch noch eins war mit Steinen, Bäumen und dem Himmel. *1952 in Lübeck, Deutschland. 1971–1983 Soldat. In der Zeit Ausbildungen im Bereich Wirtschaft und Kunst. 1983–1984 Galerist. 1985–1996 Kurator im Dr.-Bamberger-Haus und im Jüdischen Museum Rendsburg. 1990 Beginn des Projekts "Kunst im Betrieb". Seit 1998 Entwicklung des Konzepts der NordArt. Kurator und Jurymitglied verschiedener internationaler Kunstprojekte. Mitglied im BBK SH. Zahlreiche Ausstellungen im In- und Ausland. Werke in öffentlichen und privaten Sammlungen im In- und Ausland.

Wolfgang Gramm's sculptures from the series "Druid Stones" are the storytellers of ancient times. Millions of years old granite boulders solemnly hold memories of prehistoric wisdom and lost civilisations. The monumental sculptures are reminiscent of the millenniums-old heritage of druids. The connection between druids and megaliths have aroused a sense of magic and intrigue for centuries.

These are the stories from the era when the man was still one with stones, trees and the sky. *1952 in Lübeck, Germany. 1971–1983 studied various industrial and artistic fields while serving in the army. 1983–1984 gallery owner. 1985–1996 curator at Dr Bamberger House and the Jewish Museum Rendsburg, Germany. 1990 started the project "Kunst im Betrieb". 1998 established the concept of NordArt. Curator and member of the jury of various international exhibition projects. Member of the Federal Association of Artists SH. Numerous exhibitions in Germany and abroad. Works in public and private collections in Germany and abroad.

Druidensteine III, 2015/2016, Granitfindlinge, Stahl, Wasser, 250 x 300 x 300 cm Druid Stones III, 2015/2016, granite boulders, steel, water, 250 x 300 x 300 cm 233

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Jörg Haberland Deutschland/Germany

*1958 in Berlin. 1980–1981 Hochschule für Bildende Künste Hamburg. 1982– 1989 Literatur- und Sprachwissenschaft, Universität Kiel. 1984–1989 Muthesius Kunsthochschule Kiel, Bildhauerei bei Prof. J. Koblasa. 1986 Gründung der Produzentengalerie "Prima Kunst", Kiel; Förderung durch den Kunstfonds Bonn. 1989 Erasmus-Stipendium, Norwich School of Art & Design, Großbritannien. 1991 USA-Stipendium des Kultusministeriums Schleswig-Holstein. 1992 Organisation des internationalen "Symposiums Moor 1992", Förderung durch "National Endowment for the Arts", Washington. 1994 Stipendium des Kultusministeriums S.-H. und Landesschaupreis. 1997 "ArtPace", San Antonio, USA. Preisträger Mercedes-Benz, Kunst am Bau, Kiel. 1998 Nominierung Villa Massimo-Stipendium. 2004 1. Preis und Realisierung "Kunst im öffentlichen Raum", Escheburg/ Hamburg. 2007 Stipendium des Bayerischen Kultusministeriums. Zahlreiche Ausstellungen im In- und Ausland, Arbeiten im öffentlichen Raum. Lebt und arbeitet in München.

Ti penso spesso, 1997, Stahl, bemalt, Granit, Höhe: 500 cm Ti penso spesso, 1997, steel, painted, granite, height: 500 cm 234

*1958 in Berlin, Germany. 1980–1981 University of Fine Arts of Hamburg. 1982– 1989 Literature and Philology at Kiel University, Germany. 1984–1989 Muthesius University in Kiel (Germany), sculpture under Prof. J. Koblasa. 1986 Founded the producer gallery "Prima Kunst", Kiel; sponsorship from the Kunstfonds Bonn (Germany). 1989 Erasmus grant, Norwich School of Art & Design, UK. 1991 USA grant, Ministry of Education of the land Schleswig-Holstein (Germany). 1992 Organisation of the international "Symposium Moor 1992", sponsored by "National Endowment for the Arts", Washington. 1994 Grant from the Ministry of Education of the land Schleswig-Holstein and State Exhibition Prize. 1997 "ArtPace", San Antonio, USA. Prize winner Mercedes-Benz, art and construction in Kiel. 1998 Nomination for Villa Massimo grant. 2004 1st prize and realisation in public space competition, Escheburg/Hamburg. 2007 Grant from the Bavarian Ministry of Culture. Numerous exhibitions in Germany and abroad, work in public spaces. Lives and works in Munich. www.joerghaberland.de

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Michael Hischer Deutschland/Germany

Die kinetischen Skulpturen von Michael Hischer sind für den Außenraum konzipiert und aus Edelstahl und Aluminium gefertigt. Ihre beweglichen Elemente sind auf mit Rillenkugellager bestückte Achsen gesetzt und so fein ausponderiert, dass sie schon leichtester Windhauch in Bewegung versetzt. Zentrisch sind die Flügel montiert. Fein ausgewichtet finden sie scheinbar schwerelos ihre Mitte und zeigen so, dass sie in ihrem Innersten ganz tief der Meditation zugeordnet sind. Kinetische Skulpturen sind vierdimensional. Denn wenn ihre Flügel ungeordnet und unvorhersehbar ihre Bahnen ziehen, handeln sie immer auch vom Vergehen der Zeit, beschreiben sie die Zeit, die in der Bewegung verrinnt. Leichtigkeit, Gleichgewicht und Balance sind ihr Thema, Entschleunigung ihr Wesen.

Sie vergeuden scheinbar sinnlos, was uns heute am wichtigsten erscheint – Zeit.

Michael Hischer's kinetic sculptures are designed for outdoor spaces. They are made of stainless steel and aluminium. The moving elements are attached centrally to the axles by grooved ball bearings. They are so accurately weighted that even the slightest breeze will set them into motion. Finely balanced, the wings appear to weightlessly find their centre and thereby demonstrate that at their very core, they are truly to be assigned to meditation. Kinetic sculptures are fourdimensional. With their wings randomly and unpredictably moving along their orbits they are constant reminders of the passage of time. They describe time elapsing in motion. Ease, equilibrium and balance are their theme, deceleration their essence. They appear to be wasting pointlessly what seems to be most precious to us today – time.

*1955 in Bonn. Studium der Bildhauerei in Hannover und Berlin. MA in 1988. Lebt und arbeitet in Betzin (Brandenburg).

*1955 in Bonn. Studied sculpture in Hanover and Berlin. MA in 1988. Lives and works in Betzin, near Berlin. www.michaelhischer.de

WV311, 2016, Kinetische Skulptur: Aluminium, Edelstahl, 400/500 x 80 x 220 cm WV311, 2016, kinetic sculpture: aluminium, stainless steel, 400/500 x 80 x 220 cm 235

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Bernard Hosey USA

*1948 in Kanada, †2012. Bernard Hosey kann als ein Meister der Kugeln bezeichnet werden. 2003 hatte er angefangen, sich intensiv mit der Kugelform auseinanderzusetzen und stellte zirka 70 Metallkugeln im Durchmesser von 0,8 – 4,5 m her. Er war über 40 Jahre als Künstler tätig, vorwiegend in seinem Studio in Twisp, Washington, USA. Regierungen, öffentliche Institutionen, private Unternehmen und Förderer gehören zu den Sammlern seiner Skulpturen. Als Beispiele seiner mehr als 170 Skulpturen seien das "Alaska Totem" (10,5 m) vor der Universität von Alaska in Fairbanks, "Departure" (12,0 m) in Tangshan in China und die 40 m lange Eingangsskulptur "Flightdeck II" für das Tri-Cities Krebszentrum in Kennewick, USA, genannt. Zuletzt verbrachte er viel Zeit in China und stellte dort sieben Skulpturen und Arbeiten aus Stein fertig. Bernard Hosey hatte seinen Bachelor in Kunst von der Universität in Wisconson in Madison und seinen Master von der Universität in Illinois, Carbondale, erhalten.

Kreuz & Quer, 2011, gebogene Stahlträger, ø 183 cm (Dauerleihgabe an die NordArt) CrissCross, 2011, bent steel wide-flange-beams, ø 183 cm (Permanent loan to NordArt) 236

*1948 in Canada, †2012. Bernard Hosey can be called a Master of the Sphere. In 2003 he had started to explore the spherical form and completed over 70 metal spheres – size differs from 32 inches to 15 feet in diameter. He worked as an artist for almost 40 years, mainly at his studio in Twisp, Washington, USA. Commissioned by governments, public institutions and private corporations and patrons, Hosey executed more than 170 sculptures. Some notable examples are the "Alaska Totem", a 34-foot sculpture for the University of Alaska in Fairbanks, "Departure", a 40-foot for the City of Tangshan in China, and "Flightdeck II", a 128-foot long entryway sculpture for the Tri-Cities Cancer Center in Kennewick, USA. Lately, he spent a fair amount of time in China completing seven monumental sculptures and works in stone. Bernard Hosey had receive his BSA from the University of Wisconsin, Madison, and his MFA from the University of Illinois, Carbondale. www.bernardhosey.com

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Jan Koblasa

Tschechische Republik/Deutschland/Czech Republic/Germany *1932 in Tabor (CZ), †2017 in Hamburg. 1952–1958 Studium der Bildhauerei an der Akademie der Bildenden Künste in Prag. 1968 nach dem Umsturz in der CSSR Verbleib in Mailand. 1969–1998 Professor an der Muthesius Kunsthochschule in Kiel, Gründung der Bildhauerklasse. Seit 1958 Ausstellungen, Symposien und Aufträge in verschiedenen Ländern. Werke in vielen öffentlichen und privaten Sammlungen in Europa, Amerika, Asien und Afrika. Ankäufe durch mehr als 30 Museen weltweit. Nach der Wende erste Ausstellung in Belvedere auf der Prager Burg (unter der Schirmherrschaft Vaclav Havels) und in Hamburg (Halle K, Kampnagel). 1995 Ehrengast der Deutschen Akademie Villa Massimo in Rom. 2002–05 Professor für Bildhauerei an der Prager Akademie der Bildenden Künste.

2010 Gustav-Mahler-Park in Iglau. 2012 Retrospektive zum 80. Geburtstag auf der Prager Burg und im Neuen Museum Nürnberg (D). 2015 Bronzeskulptur "Auferstehung" in der Prager St. Vitus-Kathedrale. 2017 Denkmal für Julius Payer (1841–1915) in Teplitz, im selben Jahr Ausstellungen in der Geburtsstadt Tabor, in Hamburg und Prag (Kampa Museum). Fokuskünstler der NordArt 2018.

*1932 in Tabor (CZ), †2017 in Hamburg. 1952–1958 studied Sculpture at the Academy of Fine Arts in Prague. After the political upheaval of the CSSR in 1968 he stayed in Milano. 1969–1998 Professor at the Muthesius University in Kiel, established the sculptor class. Since 1958 exhibitions, symposiums and assignments in different countries. His works are in many public and private collections in Europe, America, Asia and Africa. Purchases through more than 30 museums worldwide. After the 'Wende' first exhibition in Belvedere at the Prague Castle (under the auspices of Vaclav Havel) and in Hamburg (Hall K, Kampnagel). In 1995 guest of honor of the German Academy Villa Massimo in Rome. 2002–2005 Professor of sculpture at the Prague Academy of Fine Arts. 2010 Gustav Mahler Park in Jihlava. 2012 80th anniversary retrospective at the Prague Castle and the Neues Museum Nürnberg (D). 2015 bronze sculpture "Resurrection" in the Prague St. Vitus Cathedral. 2017 monument to Julius Payer (1841–1915) in Teplice, in the same year exhibitions in his birthplace Tabor, in Hamburg and Prague. Focus Artist of NordArt 2018.

Klagemauer, 1973, Bronze, 6-teilig, Granit, 300 x 500 x 400 cm (Dauerleihgabe an die NordArt) Wailing Wall, 1973, bronze, 6 parts, granite, 300 x 500 x 400 cm (Permanent loan to NordArt) 237

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Katerína Kociánová Tschechische Republik/Czech Republic

*1981 in Vitkove, Tschechische Republik. Studierte Bildhauerei an der Prager Akademie für Bildende Künste unter den Professoren Karel Nepras (2000–2002), Jan Koblasa (2002–2005) und Jindrich Zeithamml (2005–2006). Architekturstudium an der Technischen Universität Prag (2006–2009). Ausstellungen und Symposien national und international. 2005 1. Internationale Marmorskulpturen Symposium in Grasse, Frankreich; 2004 "Prager Akademie der Bildenden Künste", KunstHaus am Schuberg, Hamburg-Ammersbek.

*1981 in Vitkove, Czech Republic. Studied sculpture at the Academy of Visual Arts, Prague, under Prof. Karel Nepras (2000–2002), Prof. Jan Koblasa (2002– 2005) and Prof. Jindrich Zeithamml (2205–2006). 2006–2009 studied architecture at the Czech Technical University, Prague. Exhibtions and symposia at home and abroad. 2005 1. Symposium internationale des sculpture sur marbre, Grasse, France; 2004 "Prague Academy of Fine Arts", KunstHaus am Schuberg, HamburgAmmersbek.

Teilnahme am NordArt-Symposium 2005 – unter Leitung von Prof. Jan Koblasa.

Participation in the NordArt Symposium 2005 – headed by Prof. Jan Koblasa.

Säule, 2005, Anröchter Grünstein, 360 x 70 x 70 cm (Entstanden auf dem NordArt-Symposium 2005) Column, 2005, Anroechter green stone, 360 x 70 x 70 cm (Created at the NordArt Symposium 2005) 238

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Виктор Корнеев "Die menschliche Natur ist wichtig für meine Arbeit und eine stetige Quelle der Inspiration. Jeder Mensch hat seine eigene Psychologie, Plastizität und Gestalt, die identifiziert und in ihrer eigenen symbolischen Form formuliert werden muss.

Mich interessiert die Verschmelzung unterschiedlicher ästhetischer Systeme verschiedener Epochen, die zu unerwarteten Ergebnissen führen können." *1958 in Tambow, Russland. 1986–1991 Bildhauereistudium an der Stroganow-Kunstakademie in Moskau. 1979–1983 Savitsky Penza Kunsthochschule.

Einzelausstellungen (Auswahl): Russisches Museum, St. Petersburg; Trollhättans Konsthall, Schweden; Skulpturenmuseum, St. Petersburg; Akademie der Künste, Moskau; Tretyakov Gallery, Moskau; Nationalmuseum Moskau; MMOMA Moscow Modern Art Museum; 2009 Art Manege Moskau; Haus von Burganov, Staatsmuseum, Moskau; Nationalmuseum, Antibes, Frankreich. Skulpturen im öffentlichen Raum und in öffentlichen Sammlungen in Russland, Schweden, Italien, Kroatien, China. Mitglied der Bildhauer-Union Moskaus und Schwedens.

Viktor Korneev

Russland/Schweden/Russia/Sweden

"Human nature means a lot for my work. It's a never-ending source of inspiration.

Every human has its own psychology, plasticity and form which has to be identified and formulated within its symbolic form. I'm interested in blending different aesthetic systems from different eras, which can give unexpected results." *1958 in Tambov, Russia. Studied sculpture: 1986–1991 Moscow Stroganov Art Academy, 1979–1983 Penza Savitsky Art College. Solo exhibitions (selection): Russian Museum, St. Petersburg; Trollhättans Konsthall, Sweden; Museum of Sculpture, St. Petersburg; Academy of Fine Arts, Moscow; Tretyakov Gallery, Moscow; National Museum Moskow; MMOMA Moscow Modern Art Museum; 2009 Art Manege Moskow; House of Burganov, Museum of State, Moscow; National Museum, Antibes, France. Sculptures in public space and in public collections in Russia, Sweden, Italy, Croatia, China. Member of United Sculptors of Moscow and of Sweden. www.vk.skulptorforbundet.se

Glaube, Hoffnung und Liebe, 2006, Bronze, 3-teilig, Stahlsockel, je Skulptur 70 x 70 x 160 cm Faith, Hope and Charity, 2006, bronze, steel bases, 3 parts, each sculpture 70 x 70 x 160 cm 239

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Václav Litvan

Tschechische Republik/Czech Republic *1983 in Cesky Krumlow, Tschechische Republik. Lebt und arbeitet in Prag.

1998–2002 Kunstgewerbeschule SUPŠ Český Krumlov (Steinmetz- und Bildhauereischule). Studium an der Akademie der Bildenden Künste in Prag: 2002–2005 Bildhauerklasse von Prof. Jan Koblasa, 2005–2007 Bildhauerklasse von Prof.

Jaroslav Róna, 2007–2009 Monumentalskulptur unter Prof. Jiří Příhoda. Einzelausstellungen: 2013 Gallery Pavilion, Prag; 2011 Galerie Entrance in Prag, 2010 Galerie Půda in Jihlava (Tschechien), 2009 Galerie NF in Ústí nad Labem (Tschechien), 2009 Gallerie Jelení in Prag. 2012 Artist-in-Residence bei der "VIR Viafarini-in-residence" in Mailand, Italien.

Teilnahme am NordArt-Symposium 2005 – unter Leitung von Prof. Jan Koblasa.

Lebt und arbeitet in Prag.

*1983 in Český Krumlov, Czech Republic. Lives and works in Prague. 1998–2002 School for Arts and Crafts SUPŠ Český Krumlov (stone mason and sculpture school). Studied at the Academy of Fine Arts in Prague: 2002–2005 sculpture class of Prof. Jan Koblasa, 2005–2007 sculpture class of Prof. Jaroslav Róna, 2007–2009 monumental sculpture under Prof. Jiří Příhoda. Solo exhibitions: 2013 Gallery Pavilion, Prague; 2011 Entrance Gallery in Prague; 2010 Gallery Půda in Jihlava (Czech Republic); 2009 Galerie NF in Ústí nad Labem (Czech Republic); 2009 Gallery Jelení in Prague. 2012 Artist in residence programme "VIR Viafariniin-residence" in Milano, Italy.

Participation at the NordArt Symposium 2005 – headed by Prof. Jan Koblasa.

Lives and works in Prague. https://vaclavlitvan.webnode.cz

Ente, 2005, Anröchter Grünstein, 250 x 90 x 70 cm (Entstanden auf dem NordArt-Symposium 2005) Duck, 2005, Anröchter green stone, 250 x 90 x 70 cm (Created at the NordArt Symposium 2005) 240

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Peter Lundberg USA

Lundbergs große, organisch anmutende Betonarbeiten werden in der Erde gegossen, so dass der Herstellungsprozess gleichsam Wurzelkraft und Wurzelform in seinen Arbeiten erzeugt. Seine Skulpturen gleichen dem Unterbewusstsein, es sind komplexe Strukturen – und jenseits einer Beurteilung zwischen schön und hässlich, gut oder schlecht. Sie entwachsen der Erde und strecken sich in den Himmel. Die Skulpturen verkörpern reine Emotion. *1961. BA in Mathematik, Skidmore College. MA in Skulptur, Bennington College.

Großformatige Skulpturen u.a. in Eschborn (DE), Tangshan (CN), Grounds for Sculpture (US), Vevring (NO), Griffiss Skulpturenpark (NY/US), Taizhou (CN), Hudson River Skulpturenpfad (NY/US), Südwestpark Nürnberg (DE), Värnanäs (SWE), Salem Art Works (NY/US), Botanischer Garten Sydney (AU), George Washington Brücke (NYC), Cottesloe (AU). NordArt-Preisträger 2011.

Lundberg's large organic concrete forms are cast in the earth, dug into the ground and this process creates the root force and root forms in his work. The sculptures resemble the unconscious, intricately constructed – beyond judgments of beautiful and ugly or good and bad. They rise out of the earth and stand tall enough to include the sky. The sculptures exemplify pure emotion. *1961. BA in Mathematics, Skidmore College. MFA in Sculpture, Bennington College. Lundberg's monumental sculpture commissions include permanent installations in Eschborn (DE), Tangshan (CN), Grounds for Sculpture (US), Vevring (NO), Griffiss Sculpture Park, (NY/US), Taizhou (CN), Hudson River Sculpture Trail (NY/US), Nuremberg Südwestpark (DE), Värnanäs (SWE), Salem Art Works (NY/ US), Sydney Botanic Gardens (AU), George Washington Bridge (NYC), Cottesloe (AU). Awardee NordArt-Prize 2011. www.peterlundberg.com

Katla, 2010, Beton, Eisenarmierung, Höhe: 1300 cm (Entstanden auf dem NordArt-Symposium 2010) Katla, 2010, concrete, iron reinforcement, height: 1300 cm (Created at the NordArt Symposium 2010) 241

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Aleš Makarenko

Tschechische Republik/Czech Republic "Meine Skulptur ist nahezu eine Biografie des Lebens, in das ich hineingeboren wurde. Ich beschäftige mich mit Form und Struktur – und mit den Gegensatz zwischen menschlichem Leben und Natur." *1977 in Jeseník, Tschechische Republik. 1995–1998 Steinmetzschule in Horice v Podkrkonosí, Tschechische Republik. 1998–2004 Akademie der Bildenden Künste in Prag, bei Prof. Karel Nepras, ab 2002 bei Prof. Jan Koblasa. Ausgewählte Ausstellungen und Symposien: 2002 Forschungsstipendium, New York, USA; 2003 Skulpturensymposium Prameny – "Quellen, Kunst aus der Mitte Europas", Stolpe; 2005 Internationales Skulpturensymposion in Horice v Podkrkonosí, Tschechische Republik.

Teilnahme am NordArt-Symposium 2006 – unter Leitung von Prof. Jan Koblasa.

"My sculpture is almost a biography of the life into which I was born. I deal with form and structure – and with the contrast between human life and nature." *1977 in Jeseník, Czech Republic. 1995–1998 School for masons in Horice v Podkrkonosí, Czech Republic. 1998–2004 Academy of Fine Arts in Prague, with Prof.

Karel Nepras, since 2002 Prof. Jan Koblasa. Selected exhibitions and symposia: 2002 Research fellowship, New York, USA; 2003 Sculpture symposium Prameny – "Sources, Art from the Center of Europe", Stolpe, Germany; 2005 International sculpture symposium in Horice v Podkrkonosí, Czech Republic; 2006 NordArt Symposium.

Participation in the NordArt Symposium 2006 – headed by Prof. Jan Koblasa.

Am Anfang, 2006, Anröchter Grünstein, 250 x 90 x 70 cm (Entstanden auf dem NordArt-Symposium 2006) At the Beginning, 2006, Anröchter green stone, 250 x 90 x 70 cm (Created at the NordArt Symposium 2006) 242

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Георги Минчев

Georgi Minchev

Bulgarien/Bulgaria

Georgi Minchev arbeitet im Bereich Monumentalskulptur. Er verwendet verschiedene Materialien wie Stein, Metall und Holz und konzipiert großformatige Skulpturen für Parks und den städtischen Raum. Sein besonderes Interesse gilt der Integration von Skulptur und architektonischer Umwelt.

Georgi Minchev works in the field of monumental sculpture. He uses different materials such as stone, metal and wood and creates large format sculptures designed for urban or park space. His special interest is the integration of sculpture and architectural environment.

*1965. Studienabschluss 1991. Seine Karriere begann er mit mehreren renommierten nationalen Ausstellungen. Seit 1993 ist er Professor an der Kunstfakultät (Bildhauerei) der Ss. Cyrill und Methodius Universität in Weliko Tranowo, Bulgarien. Seit 1994 Mitglied der Union bulgarischer Künstler. 1996 Artist in Residence in der Cité des Arts in Paris und 2014 am Chelsea College der Universität der Künste London. Seit 2010 im Vorstand der Duppini Künstlergruppe in Bulgarien. Minchevs Monumentalskulpturen befinden sich in Bulgarien, Spanien, Deutschland, Frankreich, Belgien, Rumänien, Luxemburg, Taiwan und China.

*1965. Graduation in 1991. He began his career with several prestigious national exhibitions. Since 1993 he works as a Professor at the Faculty of Fine Arts (sculpture) of Ss. Cyril and Methodius University in Veliko Tarnovo, Bulgaria. Since 1994 a member of the Union of Bulgarian Artists. 1996 artist in residence at Cité des Arts in Paris and 2014 at the Chelsea College of the University of the Arts London.

Since 2010 member of the board of Duppini Art Group in Bulgaria. Minchev's monumental sculptures are placed in severel towns in Bulgaria, Spain, Germany, France, Belgium, Romania, Luxembourg, Taiwan and China. http://geminchev.blogspot.com

Fragment von etwas Größerem, 2015, Carrara Marmor, 100 x 100 x 168 cm (Entstanden auf dem NordArt-Symposium 2015) Fragment of Something bigger, 2015, Carrara marble, 100 x 100 x 168 cm (Created at the NordArt Symposium 2015) 243

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Tom Müllers Deutschland/Germany

Das Fließende ist ein immer wiederkehrendes Motiv in Tom Müllers Kunst. Die Arbeit am Stein ist für ihn ein Eintauchen in die Erdgeschichte: "Mich interessiert alles Fließende. Das Material, mit dem ich arbeite, ist vor Millionen von Jahren durch die Hitze und das Erkalten der flüssigen Erdkruste geformt worden. Die Faszination, die von diesem Vorgang ausgeht, versuche ich, in meiner Arbeit umzusetzen und in neue, andere Zusammenhänge zu stellen." Der besondere Reiz von Müllers Arbeiten geht von den Kontrasten in Form und Oberflächenstruktur aus: Feingeschliffene, glatte Partien, die an das Fließen des Magmas erinnern, aus dem der Stein einst geboren wurde, stellt er rauen, weitgehend unbearbeiteten Flächen gegenüber. *1953 in Düsseldorf. 1978 Lehre als Steinmetz und Steinbildhauer. 1984 Studium der Bildhauerei an der Werkkunstschule Flensburg. Seit 1996 Galerist in Rendsburg. Seit 1986 Ausstellungen und Symposien im In- und Ausland. 2009 Landesschau-Kunstpreis, BBK Schleswig-Holstein.

O.T., 2009, Gneis, Lärche, 64 x 70 x 445 cm Untitled, 2009, gneiss, larch, 64 x 70 x 445 cm 244

The flow is a recurring motif in Tom Mueller's art. The work on the stone is for him a dive into the earth's history: "I am interested in everything flowing, the material I work with has been shaped millions of years ago by the heat and the cooling process of the liquid earth crust. The fascination that comes from this process, I try to implement in my work and to put it into new, different contexts."

The special charm of Mueller's work comes from the contrasts in form and surface structure: polished, smooth parts, which recall the flow of the magma, to which the stone was once born, he sets against rough, largely unedited surfaces. *1953 in Düsseldorf, Germany. 1978 Apprenticeship as stonemason and stonesculptor. 1984 Studied Sculpture at the Arts and Crafts School Flensburg, Germany. Since 1996, gallery owner in Rendsburg, Germany. Since 1986, exhibitions and symposia in Germany and abroad. 2009 Landesschau Art Award, Artists' Association of the land Schleswig-Holstein (BBK). http://tom-muellers.de

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Akiko Nagata Japan

*1978 in Kobe, Japan. 1999 Abschluss an der Hochschule der Künste in Nara, Japan. 1999–2001 Studium an der Otemae Universität, Japan. 2002 Studium an der Akademie der Schönen Künste, Florenz, Italien. 2003–2007 MA Studium an der Akademie der Schönen Künste, Carrara, Italien. 2004 1. Preis Em'Arte, EcoAlabastermuseum der Burg Marittima, Pisa, Italien. Seit 2000 Ausstellungen und Bildhauersymposien in Japan, Italien, Deutschland. 2006 Teilnahme am NordArtSymposium.

*1978 in Kobe, Japan. 1999 Graduated from Nara College of Arts, Japan. 1999– 2001 Studied at Otemae University, Japan. 2002 Studied at the Accademia di Belle Arti, Florence, Italy. 2003–2007 MA studies at the Accademia di Belle Arti, Carrara, Italy. 2004 1st prize Em'Arte, EcoMuseo of the Alabaster, Castellina Marittima, Pisa, Italy. Since 2000, exhibitions and sculpture symposia in Japan, Italy and Germany. 2006 participated at the NordArt Symposium. www.akikonagata.com

Gespräch der Stille, 2006, Carrara Marmor, 116 x 32 x 124 cm (Entstanden auf dem NordArt-Symposium 2006) Conversation of Silence, 2006, Carrara marble, 116 x 32 x 124 cm (Created at the NordArt Symposium 2006) 245

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Peter Niemann Deutschland/Germany

In trutziger Beständigkeit und majestätischer Größe hält sie seit 1993 vor der aus dänischer Zeit stammenden ACO-Pferdehalterei in all ihrer archaischen Imposanz Wacht: die wie eine Wegmarke und ein Seezeichen wirkende, neun Meter hohe Großskulptur des Künstlers Peter Niemann. Bezugnehmend auf den sagenhaften Angeliter Königssohn "Offa", der in einer Notlage zu ungeahnten Kräften erwachte und mit dem Schwert seines Vaters heroisch diese Bedrohung abwenden konnte. Diese Stahlskulptur trägt komplexen Symbolgehalt: Sie markiert die Anfänge der vielfältigen künstlerischen Umtriebigkeiten im Kunstwerk Carlshütte, sie ist stete Repräsentantin einer langen, durchaus auch bewegten, historischen Vergangenheit der Stadt Rendsburg – und sie fordert in ihrer schnörkellosen Trutzigkeit voller Stolz und Kühnheit zu neuen Projekten auf. (Almut Rix) Konzeptkünstler Peter Niemann ist 1957 in Kiel geboren.

Offa, 1992, Stahl, Höhe: 900 cm (vor der ACO-Pferdehalterei am Obereiderhafen) Offa, 1992, steel, height: 900 cm (in front of the ACO Pferdehalterei at the Obereiderhafen) 246

Mighty, indomitable and majestic in size, Peter Niemann's sculpture, in all its archaic glory, has been keeping watch since 1993 in front of the originally danish 'ACO Pferdehalterei'. nine metres in height and like a milestone or navigation mark, the sculpture refers to the region of Angeln's legendary royal son Offa. He developed unforeseen strength in a time of need and was able to avert danger using his father's sword. The steel construction carries complex symbolism by marking the beginnings of artistic activities at Kunstwerk Carlshütte, representing the long and eventful history of the city of Rendsburg and by inspiring new projects through its plain and simple defiance, its pride and its boldness.

(Almut Rix) Conceptual artist Peter Niemann was born in 1957 in Kiel, Germany. www.peterniemann.de

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Lucie Píštělková

Tschechische Republik/Czech Republic *1977 in Brünn, Tschechische Republik. 1992–1996 Hochschule für Management. 1997–2001 Studium der Bildhauerei an der Hochschule für Angewandte Kunst in Cesky Krumlov. Ab 2004 Studium an der Akademie der Bildenden Künste in Prag: 2004–2005 Studium bei Prof. Jan Koblasa, 2005–2006 bei Jaroslav Róna und ab 2006 bei Prof. Jindrich Zeithamml. Ausstellungen: 2007 "Koblasa & Schule", Kunstwerk Carlshütte; 2005 "Letní plastika Bechyne", Tschechische Republik. Symposien: 2007 "Flur", Erlbach/Eubabrunn, Deutschland; 2006 "Snehové království" (Schnee-Symposium), Donovaly, Slowakei; 2004 "Lavicky v Lukách", Luka nad Jihlavou, Tschechische Republik. Preise: Sonderpreis der Stadt Markneukirchen für die herausragende Skulptur "In Bewegung".

*1977 in Brno, Czech Republic. Education: 1992–1996 High School of Management. 1997–2001 Study of Sculpture at the High School of Applied Arts in Cesky Krumlov. From 2004 study at the Academy of Fine Arts in Prague: 2004–2005 under Prof. Jan Koblasa, 2005–2006 under Jaroslav Róna and from 2006 under Prof. Jindrich Zeithamml. Exhibitions: 2007 "Koblasa & School", Kunst in der Carlshuette, Germany; 2005 "Letní plastika Bechyne", Czech Republic; 2007 "Open Fields", Erlbach/Eubabrunn, Germany; 2006 "Snehové království" (snow symposium), Donovaly, Slovakia; 2004, "Lavicky v Lukách", Luka nad Jihlavou, Czech Republic. Prizes: Special prize of the town Markneukirchen in Germany for the excellent sculpture "In Motion".

Teilnahme am NordArt-Symposium 2005 und 2006 – unter Leitung von Prof. Jan Koblasa.

Participation in the NordArt Symposium 2005 and 2006 – headed by Prof. Jan Koblasa.

Blume, 2006, Anröchter Grünstein, 120 x 145 x 110 cm (Entstanden auf dem NordArt-Symposium 2006) Flower, 2006, Anröchter green stone, 120 x 145 x 110 cm (Created at the NordArt Symposium 2006) 247

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Liliya Pobornikova

Лилия Поборникова

*1979 in Bulgarien. Studium an der Kunsthochschule in Tryavana und der Nationalen Kunstakademie in Sofia mit Schwerpunkt Holzbildhauerei. Mitglied der Bulgarischen Künstlervereinigung. Teilnahme an mehr als 100 Bildhauersymposien in Österreich, Argentinien, Bulgarien, Brasilien, China, Zypern, Dänemark, Ägypten, Frankreich, Deutschland, Guatemala, Italien, Japan, Luxemburg, Litauen, Lettland, Mexiko, Norwegen, Paraguay, Portugal, Polen, Russland, Schweden, Schweiz, Spanien, Türkei, Taiwan, Thailand, USA, Vietnam. Sie arbeitet mit verschiedenen Materialien wie Stein, Holz, Metall, Wachs, Zement, Bronze, Keramik, Eis, Schnee – auch im Bereich "Land Art". Ihre Skulpturen befinden sich in Museen in Taiwan, Dänemark, Slowenien, Ägypten und Brasilien. Sie erhielt Auszeichnungen für Ihre fotografischen Arbeiten u.a. von den Magazinen "Highlights" und "National Geographic".

*1979 in Bulgaria. Studied at the School of Arts in Tryavna and the National Academy of Arts in Sofia with the focus on wood sculpture. Member of the Union of Bulgarian Artists. Participation in more than 100 sculpture symposia in Austria, Argentina, Bulgaria, Brazil, China, Cyprus, Denmark, Egypt, France, Germany, Guatemala, Italy, Japan, Luxembourg, Lithuania, Latvia, Mexico, Norway, Paraguay, Portugal, Poland, Russia, Sweden, Switzerland, Spain, Turkey, Taiwan, Thailand, USA, Vietnam. Works with different materials, including: stone, wood, metal, wax, concrete, bronze, ceramics, ice, snow – also in "land art". Her sculptures are represented in museums in Taiwan, Denmark, Slovenia, Egypt and Brazil. She received awards for her photographic work, i.a. by "Highlights Magazine" and "National Geographic Magazine". www.pobornikova.com

Bulgarien/Spanien/Bulgaria/Spain

Bewegung, 2014, Carrar Marmor, 250 x 50 x 50 cm • Regenbogen 2, 2013, Carrar Marmor, 160 x 90 x 60 cm (Entstanden auf dem NordArt-Symposium 2013/2014) Movement, 2014, Carrara marble, 250 x 50 x 50 cm • Rainbow 2, 2013, Carrara marble, 160 x 90 x 60 cm (Created at the NordArt Symposium 2013/2014) 248

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REN Rong

China/Deutschland/China/Germany *1960 in Nanjing, China. 1982–1986 Studium an der Kunstakademie Nanjing.

1989–1992 Studium der Freien Malerei an der Kunstakademie Münster und an der Kunstakademie Düsseldorf, Meisterschüler von Prof. Fritz Schwegler. 1993 Jahresstipendium des Kultusministeriums Schleswig-Holstein. 1994 Weilburger Förderpreis für Kunst. 1995 Gründung des "Ren Rong Art Space" in Songzhuang, Peking. 1996 Auftrag des Kunstmuseums Bonn für eine für eine Ausstellungstournee: "China! Contemporary Art". 2013 Gründung "Kunstraum Villa Friede" in Bonn. Zahlreiche Ausstellungen weltweit u.a.: Kunsthalle Koblenz; Haus der Kunst der Stadt Brünn, Tschechische Republik; Art Today Museum, Peking; Städtische Kunstsammlung Limburg; Juming Museum, Taipeh; Providence Universitäts-Kunstzentrum, Hsingchu, Taiwan; Art Beatus, Hongkong; Hexiangning Kunstmuseum, Shenzhen; Kunstmuseum Bayreuth; Nanijing Kunstgalerie, Singapur. Lebt und arbeitet in Bonn und Peking.

*1960 in Nanjing, China. 1982–1986 Studied at the Art Academy Nanjing. 1989– 1992 Studied Creative Painting at the Art Academy Münster and the Art Academy Düsseldorf, Germany, master student under Prof. Fritz Schwegler. 1993 Annual scholarship of the Ministry of Education Schleswig-Holstein, Germany. 1994 Weilburg promotional prize for art. 1995 foundation of "Ren Rong Art Space" in Songzhuang, Beijing. 1996 assignment by the Kunstmuseum Bonn for an exhibition tour: "China! Contemporary Art". 2013 foundation of the "Kunstraum Villa Friede" in Bonn, Germany. Numerous exhibitions worldwide, including: Kunsthalle Koblenz, Germany; House of Art of the City of Brno, Czech Republic; Art Today Museum, Beijing; Municipal Art Collection Limburg, Germany; Juming Museum, Taipei; Providence University Art Center, Hsingchu, Art Beatus, Hong Kong; Hexiangning Art Museum, Shenzhen; Art Museum Bayreuth, Germany; Nanijing Art Gallery, Singapore. Lives and works in Bonn and Beijing. www.kunstraum-villafriede.de

Aus der Serie "Genesis", 2015, Stahl, Höhe 280 cm From the series "Genesis", 2015, steel, height 280 cm 249

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Zdenka Saletová

Tschechische Republik/Czech Republic *1980 in in Zlín, Tschechische Republik. 2003–2007 Studium der Bildhauerei an der Akademie der Bildenden Künste Prag, Tschechische Republik. 2003–2005 bei Prof. Jan Koblasa, 2005–2007 bei Milos Sejna. 2007 Praktikum an der Bellas Artes in Granada, Spanien. 2007 Academy of Fine Arts Studio, bei Prof. Jindřicha Zeithamml.

Teilnahme am NordArt-Symposium 2005 – unter Leitung von Prof. Jan Koblasa.

*1980 in Zlín, Czech Republic. 2003–2007 studied Sculpture at the Academy of Visual Arts Prague, Czech Republic. 2003–2005 under prof. Jan Koblasa, 2005– 2007 under Milos Sejna. 2007 training at the Bellas Artes in Granada, Spain. 2007 Academy of Fine Arts Studio, under prof. Jindřicha Zeithamml.

Participation in the NordArt Symposium 2005 – headed by Prof. Jan Koblasa.

Umarmung, 2005, Anröchter Grünstein, 320 x 60 x 50 cm (Entstanden auf dem NordArt-Symposium 2005) Embrace, 2005, Anröchter green stone, 320 x 60 x 50 cm (Created at the NordArt Symposium 2005) 250

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Winni Schaak

Deutschland/Germany

Gerade Kanten, spannungsvolle Bögen, gewölbte und ebene Flächen kennzeichnen Winni Schaaks minimalistische Körper. Seine Formen sind klar und ausgewogen. Teils erinnern sie an Gebäude, teils an Kreaturen, deren geometrische Formgebung einer starken Lebendigkeit gegenübersteht. Winni Schaaks kleinformatige wie auch seine monumentalen Skulpturen wirken kraftvoll und leicht zugleich, und dass trotz ihres schweren Materials: Bronze oder Edelstahl, meist aber verwendet Winni Schaak den wetterbeständigen Cortenstahl. Dessen feinporige, gerostete Oberfläche hat eine warme, lebendige Ausstrahlung. (Cornelia Wichtendahl, Berlin)

Winni Schaak's minimalistic constructions are characterised by straight lines and powerful curves, convex, concave and even flat surfaces. His forms are clear and balanced. Partly one is reminded of architecture, partly of organic creatures, whose strict geometric shapes are at the same time full of vitality. Not only Winni Schaak's small-format sculptures but also his monumental outdoor pieces are at once weighty and weightless. And that is the case although they are produced of solid materials such as bronze or stainless steel. Predominantly, however, Schaak uses cortensteel, which is a weatherproof steel whose rusty and yet smooth surface gives his sculptures warmth and depth. (Cornelia Wichtendahl, Berlin)

*1957 in Kropp, Deutschland. 1984–1985 Schmiede- und Schlossermeister.

1986–1990 Studium der Bildhauerei in Aachen bei Prof. Wolfgang Bier. Seit 1989 Ausstellungen im In- und Ausland. Zahlreiche Arbeiten im öffentlichen Raum wie auch Symposiumsbeteiligungen. Lebt und arbeitet in Lübeck.

*1957 in Kropp, Germany. 1984–1985 Smiths and mechanics Master. 1986–1990 Studied Sculpture in Aachen under Prof. Wolfgang Bier. Since 1989, exhibitions at home and abroad. Numerous works in the public space as well symposium participations. Lives and works in Lübeck. www.winnischaak.de

Turnabout with Five, 2000, Cortenstahl, geschweißt, gerostet, 5-teilig, Höhe: 250 cm Turnabout with Five, 2000, corten steel, welded, rusted, 5 parts, height: 250 cm 251

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Hans Schohl Deutschland/Germany

Seit 1985 konstruiert Hans Schohl kinetische Objekte, zunächst Apparate aus Schrott, von Motoren angetriebene abenteuerliche, lärmende Maschinerien.

In den letzten Jahren wurden die Objekte kleiner, filigraner, die Bewegungen leichter, flüchtiger, zuweilen beiläufig. Zunehmend stehen die kinetischen Objekte nicht mehr für sich alleine, sondern werden eingebunden in raumgreifende Installationen. *1952 in Landstuhl, Pfalz. Studium der Erziehungswissenschaften, Germanistik, Politik und Kunst an der Philipps-Universität Marburg und an der Gesamthochschule Kassel. Zahlreiche Gruppen- und Einzelausstellungen. Mitglied der Künstlergemeinschaft "Werkstatt Radenhausen". Ausstellungstätigkeit seit 1989.

Preisträger der 22. Ube-Biennale 2007 in Japan (Excellent Prize und Publikumspreis) sowie der 1. und 2. Kobe-Biennale/Japan "Art in a Container" 2007/2009 (jeweils Special Prize); ausgezeichnet als Best Foreign Artist, artelaguna, Venedig, Italien 2010. Lebt und arbeitet in Anzefahr bei Marburg/Lahn.

Since 1985, constructs kinetic sculptures, initially instruments constructed of scrap, creating adventurous, noisy machines driven by motors. In more recent years, the sculptures have become smaller, more filigree and the movements become lighter and more subtle, of only minor importance. There is a trend for the kinetic objects to no longer stand for themselves, but to be incorporated in room-sized installations. *1952 in Landstuhl, Pfalz (DE). Studied teaching, German, politics and art at Philipps University Marburg and the polytechnic in Kassel. Numerous group and solo exhibitions. Member of the artists' group "Werkstatt Radenhausen". Exhibitions since 1989. Prize winner of the 22nd Ube Biennial 2007 in Japan (Excellent prize and public prize); prize winner of the 1st and 2nd Kobe Biennial/Japan, "Art in a Container", 2007/2009 (special prize in each biennial); award as the best foreign artist, artelaguna Venice, Italy 2010. Lives and works in Anzefahr near Marbug/ Lahn, Germany. www.hans-schohl.de

Speicher für Himmelsmechanik, 2009, Stahlhäuser mit kinetischen Objekten, je 390 x 165 x 130 cm Store for Heavenly Mechanics, 2009, steel houses with kinetic objects, each 390 x 165 x 130 cm 252

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Pierre Schumann Deutschland/Germany

"Der Inhalt ist nicht sehr wesentlich, die Form aber, gepaart mit einem Schub Intellekt und Gefühl – das alles muss in ein harmonisches System gebracht werden." (Pierre Schumann) Er war ein international geschätzter Bildhauer der klassischen Moderne und einer der bedeutendsten Künstler des Landes SchleswigHolstein. Sein bevorzugtes Arbeitsmaterial war Marmor, etliche dieser Skulpturen fanden eine Umsetzung in Bronze. Ein wiederkehrendes Motiv in seinem Werk war unter anderem die Mutter mit ihrem Kind. *1917 in Heide, †2011. 1937–1945 Soldat. 1947–1949 Studium an der Hochschule für Bildende Künste, Hamburg, bei Edwin Scharff. 1950 an der Kunstakademie Stuttgart bei Otto Baum. Seit 1952 zahlreiche Ausstellungen. 1954–1964 jährliche Aufenthalte in Paris. Seit 1963 jährlich in Carrara, Italien, 1976-2011 lebte und arbeitete Schumann in Sagau bei Eutin. Auszeichnungen: 1967 1. Preis der Internationalen Biennale von Carrara; 1973 Friedrich-Hebbel-Preis; 2007 Kulturpreis des Landes Schleswig-Holstein.

"Content is of no great significance, but form boosted by intellect and feeling – all of that has to be converted into a harmonious system." (Pierre Schumann) Internationally held in high esteem as a classical modern sculptor, he was one of Schleswig-Holstein's most significant artists. His preferred working material was marble, though many of these sculptures wore cast in bronze, too. Among the recurring motifs in his work is the mother with her child. *1917 in Heide, †2011. 1937–1945 soldier. 1947–1949 studied at Hamburg University of Fine Arts under Edwin Scharff. 1950 Art Academy Stutt-gart under Otto Baum. Since 1952 numerous exhibitions. 1954–1964 annual study visits to Paris.

Since 1963 annual visits to Carrara, Italy. 1976–2011 Schumann lived and worked in Sagau near Eutin. Awards: 1967 1st Prize at the International Biennial of Carrara; 1973 Friedrich-Hebbel-Prize; 2007 Cultur Prize of the Federal State of Schleswig-Holstein.

Mutter und Kind, 1950, Bronze, 100 x 45 x 40 cm Mother and Child, 1950, bronze, 100 x 45 x 40 cm 253

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Tina Schwichtenberg Deutschland/Germany

"Es hilft nichts, nach einer Bedienungsanleitung zu suchen, die einem diese 'Frauen De Formation' bis in den kleinen Zeh der letzten Gestalt erklären könnte.

Allein das sarkastische Wortspiel des Titels weist eine Spur. Diese liliputhaften bronzebraunen und tönernen Gestalten sind nicht schön im Sinne von attraktiv und verführerisch. Sie sind auch nicht hässlich im Sinne von abstoßend. Von diesen merkwürdigen Figuren gehen Rätsel aus, aber ein System, sie zu lösen, wird von der Künstlerin nicht mitgeliefert. Sie mutet uns zu, eigene Schlüsse zu ziehen für diese weibliche Ein-Meter-Armee, der das Militante vor lauter Melancholie, vor lauter obskurer, absurder, schmerzhafter Deformierung der Körper und Köpfe abgeht. 'Extreme verdeutlichen am besten', sagt Tina Schwichtenberg. Um eine feministische Demonstration geht es ihr nicht, wohl aber um ein Gleichnis für den Weg der Frau in 20 000 Jahren Zivilisation." (Ingeborg Ruthe, Berliner Zeitung) *1944 in Kiel. 1986–1989 Studium an der Muthesius-Hochschule Kiel.

"It's no good looking for an instruction booklet that might explain these 'Frauen De Formation' (Women De Formation) down to the last little toe on the last figure.

But the sarcastic word-play in the title does offer a little clue. These diminutive bronze-brown clay figures are not attractively and seductively beautiful. They are also not repellently ugly. They are remarkable figures that exude mystery, but the artist does not supply a method for solving that mystery. She expects us to draw our own conclusions about this female one-metre-army, with its militant quality removed by sheer melancholy, by sheer, obscure, absurd, painful deformation of the bodies and heads. 'Best to make extremes clear', says Tina Schwichtenberg.

She is not interested in mounting a feminist demonstration, but what she does want to do is find a parable for the path women have travelled in 20,000 years of civilization." (Ingeborg Ruthe, Berliner Zeitung) *1944 in Kiel, Germany. 1986–1989 studied at the Muthesius University in Kiel. www.tina-schwichtenberg.de

Frauen De Formation, 1998–2013, Keramik, Höhe: 110 cm (Dauerleihgabe an die NordArt) Women De Formation, 1998–2013, ceramic, height: 110 cm (Permanent loan to NordArt) 254

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Zdeněk Šmíd

Tschechische Republik/Czech Republic Zdeněk Šmíd erschafft ausgeklügelte, komplexe Systeme, die bei Stillstand wie unbewegliche Skulpturen erscheinen. Auf den ersten Blick ist nicht erkennbar, dass es sich bei seinen Werken um kinetische Objekte handelt. Oftmals liegen ihnen menschliche Körper, pflanzliche oder zoomorphe Figurationen zugrunde.

In jüngeren Arbeiten nähert er sich in den Grundelementen eher einer rationellen, geometrischen Formgebung. Einige seiner Arbeiten aus der Serie wurden in den letzten Jahren in der NordArt präsentiert. *1971 in Zlin, Tschechische Republik. 1989–1995 Studium an der Akademie der Bildenden Künste Prag. 1996–2006 dort Dozent im Studio I für Skulptur von Prof.

K. Nepraš, Prof. J. Koblasa and J. Róna. Seit 1993 Ausstellungen in der Tschechischen Republik, Slovakei, Slovenien, Italien, Deutschland, Großbritannien, Österreich. 2011 Publikumspreisträger der NordArt. 2017 Wettbewerbsgewinner "The Third Space" der Stadt Zlin.

Zdeněk Šmíd creates sophisticated complex systems which, once they come to a standstill, appear to be immobile. It is not obvious at first glance that they are kinetic objects. They are often based on the human body, vegetal or zoomorphic formations. In the basic elements of his more recent work he moves towards increasingly rational, geometric designs. Some of his works from the series have been presented at NordArt in the past few years. *1971 in Zlin, Czech Republic. 1989–1995 studies at Prague Academy of Fine Arts. 1996–2006 Assistant lecturer in Studio 1 for sculpture to prof. K. Nepraš, prof. J. Koblasa and J. Róna. Since 1993 exhibitions in the Czech Republic, Slovakia, Slovenia, Italy, Germany, Great Britain, Austria. 2011 Public Chice Award at NordArt. 2017 wins "The Third Space" competition of the City of Zlin. www.zdeneksmid.com

Kopfüber, 2005, Anröchter Grünstein, 230 x 50 x 72 cm (Entstanden auf dem NordArt-Symposium 2005) Upside Down, 2005, Anroechter green stone, 230 x 50 x 72 cm (Created at the NordArt Symposium 2005) 255

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Jiří Štaněk

Tschechische Republik/Czech Republic *1982 in der Tschechischen Republik. 2004–2010 Bildhauereistudium an der Akademie für Darstellende Künste, Prag: 2004–2005 bei Prof. Jan Koblasa, 2995–2007 bei Prof. Jaroslav Róna, 2008–2010 bei Prof. Jiřího Příhody. Seit 2004 Ausstellungen und Symposien in der Tschechischen Republik und Deutschland.

2008–2010 Ausstellungen in der Nationalgalerie Prag. 2010 Henkel Art Award.

*1982 in Czech Republic. 2004–2010 studied sculpture at the Academy of Visual Arts, Prague, Czech Republic: 2004–2005 under Prof. Jan Koblasa, 2005–2007 under Prof. Jaroslav Róna, 2008–2010 under Prof. Jiřího Příhody. Since 2004 various group exhibitions and symposia in Czech Republic and Germany. 2008–2010 exhibitions in National Gallery Prague. 2010 Henkel Art Award.

Teilnahme am NordArt-Symposium 2005 – unter Leitung von Prof. Jan Koblasa.

Participation in the NordArt Symposium 2005 – headed by Prof. Jan Koblasa.

Diwan, 2005, Anröchter Grünstein, 180 x 80 x 75 cm (Entstanden auf dem NordArt-Symposium 2005) Divan, 2005, Anröchter green stone, 180 x 80 x 75 cm (Created at the NordArt Symposium 2005) 256

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Roswitha Steinkopf Deutschland/Germany

*1951 in Kiel. 1970–1977 Hochschule für Bildende Künste, Berlin. 1976 Meisterschülerin in Malerei bei Prof. G.Fietz. 1977 Projektstipendium des Centre de Coopération Culturelle e Sociale, Paris. 1985–1991 Wohnsitz und Atelier in Mailand, Italien. 1997 1. Preis im 5. Europäischen Künstlersymposion, Imperia, Italien. 2000 Auftragsarbeit des Kulturprogramms des Deutschen Pavillons, Weltausstellung EXPO, Schleswig-Holstein-Länderwoche ("Greetings"). 2001 Beginn der interaktiven Aktion: "Art is" in Italien. 2002/2003 Stipendium des Kultusministeriums Schleswig-Holstein für einen Arbeitsaufenthalt in New York.

2003 "Art is" in Shanghai, China. 2005 Auszeichnung für "Art is" in St. Petersburg, VII. Biennale "Dialog". 2011 Projektstipendium Südkorea und Nepal, Kultusministerium Schleswig-Holstein. 2012 als Gastkünstlerin in Kenia, 2016 in Thailand.

2018 ein Kunstwerk der Künstlerin begleitet den deutschen Astronauten Alexander Gerst auf der ISS. Seit 1976 Ausstellungen im In- und Ausland, Arbeiten in privaten und öffentlichen Sammlungen.

*1951 in Kiel, Germany. 1970–1977 Berlin University of the Arts, Germany. 1976 Master scholar in Painting, Prof. G. Fietz. 1977 Project scholarship, Centre de Coopération Culturelle et Sociale, Paris. 1985–1991 Home and studio in Milan, Italy.

1997 1st prize, 5th European Artists' Symposium, Imperia, Italy. 2000 commission work for the culture program of the German Pavilion, world exhibition EXPO for the Schleswig-Holstein state week ("Greetings"). 2001 Start of interactive action: "Art is" in Italy. 2002/2003 scholarship from the Ministry of Culture SchleswigHolstein for a work stay in New York. 2003 "Art is" in Shanghai, China. 2005 Award for "Art is" in St. Petersburg, VII. Biennial "Dialogue". 2011 Project grant for South Korea and Nepal, Ministry of Culture Schleswig-Holstein. 2012 Artist in Residence, Kenya, 2016 in Thailand. An art work of the artist accompanies the German Astronaut Alexander Gerst on board of the ISS. Since 1975, exhibitions at home and abroad, works in private and public collections. www.roswitha-steinkopf.de

Licht, 2004, Edelstahl, Höhe: 500 cm Light, 2004, stainless steel, height: 500 cm 257

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Takeshi Tanabe Japan

*1945 in Yamaguchi, Japan. 1966–1972 Bildhauereistudium, Aichi Präfekturale Universität der Künste, Japan. Zahlreiche Ausstellungen und Auszeichnungen, Skulpturen im öfftl. Raum und in öfftl. Sammlungen. Ausgewählte int. Skulpturensymposien: Lindabrunn (1973, AT), Suwako (Direktor, 1978, JP), Hagi (Direktor, 1981, JP), Ost-West Forum (1983, NL), Forma Viva (1983, HR), Park-Hills-Tawara (Veranstalter, 1990, JP), Aio (Veranstalter, 1992, JP), Muraoka (Veranstalter, 1992, JP), The Third China (2004, CN). Ausgewählte öfftl. Kunstwettbewerbe: Hsintien Station (1999, TW), Panchiao Station (2000 TW), China Oil Ltd. (2001 TW), Kaohsiung Südpostamt (2002, TW), Museum in Hakka (2002, TW), Kajima Internationale Skulptur (2006, JP), Taiwan Armeeschule (2008, TW). Ausgewählte Ausstellungen: Ube Biennale (1973/75/77/91, 2001/03/09, JP), Tokio Biennale (1974, JP), Japan zeitgen. Kunstausstellung (1975/76), Chelsea Harbour Sculpture 93 (UK), Sculpture by the Sea Bondi, Sydney (2012–2016), Sculpture by the Sea Cottesloe, Perth (2016/17 AU).

*1945 in Yamaguchi, Japan. 1966–1972 Studied Sculpture, Aichi Prefectural University of the Arts, Japan. Numerous exhibitions and awards, sculptures in public spaces and in public collections. Selected int. Sculpture Symposia: Lindabrunn (1973, AT), Suwako (Art Director, 1978, JP), Hagi (Art Director, 1981, JP), East-West Forum (1983, NL), Forma Viva (1983, HR), Park-Hills-Tawara (organizer, 1990, JP), Aio (organizer, 1992, JP), Muraoka (organizer, 1992, JP), The Third China (2004, CN). Selected public art competitions: Hsintien Station (1999, TW), Panchiao Station (2000, TW), China Oil Ltd. (2001, TW), Kaohsiung South Post Office (2002, TW), Museum of Hakka (2002, TW), Kajima International Sculpture (2006, JP), Taiwan Army School (2008, TW). Selected exhibitions: Ube Biennale (1973/75/77/91, 2001/03/09, JP), Tokyo Biennale (1974, JP), Contemporary Art Exhibition of Japan (1975/76), Chelsea harbour Sculpture 93 (UK), Sculpture by the Sea Bondi, Sydney (2012–2016), Sculpture by the Sea Cottesloe, Perth (2016/17 AU). www.t-m-tanabe.jp/takeshi/works.html

Szene: gewidmet Händels "Wassermusik", 2017, Findlinge, 3-teilig, Höhe: 70-120 cm (Entstanden auf dem NordArt-Symposium 2017) A Scene: Dedicated to Händel's "Water Music", 2017, boulders, 3 parts, height: 70-120 cm (Created at the NordArt Symposium 2017) 258

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Xuxo Vázquez Spanien/Spain

*1948 in Vigo, Spanien. Mehr als 55 Einzel- und Gruppenausstellungen sowie zahlreiche intern. Bildhauersymposien. Auszeichnungen (Auswahl): 2005 VII. Nationaler Outdoor Skulpturenwettbewerb, Castellón; 2004 Nationaler Kunstwettbewerb "Caja de Guadalajara"; 1998/97 EDINFOR, Estoril, Portugal; 1993 54.

Nationale Ausstellung für Plastik, Ciudad Real; 1985 1. Nationale Biennale d. FC Barcelona; 1981/75 Nationalwettbewerb "Tomás Francisco Prieto", Madrid; 1979 Salón de Otoño de Sevilla; 1978/74 Internationale Biennale Pontevedra; 1976 Arte Sport, Bilbao. Sammlungen: Olympischer Skulpturenpark, Peking; Seolbong Park, Icheon, Südkorea; Open-Air Museum, Tianging, China; EDINFOR, Lissabon; Open-Air Museum für Zeitgen. Kunst, Cáceres; FENOSA, La Coruña und Madrid; Museum für Zeitgen. Kunst, Alcalá de Henares, Madrid; CaixaNova Sammlung; Aracena Open-Air Museum; V. Centenario Open-Air Museum, Huelva; Museum d.

FC Barcelona; Valdepeñas Nationalmuseum, Ciudad Real; Santo Domingo Museum, S.d. Compostela; Bezirksrat von Pontevedra.

*1948 in Vigo, Spain. More than 55 personal and collective exhibitions as well as numerous intern. sculpture symposia. Awards (sel.): 2005 VII. Sculpture Outdoors National Art Contest, Castellón; 2004 National Art Contest "Caja de Guadalajara"; 1998/97 EDINFOR, Estoril, Portugal; 1993 54th National Exhibition of Plastic Arts, Ciudad Real; 1985 1st National Biennial of Art of F.C. Barcelona; 1981/75 National Contest "Tomás Francisco Prieto", Madrid; 1979 Salón de Otoño de Sevilla; 1978/74 International Biennial of Art, Pontevedra; 1976 Arte Sport, Bilbao. Collections: Olympic Park and Sculpture Park, Beijing; Seolbong Park, Icheon, South Korea; Open Air Museum, Tianging, China; EDINFOR Collection, Lisbon; Open Air Museum for Cont. Art, Cáceres; FENOSA Collection, La Coruña and Madrid; Cont.

Art Museum, Alcalá de Henares, Madrid; CaixaNova Collection; Aracena Open Air Museum; V. Centenario Open Air Museum, Huelva; F.C. Barcelona Museum; Valdepeñas National Museum, Ciudad Real; Santo Domingo Museum, S.d. Compostela; County Council of Pontevedra. www.xuxovazquez.com

Geöffnete Scheibe I–III, 2013–2014, Stahl, bemalt, 245 x 360 x 200 cm / 330 x 300 x 200 cm / 270 x 230 x 230 cm (Entstanden auf dem NordArt-Symposium 2013/2014) Opened Disk I–III, 2013–2014, steel, painted, 245 x 360 x 200 cm / 330 x 300 x 200 cm / 270 x 230 x 230 cm (Created at the NordArt Symposium 2013 and 2014) 259

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Søren West Dänemark/Denmark

Søren West arbeitet überwiegend in Granit und Marmor, oft zusammen mit Bronze, Stahl und Holz. Meist nicht-figurativ, erforschen seine Werke ästhetische und dynamische Aussagen in Bezug auf Balance, Distanz und Gegensätzlichkeit zwischen den verwendeten Materialien und Oberflächen. *1963 in Kopenhagen, Dänemark. 1983–1988 Studium an der Kunstakademie in Odense, Dänemark, und im Atelier von Corsanini in Carrara, Italien. Mitglied des Künstlerbunds Dänemarks (BKF), des Dänischen Bildhauerverbands und der Bildhauerwerkstatt "Gästeatelier Hollufgaard" in Odense. Lehraufträge an Schulen und Hochschulen in Dänemark. 1992–1996 und 2000–2001 Leiter des Skulptureninstituts der Kunstschule Svendborg in Dänemark. Seit 1986 zahlreiche Ausstellungen und Projekte im In- und Ausland. Arbeitsaufenthalte in Carrara.

Wiegenfreunde, 2000, Bornholm Granit, Höhe: 350 cm (Stadt Büdelsdorf) Bosom Buddy, 2000, Bornholm granite, height: 350 cm (Town Büdelsdorf) 260

Mostly he works in granite and marble. Bronze, steel or wood is frequently used in the compositions. Most of the works are non-figurative, exploring the possibilities of achieving aesthetic and dynamic expressions by composing with balance, distances and basic means of contrast within and between the materials and surfaces used. *1963 in Copenhagen, Denmark. 1983–1988 studied at the Academy of Fine Arts Odense in Denmark and at the Studio Corsanini in Carrara, Italy. Member of the Artists' Association Denmark (BKF), the Danish Sculptors Society and the workshop "Gæsteatelier Hollufgaard" in Odense. He has held lectures and courses at many Danish schools and a variety of highschools. He was the leader of the sculpture institute at Svendborg Art School, in 1992–1996 and 2000–2001. Since 1986, he had numerous exhibitions and sculpture projects at home and abroad. www.soerenwest.dk

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ZENG Chenggang China

In seinem Werk sucht Zeng Chenggang stets nach einer zeitgemäßen skulpturalen Darstellungsform traditioneller chinesischer Werte. Wenn er den Lotus zum Thema wählt, ist ihm dessen Symbolik für Ursprung, Reinheit, Fruchtbarkeit, Schöpferkraft, Harmonie und Erleuchtung präsent. Indem er den von der Blüte übrigbleibenden Stempel mit seinen Früchten in Edelstahl darstellt, findet er ein modernes Material, welches das ihm Wichtige bis in die Unendlichkeit weiterträgt. (Almut Rix) *1960 in Zhejiang. 1996–2000 Vorsitzender der Abteilung Bildhauerei der Chinesischen Akademie der Bildenden Künste, Hangzhou. Seit 2008 Vorsitzender der Abteilung Bildhauerei der Akademie für Kunst und Design der Tsinghua Universität. Vizepräsident des Chinesischen Künstlervereins, Präsident des China Sculpture Institute. Preise: 1998 "Exzellenter Künstler Preis" der Chinesischen Literaturföderation; 2000 "Top Ten Herausragende Jugend" der Provinz Zhejiang; 2007 "Sonderzuschuss-Preis des Staatsrates Chinas"; NordArt-Preis 2010.

In his work, Zeng Chenggang is always on the lookout for contemporary sculptural solutions to present traditional Chinese values. In choosing the lotus as his subject he uses the plant as a symbol for origin, purity, fertility, creativity, harmony and enlightenment. By casting its pistils and its fruit in polished stainless steel, he is using a modern material to transport what to him seems of paramount importance into eternity. (Almut Rix) *1960 in Zhejiang. 1996–2000 Dean of Sculpture, China Academy of Fine Arts, Hangzhou. Since 2008 Head of Sculpture at Tsinghua University Academy of Arts and Design. Vice chairman of China Artists Association, President of China Sculpture Institute. Awards: 1989 "Excellent Artist Prize", Chinese Literary Federation; 2000 "Top Ten Outstanding Youth", Province of Zhejiang; 2007 "State Council Special Subsidy"; NordArt Prize 2010.

Lotus Gespräche, 2010, Edelstahl, 310 x 120 x 450 cm (Dauerleihgabe an die NordArt) Lotus Talks, 2010, stainless steel, 310 x 120 x 450 cm (Permanent loan to NordArt) 261

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Zhang Zhaohui China

*1963 in Peking, China. Als Kind pflegte er die traditionelle Chinesische Kunst und erwarb im "Childrens Palace" in Peking grundlegende künstlerische Fertigkeiten.

Nach Abschluss des Studiums "Museumskunde" an der Nakai Universität 1988 war er als Assistenzkurator im Nationalmuseum für Kunst tätig. Nach dem ersten Masteraabschluss an der Chinesischen Kunstakademie 1992 kam er nach New York, um am Bard College das Fach "Kuratieren" zu studieren. Er kuratierte die Ausstellung "Wo Himmel und Erde sich treffen" – Xu Bing und Cai GuoQiang, als Abschlussprojekt des Studiums. In den letzten zehn Jahren kuratierte er viele zeitgenössische Kunstausstellungen in Peking, Hongkong, Guangzhou, Macao, Melbourne, Sydney, Tokio, New York und Chicago. 2008 gründete er die Künstlergruppe "Du & Ich" in Pekings 798 Kunstviertel und begann, an zahlreichen Kunstprojekten wie "Du & Ich" und "Mirrorman Series" zu arbeiten.

*1963 in Beijing. He practiced traditional Chinese art when he was a child, and received basic fine art skills training in Beijing's Childrens Palace. Since graduation from the Museum Studies programme in Nakai University in 1988, he has been working in the National Museum of Fine Art as an assistant curator. Having acquired his first MA degree from the China Art Academy in 1992, he came to New York to study curatorship at Bard College. He curated "Where Heaven and Earth Meet" – Xu Bing and Cai GuoQiang as graduate project. In the last decade he has curated many contemporary art exhibitions in Beijing, Hong Kong, Guangzhou, Macau, Melbourne, Sydney, Tokyo, New York, Chicago. In 2008, he founded the "You & Me" artist group in Beijing's 798 art compound and started many art projects including "You & Me" and "Mirrorman Series".

You & Me, 2009, interaktive Installation: Edelstahl, 172 x 59 x 25 cm / 184 x 58 x 25 cm (Dauerleihgabe an die NordArt) You & Me, 2009, interactive installation: stainless steel, 172 x 59 x 25 cm / 184 x 58 x 25 cm (Permanent loan to the NordArt) 262

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Percy Zorilla Peru

"Ich sehe die Skulptur im öffentlichen Raum als einen sozialen Bereich, der die Identität einer Gemeinschaft, die Umgebung in ihrer Morphologie, Geschichte, Geographie reflektiert und gestaltet, und der sie gleichzeitig bereichert."

"I see sculpture in public space as a social domain that reflects and shapes the identity of a community, the surrounding environment in its morphology, history, geography, while enriching it."

*1971 in Lima, Peru. 1986–1987 Arbeitsstipendium, Tilsa en el Museo de Arte de Lima. 1988–1994 Studium der Bildhauerei und Malerei an der Universidad Católica del Perù PUCP, Lima. Sein Werk ist gekennzeichnet durch die Verwendung geometrischer Formen, die sich rhythmisch im Raum entfalten. Ausstellungen und Symposien im In- und Ausland, Kunst im öffentlichen Raum. Diverse Kunstpreise u.a.: 1996 erster Preis, III. Salón Nacional de Escultura del ICPNA; 1997 2.

Preis, III. Bienal de Bellas Artes de Lima, Museo de la Nación. 2013 zusammen mit Mónica González gewann er den ersten Preis von Peter & Adriana Hobart, San Miguel, Lima und 2014 den dritten Preis beim Internationalen Symposium der Marmorschule Andalusien und der Universität von Almeria in Spanien.

*1971 in Lima, Peru. 1986–1987 working scholarship, Tilsa en el Museo de Arte de Lima. 1988–1994 Studied Sculpture and Painting at the Universidad Católica del Perù PUCP, Lima. His work is characterised by the use of geometric forms that unfold rhythmically in space. Exhibitions and symposia at home and abroad. Art in public spaces. Various art prizes including: 1996 First Prize, III. Salón Nacional de Escultura del ICPNA; 1997 2nd Prize, III. Bienal de Bellas Artes de Lima, Museo de la Nación. In 2013, together with Mónica González, he won the first Prize of Peter & Adriana Hobart, San Miguel, Lima. In 2014, 3rd Prize at the International Symposium of the Marble School of Andalusia and the University of Almeria in Spain.

Ohne Titel, 2003, Stahl, lackiert, Höhe: 400 cm (Entstanden auf dem NordArt-Symposium 2003) Untitled, 2003, steel, painted, height: 400 cm (Created at the NordArt Symposium 2003) 263

NordArt 2019: DAVID ČERNÝ "Babies"

NORDART – Making Of

Team der NordArt

Dieter Storch

Janusz Pretki

Juan Zaft

Hanna Kremp

Inga Aru

Teamwork

266

Levke Gramm

Alois Kuntschke

NORDART – Making Of

Team of NordArt

Wolfgang Gramm Stephanie Sievers

Bernd Schumacher

Heinz Jargstorf

Lisa-Marie Busch

Michael Klimach

Alfred Roggenbach

Boris Müller

Udo Medewitz

Ronald Horn

267

NORDART – Digital Tours • Digitale Führungen

268

Hanna Kremp

Almut Rix

Manon Küpker

Anette Schwohl

NORDART – Digitale Führungen • Digital Tours

Die NordArt hat viele Geschichten zu erzählen, auch wenn ihre Türen geschlossen sind!

NordArt has many stories to tell, even when its doors are closed!

2020 wurde die NordArt aus bekannten Gründen zum ersten Mal verschoben. Das war ein Stich in das Herz der NordArt-Familie und ein Schock für das ganze Team sowie die Künstlerinnen und Künstler, die sich natürlich schon auf die neue Ausstellung gefreut hatten. Eine längere Zeit ohne NordArt ist kaum auszuhalten, dachte sich auch der NordArt-Filmemacher Conrad Pfüller, der eigentlich den Aufbau der Ausstellung 2020 hatte dokumentieren wollen.

In 2020, the NordArt exhibition was postponed for the first time in its history due to the outbreak of the pandemic. It was a stab in the heart of the NordArt 'family' and a shock for the whole team and the artists who, of course, had been looking forward to the new exhibition. NordArt filmmaker Conrad Pfüller, whose plan was to document the setting up of the 2020 exhibition, anticipated a grim period ahead without NordArt.

So kam er auf die Idee, eine neue Serie zu erschaffen, für die er zum größten Teil auf sein bestehendes Filmarchiv zurückgreifen konnte. Conrad hatte ja bereits den kompletten Aufbau der NordArt 2018 und 2019 filmisch begleitet und einiges an Material gesammelt. Neben Archivmaterial musste aber auch etwas Neues her. So sollten die NordArt-Guides eine wichtige Rolle in der Serie einnehmen. Schließlich wurden die Moderatorinnen Hanna Kremp, Almut Rix, Manon Küpker und Anette Schwohl ausgewählt, um in 12 digitalen Führungen Kunstschaffende und ihre Arbeiten aus vergangenen NordArt-Ausstellungen zu präsentieren.

Very resourcefully, he came up with the idea of creating a series of short films for which he could mostly draw from his existing archive. Conrad had already acquired plenty of material filming the entire build-up of NordArt 2018 and 2019. However, he felt that something new was needed to spice up the stock footage and realised that the NordArt tour guides should play the leading role in the series. Hanna Kremp, Almut Rix, Manon Küpker and Anette Schwohl became selected to present the past NordArt artists and their work in 12 digital tours.

Um die NordArt-Guides lebensgroß neben den Kunstwerken aus dem Archivmaterial auftreten zu lassen, wurden die Führungen in einem Greenroom aufgenommen. Passend zum experimentellen Charakter des Filmprojekts wurde dieser im NordArt-Laboratorium aufgebaut. In nur vier Drehtagen hatte Conrad alle 12 Führungen abgedreht. Für die Guides war es eine ungewohnte Situation: Sie standen nicht wie sonst vor einem echten Kunstwerk und schauten in die interessierten Gesichter des NordArt-Publikums, sondern wurden von mehreren Scheinwerfern angestrahlt und mussten konzentriert in eine Kameralinse sprechen – und dazu noch fehlerfrei! Nach dem intensiven Dreh konnten die Guides digital zu jenen Kunstwerken gesetzt werden, die sie in der jeweiligen Folge vorstellen.

To enable the NordArt guides to appear life-sized next to the works of art from archival footage, the virtual tours were recorded in a green room. In keeping with the experimental character of the project, it was set up in the NordArt Laboratory. It was unfamiliar territory for the guides – instead of standing in front of the actual artworks and looking into the eager faces of the NordArt visitors, they were dazzled by several spotlights and had to deliver a spirited speech to a camera lens – without making any errors! Conrad finished recording all 12 tours in just four days. Following the intensive shoot, the guides were digitally superimposed next to the artworks presented in the respective episode.

Neben den Guides in der Hauptrolle kommen in der Serie auch die Künstlerinnen und Künstler zu Wort. Dafür haben viele von ihnen Videobotschaften zur NordArt geschickt. Bei den Künstlern Jörg Plickat und Jo Kley ließ Conrad es sich nicht nehmen, diese Botschaften auch selbst zu drehen.

In addition to the guides in the starring roles, the artists presented themselves in homemade video messages. With the artists Jörg Plickat and Jo Kley, it was Conrad who recorded the clips.

Entstanden ist eine abwechslungsreiche, unterhaltsame und kunstvolle Serie, die die Zeit ohne NordArt wunderbar überbrückt hat. Ihre Geschichten werden nicht nur auf dem YouTube-Kanal der NordArt erzählt, sondern sind auch vor Ort auf einem riesigen Bildschirm im NordArt-Laboratorium zu sehen – dort, wo die Serie mitentstanden ist.

The result is a diverse, entertaining and artistic series that helps to bridge the year without NordArt in the most remarkable way. The stories are broadcast on the NordArt YouTube channel and could also be watched on a giant screen in the NordArt Laboratory, the birthplace of these video tours.

Conrad Pfüller, 1988 in Cottbus geboren, lebt und arbeitet als freiberuflicher Filmemacher in Kiel. 2017 machte er seinen MA-Abschluss in Medienkonzeption an der Fachhochschule Kiel. Direkt nach dem Studium führte ihn das Schicksal für eine Auftragsarbeit zur Carlshütte. Seitdem ist er der Filmemacher der NordArt und hat zusammen mit den 12 "Digitalen Führungen" schon 30 Filmprojekte für die NordArt umgesetzt. Darunter die größeren Werke "NordArt 2018 – DER FILM" und "NordArt 2020 – Ein filmischer Rückblick".

Auch 2021 dürfen sich interessierte NordArt-Gäste auf neue Filme von Conrad freuen.

Conrad Pfüller, born in Cottbus in 1988, lives and works as a freelance filmmaker in Kiel. In 2017, he completed his MA in media conception at the Kiel University of Applied Sciences. Immediately after graduation, fate led him to the Carlshütte for contract work. He has been the filmmaker of NordArt since and, together with the 12 "Digital Tours", has already executed 30 film projects for NordArt, including two longer works "NordArt 2018 – THE MOVIE" and "NordArt 2020– A Cinematic Review".

NordArt guests who are interested can also look forward to the new films by Conrad in 2021.

Die Realisierung des Projektes "NordArt – Digital Tours" wurde im Rahmen des NEUSTART KULTUR vom Bundesverband Soziokultur e.V. gefördert.

The realization of the project "NordArt – Digital Tours" was funded by the Bundesverband Soziokultur e.V. as part of NEUSTART KULTUR.

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NordArt 2019: MICHAL GABRIEL (sculptures)

NORDART 2009–2019 • 360° Zeitreise • Journy through Time

Schleswig-Holstein Music Festival "The Big Bach" • NordArt 2019

Schleswig-Holstein Music Festival "The Big Bach" • NordArt 2019

Öffentliche Proben

des Schleswig-Holstein Festival Orchestra

Ton Koopman

Manfred Honeck

12.7. – 15.7.

19.7.– 22.7.

mit Sergei Nakariakov, Trompete Mozart, Hummel und Schubert

mit María Dueñas, Violine Tschaikowsky und Beethoven Generalprobe: 22.7.

Generalprobe: 15.7.

Christoph Eschenbach

Andris Poga 4.8.– 8.8.

17.8.– 19.8.

Schubert/Berio und Tschaikowsky

mit Isata Kanneh-Mason, Klavier C. Schumann und Brahms

Generalprobe: 8.8.

Generalprobe: 19.8.

SHMF

3.7. – 29.8.

2021

SchleswigMusik FestiHolstein val

Öffentliche Proben des Festivalorchesters in der ACO Thormannhalle auf dem Gelände der NordArt. Infos zu Karten für die Generalproben ab Juni unter Tel 0431-23 70 70 und auf www.shmf.de/fo.

Karten für die anderen Proben nur an der Tageskasse.

Mobilitätspartner

Medienpartner

The Big Vienna Wien neu entdeckt mit Daniel Hope, Lin Liao, Erika Pluhar, Julian Prégardien, dem Schleswig-Holstein Festival Orchestra und dem Zürcher Kammerorchester

Sa 17.7. und So 18.7. jeweils 1400/ 1700/ 2000 je Konzert € 30,- • Tageskarte inkl. NordArt € 80,- • Infos & Karten: Telefon 0431-23 70 70 und www.shmf.de

Nordkolleg Rendsburg Das Kunstwerk Carlshütte hat mit dem Nordkolleg Rendsburg einen guten Wegbegleiter – von Anfang an. Günter Grass, Siegfried Lenz und viele andere folgten unseren gemeinsamen Einladungen. Seit mehr als zehn Jahren sind die Poetry Slams mit Björn Högstal eine Tradition vor dem Kupolofen der Carlshütte.

Das Nordkolleg Rendsburg ist eine Akademie für kulturelle Bildung, ein Tagungshaus mit Hotelbetrieb und Sitz zahlreicher kultureller Verbände, Vereine und Institutionen. Die Akademie-Fachbereiche bieten Seminare und Tagungen in den Sparten KulturWirtschaft, Literatur & Medien, Musik sowie Sprachen & Kommunikation. Das Tagungshaus steht für Gastveranstaltungen jeglicher Art zur Verfügung.

Das Nordkolleg ist weit über die Landesgrenzen hinaus als Ort der spartenübergreifenden Vernetzungskompetenz, für seinen wunderschönen Garten und die ausgezeichnete und viel gelobte Küche bekannt. Es greift kulturelle Impulse auf und beteiligt sich am aktuellen Diskurs zur kulturellen Bildung in SchleswigHolstein.

Mit Konzerten, Lesungen, Poetry Slams, Gartenfesten, einer Nacht der offenen Türen oder dem traditionellen "Adventssingen" für Kinder u.v.m. bietet das Nordkolleg zudem ein abwechslungsreiches Veranstaltungsprogramm für Groß und Klein.

Nordkolleg Rendsburg From the beginning, the Kunstwerk Carlshütte has had a good companion with Nordkolleg Rendsburg: Günter Grass, Siegfried Lenz and many others followed our joint invitations. For more than ten years, the Poetry Slams with Björn Högstal have been a tradition in front of the Carlshütte's cupola furnace.

Nordkolleg Rendsburg is an academy for cultural education, a conference centre with hotel service and the location of countless cultural societies, organisations and institutions. The academy specialism departments offer seminars and conferences across the themes business of culture, literature and media, language and communication, and music. The conference house is available for events of all type.

The academy offers a perfect setting for a combination of learning and relaxation. It is well known far beyond national borders for its networking competence, development and attainment of its targets, along with its pretty gardens and the excellent and often-praised kitchen. It captures cultural inspiration and involves itself with current discourses on cultural education in Schleswig-Holstein.

With concerts, readings, poetry slams, garden parties, a night of open doors or the traditional "Adventssingen" for children, the Nordkolleg also offers a diverse program of events for young and old. www.nordkolleg.de

Björn Högsdal

Bühne vor dem Kupolofen in der Carlshütte • Stage in front of the cupola in the Carlshütte: Jesse-Grell-Trio & Friends

NordArt 2019: DAVID ČERNÝ "Thinker"

ACO Design-Rost Voronoi Der Voronoi Gussrost für ACO Entwässerungssysteme ist inspiriert von der Schönheit der Natur.

Durch die scheinbar zufällige Anordnung geometrischer Formen entsteht ein einzigartiges Design.

Design: Franck Magné

Die Kunst der Entwässerung

The Art of drainage

Kreative Leistung gedeiht besser in einer kreativen Umgebung. Deshalb gehört Kunst bei ACO fest zur Unternehmenskultur.

Als Weltmarktführer in der Entwässerungstechnik inszenieren unsere Lösungen mit ästhetischem und anspruchsvollem Design international„Kunst in der Entwässerung“.

Creative work thrives better in a creative environment. Art is therefore an integral part of ACO’s corporate culture.

As the world market leader in drainage technology, the aesthetic and sophisticated designs of our solutions internationally orchestrate “Art in Drainage”.

ACO ist der Hauptsponsor der NordArt.

ACO is the main sponsor of the NordArt.

www.aco.com

Unterstützer • Supporter:

cp offset

druck- & produktionsservice ... damit es richtig gut wird!

• ACO Ukraine • ACO Serbia and Montenegro • ACO Czech Republic

Gefördert durch • Funded by:

Kunstwerk Carlshütte bedankt sich für die Kooperation und Unterstützung im Jahr 2021 Kunstwerk Carlshütte likes to express its thanks for cooperation and support in 2021

Kooperationspartner • Cooperation partner:

Ministerio de Relaciones Exteriores

Gobierno de Chile

Ein besonderer Dank gilt • Special thanks to: Allen teilnehmenden Künstler:innen und Kurator:innen • All participating artists and curators

Medienpartner • Media partner:

KUNSTWERK CARLSHÜTTE

Das Kunstwerk Carlshütte ist eine Non-Profit-Kulturinitiative der international tätigen ACO Gruppe sowie der Städte Büdelsdorf und Rendsburg und ein besonderer Ort für Ausstellungen, Konzerte, Lesungen und Filmvorführungen. Mittelpunkt ist die seit 1999 jährlich in den Sommermonaten stattfindende NordArt. Eine spannende Wechselbeziehung zwischen Kunst und Musik ist mit dem Einzug des internationalen Festival Orchestras des Schleswig-Holstein Musik Festivals entstanden. Gastgeber im Kunstwerk Carlshütte ist das Unternehmer-Ehepaar Hans-Julius und Johanna Ahlmann.

Kunstwerk Carlshütte is a non-profit cultural initiative of the internationally active ACO Group and the towns of Büdelsdorf and Rendsburg. It is a special place for exhibitions, concerts, readings and film screenings. Its centrepiece is NordArt, which has been held annually in the summer months since 1999. With the arrival of the international Festival Orchestra of the Schleswig Holstein Music Festival, an exciting interrelation of art and music came into being. Hosts of the Kunstwerk Carlshütte is entrepreneurial couple Hans-Julius and Johanna Ahlmann.

Die NordArt gehört zu den größten Ausstellungen zeitgenössischer Kunst in Europa und hat sich der Aufgabe verschrieben, das gegenseitige Verstehen durch die Sprache der Kunst zu fördern. Jahr für Jahr definiert sich die von Chefkurator Wolfgang Gramm konzipierte Ausstellung neu und setzt andere Schwerpunkte. Die NordArt stellt jedes Jahr ein Land mit eigenem Pavillon in den Fokus, realisiert Sonderprojekte und kooperiert mit Botschaften, Kulturinstitutionen und Kuratoren der jeweiligen Länder. Im Zusammenspiel mit der imposanten Kulisse der historischen Eisengießerei entwickeln die Exponate von mehr als 200 Künstler:innen aus aller Welt eine ganz eigene Atmosphäre und führen die Besucher auf eine unvergleichliche Weltreise durch die Kunst.

NordArt ranks among the largest exhibitions of contemporary art in Europe and has dedicated itself to the task of enhancing mutual understanding through the language of art. Year after year, the exhibition designed by Chief Curator Wolfgang Gramm, redefines itself anew, setting new priorities. Each year NordArt focuses on a country with its own pavilion, realizes special projects and cooperates with embassies, cultural institutions and curators of the respective countries. In synergy with the imposing backdrop of the historic iron foundry, the exhibits of more than 200 artists from around the world develop their own unique atmosphere, taking visitors on an unforgettable world trip through art.

CARLSHÜTTE – 1827 errichtete Eisengießerei, 1997 stillgelegt. Die 22.000 m2 großen Hallen mit dem alten Schmelzofen setzen junge Kunst vor geschichtsträchtiger Kulisse in Szene. Zentrum der NordArt. CARLSHÜTTE – Former iron foundry built in 1827, shut down in 1997. In the spacious 236,000 ft2 of factory buildings with an old furnace, contemporary artworks are put in the limelight against a unique historical backdrop.

Center of NordArt. ACO WAGENREMISE – 1913 erbaut und in den 1990er Jahren restauriert. Hier liegt der Ursprung der NordArt. Ob Konzerte, Lesungen oder andere Kulturveranstaltungen – in der Wagenremise finden bis zu 200 Besucher:innen Platz.

ACO WAGENREMISE Building – Built in 1913, restored in the 1990s. Here was the beginning of NordArt. Whether concerts, readings or other cultural events – the "Wagenremise" hosts up to 200 spectators.

ACO THORMANNHALLE – 1890 von Holzgroßhändler Theodor Thormann errichtet und 2011 als adäquate Bühne des Festival Orchestras des Schleswig-Holstein Musik Festivals zu einem Proben- und Konzertraum umgestaltet, der Platz für 1200 Zuhörer:innen bietet.

ACO THORMANNHALLE – Erected in 1890 by timber wholesaler Theodor Thormann, recast in 2011 as a rehearsal and concert space. The new home of the Festival Orchestra of the Schleswig Holstein Music Festival provides space for 1200 listeners.

SKULPTURENPARK – Bei einem Spaziergang durch den 80.000 m2 großen Park mit altem Baumbestand lassen sich etwa 100 Skulpturen entdecken, die teils jährlich wechseln.

SCULPTURE PARK – On a walk through the 860,000 ft2 park with its mature tree stock, strollers can discover about 100 sculptures, some changing annually.

AUSSTELLUNGSCAFÉ "Alte Meierei" – Auch Gastronomie ist eine Kunst: Das Team der "Alten Meierei" verwöhnt Besucher mit leichten Mittagsgerichten oder Kaffee und Kuchen.

EXHIBITION CAFÉ "Alte Meierei" – Also gastronomy is a form of art: the team of the "Alte Meierei" spoils visitors with light lunches and delicious cakes. ÖFFENTLICHER RAUM – Der Radius der NordArt reicht weit über das Gelände des Kunstwerk Carlshütte hinaus: Dauerhafte und wechselnde Skulpturen beziehen die umliegenden Stadtgebiete in die Ausstellung mit ein.

PUBLIC SPACE – The radius of the NordArt extends far beyond the Kunstwerk Carlshütte: permanent and temporary sculptures in public spaces integrate the surrounding urban area into the exhibition.

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IHR WEG ZUR NORDART • HOW TO FIND NORDART

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EINGANG • ENTRANCE

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1 Carlshütte 2 ACO Wagenremise 3 Skulpturenpark 4 ACO Thormannhalle 5 Alte Meierei, Café 6 Pop-Up Café 7 Restaurant CARLS HÜTTE 8 ACO Academy 9 Eisenkunstguss Museum

4 Am Ahlmannkai

Rendsburg

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Nächster Bahnhof in Rendsburg • Bushaltestelle "Carlshütte" in Büdelsdorf • Flughafen Hamburg: 100 km Nearest train station in Rendsburg • Bus stop "Carlshütte" in Büdelsdorf • Airport Hamburg: 100 km Öffnungszeiten NordArt 2021 • Opening times: 05.06. – 10.10.2021 • Di – So 11 – 19 Uhr • Tue – Sun 11 am – 7 pm Adresse • Address: Vorwerksallee, 24782 Büdelsdorf, Germany Information: +49-(0)4331 354 695 • info@kunstwerk-carlshuette.de Ausstellungscafé • Exhibition Café "Alte Meierei": Di – So 12 – 19 Uhr • Tue – Sun 12 am – 7 pm Restaurant "CARLS HÜTTE" im RONDO: www.carls-huette.de www.nordart.de • www.kunstwerk-carlshuette.de www.youtube.com/c/NordArt_channel www.facebook.com/NordArt www.instagram.com/Nord_Art 285

IMPRESSUM • IMPRINT

Herausgeber • Publisher Kunst in der Carlshütte gGmbH Eine gemeinnützige Kulturinitiative der ACO Gruppe und der Städte Büdelsdorf und Rendsburg Kunst in der Carlshütte gGmbH A non-profit cultural initiative of the ACO Group and the cities of Büdelsdorf and Rendsburg Aufsichtsratvorsitzender • Supervisory Board Chairman Hans-Julius Ahlmann Geschäftsführung • Managing Director Wolfgang Gramm Kai-Uwe Back Kontakt • Contact info@kunstwerk-carlshuette.de www.kunstwerk-carlshuette.de www.nordart.de

Redaktion • Editorial staff Inga Aru, Peter Hinrichs, Hanna Kremp, Madeleine Lobach, Riina Withers Konzept, Gestaltung, Satz • Concept, design, typesetting Plakate zur NordArt 2021 • Posters to NordArt 2021 Inga Aru Fotonachweis • Photo credits Johanna Ahlmann: 18 • Inga Aru: 16/17, 54/55, 68/69, 76b, 77b • Valeria Buchuk: 128a • Grieta Butjankova: 95 • Ana Carinha: 209a • Miroslav Chaloupka: 193b • Claudia Dannenberg: 210a • Rosa del Rey: 212 • Dirk Eisermann: 74/75, 82/83, 88/89, 154/155, 178/179, 216b, 220/221, 270/271 • Juan Pablo Gutierrez: 206a • Youval Hai: 164b • Ulrich Heemann: 161a • Marcelo Hernandez: 192b • Jagoda Jakubowska: 109a • Jan Koblasa: 110a • Henriette Dan Lambaa Bonde: 171a • LeafCreation: 205b • Raphael Lichius – Fotoweitblick: 152b • Dovile Lingyte: 130a • Frederico Martins: 209b • Roman März: 105a • Maxu: 163a • Taco Meeuwsen: 218a • Pierre-Guillaume Meon: 98a • Fabeha Monir: 166a • Miguel Monita: 211a • Tomas Moss: 107b • Lukáš Navara: 186a • Nicky Newstead: 150a • Sabine Niemann: 126a • Olivia: 103a • Bernd Perlbach: 110b • Frank Peter: 15 • Conrad Pfüller: 268 • Ondrej Polak: 186b • Benedikt Riesch: 252b • Nicolas Rupcich: 147b • Paweł Sadaj: 73b, 84b • Jens Sauerbrey: 210b • Filip Ševčík: 160a • Katarzyna Staniorowska: 144a • Karel Steiner: 111a • Stanislav Stepashko: 104b • Holger Stöhrmann: 13 • Jiří Tiller: 238b, 254b, 255b, 257b, 262b • Jürgen Wittke: 102 • Jörg Wohlfromm: 4/5, 6/7, 10/11, 12, 14, 19, 20, 21, 22/23, 56/57, 70/71, 72b, 73a, 76a, 85b, 86/87, 180/181, 224b, 233a, 234b, 236b, 237b, 260b, 263b, 262/263, 264/265, 272/273, 274/275, 278, 279, 280, 284a-f, 287 • Künstler:innen • Artists

Druck • Printed by CP Offset Auflage: 3.500 • Edition: 3.500 Printed in Germany 2021 ISBN 978-3-9818781-3-4 286

NordArt 2019: LIU RUOWANG "The East is Red"