Catalogo Exposición Mucbe 2016

VALENTÍN GONZÁLEZ FOTOGRAFÍAS

CÍRCULOS

DE

CONFUSIÓN

6 de octubre – 27 de noviembre 2016

Carrer de la Pau, 2. Benicarló Centre Cultural Convent de Sant Francesc MUCBE

A Kayla To Kayla

FERRAN OLUCHA MONTINS Como en la pintura, en la fotografía,- plenamente integrada en el universo artístico -, las gamas poéticas, las tendencias y los estilos han sido y son amplios y variados, con recorridos que van desde lo figurativo a lo conceptual, pasando por lo puramente estético, lo documental o aquello con un contenido social. Y qué duda cabe que con la aparición de la tecnología digital las posibilidades del arte fotográfico se han multiplicado, pues son infinitas e inmensas en numerosos campos y disciplinas.

También en el artístico y un ejemplo de ello es lo que nos propone y ofrece en esta muestra Valentín González, quien abandona el naturalismo fotográfico obtenido a través del visor de la cámara, para centrarse y detenerse en manipular y acentuar su artificiosidad.

Pero maticemos.

Todo parte del objeto elegido, del objeto fotografiado. Según cual sea, el producto final será diferente, pues para Valentín como para Otto Steinert, la elección del objeto tiene una importancia esencial en la resolución del problema de la elaboración de la imagen. El acto de escoger un tema, de determinar qué objeto elegimos y de qué forma lo miramos, es el comienzo del proceso de creación, pues la fotografía no es una mera herramienta para hacer arte.

Valentín elige el objeto, lo ve y capta sus imágenes mediante métodos puramente fotográficos. Luego la toma es mínimamente manipulada -eliminación y desviación de colores, contrastes, luminosidad, saturación, intensidad, formación de imágenes, etc.-, para dar como resultado unas imágenes ocultas, reales-irreales, que están ahí, solo visibles bajo apariencias distorsionadas y cargadas de una gran ambigüedad expresiva y visual, y que rompen muchos de los esquemas en que se suele encajar la imagen fotográfica.

Y es que desde su subjetividad, y con la técnica sometida al propósito poético que lo anima, Valentín opera, manipula y elimina todo aquello que subjetivamente considera superfluo para poder transmitir una serie de emociones en su percepción del mundo. Pues él descubre, contempla y ve, por más que nos cueste admitirlo, ya el producto final cuando capta la primera imagen. Lo dice Susan Sontag “El pintor construye, el fotógrafo descubre”.

Y el resultado de ello es todo un mundo oculto e insólito de imágenes disueltas en numerosas ocasiones de referentes concretos y en las que el objeto real pierde su sentido en función de otro nuevo, cuya representación no responde a nada particular, sino que se acepta como generalidad.

Alejadas de la realidad que conocemos, no sólo en la determinación técnica sino en la intencionalidad final, tendentes a la “abstracción” entre comillas, y llenas de efectos visuales, de superposiciones encadenadas, de solarizaciones y distorsiones.

Unas imágenes a veces oníricas, de una reveladora y metafísica belleza, magnéticas y fascinantes, únicas, irrepetibles, y atemporales que están ahí, en nuestro entorno, ocultas, que rompen cuantas reglas visuales se nos antojen, verdaderas y autenticas, pues sus fuentes se encuentran en el mundo exterior y de él salen, si bien somos incapaces de ver, mirar y contemplar, como si lo puede hacer Valentín.

Imágenes que gracias al artista ahora descubrimos, allí donde hasta el momento a nadie le había parecido que las hubiera, y que Valentín denomina “realismo simultaneo” y en las que en numerosas ocasiones y con cierta turbación flotan millares de rostros y que, no obstante, encierran una amplia gama de significados y relaciones, buscados directamente por el autor, en un juego cuya intención es provocar al espectador a participar de la obra, potenciando su intelecto, dejando libre la fantasía de cada uno para crear su propia historia.

Imágenes que aunque en un primer golpe de vista no lo parezcan y cueste reconocerlas, son auténtica y totalmente fotografía y fotografía en mayúsculas. Pero el que las mira, el espectador, tiene que saber “comprender”, pues no se trata de una visión directa y elemental en la que solo hay que reconocer, ahora la fotografía deja de ser aquello inmediato, evidente y equivalente. Precisa un esfuerzo mental que muchos, lamentablemente, no están dispuestos a hacer.

Moviéndose constantemente entre la inquietud y la incertidumbre, entre la búsqueda y el hallazgo, personalmente se confirma día a día la validez de la obra de Valentín González, tanto en la solidez del trasfondo de su mundo artístico, como en la seguridad que día a día van adquiriendo sus composiciones, cualesquiera que sean sus procedimientos y técnicas, las motivaciones de su temática o los materiales de que se sirva.

Como bien apunta Joan Fontcuberta en su magnifico libro El beso de Judas. Fotografia y verdad: “Toda fotografía es una ficción que se presenta como verdadera. Contra lo que nos han inculcado, contra lo que solemos pensar, la fotografía miente siempre, miente por instinto, miente porque su naturaleza no le permite hacer otra cosa. Pero lo importante no es esa mentira inevitable. Lo importante es como la usa el fotógrafo, a qué intenciones sirve. Lo importante, en suma, es el control ejercido por el fotógrafo para imponer una dirección a su mentira. El buen fotógrafo es el que miente bien de verdad” Y Valentín, hacedor de pasiones visuales y descubridor de hermosas imágenes donde hasta el momento a nadie le había parecido que las hubiera, con una sólida formación y de un muy amplio bagaje de talento y dotación técnica, es un gran artista que hace de esa mentira una verdad irrefutable.

Su exhibición en el Mucbe, Museo de la Ciudad de Benicarló, testimonia la validez de una propuesta que ya merece ser tenida muy presente por coleccionistas y museos.

F. Olucha Montins Director Museo Bellas Artes de Castellón Doctor en Historia del Arte Académico de la Real Academia de Bellas Artes de San Carlos de Valencia

FERRÁN OLUCHA MONTINS As in painting, photography -totally integrated into the artistic universe-, the poetic ranges, the tendencies and styles have been and are wide and varied, with paths that go from the figurative to the conceptual, passing through the purely aesthetic, the documentary or that of a social content.

And there is no doubt that with the apparition of digital technology the possibilities of photographic art have multiplied, being infinite and immense in multiple fields and disciplines, also in the artistic, and an example of this is what he proposes to us and offers in this exhibition Valentín González, who abandoned photo naturalism obtained through the lens of the camera, to focus and stop manipulating or accentuating their artificiality.

But let me explain.

Everything comes from the chosen object, from the photographed object. Whichever it is, the final product will be different, since for Valentín as for Otto Steinert, the choice of the object is the key to resolving the problem of the elaboration of the image. The act of choosing a topic, to determine which object we chose and how we see it, is the beginning of the creative process, because photography is not just a mere tool for making art.

Valentín chooses the object, he observes it and captures its image by using purely photographical methods. Then the shot is minimally manipulated - elimination and diversion of colours, contrasts, brightness, saturation, intensity, imaging, etc., resulting in the apparition of hidden images, realunreal, that are there, only visible under distortioned appearances, great ambiguity both expressive and visual, and that breaks many of the moulds into which the photographic image usually fits. And from its subjectivity, subject to the poetic purpose that inspires it, Valentín operates, manipulates and deletes everything that he subjectively consideres superfluous to be able to transmit a series of emotions in his perception of the world. Because he discovers, contemplates and observes, for more that we struggle to admit it, the final product when he captures the first image. As said by Susan Sontag “The painter constructs, the photographer discloses”.

And the result is a whole hidden world with incredible images dissolved into numerous occasions of concrete models and in which the real object loses its meaning in function of a new one, whose representation doesn’t answer to anything in particular, it is accepted as a generality. Away from the reality that we know, not only in the technical determination but in the final intentionality, tending to the “abstraction”, and full of visual effects of linked overlappings, solarizations and distortions.

Images, sometimes dreamlike, of a revealing and metaphysical beauty, magnetic and fascinating, unique, unrepeatable, and timeless, that are there, in our environment, hidden, breaking any visual rules that we may fancy, true and authentic, because their sources are found in the exterior and they come from within him, although we are unable to see, visualize and contemplate in the same way as Valentín does.

Images that thanks to the artist, we can now discover, where up until now nobody thought they were there, Valentín calls it “simultaneous reality” in which on numerous occasions and not without certain pertubation, you can see thousands of faces floating around, and that in itself has so many different meanings and connections that the author himself had put there, for a game whose intention is to provoke the viewer to take part of his work,enhancing their intellect, so that they can let go of their fantasy allowing them to create their own story.

Images that although at first glance do not appear as such, finding them difficult to recognize, they are authentically and nothing more than Photographs. But the person who looks at them, the spectator, has to know how to “understand”, because it has nothing to do with a direct and elementary vision in which the spectator only has to recognize what is in the picture, now, the photograph has stopped being something immediate, evident and equivalent. It requires a mental effort that many, unfortunately, are not willing to do.

Moving constantly between anxiety and uncertainty, between searching and finding, this personally confirms from day to day the validity of Valentín’s work, Both in the soundness of the background of his artistic world, as in the security that his compositions will gain day to day, whatever their procedures and techniques, the motivations or the materials he uses.

As well points Joan Fontcuberta out in his magnificent book The kiss of Judas. Photography and truth: “All photography is a fiction that is presented as true. Against what we have been inculcated, against what we usually think, photography always tells lies, it lies by instinct, it lies because its nature does not allow it to do otherwise. But the important thing is not this inevitable lie. What is important is how the photographer uses it, what intentions does it serve. In addition, what is important is the control exercised by the photographer so he can enforce a direction for his lie. A good photographer is one who lies well”.

And Valentín, a doer of visual passions and a discoverer of beautiful images, where up until now nobody thought existed, with a solid training and an ample baggage of talent and technical equipment, He is a great artist that makes from this lie an irrefutable truth.

His exhibtion in the headquarters of the Mucbe, testifies the validity of a proposal that deserves to be taken into account by both collectors and museums.

F. Olucha Montins Director of the Fine Arts Museum in Castellón Doctor of Art History Academic of The Royal Academy of Fine Art of San Carlos in Valencia

ANTONI PENA Para empezar diré que cuando Valentín me dijo que le gustaría que le escribiera unas páginas hablando de su obra para un catálogo, me pregunté sobre lo que podía aportar al conocimiento de su trabajo y, además, atender a su única petición: “por favor, no hables de mis fotos como si estuvieras en un quirófano con un bisturí ante un cadáver, recuerda que las fotos están vivas; por lo demás tienes barra libre. Di lo que quieras”. Creo haber encontrado un camino para poner mi granito de arena y cumplir con su deseo, así que comenzaré por hacer un poco de historia.

Quiso la casualidad que coincidiera con Valentín hace unos años por un tema de enmarcaciones.

Sabía de su relación con la fotografía, pero no sabía que era un fotógrafo creativo y dedicado al arte; no sabía que ya no se dedicaba a la fotografía comercial, aunque sí lo había hecho durante muchos años y tampoco sabía que lo había abandonado para dedicar tanto tiempo como pudiera a su obra personal.

De aquel corto encuentro que tuvo una conversación interesante, surgió una relación que dio lugar a otras visitas y nuevas charlas alrededor de un par de cafés. Realmente yo no sabía nada de él, pero su cultura y conocimientos sobre arte, obras y autores, su conocimiento sobre la historia y evolución del arte, sobre el color, la forma en que hablaba sobre la relación e influencias mutuas de la pintura y la fotografía, la seriedad y respeto con que trataba los hechos de otros autores y analizaba sus obras, no dejaron de sorprenderme continuamente. Tampoco él sabía que yo dirigía una galería y que exponía en distintas ferias de arte en Europa y, cuando lo supo, su actitud hacia mi persona no cambió lo más mínimo, nunca me ofreció ni me enseñó su obra.

Un día, cuando ya habían pasado un buen par de años desde nuestro primer encuentro, le visité en su taller para hacerle unas consultas sobre la reproducción de unas obras de arte litográficas que me estaban dando problemas. En las paredes de su taller tenía colgados unos preciosos y misteriosos paisajes del más puro rigor clásico y de una excelente categoría; con unos encuadres e iluminación muy cuidada y perfectos de color. Eran paisajes de la costa de Asturias, según me dijo, y no añadió nada más. Fui yo quien, al acercarme a ellos para ver con más detalle aquellas ampliaciones panorámicas de un metro de ancho, descubrí que en una esquina en letra pequeña, estaba escrito el nombre de la zona y después su propio nombre y apellidos tras una ©. ¿Por qué nunca me dijiste que hacías estas cosas?- le pregunté sorprendido.

-No las hago normalmente –respondió-, fue como un ejercicio visual relacionado con otras imágenes.

Es largo y difícil de explicar ahora, pero la experiencia fue muy interesante.

Descubrí que había sido un trabajo personal de varios años para un libro que, aunque terminado y maquetado, no se había impreso por falta de inversores. Tenía más de 270 imágenes capturadas en diapositivas de medio formato; incluso panorámicas hechas con cámaras rotativas. Le pregunté si las había expuesto, admito que esperaba una respuesta afirmativa, lo que no podía suponer es que tras mi pregunta se abriría otra puerta que me llevaría a algo que aún esperaba menos. Lo cierto es que aquellas fotos nunca se habían expuesto, nadie las había visto excepto los interesados en la impresión del libro y algunos amigos. Según me dijo, “no tenía interés en exponerlas”. Asombrado por esta respuesta, exactamente la contraria de lo que se podría esperar, le pregunté por el motivo y la única explicación que me dio fue: Porque no es arte.

Con mis esquemas rotos, le pregunté qué era arte para él, se me quedó mirando unos segundos y entonces dijo que me iba a enseñar “una cosa”. Se acomodó ante un ordenador y me invitó a sentarme a su lado. Fue abriendo carpetas hasta llegar a la que buscaba. En su interior había un grupo de carpetas ordenadas numéricamente y todas con un extraño nombre. Cada carpeta correspondía a una de sus colecciones. Y comenzó a abrirlas y mostrarme lo que había dentro; todas las fotos que contenían eran cuadradas, no muchas en cada carpeta, la mayoría tenían como una docena aproximadamente. Algunas carpetas tenían más, tal vez quince, y un par de ellas tenían unas veinte o veinticinco.

Yo esperaba ver “fotos”, como lo que todo el mundo supone que verá cuando se trata de fotos. Imaginé que sería algo muy pulido y perfecto, lo que quería descubrir era el tema y su tratamiento, pero nada de lo que me enseñó se parecía a lo que yo esperaba. Las imágenes que vi, por primera vez, era algo que jamás había visto hasta entonces. Nunca antes en mis viajes a ferias o exposiciones me había encontrado con algo semejante. Pensé que eran imágenes muy manipuladas digitalmente, pero descubrí que en aquel momento, excepto dos colecciones todas estaban hechas sobre negativos e impresas. El “manipulado” era mínimo o inexistente.

Inexplicablemente, en aquellas fotografías no se podía relacionar lo visible con el objeto que producía esa visión. Lo que aparecía era algo radicalmente nuevo dentro del mundo de la imagen, y además eran unas obras magníficas. Lo eran independientemente del origen de su procedencia.

Me explicó con detalle algunas de las fotos, me enseñó personajes ocultos en ellas y desgranó uno a uno ciertos detalles que nadie desvelaría. Parecía no tener secretos. Habló sobre la inspiración de cada colección, de donde provenía cada obra, cada tema, incluso hizo algo sorprendente para que yo, aficionado a la fotografía, comprendiera cómo lo hacía. Me mostró una imagen capturada digitalmente, me explicó el proceso de captura con la variación necesaria según la sorprendente técnica que utiliza y también... cómo lo convertía en la imagen final. Tardó diez segundos en hacerlo.

Lo difícil, me dijo, no es cómo lo hago, es cómo lo veo.

Así que las imágenes que me presentaba eran algo que él veía, por más imposible que en aquel primer momento pudiera parecerme. ¿Cómo se puede ver “eso” que aparecía en las imágenes? No era algo real, pero si era fotografía tenía que estar allí, en alguna parte. No tuvo inconveniente en explicarme cómo lo veía, cómo lo capturaba y de qué manera interpretaba la imagen. Todo un mundo increíble al que yo había tenido un acceso privilegiado.

Pero no eran sólo unas imágenes curiosas, o una técnica nueva aplicada de forma grosera, no, era un trabajo refinado y redondo, un trabajo expresado en forma de colecciones que seguían un tema específico cada una. Las imágenes no eran consecuencia de la casualidad, serían demasiadas casualidades. Además, como prueba para incrédulos, la numeración de los originales capturados, ya fueran en negativo o digitales, era prácticamente consecutiva. Los archivos de captura eran tan reducidos que en ocasiones se correspondían exactamente con las fotografías que tenía una colección, ni más ni menos; un disparo, una obra.

Yo no podía comprender que estas obras estuvieran guardadas sin ser mostradas. Nada tenían que ver con los paisajes, nada absolutamente excepto la excelencia, pero tampoco se habían hecho públicas. Eran algo totalmente nuevo y fantástico, algo que yo consideraba como de lo mejor y más sorprendente que había visto en fotografía en mi vida; tan inesperado y actual que tendríamos que remontarnos a más de cien años atrás para encontrar obras de arte que rompieran de la misma manera con las obras de su tiempo. Pero para no dejar de sorprenderme, por la fecha marcada en cada carpeta descubrí que se habían hecho durante los últimos veinte años. ¡Hacia veinte años que se había hecho parte de lo que me sorprendía ante mis ojos, y que yo creía como totalmente nuevo! Vi que varias colecciones estaban hechas entre 1991 y 1994, sólo de esos años había más de 160 fotos. Para mí eran tan nuevas e imposibles que podrían haber sido de ayer mismo, pero tenían ¡veinte años!. Las colecciones más actuales, de aquel mismo año (2011) o del anterior, mostraban un enriquecimiento de temas y tratamientos, pero seguían siendo tan radicalmente nuevas y sorprendentes, tan inesperadas, como las de años atrás. El momento pareció sacado del túnel del tiempo, había ido hacia adelante y vuelto hacia atrás. Sentado ante el ordenador viendo como me mostraba más y más imágenes, sentí que aquello era como una visión del futuro del arte fotográfico, de su evolución y, desde luego, de un futuro deseable y enriquecedor.

Entendí que los paisajes eran un modo de ver diferente, que lo que él consideraba Arte estaba lejos, muy lejos, de la imagen tan real y establecida que acompaña a la palabra fotografía. Comprendí que allí latía otro tipo de realidad y de expresión fotográfica, que allí había una nueva semilla que daría sus frutos para el futuro, como lo habían dado un siglo atrás los revolucionarios movimientos pictóricos en que se ha basado el arte que admiramos hoy en día. Lo entendí porque cuando, al no comprender que su obra estuviera guardada tantos años, le pregunté qué le hacía falta a su obra para

que la sacara a la calle, me respondió: “le falta tiempo”. Y se quedó tan tranquilo.

Pregunté por originales impresos y me enseñó unas carpetas numeradas y con el nombre de cada colección, con las fotos dentro perfectamente protegidas en bolsas individuales, impresas en papel algodón de mucho gramaje y de la mejor calidad. Me parecieron preciosas, irreales, con una gama increíble, como nunca había visto y he visto mucho, muchísimo; las copias eran muy superiores a lo que se veía en el ordenador.

Antes decía que yo era un aficionado a la fotografía, pero en realidad había más que eso. Soy un fotógrafo frustrado, incluso cursé estudios de fotografía en Barcelona con la esperanza de poder dedicarme en el futuro a este arte hasta hace poco desconsiderado para todo lo que se merece; pero, mira por dónde, le conocí y se me estropeó la idea. Mi concepción de la fotografía, lo que yo querría hacer era más de lo mismo ya explorado, no se me había ocurrido nada que fuera realmente una aportación a este Arte con mayúsculas; algo que comprendí cuando me enseñó su obra. Como le he dicho a él mismo, Valentín ha creado una nueva concepción de la fotografía; creo que su obra es tan revolucionaria para la cámara como lo ha sido el lenguaje abstracto de Kandinski para la pintura.

El mundo del arte está lleno de mitos. Uno de ellos es el mito de quien hace lo que sea para popularizar su obra, desde provocar al espectador hasta suicidarse o buscar exposiciones incesantemente para la misma colección. El ejemplo al que me enfrentaba era exactamente lo contrario.

Aquí había alguien que llevaba veinte años haciendo algo extraordinario sin intentar, repito “sin intentar”, mostrarlo, y tomando notas, investigando, apuntando, creando docenas de imágenes de una forma nunca antes vista en ese medio. Al mismo tiempo todo estaba ordenado, guardado, con información precisa sobre la captura y la técnica usada, con huellas para permitir seguir la obra.

Aquí había alguien que hablaba con naturalidad sobre su obra sin ocultar las experiencias, alguien que entendía que su obra estaba por encima de su propio tiempo personal y se dedicaba a producir para cuando fuera oportuno que apareciera.

Me enteré de que tenía a sus espaldas una buena lista de exposiciones anteriores a estas colecciones de las que nunca hablaba, incluidas exposiciones en universidades americanas con departamento de castellano o en Buenos Aires. Pero todo aquello un buen día lo paró de golpe y no hubo nada más.

Y de repente aparecen un montón de obras ocultas innovadoras y personales de las que el autor decide que “no es su tiempo” y las deja en un cajón. Algo grave tiene que estar pasando en el mundo del arte, del real, para que ocurra algo como esto, para que un autor decida estar veinte años o más sin mostrar su obra, esperando a que llegue un mejor momento. A partir de aquel día, en cada oportunidad que he tenido he acudido a ver sus nuevas obras, que siempre me enseñó con la misma buena disposición. Le he convencido para que volviera a exponer su obra, sí, me considero “culpable” de su vuelta, de eso y de que tenga una página web donde se pueda ver su obra, aunque no ha subido varias de sus últimas colecciones. El nivel de los recintos y el éxito de las exposiciones ha sido imparable, la sorpresa por su obra era esperada, y así ha ocurrido.

Su compromiso con la obra “no-objetual”, su “fotografía simultánea”, es tal que, invitado por un Museo en Rusia a exponer su obra paisajística, se negó con su ya conocido argumento de que eso no es arte. Naturalmente está hablando de su propia obra cuando hace esta afirmación, no habla de la obra de otro, por lo que ha de suponerse que tiene argumentos más que sólidos para hablar de esa manera de su propia producción de estilo clásico, usando este término para diferenciarlas de las que él sí que considera como Arte. Al final la exposición se hizo al tiempo que su obra personal también viajaba a Rusia y cosechaba un éxito extraordinario. Recientemente he sabido que el Museo de Arte y Etnografía de Chielabinsk, además de con obra actual se quedó con todas las obras paisajísticas expuestas para su colección permanente; esas que él dice que no son arte. Con ello, aparte de tratar de llevarle la contraria afirmando que es un trabajo también fantástico, merecedor de mucho más que el libro que él pretendía, queda bien claro que es un fotógrafo con la suficiente formación artesana y preparación técnica como para que la misma avale sus pasos y haga respetar aquello de lo que habla.

A mediados de 2011 me hizo llegar un manuscrito, pertenecía a un libro que fue publicado unos meses

después con el título “La Realidad Simultánea” y subtitulado “ensayo para la aproximación a otra fotografía”. Podría no sorprenderme si no fuera porque había sido escrito en su mayor parte veinte años atrás, justo cuando comenzó con su nueva técnica. Excepto en la portada el libro no contenía ni una sola imagen. Con su lectura he descubierto su faceta de teórico al tiempo que comprendía mejor su obra y la implicación mental que la provocó.

Sé que está escribiendo un nuevo libro; esta vez me dice que tal vez tenga imágenes explicativas, pero que sobre todo hablará de la fotografía no objetual y de lo que de ella se deriva.

Es fácil ver que su obra me parece digna del mejor futuro y estoy seguro de que tiene razón al decir que “llegará su tiempo”.

Cuando a finales de 2011 inauguré una exposición de su obra en mi galería todas las obras presentadas lo fueron por primera vez, pero también lo fueron todas las obras expuestas en las demás exposiciones que hizo ese año. Parece que este año va a seguir los mismos pasos, lo que da idea de la obra guardada y no expuesta que había acumulado.

Veo que en vez de presentar la obra he presentado al autor, pero creo que éste es uno de esos casos en que ambos son inseparables y que lo que aquí relato hará que se entienda mejor lo que pasará con su obra en el futuro.

Sus exposiciones parecen retrospectivas, porque mezcla obras de todas las épocas y, sinceramente, no decaen; todo resulta actual, novedoso y del mismo nivel. No muestra sus “grandes éxitos”, sino su obra, toda ella, con lo que el riesgo que podría correr ante la critica es superior, pero no parece tenerlo en cuenta. En realidad no creo que le importe, está convencido de su incomprensión y le he visto hacer más pedagogía del arte que de su obra en las exposiciones.

Pero para cumplir con mi palabra he de decir algo sobre su obra, ya que es lo que me pidió.

Para entender su obra es necesario olvidar completamente que estamos hablando de “fotografía”, porque aunque lo es no lo parece. No hay objetos reconocibles, ni personas o paisajes, no parece pertenecer al mundo de lo que es la fotografía tradicional, o lo que todos podríamos hacer con una cámara en la mano. Hemos de enfrentarnos al hecho de que estamos viendo el futuro del mundo fotográfico, de que somos afortunados testigos de la entrada de la fotografía en el mundo de lo interno y no objetual, de que se puede interpretar la realidad para que los objetos usados como modelo no sean lo que son, sino lo que nosotros vemos que son, e incluso lo que hay más allá de ellos. Lo aquí expresado no parece referirse a una imagen fotográfica, esa es su grandeza, ya que rompe todos los esquemas establecidos. Incluso como referencia crítica se convierte en su propia referencia o ha de acudirse a otras artes hermanas para hacerse razonablemente comprensible.

He de decir que no conozco ninguna otra obra o caso semejante. Ni incluso en obras basadas en el diseño gráfico por ordenador he visto nada de semejante ejecución o complejidad y riqueza.

En las últimas colecciones parece incluso aproximarse al abstracto, pero tras esa apariencia se esconden imágenes llenas de vida que es necesario buscar con detenimiento.

Las obras viven en un mundo que ha evolucionado desde un figurativo fantástico, incluso metafísico, hacia unas visiones personales de lo que Valentín llama realidad simultanea, expresadas en ocasiones con una técnica que le permite separar color y forma. Generalmente de colores vibrantes, incluso en las que se presentan como nocturnos, las obras son capaces de mostrar texturas inesperadas en las que se forman o aparecen los personajes que se convierten en el tema fundamental. Juegan estas obras con nuestro pensamiento, con aquellos símbolos que nos hacen reconocernos por dentro; cuentan historias que cada uno traduce a su manera según sea capaz de ver o interpretar las imágenes que “aparecen” ante los ojos de cada uno. No son importantes solamente aquellas formas que somos capaces de ver y reconocer, sino aquellas que no hemos visto, o mejor aún, aquellas que aún no hemos visto. Las obras obligan a buscar en ellas, a mirar y volver a mirar, de lejos y de cerca, incluso muy de cerca. Obligan a mirar qué es lo que hay donde no hemos visto nada, y no es casualidad, pues están pensadas para eso.

En ellas existe lo fundamental, lo evidente, lo inesperado, lo que no se ve si no se busca, lo que

nos deja abrirnos a nosotros mismos y a cada uno a su manera y de forma diferente.

Durante un mes he tenido en el escaparate principal de mi galería en Lérida, la obra “El sueño de Neptuno”, en tamaño de metro por metro; bien, pues los comentarios de los espectadores eran sorprendentes, especialmente cuando sabían que era una fotografía. La misma imagen que para el marido resultaba ser alegre podía ser triste para la esposa. De pronto uno descubría algo oculto y de ahí pasaban a buscar y encontrar nuevas imágenes que terminaban de explicar el tema y escenificaban la idea original ayudándola a desarrollarse.

En conjunto, la obra de Valentín es una obra atractiva, pero no fácil, no de primer golpe de vista; es como un libro que necesita leerse y tal vez releerse, pues tiene muchas lecturas, es muy densa. Estéticamente es nueva y sorprendente; técnicamente las imágenes son impresionantes e innovadoras, por no decir únicas en su genero, y además coloristas y hermosas. Impulsarán a muchos creadores en una nueva dirección de la que la obra de Valentín es el primer paso, una puerta abierta a través de cuyos ojos aparecerán otras muchas miradas.

Tal vez sea cierto que para ver esta obra en el lugar que le corresponde “le falta tiempo”, como dice su autor, mientras él permanece oculto en su taller preparando nuevas obras y despreocupado por lo que les pase hoy... al mismo tiempo que deja huellas para descubrirlas mañana.

No deja de sorprenderme con cada colección.

Y, no sé si lo he dicho: me gusta su obra, me gusta mucho. Apuesto por ella “ciegamente”. Tendría que estar realmente ciego por dentro y por fuera para no hacerlo, para no ver y entender lo que tengo delante.

Mientras tanto, él nunca ha perdido el horizonte, y en la calma verá como recoge los frutos de lo hecho. La marea sigue.

Antoni Pena Galería Le petit atelier Lleida- España

Antoni Pena To begin with, I would say that when Valentín mentioned that he would like me to write a few pages speaking of his work for a catalogue, I asked myself what I could add to the knowledge regarding his work, and, moreover, to stick to his only request: “Please, don’t talk of my photos as though you were in an operating room with a scalpel over a corpse, remember the photos are alive; feel free about everything else. Say whatever you wish.” I think I have found a way to add my grain of sand and fulfil his wish, so I will begin by going over a little history.

Chance would have it that I would bump into Valentín several years ago due to a matter of picture framing. I knew of his relationship with photography, but I didn’t know that he worked as an artistic photographer as a profession; I didn’t know that he no longer worked in commercial photography, even though he had done so for many years, and nor was I aware that he had given it up to dedicate as much time as he were able to his own work.

From that brief encounter, which involved an interesting conversation, arose a relationship which gave way to subsequent visits and new chats over a couple of coffees. I really knew nothing about him, but his learning and knowledge of art, works and authors, his knowledge of the history and evolution of art, on colour, the way he spoke about the relationship and mutual influences of painting and photography, the seriousness and respect with which he treated the achievements of other authors and analysed their works continually surprised me. Nor did he know that I ran an art gallery and that I held exhibitions in diverse art fairs around Europe, and, when he found out, his attitude to me didn’t change in the slightest, he never offered to nor did he show me his works.

One day, after a good few years had passed since our first encounter, I visited him at his workshop to consult him regarding the reproduction of some lithographic works of art which were causing me some problems. On the walls of his workshop there hung some beautiful and mysterious landscapes of the most classic rigour and of great category; with very meticulous framing and lighting and perfect in colour. They were, as he told me, Asturian coastal landscapes, and didn’t add anything else. It was I, who on approaching them to see those metre-wide panoramic enlargements in greater detail, discovered that in one corner, in lower case, was written the name of the area followed by his own name and surnames and ended with a “©”.

Why didn’t you ever tell me you did these things?, I asked him, surprised.

I don’t normally do them – he answered – it was as a visual exercise related to other images. It’s long and hard to explain now, but the experience was very interesting.

I found out that it had been a personal work over several years for a book which, although completed and laid out, hadn’t been printed due to lack of investors. It had more than 270 images taken on medium format slides; even panoramic ones taken with rotating cameras. I asked him if he had exhibited them, I admit I had expected an affirmative answer, what I couldn’t imagine is that my question would open another door which would take me somewhere I expected even less. The fact of the matter is that those photos had never been exhibited, no-one had seen them except those involved in the printing of the book and a few friends. As he told me - “I wasn’t interested in exhibiting them.”

Amazed at this answer, completely the opposite to what could be expected, I asked him the motive and the only explanation he gave it was: “Because it isn’t art.”

With my preconceptions shattered, I asked what art was to him, he looked at me for a few seconds and then said he was going to show me “something”. He settled before a computer and asked me to sit by his side. He went opening folders until he found what he was looking for. Inside it there were a group of numerically ordered folders and each with a strange name. Each folder corresponded to one of his collections. And he began to open them and show me what was inside them; all the photos within them were square, there weren’t many in each folder, the majority held around a dozen, more or less. Some folders had more, perhaps fifteen, and a couple had around twenty to twenty-five.

I expected to see “photos”, the same as anyone expects they will see when it concerns photographs.

I supposed it would be something very meticulous and perfect, what I wanted to find out was the subject and its treatment, yet none of what he showed me looked at all like I’d expected it to. The images I saw, for the first time, were something I had never seen to that day. Never in all my trips to fairs or exhibitions had I encountered anything like them. I thought they were digitally highly manipulated images, but at that moment I discovered that, except for two of the collections, all of them were done through negatives and printed. The “manipulation” was minimal or non-existent.

Inexplicably, in those photographs it was impossible to relate the visible with the object which produced this view. What appeared was something radically new in the world of the image, and moreover they were magnificent works of art. They were so independently of the origin of their source.

He explained some of the photos to me in detail, he showed me hidden characters within them and disclosed one by one certain details which no-one would reveal. He seemed to have no secrets. He spoke about the inspiration for each collection, where each piece came from, each subject, he even did something surprising so that I, a photography enthusiast, could understand how he did it. He showed me a digitally taken image, and explained the shooting process with the variation necessary depending on the surprising technique he employs and also... how he converted it into the final image. He took ten seconds to do it. The hard part, he said, isn’t how I do it, it’s how I see it.

So the images he showed me were something he saw, however impossible it may have seemed to me at that first instance. How can you see “that” which appears in the images? It wasn’t something real, but if it was photography it had to be there, in some place. He had no problem in explaining how he saw it, how he shot it and the way in which he interpreted the image. A whole incredible world to which I had had privileged access.

But they weren’t just interesting images, or a new technique applied in a crude way; no, it was a refined and rounded work, a work expressed by way of collections, each of which followed a specific theme. The images weren’t the outcome of chance, it would have been too many co-incidences.

What’s more, as proof for the doubtful, the numbering of the originals taken, be they as negatives or digital, was practically consecutive. The shot files were so reduced that at times they corresponded precisely to the photographs a collection contained, no more, no less; one shot, one piece.

I couldn’t understand how these works were stored away without being shown. They had nothing to do with the landscapes, nothing whatsoever bar the excellence, yet neither had they been made public. They were something totally new and marvellous, something I considered as the best and most surprising I had seen in photography in my whole life; so unexpected and up-to-the-minute that we would have to go back in time over a hundred years to find works of art which broke away from the pieces of their in the same way. But so as to not stop surprising me, by the date set on each folder I found that they had been taken over the last twenty years. It was twenty years ago that a part of what amazed me right in front of my very eyes had been done, and which I thought of as something completely new! I saw that several collections were made between 1991 and 1994, in these years alone there were over 160 photos. For me they were so new and impossible that they could have been done yesterday, yet they were twenty years old! The more recent collections, from that same year (2011) or the preceding one, showed an enriching of themes and treatments, but continued to be so radically novel and surprising, so unexpected, as those of years ago. The moment seemed taken from a time tunnel, it had gone forward and then gone back. Seated at the computer seeing how he showed me more and more images, I felt as though it were a vision of the future of photographic art, of its evolution, and without a doubt, of a desirable and enriching future. I understood how the landscapes were a different way of seeing, that what he considered to be Art was far, far removed from the very real and established image which accompanies the word photography. I understood that therein lay another type of reality and of photographic expression, that there was a new seed which would bear its fruits in the future, as a century ago the revolutionary pictorial movements upon which the art we admire nowadays has been based had done. I understood it because when, on not understanding how his work had been stored away for so many years,

I asked him what would be needed in his work for him to give it the light of day, he answered: “It needs time”. And with that he seemed satisfied.

I requested original prints and he showed me some numbered folders with the name of each collection, with the photos inside perfectly protected in individual sleeves, printed on cotton doubleweight paper of the highest quality. They looked beautiful to me, unreal, of incredible range, as I had never before seen and I have seen a lot; the copies were far superior to what could be seen on the computer.

I previously said I was a photography enthusiast, but in reality there is more to it than that. I’m a frustrated photographer, I even did photography courses in Barcelona in the hope of being able to dedicate myself to this - until recently undervalued for all it deserves - art form in the future; but, would you have it..., I met him and the idea fell apart. My concept of photography, what I wanted to do was more of the already explored same, I had thought of nothing which was truly a valuable addition to this Art with a capital “A”; something I understood when he showed me his work. As I have said to him, Valentín has created a new conception of photography; I believe that his work is as revolutionary for the camera as Kandinski’s abstract language has been for painting.

The art world is full of myths. One of them is the myth of the person who will do absolutely anything to popularise their work, from provoking the spectator, even committing suicide, or incessantly looking for exhibitions for the same collection. The example I had before me was precisely the opposite.

Here there was some-one who had spent twenty years doing something extraordinary without trying - I repeat, “without trying” - to show it, and taking notes, investigating, jotting down, creating dozens of images in a way never before seen in this medium. At the same time it was all tidily organised, stored, with precise information about the shot and the technique used, with each step in order to be able to follow the work.

Here was a person who spoke in a natural manner about his work without hiding his experiences, some-one who understood that his work went beyond his own lifetime and who dedicated himself to producing it for that time when it would be convenient for it to appear. I found out that he had under his belt a long list of exhibitions previous to these collections which he never talked about, including exhibitions at Pan-American universities which had a Spanish department or in Buenos Aires. But one fine day he put a sudden stop to all that, and from there on there were to be no more.

Then all of a sudden appear a pile of hidden innovative and personal works for which the author decides “their time hasn’t arrived yet” and leaves them in a drawer. Something terrible must be happening in the art world, the real one, for something like this to occur, in order for an author to decide to spend twenty years or more without showing his work, waiting for the right moment to arrive.

From that day onwards, I’ve been to see his new works at every opportunity I’ve had, which he has always showed me with the same good-natured manner. I have convinced him to exhibit his work again, yes – I consider myself “guilty” of his return, of this and that he has a web page where his work can be seen, although he hasn’t uploaded some of his latest collections. The quality of the exhibition halls and the success of the exhibitions has been unstoppable, the surprise at his work was to be expected, and that’s how it has happened.

His commitment to “non-objectual” work, his “simultaneous photography”, is such that, invited by a Russian Museum to exhibit his landscape work, he refused with his well-known argument that it isn’t art. Of course, he is speaking of his own work when he makes this statement, he isn’t speaking of the work of others, so it must be supposed that he has very solid arguments to speak in this way of his own classic style personal production, using this term to differentiate them from those which he does consider to be Art. In the end the exhibition was held at the same time as his personal work also travelled to Russia and reaped extraordinary success. I recently found out that the Chielabinsk Art and Ethnographic Museum, besides their own pieces, also held onto all the landscape works he’d exhibited for their permanent collection; those that he said weren’t art.

With that, besides trying to prove him wrong by affirming that it is also a marvellous work, worthy of far more than the book which he intended, it remains very clear that he is a photographer with enough craftsman’s training and technical experience in order for the same work to back up his steps, and is reason to respect what he says.

Mid-2011 he sent me a manuscript, it belonged to a book which was published a few months later with the title: “Simultaneous Reality” and subtitled “Essay on The Approach to Another Type of Photography”. It might not have surprised me if it weren’t for the fact that it had been written in great part twenty years ago, just when he began with his new technique. Apart from the cover, the book didn’t contain a single image. On reading it I have discovered its theoretical side at the same time as I better understood his work and the intellectual implications that it provoked.

I know he is writing another book; he told me that this time it may perhaps contain explanatory images, but that above all he would discuss non-objectual photography and what can be derived from it.

It is easy to see that his work seems to me to be worthy of the most excellent future and I am sure that I am right in saying that “Its time will come”.

When, at the end of 2011, I inaugurated an exhibition of his work in my gallery, all the pieces presented were so for the very first time, but also all the works exhibited in the other exhibitions he held this year were so. It seems that this year will follow the same steps, which gives an idea of the amount of work stored away and never before exhibited which he had accumulated. His exhibitions appear to be retrospectives because they combine works throughout all the periods, and, sincerely, they don’t deteriorate; everything is modern, novel and to the same degree of quality. He doesn’t exhibit his “greatest hits” but his work, all of it, which means the risk he could run before the critics is greater, yet he doesn’t seem to bear it in mind. In truth I think it doesn’t matter to him, he is convinced of its not being understood from the outset, and I have seen him doing more teaching about art than of his work during the exhibitions.

I see that instead of introducing his work I have presented the author, but I think that this is one of the few cases where both are inseparable, and what I relate here will lead to a better understanding of what will happen to his work in the future.

However, to keep my promise I must say a little regarding his work, seeing as that is what he asked me to do. To understand his work it is necessary to completely forget that we are discussing “photography”, because although it is - it doesn’t appear to be. There aren’t recognisable objects or landscapes, it doesn’t seem to belong to the sphere of what is traditional photography, or what we could all do with a camera in our hands. We must face the fact that we are looking at the future of the photographic world, that we are fortunate witnesses to the entrance of photography into the world of the internal and non-objectual, that reality can be interpreted so that the objects employed as models are not what they are, but what we see them to be, and even what lies beyond them. What is herein expressed doesn’t seem to refer to a photographic image, there lies its greatness, as it smashes all the established moulds. Even as a critical reference it becomes its own reference or must turn to other sister art forms in order to be reasonably understood. I must say that I know of no other work or similar case. Not even in works based on computerassisted graphic design have I seen anything of similar execution or complexity and richness. In the most recent collections it seems even to come close to the abstract, but behind this appearance are hidden images filled with life which must be looked for carefully.

The pieces live in a world which has evolved from a fantasy figurative, even metaphysical, towards personal visions of what Valentín calls simultaneous reality, expressed at times through a technique which allows him to separate colour and form. Mostly vibrant colours, even in those which are presented as nocturnal, the works are able to show unexpected textures where the characters which become the main theme are formed or appear. These pieces play with our thoughts, with those symbols which make us recognise ourselves from within; they tell stories which each of us translates in their own way according to our ability to see or interpret the images which “appear” before the eyes of each person. Not only are those which we haven’t seen, or better still, those which we still haven’t seen. The pieces oblige you to search within them, to look and look again,

from a distance and close up, even very close up.

They make us look at what is there where we have seen nothing, and it isn’t by chance, as they are designed to do this. In them exist the fundamental, the obvious, the unexpected, what can’t be seen if it isn’t sought, what allows us to open ourselves up to our very selves and each person in their own way and in different ways. Over the last month I have had “Neptune’s Dream” in the main window of my Art Gallery in Lerida, in it’s 1x1 metre size piece; well, the spectators comments were surprising, especially when they found out that it was a photograph. The same image which to the husband was cheerful could be sad for the wife. One soon discovered something hidden, and from there went on to look for and find new images which completed explaining the topic and portraying the original idea, helping it to develop.

As a whole, Valentín’s work is an attractive collection, but not easy, not at first sight; it’s like a book which needs to be read and perhaps re-read, as it has many interpretations, it is very dense. Aesthetically it is new and surprising; technically the images are impressive and innovative, not to say unique in their class, and moreover colourful and beautiful.

They will impulse many creators to move in a new direction where Valentin’s work is the first step, an open door through whose eyes will come many new visions.

Perhaps it is true that to see this work in its rightful place “it needs time”, as the author says; meanwhile, he remains behind closed doors in his workshop preparing new pieces and unconcerned about what may happen to them today... at the same time as he leaves footprints for them to be discovered tomorrow.

He never ceases to amaze me with each collection.

And I’m not sure if I’ve said it: I like his work, I like it a lot. I whole-heartedly support it “blindly”. I’d have to be truly blind on the inside and the outside not to do so, not to see and understand what I have before me.

Meanwhile, he has never lost his course, and in the calm he will see how he reaps the fruits of his achievements. The tide continues.

Antoni Pena Gallerist Le Petit Atelier Lerida, Spain

NATALIA SILINA - “EL ARTE MUEVE EL MUNDO”.

Los criterios “ hermoso - no hermoso”, “me gusta – no me gusta” no existen en Arte, existen en el arte decorativo con el que suele ser confundido a menudo, pero el arte decorativo no mueve el mundo, es sólo un reflejo, una parte del verdadero Arte.

El auténtico Arte es difícil de descubrir y entender. Para encontrar respuesta a las preguntas que frecuentemente nos hacemos en las galerías, es necesario analizar lo que buscaba el creador en su momento, época y lugar, qué otras obras había hecho y todo comienza a ponerse en su sitio. De pronto aprecias el valor del autor, aunque el cuadro no te guste o tu criterio sea diferente; por eso de nada vale el “cómo lo haría yo”. Cada obra maestra tiene su propio "por qué" y éste es independiente de su valor económico, de la burbuja del arte y de cualquier otro condicionante que no sea la obra en sí misma. El origen de una persona, su lugar de nacimiento, sus condiciones de vida, su educación y costumbres, su entorno y familia nos ayudan a comprender cómo y por qué vive de una manera determinada, lo que hace y su evolución hasta el punto al que ha llegado. Con las obras de un creador ocurre lo mismo.

Y aunque parezca que lo que nos hace crecer y superarnos, que el motor de los cambios en la vida cotidiana, lo que ha sustituido en muchos casos a las religiones, reforma los estados y hasta las fronteras es sólo el dinero, que son sólo las razones económicas, no lo es, no es cierto. Por contra, el análisis de nuestra existencia, la búsqueda del lenguaje más expresivo, la comprensión de los sentimientos humanos y la creación de los símbolos sublimados son los elementos gracias a los que entendemos nuestra evolución y nos llevan a un nivel superior. Y aquí se encuentra el camino del mejor Arte.

Antes de entrar en una galería siento temor de encontrarme solamente con arte comercial, siento que en esos casos el alma del autor está ausente. Cuando entro busco como mínimo sinceridad en la obra, algo que aprecio mucho de un autor. Lo que realmente quiero encontrar es un lenguaje más profundo, la creación que me descubra otro código, una nueva visión de la verdad, que me emocione y traiga la llave para la nueva etapa de nuestro desarrollo. Esa llave se llama Arte.

El arte es más que estampas hermosas aunque también pueda ser eso. En las obras de los grandes pintores a través de la historia se puede ver cómo cambiaba la idea del mundo dentro de la mente de las personas, también eso es arte. Creo que el análisis filosófico y el aprendizaje son equivalentes a la belleza en el camino al arte. Un niño imagina el mundo hermoso no porque no lo conozca, sino porque lo descubre; esto es para él, como para cualquier creador un impulso a crecer, conocer y seguir descubriendo; lo que es alimento fundamental para todo artista. El arte ha sido y es también el intento de crear una realidad alternativa donde es posible esconderse de los horrores de cada época, y puede llevar sobre sus espaldas el deseo de cambiar el mundo.

No pienso que la diferencia en el género o la técnica empleada artísticamente sean importantes para el arte. El filósofo utiliza los silogismos, el poeta se expresa a través de la palabra escrita, el pintor o el fotógrafo por las imágenes, pero todos ellos hablan sobre las mismas cosas.

Púshkin o Cervantes se expresaron usando la palabra porque desarrollaron su don a través de la profesión de escritor. Valentín González ha escogido la fotografía como medio de expresión de su mundo y ha basado su capacidad de expresión en un conocimiento de la fotografía muy profundo, con práctica de técnicas fotográficas incluso ya descartadas, pero que le han aportado un enorme conocimiento y el bagaje técnico necesario para poder tener una visión muy amplia de su arte. Ha pasado por muchos campos de la fotografía, conoce sus misterios, el control de la iluminación, las tecnologías avanzadas en control del color. Todo ello necesario e importante para contribuir al virtuosismo artesano y no estar limitado por la falta de recursos en un género tan exigente como la fotografía del más alto nivel.

El dominio del medio es necesario para una profunda expresión. Cuanto más denso sea el conocimiento más profunda, delicada, intensa y sutil será la expresión. En música es necesario conocer las notas musicales, practicar escalas, armonía, entender lo que es el leitmotiv antes de comenzar a componer

música; del mismo modo, en fotografía es necesario dominar los recursos expresivos del medio y es entonces cuando, si tenemos algo denso y profundo que decir al mundo, dejamos tras nosotros obras maestras.

Valentín González está paseando por la misma vía en que se había metido la pintura realista después de la aparición de la fotografía, la vía que llevaba del realismo hacía la abstracción y el suprematismo; pero con una importante diferencia: hasta ahora no se había movido la fotografía desde la vía de la captura de momentos a la vía de la creación pura e independiente del momento y del objeto.

Mientras en pintura aprendíamos dibujando "la Oreja de David” -una enseñanza clásica-, subíamos a los escalones siguientes del pensamiento abstracto, la reinterpretación no objetiva de la realidad, la sublimación de las imágenes, la búsqueda de los símbolos para expresar con más fuerza nuestro subconsciente, profundo y difícil de descifrar. ¿Quién sabe en qué "Oreja" nos apoyaremos 100 años después del desarrollo de esta nueva fotografía creativa?

Desde sus primeros pasos Valentín González trataba de mostrarnos algo más que pudiera aparecer a través del objetivo de la cámara. Incluso sus paisajes realistas de Asturias, un experimento realizado en medio de sus series no objetivas -creo que tras la número once-, contienen más que bonitos paisajes profesionalmente hechos, una luz estupenda o una composición no ordinaria; revelan seres vivos dentro de las siluetas de las rocas y cuentan su relato contemporáneo a través de imágenes de grutas, playas intactas y horizontes perdidos. Hay mucho de metafísica en la contemplación de esas imágenes que no ha querido numerar como una de sus series y que son la visión en el espejo de su mundo simultáneo. Una especie de “esto es lo que veo fuera antes de verlo dentro”. No, no son simples paisajes aunque estén fuera de numeración. No es posible revelar esa realidad sin una artesanía irreprochable, la idea precisa en la cabeza y una inmensa sensibilidad creativa.

La partida que hoy está jugando Valentín González en la fotografía no tiene nada que ver con la captura de objetos. Como forma estética de expresión encontró otro tipo de imágenes que están extraídas de la realidad. Algo semejante a la manera pictórica de los artistas que enmascaraban la realidad para expresar sus ideas, sentimientos o dudas; usando esa máscara para construir una ilusión más real que la propia realidad para la mente humana. La pintura o la escultura permiten transformar la realidad y sacar de ella lo más importante para el creador; es la revelación cerebral del autor. Esta transformación le permite construir en dos dimensiones una realidad menos evidente, más profunda, más cierta y más seleccionada y limpia de ruidos. Para Valentín la huida de la imagen objetiva es también una decisión intelectual y muy pensada.

Los pintores buscaban la vía que les llevara fuera del realismo hace 100 años. Casi 150 años atrás la cámara les ayudó a ver el mundo dividido en formas y colores mostrándoles la naturaleza física de la luz. El análisis de la imagen fotográfica y el desarrollo de esta ciencia dieron un empujón enorme a las mentes creativas de la época ya preparadas para los cambios que habrían de venir. Hablo sobre la aparición de los impresionistas, los cubistas y otros admirables «istas». ¿Cómo mostrar el mundo imaginario a través del mundo objetivo y real? Paso a paso, serie a serie, Valentín González descubría un camino nuevo, haciendo la primera colección figurativa usando sus modelos como símbolos. Sus primeros pasos eran formales para los esquemas en que se mueve actualmente. Son los retratos aparecidos en el metal, los paisajes surrealistas y románticos con figuras sin personalidad propia; figuras envueltas en telas translúcidas y coloristas que buscaban un mundo simbólico, lo que daba nuevo significado a los objetos. De este modo el autor expresaba libremente, sin la dictadura de los modelos, sus propias ideas morales, los momentos espirituales, la magia de los mundos masculino y femenino, los temas de la vida y la muerte, el espacio y el vacío. ¿Qué fotógrafo no querría superar el límite que imponen los objetos para así expresar más intensamente su propia estética y valor artístico? ¿Qué fotógrafo no desearía expresar a través de un desnudo la idea propia de belleza, sin escuchar los comentarios de la gente sobre los pezones del cuerpo femenino? ¿Cómo hacerlo si tienes en las manos el instrumento que reproduce simplemente la realidad? Y este “¿cómo hacerlo?” ¿es importante?

El pintor puede "mentir" y esto llega a ser entendido y aceptado como más auténtico que la realidad misma. ¿Puede hacerlo el fotógrafo? ¿Qué es la manipulación? La búsqueda de lo “no reconocible” en

fotografía hacía el trabajo de Valentín más analítico, resumido y al tiempo más artístico. En pintura tal vez encontremos los análogos de esta primera búsqueda, por ejemplo, en algunos paisajes del grupo Barbizón donde la naturaleza es una figura simbólica, en divisionistas como Giovanni Segantini, o en el trabajo de algunos impresionistas.

El segundo paso en su búsqueda formal era la tentativa de «entrecerrar los ojos» en fotografía; lo llamaremos desenfoque de la captura. Según el autor, él usa la lógica difusa, o algo inspirado por ella. En cualquier caso un proceso difícil de controlar, que exige una gran experiencia y una muy desarrollada capacidad de ver y de interpretar símbolos. También es, sin duda, el resultado de cientos o miles de horas de búsqueda y concentración en ese mundo de símbolos personales.

En el fundamento de su idea está la búsqueda de la imagen oculta dentro de la propia imagen realista pero sin manipulación, sin mezcla ni deformación de la captura primaria. Un tabú auto-impuesto por el autor. Capta la realidad juntando los planos en una mancha desenfocada para que aparezcan otras vistas de una realidad fantástica, una visión imaginaria. Por dar una explicación comprensible, es algo como lo que muchas veces vemos en las formas de las nubes o, mejor aún, en las sombras de los parques al atardecer, cuando la visión está disminuida pero la mente está sensible y reconstruye la realidad del momento según nuestra propia experiencia.

Lo primero es la idea creativa, el tema. Lo primero es ver el mundo simbólico en los objetos, en los juegos de la sombra con la luz y ver la posibilidad de enseñar los mundos simultáneos escondidos dentro de los objetos que nos rodean. Una forma de visión abstracta, un lenguaje de los sentimientos o para los sentimientos un poco más difícil de aprender en comparación con lo simplemente objetivo, pero que una vez aprendido te abre otra puerta al arte puro. Si tienes enriquecido tu entorno, más afilados los sentimientos y las emociones, tal vez captes más los mundos imaginarios que te rodean, tal vez descubrirás más símbolos en los cuadros de los pintores y leerás más entre las líneas de los poetas. Valentín González, igual que un escenógrafo, construye "las Visiones" por medio de la iluminación, el oscurecimiento, el reflejo y el desenfoque. Todas las recetas son validas para la construcción del mundo de los sueños del autor.

Con el paso de las obras las series empezaron a llevar unos nombres más “exactos”, nombres irreales pero expresivos de su contenido; también las imágenes que componen cada serie llevan nombres en ocasiones enigmáticos a la vez que inspiradores, y las obras empezaron a expresar ideas y sentimientos morales más agudos y precisos, abstrayéndose de la existencia y sacando a la superficie ideas y aspiraciones humanas. El salto estético entre las diferentes series es muy grande; sin conocimiento de su trabajo se podrían agrupar entre ellas ya que cada grupo se hace muy evidente, mostrando una sorprendente capacidad expresiva y artesana. Así, en este proceso, han ido apareciendo más series, como la titulada “Los Apocalipsos”. En el cuadro de esta serie “Los cuatro jinetes”, se manifiestan las cuatro figuras que simbolizan la muerte, la guerra, la peste y el hambre; una serie inspirada en el Apocalipsis de San Juan. Cómo lo hace ya no importa, es más importante el tema. La artesanía ya permite hacer lo que quiere el fotógrafo, lo que ve dentro. No se sabe de donde proceden las imágenes, no se puede identificar el modelo de partida, no hay nada de la imagen real reconocible que distraiga de la lectura de los sentimientos que emite la obra; todas las referencias de la obra están en la obra misma. Se ha traspasado la realidad.

El contraste, la pureza del color, la separación entre color y forma, la meticulosidad de los pequeños detalles –es este un rasgo distintivo de sus cuadros-, hacen de la suya una obra especial y simplemente, diferente. Todas las obras exigen una larga observación a cambio de ofrecer un dialogo intenso y sorprendente. Han sido construidas según el principio «de lo general a lo detallado y de los detalles a lo general», el ojo observa la imagen en general y profundiza en los detalles sin pretenderlo pero de forma inevitable. Cuanto más tiempo examinas el cuadro, más se abre la consciencia y el cerebro comienza a reconstruir las escenas más evidentes y a descubrir otras imágenes escondidas en los detalles. Es la magia de nuestra mente; el espectador enriquece la obra con las propias imágenes que dependen de su experiencia o el momento emocional en que se encuentra. Los trabajos de Valentín dan pista de despegue a nuestros pensamientos íntimos. El objetivo del arte es enseñarnos a ver y ampliar la percepción de la realidad.

Después de la elegante serie “Los Gotéricos”, la atonal y arquitectónica “Polvo de estrellas”, la de celestial colorido “Los Cromáticos”, y “Los Roquíticos” de un azul acuático paradisíaco, apareció su última serie aún por concluir en estas fechas: “Los Yoes”, cuyo tema lleva al autor a través del análisis de la formación del yo y que nos muestra además la liberación de su obra de «el tabú del objeto intacto». Una serie sobre el significado de nuestro destino, la verdad y la mentira, los sueños, la alegría, las dimensiones, los mitos, las emociones y hasta los falsos defectos. “Defectos” fue el primer nombre dado a esta serie antes de bautizarse definitivamente como “Los Yoes”. ¿Pueden ser defecto la “puntualidad” o la “responsabilidad” por separado? Ni en el teatro, ni en la literatura se expresaría con una frase o una escena. Valentín lo declama a gritos en ésta intensa colección. Busca visualmente las explicaciones a la pregunta que plantea cada obra, y lo hace a través de los “yoes” que forman una imagen de un ser superior y que representan una característica humana. Empiezas a disfrutar la obra como una mancha de color formada por el conjunto de las siluetas, pero inmediatamente encuentras múltiples grupos de seres que hacen su propia vida en el cuadro. Sus movimientos te arrastran poco a poco al dialogo filosófico contigo mismo sobre la existencia de los buenos y los malos, el amor, los cuentos, las ideas, el pensamiento u otras cosas en tu cabeza que ni el autor mismo podría imaginar.

Veo en esta serie cuadros aún más profundos y expresivos, porque el autor está manejando la luz y la sombra como el pintor, como el escultor, aplicándola a las formas aparecidas en su captura. La luz ya no entra con el objeto en sus obras, es libre.

La idea filosófica de la colección se basa en la armonía de nuestros actos, pensamientos y sentimientos.

Los Yoes representan seres de características únicas, como si para trabajar se unieran la puntualidad, la eficacia, la responsabilidad, etc., siendo cada una de estas características un personaje, un “yo”.

Todos ellos son necesarios para formar ese ser superior que llamaríamos “trabajo”. En ese caso la puntualidad sola no sirve de nada, Si somos puntuales pero no responsables o eficaces nuestra puntualidad no vale nada, por sí sola es un defecto, para no serlo necesita unirse con otro “yo” que le da su verdadero valor y la saca del mundo de los “defectos”. La moraleja es que lo mismo puede ocurrir con todas nuestras bondades si no viven en armonía entre ellas y con el mundo. El autor ha sabido unir numerosas escenas de "Yoes" de forma magistral, donde hacen su trabajo para que cada uno de nuestros personajes valga la pena. ¿Es posible mostrar esto en fotografía realista? ¿Cuál será el grado del valor artístico de la manera realista? ¡He aquí la polémica que queda para ustedes! ¿Realidad manipulada? Hasta la fotografía en blanco y negro es la manipulación de la realidad.

Hasta los psiquiatras dicen que la realidad es algo interpretado de modo personal. La realidad más hiperrealista puede verse falsa si es trivializada en la cabeza del autor. Todo lo hermoso puede parecer muerto si no hay vida en el alma del autor. La copia de la realidad es siempre un engaño, la verdad está puesta en la interpretación artística, en la idea del creador, está traspasada por él. Esa chispa complementa la diferencia entre "Artesanía" y "Arte" y en esta colección hay mucho de ambas cosas.

Estas obras te hacen pensar no sólo sobre las formas, colores, técnicas o composición; te hacen sentir emociones, la densidad de sus temas te atrapa y te hacen entrar dentro de ellas. Hacen cierta la afirmación de que “El arte empuja el mundo”.

Una exposición extraordinaria.

Natalia Silina.

Catedrática de Pedagogía del arte.

Licenciada en Bellas Artes.

Escenógrafa del Teatro Chejov.

(Texto traducido desde una crítica escrita originalmente en ruso)

NATALIA SILINA - ART MOVES THE WORLD. The criteriums "beautifult - not beautiful”, “I like it - I don't like it" do not exist in Art, they exist in decorative art which make it sometimes confusing, but decorative art does not move the world, it is just a reflection, a part of the real Art. The authentic Art is difficult to discover and understand. To be able to find an answer to the questions that we frequently ask ourselves in the galleries, it is necessary to analyze what the creator looked for in his moment, time and place, and what other works he did, then everything starts to fall into place.

All of a sudden you appreciate the author's value, even if you don't like the picture, or if you have a different criterium; that is why nothing is worth the "how would I do it". Each piece of work has it's own "why" and this is independant of what it is worth economically, from the art bubble and from any other determinant that is not the work in itself. The origin of the person, place of birth, life conditions, education and customs, his environment and family can help us understand how he lives a certain way, what he does and his evolution to where he is now. The same thing happens with the work of a creator.

And even though it seems that what makes us grow and improve, that the engine in the changes of everyday life, of what has substituted in many cases religions, reform states and even the frontiers is only money, that the reason are just economical, they are not, it is not true. And what is against, the analysis of our existance, the search for a more expressive language, the understanding of human feelings and the creation of the sublimated symbols are the elements, thanks to what we understand our evolution and they take us to a superior level. And this is where we find the path to the best Art. Before entering a gallery I fear coming across just commercial art, I feel that in those cases the author's soul is missing. When I enter I look for almost a minimum of sincerity in the work of art, something I appreciate in the author. What I really hope to find is a much deeper language, the creation that shows me another code, another vision of the truth, that is capable of moving me, giving me the key for the new stage in our development. This key is called Art. Art is more than beautiful views although it can also be this. In the works of the greatest artists throughout history, you could see how the idea of the world changed in people's minds, this is also art.

I think that the philosophical analysis and training are equivalent to the beauty on the path to art. A child imagines a beautiful world not because he knows it, but because he discovers it; this is for him, as for any creator an impulse towards growth, to know and carry on discovering; what is fundamental food for any artist. Art has been and still is the attempt to create an alternative reality where it is possible to hide from the horrors of each epoch, and on their shoulders they carried a desire to change the world.

I don't think that the difference of the genre or the technique used artistically were that important for art. The philosopher uses syllogisms, the poet expresses them through the written word, the painter or the photographer through images, but all of them talk about the same things.

Pushkin or Cervantes expressed themselves using words because it developed their gift through their profession as a writer. Valentín González chose photography as a means of expressing his world and has based his expresive capacity on his very deep knowledge of photography, with experience on photographic techniques including those that are no longer in use, to be able to have a very wide vision of his art. He has gone through many fields, he knows its misteries, control of the ilumination, the advanced technologies in colour control. All necessary and important for contributing to the artesan virtuosity and not being limited by the lack of resourses in a genre as demanding as photography of the most highest level.

The control of the media is necessary for an expression that is profound, delicate. The more denser the knowlege most profound, delicate, intense and subtle will be the expression. In music it is necessary to know musical notes, practices scales, harmony, understand what leitmotiv is before starting to compose music; in the same way, in photography it is necessary to dominate the expressive resources of the media, this is when, if we have something dense and profound to tell the world, we will leave behind us masterpieces.

Valentín González is walking through the same path that the realistic painting had gone through after the appearance of photography, the path that went from realism to abstraction and suprematism; but with an important difference: not until now had photography moved from the path of capturing moments to the path of pure creation, independently from the moment or the object. Meanwhile in painting we learned by drawing "David's Ear" - a classical teaching-, we climbed up the following steps to abstract thinking, the non objective re-interpretation of reality, the sublimation of the images, the search of symbols for expressing our subconcious with more force, so profound and difficult to decipher. Who knows in which "Ear" we'll lean on 100 years after the development of this new creative photography.

From his first steps Valentín González tried to show us more than what appeared through the camera lens. Including his realistic landscapes of Asturias, an experiment done in between his non objectual series -I believe it was after number eleven-, they are more than pretty landscapes done professionally, a great light or a composition that is not ordinary; they reveal living beings inside the silhouettes of the rocks and they tell their contemporary story through images of grottos, unmarred beaches and lost horizons. There is a lot of metaphysics in the contemplation of these images that he didn't want to enumerate as one of his series and that are the vision in the mirror of his simultaneous world. A kind of "this is what I see outside before what I see inside ". No, they are not simple landscapes even though they are not enumerated as a series, It is not possible to reveal this reality without an irreproachable craftsmanship, a clear idea in the head and an inmense creative sensibility.

This Game that Valentín González is playing nowadays in photography has nothing to do with the capture of objects. As an aesthetic form of expression he found other kind of images taken straight from reality. Something similar to the way pictorial artists masked reality to express their ideas, sentiments or doubts; using this mask to construct an illusion more real than reality in itself for the human mind.

Painting or sculpture allows to transform reality and from it take out what is most important for the creator; it is the rational revelation of the author. This transformation allows him to build a less obvious reality, in two dimensions, a reality that is deeper, truer, selected and undistorted. For Valentín, his escape from the objective image is also an intellectual decision that had been given much thought.

The painters looked for the path that could take them out of realism 100 years ago. Nearly 50 years before the camera helped them to see the worlds divided into forms and colours showing them the physical nature of light. The analysis of the photographic image and the development of this science gave an enormous boost to the creative minds of that time, prepared for the changes that were about to come. I'm talking about the apparition of the impressionists, the cubistics and other admirable “... istas”.

How can we show an imaginary world through and objective and real world? Step by step, series by series, Valentín González will discover a new path, doing the first figurative collection using models as symbols. His first steps were formal for the schemas he moves in today. They are the portraits that appear in metal, the surrealist and romantic landscapes with figures without a personality of their own; figures wrapped in translucent and colourful fabrics, figures searching for a symbolic world, one that gave a new meaning to the objects. In this way the author could express himself freely, without the dictatorship of the figures, of its own moral ideas, the spiritual moments, the magic of the masculine and feminine world, the subjects of life and death, space and emptiness. What photographer wouldn't want to superate the limit that the object imposes for expressing more intensly his own aesthetics and artistic value? What photographer wouldn't want to express through a nude his idea of beauty without having to listen to the comments of the people about the nipples of the feminine body? How to do it if you have in your hands the instrument that simply reproduces reality? And this "how to do it?" is it important?.

The painter can "lie" and that becomes understandable and accepted as more authentic than reality in itself. Can the photographer do it? What is manipulation? "The search for the unrecognisable" in photography made Valentin's work more analytical, abreviated and at the same time more artistic. In painting we might find the analogues of this first search, for example, in some of the lanscapes of the Barbizón group where nature is a symbolic figure, divisionists such as Giovanno Segantini, or in the work of some of the impressionists.

The second step towards the formal search was the tentative to "half closing the eyes," in photography; we'll call it capturing out-of-focus. As the author said, he used the “diffused logic”, or something inspired by it. A difficult process to control in any case, that demands a lot of experience and a very developed capacity to see and interpret symbols. It is also, without a doubt, the result of hundreds or thousands of hours searching and of concentration in this world of personal symbols.

In the base of his idea is the search for the hidden image inside the own realistic image but without manipulation, without blending or deformation of the primary capture. A tabu that the author imposed on himself. He captures the reality by joining the scenes into an unfocused stain to reveal other views of a fantastic reality, an imaginary vision. To give an understandable explanation, its something that many of us see in the shapes of the clouds or, even better, in the shadows in the parks at dusk, when our vision diminishes but the mind is sensitive and reconstructs reality of the moment and depending on our own experience.

First comes the creative idea, the subject. The first thing is to see the symbolic world in the objects, in the dancing of the shadows with the light and to see the possibility to show the simultaneous worlds hidden inside the world that surrounds us. A form of abstract vision, a language of sentiments or for sentiments a little more complicated to understand in comparison to the purely objective, but once you learn it another door opens to pure art. If your surroundings are enriched, the more acute are the sentiments and emotions, maybe this way you will be able to capture the imaginary world that surrounds you, maybe you will discover more symbols in the paintings of the painters and you will read more between the lines of the poets. Valentín González, just like a stage designer, constructs "the Visions" by way of the ilumination, the darkening, the reflection and the capture out of focus. All these recipes are valid for the construction of the world of dreams of the author.

With more works finished, the series started to have more "exact" names, names that are unreal but expressive in meaning; also the images that are composed in each series have names on ocasions enigmatic and at the same time inspiring, and the works started to express ideas and moral sentiments that are much more acute and precise by abstracting from the existence and bringing the ideas and human aspirations to the surface. The aesthetic leap between different series is enormous, without knowing anything about his work, they could be grouped between them as each group becomes more evident, showing a surprisingly expresive and artesan capacity. So, with this process even more series started appearing, like the titled "Los Apocalipsos". In the picture of this series "Los cuatro jinetes" the four figures appear symbolizing death, war, the plague and hunger; a series inspired in the Apocalipsis de San Juan. How he does it is not important, the subject is more important. The craftwork allows the photographer to do what he wants, what he sees inside. He doesn't know where the images come from, the starting model can't be identified, there is nothing in the image that is real and identifiable to distract us from the interpretation of the sentiments that the picture emits; all references of the picture are in the work itself. It has overstepped reality.

The contrast, the pureness of the colour, the separation between colour and form, the meticulousness of the smallest details -this is the feature that distinguishes his pictures-, His whole works demand a long observation and in return it will offer an intense and surprising dialogue. They have been constructed according to the principle “from the general to the detailed and from the detailed to the general”. the eye observes the image in general and delves deaper into the details without meaning to but inevitably. The more you examine the picture, the more it opens the consciousness and the brain starts to reconstruct scenes that are the most evident and discover other images hidden in the details.

This is the magic of our mind; the spectator enriches the work with the images that depend on their experience or the emotional moment they find themselves in. Valentíns' work gives way to our most intimate thoughts. The object of art is to teach us to observe and widen our pèrception of reality.

After the elegant series "Los Gotéricos", the atonal and arquitectonic "Polvo de Estrellas" the one with the celestial colour "Los Cromáticos", and "The Roquíticos" of a paradiasic aquatic blue, his last series appeared and that had not yet been finished, around this time; "The Yoes", who's topic takes the author through the analysis of the formation of the self and that show us also the liberation of his work of “the tabu of the intact object”. A series on the meaning of our destiny, the truth and the lies, the dreams, the happiness, the dimensions, the mythes, the emotions and even the false defects.

"Defectos" was the first name given to this series before christening it permanently as "Los Yoes".

Can "punctuality" or "responsability" be seperate defects? not in the theatre nor in literature you would express with a phrase or a scene. ValentĂ­n declaims this loudly in this intense collection. He searches visually for the explanation to the question that each picture sets out, and he does it through the "Yoes" that form an image of a superior being that represents a human characteristic. You begin to enjoy it as the stain of colour that is formed by the group of silhouettes, but inmediately after you find multiple groups of beings that live their own life in the picture. Its movements drag you little by little toward a philosophical dialogue with yourself about the existance of the good and the bad, love, stories, ideas, thoughts or other things in your head that not either the author could imagine. In this series I see pictures that are even more profound and expressive because the author is managing the light and the shadow as the painter, the sculptor, applying it to the forms that appear in the capture.

The light no longer enters the object in his works, it's free.

The philosophical idea of the collection is based on the harmony of our acts, thoughts and sentiments.

The Yoes represent series of unique characteristics, as if for working, puntuality, efficiency, responsibility, etc., were all united, being each one of these characteristics a character, a "yo". They are all necessary for forming this superior being we will call "work". In this case punctuality on its own is not fit for anything. If we are punctual but not responsible or efficient our punctuality is not worth anything, by itself it is a defect, for not being a defect it needs to go with another "yo" which gives it it's true value and it takes it out of the world of "defects". The moral is that the same can happen with all our good will if they don't live in harmony between them and with the world. The author has known how to put together various scenes of "Yoes" in a most masterful way, where they do their work so that each one of our characters be worth it.

Is it possible to show this in realistic photography? What would the grade of artistic value be if it were realism? I have here for you the controversy!!

Manipulated reality? Even black and white photography is the manipulation of reality. Even the psychiatrists say that the reality is something interpreted in a personal way. Even the reality most hiperrealistic can be seen as false if it is trivialized in the head of the author. All that is beautiful can seem dead if the author has no life in his soul. The copy of the reality is always a deceite, the truth is in the artistic interpretation, in the idea of the creator, it has gone through him. This spark complements difference from "artistry" and art and in this collection there is a lot of both.

These works make you think not only about forms, colours, techniques or composition; they make you feel emotions, the density of the subjects trap you and they make you go inside them. They make the affirmation that "Art moves the world" true.

An extraordinary exposition.

Natalia Silina Professor of Art pedagogy Licenced in Fine Art Stage designer of The Chekov Theatre

VALENTÍN GONZÁLEZ - “Sobre mi obra”.

La fotografía es mi mundo. Y aunque la fotografía parece perfecta para registrar lo que está ante nuestros ojos, cuando miro todo lo que me rodea la vida me abre puertas a otras imágenes contenidas en todo lo que veo, como en una realidad simultánea. Para mí lo evidente sólo es la máscara de la realidad.

Yo veo más hacia adentro que hacia afuera, y no intento reflejar lo que veo, sino lo que se produce dentro de mí y cómo me relaciono con ello. También hasta allí se puede llegar con la fotografía. He encontrado un camino para mostrar lo que ocurre en mi interior, un camino sin retorno que me lleva a un nuevo modelo creativo, en el que veo una clara ruta hacia el futuro de la fotografía y por el que llevo transitando desde hace más de veinticinco años.

Ya desde mis primeros años de aprendizaje fotográfico comprendí que la fotografía clásica me llamaba la atención como una demostración del virtuosismo artesano, pero mi mundo interno no podía expresarse con miradas externas y descriptivas imágenes de momentos. Los objetos, las personas, me hacían reflexionar sobre el objeto y no sobre mi propio sentimiento. Los objetos tienen una enorme personalidad y, al utilizarlos, nuestra propia personalidad debe expresarse a través de la suya y eso me resultaba una tremenda limitación que no podía soportar. En mis fotografías el objeto de partida no se reconoce y la obra puede hablar por sí misma.

Como en una repetición de la historia de la pintura en el cambio de los siglos XIX-XX, mis fotografías se apartan del realismo fotográfico para adentrarse en el simbolismo, en la visión metafísica de una realidad simultánea de la que me considero un testigo privilegiado.

Entiendo que mi obra es una necesaria ruptura con lo que me ha precedido. Por supuesto respeto, necesito y admiro toda la cultura que he heredado y de la que se ha alimentado mi alma, pero yo no veo ni siento de aquella manera y tampoco puedo expresarme como hacían en el pasado. Yo me considero una consecuencia de todos sus esfuerzos, e intento dignificarles transitando por un nuevo camino cuyo destino sí me pertenece. He nacido en un mundo mucho más abstracto y simbólico y así son las imágenes que llevo dentro. Así pienso y así siento.

Naturalmente he tenido que encontrar técnicas que me permitan convertir la más evidente realidad en símbolos y los símbolos en una nueva realidad de la que nacen mis escenas; las escenas que yo veo cuando consigo quitar la máscara a la realidad. Con mi obra he descubierto que aquello que no vemos está exactamente delante de nuestros ojos.

Y en este juego de la mente yo mismo me sorprendo ante las imágenes que produzco, porque se convierten en un espejo en el que veo reflejados mundos desconocidos que me pertenecen, que son yo mismo y que no sabía que existían.

Quienes además de mirar quieren empezar a ver, también encuentran esta doble imagen en el espejo que son mis fotos. Es una simple cuestión de tiempo mirando la obra.

Considero mi trabajo como fotografía, no es diseño gráfico ni creación digital. Tampoco es la consecuencia de interminables horas manejando programas de edición digital. Es interesante saber que más de la tercera parte de mi trabajo se ha hecho en negativo, hasta 2010 no comencé a usar imágenes digitales en mi obra creativa. Cada imagen proviene de un disparo real y sin ese disparo no hay imagen. Lo demás es obra de mi visión espiritual, de mi imaginación o de mis ojos. ¿Quién sabe?

Valentín González - “About my art”.

Photography is my world. Though photography may seem perfect for registering what we see in front of our eyes, when I look at everything that surrounds the life around me, it opens up doors to other images that are within everything I see, as in a simultaneous reality. For me, the apparent is only a mask of reality.

I see more inside that out, I don’t try to reflect what I see but what exists inside me and how I relate to it. It’s also possible to reach this with photography. I’ve found a way to express what happens inside me, a way of no return that takes me to a new creative model, a way in which I see a clear route towards the future of photography, the one that I have been travelling on for over twentyfive years.

From the time I was in my photography apprenticeship I understood that I was attracted to traditional photography as a demonstration of artesan virtuosity, but my internal world was unable to express itself with external visions and descriptive images of fleeting moments. The objects, the people, made me think of the object and not about my sentiments. The objects have an enormous personality and, by using them, our own personality should be able to be expressed through them, for me, this ended up being a tremendous limitation that I just couldn’t bear. In my photographs the starting object is unrecognisable when used so that the image speaks for itself.

Like a repetition of the history of painting at the turn of the centuries XIX to XX, my photographs deviate from photorealism to enter photo symbolism with the metaphysical vision of a simultaneous reality of which I consider myself a priviledged witness.

I understand my work as a necessary rupture with all that has preceded me. Of course I respect, I need and admire all the culture that I have inherited and that has fed my soul, but I just can’t see or feel that way, nor can I express myself the way they did in the past. I consider myself a consequence of all it’s efforts, and I try to dignify them by moving along a new road towards a destiny which does belong to me. The world I was born into is much more abstract and symbolic and that is how I carry the images within me. That is my way of thinking and feeling.

Naturally I have had to find techniques which allow me to change the most obvious reality into symbols and the symbols into a new reality from which my scenes originate; scenes that I see when I’m able to take off that mask of reality. With my work I have discovered that what we don’t see is exactly in front of our eyes.

So, with this mind game, I myself am surprised before the images I produce, because they transform into a mirror in which I see reflected unknown worlds which belong to me, that are me, and that I was unaware existed.

For those, who besides looking want to start seeing, will also find this double image in the mirror that are my photos. It’s just a question of time observing my work.

I consider my work as photography, it is not graphic design nor is it digital creation. Neither is it the consequence of endless hours managing digital edition programs. What is interesting to know is that more than a third part of my work has been done in negative, I didn’t start using digital in my creative work until 2010. Each picture comes from one solitary shot and without this shot there is no picture.

The rest is the work of my spiritual vision, of my imagination or my eyes. Who knows?

CÍRCULOS

DE

CONFUSIÓN

TRANSMISIÓN DEL PENSAMIENTO colección “AUCTORES” 40 x 40 cm 1993

INTROPENSANTE colección “AUCTORES” 40 x 40 cm 1993

EXTROPENSANTE BOCANEGRA colección “AUCTORES” 100 x 100 cm 1993

“AUCTOR VARÓN” Fotografía de la Colección “AUCTORES” 1993 Captura en diapositiva 6x6 revelada como negativo.

Positivado sobre papel Fine Art Museum.

Impresión Digigraphie certificada. Edición limitada y numerada, Total de imágenes impresas: 5 copias 1 x 1 m. y 10 copias 40 x 40 cm.

La colección de los Auctores es la más larga dentro de la producción de este autor. Está compuesta por 32 fotografías, cuando la media normal de sus colecciones está en el entorno de las quince fotografías. Pertenece al periodo de captura con negativo.

AUCTOR VARÓN colección “AUCTORES” 40 x 40 cm 1993

AUCTOR HEMBRA colección “AUCTORES” 40 x 40 cm 1993

EL BALCÓN DE AUCTÓPOLIS colección “AUCTORES” 40 x 40 cm 1993

“EROTÓMANO CADUCO” Fotografía de la Colección “IMITALMAS” 1993 Captura en diapositiva 6x6 revelada como negativo.

Positivado sobre papel Fine Art Museum.

Impresión Digigraphie certificada. Edición limitada y numerada, Total de imágenes impresas: 5 copias 1 x 1 m. y 10 copias 40 x 40 cm.

En el dossier conteniendo los contactos de las primeras 10 colecciones del autor figura la siguiente anotación sobre esta serie. “Imitalmas: Seres no existentes imitando nuestra realidad.”

En apuntes posteriores se indica que: “en realidad no tienen alma pero intentan imitar a quienes la tienen y a veces pueden pasar desapercibidos entre ellos. Serían como simios de apariencia perfectamente humana. Son la copia vaciada de los Auctores.”

Históricamente es la primera colección fotográfica “no objetual” conocida universalmente, en ella el objeto de partida es absolutamente irreconocible y ha desaparecido del todo cualquier rastro de su presencia. La importancia del modelo se ha eliminado completamente. El autor habla sobre esta circunstancia en su libro “Realidad Simultánea. Ensayo para la aproximación a otro tipo de fotografía” : “El objeto tiene una personalidad enorme y, para poder expresarte tú, debes hacerlo a través de su propia personalidad, lo que es una limitación enorme y que a mí me resultaba insoportable. Al eliminarlo consigo expresar exactamente lo que yo quiero sin que nada me condicione.”

EROTÓNOMO CADUCO colección “IMITALMAS” 40 x 40 cm 1993

FLOTACÓN LUMÍNICA colección “RASTROS PÁLIDOS” 40 x 40 cm 1994

CONCENTRACIÓN colección “RASTROS PÁLIDOS” 100 x 100 cm 1994

INVOLUCIÓN SÁURICA colección “AUCTORES” 40 x 40 cm 1993

CENTINELA DE LOS SUEÑOS LUMINOSOS colección “LUMINAUTAS” 40 x 40 cm 2010

PARTOCREÁTICO colección “CREÁTICOS” 40 x 40 cm 2011

EL HOMBRE QUE SE HIZO MAR colección “PETROLITOS” 40 x 40 cm 2011

“EL BOSQUE VESTIDO” Fotografía de la Colección “NIDONDIOS” 2010 Captura digital.

Positivado sobre papel Fine Art Museum.

Impresión Digigraphie certificada. Edición limitada y numerada, Total de imágenes impresas: 5 copias 1 x 1 m. y 10 copias 40 x 40 cm.

Esta fotografía representa el espíritu del bosque. Es fácil ver el retrato de un personaje vegetal con una corona de flores en la cabeza y un camafeo en ella, además sostiene un ramo de flores en sus brazos, uno de sus ojos es rojo, el otro verde amarillento… Pero muy frecuentemente pasa desapercibido un personaje fundamental para entender la obra: se trata del personaje de La Noche o de las sombras del bosque.

Desde la izquierda se ve cómo entra en la imagen el rostro de una belleza negra de labios rojos (la noche), que se acerca a besar al bosque vestido en su mejilla derecha. Tal como el autor indica: “Lo evidente es sólo la máscara de la realidad. Aquello que no vemos está exactamente delante de nuestros ojos.”

EL BOSQUE VESTIDO colección “NIDONDIOS” 100 x 100 cm 2010

LA MALDICIÓN DE LA GUERRA colección “APOCALIPSOS” 40 x 40 cm 2011

EL SER Y LA NADA colección “APOCALIPSOS” 40 x 40 cm 2011

LINES colección “LINESIS” 40 x 40 cm 2011

GOTA NEGRA colección “GOTÉRICOS” 100 x 100 cm 2013

LA ROCA EN ÉXTASIS colección “ROQUÍTICOS” 100 x 100 cm 2014

“EL REFUGIO DE LAS ALMAS DE PIEDRA” Fotografía de la Colección “ROQUÍTICOS” 2014 Captura digital.

Positivado sobre papel Fine Art Museum.

Impresión Digigraphie certificada. Edición limitada y numerada, Total de imágenes impresas: 5 copias 1 x 1 m. y 10 copias 40 x 40 cm.

Los ROQUÍTICOS es una de las colecciones que se derivan de un viejo guion de título “El libro de Ionay” escrito por el propio autor. En este caso la colección da vida a los seres que viven en el mundo interior de las rocas y cuyos habitantes desvelaron alguno de sus secretos a Ionay, el ficticio viajero por esos fantásticos mundos.

El texto que originó esta imagen corresponde a unas palabras que un Roquítico le dirige a Ionay y es el siguiente: …tampoco sabéis que tenemos un sitio al que acudís para no endureceros. Un lugar en el que podéis uniros a nosotros íntimamente y sin diferenciaros de las rocas que os rodean. Humanos y roquíticos somos de la misma materia de la que se construyó el universo, la vida y los pensamientos. Vosotros y nosotros somos mucho más parecidos de lo que pensáis y tenemos mucha más vida de la que creéis, pero sois incapaces de verla porque incluso los arboles más lentos de crecimiento son veloces como la luz comparados con el tiempo en que se mueven nuestras vidas. Y a este lugar de nuestro mundo venís con las almas endurecidas a reposar para que absorbamos vuestra frialdad y volváis a vuestro mundo con el alma cálida y humanizada. Sois más humanos gracias a nosotros y al Refugio de las Almas de Piedra.

EL REFUGIO DE LAS ALMAS DE PIEDRA colección “ROQUÍTICOS” 100 x 100 cm 2014

“¿CÓMO SON ELLOS?” Fotografía de la Colección “YOES” 2014-2015 Captura digital.

Positivado sobre papel Fine Art Museum.

Impresión Digigraphie certificada. Edición limitada y numerada, Total de imágenes impresas: 5 copias 1 x 1 m. y 10 copias 40 x 40 cm.

Desde el punto en que el guía mostraba al soñador el valle de los Yoes y las escenas que se formaban, el soñador solo veía cuerpos completamente irreconocibles y que parecían todos iguales. Sin embargo cada uno de los Yoes tenía un nombre que representaba una característica personal. Se llamaban Puntualidad, Orden, Respeto, Cariño…. y había miles. Todos ellos eran un “defecto”. Cuando se juntaban entre ellos daban cuerpo a un ser que integraba todas las características necesarias para conseguir un objetivo y dejaban de ser un defecto. Simplemente, según explica el autor en el guion de la colección y en el video hecho sobre la misma: “para realizar un buen trabajo deben unirse varios “Yoes”. Puntualidad, eficacia, responsabilidad, atención, orden… Si uno es eficaz pero no puntual, o si uno es atento pero irresponsable no se conseguirá un buen “trabajo”. De modo que por si sola cualquier virtud es un defecto, para poder expresarse de verdad ha de estar unida a todas aquellas que la complementan cuando son necesarias o el fracaso será absoluto”. Pero la curiosidad del soñador le llevó a querer saber cómo eran aquellos personajes individualmente vistos más de cerca, de modo que hizo la pregunta ¿Cómo son ellos? Y el guía se los presentó.

La colección de los YOES está compuesta por 17 obras que necesitaron dos años completos para cerrarla.

¿ CÓMO SON ELLOS ? colección “YOES” 100 x 100 cm 2014 - 2015

“¿CÓMO HABLA LA ROCA?” Fotografía de la Colección “YOES” 2014-2015 Captura digital.

Positivado sobre papel Fine Art Museum.

Impresión Digigraphie certificada. Edición limitada y numerada, Total de imágenes impresas: 5 copias 1 x 1 m. y 10 copias 40 x 40 cm.

Los Yoes son realmente una de las partes de un guion escrito por el propio autor en 1982, que representa un largo e interesante sueño y cuyo título era “La puerta de los sueños” El momento más importante dentro del guion del sueño, y que da lugar a la colección de los Yoes, se produce en el momento del encuentro entre los tres actores principales: la roca, el guía y el soñador.

Lo que sucede en ese encuentro es que, tras la advertencia de la roca de que lo que verá si decide seguir puede sorprenderle mucho, aparece el guía del mundo de los Yoes y le explica que todos los seres que verá son él mismo pero por dentro. Le hace entender que ante cualquier acción o pregunta, los Yoes forman en su mente escenas que representan su pensamiento y el conocimiento universal, tras lo que le pregunta: ¿Qué quieres saber? El soñador entonces comienza a preguntar ¿Cómo es ….?. Lo que da origen a todos los títulos de la colección, cuyas imágenes son, en realidad, las respuestas visuales.

¿ CÓMO HABLA LA ROCA ? colección “YOES” 100 x 100 cm 2014 - 2015

¿ CÓMO SON LAS DIMENSIONES ? colección “YOES” 100 x 100 cm 2014 - 2015

¿ CÓMO ES CREAR ? colección “YOES” 100 x 100 cm 2014 - 2015

LA CUEVA DE LOS SUEÑOS colección “SOMNIOS” 100 x 100 cm 2016

EL ECLIPSUEÑO colección “SOMNIOS” 100 x 100 cm 2016

EL SUEÑO DE YO colección “SOMNIOS” 40 x 40 cm 2016

“20 AÑOS Y UN DIA DURMIENDO” Fotografía de la Colección “SOMNIOS” 2016 Captura digital.

Positivado sobre papel Fine Art Museum.

Impresión Digigraphie certificada. Edición limitada y numerada, Total de imágenes impresas: 5 copias 1 x 1 m. y 10 copias 40 x 40 cm.

El Somnio: Estás hablando conmigo porque eres dos físicamente, y no uno como crees. Vives dos vidas que apenas se relacionan entre ellas directamente, que apenas se conocen, pero que no se pueden separar completamente. Una parte de ti mismo es enigmática y creativa, consume un tercio de tu tiempo vital y pareces no ser consciente de ella. Si te pregunto por esa parte de tu vida me dirás que no sabes lo que has hecho, ni dónde has estado, con quién has hablado, qué has dicho o visto. De una gran parte de tu propia vida eres totalmente inconsciente. Como si de una condena se tratase, a tus sesenta años de vida te has pasado 20 años y un día durmiendo.

20 AÑOS Y UN DÍA DURMIENDO colección “SOMNIOS” 100 x 100 cm 2016

PESADILLA colección “SOMNIOS” 100 x 100 cm 2016

“EL OJO QUE DESPERTÓ” Fotografía de la Colección “SOMNIOS” 2016 Captura digital.

Positivado sobre papel Fine Art Museum.

Impresión Digigraphie certificada. Edición limitada y numerada, Total de imágenes impresas: 5 copias 1 x 1 m. y 10 copias 40 x 40 cm.

“El Somnio: Hay muchos sueños y repercusiones, infinitas conexiones que ahora empezarás a comprender, porque igual que se despierta a lo de allí así también se despierta a lo de aquí. Y una vez que se abre el ojo que despertó ya no se cierra. La inocencia no se pierde, entonces se llama conocimiento.”

Esta imagen, una de las piedras angulares de la colección de los Somnios, estuvo a punto de no llevarse a término. Aunque en un principio estaba en la selección final de los disparos a procesar, acabó siendo desestimada. Fue providencial una casual conversación del autor con el músico Carles Santos -genial compositor y pianista que preparaba unas obras teniendo como partitura unas fotografías suyas-, quien le habló de una experiencia que tuvo al mirar el ojo de un atún que terminaba de pescar y que fue lo que decidió a Valentín a sacar a la vida la foto que había descartado y llevar adelante su proceso. La foto ha quedado marcada como su particular homenaje a la música de Carles Santos.

EL OJO QUE DESPERTÓ colección “SOMNIOS” 100 x 100 cm 2016

“EL SOMNIO” Fotografía de la Colección “SOMNIOS” 2016 Captura digital.

Positivado sobre papel Fine Art Museum.

Impresión Digigraphie certificada. Edición limitada y numerada, Total de imágenes impresas: 5 copias 1 x 1 m. y 10 copias 40 x 40 cm.

En el momento de escribir estas líneas el autor no había dado por cerrado el número de obras que formarían esta colección, por lo tanto tampoco hemos tenido acceso al texto completo que le acompaña ya que no ha sido presentado. Sin embargo sí que tenemos como referencia la idea que ha dado lugar a dicho guion y algunas anotaciones al margen de las pruebas de impresión indicando el origen de los títulos de las obras.

Atendamos a la siguiente frase del autor en una reciente entrevista radiofónica: “He pasado 20 años y un día sin saber qué he hecho”…. ¿Es una condena? Así lo parece, sin embargo cualquier persona que haya cumplido 60 años podría expresarse de esa manera. Es el tiempo que ha pasado durmiendo, ¡20 años! Una media de ocho horas diarias, la tercera parte de una vida en un mundo del que apenas podemos contar nada. Entonces ¿a dónde vamos y qué hacemos dentro de ese mundo? Ésta es la base sobre la que el autor desarrolla la colección de los Somnios: la vida en el mundo de los sueños.

El Somnio, el habitante natural del mundo de los sueños, el conocedor de ese mundo, también su controlador, se coloca en esta imagen entre el mundo dormido y el mundo despierto sirviéndoles como nexo de unión y, al mismo tiempo, como elemento de crecimiento.

EL SOMNIO colección “SOMNIOS” 100 x 100 cm 2016

Exposiciones desde 2011.

2011 febrero. Palau de Vivel. Vall d´uixó. Castellón. España.

2011 marzo. Auditorio Wenceslao Ayguals de Izco. Vinaròs. Castellón. España.

2011 agosto. Feria de arte Forte Di Marni. Italia. España.

2011 septiembre. Museo etnográfico y de arte moderno. Chielavinsk. Rusia.

2011 octubre. Sala de exposiciones del castillo. Peñíscola. Castellón. España.

2011 octubre. Galería Le Petit Atelier. Lérida. España.

2011 diciembre. Museo de las Artes. Kurgán. Rusia.

2012 marzo. kunst Art. Bolzano. Italia.

2012 junio. Carrousel del Louvre, Art shopping. Paris. Francia.

2012 julio. Central gallery Constantin Brancusi. Kishinev. Moldavia.

2012 septiembre. Museo de Bellas Artes. Castellón. España.

2012 octubre. Carrousel del Louvre, Art shopping. Paris, Francia.

2012 noviembre. AFF Hamburgo. Alemania.

2012 diciembre. Art-Expo Miami. EEUU. 2013 febrero. AFF Bruselas. Bélgica.

3013 marzo. AFF Milan. Italia.

2013 mayo. FA Pordenone. Italia.

2013 octubre. Art Shopping Paris. Francia.

2013 noviembre. Arte Padova. Italia.

2014 marzo. Arte Cremona. Italia.

2014 abril. Almoneda. Madrid. España 2014 junio. Galería Le Petit Atelier. Lérida. España.

2014 septiembre. Art3F Bordeaux. Francia.

2014 diciembre. Feria de arte de Piacenza. Italia.

2015 febrero. Feria de Arte de Génova. Italia.

2015 abril. Feria de Arte de Lyon. Francia.

2015 septiembre. Art3F Paris. Francia.

2016 febrero. Feria de Arte de Génova. Italia.

2016 mayo. Afundación Abanca. Vigo. España.

2016 octubre. Mucbe. Benicarló. España.

Sobre las colecciones.

Todas las ideas se desarrollan siempre por colecciones con una característica común que las une en cuanto a tema o tratamiento. Una vez decidido el tema de la colección se buscan los materiales, escenarios y momentos de luz que proporcionan las características optimas para su expresión.

Normalmente las colecciones tienen un guión expresando las ideas y hasta los nombres que tendrán las obras terminadas, aunque estos no son patrones inamovibles y pueden cambiar en el lógico proceso creativo y de búsqueda sobre el propio material.

También ocurre en ocasiones que un determinado escenario proporciona la idea para una nueva colección, lo que ha sucedido varias veces, o que se encuentra el material adecuado muchos años después de haber planteado un tema para una colección que se había quedado sin desarrollar.

No hay un número fijo de obras para poner punto final a una colección, sino que va creciendo hasta el momento en que se considera que el tema ha sido completado. El número de obras que componen una colección varía entre 6 la que menos ha tenido y 32 la que más. El número normal puede estar entre doce y quince obras por colección, aunque esta cifra media es una simple circunstancia no buscada.

Las obras de cada colección se presentan en dos tamaños únicos de 100 x 100 ó 40 x 40 cms. y esto es igual aunque el archivo sea analógico, desde formato 6x6, o en digital. En este caso el archivo se trabaja a un tamaño de 3 x 3 metros de lado, reduciéndose luego a una de las dos medidas en que se imprimen las colecciones.

El número de copias por obra está limitado a cinco en 1 x 1 metros y a 10 en 40 x 40 cms. Las copias están impresas en tinta sobre papel museum arte de 340 grs y de la máxima calidad. Todas las obras están certificadas y numeradas. El autor se reserva siempre una copia por obra en cada tamaño para su propia colección, por lo que sólo acceden al publico cuatro copias 1x1 o nueve copias 40x40 de cada obra según sea el tamaño.

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About the collections.

All of the ideas are always developed by collections with a common characteristic that unites them in terms of subject matter or treatment. Once decided on the theme of the collection the next step is to look for materials, scenes and moments of light that provide features optimal for its expression.

Normally the collections have a script expressing ideas and even the names that the completed works will have, although these are not immutable patterns and they can be changed in the logical creative process and search of the material itself.

Also, what happens sometimes is that a given scenario provides the idea for a new collection, which has happened several times, or that the suitable material is found many years after having found a topic for a collection that had not yet been developed.

There is no fixed number of works that put an end to a collection, but it keeps on growing until the time comes when the topic is considered completed. The number of works that make up a collection varies between six which is the least and the most is thirty three. The normal number may be between twelve and fifteen works to a collection, though this average figure is a simple uncalculated circumstance.

The works of each collection are presented in two unique sizes of 100 X 100 or 40 X 40 cm. and this is the same even though the file is analog, is a 6 X 6 format, or digital. In this case the file is worked in size 3 x 3 meters wide, then reduced to one of the two measurements on which the collections are printed.

The number of copies per work is limited to five in 1 X 1 meters and 10 in 40 X 40 cms. Copies are printed in ink on museum art paper of 340 grams of the highest quality. All the works are numbered and certified. The author reserves always a copy of each work he does in each size for his own collection, so the public only has access to four copies by 1 X 1 meters or nine copies of 40 X 40 of each piece of work depending on its size.

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Valentín González CÍRCULOS DE CONFUSIÓN Carrer de la Pau, 2. Benicarló Centre Cultural Convent de Sant Francesc MUCBE 6 de octubre – 27 de noviembre de 2016

Catálogo Textos Ferrán Olucha Montíns Antoni Pena Natalia Silina Texto de cartelas Antonio Pena Fotografías Valentín González Diseño y maquetación Silka Dizain Traducción al Inglés Sandra Crundwell Videos documentales Oscar Oliva VISUAL Pilar Diago correu.mucbe@ajuntamentdebenicarlo.org www.ajuntamentdebenicarlo.org