вернисаж by Елена Панина

СПЕЦИАЛЬНЫЙ ВЫПУСК 2012

ВЕРНИСАЖ ИНФОРМАЦИОННО - ИЛЛЮСТРИРОВАННЫЙ ЖУРНАЛ

Цветочный натюрморт Говард Беренс Соколов Петр Федорович

Тсуге Аяко Плененые вазы Арчибальд Торберн

Pobert Laessig

ВЕРНИСАЖ

СПЕЦИАЛЬНЫЙ ВЫПУСК

2012

ИНФОРМАТИВНО-ИЛЛЮСТРИРОВАННЫЙ ЖУРНАЛ

СОДЕРЖАНИЕ ФОТОГАЛЕРЕЯ Цветочный натюрморт www.liveinternet.ru

ПЕЙЗАЖИ Говард Беренс www.babyblog.ru

Природа - главный учитель

КОНКУРС

МОЙ МИР ИСКУССТВА условия конкурса стр. 34

www.liveinternet.ru

АКВАРЕЛЬ Тсуге Аяко

Главный редактор:

Панина Елена Владимировна

www.liveinternet.ru

ПОРТРЕТ Соколов Петр Федорович http://www.ikleiner.ru

Адрес редакции:

г.Тараз ул.С.Тюленина 3 По вопросам распространения:

тел. 8 72622 79104 МАСТЕРСКАЯ УЮТА Плененые вазы

Тираж: экз. Цена свободная

www.liveinternet.ru

КАЛЕЙДОСКОП Арчибальд Торберн www.liveinternet.ru

Говард Беренс

Фотогалерея

ЦВЕТОЧНЫЙ НАТЮРМОРТ

Ходюков Александр

Потапов Сергей

Robin Lucile Anderson

Малых Евгения

Павлова Мария

Скрипченко Людмила

Славова Снежана

Хомчик Анна

Ходриен Рой

Пейзаж

ГОВАРД БЕРЕНС "СОЛНЕЧНАЯ ЕВРОПА"

Летом, когда земля покрывается

зеленым ковром трав, а на лугах, в лесах и садах распускаются цветы, в альбомах юных художников появляются первые акварельные и карандашные этюды растений. Восхищение неисчерпаемыми чудесами природы естественно выражается в ее изображении. Велико значение таких зарисовок: это не просто тренировка руки и глаза, а познание окружающей действительности и одновременно одна из эффективных форм художественного образования. Представления о гармонии непосредственно исходят от природы, и растительный мир играет здесь далеко не

Кондаков Антон

рисуют и пишут растения. Однако впервые дни работы неудач куда больше, чем достижений. Вместо привлекательных и художественно полноценных образов на листах бумаги и картона получаются сумбурные путаные формы, в цвете, рисунке которых почти нет ничего от богатства окружающей природы.Изображать растения вовсе не просто. Тут требуется максимум внимания, настойчивости, методичности, а главное – знаний того, что делаешь. Всякий поверхностный, недобросовестный подход, игнорирование ненужных на первый взгляд деталей приводит к неудаче. Форма растений различна по конструктивной сущности, пластике, художественному очарованию. Кроме того, приходится встречаться со всевозможными ракурсами, сложнейшей ритмикой и переплетением форм, с неожиданными цветовыми нюансами. Почти все отличают ромашку от одуванчика, но на поверку оказывается, что мало кто может верно, описать вид их листьев. Присев отдохнуть в высокой траве, многие не могут узнать самых общеизвестных растений, так как угол зрения становится необычным для глаза.Поэтому первое правило – вдумчиво рассматривай то, что хочешь изобразить. Процесс этот неспешный. Он включает в себя анализ формы и осознание красоты ее построения. Нужно научиться любоваться самой незаметной придорожной травкой и понять, что она так же красива, как и заморская орхидея. Мало того, она – художественно

ПРИРОДА - ГЛАВНЫЙ УЧИТЕЛЬ последнюю роль. Цветы издревле являются содержанием многих натюрмортов, деревья и кустарники вошли неотъемлемой частью в картины крупнейших мастеров живописи, растительный орнамент характерен для всего прикладного искусства. А сколько плодотворных идей черпают в мире растений архитектура и современный дизайн! Начинающие художники часто

ВЕРНИСАЖ специальный выпуск

совершенна, и все зависит от того, чтобы увидеть это и суметь воплотить в живописи или рисунке. Рассматривать растение необходимо с разных сторон, иначе листья и плоды помешают увидеть конструкцию, взаимосвязь элементов и наиболее интересные фактурные особенности. Если это дерево – лучше обойти его вокруг. Небольшой цветок хорошо будет виден на фоне белой

рисовальной бумаги (и не обязательно для этого срывать цветок, ведь можно возле него положить лист бумаги). В итоге выбирается удобное место, позволяющее с полнотою раскрыть характер растения. Изображают не только одно растение, иногда возникает потребность в их группировании. Это усложняет композиционный поиск, но положительный результат искупает трудности. Группирование не должно переходить в форму объемистых «богатых» букетов, где цветы, стиснутые в стеклянной банке или вазе, находятся в неестественном состоянии. Посмотрите, как классически просто компонуют расположение букета в своих произведениях такие разные по времени художники, как Е. Романова, А. Васильев, И. Левитан. Следующий этап – выбор материала и приема его использования. Зарисовки на природе делаются карандашами разных сортов и цветов, соусом, сангиной, углем, пером, тушью.

Волков Ефим

Но не только. Широкими техническими возможностями обладает кисть. Умение рисовать кистью – один из важнейших навыков художника. Она чутко реагирует на малейшее изменение давления руки, и след от нее, чем бы ты ни пользовался: акварелью, тушью или соусом – получается более живым, чем, например, от пера авторучки.

Липаев Андрей

Альбом или папка для бумаги должны быть в этом случае соответствующего, удобного размера. Кроме того, можно делать кистью быстрые зарисовки и в технике темперной или масляной живописи – одним или двумя цветами. Польза таких занятий огромна. Именно здесь происходит знакомство со сложнейшими моментами чисто «живописной кухни». Обычно цель зарисовок – познание строения растений. Анализ форм в это время можно считать первичноознакомительным. Идет привыкание к необычным пропорциям, изучение взаимосвязи изображения и материала, понимание особенностей компоновки, композиции. Изобразительные средства могут быть разнообразными. Важно, чтобы на несложных мотивах художник «почувствовал» растение. Обратите внимание на рисунок А. Лаптева «Листья огурца» или на натюрморт, написанный Валентином Серовым в возрасте пятнадцати лет. Казалось бы, чем привлекли внимание мастеров обычные растения и плоды? Но с какой достоверностью, с каким художественным тактом они переданы! Окружающий нас мир, в том числе, конечно, и растительный, интересен и чрезвычайно многообразен. Чем больше вы будете его изучать с карандашом и кистью в руке, чем больше будете писать и рисовать, тем больше сделаете для себя открытий там где, казалось бы, уже нечего открывать. Знакомство с основными типами изображения растений послужит для вас еще одной ступенью бесконечной лестницы

художественного совершенствования. При обучении изобразительной грамоте переход от работы в помещении к пленэру особенно сложен. Природа так богата и интересна, что начинающий художник теряется. Самое увлекательное – это делать открытия. Нет двух одинаковых листьев, двух одинаковых яблок, что одни и те же цвета могут быть гармоничными в одних сочетаниях и дисгармоничными в других. Рассматривать надо всю гамму красок вместе, а не отдельно каждую, цвет пишется таким, каким становится в совокупности с другими. В мастерской постигаются удивительные тайны восприятия цвета, тона, материальности предметов. Линии рисунка постепенно становятся пространственными.

Шурганов Владислав

Первые натюрморты – это чаще всего овощи или фрукты, обязательно настоящие, не муляжи. Фрукты лучше выбирать локально окрашенные, чтобы легче было проследить изменение тона, а, следовательно, легче вылепить их форму. Натюрморты можно усложнить – ввести фрукты с мягким переходом от цвета к цвету, например, желтое яблоко с красным бочком. Такие постановки полезны для освоения сложной техники акварели, выполнять их лучше на небольших листах бумаги, примерно 20x30 сантиметров. Затем в постановки вводятся простые предметы домашнего

ВЕРНИСАЖ специальный выпуск

обихода цилиндрической или конической формы, желательно светлой окраски, без украшений. В начале лета необходимо выходить на пленэр. Работа на природе специфична: большие пространства, обилие света, цвета и воздуха, постоянно меняющаяся погода. Главное же, пейзаж – это не простая копия с натуры, а выявление отношения к ней настроения, переживания. Чем богаче чувства, тем содержательнее и глубже будут этюды учащихся. Вот тогда особенно важно найти связь с предыдущими, уже освоенными в классе заданиями. Ближе всего к натюрморту – «микропейзаж». Это малые природные формы: цветы, листья, ветки, камни, пеньки, детали построек, например, крыльцо, окно, скамейка. Натуру надо отбирать тщательно. Можно найти интересное дерево или группу деревьев, заранее проверить, как они освещаются солнцем, есть ли рядом для сравнения деревья других пород. Важно обращать внимание на фактуру предметов, характер материала, из которого они сделаны, на пластику форм. Избегайте механической и однообразной штриховки. Самой невыразительной бывает штриховка под прямым углом, крест-накрест, она лишает рисунок динамичности, словно марлей покрывая его, отчего изображение становится скучным, вялым. При штриховке следите за формой предмета. Рисунок и без штриховки может быть выразительным, если умело пользоваться линией, диапазоном ее тональных возможностей от самой тонкой и легкой до широкой и темной, положенной плоскостью грифеля. Желательно иметь несколько простых карандашей различной твердости, от Т до ЗМ и мягче. Затачивают их острым конусом и лопаткой, во время работы поворачивают грифель по мере надобности то тонкой, то широкой стороной. Карандашные зарисовки хорошо чередовать с зарисовками пером, которые также выполняются на листах небольшого размера, ведь обработать пером большую поверхность – дело сложное, требующее много времени и умения. Зарисовки пером дисциплинируют, вырабатывают зоркость глаза, твердость руки, культуру

обращения с материалом. Эти качества необходимы и в живописи. Живопись развивает чувство цвета, глаз начинает различать тончайшие оттенки в процессе длительной практики и внимательного наблюдения натуры. Секреты красок, их сочетаний, пропорции их смешения постигаются не сразу. Поэтому постановки в учебной аудитории и натюрморты на пленэре должны быть ясными по цвету, простыми, привлекательными. Следует помнить, что при работе над сближенными цветовыми отношениями глаз быстрее утомляется и перестает различать сложные цветовые нюансы. В природе пространство объединяет и согласует светом даже самые яркие краски. Постижение законов воздушной перспективы поможет передать глубину пространства и натюрморта, и пейзажа. В живописном пейзаже важно не только смысловое содержание, но и пространственно-пластическое решение, чувство трехмерности природы. Замечательный русский живописец и педагог Г. К. Савицкий говорил: «Природа нас слишком прельщает красотой и многообразием своих форм, и если вы возьметесь за их выражение, не умея решать более простые, несложные сюжеты, не умея дисциплинировать и последовательно ставить себе задачи, то результатом будет срыв в работе. Надо воспитывать в себе умение последовательно ставить посильные задачи». Произведение искусства, даже сложное, состоит из множества относительно простых элементов. Начинающему художнику следует обратить пристальное внимание на изучение этого множества простых элементов, понять их суть. Ведь каждая натурная зарисовка, каждый этюд обогащают память и фантазию, помогают в работе по представлению. Овладев грамотой, вы сможете выразить свои мысли и чувства в натюрморте, пейзаже, сюжетной композиции. К организации занятий на пленэре надо отнестись очень серьезно. Этюдники, удобные для масляной живописи, в работе с акварелью не удовлетворяют необходимым требованиям. Лучше всего использовать небольшую, примерно 40x50 см или 50x60 см доску (фанера), которая вкладывается в специально

сшитый мешок с карманами и отделениями для складного стульчика, красок, карандашей и кистей. Мешок наши учащиеся конструируют сами, по своим чертежам. Носят его, как и этюдник, на плече. На горизонтально лежащей доске акварелью писать лучше, можно избежать потеков, красочный пигмент ложится ровно, но самое главное – рука устает меньше. Работая на пленэре, чередуйте рисунок и живопись. Одни и те же предметы полезно и написать и нарисовать. Одна из распространенных ошибок начинающих: они с одинаковым вниманием детально анализируют и свет, и тень в пейзаже.

Тихомиров Березы

Поэтому, прежде чем приступить к этюду, надо решить, исходя из натуры, что тщательно прорабатывать, а что взять более широко, обобщенно. Наполненная творческим трудом летняя пленэрная практика дает хороший творческий заряд самостоятельной работе. А ведь она имеет исключительное значение для юного художника, закрепляет полученные знания, формирует творческое лицо учащегося. Внимательный и пытливый ученик всегда найдет для себя натуру – наблюдайте, рисуйте, удивляйтесь, учитесь! Тот, кто чувствует природу, понимает ее, узнает много тайн, доступных только наблюдательному, доброму и любознательному человеку. «Мы в природе соприкасаемся с творчеством жизни и соучастием в нем, присоединяя к природе прирожденное нам чувство гармонии», – говорил писатель М. М. Пришвин. Действительно, только человек способен чувствовать гармонию природы, ее красоту, радость ее открытия и восторг наслаждения ею, только человек с развитыми эстетическими чувствами может быть умным и добрым хозяином на нашей прекрасной земле. етство особенно восприимчиво к красоте. Детские яркие впечатления сохраняются на всю жизнь. И именно с детства надо воспитывать в себе художника, когда глаза широко и любознательно смотрят на мир, а душа чиста и непосредственна и вся жизнь, вся учеба, все творческие открытия еще впереди. Лето – лучшая пора для работы над пейзажем, ведь можно долго писать под открытым небом, да и природа предлагает огромный выбор сюжетов, самую разнообразную натуру. Однако, прежде чем выйти на пленэр, желательно приобрести некоторый опыт, навыки работы. Лучше всего писать натюрморты дома, на первых порах составляя их из самых простых по форме и сходных по окраске, хорошо знакомых предметов домашнего обихода. Пейзажистом можно стать, только пройдя основательную школу натюрморта, она дает отличную возможность изучать цветовые отношения предметов, передавать их материальность, фактуру. Это не значит, что на природу следует выходить лишь тогда, когда всем этим в совершенстве овладеешь. Кстати, и натюрморт можно перенести на открытый воздух: положить скатерть, крынку для молока, огурец, черный хлеб... И писать его уже с учетом особенностей пленэра.

ВЕРНИСАЖ специальный выпуск

Натюрморт в домашних условиях и на открытом воздухе поможет овладеть рисунком, умением компоновать. Без этого, прежде всего без уверенности в рисунке, бесполезно браться за кисти и краски. Живописец просто обязан рисовать отлично. Когда вы ставите натюрморт, продумайте, как лучше расположить предметы, постарайтесь так его скомпоновать, чтобы он выглядел уравновешенным, цельным и интересным по цвету. На первых порах лучше писать на картоне. Дело в том, что фактура холста мешает работать, отвлекает начинающего художника. Кроме того, возникают трудности при натягивании холста на подрамник. А писать на холсте, прикрепленном к подрамнику кнопками, как это иногда бывает, нежелательно. На картоне писали многие выдающиеся художники. Например, А. Иванов создал свои знаменитые этюды к полотну «Явление Христа народу» на картоне и бумаге Только будучи уверенным в правильностипредварительного рисунка, можно начинать работать красками. Живопись строится на цветовых отношениях. Вот белая скатерть на столе. Чашка на ней – тоже белая. И сливки в чашке вроде бы того же цвета. Но все эти белые цвета разные! Мастерство живописца в том и состоит, чтобы выявить тонкие цветовые взаимоотношения предметов, их характерные материальные особенности. Выходить на природу нужно, заранее подготовившись, этюдник должен содержать все необходимое: краски, разбавители, масло льняное, кисти, мастихин. Поскольку этюды ваши поначалу будут небольшого размера, кисти лучше использовать щетинные, плоские № 3, 5, 8 или колонковые. Не забудьте о карандашах для подготовительного рисунка, углем на первых порах пользоваться не стоит. Итак, вы вышли в поле, в рощу, к берегу реки. Что писать, какой найти мотив для этюда? Для начала можно выбрать даже не пейзаж, а какое-нибудь дерево – ведь оно, как правило, является частью пейзажа, нередко «держит» всю композицию.

Определите место, откуда изображаемое дерево – береза, дуб, елочка – смотрится наиболее выигрышно, выразительно, лучше видна его конструкция. И не спешите приступать к работе! Не бойтесь потратить время на то, чтобы любовно вглядеться, вчувствоваться в это дерево, понять его форму. Компонуя дерево на картоне, старайтесь оставить место для неба и земли. У каждого дерева особый характер и ствола и кроны. Умейте уловить изгиб ветвей, особенности их строения. Начинать надо с наиболее крупных форм, постепенно переходя к мелким деталям. Так скульптор из куска гранита делает фигуру: сначала вырубает ее общую массу, затем постепенно руки, начинает выявлять детали. Пусть вам не покажется излишней тщательная, детальная проработка мельчайших подробностей натуры. Опыт величайших мастеров живописи убеждает, что такое дотошное изучение – необходимое условие овладения мастерством. Но при этом не должна быть утрачена цельность изображения. Сначала прокрывают землю, теневые части деревьев, потом начинают писать более светлые. Пейзаж можно выполнить в один сеанс и в несколько – в зависимости от состояния погоды. Работая на пленэре, постепенно усложняйте задачи. Пишите деревья на берегу ручья, различные постройки. В любом случае, прежде всего, заботьтесь о выразительном композиционном решении этюда. Заостряйте внимание на главном, не злоупотребляйте излишними подробностями – стремитесь отобразить самое существенное, характерное в природе, передать ее настроение. Сразу же старайтесь покрыть краской все части картона, не оставляйте светлой поверхности грунта, которая будет вам мешать. Больших-то мастеров это не смущало: они уже в воображении видели картину завершенной. Стремитесь точно определить и передать тоновое и цветовое соотношение земли и неба, глубину пространства. Полезно прищуриться, тогда тональные различия будут заметнее. Это поможет избежать дробности изображения. Все время стремитесь сохранить первоначальное, целостное впечатление от пейзажа. Перед вами постоянно будут возникать

интересные задачи. Например, как уловить образ плывущего облака? Приглядывайтесь к наиболее подходящим по форме «вечным странникам». Небо – самая капризная и сложная часть пейзажа. Его не следует перегружать красками, оно должно дышать. Художник Н. Ромадин советовал: «Добавь к ультрамарину изумрудки – и небо станет теплее, воздушнее, обретет прозрачность». Второй слой краски можно прокладывать, даже когда первый еще не подсох. Но такая многослойность вовсе не обязательна. К. Коровин, например, писал густо в один слой. В конце работы все кисти нередко становятся одного цвета, но все же надо твердо придерживаться правила: для неба должны быть отдельные кисти.От художника требуется умение писать быстро: ведь природа – капризная «натурщица», в ней все мгновенно меняется – в зависимости от освещения, времени суток, погодных условий. Репин даже во время официальных собраний окурок, спичку макал в чернила и рисовал. В книге «Далекое близкое» он пишет о том, как важно делать множество набросков с натуры, и вспоминает, как однажды показал пейзаж, выполненный по впечатлению от поездки на Волгу, Шишкину. Тот сразу же понял, что это было написано без предварительного изучения натуры, «по воображению». Однако необходимо развивать способность сохранять в памяти впечатление от увиденного. Если не успели дописать пейзаж – постарайтесь обязательно докончить его дома. А потом сопоставьте получившееся с натурой. Изучайте, анализируйте с карандашом в руке природные формы: траву, цветы, листья. Как музыкант развивает слух, так художник должен тренировать глаз. Для этого полезно пописать не только маслом, но и акварелью, стремясь сначала одной краской передать цветовые отношения, материальные качества предмета. Работайте над иллюстрациями к прочитанным книгам, создавайте композиции, в которых бытовой жанр сочетался бы с пейзажным. Помните, главное – ни одного «пустого» дня, без хотя бы одного-двух набросков, этюдов. Егор Черноруков

Акварель

ВЕРНИСАЖ специальный выпуск

ТСУГЕ АЯКО

ВЕРНИСАЖ специальный выпуск

Портрет

Петр Федорович Соколов (1791 -

1848) был первым в России мастером акварельного портрета, который в 20-х - 40-х годах прошлого века вытеснил в русском искусстве портретную миниатюру - маленькие, иногда совсем крохотные изображения, исполненные при помощи лупы акварельными красками по дереву, металлу, фарфору, слоновой кости. Родился в обеспеченной московской семье. Отец - заядлый картёжник, проигрался, и за долги дом и все имущество были описаны, так что в 1800 году его жена была вынуждена поехать с малолетним сыном в Санкт-Петербург, с надеждой пристроить ребенка куда-нибудь на казенный счет. Единственным местом могла стать Академия художеств, в которую на иждивение и обучение набиралималолетних отроков,

Сарра

СОКОЛОВ ПЕТР ФЕДОРОВИЧ как правило, сирот или мальчиков из среды бедных людей вольного звания. Имея некоторые связи в столице, матери удалось осуществить задуманное, так Пётр Фёдорович был принят в воспитанники Академии, где учился под руководством профессора В. Шебуева. Окончив в ней курс в 1809 году с малой золотой медалью, полученной за картину: «Андромаха оплакивает своего павшего в битве супруга Гектора», и со званием художника XIV класса, был оставлен при Академии для дальнейшего усовершенствования. По окончании курса Соколов, не получив первой золотой медали, дающей право на поездку за границу за казенный счет, вышел из Академии со званием «свободного художника». Ему пришлось давать частные уроки по домам, где он находил себе пристанище. Это было время увлечения акварельной живописью «в домашнем роде»: многие богатые дилетанты считали нужным брать уроки у профессионалов. Портрет графини О. А. Орловой

ВЕРНИСАЖ специальный выпуск

Художник стал заниматься графическим портретом, исполненным в технике итальянского карандаша, а затем и акварелью с большим успехом. Благодаря этим портретам, круг знакомств его очень скоро расширился и со временем на этом поприще он приобрел широкую известность. Во времена, когда ещё не было фотографий, быстрота исполнения, возможность фиксировать образ без многочисленных и утомительных сеансов позирования, воздушность колорита, акварель пользовалась успехом в высших и средних слоях русского общества. Акварельные портреты заказывались всеми членами царствующего дома, аристократами, великосветскими красавицами, высшими военными чинами, министрами, дипломатами. Иметь свою домашнюю коллекцию акварелей до 1917 года считалось признаком хорошего тона и благосостояния. В ту пору, было принято заказывать графические портреты близких, друзей, родных. Такие портреты сопровождали владельцев и в путешествиях, и дома; их вешали на стену или ставили на стол. Необыкновенным успехом пользовались его «свадебные» портреты. Забавным свидетельством тому служат слова одного из заказчиков: «Мы теперь без вас, Петр Федорович, не можем обойтись как без попа, если же не благословите вашей талантливой рукой, то и брак считается недействительным». В 1821 году по рекомендации флигельадъютанта графа С.Ф.Апраксина, с которым П.Ф.Соколов был дружен, художника пригласили для работы в Аничков дворец. Удачно исполнив портрет трехлетнего великого князя Александра Николаевича, будущего императора, он стал получать заказы от императорского дома. Соколов, выполнявший так много заказов двора, при всем его необыкновенном таланте и популярности так и не удостоился звания придворного художника. И, тем не менее, заказы двора способствовали росту славы художника. Из желающих иметь портреты Соколова образовалась «живая очередь», и многим приходилось дожидаться начала сеанса иногда по месяцу. Общество избрало для себя «художника-фаворита».

Князь П.А. Вяземский

Портрет А.П. Голицыной

Акварельные портреты Соколова отличаются тонкостью характеристик, им свойственна легкая, подвижная манера письма. Художник стремился избегать детализации в рисунке, отказывался от многоцветия в колорите, умело подбирая красочные полутона. Соколов писал акварелью, не прибегая к белилам и не нанося предварительного карандашного контура. Прозрачность и чистота акварельных красок, когда сквозь них просвечивает белая бумага, точность моделировки, свобода и виртуозность красочного мазка делают портреты, созданные Соколовым, живыми и естественными. Лицо художник прорабатывал детально мелкими точечными мазками, фигуру и одежду писал свободно и широко. Фигуры на портретах (особенно женских) выглядят воздушными, словно бы очерченными штрихами. Он стал работать чистой незамутненной краской, что позволило ему в лучших своих вещах передать богатство эффектов игры света и тени. Впервые о художественном методе П.Ф.Соколова написал его младший сын, художник-акварелист академик А.П.Соколов. Он отмечал, что отец никогда не прибегал к смывкам, притираниям, сглаживаниям. «С замечательной смелостью, правдивый тон лица, платья, кружева аксессуара или фона ложился сразу в полную силу. И детализировался смешанными, преимущественно сероватыми тонами, с замечательною прелестью и вкусом, так что ход кисти, её удары, спускание краски на нет, оставались на виду, не мешая полной законченности всех частей. От этого в работах его никогда не было заметно никакой замученности и труда; все выходило свежо, легко и вместе с тем, рельефно и эффектно в красках». Работал Соколов всегда очень быстро. Иногда портрет писался им в один сеанс на так называемой бристольской бумаге, иной раз употреблял и ватманскую бумагу. Портреты работы Соколова поражают тонкостью характеристики, безукоризненной композицией, виртуозностью художественного мастерства, богатством и согласованностью красок. Вместе с акварельными портретами кисти К. П. Брюллова они составляют лучшее, что дал русский камерный акварельный

Графиня Ю.П. Тизенгаузен

М.П. Кикина (1816-1856) в замужестве Волконская

ВЕРНИСАЖ специальный выпуск

портрет первой половины XIX века. Кстати сказать, К. П. Брюллов и его брат А. П. Брюллов были товарищами Соколова по Академии художеств. Семья Брюлловых питала к художнику самые дружеские чувства. Со временем Соколов породнился с братьями Брюлловыми, женившись на их сестре Юлии Павловне. Соколов создал целую портретную галерею известных людей первой половины XIX века и их окружении. Портреты русских поэтов, художников, политических деятелей, артистов, в том числе А. С. Пушкина, его друга П. А. Вяземского, героя Отечественной войны 1812 года генерала Н. Н. Раевского, декабриста Н. М. Муравьева, знаменитой певицы и близкого друга И. С. Тургенева П. Виардо-Гарсиа, скульптораанималиста П. К. Клодта. В 1839 году Соколов получил звание академика “по части портретной акварельной живописи”. Вскоре художник поехал во Францию с целью поправить здоровье своей жены. Будучи в Париже, он написал портреты многих лиц тамошней русской колонии. Иностранные знатоки искусства высоко оценили работу Соколова; его усиленно приглашали в Лондон, но он отказался и в 1843 году возвратился на родину. Последние годы жизни художник провел в Москве, которую очень любил. Сердечная дружба связывала Соколова с Е. И. Маковским - основателем Московского художественного класса, из которого возникло Московское училище живописи. Хорошо знал Соколов и многих других представителей передовой московской интеллигенции. Умер Соколов в расцвете творческих сил во время эпидемии холеры. Соколов был главой целой семьи художников. Его старший сын, Петр Соколов (1821-1899)-известный художник-жанрист, иллюстратор и портретист. Средний - Павел Соколов (1826-1906) - иллюстратор, создатель многочисленных рисунков и акварелей к произведениям А. С. Пушкина и А. С. Грибоедова. Младший сын П. Ф. Соколова - Александр Соколов (18291913) подобно отцу специализировался на акварельных портретах, но уступал ему в таланте и мастерстве. М.А.Ocтpoвский

Портрет А.О. Смирновой - Россет

А.А. Бобринский

Мастерская уюта

ВЕРНИСАЖ специальный выпуск

ПЛЕТЕНЫЕ ВАЗЫ

ВЕРНИСАЖ специальный выпуск

Калейдоскоп

АРЧИБАЛЬД ТОРБЕРН

КОНКУРС

Эдуард Тингатинга “Африканский слон”

МОЙ МИР ИСКУССТВА О

казавшись на природе, мы мечтаем взять в руки кисть и написать прекрасный пейзаж, передать движение облаков и красоту старинных улочек, запечатлеть своих родителей и друзей. Много фантазировать в свое удовольствие, украшая свой дом удивительными изделиями, такими, каких не найдешь ни в одном магазине.

Африканский стиль является воплощением динамики, экспрессии, бьющей через край жизненной энергии и стремлением обрести чистоту взгляда на мир, присущую неиспорченному цивилизацией сознанию. Визитной карточкой черного континента стали слон, буйвол, жирафа, зебра, барабаны, маски, украшения. Цвета Африки - яркие, теплые, порой даже жаркие, - напоминают африканские пустыни и саванны. Это в первую очередь цвета пламени: оттенки красного, желтого, оранжевого, кирпичного, а также все оттенки коричневого: от песчаного, палевого и терракотового до цвета обугленного дерева. Контраст красного и черного. Оливковый и цвет топленого молока словно противостоят “обжигающим” солнечным и “жженым” оттенкам.

ЛУЧШИЕ РАБОТЫ В АФРИКАНСКОМ СТИЛЕ НА СТРАНИЦАХ ЖУРНАЛА Яркие, красочтые "тингатинга" - диковинные животные и птицы невообразимых цветов, растения и люди, пестрый орнамент, незамысловатый бытовой сюжет.

призовой фонд 10000 тенге Присылайте цветные фотографии разрешением 300 dpi

elena_panina66@mail.ru тема мой мир искусства

Панина Елена

Кустанович Дмитрий