Manual de Proceso OkGO 2018-01 by valeriavasquezperaffan

OKGO

OBSESSION

ESTUDIO 5/OKGO 1

ABSTRACT

INTRODUCCIÓN

ANÁLISIS DE REFERENTES

EN PORTADA: Valeria Vásquez(2018). Obsession. [Illustración digital]

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CONTE NIDO

SOBRE LA BANDA Y EL VIDEO

PROCESO: PRIMERA PARTE

MONTAJE

08 24 50

CONCEPTO

PROCESO: SEGUNDA PARTE

CONCLUSIONES

REFERENCIAS

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O G

K O

MANUAL DE PROCESOS PARA ESTUDIO 5 ABSTRACT Este documento registra el proceso realizado en el primer periodo de la clase Estudio 5-Dirección, dictada en el semestre 2018-01 por Karen Aune y Luz Mariela Gómez. En este ejercicio, se nos fue asignado un vídeo musical llamado Obsession de la banda OKGO, a partir del cual, idealizamos un concepto que evocara su esencia y razón de ser. Esta nueva narrativa escrita fue posteriormente materializada en un montaje de magnas proporciones. El resultado tangible de este proyecto, registrado gráficamente en este manual, ha sido el producto de una labor extensa que recorrió los campos del análisis conceptual y visual, la bocetación de ideas, realización de maquetas y finalmente la coordinación, selección, compra y montaje de diversos materiales. En este proyecto participamos: Maria Alejandra Ayála AnaMaria Rodríguez Maria Paula Monroy Manuela Vanégas Valeria Vásquez

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INTRODUCCIÓN

OKGO. (2016). Upside down and Inside Out. [Fotografía]. Recuperado de: https://www.popularmechanics.com/culture/web/a27908/ok-gohow-to-make-music-video/

Definir una obsesión puede ser una labor tremendamente extenuante, y en el peor de los casos, inimaginable. Cierto es que, debido a su condición de relatividad, hay tantas clases de obsesiones como cabezas. No por este desalentador dato, pretendíamos realizar una indagación superflua sobre nuestro vídeo asignado. Por el contrario, decidimos embarcarnos en una travesía que usaba como derrotero los siguientes cuestionamientos: ¿Qué misterios oculta la definición de obsesión del vídeo?

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¿Qué entendemos nosotras como obsesión? ¿Acaso sus pautas visuales dan cuenta de esta obsesión? De hecho, Obsessión es el nombre de la canción, pero también es la esencia visual del vídeo. Encontramos que la simetría, el cuidado por el detalle y el uso del color refuerzan el concepto del vídeo, pero, lo que nos terminó asombrando, es como de la simplicidad puede nacer algo milimétricamente complejo. Lo que el lector encontrará en las páginas siguientes es la recopilación de nuestra magna y colorida odisea. Verán entonces que el punto de llegada manifiesta no solo un concepto asociado a la investigación, sino también, nuestras enseñanzas adquiridas.

1 OKGO. (2015). Performance Poster. [Collage-Fotografía]. Recuperado de: https://www.trinitonian. com/here-we-go-again-a-qa-with-alternativeband-ok-go/ 2 SAGMEISTER,S. (2002). OKGO album cover [ILUSTRACIÓN]. Recuperado de: https://sagmeisterwalsh.com/work/all/ok-go/

3 LIANG, ROSANA. (2010). OKGO live at UCSB. [Fotografía]. Recuperado de: https://thebottomline. as.ucsb.edu/2010/11/ok-go-lives-up-to-ucsbexpectations 4 OKGO(2014). The writing`s on the wall [Captura de pantalla]. Recuperado de: https://www.youtube.com/watch?v=m86ae_e_ptU 5 POWELL, GUS. (2014). OKGO in action. [Fotografía]. Recuperado de: https://dailybruin. com/2014/07/26/concert-review-ok-go/

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La banda decidió desde un principio valerse del Do it yourself1, doctrina proclamada como un manifiesto del movimiento Indie. En efecto, el Indie es una abreviación de la palabra inglesa independant y proclama un rechazo a las culturas de masas y a lo comercial. También, la banda acogió la teatralidad como un elemento recurrente en sus espectáculos, por lo que para agradar y mantener atento a la audiencia, se valieron de la comedia. Prontamente decidieron dejar constante lo que ellos llaman “lo ridículo” en sus actos y vídeos, no como algo meramente banal sino como algo agradable para el espectador.

SOBRE LA BANDA Y EL VIDEO

OK GO (Damian Kulash, Tim Nordwind, Dan Konopka, Andy Ross) es una banda de Indie Rock formada en 1998 en Chicago, Estados Unidos. Desde entonces han dado rienda suelta a una variedad de intrincadas ideas artísticas, en cuyo liderazgo se encuentra Kulash, vocalista y mente creativa principal. “Siempre estamos tratando de asombrar a nuestros fans, tratamos de hacer las cosas más cool posibles”. (Kulash. 2014. Entrevista Capital Public Radio)

De hecho, Kulash (2014) afirma que la banda es en esencia una banda de vídeos bastante apegada al asombro visual. También, vale mencionar que gran cantidad de estos han sido patrocinios. De hecho, Doble-A-Paper2, les pidió el favor que idearan un proyecto innovador para la compañía en donde interviniera su gusto musical y artístico. OkGO trabajaría incansablemente junto con un equipo Japones para realizar un proyecto que combinara elementos visuales del mapping y del stop motion, y que también, tuviera como leitmotiv el papel de Doble A. Su objetivo principal desde aquel momento fue asombrar visualmente al espectador mediante una catarsis colorida y digital. Al final dieron con la idea de hacer el primer paper mapping, en donde las impresoras proyectaban una imagen sobre un papel y no sobre una superficie plana.

Do it yourself: O también llamada ética DIY, es un movimiento contracultural que proclama la autosuficiencia como principal pauta filosófica. El DIY está ligado a la subcultura del punk debido a que este rechaza la cultura del consumo. De acuerdo a esta estética, es posible crear contenidos artísticos por su propia cuenta sin la necesidad de patrocinios de grandes empresas. En el movimiento indie se manifiesta como un gran afán de individualidad. 1

La banda ha sido influenciada por artistas como Elvis Costello, Cheap Trick, Green Day, Weezer, Pixies y The Kinks.

Conceptualmente, las impresoras serían modificadas tecnológicamente para que fueran el instrumento musical principal del vídeo. En efecto, el paper mapping se vale de un elaborada y sincronizada impresión de papel para crear movimiento visual. “Cada papel es como un píxel formando una gran pantalla”,afirma Kulash, “Esa era la idea. Tomamos la imagen y la rompimos para que se sintiera tridimensional”(Kulash. 2017. Q&A Youtube).

1 OKGO(2017). Obsession. [Fotografía]. Recuperado de: https://www.pinterest.co.uk/ pin/452893306270434623/?lp=true 2 OKGO(2017). Obsession. [Fotografía]. Recuperado de: http://cpworks.es/blog/tag/musica/

3 D.Manabe. (2011). Daito profile picture[Fotografía]. Recuperado de: http://www.daito.ws/en/ biography/ OKGO(2017). Obsession. [Fotografía]. Recupe4 rado de: https: https://www.metalocus.es/en/ news/obsession-ok-go

5 KARAN SIGHN (2016). Off book illustration [Illustración]. Recuperado de: https://the-dots.com/ projects/offf-persona-141948

La tecnología por supuesto, juega un papel crucial en el vídeo, más que nada por el uso de intrincados sistemas que programan el movimiento de las impresoras. Kulash(2017) también afirmó que esta última producción había sido muy diferente a sus otros videos puesto que en él intervino el sentimiento de perfección japones. “Los japoneses son muy orientados al detalle, por eso la realización del vídeo fue

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una experiencia clínica y obsesiva. No fue como en nuestros otros vídeos, que todo lo descubrimos al minuto, aquí todo fue planeado, cada sección de canción tiene una idea visual en particular”(Kulash, 2017, Q&A youtube). La idea gráfica fue creada por el artista Karan Singh, el cual se vale de la pureza del color y de la composición con figuras geométricas simples para agudizar los sentidos del espectador. Visualmente, es evidente el uso de metáforas como las esferas tirándose al vacío, las cuales simbolizan un remolino de emociones que provocan grandes descargas de adrenalina en el sujeto. También, las sombras animadas sobre los papeles evocan

La canción Obsession tambien trata sobre cómo las emociones más intensas y complicadas terminan siendo las más simples y universales.

la constante lucha entre la racionalidad y subconsciente. Por otro lado, la idea de obsesión es rastreable a la particular condición que posee la mente creadora del equipo. Hablar de la obsesión en Kulash es describir su trabajo creativo puesto que el sufre de desorden obsesivo compulsivo, en el sentido en que necesita alinear todo lo que ve hasta encontrar un perfecto balance. Kulash afirma que “debe jugar con líneas paralelas y con la perspectiva”(Kulash.2017.TedTalk). Por esta razón describe su proceso creativo como un remolino visual pues si uno mueve, la imágen se torna en algo totalmente diferente. La canción Obsession también trata sobre cómo las emociones más intensas y complicadas terminan siendo las más simples y universales. La canción en si, es abrumadora y desconcertante, pero al mismo tiempo binaria y básica. Lo anterior lo representan en el vídeo tomando algo simple como lo es el papel y transformandolo en algo poderoso y complejo.

Doble A paper: Double A Paper Company es una empresa Tailandesa que nace en 1991 y se dedica a hacer papel para impresoras. Se basan en la calidad, suavidad y sostenibilidad del mismo, teniendo como propósito cuidar y mejorar el medio ambiente. Cabe aclarar que el logo de Double A es “Obsession for smothness”. Esta compañía está asociada con diferentes ONG’s, donde trabajan en pro de la conservación, regeneración y la producción de materiales crudos sin interferir con el medio ambiente y las personas aledañas al lugar de extracción. 2

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La idea de obsesion es rastreable a la particular condición que posee la mente creadora del equipo.

El vídeo fue producido por Yusuke Tanaka y Daito Manabe, los cuales integraron elementos visuales, diseño gráfico y el mapeo de proyección 3D. Fue todo un reto para el equipo ya que se usó la técnica de slow motion, teniendo que grabar la canción treinta y seis veces más lenta que la original. Es decir, los movimientos de la cámara eran supremamente lentos, al igual que los movimientos de los integrantes de la banda. En conclusión, la tecnología y la creatividad para este equipo siempre van de la mano con el fin de crear alto impacto expresivo y emocional.

ELEMENTOS CLAVE DEL VÍDEO 3

OKGO(2017). Obsession. [Capturas de pantalla]. Recuperadas de: https://www.youtube.com/watch?v=LgmxMuW6Fsc

EL COLOR(imagen1): Se utilizan colores puros como el rojo, el azul y el amarillo. Karan Sighn, artista gráfico del vídeo, incluye en algunas secuencias otros colores que son fácilmente identificables a sus obras como lo son el rosado, el verde y el naranja. Eventualmente los colores empleados en el vídeo son colores primarios y sus respectivas colores complementarios. EL ORDEN VS EL DESORDEN(imagen 2): Esta dualidad es una constante importante en el vídeo. El paper mapping se relaciona con el orden mientras que la caída de los papeles da cuenta del desorden. LA PERSPECTIVA Y LA SIMETRÍA(imagen 3 y 4): Técnicamente, el vídeo está grabado desde una sola perspectiva y con un encuadre simétrico. En cierto sentido, esto evidencia una obsesión por el orden, y también, como la persona que lo posee, se guía no más que por su propio punto de vista. EL INFINITO(imagen 5) : Es una metáfora que explica como una obsesión puede ser algo repetitivo y sin fin.

LA FRAGMENTACIÓN(imagen 6): El paper mapping es en si una expresión del píxel art, el cual ilustra una imagen descompuesta en muchas partes. Lo anterior evidencia un especial arraigo al cuidado del detalle y como de algo tan esencial, como lo es un píxel, al trasponerse junto con otros, convierte la experiencia visual en algo totalmente diferente. LA GEOMETRÍA(imagen 7): La gráfica dentro de los papeles hace uso no solo de colores planos, sino también, de figuras geométricas simples como los círculos y los cuadrados. Nuevamente, estamos en presencia de elementos que distinguen la obra del artista, pero también, estos se usan como metáfora de las emociones. LA ILUSIÓN ÓPTICA(imagen 8): Este elemento hace referencia a la perspectiva, pues la composición visual depende del punto en donde se encuentre el espectador. En el vídeo, más que nada, la ilusión es producida mediante la fragmentación de la imagen y la sobreposición de patrones geométricos.

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CEP

PTO

EL CAOS ALINEADO Una singular forma de obsesión es aquella que alinea el caos con tenaz persistencia. Al analizar este perfil con detenimiento, podremos observar un modus operandi bastante peculiar que consiste en formar algo nuevo a partir de cosas dispares o desordenadas. Ahora bien, si aquellas cosas dispares logran alinearse en el lugar adecuado, permitirán al individuo que tiene esta obsesión como huésped de su mente, alcanzar un estado de máximo placer. El susodicho en cuestión jugará constantemente con simetrías y perspectivas para alinear su mundo lleno de caos ininteligible. Se embarcará por ende en una enérgica odisea y no parará hasta encontrar un sentido visual lógico y alineado que excite plenamente sus sentidos.

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Utilizando los siete elementos claves del video Obsession, anteriormente mencionados, se buscaron referentes que asemejaran sus contenidos visuales y conceptuales.

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ANÁLISIS DE REFERENTES

PIET MONDRIAN. (1916). Composition. Oil on canvas, with wood. Guggenheim Museum Recuperado de: https://www.guggenheim.org/ artwork/3011

Los tres seleccionados, se rescataron de la investigación anterior, esta vez, bajo un punto de vista mucho más crítico y refinado. Así bien, el análisis de estos referentes nos brindó la posibilidad de entender mucho mejor el universo estético del vídeo y la narrativa escrita de nuestro concepto. Además, nos otorgaron detalles especiales de tipo técnico que podían ser aplicados en nuestro montaje.

1 PIET MONDRIAN (1921). Composition in red, yellow, blue and black. Oil on canvas. Recuperado de: https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Piet_Mondriaan,_1921_-_Composition_en_rou2 CHARLES KARSTEN (1931). Piet Mondrian. Fotografía. Recuperado de: https://theredlist.com/ wiki-2-24-525-970-1110-view-1920s-5-profilepiet-mondrian.html 3 PIET MONDRIAN (1917). Composition with Colours B. Oil on canvas. Recuperado de: https:// arthistoryproject.com/artists/piet-mondrian/composition-with-colours-b/ 4 PIET MONDRIAN (1937). Composition with Blue and Red. Oil on canvas. Recuperado de: https:// www.wikidata.org/wiki/Q20891219 5 PIET MONDRIAN (1943). Broadway Boogie-Woogie. Oil on canvas. Recuperado de: https://es.wikipedia.org/wiki/Broadway_Boogie-Woogie

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se encontraba sumida en la Primera Guerra Mundial(1914-1918). Este conflicto bélico de magnas proporciones también influyó en el devenir y esencia del arte producido en aquella época. Mondrian y sus compañeros del De Stijl, empezaron a idear un movimiento que pudiera en cierto sentido, servir como bálsamo al tenso clima político y social. Para estos personajes tenía que haber un arte que construyera la paz y que superara las irracionalidades del chauvinismo, del personalismo y del militarismo, tuvieron la firme convicción de que la abstracción se debía profundizar en el arte, por lo que a su juicio los cubistas no la explotaban en su máximo potencial y que los expresionistas como Ernst Kirchner pecaban de subjetivos. (A,Cajal. 2009)

PIET MONDRIAN Y EL ORDEN

Pieter Cornelius Mondriaan, o mejor conocido como Piet Mondrian, nació en Amersfoort, Paises Bajos en 1872. Comenzó su carrera en el arte pintando cuadros impresionistas, pero en 1912, Mondrian se mudó a París, donde se dejó inspirar por artistas cubistas como Picasso y Braque. Fue allí donde conoció a Theo van Doesburg y, para 1917, colaboraría junto con el y otros artistas como Bart van der Leck y Vilmos Huszár en la neófita revista artística De Stijl. En el año de fundación de la revista, Europa

Así entonces, empezaron a plasmar estas ideas dentro del contenido de la revista, la cual prontamente tornó hacia un movimiento artítisco, también conocido como neoplasticismo, y el cual proclamaba una concepción sumamente analítica y menos apegada al universo materialista, razón por la cual perseguían artísticamente un retorno a las formas y colores más elementales. (A, Cajal.2009) Mondrian utilizó estas premisas y las plasmo en sus obras creando un sistema artístico equilibrado visual, física y psicológicamente. En primeras instancias se aprecian no más que formas básicas, colores primarios y marcadas líneas negras, pero, al adentrarse más en su modalidad creativa, se empiezan a sintonizar nociones de armonía y proporcionalidad matemática. Para nuestros propósitos, tomaremos como referente principal la obra “Composition in red , yellow, blue and black”(imagen 1) de la cual podemos técnicamente observar que:

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La técnica del artista: Mondrian medía sus lienzos usando tiras de papel para calcar. Así decidía donde ponía las lineas. Después las pintaba con carboncillo. Con una composición en mente y con pintura al oleo , fijaba ordenadamente los colores y las gruesas lineas negras.

1. La vista del espectador se mueve en dos direcciones: Horizontal y vertical. En cierto sentido, esta disposición de las lineas proporcionan equilibrio. También, se puede afirmar que la obra carece de movimiento y por el contrario contiene una composición estática. 2. Sin embargo, la fina estática de las lineas se rompe mediante el uso del color. 3. No hay profundidad, curvas o diagonales, lo cual quita toda posibilidad de perspectiva. 4. Evidentemente, la obra posee sus propias leyes internas. Ante todo, el orden y claridad transmiten al espectador una idea de equilibrio y armonía . Rescatamos de esta obra, como la disposición de las lineas en forma horizontal y vertical proporcionan equilibrio visual. En cuanto a la proporción de los cuadros y lineas, podemos decir que su relación es armónica y que se rige por la proporción áurea. Por tanto, la manera de crear del artista nos será útil para desarrollar el patrón gráfico del montaje. Igualmente, el uso de colores primarios puede servirnos para crear una composición simple pero bastante matemática.

1 DAVID HOCKNEY (1984). CameraWorks Composite Polaroid. Collage Fotográfico. Recuperado de: https://www.vincentborrelli.com/pages/ books/107279/david-hockney-lawrence-weschler/david-hockney-cameraworks 2 DAVID HOCKNEY (1986). Pearblossom Hwy. Recuperado de: https://www.theguardian.com/ culture/gallery/2017/jun/26/david-hockney-birthday-self-portraits-getty-museum 3 CHRIS FLOYD(2017). David Hockney. [Fotográfia]. Recuperado de: https://www.chrisfloyd.com/ photographing-david-hockney/ 4

DAVID HOCKNEY (1985). Mother 1, Yorkshire Moors. Collage Fotográfico. Recuperado de: https://odaaniepce.wordpress.com/2014/04/22/ la-frase-fotografica-de-los-martes-por-david-hockney/

5 DAVID HOCKNEY (1982). Nicolas Wilder Studying Picasso. Collage Fotográfico. Recuperado de: https://www.pinterest.com.au/ pin/517491813409407329/

Pintor, proyectista, escenógrafo, impresor y fotógrafo, nace en 1937 en Bradford, Inglaterra. Hockney, que ahora tiene 74 años, plasma su realidad contemporánea, aparentemente frívola y superficial, de una manera muy colorida y totalmente cargada de sutiles matices sociales. El artista es un importante contribuyente del movimiento Arte Pop, siendo considerado uno de los artistas británicos más influyentes del siglo XX.

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En 1959 se marchó a Londres y se matriculó en el Royal College of Art; ahí tuvo como compañeros a RB Kitaj, Allen Jones y Patrick Caulfield. También, vivió por 30 años en California, ciudad que influenciaría enormemente su registro artístico. Evidentemente, Hockney es un artista multidisciplinar que inicia su proceso creativo en rigurosas investigaciones histórico-artísticas. Ha criticado prolongadamente la fotografía tradicional pues afirma que esta es tremendamente rigida al mostrar solo un punto de vista de un minúsculo periodo de tiempo. Descontento con esta situación, realizó una serie de ensamblajes de fotografías con un efecto casi cubista. A mediados de los 70, empezó a experimentar con una nueva técnica

DAVID HOCHNEY Y LA FRAGMENTACIÓN

la cual consistía en tomar polaroids de un mismo espacio y pegarlas una sobre otra. Se dio cuenta que le gustaba la narrativa que creaba la nueva imagen, pues veía que si el observador se movía alrededor del espacio nacían perspectivas totalmente nuevas, aún a pesar de que la imagen en si era no más que una sobreposición de varias fotografías de lo mismo. A esta serie la llamó Joiners. Desde entonces, su obra fotográfica ilustra espacios ordinarios y retratos de distintas personas. Casi como un rompecabezas, las fotografías-collages del artista incitan al observador a vencer la estática y a descubrir cuadro por cuadro detalles que no se ven a simple vista. Toma tiempo ver estas imágenes deconstruidas, puesto que por cada “píxel” hay una nueva imagen. Otro concepto detrás de estas imágenes, es que la deconstrucción se asemeja al modo de ver de las personas, pues estos no ven todo al tiempo; separan la escena y se concentran en una sola cosa. Eventualmente los collages hablan de la percepción selectiva.

El cubismo ayuda a la obra fotográfica a derribar la perspectiva única de la fotografía tradicional.

Es importante mencionar que el cubismo juega un papel muy importante en estas series fotográficas. Los preceptos de este movimiento ayudan a la obra a derribar la perspectiva única de la fotografía tradicional. En conclusión, Hockney nos demuestra que es posible crear multiplicidad de perspectivas partiendo de la fragmentación de una sola imagen. También, nos demuestra cómo esta técnica propone la posibilidad de infinitas formas de ejecución artística. Sabemos ahora por la obra de Hochney, que es posible crear movimiento y dinamismo en la composición de la imagen sin necesidad de acudir al uso de complejas artimañas visuales. Sin lugar a dudas, la fragmentación hace que el observador vea cosas que son incapaces de apreciar con una única imagen completa.

1 JULIO LE PARC (1966). Cloison à lames réfléchissantes [Fotografía]. Recuperado de: http://www. julioleparc.org/déplacement.html 2 JULIO LE PARC (1965). Cercles fractionnés [Fotografía]. Recuperado de: http://www.julioleparc. org/déplacement.html 3 HERMÈS PARIS (2015). “Variations autour de La Longue Marche” by Julio Le Parc. [Fotografía]. Recuperado de: http://negrowhite.net/ julio-le-parc-hermes-y-un-largo-camino-entrelazados/ 4 JULIO LE PARC (2001). Sphere Rouge (Red Sphere) [Fotografía]. Recuperado de: http://www. southflorida.com/sf-julio-le-parc-perez-miamiphotos-002-photo.html 5 JULIO LE PARC (2001). Sphere Rouge (Red Sphere) [Fotografía]. Recuperado de: https://www. pinterest.de/pin/301107925059542924/

Oriundo de Mendoza Argentina, LeParc nace en 1928 en el seno de una familia obrera. Inicia sus estudios en la Escuela de bellas artes de Buenos Aires en 1943. En 1958, gracias a una beca del servicio cultural francés, se instala en París donde más tarde, en 1960, firma el acta fundacional del Centre de Recherche d’Art Visuel. En este acto, junto con un grupo de jóvenes latinoamericanos y europeos, se proponía “modificar la actitud tradicional del artista y profundizar sus investigaciones individuales en el intercambio grupal”(Garcia,A.2012)

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Su obra hoy por hoy se alimenta del Op Art y el Arte Cinético. No obstante, la poética de Le Parc está basada en el movimiento como una noción que adquiere sentido tanto a nivel corporal como en el espacio de la conciencia. Técnicamente, Le Parc es un ferviente partidario del uso de iluminaciones artificiales, reflejos y movimientos. El artista afirma que su arte pretende que el espectador busque permanentemente un sentido visual y emocional. Ahora bien, para motivos de este análisis nos enfocaremos en su serie de obras llamadas Déplacement, la cual hace referencia a la perspectiva y a las lecturas dinámicas. También, miraremos los tecnicismos de la obra Sphere Rouge.

JULIO LEPARC Y LA PERSPECTIVA

Las experiencias sobre el problema del desplazamiento del espectador constituían de algún modo la prolongación de los relieves. Aquí las imágenes están en relación estrecha con el desplazamiento del espectador y su cambio sufre una aceleración ligada al movimiento de éste. [..] Más tarde siguieron otras que se basaban esencialmente en el desplazamiento del espectador y entre ellas estaban aquellas en las que el tema predeterminado, cede su lugar a las imágenes circundantes.[..] En otros casos, como el de algunos múltiples, las imágenes eran permutables por el propio espectador, los temas buscados eran muy simples, a base de formas geométricas que se repetían uniformemente con el fin de que las deformaciones y las variaciones fuesen más evidentes.(LeParc,2014)

Muchos de los procesos de sus obras dependen de una relación con el espectador. Es Evidente que este componente en sus obras, asociado al happening3, permite excitar los sentidos del espectador no más que con el uso inteligente de la luz, del movimiento y del orden. Le Parc se inspira de esta última noción para realizar obras móviles, como la de Sphere Rouge. En esta, parte de la organización simple y rigurosa de fragmentos minúsculos de figuras geométricas simples. En efecto, la sobreposición de estos elementos convierten a la obra en un sistema visual bastante

Happening: De la palabra inglesa que significa evento, ocurrencia, suceso. Manifestación artística, frecuentemente multidisciplinaria, surgida en 1950, caracterizada por la participación de los espectadores. Los happenings integran el conjunto del llamado performance art. La propuesta original del happening artístico tiene como tentativa el producir una obra de arte que no se focaliza en objetos sino en la participación de los “espectadores”, para que dejen de ser sujetos pasivos y, con su actividad, alcancen una liberación a través de la expresión emotiva y la representación colectiva.Vanegas,G(2011). 3

La poética de Le Parc está basada en el movimiento como una noción que adquiere sentido a nivel corporal. 5

complejo. Tecnicamente, los fragmentos de plexiglás rojo se suspenden en el aire a traves del uso del nailon en distintas proporciones. Esta instalación permite redescubrir el desplazamiento del espectador y el tránsito a través del espacio arquitectónico. De LeParc, rescatamos su ferviente motivación humanística. Lo anterior nos induce a crear una obra cuyo punto de partida sea el ojo del espectador. Igualmente, entendemos que es esencial que lo creado sea una obra abierta, para que el espectador se transforme en un participante activo y pueda obtener una experiencia visual siempre diferente y sin embargo la misma. La única variable es la perspectiva.

Vásquez,V. Ayala,M. Rodriguez,A. Monroy,M. Vanegas, M. (2018). Acercamiento al concepto de orden mediante la fragmentacion y el color. [Fotográfia]

PROCESO: PRIMERA PARTE

Teniendo en mente los diferentes conceptos artísticos estudiados en los tres referentes, empezamos a proponer varios posibles escenarios de instalación. Queriamos que esta comunicara tres nociones:

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La primera, orden, la segunda, que el orden es subjetivo, la tercera, que de la aliniación del caos surgen elementos completamente nuevos. Hubo varias ideas bocetadas, pero al final nos decantamos por aquellas que empleaban el color y la simplicidad como herramientas primarias visuales. Luego, se idealizaron propuestas de moodboard, que en esencia eran preconcepciones del montaje en version 3d.

Vásquez,V. Ayala,M. Rodriguez,A. Monroy,M. Vanegas, M. (2018) Bocetos propuesta; papas Margarita y Rubik.

PRIMERAS PROPUESTAS EL COLOR Y EL RECICLAJE

Fue clave para nosotras empezar a bocetar a partir de tres pilares conceptuales presentes en los referentes propuestos. Estos eran: Uno, el orden entendido como la disposición milimétrica de un objeto en el espacio. Dos, la fragmentación de una misma imagen, haciendo referencia a los píxeles encontrados en la composición artística del vídeo. Y tres, la perspectiva como fuente de asombro y engaño visual. Esta primera propuesta pretendía formar una imagen a partir del uso de pequeños fragmentos de un objeto geométrico y colorido, en este caso, paquetes de papas Margarita. Se decidió usar este producto pues su forma es básica y rectangular y los paquetes están impresos con colores primarios. También, el reciclaje de los paquetes se relacionaba con el componente de DIY del la banda. La basura, en esta instalación, era el desorden del

ser humano. Recoger el desorden y ordenarlo era una manera de darle vida al concepto propuesto. En cierto sentido, la propuesta nos ayudaba a reflejar gráficamente la descomposición por píxeles y los colores presentes en el vídeo. Sin embargo, estos elementos visuales podían ser entendidos más como consumismo extremo y desecho y no como orden, color y perspectiva. Lo que si rescatamos de esta idea fue como a partir de un elemento minúsculo se empezaba a formar una imagen completamente distinta. También, dejamos presente la manera en como estos elementos se disponían en el espacio. Lo anterior nos daba a entender que nuestra futura instalación podía estar suspendida en el aire por medio de hilos de nailon de diferentes proporciones. Otra propuesta poco desarrollada fue la idea de usar el juego Rubik como metáfora del orden alcanzado a través de la aliniación del caos por colores.

PRIMERAS PROPUESTAS

Vásquez,V. Ayala,M. Rodriguez,A. Monroy,M. Vanegas, M. (2018) Bocetos propuesta Fibonacci vuelto mierda.

FIBONACCI VUELTO MIERDA

La segunda propuesta illustraba una intención de usar una metáfora visual que fuera fácil de entender, y que comunicara los tres pilares conceptuales anteriormente descritos. Se pensó por tanto en la espiral de Fibonacci, pues este es la representación gráfica del orden total y perfecto. Primariamente queriamos proyectar la espiral sobre el suelo a manera de laberinto. Prontamente, la idea fue evolucionando, y se pensó en realizar una espiral en versión 3D. La espiral no estaría sola pues contendría en su recorrido desde el techo hasta el suelo objetos de diferente índole. Se pensaba que estos estuvieran en un estado de desorden y que a medida que bajaban por la espiral

se fueran organizando. De hecho, esta dualidad pretendía comunicar la idea de alinear el caos. Es decir, que el desorden al final termina transformándose en orden geométrico. No obstante, su realización podría tornarse compleja debido al uso de diversos objetos . Cada uno de ellos debía ser diseñado con cuidado y organizado en el espacio de manera milimétrica . Lo anterior podía llegar a convertirse en un gran problema en términos técnicos. De esta idea , nos apropiamos de la metáfora del Fibonacci para comunicar orden y simetría. En últimas instancias, decidimos fusionar las dos ideas en una. Lo anterior supone una instalación que se vale del fibonacci y de la fragmentación para lograr una imagen con una experiencia visual desconcertante y confusa, casi como un efecto de Op Art.

ORDEN VS DESORDEN Luego de la decisión de realizar un montaje conceptualmente basado en Fibonacci y visualmente fragmentado, realizamos dos propuestas de moodboards, para los cuales tomamos imágenes de nuestros referentes principales y de referentes anteriormente utilizados y los juntamos formando una composicón visual tridimensional. En este primer moodboard se ilustró la idea del orden vs desorden mediante un diorama de diferentes capas. La idea principal era empezar en el fondo con imágenes recortadas con formas asimétricas y pegadas de manera desordenada. A medida que avanzan las capas, las imagenes se iban organizando y transfomando en formas geométricamente proporcionales. En este moodboard se utilizan las siguientes imágenes: 1. Kusama,Y. Infinity Mirrored Room—Love Forever. 1966 2. Hockney,D. Cameraworks-Joiners. 1984 3. Vasarely,V. Vonal-Stri. 1975 4. Sighn, K. IMAX Melbourne: Epic Escapes campaign. 2017 5. Roberts,P. Beyonce Tidal Visuals. 2015 6. CruzDiez,C. Chromosaturation. 1965 7. CruzDiez,C. Transchromie. 1972 8. Mondrian,P. Composition 10 in black and white. 1915 9. Kulash,D. Cincinnati. 2016

En esta página: Vásquez,V. Ayala,M. Rodriguez,A. Monroy,M. Vanegas, M. (2018) Bocetos para moodboard. En pagina opuesta: Vásquez,V. Ayala,M. Rodriguez,A. Monroy,M. Vanegas, M. (2018) Moodboard orden vs desorden.

PERSPECTIVAS Y SIMETRÍAS El otro moodboard se enfocaba en Fibonacci. Para su realización se imprimieron varias imágenes del Fibonacci básico y se recortaron cuadro por cuadro. Primeramente, se coloreaba uno por uno para ver como seria su distribución tridimensional. Cuando ya se decidió una fragmentacíon adecuada, se repitió el mismo procedimiento, pero con las imágenes de los referentes. Empezamos a darnos cuenta que trasformar una imagen plana en una tridimensional representaba un reto de perspectiva. Eventualmente, organizar los paneles de cartón paja de manera simétrica era una labor compleja. Aquel que lo estuviera organizadon debía cerrar un ojo o alejarse una distancia prudente para poder alinear las imágenes dentro de los paneles y para que se pudiera detallar la espiral de fibonacci, la cual fue delineada con un mismo patrón para no causar confuciones visuales. En este moodboard se utilizan las siguientes imágenes: 1. Kusama,Y. Infinity Mirrored Room—Love Forever. 1966 2. Hockney,D. Cameraworks-Joiners. 1984 3. Sighn, K. IMAX Melbourne: Epic Escapes campaign. 2017 4. CruzDiez,C. Transchromie. 1972 5. Kulash,D. Cincinnati. 2016

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1 Vรกsquez,V. Ayala,M. Rodriguez,A. Monroy,M. Vanegas, M. (2018). Primer experimento visual. 2 Vรกsquez,V. Ayala,M. Rodriguez,A. Monroy,M. Vanegas, M. (2018). Acercamiento al concepto de orden mediante la fragmentacion y el color. 3 Vรกsquez,V. Ayala,M. Rodriguez,A. Monroy,M. Vanegas, M. (2018). Detalle de paneles del moodboard perspectiva y simetria. 4 Vรกsquez,V. Ayala,M. Rodriguez,A. Monroy,M. Vanegas, M. (2018). Mini dioramas-bocetos. 5 Vรกsquez,V. Ayala,M. Rodriguez,A. Monroy,M. Vanegas, M. (2018). Perpectiva de costado de los paneles de carton paja.

EXPERIMENTOS VISUALES 3

5 4

Fueron varios los bocetos tridimensionales que se realizaron con el fin de ilustrar la idea de fragmentación de la imágenes. Al final, nos dimos cuenta que el moodboard de Fibonacci era el más factible para llevar a cabo debido a a su simplicidad visual y fuerza conceptual. Los paneles de carton, que eran pegados rudimentariamente con plastilina sobre una mesa, serian transformados en piezas de magnas proporciones. Solo faltaba definir que patrón gráfico debía contener.

Vásquez,V. Ayala,M. Rodriguez,A. Monroy,M. Vanegas, M. (2018). Fibonacci con serie de colores naranja, amarillo y rojo.

PROCESO:SEGUNDA PARTE

En esta segunda parte del proceso, nos concentramos en el diseño del patrón gráfico. Empezamos analizando con detalle la espiral de Fibonacci y el uso de la proporción áurea en el arte.

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Luego bocetamos varias posibilidades de imagen, pero al final terminamos ideando una formula, un tanto matemática, que ilustraba muy bien todos nuestros requerimientos. Esta etapa finaliza con la realización de la maqueta de montaje.

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A LA IZQUIERZA: Gráfico explicativo sobre Fibonacci y su respectiva teoria.

LA FORMA Y EL ORDEN

La naturaleza esta regida por proporciones perfectas y ordenadas. Desde tiempos inmemorables, la humanidad ha tratado de entender estas titánicas normas, pero el raciocinio matemático fue la herramienta que permitió lograr aquel gran acometido. Leonardo Fibonacci logró trasladar estas nociones, aparentemente ininteligibles, a formulas matemáticas.

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Su serie de números naturales expresaba de manera simple el infinito y las formas complejas de la naturaleza. Desde entonces, hemos sido testigos de como estas leyes, ahora matemáticas, han sido trasladadas al arte, a la fotografía e incluso, a la vida misma. Es por tanto esencial para nosotras entender los misterios que esconde esta figura con el fin de trasladarlos de manera visual a nuestro proceso creativo. No queriamos complicar las formas visuales de nuestro montaje, pues hemos entendido que en la simplicidad esta la perfección. Por esta razón, usamos el Fibonacci en su forma más pura, porque, aún a pesar de ser una espiral simple, esta regida por leyes internas que la vuelven una forma armoniosa y ordenada.

PIET MONDRIAN La disposición de los cuadros y lineas usadas por Mondrian se rigen por la proporción áurea. El artista parte de un gran cuadrado inicial y lo corta según impociciones geometricas por una diagonal. La raiz de aquel segmento va a ser el lado de un cuadrado menor que obedece al mismo esquema anterior y que se situará sobre éste pero con las posiciones invertidas.

a+b = a a b

EN EL ARTE, EN LA NATURALEZA ,EN..

FIBONACCI

La proporcionalidad ante el espectador es necesaria para obtener una visual con armonía. Eventualmente, la proporción áurea ha sido aplicada con gran exito en muchos campos como el arte, la economia, la fotografía, las matemáticas, etc.

Y LA PROPORCIÓN ÁUREA La relación que existe entre cada pareja de números consecutivos (es decir, si dividimos cada número entre su anterior) se aproxima siempre al número áureo. Al expresar la serie en forma geometricamente, se forma la famosa Espiral de Oro

1,6180

LEONARDO DE PISA c. 1175 - id., c. 1240. Matemático italiano que difundió en Occidente los conocimientos científicos del mundo árabe. Describe por primera vez la sucesión que lleva su mismo nombre. La sucesión Fibonacci es una sucesión infinita de números naturales.

¿CÓMO LOGRAR EL FIBONACCI? Se parte del rectángulo áureo y se resta un cuadrado de longitud igual al lado corto de aquél. Se repite el proceso varias veces. Luego se trazan distintos cuadrantes de circuferencia de un radio igual al lado de cada uno de los cuadrados y con el centro en el vértice de cada uno de ellos. El dibujo resultante es la espiral de Fibonacci.

3 Vásquez,V. Ayala,M. Rodriguez,A. Monroy,M. Vanegas, M. (2018) Primero bocetos para patrón.

PRIMERAS PROPUESTAS

UN PATRÓN MUY OP ART Y COLORIDO 4

Evocando la metodología técnica del moodboard de Fibonacci (recortando papeles y rellenandolos de colores) realizamos las distintas propuestas de patrones visuales. Al principio nos guiábamos por la idea de crear una ilusión óptica mediante la degradación de tonos y de formas. Asi bien, ilustrabamos formas que iban creciendo en tamaño y colores descomponiendose. Por ejemplo , en la figura 2, un cuadrado empieza a crecer sobre una curva y dentro de ellos hay colores que se van degradando de más claro a más oscuro. También, en la figura 4 creamos patrones basandonos en referentes textiles diseñados con base al Op Art (Burberry Spring 2018 Ready-to-wear). Pretendíamos pues generar gráficos muy similares a los que realiza el artista Karan Singh, aún sin tener una vision clara del nivel de dificultad técnica a la hora

de trasladarlo en el montaje final. Los bocetos todavía no mostraban una composición que comunicara orden y perspectiva. Deambulamos bastante en propuestas como la de la figura 6 en las cuales las imágenes se degradaban de un elemento a otro. Por ejemplo, de píxel a definido o de color primario a color compuesto. Las propuestas eran muy cinéticas y con una esencia que evocaba el Op Art. De estos primeros bocetos, rescatamos la idea de generar una sensación de profundidad, pero no sabíamos muy bien cómo. Entonces, volvimos a aquella investigación que habíamos realizado sobre Mondrian y decidimos que desde ahora el patrón debía ser simple, ordenado y muy matemático.

LA FORMULA MATEMÁTICA Empezamos solo con la menta puesta en la idea de generar un patrón que tuviera una imagen dentro de otra imagen. Tomamos figuras geométricas simples como cuadrados o círculos (figuras 1 y 2) y empezamos a dibujarlos en varios tamaños, siempre con el centro en el vértice de cada uno de ellos. La pregunta ahora era cómo meter el color. Despues de varios intentos, se nos ocurrió prolongar las lineas de Fibonnacci, y con varios colores, empezamos a rellenar espacios. Solo hasta ese momento pudimos entender la manera de crear de Mondrian. !Porfin lo habíamos captado! En efecto, esta idea se volvió un un algoritmo que generaba un patrón. Una formula matemática que paradójicamente reflejaba todo aquello que queriamos comunicar. Los pasos de la formula están descritos en la figura 3. Desde entonces, estos sencillos pasos empezaron a guiar nuestro futuro proceder.

2 En esta página: Vásquez,V. Ayala,M. Rodriguez,A. Monroy,M. Vanegas, M. (2018) Bocetos Fibonacci. En pagina opuesta: Vásquez,V. Ayala,M. Rodriguez,A. Monroy,M. Vanegas, M. (2018) Formula generadora de patrón.

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UNA SERIE DE COLORES Ya teníamos el patrón gráfico gracias a una formula, pero nos faltaba resolver el misterio del color. Investigamos cómo se generan las ilusiones ópticas y descubrimos que estas se realizan con una serie de cuatro colores. Una de estas series es aquella que toma un color luz y lo pone al lado de un color oscuro; La metodología principal de la serie es que siempre se debe terminar con el color con el que se empieza. Este es una pequeña artimaña visual para confundir al ojo. Con esto en mente empezamos a dibujar la serie, rellenando los espacios, esta vez, siempre en orden alternante. Por ejemplo, en la imagen 3, se empezaba en el centro con el negro, el espacio de al lado se llenaba con azul y luego con los colores faltantes siempre hasta completar el circulo. Luego se procedía a llenar el circulo que le sucedía siguiendo la misma serie. Es decir que, los colores crecían exponencialmente siguiendo una serie lógica.

1 2

En esta página: Vásquez,V. Ayala,M. Rodriguez,A. Monroy,M. Vanegas, M. (2018) Bocetos Fibonacci. En pagina opuesta: Vásquez,V. Ayala,M. Rodriguez,A. Monroy,M. Vanegas, M. (2018) Propuesta de color con serie Blanco-Azul-Negro-Verde-Blanco

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LA SERIE FINAL Seguíamos teniendo problemas con el color, pero esta vez volvimos a nuestros referentes. Decidimos que debíamos usar colores primarios, los mismos del vídeo y los predilectos de Mondrian. La serie final de colores fue la siguiente:

AmarilloBlanco-AzulRojo-Amarillo. Por otra parte, el negro se incorporó en las lineas de prolongacíon y en la demarcación de la espiral.

Vásquez,V. Ayala,M. Rodriguez,A. Monroy,M. Vanegas, M. (2018) Propuesta final de serie de color.

Rodriguez,A. Vanegas, M. (2018). Vistas de la maqueta de montaje. [fotografÃas]

MAQUETA DE MONTAJE

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Se utilizó la proporción 1:20 al realizar la maqueta. Para poner lo paneles, era muy necesario tener en cuenta la altura promedio de los observadores y además, era indispensable poseer las medidas exactas de las disposición de cada panel en el espacio. Es decir, cuanta distancia debía haber entre suelo y panel, de techo a panel y entre panel y panel. Los fragmentos de cartón debían ser colgados por medio de nailons desdesde el techo de malla del salón, y posteriormente, debían ser ajustados al suelo usando otro nailon. Al igual que con los moodboards, surgieron dificultades en cuanto a la perspectiva. Fue difícil alinear los cuadros, y más, debido a su minúsculo tamaño. Luego de la realización de esta maqueta, nos restaba prototipar las condicionantes técnicas del montaje en proporción real.

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Vásquez,V. (2018). Montaje final, detalle del patron. [Fotográfia]

MONTAJE FINAL

Una instalación debe estar regida por sistemas diseñados desde el inicio del proceso mediante técnicas detalladas y cuidadas. A fín de cuentas, estas terminan siendo invisibles al ojo del espectador final.

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Así pues, luego de preveer un plan de gastos, se empezo a prototipar sistemas que disminuyeran el riesgo a la hora de montar en el espacio asignado. Aún a pesar de estas previsiones y estudios, surgieron eventualidades que a la postre, fueron resueltas al instante. Estas pormenores terminaron siendo una fuente valiosa de aprendizaje.

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PRESUPUESTO Y MATERIALES 4 paneles de carton doble de 2x1 metros 5 pliegos de cartulina íris por cada color. Papel mantequilla Cinta doble faz Pegastick Nailon Habíamos cotizado con anterioridad el costo de los paneles de cartón. Escogimos un tipo de cartón que fuera rígido pero que también fuera liviano. Para el patrón, digitalizamos la figura de Fibonacci y cuadramos por el mismo medio las medidas de los paneles, que habían de ser posteriormente cortados a láser para mayor precisión. La disposición de los colores en los paneles se planeó con la técnica de colocación de papel íris sobre el cartón, debido a que el uso de pinturas podría perjudicar la calidad del material. En términos general, fue un montaje barato y sencillo.

En esta página: Contabilidad de gastos[Documento en Excel] En pagina opuesta: Vásquez,V(2018) Patrón Fibonacci digitalizado.

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1 Vásquez,V. Ayala,M. Rodriguez,A. Monroy,M. Vanegas, M. (2018). Prototipo de pegado en carton 2 Vásquez,V. Ayala,M. Rodriguez,A. Monroy,M. Vanegas, M. (2018). Patrones de corte sobre papel mantequilla 3 Vásquez,V. Ayala,M. Rodriguez,A. Monroy,M. Vanegas, M. (2018). Papel iris sobre carton 4 Vásquez,V. Ayala,M. Rodriguez,A. Monroy,M. Vanegas, M. (2018). Moldes en papel mantequilla 5 Vásquez,V. Ayala,M. Rodriguez,A. Monroy,M. Vanegas, M. (2018). Perpectiva general de paneles sin pegar

PREPARACIÓN DEL MONTAJE 3

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6 Vásquez,V. Ayala,M. Rodriguez,A. Monroy,M. Vanegas, M. (2018). Colocación de los moldes

Para cortar las laminas de papel iris, se midió cada una según estándares prestablecidos, y se organizaron de tal manera de que cupieran en los cartones de 2x1 mt. También, se tuvo en cuenta que se pudieran cortar los paneles de cartón pequeños a láser en la maquina de 1,20x90. Se cortaron a mano los paneles grandes. Luego, e grabo en láser las curvas y cada parte se armo en conjunto. Con papel mantequilla se calco cada parte y se mando imprimir en pliegos de bond las curvas que faltaban en las laminas grandes, ya que estas no se podían grabar. Luego se cogió cada parte calcada, se recorto y calco de nuevo en la cartulina del color asignado. Finalmente, se cortaron y se pegaron con cinta doble faz y se procedió a cortar cada molde. Siempre se tenia como guía el gráfico de fibonacci presentado en la maqueta para armar todo con exactitud.

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Vásquez,V. (2018) Día del montaje en salon. [fotografías]

MONTAJE EN SALON Al comenzar a colgar los paneles, tuvimos que refrescar las medidas que habíamos establecido con anterioridad (panel-suelo y panel-techo) Teníamos claro un sistema especifico para colgar los paneles, así que, pegamos el nailon de un extremo del panel, pasábamos el nailon entre las rejas y lo uníamos al otro extremo. En aquellas instancias, solo usábamos cinta doble faz para pegar el nailon al cartón y, aunque en un principio no hubo ningún inconveniente, luego de un tiempo se empezaron a caer los paneles más pesados. Otro pormenor fue la perspectiva. Habíamos demarcado un punto para precisar la simetría de los paneles y para garantizar que concordara patrón con patrón. Con lo que nos topamos fue que la perspectiva dependía de la 56 ESTUDIO 5/OKGO

altura de la persona que estaba mirando y también del punto en donde estuviera parada. Por lo tanto, todas veíamos cosas diferentes. Entonces, asignamos a una sola persona para que realizara la labor. Habíamos colgado todos los paneles y solo faltaba ajustarlos al suelo. Sin embargo, no contábamos con que al otro día encontraríamos todos los paneles caídos en el suelo debido a que el peso del panel hacia que el nailon se resbalara entre la cinta. El mayor reto técnico, fue lograr que los paneles se quedaran en su lugar y que no se cayeran. Usamos cuatro tipos de cinta y ganchos mariposa, aún a pesar de prever que usariamos un solo tipo. Otro reto contra reloj fue reparar los paneles dañados debido al impacto de caída. Habíamos escogido aquel tipo de cartón debido a su rigidez, pero tambien por su condición liviana. También, habíamos escogido un nailon grueso pues pensábamos que sostendría mejor los paneles.

El montaje nos permitió entender que el orden es subjetivo. Como se vea un objeto, una imagen o una situación depende mucho del punto de vista del observador. Lo anterior supone que el significado del orden y su valor dependen de la mente perse de la persona, más no de constructos sociales. Igualmente, el acto de alinear el caos es de por si una manera de hacer entendible lo ininteligible, tal cual como Fibonacci plasmo el caos de la naturaleza en una simple ecuación, o, tal como mondrian torno el arte, algo de por si caótico, en una ordenada noción matemática.

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PAGINAS ANTERIORES: VALERIA VÁSQUEZ. (2018). FIBONACCI EN PERSPECTIVA. [FOTOGRAFÍAS]

CONCLUSIONES

VALERIA VÁSQUEZ. (2018) FIBONACCI EN DETALLE.[FOTOGRAFÍA]

Sin embargo, lo que terminamos haciendo nosotras no fue entender el caos para poder alinearlo, sino fraccionar el orden para poder hacerlo comprensible. En efecto, de la fragmentación del orden surgen componetes completamente nuevos. Así que, también podemos afirmar que el orden es la suma de sus partes más no un ente único e inseparable. Por otra parte, entendimos que para poder divisar el orden con una clara perspectiva es necesario tomar distancia. Hablamos en términos espaciales. Y, en términos técnicos, aprendimos que es necesario prototipar hasta el detalle más mínimo, pues algo tan invisible como lo es por ejemplo el peso, pueden marcar significativamente como se desenvuelve el montaje a través del tiempo. En resumidas cuentas, solo podemos afirmar que, la simplicidad del orden es tan compleja pero tan encantadora que permiten obtener una visual esplendidamente armoniosa.

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REFERENCIAS

ESTUDIO 5/OKGO 71

LINK VIDEO DE MONTAJE