Hy Lạp thời kỳ chính thống - Nghệ thuật, Kiến trúc và Ứng dụng

BỘ GIÁO DỤC VÀ ĐÀO TẠO ĐẠI HỌC MỸ THUẬT CÔNG NGHIỆP KHOA KHOA HỌC CƠ BẢN

TIỂU LUẬN LỊCH SỬ MỸ THUẬT CỔ TRUNG ĐẠI THỜI KỲ HY LẠP CHÍNH THỐNG

Giảng viên: Nguyễn Văn Huy Lớp: DH19A2 Sinh viên: Trương Ngọc Ánh Nguyễn Tùng Chi Nguyễn Bảo Diễm Bùi Phương Linh Nguyễn T.Ngọc Mai

HÀ NỘI, 6/2021

2

MỤC LỤC

MỤC LỤC

3

PHẦN MỞ ĐẦU

4

1. Lý do lựa chọn đề tài

5

2. Giới thiệu khái quát nội dung

5

NỘI DUNG

7

1. Thời kỳ Homer (thế kỷ XII - IX TCN)

7

1.1. Bối cảnh lịch sử

7

1.2. Khái niệm “Thời kỳ đen tối”

8

1.3. Nghệ thuật

9

1.3.1. Giới thiệu chung

9

1.3.2. Trang trí gốm

11

1.3.3. Điêu khắc

17

1.3.4. Kiến trúc

23

1.4. Tổng kết

27

2. Thời kỳ thành bang

29

2.1. Thời kỳ Hy Lạp viễn cổ

29

2.1.1 Tổng quan về thời kỳ Hy Lạp viễn cổ (800 – 500 TCN)

29

2.1.2 Kiến trúc Hy Lạp viễn cổ

29

2.1.3 Nghệ thuật điêu khắc và đồ gốm.

36

2.1.4 Nghệ thuật đồ gốm

43

2.1.5 Đánh giá thời kỳ viễn cổ Hy Lạp

45

2.2. Hy Lạp cổ điển

47

2.2.1. Tổng quan về thời kỳ Hy Lạp Cổ điển

47

2.2.2. Kiến trúc Hy Lạp cổ điển

48

2.2.3. Nghệ thuật điêu khắc

54

2.2.4. Gốm sơn

60

3. Thời kỳ Hy Lạp Hóa

64

3.1.

Hoàn cảnh ra đời

64 3

3.2.

Điêu khắc

64

3.3.

Nghệ thuật Gốm

70

4. Ảnh hưởng và ứng dụng 4.1. Ảnh hưởng đến các phong cách nghệ thuật 4.1.1. Nghệ thuật cổ đại

77 77 77

La Mã

77

Byzantine

79

Phục Hưng

80

Tân cổ điển

84

4.1.2. Nghệ thuật hiện đại 4.2. Ảnh hưởng đến các phong cách kiến trúc

90 94

4.2.1. Kiến trúc cổ đại

94

La Mã cổ đại

94

Phục Hưng

96

4.2.2. Kiến trúc cận đại – Tân cổ điển

97

Tân cổ điển Pháp

97

Tân cổ điển Anh

97

Tân cổ điển Đức

98

Tân cổ điển Nga

100

4.2.3. Chủ nghĩa chiết trung

100

4.2.4. Kiến trúc hậu hiện đại

101

4.3. Ứng dụng trong thiết kế nội thất đương đại

103

4.3.1. Sáng tạo đồ nội thất

103

4.3.2. Sáng tạo không gian nội thất

106

KẾT LUẬN

112

TÀI LIỆU THAM KHẢO

112

4

PHẦN MỞ ĐẦU 1. Lý do lựa chọn đề tài Trong lịch sử phát triển nghệ thuật thế giới, Hy Lạp được biết đến là một nền văn minh phát triển rực rỡ với “thời kỳ đen tối” hay thời kỳ “Hy Lạp hóa”, những công trình kiến trúc, điêu khắc tuyệt mĩ, những tác phẩm văn học đồ sộ, sản phẩm gốm đa dạng có niên đại hơn 1000 năm trước Công Nguyên.

Nghệ thuật của Hy Lạp cổ đại đã gây ảnh hưởng rất lớn đến nền văn hóa của nhiều nơi trên thế giới. Ở phương Tây, nghệ thuật của Đế chế La Mã chủ yếu bắt nguồn từ hình mẫu lý tưởng của nghệ thuật Hy Lạp. Ở phương Đông, công cuộc chinh phục của Alexander Đại đế bắt đầu nhiều thế kỷ giao lưu trao đổi lẫn nhau giữa các nền văn hóa Hy Lạp, Trung Á và Ấn Độ, kết quả là ở nghệ thuật Hy Lạp.

Ngày nay, văn hóa Hy Lạp vẫn còn là những cảm hứng nóng hổi cho chúng ta. Do vậy, tiếp tục đi sâu nghiên cứu, khai thác, làm rõ hơn và hiểu hơn về những thành tựu của văn minh Hy Lạp cổ đại là một việc làm thiết thực.

2. Giới thiệu khái quát nội dung Đất nước Hy Lạp cổ đại hình thành trên một vùng đất đai rộng lớn, bao gồm phía Nam bán đảo Balkans, các đảo nhỏ thuộc vùng biển Aegean (Égéc), khu vực Tiểu Á, vùng ven biển Hắc Hải.

Phân kỳ lịch sử Lịch sử phát triển của nghệ thuật Hy Lạp cổ đại được chia làm hai thời kỳ lớn: - Thời kỳ Tiền Hy Lạp (còn gọi là thời kỳ văn minh vùng biển Aegean) (từ 3000 năm đến 1200 năm Tr. CN) được chia làm 3 giai đoạn: + Giai đoạn thứ nhất: văn hóa đồ đồng thiên niên kỷ thứ III (đến nay chỉ còn lại rất ít dấu vết). + Giai đoạn thứ hai: văn minh đảo Crete (năm 2000 đến 1600 Tr. CN). + Giai đoạn thứ ba: văn minh đảo Mycenae (kéo dài trong nửa sau thiên niên kỷ thứ II Tr. CN).

5

- Thời kỳ Hy Lạp chính thống (từ thế kỷ XII đến thế kỷ I Tr. CN) là thời kỳ sản sinh ra một trong những nền văn hóa rực rỡ nhất của nhân loại, được chia làm bốn thời kỳ nhỏ: + Thời kỳ Homer (thế kỷ XII đến thế kỷ IX Tr. CN). + Thời kỳ các thành bang: còn được chia làm hai thời kỳ nhỏ hơn là thời Hy Lạp Viễn cổ (thế kỷ VIII đến thế kỷ VI Tr. CN). + Thời kỳ Hy Lạp Cổ điển (thế kỷ V đến thế kỷ IV Tr.CN). + Thời kỳ Hy Lạp hóa (thế kỷ III đến thế kỷ I Tr. CN) Khoảng năm 1200 TCN, do mùa thu Homeric của thành Troy, dường như là sự sụp đổ xuống nghệ thuật Mycenae, đưa Hy Lạp đi vào thời kỳ đen tối nhất. Giai đoạn tiếp theo – Thời kỳ Hy Lạp Chính thống (từ thế kỷ XII đến thế kỷ I Tr. CN) – người Hy Lạp bắt đầu phục hồi nền văn minh cả họ và đưa Hy Lạp vào thời kỳ rực rỡ nhất trong phát triển nghệ thuật, trở thành biểu tượng của nghệ thuật thời bấy giờ, mang tới nhiều ảnh hưởng lớn tới nhiều nơi trên thế giới.

6

NỘI DUNG 1.

Thời kỳ Homer (thế kỷ XII - IX TCN)

1.1.

Bối cảnh lịch sử

Thời kỳ Homer chính là giai đoạn quá độ từ văn minh Mycenae sang văn mình Hy lạp. Thời kỳ Homeros hay còn gọi là Thời kỳ tăm tối, Kỷ Nguyên Bóng Tối (khoảng 1200 TCN-800 TCN) là thuật ngữ đã được thường xuyên sử dụng để chỉ đến thời kỳ Lịch sử Hy Lạp. Thời kỳ này đánh dấu bằng các cuộc thiên di của người Ionia, Doria xuống miền Trung và Nam Hy Lạp, cũng như giai đoạn suy tàn, sụp đổ của nền văn minh Mycenae ở khu vực này. Các thành trì tại Mycenae đã bị bỏ phế, buôn bán với nước ngoài bị đình trệ. Nền văn minh Mycenae sụp đổ đã dẫn tới một thời kỳ khủng hoảng tại Hy Lạp kéo dài hơn 3 thế kỉ với tên gọi Kỷ nguyên Bóng tối.

Đền Parthenon Những năm thuộc thế kỷ XII - XI TCN được gọi là thời kỳ “đen tối” trong lịch sử phát triển nghệ thuật Hy Lạp cổ đại. Do nhiều nguyên nhân, có thể do chiến tranh, thiên tai (hạn hán kéo dài tới 300 năm), … (ngày nay vẫn chưa có sự giải thích chính xác nào) mà những thành tựu nghệ thuật, kiến trúc của thời kỳ văn minh Mycenae bị mất mát gần hết.

7

Khu di tích khảo cổ văn hóa Mycenaean Các lâu đài Mycenae bị phá hủy. Các kĩ thuật về tranh tường nghề chế tác ngà voi, kim loại quý và điêu khắc trên đá bị mai một. Các thành tựu nghệ thuật đồ đồng tan biến. Những người Mycenae sống sót qua những tai biến rời bỏ vùng ven biển và tiến sâu vào đất liền. Sự hồi sinh của nghệ thuật chỉ bắt đầu từ cuối thế kỷ X TCN. Đặc trưng khảo cổ học của thời kì này đó là phong cách thiết kế tiền hình học phẳng và hình học phẳng trên các đồ gốm.

1.2.

Khái niệm “Thời kỳ đen tối”

Bản đồ về sự sụp đổ của Thời đại đồ đồng.

8

Sự xuất hiện của người Dorian ảnh hưởng đến sự phát triển của xã hội. Dân số đã giảm đáng kể, mọi người đã ngừng xây dựng các tòa nhà làm bằng đá. Sự phân rã đã đến và viết. Ngoài Iliad và Odyssey, không có tài liệu bằng văn bản nào khác về thời kỳ Homeric.

Do nghèo đói về vật chất, sự ít ỏi của các phát hiện khảo cổ và các dữ liệu khác trong lịch sử Hy Lạp, thuật ngữ "thời kỳ đen tối" đã xuất hiện.

Thương mại và nghề thủ công rơi vào mục nát. Dorian chỉ quan tâm đến các kỹ năng liên quan đến các vấn đề quân sự. Họ không quan tâm đến nghệ thuật. Mặc dù trong các bữa tiệc, họ thích nghe nhạc. Điều gì phát triển vào thời điểm này?

Dorian đã đóng góp cho sự phát triển của gốm, đóng tàu, nông nghiệp, công nghệ chế biến kim loại.

Với sự xuất hiện của họ, quan hệ thương mại cũng bị phá hủy. Họ tham gia vào nạn cướp biển hung hăng, đó là lý do tại sao Phoenicia và Ai Cập sợ hãi tránh xa các cảng Hy Lạp. Mối quan hệ cũ chỉ được thực hiện vào cuối thời Dorian.

1.3.

Nghệ thuật

1.3.1.

Giới thiệu chung

Nghệ thuật thời kỳ Homer phát triển tập trung ở Athens. Các sản phẩm gốm được sáng tạo với những dạng hình học đơn giản , rõ ràng và chuẩn xác, ngày nay thường được gọi là có “hình thức hình học”. Những kiểu dáng này thực chất xuất xứ từ Mycenae. Chúng được trang trí bằng những họa tiết hình học phẳng. Sang đến thế kỷ IX TCN, các bình gốm này mới thực sự phát triển, với hình dạng hình học và tỷ lệ chuẩn xác. Đồ gốm phổ biến nhất là kiểu vò hai quai, Krater (để pha chế rượu) và nhiều kiểu cốc uống đa dạng. Ngoài ra còn có những kiểu bình gốm có kích thước rất lớn, cao bằng người thật, và thường được sử dụng như một quan tài. Các họa tiết trang trí của đồ gốm thường là những họa tiết đơn giản như đường uốn khúc, đường zigzag, tam giác, …

9

Nghệ thuật điêu khắc thời kì này chưa phát triển nhiều, các tác phẩm chủ yếu vẫn là những bức tượng nhỏ bằng đồng và gốm. Các tác phẩm điêu khắc bằng gốm xoay quanh các chủ đề về động vật và các loài thú lai tạo. Ví dụ như bức tượng người ngựa của Lefkandi. Phần thân ngựa được nặn bằng bàn trụ xoay và sau đó gắn thêm vào phần đầu, chân, tay.

Người ngựa, Lefkandi, gốm, cao 36cm, thế kỷ X TCN.

10

Hộp kiểu hình học trong hình dạng của một cái chuồng chông cất hỏa táng cho một người phụ nữ giàu có đang mang thai, năm 850 TCN, Bảo tàng Agora cổ đại ở Athens, đặt tại Stoa of Attalus

1.3.2.

Trang trí gốm

Trên những chiếc bình được làm ở Athens (và ở mức độ thấp hơn ở các khu vực khác của Hy Lạp, bao gồm cả Euboea) vào thế kỷ thứ 10 trước Công nguyên, chúng ta thấy những mẫu đơn giản nhất trong số các hoa văn, vòng cung và vòng tròn của người Mycenae, vốn là những họa tiết hoa văn đã bị lược bỏ, được dịch thành hình thức trang trí mới bằng cách sử dụng compa và nhiều bàn chải giống như chiếc lược, tạo ra với độ chính xác sắc nét các mẫu vẽ tay lỏng lẻo của kiểu cũ hơn.

Một vài mẫu Hình học đơn giản khác được thừa nhận, nhưng vì chúng ta vẫn chưa đạt được phong cách Hình học đầy đủ của Hy Lạp, nên giai đoạn này được gọi là Protogeometric.

11

Các motif cơ bản của phong cách thiết kế Proto-Geometric Bản thân những chiếc bình được làm đẹp hơn, cân đối hơn và trang trí trên cổ hoặc bụng được sơn một cách khéo léo phù hợp với những hình dạng đơn giản, hiệu quả. Khi phong cách Protogeometric phát triển hơn, nhiều bề mặt của chiếc bình được phủ bởi lớp sơn đen. Những chiếc lọ đến từ các ngôi mộ, những chiếc chốt an toàn đơn giản bằng đồng (fibulae) và một số hình tượng bằng đất sét và đồng nguyên thủy, đặc biệt là từ Crete, một số hình thức và kỹ thuật của người Minoan vẫn còn tồn tại.

Các bức tranh của Hy Lạp vào thời kì này chỉ có thể nhìn thấy trên một số bình gốm với phong cách hình học đơn điệu.

Amphorae (vò hai quai đế nhọn có giá đỡ bằng đồng hoặc vòng gốm nâu) - Mark Cartwright

12

Phong cách Hình học hay phong cách Protogeometric hoặc “Proto-hình học” là một phong cách của Hy Lạp cổ đại gốm do Athens sản xuất giữa khoảng 1030 và 900 TCN ở giai đoạn đầu tiên của Hy Lạp tăm tối. Sau khi nền văn minh Mycenaean sụp đổ thì thời kỳ hắc ám tiếp theo của Hy Lạp mở ra, phong cách Protogeometric xuất hiện vào khoảng giữa thế kỷ 11 trước Công nguyên như là biểu hiện đầu tiên của một nền văn minh đang hồi sinh. Một bước tiến mới về sự phát triển nghệ thuật trong thời kì này đó là bánh xe thợ gốm nhanh hơn, những chiếc bình thời kỳ này được hoàn thiện hơn về mặt kỹ thuật một cách rõ rệt so với sản phẩm trước đó của Thời kỳ Hắc ám.

Terracotta oinochoe, cao 20cm, thế kỷ X TCN, Hy Lạp - Attic.

Họa tiết trang trí không còn tượng hình của người Mycenaeans, và bị hạn chế ở các kiểu hình học đơn giản hơn; thường sử dụng các đường thẳng lớn nhỏ bao quanh miệng, cổ hay bụng và các đường tròn đồng tâm hoặc bán nguyệt được vẽ bởi la bàn và nhiều bút vẽ; phổ biến còn có đường uốn khúc, đường zigzag, …

Ngoài ra còn có thể bắt gặp thêm học tiết hình tam giác nhọn được vẽ quanh đế bình, họa tiết này được các phong cách trang trí gốm về sau của Hy Lạp tiếp thu và sử dụng theo nhiều cách khác nhau. Phần lớn bề mặt được để nguyên hoặc sơn đen từng mảng lớn song song nhau. Thời kỳ này chưa có hình người trong nghệ thuật nhưng những con ngựa đã được vẽ trong khoảng thời gian này.

Người ta dùng đất sét (keramos) có sẵn ở khắp Hy Lạp để sản xuất đồ gốm (kerameikos) (tốt nhất là đất sét Attic) tạo ra màu đỏ cam cùng ánh sáng khi nung và màu xám nhạt của Corinth. Thợ gốm làm các phần riêng biệt lần lượt: chân, thân 13

dưới, thân trên, cổ, tay cầm rồi nối lại bằng “vết trượt” bằng đất sét khi khô. Vì vậy mỗi sản phẩm đều là duy nhất.

Amphora, cuối thế kỷ XI TCN, Athens, thiết kế hình học chính xác làm điểm nhấn – 9 hình tròn đồng tâm trên vai, thiết kế tương đối thưa thớt, lớn và bị chi phối bởi không gian trống với mảng lớn để trần không sơn.

Attic Protogeometric amphora (lọ lưu trữ) với thiết kế bàn cờ trên vai và các đường lượn sóng song song trên một phần lọ ở khu vực tay cầm. Sản xuất tại Athens, 950-900 TCN.

14

Màu sơn đen dùng cho trang trí khi ấy là hỗn hợp của kali kiềm hoặc soda, đất sét với hàm lượng silic và oxit sắt đen của sắt. Người ta dùng nước tiểu hoặc giấm bị cháy trong nhiệt của lò nung để kết dính sơn với đất sét. Hai màu khác là màu vàng nâu (sơn đen pha loãng) và màu đỏ sẫm (đất sơn và mangan) có xu hướng bong ra theo thời gian.

Terracotta oinochoe (bình), 725–690 TCN. Hình dạng, với chiếc cổ dài hẹp và miệng hình tam giác, và trang trí dày đặc, rất kỷ luật là đặc điểm của Corinth trong quá trình chuyển đổi từ thời kỳ Hình học muộn sang thời kỳ Proto Corinthian sớm.

Oinochoai từ Athens, năm 1050-900 TCN với thiết kế đối xứng, ngăn nắp là một đặc trưng của gốm thời kỳ này

Trefoil Oinochoai với dấu của kẹp kim loại trên cổ trong quá trình sửa chữa, được tìm thấy từ một ngôi mộ trên đảo Skyros, thế kỷ 9 TCN

15

Lekythos protogeometric từ đảo Skyros, Athens, cuối thế kỷ XI – X TCN, N.P. Bảo tàng nghệ thuật Cycladic Goulandris.

Hydria lớn từ bối cảnh danh dự ở cuối thời kỳ Protogeometric, Athens, thế kỷ IX TCN, N.P. Bộ sưu tập Goulandris.

Các hình dáng phổ biến bao gồm Amphorae (vò hai quai có đế nhọn có tay cầm ở cả bụng và cổ, thường được đỡ bằng giá đồng hoặc vòng gốm nâu) (khác với Amphora cũng là vò có hai quai nhung cong từ cổ tới chân và đế bằng), Amphora, Hydria (bình chứa nước), Oinochoai (hoặc Oinochoe - bình rượu nhỏ), Lekythos, Skyphoi (cốc không thân), Krater.

Protogeometric amphora; gốm vẽ; được tìm thấy trong nghĩa trang gốm sứ ở Athens thế kỷ X TCN, ngày nay nó được lưu giữ trong Bảo tàng gốm sứ Athens.

16

Krater có tay cầm đôi, chân cao với mặt dây chuyền hình bán nguyệt đồng tâm. Giai đoạn Protogeometric giữa cuối, cuối ngày 11-10 c. BCE.

Skyphos đất nung (cốc uống nước sâu), cuối thế kỷ IX TCN, Hy Lạp. Được biết đến với cái tên "skyphoi hình bán nguyệt mặt dây chuyền", phổ biến khắp Hy Lạp và nơi người Euboean mở rộng thương mại và thuộc. Sự đơn giản về nghệ thuật và phân bố rộng rãi của chúng đã trở thành những dấu ấn văn hóa và niên đại quan trọng.

Thiết kế đặc trưng của thời kỳ này đã gây ra ảnh hưởng lớn đối với sự phát triển của tranh gốm hay trang trí gốm trong giai đoạn lịch sử tiếp theo của Hy Lạp.

Chúng gây ra 'sự trống rỗng kinh dị', hay 'nỗi sợ hãi về không gian trống rỗng' khiến cho các sản phẩm gốm sau này phổ biến việc lấp đầy toàn bộ bề mặt bằng các chi tiết hoặc hoa văn phức tạp.

1.3.3.

Điêu khắc

Điêu khắc trong Thời kỳ tăm tối của Hy Lạp đang dần quay trở lại nhưng chưa thực sự phát triển, từ các cuộc khai quật qua nhiều năm (1964-1980) cũng tìm được 17

rất ít sản phẩm điêu khắc của thời kỳ này. Các tác phẩm vẫn chủ yếu là những bức tượng nhỏ bằng đồng và gốm, xoay quanh các chủ đề về động vật và các loài thú lai tạo. Ví dụ như bức tượng người ngựa của Lefkandi, một bức tượng nhỏ đáng chú ý về Protogeometric.

Nhân mã Lefkandi, 900 – 875 TCN được trưng bày trong bảo tàng Khảo cổ học Eretria, Hy Lạp. Ảnh: Matthew Lloyd.

Bức tượng Nhân mã Lefkandi được tìm thấy tại một tòa nhà chứa những lễ vật chôn cất tên Euboea gần làng Toumba Helladic. Ở dưới đáy của ngôi mộ đầu tiên khai quật được phần đầu tượng bằng gốm, bị vỡ ở cổ. Vài ngày sau, trên tấm bia của một ngôi mộ khác, người ta tìm thấy phần người nối với đầu này. Trong cuộc thảo luận về ấn phẩm đầu tiên của các nghĩa trang Lefkandi, PG Themelis đã đưa ra giả thuyết cho việc bức tượng bị chia hai phần, đó là phần đầu của bức tượng bị chặt đứt khỏi cổ trong một nghi lễ tôn giáo bạo lực bên cạnh mộ. Bức 18

tượng được hoàn thành có phần trên của một người đàn ông và phần dưới của một con ngựa: một con nhân mã. Được khôi phục lại, Lefkandi Centaur cao 36 cm và dài 26 cm. Vào thời điểm các tác phẩm điêu khắc hoành tráng ở Hy Lạp chưa phát triển, một tác phẩm cao như thế này chắc chắn sẽ là một vật độc đáo và biểu tượng uy tín thực sự cho (các) chủ nhân của nó. Nó vẫn còn thiếu phần cuối của đuôi và phần lớn cánh tay trái, tay đã từng cầm một thứ gì đó (có lẽ giống như những con nhân mã trong các mô tả sau này), trên vai của nó có một vết gãy rõ ràng khác. Trang trí bao phủ cơ thể của nó từ đỉnh đầu đến phần đuôi bị khuyết, ngoại trừ phần dưới của con ngựa.

Cơ thể người và bốn chân được làm bằng đất sét rắn. Thân ngựa là một hình trụ rỗng, bằng chứng là các lỗ ở phía trước và phía sau. Cơ thể này được đặt trên một bánh xe, và giống với một bức tượng Attic Stag Figurine hiện đại từ nghĩa trang Kerameikos ở Athens.

Tượng đồng của một người đàn ông và một nhân mã có niên đại vào thế kỷ VIII TCN. Không giống như một số mô tả "sơ khai" khác về nhân mã từ thế kỷ thứ tám trước Công nguyên ở Hy Lạp, Nhân mã Lefkandi có bốn chân ngựa, hai chân trước với đầu gối có núm. Ở chân trước bên trái có một vết rạch sâu, dường như cố ý tạo ra trước khi bắn. Vết rạch này dường như nhằm biểu thị một vết thương ở chân, và 19

là một trong những dấu hiệu đầu tiên cho thấy bức tượng này đại diện cho một nhân mã cụ thể. Đặc điểm tiếp theo là bàn tay còn sót lại, đặt trên hông phải của anh ấy. Năm vết rạch trên bàn tay này cho thấy anh ta có sáu ngón tay. Trong trường hợp đây có vẻ là một sai lầm, cần lưu ý rằng các ngón tay được thể hiện bằng sơn cũng như mô hình, với các chấm dày để biểu thị các đốt ngón tay.

Cận cảnh những bức ảnh chụp tay phải (trái) và chân trái (phải) của Nhân mã Lefkandi. Trước đây, hãy lưu ý năm vết rạch và các ngón tay được sơn cho thấy sáu ngón tay, bao gồm cả ngón cái. Về phần thứ hai, hãy lưu ý rằng vết chém rõ ràng có trước khi bức tượng được bắn ra, do đó cho thấy rằng nó có chủ ý.

Không giống như những con nhân mã sau này, bức tượng nhỏ Lefkandi không có bộ phận sinh dục trên cơ thể con ngựa hay con người. Trong khi các tiết mục nghệ thuật đương đại hạn chế có nghĩa là chúng ta không biết liệu người sáng tạo có thể đã miêu tả một con nhân mã có bộ phận sinh dục hay không, việc trang

20

trí cơ thể của nó có thể cho thấy rằng nhân mã Lefkandi được hiểu là đang được mặc quần áo.

Nhân mã của Lefkandi như sự khởi nguồn trong nghệ thuật cho hình tượng Nhân Mã của thần thoại Hy Lạp sau này, thậm chí tác phẩm này còn trở lại nghệ thuật của Các nền văn minh phương Đông vĩ đại. Bằng chứng biểu tượng ít ỏi còn sót lại từ thời kỳ đồ sắt sớm hạn chế hiểu biết của chúng ta về sự phát triển của thần thoại Hy Lạp vào thời điểm này, nhưng Nhân mã Lefkandi, như một bức ảnh chụp nhanh, cho thấy rằng có một kho tàng thần thoại phong phú đã từng tồn tại trong thời kỳ này.

Ngoài tượng Nhân mã của Lefkandi thì các cuộc khai quật về thời kì này các nhà khảo cổ còn tìm ra một số bức tượng điêu khắc khác.

Tượng nữ cổ xưa đất nung được làm bằng bánh xe gốm, khoảng năm 900 – 850 TCN được trưng bày tại Bảo tàng khảo cổ học

21

Ngựa đồ chơi bằng gốm trên bánh xe. Protogeometric (khoảng 900 TCN), Hy Lạp.

Tìm thấy trong mộ của một đứa trẻ. Bảo tàng Kerameikos, Athens.

Mô hình Proto-Geometric được thể hiện trên món đồ chơi này, thiết kế đơn sắc với vùng mõm và bờm để nguyên màu đất sét, phần còn lại dùng các mẫu đường thẳng hình học như bàn cờ, zigzag, mạng lưới thay vì thiết kế đường cong. Vì được chôn cùng với xác có lẽ bức tượng là món đồ chơi yêu thích của đứa trẻ quá cố.

Việc này mình chứng ở thời đó người Hy Lạp quan tâm tới việc đáp ứng nhu cầu cuộc sống con người khi còn sống và chu đáo với người đã khuất (chôn một số món đồ cùng người mất).

Bức tượng con nai nhỏ bằng đất nung sơn, năm 925 – 900 TCN,

22

Athens, Kerameikos, hiện ở Bảo tàng Inv. Trong ngôi mộ của một người phụ nữ, các nhà khảo cổ học đã tìm thấy tượng một con nai bằng đất sét với thiết kế tương tự như tượng đồ chơi của đứa bé ở trên (được cho là cùng một người thợ gốm làm ra). Người ta cho rằng mối quan hệ giữa người phụ nữ đã khuất hoặc gia đình của người này với tượng con nai được chôn cùng là sự sùng bái nữ thần Artemis Braronia.

Nhìn chung trong thời kỳ này những nét điêu khắc còn đơn giản và khá thô so với các thời kỳ trước và sau thời gian này, kỹ thuật trang trí Proto-Geometric trên gốm được sử dụng rộng rãi và phổ biến ở các tác phẩm.

1.3.4.

Kiến trúc

Sau sự sụp đổ của thế giới Mycenaean, kiến trúc của người Hy Lạp không quá phát triển hay rực rỡ như các giai đoạn sau đó nhưng đã là đánh dấu lớn cho sự tái sinh của nghệ thuật Hy Lạp. Thành tựu kiến trúc trong khoảng thời gian này là một khám phá mới trong những năm gần đây:

Nghĩa trang Toumba ở Lefkandi, một cảng trên đảo Euboea miền Trung Hy Lạp, được xây dựng khoảng năm 1000 TCN.

23

Tòa nhà ở Toumba, Lefkandi, đứng độc nhất vô nhị về thời gian và địa điểm của nó. Di tích còn lại của di tích này có ý nghĩa quan trọng về quy mô và công phu, và cũng do cách nó được tái tạo và được hiểu là tổ tiên của ngôi đền ven biển Hy Lạp.

Tòa nhà có hình dạng absidia, ban đầu có chiều dài khoảng 50 m và chiều rộng 10 m, được xây dựng trên một nền tảng lớn được san bằng. Dinh thự, có các đặc điểm kiến trúc khác thường, được định hướng theo trục đông tây, nó được chia thành nhiều phần, một hiên phía đông cho lối vào, một căn phòng phía đông, một căn phòng lớn ở trung tâm bên dưới là nơi chôn cất, một hành lang phía tây với một căn phòng phía bắc và phía nam, và một phòng apsidal ở phía tây. Ba hàng cột song song giữ mái, ở trung tâm và dọc theo mặt trong của các bức tường phía bắc và phía nam. Tòa nhà có mái tranh và có ít nhất hai mươi tám cây cột đặt 2m bên ngoài tòa nhà ở phía bắc và phía nam cho thấy rằng mái nhà tiếp tục vượt ra ngoài, tạo thành một loại hàng hiên, tiền thân của hàng cột có mái che của các ngôi đền Hy Lạp sau này. Dưới Phòng trung tâm, người ta tìm thấy một trục kép, trong một ngăn, bốn bộ xương ngựa, và trong ngăn kia, một chiếc bình hỏa táng bằng đồng của một chiến binh và bên cạnh đó là hài cốt vô nhân tính của một phụ nữ được trang điểm lộng lẫy - có lẽ là một suttee.

Tòa nhà chỉ được sử dụng trong một thời gian ngắn trong Thời kỳ Protogeometric giữa. Vẫn trong giai đoạn này, nó đã được tháo dỡ một phần và một bức tường ngăn được xây dựng ở đầu phía đông của cấu trúc. Sau đó, nó được lấp đầy và được bao phủ bởi một gò đất bao gồm đá cuội, bùn và đất.

24

Tòa nhà hình chóp lớn dựng bằng gạch và gỗ trên đá. Phía trong chứa hai ngôi mộ như một ngôi đền cho anh hùng của cung điện, có đồ trang bị bằng các vật ngoại lai, những chiếc exotica, từ Levant và Ai Cập, là những điềm báo của một cuộc cách mạng Đông hóa.

Cả hai ngôi mộ đều là một trục: một ngăn khoét sâu vào lòng đất và được đắp bằng phiến đá. Mộ 1 là 140 cm x 90 cm, trong khi Mộ 2 là 200 cm x 115 cm, cho thấy rằng ngôi mộ sau dành cho một người lớn hơn trước.

Người đàn ông (30 - 45 tuổi) và người phụ nữ (25 - 30 tuổi) được chôn trong một ngăn lót bằng gạch bùn và trát bằng đất sét. Người đàn ông được hỏa táng, tro được đặt trong một chiếc đồng krater (bát miệng rộng) vốn đã cũ từ cuối thế kỷ 13 đến đầu thế kỷ 11 trước Công nguyên, loại của người Síp có vành trang trí hình động vật và những người thợ săn của chúng. Được gấp lại và đóng gói bên trong là một tấm vải liệm, một tấm vải lanh được gấp lại và khâu bên hông, được bảo quản tốt một cách đáng ngạc nhiên trong thời kỳ này; đặt bên cạnh miệng núi lửa là một thanh kiếm sắt, một mũi nhọn và một viên đá mài. Người phụ nữ không được hỏa táng; bộ xương của cô ấy, với chân bắt chéo và tay bắt chéo trước bụng, được bao phủ bởi đồ trang sức bằng vàng. Bộ xương của 4 con ngựa được phát hiện ở ngăn bên cạnh.

25

Tất cả các nghĩa trang ở Lefkandi đều để lộ đồ trang sức bằng vàng và đồng, nhưng Toumba luôn là nơi giàu có nhất, ngay cả trước khi phát hiện ra những ngôi mộ trong tòa nhà hình chóp hoành tráng dường như đã khởi xướng nghĩa trang.

Susan Langdon đưa ra suy đoán rằng mối quan hệ giữa hai ngôi mộ có thể là do sư phạm. Người cư ngụ trong Lăng mộ 2, với con dao và dây quấn của họ, có thể là một cá nhân đặc biệt, có lẽ là một người chữa bệnh như Chiron, trong khi người nhỏ hơn trong Lăng mộ 1 có thể là người học việc trẻ tuổi của họ (Langdon 2008, trang 71-74). Trên cơ sở đồ trang sức, Langdon tin rằng cá nhân trong Ngôi mộ 1 có thể là một cô gái, được kết nối với Chiron vì biểu tượng của sự chữa lành.

Kiến trúc từ thời kỳ này đã mang những đặc điểm khá giống với các thời gian sau đó như công trình có chiều dài lớn, cột trụ bố trí rải đều xung quanh 4 mặt, mái lớn hình chóp tam giác cân (có trụ chạy theo trục ở giữa công trình). Nhưng về sau, các thời kỳ tiếp theo phần cột và mái được biến tấu mang đậm đặc trưng của nghệ thuật Hy Lạp. Từ giai đoạn này chúng ta đã thấy người Hy Lạp có tư duy về hình học, về cấu trúc không gian trong nghệ thuật dù còn đơn giản mà vô cùng chính xác và có thẩm mỹ cao. Tòa nhà Toumba và các hầm chôn cất bên dưới nó cho đến nay là những phát hiện đáng kinh ngạc nhất từ Lefkandi. Tòa nhà ở Toumba không chỉ

26

là một trong những công trình sớm nhất (1000-950 TCN), mà còn là công trình kiến trúc lớn nhất được biết đến từ thời kỳ đen tối của Hy Lạp.

1.4.

Tổng kết

Nhìn chung ở thời kỳ Homer, sau khi nền văn minh Mycenae sụp đổ, người Hy Lạp bước vào thời kỳ đen tối hay còn gọi là thời kỳ Hắc ám. Trong ba thế kỷ đó, người Hy Lạp đã cố gắng xây dựng lại nền nghệ thuật đã mất. Bước vào khởi đầu mới, với những bước tiến mới dù chưa thực sự nổi bật, rực rỡ nhưng là những đánh dấu quan trọng trong công cuộc tái sinh nên nền nghệ thuật của riêng thời đại này.

Sự phát triển của thời này còn là sự thúc đẩy mạnh mẽ, gây ảnh hưởng lớn tới sự hình thành nên các nghệ thuật của giai đoạn sau này, trở thành cảm hứng nghệ thuật của nhiều nơi trên thế giới.

27

28

2. Thời kỳ thành bang 2.1. Thời kỳ Hy Lạp viễn cổ 2.1.1

Tổng quan về thời kỳ Hy Lạp viễn cổ (800 – 500 TCN)

Hy Lạp bắt đầu xuất hiện từ Thời kỳ Đen Tối, sau sự sụp đổ của nền văn minh Mycenaean. Hy Lạp được chia thành nhiều cộng đồng nhỏ tự quản, một mô hình phần lớn do địa lý Hy Lạp quy định, nơi mọi đảo, thung lũng và đồng bằng đều bị chia cắt với các nước láng giềng bởi biển hoặc dãy núi.

Tình hình chính trị: Đơn vị hành chính cơ bản ở Hy Lạp cổ đại là các thành bang. Thông thường giữa các thành bang hay xảy ra xung đột với nhau để tranh giành lãnh thổ, trong đó hai thành bang Athena và Sparta là có ảnh hưởng đặc biệt trong lịch sử của Hy Lạp. Thời kỳ đầu, các thành bang theo chế độ quân chủ.

Nhưng về sau, đặc biệt là ở Athena, nền dân chủ đã được thành lập. Tuy nhiên chế độ dân chủ ở Hy Lạp cổ rất khác so với ngày nay vì chỉ có những công dân nam giới mới được quyền bầu cử. Chế độ chiếm hữu nô lệ phát triển mạnh ở Hy Lạp cổ đại.

Về nghệ thuật: Trong nghệ thuật thị giác, thời kỳ cổ xưa được đặc trưng bởi sự thay đổi theo hướng phong cách đại diện và tự nhiên. Đó là thời kỳ mà nghệ thuật điêu khắc hoành tráng du nhập vào Hy Lạp, và trong đó phong cách gốm Hy Lạp đã trải qua những thay đổi lớn , từ những hoa văn lặp lại của thời kỳ hình học muộn cho đến những chiếc bình có hình màu đỏ sớm nhất . Phần đầu của thời kỳ cổ đại đã chứng kiến những ảnh hưởng phương Đông hóa đặc biệt, cả trong đồ gốm và điêu khắc.

2.1.2

Kiến trúc Hy Lạp viễn cổ

Thời kỳ Hy Lạp chính thống xuất hiện các loại hình kiến trúc công cộng như quảng trường tôn giáo Acropolis, quảng trường thương mại Agora, đền thờ, nhà hát, kịch trường, phòng nghị sự, sân vận động …

Quảng trường cổ đại Agora ở Athens là ví dụ nổi tiếng nhất của một khu vực Hy Lạp cổ đại, nằm ở phía Tây Bắc của Acropolis và được bao quanh về phía Nam 29

bởi đồi Areopagus và phía Tây bởi ngọn đồi Agoraios Kolonos. Quần thể kiến trúc công cộng phổ biến Agora – quảng trường công cộng, mang tính dân dụng. Diện tích các Agora chiếm khoảng 5% diện tích đất thành phố. Những Agora “đời đầu” có hình dạng bất quy tắc song từ cuối thế kỷ IV trở đi, nó có dạng hình học nhất định và xung quanh là các hàng cột thức hai tầng. Trung tâm Agora có đặt bàn thờ và tượng thần. Trong lịch sử Hy Lạp, ngay từ thế kỷ thứ 9 tới thứ 7 TCN, các công dân là người nam tự do phải tập họp ở Agora để nhận lệnh thi hành nghĩa vụ quân sự hoặc nghe công bố các quyết định của nhà vua hoặc của hội đồng. Sau này, tại đây thường diễn ra các lễ hội, tiến hành thi đấu thể dục thể thao, bình luận văn chương, diễn thuyết, ngâm thơ và biểu diễn kịch, ngoài ra còn có thể trao đổi, mua bán.

"Agora" nghĩa là "nơi giao dịch/chợ" của người Bỉ. Khu chợ Cổ đại Agora ở Athens (Ancient market in Athens) vừa là nơi trao đổi hàng hóa, vừa có ý nghĩa chính trị, kinh tế và văn hóa. Nhưng chỉ có đàn ông mới có thể ra vào nơi này. Điểm đặc sắc nhất của khu chợ cổ là Bảo tàng Agora cổ đại, nơi lưu giữ nhiều nhu yếu phẩm hàng ngày như đồ gốm và bình được khai quật tại đây. Hàng cột bên ngoài các gian hàng là phần duy nhất được khôi phục hoàn toàn, so với các di tích Hy Lạp cổ đại.

Mặt bằng Agora trong đô thị Hy Lạp cổ đại 30

Agora cổ đại Đền Isthmia là một cổ ngôi đền Hy Lạp trên eo đất Corinth dành riêng cho thần Poseidon – thần của biển cả và động đất, được xây dựng trong thời kỳ Archaic vào thế kỷ VII TCN (khoảng năm 690 đến 950 TCN). Tuy nhiên sau đó đã bị phá hủy vào năm 470 TCN và được xây dựng lại thành đền thờ Poseidon tại Isthmia vào năm 440 TCN trong thời kỳ Cổ điển. Đền được xây dựng tại khu vực Coirnthia, dài 40,05m và rộng 14.018m. Nó là khu bảo tồn Panhellenic và là địa điểm cuối cùng của một trong bốn Đại hội thể thao Pan-Hellenic từ thế kỷ VI (khoảng năm 581 TCN). Đại hội thể thao Isthmian được tổ chức gần Đền Isthmia để tôn vinh Poseidon là một trong bốn Lễ hội điền kinh lớn của Hy Lạp cổ đại.

Đền thờ thần Poseidon

31

Đền Hera hoặc Heraion là một cổ xưa đền ở Corfu , Hy Lạp , được xây dựng khoảng 610 TCN ở thành phố cổ Korkyra (hoặc Corcyra), trong những gì được biết đến ngày hôm nay như Palaiopolis. Khu bảo tồn Hera tại Mon Repos được coi là một ngôi đền lớn, và là một trong những ví dụ sớm nhất về kiến trúc Hy Lạp cổ đại.

Đền Hera, Mon Repos Các nhân vật như sư tử, gorgoneions và Daidala thiếu nữ được làm bằng đất nung, lấy cảm hứng từ huyền thoại truyền thống trên khắp Địa Trung Hải để trang trí trên nóc đền thờ làm cho nó trở thành một trong những ngôi đền trang trí phức tạp nhất của Archaic Hy Lạp và là dự án xây dựng mái nhà đầy tham vọng nhất vào thời điểm đó. Được xây dựng ở giới hạn phía tây của Mon Repos, trên đỉnh Đồi Analipsis, khu bảo tồn của Hera rất dễ nhìn thấy đối với những con tàu đến gần bờ sông của thành phố cổ Korkyra.

Các cuộc khai quật của các nhà khảo cổ học Hy Lạp đã được thực hiện trên hầu hết diện tích của ngôi đền và những mảnh vỡ kiến trúc mà họ phát hiện được được lưu trữ tại Bảo tàng Khảo cổ học Corfu. Các cuộc khai quật đã tìm thấy bằng chứng cho thấy một khu bảo tồn đã tồn tại vào đầu thế kỷ VII TCN, một cấu trúc chính hoàn chỉnh với các cấu trúc phụ trợ và một mái vòm . Một trận hỏa hoạn lớn đã phá hủy ngôi đền vào thế kỷ V TCN nhưng khu bảo tồn đã được xây dựng lại và mở rộng và một ngôi đền mới được xây dựng vào thế kỷ IV TCN. Ngôi đền mới đã 32

bị phá hủy hoàn toàn trong thời kỳ Venetian và Byzantine do đá của nó bị cướp bóc và được lấy ra làm vật liệu xây dựng. Đây là ngôi đền cổ nhất trên đỉnh Olympia và là một trong những ngôi đền đáng kính nhất ở Hy Lạp. Ban đầu nó là một ngôi đền chung của Hera và Zeus, thủ lĩnh của các vị thần, cho đến khi một ngôi đền riêng được xây dựng cho ông. Chính tại bàn thờ của ngôi đền hướng đông - tây này, ngọn lửa Olympic được thắp sáng và mang đi khắp nơi trên thế giới. Ngọn đuốc của ngọn lửa Olympic được thắp sáng trong đống đổ nát của nó cho đến ngày nay. Ngôi đền được xây dựng vào khoảng năm 590 TCN, nhưng đã bị phá hủy bởi một trận động đất vào đầu thế kỷ IV SCN.

Đền Hera, Olympia Đền Artemis là một Archaic ngôi đền Hy Lạp ở Corfu , Hy Lạp , được xây dựng trong khoảng 580 trước Công nguyên ở thành phố cổ Korkyra (hoặc Corcyra).

Nó được tìm thấy trong khuôn viên của tu viện Saint Theodore, nằm ở ngoại ô Garitsa. Ngôi đền được dành riêng cho Artemis . Nó được biết đến là ngôi đền Doric đầu tiên được xây dựng độc quyền bằng đá . Nó cũng được coi là tòa nhà đầu tiên kết hợp tất cả các yếu tố của phong cách kiến trúc Doric . Rất ít phù điêu đền thờ Hy Lạp từ thời Cổ đại vẫn còn tồn tại, và các mảnh lớn của nhóm từ pediment là những phần còn sót lại đáng kể sớm nhất.

33

Ngôi đền là một tòa nhà kiểu ngoại vi với cấu hình giả bên ngoài . Chu vi của nó là hình chữ nhật, với chiều rộng 23,46m và chiều dài 49m với hướng về phía đông để ánh sáng có thể chiếu vào bên trong ngôi đền lúc mặt trời mọc. Đây là một trong những ngôi đền lớn nhất vào thời đó. Ngôi đền đã được mô tả là một cột mốc quan trọng của kiến trúc Hy Lạp Cổ đại và là một trong 150 kiệt tác của kiến trúc phương Tây.

Đền Artemis, Corfu

Ngôi đền có một bệ thờ đồ sộ được xây dựng hình chữ nhật, sừng sững ở phía trước của đền. Nó rộng 2,7m, dài25 m. Chỉ 8m phần phía bắc của nó còn tồn tại. phần còn lại của bàn thờ xây dựng dưới nền móng.

Mặt trước và mặt sau của ngôi đền có hai bệ thờ, trong đó chỉ có bệ phía tây còn tồn tại trong tình trạng tốt, còn bệ phía đông nằm trong các mảnh vỡ. Các trán tường được trang trí bằng những nhân vật huyền thoại, điêu khắc ở cao. Đây là ví dụ đầu tiên được biết đến về một bệ được trang trí ở Hy Lạp. Cả hai bệ dường như được trang trí theo cách giống hệt nhau và chúng có một bức phù điêu lớn của Gorgon Medusa , cao hơn 9 ft. Mặt cắt cao 9 ft. 4 inch ở tâm. Các tác phẩm điêu 34

khắc được kết hợp trong các bệ đỡ này được coi là các mẫu vật quan trọng đầu tiên của nghệ thuật điêu khắc Hy Lạp từ một tòa nhà Doric. Phôi tích phía tây cùng với các mảnh vỡ kiến trúc khác được trưng bày tại Bảo tàng Khảo cổ học Corfu. Đền thờ Artemis ở Corfu và đền Parthenon là những ngôi đền Hy Lạp duy nhất có tám cột giữa antae. Đền thờ Apollo tại Corinth là một trong những đền thờ Doric sớm nhất ở Peloponnese và đại lục Hy Lạp. Được xây dựng vào khoảng năm 560 TCN, bằng đá vôi địa phương bằng đá vôi trên đỉnh một ngọn đồi đá hùng vĩ ở phía bắc Acrocorinth, đền thờ Archaic là biểu tượng cho thành phố Corinth của Hy Lạp, phản ánh sự phát triển và thịnh vượng của thành phố này.

Ngôi đền nằm ở ngoại vi, được bao quanh bởi một operon gồm 42 cột đá vôi nguyên khối (6 × 15), cao hơn 7m cao. Cấu trúc trung tâm của nó được chia thành ba phần: một gian phòng với hai cột chống (pronaos), một căn phòng hình chữ nhật, thuôn ở trung tâm được chia thành hai phần (cella), và một căn phòng phía sau với hai cột chống (opisthodomos).

Đền thờ Apollo tại Corinth Vào thời kỳ La Mã, khi thành phố Corinth bị người La Mã tái chiếm, Đền thờ Apollo đã được cải tạo để làm nơi thờ phụng Hoàng đế. Trong thời kỳ Byzantine, một vương cung thánh đường được xây dựng trên phần phía đông bắc của Đồi Đền, trong khi vào thời Ottoman, phần phía đông của ngôi đền đã bị phá bỏ và một nơi ở mới của Bey Thổ Nhĩ Kỳ địa phương được xây dựng trên đỉnh tháp của nó.

35

Ngày nay, mặc dù chỉ có bảy cột đứng của pteron phía tây và một phần của crepis và nền móng của nó được bảo tồn, nhưng di tích là biểu tượng của Di tích Khảo cổ học Cổ Corinth, và vẫn là một trong số ít các ngôi đền Hy Lạp Cổ đại còn đứng trên thế giới.

2.1.3

Nghệ thuật điêu khắc và đồ gốm.

Tác phẩm điêu khắc của Hy Lạp cổ đại từ năm 800 đến năm 300 TCN lấy cảm hứng từ nghệ thuật tượng đài của Ai Cập và Cận Đông, và phát triển thành một tầm nhìn độc đáo của Hy Lạp về loại hình nghệ thuật này. Các nghệ sĩ Hy Lạp đã chụp lại hình dáng con người theo một cách chưa từng thấy trước đây khi các nhà điêu khắc đặc biệt quan tâm đến tỷ lệ, dáng vẻ và sự hoàn hảo lý tưởng của cơ thể con người.

Các hình điêu khắc Hy Lạp bằng đá và đồng đã trở thành một số tác phẩm nghệ thuật dễ nhận biết nhất từng được sản xuất bởi bất kỳ nền văn minh nào và tầm nhìn nghệ thuật Hy Lạp về hình dạng con người đã được sao chép nhiều trong thời cổ đại và kể từ đó.

Kouros là một bức tượng của một thanh niên khỏa thân đứng không đại diện cho bất kỳ một thanh niên nào mà là ý tưởng của tuổi trẻ. Ở Hy Lạp cổ đại được sử dụng như một sự hiến dâng cho các vị thần trong các khu bảo tồn và như một đài kỷ niệm nghiêm trọng, kouros tiêu chuẩn đứng với chân trái của mình về phía trước, hai tay ở hai bên và nhìn thẳng về phía trước. Được chạm khắc từ bốn phía, bức tượng vẫn giữ nguyên hình dạng chung của khối đá cẩm thạch. Các nhà điêu khắc Hy Lạp cổ đại đã giảm giải phẫu và cơ bắp của con người trong những bức tượng này thành hoa văn trang trí trên bề mặt đá cẩm thạch.

36

Tượng Kouros 530 TCN và tượng Kouros 600 TCN tại đền Poseidon Các kouros là hiện thân của nhiều lý tưởng của nền văn hóa quý tộc của Hy Lạp cổ đại. Một trong những lý tưởng như vậy của thời kỳ này là sở trường , là sự kết hợp của vẻ đẹp đạo đức và thể chất và sự cao quý. Arete được kết nối chặt chẽ với kalokagathia, nghĩa đen là một thuật ngữ tổng hợp để chỉ đẹp và tốt hoặc cao quý. Viết vào giữa những năm 500 trước Công nguyên, nhà thơ Hy Lạp Theognis đã tóm tắt ý kiến này là "Cái gì đẹp thì được yêu, và cái gì không đẹp thì không được yêu". Trong một xã hội coi trọng tuổi trẻ và vẻ đẹp nam giới, biểu hiện nghệ thuật của thế giới quan này là kouros. Thật vậy, khi nhà thơ Simonides viết về arete vào cuối những năm 500, ông đã sử dụng một phép ẩn dụ dường như được rút ra từ kouros: "Trong tay chân và trí óc như nhau / thời trang không có khuyết điểm."

Tác phẩm điêu khắc Pedimental

37

Di tích tại đền Artemis, Corfu khoảng 580 TCN

Những con báo đóng vai trò như những người canh gác đền thờ và chúng nhìn ra bên ngoài như thể để kiểm tra trực quan lãnh địa của chúng. Ở góc bên kia được cho là Zeus khi còn trẻ đang giết một người khổng lồ bằng tiếng sét của mình. Ở phía đối diện, người ta cho rằng đó là 1 chiến binh đã chết.

Zeus dung sét giết người khổng lồ Trong thần thoại kinh điển, Medusa trở thành một sinh vật quái dị do bị thần thánh trừng phạt. Khi cô vẫn còn là con người, Poseidon đã cưỡng bức cô bên trong đền thờ Athena . Nữ thần đã hướng sự tức giận của mình về phía nạn nhân. Trong một phiên bản khác của câu chuyện, Athena đã nguyền rủa Medusa sau khi cô tuyên 38

bố mình xinh đẹp hơn Nữ thần. Tuy nhiên, hình phạt vẫn giữ nguyên. Medusa trở thành một con quái vật với tóc là những con rắn, một con quái vật gớm ghiếc đến mức biến bất cứ ai nhìn cô ấy thành đá.

Medusa được điêu khắc lớn nhất và chi tiết nhất. Cô ấy được chạm khắc bằng những hình dạng đậm nét với các chỉ dẫn rõ ràng về quần áo và các đặc điểm trên khuôn mặt. Phần trang trí cũng khá ấn tượng. Những con rắn kéo dài từ vai Gorgon trong khi những con khác tạo thành một vành đai quanh eo cô ấy. Cũng có những dấu hiệu về đôi cánh giống như các mô tả khác về Medusa vào thời điểm đó.

Medusa tại Đền Artemis ở Corfu, trong Bảo tàng Khảo cổ học Corfu Medusa là trung tâm của sự chú ý không thể kiểm soát và là nhân vật 'sống động' nhất trong tất cả các nhân vật. Chân và tay của cô ấy được uốn cong theo kiểu chong chóng để thể hiện cô đang chạy trốn. Đây là một tư thế thông thường được gọi là Knielaufschema.

Khung cảnh được miêu tả là không đúng thời kỳ. Con cái của Medusa không được sinh ra cho đến sau khi cô qua đời nhưng con cô vẫn xuất hiện trên bức điêu khắc. Điều này có nghĩa là chúng ta đang chứng kiến những cảnh khác nhau của thần thoại cùng một lúc, đó là một đặc điểm chung trong nghệ thuật Hy Lạp.

39

Lady of Auxerre là một bức tượng đá vôi nhỏ chỉ cao khoảng 75 cm. Người ta cho rằng nó được tạo ra ở Crete vào khoảng năm 630 TCN, mặc dù việc tạo ra cô có ảnh hưởng từ nhiều nền văn minh cổ đại. Mục đích của Lady of Auxerre đang gây tranh cãi rộng rãi. Người ta đã tranh luận rằng cô ấy chỉ đơn giản là đại diện cho một thiếu nữ hay thậm chí là một nữ thần Hy Lạp. Đầu của cô ấy có hình tam giác,, và cơ thể của cô ấy có các yếu tố của kỹ thuật hình học. Điều này cùng với cách trang điểm của cô ấy chỉ ra những ảnh hưởng của Hy Lạp. Mái tóc và dáng đứng của cô ấy thể hiện mối liên hệ chặt chẽ với nghệ thuật Ai Cập. Tỷ lệ phần thân của cô ấy so với phần thân dưới của cô ấy không chính xác về cơ thể nhưng lại là một điểm tương đồng nổi bật khác với văn hóa Ai Cập. Bức tượng đeo thắt lưng và có đường viền tương đối hẹp, tượng trưng cho tác phẩm nghệ thuật của Mycenaen.

Peplos Kore là một bức tượng của một cô gái và một trong những ví dụ nổi tiếng nhất của nghệ thuật Archaic Hy Lạp . Bức tượng bằng đá cẩm thạch trắng cao 118 cm (46 in) được làm vào khoảng năm 530 TCN và ban đầu được sơn màu. ( peplos là loại áo choàng hoặc vải giống như khăn choàng khoác trên người ). Nó được chạm khắc từ đá cẩm thạch Parian hạt mịn, vẫn còn dấu vết của lớp sơn ban đầu.

Tên của bức tượng xuất phát từ tấm áo len nặng mặc bởi những cô gái ( tiếng Hy Lạp: κόρη, kore ). cô gái mặc một chiếc áo chiton mỏng Hàn Quốc ló ra từ tay áo và viền áo. Các lỗ khoan trên đầu và vai cho thấy bức tượng được trang trí bằng đồ trang trí đầu bằng đồng (có thể là một vòng hoa) và xương đòn ở vai . Cánh tay trái được làm từ một mảnh đá riêng biệt và hiện đã mất.

40

Theo ý kiến của Brinkmann, loại tượng này không miêu tả các cô gái phàm trần mà là các nữ thần.

Gorgoneion là thuật ngữ dùng để chỉ đầu và mặt của Medusa, thường được dùng làm họa tiết trang trí trong kiến trúc và nghệ thuật nói chung. Trong nghệ thuật của thời kỳ đó, người ta có chủ đích tạo ra 1 nhân vật dễ nhận biết với khả năng kích hoạt nỗi sợ hãi ngay lập tức.

Mái ngói, 540 TCN, qua Bảo tàng Nghệ thuật Metropolitan, New York Biểu tượng và đại diện của Medusa chỉ thay đổi trong thời kỳ Hy Lạp hóa .

Sau đó, từ một biểu tượng của sự kinh dị, cô trở thành biểu tượng của vẻ đẹp nguy hiểm. Điều này đã mở rộng khả năng thể hiện nghệ thuật về hình ảnh của Medusa.

Vật liệu được ưa chuộng khác trong điêu khắc Hy Lạp là đồng. Thật không may, vật liệu này luôn được yêu cầu để sử dụng lại, trong khi đá cẩm thạch bị hỏng không được ai sử dụng nhiều, và vì vậy tác phẩm điêu khắc bằng đá cẩm thạch đã được lưu giữ tốt hơn. Do đó, số lượng các ví dụ còn sót lại của tác phẩm điêu khắc bằng đồng rất ít. Tại các địa điểm khảo cổ, chúng ta có thể thấy những hàng cột đá trơ trọi, những nhân chứng thầm lặng cho sự mất mát của nghệ thuật.

41

Ngựa đồng hình học, người đồng và nhân mã thế kỷ VIII TCN

Tượng đôi ngựa và tượng ngựa mẹ ngựa con bằng đồng, thế kỷ VIII TCN

Tượng bò bằng đồng, thế kỷ VII TCN

42

2.1.4

Nghệ thuật đồ gốm

Rõ ràng là trong những thế kỷ đầu, Athens là lực lượng hàng đầu, nếu không muốn nói là luôn thống trị, trong lĩnh vực gốm vẽ. Không chỉ các mẫu trang trí tuyến tính phức tạp được trau chuốt và triển khai với khả năng kiến tạo dễ thấy, mà dường như được thúc đẩy bởi mong muốn mô tả nghi lễ danh dự trên những chiếc bình hoành tráng vốn là mốt thời thượng trong khoảng một thế hệ làm điểm đánh dấu mộ, kiểu dáng phù hợp đã được phát minh vào khoảng năm 760 TCN vào đầu thời kỳ Hình học muộn.

Pythos là một bình gốm có kích thước lớn có hình dạng của một quả bóng hoặc quả trứng (đầu nhọn hướng xuống), gợi nhớ đến một chiếc amphora . Tuy nhiên, pithos thường không có đáy sắc nhọn mà là đáy phẳng cho phép nó đứng vững và thường có các thiết bị vận chuyển ở phần trên, qua đó các dây cáp được kéo để di chuyển các tàu. Pithos có thể có từ bốn đến sáu tay cầm. Bề mặt của pithos có thể nhẵn hoặc được trang trí bằng hoa văn ruy băng. Theo màu sắc, pithos có nhiều loại từ màu be, màu cát đến màu nâu và hơi đỏ. Trên chiếc pythos, được làm theo phong cách của Kamares trong thời đại Minoan , người ta mô tả cá.

Pythos chạm nổi thế kỷ VII TCN Kỹ thuật gốm hình đen là một phong cách vẽ gốm cổ Hy Lạp, trong đó trang trí xuất hiện bằng màu đen trên nền đỏ.

43

Kỹ thuật trang trí được chỉ định với sự thể hiện của các hình đen có tên là vì trước khi nung thủy tinh , người thợ gốm đã vẽ bóng của các hình bằng màu đen , thể hiện các chi tiết bên ngoài bằng một trò chơi khéo léo và phong phú. các vết rạch. –Bằng kim loại hoặc điểm xương- để lộ màu sắc tự nhiên của đất sét , và thêm một số màu trắng và đỏ sẫm nếu cần.

Hệ thống trang trí cho bức tranh bình hoa này đã được đưa vào đồ gốm Corinthian khoảng năm 700 TCN.

Áp mái hình đài hoa 530 TCN

Cốc Gorgon Medusa, 530 TCN, qua Bảo tàng Nghệ thuật Metropolitan, New York Amphorae vốn được sử dụng với số lượng lớn để vận chuyển và lưu trữ các sản phẩm khác nhau, cả chất lỏng và khô, nhưng chủ yếu là để làm rượu vang.

44

Chúng thường là gốm , nhưng người ta đã tìm thấy các ví dụ về kim loại và các vật liệu khác. Các phiên bản của amphorae là một trong nhiều hình dạng được sử dụng trong bức tranh bình cổ Hy Lạp.

Amphorae cổ bằng đất nung (lọ), thế kỷ 500 TCN Chiếc bình mô tả một câu chuyện được lưu giữ trong Theogony của Hesiod.

Hera, nữ hoàng của các vị thần, gửi Iris, sứ giả thần thánh, cùng với con sư tử sẽ tàn phá vùng Nemea. Ở phía bên kia, Herakles vật lộn với sư tử khi Athena đứng bên cạnh để đảm bảo một kết quả thành công.

2.1.5

Đánh giá thời kỳ viễn cổ Hy Lạp

Nghệ thuật Hy Lạp cổ đại nổi bật trong số các nền văn hóa cổ đại khác nhờ sự phát triển của nghệ thuật miêu tả cơ thể con người theo chủ nghĩa tự nhiên nhưng được lý tưởng hóa, trong đó phần lớn các nhân vật nam khỏa thân thường là trọng tâm của sự đổi mới. Tốc độ phát triển phong cách từ khoảng năm 750 đến 300 trước Công nguyên là đáng chú ý theo các tiêu chuẩn cổ đại, và những tác phẩm còn sót lại được thấy rõ nhất trong nghệ thuật điêu khắc . Có những đổi mới quan trọng trong hội họa, về cơ bản phải được phục dựng lại do không còn chất lượng nguyên bản, ngoài lĩnh vực gốm vẽ riêng biệt.

Kiến trúc Hy Lạp , về mặt kỹ thuật rất đơn giản, tạo nên một phong cách hài hòa với nhiều quy ước chi tiết, phần lớn được áp dụng bởi kiến trúc La Mã và vẫn 45

được tuân theo trong một số tòa nhà hiện đại. Nó sử dụng vốn từ vựng về đồ trang trí được dùng chung với đồ gốm, đồ kim loại và các phương tiện khác, và có ảnh hưởng to lớn đối với nghệ thuật Á-Âu , đặc biệt là sau khi Phật giáo đưa nó vượt ra khỏi thế giới Hy Lạp mở rộng do Alexander Đại đế tạo ra . Bối cảnh xã hội của nghệ thuật Hy Lạp bao gồm những phát triển chính trị triệt để và sự gia tăng thịnh vượng; những thành tựu ấn tượng không kém của Hy Lạp trong triết học , văn học và các lĩnh vực khác được nhiều người biết đến.

Nghệ thuật trong thời kỳ cổ đại được mô tả là tự nhiên hơn trong cách miêu tả của nó so với thời kỳ hình học. Một số hình thức chính của tác phẩm nghệ thuật là gốm, hội họa, điêu khắc và kiến trúc. Bởi vì sự giao thương giữa các nước phương Đông khác nhau, có ảnh hưởng rộng rãi của phương Đông đáng chú ý đối với bình và bình. Nhiều động vật hơn như sư tử, chó săn và nhân sư được vẽ và các nghệ sĩ sử dụng các họa tiết trang trí như đường cong và hoa văn.

Hình dáng con người không chỉ được miêu tả trong tranh trên gốm mà còn trong điêu khắc. Điều này được thể hiện rõ ràng trong các tác phẩm điêu khắc hình người có kích thước khác nhau được tạo ra từ đá. Trong khi có chủ nghĩa hiện thực trong chân dung của họ, cũng có một chủ nghĩa duy tâm phần lớn bị ảnh hưởng bởi người Mycenaeans và sự phô trương sức mạnh và sức mạnh thể chất của hình thức nam tính.

Nghệ thuật Hy Lạp được đặc trưng bởi sự miêu tả vẻ đẹp của nó một cách lý tưởng hóa. Các hình tượng trong điêu khắc đặc biệt trở nên tự nhiên hơn trong cách khắc họa của chúng liên quan đến tỷ lệ và sự cân bằng. Kỹ thuật contrapposto nổi tiếng được kết hợp rộng rãi, bổ sung thêm một yếu tố năng động mới cho hình vẽ được khắc họa. Nghệ thuật Hy Lạp mô tả niềm tin vào sự tương đồng của toán học với vẻ đẹp.

46

2.2. Hy Lạp cổ điển 2.2.1. Tổng quan về thời kỳ Hy Lạp Cổ điển ❖

Chiến tranh định hình thế giới: Vào thế kỷ V TCN, Hy Lạp nằm dưới

sự thống trị của người Ba Tư. Do đó các thành bang Hy Lạp, đứng đầu là thành Athens quyết định liên kết lại để đánh đuổi quân Ba Tư. Năm 490 - 480 TCN với hai chiến thắng lớn trên thuỷ và trên bộ, người Hy Lạp đã giành lại được chủ quyền và bước những bước tiến dài trên chặng đường phát triển. ❖

Sự thống trị của người Athen: Sự thất bại của Ba Tư cho phép Athens

thống trị Hy Lạp cổ đại về mặt chính trị, kinh tế và văn hóa. Liên đoàn Delos duy trì an toàn biên giới ở các đảo Aegean và trên bờ biển của Tiểu Á. Kho bạc của Liên đoàn được lưu giữ trên hòn đảo thần thánh Delos, nhưng vào năm 454/453 trước Công nguyên, nó đã được chuyển đến Acropolis của Athens. Điều này khiến Athens trở thành cường quốc giàu có cuối cùng đã phát triển thành nền dân chủ đầu tiên.

Những mảnh gốm Ostraca của Hy Lạp được sử dụng như một lá phiếu bầu cử, được tìm thấy tại Acropolis của Athens, 482 TCN, Bảo tàng Agora ở Athens

❖

Nghệ thuật Hy Lạp thời kỳ này đã đạt tới độ chín và bước vào thời kỳ

hoàng kim. Đây chính là thời kỳ đã sản sinh ra những tác giả vĩ đại như Aischylos, Sophokles và Euripides, là thế kỷ của những kiệt tác của Aristophanes, thế kỷ của những nền tảng cơ bản của lịch sử nghệ thuật hiện đại và của những tư tưởng triết học Socrate và Platon. Và thời kỳ này cũng cho ra đời những tỷ lệ hoàn hảo, những chuẩn mực lý tưởng về vẻ đẹp cơ thể của con người trong kiến trúc và trong nghệ thuật, là nền tảng của nghệ thuật châu Âu suốt thời kỳ Phục Hưng sau này.

47

2.2.2. Kiến trúc Hy Lạp cổ điển Dưới sự lãnh đạo của Pericles (429 TCN), Hy Lạp bước vào thời kỳ chế độ dân chủ - nô chủ với thủ đô là Athens, trung tâm tôn giáo, nghi lễ tinh thần là Acropole - nơi mà Pericles đã khởi xướng xây dựng những công trình quy mô lớn, đồ sộ, trong đó tiêu biểu là quần thể Acropolis ở Athens. Acropole là biểu tượng của tinh thần Hy Lạp cổ đại, là bài thơ ca ngợi chiến thắng của Hy Lạp trước quân Ba Tư. Được đặt trên một khu vực bằng phẳng, dài từ Đông sang Tây 300m, rộng từ Bắc xuống Nam 130m và cao 70m. Acropole có ba đền thờ thờ nữ thần Athena - nữ thần bảo vệ thành phố, đó là đền Parthenon, đền Erechtheion và đền Athena Nike.

Acropole, Athens

Kết quả đáng chú ý nhất của chiến dịch xây dựng công trình công cộng của Pericles là Parthenon tráng lệ, một ngôi đền để tôn vinh nữ thần bảo trợ của thành phố Athena. Parthenon được xây dựng trên đỉnh Acropolis, một bệ đỡ tự nhiên làm bằng đá, là địa điểm của những khu định cư sớm nhất ở Athens. Đền Parthenon (447 - 432 TCN) là công trình vĩ đại nhất được xây dựng trong thời kỳ Hy Lạp cổ điển. Công trình được thiết kế bởi 2 KTS: Ichtinos và Callicrates, phần điêu khắc do Phidias đảm nhiệm. Đền có kích thước 30,9x69,5m. Hai mặt chính, mỗi mặt có 8 cột Doric và hai mặt bên, mỗi mặt có 17 cột Doric. Ngoài tỷ lệ hài hòa cùng những xử lý tinh tế trong thiết kế cột và các diềm mái của công trình, ngôi đền còn nổi tiếng bởi những phù điêu tinh xảo do chính Phidias thực hiện. Theo thống kê, phù 48

điêu và điêu khắc của Parthenon gồm 92 metope, 200m phù điêu trang trí diềm xung quanh và hai bức sơn tường rất lớn đặt ở hai mặt chính của đến. Những ghi chép cổ còn cho biết, Phidias đã tự làm 3 bức tượng thần Athena, trong đó bức tượng lớn nhất đặt tại đền Parthenon cao 12m, bằng gỗ mạ vàng, rất trang trọng và hoa lệ.

Pericles (461–429 TCN), chính khách sáng tạo và gan dạ nhất của thế kỷ V TCN, đã biến Acropolis thành một tượng đài lâu dài cho sức mạnh kinh tế và chính trị mới hình thành của Athens. Dành riêng cho Athena, nữ thần bảo trợ của thành phố, Parthenon là hình ảnh thu nhỏ của kiến trúc và điêu khắc hùng vĩ trong chương trình xây dựng của Pericles. Ngôi đền tráng lệ này, được xây dựng theo phong cách Doric, được xây dựng hoàn toàn bằng đá cẩm thạch và được trang trí lộng lẫy bằng một số ví dụ tốt nhất của tác phẩm điêu khắc theo phong cách Cổ điển vào giữa thế kỷ V TCN.

Bức tượng bằng đá cẩm thạch của Pericles, 430 TCN, Bảo tàng Staatliche Berlin

49

Đền thờ Parthenon

Với nền tảng bằng đá hình chữ nhật, các cổng trước và sau (các lối đi và các nhà thờ lớn) và các hàng cột, Parthenon là một ví dụ điển hình về kiến ​trúc đền thờ Hy Lạp. Thông thường, người dân Hy Lạp cổ đại không thờ phụng bên trong các ngôi đền như ngày nay. Thay vào đó, bên trong tương đối nhỏ, chỉ chứa một bức tượng của vị thần mà ngôi đền được xây dựng để tôn vinh. Những người thờ cúng tập trung bên ngoài, vào chỉ để mang lễ vật vào tượng.

Các ngôi đền của Hy Lạp cổ điển đều có chung một hình thức chung: Hàng cột chống đỡ một khối tháp nằm ngang (một loại khuôn trang trí) và một mái nhà hình tam giác. Ở mỗi đầu của mái nhà, phía trên bức tường thành, là một không gian hình tam giác được gọi là bệ đỡ, nơi các nhà điêu khắc tạo ra những cảnh phức tạp. Ví dụ, trên Parthenon, các tác phẩm điêu khắc trên bàn đạp cho thấy sự ra đời của Athena ở một đầu và trận chiến giữa Athena và Poseidon ở đầu kia. Để những người đứng trên mặt đất có thể nhìn thấy chúng, những tác phẩm điêu khắc trên mặt đất này thường được sơn màu sáng và được dàn dựng trên nền màu xanh hoặc đỏ đồng nhất. Lớp sơn này đã bị phai màu theo tuổi tác; kết quả là những ngôi đền cổ điển còn tồn tại đến ngày nay dường như chỉ được làm bằng đá cẩm thạch trắng.

50

Theo lẽ thường, Parthenon có thể phải mất khá nhiều thập kỷ để khôi phục lại trong kỷ nguyên hiện đại, nhưng một phương pháp đặc biệt nào đó người dân Athens đã xây dựng công trình này trong vòng chưa tới một thập kỷ, từ 447-438 TCN. Thoạt đầu, tưởng như những con số được sắp đặt ngẫu nhiên, những khoa học đã chứng minh mặt tiền đền Parthenon là được xây dựng theo tỷ lệ vàng, cũng những con số của ngôi đền cũng được thiết kế theo tỷ lệ vàng.

Tỷ lệ hài hòa của đền thờ

Đền Athena Nike thuộc quần thể kiến trúc Acropolis nổi tiếng tại Hy Lạp , được lấy tên theo vị thần Athena Nike - vị thần tượng trưng cho sự khôn ngoan và chiến thắng . Đền còn có tên là đền " Nữ thần Chiến thắng " như tên gọi của bức tượng đặt bên trong. Đền thờ Athena là ngôi đền nhỏ nhất tại Acropolis, Athens, được đặt ở góc tây nam, rìa của một vách đá cao. Việc xây dựng của nó được hoàn thành vào năm 420 trước Công nguyên theo thiết kế của Kallikrates (cùng một kiến ​trúc sư chịu trách nhiệm xây dựng Parthenon). Ngôi đền của Kallikrates đã thay thế một ngôi đền nhỏ trước đó đã bị phá hủy hoàn toàn trong các cuộc chiến tranh Ba Tư.

51

Đền Athena Nike (Nữ Thần Chiến thắng), xây dựng vào những năm 449 - 421 TCN.

Đền được xây dựng bằng đá cẩm thạch Pentelic trắng tuyệt đẹp, có kích thước 8,2 x 5,4m; mặt trước và sau đền, mỗi mặt có bốn cột Ionic, tỷ lệ và độ mảnh khá lớn 1:7,68 thay vì tỷ lệ 1:9 hoặc 1:10 tiêu chuẩn hơn trong các tòa nhà Ionic, lý do cho sự lựa chọn đó có thể là ý định tạo ra một tổng thể hài hòa với các tòa nhà gần đó. Trên diềm mái của đền có một băng ngang chạy vòng quanh 4 phía được chạm khắc phù điêu theo chủ đề ca ngợi chiến thắng chống xâm lăng. Đền thờ Athena Nike có trang trí điêu khắc tuyệt đẹp, bao gồm một bức phù điêu Ionic liên tục điển hình, ở phía đông tượng trưng cho sự tập hợp của các vị thần. Trên bức tường phía nam, 52

nhà điêu khắc quyết định thể hiện trận chiến giữa người Hy Lạp và người Ba Tư, và ở các mặt còn lại, trận chiến giữa người Hy Lạp và các chiến binh khác. Các tác phẩm điêu khắc trên bệ đỡ hầu như bị mất hoàn toàn, có lẽ phần lớn mô tả Gigant Gasty và Amazonomachy. Được biết đến nhiều nhất là những bức phù điêu từ bên ngoài của lan can bằng đá bao quanh ngôi đền ở rìa vách đá. Nổi tiếng nhất trong số này là “Nike Adjusting Her Sandal” thể hiện nữ thần trong một cử chỉ đơn giản, hàng ngày, có thể là chỉnh lại đôi giày của cô ấy (hoặc có thể cởi nó ra) khi cô ấy chuẩn bị bước vào khu vực linh thiêng. Dù cô ấy đang làm gì, bức phù điêu vẫn quyến rũ trong sự thanh lịch và giản dị. Đển Erechtheion (421-405 TCN) nằm ở phía Bắc đền Parthenon, do KTS Pytheos xây dựng.

Góc Đông Nam đền Erechtheion

Erechtheion nằm trên một sườn dốc, do đó các mặt phía tây và bắc thấp hơn các cạnh phía nam và đông khoảng 3m. Nó được xây dựng hoàn toàn bằng đá cẩm thạch từ Núi Pentelikon, với những bức phù điêu bằng đá vôi đen từ Eleusis , nơi có các tác phẩm điêu khắc được thực hiện bằng đá cẩm thạch trắng. Đền có các cửa ra vào và cửa sổ được chạm khắc công phu, và các cột của nó được trang trí lộng lẫy; chúng được sơn, mạ vàng và làm nổi bật bằng đồng mạ vàng và các hạt thủy tinh in chìm nhiều màu. Erechtheion là ngôi đền Ionic bao gồm ba điện thờ nhỏ, hai hành lang cột thức và một sảnh Cariatide. Ngôi đền là đơn thể kiến trúc hoàn mỹ, từ hình thức cột, hình dáng mặt bằng phù hợp với địa hình cho đến những chi tiết kiến trúc đều rất thành công. Nghệ thuật Hy Lạp thời kỳ này không thể không nhắc đến sảnh Cariatide của ngôi đền, nổi tiếng với hàng cột được trạm hình những cô gái. Hình thức những cô gái đỡ mái đền này có xuất xứ từ sự tích về những nữ tù nhân trẻ tuổi được đưa đến từ Carie, xứ Laconie. Trong xiêm áo kiểu Ionia, cơ thể cân đối, chân 53

hơi cong về phía trước như để đỡ sức nặng của công trình, những cô gái miền Carie này có khuôn mặt trong sáng và thoải mái, tóc tết bím dày.

2.2.3. Nghệ thuật điêu khắc Có thể thấy chi tiết cột rất nổi bật trong kiến trúc Hy Lạp Cổ điển, đó là một sự sáng tạo quan trọng của thời kỳ này - sự ra đời của thức cột Ionic và Corinth.

Nếu thế kỷ VII cho ra đời thức cột Doric với dáng vẻ nghiêm nghị, chắc khỏe thì sang thế kỷ V, cột Ionic và Corinth lần lượt ra thế đời, khẳng định sự thống trị của vật liệu đá, cả ba loại thức cột này thay thế hoàn toàn vật liệu gỗ trước đó.

So với cột Doric thì cột Ionic mảnh dẻ và giàu tính trang trí hơn. Nó mang dáng dấp thanh thoát và kiêu hãnh của nữ tính. Cột có 24 gờ sống, tỷ lệ đường kính cột trên chiều cao là 1/9. Cột có phần đế dưới, phần đỉnh cột được làm theo những hình xoắn ốc loe ra rồi cuộn vào trông rất lịch lãm.

Cột Corinth ra đời vào những nửa sau thế kỷ V TCN, cột có đường nét mảnh mai, giàu trang trí. Đầu cột rất hoa lệ, nó có hình thức giống như một lẵng hoa kết hợp bằng mấy tầng là phiên thảo diệp. Thức cột là sáng tạo vĩ đại của người Hy Lạp cổ đại, thể hiện óc thẩm mỹ tinh tế và nghị lực phi thường của các kiến trúc sư cũng như của người dân Hy Lạp cổ đại qua các thế hệ. Thành tựu này còn được áp dụng trong kiến trúc suốt thời kỳ Trung đại, Văn nghệ Phục hưng, Chủ nghĩa cổ điển và cho đến tận đầu thế kỷ XX.

54

Cũng như những thành công trong kiến trúc, nghệ thuật điêu khắc Hy Lạp thế kỷ V - IV TCN cũng cho ra đời những tác phẩm kinh điển.

Nghệ thuật tượng người Hy Lạp này, qua 100 năm diễn biến trước đó, đến khoảng những năm 470 TCN đã đạt đến đỉnh cao, đó chính là “thời kỳ Cổ điển”.

Thời kỳ này có hai tác phẩm tiêu biểu, tác phẩm thứ nhất là bức tượng "Người đánh chiến xa" (480-475 TCN) hiện đang lưu giữ tại bảo tàng Delphi, Hy Lạp. Tác phẩm thứ hai, cũng là một bức tượng đồng, có tên là "Thần Zeus", hiện lưu giữ tại Bảo tàng Quốc gia Athens.

Bức tượng thứ nhất miêu tả một thanh niên tráng kiện, mặc áo choàng dài, đang giơ tay đánh chiếc xe ngựa trong tư thế hết sức đẹp đẽ, cảm giác tôn quý của tác phẩm thể hiện qua nét mặt trang nghiêm và nếp quần áo uốn lượn ngăn nắp.

Bức tượng "Thần Zeus" là một một bức tượng nam giới khỏa thân, tóc xoăn, râu dài, tay trái vươn về phía trước, tay phải đưa về phía sau, như đang muốn ném một vật phía trước, điều đặc sắc là để phù hợp với tư thế ném, gót chân phải hơi nhích khỏi mặt. Cũng có nghiên cứu cho rằng đây là Hải thần Poseidon, tay đang nắm cái chĩa ba.

55

Trên đây là những khởi điểm của cái đẹp nhân thể mà tiến tới giai đoạn hoàng kim của thời kỳ cổ điển, biểu hiện của cái đẹp con người lại càng tự do hơn, phóng khoáng hơn , mà tác phẩm tiêu biểu là tượng "Người ném đĩa".

Tượng người ném đĩa, Đá, 450 TCN, Bảo tàng quốc gia Rôma

Tượng người ném đĩa (năm 450 TCN) là tác phẩm tiêu biểu thể hiện đẹp nhất người vận động viên Hy Lạp cổ đại - thời kỳ hoàng kim của giai đoạn cổ điển thịnh kỳ. Đây là tác phẩm của Myron (hoạt động ở Athen thời kỳ 480-440 TCN). Cho đến nay, bức tượng này vẫn là tấm gương sáng đẹp đẽ cho phong trào thể dục thể thao.

Giá trị của tác phẩm thể hiện ở sự thăng bằng và sự hài hòa. Khuôn mặt rất bình tĩnh nhưng trong cơ thể nổi rõ một sức căng nội tại. Tác phẩm đã bộc lộ phần tinh tế nhất của nghệ thuật điêu khắc Hy Lạp: tính vĩnh cửu và sự trường tồn.

56

Xu hướng của các nhà điêu khắc thế kỷ V TCN là kết hợp tinh thần anh dũng với cái đẹp cơ thể và sự vận động tự nhiên một cách hoàn hảo.

Phidias, Ba Nữ thần Sinh mệnh, Đá cẩm thạch, 438-432 TCN

Tượng Ba Nữ thần Sinh mệnh: là một phần của tác phẩm điêu khắc lớn trang trí sơn tường Parthenon còn lại sau hỏa hoạn. Tác phẩm được sáng tác khoảng năm 438 - 432 TCN. Bức tượng làm theo sự tích Athena ra đời. Ba nữ thần Sinh mệnh đang cầu phúc cho Athena. Tôn giáo của Hy Lạp cho rằng thân Sinh mệnh không chỉ quyết định vận mệnh may - rủi mà còn quyết định cả sự trường thọ của con người. Khi một đứa trẻ ra đời, mọi người phải cầu phúc cho nó. Cho nên những vị thần này thường được biểu hiện dưới dạng ba người đàn bà cầm chiếc thoi dệt, một bên dệt tơ đường sinh mệnh, một bên đo độ dài của cuộc sống. Nhóm tượng ba nữ thần Sinh mệnh này mới xem thì thấy là ba cô gái trẻ tựa vào nhau đang nói chuyện với nhau một cách thân mật.

Những nếp gấp mềm mại của xiêm áo như sóng nước ôm lấy thân hình đầy sức sống. Điều này cho thấy Phidias và có thể cả các cộng sự của ông nữa đã có một tay nghề hết sức tinh tế và mẫn cảm, tạo nên sức truyền cảm cho tác phẩm. Hình ảnh các nữ thần được mô tả trong những động tác mềm mại nhưng vẫn toát lên một sự tôn nghiêm khiến người xem phải tôn trọng. Cụm tượng này chính là biểu tượng trí tuệ của người Hy Lạp.

Tượng Apollo Belvedere (Apollo ngắm cảnh) sáng tác vào thế kỷ IV TCN. Bức tượng mô Apollo tay trái cầm cung, tay phải cầm cành nguyệt quế, tượng trưng 57

cho sức mạnh và quyền lực của mình. Suốt một thời gian dài, bức tượng này được coi như chuẩn mực của vẻ đẹp lý tưởng của người đàn ông. Đến những năm 1990, thời Văn nghệ Phục hưng lại cho ra đời một số bản sao của bức tượng này.

Tượng Apollo Belvedere (Apollo ngắm cảnh), Đá cẩm thạch, Apter Leochares, Bảo tàng Vatican - Rôma

Các nhà điêu khắc của Hy Lạp cổ điển đã đạt được tự do khỏi những hạn chế của vật liệu. Kỹ thuật điêu luyện phức tạp của họ đã biến các tác phẩm điêu khắc của họ thành những nhân vật giống như cuộc sống, được truyền sức sống và sức sống mãnh liệt. Họ đã tạo ra những kiệt tác có kích thước như thật và giống như thật để tôn vinh hình dáng con người và đặc biệt là khỏa thân của nam giới. Thành tựu của họ thậm chí còn lớn hơn. Đá cẩm thạch đã trở thành phương tiện hoàn hảo để thể hiện những gì mà tất cả các nhà điêu khắc phấn đấu, để tác phẩm của họ xuất hiện như được chạm khắc từ bên trong thay vì đục đẽo từ bên ngoài. Các hình ảnh trở nên sống động, gợi cảm và có vẻ như bị đóng băng khi hoạt động. Khuôn mặt là biểu cảm và tâm trạng được miêu tả khéo léo bằng khuôn mặt và ngôn ngữ cơ thể.

Quần áo có kết cấu tinh tế và bám vào các đường nét của cơ thể; chúng mô tả một cái nhìn 'ướt át' hoặc 'gió thổi' để ghi lại những chuyển động tinh tế.

58

Các nghệ nhân đã nỗ lực mô tả hình dạng con người và động vật một cách thực tế. Đây là kết quả của việc quan sát kỹ lưỡng mô hình và sự hiểu biết vững chắc về cơ học của giải phẫu. Chuyển động, trọng lượng, cân bằng, tỷ lệ đã được phân tích cẩn thận. Các bức tượng, chủ yếu là các vị thần, anh hùng và các nhân vật vận động viên, ở trạng thái 'thoải mái', với vai xoay nhẹ, một chân thả lỏng và tư thế được nhấn mạnh bởi sự tương phản của sự cứng nhắc và thả lỏng ở các cơ và tay chân. Các nhà điêu khắc không còn là nghệ nhân vô danh và trở thành những nghệ sĩ nổi tiếng, với tên tuổi, đặc điểm nghệ thuật và kỹ thuật, được các Quốc gia và các cá nhân giàu có công nhận và ủy quyền.

Nghệ thuật Hy Lạp như muốn gửi một thông điệp cho người đời sau biết rằng: thân thể của con người có rất nhiều khả năng, thân thể con người thực sự tôn quý và hoàn mỹ, con người luôn luôn thách thức sự vượt quá giới hạn bằng chính thân thể của nó thì mới bộc lộ cái đẹp đích thực. Điêu khắc tượng thân thể con người Hy Lạp và sự hài hòa luôn luôn đi tìm sự cân bằng lực và sự hài hòa lực của cơ thể con người.

Một số tác phẩm khác:

Đầu bằng đá cẩm thạch Hy Lạp của một người phụ nữ đeo khăn và mạng che mặt, 425-500 trước Công nguyên, Bảo tàng Nghệ thuật Metropolitan

59

Tấm bia mộ bằng đá cẩm thạch ở Gác mái Hy Lạp của một phụ nữ trẻ và người hầu, 400-390 TCN, Bảo tàng Nghệ thuật Metropolitan

Phù điêu danh dự bằng đá vôi Hy Lạp - Nam Ý, 325-300 TCN, Bảo tàng Nghệ thuật Metropolitan

Triều đại vàng của Athens chỉ tồn tại trong thời gian ngắn. Nó bắt đầu suy giảm trong thế kỷ thứ tư trước Công nguyên, nhưng ảnh hưởng của nó đối với các thành phố Hy Lạp ở miền nam nước Ý và Sicily vẫn lâu dài khi họ áp dụng phong 60

cách Hy Lạp và thuê các nghệ sĩ Hy Lạp. Sau đó trong thời Hy Lạp và La Mã, các tác phẩm gốc, phong cách và kỹ thuật của các nghệ sĩ ở Hy Lạp cổ điển đã được sao chép rộng rãi, nhiều bản sao đó được tìm thấy ở khắp các ngõ ngách của các đế chế lớn.

2.2.4. Gốm sơn Gốm là một nghề thủ công thiết yếu để sản xuất tất cả các đồ vật hàng ngày cần thiết để lưu trữ, vận chuyển hàng hóa, sử dụng trong gia đình và các đồ vật nghi lễ. Trong các xã hội giàu có của thời kỳ đó, các đồ vật đã mất đi giá trị sử dụng và có được giá trị nghệ thuật độc đáo với những đồ trang trí và vẽ tranh tinh xảo. Đặc biệt ở Athens, đã có những thành tựu đáng kể trong nghệ thuật thường được gọi là bức tranh bình trên gác mái. Các họa sĩ của thế kỷ thứ năm và thứ tư trước Công nguyên đã đạt được một cách minh họa tinh tế để truyền tải sự sống động của cuộc sống cũng như cảm giác vĩnh viễn, rõ ràng và hài hòa.

Attic Panathenaic Amphora, thuộc về Kleophrades, 500-480 trước Công nguyên, Bảo tàng J. Paul Getty 61

Kỹ thuật hình màu đỏ thay thế kỹ thuật hình màu đen cổ xưa và giới thiệu các kỹ thuật mới tinh xảo hơn để khắc họa cơ thể người, mặc quần áo hoặc khỏa thân, ở trạng thái nghỉ ngơi hoặc chuyển động. Tác phẩm của các họa sĩ đồ gốm, chẳng hạn như họa sĩ Penthesilea , Douris , Makron , Kleophrades , và Họa sĩ Berlin thể hiện những kỹ năng và chi tiết tinh tế.

Vào giữa thế kỷ thứ năm trước Công nguyên ở Hy Lạp cổ điển, những ứng biến xa hơn đã có hiệu lực; kỹ thuật nền trắng được sử dụng cho lekythoi, bình dầu đặt trên các ngôi mộ, và cho các bình hoa có hình dạng khác. Nền trắng mới cho phép các họa sĩ cổ điển đạt được các hiệu ứng thậm chí còn phức tạp hơn, tạo ra sự nổi bật mới cho các đường men và cho phép tổng hợp nhiều màu sắc.

Trang trí của Pyxis trong bức tranh dưới đây phản ánh niềm vui sướng khi một nghệ sĩ thành công như Họa sĩ Penthesilea miêu tả một chủ đề truyền thống.

Phán xét của Paris, Terracotta Pyxis, 465-460 TCN, Metropolitan Museum of Art

Sự suy tàn và di sản của Hy Lạp cổ điển

62

Macedonia, nằm ở phía bắc Hy Lạp, vào giữa thế kỷ thứ tư trước Công nguyên, đã trở thành một cường quốc đầy thách thức và đáng sợ dưới thời Philip II (359-336 TCN). Những thành tựu quân sự và chính trị của Philip đã mở đường cho các cuộc chinh phục của con trai ông, Alexander Đại đế (336–323 TCN).

Sự trỗi dậy của Đế chế Macedonian dẫn đến việc Philip II hoặc Alexander Đại đế chiếm đóng tất cả các thành bang của Hy Lạp. Những người cai trị Macedonian không xâm lược Athens; họ rất tôn trọng thành phố và văn hóa của nó. Họ được phong làm công dân danh dự của Athens và duy trì di sản của Hy Lạp cổ điển trong suốt đế chế rộng lớn của họ. Kỷ nguyên Hy Lạp tiếp theo là sự tôn vinh nghệ thuật, văn hóa, khoa học và ngữ văn cổ điển và sự phổ biến của nó trên khắp thế giới.

Khi Đế chế La Mã trỗi dậy, di sản Hy Lạp đã tìm thấy những người ngưỡng mộ và ủng hộ nhiệt thành mới. Kỷ nguyên Cổ điển La Mã thực sự là một sự mở rộng của những lý tưởng Hy Lạp trong Nghệ thuật.

Nó tồn tại trong đống đổ nát của thế giới cổ đại, trong kho báu được khai quật nhiều thế kỷ sau, trong thần thoại được truyền qua ý thức con người, văn học, khoa học và triết học của nó được các học giả Ả Rập nghiên cứu và sao chép tỉ mỉ và sẽ được hồi sinh trong thời kỳ Phục hưng châu Âu và trở thành những gì chúng ta học tập, nghiên cứu và ngưỡng mộ trong Nghiên cứu Cổ điển ngày nay.

63

3.

Thời kỳ Hy Lạp Hóa

3.1.

Hoàn cảnh ra đời

Đến cuối thế kỷ IV TCN, sau khi Alexander đại đế qua đời, văn hóa Hy Lạp đã được lan rộng ra ngoài khu vực Địa Trung Hải. Hy Lạp nằm dưới sự thống trị của vương triều Macedonia và bị chia thành nhiều bang nhỏ. Trung tâm văn hóa không chỉ ở Athens mà xuất hiện nhiều thành phố mới như Alexandria ở Ai Cập , Antioch, Pergamum... đã nhanh chóng trở thành trung tâm văn hóa, chính trị mới.

Nghệ thuật phía Đông Địa Trung Hải ngày một phát triển mạnh được gọi là phong cách Hy Lạp hóa. Các tác phẩm điêu khắc đồng và đá được sử dụng nhiều và sáng tác theo khuynh hướng của chủ nghĩa hiện thực. Các nhân vật được mô tả tinh tế và truyền cảm, chú trọng nhiều tới động tác, cử động nhân vật, nếp xiêm áo mềm mại và sự nghiên cứu kỹ lưỡng về cơ thể con người, biểu lộ cảm xúc trạng thái. Do đó các tác phẩm luôn được tạo ra có sự sống động, đầy sức sống.

Việc Hy Lạp hóa nghệ thuật thế giới đã đưa nghệ thuật Hy Lạp lan tỏa sang Tây Âu, Bắc Phi và Á Châu, bởi giai đoạn này gắn liền với cuộc chiến chinh phạt của Alexander đại đế. Nghệ thuật thời kỳ Hy Lạp hóa đã từ cái tôn nghiêm cao cả của thời cổ đại chuyển sang sự tìm tòi đa dạng hóa và chi tiết hơn sau cuộc chinh phạt của Alexander. Praxiteles là một nhà điêu khắc lớn ở thời đại này, ông thường miêu tả cái đẹp của các thiếu niên một cách tinh tế, nhưng tác phẩm của ông còn lại bao nhiêu chỉ được biết là người La Mã sau này sao chép lại khá nhiều nên các tác phẩm của ông còn lại sau này chỉ là tác phẩm sao chép lại.

3.2.

Điêu khắc

Tượng Lacoon và hai con trai đánh nhau với rắn (đá cẩm thạch, cao 1.84m tại Bảo tàng Vatican – Roma) Đây là tác phẩm của Hagesandros, Athenodoros và Polydoros cũng sáng tác.

Tác phẩm không không thể hiện tính thuần nhất như thời Cổ điển mà chú ý thể hiện cá tính của nhân vật và sự phức tạp của tình cảm. Dược sáng tác theo câu chuyện về Lacoon – vị tư tế của thành Troy – đang chuẩn bị báo tin cho người dân trong thành về sự nguy hiểm của con ngựa gỗ thì ông và hai con trai bị Poseidon sai hai con rắn biển tấn công và giết chết.

64

Lacoon chính là tác phẩm tiêu biểu của việc muốn diễn đạt các hình ảnh mang tính bi kịch, dù nằm trong không gian tĩnh lặng nhưng mang đầy tính động thái và hiệu quả kịch tính.

Tượng nữ thần Nike (Nữ thần Chiến thắng) khoảng 240 – 190 TCN, hiện trưng bày ở Bảo tàng Louvre, Paris.

Hình ảnh nữ thần Chiến thắng được miêu tả ở tư thế vừa bay sà xuống, đôi cánh vẫn đang dương cao. Nữ thần đứng trên một bệ đế hình mũi tàu như đang hướng về những làn gió biển thổi tới. Đặc điểm này xuất phát từ ý nghĩa thần Nike là vị thần dẫn hướng tàu biển Chiến thắng của các thành bang vượt quá nguy hiểm. Cơ thể Nữ thần hơi xoay nhẹ sang phải và ngẩng lên, chuyển động vệ phía trước. Xiêm áo tahr tự nhiên như mây bay, mềm mại ôm lấy cơ thể còn các nếp gấp của áo xoắn lại thành đường vòng qua hông bật lên chuyển động nhanh nhẹn của nhân vật. Đây là hình ảnh điển hình cho tính baroque của thời Hy Lạp hóa.

65

Tượng nữ thần Nike Tượng Thần Venus của Milo, Đá cẩm thạch, cao

2,04m.

TK

II TCN, Bảo tàng

Louvre–Paris. Bức tượng bằng đá cẩm thạch trắng (nửa sau thế kỷ II TCN) đây là một tác phẩm được phục chế từ một tác phẩm từ thế kỷ V TCn. Venus là vị thần của sắc đẹp và tình yêu. Tượng Venus de Milo bộ lộ vẻ đẹp lành mạnh, tràn đầy sinh lực. Tư thế hơi xoay đi và thân thể đầy đặn gợi lên một vẻ biểu cảm tôn nghiêm nhiều hơn là nhục cảm.

Bức tượng được mô tả trong tư thế thoải mái, chân trái chống gối đưa về phía trước và vặn người lại. Khuôn mặt nhân vật với nụ cười dịu nhẹ cũng như cơ thể khỏe mạnh thể hiện rõ những ảnh hưởng của phong cách điêu khắc thời Hy Lạp cổ điển. Các nếp vải mềm mại buông lơi cuốn theo tư thế đứng.

Hình ảnh thần Venus là hiện thân của vẻ đẹp lý tưởng của người phụ nữ cổ điển, là tác phẩm đánh dấu một trang huy hoàng của lịch sử nghệ thuật nhân loại.

66

Tượng Võ sĩ quyền anh ngồi, Đồng, cao 1,28m, khoảng 100 – 5 TCN tại Bảo tàng Terme, Roma Một trong những bức tượng tiêu biểu trong thời kỳ Hy Lạp hóa. Bức tượng được sáng tác theo phong cách hiện thực. Nhân vật được mô tả trong tư thế ngồi thoải mái, hơi xoay người và mặt hơi ngẩng lên. Cơ bắp được thể hiện rất sống động, đặc biệt còn mô tả kỹ lưỡng các chi tiết như nét mặt của nhân vật, chi tiết vết thương đang rỉ máu.......Bức tượng có tư thế đơn giản, khuôn mặt, râu tóc gọn gàng, mang nhiều nét của phong cách thời cổ điển. Bức tượng cho thấy rõ tính tiếp nối với nghệ thuật điêu khắc cổ Hy Lạp.

Hai người phụ nữ Hai người phụ nữ tựa vào nhau trên chiếc ghế dài trông thoải mái của họ với chân xoay tinh xảo, thảm và đệm đầy đặn. Họ có vẻ chú tâm trong cuộc trò chuyện, và có lẽ đại diện cho một người mẹ (người phụ nữ lớn tuổi nhìn bên phải) khuyên con gái mình.

Tượng gồm hai phụ nữ, thường là đứng, là một chủ đề phổ biến ở Myrina. Chúng có thể dành cho những người bình thường, thậm chí có thể là các thành viên của gia đình có người mất. Những hình vẽ này cũng có thể tượng trưng cho nữ thần âm phủ Demeter và con gái bà ta là Persephone.

Màu sắc trên nhóm này được bảo quản tốt một cách bất thường. Cả đường trượt màu trắng bên dưới, và các màu hồng, xanh lam và đỏ sống động, đều được thêm vào sau khi bắn. Màu hồng đậm là rose-madder, được lấy từ rễ của cây Rubia 67

tinctorum; màu hồng nhạt hơn trên thịt là sự pha trộn giữa màu đỏ son và phấn; màu xanh lam là một chất được gọi là xanh Ai Cập, hoặc frit xanh lam, được tạo ra bằng cách nung hỗn hợp silica, một hợp chất của đồng (có thể là malachit), phấn và natron (một loại muối).

Thần Zeus Tượng thần Zeus bằng đồng ngồi trên ngai vàng với một đòn sấm sét trong tay. Quy mô nhỏ mô phỏng lại một trong bảy kỳ quan của thế giới cổ đại: tác phẩm điêu khắc chryselephantine do Phidias thực hiện vào nửa sau của thế kỷ thứ V TCN. Công trình được mệnh danh là đền thờ thần Zeus trên đỉnh Olympia.

Nữ nhạc công Lyre Bức tượng bằng đá vôi của một nữ tín đồ chơi đàn lia trong trang phục Hy Lạp. Cô ấy mặc một chiếc áo choàng bằng vải chiton ngay dưới bầu ngực của mình, và một chiếc áo dài quấn quanh phần dưới của cô ấy và lên trên đầu của

68

cô ấy. Tóc của cô được chải thành từng đoạn và búi cao ở phía sau theo kiểu tóc 'quả dưa' cổ điển.

Các đặc điểm của cô ấy giống với Berenice I. Tác phẩm điêu khắc đá vôi Hy Lạp hóa Khoảng 300-280 trước Công nguyên Từ Larnaka, Cyprus. London, Bảo tàng Anh

Số phận đáng buồn của Ajax

Vũ công "Titeux"

Sau cái chết của Alexander Đại đế vào năm 323 TCN. (một trong những nhà chinh phục thành công nhất trong lịch sử đế chế của ông trải dài từ Hy Lạp và Ai Cập đến thung lũng Indus và Afghanistan)., người Hy Lạp và ảnh hưởng của họ trải dài về phía đông đến tận Ấn Độ hiện đại. Trong khi một số tác phẩm cố tình bắt chước phong cách Cổ điển của thời kỳ trước như 69

Eutychides ’Tyche of Antioche (Louvre), các nghệ sĩ khác lại quan tâm nhiều hơn đến việc ghi lại chuyển động và cảm xúc. Ví dụ, trên Great Altar of Zeus từ Pergamon (bên dưới), biểu hiện của sự đau đớn và một khối tay chân bối rối truyền tải một niềm yêu thích mới về phim truyền hình. Về mặt kiến ​trúc, quy mô của các cấu trúc đã tăng lên đáng kể, như có thể thấy ở Đền thờ Apollo ở Didyma, và một số khu phức hợp thậm chí còn xây dựng cảnh quan xung quanh của chúng để tạo ra khung cảnh ngoạn mục như có thể thấy ở Thánh địa Asklepios ở Kos. Sau thất bại của Cleopatra trong Trận chiến Actium năm 31 TCN, triều đại Ptolemaic cai trị Ai Cập và đồng thời, Thời kỳ Hy Lạp hóa đã kết thúc. Tuy nhiên, với sự ngưỡng mộ và yêu thích của người La Mã đối với nghệ thuật và văn hóa Hy Lạp, mỹ học và giáo lý Cổ điển tiếp tục tồn tại từ thời cổ đại cho đến thời kỳ hiện đại.

Athena đánh bại Alkyoneus , Bàn thờ Pergamon, c. 200-150 TCN (Thời kỳ Hy Lạp hóa), 35,64 x 33,4 mét, đá cẩm thạch (Bảo tàng Pergamon, Berlin) Về mặt kiến ​trúc, quy mô của các cấu trúc đã tăng lên đáng kể, như có thể thấy ở Đền thờ Apollo ở Didyma, và một số khu phức hợp thậm chí còn xây dựng cảnh quan xung quanh của chúng để tạo ra khung cảnh ngoạn mục như có thể thấy ở Thánh địa Asklepios ở Kos. Sau thất bại của Cleopatra trong Trận chiến Actium năm 31 TCN, triều đại Ptolemaic cai trị Ai Cập và đồng thời, Thời kỳ Hy Lạp hóa đã kết thúc. Tuy nhiên, với sự ngưỡng mộ và yêu thích của người La Mã đối với nghệ thuật và văn hóa Hy Lạp, mỹ học và giáo lý Cổ điển tiếp tục tồn tại từ thời cổ đại cho đến thời kỳ hiện đại.

3.3.

Nghệ thuật Gốm

Phần trang trí trên gốm thời Hy Lạp cổ đại được thiết kế dạng các hình học đã được vẽ trên phần trung tâm của chiếc bình, thường được chèn vào giữa hai phần hoàn toàn màu đen. Gốm hình học có hoa văn và đường thẳng đậm nét và từ năm 800 TCN, những thiết kế này cũng bao gồm cách điệu hình người, chim và động vật. Tất cả những họa tiết này đều được sơn trên bình bằng sơn màu nâu hoặc đen.

Vào thế kỷ thứ 7, phong cách phương Đông xuất hiện ở Corinth do sự giao thương giữa người Polis với phương đông. Điển hình cho phong cách phương Đông là các loại cây cối, động vật cách điệu và các đường nét uốn cong. Các hình người cách 70

điệu được sơn màu đen ngày càng rõ nét hơn, dẫn đến kiểu dáng hình người màu đen.

Đồ gốm hình đen Từ giữa thế kỷ thứ tám, kỹ thuật hình đen ngày càng trở nên phổ biến. Bắt nguồn từ Corinth, và sau này là Athens, kỹ thuật vẽ hình đen được thể hiện bằng những hình bóng tối được tô bóng sống động với những vết rạch và những mảng đất sét nhiều màu sắc. Những hình này được tạo ra bởi các hình thực hiện và động cơ hoa với một vết trượt chuyển sang màu đen trong quá trình nung trong khi nền vẫn đỏ trong suốt quá trình. Các số liệu đã được chi tiết hơn bằng cách làm nghiêng đường trượt hoặc bằng cách sử dụng sơn màu trắng hoặc màu tím để vẽ các chi tiết bổ sung. Các họa sĩ đã miêu tả nhiều loại thực vật, động vật, thần thoại, truyền thuyết và cuộc sống hàng ngày. Phong cách gốm hình đen vẫn chiếm ưu thế cho đến năm 520 TCN, khi các họa sĩ ở Athens bắt đầu trải nghiệm với kỹ thuật vẽ hình màu đỏ. Đồ gốm hình màu đỏ Phong cách hình màu đỏ, bắt nguồn từ Athens vào nửa sau của thế kỷ thứ sáu.

Kỹ thuật mới này cho phép các họa sĩ thể hiện các con số ở chế độ xem ba phần tư và dẫn đến những thử nghiệm sâu hơn trong thế kỷ tiếp theo về hình ảnh thu nhỏ, phối cảnh và đổ bóng. Vào cuối thế kỷ thứ sáu, các nghệ sĩ thi nhau thể hiện hình dáng con người. Phong cách hình màu đỏ ở các thuộc địa phía tây Hy Lạp, đặc biệt là ở Nam Ý, đã được điều chỉnh để phù hợp với thị hiếu địa phương nhưng cũng là bằng chứng về sự nhiệt tình tiếp tục đối với kịch và tôn giáo Hy Lạp.

Gốm đất trắng Bài cuối cùng trong loạt bài về gốm Hy Lạp là về gốm đất trắng. Kỹ thuật này một lần nữa được phát triển ở Attica vào khoảng năm 500 trước Công nguyên. Một lớp kaolinit trắng phủ lên chiếc bình để làm cho nó trông có giá trị hơn. Phong cách này cũng được sử dụng trong đồ gốm proto-hình học ở Cyclades và những nơi khác.

Bức tranh vẽ hình màu trắng kém bền hơn so với tranh vẽ màu đỏ hoặc đen, khiến 71

nó đặc biệt phù hợp cho các mục đích vàng mã hoặc chất liệu và kỹ thuật này trở nên đặc biệt liên quan đến lekythoi - những chiếc bình dùng để chứa dầu.

Terracotta Hydria (bình nước bằng đất nung) 520–510 TCN Xem tại The Met Fifth Avenue trong Phòng trưng bày 152 Chiếc bình này thuộc một nhóm nhỏ các lọ thủy tinh đặc biệt được tìm

thấy

ở Etruria,

được cho là do những người thợ thủ công Đông Hy Lạp di cư đến Caere, một thành phố Etruscan trên bờ biển Ý, phía bắc Rome, sản xuất. Hình vẽ trên bình là 1 con báo và 1 con sư tử tấn công một con bò đực được bao quanh bởi những vòng hoa thường xuân được vẽ đẹp mắt. Mặt sau của chiếc bình là hình ảnh 2 dũng sĩ cưỡi ngựa.

Terracotta Hydria (bình nước bằng đất nung) (bình nước) Sáng tác Họa sĩ thành Troy Xem tại The Met Fifth Avenue trong Phòng trưng bày 156 Triptolemos trong cỗ xe có cánh của mình mang lúa mì đến cho nhân loại Athens kiểm soát khu bảo tồn Demeter tại Eleusis và tuyên bố rằng nữ thần đã ban lúa mì và bí quyết nông nghiệp cho Triptolemos, một hoàng tử. Nhiều chiếc bình trên Gác mái cho 72

thấy những người trẻ tuổi trên một cỗ xe có cánh khởi hành để truyền bá kiến ​thức về việc trồng lúa mì.

Terracotta psykter (bình để làm lạnh rượu) Được cho là sáng tác bởi Oltos Xem tại The Met Fifth Avenue trong Phòng trưng bày 154 Xung quanh thân bình là hình hoplites (binh lính) cưỡi trên cá heo Cuộc diễu hành của những người lính, họ mặc quần áo giống hệt nhau đang tiến lên theo sự thống nhất của quân đội. Một số nhân vật cưỡi cá heo khác xuất hiện trên bình hoa thời kỳ này. Tất cả đều được kèm theo một người thổi sáo, cho thấy rằng cảnh này minh họa cho một đoạn điệp khúc đầy kịch tính, có thể là từ một vở kịch đương đại.

Sáu con cá heo dường như sẽ nhảy và lặn khi psykter nhấp nhô trong nước băng bên trong một krater lớn.

Terracotta psykter-column-krater (bình để làm lạnh và trộn rượu và nước)480–470 TCN

73

Được làm bởi họa sĩ thành Troy Xem tại The Met Fifth Avenue trong Phòng trưng bày 171 Mặt trước chiếc bình Herakles và Dionysos trong Olympos Mặt sau Dionysos với các vị thần trên đỉnh Olympus Chiếc bình này là ví dụ duy nhất được bảo tồn được biết đến của một psykter kết hợp và cột-krater. Psykter xuất hiện vào cuối thế kỷ thứ sáu trước Công nguyên. và có một thời gian tồn tại ngắn ngủi và hiếm hoi. Hình dạng đặc biệt của nó cho phép nó chứa rượu và đứng thẳng trong một krater chứa đầy nước lạnh hoặc tuyết.

Trong phần hiện tại, krater có một bức tường đôi; các lỗ hở ở phía trên và phía dưới của thân bình cho phép nước lạnh được đổ vào và chảy ra ngoài.

Các hình vẽ cho thấy Dionysos, thần rượu vang, và Herakles, anh hùng và thần bảo hộ của Athena, trên đỉnh Olympos, quê hương của các vị thần. Mặt trái mô tả Dionysos với Ariadne và Herakles với Nike. Ngược lại, Hera, Zeus, Athena và Leto tiếp cận Dionysos đang ngồi. Hầu hết tên trên bình đều được khắc.

74

Cặp volute-kraters bằng đất nung (lọ để pha rượu và nước) có giá đỡ

Terracotta volute-krater (bát để trộn rượu và nước)

Cột-krater đất nung (bát để trộn rượu và nước)

75

Terracotta Hydria (bình nước bằng đất nung) Trải qua hàng nghìn năm lịch sử với nhiều thời kỳ, giai đoạn phát triển, bên cạnh sự mất mát vì chiến tranh hay sự bào mòn của thời gian thì nền nghệ thuật Hy Lạp cổ đại có sự phát triển được mãi giũa để trở thành nền tảng nghệ thuật như ngày nay. Cả 3 loại hình nghệ thuật : Kiến Trúc, Điêu Khắc hay Hội Họa đều đạt đến đến chuẩn mực của cái đẹp, là thước đo gắn liền với những thần thoại, truyền thuyết.

Cho thấy được nghệ thuật luôn đi cùng với tín ngưỡng, thông qua các hình tượng con vật, con người, cảnh sinh hoạt hay những sự kiện lịch sử tính sáng tạo càng phản ánh rõ nét, chân thực hơn một nên văn hóa văn minh đầy nghệ thuật và nhân văn. Nghệ thuật Hy Lạp không chỉ là khởi điểm của nghệ thuật phương Tây mà còn gợi ra rất nhiều cảm hứng, ý tưởng cho nghệ thuật toàn thế giới. Người Hy Lạp tìm ra cái đẹp phải bắt từ thân thể con người, bao gồm thể chất và tinh thần thống nhất với nhau. Nghệ thuật Hy Lạp là nghệ thuật đầu tiên đề xướng tự do của thân thể con người, tìm đến cái đẹp chuẩn mực, lý tưởng. Là nền mỹ học ảnh hưởng mạnh mẽ đến sự phát triển nghệ thuật của đời sau.

76

4. Ảnh hưởng và ứng dụng Nền văn minh của Hy Lạp cổ đại có ảnh hưởng to lớn trên nhiều lĩnh vực: ngôn ngữ, chính trị, hệ thống giáo dục, triết học, khoa học và nghệ thuật.

Người Hy Lạp cổ đại là một dân tộc cực kỳ tôn giáo, nhiều công trình kiến trúc được dựng lên ở Hy Lạp được thiết kế với tâm trí của các vị thần. Parthenon và Erechtheum là hai ví dụ về cấu trúc tuyệt vời và kỹ lưỡng của Hy Lạp. Một số đặc điểm của thiết kế Hy Lạp là độ chính xác, trang trí, không lớn và sức mạnh tổng hợp. Mỗi khía cạnh và đặc điểm của kiến trúc Hy Lạp được thiết kế để khen ngợi và liên hệ với nhau. Bởi vì mỗi cấu trúc Hy Lạp được lấy cảm hứng từ câu chuyện và khả năng độc đáo của một vị thần cụ thể, có một điều trớ trêu là hầu hết các tòa nhà mô phỏng phong cách Hy Lạp trong thế giới hiện đại đều là các trung tâm thế tục, của chính phủ.

4.1. Ảnh hưởng đến các phong cách nghệ thuật 4.1.1. Nghệ thuật cổ đại a.

La Mã

Nghệ thuật La Mã cổ đại được hình thành từ nghệ thuật Etruscan và chịu ảnh hưởng của nghệ thuật Hy Lạp cổ đại và Tiểu Á, Tế Á.

Nếu như nền nghệ thuật của Hy Lạp tôn trọng và đề cao vẻ đẹp lý tưởng của con người thì nghệ thuật Etruscan lại thiên về mô tả sự đẹp đẽ và sung túc của cuộc sống đời thường. Đây chính là đặc điểm làm nên sự khác biệt của nghệ thuật La Mã và Hy Lạp. Nhưng nền nghệ thuật của La Mã chỉ thực sự có những dấu ấn mạnh mẽ vào những năm cuối của thời kỳ Cộng hòa, bắt đầu từ khoảng năm 146 Tr. CN, khi đã chinh phục xong Hy Lạp. Đây là thời kỳ các đạo quân La Mã trở về từ Hy Lạp, mang theo hàng đoàn xe chiến lợi phẩm với vô số những tác phẩm tượng, điêu khắc, những cột đá cẩm thạch. Đồng thời với sự phát triển hùng mạnh của mình, La Mã cũng thu hút rất nhiều nghệ sĩ Hy Lạp đến để làm đẹp cho các công trình công cộng cũng như tư nhân trong các thành phố của La Mã. Trong xã hội La Mã hưng thịnh như vậy, các tác phẩm nghệ thuật được coi như biểu tượng của sự giàu có và quyền lực, nó chứng tỏ thanh thế của các gia tộc. Vì vậy các bức tượng này rất được 77

tầng lớp thống trị ưa chuộng và nhu cầu về các tác phẩm này ngày càng tăng lên.

Kết quả là hàng trăm các bản sao của những tác phẩm nghệ thuật Hy Lạp nổi tiếng đã ra đời. Đây là thời kỳ du nhập đơn thuần nền nghệ thuật Hy Lạp vào La Mã.

Một trong những minh chứng rõ ràng nhất cho các tác phẩm tượng sao chép thời kỳ này là tượng Laocoon - một trong những tác phẩm nổi tiếng nhất của Hy Lạp. Bản sao này được ba nghệ sĩ đến từ Rhodes là Hagesandros, Polydoros và Athenodoros thực hiện. Đây là một tác phẩm rất sống động, theo phong cách Hy Lạp hóa và cũng phần nào mang dáng dấp của phong cách Baroque. Trong suốt giai đoạn từ thế kỷ II Tr. CN đến thế kỷ I sau CN, rất nhiều bản sao của bức tượng này đã được ra đời. Năm 1506, khi lần đầu tiên người ta tìm ra bức tượng này thì địa điểm tìm được lại không phải ở Hy Lạp mà ở chính Roma. Thành Roma chính là cửa ngõ lan truyền nghệ thuật Hy Lạp vào La Mã.

Các tác phẩm điêu khắc của các vận động viên Hy Lạp, những bức vẽ các vị thần và nữ thần mạnh mẽ và săn chắc, tượng bán thân của các triết gia nổi tiếng - tất cả đều thể hiện vẻ đẹp và sức mạnh của một nền văn minh vĩ đại giờ đây thuộc quyền quản lý của La Mã. Người La Mã biết rằng ở đỉnh cao của kiến ​trúc quyền lực Hy Lạp, nghệ thuật, nhà hát và triết học cũng như chiến tranh, chính trị và tiền bạc được đánh giá rất cao. Họ nhìn thấy nền văn minh Hy Lạp không phải là bị đánh bại hay sụp đổ, mà là một câu chuyện kể về quá khứ không xa và sự vĩ đại tiềm tàng mà họ cũng có thể đạt được.

Vào thế kỷ thứ 2 sau CN, thị trường cho các bản sao La Mã của tác phẩm điêu khắc và nghệ thuật Hy Lạp đã rất lớn. Các nghệ sĩ La Mã đã biến đổi hai nền văn hóa bằng cách lấy các anh hùng La Mã và điêu khắc với lối có thể phân biệt được của Hy Lạp. Cuối cùng, những người La Mã giàu có đã trưng bày các bản sao của họ một cách nổi bật trong nhà và trang trí biệt thự của họ, sử dụng các tác phẩm điêu khắc Hy Lạp làm đặc điểm thiết kế chức năng và tích hợp cho ngôi nhà của họ.

78

Tượng bằng đá cẩm thành của một Amazon Hội họa và điêu khắc thời La Mã cổ đại đã cùng với kiến trúc, đóng góp cho châu Âu những giá trị vô song, tất nhiên người La Mã đã thừa hưởng của người Hy Lạp những giá trị không thể chối cãi, nhưng cả nghệ thuật Hy Lạp và La Mã đã là những cái nôi căn bản của nghệ thuật châu Âu hiện đại sau này. Chính vì vậy mà Mác đã viết: “Không có Hy Lạp và La Mã cổ đại, sẽ không có châu Âu hiện đại”.

Và câu châm ngôn của người La Mã: “Mọi con đường đều dẫn đến Roma” ra đời lúc đó còn mãi mãi đúng với những thời điểm sau này. b.

Byzantine

Biểu hiện nghệ thuật của Byzance là kế thừa hội hoạ Hy Lạp - La Tỉnh, từ tạo hình cho đến kỹ thuật.

79

Mosaic vốn ra đời ở vùng Lưỡng Hà (người Lưỡng Hà rất thiện nghệ trong việc ghép gạch lưu ly màu, sau đó) những người Byzantine kế thừa người Hy Lạp và La Mã sử dụng hình thức này để đề cao sự vĩ đại của nhà thờ. Mosaic là những miếng nhỏ bằng sứ màu, vẽ màu hoặc là những miếng đá quý hoặc nửa quý, khối thuỷ tinh nung màu được lắp lại với nhau bằng vữa. Ánh sáng do những bức tranh mang lại làm cho những tín đồ cảm thấy như có một ánh sáng thần thánh từ một vũ trụ khác, in dấu ấn lên những bức vẽ. Nhà triết học Plotin đã nói là với mosaic có thể "mở ra những con mắt của tâm hồn và khép lại những con mắt của cơ thể". Để đảm bảo sự thống nhất sắc độ của những mảng mosaic lớn, đầu tiên người ta quét lên mặt sau của những miếng thủy tinh một lớp màu nền, màu nền này từ thế kỷ VI trở về trước dùng màu lam là chính, còn từ thế kỷ VI trở về sau, có nhiều công trình kiến trúc lớn dùng màu nền là màu kim nhũ. Những màu sắc đa dạng khác quét lên mặt ngoài các miếng thủy tinh, có màu nền là lam hay kim nhũ, tạo thành một tổng thể khảm khắc rất huy hoàng và tráng lệ.

Chúa Giêsu là một chiến binh Mosaic, Cung điện Archbishop – Ravenna, 494-519 c.

Phục Hưng

Nghệ thuật phục hưng có thể được coi là nghệ thuật vàng son của nhân loại.

Engels khi nói về hai thế kỷ XV, XVI ở Italia đã so sánh sự nở hoa và vai trò quan trọng của đất nước này với các nền nghệ thuật trước đó như sau: "Những bản 80

thảo chép tay tìm thấy từ trong sự diệt vong của Byzantine, những điêu khắc cổ đại khai quật lên từ trong hoang phê của La Mã. Trước mắt của phương Tây đang kinh ngạc đã bày ra một thế giới mới của cổ đại Hy Lạp.”

Phong trào mĩ thuật Phục hưng ở Italia được khởi đầu vào cuối thế kỉ XIII bởi hai họa sĩ Cimabue và Giotto, phong trào ra đời nhằm khôi phục và làm hưng thịnh lại nền văn hoá cổ đại Hy Lạp, La Mã mà thời Trung cổ đã huỷ hoại; đưa cái đẹp phục vụ cuộc sống con người, đồng thời nâng cao hơn trong hoàn cảnh mới để đạt tới sự mẫu mực, hoàn chỉnh. Các hoạ sĩ thời Phục hưng thường lấy đề tài tôn giáo để thể hiện cái đẹp, để diễn tả cuộc sống, diễn tả con người, họ không vẽ theo công thức gọ̀ bó như nghệ thuật Trung cổ (tranh thời Trung cổ mang tính trang trí hơn tính tạo hình, chỉ diễn tả không gian hai chiều nên không diễn tả được chiều sâu; h́ ình dáng con người thường gầy nhom, ốm yếu, thiếu sức sống…) mà học hỏi cái đẹp từ thời Hy Lạp, La Mã, từ thiên nhiên.

Mona Lisa (Leonardo da Vinci) Sandro Botticell tên thật là Alessandro di Mariano Filipepi (1445-1510), Botticelli vốn là một thợ kim hoàn, sinh ra ở Florence, trung tâm của nghệ thuật Phục hưng. Sau này ông đã theo học họa sĩ Fra Filippo Lippi. Gần như cả cuộc đời mình ông sống và làm việc ở Florence (trừ thời gian ông đến Roma từ 1481-1482) 81

dưới sự bảo trợ của gia tộc Medicis. Ông lại được biết đến nhiều nhất với tác phẩm “Sự ra đời của thần Vệ nữ”, tác phẩm chịu nhiều ảnh hưởng của nghệ thuật Hy Lạp - La Mã cổ đại và tác phẩm Mùa xuân (Primavera) (1477-1478). Ông lấy đề tài thần thoại trong Dị giáo Hy Lạp, đập vỡ sự cấm kỵ của Cơ đốc giáo cho đến lúc bấy giờ, mạnh dạn thể hiện thân thể Nữ thần trong trạng thái khoả thân, tác giả đã để cho thân thể thần Vệ nữ được các vị thần khác chúc tụng.

Trong bức tranh, Botticelli đặt Venus vào giữa bức tranh, đứng trên một vỏ sò, một phương tiện đã đưa nàng theo sóng biển vào bờ. Bên trái của bố cục tranh là Thần gió Zephyr (gió Tây) cùng nàng Chlorist đã cổ sức thổi Venus từ biển lên bờ.

Bên phải của bố cục tranh là nữ thần Nymph đang đưa quần áo cho Venus.

, Sơn dầu trên vải, 172.5 × 278.5 cm, 1470-75, là Galleria degli Uffizi, Florence Việc nghiên cứu các bản nguyên mẫu cổ điển là trọng tâm trong các lớp đào tạo nghệ thuật suốt thời Phục hưng và dấu ấn của người Hy Lạp và La Mã cổ đại thường xuyên được thể hiện trong các bức tranh. Phần gờ tường cổ mà Titian đã vẽ là sự mô phỏng phương pháp điêu khắc cổ điển trong tác phẩm Sacred and Profane Love lừng danh của ông đặt tại bảo tàng nghệ thuật Galleria Borghese, La Mã vài năm sau đó.

82

Sacred and Profane Love

Hội họa không phải là phương tiện duy nhất bị ảnh hưởng bởi các tác phẩm kinh điển của thời kỳ Hy Lạp cổ đại. Có rất nhiều tác phẩm tái tạo lại các bức tượng Hy Lạp và La Mã hoặc các tác phẩm mới được làm theo phong cách Hy Lạp - La Mã cổ đại trong thời kỳ Phục hưng. Ví dụ nổi tiếng nhất về điều này là David của Michelangelo (1504).

Tượng David, Michelangelo Hình ảnh David được ông tạo nên với thân hình khỏe mạng của một lực sĩ, khuôn mặt cân đối, thanh tú. Bức tượng này đã được xem như là một biểu tượng của vẻ đẹp con người trẻ trung và sức mạnh, giống như vị thần Hy Lạp mạnh mẽ Apollo.

83

Michelangelo Buonaroti sinh năm 1475 là một nhà điêu khắc, một họa sĩ, một kiến trúc sư, kỹ sư và một nhà thơ. Ông được đánh giá là một trong những nghệ sĩ thiên tài của nghệ thuật Phục hưng thế kỷ XVI. Năm 1488, khi 13 tuổi Michelangelo đến làm việc ở xưởng họa của Dominico Ghirlandaio ở Florence. Sau đó gần một năm, ông lại chuyển tới học ở trường do Lorenzo il Magnifico bảo trợ để có thể học được những tinh hoa từ những bức tượng điêu khắc Cổ Hy Lạp và được kết giao với những học giả, những nghệ sĩ tài năng dưới sự bảo trợ của gia đình Medicis. Tại đây Michelangelo đã được học điêu khắc dưới sự hướng dẫn của nhà điêu khắc Bartoldo. Michelangelo rất khâm phục vì nhận ra ở Bartoldo những nét của Donatello.

Năm 1496 Michelangelo rời Florence đến Roma và ở đây gần 5 năm. Tại đây ông đã được tiếp cận với nền nghệ thuật điêu khắc Hy Lạp vừa được khai quật, nhất là tượng Apollon du Belvédère. Lúc ấy Michelangelo mới 21 tuổi. Ở Roma ông đã sáng tác nên hai tác phẩm đưa tên tuổi ông trở nên nổi tiếng, đó là tác phẩm Sleeping Cupid (đã bị mất) và bức tượng Vatican Pietà.

Pietà (Tình mẫu tử) là bức tượng đá cẩm thạch trắng tạc Đức mẹ và thi hài Chúa Jesus. Michelangelo đã mất gần 2 năm (1498-1499) để hoàn thành tác phẩm này. d.

Tân cổ điển

Nối tiếp thế kỷ Ánh sáng (thế kỷ XVIII), vào thế kỷ XIX, Cách mạng công nghiệp phát triển kéo theo sự lớn lên của các đô thị, cùng với một số giai tầng xã hội mới ra đời Cùng với tiếng vang của những ý tưởng xã hội chủ nghĩa, thế kỷ XIX là thế kỷ cực thỉnh của Napoleon, còn ở châu Âu thì đó là một thời kỳ đứng lên của các dân tộc.

Chủ nghĩa Tân cổ điển chỉ rõ sự đánh giá cao tinh thần và quan điểm của những tác phẩm có đại Hy Lạp và La Mã. Xu hướng này luôn luôn định kỳ quay lại trong lịch sử nghệ thuật phương Tây. Thuật ngữ này chỉ một trào lưu quốc tế nở rộ vào cuối thế kỷ XVIII và phát triển đầu thế kỷ XIX đầy những bùng nổ, nó bắt nguồn từ những cảm hứng sau khi tiến hành khảo cổ hai thành phố Herculanum 84

(1737) và Pompeii (1748). Những công việc khảo cổ này đưa thế giới cổ đại ra ánh sáng và nó còn chịu ảnh hưởng những cuốn sách do Edward Gibbon (Hưng thịnh và suy tàn của đế quốc La Mã, 1773 và của Johann Winckelmann nghiên cứu về điêu khắc Hy Lạp), phong cách cổ điển mới cũng được xem như là một đối cực chống lại nghệ thuật Rốccôcô.

Các họa sỹ Tân cổ điển chủ nghĩa nhiệt tình với văn hoá cổ đại khác hẳn với trào lưu Rốccôcô và Dị điển nhấn mạnh sự phi lý đã nhiều lúc đưa đến những chủ đề rồ dại, kinh sợ và làm thương tổn của những người nghèo trong xã hội.

Về Văn hoá, xã hội nói chung và giới nghệ thuật nói riêng chủ trương coi trọng văn hoá cổ đại, coi trọng Văn nghệ Phục hưng đặc biệt là coi trọng lý thuyết của Palladio cũng như cổ đại Hy Lạp và La Mã. Lúc bấy giờ trong văn hoá người ta coi trọng một cách nghiêm túc những nguyên tắc khảo cổ học mới. Những nguyên tắc này ngày một khắc nghiệt hơn. Người ta tìm đến những phong cách thuần tuý và cổ điển và coi đó là những tiến bộ. Đặc biệt là việc khai quật 2 thành phố là Pompei và Herculanum như đã nói trên đã làm dấy lên nhiệt tình đối với cổ đại, đóng vai trò quyết định trong việc này có Anh. Nhà bác học Đức Winckelmann vào năm 1755 đã kiến nghị xem những tấm gương của nghệ thuật Hy Lạp như là những mẫu mực không thay đổi như ông đã viết trong tác phẩm "Suy nghĩ về sự mô phỏng các thành tựu Hy Lạp trong hội hoạ và điêu khắc. Một bộ phận xã hội trong lúc bấy giờ xem cổ điển là cái tuyệt đối, còn những cái khác đều là man rợ và nghệ thuật phải hướng tới sự "tự sự", tự do và thị hiếu của Hy Lạp được đánh giá cao.

Chủ nghĩa Tân cổ điển - chủ nghĩa Cổ điển mới tuy có một khoảng cách rất xa với chủ nghĩa Cổ điển, nhưng trước và sau thế kỷ XVIII lại sử dụng rất nhiều nhân tố của nghệ thuật cổ điển. Thế kỷ XVIII khảo cổ thịnh hành ở châu Âu, nhiều nghiên cứu về các công việc đạc họa các phế tích khiến người ta rất hâm mộ văn hóa cổ đại. Cổ điển ở dây có nghĩa là triết học bi kịch, sử thi của Hy Lạp cộng với lịch sử của La Mã. Đó là nhân tố chính mà trí thức trước và sau cách mạng 1789 hướng tới. Người ta có thể dùng những nhân tố này để chống lại Barốc và trường phái Dị điển cũng như để nhấn mạnh chủ nghĩa Duy lý Simon, rất nhiều người lúc

85

đó tin tưởng rằng sự ưu việt của văn hoá cổ điển được xây dựng trên nền tảng lý tính. Các nghệ sỹ quan tâm đến kiến trúc cổ, cộng với tỷ lệ vàng của điêu khắc cổ.

David, tên đầy đủ là Jacques Louis David (1748-1825) rời bỏ những chủ để bay bướm mà các bậc thầy của mình sáng tác và ông đã sáng tác những tác phẩm ngợi ca đức hạnh của công dân. Lúc bấy giờ trong hội hoạ có phong trào ca ngợi nền cộng hòa La Mã và cho rằng tính chất của nền cộng hoà này có thể thích hợp với nền cộng hoà mới. David sinh ra ở Paris trong một gia đình thương gia và được dạy dỗ bởi một ông cậu là kiến trúc sư. Cuộc đời của Louis David đã cho phép ông ta đi qua liên tiếp nhiều chế độ, từ triều đình Louis XV cho tới thời kỳ "phục hồi" dòng họ Bourbons trên ngai vàng nước Pháp. Bắt đầu từ phong cách Rốccôcô mà Boucher là người thầy đầu tiên. Ông học trong xưởng vẽ của Boucher và đã chuyển sang trường phái cổ điển, tự xa lánh cái duyên dáng khoái lạc và hướng về một nghệ thuật nghiêm khắc hơn. David không tự bằng lòng làm sống lại một thời cổ đại lạnh lùng, làm giàu có một đám những mảnh vụn của khảo cổ. Ông tự làm mạnh thêm, làm sống động thêm tâm hồn chúng từ những vật vô tri. Trước cả Ingres, ông đã ca ngợi tính ưu việt của hình hoạ trên trên màu sắc và thử thêm thắt và cái cổ điển của thiên nhiên hàng ngày. Tác phẩm "Sự đánh chiếm của những người dân Sabines" đã chứng minh quan niệm nghệ thuật đó của ông.

Jacques-Louis David, Lời thề của anh em nhà Horaces, Sơn dầu, 426x330 cm, 1785, Bảo tàng Louvre.

86

Tác phẩm có sức mạnh và sự vận động như một bức đắp nổi. David đã đưa hội hoạ của Tân cổ điển chủ nghĩa lên đến đỉnh cao. Trong bố cục của tranh, cách miêu tả kiến trúc đối xứng bằng ba vòm cuốn cũng như cách sắp xếp những nhân vật thành từng nhóm hay cách ăn mặc quần áo thì đều chứng tỏ một sự quay lại với những hình thức Cổ điển Hy Lạp - La Mã khắt khe, các bố cục này tạo cho bức tranh một sự cân bằng và ổn định về mặt tạo hình. Bức tranh được bố cục bởi ba thành phần: Phần bố cục ba người con nhận kiếm từ tay người cha, phần miêu tả những người phụ nữ buồn thảm vì sắp chia tay với những chàng trai, và phần nền màu sẫm làm nổi bật phần hình của các nhân vật phía trước. Điêu khác Tân cổ điển chủ nghĩa của Canova: Antonio Canova (1757-1822) là nhà điêu khắc tiêu biểu của điêu khắc Tân cổ điển chủ nghĩa. Canova sinh ở Italia, năm 12 tuổi đến Venise học việc điêu khắc và thợ đá, từ đó tiếp cận với điêu khắc đá và năm 22 tuổi chuyển đến Roma, nơi ông có dịp thể hiện những thành tựu mới.

Tác phẩm điêu khắc của Canova rất giống với tác phẩm hội hoạ của Ingres, nó luôn luôn tìm đến cái đẹp thanh nhã, khiến cho thân thể của con người trở lên nhẹ nhàng, mượt mà. Tuy là những khối đá nhưng giống như những khối kết tinh không còn trọng lượng, ít có ai khác ngoài Canova lại có thể tìm được một phong cách sáng tạo duyên dáng, thanh lịch trong điêu khắc. Đó là những âm hưởng của điêu khắc Hy Lạp cổ đại. Ta có thể kể ra một số tác phẩm tiêu biểu của Canova như: - Amour và Psyché: trong tác phẩm Amour và Psyche chứa đựng một nội dung đậm đặc về tình yêu. Những đường cong trong tác phẩm của Canova rất gợi cảm. Tuy vậy, trong các tính chất thấm đượm của Canova có trộn lẫn một chút chất lạnh lẽo, trong sáng của một cái đẹp lý tưởng thời cổ đại. Amour và Psyché (tạc bằng đá cẩm thạch năm 1787) hiện lưu giữ ở bảo tàng Louvre, là tác phẩm lấy từ chủ đề về thần thoại Hy Lạp, miêu tả tình yêu giữa thần Ái tình và Psyche. Hai thân thể vòng tay tiếp xúc với nhau, nhưng thần Ái tình có cánh như đang bay lên, Psyché ngược lại như có đôi chút ngượng ngùng, mắt ngước nhìn lên. Mục đích của Canova khi tạc khối đá cẩm thạch trắng này thành tác phẩm nghệ thuật là nhấn mạnh vẻ đẹp thanh cao của tuổi thanh xuân, trong một hình thức vốn quen thuộc với

87

nghệ thuật cổ đại. Thật ra, đây không phải là tác phẩm cổ điển chủ nghĩa thuần tuý mà còn mang tính chất lãng mạn trong nghệ thuật.

Antonio Canova, Amour và Psychẻ, Đá cẩm thạch, Cao 155 cm, 1787, Bảo tàng Louvre.

Antonio Canova, Pauline Borghese as Venus, - Đá cẩm thạch, cao 199 cm, 1808, Bảo tàng Rôma

- Tác phẩm Pauline Borghese as Venus: đá cẩm thạch với bệ đỡ bằng gỗ sáng tác năm 1808 là bức tượng tạc Pauline - em Napoleon. Pauline nằm ngang trên đệm mềm, tác quản để tự nhiên, giống như một nữ thần Hy Lạp, bán khoả thân và quàng một tấm khăn mỏng. Canova đã thành công ở chỗ nhấn mạnh được cái đẹp của cơ thể con người.

88

Tay trái Pauline cầm quả táo vàng, vì theo truyện cổ Hy Lạp chủ nhân của quả táo vàng luôn luôn là "người đẹp nhất".

-Tác phẩm tiêu biểu thứ ba của Canova là bức tượng Venus Italica (1804-1812): Canova luôn luôn chống lại sự sao chép cổ đại mà chủ trương nghệ thuật hiện tại phải được nâng cao hơm nghệ thuật cổ điển. Nhưng khi người Pháp đánh giá cao bức tượng Venus Medici, ông đã đồng ý "mô phỏng" có sáng tạo bức tượng này. Nhưng ông chỉ sao chép cách xử lý đã lạnh và mịn, còn tỷ lệ, vị trí, dầu tóc thì hoàn toàn là sáng tạo của Canova. Đây là tác phẩm tinh tế nhất, tinh vi nhất và ít cổ điển nhất của Canova.

Antonio Canova, Venus Italica, Đá cẩm thạch, kích thước thật, 1808-1812, Florence

89

Điêu khắc Tân cổ điển chủ nghĩa đã đem hình ảnh con người cổ đại gắn cho con người hiện tại, đã gắn hiện thực thời bấy giờ với thời cổ đại, đã đem hiện thực nâng lên ngang tầm với mỹ thuật cổ đại. Tuy vậy, tính chất "người" của điêu khắc về phụ nữ của ông, nếu được đặt trong các lâu dài, cung điện, dinh thự, có khả năng lấn át tất cả các tác phẩm điêu khắc khác và trở thành không tiền khoáng hậu. Sự duyên dáng ở đây còn được kết hợp hoàn hảo với sự trang nghiêm. Tuy vậy giữa hiện thực và lý tưởng có một khoảng cách. Hiện thực đầy rẫy những "dị chất", những "tiếng kêu", đầy rẫy những "phẫn nộ", "niềm vui", cũng như "nỗi buồn". Đó là những điều mà điêu khắc Tân cổ điển đã quay mặt lại.

Kiến trúc Tân Cổ điển dựa trên các nguyên tắc về sự đơn giản, sự đối xứng và toán học, các nguyên tắc vốn được coi là phẩm chất của nghệ thuật Hy Lạp và La Mã cổ đại. Kiến trúc Tân Cổ điển cũng phát triển mở rộng những ảnh hưởng tân thời hơn lấy từ chủ nghĩa Cổ điển Phục hưng ở thế kỷ 16, phong trào phụ thuộc không kém vào giá trị cổ đại.

4.1.2. Nghệ thuật hiện đại Chủ nghĩa lãng mạn

Sơn dầu trên vải – Louvre, Paris Pháp Bức tranh Tự do dẫn lối nhân dân (La Liberté guidant le peuple) nổi tiếng và có ảnh hưởng này mô tả cuộc nổi dậy ở Paris vào tháng 7 năm 1830. Tuy nhiên, Delacroix không trình bày một sự kiện có thực mà là một câu chuyện ngụ ngôn về 90

cuộc cách mạng. Một người phụ nữ ngực trần, đại diện cho ý tưởng về Tự do, đội mũ Phrygian (hay còn được gọi là mũ tự do), một tay cầm lưỡi lê và tay kia giương cao lá cờ ba màu, khuyến khích đám đông nổi loạn tiến tới con đường chiến thắng của họ. Trong khi hình dáng của cô và chiếc váy phủ lên cơ thể gợi lên lý tưởng cổ điển Hy Lạp, Delacroix lại thêm lông vào dưới cánh tay cô gái, gợi ý về một con người thực chứ không chỉ là một lý tưởng.

Thế kỷ XX, đã có một sự thay đổi lớn trong cách mà nghệ thuật đã được tạo ra. Các phong cách như chủ nghĩa lập thể, chủ nghĩa vị lai và chủ nghĩa giả tạo đã được sinh ra. Những nghệ sĩ này né tránh những mô tả thực tế về thế giới xung quanh họ, thay vào đó thiên về trừu tượng và cảm xúc. Tuy nhiên, gần như tất cả các nghệ sĩ trong thời kỳ này đều đã được học về cổ điển - dù chính thức hay không.

Các nghệ sĩ như Carlo Carrà đã tạo ra tác phẩm theo chủ nghĩa tương lai rất gắn liền với truyền thống Tân cổ điển. Ví dụ, anh ấy đã viết rất dài về nguồn cảm hứng mà anh ấy tìm thấy trong một bức tượng Etruscan. Tương tự như vậy, từ năm 1928, Gino Severini được biết đến với việc đưa phong cảnh cổ đại của Rome vào hình ảnh của mình. Ngoài ra, tác phẩm năm 1915 của Giorgio De Chirico'a “The Song of Love” tích hợp các mô típ cổ điển vào một tác phẩm siêu thực ban đầu. Nó có một chiếc găng tay cao su lớn và quả bóng màu xanh lá cây cũng như hình ảnh lớn của đầu một bức tượng Hy Lạp cổ đại. Chiếc găng tay và chiếc đầu cổ điển phản ánh sự cũ và mới. Ba người đàn ông này là một phần của một nhóm nghệ sĩ rộng lớn hơn nhiều, những người đang tưởng tượng lại hiện tại của họ với những cái gật đầu về quá khứ xa xưa.

Tác phẩm nghệ thuật của Giorgio De Chirico Nghệ thuật hậu hiện đại, nghệ thuật đương đại 91

Nghệ sĩ người Pháp đã áp dụng những bài học mà anh ấy đã học được từ điêu khắc cổ điển để tạo ra những hình thức hoàn toàn hiện đại.

Rodin’s “The Kiss” Triển lãm The Classical Now trưng bày các tác phẩm đương đại lấy cảm hứng từ nghệ thuật Hy Lạp cổ đại.

'POSE ROOM' - HANS-PETER FELDMANN'S UNTITLED AND YVES KLEIN'S VENUS BLEUE, 1962/1982. 'MODERN CLASSICISMS' AND KING’S COLLEGE LONDON

92

EDWARD ALLINGTON’S VICTORY BOXED, 1987.

Classical Now thử nghiệm những cách mới để thách thức hiện trạng này.

Không thiếu những đồ vật cổ trong số hơn 50 đồ vật được trưng bày: một chiếc đầu bằng đồng đặc biệt quý hiếm của thần Apollo, ví dụ như tượng thần Crouching Venus bằng đá cẩm thạch (hoàn chỉnh với phần đế thế kỷ 18), một bức tranh khảm La Mã với trung tâm Gorgon, hoặc một chiếc amphora hình màu đỏ trên gác mái từ thế kỷ thứ năm trước Công nguyên. Nhưng xen kẽ giữa những cổ vật này là những tác phẩm của một số tên tuổi lớn nhất trong thế giới nghệ thuật hiện đại và đương đại. Edward Allington, Jean Cocteau, André Derain, Damien Hirst, Yves Klein, Louise Lawler, Roy Lichtenstein, Bruce Nauman, Grayson Perry, Frances Picabia, Pablo Picasso, Marc Quinn, Rachel Whiteread.

SACHA SOSNO, LE BON GUETTEUR, 2008 93

MARC QUINN, ALL ABOUT LOVE: HEAVEN, 2016–2017 Nghệ thuật cổ điển là nguồn cảm hứng lớn cho thiết kế đồ họa.

Rachel Thomas on Imaginary View

4.2. Ảnh hưởng đến các phong cách kiến trúc 4.2.1. Kiến trúc cổ đại a.

La Mã cổ đại

94

Thức cột La Mã cổ đại Người La Mã cổ đại đã kế thừa thức cột của Hy Lạp cổ đại. Ngoài ba thức Doric, Ionic, Corinth, họ sáng tạo thêm hai thức cột mới là Tuscan và Composite.

Thức cột Tuscan là thức cột Doric đơn giản hóa, thân cột trơn nhẵn, không có trang trí rãnh ở thân cột. Về tỷ lệ, nó tương tự như thứ tự Doric, nhưng nhìn chung nó đơn giản hơn, được thiết kế mảnh mai, nhỏ hơn cột Doric, cột thường cao gấp cột thường cao gấp bảy lần đường kính cột Thức cột Ionic La Mã không khác gì mấy so với thức cột Ionic Hy Lạp. Còn thức cột Composit được phát triển lên từ thức cột Corinth, có hoạt tiết ở đầu cột nhiều hoa văn hơn cột Corinth, có thể là sự kết hợp giữa thức cột Corinth và một vài vòng xoắn của cột Ionic.

95

b.

Phục Hưng

Kiến trúc Phục Hưng lấy nền tảng là những nguyên tắc của kiến trúc Hy Lạp và La Mã cổ đại, lại được hỗ trợ bởi sự phát triển khoa học cũng như lòng tự tin vào sức mạnh sáng tạo của con người nên có tính chuẩn mực, khúc chiết và hài hòa.

Kiến trúc Phục Hưng đề cao vai trò của tỷ lệ, khối hình học cơ bản, bố cục cân bằng, hài hòa và hệ thống thức cột cổ điển trong việc tạo nên hiệu quả thẩm mỹ của công trình.

Từ thế kỷ XV, châu Âu bước vào thời kỳ Phục Hưng với nhiều thành tựu văn hóa, nghệ thuật khoa học nhờ sự khôi phục và phát huy di sản văn minh Hy Lạp, La Mã cổ đại. Kiến trúc phương Tây trở về với cội nguồn cổ điển và phát huy những giá trị đó lên tầm cao mới. Xuất phát từ Florence, Italia, kiến trúc Phục Hưng lan ra toàn châu Âu và ảnh hưởng sâu rộng đến nhiều thế kỷ sau. Kiến trúc Phục Hưng có vẻ đẹp khúc chiết, cân đối, hài hòa với con người, giải pháp thiết kế đề cao vai trò của tỷ lệ, khối hình học cơ bản và hệ thống thức cắt cổ điển.

Kiến trúc sư người Ý là Andrea Palladio là một kiến ​trúc sư có ảnh hưởng rất lớn trong thời kỳ High Renaissance. Thiết kế của ông cho Nhà thờ San Giorgio Maggiore ở Venice thể hiện các khái niệm cổ điển của Hy Lạp về sự hài hòa cũng như việc sử dụng các cột đá cẩm thạch của dòng Corinthian. La Rotunda (hay hiên) của Palladio ở Villa Capra, cũng ở Venice, gợi nhớ đến những ngôi đền Hy Lạp cổ điển cả về kích thước và phong cách với mái hiên lớn ngoài trời được hỗ trợ bởi sáu cột Ionic.

Nhà thờ San Giorgio Maggiore 96

4.2.2. Kiến trúc cận đại – Tân cổ điển Tân cổ điển Pháp Nhà thờ Madeleine được khởi công từ năm 1763 dưới triều Vua Louis XV, được thiết kế lại bởi kiến trúc sư Pierre-Alexandre Vignon và chính thức xây dựng dưới triều Napoléon với tư cách một ngôi đền vinh danh quân đội Pháp, điều này giải thích hình dáng nhà thờ giống như một ngôi đền thời Hy - La Cổ đại. Nhà thờ có mặt bằng hình chữ nhật đặc trưng của một ngôi đền Hy Lạp, bốn phía được nâng bởi các hàng cột thức Corinth cao 19,8 m, mặt chính được kết thúc bởi một fronton là tác phẩm điêu khắc của Philippe Joseph Henri Lemaire với tên gọi Sự phán quyết cuối cùng. Bên trong nhà thờ còn có nhiều tác phẩm điêu khắc, trong đó nổi tiếng nhất là tác phẩm Đức mẹ Mary Madeleine lên trời của điêu khắc gia người Ý Carlo Marochetti.

Nhà thờ Madeleine Tân cổ điển Anh Kiến trúc Tân cổ điển ở Anh phát triển mạnh từ thế kỷ XVII đến giữa thế kỉ XIX gắn liền với việc xây dựng các công trình công cộng ở Luân Đôn và nhiều thành phố khác. Kiến trúc Tân cổ điển Anh mang đậm dấu ấn của các đền đài Hy Lạp Cổ đại, không quá phô diễn và mang tính trang trí cao.

Các công trình tiêu biểu: Nhà thờ Saint Paul, Bảo tàng Anh, Ngân hàng Anh, Bảo tàng Soane, Cumberland Terrace, Lâu đài Lowther, Lâu đài Eastnor...

97

Bảo tàng Anh do kiến trúc sư Robert Smirke thiết kế, xây dựng năm 1852 ở Luân Đôn. Bảo tàng không chỉ là nơi trưng bày các hiện vật mà còn là một thư viện lớn lúc bấy giờ, công trình bao gồm khối trung tâm và hai cánh nhô ra phía trước.

Khổi trung tâm mang đậm chất Hy Lạp Cổ đại với một tiền sảnh (portique) cấu tạo bởi hàng cột thức Ionic đỡ một Fronton trang trí bằng hình tượng các vị thần cổ đại.

Phía sau là không gian đọc hình tròn được bao phủ bởi một mái vòm lớn có nhiều cửa sổ lấy ánh sáng tự nhiên. Bảo tàng Anh được coi là một trong những bảo tàng quốc gia lâu đời và lớn nhất thế giới.

Bảo tàng Anh Tân cổ điển Đức Kiến trúc Tân cổ điển Đức phát triển mạnh vào những năm cuối thế kỷ XVIII đầu thế kỷ XIX, thời kỳ Thịnh trị của hoàng đế Phổ. Kiến trúc Tân cổ điển Đức chịu ảnh hưởng của kiến trúc Hy Lạp Cổ đại nhưng cũng mang tính hoành tráng và có phần phô trương của kiến trúc La Mã.

Các công trình tiêu biểu: Cổng Brandenburg, Nhà hát Berlin, Bảo tàng Cũ, Nhà Cảnh vệ Hoàng gia, Lâu đài Tegel, Nhà thờ Friedrichswerder...

Nhà hát Berlin do kiến trúc sư Karl Friedrich Schinkel thiết kế, xây dựng năm 1831 trên nên của Nhà hát Langhans bị hỏa hoạn thiêu rụi trước đó. Nằm ở vị trí giữa hai nhà thờ, K. F. Schinkel đưa ra ý tưởng công trình nhà hát như một điểm nhiều trung tâm lấy cảm hứng từ kiến trúc đền Parthenon. Hệ dốc bậc phía trước tao ra vẻ bề thế cho công trình. Sảnh là mảng tường che mái phòng khán giả cũng được kết thúc bằng một fronton với Tượng thần Apollo tay cầm đàn ta trên xe ngựa kéo.

98

Cách bố trí tạo viễn cảnh nhiều lớp nhìn từ quảng trường của tác giả đã phần nào phá đi tính nghiêm ngặt thái quả của chủ nghĩa Cổ điển.

Nhà hát Berlin Bảo tàng Altes Museum do kiến trúc sư Karl Friedrich Schinkel thiết kế, xây dựng năm 1830 ở Berlin. Bảo tàng có mặt bằng hình chữ nhật với một không giant trung tâm hình tròn và các không gian trưng bày ở hai phía bao lấy hai sân trong.

Phong cách tổ chức mặt đứng giống như một ngôi đền Hy Lạp với hàng cột thức lonic chạy suốt mặt chính công trình tạo ra một hình thức mở cho bảo tàng, đồng thời khách tham quan cũng có thể từ đây nhìn ngắm quảng trường. Cách tổ chức mặt chính cũng được đưa vào nội thất không gian trung tâm với hàng cột thức Corinth bao quanh, giữa các cột là tượng các vị thần Hy Lạp, phía trên là một mái vòm lớn.

Bảo tàng Altes Museum

99

Tân cổ điển Nga Kiến trúc Tân cổ điển Nga mang hình ảnh của kiến trúc Hy Lạp Cổ đại với phong cách tương đối nhẹ nhàng Các công trình tiêu biểu: Cameron Gallery, Cung điện Pavlovsk, Quảng trường Cung điện Saint Petersbourg...

Cameron Gallery do kiến trúc sư C. Cameron thiết kế, xây dựng năm 1783 trong tổng thể Cung điện Catherin II ở thành phố Puskin, gần Saint Petersbourg.

Tòa nhà đặc trưng bởi hàng cột thức Ionic chạy bao quanh tạo ra một hàng hiên rộng, nơi trưng bày những bức tượng bán thân bằng đồng. Nền dốc bậc lớn dẫn từ sân trước lên chính sảnh lấy cảm hứng từ những ngôi đền thời Cổ đại. Khu vườn rộng phía trước tòa nhà cũng do kiến trúc sư Cameron thiết kế và được đưa vào các kiến trúc nhỏ kiểu Cổ điển.

Cameron Gallery 4.2.3. Chủ nghĩa chiết trung Chủ nghĩa Chiết trung trong kiến trúc xuất hiện đầu tiên ở Pháp, nhanh chóng lan rộng khắp châu Âu và sau đó tới Mỹ vào nửa cuối thế kỷ XIX. Khác với kiến trúc Tân cổ điển chỉ lấy cảm hứng từ kiến trúc Hy - La Cổ đại, kiến trúc Chiết trung không ngần ngại pha trộn các phong cách lịch sử mà không chịu ràng buộc bởi những quan điểm kinh viện cứng nhắc, kết hợp với các hình thức trang trí cầu kỳ tạo ra những công trình mang tính khác lạ về nghệ thuật.

Trong thiết kế kiến trúc và nội thất, những yếu tố này có thể bao gồm các đặc điểm cấu trúc, đồ nội thất, động cơ trang trí, vật trang trí lịch sử khác biệt, các họa 100

tiết hoặc phong cách văn hóa truyền thống từ các quốc gia khác, với sự kết hợp thường được lựa chọn dựa trên sự phù hợp với công trình và giá trị thẩm mỹ tổng thể.

Các công trình tiêu biểu: Nhà hát Opera Paris, Casino Monte-Carlo, Bảo tàng Bode & Berlin…

Nhà Quốc hội Hoa Kỳ với các cột và đầu hồi chính, nó là một tòa nhà theo phong cách Hy Lạp cổ đại đặc trưng. Ở dãy nhà ngay phía đông là Tòa nhà Tối cao - một kiệt tác lấy cảm hứng từ phong cách Hy Lạp cổ điển.

Nhà Quốc hội Hoa Kỳ 4.2.4. Kiến trúc hậu hiện đại Hậu hiện đại là một phong cách kiến trúc hình thành đầu những năm 1960 và phát triển mạnh từ thập kỷ 1970, thời kỳ kiến trúc Hiện đại bắt đầu lâm vào tình trạng khủng hoảng. Chủ nghĩa Công năng, đại diện chính cho kiến trúc Hiện đại, với những khẩu hiệu nổi tiếng một thời như “Hình thức phải theo đuổi công năng “Ngôi nhà là cái máy để ở”, “Ít tức là nhiều”, “Hình học là bản thể của kiến trúc”, “Trang trí là tội ác” ... bị đòi hỏi xem xét lại.

Một số thủ pháp của phong cách Hậu hiện đại a) Sử dụng hệ thống kiến trúc Cổ điển Các kiến trúc sư sáng tác theo thủ pháp này thường mong muốn tái hiện kiến trúc Cổ điển trong các công trình của họ. Những ngôi đền Hy Lạp, Khải hoàn môn La Mã và các thức cổ điển đều có thể là nguồn cảm hứng cho sáng tác của họ. Tuy

101

nhiên, thay vì một tổng hòa bố cục hoàn hảo kiểu Phục Hưng, các kiến trúc sư Tân cổ điển - Hậu hiện đại lại mong muốn tạo ra những tổng hòa không đồng nhất hay còn gọi là sự thống nhất của những cái chưa hoàn chỉnh, sự hài hòa phi điệu tính, thậm chí còn vận dụng nghịch mắt các chi tiết cổ điển. b) Đề cao tinh trật tự trong bố cục Các kiến trúc sư sáng tác theo thủ pháp này thường sử dụng những hình hình học cơ bản trong bố cục hình khối công trình, các trục chính phụ được thể hiện rõ ràng. Mặc dù không sử dụng trực tiếp các yếu tố kiến trúc Cổ điển và đề cao tính trang trí, nhưng tính trật tự trong bố cổ điển luôn được đề cao. c) Pha trộn lai tạp Các kiến trúc sư sáng tác theo thủ pháp này thường sao chép y nguyên các chi tiết kiến trúc của một số công trình cổ rồi kết hợp một cách tạp với nhau. Ví dụ một đền thờ ở Trung Đông do Q. Terry thiết kế với ngôn ngữ kiến trúc La Mã Cổ đại nhưng lại có một cái tháp theo phong cách Thực dân Anh, hay Okawa House do M. Monta thiết kế với mặt ngoài mang phong cách lâu đài Farnèse nhưng nội thất lại mang phong cách Nhà thờ Pazzi.

Các kiến trúc sư và công trình tiêu biểu Tháp Sony, trước kia là tháp AT&T, do kiến trúc sư Philip Johnson thiết kế, xây dựng năm 1979 ở New York. Là một tòa nhà chọc trời được xây dựng khu vực trung tâm Manhattan, công trình mang lại nhiều biểu cảm bởi cách xử lý gợi lại hình ảnh của kiến trúc Cổ điển khác với những tòa nhà xung quanh. Khối đế cao tới bảy tầng với rất ít cửa và một cuốn vòm khổng lồ gợi lại hình ảnh của một khải hoàn môn La Mã, phần trên cùng của mái lấy cảm hứng từ các fronton Hy La Cổ đại nhưng được khoét một một hình tròn ở trung tâm.

102

4.3. Ứng dụng trong thiết kế nội thất đương đại 4.3.1. Sáng tạo đồ nội thất Những yếu tố kiến trúc trong các công trình nổi tiếng của Hy Lạp đã trở thành nguồn cảm hứng lớn trong việc sáng tạo ra các sản phẩm nội thất đương đại. Những đặc điểm về hình khối, đường nét đặc trưng của các thức cột, những bức điêu khắc... được biến đổi và sáng tạo để kết hợp với phong cách của thời đại mới, tạo ra sự độc đáo cho mỗi sản phẩm.

Văn phòng thiết kế Cobra có trụ sở tại Brussels, Bỉ đã ra mắt bộ sưu tập đồ nội thất đầu tiên của mình mang tên Solids. Bộ sưu tập bao gồm 3 chiếc bàn và 1 chiếc đèn đứng làm từ vật liệu nhựa bóng. Cảm hứng thiết kế đến từ các công trình và nhân vật quan trọng trong thế giới Hy lạp – La mã cổ đại (Greco-Roman world).

Mỗi sản phẩm được thiết kế như 1 tác phẩm điêu khắc độc đáo. Đặc biệt, những yếu tố kiến trúc cổ đại được thể hiện độc đáo ở các bộ phận chân bàn, đây là một sáng tạo đầy mới mẻ giữa yếu tố cổ điển và hiện đại trong thiết kế sản phẩm nội thất.

Bên cạnh đó, các hình thức cột cổ đại cũng được biến tấu để trở thành nhiều đồ nội thất với công dụng khác nhau. Ở đây, ta có thể nhận thấy sự đa dạng trong sáng tạo của các nhà thiết kế, đồng thời những sản phẩm này cũng thể hiện tiềm năng về ý tưởng rất lớn từ các yếu tố kiến trúc cổ đại. Chúng hoàn toàn có thể trở thành một phần trong các thiết kế hiện đại, không chỉ đương thời mà còn trong tương lai xa hơn, đồng hiện với văn hóa và sự phát triển của nhân loại.

103

Ví dụ, những chiếc bình trong bộ sưu tập Hy Lạp của HKliving được lấy cảm hứng từ những ngôi đền Hy Lạp. Chiếc bình C của Hy Lạp là một cột thu nhỏ, với những đường rãnh đặc trưng và thủ đô theo phong cách Ionic.

104

Không chỉ tại các quốc gia khác trên thế giới, các nhà thiết kế nội thất Việt Nam cũng đã sử dụng các hình thức kiến trúc này như một chất liệu trong thiết kế của mình.

Thiết kế penthouse – TtrangHoang Design Không gian được thiết kế theo phong cách chiết trung, kết hợp cả các yếu tố của phong cách hiện đại lẫn phong cách futuristic (tương lai). Ở đây, thức cột Ionic đã được biến tấu thành một sản phẩm nội thất mang tính sáng tạo cao. Có thể thấy, sản phẩm này không chỉ là một điểm nhấn quan trọng của không gian mà bản thân nó đã là một sáng tạo thành công.

105

4.3.2. Sáng tạo không gian nội thất Không gian mang tên Greek Myths được nhà thiết kế nội thất Bruno Tarsia xây dựng theo phong cách Hy Lạp cổ đại như cái tên của nó. Tuy nhiên, đây không phải một công trình áp dụng hoàn toàn những niêm luật kiến trúc cổ đại mà sử dụng những yếu tố kiến trúc đó như một bộ phận để cấu thành nên không gian. Ở đây các thức cột và tác phẩm điêu khắc nổi bật của thời Hy Lạp cổ đại cũng đã được biến đổi về kích thước, màu sắc, chất liệu và được kết hợp với những yếu tố kiến trúc thuộc phong cách khác, phong cách hiện đại, tạo nên một không gian giàu tính cảm hứng.

Greek Myths - Bruno Tarsia Classicita’ Marie Claire Maison Italia 106

Bảo tàng Bourdelle (tiếng Pháp: Musée Bourdelle) là một bảo tàng nghệ thuật nằm ở số 18 phố Antoine Bourdelle, Quận 15 thành phố Paris Nơi đây vốn là căn nhà cùng xưởng sáng tác và khu vườn của nhà điêu khắc Antoine Bourdelle. Năm 1949, tòa nhà được sửa chữa lại thành bảo tàng, trưng bày các tác phẩm phóng đại, gợn sóng bề mặt quyện với bằng phẳng, đơn giản hóa trang trí của nghệ thuật cổ Hy Lạp và La Mã - đã mang lại sức sống và sức mạnh mới cho tác phẩm điêu khắc của đầu thế kỷ 20.

Nhiệm vụ lớn đầu tiên của Bourdelle, một đài tưởng niệm chiến tranh tại Montauban, Pháp (1902), thể hiện một chất lượng tàn bạo tương tự, cũng như loạt tác phẩm lấy cảm hứng từ âm nhạc của Beethoven mà ông cũng tạo ra trong thời kỳ đó. Bourdelle dần dần hướng tới một hình thức điêu khắc Cổ điển, tinh tế hơn. Vào năm 1900, ông đã tạo ra một tác phẩm quan trọng, Head of Apollo, trang nghiêm uy nghi và những mặt phẳng rộng lớn gợi nhớ tác phẩm điêu khắc Hy Lạp cổ điển ban đầu. Năm 1910, ông đạt được chiến thắng đầu tiên trong Salon cùng với Herakles (còn gọi là Hercules Archer), điều này một lần nữa mang ơn nghệ thuật Cổ xưa, 107

mặc dù tư thế này khó hơn nhiều và cơ bắp phóng đại hơn; ông đã thực hiện một số tác phẩm điêu khắc về chủ đề này.

Nội thất của Château Balsan ở Eze trên Côte d'Azur - Được trang trí bởi Jacques Garcia - Nhà trang trí Nội thất Uy tín nhất của Pháp - Một tài sản tinh tế, hoành tráng và sang trọng với đồ nội thất tuyệt vời, đá cẩm thạch & đồng của thế kỷ XVII, XVIII & XIX

Villa Kérylos - Ngôi nhà cũng có đồ nội thất, bộ đồ ăn, vải và lối trang trí dựa trên các ví dụ của Hy Lạp

108

Biệt thự được bố trí xung quanh một sân trong lớn với 12 cột làm bằng đá cẩm thạch Carrara.

Một thiết kế khác theo chủ nghĩa chiết trung trên thế giới, kết hợp các yếu tố nghệ thuật cổ điển với phong cách hiện đại, ở đây ta còn thấy đặc điểm của phong cách futuristic từ vật liệu được sử dụng. Không gian có sự tương phản rất lớn trong chất liệu – chất liệu cứng rắn và vật liệu trong suốt, màu sắc – những yếu tố cổ điển với sắc màu trắng hoàn toàn, yếu tố hiện đại được thêm vào với màu sắc nổi bật, những chi tiết cổ điển thì được diễn tả hết sức tỉ mỉ trong khi yếu tố hiện đại thì rất đơn giản.

109

Một thiết kế từ văn phòng thiết kế TTrangHoang Design, một lần nữa theo phong cách chiết trung hiện đại, ở đây có sự kết hợp độc đáo giữa các yếu tố kiến trúc có nguồn gốc khác nhau. Đặc biệt là thức cột Ionic từ Hy Lạp cổ đại và chất liệu sơn mài truyền thống Việt Nam. Có thể thấy, nhờ sự sáng tạo của nhà thiết kế, kiến trúc Hy Lạp có đa dạng các phương thức kết hợp để tạo ra những không gian mang nhiều tính nghệ thuật. Ở đây, nhà thiết kế cũng đã sử dụng linh hoạt các vật liệu cũng như biến đổi với các màu sắc khác nhau, tăng thêm tính sinh động và độc đáo cho không gian.

110

Studio 5 Garden Không gian được sắp đặt giàu tính nghệ thuật với các tác phẩm điêu khắc mang màu sắc cổ điển và những yếu tố kiến trúc được cách điệu.

111

KẾT LUẬN Có thể khẳng định rằng nền văn minh Hy Lạp nói chung và nền nghệ thuật Hy Lạp nói riêng có vai trò vô cùng quan trọng trong tiền trình phát triển của nghệ thuật thế giới. Không chỉ mang ý nghĩa lịch sử, những tác phẩm và công trình của thời kỳ này còn mang lại niềm cảm hứng lớn cho việc sáng tác nghệ thuật cũng như thực hành kiến trúc đương đại và trong cả tương lai.

TÀI LIỆU THAM KHẢO 1.

Giáo trình lịch sử kiến trúc – Nhà xuất bản xây dựng

2.

Giáo trình lịch sử nghệ thuật – Nhà xuất bản xây dựng

3.

Tạp chí interior daily – interiordaily.vn

4.

VAN HOA Culture

5.

Behance.net

6.

The Newyork Times

7.

The Met Museum

8.

Idesign.vn

9.

Wikipedia

10.

Worldhistory.org

11.

Studylib

12.

Ancient world studies

13.

Sothebys

14.

Archdaily

15.

RIBA architecture

16.

Interior notes

17.

Paxromanagallery

112