AUTOBIOGRAFÍA JAQUES HERZOG &PIERRE DE MEURON
Santiago Izquierdo Juan David Herrera
Seminario de Arquitectura Suiza
2017-2
2
Mi ausencia
con la sociología. Se estaba perdiendo el verdadero concepto de arquitectura; “la arquitectura es, y siempre
Desde pequeño, mis primeros recuerdos de Basilea están
será arquitectura” decía Rossi en las aulas de clase. Esta
acompañados por la figura de mi amigo Jaques. Nos
lección la aprendimos tras su esmero e insistencia por la
conocimos desde el jardín de infantes y de alguna manera
práctica del dibujo análogo en una época donde la
nos hemos visto involucrados en casi todos los proyectos
disciplina devenía trabajo social. Esto marcó el inicio de
de vida. Si bien en la carrera profesional se nos ve como
nuestra carrera, ya que nos permitió despojarnos de la
un
vertiente social de la Escuela Politécnica y explorar la
dúo,
Jaques
siempre
se
ha
destacado
por
representarnos tanto en conferencias como en entrevistas.
verdadera arquitectura.
Si he dejado que esto ocurra es porque siempre he admirado su carisma y capacidad de relacionarse con las
Si bien la influencia de Rossi en la ETH supuso el fin de un
personas,
periodo de enseñanza, no creo que haya marcado una
capacidad
que
me
ha
costado
trabajo
desarrollar. Es por esto que, a mis 67 años de edad, he
vertiente de arquitectura suiza.
Suiza es un país sin
decido ser yo el encargado de recopilar nuestras memorias
identidad, su variedad de lenguas y religiones lo han
en este escrito.
llevado a desarrollarse como una nación neutral. Donde la mentalidad individual prevalece en las personas, no
Sobre la arquitectura suiza
consiguiendo desarrollar un colectivo que defina a la arquitectura suiza como tal. Si la arquitectura suiza se
Sin duda, tanto para Jaques como para mí, la llegada de
pudiera categorizar en un espectro o colectivo sería aquel
Aldo Rossi a la ETH de Zurich marcó el inicio de nuestra
que se ha visto influenciado por los avances industriales
labor como arquitectos. Rossi cambió la forma de pensar
que ha sufrido el país, convirtiéndola en una arquitectura
en aquella universidad, que con el tiempo se venía
que ha evolucionado junto al auge de la de la nación. Auge
convirtiendo en un lugar donde se enseñaba la arquitectura
que la ha unificado, así como lo hizo geográficamente la
como una disciplina que estaba íntimamente relacionada
construcción de las líneas ferroviarias que conectan los 3
Alpes con el Ticino a mediados del siglo pasado: líneas ferroviarias que se han convertido en símbolo nacional del poder de la infraestructura. La Suiza concebida como aquel país artesanal murió junto a la tradición de este. Así como el arte no puede ofrecer soluciones universales, la Bauhaus es una cosa del pasado. Es por esto que la arquitectura suiza si pertenece a una vertiente, sería aquella que no tiene una identidad, los estilos no perduran en el tiempo, son como la moda. La moda cambia constantemente. Ilustración 1. Río Rin, Basilea, Suiza.
El hecho de que Suiza se haya convertido en un país sin identidad, no significa que no haya influido en nuestro trabajo. Es más, nuestra ciudad natal: Basilea, ha repercutido en nuestra forma de proyectar la arquitectura. Basilea es una ciudad donde la industria química y farmacéutica, actividades que provienen de la traída del tejido y la pintura de la seda que proliferaron gracias al triunfo de la Reforma en el año 1529, la han transformado en el pilar de la economía de la región. A su vez, es una ciudad caracterizada por un urbanismo fragmentado y heterogéneo. Los grandes edificios de la poderosa
Ilustración 2, Basilea, Suiza.
industria química se sitúan contiguos a estructuras medievales 4
consistentes y vecindarios de clase media de los siglos XIX
La delgada línea entre arte y arquitectura
Y XX. Fue gracias a lo anterior que entablamos conversaciones El carácter de nodo que ha adquirido la ciudad por su
con Joseph Beuys y trabajamos en su taller para el desfile
ubicación geográfica, hace de esta un lugar de encuentro
de la ciudad del año 77. La llegada del artista alemán a un
para las diferentes culturas que la rodean. Este encuentro
mundo que estaba cayendo dormido gradualmente en
cultural se evidencia en el constante marco de esta ciudad
medio del Minimalismo generó una especie de confusión
como un frente para nuevas posiciones y tendencias en el
que contribuyó a abrirnos la mente. El estado de sosiego y
arte; no por nada concentra el mayor número de museos
confort que se vivía en la ciudad se desvaneció,
del país.
ahuyentado por una complejidad subversiva. Durante esos años en Basilea, la complejidad y el choque entre el Minimalismo y lo que significaba Beuys fue muy influyente para nosotros. Su manera de ver el arte como un proceso en el cual el material se transforma y al mismo tiempo uno se transforma con él han sido de los principales axiomas que han quedado en nuestra vida. Así como el olor pútrido de su taller impactaba nuestra percepción de ese espacio, entendimos que la arquitectura debe generar impacto en la ciudad y en la vida real, debe contraponerse como el modo de expresión cultural más importante del ser humano.
Los procesos psicológicos y sociológicos son análogos a la naturaleza, a procesos artificiales o artísticos: un material usado sugiere un significado sin que este sea apuntado de 5
manera directa. Es quizá esta concepción de relaciones entre cosas aparentemente dispersas uno de los principales aprendizajes que hemos tenido al trabajar con Joseph.
Nuestra pobre filosofía juvenil se vio afectada por dos grandes protagonistas. En un extremo se encontraba Joseph Beuys, quien asegura que la arquitectura es una escultura social: es la gente quien la usa, como se mueven por ella, donde empiezan o donde terminan. En el otro lado se encontraba la racionalidad Rossiana. En todo caso, pensamos que las dos actitudes son extremas y expresan problemas,
puesto
a
que
ambas
son
demasiado Ilustración 3. Joseph Beuys.
dogmáticas; están basadas excesivamente en una determinada ideología.
En uno de los tantos museos de Basilea nos encontramos con una exposición de Jannis Kounellis, donde llenaba los vanos de ventanas y puertas con piedra y madera. Fue en este instante que entendimos que el material alcanza su manifestación máxima al momento de ser removido de su contexto natural. Por ejemplo, en el proyecto de Stone House la descontextualización de la roca del revestimiento
Ilustración 4. Feuerstatte, por Joseph Beuys.
exterior, la diferencia entre marco y relleno, el uso artificial 6
del material natural hace que esta casa funcione tal como pintura frente al paisaje.
Ya que menciono la pintura, es preciso aclarar nuestra posición frente al Arte y la Arquitectura. A lo largo de nuestra carrera como arquitectos se han descrito nuestros proyectos tal como si estuvieran más cercanos a la disciplina del arte que al marco de la técnica. Para nosotros es imposible hacer arte y arquitectura el mismo tiempo. Repito, La Arquitectura solo es y siempre será arquitectura. Ni las disciplinas sociológicas y psicológicas ni artísticas pueden sustituirla.
Producir objetos rodeados de un aura en la naturaleza de obra de arte no es de nuestro interés. Si bien es cierto que nos aproximamos a la Arquitectura como la pintura o la escultura, la razón radica en que en nuestra concepción no podemos asimilar un suelo o una pared como algo simplemente dado.
Nuestro primer encuentro con el trabajo de Remy Zaugg fue en la exhibición del Kunstmuseum en Basilea, en 1972, mientras éramos estudiantes todavía. Leímos su libro The Ilustración 5. Sin Titúlo. por Jannis Kounellis.
Guil of innocence, publicado en la ocasión de Documenta 7
7 donde estaba exhibido en una vitrina como un trabajo,
sobre la organización social son cosas que él consideraba
como una escultura; Jaques compró una copia del libro y
básicas, que estaban relacionadas con las mismas
la llenó de anotaciones, a tal punto de asegurar que fue esa
preguntas que él se realizaba en el estudio, ¿Qué es un
la primera colaboración hecha con Zaugg sin antes haberlo
piso? ¿Qué es un techo? ¿Qué es un muro? Amábamos
conocido. Caminando una tarde por las calles de Basilea,
hablar con Zaugg más que con otro colega arquitecto. Lo
nos encontramos con su figura, iba acompañado de su
anterior posiblemente se daba porque la discusión con los
esposa. Desde ese momento supimos que no debíamos
artistas nos permitía ver la arquitectura de manera
perder contacto
retrospectiva.
con
él y le
propusimos trabajar
conjuntamente, sin saber muy bien en qué o cuando. En alguna medida, nos consideramos en algún grado como
Es por esta razón que empezamos siempre desde cero
estudiantes de su investigación.
nuestros esquemas, para saber cómo queremos incorporar nuestros elementos al mundo. El acercamiento con el arte
Nuestra primera colaboración realmente llegó con el
se da por nuestra búsqueda de una experiencia única del
encargo que le hicieron a Remy a finales de los años 80,
espacio, una que no puede tenerse viendo una película de
en donde le solicitaron el diseño de un museo de finas artes
Steven Spielberg pese a todos sus efectos especiales.
para el campus en Dijon. Como otras edificaciones también
Nosotros creemos en la profesionalidad. Cuando un
iban a ser construidas, él pensó que debería empezar por
Arquitecto elige el color, lo hace según su gusto. No hay
trazar un Plan Maestro y solicitó nuestra colaboración en el
nada peor que ese recurso al gusto, a nuestro parecer,
desarrollo del proyecto.
dado que sin una base conceptual para la elección del color falta la fuerza con la cual la Arquitectura se hace
En un principio veíamos la arquitectura con los mismos
interesante. Es inminente la búsqueda de estas cualidades
ojos de Remy; como una organización del espacio, de un
arquitectónicas que hacen de la experiencia In-Situ algo
espacio,
esencial en nuestro proceder; por eso le conferimos esta
de
espacios
yuxtapuestos,
de
espacios
superpuestos. La organización de una ciudad y la reflexión
labor al artista. 8
Proyectar e interactuar
Los proyectos con Zaugg, como el Tiergarten, radicalizan una posición arquitectónica específica próxima a la posición artística mantenida por él, aquella en la que espectador, obra y arquitecto/artista mantienen una relación uno-a-uno. Esta actitud pretendía la desaparición del Arquitecto y la transferencia de la autoría a la gente en el interior del edificio y a las personas que perciben los edificios desde el exterior. De hecho, el texto que Ilustración 6. Estudio de Remmy Zaugg, por Herzog & de Meuron.
acompaña el proyecto dice lo siguiente:
El diseño del edificio no es el diseño arquitectónico del arquitecto o del artista, o el que ha desarrollado el calculista o el ingeniero. Es el diseño que el espectador ha creado.
En el marco de nuestras colaboraciones junto a artistas, hemos logrado entender que la triada clásica de belleza, utilidad y estabilidad es obsoleta hoy en día. Sin embargo, la cuestión acerca del Firmitas es un tema interesante para Ilustración 7. Interior del estudio de Remmy Zaugg, por Herzog & de Meuron.
la arquitectura contemporánea dado que nos reta a construir la arquitectura que realmente podemos hacer. Creemos que el término no pasa de ser un término teórico 9
relativo a una realidad virtual; es decir, no puede lograrse
creación de vínculos, conexiones y asociaciones a la
en la realidad material.
historia del lugar. Como resultado, la materia transformada trasciende las limitaciones del programa, el cual se conjuga
Hoy en día, los materiales no son ni inamoviblemente
con el contenido, con el lugar y, por ende, genera una idea
estables ni duraderamente
de mundo nueva. Así, hemos concebido las superficies
cristalinos; los
edificios
contemporáneos son seres hermafroditas hechos de
como potencial textural.
materia orgánica sólida, equipada con una tecnología digitalizada la cual se ha vuelto más indispensable que el mismo arquitecto, quien no sabe cómo usarla. Eso nos sucedió en el Tate donde casi el 40% del presupuesto fue destinado a desarrollo de tecnología. Pese a nuestra protesta fue imposible reducir ese porcentaje, el cual no fue determinado ni por el Arquitecto, ni por el ingeniero, ni por el cliente, sino por los cerca de 20 mil visitantes diarios cuya radiación de calor y humedad producida debe ser succionada, limpiada, enfriada, secada, filtrada y sacada de nuevo. La gente se mueve y el movimiento es la regla para todo hoy día.
Dicho lo anterior, hemos llegado a entender el espacio, la estructura y la piel del proyecto como una sola cosa, como una continuidad. Es mediante la utilización de materiales reales, lenguaje constructivo y composición tectónica que logramos establecer paralelismos, los cuales conllevan a la 10
Los aromas de la piel
La repetición nos ayuda a texturizar el proyecto. La puerta y la ventana se desfiguran y desaparecen dentro de la textura: el rostro del edificio se empieza a transmutar en el paisaje del territorio. Así, las jerarquías, las centralidades y simetrías desaparecen para liberar el potencial de la repetición en medio de un paisaje rítmico, como en la Eberswalde. Sin embargo, debe entenderse la repetición como un proceso distinto al de la reproducción dado que en cada elemento repetido se está dando campo a la existencia de la diferencia. Ilustración 8. Centros de señalización, por Herzog & de Meuron.
Es la repetición la que causa ritmos, tal como explica Henri Lefevbre en Eléments de Hytmanolyse: Introduction a la connaissance de Rythmes. Por lo anterior encontramos cierta afinidad con la idea de repetición que tiene Andy Warhol en su obra, en su introducción de elementos figurativos que poco a poco se van desfigurando para generar una textura y evadir su naturaleza representativa. Sus serigrafías no son idénticas, aunque parezcan imágenes estampilladas. Por un lado, muestran el aspecto técnico, pero por el otro, el cambio y Ilustración 9. Fachada Centro de señalización, por Herzog & de Meuron.
la 11
transitoriedad.
Producciones como
Car crash,
Campbell´s soup cans o Marilyn Dyptych plantean una ambivalencia entre el lenguaje abstracto y figurativo. Por otro lado, está la concepción de personajes como Oldenburg, Venturi y Scott Brown, quienes emplean el elemento
figurativo
como
elemento
reconocible
y
pregnante, pero recontextualizado.
Jaques siempre ha expresado su predilección por la moda, la ropa y los textiles, parte de esta fascinación por la moda se debe a su relación con su madre que era sastre. Esta
Ilustración 10. Campbell Soup, por Andy Warhol.
fascinación por la moda nos ha llevado a concebir una relación analógica a nuestros proyectos, entendiendo los atuendos como la barrera que separa la parte íntima (privada) de la parte pública, al igual que los edificios la envolvente actúa de la misma manera y estamos interesados en ese aspecto de la piel artificial que se convierte en una parte íntima de las personas. Por otro lado, no debe reducirse nuestro trabajo a una mera concepción de la envolvente.
Tampoco debe entenderse como la simple adaptación de materiales de uso común, sino como la articulación cuidadosa de los detalles constructivos que éstos Ilustración 11. Marilyn Diptych, por Andy Warhol.
requieren a la hora de hacer una composición tectónica. 12
Juntos, estos componentes ofrecen una introducción complementaria, mas nunca sistemática, a la idea global de un edificio que enmarca un nodo de comunicación entre usuario sensible y arquitecto receptivo.
Además, cabe aclarar que nunca hemos pretendido clasificar los materiales. Tampoco preferimos unos a otros, incluso aunque muchos de nuestros proyectos recientes hayan sido realizados utilizando en ellos tratamientos diferentes para el vidrio, permanecemos receptivos a la piedra o a la madera como materiales de construcción. Ilustración 12. Museo casa das historias, por Eduardo Souto de Moura,
Al contemplar la obra de Soto de Moura o Diener, ambos trabajan con materiales concebidos como tradicionales y, sin embargo, encuentran respuestas contemporáneas exactamente igual de complejas que aquellas propuestas por cualquier gran especialista del vidrio. Nadie en el campo del arte pensaría que un artista con Gary Hill o Bill Viola son más contemporáneos que Richard Serra o Jeff Koos.
Todos los sentidos nos aproximan a sensaciones Ilustración 13. 27 viviendas en Sete Ciudades, por Souto de Moura y Adriano Pimenta.
arquitectónicas complejas y verdaderas. 13
Por ejemplo, lo realmente interesante sobre los perfumes
Nunca hemos estado interesados en la creación de un olor
no es en realidad el olor en sí, sino más bien la memoria
específico, quisimos crear más una biblioteca de olores
que se almacena con éste. Los olores y los aromas pueden
que nos permitieran tener una conexión entre ficción y
evocar experiencias e imágenes del pasado, casi como
realidad. Así fue que llegamos, por ejemplo, al aroma
fotografías. Para nosotros ciertos olores siempre producen
Rotterdam, el cual traía a la memoria lo que para nosotros
imágenes Arquitectónicas y recuerdos especiales, como el
significaban los principales olores de esa ciudad.
olor
del
estudio
de
Beuys
que
mencionamos
anteriormente.
Sin duda, podemos diseñar una arquitectura mejor o más pobre, más agradable o menos agradable, pero, como el
Otra cosa acerca de los perfumes y las esencias es que
perfume, es la experiencia asociada con ella lo que es
existe un aspecto en ellas que se aplica en la arquitectura;
decisivo. Olores, temperatura, memorias espaciales,
a saber, deja una marca en nosotros y nos recuerda algo
sueños, trascendencias. Por esta misma razón guardamos
de nuestra propia historia. Solo se necesita pensar en las
los modelos de desarrollo de cada proyecto, así como
escuelas de nuestra juventud, cuya arquitectura nos deja
registramos fotográficamente los sitios de construcción,
una impresión de por vida, en específico con un olor en
porque guardan consigo fragmentos que evocan un todo
especial. No sé si el sentimiento incómodo causado por la
que es imposible representar adecuadamente.
memoria de la arquitectura de nuestro propio pasado tenga que ver con el hecho de que evoque un tiempo que ha acabado ya y con él una gran porción de nuestras vidas, o si proyectamos las frustraciones habituales de crecer en estas memorias arquitectónicas. La Arquitectura no puede ser neutral y es, en cierto sentido, un medio que nos involucra físicamente por completo y se niega a dejar que nos separemos de él. 14
Capturando el átomo con el lente
En cada proyecto existen condiciones completamente diferentes que nos alejan del establecimiento de un estilo en particular. Estas condiciones se manifiestan como átomos, pero no son los átomos, sino la relación entre los mismos, su energía, lo que define la especificidad de cada elemento o sustancia. El científico crea modelos que le permiten clasificar y describir cómo funciona la naturaleza. Similarmente, nosotros usamos la arquitectura como una clase de modelo o herramienta que nos ayuda a percibir nuestra realidad urbana; es decir, para captar una serie de fenómenos y establecer relaciones entre ellos, a la vez que tratamos de dotarlos de significado.
Nosotros hemos aprendido mucho acerca de los procesos químicos
y
las
descripciones
cristalográficas
que
comparan las microestructuras, aquellas que para muchos Ilustración 14. Exposición Work in progress, por Herzog & de Meuron.
siguen siendo invisibles tales como la organización atómica de los materiales, así como los aspectos “visibles” que estos materiales nos revelan día a día. Siempre fuimos curiosos frente a estos fenómenos invisibles que en últimas instancias son los responsables de cosas tales como el color, la forma y la estabilidad física de las cosas. 15
Es decir, pese a que la mayoría tiende a separar lo visible de lo invisible, existe un vínculo estrecho entre estos dos mundos. Todo aquello que puede ser palpado por nuestras manos o visto por nuestros ojos está regido por una realidad que va más allá de lo visible. Manifestamos nuestro rechazo absoluto por las maquetas blancas y por las perspectivas arquitectónicas convencionales puesto a
Ilustración 15. Fotomontaje del edificio de almacenaje Ricola, fotos y montaje hecho por Thomas Ruff.
que reducen la Arquitectura a volumen y geometría. Nos cohíben de incluir la singularidad del material en la construcción del proyecto.
Así como para los científicos el campo de experimentación son los laboratorios, para nosotros lo son las exposiciones; es donde probamos elementos constructivos de nuevos procedimientos a seguir en nuestros próximos proyectos e inclusive en otras exhibiciones. Son estas las que nos permiten, así como los modelos escala 1:1, presenciar el contacto e interacción directa entre el espectador y la Arquitectura. Por ejemplo, en la exposición Architecture a way of thinking, realizada en Venecia en el año de 1991, trabajamos con la impresión de imágenes en fachada y la relación visual del edificio-impresión sobre la ciudad, el
Ilustración 16. Edificio Ricola de producción y almacenaje, por Herzog & de Meuron y Thomas Ruff.
contexto. Fue ahí cuando nuestro trabajo colaborativo con 16
Thomas Ruff empezó, en el momento que le pedimos a
calidad de sus fotos se vuelve evidente sobre todo en su
varios fotógrafos que hicieran algunas tomas de nuestros
capacidad de socavar nuestra fe en lo que llamamos
proyectos para la exposición.
realidad. Esa es una de las razones por las cuales le solicitamos fotografiar nuestros edificios; queríamos ver
Tengo una relación extraña con la fotografía. Me fascina,
cuál sería la interpretación de Thomas en un mundo que
pero me deprime al mismo tiempo debido a su estrechísima
es tan familiar y aparentemente evidente para nosotros. La
relación con el pasado, con el paso del tiempo, con la
superposición de dos imágenes separadas del edificio de
muerte. Esto se exacerba cuando se refiere a tu propia
almacenamiento de Ricola para formar un nuevo encuadre
vida, al decaimiento del propio cuerpo. Gente, edificios,
nos cautivó y desde ahí supimos que él entendía nuestra
naturaleza, montañas, glaciares, todos cambian y terminan
arquitectura.
por desaparecer. Ciertamente, es la objetividad y la incontestabilidad de la fotografía y su inevitable cercanía a
Sabemos que planteamos un cambio radical en la lógica
la muerte lo que me fascina y al mismo tiempo me repele
de los espacios, en donde éstos se presentan en nuestra
de ella. Este aspecto traumático de la condición humana
memoria como imágenes y que lo anterior trae consigo un
solo puede ser expresado verdaderamente por la
reto casi imposible para los lentes. Sin embargo, Thomas
fotografía. Sin embargo, la decepción es un factor
ha entendido que la realidad de nuestra Arquitectura no es
constante en esta técnica. Crecimos con la idea de que la
la arquitectura construida, sino que ésta crea su propia
fotografía
representaba
realidad fuera del estado de construido o no construido, la
confiablemente la realidad, pero este medio siempre ha
cual es comparable con la realidad autónoma de la pintura
sido manipulado y ya nadie cree en su autenticidad.
o la escultura. Así pues, ha logrado hacer visible con su
era
el
único
medio
que
trabajo las cosas que se resisten a la representación y que En
las
fotografías
absolutamente
banal
de es
Thomas
Ruff
la
realidad
son, sin duda alguna, parte de esta realidad que para
paradójicamente
lograda
nosotros es la Arquitectura.
mediante el procesamiento digital de las mismas. La 17
Este experimento se materializó luego en la bodega de
Nuestra noción del tiempo
almacenamiento de Ricola SA. Queremos que nuestra arquitectura perdure en el tiempo, Por otro lado, la proyección de videos sobre un muro en la
que la gente no esté en la capacidad de adjudicar un estilo
exposición
a esta. De ahí la variedad de nuestro trabajo.
de
Kunstverein
en
la
que
trabajamos
colaborativamente con Enrique Fontanilles, se desarrolló sobre una idea plasmada previamente en una exposición
Lo que encontramos fascinante en el arte es la manera en
que realizamos con 60 monitores en el colegio de
que estos artistas hacen de su vida su obra y viceversa.
Arquitectos de Cataluña. Nosotros planteamos una
Este tipo de pasión por el oficio difícilmente se encuentra
Arquitectura que no funciona como escenario, sino que el
en los arquitectos, pareciese que hablamos de personas
mismo edificio se exhibe en una indeterminada exhibición.
incomunicativas con sus proyectos. Claro que podemos
Años atrás realizamos un experimento titulado City in the
pensar que la arquitectura es un arte público, un arte para
making, en el cual situábamos pequeñas casas en una
la gente. Pero sabemos que, así como es para la gente
hilera frente a la pared de la galería Stampa en Basilea.
también debe ser funcional, y a diferencia de los artistas
Pese a la escala, podría decirse que estábamos
que presentan sus obras sin ninguna repercusión futura, la
exponiendo Arquitectura sobre Arquitectura, el paisaje
arquitectura perdura en el tiempo y afecta el espacio que
poco a poco se iba recomponiendo con cada pieza puesta
habitamos y hay cierta responsabilidad que debemos tener
en la hilera.
en cuenta a la hora de proyectar. También hay que tener
Es por esta razón que las exposiciones ocupan un lugar
conciencia
especial
existencia.
en
nuestra
obra,
dado
que
revelan,
que
ese
tiempo
afecta
nuestra
propia
inevitablemente, debilidades. Es posible que estas debilidades ya existan en la Arquitectura real y solo se
Rafael Moneo manifiesta que nuestro trabajo ha tenido una
muestran más claramente en una exhibición creada por
cierta evolución con el tiempo. En primera instancia
nosotros, los mismos arquitectos.
caracteriza a los edificios de una primera etapa como 18
aquellos que se aproximan a la idea de formas de validez
cambios. Nuestros primeros encargos no nos permitían
universal: Tipologías de Rossi, puras y autónomas del Arte
aún actuar sobre el programa y definir la estructura, el
concreto o Minimalista. La segunda etapa adopta formas a
espacio interior, el ornamento o el planeamiento tal y como
partir de condicionantes y circunstancias específicas,
lo entendíamos. Por esta razón es que, quizá, se observa
aproximadas más al arte conceptual o al Land Art.
en estos proyectos un consentimiento menor en cuanto al manejo de la estructura. Teníamos muchas limitaciones;
Cuando era estudiante, me afectaba mucho si el profesor
desde un punto de vista de los encargos, pero también en
me tiraba abajo un proyecto. Todavía no había entendido
cuanto a las herramientas con las que contábamos. Sin
que es preciso poner siempre distancia entre uno mismo y
embargo, siempre hemos intentado, de una u otra manera,
la obra para que ésta tenga su propia autonomía y su
establecer una relación entre la envolvente y el espacio.
tiempo no se mezcle con el de nuestra propia vida. Al principio de nuestra carrera, teníamos tiempo de hacer
No es que nosotros queramos incorporar a nuestro trabajo
viajes un poco largos, de quedarnos hablando hasta muy
todo lo que está en boga, pero explorar la moda, la música,
tarde, por la noche, de intercambiar impresiones en
y especialmente, trabajar con artistas nos da un sentido de
profundidad, de asumir riesgos en todas las direcciones
los tiempos al margen del ámbito de la Arquitectura. Todos
posibles; en pocas palabras, de llevar vidas un tanto más
los deseos y los gustos de un momento, la noción misma
abiertas. En la progresión de la carrera de un arquitecto se
de “Nuestro tiempo”. Una vida es un paseo por las capas y
va ganando libertad en ciertos aspectos y te dejan hacer
las especies de varios tiempos.
ciertas cosas, pero pierdes otras como las mencionadas anteriormente.
Consideramos que nuestra obra es pragmática y fuera de todo egocentrismo atemporal. Los deseos cambian con el tiempo, la arquitectura debe conocer y responder a esos 19
Si haces Arquitectura y no estás comprometido con tu tiempo, el arte de tu tiempo, sencillamente no puedes hablar el lenguaje de tu tiempo…Y los Arquitectos deben ser capaces de hablar el lenguaje de su tiempo porque la Arquitectura es un Arte público, para la gente. Los arquitectos contemporáneos que tienen un estilo personal pueden venderlo mejor durante cierto tiempo debido a que sus edificios actúan como productos de identidad corporativa. Sin embargo, después las determinaciones biográficas o regionales se hacen demasiado evidentes una vez que el espíritu del tiempo ha abandonado a estas
Ilustración 17. Sala exposición Museo Tate, por Herzog & de Meuron.
edificaciones. Son arquitectos que niegan que el tiempo cambia con un ritmo invisible y constante. Quizá por eso admiramos tanto el trabajo hecho por cineastas o escritores, debido a que ellos pueden expresar este maquinar del tiempo mejor que los Arquitectos.
Uno de los elementos arquitectónicos que hace al museo Tate tan exitoso tanto para los artistas, como para curadores y público en general es el piso de madera que introdujimos en casi todos los niveles. Irregular y sin tratar, industrialmente duro y suave como un diseño de moda al Ilustración 18. Piso en madera del Museo Tate, por Herzog & de Meuron.
mismo tiempo, brutal y bello por igual. Es un producto 20
intelectual, más que aquel piso artesanal que relata Hans
El monumento Rossiano
Georg Gadamer en aquella ocasión en que lo entrevistó Jaques, alrededor del 2004. Aquel suelo, con el cual él
A diferencia de otros países europeos, en Suiza no existe
sufría cada vez que los amigos de su padre llenaban de
realmente una cultura del monumento. Desde 1988 hemos
agua goteando de las sombrillas empapadas al entrar en
trabajado en la metropolización de Basilea, sobre la
ese desván, describe un concepto de realidad que ya no
transformación de la ciudad en una metrópolis trinacional.
existe más, el contexto artesanal y tradicional del suelo ya
Usamos un método fenomenológico que adoptamos:
no pertenece a este tiempo. No nos interesaba despertar
nuestra mirada es crítica, pero también es naif, es ingenua.
ningún sentimiento de nostalgia hacia la producción
Es una forma de descubrir lo que nos rodea siempre sin
artesanal, nos interesaba el producto físico y la realidad
que lo veamos. Simplemente se describe lo que está ahí.
generada por la arquitectura tradicional en el hoy. Siendo
Debíamos describir lo cotidiano, los movimientos de la
así, el piso del Tate se convirtió en un prototipo para
gente; tener en cuenta la sociología y la psicología. No
nuestro
la
obstante, la psicología de una ciudad es como un
Arquitectura. Este piso fue concebido no como una pieza
psicograma construido. Las ciudades, o sus habitantes, no
individual, sino que hace parte del concepto global de todo
reaccionan
el edificio basado en lo que hemos querido llamar las
especialmente ante el de la globalización.
desarrollo
conceptual
y estratégico
de
igual
ante
los
mismos
fenómenos,
y
Estrategias Aikido: un sistema que nos permita tomar lo preexistente como una cualidad usada para nuestros
La seducción de la forma es muy importante. Apela a todos
propios propósitos, transformándola en nuestra propia
los sentidos y permite que la percepción sea más intensa.
energía tal como el arte marcial del Aikido.
El edificio ícono adquiere así la cualidad de permanencia del monumento, tal como describía Rossi en su Arquitectura Análoga. Sin embargo, el monumento es una noción histórica que es preciso redefinir. Creemos, y diferimos de nuestro estimado profesor, en que esta clase 21
de edificios deben tener un especial apego y pasión por el desarrollo programático. Estos edificios de gran escala son esenciales para asegurar la vinculación con la ciudad. Por esta razón, continuando con nuestro estudio de la metropolización de la ciudad, el estudio se ha dedicado durante una etapa de su vida al desarrollo de proyectos como el Edificio Forum 2004, en Barcelona. El edificio no solo responde al problema medioambiental del tratamiento de las aguas, y tampoco se convierte en una Analogía a una gran roca con grietas, sino que se desarrolla bajo el ideal programático de unión de la ciudad con el mar; como monumento
de
integración
de
las
actividades
de
Ilustración 19. Edificio Forum, por Herzog & de Meuron.
Barcelona. A su vez, hemos dotado espacios íntimos en la mitad de un espacio público.
Por otro lado, hemos accedido a la construcción de elementos de gran escala tal como el estadio para los olímpicos de Beijing dado que creemos que las ciudades de crecimiento acelerado y que no tienen la misma base democrática que los países europeos necesitan de monumentos. Estos evitan el caos. Es indispensable que la Arquitectura de escala Urbana tenga una claridad icónica que tal vez no se logre con figuras geométricas puras. Ilustración 20. Torre Eiffel, París. 22
Réquiem por una ausencia de estilo
contradecirse a sí mismas para así generar una nueva imagen del mundo. Así pues, el proyecto genera una nueva
El movimiento moderno trató de establecer nuevos
realidad y nace de un proceso de percepción del mundo sin
estándares que llevaran a la creación de una nueva
establecer analogías directas con el mundo visual. Es un
tradición que ocuparan el lugar de aquello destruido por la
proceso que tiene que ver tanto con la percepción como
Tabula Rasa y, debido a su fracaso, nos ha dejado sin
con el proceso intelectual. Estamos en contra de la
tradición alguna. Esto, para nuestros fines, resulta siendo
analogía formal del arte. Esto puede verse reflejado en
bueno, dado que abre un universo completo de
nuestra obra del viñedo Dominus, en donde demostramos
oportunidades que no deben responder a ninguna
que lo esencial no debe ser revelado y el viñedo se
concepción previa de mundo.
convierte en una cobertura, en una piel, así como la botella es tan solo un recipiente. Lo anterior nos da la oportunidad
Consideramos, desde nuestra opinión, que el lenguaje
de establecer configuraciones que reestructuran una forma
formal propuesto por el deconstructivismo y las corrientes
natural sin perder su sensualidad.
post-modernistas van en contra de nuestro desarrollo formal. Estas corrientes nos obligan a ver en 2D, una
Los nuevos proyectos del estudio acaban siendo más
imagen
indispensable
geométricos y de mayor claridad. Nos atrae de nuevo esa
desarrollar nuevas estrategias de imágenes, estrategias
idea de claridad geométrica de la cual habla Moneo, tras
subversivas que contradigan la legibilidad cotidiana, que
haber dudado si aplicarla a los edificios de gran escala. La
planteen cuestiones en vez de satisfacer necesidades
línea entre claridad, pureza y heroísmo monumental es
superficiales como lo hace la TV comercial y la Arquitectura
muy fina. Puede que sea porque somos suizos. Pero es
contemporánea. Si bien es cierto que nuestra arquitectura
cierto que nos tienta a hacerlo, y que nos parece apropiado
está cargada de imágenes, no significa que sea una
en ciertos contextos como el de la torre Triangle en París,
Arquitectura de la alegoría. Al contrario, usamos imágenes
la torre BBVA en Madrid o el edificio de La Roche en
de
Basilea.
un
del
espacio.
mundo
Es
existente
totalmente
que
permiten
evocar
y 23
De la arquitectura musulmana resaltamos que utiliza el ornamento para enmascarar la superficie desnuda. Al igual que los protestantes, los musulmanes consideran que lo divino está en la superficie desnuda, mas no en el ornamento. Los católicos y ortodoxos piensan, al contrario. Jaques y yo hemos nacido en el seno de una cultura protestante, pero siempre hemos admirado la utilización de la imagen de la decoración ortodoxa y griega. Como arquitectos, hemos descubierto el potencial de la decoración como herramienta para destruir la forma legítima. Así, el ornamento ayuda a superar el obstáculo de
Ilustración 21. Viñedo Dominus, por Herzog & de Meuron.
la forma y permite introducir la duda, puerta para una posibilidad infinita de concepciones y perspectivas.
A Thomas lo comparamos un poco con Matisse. Nos fascina la manera cómo usa el ornamento para destruir la perspectiva y la forma. En las fotos que escogió para la Eberswalde altera la forma del edificio, rompe su perspectiva, lo aplana y hace que parezca algo así como un corte rectangular.
Sin embargo, cabe aclarar lo que para nosotros puede Ilustración 22. Edificio La Roche, Herzog & de Meuron.
significar el término Ornamento. Si lo asumimos como la traducción 24
del
alemán
Erhaben
[lo
sublime],
nos
encontramos en una dimensión que poco nos interesa
Hacia una (verdadera) arquitectura
dado que la idea de lo sublime ha llegado a ser un tanto ridícula. Al asumir el término como algo más, como Des
La situación sigue siendo la misma que cuando Cézanne
Heilige [lo sagrado], llega a nosotros la necesidad de
se enfrentaba con el monte Saint-Victoire: es la misma
buscar una sensibilidad más accesible o simple. Es una
lucha desesperada por crear algo que refleje el objeto
sacralidad que encontramos fuera de cualquier orden
natural y que, sin embargo, siga siendo autónomo.
estético o temporal, que nos asombra y despierta en nosotros una sensación visceral y modifican nuestra forma
Se debe asumir una visión virtual de la Arquitectura. El
de percibir, que podemos vivir tanto en la catedral de
mundo virtual es una categoría inventada por el mundo
Chartres como en el monasterio de La Tourette. Por eso
material; pero a su vez es este el que garantiza la
nos gusta tanto la manera como Loos define la
existencia y supervivencia del mundo material. Se trata de
Arquitectura:
un constante proceso de renovación. Cada proyecto debe entonces obedecer al planteamiento de las cuestiones sobre el dónde y el cómo del mundo; ese es precisamente
Si nos encontramos en un bosque un túmulo de 6
el grado que queremos alcanzar en nuestra arquitectura,
pies
un grado mental de constante percepción renovadora.
3 pies de anchura, apilado con una
pala en forma de pirámide, nos detenemos y una voz grave nos dice: Alguien está enterrado ahí. Eso es
Somos conscientes de que esto plantea un reto, genera
arquitectura.
una arquitectura compleja. Sin embargo, sus cualidades materiales son la expresión de su valor inmaterial y, a la inversa, son estas cualidades inmateriales las que garantizan
la
supervivencia
material.
Esta
nueva
arquitectura debe dejar de un lado la tradición y basarse en la información. Debe plantearse cada vez más preguntas: 25
¿Cuáles son los constituyentes de la luminosidad? ¿Qué es un muro? O ¿Qué es la luz? Debe ser una arquitectura que analice y repiense todo, escéptica; una arquitectura capaz de hacernos cuestionar sobre los conocimientos y las conclusiones precedentes y que sea política en cuanto a que incite a cuestionar la observación directa y la descripción de los elementos reales por parte de todos. Así pues, nos concierne crear una arquitectura que sea aceptada, estimada e inclusive, amada.
Ilustración 23. Monte Saint-Victoire, por Paul Cézanne.
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