EQUIPO
CARTA DEL
DIRECTOR
PUBLISHER
Unai Gomez
Dear audience/Queridos lectores,
EDITOR
I’ve been working on this magazine for 2 months. It’s about design and the main purpose of this magazine is to create a magazine design using my creativity. I’m not looking for a special finality with the content of the magazine. First of all, I want to aplogize, if you are the author of this content I want you to know that this content was made for a class project, this magazine won’t be selled never and if you have any issue with this please contact me: unai.gomsan@gmail.com and I will try to do all that it´s in my hand to solve the objection.
Michael Freeman CREATIVE DIRECTOR
James Myself GRAPHIC DESIGNER
Robert Smith WRITERS
He estado trabajando en esta revista 2 meses. Es sobre diseño y el propósito principal de esta revista era crear un diseño de revista usando mi creatividad. No busco ninguna finalidad especial con el contenido. En primer lugar, quiero disculparme, si eres el autor de este contenido quiero hacerte saber que este contenido ha sido usado para un proyecto de clase, nunca se venderá esta revista y si tienes algún problema con este tema, por favor, contacta conmigo: unai.gomsan@gmail.com y haré lo que esté en mis manos para resolver este inconveniente.
Katy Sulivan Mark Clenzy Jason Andrew LAYOUT DESIGN
Vaquero Gomez DISTRIBUTION MANAGER
Brownie Flash Agradecimientos a: Graffica.info, europapress.es, erikjohanssonphoto.com.
Cheers/Un Saludo, Unai.
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¿QUÉ ENCONTRARÁS? 04
CARTA DEL DIRECTOR
06-07
HISTORIA DEL DISEÑO
08-09
BRANDING
10-11
MARU
12-15
ENTREVISTA MICHAEL BIERUT
16-17
FOTOGRAFÍA
18-21
ERIK JOHANSSON
22-23
ENTREVISTA FRANCISCO NEGRONI
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EL DISEÑO, ¿Cuál es su historia?
El diseñador no es ingeniero. Su proceso de trabajo es menos científico y más intuitivo. En ello, precisamente, reside gran parte de su éxito. Se mueve entre lo humanístico y lo tecnológico, lo artístico y lo técnico, la sociología y el marketing. El diseño es una actividad multidisciplinar y el diseñador un generalista que maneja conocimientos de muchas áreas muy distintas. Su trabajo, y por tanto los resultados del mismo, está influido por su cultura, su creatividad, las tendencias estéticas y, por qué no, las ideológicas. Este conglomerado de factores, que influyen en el trabajo de diseño, son consecuencia de las circunstancias en que se originó esta disciplina. Por eso es necesario, si se quiere entender qué y cómo son los diseñadores y qué y cómo es el diseño, empezar por un breve recorrido histórico de esta disciplina y los avatares que la han llevado a lo que hoy es.
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MARU,
un logotipo metafórico Maru se considera a sí misma una marca perfeccionista. De ahí que su nombre signifique ‘perfección’ en japonés. Se ha querido transmitir pues esta filosofía de la empresa a través de estas cinco líneas. Siendo paralelas, simétricas y formando un hexágono, es una buena manera de introducir ese principio en el logotipo. Éste se distingue por ser modular y variable. El hexágono se divide en cinco líneas verticales equidistantes con bordes redondeados. De esta forma se suaviza su impacto y resulta más agradable, como los espacios habitables que diseña Maru. A su vez se segmentan según una retícula invisible para jugar y crear formas gracias a dos grosores de trazo principales, uno grueso y otro fino. Se han realizado correcciones ópticas para el caso en que las cinco líneas estén en su máximo grosor, volviéndolas más finas para que su peso corresponda con aquellas versiones que combinan líneas finas y gruesas. Gracias a estas combinaciones, se pueden crear el alfabeto la-
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tino y los números, para su aplicación por ejemplo en tarjetas de visita, paneles señalizadores y otros usos. Las infinitas posibilidades permiten variar el logo según usos y aseguran el acabado geométrico que demandaba la empresa. No solo el isotipo es importante. También la tipografía del título ha sido elegida para combinar a la perfección con la estructura geométrica. Se ha optado por una sans serif en caja alta con terminaciones redondeadas, característica que le permite casar a la perfección con el isotipo. El claim, Archi Technology, hace referencia al proceso tecnológico que se esconde detrás de la labor de Maru. Es una marca innovadora, en el centro del presente que mira al futuro. El hexágono dividido en líneas de diferentes grosores y las animaciones que Ogilvy & Mather nos recuerdan a un ecualizador con el que equilibrar bajos, graves y agudos. Tras este diseño, la identidad de Maru está afinada por muchos años.
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MICHAEL BIERUT, Prefiero que alguien me diga claramente que detesta mi trabajo a alguien que maree la perdiz
GRAFFICA: ¿PODRÍAS PRESENTARTE? Michael Bierut: Me llamo Michael Bierut, nací el 29 de agosto de 1957 en Garfield Heights, Ohio.
la gente, si eres bueno, me parece un trabajo estupendo. Siempre que no me hubiera dedicado al diseño gráfico.
G: ¿CUÁL FUE TU DISEÑO FAVORITO EN LA INFANCIA? MB: Mi diseño favorito de niño era el logo de una empresa que hacía unas carretillas elevadores tipo Fenwick. La empresa se llamaba Clark y en su logo la ‘L’ levantaba la parte de inferior izquierda de la ‘A’. Mi padre me lo señaló y me dijo “¿no es genial cómo levanta la letra igual que hacen las carretillas elevadoras?”. Yo estaba entusiasmado pensando cuántos secretos como aquel habría escondidos por los alrededores. Ni siquiera sé quién diseñó ese logo pero era mi favorito. Me encanta.
G: ¿QUÉ LES DIRÍAS A LOS ESTUDIANTES DE DISEÑO? MB: A los estudiantes lo mejor que puedo decirles es que sean siempre optimistas, inquietos y curiosos sobre el mundo. Creo que lo que hace al diseño gráfico diferente del diseño industrial, del diseño de moda, del diseño de interiores, de la arquitectura, es que el diseño gráfico no es sólo una cosa. El diseño de moda puede ser un traje y la arquitectura puede ser un edificio. Como estudiante te obsesionas con la parte técnica del diseño, la que tiene que ver con el kerning, espaciado, maquetación y composición… Esas cosas son importantes pero son medios que sirven a un fin. A un fin mayor. Y si puedes mantener el interés en ese fin mayor, siempre mantendrás la inquietud y el compromiso en tu siguiente trabajo. También es válido para profesionales.
G: ¿TENÍAS ALGÚN OTRO HOBBY AL QUE TE HUBIESE GUSTADO DEDICARTE? MB: Me hubiera gustado dedicarme a la música, especialmente hacer carrera como pianista. Mi compañero de habitación de la universidad se gana la vida en parte tocando el piano en bares. Él piensa que es tedioso, pero para mí tocar música sin tener que llevar el instrumento, no tienes que hacerlo si eres pianista porque ya hay un piano allí esperándote, tocar las canciones que te pide 12
G: PARA TÍ, DE MANERA BREVE, ¿QUÉ ES EL DISEÑO GRÁFICO? MB: Diseño gráfico es… a nivel muy básico, la distribución de textos e imágenes para hacer llegar
un mensaje a una audiencia. Pero también es una manera de ver el mundo, de pensar… o una manera de vivir si quieres verlo así. En diseño gráfico, la tipografía no tiene sentido si no hay algo que leer, un libro ha de tener introducción, nudo y desenlace, palabras e imágenes, una revista ha de tener palabras e imágenes, un logo ha de representar a una institución, un cartel va a intentar convencerte de algo, ya sea comprar una lata de judías o apoyar una causa noble, y todo eso es lo que hace que el diseño gráfico sea interesante.
G: ANTES DE SER EMPRESARIO, ¿TRABAJASTE DE BECARIO ALGUNA VEZ? MB: Estuve becado algún tiempo lo que fue muy importante para mí, pero el primer trabajo después de graduarme fue trabajar en New York para Lella y Massimo Vignelli. Pasé de estar toda la vida en Ohio, en un entorno tranquilo, a trabajar en un estudio de talla internacional regido por dos diseñadores italianos realmente dinámicos que se habían trasladado a Nueva York con su cartera de clientes de todo el mundo, así que fue una educación grandiosa que me pagaron por recibir, por lo que me considero muy afortunado.
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G: ¿CUÁL ES EL TRABAJO MÁS RECIENTE QUE HAYAS TERMINADO? MB: Mi trabajo más reciente es un programa de identidad para un museo en Tulsa, Oklahoma, en pleno dentro de los Estados Unidos. Un museo poco conocido aquí y no digamos en el resto del mundo. Nos costó mucho llegar a una solución. Hicimos tres propuestas diferentes, cada una con muchas posibilidades, pero no nos convencían, hace un par de semanas dimos con la solución y es agradable ver que, cuando ya estás desesperado pensando que no eres el adecuado para ese trabajo, cuando casi te has rendido, finalmente avanzas en la buena dirección. G: DESPUÉS DE TODA TU TRAYECTORIA PROFESIONAL, ¿TE GUSTARÍA TRABAJAR JUNTO CON OTRO PROFESIONAL EN ESPECIAL? MB: Trabajar con Isidro Ferrer sería genial, realmente creo que podría aprender mucho de él, pero Paula Scher también es genial, lo mismo que James Goggin, de Chicago, acabo de descubrir su trabajo y me parece fantástico. G: NO TODOS TIENEN EL MISMO GUSTO, ¿QUÉ TE DICEN LOS CLIENTES CUANDO NO LES GUSTA TU TRABAJO? MB: ¿Qué le dices a alguien cuando te dice que no le gusta lo que has hecho? Si trabajas con clientes, lo que más me gusta oír es: «nos encanta, gracias». Lo segundo que más me gusta es cuando te dicen «lo detesto» porque también es interesante. Lo que menos me gusta oír es «mmmm, nos has dado mucho que pensar, seguimos en contacto». Prefiero que alguien me diga claramente que detesta mi trabajo a alguien que maree la perdiz. La gente normalmente es correcta cuando te dice que no le gusta lo que has hecho.
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G: DESPUÉS DE ESTO QUE NOS COMENTAS, ¿LA ÚLTIMA SITUACIÓN MÁS AGOBIANTE QUE UN CLIENTE OS HA HECHO SENTIR? MB: Hace un par de semanas un cliente nos dio un brief de un concurso de marketing cuyo producto era relativamente barato y dirigido a la juventud, y había que hacer que pareciera serio por una parte pero casual e informal por la otra. También querían que fuera un poco genérico, neutral, y nos sugirieron usar Helvetica. G: RESPECTO A TIPOGRAFÍA, ¿CUÁL ES LA QUE MÁS ESTÁIS USANDO EN PENTAGRAM? MB: La tipografía que estamos usando es ITC American Typewriter, diseñada por Tony Stan. No la usaba desde 1981 ó 1982, pero ahora estamos tratando de utilizarla de una manera muy moderna, así que no parece de los años 70, y es asombroso lo que se adapta al carácter del producto. Es una tipografía que he redescubierto. G: ¿TUS MEJORES INSPIRACIONES Y GUÍAS? MB: Diría que he aprendido más de Neville Brody que de David Carson. En su trabajo he descubierto más cosas. Por otro lado, Milton Glaser me ha influido mucho más que Paul Rand. Fui a un colegio con una educación tipo suiza muy estricta, pero siempre me gustó mucho Milton Glaser y a pesar de distanciarme mucho en estilo, admiro su trabajo. G: ¿AÑADIRÍAS ALGO ESPECIAL EN EL MUNDO DEL DISEÑO? MB: Dentro del mundo del diseño gráfico añadiría unas cuatro horas a cada día para que todo el mundo tuviera tiempo para pensar entre tanto deadline.
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ERIKJ
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JOHANSSON, master of photoshop
El trabajo fotográfico de Erik Johansson te atrapa aun sin querer. Sus imágenes tan evocadoras como surrealistas despiertan hasta el rincón más escondido de la imaginación del espectador.
Erik Johansson, fotógrafo y artista digital sueco con base en la República Checa y Suecia, está especializado en el retoque fotográfico. Tanto en sus proyectos personales como en los proyectos realizados para clientes de todo el mundo (entre los que se encuentra Adobe, National Geographic Channel, Volvo, Google y Microsoft), sigue un objetivo concreto que coincide con una de sus mayores obsesiones: darle el mayor realismo posible a cada pieza mediante su cámara y Photoshop.
Se graduó en ingeniería informática en la Universidad de Tecnología en Gothenburg (Suecia) y en el máster de Interaction Design en 2010, pero sus conocimientos en fotografía y retoque digital los adquirió de forma autodidacta. Hace dieciséis años llegó a sus manos su primera cámara digital y tras haber estado dibujando casi toda su vida, descubrió lo divertido que era modificar la realidad en sus fotografías y vio la cantidad de posibilidades que se le abrían ante él.
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Con su imaginación el artista visual crea escenas increíbles en las que la realidad y ficción se entremezclan invitando al espectador a jugar con la imagen y a descifrarla. Si bien los elementos que se muestran en las fotografías podrían ser bastante cotidianos, las situaciones y los contextos en los que se encuentran son más bien imposibles. Por ello no es de extrañar que entre sus referentes se encuentre Salvador Dali, M.C. Escher o René Magritte. Para mostrar cómo lleva a cabo sus imágenes imposibles, el fotógrafo ha creado un vídeo making of donde explica su proce-
so de trabajo. Johansson afirma que no utiliza bancos de imágenes y que todo lo que emplea son fotografías propias para lograr un estilo verdaderamente personal. Primero parte de una idea, de un boceto. Después de elegir localizaciones y elementos necesarios para su composición, los fotografía (proceso que, según afirma, puede llevarle meses e incluso años). En este proceso es donde define el aspecto que va a tener la pieza, escogiendo luces, reflejos, perspectivas… Tras capturar las imágenes que necesita, las une en una sola composición en el software de edición como si fuera un puzzle. Su intención es que la imagen final dé la sensación de que podría haber sido tomada como cualquier fotografía normal. Erik Johansson,
maestro de Photoshop, crea ilusiones ópticas imposiblesUna única fotografía puede contener diferentes imágenes que no pertenecen a la misma escena pero que casan a la perfección una vez que pasan por la cabeza y las manos de este estudiante de ingeniería informática, que aprendió por curiosidad y afición la magia del Photoshop. Cada trabajo es único y puede llevar más o menos tiempo, dependiendo de la dedicación del artista. El resultado son estas imposibles ilusiones ópticas retorcidas, que desafían la realidad más coherente, y que nacen con el objetivo de parecer que el objetivo de la cámara capturó estas escenas.
Leer mas: http://www.europapress.es/desconecta/curiosity/noticia-erik-johansson-maestro-photoshop-crea-ilusiones-opticas-imposibles-20150226150741.html
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ERIK JOHANSSON Follow his work in
http://www.erikjohanssonphoto.com/
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FRANCISCO NEGRONI, Fotógrafo de volcanes y patagonia VENTANA LATINA: ¿QUÉ TE INSPIRÓ A SER FOTÓGRAFO? Francisco Negroni: Hace aproximadamente 14 años atrás vi en una revista la fotografía de Kevin Carter, fotoperiodista Sudafricano, quien había ganado el premio Pulitzer con una imagen de un niño de color arrastrándose a un centro de comida, detrás de él un buitre camina esperando quizás su deceso. Fue para mí tan impactante esta imagen que en ese mismo minuto me dije a mi mismo, quiero hacer esto, quiero mostrarle a las personas la realidad en que vivimos y horrorizarlos de cierta manera para poder crear un cambio en ella. Ese cambio puede ser mínimo, pero puede crear conciencia. De ahí quizás nace el popular dicho que una imagen vale más que mil palabras. Yo no necesité leer nada ni ver nada más para conmoverme con esa imagen de Kevin Carter…agradezco a él (Q.E.P.D) y su imagen por haberme motivado a ser fotógrafo. VL: ¿ALGUNA VEZ HAS PENSADO EN COMBINAR LA FOTOGRAFÍA CON OTRO MEDIO VISUAL O DE AUDIO? FN: Hoy en día donde las redes sociales están tan influyentes y los formatos digitales son descargados con tanta facilidad, que creo que es tarea de quizás todos nosotros, los fotógrafos, de mezclar algo 22
de fotografía con imagen en movimiento. De hecho, muchos exploramos ya esto con nuestras propias cámaras al realizar Time Lapses por ejemplo. A mí me gusta el video, no estoy de lleno en eso, pero estoy de a poco aprendiendo, creo que si no lo haces te quedas bastante atrás, además hay que pensar que si ganas dinero con el fotoperiodismo por ejemplo, hay que renovarse y estar 100% a la cabeza de las nuevas tendencias globalizadas de imagen en los grandes medios de comunicación. VL: ¿QUÉ SE REQUIERE PARA SER UN FOTOPERIODISTA? FN: Cuando estudie fotografía, hace unos 12 años, creía que para ser Fotoperiodista solo debías tener las ganas de viajar a una zona de conflicto y tomar fotos como loco. Al cabo de varios años me fui dando cuenta que la verdad es que se necesita tiempo y paciencia, no es solo cuestión de tomar fotos, si no es el hecho de lograr sin texto contar una historia y llegar a eso cuesta mucho, quizás yo aún no lo logro. Respeto a los fotoperiodistas, es un trabajo a veces muy amargo y cada día mas complicado económicamente gracias al avance de la tecnología digital y la inmediatez de la información, pero aun así creo que seguirán existiendo. En Chile para
llegar a ser Reportero Gráfico necesitas arriesgarte a meterte a un mundo laboral escaso, de muy pocas oportunidades, pero que sí te puede dar felicidad; si eso es lo que realmente quieres hacer. Como parte de un consejo diría, comenzar estudios con lo relacionado a la fotografía, comprar un equipo acorde a las exigencias de hoy, visitar algunos diarios y/o editores y luego te largas a buscar y a contar historias con pasión y ganas…por ahí fue por lo menos mi camino. VL: ¿CÓMO SURGE TU PASIÓN POR LA FOTOGRAFÍA PAISAJISTA? FN: Siempre admiré a grandes fotógrafos de naturaleza y paisaje, es mas, creo que siempre supe que me inclinaría algún día para ese lado. Mi pasión en esto surge de mi afán de viajar por Chile, desde pequeño solía irme a los campos y lugares lejanos a acampar, pescar etc, seguramente fue allí donde contemplar atardeceres y estrellas me dieron la idea de retratar algún día la belleza natural del mundo. En Chile hay increíbles lugares para fotografiar, lugares que pueden despertar las ganas de tomar fotos a cualquiera sin ninguna idea en la fotografía, tenemos desde desiertos a glaciares, montañas, ríos y mar. Somos un país privilegiado en lo natural y por lo tanto hay mucho que fotografiar. Otro punto importante que quiero aclarar es que llegó el momento en mi carrera que me cansé de la inmediatez de las cosas, de correr de un lado para otro tras la noticia, si bien es cierto, aún aveces lo hago pero ya prefiero estar más en paz con la naturaleza y esperar un buen atardecer frente a
las maravillosas Torres del Paine, que tomar una foto de protestas. VL: EXPLÍCANOS UN POCO ¿CÓMO FUNCIONA TU TÉCNICA FOTOGRÁFICA? FN: Bueno yo soy fotógrafo publicista, nunca estudie para ser fotoperiodista o realice algún curso de fotografía de naturaleza, pero creo que el buen manejo de la luz y software de edición logran en mis fotos una gran diferencia frente a otros trabajos. Haber estudiado fotografía publicitaria me permitió adquirir conocimientos en el control total de la imagen y eso marca en mi la búsqueda de lugares donde fotografiar cosas diferentes e iluminarlas para darles “un toque” distinto, podría decirse mi sello. En cuanto a técnicas básicas lo que mas me gusta es jugar con el balance de blancos para dar atmósferas distintas a lugares a veces fríos y sin mucho que mostrar, usos de filtros en edición de raws y buenos lentes que hacen buena química en la fotografia. Siempre es bueno decir que la técnica no servirá de nada si no sabes encontrar un buen lugar y esperar allí y seguir esperando hasta lograr algo distinto.
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