La saison 2012 / 2013 du Théâtre Dijon Bourgogne

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Dossier de presse

Théâtre Dijon Bourgogne « Saison 2012-2013 »

Contact Presse :

Florent Guyot 03 80 68 47 37 / 06 85 57 25 54 f.guyot@tdb-cdn.com

Théâtre Dijon Bourgogne 03 80 68 47 47 / www.tdb-cdn.com

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SOMMAIRE ENTREES DE SAISON.................................................................................................................................. 4 Une journée du patrimoine .................................................................................................................... 4 Des ateliers pour tous ............................................................................................................................ 4 Entrée des artistes ................................................................................................................................. 4 LES SPECTACLES ........................................................................................................................................ 5 Kalfon chante le Rock’n Blues................................................................................................................. 6 Folie Courteline (création) ...................................................................................................................... 7 Onzième ............................................................................................................................................. 10 Le Poète comme boxeur ....................................................................................................................... 12 Cabaret New Burlesque ....................................................................................................................... 14 Jean la Chance (création) .................................................................................................................... 16 Quartett .............................................................................................................................................. 18 Que Faire ? (Le retour) ........................................................................................................................ 20 ART DANSE : LES CHOREGRAPHES ONT LA PAROLE ............................................................................. 22 Regarde Maman, je danse ................................................................................................................... 22 Une Hypothèse de réinterprétation ....................................................................................................... 24 La Caryatide, en mouvement (conférence) ............................................................................................ 26 accompagnée du duo À la gauche de l’espace ........................................................................................ 26 Cette danse qui « n’a pas encore commencé à exister » (conférence) ..................................................... 28 accompagnée du solo Un son étrange .................................................................................................... 28 WASLA (solo), ce qui relie .................................................................................................................... 30 C’est même pas vrai ............................................................................................................................ 32 Ad Vitam ............................................................................................................................................. 34 Through (titre provisoire) ...................................................................................................................... 36 Bullet Proof / Hûzûn (création) ............................................................................................................. 38 Purgatoire à Ingolstadt......................................................................................................................... 40 Sérénades ........................................................................................................................................... 43 L’Atelier volant ..................................................................................................................................... 45 La femme qui tua les poissons .............................................................................................................. 47 Sortir du corps ..................................................................................................................................... 49 Hilum.................................................................................................................................................. 51 La meilleure part des hommes ............................................................................................................. 53 L’Idéal Club ......................................................................................................................................... 55 Dénommé Gospodin (création)............................................................................................................. 57 Les Magnifiques................................................................................................................................... 59 Il n'y a pas de cœur étanche................................................................................................................. 61 Retour à Argos .................................................................................................................................... 65 ET AUSSI … ............................................................................................................................................. 67 Le TDB en tournée ............................................................................................................................... 68 Partenariats artistiques ......................................................................................................................... 70 Vous et nous........................................................................................................................................ 72 Transmettre, Pratiquer .......................................................................................................................... 75 PRATIQUE ................................................................................................................................................ 80 Tarifs et abonnements .......................................................................................................................... 80 Informations pratiques ......................................................................................................................... 82

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ENTREES DE SAISON PARVIS SAINT-JEAN sam 15 septembre de 11h à 20h en partenariat avec

Une journée du patrimoine Comme chaque année, le Parvis Saint-Jean ouvre ses portes pour les Journées du patrimoine.

Au programme : - Cinq visites racontées des coulisses du Parvis (11h30, 12h30, 14h30, 15h30 et 16h30), ponctuées de surprises musicales par les étudiants du Pôle d’Enseignement Supérieur de Musique (PESM) - Présentation de la maquette de la charpente et de la flèche du Parvis Saint-Jean réalisée par William Bourgès, compagnon du devoir - à 19h, concert de clôture sous la direction de Pascal Roubault, professeur de musique de chambre au PESM. Visites et concert, entrée libre sur réservation au 03 80 30 12 12

PARVIS SAINT-JEAN jeu 20 septembre à 19h

Des ateliers pour tous Présentation des ateliers de pratique amateur en présence de Caroline Châtelet (C’est pas beau de critiquer ?), Karine Ducourant (Club Théâtre/Modes de vie) et Stéphan Castang (Mauvais Parents et sales gosses) (p. 84) Entrée libre

PARVIS SAINT-JEAN sam 22 septembre à 11h30, 15h et 18h

Entrée des artistes François Chattot et l’équipe du théâtre vous accueillent sur le plateau du Parvis Saint-Jean pour un tour de saison et une revue des projets du TDB. Coups de projecteur sur les spectacles en création en compagnie des metteurs en scène : Ivan Grinberg (Folie Courteline), Jean-Louis Hourdin (Jean la chance) et Benoît Lambert (Dénommé Gospodin). Des rencontres informelles ouvertes à tous suivies d’échanges autour d’un verre.

Chacune des trois rencontres est limitée à 50 personnes.

Réservation indispensable au 03 80 30 12 12

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LES SPECTACLES

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PARVIS SAINT-JEAN sam 6 octobre à 22h en partenariat avec Les rendez-vous de l’ACTEUR Festival

Kalfon chante le Rock’n Blues aux rendez-vous de l’ACTEUR festival sur des paroles et des compositions de Jean-Pierre Kalfon, Paul Ives, Éric Traissard, Alain Suzan, Boris Bergman, et Roland Boquet avec Jean-Pierre Kalfon (chant), Éric Traissard (programmations de clavier, basse, batterie, guitare et chœur) et Bruno Besse (guitare et chœur).

L'ACTEUR festival, rencontre cinématographique d’un genre unique en Europe, aborde le cinéma du point de vue des acteurs, invitant à penser le film du côté de la création du personnage à partir d'un scénario, de l’invention non pas d’un monde mais d’une manière d'être au monde.

Après une édition zéro en 2011, le festival propose cette saison différents rendez-vous. Le premier accueille au Parvis pendant deux jours, les 5 et 6 octobre, avant-première, impromptu, performance, rencontres et, enfin, un concert exceptionnel avec l’acteur et chanteur Jean-Pierre Kalfon. « Une scène c’est l’endroit où on joue, dans tous les sens du mot : des personnages, de la musique...

Ce soir, ce sera du Rock’n’Blues’ car l’inspiration de nos "chansongs" vient de ces musiques-là, même si ce sont des morceaux originaux en français. Un parcours-spectacle pour le plaisir des mots, de leurs sons, de leurs sens, de la musique, des rythmes, des mélodies. Désirs, rencontres, femmes, hommes… aussi bien que ce qui nous environne, nous séduit ou nous repousse, nous préoccupe ou nous réjouit… Amours, amitiés, partages, séparations, détestations. Quelque chose comme la vie quoi !

Rêves et révoltes sans oublier l’humour qui permet de chanter, de jouer ces histoires, ces petits scénarios que sont nos « chansongs», de les partager avec le public dans une complicité mélodique et rythmique. » Jean-Pierre Kalfon.

Jean-Pierre Kalfon (1938, Paris) Rebelle et fugueur, Jean-Pierre Kalfon abandonne les études et quitte le domicile familial à l'adolescence.

Enchaînant les petits boulots -et les menus délits-, il s'inscrit à une école de décoration, chante aux terrasses des cafés, est brièvement boy aux Folies Bergère et étudie l'art dramatique au Cours Dullin. Fondateur en 1960 de la compagnie Théâtre 15, il joue aussi au sein du Théâtre National Populaire de Jean Vilar et depuis il monte régulièrement sur les planches. Les années soixante marquent également ses débuts au cinéma et à la télévision et sa grande époque « sex, drug & rock'n roll ». Kalfon devient une figure de l'underground parisien. Rocker à la voix rauque (il jamme avec Bob Marley en 1973 !), il monte et chante dans plusieurs groupes de rock les Crouille-Marteaux, Sugar Baby Bitch, Rock Chaud, et Monsieur Claude dont il est le chanteur. Aujourd’hui cette « gueule » du cinéma français, a tourné dans plus de soixante-cinq longs métrages, joué sous la direction de réalisateurs comme Claude Chabrol, Pierre Clémenti, Michel Deville, Marc'O, Philippe Garrel, Jean-Luc Godard, Claude Lelouch, François Truffaut, Henri Verneuil, etc., et sa carrière marquée par les personnages troubles. Il prend encore régulièrement son pied en concert avec un répertoire de « chansongs » anciennes et d’autres tout juste sorties du four.

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SALLE JACQUES FORNIER du mar 16 au sam 20 octobre et PARVIS SAINT-JEAN du mar 11 au sam 15 décembre en semaine à 20h, le samedi à 17h Tournée -Tréteaux en Bourgogne du 5 au 25 novembre Hors les murs jeu 29 novembre à Vesoul REPETITION OUVERTE jeu 4/10 de 18h à 19h Salle Jacques Fornier VISITE DANS LE DECOR jeu 13/12 de 18h à 19h Parvis Saint-Jean VISITE TACTILE DU DECOR ET AUDIODESCRIPTION jeu 13/12 à 18h Parvis Saint-Jean RENCONTRE A CHAUD jeu 18/10 et jeu 13/12 à l’issue des représentations

Folie Courteline (création) textes Georges Courteline mise en scène Ivan Grinberg avec Damien Bouvet, Stéphan Castang, François Chattot, Marion Lubat musique Marc-Olivier Dupin, scénographie Muriel Trembleau, chorégraphie Cécile Bon, costumes Marie Meyer, régie générale Félix Jobard, lumière Victor Dos Santos, son Jean-Marc Bezou, régie plateau François Douriaux, construction décor François Douriaux et Jean-Michel Brunetti, régie des choses Pascal Fellmann production Théâtre Dijon Bourgogne – CDN

« Il faut voir en ces pages… – comment dirais-je, au juste ? –… une sorte de suite d’orchestre écrite pour musique légère, un prétexte à faire évoluer conformément à la logique de leur petite psychologie et autour de petites historiettes ayant de tout petits commencements, de tout petits milieux et de toutes petites fins, de tout petits personnages reflétant de leur mieux la philosophie où je m’efforce de prendre gaiement les choses, car je pense avec Daudet que la mort des êtres aimés est la seule chose de la vie qui vaille la peine qu’on en pleure. » (G. Courteline, préface à ses Œuvres complètes, 1927)

Folie Courteline rassemble quatre courtes pièces de Georges Courteline : Théodore cherche des allumettes (1897), Le Droit aux étrennes (1896), Les Boulingrin (1898), Les Mentons bleus : scènes de la vie de cabots (1906). Des pièces drôles, rapides, méchantes, voyageant entre la comédie de mœurs et le burlesque, voire la farce.

Quatre pièces choisies parmi la centaine dans lesquelles Courteline ausculte notre humaine humanité avec un comique impitoyable, une empathie communicative et une

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fantaisie sans limite. À travers elles, un défilé de personnages saisis et précipités dans une succession de situations qui font exploser allègrement la convention sociale comme théâtrale, l’apparente normalité.

Toutes ces pièces se déroulent dans un cadre rassurant, intérieurs bourgeois ou café de province, mais il suffit de peu pour que ce monde bien ordonné vacille et vrille : un symptôme inquiétant, d’introuvables allumettes, la tradition des étrennes, les retrouvailles de deux acteurs, l’arrivée d’un profiteur chez de paisibles bourgeois…

Quatre pièces, une vingtaine de rôles, héros ordinaires, bouffons gais ou tristes victimes et bourreaux, portés par quatre acteurs et un musicien traversant les diverses formes de ce qui est pour Bergson le secret du comique : du mécanique plaqué sur du vivant.

Répétitions convulsives, obsessions, embarras, malentendus, chutes, distraction, mots d’esprits et blagues triviales… Corps et âmes désarticulés, pantins habités par un souffle, les personnages de Courteline sont pour les acteurs autant de « dispositifs expérimentaux » pour ausculter l’humain. Marc-Olivier Dupin compose pour la circonstance une musique originale baptisée Burlesque.

Georges Courteline Né en 1858 d'un père écrivain humoriste, Georges Courteline, de son vrai nom Georges Victor Marcel Moinaux, vit à Paris bien qu'il soit né à Tours. L'éducation sévère qu'il reçoit au Collège de Maux fait naître en lui un sentiment de révolte contre la discipline et les institutions. Et son expérience dans le dur régiment de Bar-le-Duc ne le réconcilie pas avec les règlements. Cette période sera une source d'inspiration pour ses célèbres satires : Les Gaîtés de l'Escadron, Le Train de 8 Heures 47 et Lidoire. Après des débuts difficiles où il écrit pour divers journaux, il se fait remarquer par Flammarion qui reconnaît en lui les qualités de son père.

Ainsi il peut donner libre court à sa verve satirique et s'amuse à traquer l'idiotie. La fonction publique, pour laquelle il travaille en tant qu'employé de l'administration des cultes, est aussi une de ses cibles. Ecrivain incisif, il écrit également des nouvelles et des œuvres théâtrales. Pour sa création impressionnante, il reçoit la légion d'honneur en 1899 et est admis à l'Académie Goncourt en 1928, une année avant de mourir.

Ivan Grinberg En 1989, il met en scène l’Entretien sur la proposition, théâtre grammatical de Gaspar Mérandon à l’occasion du bicentenaire de la Révolution, puis le Souverain fou d’Hervé Péjaudier, première collaboration avec François Chattot (Festival d’Avignon, 1991). Il écrit avec le compositeur Marc-Olivier Dupin un opéra de chambre adapté de Kleist, Michael Kohlhass (1999) et publie Un Episode du monde moderne (2001). Il adapte pour le théâtre Le livre des compliments, roman de Cho Yang-Hee (2003) et publie la même année L’Aluminium, un si léger métal. En 2008, il écrit et met en scène Ministre, sotie tragi-comique créée au Festival Théâtre en mai avec Damien Bouvet. Pour les enfants, il écrit et met en scène des spectacles mis en musique par le compositeur Marc-Olivier Dupin : la Reine des Gourdes (1991), la Pension du Diable (1993), Robert le Cochon (2005) et la Princesse Kofoni (2007), deux commandes de l’Orchestre National d’Ile-de-France, tous deux enregistrés et publiés en 2009/2010 par Chant du Monde / Harmonia Mundi. En 2003, il écrit la Machine, sur une musique de Jérôme Naulais (commande de l’Ensemble Intercontemporain), et en 2010 le Carnaval du chat Ronflon, fantaisie autour de Carnaval de Robert Schumann (commande de Radio France).

Toujours en 2010, il écrit et met en scène Taboularaza, conçu pour et avec Damien Bouvet. Conseiller de l’Orchestre de Paris pour le jeune public de 1999 à 2003, il coordonne les projets Musicoulisses à la Cité de la musique. Il conçoit et programme pour Radio-France la série de concerts « 104’Zic » au 104 en 20102011. Il est depuis 2008 secrétaire général du Théâtre Dijon Bourgogne.

François Chattot Acteur formé à l’école du Théâtre National de Strasbourg il est directeur du Théâtre Dijon Bourgogne depuis 2007, où il a joué dans Music hall 56 de John Osborne, Dans le jardin avec François d’Yves Chaudouët, le Cabaret Hamlet de Matthias Langhoff et le Petit Cirque des Tribuns de la Compagnie SF, Que faire ? (le retour) de Benoît Lambert, Du fond des gorges de Pierre Meunier (2011). Et si on s’y mettait tous ! (création collective) et Folie Courteline d’Ivan Grinberg. Au cinéma on a pu le voir dernièrement dans Adèle Blanc-Sec de Luc Besson, De Bon Matin de Jean-Marc Moutout ou Les Fils de l’hydre de Christophe Gomes et Ludovic Gaudry. À la télévision sur France 3, il était le Chanoine Kir dans la fiction consacrée à cette figure dijonnaise et réalisée par Eric Niveau. Il endosse aussi à l’occasion le rôle de metteur en scène ou de chef de troupe. En 2007, il met en scène Martine Schambacher dans Les Uns à coté des autres, d’après l’œuvre de Charles Ferdinand Ramuz et accompagne le comédien Jean O’Cottrell dans la création de Van Gogh, autoportrait (2010).

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Stéphan Castang Auteur, réalisateur et comédien, Stéphan Castang a joué avec le Théâtre de la Tentative (Enfants du siècle, un dyptique). Il a travaillé avec la compagnie L’Artifice en tant que comédien (Nam-Bok le hâbleur, Aucassin et Nicolette) et dramaturge (Lettres d’amour de 0 à 10, Le Grand Ramassage des Peurs). Pour la compagnie du détour, il a écrit Tri Sélectif, Florilège du discours politique, La révolution n’aura pas lieu dimanche. Il est également l'auteur de plusieurs textes autobiographiques où il se peint à la manière d'un héros : Boule de gomme, Le défilé de César, Une divine tragédie (commande de l'Ensemble intercontemporain) et Panthéon discount. Il réalise des films se situant entre fiction et documentaire : La viande, Faire avec le réel, 9.

November et dernièrement : Jeunesses françaises (sélectionné à la Berlinale, Generation 2012).

Damien Bouvet Avec ou sans nez rouge, Damien Bouvet parcourt les terrains de jeux de l’enfance, et leurs parts d’ombres, de rêves, de rires, de peur, d’effrois parfois nécessaires. Issu du conservatoire d’Art dramatique de Lyon, Damien Bouvet débute comme comédien, investissant notamment les univers de Philippe Genty, Wladyslaw Znorko, grâce auxquels il perçoit la nécessité et la pertinence d’un travail consacré au corps et aux objets de théâtre. Il fonde la compagnie VOIX-OFF au début des années 90 et crée une dizaine de spectacles en collaboration avec Jorge pico Puchades, Frédéric Révérend, et Ivan Grinberg : Petit cirque et les petits toros (1992), Clown sur tapis de salon (1998), Chair de papillon (2011), Né (2002), Kifélozof (2003), Finifini (2006), Vox (2007), Ministre (2009) et Taboularaza (2010). La compagnie VOIX-OFF est conventionnée par la DRAC Centre depuis 2006.

Marion Lubat De 2003 à 2006 elle se forme à l'école de la comédie de St Etienne, puis elle travaille pendant la saison 2006-2007 pour la compagnie des Lumas à Lyon, avec les metteurs en scène Eric Massé et Angélique Clairand sur des adaptations de textes de Raymond Federman (Moinous et Sucette, Amer Eldorado, la double vibration, Retour au fumier). En 2008, elle travaille pour Jacques Kreamer dans le spectacle intitulé Agnès 68, joué à Chartres puis à Avignon. Elle collabore avec le théâtre de la Tentative sur La peur des coups ; Courteline, petite forme en appartement ; 2.1, petite forme en lycée à partir du Misanthrope de Molière ; We are l'Europe ; Enfants du siècle, un diptyque ; Badine 2.5 ; petite forme en lycée à partir du texte de Musset On ne badine pas avec l'amour. En mai 2011 elle participe au festival "écrire et mettre en scène" du Panta Théâtre à Caen.

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SALLE JACQUES FORNIER

du mar 13 au sam 17 novembre en semaine à 20h, le samedi à 17h 2h05 RENCONTRE A CHAUD jeu 15/11 à l’issue de la représentation

Onzième Théâtre du Radeau mise en scène, scénographie François Tanguy avec Laurence Chable, Fosco Corliano, Claudie Douet, Muriel Hélary, Vincent Joly, Carole Paimpol, Karine Pierre, Jean Rochereau et Boris Sirdey élaboration sonore François Tanguy et Eric Goudard, lumières François Tanguy et François Fauvel, régie générale et lumière François Fauvel et Julienne Havliceck Rochereau, régie son Eric Goudard, construction, décor Frode Bjørnstad, Jean Cruchet, François Fauvel, Eric Minette, Grégory Rault, François Tanguy et l’équipe du Radeau administration et intendance Marc Pérennès assisté de Hélène Audiffren, Pascal Bence, Leila Djedid, Franck Lejuste, Martine Minette, Maryvonne Naji, Sonny Zouania coproduction Théâtre du Radeau - Le Mans, Théâtre National de Bretagne – Rennes - Association Artemps – Dijon, Théâtre de Gennevilliers – Centre dramatique national de création contemporaine, Festival d’Automne à Paris, Espace Malraux - Scène nationale de Chambéry et de la Savoie, Théâtre Garonne - Toulouse Le Théâtre du Radeau est subventionné par l'Etat - préfet de la région Pays de La Loire - Direction régionale des affaires culturelles, le Conseil régional des Pays de la Loire, le Conseil général de la Sarthe et la Ville du Mans et reçoit le soutien de Le Mans Métropole, de l’ONDA pour les tournées en France et de l’Institut Français pour les tournées internationales.

« Un homme en manteau, venu du fond, s’avance dans l’entrelacs des châssis, s’assoit de profil.

Près de nous. Il ne nous regarde pas, ne parle pas. La musique parle pour lui, mugissante puis grondante, un vent qui pique les yeux, les trouble. Cela commence ainsi. Ou pas.

Cela se décompose, se recompose, se recadre ailleurs, autrement.

C’est ainsi que chez le spectateur, pendant le spectacle et après, Onzième poursuit le mouvement incessant de sa construction friable. » Jean-Pierre Thibaudat - http://blogs.rue89.com

François Tanguy et le Théâtre du Radeau occupent une place singulière dans le paysage théâtral français et international. Ils ne racontent pas d’histoire(s) mais font de la scène une fabrique poétique en perpétuel mouvement. Dans un espace fait de panneaux et de tables se transformant sans cesse, voix, corps, musiques, images, lumières, fragments de paroles... jouent ensemble, et mettent en branle les perceptions et les émotions. Une subtile composition, comme on peut le dire d’une œuvre musicale ou picturale – une composition pour autant absolument théâtrale, où se mêlent burlesque et mélancolie, lyrisme et grotesque. Avec Onzième, François Tanguy continue son travail de fugue et de variations autour du sens, de l’absence de sens, et de notre humanité pantelante. Magie scénique, intensité sensible font de Onzième, comme chacun des spectacles du Radeau, une expérience rare.

Le titre Onzième fait référence au onzième des seize quatuors à cordes de Beethoven ayant pour sous-titre serioso nous disait le programme du festival « Mettre en scène » à Rennes, où le spectacle a été officiellement créé.

C’est également le premier spectacle où des morceaux de film apparaissent (en ouverture et clôture du spectacle) projetés sur les panneaux qui stationnent à ce moment-là devant le faisceau du projecteur, images venues du réel (arbres qui bruissent, clairière, lande) mais comme irisées d’irréel, images flottantes, inconstantes, provisoires comme le reste, un instant posées et vite emportées dans le mouvement. Onzième est aussi une danse.

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Premier spectacle où la parole dite n’a jamais été si présente sans pour autant faire scène pas plus que le jeu des panneaux, des châssis, des cadres vides ne fait jamais image. Et quand une parole s’attarde, l’espace et les corps jamais au repos ne cessent d’en multiplier les points de vue comme une caméra, revenant sur un même plan, en multiplie les angles.

Plus que jamais peut-être l’œil écoute. Le bruit du temps. Schoenberg, Schubert, Beethoven, Perederecki, Feldman, Nono ou Bach tout autant que le crissement d’un buffet ou d’un châssis que l’on déplace, le chuintement d’une roulette sous un fauteuil, le doux frottement d’une longue planche caressant une table. Théâtre de l’infinitude. Un chantier toujours en construction.

Jean-Pierre Thibaudat - http://blogs.rue89.com

Il faut se laisser emporter par ces vagues successives porteuses de fulgurances splendides et fascinantes. Sans chercher obstinément à comprendre, mais davantage à ressentir. Car c’est bien ce que propose une nouvelle fois le Théâtre du Radeau, dont l’expérience unique tend surtout vers une sensibilisation et une mise en interaction du regard, à partir duquel l’expression théâtrale trouve toute sa mesure. C’est ici une nouvelle fois le cas.

Didier Grappe – Webthéa

François Tanguy Le parcours théâtral de François Tanguy est indissociablement lié à celui du Théâtre du Radeau avec lequel il invente depuis 1982 la totalité de ses créations. Véritable travail permanent de recherche sur la représentation théâtrale, questionnement sans cesse renouvelé « des possibilités de la dramaturgie », c’est d’art qu’il s’agit ici et non de communication, de curiosité ludique et non de divertissement. Un art du théâtre revendiqué comme tel, d’un théâtre où il faut “être ensemble” pour visiter le lieu et le temps théâtral. Chaque œuvre de François Tanguy et du Théâtre du Radeau est le fruit d’une démarche patiente et collective, faite de recherche de textes, de musique et d’improvisation de jeu, ce qui explique la rareté des créations. Depuis Mystère Bouffe en 1986 jusqu’à Ricercar en 2007, c’est une œuvre unique qui nous est offerte, une œuvre qui creuse lentement son sillon. Jeu de Faust (1987), Woyzeck-Büchner, fragments forains (1989), Chant du bouc (1991), Choral (1994), Bataille du Tagliamento (1996), Orphéon (1998), Les Cantates (2001), Coda (2004), Ricercar (2007), autant d’étapes, autant d’états des lieux d’une recherche qui entrecroise sans cesse tous les éléments de la représentation théâtrale.

Pour aller plus loin… www.leradeau.fr/

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SALLE JACQUES FORNIER sam 24 novembre à 17h 1h10 dans le cadre du festival

Le Poète comme boxeur Compagnie El Ajouad montage de textes inédits de Kateb Yacine mise en scène Kheireddine Lardjam montage du texte et dramaturgie Samuel Gallet, création lumière Manu Cottin, création son Pascal Brenot administration de production Corine Radice production Compagnie El Ajouad – Scène du Jura - Théâtre National d’Oran / Maison de la Culture d’Oran avec le soutien de l’Institut Français, Ambassade de France en Algérie (SCAC)

Kateb le poète, Kateb l’homme de lettres, Kateb le communiste révolutionnaire, l’internationaliste sans parti fixe, le militant, le sans étiquette. Kateb Yacine est un écrivain qui a les mots qui cognent. Exilé d’Algérie en 1952, il revient après la guerre d’indépendance pour y reprendre son métier de journaliste et continuer son travail littéraire, à la fois poétique et théâtral. Disparu en 1989, l’écrivain laisse une œuvre puissante qui traduit la quête d’identité d’un pays aux multiples cultures et reflète son engagement absolu et sa colère face au monde.

Avec Le poète comme boxeur, Kheireddine Lardjam nous offre la parole intense de Kateb Yacine.

Poésie, théâtre, interviews : le récit recomposé nous interroge sur les conditions d’une prise de parole mobilisatrice et les relations que l’artiste peut entretenir avec le pouvoir et le peuple.

Kheireddine Lardjam nous convie également à un concert. Dans un concert dramatique qui fait entendre les voix multiples de Yacine, ses questions, son humour et son désespoir, le théâtre se marie à la musique Gnawa. À la manière des chanteurs traditionnels de l’Atlas, un musicien réinterprète les chants de résistance scandés jusque dans le désert.

Kateb Yacine Kateb Yacine est né en 1929 à Constantine, dans l’est de l’Algérie. Il décrit lui-même sa famille en ces termes : « toute ma famille était atteinte du virus littéraire ou artistique ». Après l’école coranique, Kateb Yacine entre à l’école et au lycée français. Les manifestations à Sétif du 8 mai 1945, auxquelles Kateb Yacine participe, s’achèvent sur le massacre de plusieurs milliers d’algériens. Kateb Yacine, quant à lui, est emprisonné. Il est alors définitivement acquis à la cause nationale. Ces évènements le marqueront profondément, de même que son amour contrarié pour sa cousine Nedjma. D’ailleurs, le premier roman de Kateb Yacine portera son nom.

Il ne peut reprendre ses études et se rend à Annaba, puis en France. De retour en Algérie, en 1948, il entre comme journaliste au quotidien Alger Républicain et y reste jusqu’en 1951. En 1952, il est contraint de s’exiler en France. A Paris, il fait de nombreuses rencontres (Malek Haddad, Bertolt Brecht, …) dont celle de Jean-Marie Serreau, qui met en scène la première pièce de Kateb Yacine Le cadavre encerclé. Interdite en France, celle-ci sera finalement jouée à Bruxelles. Après la guerre, il revient en Algérie et reprend son métier de journaliste. Kateb Yacine continue d’écrire. En 1970, il crée une troupe de théâtre, l’Action Culturelle des Travailleurs, et se consacre à l’écriture et à la mise en scène de pièces en arabe populaire ou en tamazight, traitant de grands sujets de société. Kateb Yacine nous a quittés en 1989 à Grenoble. Son œuvre traduit la quête d’identité d’un pays aux multiples cultures et les aspirations d’un peuple. Celle-ci est inscrite au programme de la Comédie française en 2003.

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Kheireddine Lardjam Né en 1976, Kheireddine Lardjam est un des jeunes artistes algériens qui, par son travail, ne cesse d’interroger les liens qui unissent les deux rives de la Méditerranée. Il crée El Ajouad (Les Généreux) en 1998 d’Abdelkader Alloula, auteur déterminant dans son parcours. La troupe qu’il crée à Oran avec quelques amis porte le nom de cette pièce. Ensemble, ils se consacrent à la découverte et la diffusion de textes d’auteurs contemporains, et en particulier d’auteurs algériens la Récréation des clowns de Noureddine Aba, les Coquelicots de Mohamed Bakhti, la Pluie de Rachid Boudjedra, mais également des pièces d’auteurs occidentaux, Roméo et Juliette de William Shakespeare, En attendant Godot de Samuel Beckett, Ubu roi d’Alfred Jarry, les Justes d’Albert Camus et Syndrome aérien de Christophe Martin. Ses spectacles tournent en Algérie et également en France de façon régulière. Il noue de forts compagnonnages avec des théâtres comme le Forum culturel – Scène conventionnée du Blanc-Mesnil, l’Arc – Scène nationale du Creusot. Il travaille aussi comme collaborateur avec Arnaud Meunier en 2002 et Guy Alloucherie en 2006.

En 2009, Kheireddine Lardjam est en résidence au Centre dramatique de Valence pour sa création Bleu Blanc Vert de Maïssa Bey. Pour la saison 2010-2011, il fait partie du collectif d’artistes du Centre dramatique régional de Vire. En Janvier 2011, il répond à une commande du Centre dramatique de Sartrouville, pour une création jeunesse dans le cadre du Festival Odyssées en Yvelines. Un texte écrit par Pauline Sales. En 2011, il créer en Algérie, au théâtre de Bejaia le Poète comme boxeur, une adaptation du recueil regroupant les interviews de Kateb Yacine. En janvier 2012, il crée à la Scène nationale du Creusot, les Borgnes ou le colonialisme intérieur brut, de Mustapha Benfodil.

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GRAND THEATRE dim 25 novembre à 18h 1h30 dans le cadre du festival

en partenariat avec

et avec le soutien de L’Opéra de Dijon

Cabaret New Burlesque direction artistique Kitty Hartl avec Catherine D’Lish, Kitten on the Keys, Mimi Le Meaux, Julie Atlaz Muz, Dirty Martini, Rocky Roulette et la participation de Ulysse Klotz lumières Rodolphe Letourmy, régie générale Ian-Manuel Lefèvre production Les Visiteurs du Soir

Les incroyables stars américaines burlesques du film Tournée de Mathieu Amalric sont de retour et viennent dans votre ville en chair et en os !

Le New Burlesque est la continuation et la réinterprétation d’un genre profondément enraciné dans la tradition du music-hall anglaise et américaine. Tout au long du 19e siècle, les spectacles burlesques mêlent intimement satire sociale, numéros musicaux et grivoiserie. Depuis les années 90, le renouveau du burlesque, dit New Burlesque, partant du strip-tease, y réintroduit le théâtre, la chorégraphie, le glamour, l’humour, la satire et le sens de l’excès.

Créé en 2004, au Festival I.D.E.A.L. du Lieu Unique (Nantes), Le Cabaret New Burlesque avait déjà rencontré un large public lorsque Mathieu Amalric décida en 2009 de réaliser Tournée, un film autour de ces artistes. Depuis la sélection du film à Cannes en 2010, son prix de la mise en scène, ses nombreuses nominations aux Césars, son tour du monde des festivals, le spectacle rencontre un succès sans pareil auprès de la critique comme du public en France et à l’étranger.

Sur scène on retrouve donc la délurée Kitten on the Keys, maîtresse de cérémonie, accompagnée de son piano, de son ukulélé ou de son accordéon. La rockeuse Mimi Le Meaux, dont les shows sont liés au rock garage, au punk et à l’esthétique des films de série Z, Julie Atlaz Muz qui est à la frontière du burlesque et de la danse contemporaine, Catherine D'Lish, réputée pour être une "virtuose de strip-tease" contemporaine, et la sensationnelle Dirty Martini, capable de jouer de ses formes callipyges avec l’aisance d’une ballerine. La troupe compte aussi un homme : Roky Roulette. Ces pulpeuses effeuilleuses américaines interrogent et parodient les modes de production de l’identité féminine à travers leurs numéros extravagants. Des filles férocement drôles, rock'n'roll, salaces, chanteuses accomplies, héritières d'une riche tradition américaine, qui, à travers la grivoiserie et l'excès, savent toujours trouver l'élégance de l'absurde et de la poésie.

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Elles sont incroyables, magnifiques, et inutile de préciser très affirmées dans leur humour et leurs idées coquines. (…) L'art pratiqué par la troupe n'a rien à voir avec le strip-tease classique. C'est inventif, déshabillé et même politique, elles savent comment ensorceler sans vulgarité. Non seulement elles nous stupéfient, mais elles nous font aussi parler, et c'est énooooorme !

C'est comme rendre visite à ses meilleurs amis dont on aime voir les espiègleries. Encore !

Télérama Sortir – Rosita Boisseau

Ces demoiselles ont l'aplomb des Salomé de saloon qui, mieux que Calamity Jane, injectaient naguère un peu de féminité dans la conquête de l'Ouest. Elles jouent aujourd'hui sur les codes de la société américaine qu'elles se plaisent à parodier : trop de glamour, de blondeur, de rousseur, et gags érotico-outrageous appuyés jusqu'à la caricature.

Le Figaro – Ariane Bavelier

On hurle, siffle, tape des pieds et des mains. On s’amuse, certes, mais ce qui frappe c’est l’intelligence, l’engagement et le courage des ces performeurs qui se jouent de tout clichés pour poser la question de la place de l’individu dans la société présente, de sa liberté, avec pour seule arme leur corps nu en avant. L’impudeur et le rire sont des armes redoutables.

Un fauteuil pour l’orchestre – Denis Sanglard

Kitty Hartl – directrice artistique Ex-programmatrice au Lieu unique, aujourd'hui "manager, productrice, copine...", c'est elle qui les a découvertes, une par une. "Je cherchais un projet déjanté et je me suis retrouvée en 2003 à une convention intitulée Tease-o-Rama, en Californie, explique Kitty Hartl. Mes critères étaient le personnage, le numéro, le corps, la musique et l'énergie, pour que le résultat soit très éclectique."

Kitty Hartl a vu près de 150 numéros, parmi lesquels elle a commencé à choisir les filles pour le premier show français. Certaines, de New York, se rapprochent de l'art contemporain, comme Julie Atlas Muz, régulièrement invité au Whitney Museum. D'autres, proches du music-hall, viennent de Los Angeles, de San Francisco, et sont plus "classiques", en quelque sorte.

Les « Filles » Kitten on the Keys From San Francisco… Elle est la maîtresse de cérémonie délurée du Cabaret New Burlesque qu’elle mène tambour battant et émaille de chansons, accompagnée de son piano, de son ukulélé ou de son accordéon…

Julie Atlaz Muz From New York… À la frontière du burlesque et de la danse contemporaine, son travail est célébré par la presse new-yorkaise : « Elle élève son art au rang de science. Simple, mais génial. » (Gotham) - « Une des artistes les plus adroite » (New York Times Magazine) Mimi Le Meaux From San Diego… Dans la droite ligne des numéros des grandes strip-teaseuses des années 50, ses shows sont très liés au rock garage, au punk et à l’esthétique des films de genre, de la série B à la série Z. Roky Roulette From San Francisco…Le seul stripteaseur sur bâton à ressort du monde offre une véritable performance physique avec une énergie et un enthousiasme communicatifs.

Catherine D'Lish From California… a gagné une réputation de "virtuose de strip-tease" contemporaine avec ses spectacles exceptionnels et inventifs dans un style élégant et étrange.

Dirty Martini From New York… « Capable de jouer de ses formes callipyges avec l’aisance d’une ballerine » (Stéphane Davet – Le Monde), Dirty Martini revisite des routines classiques du burlesque avec une terrible grâce.

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PARVIS SAINT-JEAN du mar 27 novembre au sam 1er décembre en semaine à 20h, le samedi à 17h VISITE DANS LE DECOR lun 19/11 de 18 à 19h Parvis Saint-Jean REPETITION OUVERTE jeu 22/11 de 18h à 19h Parvis Saint-Jean RENCONTRE A CHAUD jeu 29/11 à l’issue de la représentation

Jean la Chance (création) de Bertolt Brecht texte français de Marielle Silhouette et Bernard Banoun chef de troupe Jean-Louis Hourdin avec Laurent Meininger, David Casada, Jean Marie Frin, Priscille Cuche, Julien Barret, Julie Palmier, Mary Léaument, Paul Fructus, Karine Quintana, Stéphane Gueydan et Nathalie Goutailler décor et costumes Raffaëlle Bloch, musique Karine Quintana, chorégraphe Cécile Bon coproduction GRAT – Compagnie Jean-Louis Hourdin, Théâtre Dijon Bourgogne-CDN, Théâtre National de Strasbourg, avec la participation artistique du Jeune Théâtre National L’ARCHE est éditeur et agent théâtral du texte représenté

Un coup de foudre…

«Cela arrive rarement : l’état d’amour, intégral pour une œuvre. Lorsque j’ai lu la pièce : le désir immédiat de la monter […] Comment se faisait-il que les amoureux de théâtre ne la connaissent pas, ou si peu. Il me fallait, sans délai, que nous partagions ce poème. Une œuvre à la fois savante et populaire, tragique et farcesque. Maillon inouï entre les premières pièces et les grandes œuvres de la maturité, où s’élabore le système Brecht. » Jean-Louis Hourdin

Un projet qui se concrétise petit à petit…

Ainsi, Jean-Louis Hourdin, impatient de se « frotter » au texte de Bertolt Brecht, a entreprit un travail autour de Jean la Chance dès le mois d’Août 2010 avec les stagiaires des Chantiers Nomades à Pernand-Vergelesses, puis en février 2011 avec les élèves de l’EDT- Corbeil Essonne et enfin avec les élèves de première année du groupe 40 du TNS, dont le travail d’atelier a été présenté dans le cadre du festival Théâtre en Mai 2011.

Cette saison, c’est « en grand » que le projet se réalise…

Un conte populaire revisité Jean La Chance, « Hans Im Glück » est une pièce de jeunesse inachevée de Bertolt Brecht, d’après un conte populaire collecté par les frères Grimm.

Dans le conte des frères Grimm, Jean rentre chez sa mère avec de l'or, pour salaire de sept ans de travail.

Il échange au fil de son voyage son or contre un cheval, le cheval contre une vache, la vache contre un cochon, un cochon contre une oie, l'oie contre une meule, qu'il laisse finalement tomber malencontreusement dans un puits.

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Tour à tour abusé par d'autres, dépouillé petit à petit de ses biens, Jean rentre chez sa mère cependant heureux : ces échanges inéquitables et abusifs, Il les considère avec une heureuse naïveté. Ce qu'on lui soustrait n'est pas une perte, mais un allègement, un soulagement.

Celui qui pourrait paraître un homme simple et qui a tout perdu est celui qui gagne le plus dans le conte des frères Grimm : il est délivré de tout fardeau.

Qu'est-on prêt à échanger et contre quoi ?

Brecht en s'emparant de ce conte fait aussi de Jean un naïf et un heureux mais il n'y a plus de morale. D'abord parce que Jean échange non plus des biens matériels ou des animaux, mais sa femme, contre une ferme, puis sa ferme contre une charrette, une charrette contre un manège, etc., jusqu'à reprendre même sa femme, et la perdre à nouveau.

Il n'y a pas chez Brecht de hiérarchie de valeur des biens échangés, et cela pose la question : Qu'est-on prêt à échanger et contre quoi ? Pour quel bonheur ?

Ensuite, la bonté de Jean et le dépouillement dont il est l'objet ne mènent pas à une résolution idéologique, il y a juste la brutalité joyeuse des échanges, sans souffrance, sans tragique, sans même une fin heureuse, et la pièce se rapproche en ce sens de la farce, elle en reste à la crudité des rapports humains.

Bertolt Brecht (1898, Augsbourg) Auteur dramatique, poète lyrique, narrateur et cinéaste, théoricien de l'art et metteur en scène allemand, il défend la conception d'un théâtre « épique », défini par sa fonction sociale et politique. Il est considéré comme l’un des plus grands dramaturges contemporains. Issu d'une famille bourgeoise, Bertolt Brecht commence ses études à Munich en 1917, à la faculté de lettres puis de médecine, avant d'être mobilisé comme infirmier en 1918. Sa première pièce est Baal (1918). Avec Tambours dans la nuit, il obtient un prix littéraire en 1922 et se rend à Berlin, qui est alors la « Cité européenne du Théâtre ». En quelques années, il devient un auteur célèbre, Noce chez les petits bourgeois (1919), la Vie d'Edouard II, Mahagonny, Sainte Jeanne des abattoirs, la Mère, Homme pour homme, l'Opéra de Quat'sous (1928), l'Exception et la règle. Ses pièces, d'une brûlante actualité, sont le reflet de l'esprit de révolte et de provocation de l'auteur. Ses convictions marxistes et antinazies le conduiront à l'exil en 1933. Après le Danemark et la Finlande, il rejoint les États-Unis. Il y écrit Mère courage et ses enfants et le Cercle de craie caucasien qui constituent son répertoire le plus populaire. En 1947, dans un climat de chasse aux sorcières, il est interrogé par la « Commission des activités anti-américaines» pour sympathies communistes. En 1948, l'auteur retourne dans son pays et s'installe à Berlin-Est où il fonde, avec son épouse la comédienne Hélène Weigel, la troupe théâtrale du Berliner Ensemble.

Jean-Louis Hourdin Acteur, metteur en scène, Jean-Louis Hourdin s’est formé à l’École supérieure d’art dramatique du Théâtre National de Strasbourg. Homme de compagnonnages et de fidélités, il se définit lui-même plus comme un chef de troupe que comme metteur en scène. Fondateur du Groupe d’Action Théâtrale et Culturelle en 1976 avec Arlette Chosson, qu’il dirige aujourd’hui, il est aussi avec Jean-Paul Wenzel et Olivier Perrier à l’origine des Rencontres d’Hérisson et du groupe des Fédérés (1979). Attaché à faire entendre la parole des poètes, il monte des textes de théâtre mais s’intéresse également aux textes non dramatiques ou à des formes mêlant musique et texte comme dans Boby dit… d’après Boby Lapointe avec Gérard Guillaumat présenté en juin 2009 au TDB. Egalement attaché à la transmission, il achète en 2004 la Maison Jacques Copeau à PernandVergelesses avec le projet d’en faire un lieu de passation-insertion-professionnelle-formation, fidèle à la philosophie de Copeau. À Dijon, la saison dernière il a présenté Coups de foudre et participé aux créations de Très nombreux, chacun seul et de Et si on s’y mettait tous ! L’Art de faire de la vérité une arme maniable.

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PARVIS SAINT-JEAN ven 7 et sam 8 décembre le 7 à 20h, le 8 à 17h 1h20

Quartett de Heiner Müller mise en scène Matthias Langhoff d’après Les Liaisons dangereuses de Pierre Choderlos de Laclos avec Muriel Mayette de la Comédie-Française et François Chattot traduction Jean Jourdheuil et Béatrice Perregaux, décor, films Matthias Langhoff, peinture Catherine Rankl, costumes Renato Bianchi, lumière Frédéric Duplessier, assisté de Arnaud Guillamon, construction décor Pierre Meine et Michel Coquet, assistanat à la mise en scène Hélène Bensoussan, régie générale Peter Wilkinson, son et vidéo Gaspard Langhoff, lumière Frédéric Duplessier coproduction Compagnie Rumpelpumpel, Théâtre Vidy-Lausanne E.T.E., Espace Malraux-Chambéry, Maison des Arts-Thonon les Bains, Théâtre de la Croix Rousse-Lyon avec l’aimable participation de la Comédie-Française

Le Quartett de Müller vaut la peine d’être redécouvert, il est sauvage, jeune et destructeur, cruellement comique et troublant au plus haut point.

Matthias Langhoff « Un salon d’avant la Révolution française / Un bunker d’après la Troisième Guerre mondiale ». Ces didascalies ouvrent le texte de Quartett, donnant son cadre et son ton à cette pièce de Heiner Müller qui réunit, pour une ultime rencontre, le couple imaginé par Choderlos de Laclos dans Les Liaisons dangereuses : Madame de Merteuil et Valmont.

La Marquise et le Vicomte ont vieilli. Ils ne sont plus que les fantômes d'un temps condamné à disparaître. Ou plutôt, ils sont entre deux temps : entre hier et un demain dont on se sait rien. Dans cette nuit indécise ne reste que la mécanique des corps qui s'épuisent en une course qui n'a d'autre fin que la mort et la putréfaction. Cet homme et cette femme qui se sont aimés jadis jouent et rejouent des scènes de séduction anciennes ou de conquêtes à venir. Complices cruels, liés à jamais, unis par une même jouissance du pouvoir que donne l’amour, radotant tel un vieux couple inséparable, ils trompent leur ennui en répétant ou rejouant des scènes de séduction. Par défi, ils échangent leurs rôles : la femme joue l’homme, l’homme joue la femme, et tous deux s’amusent à mettre en scène la conquête d’une épouse fidèle, Madame de Tourvel, et à faire céder la vertu de la jeune Cécile Vollanges, tout juste sortie d’un couvent.

Une invite au voyage à travers la sauvagerie de quelques siècles de l’histoire de l’humanité. Muriel Mayette et François Chattot […] prennent un plaisir fou à cette joute bestiale qui met en scène une éternelle guerre des sexes. Rarement parti pris fut plus juste.

Patrick Sourd, Les Inrockuptibles

Langhoff, qui avait créé Quartett en 1982 en Allemagne de l’Ouest, retrouve avec le duo MayetteChattot l’énergie de ce texte qui transforme l’amour et le sexe en champ de bataille.

Lorsque Müller acheva de composer Quartett, Langhoff lui demanda si le morceau comptait quatre personnages. L'écrivain, yeux mi-clos, rétorqua : «Mais non, deux seulement : je suis un professionnel !»

Un et un font ici quatre, puisque «jouant» à changer de sexe, l'un se met par moments dans la robe à panier de l'autre, tandis que l'une tourne autour en frac ou en caleçon aguichant-révulsant. Dans le bijou de théâtre du Conservatoire de Paris, Mme de Merteuil et Valmont, combattants de l'amour, ont les traits, les regards, les voix et les prestances de Muriel Mayette et François Chattot, comédiens de haut vol.

En duo virtuose, en paire interchangeable, elle et lui se faufilent dans la folie douce de Matthias Langhoff, la galvanisent, l'irradient : le verbe müllerien se fait chair. Tantôt ronde, tantôt déchiquetée, fragmentée,

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propulsée à l'avant de tout désir, en deçà du respect humain. L'ironie flotte, frappe, submerge. D'apnées en pics lyriques. Non loin d'un trash calculé, pesé au milligramme près. En ouverture, les soubresauts de fornication et râles coïteux des peu ragoûtants tourtereaux du sieur Choderlos de Laclos. Retour de flamme, entrevu avant l'extinction, l'empoisonnement. Pâmoisons feintes. Rut outré par le grincement des amortisseurs d'une 2CV camionnette, sculpture de carton pâte en trois dimensions, carcasse échouée, vérace, au sommet d'un de ces planchers en pente que Langhoff affectionne, décorateur de ses propres songes. Dans une fidélité à lui-même, à son esthétique d'obliqueur capable de superposer évier et réchaud à la verticale d'une tombe en porte-à-faux qui s'entrebâille tandis que sur un petit écran en surplomb défile une vidéo tournée dans le cimetière du Père-Lachaise.

Langhoff distille la tristesse européenne et sa passéiste impudeur, pour bientôt laisser place au souvenir de gigotements masturbatoires de Popeye, puis à la mélancolie de mastications en noir et blanc du couple à table capturé par une caméra sans pardon : ce montage d'images vénéneuses s'inscrit en un commentaire à épisodes, distant, intermittent comme en mer l'éclair des phares. Eclair hanté par le fantôme de Cécile Vollanges en silhouette bressonnienne, non encore pécheresse.

Mathilde La Bardonnie - Libération Heiner Müller Heiner Müller naît en 1929, en Saxe. Dès l’arrivée des nazis en 1933, son père est arrêté une première fois. En 1951, ses parents partent à l’Ouest. Lui reste à l’Est, publie La Croix de fer en 1956. Le Briseur de salaire reçoit en 1959 le prix Heinrich Mann. Il travaille sur Shakespeare et les tragiques grecs. En 1966, L’Émigrante lui vaut d’être exclu de l’Union des Écrivains, pour “pessimisme”. De 1970 à 1976, il est conseiller au Berliner Ensemble, dont il prend la direction en 1992, où il reste jusqu’à sa mort, en décembre 1995. En France, c’est Bernard Sobel qui le fait connaître en 1970 avec Philoctète. Patrice Chéreau crée Quartett en 1982 au Théâtre des Amandiers de Nanterre dont il vient de prendre la direction. Jean Jourdheuil, son traducteur, met en scène une suite de ses pièces : Hamlet-machine, Rivage à l’abandon, Medea Materiau, Paysage avec Argonaute.

Matthias Langhoff Matthias Langhoff naît en 1941 en exil à Zurich. Son père est communiste, sa mère, juive italienne. Après la guerre, la famille revient à Berlin. Le père prend la direction du Deutsches Theater, accueille Brecht au Berliner Ensemble.

Matthias y fait ses classes et rencontre Manfred Karge. Ensemble, ils mettent en scène Le Commerce du pain de Brecht, qui les révèle en France, où ils reviennent avec La Bataille de Heiner Müller. Karge reste à l’Est. Matthias Langhoff dirige un temps le Théâtre de Vidy-Lausanne. Hormis ces deux expériences, il n’a pas eu de lieu fixe depuis 1985. Entre le Festival d’Avignon, le T.N.P. de Villeurbanne, le Théâtre National de Chaillot, la MC93/Bobigny, le Théâtre National de Strasbourg, le Théâtre National de Bretagne, les Amandiers de Nanterre, l’Odéon, l’Athénée, le Théâtre de la Ville ou la Comédie de Genève, le théâtre de Barcelone, le théâtre d’Epidaure en Grèce, en Italie, à Moscou, il a travaillé dans de nombreux théâtres. Ses auteurs référentiels sont les grecs anciens, Shakespeare, Strindberg et Heiner Muller. Il se pose en artiste, non en doctrinaire. Artisan de théâtre, il met les œuvres dramatiques à l’essai pour les connaître. À Dijon on a déjà pu voir il y a quelques années sa mise en scène de Richard III, où il monte plusieurs spectacles à Paris, en passant par Rome et Madrid, il continue sa route.

Muriel Mayette Lorsqu'elle entre à la Comédie-Française le 15 septembre 1985, Muriel Mayette ambitionne de faire une belle carrière.

Mais elle ne se doute pas qu'elle deviendra près de vingt ans plus tard la première femme à prendre la tête de la troupe. Après avoir étudié à l'Ecole Nationale Supérieure des Arts et Techniques du Théâtre, puis au Conservatoire National Supérieur d'Art Dramatique, elle entrevoit plusieurs possibilités d'évolution. A la fois auteur, metteur en scène et comédienne, elle choisit d'expérimenter les trois voies. Elle crée et dirige ainsi plusieurs pièces - Qui veut noyer son chien0, The dinner titre provisoire - et adapte les œuvres de quelques figures du théâtre comme Molière, Feydeau, Corneille, Alain-René Lesage ou encore Eugène Labiche - La Poudre aux yeux, Oh, mais où est la tête de Victor Hugo ?, Clitandre, Le Bourgeois gentilhomme, Les Danseurs de la pluie, Chat en poche... Parallèlement, elle joue plusieurs rôles à la Comédie-Française - Le Malade imaginaire de Molière, Le Conte d'hiver de Shakespeare, Les Grelots du fou de Luigi Pirandello, Platonov de Tchekhov - mais aussi en dehors - Roméo et Juliette, Le Misanthrope, L'Inspecteur général de Nikolaï Gogol. Muriel Mayette a également interprété quelques rôles au cinéma.

En 2006, elle reçoit l'honneur d'être nommée administrateur général de la Comédie-Française. Personnalité curieuse et dynamique, Muriel Mayette aura donc, à sa manière, révolutionné le monde du théâtre.

François Chattot Acteur formé à l’école du Théâtre National de Strasbourg il est directeur du Théâtre Dijon Bourgogne depuis 2007, où il a créé Music hall 56 de John Osborne, Dans le jardin avec François d’Yves Chaudouët, le Cabaret Hamlet de Matthias Langhoff et le Petit Cirque des Tribuns de la Compagnie SF, Que faire ? (le retour) (2011), Du fond des gorges (2011).

Et si on s’y mettait tous ! (2012) et Folie Courteline (2012). Au cinéma on a pu le voir dernièrement dans Adèle BlancSec de Luc Besson De Bon Matin de Jean-Marc Moutout ou Les Fils de l’hydre de Christophe Gomes et Ludovic Gaudry. À la télévision sur France 3, il était le Chanoine Kir dans la fiction consacrée à cette figure dijonnaise et réalisée par Eric Niveau. Il endosse aussi à l’occasion le rôle de metteur en scène ou de chef de troupe. En 2007, il met en scène

Martine Schambacher dans Les Uns à coté des autres, d’après l’œuvre de Charles Ferdinand Ramuz et accompagne le comédien Jean O’Cottrell dans la création de Van Gogh, autoportrait (2010).

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SALLE JACQUES FORNIER du sam 29 au lun 31décembre samedi et dimanche à 17h, lundi à 20h 1h40 RENCONTRE A CHAUD dim 30/12 à l’issue de la représentation

Que Faire ? (Le retour) conception et mise en scène Benoît Lambert textes Jean-Charles Massera, Benoît Lambert (and Guests…) avec Martine Schambacher et François Chattot scénographie et lumière Antoine Franchet, costumes Violaine L. Chartier, création sonore Yann France, Jean-Marc Bezou, travail chorégraphique Véronique Ros de la Grange, travail vocal Pascal Sangla, assistant mise en scène Maxime Contrepois, régie générale Jean-Pierre Dos, régie lumière Victor dos Santos, les équipes techniques du TDB, construction mobilier François Douriaux, construction décor Prélud production déléguée Théâtre Dijon Bourgogne - CDN coproduction Théâtre de la Tentative, compagnie conventionnée DRAC et le Conseil régional de Franche-Comté, La Criée Théâtre National de Marseille

« Maintenant donc que mon esprit est libre de tous soins, et que je me suis procuré un repos assuré dans une paisible solitude, je m’appliquerai sérieusement et avec liberté à détruire généralement toutes mes anciennes opinions. » Descartes, Méditations métaphysiques « Excuse-moi, mais je vois vraiment pas pourquoi tu pourrais pas penser dans ta cuisine. » Jean-Charles Massera, We Are L’Europe

Cent ans après la parution du célèbre Que faire ? de Lénine, un couple dans sa cuisine prend soudain conscience de la vacuité des modes de vie dans les pays de l’hémisphère nord en ce début de siècle.

Ils décident alors de faire le tri dans l’Histoire, l’Art et la Pensée : la Révolution française, on garde ? et la Révolution russe ? et Nietzche ? et Mai 68 ? et l’Art conceptuel ?… Tels Bouvard et Pécuchet affrontant les contradictions du néo-libéralisme et de la post-modernité, ils se (re)mettent à l’ouvrage, et cherchent une issue.

Les textes de Jean-Charles Massera fournissent ici l’impulsion d’un ensemble où l’on pourra trouver aussi bien des considérations sur le bricolage que les traces d’un lyrisme politique oublié, ou encore une table, des chaises, des assiettes, des verres et une soupière… Mais peut-être aussi Descartes, Deleuze, Beys, Malevitch ou Godard…

Par la confrontation rêvée de deux acteurs singuliers, Martine Schambacher et François Chattot, Benoît Lambert continue d’explorer nos inquiétudes, nos préjugés, nos espoirs et nos déceptions.

Ainsi, « Que faire ? », la question politique par excellence, fait son retour en cuisine pour une comédie.

Après We are la France et We are l’Europe, Que faire ? (le retour) clôt un cycle féroce et burlesque né des textes de Jean-Charles Massera. C’est peut-être les prémisses d’une insurrection à venir, c’est surtout une comédie dans laquelle des gens ordinaires tentent, dans la confusion ambiante, de reprendre leur vie en main.

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Par la grâce du jeu de François Chattot et de Martine Schambacher, entre apesanteur et puissance, Que faire ? dessoude l’héritage, sulfate le supposé devoir de mémoire au profit de l’événement pur, d’un amusement immédiat, d’une conscience immanente et forcément collective. Ce music-hall de poche, rageur et long en bouche interroge toute liberté…

Guillaume Malvoisin – Le Bien public

On se retrousse ses manches, on remet l’ouvrage sur le métier, on chante, on s’engueule un peu, on s’aime, et c’est le tourbillon de la vie qui vous emporte dans la sarabande des corps et des idées. Les experts et politologues de tout poil peuvent se rhabiller. Ce couple dans sa cuisine raconte l’histoire de l’émancipation humaine à sa sauce. Savoureuse.

Marie-José Sirach - L’Humanité

C’est la force de ce spectacle, inviter le regard critique à balayer les avancées les plus évidentes, les mouvements à priori les plus intéressants ou au moins les plus prometteurs. À regarder la vérité cachée derrière le lyrisme politique. De cette farce qui mélange les genres (théâtre, chanson, cabaret), on sort joyeux et prêts à détruire toutes nos anciennes opinions. Joli programme non ?

O.B. – La Provence

Jean-Charles Massera Jean-Charles Massera vit, télécharge et travaille entre Paris et Berlin. Auteur de fictions, intéressé par les problèmes politiques et sociaux contemporains, il a publié Gangue son, Méréal (1994) ; France guide de l’utilisateur, P.O.L (1998) ; United Emmerdements of New Order précédé de United Problems of Coût de la Main-d’œuvre, P.O.L (2002) ; A Cauchemar is Born, (Nouvelles) Verticales (2007) ; We Are L’Europe (Le projet WALE), Éditions Verticales (2009). Depuis peu, il développe un travail dans des formats autres que le livre, notamment l’installation sonore, la chanson, le film et le clip vidéo, le diaporama, la photo ou encore l’affichage dans l’espace public et mis en ligne le site www.jean-charles-massera.com.

Benoît Lambert Né à Rennes en 1971, Benoît Lambert a été formé au théâtre par Pierre Debauche. En 1993, il fonde avec Emmanuel Vérité, comédien, La Tentative, compagnie avec laquelle il a monté Molière, Musset, Sarraute, Brecht, Valletti, Mrozek, Gombrowicz, Blutsch, Kroetz... Il débute en 1999 la réalisation du feuilleton théâtral Pour ou contre un monde meilleur, qui se poursuit en 2002 avec Ça ira quand même.

Plus récemment, c’est avec les textes de Jean-Charles Massera que Benoît Lambert continue d’ausculter notre société capitaliste. Il crée successivement We Are La France (2008), We Are L’Europe (2009) et Que Faire ? (le retour) (2011). En 2012, il écrit et met en scène Bienvenue dans l’espèce humaine au Théâtre Dijon Bourgogne.

En mars 2013, il créera Dénommé Gospodin de Philipp Löhle au Théâtre Dijon Bourgogne.

François Chattot Acteur formé à l’école du Théâtre National de Strasbourg il est directeur du Théâtre Dijon Bourgogne depuis 2007, où il a créé Music hall 56 de John Osborne, Dans le jardin avec François d’Yves Chaudouët, le Cabaret Hamlet de Matthias Langhoff et le Petit Cirque des Tribuns de la Compagnie SF, Que faire ? (le retour) (2011), Du fond des gorges (2011). Et si on s’y mettait tous ! (2012) et Folie Courteline (2012). Au cinéma on a pu le voir dernièrement dans Adèle Blanc-Sec de Luc Besson De Bon Matin de Jean-Marc Moutout ou Les Fils de l’hydre de Christophe Gomes et Ludovic Gaudry. À la télévision sur France 3, il était le Chanoine Kir dans la fiction consacrée à cette figure dijonnaise et réalisée par Eric Niveau. Il endosse aussi à l’occasion le rôle de metteur en scène ou de chef de troupe. En 2007, il met en scène Martine Schambacher dans Les Uns à coté des autres, d’après l’œuvre de Charles Ferdinand Ramuz et accompagne le comédien Jean O’Cottrell dans la création de Van Gogh, autoportrait (2010).

Martine Schambacher Comédienne, elle se forme au Théâtre de Carouge (Génève), avant d’intégrer l’école du Théâtre National de Strasbourg. Depuis, elle travaille avec des metteurs en scène comme Jean-Paul Wenzel, Jean-Pierre Vincent, Jacques Nichet, Jean-Louis Martinelli, Matthias Langhoff, Jean-Louis Hourdin, Bruno Boëglin, … À Dijon, on a pu la voir dans Plus loin que loin (2007) de Zinnie Haris, mise en scène Guy Delamotte, Music Hall 56 (2007) de John Osborne et La Charrue et les étoiles (2009) de Sean O’Casey dans des mises en scène d’Irène Bonnaud, Et si on s’y mettait tous ! (2012) création collective avec François Chattot, Jean-Louis Hourdin et Chrsitian Jehanin. Que faire ? (Le Retour) est sa deuxième collaboration avec Benoît Lambert après Meilleurs souvenirs de Grado de Franz-Xaver Kroetz en 2008 et son premier duo avec François Chattot.

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PARVIS SAINT-JEAN Soirée de présentation

mar 8 janvier à 18h30

ART DANSE : LES CHOREGRAPHES ONT LA PAROLE Art Danse - Centre de développement chorégraphique Dijon Bourgogne - organise chaque année un festival consacré à la création contemporaine dans toute sa diversité avec l’ambition de rassembler tous les publics des plus néophytes aux plus avertis. Cette année le festival donne la parole aux chorégraphes. Entre spectacles et conférences, cette nouvelle édition danse aussi avec les mots. Le TDB partenaire d’Art Danse accueille cette saison sept spectacles.

PARVIS SAINT-JEAN mar 8 janvier à 20h 1h25 en partenariat avec

Regarde Maman, je danse texte et interprétation Vanessa Van Durme mise en scène Frank Van Laecke coaching Griet Debacker, lumières Jaak Van de Velde, traduction Monique Nagielkopf production Swan Lake, diffusion Frans Brood Productions coproduction La Rose des Vents - Villeneuve d’Ascq, Le Rive Gauche - Saint-Etienne-du-Rouvray, Théâtre de la Ville - Paris avec le support de la Ville de Gand. avec l’aimable aide du Théâtre Victoria Gent.

« Si l’on pose que le théâtre vit par la grâce de l‘opposition entre voiler et démasquer, Regarde maman, je danse, est la sublimation des deux. Mettre Vanessa en scène est une manière unique en son genre de partir en voyage. Elle seule connaît la destination finale… moi, je suis le système GPS. » Frank Van Laecke.

Une histoire transsexuelle Dans ce spectacle, Vanessa Van Durme ne joue pas un rôle.

Elle se joue elle-même : mission difficile, triple saut périlleux car le miroir auquel elle se confronte est impitoyable.

Au cours de son histoire, tour à tour hilarante et touchante, elle évoque le petit garçon qu’elle a été. Un enfant qui jouait à la poupée et se déguisait avec la lingerie de sa maman.

Un petit garçon qui créait son propre monde, dans lequel il était une princesse, une fée ou de préférence, une danseuse.

Un petit garçon qui, surtout, ne voulait pas en être un.

Le langage est cru, dur et explicite, volontairement dénué de fioritures et d’effets poétiques.

Car seul l’humour féroce peut servir de bouclier à la guerrière qu’est l’auteure-actrice pour se protéger des regards blessants et des préjugés du monde.

Vanessa parle de la quête douloureuse de son identité et de sa place dans la société.

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« Changer de sexe dans les années 70 témoigne d’un courage exceptionnel, car c’était un parcours du combattant qui coûtait du sang et des larmes. L’histoire de Vanessa, qui touche au plus profond, est une véritable leçon d’humilité. Que celui qui ose se proclamer "normal" jette la première pierre. » Alain Platel Vanessa Van Durme Vanessa Van Durme a fait ses études d’art dramatique au conservatoire de Gand et fait ses débuts – en tant que jeune acteur – dans la compagnie “NTGent”. Elle fait alors le choix difficile de changer de sexe et abandonne sa carrière. Vingt ans plus tard, elle se remet à l’écriture de comédies et écrit des scénarios, notamment pour la chaîne flamande VRT, pour qui elle signe Liefde en Geluk dont elle assure la direction des acteurs. Parallèlement, elle signe des pièces de théâtre mais son grand retour sur les planches s’opère quand Alain Platel la choisit pour interpréter « Tosca » dans Allemaal Indiaan. C’est lors d’une tournée de White Star qu’elle écrit le Regarde Maman, je danse et en épure le monologue qu’elle jouera en quatre langues. Elle y parle de son changement de sexe et montre au public que les gens « qui sont autres » sont aussi… des gens.

Sa prochaine création, dont le titre provisoire est Femme Blanche, se déroulera dans le Maroc colonisé du début du siècle dernier. Elle souhaite y dénoncer la progression du racisme et de l’intolérance.

Frank Van Laecke Frank Van Laecke, que la presse se plaît à surnommer le « magicien » en raison de la diversité de ses talents, s’est forgé un impressionnant palmarès international tant comme auteur que comme metteur en scène. Il a reçu de nombreux prix en Belgique et à l’étranger. Van Laecke s’est surtout fait connaître en tant que metteur en scène de théâtre, d’opéra, de comédie musicale et surtout de grands spectacles, comme en témoignent ses mises en scène spectaculaires de The Sound of Music, My Fair Lady, ou bien encore La Traviata. Il assume la direction artistique du Music Hall de 1997 à 1999. En 2001, Kuifje en de Zonnetempel connaît un grand succès et la première adaptation française Tintin, Le Temple du Soleil reçoit le prix du meilleur spectacle francophone en 2002. Il assure ensuite la mise en scène d’une production à Broadway et le prix du Musical flamand 2006 lui est décerné pour sa mise en scène de Dracula. Frank Van Laecke est régulièrement invité à donner des master classes partout dans le monde et a été nommé Ambassadeur de la ville de Gand en 2000.

Griet Debacker Après des études de logopédie et d’art dramatique, l’actrice Griet Debacker a fait partie de diverses compagnies de théâtre belges. Elle a également joué dans de nombreux feuilletons télévisés pour la chaîne officielle flamande (VRT). En 2004, de pair avec Vanessa Van Durme, elle fonde la compagnie Swan Lake. Elle a été l’assistante à la mise en scène de Frank Van Laecke pour « Regarde maman, je danse », et se charge du coaching et de l’accompagnement de Vanessa pendant la tournée européenne de cette production.

Pour aller plus loin… www.swanlake.be, www.fransbrood.com

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SALLE JACQUES FORNIER vend 25 janvier à 20h 44 min en partenariat avec

RENCONTRE RENCONTRE A CHAUD à l’issue de la représentation

Une Hypothèse de réinterprétation conception et interprétation Rita Quaglia en collaboration avec Loïc Touzé regard extérieur Carole Perdereau, partition sonore Henri-Bertrand Lesguillier, suivi artistique et technique Lluis Ayet coproductions CCN de Marseille et le CNDC d’Angers dans le cadre des accueils studio, CCN de Montpellier Languedoc-Roussillon dans le cadre d'une résidence de recherche et d'écriture chorégraphique (rerc), espace Bernard Glandier-Compagnie Didier Théron dans le cadre d'une résidence. l'association ACTA est soutenue par la Région Languedoc-Roussillon, la ville de Montpellier, la Charte de diffusion interrégionale signée par L'ONDA, l'ARCADI, l'OARA, l'ODIA et Réseau en scène LanguedocRoussillon.

« Une pièce m’éblouit quand, sans présupposé et sans préavis, mon regard devient celui du corps, un regard physique qui me projette mentalement sur le plateau ; d’où mon intérêt, dans le cas de pièces de groupe, pour des hypothèses de réinterprétation solitaire, sorte de réappropriation possible en miniature de pièces conçues pour plusieurs interprètes. » Rita Quaglia

Occupant l’espace dans la double posture d’interprète et de spectatrice, Rita Quaglia réinterprète à échelle réduite, en solo, une pièce créée à l’origine pour dix interprètes.

Après avoir mené une enquête et récolté au travers des témoignages et partitions une matière sonore de base, elle se remémore, réinterprète et réécrit la pièce avec l’auteur de la pièce d’origine « pour remettre en jeu les trajectoires à la fois symboliques et matérielles qui avaient abouti à sa création ». Jouant entre documentaire et performance, cette nouvelle forme traduit tout en le trahissant, le propos initial.

« […] On revoit avec la même empathie Rita Quaglia qui se remémore un spectacle dont nous ne saurons, par ses évocations minimalistes que peu de choses. L’intelligence simplicité du solo fait mouche : une table, un drap, la subtilité d’une danseuse qui joue des trous et des éclairs de mémoire pour mieux nous embarquer dans sa conviction qu’on fait représentation de tout, et surtout de peu de choses. » Christine Rodès

Chaque spectateur possède son émerveillement. Des réminiscences secrètes deviennent des instants de partage ; ils regardent ensemble une femme habiter des traces d’émotions. La danse se risque alors avec grâce et générosité à un nouveau discours indirect libre. La simplicité étonne, à chaque instant. Ni parodie ni cynisme. La performance de Rita est une expérience précieuse qui dévoile entre mouvement et mot une autre approche de la sensibilité » Sylvain Berteloot

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Rita Quaglia - Danseuse, chorégraphe Née à Naples, Rita Quaglia découvre la danse contemporaine en France dans les années 80 où son parcours d’artiste interprète commence avec Régine Chopinot. En 1988 elle intègre le Studio DM dirigé par Bernardo Montet et Catherine Diverrès. En 1995 elle suit Mathilde Monnier venue s’installer au Centre Chorégraphique de Montpellier participant à toutes ses créations jusqu’en 1999. En 2003, elle travaille avec François Verret pour la création de Solo, et la même année, Francesca Lattuada lui propose la création de Ostinato, partition pour une danseuse. En 2004 elle représente la danse contemporaine française en Italie dans le cadre de « La France bouge » avec trois solos : Solo de François Verret, Stance II de Catherine Diverrès et Ostinato de Francesca Lattuada. Parallèlement, elle crée ses propres projets chorégraphiques avec Lluis Ayet et ils fonderont l’association Acta en 1997. En 2006, ils sont lauréats de la Fondation Beaumarchais pour la création de Bleu de Terre Rouge, qui a vu le jour à Jérusalem en collaboration avec le photographe Didier Ben Loulou.

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SALLE JACQUES FORNIER dim 27 janvier à 11h conférence 50 min solo 30 min en partenariat avec

La Caryatide, en mouvement (conférence) accompagnée du duo À la gauche de l’espace chorégraphie Daniel Dobbels interprètes Marine Chesnais et Carole Quettier musique Étude n° 1 de Pascal Dusapin (© éditions Salabert S.A.) production De l'Entre-Deux coproduction Le Forum - scène conventionnée de Blanc-Mesnil avec le soutien du Département de la Seine-Saint-Denis. la compagnie De l'Entre-deux est subventionnée par la Direction Régionale des Affaires Culturelles des Pays de la Loire/ministère de la Culture et de la Communication au titre de l'aide à la compagnie chorégraphique conventionnée. la compagnie De l'Entre-Deux est en résidence au Forum avec le soutien du Département de la Seine-Saint-Denis

« Il faut qu’un vieux dallage ondule sous les portes, Que le lierre vivant grimpe aux acanthes mortes, Que l’eau dorme aux fossés, Que la cariatide, en sa lente révolte, Se refuse, enfin lasse, à porter l’archivolte, Et dise : C’est assez ! … » Victor Hugo, extrait de Voies intérieures

La Caryatide, en mouvement (Conférence) Daniel Dobbels aime transmettre au public des références sur la longue histoire qui lie la danse aux arts plastiques. Avec La Caryatide, en mouvement, en référence à un vers de Hugo, et à travers Rilke, Rodin, Modigliani, Laurens, Isadora Duncan et Ted Shawn, il montre que la danse trouve l’une de ses impulsions les plus profondes dans cet appui que lui offre la sculpture, lui ouvrant ainsi l’accès à l’espace et au temps, en se détachant de sa masse.

Son intervention s'appuiera sur des actes chorégraphiques interprétés par les deux danseuses Marine Chesnais et Carole Quettier.

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À la gauche de l’espace À la gauche de l’espace est une danse qui oscille et ne sait sur quel socle elle pourrait se tenir, le sol se dérobant, comme la pensée ou la sensation des choses. Une danse peut-elle en supporter les poids écrasants ? Saurait-elle, comme certaines herbes fissurent les pierres, distiller l’alcool lourd du temps et donner corps à une légèreté dégagée de ce couplage mythique qui associe Dionysos à Apollon, pour laisser transparaître sa propre "voix intérieure" ? Ne devrait-elle pas opérer une volte lente avant de donner lieu à une "lente révolte"? Une volte lente, se dégageant d’un poids immense et dérivant inexorablement vers la gauche, comme si cette danse devait rompre avec toute droite, toute figure imposée, toute symétrie profonde. Entre les deux danseuses, un accord intime se noue : elles vont dériver… dévier… tendre vers ce qu’elles pressentent être la plus étrange légèreté… celle, par exemple, que Modigliani a su miraculeusement révéler dans la figure d’une caryatide endormie…

Daniel Dobbels Sur les accords de l’étude numéro 1 de Pascal Dusapin, on assiste à une danse délicate marquée par une attention aiguisée à la présence de l’autre. Les yeux fermés, les danseuses se concentrent sur l’espace intime de leur relation. Elles semblent dériver avec lenteur dans un songe de sensualité.

Bien loin de toute figure imposée et à rebours de toute recherche spectaculaire.

Maxime Fleuriot, Danser Magasine

C’est une écriture de la dépose, du couché qui touche et pénètre notre imaginaire de façon persuasive, intuitive, inventive. Des instants suspendus à la lisière de l’inconscient comme rivés à l’extrême écoute du monde sensible, à la perméabilité des sens et la porosité de la présence de la danse, dans la lumière, la brise, la magie d’un matin égaré.

Geneviève Charras

Daniel Dobbels Chorégraphe, danseur et penseur de la danse, contributeur et témoin avisé de l’histoire de l’art, Daniel Dobbels trace une voie unique entre écriture et création. Quel que soit son medium – le mot ou le geste -, il n’a de cesse de l’interroger pour s’approcher au plus près du sensible. Dans ses pièces, plus d’une vingtaine à ce jour, il mène avec les danseurs de sa compagnie une exploration minutieuse du geste, fouillant tous les états du corps pour faire émerger ce qu’il retient de plus intime. Du solo au septuor, il invente un art de la relation, à la recherche d’une danse qui soit « la justice du corps ». Il fonde la compagnie De l'Entre-Deux en 2000 et crée entre autres pièces D'un jour à l'autre (2003), L'insensible déchirure (2006), Solitaires (2007), Danser de peur (2009), Les plus courts chemins (2010), À la gauche de l'espace (2011) et Un son étrange (2011).

Marine Chesnais Marine Chesnais se forme à la danse au Conservatoire national de Musique et de Danse de Paris (1 er prix).

Parallèlement, elle pratique le Kung-Fu, le But ō et suit de nombreux stages avec Trisha Brown, Dominique Mercy, Wim Vandekeybus, Rosalind Crisp, Alban Richard, Josef Nadj... Elle collabore avec plusieurs chorégraphes, notamment Daniel Dobbels et, depuis 2008, Héla Fattoumi et Eric Lamoureux au Centre Chorégraphique National de Caen et de Basse-Normandie.

Carole Quettier Elle se forme au Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris avec Susan Alexander, Peter Goss, André Lafonta, Christine Gérard et Martine Clary (1996-2000). Parallèlement, à l’invitation du flûtiste Jérémie Fèvre, elle suit la classe d'improvisation générative de Rainer Boesch et Alain Savouret. Elle a participé à plusieurs créations et reprises de rôle dans les compagnies d’Anna Ventura, Claudio Bernardo, Charles Créange et Frédéric Lescure. En 2002 elle rejoint Hervé Robbe, au Centre Chorégraphique National du Havre. Pour De l’Entre-Deux, elle danse le solo L'Echarpe grise - un des Solitaires -, et Danser, de peur. Elle participe au tournage de Choses lues, choses vues pour Alain Fleischer. Elle travaille également avec l'artiste Elise Vandewalle pour des projets vidéo, dont Les Fruits noirs.

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SALLE JACQUES FORNIER dim 27 janvier à 15h conférence 50 min solo 30 min en partenariat avec

Cette danse qui « n’a pas encore commencé à exister » (conférence) accompagnée du solo Un son étrange chorégraphie Daniel Dobbels, interprète Adrien Dantou texte Van Gogh, le suicidé de la société, de Antonin Artaud, lu par Alain Cuny production De l'Entre-Deux coproduction Centre Chorégraphique National de Nantes avec le soutien du Département de la Seine-Saint-Denis. la compagnie De l'Entre-Deux est subventionnée par la Direction Régionale des Affaires Culturelles des Pays de la Loire/ministère de la Culture et de la Communication au titre de l'aide à la compagnie chorégraphique conventionnée. la compagnie De l'Entre-Deux est en résidence au Forum, scène conventionnée de Blanc-Mesnil avec le soutien du Département de la Seine-Saint-Denis

Cette danse qui « n'a pas encore commencé à exister » (Conférence) Pour cette deuxième conférence, Daniel Dobbels partira du texte Van Gogh, le suicidé de la société d'Antonin Artaud, des peintures des nabis et des fauves, pour montrer que la peinture est aussi un appel inouï du corps, dont la danse se fera l'étrange héritière ou dépositaire. L’acte chorégraphique sera cette fois interprété par le danseur Adrien Dantou.

Un son étrange, Un solo hors des souffles Qu’entend un corps quand il danse (ou croit danser) et ne s’appuie que sur les seules forces silencieuses qui sont les siennes, quand autour ou tout près de lui la rumeur devient assourdissante ? Que peut-il entendre d’un texte inouï, « Van Gogh, le suicidé de la société », dit par Alain Cuny, où, comme sous sommation, s’écrit, entre autre, ceci : « (…) sous le terrible coup de boutoir de cette force d’inertie dont tout le monde parle à mots couverts, et qui n’est jamais devenue si obscure que depuis que toute la terre et la vie présente se sont mêlées de l’élucider… »? Comment, sans lui-même se tenir comme inerte, peut-il soutenir, traduire, trahir, cette démesure où s’associent puissance d’un texte et d’une voix, qu’il nous faut écouter presque sans relâche (chaque jour de notre histoire le demande inconsciemment), et s’y exposer en toute intelligence ? L’attente paradoxale de cette danse-ci serait de faire entendre ce texte d’un point d’extrême vulnérabilité – où le corps ne serait que le levier d’une intelligence d’être encore à invoquer.

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Daniel Dobbels Chorégraphe, danseur et penseur de la danse, contributeur et témoin avisé de l’histoire de l’art, Daniel Dobbels trace une voie unique entre écriture et création. Quel que soit son medium – le mot ou le geste -, il n’a de cesse de l’interroger pour s’approcher au plus près du sensible. Dans ses pièces, plus d’une vingtaine à ce jour, il mène avec les danseurs de sa compagnie une exploration minutieuse du geste, fouillant tous les états du corps pour faire émerger ce qu’il retient de plus intime. Du solo au septuor, il invente un art de la relation, à la recherche d’une danse qui soit « la justice du corps ». Il fonde la compagnie De l'Entre-Deux en 2000 et crée entre autres pièces D'un jour à l'autre (2003), L'Insensible Déchirure (2006), Solitaires (2007), Danser de peur (2009), Les Plus Courts Chemins (2010), À la gauche de l’espace (2011) et Un Son étrange (2011).

Adrien Dantou Après une formation en danse contemporaine au Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris, dont il sort diplômé en 2008, Adrien Dantou danse pour la compagnie Camille Dantou et la compagnie Cie&Co de Camille Ollagnier. Il intervient également sur des pièces de théâtre recherchant avec les comédiens différents états de corps, notamment sur la pièce Non rééducable de Stéphano Massini. En 2009, il réalise son premier court-métrage. Il rejoint la compagnie De l’Entre-Deux en 2009 et danse dans Les plus courts chemins et Un son étrange.

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PARVIS SAINT-JEAN mer 30 janvier à 20h 35 min en partenariat avec

RENCONTRE A CHAUD à l’issue de la représentation

WASLA (solo), ce qui relie chorégraphie Héla Fattoumi / Eric Lamoureux interprétation Héla Fattoumi musique Christophe Séchet, scénographie Raymond Sarti, création lumières Xavier Lazarini, costume Sandrine Pelletier, production/diffusion Sébastien Kempf production Cie Fattoumi-Lamoureux, Biennale de Danse de Lyon, Théâtre de la Ville (Paris) avec le soutien du Théâtre du Muselet - Scène nationale de Châlons-en-Champagne, AFAA le Centre Chorégraphique National de Caen/Basse-Normandie est subventionné par le Ministère de la Culture et de la Communication, Direction Régionale des Affaires Culturelles de Basse-Normandie, Le Conseil régional de Basse-Normandie la ville de Caen, le Conseil général du Calvados le Conseil général de la Manche le Conseil général de l’Orne, Il reçoit l’aide de l’Institut français pour ses tournées à l’étranger.

« La singularité de notre danse repose sur une « identité - relation » toujours en mouvement, façonnée par les échanges qui fondent notre histoire. Notre collaboration artistique permet d’ouvrir un espace commun, véritable foyer d’interactions dans lequel nous confrontons nos particularités par de multiples croisements qui peuvent être assimilés à une forme de « créolisation » au sens où l’entend Edouard Glissant.

Le thème de la Méditerranée associé plus particulièrement au monde Arabomusulman est indéniablement porteur d’une charge émotive profonde pour nous du fait même de cette « identité - relation » qui fait s’entrecroiser nos deux modes d’être au monde, marqués par nos racines, orientales pour Héla Fattoumi, occidentales pour Eric Lamoureux. Il convoque une mosaïque de goûts, de saveurs, de souvenirs, d’expériences sensibles, de frissons de vie qui est inscrite dans notre danse depuis le début de façon souterraine, comme une « trace - mémoire ».

Toujours par la mise en jeu des corps, nous espérons révéler combien ces notions participent à la réalité complexe qui relie les deux rives de la Méditerranée. » Héla Fattoumi / Eric Lamoureux Avec Wasla (en arabe « ce qui relie »), les chorégraphes ont fait escale à Tunis, la ville d'origine d'Héla Fattoumi. Contre un mur incurvé, la danseuse se livre à une danse d'une rayonnante intériorité. Tantôt à l'ombre, tantôt en plein soleil, selon l'éclairage, elle semble vouloir rejoindre la pierre, s'y frottant comme un animal. Il n'y a pas d'interruption, le mouvement naissant, renaissant comme le désir. Les mains semblent griffer le visage. Elles viennent perturber sciemment la danse qui surgit de l'intérieur, ne supporte pas l'effet, lancinante comme une douleur secrète. Prenant appui sur le mur, Héla Fattoumi se désaxe à outrance, pousse le corps dans ses retranchements.

Marie-Christine Vernay, Libération

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Héla Fattoumi / Eric Lamoureux Chorégraphes Ils fondent la Cie Urvan Letroïga en 1988. Le duo Husaïs connaît immédiatement le succès et leur apporte une reconnaissance internationale. Depuis, ils inscrivent une démarche marquée par la détermination d’un espace de recherche dont la source est l’entremêlement de leurs particularités : Fiesta Nova (Festival d’Avignon, 1992), Asile Poétique (Théâtre de la Ville, 1998), Wasla (Biennale de la danse de Lyon, 1998).

Nommés à la direction du CCN de Caen en 2004, ils poursuivent leur démarche à travers des pièces à forte tonalité sociétale où il est question de tendre vers une résolution poétique, esthétique à vivre en partage : Just to dance... (2010), autour de la notion de créolisation développée par E. Glissant, Manta (Festival Montpellier danse 2009) autour de la problématique que soulève le port du niqab, Lost in burqa (2011) à partir des œuvres de la plasticienne marocaine Majida Khattari.

Pour aller plus loin… http://www.ccncbn.com

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PARVIS SAINT-JEAN mer 30 janvier à 20h 30 min environ en partenariat avec

RENCONTRE A CHAUD à l’issue de la représentation

C’est même pas vrai chorégraphie et texte Carlotta Sagna et Jone San Martin interprétation Jone San Martin création lumières et régie Philippe Gladieux, costume Alexandra Bertaut administration, production et diffusion Bureau Cassiopée production déléguée Al Dente commande de The Forsythe Company en coproduction avec Al Dente avec le soutien de la Ménagerie de Verre dans le cadre du Studiolab la compagnie a été accueillie à La Ménagerie de Verre et aux studios danse dense à Pantin pour les répétitions la Compagnie Al Dente est soutenue par la DRAC Ile-de-France, Ministère de la Culture et de la Communication, au titre de l’aide à la compagnie conventionnée.

Carlotta et Caterina Sagna sont artistes en résidence à Pôle Sud Scène conventionnée pour la danse et la musique – Strasbourg

« Mes mensonges ne sont autre que des vérités modifiées, elles ne sont pas dites avec le but de tromper, mais de s’éloigner un petit laps de temps de la morne réalité. De toute façon, avec quel critère scindons-nous la vérité du mensonge ? Mes mensonges ne sont que des autres vérités, qui, dans la bouche de quelqu’un d’autre, ne seraient pas pris pour des mensonges. »

A force de se raconter et de raconter au monde des mensonges, elle a perdu la capacité de faire la différence entre la réalité et l’imaginaire, elle se promène dans ce labyrinthe de souvenirs réels et inventés sans plus trouver la sortie.

A l’image de cet acteur comique italien qui dans les années 70 à force d’imiter les voix des autres en a oublié quelle était sa vraie voix, le personnage plein d’humour, interprêté par Jone San Martin change de chemin, se perd et se retrouve continuellement le temps d’un solo ou la vérité est malmené et le mensonge sublimé. « Carlotta Sagna signe un solo pour Jone San Martin. Carlotta aime mentir ou plutôt montrer des mensonges. Vérités qui pourraient être des vérités à moins que ce ne soient des vérités qu’elle transforme juste ce qu’il faut pour que cela paraisse inventé. Un mensonge quoi ! Sa danse, ses danseurs, comme ici semblent n’avoir d’autre salut pour (nous) sortir de cet imbroglio que l’absurde et le burlesque sans limites. Carlotta Sagna continue son parcours apparemment nonchalant avec sa danse qui danse et n’hésite pas à flirter avec le théâtre. » La Ferme du Buisson

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Carlotta Sagna Carlotta Sagna a d’abord suivi une formation de danse auprès de sa mère chorégraphe, Anna Sagna. Elle intègre ensuite l’Académie de Danse Classique de Monte-Carlo puis Mudra à Bruxelles. Après avoir dansé pour M. Van Hoecke, avec la Compagnie L’Ensemble, avec A.T. De Keersmaeker et Rosas, elle s’oriente vers le théâtre et rejoint la compagnie La Valdoca, avant d’intégrer, en 1993, Needcompany dirigée par J. Lauwers.

Elle signe notamment les chorégraphies de Caligula et de Needcompany’s King Lear. Avec sa sœur Caterina Sagna, elle crée La Testimone, puis Relation Publique où elle joue son propre rôle de sœur/co-chorégraphe.

Elle crée en 2002 sa première pièce A, où elle met en scène Lisa Gunstone et Antoine Effroy dans leurs propres rôles de danseurs/comédiens. Elle fonde sa compagnie en 2005 et crée une pièce pour 4 interprètes Oui, oui, pourquoi pas, en effet ! En 2009, elle présente le solo Ad Vitam puis décide d’unir sa compagnie à celle de sa sœur, avec laquelle elle créé Nuda Vita à la Biennale de Lyon en 2010. En 2012, elle signe Cuisses de grenouille, spectacle pour tous, à partir de 5 ans.

Jone San Martin Jone San Martin est née le 22 mai 1966 à San Sebastián, Espagne. Elle fait ses études de danse dans sa ville natale avec Mentxu Medel et puis à Barcelone à l’Institut del Teatre. À l’âge de 17 ans elle part pour Bruxelles pour étudier à Mudra International, l’école dirigée par Maurice Béjart. Elle travaille ensuite avec de nombreux chorégraphes comme Jacopo Godani, Jose Besprosvany, Marco Berriel, Compañía Nacilonal de Danza (Madrid), Ballet de Charleroi… En 1992 elle rejoint le Ballet Frankfurt sous la direction de William Forsythe, devenue en 2004 “ The Forsythe Company”, compagnie pour laquelle elle danse toujours actuellement.

Depuis 2000 elle développe son propre travail chorégraphique et crée Juana la otra (2000), Ser, estar y parecer (2001), Remote Versions (2003) et Double B(l)ind (2004) deux pièces en collaboration avec Agnès Chekroun et Fabrice Mazliah, Hostis en 2007 en collaboration avec Agnès Chekroun et le solo Derivado (2009).

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PARVIS SAINT-JEAN ven 1er février à 20h 50 min en partenariat avec

RENCONTRE A CHAUD CHAUD à l’issue de la représentation

Ad Vitam écrit et interprété par Carlotta Sagna texte Anna Sagna et Carlotta Sagna lumières Philippe Gladieux, costume Alexandra Bertaut, remerciement particulier à Arnaud Sallé, administration, production et diffusion Bureau Cassiopée production déléguée Association Al Dente coproduction Arcadi (Action régionale pour la création artistique et la diffusion en Ile-de-France) / le festival Torinodanza – Turin (IT) / L’Espal, scène conventionnée - Le Mans (FR) avec le soutien de la Direction Régionale des Affaires Culturelles d’Ile-de-France – Ministère de la Culture et de la Communication avec le soutien de La Ménagerie de Verre dans le cadre du Studiolab la compagnie a été accueillie en résidence de création à la Ferme du Buisson, Scène nationale de Marne-la-Vallée (FR) et à L’Espal, scène conventionnée - Le Mans (FR) la compagnie Caterina & Carlotta SAGNA est soutenue par la DRAC Ile-de-France - Ministère de la Culture et de la Communication au titre de l’aide à la compagnie conventionnée Carlotta et Caterina Sagna sont artistes en résidence à Pôle Sud, Scène conventionnée pour la danse et la musique – Strasbourg

Un spectacle mi-dansant, mi-parlant ou l’expression d’un malaise vital Solo du bord du précipice, Ad Vitam embarque dans la peau de quelqu’un qui est sur le point de basculer dans la folie. Son raisonnement lucide et intelligent risque de le conduire de fil en aiguille, avec une logique imparable, vers des abîmes dangereux. La danse se fait ici révélatrice, décomposant et questionnant cette vulnérabilité, la frontière entre normal et pathologique.

J’ai vu un slogan pour un produit de consommation : « …Pour les hommes qui savent vivre » Je me suis demandée …et les autres ? J’ai commencé à lire sur les autres, ceux qui ont moins d’aisance à vivre, ceux pour qui le quotidien n’est pas une évidence.

Leurs journaux intimes, les écrits de ceux qui les ont accompagnés…

Je suis tombée sur une définition qui me plait beaucoup : les hommes qui ont du mal à vivre (jusqu’à être incapable de vivre) dans notre société, sont les artistes et les psychotiques. Quant on dit à un artiste : « tu es fou » c’est indéniablement un compliment. Je me mets dans la peau de quelqu’un qui est sur le point de basculer dans la folie (j’utilise, à propos, ce terme générique). Lucide et intelligent son raisonnement risque de le conduire de fil en aiguille, avec une logique inattaquable vers des abîmes dangereux.

Le précipice est à la portée de tous, la vie nous en fait frôler le bord à plusieurs reprises, faire le pas et y tomber n’est qu’une petite faiblesse. Révéler cette vulnérabilité et fragilité qui selon le terrain psychique de la personne peut devenir une pathologie. Poser la question des limites du normal et du pathologique. Décomposer et remettre en question la frontière entre les deux…»

Carlotta Sagna

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« J’ai écrit un solo.(…) La liberté absolue qu’on a quand on est seul peut devenir un piège. Ce n’est pas une question de discipline. Je ne peux pas tricher avec moi, je me connais trop pour pouvoir me charmer avec des « trucs » de comédien.

Je cherche le vrai, et le vrai est toujours en mouvement. Alors j’évite de « fermer » les choses et je me méfie des « bonnes idées ». Je me rends compte en l’écrivant que ce procédé de travail (qui n’est pas une méthode puisque je l’expérimente) a quelque chose de schizophrène. C’est un hasard, du moins je le crois, vu le propos de la pièce. » (C.S.)

Carlotta Sagna Carlotta Sagna a d’abord suivi une formation de danse auprès de sa mère chorégraphe, Anna Sagna. Elle intègre ensuite l’Académie de Danse Classique de Monte-Carlo puis Mudra à Bruxelles. Après avoir dansé pour M. Van Hoecke, avec la Compagnie L’Ensemble, avec A.T. De Keersmaeker et Rosas, elle s’oriente vers le théâtre et rejoint la compagnie La Valdoca, avant d’intégrer, en 1993, Needcompany dirigée par J. Lauwers.

Elle signe notamment les chorégraphies de Caligula et de Needcompany’s King Lear. Avec sa sœur Caterina Sagna, elle crée La Testimone, puis Relation Publique où elle joue son propre rôle de sœur/co-chorégraphe.

Elle crée en 2002 sa première pièce A, où elle met en scène Lisa Gunstone et Antoine Effroy dans leurs propres rôles de danseurs/comédiens. Elle fonde sa compagnie en 2005 et crée une pièce pour 4 interprètes Oui, oui, pourquoi pas, en effet ! En 2009, elle présente le solo Ad Vitam puis décide d’unir sa compagnie à celle de sa sœur, avec laquelle elle créé Nuda Vita à la Biennale de Lyon en 2010. En 2012, elle signe Cuisses de grenouille, spectacle pour tous, à partir de 5 ans.

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SALLE JACQUES FORNIER sam 2 février à 17h 40 min environ en partenariat avec

RENCONTRE A CHAUD à l'issue des solos

Through (titre provisoire) compagnie Les Décisifs conception, chorégraphie et interprétation Clara Cornil création sonore en cours, création lumière Jean Gabriel Valot, regards extérieurs David Subal, Anne Journo production et diffusion Marie Roche - Grand Ensemble, administration Séverine Grumel production Les Décisifs coproducteurs et partenaires L'échangeur - CDC Picardie (dans le cadre d’une résidence longue 2009-2013), avec le soutien de Césaré – Centre National de Création Musicale de Reims la compagnie Les Décisifs reçoit le soutien de la Drac Champagne-Ardenne, Ministère de la Culture et de la Communication au titre de l’aide à la compagnie, du Conseil régional de Champagne-Ardenne, et du Conseil général de Haute-Marne

« La naissance est un changement de dimension.»

Frédérick Leboyer

J'aimerais parler de la naissance.

C'est venu d'une sage femme qui me demande lors d'une consultation : « que diriez-vous aux femmes pour leur transmettre ce calme, cette tranquillité, cette confiance, cette écoute de votre corps et de votre enfant qui vous habite à quelques jours de la naissance ? On sent que cela vient d'une expérience vécue » ajoute-t-elle en s'adressant au couple.

Nous sommes à une semaine de la naissance de notre deuxième enfant.

Je réponds aujourd'hui à cette sage femme par cette pièce.

Je serai seule sur scène.

D'aucuns me disent que ce sujet est trop intime et personnel. Je me dis justement qu'il y a à partager. Nous avons tous vécu une naissance, en naissant nous-mêmes. Nous avons pour certains, accompagné nos enfants dans ce passage. Je dis « accompagner », car c'est ainsi que j'ai vécu la naissance de mes enfants, mais il y a bien d'autres expériences qui se qualifieraient par d'autres termes.

Donner naissance est un acte extrême, radical, absolu, qui engage toute la personne et au-delà de ce qu'elle connaît d'elle-même et de son corps. Une naissance est une mise en mouvement de forces qui nous dépassent. A ce moment le corps est comme une terre qui s'ouvre.

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Je voudrais parler de cette intimité, de cette expérience physique.

Aujourd'hui dans notre société européenne et particulièrement en France, on accompagne peu ou pas le processus de la naissance. Il y a certes un type d'accompagnement très médicalisé, mais je voudrais évoquer un autre accompagnement, celui qui apporte de la conscience. La naissance est un passage, un passage initiatique pour la mère et pour l'enfant, elle ouvre des dimensions inconnues en chacun. C'est un moment de révélation, de reliance. Et aussi intense soit-elle, elle est vite recouverte par la vie qui reprend son flux.

Je souhaite revenir sur ce moment et ré-ouvrir ce que nous avons à entendre, à nous dire, à accueillir, à apprendre de la naissance.

Clara Cornil Chorégraphe et danseuse, interprète auprès de B. Meyssat, R. Chopinot, O. Grandville, T. Thieu Niang, P. Gehmacher, Clara Cornil traverse ses expériences avec une curiosité pour le corps, objet de transformations, médiateur d’écriture. Au sein de sa compagnie Les Décisifs fondée en 2004, elle développe une écriture chorégraphique et va au-delà du sens, dans la matière et le temps, en dialogue avec d'autres disciplines et en invitant des artistes au sein de ses créations (notamment P. Fruchard et L. Q. Ninh, compositeurs et musiciens, D. Subal et J. Maheut, chorégraphes, plasticiens, A. Journo, artiste chorégraphique, S. Garot, créatrice lumière et M. Lauzon, poète). Trois formats d'actions et d'écritures dessinent la démarche artistique de la compagnie : les pièces chorégraphiques pour plateau et théâtre telles que Home, (H)AND(S), Portraits intérieurs ; les propositions in situ, en extérieur ; des projets qui tissent un lien privilégié avec un territoire (Mobil'home, résidence d’actions). En préparation, une création avec l’ensemble ]h[iatus.

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SALLE JACQUES FORNIER sam 2 février à 17h 20 min en partenariat avec

RENCONTRE A CHAUD à l'issue de la représentation

Bullet Proof / Hûzûn (création) création le 2 février 2013 pour Art Danse, le Festival chorégraphie et interprétation Tijen Lawton lumière Philippe Gladieux remerciements tout particuliers à Carlotta Sagna merci également à mes proches pour leurs conseils

« En fait, j’aimerais réussir à retenir votre attention, l’air de rien, presque à votre insu, car c’est ainsi que je suis le plus à l’aise. Que faut-il que je sois pour cela ? Sens ou objet ? » Orhan Pamuk

Tijen Lawton utilise différents langages pour tracer des chemins et éclairer les transformations de la mémoire. Entre présence et absence, esprit et corps, la mémoire se tient à l'histoire qui la crée et se projette dans l'avenir. Et si l'esprit s'échappe c'est que le corps ne sait pas le retenir. Une mémoire mutilée ne sait pas garder les souvenirs vivants. Comment extraire une sensation des émotions apparaissant sur le visage, sur le corps de quelqu'un revivant les événements ?

Extrait des notes d’intention

Comment extraire une sensation à travers les émotions apparaissant sur le visage, sur le corps de quelqu’un revivant les événements, effondrements dans la mémoire, la nature de l’histoire et du temps.

Le fredonnement…au milieu de nulle part…est un moyen précieux de s’affranchir de l’environnement immédiat dans lequel la…là, juste là…la traversée du danger est le seul chemin…temps perdu.

Elle est immobile, mais elle bouge. Silent.

Elle est solide, mais on voit à l’intérieur, sous la peau, transparente.

La puissance de concentration que demande le fredonnement offre une certaine stabilité dans son voyage incertain.

Elle respire.

Tout comme en respirant elle garde un rapport au fait qu’elle est en vie.

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Tijen Lawton Née à Vienne, d’un père britannique et d’une mère turque, Tijen Lawton a grandi en Autriche, Italie, Turquie puis en Grande-Bretagne. Elle suit d’abord une formation de danse et musique à Londres puis participe à un programme d’échange avec la Juilliard School de New York. Suivant des stages de danse à Paris et Istambul, elle devient, en 1991, membre fondateur de Foco Loco. En 1992, elle rejoint Emma Carlson & dancers, et part en tournée avec le spectacle Inner Corner. Elle travaille aussi à Bruxelles auprès de Pierre Droulers, et signe ses premières chorégraphies : Les petites formes (1997), composé de Je n’ai jamais parlé, Les Beaux Jours et Plus fort que leurs voix aiguës (1998). Elle commence à travailler avec Jan Lauwers en tant que comédienne/danseuse dans Caligula (1998) et Morning Song (1999). Elle reste dès lors une valeur sûre de la Needcompany et y reste 12 ans, présente dans toutes ses créations. En 2010, Tijen commence sa collaboration avec la Compagnie Caterina & Carlotta Sagna comme interprète dans NUDA VITA et Cuisses de Grenouille.

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SALLE JACQUES FORNIER du mer 9 au ven 11 janvier tous les jours à 20h 1h40 environ RENCONTRE A CHAUD jeudi 10/01 à l’issue de la représentation

Purgatoire à Ingolstadt de Marieluise Fleisser mise en scène Maëlle Poésy traduction et dramaturgie Kevin Keiss avec Caroline Arrouas, Alexandre Pallu, Hugo Eymard, Roxanne Cleyet-Merle, Cédric Simon et Nathalie Bourg scénographie et costumes Alban Ho Van, création lumière Jérémie Papin, création sonore Samuel Favart Mikcha création Compagnie Drôle de Bizarre 2012-2013 production Espace des Arts - Scène nationale Chalon-sur-Saône coproduction Compagnie Drôle de Bizarre, Théâtre Dijon Bourgogne - CDN avec le soutien du Théâtre du Nord - CDN Lille avec la participation artistique du Jeune Théâtre National Le texte de la pièce est publié par L’Arche Éditeur

« L’aide, la vrai, il faut déjà l’avoir en soi. Et moi c’est simple, je l’ai pas.

On dit aussi que c’est la malédiction d’une génération... » Roelle - Cinquième tableau « Nous avions deux visages, nous les avons plantés sur une montagne de dégoût pour qu’ils soient obligés de se faire face dans les siècles des siècles. » Olga - Sixième Tableau En 1924, à 23 ans, Marieluise Fleisser écrit sa première pièce Purgatoire à Ingolstadt qui livre un propos singulier sur la jeunesse provinciale qui l’entoure. Une jeunesse sclérosée par la religion, la peur du péché, qui cherche à travers la confrontation et le désir de l’autre une forme d’échappatoire.

En ce début de 20ème siècle, dans une petite ville de Bavière, les rapports d’un groupe de jeunes faits de violence, de petites humiliations, de désirs physiques inassouvis et d’amitiés fortes, traduisent une impulsivité que la société peine à étouffer totalement.

En reproduisant inconsciemment les codes du monde adulte, dont ils cherchent par ailleurs à se défaire, ils dressent le portrait d’une société étranglée, où le rêve des possibles semble réduit à néant, et qui porte en elle les germes de la folie à venir.

Dans Purgatoire à Ingolstadt, le personnage principal, Roelle, jeune garçon de province est « l’autre », l’étranger du groupe. Celui que l’on brime mais qui impressionne malgré tout par sa différence. Roelle ne souscrit pas à la morale en vigueur. Il cherche un ailleurs possible dans l’amour absolu pour Olga et dans un délire mystique, en réinterrogeant la religion. Après les humiliations infligées par ses camarades qui tentent de censurer ses propos, Roelle s’échappe de plus en plus d’une réalité qu’il rejette et tente de la reconstruire à sa manière.

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À travers un jeu très imagé et enlevé, c’est la vision du monde de Roelle qui prendra peu à peu le pas sur la réalité. Les personnages apparaissent, disparaissent comme des visions, nous rentrons peu à peu dans les perceptions que Roelle a du monde. Jusqu’au moment où il devient difficile de distinguer le vrai du faux, où le monde se transforme peu à peu en ce que ce personnage souhaiterait qu’il soit : plus fou, plus libre.

Que devient une société quand sa jeunesse ne se reconnaît pas dans les codes imposés ? Quelle échappatoire cette génération s’invente-t-elle ? Quelle dérive religieuse ou totalitaire ce besoin de liberté peut-il engendrer ? « Cet enfant, il fera de nous des humains en devenant humain » Roelle - Quatrième Tableau Marieluise Fleisser L’auteur Marieluise Fleisser est une dramaturge et écrivaine allemande du XXe siècle, contemporaine de Brecht, et héritière de Büchner, dont les œuvres les plus connues sont ses deux pièces de théâtre, Purgatoire à Ingolstadt (1924) et Pionniers à Ingolstadt (1926), écrites alors qu’elle était la compagne de Bertolt Brecht de 1924 à 1929. Pionniers à Ingolstadt, montée à Berlin en 1929 par Brecht, fut très remarquée et fit scandale, en particulier à Ingolstadt, la ville natale de Marieluise Fleisser. En 1935, après l’avènement du nazisme, elle est interdite de publication, et retourne à Ingolstadt. Ce n’est qu’à partir de 1945 qu’elle peut reprendre son œuvre littéraire, publiant romans et pièces de théâtre. Son œuvre aura une grande influence sur la jeune génération des auteurs allemands tels que Kroetz et Fassbinder. Selon Elfriede Jelinek, elle est « le plus grand auteur dramatique féminin du XXe siècle ». Selon ses propres mots, Marieluise Fleisser écrit « avec un couteau, pour couper les illusions, les miennes et celles des autres ».

La compagnie « Drôle de Bizarre » La compagnie « Drôle de Bizarre » créée en 2009 est constituée d’une partie des promotions 37, 38, et 39 de l’École Nationale Supérieure du TNS qui réunit des interprètes, des régisseurs, et des scénographes/costumiers. La première pièce de la compagnie, Funérailles d’hiver de Hanokh Levin, créée dans le cadre des ateliers de mise en scène de deuxième année, est jouée une dizaine de fois au TNS en décembre 2008. À la suite de ces représentations, et avec le soutien de la direction du TNS, le groupe décide de reprendre le spectacle à sa sortie de l’École en 2010 dans le cadre du Jeune Théâtre National. La compagnie « Drôle de Bizarre » est fondée à cette occasion. Funérailles d’hiver est représenté au Théâtre « Les Transversales » à Verdun, au Festival Théâtre en Mai en 2011, et sélectionné au Festival international du Théâtre de Moscou Na Strastnom en 2011. Le groupe 38 intègre l’école en 2007 sous la direction de Stéphane Braunschweig et y travaille sous la direction de metteurs en scène tels que Stéphane Braunschweig, Annie Mercier, Pierre-Alain Chapuis, Alain Ollivier, Julie Brochen et Marc Proulx. Les élèves scénographes travaillent avec Laurent Gutman, Alexandre de Dardel, Colette Huchard, Patrice Cauchetier et Alwyne de Dardel. En 2008, ils jouent Super Flux sous la direction de Gildas Milin, Quelle partie de moi-même trompe l’autre ? sous la direction de Jean-Paul Wenzel, au Piccolo Teatro de Milan et aux rencontres des Écoles Nationales de Théâtre Européennes à Vilnius en Lituanie. En 2009/2010, ils créent Avec Dostoïevski en Bulgarie et au TNS sous la direction du collectif bulgare des Sfumatos, Une nuit arabe mise en scène de Charlotte Lagrange, et Le Conte d’hiver mis en scène par Pauline Ringeade, au TNS (deux ateliers d’élèves), À l’Ouest de Joël Jouanneau au CDN de Lorient, au TNS et au Théâtre de la Collline.

Maëlle Poésy Après un Bac littéraire à l’École Alsacienne, Maëlle Poésy suit parallèlement des études d’Art Dramatique au sein du Conservatoire du 6e arrondissement de Paris avec Bernadette Le Sachet, un Master d’Arts du spectacle à la Sorbonne (Censier). Dans le cadre de son sujet de Master, elle suit les créations de James Thierrée Au revoir parapluie et Myth de Sidi Larbi Cherkaoui. Durant ces années d’études, elle tourne dans plusieurs téléfilms et films avec les réalisateurs Marc Rivière, Edwin Baily, Philippe Claudel. Elle est admise à La London Academy of Drama and Music (LAMDA) et à l’École Supérieure d’Art Dramatique du Théâtre National de Strasbourg en 2007. Elle intègre l’école du TNS en art dramatique et travaille dans le cadre des ateliers de mise en scène de deuxième année sur le texte Funérailles d’hiver avec une partie de la promotion du groupe 38 (acteurs, scénographes, régisseurs). Au sein du TNS, elle joue dans les spectacles de Stéphane Braunschweig, Julie Brochen, Alain Ollivier, Gildas Milin, Pierre-Alain Chapuis, Annie Mercier, Joël Jouanneau et le collectif des Sfumatos.

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Kevin Keiss Actuellement élève en dernière année à l’école du TNS (Théâtre National de Strasbourg) dans la section Mise en scène/dramaturgie, Kevin Keiss se forme auprès de Jean-Pierre Vincent, Julie Brochen, Claude Régy, Valère Novarina, Marc Proulx (clown et masque), Jacques Nichet, Laurence Mayor. Après des études de Lettres Classiques et de Linguistique appliquée aux langues scandinaves (Master), il est doctorant allocataire de recherches en Lettres Classiques à Paris VII à partir de 2008 et prépare une thèse sous la direction de Florence Dupont. Dans le cadre de ses travaux de recherche, il participe à différents groupes d’études.. En 2005, il crée La Cie Les Saturnales, avec d’anciens élèves d’écoles nationales de théâtre. Il traduit et monte notamment Les Héroïdes d’Ovide en 2006/2007. Il réalise la dramaturgie pour L’Orestie d’Eschyle mise en scène David Géry en 2007), est assistant à la mise en scène et dramaturge pour Notre Dallas, de Charles-Eric Petit en 2007/2008. En 2010, il monte Les Souliers Rouges de Tiziana Lucatini en collaboration avec Lyly Chartiez. Lors de sa scolarité au TNS, il écrit deux pièces présentées au public du TNS lors des ateliers d’élèves, Et la nuit sera calme, inspirée des Brigands de Schiller en 2010 et Rien n’aura eu lieu, en 2011mise en scène par Amélie Enon (élève metteur en scène). Il monte également Le Babil des classes dangereuses de Valère Novarina ainsi que L’enfant d’éléphant de Bertolt Brecht. Il assure la dramaturgie de Dom Juan de Molière, mise en scène Julie Brochen (Création TNS 2011).

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PARVIS SAINT-JEAN sam 19 janvier à 20 h 1h15 environ en partenariat avec

CLEFS D’ECOUTE Parvis SaintSaint-Jean le 19/01 à 18h45 Avant le concert, rencontre autour de la création avec le jeune compositeur, lauréat du concours Jeunes compositeurs du Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris.

Entrée libre et gratuite dans la limite des places disponibles

Sérénades Orchestre Dijon Bourgogne direction Dominique Dournaud Richard Strauss Sérénade pour instruments à vent en mi bémol mineur, op. 7 Wolfgang Amadeus Mozart Sérénade n°12 K. 388 Patrice Caratini Trois pas de danse, pour 12 instruments à vent et percussions et la création d’un lauréat du Concours Jeunes compositeurs du Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris, commande du CNSMDP Création d’un lauréat du Concours Jeunes Compositeurs du CNSMD de Paris Commande du CNSMD de Paris Coréalisation Théâtre Dijon Bourgogne, Orchestre Dijon Bourgogne en partenariat avec l’Orchestre Dijon Bourgogne et le Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris

Les donneurs de sérénades et les belles écouteuses Echangent des propos fades sous les ramures chanteuses.

Paul Verlaine, Mandoline (1869)

Un concert unique de l’Orchestre Dijon Bourgogne croisant joyeusement les époques et les langages musicaux autour de la sérénade, une forme légère, entre le divertissement et la symphonie.

Classique avec Mozart, romantique chez Richard Strauss, elle résonne au présent avec Patrice Caratini, musicien de jazz, contrebassiste et compositeur, et avec une pièce en création composée par le lauréat du concours Jeunes compositeurs du Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris.

Des générations qui se croisent pour des créations sous le regard des grandes références.

Il s’agit bien de « fêtes et de sérénades », mais avec ferveur !

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Dominique Dournaud Après des études au CNSMD de Paris, Dominique Dournaud suit aujourd’hui en France et à l’étranger une double carrière d’instrumentiste et de chef d’orchestre. Cor anglais solo de l’Orchestre de Besançon jusqu’en 2005, il travaille également avec l’Orchestre National de France sous la baguette de Kurt Masur, Yuri Temirkanov, Bernard Haiting, Riccardo Muti… Sa carrière lyrique débute en 2001 à l’Opéra de Dijon : Faust (Gounod), puis Le Barbier de Séville (Rossini). Chef associé pour les ballets au Grand Théâtre de Limoges, il dirige les nouvelles productions de Cendrillon (Prokofiev) et Casse-noisette (Tchaïkovski).Nommé chef-assistant de Kurt Masur en mars 2007, il part en tournée en France et à l’étranger avec l'Orchestre National de France.

Dernièrement, il a travaillé avec l’Orchestre Symphonique Régional de Navarre, l’ensemble L’Itinéraire et l’Ensemble XXI ainsi que l’Ensemble Instrumental de Basse-Normandie. Hautbois solo de l’Orchestre Dijon Bourgogne, il enseigne également au CRR de Dijon.

L’Orchestre Dijon Bourgogne Jeune par sa date de création mais riche de l’expérience de ses musiciens, l’Orchestre Dijon Bourgogne, orchestre régional, s’inscrit pleinement depuis trois ans dans le territoire musical bourguignon. Composé de 49 musiciens, l’Orchestre Dijon Bourgogne assure une saison musicale symphonique et lyrique ainsi qu’une série d’actions artistiques menées tout au long de l’année. Soucieux de décloisonner l’univers de l’orchestre à travers de nouvelles initiatives, l’orchestre élabore des projets sur le long terme avec les structures culturelles de la ville et de la région. Orchestre d’aujourd’hui et de demain, l’ODB s’attache à faire vivre et exister la musique de compositeurs contemporains et se donne pour mission leur création et diffusion. Investi auprès des établissements d’enseignement supérieur de musique, il est devenu un outil pratique et pédagogique de professionnalisation incontournable. L’Orchestre Dijon Bourgogne est subventionné par la Ville de Dijon, le Conseil régional de Bourgogne et le Conseil général de Côte d’Or.

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PARVIS SAINT-JEAN du mar 22 au sam 26 janvier en semaine à 20h, le samedi à 17h 2h12 DE L'ECRIT A LA SCENE rencontre avec Valère Novarina sam 26/01 à 14h30 Parvis Saint-Jean RENCONTRE A CHAUD jeu 24/01 à l’issue de la représentation

L’Atelier volant texte, mise en scène et peintures Valère Novarina avec Olivier Martin-Salvan, Myrto Procopiou, Richard Pierre, Nicolas Struve, Dominique Parent, René Turquois, Valérie Vinci et Julie Kpéré collaboration artistique Céline Schaeffer, scénographie Philippe Marioge, musique Christian Paccoud, lumières Joël Hourbeigt, costumes Renato Bianchi, maquillage Carole Anquetil, dramaturgie Adélaïde Pralon et Roséliane Goldstein, construction décor les ateliers de construction du Théâtre du Nord, philosophie générale Clara Rousseau, régie générale Richard Pierre, adaptation des lumières en tournée Paul Beaureilles en alternance avec Eric Blévin, régie plateau Raphaël Dupleix, réalisation des costumes Sylvie Lombart assistée de Anne Poupelin, réalisation des accessoires Jean-Paul Dewynter, stagiaire-assistante à la mise en scène Marjorie Efther, assistante de l’auteur Lola Créïs, production Séverine Péan en collaboration avec Carine Hily / PLATÔ le texte est publié aux éditions P.O.L. production déléguée L'Union des contraires coproduction Théâtre du Rond Point, Théâtre Vidy Lausanne, TNP-Villeurbanne. avec l’aide du ministère de la Culture et de la Communication et avec le soutien du DIESE # Rhône-Alpes.

« Surgissant, déplacée, disparue, renaissant en chaque point de l’espace, une boîte s’ouvre, se ferme, s’éclipse, se reconstitue : L’Atelier volant est une intense circulation de marchandises (dont pas mal sont invisibles, dont beaucoup sont en paroles) autour du prestidigitateur Boucot, « danseur en catastrophe ». Six employés fabriquent sans cesse toutes sorte de choses, y compris leur vie intérieure : paroles zébrées, fulgurées du dehors ; Madame Bouche chante et s’évanouit ;.

Un épisode de la chute du système de reproduction en cours. » Valère Novarina, 8 mars 2012 « Mesdames Messieurs je ne vous cacherai pas que nous sommes en ce moment dans une crise qui n'est pas sans remède (...) » ainsi s’adresse Monsieur Boucot à ses employés dans L’Atelier volant. Avec Madame Bouche et Le Docteur, il complète le trio patronal de cette pièce écrite par Valère Novarina en 1970 et encore jamais mise en scène par son auteur. Entre des instances dirigeantes cruelles, fantasques, exubérantes et logorrhéiques, et des journées soumises à l’absurdité des décisions prises au-dessus d’eux, les cinq employés de cet atelier se battent avec toute l’énergie de la langue et des langues à leur disposition. Paroles, dialectes, glossolalies, patois : un combat de mots décidera de qui aura le pouvoir. Toutes les idéologies sont démontées et en premier : l’effigie humaine.

Dans cet atelier, Valère Novarina dirige un « petit orchestre de solistes extravagants », une troupe d’artistes habitués à sa manière de toujours remettre en question l’acteur, l’espace et les mots.

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Après Le Vrai sang, créé au Théâtre de l’Odéon en 2011, L’Espace furieux entré au répertoire de la Comédie-Française en 2006 et L’Acte inconnu créé au Festival d’Avignon en 2007, Valère Novarina poursuit et précise, avec L’Atelier volant, sa recherche d’un théâtre d’énergies où le spectateur, l’acteur, sont agis par les mots, par la force hallucinogène, destructrice et salvatrice du langage. « Dans une période où le théâtre se complique, s’alourdit, se surcharge, j’ai envie de faire un Atelier volant sans vidéo, sans sonorisation, sans fumigène, tout entier centré sur l’art de l’acteur.

Simplicité de la scénographie : juste ce qu’il faut pour comprendre l’architecture de la pièce.

Retour au Manifeste du Vieux Colombier ! » Valère Novarina

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Valère Novarina Il passe son enfance et son adolescence au bord du lac Léman. À Paris, il étudie la littérature et la philosophie, rencontre Roger Blin, Marcel Maréchal, Jean-Noël Vuarnet, veut devenir acteur mais y renonce rapidement. Il écrit tous les jours depuis 1958 mais ne publie qu’à partir de 1978. Une activité graphique, puis picturale se développe peu à peu en marge des travaux d’écritures : dessins des personnages, puis peintures des décors lorsqu’il commence, à partir de 1986, à mettre en scène certains de ses livres. On distinguera, dans sa bibliographie, les œuvres directement théâtrales : L’Atelier volant, Vous qui habitez le temps, L’Opérette imaginaire – le « théâtre utopique », romans sur-dialogués, monologues à plusieurs voix, poésies en actes : Le Drame de la vie, Le Discours aux animaux, La Chair de l’homme – et enfin, les œuvres « théoriques », qui explorent le corps de l’acteur où l’espace et la parole se croisent dans le foyer respiratoire : Pour Louis de Funès, Pendant la matière, Devant la parole. Insaisissable et agissant, le langage y apparaît comme une figure de la matière. Il est depuis l’automne 2011 et pour trois ans, auteur au programme de l’option théâtre du baccalauréat littéraire.

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SALLE JACQUES FORNIER du mar 5 au ven 8 février tous les jours à 20h 1h20 RENCONTRE A CHAUD jeudi 7/02 à l’issue de la représentation

La femme qui tua les poissons d’après La Découverte du monde de Clarice Lispector adaptation et mise en scène Bruno Bayen avec Emmanuelle Lafon et Vladimir Kudryavtsev assistanat à la mise en scène, collaborateur artistique, création lumière Philippe Ulysse création sonore Vladimir Kudryavtsev scénographie et costumes Renata Siqueira Bueno production déléguée Compagnie Pénélope coproduction Théâtre de la Bastille – Festival d’Automne à Paris la compagnie Pénélope reçoit le soutient du Ministère de la Culture et de la Communication

« Une vie complète est peut-être celle qui se termine par une identification si totale avec le non-moi qu’il ne reste aucun moi pour mourir. » Bernard Berenson De 1967 à 1973 Clarice Lispector (1920-1977), écrivain, romancière brésilienne née en Ukraine, tient une chronique chaque samedi dans le Jornal do Brasil, que son fils a réunies sous le titre La Découverte du monde, livre publié en français aux Éditions Des femmes en 1995.

Dans ces chroniques de la période de la dictature il ne sera guère question de politique, sauf à propos de la sélection à l’entrée de l’Université sous forme d’une lettre au ministre de l’éducation et, de manière voilée, dans des échanges avec la célèbre actrice Fernanda Montenegro.

Ce ne sont pas des rubriques mondaines, sur une époque et l’air du temps. Et pourtant c’est l’air du temps : six cents pages d’une femme actuelle hors de la pression de l’actualité, soucieuse des lectrices et lecteurs du journal, car un journal, comme elle l’écrit entre guillemets, « est d’abord fait pour être compris. » Cette femme promène, à travers des récits touchant à ses enfants, ses bonnes, aux chauffeurs de taxi, aux animaux, aux insomnies, à un sweater, un « je » intime, humble, amnésique et joueur, ironique et chaleureux, et avec ce « je » son exercice du regard et de tous les sens sur les jours et les nuits qui se suivent.

Clarice Lispector à partir de presque rien, sa machine à écrire posée sur ses genoux, invente ce qui s’écrit, tisse, conte, cesse de conter, continue. Ce sont envois, adresses, messages et toutes variantes sur ce qui fait battre le cœur.

Clarice Lispector (qui avait lancé ce défi aux analystes : « J’ai rêvé qu’un poisson se déshabillait et se retrouvait tout nu ») a aussi écrit des contes pour enfants. L’un d’eux s’appelle La Femme qui tua les poissons. Il lui vint après qu’elle avait oublié de donner à manger aux poissons de son fils parti en vacances. Nous l’utiliserons dans le spectacle, qui donc portera ce titre.

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Clarice Lispector Née en Ukraine dans les années 20 alors que ses parents, juifs ukrainiens, sont sur le chemin de l'exil, Clarice Lispector grandit au Brésil et s'est toujours considérée comme une brésilienne. La mère meurt en 1929 et en 1932, le père et ses trois filles déménagent à Rio de Janeiro. Clarice Lispector publie son premier roman Près du coeur sauvage alors qu'elle n'a pas vingt ans. La critique salue la naissance d'un grand écrivain. Pendant quinze ans, elle vit de par le monde avec son mari diplomate et écrit cinq livres avant de retourner au Brésil en 1959. Paraissent des romans, des nouvelles, des livres pour les enfants et de 1967 à 1973, ses chroniques dans le Journal do Brasil. Elle meurt à Rio de Janeiro le 9 décembre 1977. Son œuvre, publiée presque entièrement en France par les Éditions Des femmes, est composée de fictions, de nouvelles, de chroniques et de contes qui font entendre une voix unique que cerne une écriture d'une précision implacable.

Bruno Bayen Né en 1950, Bruno Bayen est romancier, dramaturge, traducteur et metteur en scène. Il a créé son premier spectacle en 1972, Le Pied, d’après L’Intervention de Victor Hugo, quand il était encore élève à l’École Normale Supérieure de la rue d’Ulm. Puis ce fut Madame Hardie d’après une nouvelle de Brecht, La Danse Macabre, d’après Wedekind, La Mort de Danton de Büchner. De 1975 à 1978 il est co-directeur du Centre dramatique de Toulouse, puis il poursuit une carrière indépendante en France et à l’étranger (Allemagne, Italie, République tchèque, Brésil.) À partir de 1982, il monte alternativement ses textes – Schliemann, épisodes ignorés, dont Antoine Vitez interprète le rôle titre au Théâtre national de Chaillot, Faut-il choisir ?

Faut-il rêver ?, Weimarland, L’Enfant bâtard, À trois mains, La Fuite en Égypte, Plaidoyer en faveur des larmes d’Héraclite – et des œuvres qu’il traduit – de Sophocle, Goethe, R.W. Fassbinder, Lukas Barfüss. Il a dirigé de 1988 à 1994 la collection « Le Répertoire de Saint-Jérôme » aux Éditions Christian Bourgois, qui a publié, entre autres, Wyspianski, Motton, Else Lasker-Schüler. Il poursuit par ailleurs une œuvre de romancier et d’essayiste. Sa pièce L’Éclipse du onze août a été créée en novembre 2006 au Théâtre National de la Colline dans une mise en scène de Jean-Pierre Vincent. En 2007-2008, il a présenté Les Provinciales d’après Pascal, dans une adaptation écrite avec Louis-Charles Sirjacq, au Théâtre de Vidy-Lausanne et au Théâtre national de Chaillot.

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SALLE JACQUES FORNIER du mar 12 au jeu 14 février tous les jours à 20h 1h15 RENCONTRE A CHAUD mer 13/02 à l’issue de la représentation

Sortir du corps textes de Valère Novarina extraits de Lettre aux acteurs, Pour Louis de Funès (in Le Théâtre des paroles, Editions P.O.L., 1989) et L’Opérette imaginaire (Editions P.O.L., 1998) mise en scène Cédric Orain un spectacle de la Compagnie de l’Oiseau-Mouche avec Lothar Bonin, François Daujon, Florence Decourcelle, Clément Delliaux et Valérie Vincent scénographie et costumes Karin Serres, lumière Bertrand Couderc, son Samuel Mazzotti, assistanat à la mise en scène Julien Aillet, assistanat à la lumière Germain Wasilewski, régie générale Frédéric Notteau. production Compagnie de l’Oiseau-Mouche coproduction La Rose des vents - Scène nationale Lille Métropole avec le soutien du Vivat - Scène conventionnée Danse et Théâtre d’Armentières, de L’Hippodrome - Scène nationale de Douai, du Phénix - Scène nationale de Valenciennes, du Théâtre Le Passage à Fécamp avec le soutien de la Fondation de France et de l’Adami

« Parce qu’au théâtre, j’écarquille les yeux pour voir la parole sortir du corps, de tout le corps entier et pas pour la voir sauter seulement d’une tête à l’autre. Voir par où ça passe, comment ça circule, par où ça pousse, comment ça s’expulse des corps là-bas sur le plateau. » Cédric Orain

C’est dans Le Roi Lear, mis en scène par Sylvie Reteuna et présenté au TDB en 2007, que Cédric Orain découvre en 2006 la Compagnie de l’Oiseau-Mouche et ses comédiens, en situation de handicap mental. Rapidement il intègre le cercle des artistes proches de la compagnie et effectue à partir de 2008 plusieurs mois de résidence au Théâtre de l’Oiseau-Mouche - Le Garage - pour répéter et jouer ses spectacles, ou travailler avec les comédiens. Et c’est suite à un atelier de recherche autour de l’écriture de Valère Novarina et à l’alchimie singulière née entre les comédiens de l’Oiseau-Mouche, la langue de Valère Novarina et Cédric Orain que ce dernier a souhaité poursuivre l’aventure par un projet de création. « J’ai envie de travailler avec eux sur deux textes de Valère Novarina, qui parlent de l’acteur, de la parole, du théâtre : Lettre aux acteurs, et Pour Louis de Funès. C’est écrit pour eux, ça leur colle à la peau. Dans le montage de textes, et sa répartition, je n’ai presque que ça à me demander : et ça, à qui ça va le mieux ? Il y aura aussi le monologue de l’Infini romancier extrait de L’Opérette imaginaire. C’est un texte impossible à dire, trop dur, trop long, trop drôle, qui place l’acteur dans un effort sans fin, et le vide d’une parole qui s’écoule comme si c’était le seul liquide de son corps.

Je voudrais mettre chaque acteur dans ce travail. Pour faire naître une danse de la parole de ces corps du plateau vers les corps des spectateurs, et que ça chatouille, que ça fouette (comme on le dit d’un vent sur un visage), et que ça transforme réellement les corps, tous les corps. (…)

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Ça pourrait commencer comme ça : un rideau rouge de théâtre avec une poursuite. Deux actrices et trois acteurs en costumes d’époque. Emmitouflés, serrés, étouffés, avec tout le corps caché..

Et c’est parti, les corps se mettent en action par la parole, pour sortir des costumes, puis pour sortir de leur corps par cette parole qui tombe.

Ce sont des acteurs empêchés qui parlent des acteurs, des acteurs qui ne peuvent pas jouer qui parlent du jeu, ce sont des acteurs qui ne se laissent pas faire, qui grognent, qui ne peuvent pas parler et qui parlent de la parole au théâtre, qui ne peuvent pas se montrer et qui parlent des metteurs en scène, « des metteurs en poche, ce sont des acteurs coincés là, pour rien d’autre que pour tout ça ».

Cédric Orain

« J'ai été frappé par leur rapport acharné, musculaire aux mots, comme s'il relevait du combat.

Ils sont incapables de s'exprimer sans effort, mais, dans le même temps, ils éprouvent un plaisir inouï à jouer. C'est ce mélange qui les rend extraordinairement juste et proches du public.

Au centre de l'écriture, comme « au milieu du lit d'un fleuve ». » Valère Novarina.

Valère Novarina Il passe son enfance et son adolescence au bord du lac Léman. À Paris, il étudie la littérature et la philosophie, rencontre Roger Blin, Marcel Maréchal, Jean-Noël Vuarnet, veut devenir acteur mais y renonce rapidement. Il écrit tous les jours depuis 1958 mais ne publie qu’à partir de 1978. Une activité graphique, puis picturale se développe peu à peu en marge des travaux d’écritures : dessins des personnages, puis peintures des décors lorsqu’il commence, à partir de 1986, à mettre en scène certains de ses livres. On distinguera, dans sa bibliographie, les œuvres directement théâtrales : L’Atelier volant, Vous qui habitez le temps, L’Opérette imaginaire – le « théâtre utopique », romans sur-dialogués, monologues à plusieurs voix, poésies en actes : Le Drame de la vie, Le Discours aux animaux, La Chair de l’homme – et enfin, les œuvres « théoriques », qui explorent le corps de l’acteur où l’espace et la parole se croisent dans le foyer respiratoire : Pour Louis de Funès, Pendant la matière, Devant la parole. Insaisissable et agissant, le langage y apparaît comme une figure de la matière. Il est depuis l’automne 2011 et pour trois ans, auteur au programme de l’option théâtre du baccalauréat littéraire.

Cédric Orain Cédric Orain se tourne vers le théâtre après des études d’ingénieur en mathématiques appliquées. « Peut-être pour pouvoir exprimer à travers une parole et un corps vivants, tout ce qui exprime qu’on ne s’habitue pas à vivre dans un ordre qui nous est imposé ». Il suit une formation au Conservatoire National de Région de Grenoble, puis à la classe libre du cours Florent. Il fonde en 2004 la Compagnie La Traversée, qui fait partie du Collectif TRANS, dirigé par Clara Rousseau et Jean-Michel Rabeux, entre 2006 et 2009. Cédric Orain travaille essentiellement sur des textes qui ne sont pas destinés au théâtre : de Georges Bataille et JeanMichel Rabeux pour Un si funeste désir, d’Artaud pour Ne vous laissez jamais mettre au cercueil. Il réalise aussi une mise en scène de La Nuit des rois de Shakespeare. En 2010, il adapte et met en scène Le Chant des Sirènes, de Pascal Quignard. Il met également en scène ses propres textes : Notre Père, Striptease. Il répond parfois à l’invitation d’autres artistes : il est l’auteur de Gilles, mis en scène par David Bobee au Théâtre du Peuple de Bussang en août 2009.

La Compagnie de l’Oiseau-Mouche La Compagnie de l’Oiseau-Mouche est une troupe permanente composée de vingt-trois comédiens en situation de handicap mental. Inclassable et singulier, son théâtre s'adresse avant tout à l'humain. Depuis sa naissance en 1978, ce projet demeure unique en France. Des expériences concluantes dans le domaine du spectacle vivant ont été menées avec des personnes adultes handicapées, mais elles ont rarement eu accès aux circuits de diffusion professionnels. Aucun metteur en scène n’est permanent au sein de la compagnie.

Chaque création est le fruit d’une rencontre entre un artiste invité et les comédiens de l’Oiseau-Mouche qu’il choisit d’impliquer dans une aventure commune. Ainsi, la compagnie travaille tout au long de l’année avec des metteurs en scène et des chorégraphes, musiciens ou plasticiens invités. Ces collaborations donnent lieu à des spectacles (en moyenne un par an), constituant son répertoire de créations. On en dénombre trentehuit à ce jour, joués en France mais aussi en Italie, Allemagne, Suisse, Espagne, Canada ou Pérou…

Pour aller plus loin… http://www.oiseau-mouche.org

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HORS-LES-MURS (lieu à préciser) du mar 12 au jeu 14 février à tous les jours à 20h 50 min en partenariat avec

dans le cadre du festival A pas contés

Hilum ecriture, mise en scène, scénographie, marionnettes Patrick Sims masques, costumes, accessoires, marionnettes Josephine Biereye avec Josephine Biereye, Celine Chevy, Zana Goodall et Patrick Sims régie lumière et son Sophie Barraud contruction plateau et lumière David Hayter création musicale Dj Final Rinse administration / diffusion Sophie-Daniele Godo la compagnie Les Antliaclastes réunit des artistes et des techniciens venant des Etats-Unis, d’Allemagne, d’Angleterre, d’Irlande et de France ; elle séjourne dans l’Allier, utilisant des locaux du Footsbarn théâtre production Compagnie les Antiaclastes

« Hilum : A. Une cicatrice sur une graine, telle celle du haricot ; séparation du placenta.

B. La marque sur une spore au niveau du point d’attache entre la spore et son contenant.

2. Une ouverture par laquelle des choses entrent et sortent ; un portail.

3. La terminaison d’un nerf.

4. Situation géographique spécifique d’où l’on peut tout voir.

5. Nombril.

6. Un détail, une bagatelle ; voire "nul". »

Hilum est un spectacle de marionnette, une micro-tragédie comique calée sur les cycles d’une machine à laver. Un agrégat de comptines, d’images de dessins animés, d’objets… jetés dans le tourbillon du tambour pour rafraîchir le linge sale des contes de fées !

Le spectacle se déroule dans la laverie du sous-sol d’un muséum d’histoire naturelle de seconde catégorie. Cette cave est peuplée de mioches douteusement adorables qui, pour une raison ou une autre, ont été exclus des étages du royaume des curiosités et de leurs vitrines. Orphelins et libérés de leurs hôtes, ces racailles prénatales s’amusent comme s’amuseraient tous les enfants de cet âge. Les blanchisseuses vaquent à leurs travaux ménagers malgré les fréquentes chamailleries.

Mais ce qui débute comme une simple corvée domestique devient vite mission impossible. Dans le chaudron cubique, le blanc se mêle aux couleurs, la laine est rincée à l’eau chaude, le chat est livré à l’essorage intensif… et la récréation tourne au théâtre de la cruauté.

Hilum, nous plonge dans l'univers étrange et fascinant de l'américain Patrick Sims qui s'inscrit dans une veine surréaliste et onirique, quelque part entre Tex Avery et Tim Burton.

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« Hilum est une machine à enchantement rodée par quatre marionnettistes – Josephine Biereye, Céline Chevy, Zana Goodall et Patrick Sims – maniant avec dextérité ces êtres articulés par des fils.

Tantôt invisibles, tantôt masqués, les manipulateurs jouent sur l’alternance. Comme on ouvre un coffret magique, Hilum invite à un imaginaire peuplé de spécimens ne rentrant dans aucun système de classification préétabli. Rejetés, délaissés ou cachés du monde, ces « monstres de seconde zone » nous sidèrent, peut-être parce que derrière leur allure un brin effrayante ils ont quelque chose de familier, une attitude presque naïve qui nous rappelle étrangement des images de dessins animés, des fragments de notre enfance. L’inquiétude laisse place à l’étonnement puis à l’affection.

Un mélange de sentiments se déverse dans ce « linge sale du conte de fée ».(…)

Grâce à leur fable pour adultes sans adoucissant, ils dépoussièrent les recoins de notre imagination d’enfant, de notre fantaisie enfouie et nous expédient sans scrupule en territoire inexploré.

En route pour une visite à travers une collection de curiosités insolites exposée avec une originalité déroutante. » Alexandra Gentile

Compagnie les Antliaclastes Les Antliaclastes sont une compagnie de théâtre de marionnettes basée à Maillet, France. La compagnie est dirigée par Patrick Sims, fondateur et ancien directeur artistique des Buchingers’Boot Marionnettes. Les Antliaclastes (titre d’un drame en trois actes d’Alfred Jarry publié en 1888, qui ravit tous les pataphysiciens !) utilisent un mélange unique de techniques et styles de marionnettes, masques, machines, et bandes originales organiques. Leurs spectacles essentiellement muets avancent aux rythmes des surprises incessantes et d’images contrastées. Dans Hilum, il y a de nombreuses références au spectacle vivant classique, populaire, hermétique et contemporain, à la musique, au cinéma et à la littérature. Toutes ces matières sont délicatement tressées dans une forme originale qui élude souvent l’interprétation verbale.

Patrick Sims Patrick Sims, né dans le Vermont aux Etats-Unis en 1975 joue de la marionnette depuis 16 années. Cette passion est née pendant ses études de cinéma et d’animation à Middlebury Collège, USA. Il travaille ensuite avec le Bread and Puppet Theater, étudie le théâtre d’ombre à Java, et effectue son doctorat au Trinity College de Dublin – sa thèse : « La pataphysique de la marionnette, Alfred Jarry et l’interprète inhumain ».

Pendant 5 ans, il est directeur artistique, auteur, facteur de marionnette et marionnettiste des Buchingers’Boot Marionnettes. Il est aujourd’hui le directeur artistique des Antliaclastes qu’il mène dans plusieurs projets, de film, de théâtre, d’installation, de musique, et d’opéra électronique multimédia. Son prochain projet est soutenu par La Chartreuse, Centre national des Ecritures du spectacle, Villeneuve-lez-Avignon.

Josephine Biereye Josephine Biereye est costumière, factrice de maques et de marionnettes et comédienne. Elle co-fonde les Antiaclastes avec Patrick Sims. Elle a auparavant travaillé entre autres avec les compagnies Buchinger’s Boot Marionnettes, le Footsbarn Theater, Ton und Kirschen, Le Théâtre Dromesko, et le Royal Opera House London. Après avoir suivi la formation de comédien à l’École Internationale Jacques Lecoq à Paris, elle se spécialise dans la création plastique et travaille le rapport de l’objet à la scène.

Pour aller plus loin… http://www.antliaclastes.com

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PARVIS SAINT-JEAN du mar 5 au sam 9 mars en semaine à 20h, le samedi à 17h 2h15 RENCONTRE A CHAUD jeu 7/03 à l’issue de la représentation REPETITION OUVERTE ven 1/03 de 18h à 19h Parvis Saint-Jean

La meilleure part des hommes d’après le roman de Tristan Garcia adaptation libre et mise en scène Pauline Bureau dramaturgie, adaptation Benoîte Bureau avec Yann Burlot, Nicolas Chupin, Thibaut Corrion, Zbigniew Horoks, Vincent Hulot, Régis Laroche, Marie Nicolle, Anthony Roullier et Adrien de Van lumière Jean-Luc Chanonat, vidéo Gaëlle Hausermann, création sonore et musique live Vincent Hulot, scénographie Emmanuelle Roy, costumes Alice Touvet production Espace des Arts, Scène nationale Chalon-sur-Saône coproduction Compagnie La Part des Anges, Comédie de Picardie - Scène conventionnée pour le développement de la création théâtrale en région, La Scène nationale du Petit-Quevilly/Mont-Saint-Aignan créé en coréalisation avec le Théâtre de la Tempête avec l’aide du Centre dramatique régional de Haute-Normandie - Théâtre des deux rives - CDR Rouen dans le cadre d’un Laboratoire en mai 2011 avec le soutien de la DRAC Haute-Normandie, de la Région Haute-Normandie, de l’Office de Diffusion et d’Information Artistique de Normandie, de la Mairie de Paris, du Département de Seine-Maritime La meilleure part des hommes de Tristan Garcia est édité aux Éditions Gallimard

De l'apparition du Sida en 1982 à l'élection de Nicolas Sarkozy, quatre personnages et deux générations se croisent, s'aiment et se détruisent. Dominique Rossi est le fondateur de Stand-up, association radicale de lutte contre le sida. William Miller est un jeune paumé, écrivain scandaleux à qui certains trouvent du génie. Jean-Michel Leibowitz est un intellectuel médiatique. Élisabeth Levallois est son élève.

Ces quatre personnages et ceux qu’ils croisent, aiment et trahissent, dansent et travaillent, vivent et meurent à Paris, dans les années 80 et 90. Plus vraiment aujourd’hui et pas encore dans l’Histoire. Toute une époque sur le plateau : les nuits du Palace, le triomphe de Madonna, le rose fluo, la techno, l’élection de Mitterrand, la chute du mur de Berlin, les textes d’Hervé Guibert et l’arrivée du Sida.

« Comment rester fidèle à ses idées, à ses amis, à ses amours ? Je ne suis pas la même aujourd’hui qu’hier. Je ne peux pas penser, aimer, vivre de la même façon tout au long de ma vie. Trahir ses amours, ses parents, ses idées. Ou se trahir soi-même. Ce spectacle raconte la difficulté de trahir et l’impossibilité de ne pas trahir. Val, Doumé, Willie et Leibo. Trois hommes et une femme, qui cherchent leur place, s’y accrochent, en changent, échangent. Quelle est la place qu’on me laisse et la place que je prends ? Par l’éducation, le genre, le milieu social, on est programmé…

Les places se transmettent, de génération en génération. De père en fils. Quelles sont mes chances si on ne m’a rien transmis ? Quelle est ma marge de manœuvre ? » Pauline Bureau

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Tristan Garcia Tristan Garcia est né en 1981. Philosophe et écrivain, il est l’auteur de deux romans publiés chez Gallimard, La meilleure part des hommes (2008) – Prix de Flore et Mémoires de la jungle (2010), et d’ouvrages de philosophie. Son dernier livre, publié en 2011, est un traité de métaphysique, Forme et objet, un traité des choses.

Pauline Bureau Pauline Bureau a été formée au Conservatoire National Supérieur d’Art Dramatique (promotion 2004). Au sein de cette école, elle a rencontré une quinzaine d’acteurs. Avec eux et d'autres rencontrés en chemin, elle a fondé La Part des Anges. Ensemble, ils ont créé un spectacle jeune public : La grève des fées (Théâtre du Jardin, Théâtre des Treize Vents et tournée) et des spectacles tout public : Un songe - une nuit d’été ; Roméo et Juliette ; La disparition de Richard Taylor ; Lettres de l’intérieur qui se sont joués entre autres au Ranelagh, dans les Instituts français au Maroc, à la Scène nationale de Chalon sur Saône, aux Ateliers Berthier, au Théâtre de la Tempête, au Théâtre Firmin Gémier, au Théâtre le Passage, au CDR de Vire et au Théâtre 71.

Ils ont également imaginé des formes déambulatoires : Embarquement // 5’32 (Nuit Blanche), 5 minutes avant l’aube (Festival d’Avignon), Codex (Grande Halle de la Villette). En 2009 - 2010, elle a mis en scène Roberto Zucco au Théâtre de la Tempête et en tournée. En 2010 - 2011, elle a créé Je suis une bulle au CDN de Sartrouville et Modèles au CDN de Montreuil, repris en novembre 2011. Pauline Bureau est actuellement artiste associée à la Comédie de Picardie. Comme comédienne, elle a notamment travaillé avec Daniel Mesguich, Christian Benedetti, Florian Sitbon et Philippe Garrel.

Benoîte Bureau Benoîte Bureau est normalienne, agrégée de lettres, licenciée d’anglais et chargée de cours à Paris VII Jussieu, et à l’Université de Nancy. Elle a travaillé à plusieurs traductions entre autres pour L’école des loisirs.

Avec La Part des Anges, elle a écrit l’adaptation de Un songe - une nuit d’été... ; Fragments ; Roméo et Juliette et Roberto Zucco.

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ESPACE FORAIN du mar 5 au sam 23 mars (sauf les 10, 11, 17 et 18/03) tous les jours à 20h 2h45 environ (avec entracte) un événement 26000 Couverts en partenariat avec

L’Idéal Club 26000 Couverts écriture collective sous la direction de Philippe Nicolle avec Kamel Abdessadok, Christophe Arnulf, Sébastien Bacquias, Servane Deschamps, Pierre Dumur, Aymeric Descharrières, Olivier Dureuil, Florence Nicolle, Philippe Nicolle et Daniel Scalliet mise en scène Philippe Nicolle assisté de Sarah Douhaire son Anthony Dascola, lumière Thomas Parizet, plateau Louise Vayssié et Laurence Rossignol, régie générale Arno Liégeon, décor Michel Mugnier et Anthony Dascola avec le soutien d’Alexandre Diaz, costumes Sophie Deck et Laurence Rossignol avec le soutien de Camille Perreau, administration Sarah Douhaire, diffusion Claire Lacroix coproduction l’Atelier 231 à Sotteville-les-Rouen (76), le Parapluie à Aurillac (15), le Channel Scène nationale de Calais (62), Chalon dans la rue à Chalon-sur-Saône (71), Les Ateliers Frappaz à Villeurbanne (69) la compagnie est soutenue par le Ministère de la culture, DRAC Bourgogne, la Ville de Dijon et le Conseil régional de Bourgogne, l’ADAMI, la SPEDIDAM

Après quatre ans d'absence, passés à tourner sur les routes, les 26000 rentrent à la maison.

Peut-être aviez-vous assisté aux premiers balbutiements de L’idéal Club en 2008, ou encore au « Spécial Dijon's Guest » en 2009, qui avait vu la rencontre improbable de Thierry Caens et Jérôme Thomas sous le Dancing à la Caserne. Depuis ces débuts, une nouvelle version est née et a tourné 140 fois en France pour plus de 26000 spectateurs ! Ça se fête...

Voila enfin cet Idéal Club, « complètement con mais franchement pas idiot, souvent spirituel mais jamais prétentieux, et même joyeusement subversif » (Libération) à Dijon, pour trois semaines de représentations exceptionnelles sous chapiteau. Un évènement organisé par 26000 couverts et la Ville de Dijon, avec le soutien de l’ABC et du TDB. L’idéal Club, c’est juste pour se faire du bien.

On oublierait de se plaindre et de pleurer le monde. On jouerait de la batterie et de la tronçonneuse, de la flûte à bec en santiags. On battrait un Sioux au badminton. On ferait du karaté musical au son des barbecues. On pillerait Tom Waits, Bernstein ou les Muppets. On inventerait l’Air-Magie et la pause clope...

Tout s’écroule ? Rions !

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26000 Couverts Les 26000 tracent depuis une quinzaine d’années un itinéraire artistique singulier, vers un théâtre de rue faisant la place pour l’acteur, entre pulsions satiriques débridées, burlesque dévastateur et poésie brute. Ils envisagent le théâtre comme une utopie et refusent de considérer qu’il va de soi. Une démarche qui les amène à installer le théâtre là où on ne l'attend pas, toucher le spectateur qui s'ignore, détourner le regard et décaler le quotidien… Avec eux, l’imagination est au pouvoir, mais jamais dans un acte gratuit. Ils font des farces pour mieux s’emparer du sacré et bousculent joyeusement la routine, réveillant les esprits anesthésiés.

C’est cet esprit burlesque, décalé et poétique, et ce plaisir de la rencontre avec le public, qu’on retrouve dans leur Music-Hall.

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SALLE JACQUES FORNIER du mar 19 au sam 30 mars (sauf les 24 et 25/03) en semaine à 20h, le samedi à 17h RENCONTRE A CHAUD jeu 28/03 mars à l’issue de la représentation DE L’ECRIT A LA SCENE rencontre avec Philipp Löhle et Benoît Lambert sam 23/03 à 14h30 Salle Jacques Fornier REPETITION OUVERTE jeu 07/03 de 18h à 19h Salle Jacques Fornier VISITE DANS LE DECOR lun 25/03 de 18h à 19h Salle Jacques Fornier

Dénommé Gospodin (création) texte Philipp Löhle traduction Ruth Ortmann mise en scène Benoît Lambert avec Christophe Brault, Chloé Réjon et Emmanuel Vérité scénographie, lumière Antoine Franchet, costumes Marie La Rocca production déléguée Le Théâtre de la Tentative coproduction Théâtre Dijon Bourgogne – CDN, La Colline – théâtre national, Théâtre Vidy-Lausanne, Scène nationale de Sénart, Théâtre ouvert le Théâtre de la Tentative est conventionné par la Direction Régionale des Affaires Culturelles et le Conseil régional de Franche-Comté.

Ce texte a fait l'objet d'une mise en espace au Festival d'Avignon 2011, produite par Théâtre Ouvert à l'occasion de ses 40 ans le texte de la pièce est paru aux Presses Universitaires du Mirail L’Arche est agent théâtral du texte représenté

Gospodin vivait heureux avec son lama, mais Greenpeace le lui retire, considérant qu’il est cruel de faire vivre un tel animal sous nos latitudes.

Gospodin vivait heureux avec Annette, mais celle-ci le quitte en emportant leur matelas.

Gospodin avait des proches, des amis, des parents : mais tous conspirent pour le dépouiller peu à peu de tout ce qu’il possède.

Puis, fortuitement, Gospodin se retrouve avec une grosse somme d’argent, en petites coupures, jetées en vrac dans un sac en plastique. Aussitôt, c’est la ronde des fâcheux qui reprend, chacun tentant de capter une partie du magot. Mais Gospodin s’en moque, de l’argent et du reste.

Car il a un projet : il est fermement décidé à prendre le capitalisme par les couilles.

Encore peu connu en France, né en 1978, Philipp Löhle fait partie de la jeune génération des auteurs de théâtre allemand.

Avec Dénommé Gospodin, il invente l’anti-héros d’une épopée contemporaine, un lointain cousin de Job, ou du Bartleby de Melville. Précipité dans une ronde infernale, une machine inquiétante qui l’entraîne jusqu’au vertige, Gospodin ne combat pas : quand il est trop en colère, il s’endort immédiatement. Pris dans une course folle, un jeu de l’oie géant où il perd un peu plus à chaque

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case, il devient la victime étrangement consentante d’un vaste mouvement de dépossession, et finit par se libérer dans la cellule d’une prison. Car finalement, dit Gospodin, la liberté, c’est de ne pas avoir à prendre de décision…

Dénommé Gospodin est une fable d’une drôlerie et d’une invention réjouissantes, qui porte « un regard acéré sur nos modes de vie contemporains, sur nos petits arrangements avec les objets et avec les personnes, avec les sentiments et avec les marchandises. » (B. Lambert) Philipp Löhle Philipp Löhle est né en 1978 à Ravensburg. Après des études d'histoire, de littérature et de théâtre à Erlangen et Rome, il écrit plusieurs pièces très remarquées, dont Kauf-Land en 2005. Il est aussi réalisateur de plusieurs courts métrages et travaille pour la presse écrite. En 2007, la pièce Gennant Gospodin (Dénommé Gospodin) est un grand succès : elle reçoit le Prix d'encouragement du Bundesverband der Deutschen Industrie ; elle est nommée en 2008 aux Journées de théâtre de Mülheim. La pièce Lilly Link reçoit en 2008 le Prix du jury du Stückemarkt de Heidelberg. Entre 2008 et 2010, Philipp Löhle est auteur associé au Théâtre Maxim Gorki de Berlin. En 2011-2012, il est auteur associé du Théâtre national de Mannheim.

Benoît Lambert Benoît Lambert, né en 1971 à Rennes, a été formé au théâtre par Pierre Debauche. En 1993, il fonde avec Emmanuel Vérité, comédien, La Tentative, compagnie avec laquelle il a monté Molière, Musset, Sarraute, Brecht, Valletti, Mrozek, Gombrowicz, Blutsch, Kroetz... Il débute en 1999 la réalisation du feuilleton théâtral Pour ou contre un monde meilleur, qui se poursuit en 2002 avec Ça ira quand même.

Plus récemment, c’est avec les textes de Jean-Charles Massera que Benoît Lambert continue d’ausculter notre société capitaliste. Il crée successivement We Are La France (2008), We Are L’Europe (2009) et Que Faire ? (le retour) (2011). En 2012, il écrit et met en scène Bienvenue dans l’espèce humaine au Théâtre Dijon Bourgogne.

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PARVIS SAINT-JEAN mar 2 et mer 3 avril à 20h en partenariat avec

Les Magnifiques chansons joyeusement tirées de la marge

chant et accordéon Christian Paccoud, chant et chœurs Les Sœurs Sisters : Alice Carel, Céline Vacher, Sophie Plattner et Armelle Dumoulin avec la participation du Gros Cœur et d’une chorale Dijonnaise dirigé par Romain professeur de chant et de choeur à Jazz'on

Avec les Magnifiques Christian Paccoud et les Sœurs Sister donnent vie à deux albums Les Petits Damnés de la terre et Une Chanson pour Antonin. Nés au terme de différents projets d’écriture menés par Christian Paccoud, les uns, avec des jeunes dépendant de l’Aide Sociale à l’Enfance de la Marne et, les autres, avec des adultes placés en milieu psychiatrique, ces deux albums ont été réalisés avec des moyens professionnels et des artistes sur-motivés en studio (Les Petits Damnés…), ou en live (Une Chanson pour Antonin). Enregistrées et mises sur album pour « exister vraiment » et être entendues « au dehors », avec ce concert public les chansons retrouvent aujourd’hui du souffle et de la voix. « Certaines chansons résonnent comme des hymnes bouleversants de vérité et racontent mieux que n'importe quelle thèse les sources de ce mal-être et par la même deviennent un étonnant révélateur de qu'est devenu notre société. » Christian Paccoud Donner la parole à ceux qui ne l'ont pas et pour d'autres raisons que ceux qui l'ont... « Depuis plus de quinze ans, je vais de ci de là faire des créations artistiques avec des gens en grandes difficultés. Adolescents, enfants, adultes, ils ont pour point commun d'être rejetés de la société parce que non adaptés à ses normes, à ses coutumes, à sa justice. C'est dans ce creuset de la détresse nous avons écrit ces chansons où chacun faisait résonner ses blessures dans des poèmes urgents que je mettais en musique. Toutes ces créations ont été des moments d'émotions chargés d'une rage de vie exemplaire. Je me suis dit qu'il fallait mettre au grand jour cette parole unique et vraie, témoin du mal-être de notre époque. Rassemblées sur deux albums « les petits damnés de la terre » et « Une chanson pour Antonin » ces chansons témoignent de ceux qui du plus profond de la souffrance humaine trouvent encore le moyen de parler. » Creuser les silences, les non-dits, les volte-face, cueillir les fleurs dans le terreau de la misère, habiller la détresse d’un manteau de dignité, créer la joie de dire, de chanter, d’être ensemble pour projeter au monde le savoir des humiliés. Jour après jour, nous avons repoussé la pudeur de dire, chacun dans sa différence mais chacun pour tous.

Christian Paccoud

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Christian Paccoud Auteur, compositeur, chanteur, musicien. Autodidacte, il chante ses chansons depuis quarante ans, sans production, sans attaché de presse et surtout sans concessions avec le marché du spectacle.

Fidèle compagnon de Valère Novarina depuis 1995, compositeur pour L'operette imaginaire, L'origine rouge, La scène, L'espace furieux, L'acte inconnu et Le vrai sang joué récemment au théâtre de l'Odéon, Christian Paccoud travaille parallèlement avec diverses structures d'exclus. Huit créations avec des adolescents placés soit en milieu ouvert soit en centre éducatif fermé ont vu le jour depuis 1997. Par ailleurs, pendant deux ans, au rythme de 6 ateliers par semaine, il est allé écrire une très longue chanson en milieu psychiatrique. En 2010, il obtient le Prix de la meilleure musique de théâtre du Syndicat professionnel de la critique dramatique 2010-2011 pour « Le vrai sang ».

Les Sœur Sisters Armelle Dumoulin, Alice Carel, Sophie Plattner et Céline Vacher forment le groupe « Les sœurs sisters » depuis 2008 date à laquelle a été monté « éloge du réel » (chansons de Valère Novarina) joué un peu partout en France et au théâtre du Rond Point en septembre 2009. Actrices, chanteuses et musiciennes, elles ont pour point commun d'avoir travaillé sur des projet dont Christian Paccoud a fait la musique (ateliers à Paris 8, L'odyssée au dortoir, L'acte inconnu, Le vrai sang). Ces quatre voix harmonisées parfois de façon classique, parfois d'une manière plus cubiste viennent éclairer, voire faire briller le contenu des textes souvent lourds. Le chagrin est ainsi sublimé, la désespérance dansée, le tumulte des cerveaux déchirés se met à swinguer et les pensées morbides ne sont plus que soleils brillants.« Je les ai tous vu » a déclaré Valère Novarina à la sortie d'une représentation des Magnifiques au Lavoir Moderne Parisien. En effet, le charisme de ces quatre fortes personnalités fait apparaître les visages de ceux qui ont écrit ces textes comme s'ils étaient là vraiment, devant nous.

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SALLE JACQUES FORNIER du jeu 4 au sam 6 avril en semaine à 20h, le samedi à 17h 1h30 en partenariat avec

Il n'y a pas de cœur étanche Spectacle musical de et avec Julie Rey et Arnaud Cathrine mise en scène Ninon Brétécher textes et arrangements Julie Rey et Arnaud Cathrine, compositions Julie Rey, son Samuel Babouillard, lumières Emanuelle Petit, conception des images de scène Antoine Dezelli production Petits papiers productions coproduction Itinéraires Singuliers, Le Point Ephémère (Paris) avec le soutien du Ministère de la Culture et de la Communication - DRAC Bourgogne, de la Mairie de Dijon, du Conseil régional de Bourgogne, de l’Atheneum – centre culturel universitaire à Dijon -, de la Fondation Réunica. création Atheneum centre culturel universitaire - Dijon, dans le cadre de la 7ème édition du Festival Itinéraires Singuliers, mars 2011

Il y a ceux qui sont supposés « aller bien ». Et ceux qui sont supposés « aller mal ». Les uns se débrouillent (vaille que vaille) avec la vie ; ils arrivent à travailler, à aimer, à se tenir debout. Les autres désespèrent de la vie ; ils n’arrivent plus à rien. Voilà ce qu’on dit ou pense le plus souvent des gens « normaux » et des « autres » : ceux qu’un accident de parcours, plus ou moins violent, a conduit à l’hôpital psychiatrique.

Cette frontière entre eux et nous (le mur du pavillon), Julie Rey et Arnaud Cathrine ont voulu savoir de quoi elle était faite. De septembre 2009 à juillet 2010, ils se sont donc rendus à l’hôpital tous les mois, ils ont rencontré une douzaine de patients volontaires, ils ont fait connaissance, ils se sont parlés, de tout, de rien, de la vie, de leur vie. Ils se sont également filmés, eux, l’hôpital, la vie quotidienne. Une fois la confiance installée, Arnaud et Julie ont vu leur intuition confirmée : pardelà les faits et les particularités biographiques, « l’inquiétante étrangeté » n’avait plus cours et les récits de vie qu’on leur faisait leur tendaient le miroir, leur parlaient d’eux, tout simplement. Et réciproquement bien sûr : les récits que les deux artistes confiaient aux patients renvoyaient ceuxci à des expériences communes. Car c’était une voix bien connue qui ne cessait de s’exprimer : la voix de l’humain qui souffre, et qui se bat, qui résiste, qui veut en découdre. Une histoire de vie et de survie, plutôt qu’une histoire de folie.

Ces histoires, les deux artistes souhaitaient dès le départ en faire un spectacle. Les patients le savaient.

Un spectacle qui raconterait leur rencontre…

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Arnaud Cathrine Il commence à écrire dès quinze ans et publie son premier roman, Les Yeux secs, en 1998. Depuis, il a fait paraître dix-neuf livres, dont onze destinés à la jeunesse. Il publie aux Editions Verticales Frère animal, La Disparition de Richard Taylor, Sweet home, La Route de Midland, Les Yeux secs, … Son dernier roman, Le Journal intime de Benjamin Lorca est sorti en septembre 2010. Il écrit également des paroles pour les chanteurs Florent Marchet et Joseph d’Anvers, et il a adapté son roman La Route de Midland pour le cinéma avec Eric Caravaca (Le Passage, 2004) ; il a co-écrit le scénario de La Faute à Fidel de Julie Gavras. Enfin, il est un habitué des « lectures musicales ». Frère animal est un roman co-chanté et co-écrit avec Florent Marchet. La transcription scénique réunit Florent Marchet, Valérie Leulliot, Nicolas Martel et Arnaud Cathrine.

Julie Rey C’est en 1992 qu’elle commence à inventer ses propres histoires. Elle a écrit, entre autres, plusieurs pièces pour le théâtre. Sa dernière création, première étape d’une trilogie autour des lieux d’exclusion, Il n’y a pas de cœur étanche, a été rédigée à quatre mains avec le romancier Arnaud Cathrine. Le deuxième spectacle de cette trilogie, À l’ombre, qui parlera cette fois-ci de l’univers carcéral, sera monté en 2014. En parallèle et sous le nom de Charlotte Mildray, elle a aussi à son actif deux albums qui naviguent entre folk et chanson française. Le dernier en date sortira à l’automne 2012.

Ninon Brétécher Elle se forme aupès d’Ariane Mnouchkine, Jean-Louis Martin-Barbaz et Pierre Pradinas. Elle joue sous la direction de Jean-Louis Benoit (Conversation en Sicile de Elio Vittorini, La Trilogie de la villégiature de Carlo Goldoni, Les Caprices de Marianne d’Alfred de Musset, Du Malheur d’avoir de l’esprit d’Alexandre Griboïedov, La Nuit des rois de William Shakespeare), Alfredo Arias (L’Île flottante de Chantal Thomas), Paul Desveaux (Les Brigands de Friedrich von Schiller), Frédéric Bélier-Garcia (Un Jeu de Max Frisch), Alain Chambon (La Concession Pilgrim d’Yves Ravey)… Au cinéma, elle tourne avec Magali Richard-Serrano, Jean-Marc Fabre, Pascale Ferran, David Macé, Céline Nieszawer, Éléonore Faucher, Philippe Godeau.

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PARVIS SAINT-JEAN sam 6 avril à 20h 2h environ dans le cadre du festival Ici L’Onde en partenariat avec

en écho au spectacle, Les Rendez-vous de l’ACTEUR Festival proposeront une rétrospective des films de l’acteur Denis Lavant au cinéma Eldorado (dates à préciser).

Müller Machines textes Heiner Müller mise en scène, musique et vidéo Wilfried Wendling avec Denis Lavant (comédien), Kasper T. Toeplitz (électronique, basses et percussions), Cecile Mont-Reynaud (danseuse aérienne) création lumières Annie Leuridan & Cyrille Henry assistante à la mise en scène Alexandrine Kirmser chargée de production Marthe Lemut/Or Not production Prometeo, Paris, soutenue par la DRAC Ile-de-France en coproduction avec la Maison de la Poésie, Paris ; le Festival Musique Action et le CCAM, Vandœuvre-lèsNancy ; le Théâtre de la Renaissance, Oullins ; Art Zoyd (Centre transfrontalier production et de création musicale) ; la Muse en Circuit, Centre national de création musicale, Paris ; le Lieu Unique, Nantes ; avec le soutien du Fonds SACD Musique de scène 2011.

Müller Machines s’inscrit dans le cadre de la résidence d’artiste de W. Wendling à la Maison de la Poésie pour 20102013, avec le soutien de la DGCA et de la SACEM.

Müller Machines, est un spectacle résolument transdisciplinaire, une succession de séquences distinctes où théâtre, danse, musique, vidéo, lumière... sont utilisés seul, à plusieurs ou tous ensemble. Sur scène, trois interprètes, un acteur, Denis Lavant, une danseuse aérienne, Cécile Mont-Reynaud, et un musicien Kasper T. Toeplitz sont à l’œuvre et jouent avec des moyens allant des plus « artisanaux » (les constructions filaires pour la danseuse aérienne, comme une référence fantomatique au cirque), aux plus technologiques : musique purement électronique ou utilisant des instruments hybridés avec l’électronique, musique commandant, voire interagissant sur, la vidéo et la lumière, éclairage à LED. Paysage sous surveillance, Libération de Prométhée et Nocturne, les textes, tous des monologues, sont comme souvent dans l’œuvre de Müller aux limites du théâtre, de la poésie et de la philosophie.

Leur réunion en met également en lumière les grandes thématiques : la guerre des sexes et la mort, avec pour angle de vue la relecture des grands mythes fondateurs, grecs et contemporains.

Une succession de longues séquences, lentes, étirées et dédiées ; peu de passages où musique et textes se superposent ; passages d’un plan à l’autre sans transition : une esthétique de la rupture.

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Note d’intention (extrait) « Il y a, dans Paysage sous surveillance, Libération de Prométhée ou Nocturne, une dimension beckettienne, une séduction immédiate de la langue, des idées, des images et des thèmes associés à une dynamique de l'action, imaginaire ou pas. J'imagine ces blocs d'émotions littéraires présentés sur scène quasiment bruts, dans le dénuement de leur force intrinsèque. Des séquences presque plastiques et chorégraphiques, figées dans la contemplation d’univers fantasmagoriques. Des blocs qui s'entrechoquent, assumant la violence des rapprochements, enchaînements brutaux d'un espace à l'autre, déferlantes sonores remodelant par à-coups la « Bildbeschreibung ».

Wilfried Wendling Wilfried Wendling Né en 1972 dans une famille de théâtre, très tôt passionné par les rapports scène, texte, musique, Wilfried Wendling se forme auprès de Georges Aperghis ainsi qu’au Conservatoire. Tôt passionné de nouvelles technologies, l’ordinateur devient progressivement son instrument de prédilection, dont il étend l’usage de la musique électronique à la création vidéo. Metteur en scène, compositeur et vidéaste, il a réalisé plus d’une vingtaine de spectacles pluridisciplinaires, présentés sur de nombreuses scènes, dont les plus prestigieuses, sur des textes de Beckett, Blanchot, Boltanski, Camus, Césaire, Deleuze, Genet, Michaux, Müller, Nietzsche, Pasolini ou Queneau., et a collaboré avec des artistes de toutes disciplines, parmi lesquels Roland Auzet, Jac Berrocal, Mathurin Bolze, Hélène Breschand, Médéric Collignon, David Jisse, Denis Lavant, Jérôme Thomas ou Kasper T. Toeplitz. Actuellement artiste associé à la Maison de la Poésie de Paris, son spectacle Müller Machines, qui y sera créé en octobre 2012, point d’aboutissement de la résidence, sera pour la Compagnie Prometeo dont il est le directeur artistique le spectacle le plus ambitieux jamais produit.

Heiner Müller Figure emblématique de la scène théâtrale européenne de la seconde moitié du XXème siècle, Heiner Müller a construit son œuvre dramatique sur les ruines de l'après-guerre, en posant de manière abrupte la question de l'homme confronté à la mort, à travers des métaphores empruntées à la guerre, à l'érotisme et à la maladie. Ses rapports avec les textes anciens sont envisagés comme un "dialogue avec les morts" : les réécritures qu'il en propose ramènent le passé dans le présent, reconnectent les circuits interrompus de l’Histoire et sont objets de méditation sur les enjeux vivants qui les agitent, réactivant les possibilités encore en attente de ces mythes. Au début des années 80, Heiner Müller commence à mettre en scène certains de ses textes : La Mission (1980), son Macbeth (1982), L'homme qui casse les salaires (1988), Hamlet-Machine (1990), Mauser et Quartett (1991). En 1992, il devient membre du collectif de direction du Berliner Ensemble, fondé par Bertolt Brecht, et monte notamment La Résistible Ascension d'Arturo Ui de Brecht (1995). Pendant les dernières années de sa vie, Heiner Müller est particulièrement sollicité par les milieux théâtraux et musicaux, tant dans les circuits institutionnels qu’alternatifs.

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PARVIS SAINT-JEAN du mar 9 au sam 13 avril en semaine à 20h, le samedi à 17h RENCONTRE A CHAUD jeu 11/04 à l’issue de la représentation

Retour à Argos d’après Les Suppliantes et Prométhée enchaîné d’Eschyle traduction du grec des suppliantes et mise en scène Irène Bonnaud textes additionnels Violaine Schwartz avec Astrid Bayiha, Ludmilla Dabo, Jean-Christophe Folly, Adeline Guillot, Laëtitia Lalle Bi Benie, Jean-Baptiste Malartre et Marius Yelolo lumières Daniel Levy, son Alain Gravier, costumes Nathalie Prats, maquillage et coiffures Catherine Saint-Sever, chorégraphie Jean-Marc Piquemal, régie générale Christophe Boisson, assistante à la mise en scène Mounya Boudiaf production Théâtre du Nord, Théâtre National Lille Tourcoing Région Nord Pas-de-Calais et le Théâtre Dijon-Bourgogne, CDN avec la participation artistique du Jeune Théâtre National

« Quand on me demande ce que sera mon prochain spectacle, je réponds : une tragédie grecque, une pièce d’Eschyle – l’histoire d’Africains qui traversent la Méditerranée en bateau et demandent l’asile à l’Europe.

Et pour mon interlocuteur, l’affaire est faite, « l’actualisation » a encore frappé… » Irène Bonnaud

Sauf qu’en l’occurrence, il n’en est pas besoin.

La pièce d’Eschyle raconte précisément cela : « celles qui sont venues demander l’asile ».

Que faire de ces femmes et de leur vieux père qui demandent de l’aide à Argos ? Des citoyens seront furieux si le roi les accueille, - ne s’ensuivront que des ennuis de toutes sortes - ellesmêmes se posent la question : trouveront-elles des amis si loin de leurs foyers, les écoutera-t-on malgré leur accent étranger ?

Ici, Eschyle donne la parole à des femmes, « fleurs noires / au visage brûlé par le fracas du soleil », qui sont d’autant plus véhémentes qu’on leur répète sans arrêt de se taire (« parler haut ne convient pas aux inférieurs »). La prise de parole même est acte de rébellion. Comme la loi de Zeus, qui sait, d’un geste, redresser le destin, la parole convainc et sauve.

Une question actuelle Aujourd’hui, la géographie de l’Union Européenne pousse les migrants à entrer dans « l’espace Schengen » par la Grèce. C’est là, dans le premier pays européen où ils arrivent, qu’ils doivent déposer une demande d’asile, mais, devant le pays ayant le taux d’acceptation le plus faible d’Europe, beaucoup renoncent d’avance, et restent là en attendant, dans un vide juridique total, main d’œuvre corvéable à merci, aubaine pour employeurs sans scrupules.

On a tant pris l’habitude de voir les tragédies grecques comme des blocs de marbre, patinés par des siècles de tradition, qu’il faut insister sur ce bizarre collage bricolé par Eschyle. Un royaume de légende où soudain s’énoncent les règles de la démocratie athénienne : c’est cet anachronisme, cette irruption de « l’histoire en train de se faire » dans les légendes d’autrefois, qui conserve à la pièce son énergie, sa vie, sa valeur d’urgence si longtemps après son écriture.

Avec Violaine Schwartz, qui écrira, c’est cette urgence qu’Irène Bonnaud veut retrouver, quitte à coller de nouveaux textes au fil du temps, de notre temps. Quitte à réduire parfois brutalement

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l’écart entre le moment de l’actualité et celui du théâtre, entre l’événement et son surgissement sur scène. « Le théâtre a peur de l’actualité et se croit souvent trop sublime pour parler des mêmes choses que les unes des journaux ou les tracts des militants. Il devrait se souvenir d’Eschyle qui écrivait, sur les expéditions militaires d’Athènes ou la réforme de l’Aréopage, des « pièces de circonstances ». Deux mille ans plus tard, elles sont plus fortes que jamais. »

Eschyle Des tragiques grecs, Eschyle est le plus ancien, le seul aussi à avoir vécu l’arrivée de la démocratie et le triomphe du modèle politique athénien. Enfant, il vivait dans une Athènes qui était bourgade de province gouvernée par un despote, à 20 ans il vit Clisthène engager des réformes pour imposer le pouvoir des assemblées, à 35 ans il fut héroïque, paraît-il, sur le champ de bataille de Marathon, puis à 45 ans triompha avec la flotte grecque à Salamine : la petite Athènes, forte de sa nouvelle démocratie et de ses navires, avait su résiste à l’envahisseur perse et devint capitale d’un empire maritime. Longtemps tenue pour une pièce de jeunesse, on sait aujourdhui que Les Suppliantes date de 463 av. J.C., au moment où Athènes s’apprêtait à sceller une alliance avec Argos, la cité démocratique du Péloponnèse, adversaire de Sparte et de sa dictature militaire. Eschyle, à 62 ans et au sommet de son art, s’y montre une fois de plus poète engagé et enchevêtre le temps des légendes et l’actualité la plus brûlante.

Irène Bonnaud Irène Bonnaud a signé ses premiers spectacles au Théâtre Vidy-Lausanne (Tracteur de Heiner Müller, Lenz d’après Georg Büchner), puis artiste associée au Théâtre Dijon-Bourgogne à l’invitation de François Chattot, elle y a mis en scène Music hall 56 de John Osborne, Le Prince travesti de Marivaux et La Charrue et les étoiles de Sean O’Casey, et signé le texte français d’Un Cabaret Hamlet d’après Shakespeare / Langhoff. Elle a mis en scène la troupe de la Comédie-Française dans Fanny de Marcel Pagnol et l’Atelier lyrique de l’Opéra national de Paris dans les Troqueurs d’Antoine Dauvergne et Street scene, opéra américain de Kurt Weill.

En résidence au CDN de Thionville, elle a créé Soleil couchant d’Isaac Babel et un spectacle bilingue francoallemand, Iroquois. A l’invitation de Stuart Seide, elle est désormais artiste associée au Théâtre du Nord à Lille. Traductrice du grec ancien, elle a publié Antigone de Sophocle, Iphigénie chez les Taures d’Euripide, Prométhée enchaîné et Les Suppliantes d’Eschyle aux Solitaires Intempestifs.

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ET AUSSI …

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Le TDB en tournée En Tournée-tréteaux ou en tournée nationale, six spectacles récemment créés au TDB sont sur les routes de Bourgogne, de France et de Suisse cette saison.

BIENVENUE DANS L’ESPÈCE HUMAINE (création saison 2011-2012) conception et mise en scène Benoît Lambert - du 1 er au 13 octobre Théâtre Paris Villette - du 11 au 15 décembre Théâtre de Cornouaille, Scène nationale de Quimper FOLIE COURTELINE (p. 7) textes Georges Courteline mise en scène Ivan Grinberg - du 5 au 25 novembre Tournée-tréteaux en Bourgogne les 5 (scolaire à confirmer) et 6 à Saint-Seine-l’Abbaye les 8 (scolaire) et 9 à Mirebeau-sur-Bèze le 15 à Louhans les 19 (scolaire) et 20 à Luzy le 23 à Quincerot le 25 à Gissey-sur-Ouche - le 29 novembre au Théâtre Edwige Feuillère de Vesoul LE NERF (création saison 2011-2012) texte et mise en scène Guillaume Malvoisin - 12 novembre 2012 Festival Jazz à Nevers QUE FAIRE ? (LE RETOUR) (création saison 2010-2011) (p. 20) conception et mise en scène Benoît Lambert textes Jean-Charles Massera, Benoît Lambert (and guests…) avec Martine Schambacher et François Chattot - les 9 et 10 janvier Scène nationale de Mâcon - du 15 au 26 janvier (relâche les 20 et 21) Théâtre de la Croix-Rousse à Lyon - les 30, 31 janvier et le 1 er février La Comédie, Centre dramatique national de Saint-Etienne - les 6, 7 et 8 février Le Fracas, Centre dramatique national de Montluçon - les 12 et 13 février L’Espace des arts, Scène nationale de Chalon-sur-Saône - du 21 au 27 février (relâche le 25) Théâtre Saint-Gervais de Genève - du 5 au 10 mars Théâtre Kléber Meleau de Lausanne - les 14 et 15 mars Scène nationale 61 d’Alençon - les 19, 20, 21 mars Le Volcan, Scène nationale du Havre - les 26 et 27 mars Théâtre du Rayon vert à Saint-Valéry-en-Caux - les 2 et 3 avril Amis du Théâtre Populaire d’Aix-en-Provence - les 10 et 11 avril Théâtre des 4 saisons à Gradignan - les 17, 18, 19 avril Espace Malraux, Scène nationale de Chambéry et de la Savoie - les 24 et 25 avril Arc en scènes, Centre neuchâtelois des arts vivants de La Chaux-de-Fond

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- les 14 et 15 mai Le Granit, Scène nationale de Belfort - du 1 er au 7 juin (relâche le 3) Théâtre du Nord, Centre dramatique national de Lille - du 12 au 22 juin (relâche le 17) La Colline, Théâtre national à Paris JEAN LA CHANCE (p. 16) de Bertolt Brecht chef de troupe Jean-Louis Hourdin - du 5 au 7 décembre Théâtre Charles Dullin à Chambéry - du 12 au 21 décembre (relâche le 17) Théâtre Saint-Gervais à Genève - du 6 au 8 février Théâtre de la Renaissance à Oullins - les 15 et 16 février Théâtre Toursky à Marseille - les 21 et 22 février Auditorium de Seynod - du 5 au 24 mars (relâche les 10, 11 et 18) Théâtre national de Strasbourg - le 26 mars Théâtre Edwige Feuillère de Vesoul - du 9 au 13 avril Théâtre de la Manufacture, Centre dramatique national de Nancy DÉNOMMÉ GOSPODIN (p. 57) de Philipp Löhle mise en scène Benoît Lambert - du 3 au 6 avril Théâtre des Ateliers à Lyon - du 9 au 11 avril Comédie de Béthune, Centre dramatique national - du 16 avril au 3 mai Théâtre Vidy-Lausanne - du 15 mai au 15 juin La Colline, Théâtre national à Paris

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Partenariats artistiques Mélange des genres, mélange des gens !

Le Théâtre Dijon Bourgogne renforce depuis 2006 ses collaborations avec les structures culturelles dijonnaises.

Parce que le croisement des disciplines artistiques nourrit la création et enrichit les parcours offert aux spectateurs, il salue cette saison la venue de nouveaux partenaires.

Une sélection de sept spectacles du festival Art Danse est proposée en 2013 au TDB. Cette édition est soulignée par une thématique forte en résonnance avec le théâtre, Les Chorégraphes ont la parole. + d’info : www.art-danse.com Quatre acteurs importants de la vie musicale locale s’associent au TDB : La Vapeur avec Le Cabaret New Burlesque, présenté dans le cadre du festival GéNéRiQ + d’info : www.lavapeur.com et www.generiq-festival.com Le PESM (Pôle d’Enseignement Supérieur de la Musique en Bourgogne) comme l’an passé, lors de la journée du patrimoine, ponctue d’impromptus musicaux les visites du Parvis Saint-Jean.

Nouveauté, les musiciens du PESM couronnent la journée par un concert gratuit ouvert à tous. + d’info : www.pesm-bourgogne.fr L’Orchestre Dijon Bourgogne et le TDB initient une collaboration pour un concert unique, Sérénades, qui fait résonner les époques et les langages musicaux entre les murs du Parvis. + d’info : www.orchestredijonbourgogne.fr Why Note/festival Ici L’Onde, partenaire de longue date du TDB, un rendez-vous résolument transdisciplinaire mêle à lui seul théâtre, musique, danse et vidéo : Müller Machines de Heiner Müller avec l’acteur Denis Lavant. + d’info : www.whynote.com Chaque année, le TDB reçoit plusieurs spectacles du Festival jeune public/tout public A Pas Contés.

En 2013, le TDB accueille avec l’ABC le spectacle tout public Hilum. + d’info : www.abcdijon.org Trait d’union entre théâtre, cinéma et musique, les Rendez-vous du tout jeune Acteur festival occupent le Parvis Saint-Jean à l’automne : parmi les rencontres dont le détail sera dévoilé à la rentrée, rendez-vous est déjà pris avec l’acteur et chanteur Jean-Pierre Kalfon pour un concert exceptionnel de clôture. + d’info : www.acteur-festival.com Cinéma et musique occupent encore une place de choix grâce à l’association Scènes occupations avec les Ciné-concerts, rendez-vous estival qui associe projection de films et musique vivante. + d’info : scenesoccupations@orange.fr Fidélité renouvelée aussi avec le festival Itinéraires singuliers, où la création dialogue avec l’univers hospitalier, le handicap, le champ social et le grand public. Deux spectacles sont accueillis en partenariat, les Magnifiques et Il n’y a pas de cœur étanche. + d’info : www.itinerairessinguliers.com Le TDB est engagé au côté de la ville de Dijon pour deux événements forts. À l’occasion du festival les Nuits d’Orient, un spectacle théâtral et musical évoque les colères et les combats du grand poète algérien Kateb Yacine, le Poète comme boxeur.

Pour le festival Modes de vie, temps fort de création d’artistes et d’habitants, le Club théâtre mêle à nouveau cette année un groupe d’amateurs du TDB et des habitants de l’agglomération dijonnaise (programme en cours). + d’info : www.dijon.fr

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26000 Couverts de retour à Dijon !

L’ABC et le TDB proposent au public un tarif spécial pour découvrir ou redécouvrir la toute dernière version du spectacle L’Idéal club. + d’info : www.26000couverts.org Le TDB soutient le nouveau projet pluridisciplinaire du collectif MULUPAM. Œuvre métisse à la fois plastique et scénique, Points de suspension poursuit une recherche sur l’identité et le rapport à l’œuvre. Présenté comme un voyage, un jeu de piste, ou une quête des strates qui constituent l’individu, il place le visiteur tantôt en « acteur » amené à faire ses choix et à expérimenter luimême au centre de l’œuvre, tantôt en spectateur recevant et assemblant une identité.

Né en 2009, Mulupam rassemble trois plasticiennes issues de l’École nationale supérieure d’art (ENSA) de Dijon, Muriel Carpentier, Lucile Hoffmann et Paméla Dorival.

Présentation à Dijon en 2013. + d’info : mulupam@gmail.com https://sites.google.com/site/mulupam

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Vous et nous Spectateurs curieux, passionnés, novices ou occasionnels, seuls ou en groupe, c’est avec vous que nous souhaitons partager les petites et grandes histoires du Théâtre. Pour vous accompagner, l’équipe des relations avec le public vous propose une « boîte à outils » sur mesure : conseil dans vos choix de spectacles, aide à l’élaboration de projets, dossiers artistiques, tracts, actions de sensibilisation gratuites et ouvertes à tous. Autant de chemins pour aller plus loin dans la découverte de la saison et du théâtre.

GROUPES, contactez : Sophie Bogillot, responsable des relations avec le public 03 80 68 47 39 / s.bogillot@tdb-cdn.com

ENSEIGNANTS ET GROUPES SCOLAIRES, contactez : Jeanne-Marie Pietropaoli, responsable des formations et projets éducatifs 03 80 68 47 49 / jm.pietropaoli@tdb-cdn.com

RÉPÉTITIONS OUVERTES Vous êtes curieux de savoir comment se fabrique un spectacle ? Comment travaillent artistes et techniciens ? Nous vous invitons à passer la porte pour assister à un moment de travail lors d’une répétition : Folie Courteline : jeu 4 octobre de 18h à 19h, salle Jacques Fornier Jean la chance : jeu 22 novembre de 18h à 19h, Parvis Saint-Jean Sérénades : rencontre « Les Clefs d’écoute » avec un jeune compositeur, sam 19 janvier de 18h45 à 19h30, Parvis Saint-Jean La meilleure part des hommes : ven 1er mars de 18h à 19h, Parvis Saint-Jean Dénommé Gospodin : jeu 7 mars de 18h à 19h, salle Jacques Fornier Gratuit, pour 50 personnes maximum.

Réservation indispensable au 03 80 30 12 1279

LES VISITES DU PARVIS Vous êtes curieux de savoir comment fonctionne un théâtre et qui le fait vivre ? Laissez-vous guider dans les murs et dans l’histoire de cette église gothique devenue Centre dramatique national.

Explorez ses chapelles et ses coulisses, ses métiers artistiques, techniques et administratifs.

Découvrez l’aventure d’une troupe de passionnés créée par Jacques Fornier dans les années 1950, qui écume les routes de Bourgogne avant de trouver abri au Parvis Saint-Jean et d’en faire un théâtre.

VISITES DANS LE DÉCOR À travers le décor, vous découvrirez à la fois le théâtre, lieu ouvert à tous les possibles (ou presque), et ses métamorphoses par la scénographie au service d’un texte ou d’un projet particulier.

Dans le décor de…

Folie Courteline : jeu 13 décembre de 18h à 19h, Parvis Saint-Jean Jean la chance : lun 19 novembre de 18h à 19h, Parvis Saint-Jean Dénommé Gospodin : lun 25 mars de 18h à 19h, salle Jacques Fornier Visites gratuites, 50 personnes maximum.

Réservation indispensable au 03 80 30 12 12

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VISITES À LA CARTE Vous êtes responsable d’une association, d’un comité d’entreprise, d’un groupe scolaire, vous êtes un groupe d’amis, vous souhaitez organiser une visite du Parvis Saint-Jean.

Visites gratuites de 8 à 20 personnes.

Contactez : Sophie Bogillot, responsable des relations avec le public 03 80 68 47 39 / s.bogillot@tdb-cdn.com

DE L’ÉCRIT À LA SCÈNE Prendre le temps de partager avec des auteurs, des metteurs en scène, des chercheurs, une réflexion sur la création et le travail théâtral, sur les enjeux du texte, sur les nouvelles formes d’écriture de spectacle, telle est la vocation des rencontres « De l’écrit à la scène ».

Trois rencontres sont prévues cette saison : Véronique Mathiaut, secrétaire générale du Centre de développement chorégraphique Dijon Bourgogne : Art Danse. Autour du festival Art Danse : « l’histoire de la danse en 10 dates » sam 12 janvier à 14h30, Parvis Saint-Jean Valère Novarina, auteur, metteur en scène et peintre, autour de L’Atelier volant sam 26 janvier à 14h30, Parvis Saint-Jean Benoît Lambert, metteur en scène, et Philipp Löhle, auteur, autour de Dénommé Gospodin sam 23 mars à 14h30, salle Jacques Fornier RENCONTRES A CHAUD Juste après le spectacle, au bord du plateau, à chaud, venez réagir, écouter ou débattre avec les artistes. Rencontres ouvertes à tous ! Ces rendez-vous ont lieu le jeudi soir sauf mention contraire précisée à la page des spectacles.

Folie Courteline : jeu 18 octobre et jeu 13 décembre Onzième : jeu 15 novembre Jean la chance : jeu 29 novembre Que faire ? (le retour) : dim 30 décembre Festival Art Danse : après chaque représentation - animées par Chrystel Skowron Purgatoire à Ingolstadt : jeu 10 janvier L’Atelier volant : jeu 24 janvier La femme qui tua les poissons : jeu 7 février Sortir du corps : mer 13 février La meilleure part des hommes : jeu 7 mars Dénommé Gospodin : jeu 28 mars Retour à Argos : jeu 11 avril AUDIODESCRIPTION, VISITE TACTILE L’audiodescription rend accessible le théâtre aux personnes atteintes de déficience visuelle ou de cécité par la description des éléments visuels pendant le spectacle au moyen d’un casque audio que nous fournissons. En complément, 2h avant la représentation, les spectateurs sont invités à une visite tactile pour se familiariser avec le décor du spectacle. Un spectacle est accessible en audiodescription avec visite tactile cette saison : Folie Courteline, 4 courtes pièces de Georges Courteline, mise en scène Ivan Grinberg, jeudi 13 décembre à 20h (visite tactile à 18h) Renseignements / réservations : s.bogillot@tdb-cdn.com, 03 80 68 47 39

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UN RÉSEAU DE RELAIS QUI GRANDIT D’ANNÉE EN ANNÉE...

Pour inciter à la découverte et faciliter le lien entre le public, les artistes et leurs œuvres, l’équipe des relations avec le public travaille en étroite relation avec : • les mouvements d’éducation populaire (UFCV, CEMEA, Ligue de l’enseignement…), les structures d’animation socio-culturelle (MJC, centres sociaux, maisons de quartier, maisons de retraite de Dijon et son agglomération..), les organismes d’insertion sociale (Bistrot d’Icare, ACODEGE, CCAS, CATTP Bachelard...), le monde associatif (Loisirs solidarité retraite, Modes de vie, École de la deuxième chance, L’Adosphère, MOOD, Secours populaire, Parenthèse, LICRA, MRAP, AVF...).

• les responsables de comités d’entreprise et de collectivités (APCR du Conseil régional, Pôle emploi, CAPEC, Sportunit, Synergence, SNCF, CHU, Crédit Coopératif, APASCA...).

• les relais de l’enseignement supérieur, équipes enseignantes et associations étudiantes comme l’ACEF IUP, le Théâtre Universitaire, Nemesis, AHSCUB, BDA Sciences-Po Dijon et Groupe ESC Dijon Bourgogne, Ecole des greffes, ENSA, Conservatoire à Rayonnement Régional… Tout au long de l’année, nous proposons rencontres et rendez-vous événements divers pour permettre à nos relais de se mettre en appétit.

LA LETTRE DU PARVIS ET L’ACTEUR PUBLIC Suivez l’actualité du TDB en vous abonnant à notre lettre mensuelle d’information la Lettre du Parvis, sur notre site internet, ou en lisant l’Acteur public, journal trimestriel du TDB également en ligne sur notre site : www.tdb-cdn.com

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Transmettre, Pratiquer Ateliers étudiants et amateurs C’EST PAS BEAU DE CRITIQUER ? par Caroline Châtelet, critique

Pour la deuxième année, le TDB organise un atelier de critique théâtrale. Ouvert à tous, sans diplômes ou compétences particulières, il est l’occasion d’échanger, de développer un point de vue et de confronter son regard à celui d’autres spectateurs. Cette école du regard invite à dépasser la simple appréciation d’un spectacle (« j’aime – j’aime pas ») pour élaborer ensemble une parole critique.

Un parcours en quatre séances, le samedi de 14h à 17h au Parvis Saint-Jean, autour de neuf spectacles de la saison.

Séance 1 : 17 novembre Regard général sur la saison 12-13 du TDB. Introduction à la critique autour de Folie Courteline et de Onzième Séance 2 : 15 décembre Autour de Jean la chance et de Quartett Séance 3 : 2 février Autour de Purgatoire à Ingolstadt et de L’Atelier volant Séance 4 : 9 mars Autour de Sortir du corps, La meilleure part des hommes et L’Idéal Club Conditions : 10 participants, 18 ans minimum.

Tarif unique : 40 € + souscription d’un abonnement pour les neuf spectacles prévus (pour les titulaires de la Carteculture, places à 5,5 € ).

Assiduité indispensable.

Inscription : fiche téléchargeable sur le site www.tdb-cdn.com à adresser à jm.pietropaoli@tdb-cdn.com ou à déposer à l’accueil du Parvis Saint-Jean.

Date limite d’inscription : 5 octobre LE CLUB THÉÂTRE DU TDB par Anne Cuisenier et Géraldine Pochon pour les comédiens amateurs et Julia Morlot, scénographe-plasticienne, pour les ateliers de La Fontaine d’Ouche (Dijon), Chenôve, Longvic et Quetigny en partenariat avec Modes de vie

Programme complet disponible à la rentrée sur notre site et au Parvis Saint-Jean.

Dates et horaires : 30/11 (19h/23h), 1/12 (14h/18h), 7/12 (19h/23h), 8/12 (14h/18h), 11/1 (19h/23h), 12/1 (14h/18h), 18/1 (19h/23h), 19/1 (14h/18h), 2/2 (14h/18h), 7/2 (19h/23h), 8/2 (19h/23h), 9/2 (14h-22h) Présentation publique sam 9 février à 20h, Parvis Saint-Jean Conditions : 10 participants, 16 ans minimum.

Tarif unique : 50 € + souscription d’un abonnement (3 spectacles minimum, pour les titulaires de la Carteculture, places à 5,5 €). Assiduité indispensable.

Inscription : fiches téléchargeables sur le site www.tdb-cdn.com à adresser à jm.pietropaoli@tdb-cdn.com ou à déposer à l’accueil du Parvis Saint-Jean.

Date limite d’inscription : 25 octobre

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MAUVAIS PARENTS ET SALES GOSSES par Stéphan Castang (réalisateur, comédien dans le spectacle Folie Courteline), travail de jeu à l’image et montage, et Elisabeth Hölzle, (comédienne), travail de jeu au plateau.

Comment se raconter ? Comment une « personne » filmée devient un « personnage » ? Que ce soit à travers la fiction ou bien le documentaire, le personnage est souvent une construction résultant d’une rencontre entre le cinéaste et la personne « filmée ». Le film s’écrit avec cette rencontre, avec ce que la personne accepte de donner de ses mots, de ses gestes, de ce qui lui semble essentiel. Le stage propose d’effectuer ce chemin entre personne et personnage, celui d’un pas de côté avec soi-même où l’on doit trouver sa place entre le vrai et le faux. Il relie théâtre et cinéma dans un va-et-vient entre le plateau et la caméra, entre le travail collectif et le solo. Il s’agit d’être à la fois auteur et interprète de son propre personnage et ainsi d’éprouver un processus de création où l’on doit s’inscrire et affirmer sa place.

Un premier atelier propose à des élèves du lycée professionnel Antoine Antoine, Chenôve de travailler une semaine sur le plateau du Parvis Saint-Jean.

Le second atelier propose à des adultes de travailler sur le mode portrait, face caméra. Ils joueront à être les parents de ces sales gosses en cultivant également leurs mauvais sentiments… Ils s’amuseront à devenir de mauvais parents. Le montage réunira les portraits des adolescents et des adultes en tentant d’établir ou de rétablir un dialogue entre eux.

Présentation publique du montage : jeudi 13 juin à 20h, salle Jacques Fornier Stage adultes (3 week-ends en mars) Dates : 16 et 17, 23 et 24, 30 et 31 mars Lieu : Parvis Saint-Jean Horaires : 10h à 13h et 14h à 17h Conditions : 30 ans minimum Nombre de participants : 15 Tarif unique : 60 € + souscription d’un abonnement au TDB (pour trois spectacles minimum).

Assiduité indispensable.

Inscription : fiche téléchargeable sur le site www.tdb-cdn.com à adresser à jm.pietropaoli@tdbcdn.com ou à déposer à l’accueil du Parvis Saint-Jean.

Date limite d’inscription : 4 décembre Petite précision : il n’est surtout pas indispensable de venir en famille ni même d’être parents.

ÉCOLE NATIONALE SUPÉRIEURE D’ART DE DIJON L’École nationale supérieure d’art de Dijon et le TDB ont souhaité établir un nouveau partenariat dans un esprit d’échanges et de transmission entre auteurs, artistes et publics. Le projet de recherche « Incarner, fabuler : des discours et des voix », impulsé par Vanessa Desclaux, professeur d’histoire des arts s’inscrit pleinement dans cette perspective. + d’info : www.ensa-dijon.fr

CONSERVATOIRE À RAYONNEMENT RÉGIONAL Un parcours de cinq spectacles est proposé aux élèves du CRR de Dijon : Folie Courteline, Onzième, Jean la chance, Hilum et Les Magnifiques. Les élèves du cours d’art dramatique sont invités à participer à l’ensemble des projets de découverte et de pratique théâtrale.

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Education artistique et culturelle Le TDB participe à la formation des spectateurs et au plaisir de la découverte.

Il organise ou accompagne des projets artistiques pour que s’opère la rencontre avec les œuvres dramatiques, avec les équipes artistiques et techniques, avec le théâtre. Le TDB est le partenaire d’une quarantaine d’établissements scolaires parmi lesquels un CFA, des lycées agricoles, des collèges de Côte-d’Or et des lycées d’enseignement professionnel et général. Des projets mis en œuvre en lien avec les équipes pédagogiques sont menés tout au long de la saison.

LE PRÉAC Le Théâtre Dijon Bourgogne est la structure artistique de référence du PRÉAC (Pôle de Ressources pour l’Éducation Artistique et Culturelle), dispositif dédié au théâtre en partenariat avec l’Éducation nationale (rectorat de l’Académie de Dijon, CRDP Bourgogne) et la DRAC. Le PRÉAC anime un réseau d’acteurs culturels et éducatifs, collecte et rend accessibles les ressources nécessaires à leur travail, conduit divers projets de formation, d’édition, et de pratiques artistiques.

L’ÉCOLE DU SPECTATEUR On ne naît pas spectateur, on le devient. L’école du spectateur vise à développer chez les élèves plusieurs domaines de compétences : savoir donner corps et voix à l’émotion et au désir, apprendre à regarder et à nommer, analyser et interpréter les signes scéniques, tisser des liens entre les différents champs artistiques pour mieux appréhender l’histoire des arts dans sa globalité.

Le TDB met au service de cette École du spectateur un ensemble d’outils : - dossiers pédagogiques pour certains spectacles, consultables sur Internet ou sur demande - conseils aux professeurs - interventions dans les classes après les représentations - rencontres avec les équipes artistiques (sous réserve de leur accord) - visite du Parvis Saint-Jean (planifier 4 semaines à l’avance) - consultation des archives artistiques du Théâtre aux Archives municipales de Dijon.

COLLÈGE AU THÉÂTRE Un dispositif pour faciliter la venue au théâtre des collégiens de l’ensemble du département de Côte-d’Or, co-financé par le Conseil général et piloté par l’inspection académique de Côte-d’Or et l’ABC. TRAVERSES 8 e édition Destiné aux classes de seconde option théâtre de l’académie, Traverses crée la rencontre autour d’une œuvre entre élèves, professeurs, l’équipe artistique d’un spectacle et l’équipe du TDB. Cette saison, le spectacle choisi est Folie Courteline, mis en scène par Ivan Grinberg. En point d’orgue, le TDB accueille deux cents élèves pour trois journées de travail collectif autour du spectacle.

Présentation les 14, 15 et 16 janvier, Parvis Saint-Jean et Salle Jacques Fornier.

Avec la participation des lycées Stéphen Liégeard à Brochon, Julien Wittmer à Charolles, Hilaire de Chardonnet à Chalon-sur-Saône, Romain Rolland à Clamecy, Montchapet à Dijon, Louis Davier à Joigny, Léon Blum au Creusot, René Cassin à Mâcon, Raoul Follereau à Nevers et Anna Judic à Semur-en-Auxois.

PARTENARIATS Des partenariats privilégiés lient le TDB et deux établissements scolaires : le lycée européen Charles De Gaulle, autour de parcours liés aux auteurs ou metteurs en scène étrangers, et la Cité scolaire Montchapet, autour de projets éducatifs en direction des Classes à Horaire Aménagé Théâtre du collège et des différentes sections du lycée parmi lesquelles les options théâtre.

Présentation des travaux de classes option théâtre jeu 28 mars à 20h Parvis Saint-Jean

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Stages de formation professionnelle destinés aux enseignants, comédiens intervenants, animateurs sociosocio-culturels et personnels de santé UNE DÉCOUVERTE DU THÉÂTRE PAR LE PLATEAU ET SES TECHNIQUES par Christian Bauer, créateur et régisseur lumière, et Amandine Georges, professeur missionné autour de Folie Courteline

Stage destiné aux professeurs du dispositif Lycéens et apprentis au théâtre contemporain (partenariat Conseil régional de Bourgogne, DRAC et Rectorat) les jeu 18 et ven 19 octobre, Parvis Saint-Jean STAGE TRAVERSES Folie Courteline par Ivan Grinberg, metteur en scène, Un stage en immersion dans la création Folie Courteline destiné aux professeurs intervenants des classes participant au projet Traverses. mar 20 novembre, salle Jacques Fornier DES COULISSES À LA SCÈNE Comment accompagner un groupe au théâtre ? par Christian Duchange, metteur en scène de la compagnie L’Artifice, Benoît Lambert, metteur en scène de la compagnie La Tentative, Sophie Bogillot, responsable des relations avec le public au TDB et des membres de l’équipe du TDB.

Atelier d’accompagnement des spectateurs destiné aux salariés du secteur socio-culturel autour de Purgatoire à Ingolstadt et Dénommé Gospodin.

3 modules de 3 heures de décembre à mars Contact : Sophie Bogillot, responsable des relations avec le public 03 80 68 47 39 / s.bogillot@tdb-cdn.com en partenariat avec la MJC des Grésilles

LA MISE EN ESPACE DANS TOUS SES ÉTATS par Muriel Trembleau, scénographe, assistée de Christian Bauer, régisseur lumière autour de Folie Courteline

Stage ouvert à tous les enseignants des 1 er et 2 nd degrés qui souhaitent explorer la relation entre la mise en scène et la scénographie, de l’espace écrit à l’espace de la représentation. du mer 5 au ven 7 décembre, salle Jacques Fornier LE THÉÂTRE C’EST LA SANTÉ ! par l’équipe du Théâtre Dijon Bourgogne

Une entrée en matière pour apprendre à travailler ensemble autour de Folie Courteline Stage de formation professionnelle destiné aux personnels hospitaliers et médico-sociaux du lun 10 au mer 12 décembre, salle Jacques Fornier en partenariat avec la DRAC Bourgogne et l’Agence Régionale de Santé de Bourgogne

DÉCOUVRIR SA VOIX par Olivier Ganzerli et Pierre Mervant, chanteurs et professeurs de chant

Stage ouvert aux professeurs du 2 nd degré de Côte-d’Or, professeurs de l’enseignement supérieur et professionnels du spectacle vivant qui souhaitent améliorer qualitativement leur voix, la maintenir « en bonne santé » et comprendre son fonctionnement. les jeu 7 et ven 8 février, salle Jacques Fornier en partenariat avec Liaisons Arts Bourgogne

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Édition Sous forme traditionnelle ou par le multimédia et Internet, l’édition permet au TDB de diffuser les pratiques et les écritures (en vente à la librairie du théâtre ou sur simple demande).

PIÈCE (DÉ)MONTÉE collection coordonnée par le CRDP de l’Académie de Paris. Faciliter la compréhension du théâtre : tel est l’objectif que poursuit cet outil pédagogique numérique. Après la Pierre en 2010 et Soleil couchant en 2011 rédigées par Carole Vidal-Rosset, Amandine Georges consacre en 2012 une Pièce (dé)montée au spectacle Jean la chance.

Accessible sur Internet : www.ac-paris.fr et www.tdb-cdn.com

Dernières publications À QUOI RESSEMBLENT LES COULISSES D’UN SONGE ? (2011) un livre de photographies de Thomas Journot, en collaboration avec la compagnie des Gens autour du spectacle A quoi rêvent les chevaux la nuit pour être si peureux le jour ?

VOIE OUVERTE (DVD, 2009) improvisation vocale Christine Bertocchi, auteur Géraldine Toutain, réalisation Eric Paul FAIRE AVEC LE RÉEL (DVD, 2008) autour du Roi Lear de William Shakespeare, compagnie L’Oiseau-Mouche, mise en scène Sylvie Reteuna, réalisation Stéphan Castang.

Contacts : Jeanne-Marie Pietropaoli, responsable des formations et projets éducatifs 03 80 68 47 49 – jm.pietropaoli@tdb-cdn.com Amandine Georges, professeur de lettres missionné éducation artistique – a.georges@tdb-cdn.com Yves Moalic, professeur de lettres missionné Traverses yvesmoalic@orange.fr

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PRATIQUE Tarifs et abonnements ABONNEMENTS, 5 FORMULES AU CHOIX Chaque spectacle supplémentaire au prix de votre abonnement de départ • ABO 3-5 : 3 à 5 spectacles de 33€ à 55€ soit 11€ la place • ABO 6-9 : 6 à 9 spectacles de 60€ à 90€ soit 10€ la place • ABO 10+ : 10 spectacles ou plus de 80€ à + soit 8€ la place NOUVEAU ! ABO –DE 26 ANS* de 21€ à + soit 7€ la place à partir de 3 spectacles *Sur justificatif

• CARTE TRIBU : 110€ soit 11€ la place pour 10 places au choix (groupe ou individuel) Attention ! Sans réservation, la carte Tribu ne garantit pas la disponibilité de place(s)

S’abonner, de nombreux avantages - Possibilité de choisir dans votre abonnement les spectacles des festivals partenaires du TDB : Art Danse, Itinéraires singuliers, Ici l’onde/Why note, A Pas Contés, Les rencontres de l’Acteur festival - Chaque spectacle supplémentaire au prix de votre formule d’abonnement de départ (sauf spectacle hors abonnement) - Des informations régulières sur l’activité du théâtre : dans votre boîte aux lettres l’Acteur Public, journal trimestriel du TDB et par courriel, la Lettre du Parvis (pensez à vous inscrire sur notre site !)

- Des tarifs préférentiels accordés dans les structures culturelles partenaires : l’ABC, Opéra Dijon (–10%), le Théâtre de Beaune, le Nouveau Théâtre de Besançon, l’Espace des Arts de Chalon-sur-Saône, L’Arc au Creusot, Mâcon Scène nationale, le Théâtre d’Auxerre, le cinéma Eldorado - Tarif réduit sur L’idéal club et tarif spécial sur le Cabaret New Burlesque (hors abonnement) - Tarif réduit sur les entrées aux matchs de hand-ball féminin du Cercle Dijon Bourgogne, partenaire du TDB

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PLACES À L’UNITÉ TDB 18€ Tarif normal 14€* Tarif réduit Jeunes de 12 à 26 ans, étudiants, familles nombreuses, Passeport-loisirs Quetigny, carte Cezam, coupon Performance, adhérents FNAC, + de 60 ans, OPAD, adhérents cinéma Eldorado, abonnés des théâtres partenaires : l’ABC, Opéra Dijon (-10%), Théâtre de Beaune, Nouveau théâtre de Besançon, Espace des arts (Chalon- sur-Saône), L’Arc (Le Creusot), Mâcon Scène Nationale, Théâtre d’Auxerre, Scènes du Jura.

10€* Tarif spécial Personnes à mobilité réduite, adhérents du CDB 8€* Groupes lycéens/étudiants À partir de 10, 1 accompagnateur exonéré pour 10 élèves 7€* Groupes collégiens, enfants -12 ans À partir de 10, 1 accompagnateur exonéré pour 10 élèves 7€* Bénéficiaires RSA, demandeurs d’emploi, intermittents 5,5€* Carteculture 12-13 Festival Art Danse, Itinéraires singuliers, Ici L’Onde / Why note, les Rendez-vous de l’ACTEUR Festival 14€ Tarif normal de 10 à 5,5€ Autres tarifs (voir détail place à l’unité TDB grille ci-dessus) Sérénades, concert de l’Orchestre Dijon Bourgogne 15€ Tarif normal 11€* Tarif réduit Bénéficiaires RSA, demandeurs d’emploi, intermittents, personnel CHU Dijon 5,5€* Carteculture 12-13 5€* Tarif jeunes - 18 ans

SPECTACLES HORS ABONNEMENT L’Idéal Club (26000 couverts) 18€ Tarif normal 15€* Tarif réduit Abonnés TDB saison 12-13, Carte Tribu 12€* Tarif spécial - 26 ans, bénéficiaires du RSA, demandeurs d’emploi, intermittents 5,5€* Carte culture 12-13 Cabaret New Burlesque (festival GeNeRiQ) Tarif normal Vente sur place au Grand Théâtre 20€ 17€* Tarif en prévente Accessible à tous en prévente, sur le web 17€* Tarif réduit - 20 ans, bénéficiaires RSA, demandeurs d’emploi, allocataires AAH et ASPA 15€* Tarif spécial Abonnés TDB saison 12-13, Carte Tribu, détenteurs Carte Vapeur 5,5€* Carte culture 12-13 * Sur justificatif

LE THÉÂTRE, C’EST CADEAU !

Le TDB propose des chèques-cadeaux valables sur l’ensemble de la saison 12-13.

Plusieurs formules au choix, renseignez-vous à l’accueil du Parvis Saint-Jean

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Informations pratiques ACCUEIL & BILLETTERIE Parvis Saint-Jean Tél 03 80 30 12 12 Fax 03 80 30 01 89 du mardi au vendredi de 13 à 19h Le samedi de 11h à 13h et de 14h à 18h (nouveaux horaires) et une heure avant chaque représentation.

Billetterie en ligne www.tdb-cdn.com RÉSERVATIONS PAR TELEPHONE À tout moment aux heures d’ouvertures. À confirmer par paiement au plus tard 48h avant la représentation.

MODE DE PAIEMENT Sur place espèces, carte ou chèque bancaire, chèque vacances, chèque culture Par correspondance chèque bancaire libellé à l’ordre du TDB Par téléphone Carte bancaire Par internet Carte bancaire HORAIRES DES SPECTACLES du lundi au vendredi les spectacles commencent à 20h Samedi, dimanche : 17h Sauf horaires particuliers signalés sur les pages des spectacles Attention : une fois le spectacle commencé, le TDB se réserve le droit de différer, voire de refuser l’entrée en salle par respect pour les artistes et le public.

ACCESSIBILITÉ AUX PERSONNES HANDICAPÉES À l’achat des billets, nous prévenir pour vous faciliter l’accès au hall d’accueil.

Accès salle de plain-pied et toilettes équipées.

COVOITURAGE AVEC MOBIGO Vous cherchez un moyen pour vous rendre au théâtre ?

Pour en revenir ? Le Conseil régional de Bourgogne propose la solution du covoiturage.

En savoir+ www.covoiturage.mobigobourgogne.com

LES DEUX SALLES DU TDB Parvis Saint-Jean (270 places) rue Danton (Possibilité de stationnement aux parkings Condorcet et Dauphine) Salle Jacques Fornier (164 places) 30 rue d’Ahuy à Dijon (près de la Place Barbe, quartier Jouvence) ESPACE LIBRAIRIE Le TDB démarre un partenariat avec CULTURA « L'esprit jubile ».

Trente minutes avant et après chaque représentation, Sylvie Moreau, libraire du TDB, et l'équipe de Cultura vous proposent une sélection de livres, films et CD autour des spectacles de la saison.

Laissez-vous guider !

LES BARS DU PARVIS ET DE FORNIER Ouverts avant et après chaque représentation, les bars du Parvis et de la salle Fornier vous accueillent avec leurs célèbres cartes des vins, leurs planchas ou « Chiens chauds » et la soupe OFFERTE à la sortie du spectacle, les jours de grand froid !

ADMINISTRATION 23 rue Courtepée BP 72936 21029 Dijon cedex Tél 03 80 68 47 47 Fax 03 80 68 47 48 www.tdb-cdn.com

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