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TU REVISTA DE TEATRO
Grease, el musical de tu vida (Nuevo Teatro Alcalá), Boris Godunov (Teatro María Guerrero), Sonata de Otoño (Teatro Bellas Artes), Cómeme el coco, negro (Teatro Compac Gran Vía).
N. 88 SEPTIEMBRE 2008
Portada
TEMPORADA’08-09 EMPIEZA EL ESPECTÁCULO Reportaje PUERTA DEL SOL Reportaje TEATRO A DOMICILIO
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GRAN ENSAYO Por Esther Montero. Fotos: Jaime Villanueva.
DESPERTARES Y CELEBRACIONES DOLOR TRAGICÓMICO Algunos acontecimientos recientes en la vida pública española tienen mucho que ver con la decisión de Cristina Rota de contar ciertas cosas sobre la realidad que ella vivió en su Argentina natal, años antes de que se instaurara una dictadura y tuviera que buscar refugio en España. Junto a Juan Diego Botto, su hijo, ha escrito Despertares y celebraciones, una obra coral tragicómica que protagonizan Alejandro Botto, Maru Valdivielso y Marta Etura. Será en el Centro de Nuevos Creadores, a partir del 12 de abril.
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Esta obra, cuenta Cristina Rota, nace tras treinta años de silencio. Mis hijos ya son grandes y de pronto es como si a mí se me abriera algo. Lo dice Malena, la protagonista: la nitidez del dolor me llegó tarde. No fui consciente del dolor hasta recién ahora. Y odio el victimismo y salir a la luz como víctima o familiar de víctima, disfrutar de un cierto privilegio de víctima, que es justo lo que está pasando ahora en España. Se está utilizando políticamente para mal y se está bastardeando la sangre derramada. Bastante premio es, a veces, seguir vivos.
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Todo sucede en el ambiente de la clase alta argentina y la acción podría situarse entre los años 1973 y 1974. Los militares, cuenta Cristina Rota, que también dirige la función, tenían una consigna: el que caía, el que era atrapado por subversivo y era hijo del sector de clase alta o militar, era irrecuperable, con lo que había que matarlo, porque ideológicamente estaba convencido. En cambio, uno de clase baja era recuperable, porque se pasaba con los subversivos por pobre. Entonces, cambiando las condiciones de vida, se le podía convencer. Malena, la protagonista (Marta Etura), ve caer a su hermano y despierta, toma conciencia y cae también.
Cristina Rota y Juan Diego Botto partieron, para acometer la dramaturgia de esta obra, del año 1955, año en el que, según la directora, la derecha comenzó a usar el lenguaje de la izquierda: en el 55 al golpe de estado lo llaman revolución libertadora y la libertad se convierte en la palabra favorita de la derecha, donde todos se llamaban a sí mismos liberales. Los militares lo controlaron todo, política, economía, comunicación, hasta desembocar en la situación de 1976. Cuando transcurre la historia que cuenta la obra, Buenos Aires está bajo el toque de queda.
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GRAN ENSAYO Celebraciones y despertares es una tragicomedia que se desarrolla durante una fiesta de clase alta, una noche en la que emergen conflictos y miedos, con la importante presencia de un estratega de los servicios de inteligencia. Paralelamente, se produce el encuentro de una mujer y un atractivo joven. Él representa a ese chico fino, hijo de militares, que tenía trato con tu familia o era familiar directo, siempre de buenas... No se le veía venir, era el más hijo de puta, afirma Cristina Rota.
Rota tenía muy claro que la obra tenía que suceder como una celebración. Empecé a escribirla, cuenta, muy convencida, pero me bloqueé. Llamé a Juan y le conté. Entonces yo iba improvisando, escribía algo, planteábamos situaciones juntos y él lo cazaba todo al vuelo. Tiene un talento para los diálogos increíble. La obra es, en definitiva, un puzzle de escenas que cobra sentido a medida que avanza hacia el final.
La puesta en escena es sencilla, pero difícil. La luz tiene una gran importancia a la hora de delimitar espacios y jugar con los extremos y las sombras. Todo es muy cinematográfico, señala la directora, muy recortado sobre un fondo blanco, con telas y transparencias.
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TEATRO FAMILIAR I EL MAGO DE OZ de Frank Baum La compañía La Bicicleta del Teatro Sanpol, en coproducción con el Polka Theatre for Children de Londres, trae de nuevo a su escenario el montaje de El mago de Oz, uno de sus trabajos más celebrados que vio la luz por vez primera en octubre de 1995 y que se ha repuesto en varias ocasiones, siempre con gran repercusión entre el público. Dorita y su perro Toto vuelven a recorrer el camino de baldosas amarillas que lleva a Oz y vuelven a toparse con sus entrañables amigos: Espantapájaros, León y Hombre de hojalata. Aunque la malvada Bruja del Oeste acecha en la sombra, ellos siguen buscando bajo las estrellas, sobre el arco iris y siempre más allá, al fabuloso Mago de Oz. Teatro Sanpol | A partir del 10 de enero | Dirección: Roman Stefanski | Intérpretes: Eva Diago, Feliz Fernández y Olga Crespo, entre otros | hSáb. y dom. 18 h | b12 y 15 €.
NYX Y NOX Nyx y Nox son dos niñas que nos conducen a un mundo de fantasía a través del universo del circo. Acompañadas de Kim, un espíritu protector, inician un viaje de búsqueda de la ilusión perdida. En el camino se encontrarán artistas de circo, animales mágicos, pingüinos o hipopótamos rosas. Esta es la historia que vertebra un espectáculo de emoción y riesgo pensado para el disfrute de toda la familia. Se han reunido para la ocasión funambulistas de gran altura (nunca mejor dicho) como Los Simet, payasos como Kim León, acróbatas como el Dúo Nikulín o equilibristas como Dimitry Prudnikov, acompañados de la música que ejecuta la Orquesta del Price. Todo bajo la batuta de David Larible, uno de los más notables clowns de la actualidad internacional. Teatro Circo Price | Hasta el 18 de enero | Dirección artística: David Larible | Artistas: Nemore Jarz, Dimitry Prudnikov y Yuliya Raskina, entre otros | hConsultar teatro | b10-32 €. 16
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REPORTAJE Por Esther Montero. Fotos: Stewart Hemley.
ROYAL SHAKESPEARE COMPANY AIRES DE TRAGEDIA
Gozosa cita, ineludible. Del 24 al 26 de mayo, la Royal Shakespeare Company recala en el Teatro Albéniz con su sabia comprensión del arte interpretativo al servicio de Coriolanus, dirigida por Gregory Doran y con William Houston, Janet Suzman y Timothy West en los papeles principales. Entre el drama político y la tragedia, la obra analiza, según Doran, la naturaleza del poder político. Los nazis y Brecht vertieron en ella su ideología; la RSC opta por la neutralidad y por que sea el espectador quien encuentre su sentido.
Para T.S. Eliot Coriolanus era la mejor tragedia de Shakespeare. Bernard Shaw se refería a ella como ¡la mejor de las comedias!, apelando a su aspecto grotesco. Harold Bloom, uno de los mayores estudiosos del dramaturgo inglés, argumenta que más aún que Julio César y Enrique V, éste es el drama político de Shakespeare. En 1607, el año en que fue escrita, Shakespeare ya había creado sus cinco grandes tragedias: Hamlet , en 1601, Otelo , en 1604, El rey Lear, en 1605, y Macbeth y Antonio y Cleopatra en 1606. En Coriolanus, según Bloom, se aleja de ellas en dos sentidos: por un lado, el carácter de Coriolanus está dibujado por los acontecimientos, apenas tiene profundidad; por otro, la poesía de la pieza está contenida. La interioridad, el mayor legado de Shakespeare a la personalidad occidental, se esfuma en Coriolanus y nunca 46
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regresa del todo en el último Shakespeare, explica Bloom en su libro Shakespeare. La invención de lo humano. La poesía de Coriolanus es ruda, estridente, el propio Coriolanus tiene muy poco seso y ninguna imaginación. La obra, basada en la Vida de Cayo Marcio Coriolanus que aparece en Vidas paralelas de Plutarco, narra el drama de un militar romano que tras verse obligado a huir por el rechazo del pueblo, vuelve a Roma para arrasarla, aliado con los volscos, enemigos de la ciudad. El personaje es, según Bloom, una máquina de matar y víctima de una madre dominante, Volumnia. Después de su reciente puesta en escena de Antonio y Cleopatra, Gregory Doran se adentra en otra de las piezas romanas del bardo, la más distinta a cuantas he hecho del autor, comenta. Se trata de la última producción de la compañía antes de que se inicien en su teatro de Stratford-upon-Avon las obras de remodelación. Doran ha elegido a William Houston para el papel de Coriolanus tras haber protagonizado su Sejanus, de Ben Jonson. Houston posee una extensa carrera en la RSC: Henry V y Henry IV, Laertes en Hamlet o Troilus en Troilus y Cressida. La gran Janet Suzman (Iris en La tempestad, Cleopatra en Antonio y Cleopatra...; en el cine fue nominada en 1971 al Oscar por Nicolás y Alejandra) encarna a Volumnia, un papel que según Doran parece haber sido escrito
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para ella. Timothy West, un veterano que desde 1970 no trabajaba con la RSC, vuelve a la formación como Menenius. La escenografía y vestuario son creación de Richard Hudson. No queríamos sugerir una ciudad imperial, sino una sociedad en proceso de forjar su identidad, señala el director. El vestuario mezcla el estilo romano y el del periodo de James I de Inglaterra con elementos norteafricanos. No queríamos hacer una puesta en escena demasiado histórica, precisa o literal, se trata de una metáfora de la antigua Roma. Bienvenidos a Coriolanus.
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Por Esther Montero.
LOS PERSAS. RÉQUIEM POR UN SOLDADO ESQUILO EN AFGANISTÁN esde la intervención en Irak, Calixto Bieito, uno de nuestros directores de teatro y ópera más internacionales y también más controvertidos, tenía ganas de plasmar en el escenario su posición antibelicista. En Los persas. Réquiem por un soldado, escrita a partir de la tragedia Los persas de Esquilo, con Natalia Dicenta al frente del reparto, lo ha hecho. Es una reivindicación popular de no a la guerra, de no a la intervención en Afganistán, pero con reflexiones profundas sobre, por ejemplo, la fascinación del ser humano por matar, por la violencia, explica Bieito. En el Teatro Bellas Artes a partir del 15 de noviembre.
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Calixto Bieito habla de lamento por un soldado español muerto en Irak, o en Afganistán o en Kosovo... Habla de canto y de concierto réquiem al definir su nuevo espectáculo. También de experimento escénico. Huye de calificaciones como alegato pacifista o espectáculo antimilitarista. Los persas. Réquiem por un soldado fue estrenado el pasado mes de julio en el Festival de Teatro Clásico de Mérida. Con el intérprete, autor y director Pau Miró, Bieito ha realizado una versión muy libre de Los Persas, un texto menor de Esquilo que es la tragedia más antigua conservada. En ella el dramaturgo griego lleva a escena la derrota del poderoso Jerjes (Natalia Dicenta) y su inmenso ejército persa frente al humilde y escaso ejército griego en la batalla de Salamina, en el año 480 a. C.
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La tragedia griega sirve de pretexto a Calixto Bieito para hablar sobre el ejército español y su intervención en Afganistán. Nuestro espectáculo explica la historia de una soldado en Afganistán a la que le explota una mina y muere; en esa soldado se refleja el horror de la guerra, el terror de la muerte, de los cuerpos descuartizados. Es un concierto réquiem por una soldado española muerta, inspirada en la idea de Esquilo de una potencia invasora, del sueño y la premonición de la desgracia, de la guerra perdida, y de la comprensión por las víctimas, por los vencedores y por los vencidos, describe el director.
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Cuando el director define el montaje de experimento se refiere al formato de concierto réquiem por el que ha optado. En él se interpretan, por ejemplo, Cry baby, de Janis Joplin, War, de Edwin Starr, In the flesh, de Pink Floyd o el himno nacional en versión punk.
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Bieito y Pau Miró han realizado un profundo trabajo de campo antes de lanzarse a las tablas: han contado con el asesoramiento de un soldado que trabajó en Afganistán y están en deuda con películas como La delgada línea roja, con biografías de soldados y libros de pensadores europeos del siglo XX. Además de los textos de Pau y míos, en el espectáculo hay muchos íntegros de intelectuales de la cultura del siglo XX europeo; hay fragmentos de la carta que Freud envió en respuesta a otra de Einstein y en la que alude al contraste entre la belleza y el horror de lo bélico..., son textos muy profundos pero intento que no lo parezcan.
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Rafa Castejón, David Fernández, Javier Gamazo, Chus Herrera e Ignacio Ysasi son los soldados actores que acompañan a Natalia Dicenta; Roberto Quintana encarna al padre pacifista y enloquecido por el dolor de la pérdida de su hija. La escenografía, un retrato de las secuelas de un ataque aéreo en el desierto afgano, es de Alfons Flores; el vestuario, de Mercé Paloma.
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Hay dos actrices que me gustan mucho en Madrid: Natalia Dicenta y Blanca Portillo; con Natalia tenía muchas ganas de trabajar desde hacía tiempo, canta estupendamente y tiene además la imagen de una mujer muy sencilla, nada agresiva. Es lo que buscaba, una chica normal que explica: “la bandera me llamó y me hice novia de la muerte...”, apunta Bieito.
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Se habla de los sueños, de la publicidad de las Fuerzas armadas, del alístate si quieres encontrar un futuro, me pareció interesante poner esto en un escenario y debatirlo... No creo que el teatro vaya a cambiar nada, pero en cualquier caso mi postura está ahí, es contraria a cualquier intervención militar, concluye el director. 21
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Por Álvaro Vicente. Fotos: Jaime Villanueva
SWEENEY TODD ENTRE CAJAS LAS TRIPAS DE UNA OPERETA NEGRA
an pasado trece años desde que Mario Gas montó en Barcelona, en catalán, la obra más célebre de Stephen Sondheim. De aquel montaje, que en 1997 llegó a Madrid en su versión castellana (y ganó cuatro premios Max), queda casi todo: queda una escenografía y un vestuario que remarcan el carácter grotesco de la propuesta, con sus luces frías y sus maquillajes expresionistas. Queda el arreglo orquestal de Manuel Gas y quedan Vicky Peña y Joan Crosas al frente de un impresionante espectáculo que ocupa el escenario del Teatro Español. ¿Y qué ocurre por detrás de ese escenario? Aquí os lo explicamos.
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Acompañadnos entre cajas. Sí, entre cajas. Es un buen momento para corregir el acervo popular, en el que se quedó fijado aquello de “entre bambalinas”. No se puede estar entre bambalinas a no ser que uno tenga alas y pueda permanecer suspendido entre los telones cortos que sirven para ocultar las varas de focos que se extienden sobre la es38
cena. Varas de focos que, por cierto, en este Sweeney Todd del Español han tenido que colocarse muy altas por la propia altura de la escenografía, diseñada por Jon Berrondo. Se han recuperado los decorados corpóreos creados para el primer montaje, concebidos para teatros más grandes. Digamos que el Español les viene pequeño. Eso supone una
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reacción en cadena que afecta a las luces, al sonido de la función, a la utilería y al movimiento de actores y técnicos en los pasillos laterales del escenario, comúnmente llamados, en el argot teatral, cajas.
PANTALLAS, LACASITOS Y SIROPE Ahí, entre cajas, está el puesto de control de regiduría, un rincón lleno de pantallas (reciben señal normal e infrarroja cuando el escenario está oscuro) donde el regidor se pasa las tres horas de la función coordinando a todos los técnicos que participan en el montaje. Es un trabajo que requiere mucha concentración, explica Cristina Morella, una de los dos regidores del Español. El regidor es el jefe del escenario ya desde los ensayos, continúa, es el link entre la parte artística y la parte técnica. Y durante la función marca la entrada y salida de actores, de efectos de luz, de maquinaria escénica... todo salvo, en este caso, los efectos de sonido, ya que al haber una orquesta en directo, lo llevan todo desde la mesa de sonido. Pero aún así, este montaje es frenético. Al lado del control de regiduría está una de las dos mesas de utilería. La otra está en la chácena (al fondo del escenario, tras la escenografía) y ambas están llenas de cosas: máscaras, sombreros, navajas, unas tijeras gigan-
tes, pistolas preparadas para ser disparadas, espuma de afeitar, lacasitos... ¿lacasitos? Sí, van dentro del bolso de Pirelli (uno de los personajes), dice Rufo Parrilla, el jefe de utilería. Hay que preparar muchas cosas antes de empezar la función. Todos los días tengo que comprar pasteles y preparar una masa de pan para el primer acto. Lo pongo todo lleno de harina, estoy pendiente de todos los detalles, que son muchos aquí. También de la sangre, que nos la hace una 39
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REPORTAJE I gente de efectos especiales con una fórmula importada de Estados Unidos, pero vamos, que parece sirope de fresa.
LUZ PARA UNA OBRA OSCURA La sangre es un elemento fundamental, obviamente, en una historia de venganzas y asesinatos. Una historia ya de por sí oscura que Mario Gas quiso llevar desde un principio hacia algo sucio, oscuro, frío, desagradable incluso, como lo califica Kiko Planas, el diseñador de iluminación. Hay mucha noche, continúa, muchos contrastes de azules y cálidos muy violentos sobre una escenografía muy negra. Se trata de hacer en un teatro muy bonito, como el Español, una función que no tiene que ser precisamente bonita. Quizás muchos amantes de Sondheim han pensado que por qué no se ha llevado este Sweeney Todd al Matadero, cuya estética está más cercana a la historia del barbero diabólico de la calle Fleet. Técnicamente es imposible, responde Planas. Por la altura, porque hay una serie de cosas que suben y bajan, hay barras de luces que están a quince metros y es necesario un peine decente (el peine es una parrilla metálica de la que se cuelgan todos los elementos lumínicos y escenográficos).
EL MEJOR SONDHEIM EN OPINIÓN DE SONDHEIM Los doce componentes de la orquesta se libran maquillarse y vestirse de época, ya que están ocultos en la zona alta de la escenografía. Doce músicos, dirigidos por Manuel Gas, que tienen que tocar como si fueran cuarenta, ya que para ese número concibió Sondheim su pieza. Lo que pasa, dice Manuel Gas, es que está tan bien instrumentada que sonará igual o mejor. Es una música muy agradable, muy bien hecha. Lo cierto es que hay una diferencia clara entre Sondheim y el resto de compositores de teatro musical. En el 95, el maestro estuvo en la última función de Barcelona. Estaba encantado, cruzó la platea aplaudiendo, me firmó la partitura y nos dijo que era la mejor versión de su obra que había visto nunca. 40
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El tamaño de la caja escénica del Español, y del propio teatro, también ha complicado el trabajo del diseñador del sonido, Roc Mateu. Al ser un teatro pequeño, invadimos con el sonido parte del patio de butacas, comenta. Hay que hacer muchos cálculos y pruebas para saber dónde poner los monitores para que los actores se escuchen, sin
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estorbarse con la orquesta, dónde pones los altavoces, que no reboten, porque hay muchas paredes... en fin, es un poco delicado, la escenografía lo ocupa todo. Mateu es el único creativo que sigue estando en el teatro función tras función. El resto abandonó la producción tras el estreno, dejando en manos de regidores y técnicos sus creaciones parciales. Mateu se pone al frente de las mesas de sonido cada noche, por la orquesta y por todo el entramado de micros que llevan los actores. Micros inalámbricos (Vicky Peña y Joan Crosas llevan dos, el resto uno) cuya colocación se ha debido consensuar antes con la diseñadora de vestuario y con maquilladoras y peluqueras. El lugar idóneo es sobre la frente, pero no siempre es posible. Esos veintiún actores y cantantes que participan en la función empiezan a llegar al teatro tres horas antes de que ésta empiece, básicamente porque el proceso de maquillaje y peluquería es largo y costoso. Esa caracterización, como el vestuario (unos setenta trajes) es obra de María Araujo, que entendió a la primera lo que Mario Gas buscaba: no eran personajes bien vestidos, sino algo más popular, con una estética muy Alemania años treinta, explica. En los maquillajes, fondos muy blancos y sombras a grandes trazos y las ropas en tonos otoñales, marrones y ocres, todo como usado, incluso deteriorado, con rotos y remendones. 41
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NURIA GONZÁLEZ Actriz con más de veinte años de trayectoria, donde hay cine, teatro y mucha televisión, Nuria González protagoniza ahora en el Bellas Artes Carnaval, de Jordi Galcerán. Una carrera resumida en estas fotos. Años 90. En esta foto falta Paco Gil (la sacó él). Esto es el catering de Brea Teatro, mi compañía. Recién salidos de la escuela, de la ESAD, sólo había para pan y mortadela. El conserje del centro nos dejó en la p… calle (se fue a comer). De izquierda a derecha: yo, Juan A. Rodríguez, Mercedes León y Adelfa Calvo con la mortadela.
Esta foto es de 1990. Es un happening que hice con Imagina Teatro en las calles de Varsovia.
Junto a Antonia Zurera y Aurora Sánchez hice en 1992, con el Centro Andaluz de Teatro, en Sevilla, Orgía, de Pier Paolo Pasolini. Lo dirigió Sarah Molina. 58
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En Esta noche cruzamos el Mississippi, programa de Pepe Navarro de mediados de los noventa, yo hacía el personaje de Monna Mass, más conocida como Ramón.
En 1997 trabajé con la compañía Teatro del Cruce en una función escrita y dirigida por Ernesto Caballero, María Sarmiento. En la foto, José Luis al cante, y a las palmas: Susana Hernández, Carmen Machi, Marisol Rolandi y yo misma.
La serie Manos a la obra, que se estrenó en Antena 3 en 1998, me permitió trabajar con María Isbert. Yo interpretaba a la mujer de Manolo, uno de los protagonistas, y era especialista en cocinar la chistorra. 59
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ÁLBUM I Un Tenorio de pesadilla dentro de la serie Manos a la obra. En la foto estoy con Carmen Rossi y Kim Manning. Fue un privilegio estar más de tres años al lado de Carmen.
Escrita por Guillermo y Javier Fesser y dirigida por este último, El milagro de P. Tinto se estrenó en 1998. Esa foto pertenece a una pausa del rodaje, en Avilés.
Con Víctor Clavijo y César Sánchez en Carnaval. Galcerán es un autor al que le gustan las palabras exactas, cuando leí la obra no hubo manera de despegarme de ella. No da ningún mensaje, retrata a través del secuestro de un niño la maldad gratuita. Hemos contado además con la directora Tamzin Townsend, que es una maestra que te desborda por su talento. 60