Memoria de clase TFC: Larissa Pérez by Universidad Gestalt de Diseño

TEORÍA DE LA

Y LA CONFIGURACIÓN

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EN EL DISEÑO EDITORIAL

MARÍA LARISSA PÉREZ ZAMUDIO

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TEORÍA DE LA FORMA Y LA CONFIGURACIÓN EN EL DISEÑO EDITORIAL María Larissa Pérez Zamudio

ÍNDICE Introducción 7 Percepción 8 Teoría de la forma 14 Antecedentes Principios fundamentales Vanguardias 22 Impresionismo Postimpresionismo Art Nouveau La fotografía Fauvismo Expresionismo Cubismo Futurismo Constructivismo Diseño editorial 36 Tema de tesis 38 Diario de Xalapa Conclusión 40 Fuentes de consulta 41

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n el libro “El club de las 5 de la mañana” menciona que el principio de la transformación es el aumento de la percepción, cuanto más ves, más puedes materializar y cuanto más sabes más puedes conseguir. La relación entre la percepción y la teoría de la forma ayuda a comprender como interactua el ser humano con el mundo que le rodea, se interpreta la cita como que mientras mayor es la percepción, mayor es la comprensión del mundo alrededor y por consiguiente su manipulación. El diseño, como disciplina que abarca desde la arquitectura hasta la animación, se encuentra vinculada con la teoría de la forma. Como se expresan las ideas y cada decisión de diseño contribuye a la construcción de una forma visual única, capaz de influir en la experiencia del lector. Es con ella que se construyen obras únicas que perduran a lo largo de los años he influyen en otros autores. El objetivo de comprender la teoría de la forma es crear obras exitosas de manera intencional y no por instinto o suerte. Pero, ¿Qué es la teoría de la forma?. En este documento se busca explicar su significado y como influye en el diseño y la evaluación de la estética visual, así como demostrar su presencia en diferentes escenarios del diseño y el entorno. Organicemos esta teoría…

ERCEPCIÓN

ada sujeto ve el mundo de forma distinta según sus experiencias, entorno, conocimientos, cultura o contexto, la suma de estos factores y más, crea una visión que es única. Un niño busca su suéter y no lo encuentra, le pregunta a su mamá y ella responde que está dentro de su closet, pero el niño no lo ve. Su madre llega con él y le pregunta ¿qué te hago si lo encuentro?, se acerca al closet y el suéter está justo enfrente del niño. ¿Por qué el niño no ha visto el suéter? El niño piensa que su mamá es bruja, pero el responsable es el cerebro de cada uno, más específicamente, la percepción. Los elementos dentro de un escenario de la vida diaria de un sujeto son percibidos de manera única y diferente por cada persona que entra a ese escenario. Entonces, ¿qué es la percepción?.

Vemos las cosas, no como son, sino como somos nosotros Emmanuel Kant

En los primeros años de la humanidad como sociedad científica la percepción es ignorada, considerada sin relevancia en comparación de las otras ciencias. La percepción es una ciencia, que por requerir una elaborada autoconciencia, no ha despertado la curiosidad comparada con otras ciencias que abordan temas tan distintos al ser humano. La ciencia natural comienza con la percepción, es ella la que ayuda a interpretar el mundo a través de procesos cognitivos, pero al inicio, su principal problema como ciencia es que al ser tan única para cada persona, permanece la pregunta ¿cómo se puede estar seguro que es real?.

6 Según desde se mire, el número puede ser un 6 o un 9

Para entender la percepción existe una teoría basada en la analogía del ojo con la cámara fotográfica. La cámara posee una abertura de diámetro variable que permite el acceso de más o menos luz en el ojo, esta abertura sería la pupila. La teoría explica que así como una cámara, el ojo toma vistas de las escenas que tiene ante sí. La luz que reflejan los objetos dentro de las escenas es enfocada por los objetivos que hay dentro del ojo y llegan así hasta la retina, como una película sensible situada al fondo del globo ocular donde se forman las imágenes. Finalmente estas imágenes se transmiten al cerebro y generan las representaciones mentales de las escenas: la percepción. Pero, a diferencia de una cámara, las imágenes que se capturan con el ojo cambian continuamente a medida que varía la posición del sujeto y a pesar de esto, la persona continúa percibiendo constantes las propiedades de los objetos. Por ejemplo, en una caricatura animada, para crear la percepción de que un personaje está lejos de otro, el personaje que está lejos se hace más pequeño, pero en la vida real no parece que las personas se agranden o empequeñecen cuando están cerca o lejos.

Iris Retina Pupila Cristalino

Diafragma Película Abertura Objetivo

Semejanza entre el ojo y la cámara fotográfica

En el dibujo, el tamaño de los personajes del fondo provoca la sensación de profundidad

Aprender percepción es cambiar la percepción

La ciencia de la percepción trata de averiguar cómo y porqué aparecen las cosas como aparecen, explicar sólo con referencia a procesos intraoculares o a la transmisión de información en el cerebro es insuficiente. La mente no se limita a capturar una imagen exacta del mundo, crea su propia interpretación. Y esto se aplica a todo ser vivo, suponiendo que el ser humano posee los aparatos sensoriales de un murciélago, el mundo parecería otro planeta. Según H. Hoffding cada sensación particular está determinada por el conjunto y por la relación mutua de los diferentes estados o de las partes de un mismo estado, es decir, las sensaciones pueden cambiar según la interacción del contexto con diferentes elementos que se encuentren en ese momento. Lo interesante de la percepción como ciencia, está en cómo a pesar de las inadecuadas, distorsionadas o ambiguas imágenes bidimensionales que capturan las retinas se obtiene una correcta representación tridimensional del mundo según lo percibe. Estas representaciones son estructuras mentales creadas a partir de la estimulación sensorial, la cual existe solo en la mente. Filósofos como John Locke (1632-1704), David Hume (1711-1776) y George Berkeley (1685-1753) indican que a lo que hay realmente en el mundo no se tiene más acceso directo que el que pasa por los sentidos. El color de una rosa, el sonido de un violín, el sabor de un chocolate y el olor de un perfume existen porque interactúan con un ser viviente. Las estructuras mentales rara vez son corregidas después de adquirir conocimiento, es decir, las ilusiones ópticas no desaparecen en cuanto se es consciente de su carácter ilusorio. Por ejemplo, la ilusión lunar: esta ilusión ocurre cuando la luna está cerca del horizonte y parece más grande de lo que es en realidad debido a la comparación con los objetos en primer plano, como edificios o árboles. Las percepciones nacen del procesamiento de la información sensorial y se producen de modo independiente de otros procesos cognitivos. M. Merleau Ponty dice que nuestras reacciones menos conscientes nunca son aislables en el conjunto de la actividad nerviosa y parecen guiadas en cada paso por la propia situación externa e interna.

La posición de la luna en el horizonte hace que se vea más grande a cuando esta en lo alto del cielo

En el diseño de la animación se usa la percepción mediante el efecto parallax, conocido en sus inicios como cámara multiplano para simular la percepción de profundidad en escenas bidimensionales. Consiste en colocar varias capas independientes en planos diferentes y mover una cámara a través de estas capas. Al desplazarse, la cámara graba cada capa por separado, creando la ilusión de movimiento y profundidad. Al moverse a diferentes velocidades, las capas más cercanas parecen desplazarse más rápido que las más lejanas, generando la sensación de perspectiva y distancia. Este enfoque no solo añade realismo visual, sino que también aprovecha los principios perceptuales para engañar al espectador de manera efectiva, proporcionando una experiencia más inmersiva y tridimensional en una animación tradicionalmente bidimensional.

Cámara

Diagrama de camara multiplano con capas separadas del fondo para simular profundidad

Existen tres principales pensamientos sobre los procesos que hay detrás de la percepción, la teoría de la inferencia, asociada al enfoque empirista, la teoría del estímulo y la teoría de la gestalt. Teoría de la inferencia Esta teoría pregunta cómo se llega a saber algo y hasta qué punto es válido o de fiar. Los primeros empiristas ingleses como Thomas Hobbes (1588-1679), John Locke (1632-1704) y David Hume (1711-1776), sostienen que el conocimiento se adquiere sólo por la experiencia sensible, de la asociación de ideas y que la mente al nacer es una hoja en blanco. El filósofo George Berkeley añade que lo que la vista da directamente es inadecuado para la correcta percepción del mundo. Para conseguir percepciones correctas, es necesario aprender a interpretar las sensaciones visuales, mediante un proceso de asociación. Hermann Von Helmholtz (1821-1894) describe el proceso como un proceso de “Unbewusster Schluss”, expresión alemana que se traduce como inferencia inconsciente, la cual se realiza de manera inconsciente o automática, sin que la persona sea plenamente consciente de ello. Las sensaciones de los sentidos son señales para la conciencia, dejándole a la inteligencia el aprender a comprender su significado. Para el helmholtziano, las percepciones son el resultado de las interpretaciones inconscientes basándose en la experiencia acumulada.

Teoría del estímulo Sostiene que toda la información necesaria para explicar la percepción se encuentra en el entorno, esperando a ser captada por el ojo del observador. Para cada tipo de percepción, sea color o forma, hay un único estímulo o tipo de información incitadora. Los investigadores psicofísicos del siglo XIX como Gustav Fechner (1801-1887), autor de Elementos de Psicofísica donde propone relaciones matemáticas entre estímulos físicos y sensaciones subjetivas, o Ernst Weber (1795-1878), conocido por la Ley de Weber que describe la relación cuantitativa entre cambios en la intensidad de un estímulo y la magnitud del cambio perceptible, se les atribuye el mérito de haber ayudado a fundar la psicología científica. En un cuarto oscuro se enciende una linterna. La teoría de Weber-Fechner sugiere que la percepción del brillo de la luz no está directamente relacionada con la cantidad de luz, sino con el cambio proporcional, es decir, si aumentas la intensidad de la linterna de 1 a 2, es probable que percibas un cambio más notable en el brillo que si aumentas de 100 a 101. Pero, el enfoque psicofísico pierde su atractivo al no poder hallar a muchos fenómenos perceptuales estímulos correspondientes. El programa de trabajo para quienes aceptan esta teoría consiste en tratar de descubrir cuales son las principales características del estímulo para cada tipo de percepción.

En ambas columnas, los cuadrados inferiores contienen 10 puntos más que los cuadrados superiores. Sin embargo, la percepción es diferente: en la izquierda, el cambio es apreciable. Mientras que en la derecha es casi indistinguible

Teoría de la gestalt La palabra Gestalt en alemán se traduce como forma o configuración. La teoría destaca que se perciben objetos y escenas como totalidad integrada, más que como la suma de sus partes. Mientras que las sensaciones se dan lógicamente separadas y sin relación entre sí, las percepciones captan todos globales, es decir, cosas unitarias. Sostiene que difícilmente al comienzo de la vida solo se experimenta una caótica suma de sensaciones que se va aprendiendo a organizar y distinguir. Según René Descartes (1596-1650), la mente humana posee ideas innatas acerca de la forma, el tamaño y otras propiedades de los objetos. Para la teoría gestalt es más fácil creer que el mundo perceptual está desde un inicio organizado gracias a leyes dadas innatamente, que rigen la formación de la unidad y la emergencia de una figura sobre un fondo. Pero, las unidades enteras que se perciben no son solo el resultado de un proceso de organización que unifica unos elementos del mundo, los elementos de estas unidades están relacionadas entre sí hasta el punto de crear una configuración. De ahí el lema de la Gestalt: el todo es cualitativamente diferente de la suma de sus partes, es decir, las propiedades no residen en las partes, sino en la suma de las partes. El concepto de la teoría es la organización conceptual. Para el gestaltista, las percepciones son el resultado de espontáneas interacciones cerebrales originadas por la estimulación sensorial. El recorrido visual o la exploración que hace el ojo humano de una imagen, esta determinado por la percepción preliminar de la forma universal, es decir, se basa en estereotipos visuales

La dinamica Draw in your style muestra diferentes interpretaciones de un mismo personaje

EORÍA DE LA

FORMA

a teoría de la forma explica el proceso biológico con el que se interpreta el mundo alrededor. El cómo se procesa y conceptualiza esta información es la teoría de la percepción. La teoría de la Forma o Teoría de la Gestalt es una de las primeras teorías importantes que habla sobre las relaciones entre sensación y percepción. Antes de ella se tiene presente la teoría empirista o asociacionista la cual sostiene que el conocimiento del mundo se construye a partir de experiencias, de cómo se asocian estas en la mente y a través de la repetición da lugar a hábitos y aprendizajes. “La teoría empirista o asociacionista, influida en parte por la obra de R. Descartes y con J. Locke, G. Berkeley y D. Hume, se oponía a todo innatismo y afirmaba que los conocimientos humanos tenían por origen la experiencia, las sensaciones. La asociación de ideas, mediante continuidad, semejanza o contraste, reexplicaba nuestra construcción del mundo.” (Diseño Industrial 1, 1992). Algunos de los precursores de la psicología de la gestalt son Von Ehrenfels a fines del siglo XIX; Max Wertheimer y su investigación sobre la percepción del movimiento conocida como el fenómeno phi; Wolfgang Köhler quien contribuye a la comprensión de la resolución creativa de problemas y la percepción a través de su estudio en chimpancés; y Kurt Koffka conocido por su obra: Principios de Psicología Gestáltica (1935).

El fenómeno phi es una ilusión óptica que genera nuestro cerebro al hacernos creer que una figura fija está en movimiento.

En el año de 1912, Max Wertheimer presenta la primera evidencia experimental que demuestra la tendencia de la percepción a la abstracción. Se denominó movimiento estroboscópico, fenómeno Phi o ilusión de movimiento. En este experimento se presenta a los sujetos dos barras de luz que aparecen de manera intermitente en periodos de tiempo diferentes. Cuando la intermitencia o el tiempo de presentación entre las dos barras de luz se realiza en un intervalo entre los 40 y los 200 milisegundos se experimenta la impresión de un movimiento continuo entre las dos barras, como en los anuncios luminosos que se ven en las calles. El Fenómeno Phi demuestra, según Wertheimer la tendencia de una persona a percibir la relación entre estímulos. El hecho de percibir una luz que se desplaza dentro del espacio de las dos barras, permite concluir que la actividad perceptual posee la capacidad de salirse de los límites de los datos objetivos añadiendo una cualidad como el movimiento. Según los teóricos de la forma ya no hay lugar para distinguir entre la sensación y la percepción, la forma y la materia. En principio percibimos formas organizadas, conjuntos estructurados. El todo es más que la suma de sus elementos. Es decir, al ver una película como Klaus, del director Sergio Pablos, lo primero que ve una persona es la animación de la historia ficticia de Santa Claus como un todo, no ve por partes el diseño de personaje, el estilo de los props, el renderizado de los efectos especiales. El primer impacto es la composición visual de todos los elementos visuales que componen la película.

Proceso de estructuración de la forma a lo que ve el ojo al final

La teoría de la forma percibe a través del conjunto y sostiene que un conjunto es percibido de modo inmediato, antes de la memoria, es ahí donde surge la estructuración de la forma. La siguiente argumentación de Von Ehrenfels de la melodía, explica el gestaltismo de la siguiente manera: Una melodía es un “todo” compuesto por elementos (las notas) y que puede sobrevivir al cambio de todos sus elementos. Una melodía es una “forma” audible. En efecto, si se traslada esta melodía a otro tono, o a la octava, se han cambiado todos los elementos que la formaban, sin embargo, sigue siendo reconocible. El cambio que se ha introducido ha conservado las relaciones entre los elementos, y la organización característica de la forma que no se ha destruido. Subsiste algo que es completamente independiente de la naturaleza física de los elementos constitutivos; a ese algo le daremos el nombre de forma. (Diseño Industrial

1, 1992).

El hecho de organizar los objetos a través de su forma equivale a tener de ellos una versión racional o en términos más exactos, geométrica. Ofrece una idea clara, precisa e inconfundible de lo que caracteriza al objeto. Darle forma a un objeto equivale a darle sentido, a hacerlo propio y permitirle mostrarse de manera inconfundible a la conciencia del ser humano. Esto permite que se desarrolle la creatividad al contrastarlos con otros, pensarlos en otros contextos, compararlos en diferentes momentos de la memoria, etc. Se puede decir que la figura de la forma se impone al entendimiento sin ni siquiera ser necesario materializarlo completamente. Abraham Moles subraya que los ángulos, los ejes de simetría -ternarios y cuaternarios- son más importantes que los lados de la figura y que la conciencia impregnada de la forma geométrica gobierna los mecanismos de la visión.

Solo con ver los vertices, se puede percibir la figura del triángulo

La tendencia de la actividad mental a la abstracción dentro de la mayor simplicidad posible recibe el nombre de pregnancia. El término abarca propiedades como la regularidad, simetría, armonía de conjunto, homogeneidad, equilibrio, máxima sencillez y concisión. También es denominado como buena gestalt o buena forma. La podemos identificar como la que percibimos más rápidamente. Está estructurada, es lo menos complicada posible y la más simétrica. La percepción organiza aquellos datos a los que se accede con facilidad para clasificarlos dentro de categorías simples. Es por esto que dentro de las figuras geométricas, el círculo es el más pregnante. Todos sus componentes se encuentran organizados de manera continua alrededor de la circularidad. Significa que todos sus elementos contribuyen permanentemente a la formación de un mismo concepto que es fácilmente comprobable: la regularidad de la información en torno a lo circular. Un círculo es una buena forma. El ser humano ve la forma que le exige el menor esfuerzo cognoscitivo (influenciado por sus experiencias y conocimientos previos), es por esto que la cultura también interfiere en la pregnancia de las formas. Según se hallen dispuestos los elementos de una figura proyectamos lo que queremos ver. Sin embargo estas formas no son fijas ni inmutables, pues nuestra construcción mental continúa en aprendizaje. La principal discusión del gestalismo se centra en la idea de la percepción como una organización innata. En todo comportamiento existe una parte innata que se basa en un proceso estructural fisiológico, pero esta parte solo alcanza sentido cuando reacciona con el medio que la rodea. Lo innato y lo adquirido están profundamente imbricados y dependen de factores tales como la experiencia anterior, la cultura y la motivación, factores que desempeñan un papel importante en este análisis.

Dentro de las figuras geométricas, el círculo es la más simple

Como un robot biológico, el ser humano es por instinto ordenado. La teoría de la forma sirve para leer, escribir y diseñar, proporcionando un marco conceptual y práctico a los diseñadores sobre la organización visual de los elementos. Por lo tanto, crear algo nuevo requiere de un proceso.

Principios de la Teoría de la Forma Las leyes de la Gestalt, fundamentales en la teoría de la forma, describen procesos cognitivos como la proximidad, la similitud, la continuidad y el cierre. Estas leyes explican cómo el cerebro organiza automáticamente la información visual, destacando la importancia de la agrupación y la interpretación. Además, el proceso de construcción mental implica asignar significado a las formas y estructuras percibidas, lo que contribuye a la comprensión e identificación de elementos. La ley del cierre guarda una íntima relación con el concepto de pregnancia. Toda información que contribuye a la conformación del concepto de contorno es privilegiada sobre aquella que no contribuye a darle bordes o límites definidos a los objetos. Daniel Katz (1967) interpreta que la información que contribuye a formar una percepción de superficie resulta importante. Este principio de cierre postula que se tiende a percibir objetos o figuras como completas, incluso cuando faltan partes de la información visual. Una línea punteada no es percibida como un conjunto de puntos dispersos sobre el espacio, sino como una unidad integrada, que comunica la orientación de los datos y la noción de la superficie que ofrece una línea continua.

El símbolo de la manzana mordida es una forma incompleta, pero la mente tiende a cerrar la brecha y percibir la manzana como entera. Aunque falta parte de la información visual, nuestro cerebro automáticamente cierra la figura y la interpreta como una manzana.

Otra forma de agrupamiento de la información es el principio de proximidad. Postula que el ser humano percibe elementos que están cerca uno del otro como parte de un grupo o conjunto. Max Wertheimer afirma que los elementos próximos tienden a ser vistos como una unidad antes que los elementos alejados. En un diseño a doble página la proximidad se encuentra en un texto donde las palabras que están cerca entre sí son percibidas como parte de la misma frase o párrafo. La ley de proximidad influye en cómo se organiza visualmente la información textual, mejorando la comprensión y la lectura fluida. El proceso perceptual también utiliza en la construcción de representaciones mentales la búsqueda de la homogeneidad. El ser humano agrupa elementos visuales similares. Esta similitud se basa en diversas características como forma, color, tamaño, textura o cualquier otro atributo visual que comparten los elementos. Aquella información que tiende a repetirse con mayor frecuencia es predominantemente atendida y captada, por encima de aquella que es difusa y muy poco frecuente. Los estímulos homogéneos son agrupados de tal forma que conforman un bloque ordenado que lo hace distinto de los demás estímulos. Si tenemos una fila de cubos de diferentes colores y tamaños, la ley de similitud nos lleva a agrupar visualmente los cubos que comparten características similares, como el color o el tamaño. Esto simplifica la percepción y nos permite identificar fácilmente los conjuntos de elementos similares.

En la publicidad las bolas de billar son agrupadas por color para crear la forma de un tarro de cerveza

En ciertos casos, la unidad formal y la forma es tan fuerte que influye en la percepción del color o en el valor de otros elementos, a estos casos se les llama imágenes ambiguas o imágenes frontera. Son la causa de las primeras discusiones en torno a la teoría gestalt, pues la disociación de figura fondo no siempre es evidente y algunos gestaltistas no pueden rechazar totalmente el papel de la memoria. El fondo y la forma pueden ejercer influencias recíprocas el uno sobre el otro. Un cambio de fondo puede modificar la identidad de la figura; inmersiva mente, las variaciones de la figura (subjetiva o real) pueden implicar que quede modificada la percepción del fondo. En ciertos casos, se crea un conflicto aparente entre la lectura del fondo y de la forma. Se crea así un juego fondo/forma. (Diseño

Industrial 1, 1992).

La ley de la figura y el fondo explica que se percibe como figura cuanto más regular sea, cuanto más simple o más pequeño en comparación del fondo. Además, la figura se encuentra más organizada para contrastar sobre el fondo y mayor es la pregnancia de la forma.

En el cartel se puede ver una serpiente enroscada al mismo tiempo que una calavera

FIGURA FONDO SEMEJANZA

SIMETRÍA

CIERRE

PROXIMIDAD

Estos procesos cognitivos trabajan en conjunto para que el cerebro organice, intérprete y dé significado a la información, conformando así la experiencia perceptual según los principios de la teoría de la forma. La teoría de la forma enseña que la forma existe independientemente de los elementos que la componen. Esto es gracias a su estructura, la cual a pesar a pesar de las modificaciones introducidas no se altera y la forma permanece. Para el diseñador, la principal aportación de la teoría de la forma es la noción de la globalidad en la percepción. Le permite considerar un objeto como un todo y así crear relaciones estructurales entre los elementos de ese objeto.

ANGUARDIAS

odas las vanguardias están relacionadas entre sí creando una fenomenología. La construcción de cada una de las vanguardias a través de la interacción entre el arte y la forma en que se percibe e interpreta el mundo es gracias a la teoría de la percepción.

¿Por qué una obra artística produce impresiones tridimensionales?

Cada vanguardia artística ha influido en cómo se entiende la realidad y como se presenta visualmente. Durante siglos los artistas han creado impresiones de la realidad con dos dimensiones. Utilizando para ello la perspectiva, los sombreados, la interposición y el tamaño habitual de las cosas. Proporcionando información que permite descubrir la variedad de perspectivas del mundo real. Que a el ojo se le pueda engañar al punto de que percibe una pintura o una fotografía como realidad, en vez de configuraciones gráficas de esas cosas, es probablemente gracias a que se ignoran las claves de profundidad de un dibujo o porque simplemente no se quieren ver. Sea o no consciente de que se está mirando un cuadro, la proyección en el ojo de la forma cambiará a medida que se produce un proceso de corrección. Cuando se perciben las pinturas que pretenden ser figurativas cercanas a la realidad, es que hay mucha similitud entre la imagen retenida en la mente del cuadro y la imagen de la escena representada. La similitud consta de factores como la forma, las relaciones de tamaño, la información sobre las distancias, la luz y el color.

La pintura trompe l´oeil en el techo de la Iglesia de San Ignacio, Roma, es un ejemplo del efecto de ilusión óptica y lo que lo hace aún más notable es el haber sido pintado en un techo semicilíndrico y no en una superficie plana.

Pintar o dibujar de memoria es difícil, ya que la percepción de la escena o del modelo que se guarda en el cerebro no es suficiente para todo el proceso cognitivo que requiere, a diferencia de cuando se tiene el modelo frente a frente. El historiador del arte Ernst Gombrich sugiere que se tiende a dibujar lo que se conoce, es decir, se dibuja en razón de lo que se percibe. Las vanguardias artísticas son experimentación dentro de un contexto social que surge para romper creencias. En el caso de la pintura, al separarse de la realidad empieza a mostrar el lado metafísico de la realidad, expresa la realidad espacio-temporal, los paradigmas y aplicaciones de ese momento de la época. No ha habido una sola sociedad en la historia, por muy escasa que haya sido su existencia material, que no haya producido arte. Pero, las formas que ha adaptado el arte ha variado radicalmente en función de las épocas y los lugares, influenciado por las diferentes circunstancias sociales y culturales.

Un ejemplo de la realidad inventada por el gusto de la época se encuentra en las películas de Piratas del Caribe de Walt Disney que muestra un contexto de la relación de España e Inglaterra con los piratas y el folclor.

Uno de los aspectos más notables del arte islámico antiguo es el uso destacado de patrones geométricos y repetitivos. La geometría se considera un lenguaje visual que transmite orden, simetría y unidad en la creación artística. Los azulejos, mosaicos y grabados muestran intrincados patrones geométricos que reflejan una profunda apreciación por la forma y la estructura.

En base a una tipología desde lo más figurativo a lo más abstracto, se considera la vanguardia del impresionismo el principio de la teoría de la forma. El término comienza a usarse como un insulto. Su intención: crear imágenes de la vida moderna tal y como es, capturando la impresión de un momento fugaz y los efímeros efectos de la luz. Las pinturas impresionistas son recibidas con repulsión cuando son expuestas por primera vez en París en la década de 1870, porque parecen inacabadas a ojos de los expertos del siglo XIX. Los impresionistas aplican pinturas de colores llamativos y brillantes y pinceladas quebradas. Salen de sus talleres, actividad que no se practica entre los artistas de la época, para observar el mundo que los rodea y pintan lo que ven. Tachados en su momento de radicales e impropios. Su idea es pintar veloz a través de técnicas como puntillismo y cerramientos.

Impresión, sol naciente(1872) Claude Monet, óleo sobre lienzo 48x63 cm. La pintura que dio nombre al movimiento impresionista La técnica de pinceladas sueltas y la representación de la luz en la obra desafían las convenciones visuales de la época, invitando a una percepción más subjetiva y evocativa.

El término postimpresionismo hace referencia a la obra de una serie de artistas que toman el relevo de los impresionistas. No comparten un objetivo o un estilo común, pero la mayoría o bien han pasado por una fase impresionista anterior o se han visto afectados por algún aspecto del estilo antes de emprender la exploración de nuevos territorios artísticos.

Los cuatro artistas que reaccionan, cada uno a su manera al impresionismo son: Paul Cézanne (1839-1906), Georges-Pierre Seurat (1859-1891), Vincent Van Gogh (1853-1890) y Paul Gauguin (1848-1903).

Tarde de domingo en la isla de La Grande Jatte (1884), influenciado por las teoría óptica y la teoría del color, Seurat empieza a trabajar en la pintura

La Visión Después del Sermón (1888) Obra de Gauguin que muestra su interés en lo simbólico y lo espiritual. Representa a mujeres bretonas rezando después de un sermón, con la presencia de un ángel y un paisaje simbólico en la parte posterior.

Noche estrellada (1889) Van Gogh la pinta y este mismo año produce más de 150 lienzos

El movimiento Art Nouveau surge inicialmente en Francia y toma su nombre de La Maison de l’Art Nouveau, una tienda parisina abierta en 1895 por el marchante de arte alemán Siegfried Bing quien comercia principalmente con obras de arte orientales y por un interés especial la cristalería. Se convierte en el único distribuidor europeo de los productos del diseñador Comfort Tiffany. El Art Nouveau es un estilo versátil y decorativo que afecta a todas y cada una de las ramas de las artes, desde la pintura y la arquitectura hasta las artes gráficas y el diseño. Su principal característica es el gusto por los patrones sinuosos y lineales. Evita el contenido simbólico o expresivo en sus obras y se centra en su aspecto decorativo. Al despojar sus temas de cualquier contenido emocional o narrativo, el art nouveau prepara el camino al desarrollo del arte abstracto. Hotel Tassel de Bruselas (18921893), primer edificio de inspiraciòn Art Nouveau diseñado por el arquitecto belga Victor Horta

Obras gráficas para la revista Die Jugend (1896), la principal difusora de la variantes alemana del estilo Art Nouveau, Eckmann empieza a producir sus obras gráficas

Con la primera guerra mundial (1914) el Art Nouveau pasa a ser un estilo lujoso y caro, lo que abre paso a su aspecto más simple y racionalizado

La fotografía es aceptada por primera vez como manifestación artística a principios del siglo XX. Causa el término pictorialismo para describir aquellas fotografías manipuladas a través del uso de enfoques poco precisos y tonos sepia para imitar el estilo de la pintura. Después de la primera guerra mundial, los artistas adoptan la actitud de celebrar la mecanización y la velocidad. La modernidad es evidente, se empiezan a crear imágenes más angulosas y primeros planos que destacan la precisión y líneas definidas. El surgimiento de las cámaras ligeras en plena década de 1930 permite a los fotógrafos mayor espontaneidad. El fauvismo es el primer movimiento artístico vanguardista del siglo XX y también uno de los más breves. Inventos como el coche a motor o la radio y el creciente acceso a la electricidad empiezan a transformar la vida cotidiana de la sociedad.

1900 la fotografía se hace accesible a todo el mundo gracias a la introducción de la primera cámara Kodak Brownie, una sencilla cámara de cartón.

La identidad del grupo de los fauves proviene de una análisis crítico. El crítico Louis Vauxcelles los describe con el nombre fauves (bestias salvajes) para criticar sus agresivas pinceladas, su falta de matices y su uso estridente y poco naturalista del color. Los experimentos con el color y el espacio pictórico que caracterizan las obras fauvistas son una evolución del arte postimpresionista.

1902 Stieglitz funda Camera Work, la primera revista fotográfica con un enfoque puramente visual

1907 El color se usa por primera vez en el proceso fotográfico cuando Auguste y Louis Lumiere lanzan el procedimiento del autocromo

El término expresionismo tal y como se entiende hoy, es usado por primera vez en 1912 por Herwath Walden (1879-1941), propietario de Der Sturm (La Tormenta). Una revista alemana especializada en arte. Los artistas expresionistas buscan crear un tipo de arte que enfrente al observado con una representación intensa, directa y personal del estado de ánimo del artista. La percepción se ve influenciada por la expresión subjetiva de la realidad, donde la experiencia emocional del espectador se vuelve fundamental para la interpretación. El arte expresionista es un tipo de arte figurativo que presenta ciertos elementos comunes: la distorsión lineal, la evaluación del concepto de belleza, la simplificación radical de los detalles y la intensa coloración. Logra intensificar la sensación de urgencia a través del uso de colores no naturalistas y de formas exageradas y alargadas. 1905 Matisse crea la exquisita pintura fauvista Ventana abierta, Collioure

1907 Picasso completa Las señoritas de Aviñón inicialmente el burdel de Aviñón. El tema de la pintura resulta escandaloso.

Los expresionistas quieren diferenciarse de la sociedad urbana aburguesada reavivando el arte folclórico alemán, al igual que buscando inspiración en el renacimiento alemán. Sus estudios les convence del poder excesivo del blanco y el negro, por lo que trabajan para dar vigor a la técnica medieval de creación de grabados a partir de bloques de madera.

1909 El 5 de febrero Marinetti publica el Manifiesto Futurista en el periódico boloñés Gazzetta dell`Emilia. Dos semanas después se publica en Le Figaro

El cubismo se desarrolla en París durante las dos primeras décadas del siglo XX, encabezado fundamentalmente por Picasso y Braque. La estrecha colaboración entre ambos lleva a Braque a comparar su relación con la de dos escalones atados, ayudándose mutuamente a ascender. Sus primeras pinturas cubistas entre 1907 y 1912 se tratan de experimentos que intentan entender no sólo cómo la cámara o el ojo capturan una imagen, sino también como creen que la mente la procesa. El resultado es una serie de pinturas que retratan el mundo como si no se hubiera visto nunca antes. A través de la pintura tonal, usando el gris, el negro, el azul, el verde y el ocre, producen imágenes austeras ofreciendo diferentes vistas complejas de un objeto, que queda reducido a planos superpuestos opacos o traslucidos. En estas imágenes frías y aplanadas, las formas naturales se reducen a formas geométricas, especialmente cilindros, esferas y conos.

1910-1911 La torre Eiffel de Robert Delaunay, óleo sobre lienzo

Al adoptar de forma simultánea la poca profundidad de campo medieval y las ilusiones de volumen del Renacimiento, los cubistas desarrollan un espacio poco profundo en el que pueden mezclar los patrones superficiales y las ambigüedades espaciales con los objetos estáticos observados desde puntos de vista cambiantes. En 1907 Pablo Picasso (1881-1973) presenta lo que hoy se considera la primera pintura cubista: Las señoritas de Avignon, basada en sus recuerdos de un burdel situado en la calle de Avinyó de Barcelona, el tema de la pintura es tan poco convencional, así como radical el estilo pictórico. Al principio los críticos la tachan como “una especie de broma”. Tienen que pasar más de treinta años para que el mundo del arte cambie su opinión sobre la pintura que marca la evolución del cubismo, que prefigura el collage y que influencia prácticamente todos los movimientos importantes del siglo XX. Aunque en un principio el cubismo es menospreciado por la mayoría de los críticos y el público no está preparado para este tipo de arte, el nuevo y revolucionario estilo es adoptado por multitud de artistas parisinos, empezando a crear imágenes de personas, lugares y objetos domésticos mediante una red de planos ilusorios.

1914 Autorretrato de Karl Schmidt-Rottluff, grabado en madera de 36 x 29.5 cm

1913 Giacomo Balla pinta Velocidad abstracta, un tríptico en el que un coche recorre una carretera solitaria.

Entre 1912 y 1914 empieza una segunda fase sintética del cubismo, más que ver con un proceso de estructuración y diseño que con una forma de ver el mundo. El color pasa a adoptar un papel importante, y las formas, aunque siguen siendo fragmentadas y llanas, pasan a ser más grandes y decorativas. A menudo se pegan otros materiales tales como trozos de periódico o de ropa. Se exploran diferentes texturas y se empieza a poner énfasis en el uso de una combinación de diferentes estilos en una misma obra. El cubismo se ve profundamente afectado por la guerra, desde la primera guerra mundial en la que luchan muchos artistas, hasta la guerra civil española y la segunda guerra mundial. Los horrores que los artistas presencian y oyen empiezan a permear en sus obras.

1914 Estalla la primera guerra mundial y Alemania invade Francia. Braque se alista en el ejército francés y es condecorado en dos ocasiones por su valentía

En el cubismo no se diferencia la forma del fondo, principalmente realiza cambios de proporción para crear mayor volumen. Es la disgregación de la forma, se puede leer una obra cubista a través de los conceptos de teoría de la forma y es el cubismo quien se vuelve el tronco inicial de las siguientes vanguardias como el futurismo. El movimiento futurista es iniciado por el poeta italiano Filippo Tommaso Marinetti (1876-1944). En febrero de 1909, el periódico italiano Gazzetta dell`Emilia publica el Manifiesto futurista de Marinetti, en el que declara: “Queremos cantar el amor al peligro, el hábito de la energía y de la temeridad”. Marinetti llama al rechazo de los valores tradicionales y a la glorificación de la nueva tecnología. El Manifiesto de los pintores futuristas además de tachar a los críticos de arte de proxenetas complacientes, el manifiesto exige que Italia deje de mirar a su pasado con nostalgia, celebre la vida moderna, adopte el cambio y desarrolle una cultura capaz de reflejar su creciente industrialización. El grupo también dicta el Manifiesto Técnico de la Pintura Futurista haciendo énfasis en la necesidad de que los artistas expresen la naturaleza dinámica del movimiento en su obra.

1914 Tras visitar a Picasso en París, Tatlin se deja influenciar por sus construcciones cubistas y crea esculturas abstractas de materiales industtriales como el monumento a la tercera internacional

1914 Gillete: naturaleza muerta sobre una mesa de Georges Braque, carboncillo, papel pegado y gouache, 48 x 62 cm

Los futuristas crean una ilusión de velocidad a través de pequeños toques de color que el observador combina ópticamente en lugar de mezclar físicamente los pigmentos. No obstante, no es hasta que los futuristas descubren el cubismo en 1911 cuando son capaces de establecer un método sistemático para representar el movimiento mecanizado. Adoptan los planos quebrados, los ángulos múltiples y la pasmada repetición de la misma imagen, propios del cubismo y los aplican a la representación del espacio y el tiempo cambiantes. Empiezan a usar colores más claros y vibrantes que los usados por los cubistas y adoptan las máquinas como temas de sus obras. También añaden líneas de fuerza para que las diagonales sirvan para situar al observador en el centro de la imagen, empujándolos hacia su interior. La propuesta del futurismo es el movimiento, trata de capturar el movimiento a través de la sobreposición de las imágenes creando caos. Sigue siendo un cubismo pero manejado con formas para dar la idea de que se está moviendo, dando una hiperrealidad.

1917 Las revoluciones de febrero y octubre desembocan en la creacion de la Únion Soviética, que adopta el suprematismo como voz artística

Al inicio del siglo XX movimientos como el realismo, fauvismo, expresionismo, cubismo y futurismo abren el camino de romper con las tradiciones artísticas establecidas para el constructivismo y exploran nuevas formas de expresión. El término constructivismo es acuñado gracias al Manifiesto realista publicado por Gabo y Pevsner donde establecen las bases del movimiento en 1920 experimentando con formas para construir espacio sin representar una masa. Uno de los resultados fue la obra Cabeza de mujer.

1918 El constructivismo empieza a reemplazar al suprematismo, sus defensores trabajan en las élites artísticas y abogan por una cultura artística utilitaria

Los bolcheviques llegaron al poder en 1917 con la intención de cambiar para siempre la sociedad; muchos jóvenes artistas, simpatizantes de la causa, vieron en este cambio una vía para escapar de la dominación de las fuerzas del mercado y darle al arte un papel social más concreto. (Arte, toda la historia. 2010). En el contexto del período revolucionario, los artistas crean obras al servicio de la revolución dando inicio al movimiento suprematista. Con antecedentes de arte abstracto como el impresionismo y futurismo, Malevich, uno de los artistas representativos, lo define como la supremacía del sentimiento o la percepción pura en el arte creativo. Pero, estos sentimientos espirituales que rodean al suprematismo es lo que desarrolló al constructivismo, como una necesidad para lograr los objetivos de la revolución. Al surgir en un periodo de agitación política y social como respuesta a la revolución, el constructivismo tiene un impacto significativo en disciplinas como la pintura, la escultura, la fotografía, el diseño gráfico y principalmente la arquitectura con cambios radicales. Se caracteriza por un enfoque en la abstracción geometría, la funcionalidad y la incorporación de materiales industriales en la creación “...se aplicaban líneas individuales, áreas de colores lisos y formas geométricas con el fin de que parecieran construcciones no pictóricas posicionadas sobre la superficie del lienzo”. El uso de los materiales se ve influenciado por la formación del estado obrero, pues provoca una identificación de los artistas con los trabajadores.

1918 Se publica el primer manifiesto dadaísta en el que se tacan la sentimentalidad y los fundamentos del expresionismo

1919 Se funda la escuela de oficios y diseños Bauhaus

Se argumentaba que el lienzo, las tachuelas metálicas, la madera y los pigmentos implicados en la elaboración de una pintura la convertían en un objeto construido… (Arte, toda la historia. 2010). El Lissitzky argumentaba que un objeto, así como una casa, requiere que uno camine a su alrededor. Vladimir Tatlin (1885-1953) es conocido por su diseño arquitectónico del “Monumento a la Tercera Internacional” el cual se concibe como una torre gigante en espiral que simboliza la revolución y la utopía comunista. Debido a su estructura colosal, más elevada que la Torre Eiffel de París no se construye pero se mantiene como un concepto que refleja la ambición y la creatividad de la vanguardia. Artistas como Tatlin o Rodchenko empezaron a buscar nuevas formas de incentivar la economía diseñando objetos prácticos, como uniformes de trabajo o estufas domésticas, o promocionando productos. (Arte, toda la historia. 2010). El constructivismo es uno de los pioneros en usar la técnica del fotomontaje, para producir propaganda comunista en forma de carteles, libros y periódicos. Desarrollando las técnicas cubistas del collage a la par del movimiento dadaísta. Uno de los principales exponentes de esta técnica en el constructivismo es Aleksandr Rodchenko (1891-1956) fotógrafo y diseñador gráfico.

1920 Gabo y Pevsner publican el Manifiesto realista y acuñan el término constructivismo. Se funda en Moscú el Vkhutemas, una escuela de arte y diseño.

...Rodchenko adaptó las técnicas del fotomontaje que había desarrollado bajo la influencia del dadaísmo para diseñar portadas de libros, carteles de películas e incluso anuncios de galletas. (Arte, toda la historia. 2010). Posteriormente influye en la escuela de oficios y diseños Bauhaus (construir la casa), fundada en Weimar por el arquitecto Walter Gropius en 1919 “...en su manifiesto declaró su intención de crear un nuevo gremio de artesanos sin las distinciones de clase que levantan una arrogante barrera entre el artesano y el artista”. Theo Van Doesburg “Influenciado por las ideas constructivistas contemporáneas criticó el énfasis que ponía la escuela en la artesanía en detrimento de la producción industrial.” Aquí se empieza a vincular el constructivismo, la bauhaus y el movimiento stijl. Destacando que el objetivo de la bauhaus es la educación y es en el movimiento posmoderno donde hay una recuperación de los valores de educación. Su enfoque en la función y la experimentación sigue siendo una fuente de inspiración para creativos en todo el mundo. Todas estas vanguardias utilizan elementos de teoría de la forma. Es a través de la geometría en una pintura, que se deforma el espacio y vemos su singularidad.

1934 Empiezan los trabajos de construcción de una estación de tren futurista en Trento, Italia, diseñada por Angiolo Mazzoni

ISEÑO

EDITORIAL

l objetivo de la maestría es realizar investigación, entrar en un estado de conciencia y entender cómo la metodología interviene a la teoría creando proyectos más complejos. El diseño es un proceso de experiencia, para conocer algo se necesita interactuar con él a través de una metodología. La teoría de la forma guía la organización visual de elementos para lograr coherencia, legibilidad y estética. Uno de los conceptos clave en diseño editorial es la configuración visual, que implica cómo los elementos se disponen para crear una composición armoniosa y funcional. La disposición de textos, imágenes y espacios en blanco se rige por principios de organización perceptual, donde la teoría de la forma influye en cómo el lector percibe y navega a través de la información.

En el diseño editorial una retícula con márgenes, columnas y filas se utiliza para estructurar la información

Al aplicar la ley de la figura-fondo, se logra que ciertos elementos destaquen mientras otros actúan como fondo de apoyo. Por ejemplo, en un diseño de página, la figura podría ser un titular o una imagen principal, mientras que el fondo consistiría en elementos secundarios o espacios en blanco que permiten una lectura clara y fluida. Establecer una jerarquía visual significa destacar la importancia relativa de diferentes elementos en la página. Por ejemplo, un titular grande y audaz podría indicar la información principal, mientras que los subtítulos y el cuerpo del texto seguirá en una jerarquía descendente. La teoría de la forma se ve en revistas, periódicos y libros. En una revista, la disposición de las imágenes, el texto y los espacios en blanco siguen principios de organización visual para garantizar una presentación atractiva y fácil de seguir. Las portadas de los periódicos a menudo aplican la ley de la figura y el fondo para destacar las noticias más importantes. En un libro, la jerarquía visual se utiliza para guiar al lector a través de capítulos y secciones.

Diseño de periódico con concepto de figura-fondo entre la ilustración y el texto informativo

La jerarquía visual en la doble página orienta al lector para saber en que orden leer la información

EMA DE TESIS

on la irrupción del Internet y las redes sociales, el proceso de producción y presentación de periódicos experimenta transformaciones significativas, influenciando directamente la manera en que la sociedad percibe y consume información. En este contexto, la teoría de la forma y los conceptos de percepción y diseño editorial ayudan a comprender la evolución que tiene el periódico en esta era digital. El cambio hacia la inmediatez en la entrega de noticias a menudo a través de dispositivos móviles, provoca adaptaciones en la presentación de los periódicos, tanto en su formato impreso como digital. La teoría de la forma se manifiesta en la reconfiguración de elementos visuales y la organización perceptual para proporcionar una experiencia de lectura efectiva y atractiva en entornos digitales.

En 1943, la primera edición de Diario de Xalapa aparenta una retícula de 5 columnas, utiliza una jerarquía visual en la tipografía para leer primero el nombre del periódico, la salutación, después la nota de abajo y al final las notas de los costados.

El estudio de María de Jesús Romero sobre los usos y funciones de un periódico destaca la complejidad de la fenomenología del periódico para definir su significado. René Cárdenas subraya la multiplicidad de propósitos del periódico, desde informar y orientar hasta confundir o desinformar, haciendo hincapié en su capacidad para vender. La diversidad de definiciones aportadas por autores como Lorenzo Vilches, Guillermo Michel y Héctor Borrat revela la riqueza de este medio como cronista diario que utiliza tanto elementos visuales como lingüísticos. En el caso específico del Diario de Xalapa, el periódico se erige como el vocero de la provincia destacando su relevancia en el centro de Veracruz según datos del Padrón Nacional de Medios Impresos (2023). No obstante, para mantener su presencia en la sociedad, ha tenido que adaptarse a los cambios tecnológicos. La incorporación de computadoras y programas especializados influye en el sistema de impresión, en la producción de contenidos y en los flujos de trabajo, acelerando los procesos y permitiendo un mayor alcance de lectores.

En la edición del año 2022, se ve claramente una retícula de 5 columnas que utiliza el principio de figura-fondo para presentar la información del mapa, además del principio de similitud por el color del mapa y el color del recuadro donde se encuentra el texto. La jerarquía visual en el tamaño y grosor de la tipografía facilita saber cual es la nota principal. A través del principio de similitud agrupa las notas secundarias que se encuentran en interiores utilizando el color rojo y por el principio de proximidad se pueden identificar los parrafos que corresponden a cada titular.

La adaptación a la era digital altera la presentación visual de los contenidos, además de redefinir la manera en que se concibe y utiliza el periódico. La interacción entre la teoría de la forma y el diseño editorial se manifiesta en la evolución del periódico en respuesta a estos avances tecnológicos. 39

CONCLUSIÓN La intersección entre la teoría de la forma y el diseño editorial revela un entendimiento profundo de cómo se organiza y percibe visualmente la información. Desde la disposición de elementos en una página hasta la aplicación de principios gestalt, la teoría de la forma se convierte en la piedra angular para construir composiciones visuales efectivas y atractivas en el ámbito editorial. El diseño editorial, como se ha explorado a lo largo de este documento, se beneficia al incorporar conceptos fundamentales de la teoría de la forma. La configuración visual, dictada por la disposición consciente de elementos como texto e imágenes, refleja cómo la teoría de la forma guía la organización perceptual para garantizar una experiencia de lectura armoniosa y significativa. La aplicación de la ley de la figura y el fondo se traduce en la jerarquía visual en el diseño editorial, donde ciertos elementos destacan mientras otros actúan como respaldo, facilitando la comprensión y la navegación del contenido. La relación entre la teoría de la forma y el diseño editorial también se evidencia en la atención a la estética y la coherencia visual. Desde movimientos artísticos históricos hasta vanguardias contemporáneas, la teoría de la forma influye en cómo se crea diseño editorial. La experimentación con estilos visuales, la aplicación de principios gestalt y la consideración de la percepción del lector son elementos clave en este proceso creativo. En conclusión, la teoría de la forma constituye un componente en la práctica del diseño editorial, proporcionando una base teórica sólida para la toma de decisiones visuales informadas. Enriquece la estética visual y mejora la eficacia comunicativa, permitiendo una conexión más profunda entre el contenido y el lector.

FUENTES DE CONSULTA

Farthing, S. (2010). Arte toda la historia. BLUME. Garret, H.E. (1958). Las grandes realizaciones en la psicología experimental. México: Fondo de Cultura económica. Goldstein, E. B. (1984). Sensación y percepción. Madrid: Debate. Katz, D. (1967). Psicología de la forma. Madrid: EspazaCalpe. Quarante, D. (1992). Diseño Industrial 1. Introducción a la teoría de la Forma. (págs. 213-240). Ediciones CEAC, S.A. Rock, I. (1985). La percepción. Editorial Labor. Romero, M. (1996). Usos y funciones de un periódico. Universidad de Sonora. División de Ciencias Sociales. http://www.bidi.uson.mx/TesisIndice.aspx?tesis=7564