Memoria de clase - TFC: Ana Ivette Valenzuela Villarreal by Universidad Gestalt de Diseño

LAS VANGUARDIAS | SIGLO XX | MDE UNIVERSIDAD GESTALT DE DISEÑO

Las Vanguardias del siglo XX Maestría en Diseño Editorial. Xalapa-Enríquez, Ver., 2022 Formación y diseño editorial Ivette Valenzuela Imágenes de soporte fueron tomadas de la clase Teoría de la forma y configuración impartida por el Dr. Joel Olivares, y de otras fuentes mencionadas en el índice de imágenes de esta publicación. Uso exclusivamente personal, y sin fines de divulgación o utilización comercial. Portada: Vanguardias Dadá y Pop Art Principio de ambigüedad Por: Ivette Valenzuela Modelo: Jeannette Arévalo Angus

Fig. 1 Vitral en espiral de la capilla de Acción de gracias. Dallas, Texas, EUA. Representa la secuencia de Fibonacci. Getty Images

INTRODUCCIÓN

DE STIJL

AVANT GARDE

DADAÍSMO

DADÁ

SURREALISMO

ANTES DEL IMPRESIONISMO

EXPRESIONISMO

POST IMPRESIONISMO

POP ART

ART NOUVEAU

ESTRIDENTISMO

FAUVISMO

LÍNEA DEL TIEMPO

EXPRESIONISMO

CUBISMO

DISEÑO GRÁFICO

FUTURISMO

CONCLUSIÓN

ARTE ABSTRACTO

ÍNDICE DE IMÁGENES

CONSTRUCTIVISMO

ÍNDICE DE TABLAS EQUILIBRIO Y ARQUETIPO

DADAÍSMO POST IMPRESIONISMO

Fig. 2 Rene Magritte. The listening Room.

Fig. 3 Andy Warhol. Apple 395. 1985.

Fig. 5 José Clemente Orozco. La trinchera. 1926.

Fig. 4 Ejemplo de la silla como arquetipo. Cambia la forma y pero no la secuencia. Erich Dieckmann. Desarrollo del diseño de una silla de tubo metálico.

Mientras tanto en México los muralistas aplican elementos de las vanguardias occidentales. El expresionismo en José Clemente Orozco, el futurismo en David Alfaro Siqueiros y el cubismo sintético en Diego Rivera, pero no por ello puede considerarse que las hayan imitado. Por el contrario, acabaron por apartarse de ellas. Sin embargo también se puede ver patrones, puntos de fuga, perspectiva, entre otros principios de forma y percepción.

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La palabra percepción, una palabra tan común, si embargo no es tan fácil explicarla desde todos los sentidos que esta involucra. Solo se abordará la percepción visual porque es el tema que nos interesa en esta publicación. Se procesa los datos en dos vías. Desde la retina hasta la corteza visual, y cada etapa sucesiva de la vía visual realiza un análisis complejo desde la entrada. La otra es la que involucra la información contextual en el reconocimiento de patrones, el de arquetipos en determinadas formas (fig.4). Todo es más que la suma de sus partes. Lo mismo que sucede con la escritura, una sola letra no dice mucho de si, una serie de letras forma una palabra que solo da una pista del suceso, sin embargo, una frase completa proporciona un contexto que ayuda a la comprensión. Por lo tanto, el cerebro tiene que adivinar lo que una persona ve basándose en experiencias pasadas. Construimos activamente nuestra percepción de la realidad. Aunque no todas las percepciones suelen ser exactas entre lo que captura la retina y las experiencias pasadas, por ejemplo las ilusiones. La percepción es un elemento fundamental para adoptar cualquier cambio o crear caminos alternos de comunicación, en la gráfica. Al estudiar las vanguardias artísticas del siglo XX, el uso particular de las formas, los partones, y el uso recurrente de los principios de percepción, por ejemplo: el cubismo, el constructivismo, el dadaísmo, por mencionar algunas son nuevas formas de configuración. Entrenar al ojo a reconfigurar la forma y percepción es otra manera de concebir formas, y así tener otras sensaciones de distancia, de altura y de espacialidad, hasta de ver formas donde no existan físicamente. Las Vanguardias, movimientos artísticos generados a partir de la violencia extrema como lo es una guerra o dos. Los seres humanos suelen estar inconformes con el sistema, por las reglas morales establecidas de la época: la religión, la desigualdad económica que puede desencadenar un conflicto bélico. Los artistas, intelectuales y pensadores se reúnen para confabular el cambio, en todo sentido, desde las enseñanzas de la academia, pasando por las ideologías políticas; y por ello deciden desorganizar lo que por tantos años era lo obligado, rompen y encuentran un nuevo sentido al hacer arte, escriben, construyen y piensan diferente. Encuentran otras maneras de comunicación, o simplemente hacen arte por hacer, aunque no sigunifique nada y sea absurdo.

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CERRAMIENTO

Los artistas encuentran y utilizan formas de respresentar su objetivo desde sus perspectivas. Algunos representan el mismo objeto de diferentes formas, perspectivas, brillos, espacialidad, puntos de fuga, entre otros. Conviene subrayar que el arquetipo es recurrente en las vanguardias (fig.4). En concreto el ejemplo de una manzana, The Listening Room de Magritte es un elemento recurrente en la obra del artista que puede aludir al pecado de Adán y Eva, la tentación e incluso la inmortalidad. Asimismo Andy Warhol en Apple 359 es una serigrafía donde el autor que se apropia del logotipo de los ordenadores Macintosh. Sin embargo, Warhol añade sus características líneas esbozadas y tonos vibrantes para dar al diseño original una influencia distintivo de el (fig2) y (fig.3). 9

Detrás de la teoría de la percepción, está la comunicación, el lenguaje, la retórica y el metalenguaje. Dr. Joel Olivares

Fig. 6 Composición con los principios de la Gestalt, diseño gráfico.

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AVANT GARDE Etimología de Avant Garde (también avant garde, avantgarde); francés, literalmente “guardia de avanzada”. Utilizado en Inglés entre los siglos XV y XVIII en sentido literal, militar; tomado de nuevo en 1910 como término artístico para designar a los “pioneros o innovadores de un periodo concreto”. (Etymonline) Con la palabra Avant Grade se ha designado a movimientos que se oponen a todo lo anterior, y proponen nuevos conceptos de arte, de letras, de economía, de política ó de moda. Se trata de personas que emiten un enorme grito para romper con todo lo actual. En una búsqueda exhaustiva del significado más terrenal y menos etimológico del término Vanguardia se han encontrado los siguientes conceptos: Novísimo, último, recién nacido, transgresor, desprecio por las normas existentes, socialmente activo, antiarte, libre, sin sentido, fuera de las élites, entre otros.

Fig. 7 La escuela de la Bauhaus, en Dessau, Alemania, diseñada por Walter Gropius.

PROXIMIDAD-LÍNEA DE TENSIÓN

Por otro lado, la vanguardia se sumerge en la experimentación estilística pura, sin restricciones por las preocupaciones sociales. En este tenor del nuevo pensamiento surge en el siglo XX en Alemania las llamadas Escuelas de la forma, para estudiar la configuración de la mente a través de los canales sensoriales (percepción). Se crean las primeras leyes gestálticas en función de la necesidad de una organización visual al partir del caos que genrera la naturaleza. También se hace uso de herramientas estudiadas como lo es: El trazo regulador, el círculo de oro, sección aúrea y la retórica de la imagen.

Fig. 8 Vkhutemas. Exhibición principal 1929

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Hannah Höch. Corte con el cuchillo de cocina Dada a través de la panza de cerveza de la República de Weimar. 1919. Collage de papeles pegados, 90 x 144 cm, Staatliche Museen , Berlín Fig. 9

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DADÁ

PUEDE QUE NO SEA NADA, O PUEDE QUE SEA TODO Dadá es destucción, caos, el azar, lo imprefecto, anti-todo, anti-arte, anti-literatura, anti-dadá incluso. El movimiento Dadíasta tiene un corto periodo de tiempo, a pesar de ello sigue presente en el siglo XXI. La influencia del movimeinto tiene impacto en corrientes artísticas posteriores: en el surrealismo, se le asemeja al dadaísmo pero con conciencia teórica, el graffitti, el pop art, el punk, nihilismo, el street art, lo postmoderno. Todos los mencionados tienen la infuencia del sin sentido Dadá. Hannah Höch es una de las pocas mujeres artistas del dadaísmo en Berlín. Conocida por sus collages y fotomontajes compuestos a partir de recortes de periódicos y revistas, así como diseños de costura y artesanía extraídos a menudo de las publicaciones en las que colaboraba en Ullstein Press. Las obras de Höch mostraban sus puntos de vista feministas, ya que a menudo retrataba la posición de la mujer en la cultura patriarcal en sus composiciones. El mapa de Europa en el que se identifican los países en los que las mujeres ya han conseguido el derecho al voto sugiere que las mujeres alemanas, que acaban de obtener el derecho, no tardarán en “cortar” la cultura masculina de la “barriga cervecera”. Su inclusión de diseños producidos comercialmente en sus montajes rompió las distinciones entre el arte moderno y la artesanía, y entre la esfera pública y la domesticidad. (Manrique, M. 2017).

ENMASCARILLADO

Se intenta hacer un ejercicio de retícula y de ejes principales de esta obra de Hanna Höch, donde parecería imposible, si embargo si se han encontrado algunos patrones y puntos de tensión en este caos aparente.

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Fig. 10 J.M.W. Turner. Snow Storm: Steam-Boat off a Harbour’s Mouth. c. 1842

Fig. 11 Rembrandt van Rijn. A man in a gorget and cap. 1626 -

Fig. 12 Edgar Degas. La orquesta de la ópera. 1870

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¿QUÉ SUCEDE ANTES DEL IMPRESIONISMO? Joseph Mallord William Turner, es uno de los contados artistas han tenido una influencia tan duradera en la historia del arte. Pintor inglés, conocido por su interés por los temas impactantes, que se manifiestan tanto en sus paisajes de tormentas marítimas (fig.10) como en sus estudios de la maquinaria moderna. Aunque Turner es considerado un pionero del Romanticismo, también un pintor conocido por haber facilitado la aparición del arte moderno. El uso radical del color y de esta manera emplea un enfoque vanguardista de la pincelada. Utilizando pinceladas amplias y movimientos bruscos, añade energía y emoción a sus composiciones. Su técnica es adoptada por los impresionistas a finales del siglo XIX. Dos siglos separan a Rembrandt y Degas, pero la aproximación estética de los autorretratos de ambos (fig. 11,12), demuestra la enorme influencia que el maestro de la edad de oro holandesa tiene en el trabajo del impresionista francés. (Vargas, S. 2020). Antecedentes históricos artísticos inmediatos Si bien muchas de las vanguardias posteriores al impresionismo fueron movimientos rebeldes, peculiares y contraculturales que nadan voluntariamente a contracorriente de la academia, el impresionismo es más individualista que contracultural. Su objetivo no es romper las reglas establecidas. El impresionismo tiene su origen en sus antecedentes artísticos inmediatos, como el Romanticismo y el Realismo. Estos movimientos ya se están separando con gran fuerza de los cánones estéticos de la pintura clasicista, misma que a principios del siglo XIX son una versión considerablemente rígida de la pintura barroca de hacia tres siglos.Tanto el Romanticismo como el Realismo comienzan a romper con las buenas costumbres de la pintura, no tanto en lo formal en relación con sus resultados estéticos. Pero sí lo harían tremendamente en cuanto a sus ideales. En 1850-1961 de el realismo de Gustave Courbet a los experimentos multimedia del movimiento Fluxus. Dos guerras han sido el detonante de la primera y segunda oleada de las Vanguardias. El pasado siempre conecta con el presente inmediato, y el presente con el pasado; un gran ejemplo, el impresionista Vincent van Gogh, que ejerce una enorme influencia en el desarrollo del expresionismo alemán y el fauvismo a principios del siglo XX, y del expresionismo abstracto y el neoexpresionismo a mediados del mismo. Las primeras vanguardias Comienza en la década de 1850 con el realismo de Gustave Courbet, fuertemente influenciado por las primeras ideas socialistas. Le siguieron los sucesivos movimientos artísticos modernos, y el término vanguardia es más o menos sinónimo de moderno. La forma es el detonante de algunos movimientos de vanguardia como el cubismo, el futurismo y De Stijl. LAS VANGUARDIAS | SIGLO XX | MDE UNIVERSIDAD GESTALT DE DISEÑO

Fig. 13 Paul Gauguin. Vahine no te tiare. (Mujer con flor). 1891

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El Post Impresionismo es la respuesta al descontento por la trivialidad de los temas y la pérdida de estructura de los cuadros impresionistas, aunque no es un estilo pictórico concreto, sino un título dado a los artistas independientes que, desde Manet a finales del siglo XIX(c. 1885-1905). Los artistas siguen utilizando colores vivos, frecuentemente hacen uso de una aplicación gruesa de pintura(fig.13), y temas reales de la vida diaria, hacen énfasis en las formas geométricas, en distorsionar la forma (fig.14) para conseguir un efecto expresivo y en utilizar un color no natural o arbitrario, se manifiestan contra las limitaciones del Impresionismo para crear una serie de estilos personales que influyen en el arte del siglo XX. Los principales artistas: Vincent Van Gogh, Paul Cézanne, Paul Gauguin y Georges Seurat. Cézanne es una importante influencia para Picasso en el desarrollo del cubismo. La técnica vigorosa y vibrante de Van Gogh fue una de las herencias para el fauvismo y el expresionismo.

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Fig. 15 Paul Cézanne. Maname Cézanne in a Red Armchair. 1877

SIMILITUD - COLOR

Fig. 14 Vincent van Gogh. The Bedroom. 1889

1862-1918 Vienna 1834-1896 Inglaterra

1872-1898 Inglaterra 1848-1933 New York

1852-1926 Barcelona

1860-1939 Paris 1864-1901 Paris

1836-1957 Alemania, Bélgica

Fig. 17

Fig. 16 Alphonse Mucha. Moët & Chandon: Grand Crémant Imperial. 1892 Fig. 18

Antoni Gaudí. Casa Batlló, Barcelona, España. 1904.

Fig. 19 William Morris. The Strawberry Thief (Flower and Bird Pattern), 1884 18

Fig. 20 Henri de Toulouse-Lautrec. La troupe de Mlle Eglantine. 1896

La Casa Batlló presenta muchas de las características asociadas con el art nouveau, ya que está compuesta casi en su totalidad por líneas curvas y formas fluidas. El edificio posee un aspecto muy orgánico, con tracería que se asemeja a un esqueleto o a las delicadas alas de un insecto.

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Florece este estilo ornamental entre 1890 y 1910 aproximadamente en Europa y Estados Unidos. El Art Nouveau se caracteriza por el uso de una línea larga(fig.16), sinuosa y orgánica, y se emplea sobre todo en la arquitectura, el diseño de interiores, la joyería y el diseño de vidrio, los carteles(fig.20) y la ilustración. En un intento deliberado de crear un nuevo estilo, libre del historicismo imitativo que dominaba gran parte del arte y el diseño del siglo XIX. En esta época se acuña el término Art Nouveau, en Bélgica por la revista L’Art Moderne para describir el trabajo del grupo de artistas Les Vingt y en París por S. Bing, que llama a su galería L’Art Nouveau. El estilo se denomina Jugendstil en Alemania, Sezessionstil en Austria, Stile Floreale (o Stile Liberty) en Italia y Modernismo (o Modernista) en España. En Inglaterra, los precursores inmediatos del estilo son el esteticismo del ilustrador Aubrey Beardsley, que dependen en gran medida de la calidad expresiva de la línea orgánica, y el movimiento Arts and Crafts de William Morris(fig.19), que establece la importancia de un estilo vital en las artes aplicadas. En el continente europeo, el Art Nouveau se ve influido por los experimentos con la línea expresiva de los pintores Paul Gauguin y Henri de Toulouse-Lautrec. El movimiento también se inspira en parte en la moda de los patrones lineales de los grabados japoneses (ukiyo-e).

FORMA COMPLEJA

Después de 1910, el Art Nouveau parece anticuado y limitado, y en general se abandona como estilo decorativo distinto. Sin embargo, en la década de 1960 el estilo es rehabilitado, en parte, por las grandes exposiciones organizadas en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (1959) y en el Museo Nacional de Arte Moderno (1960), así como por una retrospectiva a gran escala sobre Beardsley celebrada en el Victoria & Albert Museum de Londres en 1966. Estas exposiciones elevan el estatus del movimiento, que a menudo había sido considerado por los críticos como una tendencia pasajera, al nivel de otros grandes movimientos del arte moderno de finales del siglo XIX. Las corrientes del movimiento se revitalizan entonces en el arte Pop art y Op art. En el ámbito popular, las líneas orgánicas y floridas del Art Nouveau(fig19) reviven como un nuevo estilo psicodélico en la moda y en la tipografía utilizada en las portadas de los discos de rock y pop y en la publicidad comercial.

Fig. 21 Henri Matisse. The Girl with Green Eyes. 1908

Para los fauvistas el cuadro debía ser expresión y no composición y orden. 20

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Los fauves (1904-1908) se enfrentan a los convencionalismos de la época rechazando las reglas y los métodos racionales establecidos. Movimiento no definido, sin manifiesto. Le sucede a este movimiento el expresionismo alemán, con una base de protesta opuesto al positivismo, naturalismo e impresionismo. Se niegan a usar la paleta de tonos naturalistas empleada por los impresionistas a favor de los colores violentos para crear un mayor énfasis expresivo. Emplean una pincelada directa y vigorosa, con toques gruesos, sin mezclas, evitando mezclar los colores. Las figuras se aplanan(fig.22), lineales, encerradas en gruesas líneas de contorno. Renuncian a la perspectiva clásica, al claroscuro y al modelado de los volúmenes. La luz tiende a desaparecer y con ella la profundidad. Sus temas son retratos, naturalezas muertas, personajes en interiores y paisajes. Gusto por la estética y máscaras africanas. Influenciados por Van Gogh y Gauguin, ya que ambos huyen del impresionismo, y toman una ejecución libre y personal, impulsiva y pasional, a la vez que apuestan por obras intensamente coloreadas. De la obra de Gauguin toman la libertad en el uso del color, que llevan al extremo, así como la liberación del temperamento y el instinto personal. Guiados por Henri Matisse (fig.22), surge por oposición a la rígida medodología del Neoimpresionismo de Seurat y Signac, y al tono de felicidad y ligereza propio de los impresionistas.

SIMILITUD - COLOR - LÍNEA DE TENSIÓN

El Restaurante de la Máquina en Bougival se expone por primera vez en el tercer Salón de Otoño, donde se cuelga entre las obras de los artistas que pronto se conocerían como Les Fauves (“Las fieras”), gracias al crítico Louis Vauxelles, que se escandalizó, ciertamente de forma positiva, por su paleta salvaje y atrevida y sus pinceladas apasionadas. “El más salvaje de los fauves”, como le llama con admiración el poeta Guillaume Apollinaire, Vlaminck, junto con Henri Matisse y André Derain, se convierte en uno de los líderes del movimiento. Fig. 22 Maurice de Vlaminick. Restaurant de la Machine at Bougival. 1905

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Fig. 23 James Ensor. Dos esqueletos luchando por un miserable arenque.

Fig. 24 Edvard Munch. El Grito. 1893 22

Fig. 25 Wassily Kandinsky. Houses at Murnau. 1909 LAS VANGUARDIAS | SIGLO XX | MDE UNIVERSIDAD GESTALT DE DISEÑO

Mientras las fieras hacen furor en Francia, en Alemania se inicia El Expresionismo, un movimiento modernista similar. Estos dos estilos comparten numerosas características, la autoexpresión, el color y la emoción con la que se relaciona. Ambos favorecen la subjetividad frente a la representación realista y los pintores utilizan técnicas bastante similares para conseguirlo. Sin embargo, el expresionismo se establece en 1913, aunque coexiste con el fauvismo. Esto dificulta que el expresionismo adquiriera importancia como movimiento, ya que coincide con muchos otros -ismos y con la guerra, durante los cuales es urgente que el arte asuma un papel más político, más crítico. No obstante, muchos expresionistas, como Kandinsky y Klee (fig.25), se encuentran sin duda entre los pintores más famosos de la historia. Es un movimiento artístico plástico que convive de cerca con la literatura; nace en 1890 en Alemania y en los países del norte de Europa, se extiende hasta el siglo XX. La pintura expresionista busca y logra expresar violentas emociones (fig.23), va de dentro hacia fuera, al contrario de la impresionista que va de fuera hacia dentro. Su objetivo fundamental es crear arrebatadas reacciones en el espectador, por medio de sentimientos y emociones del artista, expresados con audacia de formas y rígido colorido. El expresionismo se inicia con un periodo preliminar representado por el belga Ensor y el noruego Munch. El arte de James Ensor es cada vez más extraño en su temática. La madre del artista tiene una tienda de regalos, y le quedan grabados todos esos disfraces que aparecían en carnavales. Poco a poco introduce máscaras, esqueletos y desfiles de grotescas criaturas, algo inusual desde El Bosco o Bruegel. Evidentemente, esto lo confirma como precursor de expresionismo. Destaca también en su obra ese agresivo sarcasmo y un toque de escatología que hacen las delicias de otra gran vanguardia: el surrealismo.

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CERRAMIENTO

Wassily Kandinsky, Murnau . Landschaft Mit Grünem Haus. 1909. Estimación: 15-25 Millones de Libras.

Fig. 26 Pablo Picasso. Mujer que llora. 1837

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Los primeros grandes atrevidos Cubistas son Georges Braque y Pablo Picasso (1907-1915). Las personas y los objetos se distorsionan, se rompen y se vuelven a ensamblar de forma abstracta; en lugar de representar desde un solo punto de vista, el artista representa el tema desde una multitud de puntos de vista hasta el punto de que el tema es casi irreconocible. No hay ilusión ni profundidad, cada perspectiva aparece en el mismo plano, reduce los objetos y las personas a formas geométricas o cubos, revoluciona la pintura y la escultura europeas, es considerada como la ruptura más extrema con los modelos tradicionales de representación. Abandona la perspectiva clásica, que los artistas utilizan para ordenar el espacio desde el Renacimiento. Y se aparta de la realidad visual de las figuras para acercarse a un sistema de representación de los cuerpos en el espacio que empleaba pequeños planos inclinados, situados en un espacio poco profundo. Con el tiempo, Picasso y Braque se inclinan por la forma abierta: perforan los cuerpos de sus figuras, dejan que el espacio fluya a través de ellos y mezclaron el fondo con el primer plano. Esto puede verse como una respuesta a la cambiante experiencia del espacio y el tiempo en el mundo moderno y a la fragmentación de la sociedad moderna. El cubismo se ve influenciado por la obra tardía del artista Paul Cézanne, en la que se le puede ver pintando desde puntos de vista ligeramente diferentes. Pablo Picasso también se inspira en las máscaras tribales africanas, muy estilizadas o no naturalistas, pero que presentan una imagen humana viva. Una cabeza”, decía Picasso, “es una cuestión de ojos, nariz y boca, que se pueden distribuir como se quiera”. (fig.26)

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FORMA COMPLEJA

El nombre de bautizo de Pablo de bautizo: Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Cipriano de la Santísima Trinidad Ruiz y Picasso. Los nombres son elegidos de una lista de santos y de familiares. Curiosamente, su famoso apellido viene de su madre, María Picasso y López. 25

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Aunque Balla y los futuristas no logran convencer al mundo de que la velocidad, el poder, la violencia y la destrucción total de la historia son la única forma de crear un futuro viable, su deseo de comunicar el dinamismo sigue vivo. A medida que cada nueva generación de artistas abstractos se esfuerza por comprender el complejo dinamismo de los numerosos mundos contemporáneos en los que vivimos, el legado de la estética futurista sigue guiando su visión.

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Captura el movimiento, celebra la tecnología avanzada y la modernidad urbana, para destruir las formas más antiguas de cultura y demostrar la belleza de la vida moderna: la belleza de la máquina y del cambio. El Futurismo (1909-1914) surge en Italia poco después del Cubismo en Francia. En pintura y escultura, el futurismo se inspira en gran medida en el cubismo como estilo (fig.29). Trata de representar la imagen multifacética con más de una perspectiva, a menudo representa múltiples posturas en una sola pieza. Sin embargo, la mayoría de los futuristas se guian por un manifiesto claramente definido, con sus directrices ideológicas arraigadas en el nacionalismo, la revolución industrial, la velocidad y el triunfo de la tecnología sobre la naturaleza. Los futuristas se esforzaron por apoyar al fascismo, ya que creen que luchan por la misma causa. La conexión con el Partido Fascista proyeca una oscura sombra sobre muchos futuristas una vez terminada la Segunda Guerra Mundial. Se fascinaron por representar la experiencia moderna y los sentidos de la metrópolis (fig.28), y se esforzaron por que sus cuadros evocaran todo tipo de sensaciones. Glorificaron la industrialización, la urbanización y la tecnología junto con la velocidad, el ruido y la energía de la vida urbana. más dinámico que el cubismo a la hora de expresar la experiencia. En el cubismo, el artista registra detalles seleccionados de un tema mientras se mueve alrededor de él, mientras que en el futurismo, el tema se mueve alrededor del artista

DESTINO COMÚN

El futurismo se inventa, y tine su base predominante, en Italia, dirigido por el poeta Marinetti. El grupo tiene su mayor influencia y actividad entre 1909 y 1914. pero fue reiniciado por Marinetti tras el final de la Primera Guerra Mundial. Este renacimiento atrae a nuevos artistas y se conoce como Futurismo de segunda generación. El futurismo ruso suele considerarse un movimiento independiente, aunque algunos futuristas rusos se relacionan con el movimiento italiano anterior. El futurismo se anticipa a la estética del Art Decó y también influye en el dadaísmo y el expresionismo alemán.

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Fig. 32 Theo van Doesburg. Composition V. 1924 Fig. 31 Piet Mondrian. Composition II in Red, Blue, and Yellow. 1930

El neoplasticismo es un término adoptado por el pionero holandés del arte abstracto, Piet Mondrian, para su propio tipo de pintura abstracta que utilizaba sólo líneas horizontales y verticales y colores primarios. Del neerlandés “de nieuwe beelding”, neoplasticismo significa básicamente arte nuevo. También se aplica a la obra del círculo de artistas De Stijl, al menos hasta la separación de Mondrian del grupo en 1923.

Fig. 30 Ivan Kliun. The Clockmaker. 1914

El suprematismo tiene algunos adeptos entre los artistas menos conocidos, como Ivan Klyun, Ivan Puni y Olga Rozanova. Aunque no está afiliado al movimiento, el pintor ruso Wassily Kandinsky muestra la influencia del suprematismo en la geometrización de sus formas después de 1920. Este estilo geométrico, junto con otras tendencias abstractas del arte ruso, se transmite a través de Kandinsky y del artista ruso El Lissitzky a Alemania, especialmente a la Bauhaus, a principios de la década de 1920.

El neoplasticismo era, de hecho, un arte ideal en el que los elementos básicos de la pintura -el color, la forma de la línea- se utilizaban sólo en su estado más puro y fundamental: sólo colores primarios y no colores, sólo cuadrados y rectángulos, sólo líneas rectas y horizontales o verticales. Mondrian ejerció una profunda influencia en el arte posterior y hoy se le considera uno de los más grandes artistas modernos.

El De Stijl influye significativamente en otros movimientos artísticos. Por un lado, varios de los miembros del De Stijl, incluido Theo van Doesburg, enseñan en la Bauhaus. El lenguaje visual geométrico y la idea de que la forma sigue a la función tienen un impacto significativo en el movimiento arquitectónico de los años 20 y 30 conocido como Estilo Internacional, cuyos principales defensores fueron Mies van der Rohe, Walter Gropius y Le Corbusier. Incluso se puede rastrear la influencia del De Stijl hasta los Estados Unidos, donde acabó Mondrian. Los expresionistas abstractos, los pintores de vanguardia y los minimalistas se inspiran, cada uno a su manera, en la abstracción holandesa de la que fueron pioneros Mondrian y Van Doesburg. De Stijl ha sido ampliamente referenciado en la cultura pop y se ha incorporado a la alta costura en la forma del vestido Mondrian de 1965 de Yves Saint Laurent y la colección AW 2011

“Hablamos de pintura concreta y no abstracta porque nada es más concreto, más real que una línea, un color, una superficie”. Theo van Doesburg

ORIENTACIÓN - PROPORCIÓN - CONTRASTE - COLOR -LÍNEAS

Todos los movimientos de las décadas de 1900 y 1910 conducen gradualmente a una reducción total de la forma, que se culmina oficialmente por primera vez con las obras de la vanguardia rusa. Los que no se inclian por asociar el arte con la vida, como hacían los constructivistas, se unen a Kazimir Maljevic y su concepto de la “supremacía del sentimiento artístico puro”. Una idea similar guía a Mondrian cuando explica la naturaleza del Neoplasticismo, o de una manera más “diseñadora” - De Stijl. La idea es crear un lenguaje universal, un lenguaje sin significados ocultos, una forma de purismo que se basa en las relaciones de las formas y los 3 colores básicos en lugar de la “representación veraz” que pretende imitar en lugar de contar. Muchos de los artistas relacionados con el De Stijl son también miembros de la escuela de la Bauhaus, fundada en 1919 y que se elige como representante de un estilo global que auna ideas de estilos opuestos y pretende fusionar el arte intelectualizado con la manufactura.

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Fig. 33 Aleksandr Rodchenko (1891-1916) Fig. 34 Alexandre Rodchenko. Fig. 35 El Lissitzky. USSR Russische Ausstellung 1929. Fig. 36 Cover álbum de la banda Franz Ferdinand en 2005 se basa en el cartel de Alexander Rodchenko en 1924. LAS VANGUARDIAS | SIGLO XX | MDE UNIVERSIDAD GESTALT DE DISEÑO

El constructivismo se origina en Rusia a partir de 1919 y que supe un rechazo a la idea de un arte autónomo. el artista se convirtió en un ingeniero que manejaba herramientas, en lugar de un pintor con un pincel. Para los constructivistas, las obras de arte formaban parte de un programa visual más amplio destinado a despertar a las masas y llevarlas a tomar conciencia de las divisiones de clase, las desigualdades sociales y la revolución. Una visión utópica de una modernidad mecanizada según los ideales de la Revolución de Octubre. Comprometidos con la abstracción completa con una devoción a la modernidad, donde los temas son a menudo geométricos, experimentales y raramente emocionales. Le dan un nuevo enfoque de la fabricación de objetos. Se trata de un análisis técnico minucioso de los materiales modernos como el vidrio y el metal, y se espera que esta investigación diera lugar a ideas que pudieran ponerse en práctica en la producción en masa, al servicio de los fines de una sociedad moderna y comunista. Se tocaban temas minimalistas, donde la obra de arte se descompone en sus elementos básicos. Un arte de orden es deseable en la época porque fue justo después de la Primera Guerra Mundial cuando surge el movimiento con una feroz necesidad de entendimiento, unidad y paz. Artistas destacados en el Constructivismo: Vladimir Tatlin, Kasimir Malevich, Alexandra Exter, Robert Adams , El Lissitzky, Alexander Rodchenko, Varvara Stepanova, Gustav Klutsis, Alexander Rodchenko, Varvara Stepanova, Vladimir Tatlin, El Lissitzky y Liubov Popova.

En 1913, el artista ruso Vladimir Tatlin visita el estudio de Picasso. Conoce los experimentos de Picasso con objetos de collage. Este encuentro influye profundamente en Tatlin, que se embarca en una exploración propia del medio del collage, creando collages abstractos y tridimensionales hechos de metal y madera. Los expone junto a las pinturas suprematistas de Kasimir Malevich en la “Última Exposición Futurista” de ese año. Esto marca el inicio del constructivismo, un movimiento artístico en el que los artistas se interesan por la construcción. El arte debía construirse.

CERRAMIENTO

“¡DECLARAMOS LA GUERRA AL ARTE SIN CONCESIONES!” - Aleksei Gan LAS VANGUARDIAS | SIGLO XX | MDE UNIVERSIDAD GESTALT DE DISEÑO

Fig. 37 Theo van Doesburg . Jugadores de cartas. 1917

Fig. 39 De Stijl es el segundo álbum de estudio del dúo de rock estadounidense White Stripes, publicado el 20 de junio de 2000

Fig. 38 Friedrich Vordemberge-Gildewart. Composition No. 15. 1925

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De Stijl significa simplemente “el estilo” en holandés, un “estilo” holandés de abstracción pura que surge en gran medida como respuesta a los horrores de la Primera Guerra Mundial y al deseo de rehacer la sociedad tras ella. Adopta una estética abstracta y reducida, centrada en elementos visuales básicos como las líneas y los colores primarios. Este lenguaje austero pretende revelar las leyes que rigen la armonía del mundo. Una reacción contra los excesos decorativos del Art Decó, creando un lenguaje visual universal apropiado para la era moderna. Una fusión ideal de forma y función, no sólo en medios artísticos como la pintura y la escultura, sino también en el diseño industrial, la tipografía e incluso la literatura y la música. La influencia se hizo sentir más notablemente en el ámbito de la arquitectura desarrollada por Piet Mondrian, Theo Van Doesburg (fig.38) y Bart van der Leck.

CONTRASTE - CERRAMIENTO - SIMILITUD

Características del arte De Stijl (c. 1910-1931) Las obras de arte De Stijl destacan por el uso de colores primarios, líneas horizontales y verticales, cuadrados y rectángulos dentro del género del modernismo. Líneas rectas: El arte De Stijl presenta líneas verticales y horizontales limpias y rectas que se cruzan para formar ángulos rectos. Colores primarios: Los artistas del De Stijl utilizan colores primarios -rojo, amarillo y azul- además del blanco y el negro. Estos colores no se tocan ni se mezclan, y las líneas rectas suelen dividir los colores. Trazos gruesos: Las líneas rectas en las obras de arte del De Stijl suelen ser líneas negras con trazos gruesos para acentuar la división entre los colores y los cuadros. Formas geométricas: Las cajas rectangulares y cuadradas son elementos estándar del movimiento De Stijl. Las formas geométricas simples eran motivos en muchas piezas, lo que se refleja en la arquitectura influenciada por el De Stijl. Los edificios que se asemejan a cajas con varios compartimentos ejemplifican este movimiento artístico.

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L.H.O.O.Q. es otro famoso ejemplo de escultura “ready-made” de Marcel Duchamp. Se creó a partir de una tarjeta postal de bajo coste de la Mona Lisa de Leonardo da Vinci (150306) a la que Duchamp dibujó un bigote y una perilla de cera. La obra contiene elementos de sátira, rechazando la estética del “alto arte”. El título de la obra también es satírico, ya que L.H.O.Q., dicho en francés, suena como “Elle a chaud au cul”, lo que se traduce como “Ella tiene el trasero caliente” o “Está en celo” y connota una sexualidad subyacente en la obra. Duchamp fue probablemente el que más éxito tuvo al convertir las herramientas de la ciencia en arte. Nacido cerca de Rouen en 1887, creció en una familia burguesa que fomentaba el arte: sus dos hermanos mayores y su hermana menor también se convirtieron en artistas. Sus primeros cuadros estaban influenciados por Manet, Matisse y Picasso, pero su Desnudo bajando una escalera nº 2 (1912) -inspirado en los primeros estudios fotográficos de movimiento- era totalmente propio. En el cuadro, la figura femenina desnuda parece adoptar la anatomía de una máquina.

Fig. 40 Marcel Duchamp. L.H.O.O.Q. 1919

El movimiento artístico y literario Dadaista se desarrolla entre 1916-1930 en Zúrich, sin embargo su arte varía mucho. Una reacción a la Primera Guerra Mundial, al nacionalismo extremo y al racionalismo. Creen que la “razón” y la “lógica” de la sociedad capitalista burguesa habían llevado a la gente a la guerra. Lo rechazan mediante una expresión artística que se rehusa la lógica y abraza el caos y la irracionalidad. Está en contra de la belleza eterna, contra la eternidad de los principios, contra las leyes de la lógica, contra la inmovilidad del pensamiento y contra lo universal. Promueve el cambio, la libertad del individuo, la espontaneidad, lo inmediato, lo aleatorio, la contradicción.Defiende el caos frente al orden y la imperfección frente a la perfección. Proclama el anti-arte de protesta, del shock, del escándalo, de la provocación, con la ayuda de medios de expresión irónico-satíricos (fig.40). Se basa en lo absurdo y en lo carente de valor e introduce el caos en sus escenas, rompiendo las formas artísticas tradicionales. Se sirve también del montaje de fragmentos y de objetos de desecho cotidiano. Se cree que el movimiento se disipa con la llegada de los surrealistas a Francia. Influido por las ideas e innovaciones de los primeros movimientos de vanguardia -el cubismo, el futurismo, el constructivismo y el expresionismo-, su producción abarca desde las artes escénicas hasta la fotografía, la escultura y la pintura. La difusión del dadaísmo se debe a la publicación de la revista Dada, y gracias a ella sus ideas se extende por Berlín, Colonia, París y Nueva York.

CONTINUIDAD DE LA LÍNEA CURVA

Artistas destacados del movimiento dadísta: Hannah Höch, Jean Arp, Marcel Duchamp, Max Ernst, Hausmann, Tristan Tzara y Man Ray

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Fig. 41 Salvador Dalí. La Persistencia de la Memoria. 1931

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“Superreal” o “más allá de la realidad” El surrealismo surge principalmente del anterior movimiento Dadá, que antes de la Primera Guerra Mundial produce obras antiartísticas que desafían deliberadamente la razón; pero el énfasis del surrealismo no está en la negación sino en la expresión positiva. El movimiento representa una reacción contra lo que sus miembros consideran la destrucción provocada por el “racionalismo” que guían la cultura y la política europeas en el pasado y que culminan en los horrores de la Primera Guerra Mundial. Según André Breton, que publica El Manifiesto Surrealista en 1924, el surrealismo es un medio para reunir los ámbitos consciente e inconsciente de la experiencia de forma tan completa que el mundo del sueño y la fantasía se uniría al mundo racional cotidiano en “una realidad absoluta, una surrealidad”. Su objetivo era “resolver las condiciones previamente contradictorias del sueño y la realidad”, y creían que la psique tenía el poder de revelar las contradicciones de la vida. Se caracteriza por escenas desconcertantes e ilógicas con una concepción irracional del tiempo y el espacio, ambientación onírica y criaturas extrañas, objetos inconexos distorsión de los objetos cotidianos, mediante la transformación de objetos familiares en inusuales, desconocidos e inquietantes, o mediante la metamorfosis, permitir que el inconsciente se exprese, dislocación de los objetos de forma extraña. El impulso surrealista es aprovechar la mente subconsciente. Los métodos paranoico-críticos: analizar las formas rocosas y paisajes y ver de ellos objetos diferentes que no existen. (fig41).

DE LA FORMA COMPLEJA

Artistas destacados - Salvador Dalí, Man Ray, Max Ernst Temas comunes de Dalí: relojes, hormigas, huevos, zanahorias

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Fig. 42 Jackson Pollock. Convergence. 1952

Fig. 43 Willem de Kooning. Noticias de Gotham. 1955

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“DEGENERADO” ASI PROCLAMABA HITLER Y EL PARTIDO NAZI A TODO TIPO DE ARTE NO TRADICIONAL.

Poco antes y durante la Segunda Guerra Mundial, muchos creativos europeos encuentran refugio en Estados Unidos. Periodo en el que surge el expresionismo abstracto en América. El estilo refleja la emoción interior y la autoexpresión, a través de medios no figurativos que a menudo implica el trazo de los movimientos corporales del autor o las pinceladas. Es frecuente que al mencionar Expresionismo se piense rápidamente en Jackson Pollock y su técnica libre con pintura fluida, el expresionismo abstracto era más una filosofía que un nombre para una identidad visual unificada. No obstante, fue el primer movimiento influyente aclamado internacionalmente que se origina en América. Tipos de Expresionismo Abstracto Dentro del expresionismo abstracto había dos grandes grupos: los llamados pintores de acción, que atacaban sus lienzos con expresivas pinceladas; y los pintores de campos de color, que llenaban sus lienzos con grandes áreas de un solo color. Los pintores de acción estaban liderados por Jackson Pollock (fig. 42) y Willem de Kooning (fig.43), que trabajaban de forma espontánea e improvisada, a menudo utilizando grandes pinceles para realizar amplias marcas gestuales. Pollock colocaba su lienzo en el suelo y bailaba a su alrededor vertiendo pintura del bote o arrastrándola desde el pincel o un palo.

CONCENTRACIÓN

El segundo grupo incluía a Mark Rothko, Barnett Newman y Clyfford Still. Se interesaron profundamente por la religión y el mito y crearon composiciones sencillas con grandes áreas de color destinadas a producir una respuesta contemplativa o meditativa en el espectador. Este enfoque de la pintura evoluciona, en torno a 1960, hacia lo que se conoce como pintura de campo de color, caracterizada por el uso por parte de los artistas de grandes superficies de un color más o menos plano.

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Fig. 44 Andy Warhol. Campbell’s Soup Cans. 1962 Fig. 45 Roy Lichtenstein. Whaam! 40

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Este ambiguo movimiento posmoderno es una respuesta directa al arte elevado excesivamente intelectualizadocomo lo es el expresionismo abstracto. El arte pop (1920s) es todo lo contrario de lo que le precede, ya que incluye motivos figurativos y objetos de la cultura popular, y se dirige a un público más amplio con un lenguaje más cercano y familiar. Sigue siendo uno de los estilos más característicos. Arte pop, movimiento artístico de finales de los años 50 y 60 que se inspira en la cultura comercial y popular. Aunque no tiene un estilo o una actitud específica, el arte pop se define como una respuesta diversa a los valores de la era de la posguerra impulsados por las mercancías, utilizando a menudo objetos comunes: cómic, latas de sopa, señales de tráfico y hamburguesas, como tema o como parte de la obra (fig.44). El pop art es descendiente del dadaísmo, un movimiento nihilista vigente en la década de 1920 que ridiculizaba la seriedad del arte parisino contemporáneo y, más ampliamente, la situación política y cultural que había traído la guerra a Europa. Marcel Duchamp, trata de reducir la distancia entre el arte y la vida celebrando los objetos producidos en masa de su época. Otros artistas del siglo XX que influyeron en el pop arte fueron Stuart Davis, Gerard Murphy y Fernand Léger, todos los cuales representaron en su pintura la precisión, la producción en masa y los materiales comerciales de la era de la maquinaria industrial. Los predecesores inmediatos de los artistas pop fueron Jasper Johns, Larry Rivers y Robert Rauschenberg, artistas estadounidenses que en la década de 1950 pintaron banderas, latas de cerveza y otros objetos similares, aunque con una técnica pictórica y expresiva. Yayoi Kusama (1929-actualidad) La artista contemporánea japonesa Yayoi Kusama es una artista viva increíblemente importante. Su práctica se basa en el arte conceptual, el feminismo, el minimalismo, el surrealismo, el art brut, el expresionismo abstracto y, por supuesto, el arte pop. Sus obras abarcan la escultura, la instalación, la performance, el cine, la moda, la poesía, la ficción y la pintura. IGUALDAD O SIMILITUD

Instalación de arte contemporáneo de la artista japonesa Yayoi Kusama - en el escaparate de la tienda de Louis Vuitton en el Easton Town Center de Columbus, Ohio. Fig. 46 Yayoi Kusama. Tentacles. 2012

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Fig. 47 Portada del número 1. Manifiesto Estridentista por Manuel Maples Arce. Imagen: alexandralunn.com

Fig. 48 Leopoldo Méndez. Portadas de la Revista Horizonte. Imágenes por swanngalleries.com

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La Vanguardia Mexicana El desarrollo del arte moderno en Europa suele quedar eclipsado por los acontecimientos que tuvieron lugar en otras partes del mundo. Aunque se inspiran en el cubismo, el futurismo o el constructivismo, artistas procedentes de distintos entornos desarrollan en realidad movimientos igualmente progresistas que en la mayoría de los casos son verdaderamente autónomos, desafortunadamente algunos no son conocidos. Un ejemplo es el Estridentismo Mexicano, en movimiento inicia en Ciudad de México entre 1921 y 1925 y en Jalapa, Veracruz, desde 1925 hasta su disolución en 1927. Aunque coincide con el movimiento muralista que poco a poco fue acogido por el Estado como práctica artística oficial, el Estridentismo es mucho más vanguardista y desarrolla un vocabulario visual único. Lo funda el poeta Manuel Maples Arce en 1921 en la Ciudad de Xalapa, mientras que artistas como Germán List Arzubide, Arqueles Vela, Germán Cueto, Fermín Revueltas, Ramón Alva de la Canal, Luis Quintanilla del Valle y Leopoldo Méndez operan en sus lugares. Otros poetas, dramaturgos, músicos y fotógrafos también contribuyen al movimiento. Un enfoque ecléctico les permite llevar a cabo un tandem entre todas las tendencias de vanguardia. Junto con el siguiente grupo, llamado Los Contemporáneos.

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Fig. 49

ALBUM COVER INFLUENCIA DE LAS VANGUARDIAS Boticcelli (1484) Lady Gaga (2013) Movimiento Pop Art

1 Green Day (1995) Winston Smith Movimiento Dadá Andy Warhol (1964) Madonna (2009) Movimiento Pop Art Salvador Dalí (1943) Depeche Mode (1981) Movimiento Surrealista René Magritte (1953) Muse (2003) Movimiento Surrealista

Imágenes saltaalavistablog.blogspot.com

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VANGUARDIAS EN DISEÑO GRÁFICO El diseño gráfico se sirve de los movimentos artísticos por siglos, de los estudios de la forma, Las vanguardias (primera y segunda), de los avances tecnológicos como: La fotografía, el letterpress y otras formas de impresión. Las vanguardias también contrubuyen a constuir interdicsiplinas entre artistas. Es la base y ha creado un enorme impacto en el diseño gráfico, se ha desarrollado un nuevo lenguaje visual. Hay una intencionalidad al diseñar, un sustento en la gramática visual, no solo donde fueron creadas originalmente, migraron a todo el mundo, tal vez no en tiempo real, pero al mejorar las comunicaciones globales fueron adoptadas y experimantadas por otros países que empezaban con movimientos revolucionarios, como sucede en México con majestuosos murales de Diego Rivera, Fermin Revueltas (fig.51), José Guadalupe Posada, Ernesto “Chango” Cabral (fig.50) y la importante aportación de la Vanguardia Mexicana, Estridentismo por Manuel Maples Arce (fig.52).

Fig. 50 Ernesto García El Chango Cabral (1890 - 1968)

Fig. 51 Fermín Revueltas

Fig. 52 Manuel Maples Arce

DE ORIENTACIÓN DE CAMPO

Adolphe Jean-Marie Mouron, conocido por el seudónimo de “Cassandre”, fue un cartelista y diseñador gráfico. Es reconocido en el mundo como el “creador de cartel moderno”. Dedicó su vida a la publicidad, cartelería, tipografía y retratismo. Sus obras más conocidas son un ejemplo del Art Déco, pero con influencias del cubismo, constructivismo, futurismo de la escuela de diseño Bauhaus. Fig. 53 “L`Intragsigeant” A.M. Cassandre - 1925

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Rítmo, destino común

Equilibrio y arquetipo

Patrones y similitud de color

Forma compleja

Destino común

Similitud de color y forma

Forma compleja

Similitud de color y forma

ACERCA DEL DISEÑO EDITORIAL Y LA TEORÍA DE LA FORMA Incluir la Teoría de la Forma en el diseño editorial requiere un conocimiento profundo de los conceptos y principios de la forma y la percepción. El Dr. Joel Olivares es el experto en la materia, y aprenderla en 4 semanas es desafiante, gratificante y enriquecedor. Antes de acercarse al léxico adecuado para descifrar un determinado principio, sólo se cuenta con la vista del individuo como instrumento de percepción, siendo el ojo el eslabón más importante para que se produzcan todos estos fenómenos. Ve la naturaleza como caos o desorden. Saber reconocer los partones, los puntos de fuga, la línea de tierra, el cerramiento; entre otros. Se requiere entrenamiento, ejercicios visuales constantes, geometría y reinado de la perspectiva. Implica la distancia, la luz, la profundidad y, por supuesto, las condiciones de la vista del individuo. Uno de los primeros ejercicios de diseño editorial es aprender a hacer una retícula, decidir los márgenes, la proporción. La teoría de la forma es esencial. El ojo del lector se moverá a través de los indicadores de forma sin necesidad de marcar un orden, ya sea con números o figuras y, en algunos casos, verá figuras donde no las hay. La teoría de la forma conecta con el tema de la tesis, “El hijo perdido del diseño editorial, el programa de mano”. Todo lo que vemos tiene una estructura; todo tiene patrones, una forma de configurar líneas y formas, figuras y fondos; los programas de mano no serán una excepción. Se hará una tipología a través de la historia de los mismos; se podrán describir e identificar formatos, diseños, retículas, estructuras y analizar los gráficos; sin olvidar el diseño editorial de la misma tesis. En este documento cada doble página está diseñada con intención basada en los conceptos de la teoría de la forma y la percepción. Cada uno de los principios aplicados se puede encontrar en la esquina inferior derecha de la página non. Algunos de ellos son: El principio de cerramiento, línea de tensión, transparencia, similitud, contraste, forma compleja, entre otros. En cada una de las páginas aumque no sea evidente está diseñado con principios de la forma y percepción, desde la simple línea de tensión, pasando por el agrupamiento de formas en el Pop Art, similitud de color en De Stijl, y algunos ornamentos de forma compleja como lo es el el movimiento del Art Nouveau. Las cajas tipográficas estáb basadas con márgenes invertidos. El uso de la escala, rítmo y proporción en las líneas de tiempo al hacer continuidad en la doble página. Y por último, los folios y cornizas están tensadas en una línea exactamente igual en todas las páginas.

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CONCLUSIÓN Las vanguardias artísticas son fundamentales para el cambio de pensamiento, y contribuyen a que se logre un giro total para el mundo del arte y el diseño hasta tiempos actuales. Todo parece estar conectado gracias a la ciencia, la tecnología y las nuevas formas de comunicación global en ese tiempo. El gran cambio que en la gráfica se observa es la abstracción de las formas, la pincelada, más gruesa y libre, la intervención de tipografías que en algunos casos son usados como forma y no como letra. El propósito ya no es solo político, sino de lanzarlos al mercado para su venta, o simplemente hacer por hacer. El pasado es el futuro y es presente, y el futuro no abandona del todo al pasado, aunque ya no exista más. El cubismo deriva de Cézanne, el neoimpresionismo de Henri Rousseau y conduce directamente al supremacismo, al constructivismo y a De Stijl, para desembocar finalmente en el arte abstracto. El artista Henri de Toulouse-Lautrec sienta bases en el diseño de carteles, el gran maestro del cubismo y también surrealista Cassandre funda su propia agencia de publicidad y su propia escuela de diseño. Como tipógrafo, Cassandre diseñó los tipos Bifur, Acier y Peignot. Por otra parte en México los precursores de Las vanguardias reactivaron la actividad editorial, nace el Estridentismo, fotomantaje, revistas gráficas, el método Best Maugard, Leopoldo Méndes y su Taller de grafica polular, entre otros. El arte está en constante progreso, tal vez se le agregue un Pre-Post-Neo a una vanguardia del siglo XX, o tal vez se acuñen nuevos términos para ello. No se olvide el arte donde interviene el espectador en el caso de los performances de calle, el fluxus y el happening. La intervención en espacios públicos como las obras de Banksy y el land art en el festival Burning Man en Nevada con esculturas monumentales. Todo puede suceder, hasta subastar por una obra de arte digital de sumas impensables. Las vanguardias, la teoría de la forma y la percepción, son aplicadas a la cubierta de esta publicación. Se hace evidente el uso de patrones, repetición, rítmo, en el rostro de una mujer que fusiona su forma entre si, el rostro de frente y de perfil. También se observa el principio de la escala de forma, orientación de campo y de ambigüedad. Por otra parte el uso del color saturado y contrastado es inspirado el el movimiento del pop art, y para complementar esta pieza de diseño editorial se disponen los textos de manera desordenada o al azar, una retícula libre, el recorte de los textos de un impreso sin la menor cautela, es inspirado en el movimiento Dadá. LAS VANGUARDIAS | SIGLO XX | MDE UNIVERSIDAD GESTALT DE DISEÑO

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ÍNDICE DE IMÁGENES Fig. 1 Representa la secuencia de Fibonacci. Gabriel Loire: diseño en espiral en la Chapel of Thanksgiving, situada en la Thanks-Giving Square (Dallas, Texas, 1976) Getty images. http://en.wikipedia.org/wiki/File:Thanksgiving_chapel_interior.jpg. Pág. 4 Fig. 2 Rene Magritte. The listening Room. 1952. Fig. 3 Andy Warhol. Apple 395. 1985. Fig. 4 Ejemplo de la silla como arquetipo. Cambia la forma y pero no la secuencia. Erich Dieckmann. Desarrollo del diseño de una silla de tubo metálico. Fig. 5 José Clemente Orozco. La trinchera. 1926. Pág. 6 Fig. 6 Composición con los principios de la Gestalt, diseño gráfico.

https://ast.wikipedia.org/wiki/Psicolox%C3%ADa_de_ la_Gestalt. Pág. 9 Fig. 7 La escuela de la Bauhaus, en Dessau, Fig. 8 Vkhutemas. Exhibición principal 1929 https://ast.wikipedia.org/wiki/Escuela_de_la_Bauhaus. Pág. 9 Fig. 9 Hannah Höch. Corte con el cuchillo de cocina Dada a través de la panza de cerveza de la República de Weimar. 1919. Collage de papeles pegados, 90 x 144 cm, Staatliche Museen , Berlín. artsandculture.google.com Pág. 10 Fig. 10 J.M.W. Turner. Snow Storm: Steam-Boat off a Harbour’s Mouth. c. 1842 Fig. 11 Rembrandt van Rijn. A man in a gorget and cap. 1626 Fig. 12 Edgar Degas. La orquesta de la ópera.1870. artsandculture.google.com Pág. 12

Fig. 13 Paul Gauguin. Vahine no te tiare. (Mujer con fl or). 1891 Pàg 13 Fig. 14 Vincent van Gogh. The Bedroom. 1889 Fig. 15 Paul Cézanne. Maname Cézanne in a Red Armchair. 1877 Pág. 14 Fig. 16 Alphonse Mucha. Moët & Chandon: Grand Crémant Imperial. 1892 Fig. 17 Artistas del Art Nouveau. Sutori. https://www.sutori.com/es/historia/art-nouveau--nzjwJPPUxvJFLMXh51SdJeQP Fig. 18 Antoni Gaudí. Casa Batlló, Barcelona, España. 1904. Fig. 19 William Morris. The Strawberry Th ief (Flower and Bird Pattern), 1884 Fig. 20 Henri de Toulouse-Lautrec. La troupe de Mlle Eglantine. 1896 Pág. 16 Fig. 21 Henri Matisse. Th e Girl with Green Eyes. 1908 Pág. 18 Fig. 22 Maurice de Vlaminick. Restaurant de la Machine at Bougival. 1905 Pág. 19 Fig. 23 James Ensor. Dos esqueletos luchando por un miserable arenque. Fig. 24 Edvard Munch. El Grito. 1893 Fig. 25 Wassily Kandinsky. Houses at Murnau. 1909 Pág. 20 Fig. 26 Pablo Picasso. Mujer que llora. 1837 Pág. 22

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Fig. 27 Giacomo Balla. Girl Running on a Balcony. 1912 Fig. 28 El más notable de los carteles de Metrópolis es la imagen original de Schulz-Neudamm, tipografía típica del art decó. Fig. 29 John Monteith. (De) Construction (Re) Construction #7. 1913 Pág. 24 Fig. 30 Ivan Kliun. Th e Clockmaker. 1914 Fig. 31 Piet Mondrian. Composition II in Red, Blue, and Yellow. 1930 Fig. 32 Theo van Doesburg. Composition V. 1924. artsandculture.google.com Pág 26 Fig. 33 Aleksandr Rodchenko (1891-1916) https://mod1gg.wordpress.com/2010/08/23/aleksandr-rodchenko-carteles-para-dobrolet/ Fig. 34 Alexandre Rodchenko. https://www.nundesign. fr/mouvements/constructivisme Fig. 35 El Lissitzky. USSR Russische Ausstellung 1929. https://www.moma.org/collection/works/6758 Fig. 36 Cover álbum de la banda Franz Ferdinand en 2005 se basa en el cartel de Alexander Rodchenko en 1924. Pàg. 28 Fig. 37 Theo van Doesburg . Jugadores de cartas. . Fig. 38 Friedrich Vordemberge-Gildewart. Composition No. 15. 1925 Fig. 39 De Stijl es el segundo álbum de estudio del dúo de rock estadounidense White Stripes, publicado el 20 de junio de 2000 1917. Pág. 30 Fig. 40 Marcel Duchamp. L.H.O.O.Q. 1919. artsandculture.google.com Pág. 32

Fig. 41 Salvador Dalí. La Persistencia de la Memoria. 1931. artsandculture.google.com Pág. 34 Fig. 42 Jackson Pollock. Convergence. 1952 Fig. 43 Willem de Kooning. Noticias de Gotham. 1955 artsandculture.google.com Pág. 36 Fig. 44 Andy Warhol. Campbell’s Soup Cans. 1962 Fig. 45 Roy Lichtenstein. Whaam! artsandculture.google.com Pág. 38 Fig. 45 Fig. 46 Yayoi Kusama. Tentacles. 2012 Wikipedia Pág 39 Fig. 47 Portada del número 1. Manifi esto Estridentista por Manuel Maples Arce. Imagen: alexandralunn.com Fig. 48 Leopoldo Méndez. Portadas de la Revista Horizonte. Imágenes por swanngalleries.com Pág. 40 Fig. 49 Album cover influencia de las vanguardias. Imágenes saltaalavistablog.blogspot.com Pág 46 Fig. 50 Ernesto Garcí García El Chango Cabral (1890 - 1968) Fig. 51 Fermín Revueltas Fig. 52 Manuel Maples Arce Fig. 53 “L`Intragsigeant” A.M. Cassandre - 1925 Pág. 47

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Este único ejemplar no se imprimió. Tipografías Minion bold (regular, bold, italica) y Monserrat. Publicación digital. Abril 2022.

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