Foto Claudio Carella
Vario ART
Andrea Tattoni
CREDIAMO NELLA FORMAZIONE, NELLA CULTURA E NELLA RICERCA COME ATTIVITÀ CAPACI DI LIBERARE ENERGIE PER IL BENESSERE DELLA COMUNITÀ E LO SVILUPPO DEL TERRITORIO.
owners who, impressed by his work, invited him to exhibit in their galleries and urged him to continue. Subsequently he returned to Italy to Martinsicuro (Teramo), his home town, where he found a place to work. Tattoni was feeling more and more the urge to produce art with materials possessing a strong power of expression and created a series of paintings with a predominance of black and white, mixing different materials such as synthetic enamels, earth, sand, paint thinner, acrylic, fire and polythene. Between 2002 and 2004, he worked intensely to produce creations on wooden boards that are painted, scratched, torn, sanded and flamed.Tattoni was soon featuring in art magazines and reviews, and exhibiting in galleries all over Italy, thanks to encounters with art critics who admired his work. The City Council of Pescara bought three of his works for the Town Hall. During 2005, Tattoni experimented with new techniques flaming on steel sheet-metal. His works began to be displayed in Italy and Argentina, in the USA and in China, Spain and Great Britain, while appearing on numerous sites devoted to art such as “Arte Esclusiva”, “Dimensione Arte”, “Deviant Art” and “Fuori Orbita”. He was also present in Dubai, Japan for the Tokyo Art Fair and in Korea for the “Kiaf Art Fair” in Seoul.
DA VENTI ANNI COLTIVIAMO PROGETTI E CONDIVIDIAMO RISORSE PER FINALITÀ DI INTERESSE PUBBLICO E DI UTILITÀ SOCIALE.
owners who, impressed by his work, invited him to exhibit in their galleries and urged him to continue. Subsequently he returned to Italy to Martinsicuro (Teramo), his home town, where he found a place to work. Tattoni was feeling more and more the urge to produce art with materials possessing a strong power of expression and created a series of paintings with a predominance of black and white, mixing different materials such as synthetic enamels, earth, sand, paint thinner, acrylic, fire and polythene. Between 2002 and 2004, he worked intensely to produce creations on wooden boards that are painted, scratched, torn, sanded and flamed.Tattoni was soon featuring in art magazines and reviews, and exhibiting in galleries all over Italy, thanks to encounters with art critics who admired his work. The City Council of Pescara bought three of his works for the Town Hall. During 2005, Tattoni experimented with new techniques flaming on steel sheet-metal. His works began to be displayed in Italy and Argentina, in the USA and in China, Spain and Great Britain, while appearing on numerous sites devoted to art such as “Arte Esclusiva”, “Dimensione Arte”, “Deviant Art” and “Fuori Orbita”. He was also present in Dubai, Japan for the Tokyo Art Fair and in Korea for the “Kiaf Art Fair” in Seoul.
Andrea Tattoni was born in Fermo in 1973, and his interest in art goes back to when he was a teenager. He has worked in all fields of human artistic expression, such as music, poetry, photography, architecture, design and painting. After attending Art College, where he began to experiment on canvas and wood, he enrolled at the Musical Institute “Suono Ergo Sum”, and at the same time attended courses in painting and photography. Soon he began to travel in Europe (Munich, Berlin and Paris) and America, where he lived from 1999 to 2001 between Miami and New York, and where he developed his pictorial style. Here he had the opportunity to visit galleries and artists’ studios, collaborating and working closely with local artists and participating in important collectives. At this time, Tattoni encountered the art of Mark Rothko, which instilled “dramatic fascination” in him. Entranced by abstract expressionism, he became absorbed in the painting of the “New York School” of the ‘50s - names such as Rothko, Barnett Newman, Clifford Still,Adolph Gottlieb and the painters of the “Action Painting” movement - Jackson Pollock , Willem De Kooning and Franz Kline, from whom he drew inspiration for his own work. After leaving New York in the second half of 2001 he stopped over in London where he met several gallery
spronano a proseguire la sua ricerca. Successivamente rientra in Italia a Martinsicuro (Teramo), sua città di residenza, dove trova uno spazio in cui lavorare, percependo sempre più il bisogno di un’arte materica dalla forte potenza espressiva e realizza una serie di dipinti con predominanze di bianco e di nero, fondendo diversi materiali quali smalti sintetici, terra, sabbia, diluenti, acrilici, fuoco, polietilene.Tutti i lavori sono eseguiti su tavole di legno che vengono verniciate, spatolate, graffiate, squarciate, carteggiate e fiammate in un’intenso lavoro tra il 2002 e il 2004. L’incontro con alcuni critici, affascinati dal suo lavoro, lo pone all’attenzione delle riviste del settore e di molti galleristi sul territorio italiano che lo invitano a tenere mostre personali; il Comune di Pescara gli richiede tre opere da esporre all’interno delle proprie sale. Verso la metà del 2005 ottiene nuovi esiti materici dalla sperimentazione di nuove tecniche di fiammatura su lastre d’acciaio, messe a punto dopo un’accurata ideazione e numerose ricerche. Espone in Italia e in Argentina, negli Usa e in Cina, in Spagna e Gran Bretagna. Le sue opere vengono pubblicate da numerosi siti d’arte come “Arte Esclusiva”, “Dimensione Arte”, “Deviant Art”, “Fuori Orbita”. Presto sarà a Dubai, in Giappone per la Fiera dell’Arte di Tokyo e in Corea per la “Kiaf Art Fair” di Seul.
Andrea Tattoni (Fermo 1973) si interessa di arte fin dall’adolescenza, con un percorso di ricerca che lo porta a toccare i diversi campi dell’espressione artistica umana: musica, poesia, fotografia, architettura, design e pittura. Dopo l’Istituto Statale d’Arte, durante il quale inizia a sperimentare su tela e su tavola,s’iscrive all’Istituto Musicale “Suono Ergo Sum”, e contemporaneamente frequenta corsi di pittura e di fotografia. Inizia a viaggiare in Europa (Monaco, Berlino, Parigi)e in America, dove soggiorna dal 1999 al 2001 tra Miami e New York e dove sviluppa la sua ricerca pittorica, frequentando gallerie e studi di artisti, iniziando le primissime collaborazioni, lavorando a stretto contatto con pittori locali e partecipando a collettive di rilievo.È di quel periodo l’incontro con l’arte di Mark Rothko, dalle cui opere rimane “drammaticamente affascinato”. Rapito dalla poetica gestuale dell’espressionismo astratto, studia intensamente la pittura della “Scuola di New York” degli anni ’50, tra i cui nomi spiccano Rothko, Barnett Newman, Clifford Still e Adolph Gottlieb e i pittori dell’“Action Painting” Jackson Pollock, Willem De Kooning e Franz Kline, da cui trae profonda ispirazione per le proprie indagini compositive. Lasciata New York, nella seconda metà del 2001 fa tappa a Londra dove conosce diversi galleristi che, colpiti dai suoi lavori, lo invitano presso i propri spazi espositivi e lo
Andrea Tattoni was born in Fermo in 1973, and his interest in art goes back to when he was a teenager. He has worked in all fields of human artistic expression, such as music, poetry, photography, architecture, design and painting. After attending Art College, where he began to experiment on canvas and wood, he enrolled at the Musical Institute “Suono Ergo Sum”, and at the same time attended courses in painting and photography. Soon he began to travel in Europe (Munich, Berlin and Paris) and America, where he lived from 1999 to 2001 between Miami and New York, and where he developed his pictorial style. Here he had the opportunity to visit galleries and artists’ studios, collaborating and working closely with local artists and participating in important collectives. At this time, Tattoni encountered the art of Mark Rothko, which instilled “dramatic fascination” in him. Entranced by abstract expressionism, he became absorbed in the painting of the “New York School” of the ‘50s - names such as Rothko, Barnett Newman, Clifford Still,Adolph Gottlieb and the painters of the “Action Painting” movement - Jackson Pollock , Willem De Kooning and Franz Kline, from whom he drew inspiration for his own work. After leaving New York in the second half of 2001 he stopped over in London where he met several gallery
Corso Umberto I, n. 83 - 65122 PESCARA - Tel. 085.4219109 - Fax. 085.4219380 www.fondazionepescarabruzzo.it - fondazione@pescarabruzzo.it
spronano a proseguire la sua ricerca. Successivamente rientra in Italia a Martinsicuro (Teramo), sua città di residenza, dove trova uno spazio in cui lavorare, percependo sempre più il bisogno di un’arte materica dalla forte potenza espressiva e realizza una serie di dipinti con predominanze di bianco e di nero, fondendo diversi materiali quali smalti sintetici, terra, sabbia, diluenti, acrilici, fuoco, polietilene.Tutti i lavori sono eseguiti su tavole di legno che vengono verniciate, spatolate, graffiate, squarciate, carteggiate e fiammate in un’intenso lavoro tra il 2002 e il 2004. L’incontro con alcuni critici, affascinati dal suo lavoro, lo pone all’attenzione delle riviste del settore e di molti galleristi sul territorio italiano che lo invitano a tenere mostre personali; il Comune di Pescara gli richiede tre opere da esporre all’interno delle proprie sale. Verso la metà del 2005 ottiene nuovi esiti materici dalla sperimentazione di nuove tecniche di fiammatura su lastre d’acciaio, messe a punto dopo un’accurata ideazione e numerose ricerche. Espone in Italia e in Argentina, negli Usa e in Cina, in Spagna e Gran Bretagna. Le sue opere vengono pubblicate da numerosi siti d’arte come “Arte Esclusiva”, “Dimensione Arte”, “Deviant Art”, “Fuori Orbita”. Presto sarà a Dubai, in Giappone per la Fiera dell’Arte di Tokyo e in Corea per la “Kiaf Art Fair” di Seul.
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di Annamaria Cirillo L’arte come sofferenza. Non solo quella che, secondo Andrea Tattoni, è l’elemento che nella vita segna di più l’uomo, ma quella fisica, del gesto artistico: la fatica del lavoro “pittorico”, dell’impegno nella realizzazione di un’opera. E di fatica Andrea ne fa tanta, perché le sue creazioni sono realizzate su supporti non convenzionali (tavole di legno, lastre d’acciaio e, più recentemente, grandi lastre di ferro) e sono, spessissimo, di grandi dimensioni: si va dal 3 metri per 2 di “Sabbia, acrilici” del 1999 fino al monumentale “Grande ferro 1”, una lastra di 2 metri per 2 del peso notevole di circa 60 kg. Proprio il Grande ferro (nome mutuato da un’opera del suo padre spirituale Alberto Burri) è quello che Andrea considera il suo pezzo più importante, la summa della sua arte. Uno spartiacque, che lo pone davanti a un bivio, che fornisce quindi ulteriori interrogativi a un artista alla continua ricerca di sé. Difficile non accostare certi tuoi lavori, perlopiù nei primi periodi, all’arte di Burri, di Fontana, di Mark Rothko. Non temi di essere visto come un imitatore? Inizialmente i miei quadri avevano tutti l’impronta di uno di questi autori, o di tutti insieme. In effetti le somiglianze non sono poche, ma più che essere delle vere e proprie opere, studiate e pensate, erano degli esperimenti, degli studi sulle tecniche e sui materiali. Occorre molta pratica per poter piegare al mio volere materiali che reagiscono alle sollecitazioni più estreme, come il fuoco o gli acidi. Infatti ho cominciato ad essere soddisfatto dei miei lavori solo quando, fuori dalle facili somiglianze, ho trovato una mia voce, senz’altro ispirata al lavoro di quegli artisti ma che ora se ne discosta almeno dal punto di vista estetico. E quando l’hai trovata hai anche ottenuto i primi veri successi: oggi sei un artista quotato, i tuoi lavori sono sparsi ai quattro angoli del pianeta e vengono esposti in Europa, Asia, Stati Uniti. Ti senti “arrivato”? Mi auguro di non sentirmi mai così, vorrebbe dire che non ho più nulla da chiedere all’arte. Invece ogni volta, anche a causa dello sforzo fisico che faccio quando lavoro, a conclusione di un’opera mi sento svuotato, stanco, debole. I dubbi mi assalgono, mille interrogativi mi si pongono davanti. E allora mi rimetto al lavoro, per cercare le risposte. Quando mi sembra di averle trovate, se ne ripresentano delle altre. La mia è una ricerca costante, non solo di me stesso ma anche delle innumerevoli strade che l’arte mi fa scoprire. Sei piuttosto inquieto. Quanto metti di te nei tuoi quadri? Poco. Diciamo che però le mie esperienze si riflettono nel mio lavoro, almeno per quanto attiene ai sentimenti. Credo che le passioni forti, e quindi le forti sofferenze,
Foto Claudio Carella
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DA VENTI ANNI COLTIVIAMO PROGETTI E CONDIVIDIAMO RISORSE PER FINALITÀ DI INTERESSE PUBBLICO E DI UTILITÀ SOCIALE. CREDIAMO NELLA FORMAZIONE, NELLA CULTURA E NELLA RICERCA COME ATTIVITÀ CAPACI DI LIBERARE ENERGIE PER IL BENESSERE DELLA COMUNITÀ E LO SVILUPPO DEL TERRITORIO.
Andrea Tattoni (Fermo 1973) si interessa di arte fin dall’adolescenza, con un percorso di ricerca che lo porta a toccare i diversi campi dell’espressione artistica umana: musica, poesia, fotografia, architettura, design e pittura. Dopo l’Istituto Statale d’Arte, durante il quale inizia a sperimentare su tela e su tavola,s’iscrive all’Istituto Musicale “Suono Ergo Sum”, e contemporaneamente frequenta corsi di pittura e di fotografia. Inizia a viaggiare in Europa (Monaco, Berlino, Parigi)e in America, dove soggiorna dal 1999 al 2001 tra Miami e New York e dove sviluppa la sua ricerca pittorica, frequentando gallerie e studi di artisti, iniziando le primissime collaborazioni, lavorando a stretto contatto con pittori locali e partecipando a collettive di rilievo.È di quel periodo l’incontro con l’arte di Mark Rothko, dalle cui opere rimane “drammaticamente affascinato”. Rapito dalla poetica gestuale dell’espressionismo astratto, studia intensamente la pittura della “Scuola di New York” degli anni ’50, tra i cui nomi spiccano Rothko, Barnett Newman, Clifford Still e Adolph Gottlieb e i pittori dell’“Action Painting” Jackson Pollock, Willem De Kooning e Franz Kline, da cui trae profonda ispirazione per le proprie indagini compositive. Lasciata New York, nella seconda metà del 2001 fa tappa a Londra dove conosce diversi galleristi che, colpiti dai suoi lavori, lo invitano presso i propri spazi espositivi e lo
di Annamaria Cirillo siano ciò che lascia di più il segno sull’uomo, e così tratto i materiali –ferro, legno, acciaio– come un corpo, o un’anima, sulla quale vado a incidere, a bruciare, a strappare, così come fanno le emozioni. E nei lavori, quando li ritengo conclusi, traspare proprio la forza di questi sentimenti. Difficile dire quando un tuo lavoro sia “concluso”: torni mai su un’opera dopo averla giudicata finita? Mi è capitato, e tuttora c’è qualcosa sulla quale mi piacerebbe tornare a intervenire. Ma in genere lascio i lavori così come sono, perché devo pur fermarmi. La mia difficoltà più grande sta nella necessità di governare gli imprevisti, una cosa che Burri sapeva fare molto bene. Ad esempio, bisogna saper trattare la fuliggine, la fiamma, le bruciature di acido, i diluenti. Tutte cose che possono agire in modo diverso da come uno si immagina. Quando lavoravo all’aperto bastava un po’ di vento a mandare la fiamma dove non doveva, creando quindi qualcosa con cui mi trovavo a dover fare i conti. Ecco perché non ho mai usato bozzetti preparatori. Ma adesso hai deciso di cominciare. Perché? Perché il Grande Ferro 1, il mio ultimo lavoro che ho esposto a Milano, racchiude in sé tutto ciò che ho cercato di dire con le mie opere precedenti. È come se fosse un punto di arrivo, cui mancano però le tappe intermedie che invece sono presenti negli altri cicli. Quando l’ho finito mi sono detto: e adesso? Cosa farò dopo? E così ho pensato a cosa avrei dovuto fare prima. Diciamo che questo è il tredicesimo lavoro di una serie di “ferri”, di cui ora mi accingo a realizzare gli altri dodici. Al profano salta subito all’occhio la suddivisione in cicli delle tue opere, così come la mancanza di un vero e proprio “titolo” per ogni quadro. Sì, le opere sono divise in cicli in base ai materiali utilizzati, e lo stesso criterio (i materiali e le tecniche) l’ho adottato per i titoli. Dare un titolo a un quadro significa fornire una sorta di orientamento allo spettatore, indicargli una strada interpretativa. Io invece preferisco che ognuno nelle mie opere veda quello che vuole, cerchi di capire come il quadro vuole essere chiamato. Metto in comunicazione, così, lo spettatore con la sua anima, che viene stimolata dalle sensazioni provocate dalla visione. Le tue opere sono caratterizzate da una forte spiritualità, spesso accentuata anche dall’allestimento museale. Sì, c’è sempre qualcosa di sacro. Ma è una conseguenza dell’arte concettuale: squarciare il velo della realtà fenomenica conduce all’essenza, all’anima, allo spirito. Non sono religioso, o forse sì; non credo in Dio, o forse sì. Ho molti dubbi al riguardo, e comunque mi confronto sempre con la mia parte spirituale.
Art as suffering. Not only mental suffering which, according to Andrea Tattoni, is the element that leaves its deepest traces in men’s lives, but physical suffering, creating art - the labour involved in the painting and bringing together of a work of art. Andrea has to labour hard because his works are executed on unconventional supports (wooden boards, sheets of steel and, lately, huge iron sheets) which are often extremely large - “Sabbia, acrilici” (1999) is 3X2 mt. and the monumental “Grande ferro 1”, a sheet of iron, 2x2mt. weighing about 60kg. The Grande ferro (taken from a work by his mentor Alberto Burri) is the one which Andrea considers his most important work, the peak of his art. A watershed, a turning-point, the sign of an artist forever seeking. It is almost impossible not to liken your works, at least in the early days, to the art of Burri, Fontana and Mark Rothko. Aren’t you afraid of being seen as an imitator? «I think my works all bore the stamp of one or all of these painters at the beginning. In effect, there are many similarities, but rather than real works, they were experiments, studies in technique and materials. It takes a lot of practice to get the materials I use to submit to my will - you need fire and acids. Anyway, I started to gain a certain satisfaction from my efforts when I found my own voice. These artists certainly inspired me but at least from an aesthetic point of view, my personal hallmark has emerged». And when you found it, you also achieved your first real rewards. Today you’re a highly-rated artist, your works are known all over the world and are exhibited in Europe, Asia and the States. Have you reached the top? «I hope I never feel that way - it would mean I’ve got nothing left to say or to get from art. Every time I finish a work, I feel drained, weak and tired. Doubts assail me, new questions arise so the only think I can do is go back to work, to look for the answers. And when I think I’ve found them, still more crowd in on me. I’m constantly searching, not only for myself, but for the many roads art puts before me». You seem a restless person. How much of yourself do you put in your works? «Very little. I have to say though that my experiences are reflected in my work, especially my sentiments. I think that strong passions and great suffering are what really leave their mark on people. This is why I treat my materials - iron, wood, steel - like one would a body or a soul, with cuts, burns and tears, just as emotions do. And when I know I’ve finished a work, I can see the strength of these emotions coming through».
It must be difficult to say when one of your works is “finished”. Do you ever go back to a work when you’ve decided it’s finished? «It has happened, and there are often things I’d like to go back over. But I usually leave things as they are because I’ve got to stop somewhere! My greatest difficulty is controlling the unexpected, as Burri knew well. For example, you have to know how to deal with soot, flames, acid burns and paint-thinner - all things that can behave in unexpected ways. When I used to work outdoors, all it took was a puff of wind to send the flame where it wasn’t supposed to go creating something I then had to work with. This is why I’ve never used preparatory sketches». But now you’ve decided to start. Why? «Because the “Grande Ferro 1”, my latest work which I exhibited in Milan, sums up everything I’ve ever tried to say in my previous works. It’s as if it were a winningpost, with the previous laps missing - though these can be found in my other series. When I finished it I said “what now? What’ll I do next?” And so I started thinking about where to begin again. Let’s just say that this is the thirteenth work of a series of “irons”; now I have to do the other twelve». The amateur art-lover can’t fail to notice how your work is divided into cycles, and that the single works lack a “title”. «Yes, the works are divided into cycles on the basis of the materials used, and I have used the same criterion (materials and techniques) for the titles. Giving a work a title means directing the onlooker’s reactions along a particular road. What I prefer is that everyone should see what he wants in my works and tries to understand what each picture wants to be entitled. I like to think I’m putting the onlooker in touch with his soul, which is stimulated by the sensations evoked by the painting». Your works have a strongly spiritual element, often accentuated by the way they are displayed in the gallery. «Yes, there is always something sacred. But this is a consequence of conceptual art. Ripping the veil of reality leads to the essence, to the soul or the spirit. I’m not religious, or maybe I am; I don’t believe in God, or maybe I do. I have many doubts on this score, but I’m always prepared to meet my spiritual side».