EDUARDO URBIOLA ITUARTE ESCULTOR
I.
DATOS PERSONALES.
NOMBRE COMPLETO: EDUARDO URBIOLA ITUARTE FECHA DE NACIMIENTO: 01 de febrero de 1967. LUGAR DE NACIMIENTO: México D.F. NACIONALIDAD: Mexicana DIRECCIÓN: Francisco I. Madero 30. Col. Las Palmas.Bucerías. Bahía de Banderas, Nay. México. TELÉFONO: (52) 329 2981265. CORREO ELECTRÓNICO: eurbiolaituarte@gmail.com SITIO WEB: eurbiolaituarte.wix.com/eduardourbiola
II.
DECLARACIÓN.
Estoy a favor de un Arte Visual de calidad, que muestre perfección y virtuosismo ya sea en su elemento matérico o soporte, así como en su discurso o sintaxis connotativa. Creo en un Arte fundamentado en el acto humano consciente y volitivo, basado en la razón e inteligencia, en el uso de la maestría en las propias habilidades y del entendimiento de los materiales y sus múltiples posibilidades para la consecución de la obra, así como en el ejercicio de las más altas capacidades para interpelar con la propia construcción plástica a sus semejantes. Quiero dejar claro que estoy convencido que ni la Estética como tal, ni el valor artístico del objeto o pieza de arte son intrínsecos a sí mismos, mas sin embargo, necesitan de estos para subsistir. La obra no es mas que ese " algo" continente y depositario de la armonía semiótica que se ha dejado anclada en él. Lo inmaterial es lo substancial y trascendental, es en si lo que nos permite contactar de humano a humano, entendernos e ir más allá de nosotros, de nuestra sociedad y cultura, así como saltar edades y tiempos. Es así pues que declaro que la pieza es solo medio del verdadero acto estético, humano y creador.
Para mí la actitud y pauta del artista en el momento de la gestación y producción de la pieza de arte, debe de ser la misma que se tiene en el arte de la arquería, es indispensable tener plena consciencia y libertad; se tendrá que adquirir la perfección en la técnica como paso básico, mas se buscará no pretender que la atención se centre en ello no se llegaría así a nada sino a la dureza. La maestría o genialidad solo se logra cuando se rebasa este aspecto y se consigue romper la falsa creencia de dualidad y contraposición entre el creador y la obra, la sensación de dos entidades separadas; alcanzar la consciencia de unidad, no de forma intelectual ni metafórica, sino existencial o experiencial, es la meta en el logro de la producción artística.
III. CURRICULUM.
EDUCACIÓN. 1973-1978 1979-1981 1982-1984 1982-1984 1985-1986 1990-1992 1992-1994 1996-1999 2004-2006 2007 2007-2008 2009-2010
Educación básica Cd. de México. Educación Secundaria Cd. de México. Educación preparatoria Cd. de México. Taller de Talla en Madera del IMSS. Cd. de México. Diseño Industrial IBEROAMERICANA. Diseño Industrial Artistico INBA. Cd. de México. Acuarela MUSEO NACIONAL DE ACUARELA. Cd. de México Taller de Construcción de Casas de Madera COMACO, Cd. de México Taller de Gráfica MUSEO-GRABADO. MAAMF, Zacatecas Taller de Curaduría y Museografía. OTHON TELLEZ, Zacatecas Master de Gráfica CENTRO CIEC. Galicia, España Taller de Escultura en Cerámica. Camille Claudel. Zacatecas.
EXPOSICIONES. 1992
Premio Nacional de la Acuarela, Cd de México (tercer lugar).
1993
Premio Nacional de la Acuarela, Cd de México (segundo lugar).
2001
"Panoramicas de Zacatecas", Foyer teatro Calderón, Zacatecas.
2001-2003
Galería Arroyo de la Plata
2002
"Caprichos" Restaurante La Traviata, Zacatecas.
2003
Subasta de Arte Zacatecano Pro damnificados Hotel Quinta Real, Zacatecas Una Mirada a Zacatecas, Museo Zacatecano.
2005
“Un Nuevo Ángel Zacatecano", Ciudadela del Arte, Zacatecas. " Un Nuevo Ángel Zacatecano ", Casa de Cultura del Municipio de Zacatecas.
2006
“Horizontes" Outes, España.
2007-2008
"Zacatecas Arte Contemporaneo", Outes, Noia, Brión, Boiro, Muros, Lousame, Porto do son, Portosín, Embajadas de México en España, Francia, Portugal.
2008
"GII" Galería Libertad, Querétaro. "Dobladuras del Alma" Galería Contemporánea, San Juan del Río, Qro. Printing X Bienal Caixanova (selección).
2009
Exposición de Acervo de la FRUAC, San Patricio Café, Zacatecas. Mictlantecuti – Cráneos y Urnas Tratoria Il Goloso, Zacatecas. Casa Colon Galery, Merida Yucatan.
2010
Mictlantecuti – Cráneos y Urnas. Casa Colon Galery. Merida, Yucatan
2010
Tzompanli. Centro Cultural el Refugio, Tlaquepaque Jalisco.
2011
NO MAS MUERTE. XXXV Premio Nacional de Cerámica. Centro Cultural El Refugio, Tlaquepaque Jalisco.
2012-2014
Galería Corsica
2012
XXXVI Premio Nacional de Cerámica. Centro Cultural El Refugio, Tlaquepaque Jalisco.
2013
XXXVII Premio Nacional de Cerámica. Centro Cultural El Refugio, Tlaquepaque Jalisco.
Otros 1994-2001
De Madera Construcciones. Diseño y Construcción de Casas de madera.
2005-2008
Fundación Rojo Urbiola, AC. Representación Legal en España y Portugal.
2007-2008
Museografía y Comisariado de la Exposición Zacatecas Arte Contemporáneo en Embajadas mexicanas en Francia, España y Portugal / Gobierno del Estado de Zacatecas
2009-2010
Fundación Rojo Urbiola, AC. Presidencia.
2010-2011
Fundador e Integrante de RUEÆA. Proyecto de Arte Independiente. Diseñador y Creador de Horno de Cerámica desmontable tipo TI-B para 1100°C.
2011- 2013
Copropietario de CENTRO DE CERAMICA CONTEMPORANEA TUNA. En Bucerias Nayarit (Bahía de Banderas).
2013-2014
Coopropietario y fundador de ACADEMIA DE ARTES PLASTICAS TUNA. En Bucerias Nayarit (Bahía de Banderas).
2013-2014
Director de área de enseñanza de ACADEMIA DE ARTES PLASTICAS TUNA. En Bucerias Nayarit (Ribiera Nayarita).
EDUARDO URBIOLA ITUARTE ENSEÑANZA
I.
VISIÓN COMO DIRECTOR DE ENSEÑANZA DE TUNA ACADEMIA DE ARTES PLÁSTICAS.
Diseñamos la Academia de artes plásticas como un centro especializado en la producción y enseñanza clásica de la escultura, dibujo y pintura denotativa y connotativa, teniendo como vocación ser un promotor, difusor, proyectador y ofertador del conocimiento teórico y técnico que involucra el proceso cerámico en la escultura, técnicas aplicadas, dibujo y pintura en su estudio. En lo que respecta al espacio y su dinámica en la producción decidimos tener una visión ecléctica, moderna y abierta a las nuevas propuestas y tendencias emergentes siempre cuidando la alta calidad y la seriedad en la técnica y procesos, aportándole al artista o productor asesoría y asistencia técnica especializada de manera individual proporcionándole un enriquecimiento cualitativo a la pieza terminada. Mi vocación como docente esta fincada en el manejo y la aportación de un respaldo teórico y técnico sólido y consistente fundado en la academia clásica con el fin de suministrar al alumno las herramientas necesarias con las que obtenga un mejor desenvolvimiento profesional y un mayor éxito en la producción de la obra de arte.
ii. METODOLOGÍA DE ENSEÑANZA Desde el inicio en mi trabajo como profesor, he tenido muy claro que uno de los fundamentos esenciales que estructura y fortalece la educación artística son los principios rectores de disciplina, seriedad, rigor, calidad, solidez, exigencia, objetividad y veracidad del conocimiento. Es por lo anterior que mi vocación en la academia esta fincada en el manejo y la aportación de un respaldo de conocimientos teóricos, técnicos y prácticos sólidos y consistentes fundados en un formato clásico de enseñanza con el fin de suministrar al alumno las herramientas necesarias con las que obtenga un mejor desenvolvimiento profesional, un mayor éxito en la producción de la obra de arte, y un sustento cuantificable y cualitativo que le ofrezca la certeza de que su acción profesional siempre será sobresaliente a la media de la oferta artística nacional.
Curso académico de escultura. Consiste en la enseñanza personalizada lectiva con ciclos anuales. La duración de cada una de las áreas temáticas transcurre en un periodo aproximado de ciclo anual. Las clases se imparten divididas en dos tiempos aportándole al participante la información teórica en donde se incluyen aspectos técnicos, prácticos, históricos, estéticos y experimentales como primer momento de sesión, teniendo posteriormente el trabajo práctico. Este formato permite acomodar el aprendizaje de manera mas profunda y flexible, así como la posibilidad de darle continuidad al crecimiento, aprendizaje y desarrollo de habilidades. El ritmo de desarrollo lo lleva el alumno.
Temática. Primer año. I. Cráneo II. Tercio ojos-nariz III. Proyecto de composición. IV. Estudio anatómico (ecorche) de cabeza. V. Busto cerrado. VI. Estudio anatómico medio superior. VII. Figura humana medio cuerpo superior. VIII. Estudio de extremidades superiores y manos. Segundo año. Ix. Estudio de expresión facial. X. Estudio de extremidades superiores y manos. XI. Proyecto de composición. XII. Estudio de extremidades inferiores y pies. XIII. Figura humana cuerpo completo. Tercer año. XIV. Composición, expresión y tensión en la figura humana. XV. Proyecto de composición. XI. Interrelación en la figura humana. XII. Proyecto de elección.
DESCRIPCIÓN TEMÁTICA DE LAS CLÍNICAS. La descripción temática y objetivos de cada clínica es la siguiente: I. Estudio anatómico de cabeza (esqueleto de cabeza, musculatura facial y craneal, piel). Alcances.- El participante al termino de la clínica adquirirá los conocimientos teóricos que le permitirán reconocer y entender cada uno de los diferentes elementos que componen los sistemas esqueletico muscular de la cabeza en los espacios facial y craneal. Desarrollará su propio algoritmo constructivo y realizará por su propia mano un desnudo anatómico de la cabeza humana. Área teórica.- Anatomía descriptiva y fisiología. Relaciones y proporciones métricas. Reconocimiento de las especificaciones particulares propias del rostro. Conocimiento y apropiación del sistema algorítmico para la creación estética. Área practica. Realización de diagrama patrón. Realización de algoritmo de proceso constructivo. Construcción escultórica de estudio de desnudo anatómico de cabeza. Documentación fotográfica del proceso constructivo. II. Expresión facial (estudio de kinesis). Alcances.- El participante al termino de la clínica adquirirá los conocimientos teóricos y prácticos que comprenden la comunicación no verbal facial poniendo un particular énfasis en la fisiología muscular que provoca la expresión humana, así como los fundamentos de la teoría de la expresión de Paul Ekman. Sera capaz de la construcción escultórica facial que denote con claridad las expresiones de enojo, alegría, asoro, desprecio, tristeza, asco, temor.
Área teórica.- Anatomía esquelético muscular y fisiología craneal y facial. Relaciones y proporciones métricas naturales y sus deformaciones faciales de expresión. Teoría de la expresión de Paul Ekman. Área practica. Realización de estudio fotográfico de expresión facial; realización de esquemas gráficos comparativos para el ojo, nariz y boca. Realización de algoritmo de proceso constructivo. Ejercicios de construcción escultórica de las expresiones faciales básicas. Documentación fotográfica del proceso constructivo. cabeza. III. Ejercicios de composición, expresión y tensión de la figura humana (cuerpo completo). Alcances.- El participante al termino de la clínica adquirirá los conocimientos teóricos y prácticos que le permitirán analizar y entender la forma y estructura del cuerpo humano, comprendiendo la relaciones y proporciones de sus partes entre sí y con el todo; se encontrará habilitado para la construcción de modelos que expresen con naturalidad las diferentes posturas y actitudes que denota el cuerpo humano. Desarrollará su propio algoritmo constructivo y realizará diversos estudios de la figura humana. Área teórica.- Anatomía descriptiva y fisiología general. Relaciones y proporciones métricas naturales y su deformación corporal en pose. Reconocimiento de las especificaciones denotativas de la expresión de la figura humana. Conocimiento y apropiación del sistema algorítmico para la construcción escultórica. Esquema de proporciones métricas Hombre de Vitruvio. Área practica. Realización de diagrama métrico (Hombre de Vitruvio). Realización de estructura de soporte de alambre. Construcción por bloques y construcción por conocimiento anatómico simple. Realización de algoritmo de proceso constructivo. Construcción escultórica de estudio de desnudo anatómico de cabeza. Documentación fotográfica del proceso constructivo. IV. Estudio anatómico medio superior (cabeza y torso ecorche). Alcances.- Al termino de la clínica el participante conocerá de forma detallada la ubicuidad y funcionamiento de los sistemas esqueletico muscular de la mitad superior del cuerpo humano, incluyendoo la totalidad de las extremidades superiores; adquirirá las habilidades para la construcción escultórica del desnudo anatómico del medio superior del cuerpo humano. Área teórica.- Anatomía descriptiva y fisiología del cráneo, torso, dorso y extremidades superiores y sus especificaciones particulares y deformaciones de movimiento. Relaciones y proporciones métricas. Representación gráfica del Hombre de Vitruvio. Área practica. Apropiación de conocimiento de medidas y proporciones sobre esquema de Vitruvio. Documentación fotográfica del participante para la realización de su propio esquema de proporciones y medidas. Realización de algoritmo de proceso constructivo de cabeza, torso y extremidades superiores. Construcción escultórica de los sistemas óseo y muscular de la mitad superior del cuerpo humano. Documentación fotográfica del proceso constructivo. V. Retrato de busto. Alcances.- El participante conocerá acerca de y podrá realizar de forma detallada la construcción de un auto retrato de medio cuerpo. Podrá desenvolverse en el proyecto pudiendo ubicar cada una de las partes del cuerpo humano con claridad y tendrá la capacidad de trabajar en ellas otorgandoles las proporciones y las formas que lo representen de manera sobresaliente. Área teórica.- Anatomía descriptiva y fisiología del cráneo, torso, dorso y extremidades superiores y sus especificaciones particulares y deformaciones de movimiento. Relaciones y proporciones métricas. Representación gráfica del Hombre de Vitruvio. Área practica. Apropiación de conocimiento de medidas y proporciones sobre esquema de Vitruvio. Documentación fotográfica del participante para la realización de su propio esquema de proporciones y medidas. Realización de algoritmo de proceso constructivo de cabeza, torso y extremidades superiores. Construcción escultórica de auto retrato. Documentación fotográfica del proceso constructivo.
Curso académico de dibujo y pintura. Consiste en la enseñanza personalizada lectiva con ciclos anuales. La duración de cada una de las áreas temáticas transcurre en un periodo aproximado de ciclo anual. Las clases se imparten divididas en dos tiempos aportándole al participante la información teórica en donde se incluyen aspectos técnicos, prácticos, históricos, estéticos y experimentales como primer momento de sesión, teniendo posteriormente el trabajo práctico. Este formato permite acomodar el aprendizaje de manera mas profunda y flexible, así como la posibilidad de darle continuidad al crecimiento, aprendizaje y desarrollo de habilidades. Temática. Primer año. I. Fundamentos de dibujo. Dimensiones y proporciones. Estudio de la forma. Perspectiva. La expresividad de la Línea. II. Estudio de la composición del objeto. Representación por triangulación de los objetos. Análisis de representación de la luz y la sombra. Representación de la textura de los objetos. III. Representación con el color. Estudio del color. Percepción del color. IV. Técnica de pintura de acuarela. V. El bodegón. Representación por triangulación de los objetos. Relación, proporción y composición. La Composición de los objetos (Melodía, Armonía y Ritmo). Estudio de fondo y figura. VI. Psicología de la Percepción. Teoría de la Gestalt. Análisis de representación bidimensional. VII. Figura humana. Estudio anatómico I. Estudio anatómico II. Estudio anatómico III. Estudio de la forma I. Estudio de la forma II. Estudio del volumen. Segundo año. VI. Figura humana. Estudio anatómico III. Estudio de la forma. Estudio del volumen. Composición, expresión y tensión. Proyecto personal.
Segundo año. VI. Figura humana. Estudio anatómico III. Estudio de la forma. Estudio del volumen. Composición, expresión y tensión. Proyecto personal. VII. Técnica de pintura de acrílico, tempera, óleo. viii. El retrato. Principios básicos. Medidas y proporciones. Estudio de la forma y volumen. Perspectiva. Expresión. Representación con color. Tercer año. iX. El retrato. Proyecto personal. X. El Paisaje. Fundamentos. Medidas y proporciones. Estudio de la forma. Análisis de representación de la luz y la sombra. Perspectiva. Estudio de la composición e interrelación de objetos. Representación con pintura. Proyecto personal.
EDUARDO URBIOLA ITUARTE OBRA
MUSAS Y NEREIDAS
Escultura en cerámica y resina poliester 23 X 35 X 35 cms (alto, ancho, profundo)
Escultura en cerámica y resina poliester 25 X 23 X 25 cms (alto, ancho, profundo)
SOPHÍA
MARA
Son los sueños que soñé y tal vez los escasos recuerdos de tu silueta que aún no conozco los que me han devenido en la cabeza y que me han arrebatado el esfuerzo de las manos de mi memoria, para que modele tu cuerpo que para mi sigue siendo hasta hoy territorio ignoto.
Que si el mar fuera de piedra habría millones de rocas y de arena color azul que como tu nos bañarían con su humedad y su tersa dureza no se oiría mas la espuma y el choque del agua que producen las olas ahora sería un constante y profundo crepitar producto del choque de tantas y tantas cabezas redondas, se romperían y molerían poco a poco unas con otras y en su profundidad se volverían a compactar entonces observaríamos un infinito numero de gemas apretaditas brillando una a una, mostrándonos su inmenso y profundo universo interior.
Y surges de la nada como si la nada te rechazase, te sacase de ahí y llegas a este mudo de lo que hay y de lo que se puede perfecta, tersa y tan arrebatadoramente anaranjada que me dejas sin aliento de color. Son todos mis no fui y tal vez también esos tantos haber sido los que te han construido como eres ….o tal vez por pensarlo de otra manera solo …. ….tal vez fuiste tú, quien me constituyo primero.
Tal vez lo que pasa es que el océano es de piedra y aun no nos hemos percatado de ello.
VENUS
SADURNÍ
Arde quererte tanto. Pero hacer que mas puedo, que tirarme de espaldas a ojos cerrados a seguirte amando, a seguir en este delirio flotando en este ahogo que te llamas tú.
MÍA Me miras quieta como quien espera Como quien supiera que su muda presencia ha sido siempre y es lo que de su gracia acentúa. Solo estas inmóvil , mas se que me observas mas tu que lo que te miro a ti, es tu seguirme continuo sin moverte lo que me atrapa y siento el palpitar de tu piel debajo de mis poros.
Escultura en cerámica y resina poliester 38 X 49 X 35 cms. (alto, ancho y profundo)
Escultura en Cerámica y resina poliester 44 X 98 X 62 cms. (alto, ancho, profundo)
Escultura en cerámica y resina poliester 19 X 30 X 25 cms. (alto, ancho, profundo)
Escultura en ceramica y resina poliester 46 X 55 X 40 cms. (alto, ancho, profundo)
LAKME
FEBE
Mueres por mi pero no mueres tanto como por ti muero yo y es que mi muerte es un desconsuelo sin fin es caminar sin ojos es deambular sin corazón es vivir con el alma desgarrada sin consuelo y con la daga clavada de la fría y artera certeza de saberte ausente es un ya no vivir viviendo es morir mil veces todos los días y continuar muriendo.
De noche sales mansa y silenciosamente como no queriendo inquietar a nadie como deseando perturbarlo todo y es que tu presencia todo lo toca, todo lo abarca como el vigía de un alto atalaya mis ojos te lloran, te sufren nada mas de verte mis ojos no te miran de tanto llorar y en ese verte y no verte y en ese penar que me paso las horas envuelto en este bruno manto deseando que pasase la noche queriendo que no terminase nunca mas.
ODA A JOAN MIRÓ
LO QUE MIRO MIRÓ
Habrá que pretender hacer casas con cobijas, jugar a bajar hasta los infiernos por un poco de carbón, fingir que comemos un manjar en platos vacíos reír y dar vueltas sin parar. Habrá que entrar al fondo del mar en una caja de cartón cargar entre lomos todos nuestro sueños, y no pensar mas que en coleccionar los besos que nos da mamá. Habrá entonces, que pasar mas tiempo en el cuarto de juego con Joan Miro.
PASEO NOCTURNO
Corre y ve y dile al Mundo que vamos de paseo que se traiga sus crayolas para que dibuje escaleras en el azul negruzco del cielo de la noche dile que no se olvide de la pintura y de los pinceles que habrá de dejar colgados personajes y monstruos de esos que tanto pinto cuando mas chico me los mostraba sobre papeles; corre mi gorda, ve a buscarlo, y si lo encuentras ya no lo dejes ir dile que tenemos tiempo de extrañarlo y que sin él, el juego ya no es lo mismo desde que nos dejo.
EDUARDO URBIOLA ITUARTE TEXTOS Y ESCRITOS
DEL DISCURSO ESTETICO May 1, 2013
El discurso artístico dista de ser solo una opinión, expresión, comentario o evento de comunicación solo, no es que no tenga un poco de todo ello, pero como tal los trasciende, mas bien es un sistema orgánico, o un todo conjunto ordenado y coherente de pensamiento, que se encuentra depositado, adherido o anclado en el medio matérico de la pieza de arte a través de los signos, sus vehículos sígnicos, símbolos y significantes que el artista acomoda en su sintaxis objetual. Se puede decir que es gracias a la al objeto artístico que podemos ver el arte, mas la pieza no es sino su depositaria, al igual que las hojas y tinta en un libro; aún mas podríamos decir que del miso modo que las letras, las palabras y su significado tiene relación con respecto a la pieza literaria, existe la conexión entre la parte materia de ya sea una pintura, una escultura, instalación, video, fotografía, con su ethos estético. La materia es solo el medio para anclar el pensamiento poético visual, de esta manera el dibujo, color, pintura, masas, esfuerzos, dinámica, figuras, volúmenes, composición, movimiento, carácter, personalidad, etc., serán como en la literatura las palabras y la unión y disposición de estos formaran las oraciones y conceptos que nos permitirán expresar ideas que una vez entretejidas nos hablaran del espíritu, de las pasiones e inquietudes de quien las puso ahí, y por ende hablándonos de su humanidad nos proyectará la propia de cada uno de los que la contemplemos. Es entonces que podremos de la misma manera que en las artes escritas decir que no todo lo que se dice o habla tiene sentido, así como de lo que tenga sentido no todo trasciende el momento en que se dice o comunica; y de aquello que trasciende no todo es ni universal ni se encuentra inscrito dentro de un sistema de pensamiento y por ultimo de aquello no todo esta pensado para expresar poéticamente la experiencia puramente humana como foco y eje de contemplación. Es pues que el arte es en esto ultimo en lo que centra su atención y es desde este interés de donde le da perspectiva a todas sus inagotables formas y modos de abordar la experiencia y existencia humana, nos muestra desde ese espacio no racional sino experiencial, a lo humano y su tragedia. Es por esto que la obra de arte en si no necesita de explicación alguna cuando en verdad es un pieza de arte; solo necesita de contemplación, de inteligencia e intuición, de sentido común y de silencio, necesita también de deseo, para ser vista y experimentada. Por otra parte La pieza Artística forzosamente es el producto del acto consciente y volitivo del artista (quiero dejar claro que cuando digo consciente, me refiero no a la total y completa sensación de claridad y completo conocimiento de uno y del entorno, sino a la capacidad total o parcial, o hasta muy mermada de la comprensión e intención de direccionalidad que tiene el creador con respecto a su obra). Solo y mientras ese acto consciente y volitivo sea lo suficientemente intenso puede darle direccionalidad al objeto, siempre y cuando tenga por cierto denotada destreza técnica, ya sea el o el equipo de personas en que se apoye y tenga el don o habilidad de saber adherir el discurso estético o poesía visual en el objeto que se produce, cosa por cierto muy escasa en nuestros días.
NEUROSIS COMPULSIVA POR LA INNOVACIÓN Y TERROR POR LA INTERPRETACIÓN EN LA PLÁSTICA.
En las artes plásticas la norma y consigna, parece ser en todo tiempo la necesidad de innovar, para cualquier pintor, escultor o productor de nuevas tendencias, es impensable que su obra no tenga elementos que le impriman individualidad, carácter y esa personalidad con la que se pueda distinguir su trabajo de manera clarísima de entre todo lo demás. En gran medida basa sus esfuerzos reales o imaginarios en la necesidad de sobresalir de entre la vorágine del consumo mundial de las imagines y las ideas. ¿Cómo decir esto o aquello, sin que se parezca a todo lo ya hecho y dicho y que por demás es avasallador?. Existe una neurótica y compulsiva exigencia de que se sepa que lo dijo el propio artista de una particularísima e innovadora forma, novedosamente, diferente a todo lo ya antes dicho. Esto es en si de locos y psicótico, no es lógico que dicha compulsión de expresión este tan cargada o dirigida por la pasión desenfrenada del descubrimiento de lo inédito. El gran desvarío inicia al creer o basar la naturaleza del hecho artístico en lo que produce y no en su propia sustancia. En pocas palabras el arte no es arte porque represente tal o cual circunstancia de nuestra sociedad post-moderna, este respondiéndole al mercado, o porque se encuentre circunstancialmente fuera de contexto; es arte simple y sencillamente porque corresponde a su constituyente o principio más íntimo que es, que como un libro carga dentro o en sí mismo un discurso estético que toca e interpela al espectador. Esto en la Música se vive de forma más que cotidiana y habitual, ¿qué pena le daría a un músico interpretar a tal o cual compositor?, ¿Por qué oír tantas y tantas veces las mismas piezas de música si ya se han tocado y repetido tanto a lo largo de la historia y a tantas generaciones?, la respuesta no puedes ser más sencilla que “porque no se consumen”, esas melodías no son objetos que se usan y tiran, nadie podrá acaparar la jovialidad de Mozart, lo fastuosidad de Beethoven, el espíritu trágico y sublime de Verdi; son discursos que usan a la música como lenguaje y podemos repetirlos un millón de veces y siguen teniendo no tan solo vigencia sino que mantienen esa fuerza del espíritu humano y nos conmueven y lo seguirán haciendo. ¿Por qué no puede ser así en la plástica?, ¿Por qué reinterpretar, interpretar o copiar se ve tan mal en nuestro gremio?, si finalmente hacerlo lo único que nos aportaría al igual que la música sería los miles y diversísimos estilos y sentidos que podría tener una pieza. No estoy a favor de una u otra cosa, de innovar o interpretar de manera ciega y obcecada; sino que simplemente opino que en cada uno de nosotros vale la pena pararse y meditar lo que de otros podemos tomar y asimilar y lo que de nuestro intelecto y nuestras experiencias junto con lo asimilado puede salir, si es que lo que nos interesa es dejar arte y no solo piezas de uso. Pienso que la carrera por crear lo inédito tiene que llegar a su fin o por lo menos ser sustituida por el camino de lo que le regrese al arte la posibilidad de ser disfrutado y no consumido.
FENOMENOLOGÍA DEL ARTE. preámbulo June 13, 2014
Hablar de fenomenología del arte, es en resumidas cuentas hablar del análisis de la objetivización (ontológicamente hablando) discursiva del drama de lo humano, o dicho de otra forma, del cómo se le da valor estético a un hecho u objeto en tanto a que dicho hecho u objeto muestran de una manera exaltada una realidad, experiencia y/o valor humano al publico que la contempla una vez que se les ha transformado en un todo simbólico y simbolizante que refiere a eso que denota de forma vehemente. El objeto en sí es un mero transmisor de un un código o un mensaje, el estudio es entonces no al objeto u hecho en tanto tales, sino al como, porque y de que manera se llego a que dicho objeto u hecho lograsen transmutarse en transmisor de tal o cual código y/o mensaje. Visto de esta manera para estudiar dicha fenomenología del arte es necesario hacer acopio de herramientas del conocimiento como la semiótica y la hermenéutica estética, historia, historia del arte, psicología y sociología, epistemología, hermenéutica, filosofía, de ciencias aplicadas, entre otras áreas del saber humano. En los subsecuentes artículos estaré hablando de las diferentes áreas y tópicos que me parecen indispensables, importantes y necesarias para tener una mayor comprensión sobre todo aquello que implica el hecho artístico. “Ranam putat esse obiectum pulchrius mundi, ipse est bufo” La rana cree que en el mundo no hay objeto más bello que el Sapo. Chrytarius el Joven 1215?. “Hay, y ha habido tanta irracionalidad al hablar de la belleza así como de la misma manera en que se ha tratado de demostrar la ubicación geográfica del paraíso terrenal” Galileo Galilei El porqué de una FENOMENOLOGÍA DEL ARTE. Mas que hablar de la Estética, que intentase establecer de manera racional los principios generales que organizan y orientan nuestro conocimiento sobre “Lo Bello”, a mi entender tendríamos que hablar de una fenomenología (el estudio del fenómeno) que tratase de comprender racionalmente aquellos hechos de la acción humana que en conjunto se manifiestan como un todo sistémico y se nutren o comparten aquella esencia o cualidad a la que le denominamos arte o “lo artístico”. Al referirnos a ese todo, lo que queremos decir es que intentamos escudriñar aquellas acciones y actividades en las que se produce la creación artística y sus procesos comunicativos. Trataremos de analizar sus múltiples aspectos, elementos que la conforman, causas y efectos, etc.
Es de mi parecer el que ya no deberíamos pretender abordar dicho conocimiento, de la forma como se le ha pretendido estudiar, a lo que entendemos como arte, como si fuera un ente o cosa inmóvil o determinada, o como la mera descripción o relatoría de hechos, objetos y tendencias colgados en el tiempo; sino verla y entenderla como lo que es, como la expresión fluida, dinámica e incapturable de un ser en continua acción. Es asi que entendiendo las motivaciones, pasiones, deseos, necesidades, búsquedas y apetitos de dicho ser, así como las formas en que logra comunicarse y expresa o proyecta dichas apetencias, podremos entonces comprender y establecer un marco teorico que nos ofrezca los referentes o fundamentos de lo que podemos definir hoy día como las bellas artes y en nuestro caso concreto las artes plásticas. La gravísima falta que se ha tenido como he dicho, y de la que aun hoy día se dejan sentir sus consecuencias es que se ha estudiado y se piensa acerca del arte racionalizando sobre los objetos que son solo sus manifestaciones como si ellos fueran o pudieran entenderse Per se, o se estudiasen de la misma forma que la antropología estudia a los objetos y utensilios de los antepasados. El gran error como se puede ver se compararía con creer que la literatura fuese el libro, las hojas, las letras o la tinta y su valor comercial, sin darse cuenta que lo que realmente es la literatura es el intangible que reposa o por decirlo así vive dentro o en ese cúmulo de cosas a las que llamamos libro. Lo mismo sucede en las demás ramas del arte. La música no es en sí los sonidos aunque en ellos reside, las notas per se no son nada pero en ellas el hombre logra hacer que habite la pasión, el carácter, el tema, el ambiente, etc., por decirlo de foma sencilla, en el momento en que el hombre logra entender, controlar y orientar el sonido, lo humaniza y al humanizarlo lo convierte en un medio para la expresión y finalmente se convierte en materia de estudio para comprender al hombre mismo. Es así que para entender al fenómeno del arte tendremos que dejar de pensar en seguir usando una epistemología que busque comprender al objeto, para pasar a otra que entienda y delimite al “sujeto actuando y al mensaje que deja guardado en el acto” o lo que se entendería ir al gerundio en vez de ir al infinitivo, observar mas al estando que al estar, al siendo que al ser, al viviendo que al ser vivo. Mirar el arte desde esta forma de conocimiento es dejar de ver a Afrodita o a Apolo y ver más bien el drama en el tejido de Penélope. Es dejar de intentar de ver el ojo, sino más bien comprender como y de que manera funciona la visión. El arte se entenderá que no es la cosa aunque se estudie desde la cosa; es en pocas palabras el espíritu en el acto aunque se observe desde las consecuencias de lo ya actuado. En el Arte deberíamos de entender que hemos errado el camino para comprenderlo y será mejor estar dispuestos a adentrarnos a todo su universo, hemos estado mirando a la flauta, escudriñado todos sus elementos en vez de entender a la pasión expresada en el sonido.
DENTRO DE LA ESFERA DE LO CONSCIENTE Y LO VOLITIVO June 18, 2014
El ser humano es la especie que de entre los seres vivos ha desarrollado de manera singular y profunda la capacidad cognitiva, y ha hecho de ella su herramienta o tamiz con la cual se relaciona con el exterior y por la cual valora su experiencia y archiva datos relevantes en forma de memoria. Esta cualidad el hombre la ha acrecentado y perfeccionado a tal manera que, lo define y lo transforma. No tan solo es por ella que conocemos y entendemos el mundo, sino que creamos un segundo mundo abstracto virtual, paralelo de ideas y conceptos, con el cual podemos ver, manejar, modelar y reordenar la estructura de lo natural. Nuestro Intelecto es y ha sido la palanca por la cual el ser humano se ha transformado de ser una criatura indefensa a uno de los seres mas exitosos en la naturaleza, pero al mismo tiempo se ha convertido en su propia cárcel, ya que desde que el hombre emergió al mundo de la consciencia le es imposible entender y entenderse sin pensamiento, experimentar sin conceptos, vivir sin transformar las percepciones en ideas; todo lo trasmutamos en signos y señales, que aglutinamos y formamos lenguajes. Solo así nos apropiamos del mundo y después lo compartimos. Las bellas artes no están fuera de esta geografía, no podría ser. No hay una sola obra de arte que se haya podido realizar fuera del mundo de lo consciente y volitivo del ser humano. Simplemente por la necesariedad de decidir un inicio, un transcurso y un fin durante el proceso creativo; solo por esto se puede decir que aunque la capacidad consciente este muy mermada y el juicio volitivo disminuido, mientras el ser humano pueda continuar tomando decisiones y su contacto con el exterior se mantenga (aún distorsionado) puede hacer arte y otorgarle a este un discurso que al fin de cuentas no es otra cosa que su necesaria búsqueda de comunicación existencial de su espíritu. Cuando un artista dice que hace las cosas nada mas así porque si, sin pensar, o es una expresión que habrá que sobre entender en el contexto o esta mintiendo. realmente realiza acciones mecánicamente por la larga experiencia que ha desarrollado, de la misma manera que un conductor actúa mecánicamente cuando embraga el clutch para cambiar una velocidad, no es que no se haya pensado, mas bien ya se pensó demasiado muchas veces y se acciona en automático porque se sabe perfectamente el procedimiento y sus resultados; o no se ha perctado de las razones que hay y soportan su actuar. El proceso creativo en todo momento es una serie de toma de decisiones y de juicios y valoraciones que se realizan, angustiosa o lúdicamente, pero nunca dejaran de estar enmarcadas por la razón, es una fatalidad necesaria mientras no tengamos otra herramienta que nos permita trascendernos.
EL ARTE VISTO DESDE SU ESFERA FUNCIONAL Y PRODUCTIVA June 22, 2014 Así como ya lo he dicho, es dentro de la geografía de lo consciente y de la capacidad cognitiva del ser humano desde donde se desarrollan las actividades que se ven impregnadas de las cualidades de la voluntad y el libre albedrío, y es en ese mundo de la acción humana donde reside el ARTE, visto como lo he dicho anteriormente como una actividad creadora, regeneradora y descubridora de nuevos caminos y formas de entenderse y expresarse. Es una creencia generalizada, pensar y hablar del arte como una acción que no tiene función, de hecho en mucho quienes así la definen y refieren se basan en esta falsa cualidad o circunstancia como forma de identificarla o analizarla como diversa de las demás actividades creadoras que realiza el ser humano. Nada mas falso que esto, es muy claro y evidente que al igual que todas las demás actividades que realizamos, el arte tiene un objeto, y un fin al que es dirigido, de la misma forma que nace de una pulsion y de una necesidad que la procrea y gesta. Si los actos humanos tienen como objeto servir para lograr algún fin propicio, el arte como tal, está inscrito y regido dentro de esta esfera, no puede entonces y por lógica carecer de fines específicos y por lo tanto ser inútil, vano o improductivo. Sí que tiene diferencias con otras actividades y ciencias esto es mas que obvio, pero no la de funcionabilidad. Veamos, una cosa o actividad no es funcional o productiva solo si genera bienes u objetos que reporten incremento de capital (ese es simplemente un pensamiento heredado de la sociedad decimonónica y de sus ideas de la revolución industrial); si fuese así la acción educativa que hace una familia o una nación con respecto a sus miembros jóvenes se podrían ver como actividades que se valorarían muy magras en productividad o en tal caso “muy artísticas”. El bien o el fin de la acción no en todos los casos se encuentra fuera del sujeto en el acto humano, no se puede medir por igual el comercio que la investigación y las dos actividades son enormemente productivas y funcionales, lo que pasa es que en el comercio el objeto de la acción se encuentra fuera del individuo ya sea que se mida la venta de los productos o las ganancias obtenidas, mientras que en la segunda su objeto es el individuo mismo, el fin es el conocimiento y la comprensión que se obtiene , esa es su funcionabilidad o productividad. En el arte pasa lo mismo, claro que tiene un fin, y una función y claro que se puede saber si se fue productivo o no, solamente habrá que ver cuantas risas de ironía y cuantas mentes se han dejado mover y cuestionar por la “Fuente” de Duchamp. En el arte pasa que si lo queremos medir como medimos otro tipo de actividades, erramos el camino; para entender como valorarlo y entenderlo tendremos que empezar por reconocer que lo que medimos es la experiencia que el sujeto tiene de su propia humanidad cuestionada y comprometida por el discurso que está anclado en algún objeto que se relaciona con dicho sujeto, la función y productividad se encuentra dentro de la esfera de la parte mas activa que tenemos los hombres, “la conciencia”. La función de las bellas artes es desde que existen no dejar dormir a nuestra consciencia, sacudirla, ultrajarla, cuestionarla, molestarla, desequilibrarla para que de continuo vuelva a reconocerse como es ínfima y enorme, efímera y eterna, sola y separada y a la vez siempre protegida y acompañada, en fin viviendo a cada momento la experiencia de lo antagónico en sus entrañas y necesitada por ello de vivir despierta y en constante comunicación, esa es la función de las bellas artes y si lo analizamos un poco y vemos la historia, no podemos más que finalizar diciendo que han sido enormemente productivas.
EDUARDO URBIOLA ITUARTE NOTAS
ANATOMIA ANALITICA Aunque cueste trabajo creer para un principiante o alguna persona que no sea avezada en el tema, si se tienen los datos necesarios, así como los conocimientos y un poco de experiencia, solo se necesita saber la relación de proporciones de las medidas y distancias que existen entre las partes de un cuerpo para poder representarlo bi o tridimensionalmente hasta el último detalle. No se necesita mayor herramienta que una libreta llena de apuntes que le permitan a uno entender la dinámica formal corporal. El CANON no era otra cosa que la llave o palanca de este conocimiento, que maestros egipcios y posteriormente griegos nos dieron para hacernos de esa simple herramienta. Han pasado milenios y extraña sobre manera que existan personas que pretenden creer y pensar dentro y fuera de las bellas artes que la creación de un cuerpo humano está mas basado en los procesos de inspiración y sugestión que de conocimiento y practica técnica. Cosa mas errada no puede haber, como siempre ha sido, es y será la estatuaria, el oficio de escultor y la pintura, en lo que corresponde a la habilidad de reproducir la perfección del cuerpo humano, no es otra cosa que la construcción metódica de una serie de masas y volúmenes con un orden ya preescrito. Tendremos primero que reconocer que hay actividades y saberes que se encuentran ordenados o gobernados unos por otros, así sucede en las artes y en las demás áreas del conocimiento humano. Cada rama del saber dirige y ordena las áreas de comprensión que necesita; esto no es la excepción en la escultura y en la pintura. De esta manera las artes visuales se nutren de entre todos sus saberes de la anatomía descriptiva y funcional; conocimiento por el cual adquieren la capacidad de entender el por que de las formas de la figura humana y su perfecta representación.
NI HADAS NI MUSAS En el taller no trabajan ni las hadas ni las musas, para ellas eso es como cambiar neumáticos ponchados en plena lluvia. Después de muchos años produciendo, lo que si puedo certificar es que a este espacio vienen de diario el trabajo y la constancia, solo así y con ellos se puede con el tiempo tener la habilidad y la experiencia, y por cierto, “obra”; que a fin de cuentas es lo que al final cuenta. Uno de los grandes escoyos que se presentan a diario es la distracción, en verdad se los digo siempre hay algo que nos invita a dejar de lado lo que venimos a hacer, sobre todo en esos momentos en que uno no encuentra el modo o las soluciones que se necesitan para proseguir con la obra de arte. Cuando se está titubeante o se encuentra dubitativo a la mente como a un caballo es fácil de espantar. Hay que saberse anclar en el sitio y no dejarse ir, la persistencia y reciedumbre son buenos antídotos y sobre todo serenidad. Habrá que hacer caso a eso de “vístase despacio cuando tenga alguna premura”.
MODELOS PREVIOS Aunque no lo realizo en todos los casos y de forma cotidiana modelos para mis obras, existen algunas piezas que se gestan a través de ellos y en otros casos el proyecto me exige tener mayor claridad visual y conceptual espacial previa de la obra, para ello los modelos a escala son esenciales. En ellos veo los trazos generales y el comportamiento sistemico de la pieza, observo como juegan todos sus esfuerzos y tensiones, valoro los pesos de las diferentes masas del cuerpo y este en relación con su atmosfera o entorno cercano, así como con su cosmos o entorno lejano. Son piezas de juego con las cuales me permito dar rienda suelta a opciones y rutas diversas, en ellas puedo valorar como interactúan los discursos denotativo y connotativos y pondero el punto exacto en donde los dos por la fuerza y armonía que adquieren logran aportarle el valor estético a la pieza. Un modelo no solo sirve para saber como se verá un objeto determinado, esto seria muy poca cosa; mas bien sirve primordialmente para entender que es lo que uno tiene que hacer y de que manera si es que uno quiere aportarle al objeto en gestación una sintaxis clara en el discurso que desea proponer.
AMAR LO QUE SE HACE Como bien se sabe, el Amor no es solo un sentimiento, es una actitud, en lo personal lo definiría como un síndrome, en el que se ve implicada la persona toda, en estado consciente y volitivo. Se me podrá cuestionar que tiene que ver esto con el espacio del taller de escultura. La respuesta no podría ser más que obvia. La pieza de arte es el resultado del trabajo activo y estimulante, es vitalidad porque emerge de lo profundo de las inquietudes del propio ser. En mi experiencia puedo decir en concordancia a Pedro coronel, que hay veces en las que en el proceso creativo fluyen las cosas como si ya se hubiesen hecho, es cosa solo de entrar en el taller y pareciera que todo se da solo, uno nada mas tiene que poner el empeño necesario, pero hay épocas en las que en verdad todo se pone diríamos en México “de color hormiga” (extremadamente complicado y tortuoso); es en estos momentos cuando pareciese que las musas lo ponen a uno a prueba, como si estuviesen necesitadas de saber si realmente uno merece el lugar que ocupa. Muchos otros colegas congeniaran conmigo cuando digo que “Hay piezas que uno las sufre y detesta, pero en la gran mayoría de las ocasiones, son esas las que acaba uno amando mas”.
TRABAJO, TRABAJO Y MAS TRABAJO Una cosa que si podemos afirmar de forma casi unánime todos los que nos dedicamos a producir arte, es que nada de esto se podría haber logrado sin trabajo, poco o mucho (que de normal, mas bien se realiza mucho) pero al fin de cuentas se dejan horas y horas de quehacer continuo para obtener piezas que en muchos casos nos dejan inquietos o un tanto insatisfechos y pocos mas con una sonrisa de complacencia. El trabajo pues se convierte en un ingrediente transformador de doble via; al tiempo que con el vamos alterando la materia y la convertimos en lo que deseamos, ese mismo esfuerzo nos va modelando lentamente a nosotros mismos. La actividad misma nos aporta experiencia, conocimientos prácticos y teóricos; en medio de esta actividad nos hacemos nuevas preguntas y nos entrega respuestas, con las cuales hacemos conjeturas que nos llevarán a nuevas rutas; pero aquí no acaba todo también con nuestro quehacer, como si fuese un gimnasio o curso de preparación y aprendizaje adquirimos, mejoramos y perfeccionamos nuestras habilidades y destrezas en el manejo de los materiales y técnicas, en sus procesos y complejidades, en pocas palabras nos vamos desarrollando y ampliando. Así pues que con el trabajo el artista también se ve profundamente transformado, y si se transforma y se completa o mejora el, su obra también lo hará. El TRABAJO es entonces indispensable para la producción de la pieza de arte, aunque tendremos que reconocer que no es condición única y segura para que la pieza se convierta en una obra de grandilocuencia estética, como tampoco lo es el gran tiempo que ocupa un niño pequeño pitando una flauta, que no produce sino ruido y no música; mas sin embargo no podemos negar que esta pura acción es un ingrediente escencial para la realización exitosa de nuestro objetivo como artistas plásticos o visuales, LA OBRA DE ARTE y sobre todo la maestria del propio artista.
EL TALLER VISTO COMO UN DOJO Cuando entres al taller o estudio, lo único que debe haber ahí eres tú con todas tus pulsiones, no debe haber nada mas ni nadie mas, no te conviene. Si esto es así entonces veras que lo único que hay que hacer es dejarse ser y en ese continuo estar la obra se gesta como una continuidad de uno mismo, no se necesita en nada otra cosa que ello, aunque ello, “ser” implica una gran cantidad de esfuerzo y energía, además de compromiso y permanencia. Es increíble pensar que hay gente que cree hoy día que el virtuosismo es solo la gran habilidad en el conocimiento y desenvolvimiento de la técnica. No!, no es así la técnica es solo el paso previo, es solo aprender a vestirse, el carácter y personalidad no lo da el vestido, la presencia se gana cuando uno se transforma en el personaje que viste y esto implica mucho mas, aunque el atuendo forme parte de lo que uno es. Para ser y estar ahí, para producir ARTE con mayúsculas se tiene que vivirse enfocado y profundamente concentrado, ser uno en el taller, si sabes quien eres en ese momento entonces sabrás que y quien es tu obra, la tendrás todo el tiempo frente de ti y ella no es que salga de la nada, sino que siempre estuvo ahí porque es una extensión de ti. Si no sabes que vas a hacer realmente es porque no sabes en el fondo quien eres o estas desenfocado, si te concentras no te preocupas entonces en pensar en que no sabes que vas a hacer simplemente lo haces y ya.
Cuando uno realmente esta con uno mismo, sabe quien es, en que piensa, que siente, que lo anima y que lo aburre, conoce sus pulsiones todas y las experimenta, todo eso no es una extensión externa a uno, sino que es el movimiento y su propio devenir. ¿Como no podrá salir la obra que no es mas que el continuo fluir de la expresión de lo que uno es y vive, si uno se permite estar ahí?. Entonces se podrá decir que el taller si es taller, no es mas que un espejo en donde uno se refleja y contempla.
COERENCIA DEL QUE HACER EN EL PROCESO CREATIVO Hay veces y sobre todo momentos en el proceso de creación que en verdad que no importa lo bueno, malo o peor que uno sea como creador, solo se necesita firmeza y constancia; hay otras ocasiones en las que es imprescindible la excelencia si no por lo menos el alto desenvolvimiento. Saber distinguir cada uno de ellos para lograr concordar nuestra acción a cada momento es una de esas virtudes que se obtiene por experienciación y sobre todo por frustración. Si no se tiene esta facultad es muy fácil que se confunda perseverancia por terquedad, o la pericia con la obsesión. Cuidar ello, forma parte del proceso creativo, sobre todo cuando se está en el trabajo del terminado o patina de la pieza.
EDUARDO URBIOLA ITUARTE ESCULTOR