Eloquence 'International Creators magazine'

ELO QU ENCE

MAY 2012

international creators magazine

10,000 KRW

Do Do Ho Ho Suh Suh Magpie Magpie Decade Decade shop shop Wayofseeing Wayofseeing Project Project Outings Outings 202 202 Factory Factory Open Open Stage Stage Hong Hong Seung Seung Pyo Pyo Yong-oh Yong-oh Kim Kim HackerSpace HackerSpace Seoul Seoul Song Song Byeok Byeok Yong Yong Ho Ho JiJi Cyjo Cyjo Recandplay Recandplay The The Wa Wa Michael Michael Osterman Osterman Seoul Seoul Urban Urban art art Project Project Bill Bill Wadman Wadman Baiyon Baiyon Kris Kris Kuksi Kuksi Junghee Junghee Lim Lim Bell&Nouveau Bell&Nouveau France France Danse Danse Festival Festival Lisa Lisa Shahno shahno Differ 10/10 France Danse Festival Pojangmacha Project

EDITOR’S NOTE ELOQUENCE의 컨셉 중 하나는 프로젝트 매거진이라는 것입니다. 다양한 장르의 프로젝트를 발굴하여 지원하며, 함께 확장해 나가는 것이 ELOQUENCE의 목표 중 하나입니다. 지난달 21일에는 플래툰 쿤스트할레에서 <포장마차 프로젝트>의 그랜드 오프닝이 열렸습니다. 부족한 점이 많았지만 다양한 장르의 친구들이 함께 프로젝트에 참여해 주어 성황리에 행사를 마쳤습니다. 마침 플래툰 쿤스트할레의 3주년 생일잔치의 마지막 날이었기에 더욱 의미 있는 시간이 되었습니다. 많은 분들이 포장마차 프로젝트에 대해 물어보곤 합니다. 그럴 때마다 저는 포장마차 프로젝트에 대해 똑같은 이야기를 합니다. 지금까지 아마 천 번도 넘게 한 것 같습니다. 포장마차 프로젝트는 건축 프로젝트입니다. 건축을 기반으로 하여 다양한 장르의 아티스트들이 모여 ‘포장마차’를 소재로 다양한 연구와 개발을 하는 프로젝트입니다. 이 프로젝트는 김태호, 김태범이라는 두 건축가가 최초의 아이디어를 제공했습니다. 어린 시절을 영국 웨일즈에서 보낸 김태호는 한국계 일본인인 김태범을 런던 유명 건축학교 AA에서 만나게 됩니다. 한국으로 귀국해 건축회사를 다니던 두 사람은 태어나서 처음으로 ‘포장마차’를 보게 되었습니다. 두 사람은 워낙 술을 좋아하던 터라, 포장마차가 너무나도 좋았습니다. 이렇게 해서 자연스럽게 포장마차에 대한 리서치가 시작되었습니다. 김태호, 김태범이 저를 찾아온 것은 ‘포장마차’를 통해 새로운 유닛을 연구할 무렵, 자신들의 유닛을 전시할 공간에 대한 의뢰를 위해서였습니다. 나는 두 사람의 이야기를 듣고 그 자리에서 새로운 아이디어를 제안했습니다. 단순히 건축학적인 전시에 그치지 말고 ‘포장마차’를 통해 지속적으로 확장할 수 있는 건축 프로젝트를 만들어 보자는 것이 저의 아이디어였습니다. 나는 당장 푸드 디렉터 G.O를 영입하고 곧 이어 크리에티브 디렉터 이우도를 섭외했습니다. 그 후 아트디렉터, 프로젝트 매니저 등 다양한 장르의 디렉터들이 모여 ‘포장마차 프로젝트’가 시작되었습니다. 디렉터들은 각자 분야별로 ‘포장마차’를 연구했습니다. 우리는 이태원, 문래동 등에서 오픈한 게릴라 팝업을 통해 실제로 포장마차가 운영되는 시스템을 연구하고 리서치했습니다. 참고로 이렇게 ELOQUENCE가 직접 참여하는 프로젝트에는 중요한 약속이 하나 있습니다. 최초의 아이디어를 낸 디렉터 중심으로 다른 장르의 디렉터들이 힘을 모아 주는 것입니다. 최초의 아이디어에 대한 독립성을 지켜주어야만 어떤 방식이든 하나의 아이덴티티가 완성될 수 있다는 것이 ELOQUENCE의 믿음이기 때문입니다. 때문에 포장마차 프로젝트에 모인 각 분야의 디렉터들은 건축 디렉터인 김태호 김태범의 생각과 방향을 매우 중요하게 생각하고, 그 것을 중심으로 작업을 펼치고 있습니다. 포장마차 프로젝트의 크리에이티브 디렉터 이우도는 포장마차가 단순히 프로젝트에 이용되는 것, 그리고 디렉터들의 머릿속에 있는 판타지에서 오는 비현실적 결과물에 대해 항상 조심을 해야 한다고 강조했습니다. 때문에 우리는 게릴라 팝업을 통해 각 분야의 디렉터들이 직접 요리를 만들고 판매를 하면서 포장마차에 대한 이해를 높였습니다. ‘팝업’을 하기 이전에는 유닛의 개발에 많은 시간을 투자했지만 ‘팝업’을 통해 포장마차가 도시 공간에 미치는 영향, 환경과 사람에 대한 동선의 흐름, 실제로 사용이 가능한 이용성 등 다양한 각도에서 이 프로젝트를 바라보게 되었습니다. 이렇듯 다양한 장르의 아티스트가 모여 실제적 경험을 통해 함께 완성해 가는 것이 바로 포장마차 프로젝트이자 ELOQUENCE 매거진이 추구하는 프로젝트입니다.

ELOQUENCE는 이러한 마인드를 중심으로 현재 다양한 장르에서 실험적인 프로젝트를 기획, 후원 함께 진행하고 있습니다. 매거진 창간 프로젝트 <MAG TO MAG> 스트리트 아트 집단인 ‘SUP’과 함께하는 <Seoul Urban art Project>, 필름 프로젝트인 <HOW TO : FIlM>, 플래툰 쿤스트할레와 함께 하는 뮤지션 프로젝트 <OPEN STAGE> 등 다양하고 실험적인 프로젝트는 앞으로 많은 친구들에게 열정적 영감을 줄 것입니다. 대부분의 사람들이 프로젝트는 아이디어 싸움이라고 말합니다. 맞는 말입니다. 하지만 아이디어보다 중요한 것이 있습니다. 바로 사람입니다. ELOQUENCE는 그렇게 믿고 있습니다. 진정성을 인정해주고 가슴으로 함께 움직이는 사람들이 하나 둘 늘어 갈 때 프로젝트 비로소 빛을 발합니다. 그리고 그 빛을 발할 때가 바로 우리의 시작입니다.

ELOQUENCE is a project-based magazine. As such, one of our aims is to support a variety of projects and watch them grow. One such initiative, the so-called Pojangmacha Project, recently had its grand opening at Platoon Kunsthalle on 21 April.

Over the past several months, many people have asked me about the Pojangmacha Project and I’ve always given the same explanation— probably over a thousand times, by this point. The Pojangmacha Project is focused on the research and development of the boundless possibilities of pojangmacha as a foodservice model, starting with its design and construction and branching out to include other aspects of its functionality. The project was initially started by two architects, Tae-ho Kim (who grew up in Wales, UK) and Korean-Japanese Tae-beom Kim. After meeting while students at the Architecture Association in London, they visited Korea and saw pojangmacha on the streets of Seoul for the first time. They were immediately captivated by it, and as they began to develop ideas for a new pojagmacha unit, they approached me for advice on how to best present their concept.

After seeing vvvthe passion of the project’s founders and the focused identity they had for their idea, I invited them to consider expanding the project from a one-time exhibition into an ongoing program. I recruited G.O. as the project’s food director and Udo Lee as its creative director to help support the project and guide it to the full creative potential of what Tae-ho and Tae-beom had already begun. At ELOQUENCE, we believe that the independence of the initial concept is of paramount importance to the success of any project such as this. All the directors of the Pojangmacha Project respected the autonomy of the two architecture directors’ vision, and never failed to remain focused on executing their plans. As if to prove this point, each director cooked and sold the dishes by themselves in the project’s guerrilla pop-up phase. And finally, the Pojangmacha Project has been translated into reality, supported by talented art directors and project managers.

The projects ELOQUENCE hopes to support in the future are ones achieved by many skilled artists from various disciplines and practical backgrounds. Keeping this spirit in mind, ELOQUENCE plans to continue sponsoring even more experimental projects like the Pojangmacha Project in the future. In fact, we have already begun this process with a handful of diverse and exciting initiatives—the magazine launching project MAG TO MAG, the street artist collective Seoul Urban art Project, the film project HOW TO: FILM, and the music project OPEN STAGE (in collaboration with Platoon Kunsthalle)—all of which we believe will inspire young enthusiasts’ passion.

It is often said that the success of a project depends on the idea itself, which is correct. But there is something even more important than that; its people. When people work together in perfect accord and with respect, authenticity and passion, the project will shine in the end. Then, ELOQUENCE will shine too.

Editor in Chief Woochi Jeon

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contents

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exhibition project space project music dance brand art studio visit art art art photography video art photography art multimedia line drawing fashion art fashion fashion photography project festival project project information project

Do Ho Suh: Home Within Home Magpie Brewing Co. Decade Shop WAYSOFSEEING Project Outings Differ 202 Factory Seung Pyo Hong HackerSpace Seoul Yong-oh Kim Song Byeok Yong Ho Ji CYJO RECANDPLAY The Wa Bill Wadman Kris Kuksi Baiyon The Botanical Garden by Junghee Lim Mythical Torso Michael Ostermann 10/10 Lisa Shahno Andrey Sarymsakov Seoul Urban art Project France Danse Festival Open Stage Pojangmacha Project World Exhibition Yomâ&#x20AC;&#x2122;s Visual Lab

Cover Art, photograph by Dojin Choi 2012 from Mythical Torso (pg. 95)

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staff Editor in Chief Woochi Jeon / jeonwoochi0625@gmail.com Creative Director Udo Lee / udolee@gmail.com Art Director Snil Yom / yomsnil@gmail.com Photo Director Najhin / nkotmag@gmail.com Producer Jack Lee / e0042093@gmail.com Editors Sungmi Yu / jerryhey32@gmail.com Linda Choi / lchoi002@gmail.com Giseok Cho / giseokcho@gmail.com Andy St. Louis / arstlouis@gmail.com Jinseop Lee / djpepsi@naver.com Regional Editors South East Asia. Vincent Sung / vsbangkok@gmail.com London. Suk Kyung Yun / yurusi@gmail.com Tokyo. Yuta Sugihara / yuta.sugihara@gmail.com Amsterdam. Eun Kyung Hwang / ikben.ekh@hotmail.com Intern Editors Suesasha Joung / suesasha.joung@gmail.com Pearl Kim / pearl3479@gmail.com Copy Editors Ross Gardiner / rgardiner4@gmail.com Hassan Haider / hhaider@gmail.com Writers / Contributors Tae Ho Kim / t4eho@hotmail.com Hyo Bong Chong / ggg6999@naver.com Head Designer Yoon Jeong Lee / ggong1110@naver.com Photographers Dojin Choi / dojinchoi@gmail.com Hea-won Kim / ppochu@gmail.com Translator Esther Hwang / soyoonie87@gmail.com Web Designer Yong Hoon Kwon / kwonyh@teentimes.org Executive Producer Joohyung Lee / sir2911@hanmail.net Chairman Deog Soo Lee / president@teentimes.org President Jung Sik Lee / core@timescore.co.kr Managing Director Jee Yea Lee / jeeyea_lee@timescore.co.kr Chief Managers Kevin Tak / starbiggy@gmail.com Julia Baik / cutejuliabaik@gmail.com IT General Manager Kang-il Kim / kang_il@teentimes.org IT Management Team Jung Hun Kim / kjh@teentimes.org Yo Han Kim / tolerance@teentimes.org Distribution Sung Sook Choi / choi740710@teentimes.org

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ELO QU ENCE international creators magazine

Times Core Co. E&C Tower 8th Fl., 46 Yangpyung dong 3ga, Yeongdeungpo gu, Seoul, Korea 150-103 Phone. 02.392.3800 / Fax. 02.392.1800

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CULTURE STATION SEOUL 284 ྙ⪵ᩎ ᕽᬙ

05.05 - 05.29

Blue Lady ©Claude Le Ahn

contributors

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Alyssa perry

Zack Cluley

Fashion Shooting Team

Alyssa Perry is freelance writer. She is originally from San Francisco, California, where she has written for several music publications. In Seoul, she has been able to use her skills to highlight the international art and music scenes. For this issue, she has interviewed one of the most talked-about Korean-American artists, CYJO.

Zack is a freelance writer and photographer.

His fascination with the arts keeps him constantly informed of inspiring creators of all types. Before coming to Seoul, Zack owned and operated a small music production company in Austin, Texas, where he brought artists from as far as the UK to perform. His interview with New York-based photographer Bill Wadman appears in this issue of ELOQUENCE; we look forward to seeing more great creators profiles and interviews from him in the months to come. www.perzpective.com

Make-up artist Hong Min Chul and his assistant Kim Min Ji showed passionate and creative energy in their work on this issue’s fashion shoot, ‘Mythical Torso.’ Hong, who is more than just a general make-up artist, made great suggestions throughout the shooting process which contributed to making the final product abound with sensory appeal. Spanish model Anna was the heroine of the shoot— despite the weight of Bell&Nouveau’s bulky headpieces, she endured everything without any single complaint from morning till night.

Thank you to all!

Jinseop Lee

Suk Kyung Yun

Shin Hye Rim

Multi-creator Jinseop Lee, who is simultaneously a brand manager, music coordinator, pop columnist and DJ, has moved in charge of ELOQUENCE music editor. The force of his speedy, accurate and compact writing style is already well known through his work with Naver and M-net. ELOQUENCE feels very fortunate to have him join the team, as if we’ve gained a thousand troops supporting us due to his involvement. Starting this month, he serializes coverage of Platoon Kunsthalle’s Open Stage project, which recently joined forces with ELOQUENCE as a media partner. All of us ELOQUENCE are very excited about having Lee onboard as a key member of the team from this point onward. blog.naver.com/djpepsi

ELOQUENCE London editor Suk Kyung Yun has landed in Korea. Having previously worked at The Bling as well as in Benetton Korea’s marketing team, she is now living in London and working on various projects while also serving as foreign correspondent for ELOQUENCE. Since arriving back in Korea for a two-month visit, she has played an active part in the Pojangmacha Project, both as the project’s Platoon event manager. She is also the editor for the ELOQUENCE feature on the event, for which she organized interviews with its participating artists with unparalleled determination and expedience.

Shin Hye Rim collaborated with ELOQUENCE this month on Yom’s Visual Lab. She met with our art director Yom for the first time since their initial meeting five months ago to shoot the project, and didn’t achieved great results.

Between Shin’s attractive photo style and the nice proportions of her model Bowon Lee, everything was smooth and clear.

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exhibition

Do Ho Suh: Home Within Home Arguably the most widely-known and critically-acclaimed Korean artist alive today, Do Ho Suh has achieved a level of international recognition most artists can only dream of. His dramatic installation-based work boldly engages the East-West divide, navigating the treacherous psychological territory of locating one’s identity within a globalized world. In ‘Home Within Home,’ the artist’s first solo exhibition in Korea since 2003, Suh invokes as much of his home-bred sensibility as he does of international know-how, resulting in a universally-understood but very individually interpreted exhibition experience.

Editor. Andy St. Louis Image courtesy. Leeum, Samsung Museum of Art

‘Home Within Home’ / 2012 / Installation view at Leeum, Samsung Museum of Art ‘Home Within Home’ is split between two galleries in Leeum’s special exhibitions wing (designed by Rem Koolhaas), with a third separate area devoted to screening documentary video about major works in Do Ho Suh’s oeuvre that are not included in the exhibition. In the upstairs gallery, enclosed by Koolhaas’s floating ‘black box,’ is a diverse grouping of pieces in a variety of media—all of which address the concept of ‘home,’ but when taken as a whole, lack the knockout punch that has come to be expected of Suh’s work. Downstairs, however, is the exhibition’s real focal point: five installation pieces from Suh’s ongoing Home series (1999-2012).

These five remarkable works use translucent dyed cloth to recreate some of the homes inhabited by the artist during his life, giving viewers an unusually intimate glimpse into the artist’s domestic surroundings—from the hanok building in Seoul his family occupied in his childhood, to the towering facade of a New York brownstone, to the corridor of a railroad apartment in Berlin. While the visitor’s first impression is invariably one of amazement at the fastidious detail with which even the most mundane details are stitched in these to-scale models, upon reflection one begins to appreciate Suh’s more intimate preoccupation with our relationships to domestic spaces at large and the implications they suggest with regard to the artist’s nomadic lifestyle.

Suh is a self-described nomad, having been born and raised in Korea and subsequently receiving the bulk of his formal artistic training— advanced degrees from RISD (painting) and Yale (sculpture)—in the United States. Throughout his life, he has constantly been on the move—even as a child, his family changed residences multiple times—and he continues this embrace this nomadic existence to this day, as he continues to split his time between New York and Seoul. In spite of being ‘homeless,’ as it were, Suh is no aimless drifter, and his attachment to his Korean roots are a fundamental motivation behind his work. Indeed, much the work on display in ‘Home Within Home’ (the five Home installations in particular) can be seen as a contemporary recontextualization of the aesthetic ideals unique to Oriental painting—a discipline he is all-too-familiar with, considering the prominence and

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recognition of his father, Suh Se-ok, considered one of the last Oriental painters in Korea’s literati tradition.

One of the distinguishing features of Oriental—and especially Korean— painting is the quality of its lines, and by extension, their capability of expression. In the Home series, we encounter lines of a different sort; rather than describing a scene using ink on paper, they instead demarcate the edges of Suh’s domestic worlds in three dimensions.

No matter how lifeless or insipid these (often) run-of-the-mill interiors may be, however, the suppleness and delicacy of the cloth used in their construction lends them a distinctly organic, hand-crafted and charming quality. Like a consummate painting in the Oriental tradition, the lines of Suh’s homes illustrate his sensitivity to balance and composition; whether stretched taut or hanging slack, textured with detailed stitching or left bare, the variations in line reflect the artist’s appreciation for this unmistakeably Oriental concern.

Suh further honors the aesthetics of Oriental painting in his use of empty space—not only in his work, but also in the design and layout of the exhibition on the whole. The works in the Home series are as much about the empty space they circumscribe as anything, particularly when one takes into account the diaphanous translucency of their walls. The fabric itself plays a major contributing factor in fostering a sense of openness in viewers; even when inside one of these ‘structures,’ the surrounding gallery space remains in plain view, and vice versa. Installed in Leeum’s vast open-plan gallery space, these five installation pieces have plenty of breathing room, resonating with their overall sense of emptiness and resulting in an overwhelming sensation of balance and stability—the marks of an Oriental painting of the finest execution.

Do Ho Suh: Home Within Home 22 March 3 June 2012 Leeum, Samsung Museum of Art www.leeum.org

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project

Magpie Brewing Co. ELOQUENCE caught up with Magpie Brewing Co.’s four partners to taste the difference between good beer and bad as well as talk about their dedication to growing the culture of craft beer in Korea.

Editor. Linda Choi Photographer. Najhin

Q. What is Magpie?

Essentially Magpie is ‘craft beer’ with attention to rich flavors and local ingredients. Basically, we are trying to introduce this beer to Korea and let people experience something that they haven’t tried before. Thus there is an educational aspect to Magpie as well, which is why we offer classes on beer tasting, pairing food with beer, and even home-brewing at The Beer Store, which opened in April in Gyeongridan. Korea has a really rich culture of making and enjoying different kinds of alcohol; friends of ours have parents or relatives who make their own makkeolli, for example, so making beer isn’t such a big leap. And Koreans love beer—we want to add to that.

Q. Is there any specific reason to choose the name, Magpie?

We went through many iterations while picking the name and debated quite a bit. But we all agreed on the word ‘magpie’ because it is a Korean symbol for good luck. It came out of a conversation we had with a designer friend of ours. We mentioned our idea for the name and she told us that in Korea magpies would traditionally build their nest in your shingles and become like part of the family; the nest would grow bigger every year, chicks would hatch every spring, and unlike other birds which migrate and leave, they’d live there year in and year out. We found that to be a good metaphor for our own lives here.

Q. Why did you start this project in Korea?

At first, we just started the project because we missed good beer. There was no microbrew or local beer in Korea and the market is dominated by large commercial products with a serious lack of character. We thought that there must be other people looking for the same thing we were after.

We also want to work together with other microbreweries and we look forward to building the community and culture in Korea. We don’t think of them as competitors. When we look around, many of the businesses

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started by foreigners in Korea are introducing a product that’s already established, so there isn’t much work they have to do to truly learn more about Korean culture. But with Magpie, we’re introducing something that isn’t just a product; it’s a mindset, a culture, and a new way of doing things. So, just as much as we are bringing something new, we’re also learning a lot at the same time.

Q. How do you plan to differentiate your products and services compared to others?

We do really focus on the fact that the product is made in Korea and ultimately we want Korean consumers to try what we make. We try to use Korean ingredients whenever we can. Additionally, we’re not trying to explode onto the scene or grow too fast. We want to work with bar owners and event managers who get what we’re trying to do. Later, one of the things we want to do is match Korean food with our beer. Chi-maek [chicken & beer] is standard, but craft beer paired with good food according to different flavors—that’s never really been done before in this country.

Q. It seems like each of you has a really different character. Tell us about your team dynamic and how you work together.

I think the best part of our team is that we are so different. There’s no point working together only with people who think the same as you.

Aside from our personalities, we have all have different skills and we complement each other.

Q. What do you want Magpie and The Beer Store to be for people?

The Beer Store is not just a place for enjoying beer but also an experimental space like a laboratory. We want Magpie to be the hub of craft beer culture in Korea. www.magpiebrewing.com

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space

Decade Shop

Last month Decade Shop, a vintage style and imported menswear store, opened in Garosu-gil, Sinsa-dong. Owned and operated by two foreigners living here in Seoul, it sells high-quality clothing which has been carefully chosen according to their discerning fashion sensibilities.

Editor. Suesasha Joung Photographer. Dojin Choi

Decade Shop offers a carefully curated selection of brands ranging in style from rugged to refined in order to attire customers for any situation.

The product shop’s stock is made of the highest quality materials, with the caliber to become staples of your wardrobe for many seasons to come.

Growing up in America and Canada, the owners were introduced to quality garments at an early age. Instead of focusing on quantity, many North American companies believe in creating a closely based relationship between the design process and manufacturing; this is in order to keep everything local and quality-controlled. These products aren’t meant to be worn for one season, but are rather developed for practicality and longevity.

itself to customers. This is especially important for items that actually look better with age or need to be broken-in.

Decade Shop was started as an opportunity to become an ambassador of these brands’ ideals, “Buy less, buy better.” The owners feel extremely positive about being a part of the quality-menswear push in Korea. The goal is really to get people excited about their clothes—whether it be discovering differences in fabrics used in neckties or noticing a patina that changes colors on some leather brogues. To them, Decade Shop is a place for customers to realize that, with proper care, their timeless products will be loved for many years. www.decadeshop.co.kr

Many brands that Decade Shop stocks, such as Filson, Individualized Shirts, and Mark McNairy (produced by Sanders Co.), have all been making garments in the same manner for over fifty years in the same country where they originally began fabrication. Other brands available at the shop, including Wings+Horns, Makr Carry Goods, Monitaly, Post O’Alls, and Alexander Olch, follow a similar approach, despite having been founded more recently. Despite their relative youth, the latter brands aren’t designing progressively. They are instead modernizing traditional ideas by making slimmer silhouettes, using various patterns, and/or adding further details, all without sacrificing quality.

In addition to their inventory of new, seasonal products, the showroom features a unique collection of rare imported vintage items and accessories that is constantly being replenished. By offering both classic vintage and new versions of products, Decade Shop’s philosophy reveals

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3F Myungho Bldg, 540, Sinsa-dong, Gangnam-gu, Seoul, Korea

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project

WAYSOFSEEING

Here’s an interesting film project. Unlike other commercial films, this is a movement-like project where artists from all different genres get together to study and evolve.

Editor. Pearl Kim Image courtesy. Kimbo Kim

On 1 April, a unique film WAYSOFSEEING previewed at a café run by the artist group Sun-in-jang. This video project, directed by Kimbo Kim (who was introduced in ELOQUENCE’s April issue), is making headlines for some of its unconventional aspects; shooting at a real café and featuring the film’s producers as actors. The primary shooting location for the film—from which the project takes its name—is a café and project space run by the artist group Sun-in-jang. The project began here and is evolving here. The key factor of this project, however, is that it is created by artists coming from a variety of backgrounds, including fashion, hair and makeup, publishing, film and visual art. As a group, they are producing this film by studying the images together; all of them take part in the project to produce the film or act in the film. For all these reasons, WAYSOFSEEING is at the forefront of a new generation of contemporary film artists focused on creating experimental films based on comprehensive study of art and film simultaneously.

WAYSOFSEEING is a serial film made up of 10 episodes, each with a run time of 15 minutes. Although the episodes have themes specific to the plot lines unfolding therein, the whole series centers on the overall concept of ‘youth, art and dream,’ with the guiding vision for the project aimed at illustrating the passion of “young creators who follow their dreams, energy, life and agony.” Through the project, Kim takes advantage of the opportunity to reflect on his own past as a young artist who followed his dreams despite an unstable reality and a poor environment. He continues to fight this battle.

The story begins when an ordinary engineering student from the countryside named Jung-un starts working as a part-timer at

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WAYSOFSEEING café to earn some money for his tuition after being discharged from military service. He begins to assess his own life dreams while spending time with inspiring group of artists also employed at the café, a place that serves as their creative base.

As mentioned above, the actors featured in WAYSOFSEEING are played by their true-life counterparts. Therefore, in terms of acting skills, they may appear somewhat awkward upon first glance. However, this gives rise to a charming sense of naturalism in the film, their candid expressions and honest reactions giving the scenes an undeniable attraction. Kim hopes more artists will join in this project in the future, and in order to facilitate this, chose an ‘open scenario’ technique to allow for changes on-the-fly as more artists become involved and the direction of the project continues to evolve.

Cracker Lab, which is already well-known for producing many interesting projects, along with ELOQUENCE have signed on as main sponsors of the project. Through its official webpage, WAYSOFSEEING will inform the public of its upcoming online and offline activities. They will release a new episode via Youtube on the first day of every month, along with pertinent updates on the show’s progress. www.waysofseeing.net

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music

PROJECT OUTINGS

Project Outings create dance music parties that have their own unique touches and give the Korean clubber a taste of what lies below the surface.

Editor. Suesasha Joung Photographer. Najhin

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Q. Could you tell us a bit about Project Outings?

Project Outings is a booking platform dedicated to artists and venues in Korea. It presents a new way to entertain by staging a variety of dance music parties based on different concepts. We also book international acts, mostly focusing on independent electronic dance music labels around the world. We are striving to build a network between local and foreign talents.

Q. How did you two (Antoine Le Toumelin and Dambi Kim) meet one other and start this project together?

Antoine Le Toumelin: We met in Hongdae last summer when we were throwing separate parties at Bar EXIT—I was running Hear to Listen Here to Dance, and Dambi was running Discowave.

Dambi Kim: We heard about each other before we actually met, and we were very curious about who was behind these cool parties. We just naturally became friends.

introduced me to New Wave bands like New Order and The Cure; that’s when my taste in music started to branch out. These days I don’t like the idea of sticking to one genre. I discovered house music later, when I started going to clubs and festivals with my friends who were also throwing small parties. They are now DJs and producers in the French underground house music scene.

DK: The internet. I feel like I am already friends with all these incredible musicians around the world because I can always keep track of what’s going on with them over the internet. That’s how I got to know about this kind of dance music as well. I also listen to many different types of radio stations, podcasts, songs and mixtapes, ranging from classical, salsa, hip hop, blues to disco, techno and deep house presented by some of the most influential producers, DJs and radio hosts throughout the world.

While going through all these, I always find some fresh and amazing tunes ahead of anyone else. That’s when I feel extreme happiness. I just love this curiosity I have.

Q. What do you think about the club scene in Korea? Also what kind of dance music is hard to find in Seoul and how are you aiming to bring fresh sounds to the country?

It’s really dynamic in terms of the number of clubs. It seems like a new one opens every month, but at the same time it’s not very diverse or cultivated. Unfortunately many of them play similar music, have the same sort of design and concepts, which are heavily geared towards the mainstream audience. But we do believe the city has a lot of potential to grow, and we’d like to help cultivate the music subculture as party promoters. There are some great dance music DJs/producers who haven’t been introduced to Korea yet. We are trying to make connections with these international musicians and to throw parties with them in order to introduce them to the Korean dance music scene. We believe that as we present these good quality shows, more people will start being aware of them. Besides, this will also affect the young dance enthusiasts who will be responsible for the club scene in the future. As far as taking it to the next level, we would like to form a space for musicians, regardless of their nationality, to show what they’ve got and for different crowds to interact with each other and to look back on the good times they’ve had after the party.

Q. What is the purpose and mission of Project Outings?

Our aim is to cultivate a new scene and to educate people in the underground. We want to provide Seoul with a quality selection of artists/ DJs and create a new way to entertain the masses.

Q. Do you think Seoul is ready for the kind of music that you’re bringing?

Yes, Seoul is definitely a good place for the kind of party that we’d like to provide. We just need to get more people that are passionate about quality dance music parties to help us.

- On the way to work?

AL: Resident Advisor - Beats In Space podcasts.

DK: NTS radio, podcasts, anything longer that I don’t have to pay attention too much to change songs.

Q. What is Stranger Than Paradise?

Stranger Than Paradise is an electronic dance music party created by Project Outings, mostly influenced by the sounds of disco, house, funk and techno. It introduces people to something different from what they usually experience at Korean clubs. It offers a versatile selection of international artists and DJs, and establishes Seoul as a new destination for the contemporary club music scene.

Q. Who would you like to bring to the next Stranger Than Paradise?

There are so many! The first Stranger Than Paradise was a great success, and despite the fact that it rained like hell that night, we received very encouraging feedback from everyone. The featured DJ was Toshiya Kawasaki from Tokyo who runs the biggest house music party in Tokyo and heads Mule Musiq, Endless Flight and Let`s Get Lost.

The next Stranger Than Paradise party is in June, and will present the best in underground house and techno in the country.

Q. Who are the DJ/Artists that you work with in Korea?

Our favorite local DJs at the moment are the up-and-coming Seoulbased duo, the WEEKEND (MagicoToDisco and Antwork.) They are currently in production, so stay tuned!

Q. Who or what inspired you the most in terms of music?

AL: I grew up in France, and music was always a part of my life. Growing up, I worked in a music store where I could borrow as much music as I wanted. I was mostly influenced by ‘90s hip hop like Nas, Notorious BIG and NWA, as well as French rap. It was about that time that my sister

Q. What are your future projects?

Well, we’re working right now on the second Stranger Than Paradise for June. We also have some new projects, such as a monthly chill-out aperitif party on Fridays at Platoon Kunsthalle, and another free and easy house music party at Bar EXIT in Hongdae.

Q. What are your favorite songs …

- To wake up to?

AL: My Blackberry alarm ringtone, “Antelope” DK: KURT SLOAN & Uncle TNUC - “DEEP MOUNTAIN MEDITATION MIX” - In the shower?

AL: Prince - “You Got the Look” DK: Toni Toni Lee - “Elevate”

- At noraebang (karaoke)?

AL: Roy Orbison - “Only the Lonely” DK: Limp Bizkit - “Hotdog” - On a day off?

AL: Zapp and Roger - “Doo Wa Ditty (Blow That Thing)” DK: “The Powers that Be” - Remixed by Rayko - To make out to?

AL: Jodeci - “Come and Talk to Me (Hip Hop version)” DK: Late Nite Tuff Guy - “Hidden Disco Gems” Q. Who is your favorite artist at the moment?

A: Jimmy Edgar and his upcoming album Magenta, which will be released in May on Hotflush recordings.

D: Saschienne. They’re a romantic techno duo between Sascha Funke and his wife, singer Julienne Dessagne. They recently released their first EP on Kompakt.

Q. What is your favorite record label at the moment?

We’re looking to invite a young and promising label from Europe called ‘somethinksounds‘ who released music by artists like Lucky Paul and Eliphino last year. www.projectoutings.co.kr

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dance

DIFFER

Differ is a member of one Korea’s first B-boy crews, T.I.P. (Teamwork Is Perfect). He was part of the Korean B-boying scene’s rise on international stages, and witnessed the logic of brands’ and creative agencies’ obsession with this trend. ELOQUENCE met the B-boy legend to talk about the past and future of B-boying in Korea.

Editor. Udo Lee Photographer. Najhin

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Q. When did you start dancing?

I started dancing in my second year of middle school; I was 16 then. I didn’t know anything about B-boying. It was during a break time after a music lesson that three or four guys created space in the back of the room and began dancing. I had no idea what it was, but I wanted to try it as well. I wasn’t bad at sports, but dancing didn’t fit me well in the beginning. After that, however, we started dancing during every break we got at school. In every class there was a group of people like us, and when we got to our third year in school, we upgraded from dancing in the classroom to dancing in the hallway.

Q. Where did it go from there?

The better dancers from these hallway sessions teamed up and went out to competitions. There were small festivals by the Han River where we competed against teams from other schools. It was at one of those events that I met B-boy Eye, with whom I now dance at T.I.P. Crew.

Actually, we went to the same high school. He was a member of T.I.P. Crew then, and when I got closer with the crew, I thought more about what I wanted to do with my life. At that time, dancers were considered ‘bad guys;’ there wasn’t much respect for us out there. After middle school, I thought a lot about which path in life I should follow: dancing or studying? School was tight, so there wasn’t any time for practice. On the other hand, there was dancing. It was my life and I was young, so I told my parents and quit school.

Q. How did they react?

They slapped me, like in a TV drama! But what could they do? I just didn’t want to go back to school. But in a way, it was a fortunate decision.

Others went out to clubs and did bad things, but we did nothing but dance. I mean, we had to because our hyungs would give us shit otherwise. Around that time, I became a member of T.I.P. Crew. That really made a difference, and people respected me. We had a team, but we didn’t really have a studio.

Q. Where did you practice at that time?

We practiced at Hongdae Station. There was a spot where you could plug in your boombox. At that time, there wasn’t much access to music from abroad. So, using a tape recorder, we recorded music off a video tape we’d gotten hold of. Everything had to be quiet, and when somebody—like someone’s mum—opened the door while recording, we had to do it again. We always practiced to music from these tapes. Then, in 2000, we finally had a studio with speakers and everything. It was really nice.

Q. It seems that the environment you started in was quite limited.

How were you able to you make it from there to the international stages?

In 2001, the first Battle of the Year (BOTY) preliminaries were held in Korea. That was a big issue on the scene because, up until then, it had been almost unimaginable to go to an international battle. So some of the best dancers in Korea got a project team together combining members from different teams, and Visual Shock was born. The team won the ‘Best Show’ category with a fan dance. B-boy Eye called me immediately after they won to tell me what was going on. That was such a big thing in Korea.

Q. So that was the event which triggered the interest of the public?

That was the beginning. A Korean team had won the ‘Best Show’ title, but hadn’t won an international battle yet. In 2002, there were preliminaries for the UK B-Boy Championship. T.I.P. crew won that. But for the trip to the UK, a project team was put together again, Project Korea, which won the Championship. This title can be seen as the real starting point of B-boying on a big scale. Since then, Korea has held the image of good teamwork, ridiculous technical skills, etc.

Q. What were the reactions in Korea?

I have to admit I secretly hoped that journalists would be waiting for us at Incheon Airport, but when we got out, nobody was there! In my opinion, the street dance scene developed really, really fast—maybe too fast. Before there was even a proper scene, there was international recognition. B-boys would travel a lot and bring the latest fashion back from their trips—clothes, hats, etc. And with the internet, information

poured into the scene, which grew and grew. Korea won so many international championships that it caught the attention of big companies and their agencies. In their eyes, B-boying was the next big thing in Korea. And whenever a video was produced to promote Korea, B-boying had to be part of it, just like Yuna Kim is now.

Q. That’s interesting considering that only a few years earlier, the public image of street dancers wasn’t positive. What did you think about the development at that time?

In the beginning, it was good. We got a lot of requests to dance at events. But something happened along the way. The mainstream, including the companies and agencies, didn’t have any criteria from which to base opinion. To them, good dancers and bad dancers looked the same. All of them were just spinning around. So the companies didn’t understand why they should pay more money for the good crews. As a consequence, the level of dance fell more and more. B-boying was never given the time needed to be accepted as an art form. The situation abroad was different. There, the scenes were alive.

Q. What do you think is the reason for that?

One simple example is France, where (from what I have heard) there is a lot of funding to support the arts. Also, the audience is very educated; they respect artists when they see them. The same is true in the UK and Scandinavia. In Asian countries, like China and Korea, it’s much different.

Reactions were sparkling for a short time, but when the value for the companies sank, they didn’t invest anymore and moved on. Everything is short-lived, and people just want instant entertainment. They haven’t made an effort to understand B-boying as a culture.

Q. How did this affect the scene?

It went down. In the past, there were a lot of competitions each year, but now it’s hard to find even one. We are getting older and need to move on, earn money and develop the arts, but the support lines have been cut off. We still work hard to open new paths, create exchanges and make a living. Hip Hop culture originally began in the streets because there were no resources, like money, studios, etc. Today, it’s not a street dance anymore; it’s ‘studio dance.’ Not many people dance in the streets these days. As I said before, we have to make a living now, but when you want to professionalize and make a business out of it, you hear stuff like, “That’s not real. Why are you selling out?” from people within the hiphop culture. I think that’s stupid. The underground can only grow as long as the commercial aspect grows.

Q. What changes would you like to see then?

I would love to unify the scene, but the partitions are too rigid right now between the ‘underground’ people and the ones who think like me. But we can still communicate on the dance floor. I want to create a better environment for the next generation. They have so much more access to the necessary tools than we had. They are not poor. This generation cannot be forced to dance in the streets. They should know the roots and the history of what they are doing, but I don’t think it’s right to only recognize the old ways. It would be great if the next generation could dance—and make a good living doing it.

Q. How do you think that can be achieved?

We have to communicate more with people outside the B-boy culture. I am constantly thinking about it. For example, T.I.P. members are active in diverse environments; in the entertainment sector, universities, the media, etc. I would like to put together a show that brings together all the connections we’ve made so far. In the end, dance is one, and a good show can bring all that together.

Q. Each environment creates certain expectations. Isn’t is necessary to deal with these expectations as well?

Right. This is why we want to create a show which doesn’t conform to the stereotypical assumptions about B-boys. We want to include diverse elements so people can see the dance from a different perspective. This spring, we also want to go out to the streets, street dance and put on spontaneous workshops. Before, B-boys only danced. For me, even this interview is another form of what I do, and I want to put more effort in this direction—interviews, dialogue, music, education—to give people a deeper understanding of B-boy culture.

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brand

202 FACTORY

Bo-ram Lee is the designer of 202 Factory. She always delivers hope in her design, and that hope is the thing that makes 202 Factory unique.

Editor. Sungmi Yu Photographer. Najhin Images courtesy. 202 Factory

202 Factory Transparent Earring / 202 Factory Silverball Chain Ring

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2012 S/S Lookbook

Q. Please introduce your brand, 202 Factory.

It is a brand that makes handmade bags and accessories. 202 Factory was born for people who have a strong identity.

Q. When did 202 Factory begin?

We launched this brand in 2010, and we are now in our third season.

Q. I found a sentence on your homepage that describes 202 Factory as: “A conglomerate factory that produces fashion and art.” What does this mean?

It means that I want the company to produce many things. I want to keep working on personal projects, such as installations and illustrations.

Although I produce fashionable items to sell, I’d like to make them artistic as well. Accessories and bags are also categorized as fashion items.

Q. I heard that you majored in industrial arts in college. Is there any reason for you to choose accessories and bags?

The idea of designing accessories didn’t come overnight. It came to me naturally while majoring in industrial arts. I first came in contact with fashion when I was working as an editor for Kai-aakmann. From there, I started thinking about jobs in which I could use both my major and my knowledge of fashion. I came to the conclusion that I should start my own company, and 202 Factory was born.

Q. You don’t want to work and study at the same time?

I’m happy to do that for the time being, but I’d like to study abroad further. I’m not in any position to judge, but I think jewelry designs in other countries are more daring than Korean designs. It seems like both the designers and customers take to those unique designs more easily. I think that having that freedom helps designers when creating designs.

Q. What do you take into consideration when working on designs?

I always try to create something different. Also, the designs have to have the unique features of 202 Factory.

Q. Like the rope bag for instance?

Exactly. The rope bag is 202 Factory’s signature item. I feel sad to see the fake rope bags at Dongdaemun market that imitated our design though.

makes 202 Factory unique?

Our designs may look simple, but they are actually very unique. For instance, we find harmony in materials that seem like they don’t go well with each other, such as the rope bag. I enjoy mixing various materials because I used to use metal and textiles together when I was in college.

Q. Most of your items have sold out. You must be happy since they were made to be sold, but do you feel truly satisfied with the final designs?

Not really. I always start working on the next designs in the hopes of making better items.

Q. What kind of brand do you want 202 Factory to become?

Come to think of it, I’ve never thought about it before. I just take things step by step. I will have to think about it seriously this time!

Q. What is your plan for the rest of the year?

To extend our business abroad. We participated in Rooms Link in Tokyo, Japan last March. Simply put, it was a fashion fair. Rooms is a PR company that publicizes and distributes Japanese brands across Japan and introduces new, influential brands through the event. Since people working in the fashion industry get together from all across Asia, there’s a chance for us to extend our business abroad. Fortunately, 202 Factory received positive reactions. Rooms Link is held twice a year and we will be taking part in again in October.

Q. Good luck with your plan to go abroad. It seems like your brand has grown pretty fast over the last two years.

I think so. Most of my plans have worked out as I wanted them to. I have been lucky so far. I can’t forget about the help I’ve received from my friends, though. I’m very thankful to them and I am determined to work harder.

Q. What are your own goals, aside from those for 202 Factory?

My goals are the goals of 202 Factory. The theme for this season is ‘It Is Genuine.’ I came up with the theme because I felt unsatisfied about the desolate reality we live in. I’d like to regain my innocence and sincerity.

And I’d like to do my best because I love my work. www.202factory.co.kr

Q. If you look at it in a positive light, it could be a good thing since it means that 202 Factory’s design is distinctive. What do you think

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Transparent Simple Bracelet / Transparent Earring

Simply Silver Clutchbag (s)

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Chain Earring (dark grey) / Chain Bracelet

White Chain Swarovski Necklace

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art

Seung Pyo Hong Delicate etchings of mechanical machines from the first half of the 20th century are Seung Pyo Hongâ&#x20AC;&#x2122;s trademark. The artist explains what Goya has to do with Japanese Manga, what human organs and machines have in common, and the irony of organic food.

Editor. Udo Lee Photographer. Najhin Images courtesy. Seung Pyo Hong

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Metal Breathe / 2009

Man Without Shoes / 2009

Q. Your background is in printmaking. How did you get into it?

When I was in high school, I really liked Goya, Rembrandt and Dali—especially Goya’s and Rembrandt’s etchings and Dali’s lithography.

I saw these styles in my sister’s books (she’s a designer) and decided to study printmaking.

I examined a fish—the gills, the air bladder, the heart, etc.—and studied how everything worked. Then I tried to forget what the organs looked like and imagined how the functions could be reproduced by machines and computers. I’m not a scientist, so my knowledge is limited. I think that makes my machines look very retro. That’s my concept of machines: they have to work with steam. They’re not very advanced! Today’s machines are so varnished. If you look at the iPhone, you can’t see how it works.

Q. Do you mean analog printmaking?

Yes. In former times, printmaking was the most innovative technology of the day. Before that, there were only originals. But with printmaking, the idea of editions was possible—books and all that. What interests me is the process. When I run my paintings through a printmaking procedure, it becomes part of a mechanical process. Take photo etching for example; you expose a photo onto a steel plate.

Q. What exactly draws you into the work of Goya, Rembrandt and Dali?

I am fascinated with their drawing styles. Visually, it just looks good.

When you see Goya’s paintings, and especially the etchings, the lines are really contemporary; it’s unbelievable. Although they’re quite old, you can draw similarities between Goya’s drawings and Japanese Manga.

It’s surprising when I look at these works. They feel almost Asian in their style. Not many people are familiar with Goya’s etchings, and when I show them to people, they sometimes think they’re Japanese Manga art.

Q. In your work, there are a lot of machines, especially mechanical machines. Could you tell us a little about that?

When I was young, I spent the school holidays with my father, who owns a factory. He is actually really creative. He always tried to assemble new machines, blueprints. I think that is where my motivation comes from.

Q. So your father was an inventor?

Not really, but he had the spirit—the DIY [Do-It-Yourself] spirit!

Q. Though it may not be a conscious decision, do you feel naturally drawn to mechanical machines?

Before I decided to become an artist, I wanted to be a scientist.

Q. Not an engineer?

No, not an engineer, but a biologist. That’s a different story. I also always liked old machines and I liked to disassemble them to see how they worked.

That’s what comes through in my drawings. Sometimes I include parts of existing machines, and sometimes I come up with machines myself. I’ve seen so many types of machines. It’s a bit like inventing something.

Q. When I look at your paintings, I mostly see mechanical machines, but actually, there are old computers too. What exactly fascinates you about machines?

My paintings started with Charles Darwin. I was fascinated with the organic functions of humans and that got me thinking about how machines work like organs.

Q. Which organs?

All organs really, whether in humans or other animals. In the beginning,

Q. So, if I understand correctly, the ‘machine’ is a way to understand the ‘organic.’ Is it about creating a cyborg? What is the connection between them?

It’s actually quite tricky. Sometimes my machines don’t make any sense.

They’re kind of sarcastic in a way. What I believe is that, in the past, human evolution depended on natural conditions. Most animals kept depending on nature, while humans adjusted to it. Now, humans both create their environment and adjust to it. It’s like a circle. We make the environment; we change with the environment. So in my paintings, I create machines which are like organs and put figures in them. It’s like we live in the organs we made.

Q. Why can’t you see any reference to the ‘organic’ in your paintings then?

I want to avoid what people have done before. Have you seen images of heads in which a machine replaces the brain? That’s too obvious to me. I want to show people that we live in the environment which we made. So I don’t need the references to organs as my motivation for the invention of machines.

Q. When did you start to work on that series?

I started in 2008. My new works are kind of similar; there are so many machines in my head to be created. Well, it’s a bit of a different story, but I am developing it. My main story will be distorted. At the moment, I am working on an amusement park—or circus—series. Sometimes I wonder where that came from; it seems so far from what I’ve done before. But somehow it is connected. I also make sculptures now. I have so many blueprints that I’m working to put into practice.

Q. So you make sculptures from machine parts?

Yeah. I have one painting which called Sky Sounds, Engine Crawling (2011). It’s a sound installation which plays with engine sounds from airplanes. When I lived in London, I could hear airplane sounds all the time, and this mechanical sound had an effect on me.

Q. Since you mentioned the sounds of machines: What kind of music do you like?

It’s also a contradiction! I like German techno and classical music, especially Chopin.

Q. Is it like an analogy for you? Techno for the machines and classical music for the organic?

I don’t know; it’s just a coincidence I guess!

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Q. Does music influence your paintings?

No, I wouldn’t say so. My paintings are more conceptual. I have an idea and then look for a way to visualize it. But I love science fiction, especially older movies, like Fritz Lang’s Metropolis (1927). I didn’t know much about it, but it always hugely impacted me.

Q. Do you think it’s good or bad that we live in these mechanical environments?

I take it from a playful perspective. I cannot say it’s bad since I take advantage of machines by drawing them a lot. Also, I love to watch machines, for example at airports. My favorite airport is Nagoya because it has this huge observation deck from which you can see the airplanes.

And you can hear all these sounds from the different airplane motors.

Machines sometimes make our human way of life worse, but what can you do? My family likes to eat organic food, but I am a bit skeptical about that. It’s contradictory: people want to eat fresh stuff, and at the same

Q. What I find interesting is that your paintings look very clean, more like blueprints or construction plans. But somehow I always associate dirt with mechanical machines and their workings. Where is the dirt in your paintings?

A lot of people have this association between machines and dirt. For me, however, they are masterpieces of art. True art! It’s more about the principles of how it works, not about how dirty the surface looks. But I like irregularities that can derive from executing these drawings by hand.

Sometimes you make mistakes which turn out to be beneficial to the result. As I said before, my background is in printmaking, and I am a bit perfectionist. It’s like the old print makers who would look for the perfect print or perfect replica for an edition. But sometimes mistakes are good because they can elicit certain emotions.

Wireless Retina / 2010

Forest Express / 2011

Sky Sound, Engine Crawling / 2011

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time, they want to enjoy the advantages of technology. I am just playing the grounds in between.

Warm Absent / 2009

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studio visit

HackerSpace Seoul The sixteen members that make up this unique studio and creative incubator do things according to their own rules. This month, ELOQUENCE has a studio visit with Dan Mikesell and Jihyun Song, directors of HackerSpace Seoul.

Editor. Andy St. Louis Photographer. Hea-won Kim

ⓒNajhin Q. Please introduce yourselves: who are you and how do you each define HackerSpace Seoul?

Jihyun Song: I am a media artist, producer and festival organizer.

HackerSpace Seoul is a creative community where professionals from various fields come together to share knowledge, experience and the process of making. Our members include biologists, engineers, designers, architects, artists, professors and just people who are curious.

We are constantly meeting newcomers through HackerSpace Seoul’s regular open hours and workshops for the public at our current space in Euljiro, a hub for industrial materials and supplies in central Seoul.

Dan Mikesell: I came to Korea as part of the WCU (World Class University) grant with Hongik University, where I teach in the Digital Media Department. HackerSpace Seoul is a community of people who like to make stuff, do stuff, experiment or do any other crazy thing. In truth, HackerSpace Seoul is constantly changing and evolving—perhaps because of the fast-paced nature and continuous evolution of Seoul itself.

Q. What is the international hackerspace community like? How does HackerSpace Seoul stack up with hackerspaces elsewhere?

DM: There are hackerspaces all over the world, from large-scale groups with dozens of members to just a few people meeting at the local bar.

What really motivated me to start HackerSpace Seoul was the fact that there wasn’t anything like it here in Korea. That seemed like a shame, considering the easy access to electronics and supplies in Seoul.

HackerSpace Seoul is different from a lot of other hackerspaces, which typically have very independent people working on their own projects.

We get a lot of people asking us to collaborate, so we usually have several group projects going on at the same time.

JS: That’s part of our mission—to develop a creative community, rather

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than fostering only this sort of auteur-artist type. Also, it’s about providing a place for people who are sort of dissatisfied with their jobs and want to do something fun to be able to come and make stuff.

Q. When and how did HackerSpace Seoul begin?

DM: It started as an open community for creative people—or people who want to be creative. Actually, in the very beginning, I was teaching a summer workshop with WCU in 2010 about hacking and physical computing. Some of the students in the class were really interested in making a hackerspace, and it sort of took off from there.

Q. What do you mean by ‘physical computing?’

DM: It’s basically programming and electronics for creative minds. It’s engineering to a certain extent, but it’s not as mathematical; it’s a bit more artistic. With physical computing, you’re not necessarily looking for the optimal circuit or program—you want something that works and that does what you want it to do. It can be applied to objects, spatial environments, etc., so it has really exploded in the field of interaction design.

Q. How did your students get turned on to the idea of starting a hackerspace?

DM: I’m not really sure that they knew what it was, but I mentioned it and so we started out very small, just meeting informally. That’s how I met Jihyun.

JS: I actually wasn’t in his class, but I had a friend in his class who told me about the kinds of things he was doing. I was working at a broadcast company at the time, where I was importing a lot of documentary films about open-source and new media projects. The idea of starting a new movement based on creativity and collaboration really appealed to me

and the idea of a hackerspace seemed like a part of this new media movement. So a lot of us [other like-minded people] started talking about it and we decided that we needed to get a space—to stop talking about it and actually make it happen.

Q. How did you go about finding a space to get started?

JS: First we approached Moonji Cultural Institute, which is an alternative space. They support a lot of programming related to theory and practices, but they don’t really see a lot of output coming from their academic courses. We presented them with the hackerspace model—a lab available for people to use and create anything they want—and they were really supportive. Then we got another residency at Platoon Kunsthalle. They were really interested in the project and its potential for defining a sort of subculture, as well as the hackerspace process of operating outside the ‘system.’ Their concept of the residency space and our concept of hacking were a great match.

DM: The residencies—especially the one at Platoon—were really good for raising awareness about HackerSpace Seoul. We’re really grateful to Platoon for giving us a chance, because without them everything would have been much more difficult; even just finding people who are of a like mind and into what we’re doing.

Q. After the residencies, how did you make the transition to the more permanent space you have now?

DM: We basically said, “OK, if we want to continue as a hackerspace, we need to find a new space as soon as possible.” Especially with regard to the energy and momentum that we had by the end of the residencies—if we didn’t get something immediately, we knew people would start to get involved in their own lives again. So we went searching for someplace we could afford, which was tough.

JS: We got to the point where we realized that everything we had been looking at was too expensive. I knew a mechanic with a shop in Euljiro, so I asked if he knew of anything available in the area. He mentioned a place that was sitting empty that might work. It was much cheaper than the other places we were looking at, and the fact that it was in Euljiro was a huge plus. And now, here we are.

Q. Why Euljiro?

JS: When we were at Platoon, we would always stop by Euljiro to pick up materials—big, long, cumbersome stuff—and then we’d carry it on the subway or the bus or whatever, which was terrible. So it just made a lot more sense to rent a space in Euljiro itself. At first we really wanted to have our own expensive equipment here, like laser cutters and stuff like that. But in Euljiro, you just walk down the street for two minutes and ask a guy to do it for you.

DM: That was one downside of the residencies: we didn’t have any tools. After we started working in our space here in Euljiro though, we sort of realized—we don’t need any tools! Here, you can give someone a sample (or even a picture sometimes) and they’ll say, “Oh yeah, I can make that.”

Q. Are people here everyday?

JS: Yes. It all depends on people’s work schedules and when they have time to come in. We also have open hours on Wednesdays when anyone can sort of drop in and see what we’re doing.

Q. You must also get a lot of non-members into the space for the workshops you hold. What are the workshops usually like?

JS: Through the workshops we try to encourage people to familiarize themselves with the idea of hacking: disassemble an old product and find a way to create something new out of the parts. New ideas come from those activities, such as hacking disposable cameras or creating flash light projectors. We do them once or twice a month. The 3D printer workshop takes a whole day, since they have to build a whole printer each time. We have a two-day workshop about open-source video compositing and effects software that’s coming up, and we have a lot of shorter workshops that we do.

Q. What about the events and exhibitions you do outside the space?

JM: We need a venue to present our work.

DM: If you want to exhibit as an artist in Seoul, generally it costs you money. So we figure that if we show as a group then we have a certain ‘brand leverage.’ We can often get a budget, which means we can show our work and not necessarily have to pay for it ourselves. That makes all the difference.

Q. What are some of the major projects people are working on at HackerSpace Seoul these days?

DM: We’re biologically programming bacteria to produce a pigment when it is hit by light. Basically, we’re using it in a photographic process; we use a stencil and a light to create an image in bacteria. It’s not necessarily a new concept or process—it’s been done before—but our next step is producing other colors of pigments. To do this on a large scale, which is what we’re trying to do, we’re going to have to make a huge incubator where we can cultivate these huge petri dishes.

JS: A project we’re getting started on now that’s specific to Euljiro is mapping out all of our favorite places for sourcing materials and components. Many times, people who come to this area get so overwhelmed and they don’t even know where to start. We’d like people to be able to upload their own information as well and share their knowledge of the area.

DM: Also, because our members are very interested in learning about mass production processes, we are designing some HackerSpace Seoul products so the group can learn how to design, build and bring a product to market. We don’t currently have an industrial designer in our group, but that will change. www.hackerspaceseoul.com

Q. What would you say is the primary demographic of HackerSpace Seoul members?

DM: A lot of our members are people who use this space sort of as their workspace. The guys making 3D printers, for example—they’re here almost every day working on that project. We have another artist who uses this as his primary workspace, doing custom circuitry. For these people, it comes down to either working at home or working here, and so they like coming here since it gets them out of the house.

Q. Has your membership changed at all since HackerSpace Seoul started?

DM: In some ways, yes. We’re not as open in some ways—that being said, we are always looking for new members.

Q. What’s the process like to become a HackserSpace Seoul member?

DM: Imagine if you’re looking for a roommate; you have sort of ‘roommate interviews.’ It’s kind of the same thing here—we’re sharing a space together, so we want to know who you are, if we’re compatible, etc. The way I see it, if you can keep coming and you can get into what we’re doing, then clearly you’re ‘one of us,’ in a sense.

Floorplan, HackerSpace Seoul

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art

Yong-oh Kim Yong-oh Kimâ&#x20AC;&#x2122;s work is attractive because it delivers the fantasy of real stories using diverse colors and strong reinterpretations. ELOQUENCE met with this rising artist who is attracting public attention through his involvement with RUFXXXâ&#x20AC;&#x2122;s recent Padding Jacket Project, his book Seoul of the Dead (2012), and other eye-catching projects.

Editor. Linda Choi Photographer. Dojin Choi

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Deoksugung Palace / 2012 / digital

Freehug / 2012 / digital

Q. Please tell us about yourself.

My name is Yong-oh Kim. Ah, sometimes people mistake my name as ‘Young-oh Kim’ but my name is ‘Yong-oh Kim!’ I usually work in Seoul and I graduated from college this year. But I still feel hesitant to call myself an artist just yet.

across a minor individual exhibition. Although it was very small, I could feel the passion of the artist and I was overwhelmed by the atmosphere, so I wanted to hold an exhibition of my own, no matter the size of the space. That’s when I started drawing on canvas. Then, slowly, people started recognizing my work and I began working on projects with some of them.

Q. How did you become interested in illustration?

I’ve loved drawing pictures since I was a child, although they were more like scribbles back then. Later, I found inspiration from my friends who were drawing pictures, too. I have no intention to stick solely to illustration; I’m working on illustration because this is what I’m interested in now and what I’m good at, but I hope to branch out in the future.

Q. The style of your work is very distinctive, particularly the effect of dripping ink. Could you tell us a little about how you developed this unique style?

I like to draw detailed drawings using pencils. I kept drawing while I was serving in the army, but one day drawing seemed like a hard thing to do.

So I started trying new things that I had never done before, like using pen for my illustrations. At the time, I was reading the magazine Nylon and I came across a picture where the contrast of the background color and the model was really striking. The drawing I was making at that moment became the basis of my current style and completely changed my impression of color.

Q. Your first illustrations contain pictures of street fashion and it seems like you are interested in this field.

The reason why I started drawing street fashion illustrations was that I was strongly attracted to the individual character and fashion style of each person. I was inspired by the fashionable people who had a great sense of aesthetics. Personally, I’m very interested in clothes and fashion.

Q. You just graduated from college, but you have been doing a variety of events since 2009, such as exhibitions, collaborations, and publications.

I still have a long way to go. After completing my military service, I came

Q. Please tell us about your recently released book, Seoul of the Dead (2012).

The book was created through the SSE project which selects an artist and publishes a book once a month in the form of a limited-edition booklet and online platform. I was already interested in the project before, and I participated in it several times through concept books. I had been drawing some zombies and the director of the SSE project liked my work and so we started working together. I chose zombies because they are universal characters that transcend cultures. In addition, I like to naturally incorporate the fact that I’m a Seoulite into my illustrations because my work is affected by my own experiences. This was why I put zombies in the background of my drawings of Seoul. I try to tell stories about the feelings and situations people often come across in Seoul.

Q. It seems like I’m reading your personal diary when looking at your work because it contains pop culture, street fashion and your personal life (including vacations you’ve taken). How do you pick the subjects for your work?

I try to express the memorable moments of my everyday life or the things that have had a strong emotional impact on me. I also read magazines and seek out images to get inspiration, and traveling also inspires me.

I have been a curious person ever since I was young and I’ve always loved traveling around. I used to travel around town riding the bus and take strange paths that I’d never walked before. I set out on a short journey to Thailand when I was a college student and I really loved the new environment and the people I met there. Even after I came back to Korea, the memories kept lingering in my head and I ended up visiting Thailand again. The frustrations you feel in a strange place and the nagging feeling of isolation are parts of traveling that stimulate my imagination. I decided to illustrate my travels when I was recently in

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India. I went through all kinds of experiences there and I naturally started drawing my memories of that place after coming back to Korea.

Q. Are there any memorable episodes or art works that you created during your trips?

So many interesting things happened in India! I lost my passport and I spent 16 hours inside a bus. The most interesting drawings I made during the trip were the Himalayan trekkers and the camel safari.

Q. Do you have any new plans?

I’m planning to visit India again and stay there for about two months.

I’m also planning to visit Thailand and Malaysia. But other than that, I have no other specific plans yet. This is the beauty of traveling! I’d like to publish a travel book based on my drawings and sketches, not based

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on information and photos about the destinations themselves. I guess it should really be called an ‘illustrated book’ since there won’t be a lot of articles and it will be mainly drawings.

Q. What are your goals and dreams as an artist?

I’d like to make a travel film before my mid 30s! My final goal is to become an omnidirectional artist who expresses his own style using diverse forms of media. In order to do that, I should develop my own style first so that I can express my ideas in the form of movies and sculptures. www.infinitykyo.com

Jaisalmer / 2012 / digital

Mayabay / 2012 / digital

Truck / 2010 / digital

Gairivas / 2010 / digital

Kaosan / 2012 / digital

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art

Song Byeok Song Byeok is an artist that paints â&#x20AC;&#x2DC;freedom.â&#x20AC;&#x2122; He painted propaganda paintings for the North Korean government before fleeing to the South. Now he is painting pictures that indirectly depict the reality of the North Korean society that he wishes to change. He sat down for an interview with ELOQUENCE recently to talk about the world he is seeking and about his own personal history.

Editor. Suesasha Joung Photographer. Najhin Images courtesy. Song Byeok

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Q. As a painter from North Korea, can you tell us about your working life as an artist in South Korea?

I painted propaganda paintings for seven years in North Korea before fleeing to the South. That was an indescribable hardship for me. Many people starved to death and many families faced complete breakdown.

Our family almost disintegrated, too. We felt that we couldn’t live like that. So I made up my mind to cross the border into China with my father to get food. While we attempted to cross the river, he was killed and I was arrested by a security guard, and later put into a prison camp. I managed to arrive in South Korea in 2002, but not without overcoming many difficulties. I entered the College of Education at Kongju National University in 2003, where I studied Korean painting for four years.

Afterwards, I continued studying art and enrolled in a graduate program at Hongik University. While studying, I thought I should communicate with South Korean people by painting pictures that depicted the North Korean society’s past and present. After graduation, I firmed up my resolve and became absorbed in my work. I held my first solo exhibition at a gallery in Insa-dong in downtown Seoul in January 2011.

Q. How did people feel about your debut show?

I received a surprisingly enthusiastic response. I came under the spotlight as soon as I opened the exhibition. Even some people who hadn’t liked my work before applauded. Thanks to its success, I was able to hold another exhibition in Atlanta, USA earlier this year. After the exhibition in Atlanta, I realized that I should communicate with a wide range of people in foreign countries, as opposed to working solely in South Korea. As an artist, I now have a plan to deal with a variety of topics, such as human rights, freedom, peace and religious conflicts, rather than focusing only on inter-Korean issues.

Q. What is the main motif of your works?

I deal chiefly with human rights, the noble dignity of human beings and peace. Most people are just living day-to-day, oblivious to the preciousness of human dignity and freedom. I’d like to let them know how precious they are. I’m going to hold an exhibition in Washington in April and through this event I want to deliver a message that gives hope to those who’re living in despair, saying, “We all can live in hope and peace.”

Q. Your work Take off Your Clothes (2010), a satirical picture with Kim Jong-il’s face on Marilyn Monroe’s body, is impressive. Where did this satirical image stem from?

I came to know about Marilyn Monroe through a magazine when I was studying at graduate school. She’s sort of a symbol of freedom in the United States. Among the pictures of her famous face, I was most impressed by the picture showing an updraft from a subway grating lifting the hem of her dress. It dawned on me that it would be a good idea to draw North Korean leader Kim Jong-il’s face on her body. I drew Monroe first and then replaced her face with Kim’s. I showed the picture to curators of several galleries in South Korea to get their critiques.

But after seeing it, many people advised me not to put it on display. I received both friendly advice and harsh criticism for its straightforward manner. I didn’t take the criticism particularly well. I tore the painting to pieces when I got home. But I didn’t give up hope. I thought it through again and again. Perhaps I have artistic obstinacy. I started working on the same motif all over again and then drew a few goldfish. I decided not to listen to my critics and I put it on display at my first solo exhibition in Insa-dong.

Q. Then what do the goldfish stand for? What message did you want to deliver through Marilyn Monroe?

You know, North Korea is a closed society. When I arrived in South Korea, all the people here looked handsome and pretty. Everybody was happy and smiling, which I had seldom seen back in the North. Most North Koreans are dark-faced and short. They usually keep their heads down when walking on streets. Maybe because I grew up in such an environment, I felt as if I were an alien from another planet when I first arrived here. In the North, there are no fundamental freedoms, such as freedom of religion, freedom of art or freedom of expression. So I wanted to satirize the reclusive country by superimposing the face of Kim, who wanted to brush his closed society under the carpet, on the body of Monroe, a symbol of freedom. The goldfish symbolize the North Korean

people. Goldfish in their bowl believe that the space in which they’re moving about is the only universe. They symbolize North Koreans who have no idea what’s happening outside their country. Jumping fish stand for North Koreans who are crying for freedom and wanting desperately to deliver their message to the outside world. This is the background for Take off Your Clothes. This work laid the foundations for my visit to the United States.

Q. How do you express your utopian idea of ‘freedom’ through your works?

Many doves and butterflies appear in my paintings. I’ve often wondered why Korea is divided and why we live separately from each other, although we share common descent; why we have such a tragic legacy.

I used butterflies to symbolize the people who can’t come and go across the demilitarized line freely. I used doves to symbolize the North Korean people’s ardent wish for freedom and peace. I’ll continue to use these symbols to depict the situation in the North in my work, and I’m planning to introduce various techniques of Korean painting, as well as its inexhaustible power and pride, to people around the world.

Q. There is an enormous amount of courage in your work. Where does this come from?

I think that calling what I am do courageous is missing the point. My mother and younger sister starved to death in the North. I have nothing left there. There are really so many families like ours in the North. I wondered what I could do for those who died in dire circumstances. They must be watching me from heaven. What would they think if I produced only brilliant and beautiful pictures? That’s why I started painting pictures that would give the impression of courage. I hope that the people of the world will one day remember the artist named Song Byeok and take pride in him, saying to each other, “He engaged in such-and-such artistic activities.” I believe somebody should try to show some courage in this situation, and as an artist from the North, I think I should do the job.

Q. How was your art education in North Korea? Was it very different from the education you received in South Korea?

I never received regular art education when I was there. There’s no such thing as ‘early-childhood education’ in the North. Since I was young, I’ve loved art. Whenever I came back from school, I drew my mother and father, or my younger sister studying hard. I was recognized by neighbors and chosen later as a propaganda artist. Only after I arrived in South Korea did I begin receiving regular art education. Here, artists’ personalities stand out vividly through their works. But all the paintings look identical in the North, as if only one artist has drawn them. In the North, where there is no freedom, no artists can express their personality and ideas through their work. The most remarkable difference between the two Koreas lies in whether artists can express such diversity freely or not. For example, there’s no such thing as ‘nude figure drawing classes’ at art colleges in the North; only ‘figure drawing classes.’ Female models in swimsuits normally pose for art students there. So when I first enrolled in a nude figure drawing class in South Korea, I thought that a model in a swimsuit would come into the classroom. But I was stunned when a model walked in, took her clothes off and showed her naked body! My hands trembled and I had difficulty holding the pencil because it was the first time I had experienced something like that in my life! This is just one example of the tremendous differences between the two parts of the peninsula.

Q. We understand you painted propaganda pictures for Kim Il-sung in the North. Could you tell us a little bit more about this?

Propaganda paintings have distinct characteristics. An agency of creative artists makes poster samples first and sends them to the Workers Party’s Propaganda Department for approval. If approved, photocopies of the sample pictures are distributed to propaganda artists like me. Then we have to copy the pictures. Nobody can express their own personality, techniques, ideas, or messages in the propaganda paintings. At that time, we all believed that copying propaganda paintings was a way of genuine freedom and a duty we should fulfill.

Q. We hear that the hardship you experienced in the North inspired you. Could you give us one example in detail?

In the North, children are taught to get ready to liberate South Korea,

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where they believe people are starving and in rags. If you ask any of the North Korean children what they think of their peers in South Korea, you’d hear a stereotypical answer: “I wish I could bring South Korean children, who are starving and in rags, here as soon as possible so that they can play and study in the bosom of our general.” North Koreans believe they are really blessed. When seen from the outside, North Korean society is made up of big and small contradictions. I’m inspired endlessly whenever I see the contradictions, because I was completely blind to them when I was in the North.

Q. Where should the North give priority to if it wants to change?

Whether it is South or North Korea, or it’s capitalism or socialism, they exist for the people. Both capitalism and socialism are good, but only when the people are happy. In fact, socialist theories are very idealistic.

From a socialist point of view, the North Korean regime shouldn’t leave its people starving or suffering. But the reality is quite different. The North is always drilling their mantra into the people: we need to become a powerful and prosperous nation. The regime pours all its political and social energy into this propaganda. But the reality shows that everything runs counter to this slogan. Many people have a hard life. A basic human need is to fill up your stomach. But I suffered hunger with my family.

After I arrived in South Korea, I cooked rice using an electric cooker. But when I took that first scoop I thought of my mother and younger sister back in the North and I had difficulty eating it. When I was in the North, we couldn’t find food, so we boiled tree bark. But here in South Korea, I saw many female college students go on diets, even skipping meals.

I suffered hunger there, so I just sigh at the thought of this kind of thing going on here. Health is more important than anything else, isn’t it? I want to tell these students to go to and live in the North for just a month.

There would be no better diet program than this!

Q. Have you ever been threatened here because of your anti-North Korean sentiments?

No, I’ve never been threatened by anyone. But I once felt afraid that someone might be trying to kill me. On the opening day of my first solo exhibition, a young man carrying a bag watched me for quite a long time, pacing back and forth in front of the gallery. He ran away when I stared at him. Normally, I don’t feel obviously threatened. But I can’t help always feeling uneasy. I walked up the stairs to the studio for a photo shoot for ELOQUENCE. Maybe because of the location of the studio, on the top floor of this building, I suspected for a split second that your editor and photographer were agents from the North!

their 20s don’t know much about, nor take any interest in this. I want to talk about this through my work. As an artist I’d like to emphasize the national identity in a roundabout way.

Q. Didn’t you have any difficulty adapting to South Korea after fleeing the North? What was the most difficult part?

I’ve had no particular difficulty. But life was an ordeal because I missed my family in the North and I was very lonely. All North Korean defectors have such difficulties after they arrive here. This is probably because it’s hard for them to have opportunities to communicate with other people.

Q. You’ve experienced two quite different systems. What irrationality or contradiction have you found in South Korean society?

There’s too much freedom here! Sometimes, I suspect it has been abused. A defendant once shouted, “Long live Kim Jong-il!” during a court hearing. A person went on the rampage in a police station, wielding a knife and threatening to kill a police officer. Such things are hard to imagine in the North. Many people are dyeing their hair here, which is unacceptable there. Except for people’s extreme liberal ways of thought and behavior, I don’t think there’s any irregularity or contradiction in South Korea.

Q. What does eternal freedom mean to you?

I’ve failed to find an answer to that question so far. Eternal freedom should be discussed jointly between the audience and myself and it’s a matter that should be solved in the process of discussions between the audience and myself.

Q. Do you have any new projects coming up in the future?

I’m going to hold an exhibition in Washington in April, and then I’ll tour several American universities to give lectures there. My plan is to help resolve irregularities and stop religious oppressions conducted in the name of God around the world, as well as in North Korea. I want to ask why many women in some parts of the planet are kept from enjoying their human rights and taking pride in their beauty. I want to contribute to building a beautiful world where everybody is willingly to try to find solutions to such social and global issues. I’m also going to donate a certain percentage of the profits from my exhibitions to charitable causes.

I believe that, given everything I’ve experienced in my life, it’s the right thing to do. www.songbyeok.com

Q. Young people in South Korea don’t feel quite so connected to North Korea. What advice about the North would you like to give to South Koreans?

Though we live separately, Koreans share common descent. I hope they won’t lose this national identity. These days, young people forget about this. How many South Koreans pause and think they share common descent with their brethren in the North? Most South Korean people in

Desperate Wish / 2009

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Take Off Your Clothes / 2010

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Let Me Taste It

Long Live the DPRK / 2009

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Targeting / 2011

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art

Yong Ho Ji Yong Ho Ji is an artist who is living proof that the foundation of art comes from sincerity and effort. The creatures he creates with tough but malleable waste tires are almost like warped self-portraits.

Editor. Linda Choi Photographer. Najhin Images courtesy. Yong Ho Ji

Q. I heard that you visited New York before this interview. What brought you there?

I didnâ&#x20AC;&#x2122;t go there for any specific reason. New York is a familiar place for me because I went to graduate school there and it is a wonderful place to learn the trends of the global art industry. This last trip was my first visit in two years, so I just wanted to visit galleries and meet my friends.

Q. The moment I saw your artwork, the material caught my eye.

What gave you the idea to use old tires?

When I was a college student, I visited Europe and saw the works of Michelangelo and Rodin with my own eyes. I realized that I wouldnâ&#x20AC;&#x2122;t be able to make good works by using stones and soil, no matter how hard I might try, so I decided to try and find the most suitable material for my sculptures. I realized that the best material for my work was used tires, just like soil and stones are suitable for the work of other artists. In my work, which typically represents mutated or strong creatures, used tires are great for expressing soft but strong features, such as muscles. I like the texture of worn out tires and their black color. In fact, used tires are not easy materials to work with. I have all the tools and machines in my workroom to cut the tires, but even so, I sometimes hurt myself while working.

Q. I would imagine that you are well acquainted with the structure of animal heads, bodies and skeletons?

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Since it is hard to capture the movements of real animals, I usually learn their postures from anatomy books. I also spend time studying National Geographic programs and when I see impressive poses of animals, I pause the scene and draw them. In particular, the animals in my works are suspended in a state somewhere between attack and defense.

Q. You tend to choose species that often attack other animals; how do you select which animals to use as the basis for your works?

At first, I mainly chose carnivores that have strong images. But recently Iâ&#x20AC;&#x2122;ve become fascinated bysmaller animals that have evolved to survive by adapting to their environment. So now my selections are a bit more diverse.

Q. Do you see any changes in your work since the days when you began?

My artworks are in a constant process of change and evolution. For example, the Shark series (2007-2011) that I created in the early days is totally different from my most recent one. This is mainly the result of the changes in my working style. These days, I tend to work based on my senses rather than from specific plans. First, I create a huge drawing or a model and then find the most suitable tire for it. I enjoy creating works as the result of my feelings and improvisation in the moment. This is why some works end up turning into mutations in the end and totally different from the first drafts. Some animals turn into hybrid animals by mixing their features with humans.

Q. What would you like to express through your works?

I’d like to open my work up for interpretation and allow people to have their own thoughts. Some people just look at my works from one angle and say that they are huge and strong, while others interpret them in terms of their environmental and social spectrums.

Q. Could you tell us a bit about how you work?

I stick to the traditional method. I create frames inside and put on tires on them. I use industrial tires for bigger parts such as shoulders and chests, and for delicate parts I use bicycle tires. My works are huge, so when I was working in New York, I used to have a hard time carrying them. I had to move them from my workroom using the elevator, but it was only three meters wide, so back then I was forced to create the heads only.

Q. Your website reminds me of Darwin’s theory of evolution, wherein you introduce your works in a very didactic order: animal, hybrid animal and hybrid human.

Everything is evolving. The same goes for humans, animals, the environment and even my works. Ultimately, it is about humans. What’s interesting is that the audience tends to feel uncomfortable seeing mutated and distorted art works. This is why I use animals instead.

Q. Your recent work was your Human series, created in 2011. I’m curious to know your next theme. Do you have any particular projects in mind?

I made a lot of progress in the Human project. As a matter of fact, I have been working on that project since I was in college. I was in the process of adding and correcting the missing parts, and I learned and experienced a lot in the process. My current work is not entirely about me, however. As I age, the experiences I go though become part of my life, and I’m planning to ask fundamental questions about my future sculpture projects based on my experiences. I also try to use new materials to create picturesque sculptures at every chance I get. I can’t predict exactly how far my work has evolved, but I certainly feel that it has come quite a ways.

Q. Recently, you participated in the ‘Korean Eye’ exhibition in Abu Dhabi and elsewhere. How do you feel as a representative Korean artist in the global art industry?

In the Asian art market, China and Japan are considered as one market, but Korea has just started. I wasn’t actually involved directly in the Korean Eye exhibition; it was operated by the collector who owns some of my work. Of course, I’m very thankful and happy to hear that it was successful. I haven’t had chances to display in the European market so far, so I’m planning to hold exhibitions in Europe in the near future.

Q. Korean art hasn’t really expanded to the global stage, for the most part. What do you think is it about your work that makes it stand out?

There are certain steps one can take in order to exhibit, particularly through open recruitments and contact with commercial galleries both in Korea and abroad. In my case, some people expressed concerns because I hadn’t been verified by such steps at the time. However, I have doubts about the sincerity of the verification process. Today, many of these conventional processes have disappeared. I was lucky in terms of timing. But most importantly, you should be always ready to work, regardless of the routes that brought you recognition. This is why I always try to concentrate on my work. Sincerity is the necessary basic attitude of any artist. One of the hardest parts for artists is finance. In Korea, people have only just begun buying artists’ works. Before now, there haven’t been many ways or alternatives for artists to make stable earnings. Of course, artists have to keep their balances between the commercial route and non-commercial route. By all means, if I can, I’d like to show young artists that they can live wonderful lives as artists.

Q. What are your dreams or goals as an artist?

I’d like to go all the way as an artist. I’m not sure how far I can go, but I’d like to become a ‘great artist.’ The notion of a ‘great artist’ has changed since I started working, though; I guess a great artist may be a person who can entertain people even when he has aged. www.yonghoji.com

ANTI ANTI6

Buffalo 1 / 2010 / stainless steel, used tire

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For. Elk 1 / 2008 / used tire, wood, steel, styrofoam

Lion Woman 1 / 2007 / used tire, synthetic resin

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Jackal Man 1 / 2007 / used tire, synthetic resin

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Bull Man 3 / 2009 / used tire, synthetic resin

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Man 1 / 2011 / used tire, synthetic resin, steel

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photography

CYJO

Fine art photographer CYJO (Cindy Hwang) migrated from a life in New York City and a job in the fashion industry to Beijing, China, where she has lived and worked as an artist since 2009. Her work examines notions of identity and beauty, from both Eastern and Western perspectives, a process she navigates with particular interest by virtue of her own identity as a Korean American. Her portrait series KYOPO (2004-2009) is currently on view at the National Portrait Gallery in Washington, D.C. through October 14, 2012 as a part of the exhibition â&#x20AC;&#x2DC;Portraiture Now: Asian American Portraits of Encounter.â&#x20AC;&#x2122; Editor. Andy St. Louis Writer. Alyssa Perry Images courtesy. CYJO

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Q. You were originally a fashion stylist in NYC. Why did you make the transition into art?

I didn’t see styling as a career choice for the future; I felt I could make more of an impact using photography as a medium rather than fabric.

My exposure to professional photography was through the photo shoots I worked on when I was a stylist, so the transition from fashion to photography was a natural one for me—what I’ve learned about creating a collection has been applied to creating a photo series or body of work.

Q. How have your artistic practices and areas of creative inquiry been affected by your prior jobs in fashion and publishing?

Many experiences—including working in the fashion industry—have influenced my work. I spent a few years working with the international editions of ELLE magazine, and the Asian and Western editions sometimes had distinct differences in beauty. There were bronzing product advertisements in the Western editions and whitening product advertisements in the Asian ones. But what seemed to be the ongoing trend was the concerted effort people were making to improve their appearance in order to create better opportunities for their future, especially in Asia. I was intrigued by how cultures and individuals define beauty, and how we succumb to it.

Q. Did you see a lot of differences in the interpretations of beauty in the industry?

There are obvious natural traits in beauty that are specific to individual cultures, but they’re sometimes overshadowed by manipulated traits of beauty. We are surrounded by so many images of beauty—in advertisements, music videos, fashion, etc.—it makes you wonder how deeply they penetrate society. How much can you resist conforming to what society dictates as beautiful? Or, do you want to?

Q. I guess these were all factors that went into the development of your Beauty series (2010). Can you explain the creative process behind the series and how you were able to create those images?

Beauty examines specific female facial characteristics through diptychs (2 images) and quadriptychs (4 images). Each quadriptych has two models, one Western and one Asian. Two of the four images show the models’ original portraits, while the other two images are digitally manipulated so that each model shares the original trait of the other. For example, in Beauty 01 (2010) these manipulated portraits depict Asian models with double eyelids and Western models without them. This allows the viewer to digest these reversed characteristics and determine if they perceive beauty more so in the original or in the manipulated portrait.

Q. Is this an ongoing series?

Yes. Beauty 02 (2012) examines the nose structures of Asian and Western models. Beauty 03 is currently in production, showcasing the structure of the eyelash, and there will be others to follow.

Q. KYOPO (2004-2009) is a project about identities of Korean ethnicity. But is there more to it? It seems to be more developed across a variety of media than your other projects.

In 2004, I wanted to create a product that encased Korean culture and contemporary issues because I there weren’t any photography books at the time on the topic. Growing up in a community that wasn’t primarily Asian, I was also curious to see how others identified themselves who shared the same ancestry. The project turned out to be more than just an exploration of Korean and American identity; it embodied issues that included adoption, being mixed race, generational and familial pressures, transnationalism, Asians in politics, Asians in entertainment, etc. The project also reflects on an identity beyond race or culture—the evolution of culture and the individual. It questions how tradition is preserved, how modernity is embraced, and how both are transformed.

Q. What is Kyopo?

I grew up being called Kyopo by native Koreans I met either in Seoul or through relatives that visited the States. I’ve always defined it as a neutral Korean word describing an individual of Korean ancestry that lives outside of the Korean Peninsula.

Q. Did you relate to your Korean-identity a lot when you were growing up?

Not really. My mother wanted me to integrate with others in this country [USA], so I never fully integrated with many Asian-centric clubs or groups growing up. That was the mentality I grew up with, so I was unsure what the outcome of this project would be. I definitely felt more grounded after completing this project; the exposure to other stories, individuals and experiences has been nourishing.

Q. How did you approach the notion of Kyopo from an artist’s perspective?

The individuals I photographed were all documented in the same location and under the same setting, not addressing scale but rather giving equal attention to each individual. Within a constant compositional structure, it becomes easier to differentiate between individuals. All this is comes together as a collective portrait, presented in book form, KYOPO (2011), published by Umbrage Editions in NYC. Q. You have an event for KYOPO coming up on 18 May at the National Portrait Gallery. What is that all about?

KYOPO: Multiplicity (2012) is a multimedia expression (music, dance and projection) of the KYOPO photographic project, investigating how Asian culture and traditions survive, expand and evolve abroad. A 60-minute music composition in seven movements (which incorporate voices of select Kyopos in different languages) will be played by a live chamber orchestra. A modern dance company will be dancing to some segments of the piece, and large-scale projections—some over 50 feet tall—will compliment the piece.

Q. What was behind your decision to include music within the context of KYOPO? The music addresses philosophical issues concerning language and nationality; it opens a debate to the understanding of a culture through music and how languages such as the ‘mother tongue’ facilitate a subjective understanding of creativity. The instruments that make up the orchestra—including the gayageum, dizi and erhu, as well as violin, bass clarinet, flute, etc. - reflect the multitude of cultures that define KYOPO. Q. Continuing with the theme of identity, what inspired you to photograph multi-racial families for your Mixed Blood series (2010)?

Many of my friends are from different countries or ancestries and have mixed children, so that is part of my reality and part of my community.

There are so many parents now that want to ensure the utmost success for their children. Having a global mindset, exposure to other cultures and the ability to speak other languages are some of the keys to their success. I feel this behavior of parents wanting their children to be more engaged and aware of other cultures is indicative of how our priorities are changing.

Q. What exactly is it that you think is changing?

The idea of culture as being something homogenous, for example; our physical identities and our DNA. You can even see this in Korea, where immigrants from Southeast Asia and other countries are marrying into Korean families, giving rise to a new mixed generation.

Q. Let’s talk about your still and video project, Substructure (2010).

Substructure is another project on migration, although in this case it’s internal migration within a country. Substructure is a portrait series that documents 50 Chinese migrants, from five to eighty years old. Each individual’s portrait is captured via both still and moving images, using a static and highly detailed photo in contrast with raw video footage of kinesthetic hand gestures. The photos reveal each subject’s character, conveyed through the texture and anatomy of their hands. The videos visually document the interview process, conveyed through their hand gestures which form an expression of their memories and opinions of China’s future. The project was created in collaboration with Compassion for Migrant Children, an NGO that helps provide free education to migrant children at community centers throughout China and elsewhere.

Q. The titles of your other works are literal and straightforward— what’s the reason behind the enigmatic title for this series?

Substructure is the supporting part of the structure, the foundation.

It made sense to use this title, since Chinese migrant workers are instrumental and vital to China’s development.

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Q. What drew you to this particular topic?

Living in Beijing brought a whole new meaning to the definition of a migrant worker. China is home to around 250 million internal migrants; living in Beijing, a developing city of around 20 million people, migrant workers are a very present part of the social fabric. What struck me was the acute disparity in socioeconomic levels in Beijing, which are much more extreme than what I’ve experienced in the USA. Because of the hukou system (China’s official documentation system), people who migrate to other parts of the country don’t receive the same benefits as other citizens who are from the area. Although they lack healthcare, education and housing benefits, many still migrate to help improve their life. Migrant workers are some of the hardest working individuals in society.

places other than their hometown, anonymous portraits of their hands were used to make the interview process more comfortable.

Q. Tell us about the overall motivation behind your work in general.

A lot of my work stems from personal experiences that embody interconnected themes of identity, migration, development and globalization. In order to execute a piece, there needs to be a cerebral connection with the topic so that the roots of the story can be fleshed out and investigated. It’s not about providing answers, but sharing perspectives and asking questions that raise awareness of our environment and of ourselves. www.cyjo.net

Q. The mode of presentation is different from your other work. What was the motivation?

Because the subjects are not officially supposed to be residing in other

Beauty 01 East Diptych / 2010

Beauty 01 West Diptych / 2010

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Substructure No 20 / 2010

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KYOPO Collective / 2004-2009

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Malco Kim Art Director

Born 1971 in Seoul - Moved to the U.S. in 1990 – Grew up in Seoul and NYC – Lives in NYC When I first came to america, I brought two pieces of luggage and nothing else. I was a deliveryman and took any jobs that paid me money. I had tuberculosis in 2000, was hospitalized for one year and was living off of McDonald’s coupons. I didn’t want to bother my parents, and so they didn’t know. I didn’t ask for money from anybody.

Identity is not about race, but about life. It’s more about a Buddhist experience – understanding your sufferings, your desires, your ideals. Whether you’re ‘successful’ or not,

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there’s some sort of agenda or problem to solve within each of us. And the continuous effort you have to put forth for daily survival is something that everyone has to go through.

I’ve been living the past four years traveling a lot abroad in Europe, living there more than 6 months every year. I’ve gained a global citizenship where it’s about living together for the future, not for the past. This has been my main agenda for a long time now.

Linda Choe Vestergaard Architect

Born 1979 in Seoul – Adopted and moved to Denmark in 1979 – Grew up in Ingstrup, Tjele - Lives in Copenhagen At 6months old, I was adopted along with my other two identical triplet sisters by my parents who are Danish farmers.

An internship brought me to America where I met my first non-adopted Korean friend who introduced me to the Korean culture. This experience fueled my desire to learn more about my ethnic roots.

It is assumed by many in my Danish community that Koreans living there are adopted since there isn’t a large Korean community. And so I had little exposure to the Korean culture

prior to my internship.

When we were young, my mother stitched colored marks in our clothing to tell us apart, yellow for me, red for my 2nd sister and blue for my 3rd sister. Today, my ‘red-sister’ is a cook working in London. And my ‘blue-sister’ is a project coordinator for a train company in Denmark, mother and wife. Although we’re identical triplets, we have non-identical lives whose special bond resonates despite our differences.

My wish is to be connected to the Korean culture as well as I have with the Danish culture.

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video

RECANDPLAY

This Seoul-based video-oriented music blog (or music-oriented video blog, you choose) is one to watch, particularly for those people who like their music (or video) honest and uncut. With an archive of videos stretching back to 2009 and collaborations with 20 bands already under their belt, the humble quintet behind RECANDPLAY’s operations—Yeonju Jung, Achim Koh, Joonki Min, Churl Gwon and Jinkwon Choe—continue to contribute to the development of Seoul’s indie music scene with every new video they release.

Editor. Andy St. Louis Images courtesy. RECANDPLAY

ⓒNajhin

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Q. How did RECANDPLAY get started? What was the inspiration for the project?

Yeonju Jeong: I was looking through some European blogs that were making ‘take away show’ videos with bands and I thought it was interesting.

Q. What does ‘take away show’ mean?

Achim Koh: It’s the name of the first famous series of this kind of video— taking bands outside in the street and doing songs in one session—by a French blog called La Blogothèque.

Q. I see. So what was the next step in the process of moving forward from that point?

YJ: I thought maybe we could do it in Korea and I started talking to Achim about it. This was back in summer 2009. One of Achim’s other friends, Jinkwon, had seen the French blog as well and was thinking the same thing as I. So, by pure coincidence, Achim had two friends both talking about making a Korean version. Churl had been friends with Jinkwon for a long time—they were in the same film club and they’ve been working together on and off on some film projects—so he was involved from the very beginning as well. There were four of us initially.

Q. How did Joonki get involved?

Joonki Min: I stumbled upon a link to the RECANDPLAY website via one of my friends’ blogs. I was aware of some other Korean blogs that were doing similar things, but RECANDPLAY was the one that really caught my interest. So I emailed them, and that same night they called me and asked to meet up the following day. That’s how I became part of the project.

Q. So the idea for this project took root in summer 2009. When did you make your first video?

AK: November 2009. It was an expat band called Bridget and the Puppycats.

Q. How did that shoot come together, in terms of selecting the band and the location?

YJ: We wanted to do everything acoustic and they play with an acoustic setup: guitar, melodica, violin, etc. I had seen them play in Hongdae a few times before and I had a mutual friend with one of their members, so it was relatively easy to hook up with them.

Churl Gwon: More than anything, we learned that the underpass where the shoot took place was going to be demolished to make room to expand the subway station. So we wanted to kind of document the history of that little spot.

Q. Is that typical for your videos? Is documenting a location just as important as the music?

AK: In that case, it wasn’t really to document the history of that place.

It was more to commemorate it a little bit. Every location is different, though. Sometimes we choose a spot simply because it looks nice, or maybe the musicians want to do it in a particular spot. Personally, I think the idea of doing a music performance and recording it in a place which is not designed for that kind of thing—it’s about changing the context of it. We don’t do it every time we make a video, but it’s one part of what we do.

Q. How do you deal with the different situations that develop with the public when you are out shooting? Do you do anything to keep bystanders or pedestrians out of the frame of each shot?

AK: We never do that. We don’t really like to control the people walking around while we’re shooting.

YJ: We put as much emphasis on the scenery as we do on the music, and the people who happen to be in the places we shoot are a part of that scenery. So we try to capture it.

AK: There was one day when we were shooting in Insadong, with a lot of people around…

YJ: …and we got in a bit of trouble. The guys who sell ggultarae [Korean court dessert made of 16,000 strings of honey] didn’t like us making noise in front of their carts, so they told us to stop. But then one of the people on the street who was watching us didn’t want us to stop and

she started arguing with the ggultarae sellers. We didn’t want to be the cause of trouble, so we just left.We didn’t want to be the cause of trouble but the shoot went on for another few minutes nevertheless and we had some of their ggultarae afterwards—good stuff.

Q. What would you say is the biggest challenge that you have to deal with on a regular basis?

YJ: There are so many locations that we want to use for the videos, but much fewer bands that we want to work with—and bands that we like, at the same time. That’s the biggest difficulty we have.

Q. Why do you think RECANDPLAY has been able to continue for so long? What is it about the videos that makes them so interesting?

YJ: I think the selection of the bands is one thing. We try to pick bands that haven’t been introduced to many people.

AK: We took the kind of standard ‘one take/handheld’ style of shooting, but our videos still look pretty different from the European blogs that inspired us. The most important thing for us is the content; the musicians and the locations.

Q. Let’s talk about the defining visual aesthetic of the videos and your ‘one take/handheld’ approach to cinematography; has that always been your trademark, or was it something that you developed over time?

YJ: Well, that was the standard style for the other blogs that we were looking at before we started making our own videos. We’ve always had just one camera. From time to time we’ll have a second camera, but in those cases it’s just a static shot; no real camera work. I think it works the best with the whole concept of these blogs, and particularly for us—always trying to shoot bands in unexpected places.

CG: It also kind of optimizes the process. It’s a pain in the ass to edit too much footage. With one take, it’s as simple as that.

Q. Your website is also very straightforward. Did you apply sort of the same philosophy to the web design?

CG: We gathered to discuss the website design and we all kind of disliked the idea of having a complicated website. Our concept is based on a simple news article.

Q. I’m surprised you say that, actually. To me, the write-ups you post with each video on the website are the opposite of ‘news articles.’ Why did you choose not to do interviews or profiles of the bands?

YJ: Our videos aren’t only about the bands; they’re also about the happenings that take place while we’re shooting. We think about each video as an ‘episode.’ Achim even takes notes during each shoot so he can write a kind of story about the day.

AK: At first, we tried to do some profiling and interviews after each shoot, but that requires so much preparation and follow-up work. We decided that it was too much to do for something that was just a fun project.

Q. Even though it’s a ‘fun project’ for you, RECANDPLAY seems to have made a very positive impact on the Seoul underground music scene. How do you perceive RECANDPLAY’s role in the larger indie music scene in Seoul?

AK: I think it’s more of a fun thing for us; not necessarily for the scene.

We’re doing this for fun and it just happens to play a very small role in the scene.

YJ: In the beginning, we sort of shared an ambition to be able to contribute a little bit to the scene, but I don’t really think we’re doing anything particularly new or significantly influential in Seoul, though we do try to look for and introduce bands that have not been given enough attention they deserve. We have our style, and some people appreciate that, and the fact that we’ve been doing this for a little while—that’s reason enough to continue. www.recandplay.net

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Artist: Russian Red Date: 14 June 2011 Location: Bukchon Hanok Village

Artist: 404 Date: 30 October 2011 Location: Banpo Hangang Park

Artist: SuriSuri MahaSuri Date: 13 June 2010 Location: Jeongneung

Artist: Chris Garneau Date: 22 October 2010 Location: Bomun Market

Artist: Lasse Lindh Date: 15 December 2009 Location: Club Overground, Hongdae

Artist. 10cm Date. 23 December 2009 Location. Seoul bus #273

Artist: Jeong Mina Date: 5 January 2010 Location: Jeong Minaâ&#x20AC;&#x2122;s room, Yunnam-dong

Artist: Trampauline Date: 13 September 2010 Location: Taxi stand, Sagan-dong

Artist: Siwa Date: 5 March 2010 Location: Oksu Hangang Park

Artist: Hirasakana Oyogu Date: 11 July 2010 Location: Seongmisan

Artist: amature amplifier Date: 25 November 2009 Location: Mangwon Detention Reservoir

Artist: Bridget and the Puppycats Date: 15 November 2009 Location: Seogyo Underpass

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art

THE WA

An exclusive artist who unfolds his ideas to large public sphere, The Wa, has shared his words with ELOQUENCE. Editor. Suesasha Joung Images courtesy. The Wa

ⓒTimo Stamberger

Q. Could you please introduce yourself to our readers?

Hi, I´m The Wa. I’m French and have been living in Germany since 2007.

I have always played in the urban environment, starting to skateboard around the age of eight and then later doing graffiti. Those activities allowed me to travel and helped me to develop a passionate relationship of both love and hate with the urban environment. What I’m doing these days is interacting with the city, using it as a stage where I can share some of my thoughts, discover new cultures, new signs, and new ways of life. I express myself using allegories and metaphors, mostly using the process of diversion (using an image that already exists but changing its context in order to give it a new sense) in order to encourage dialogue.

Q. You mentioned that you did skateboarding and graffiti in your earlier days. In what ways have these things shaped you as an artist?

Skateboarding made me see the city from a different angle. I always looked for new spots with my friends. At certain points, we knew the city really well. We spent our days discovering and looking for new things to do. But skateboarding wasn’t really welcomed by the authorities. So from the beginning, there was some tension between the police and ourselves. Once you become a teenager, you start to search for your identity, and so I began to think that graffiti was the right thing for me to do. But after some years of using the city as a canvas, I realized that I could develop something that would speak about the city rather than merely push my name out there. Seeing all of the disease that a suffering

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urban landscape can bring about made me want to react, but I have never been one to throw stones. So I decided to initiate a discussion between the city and myself, and to hopefully share it with others; not using the city as just a way to get from point A to point B, but as a place that belongs to the citizens who live there.

Q. Most of your works are installed in the public sphere. Is there a special reason why you chose those large public spaces over galleries and museums?

Despite all the efforts by the authorities to hide what one could call this ‘social disease,’ it still exists, and therefore I feel the need to react.

The more you get to know the city, the more you will be amazed by the direction that urbanism is taking nowadays. In a cynical way, I would say that it is an endless source of inspiration. Maybe the reason why most of my work is outside is because it is the place where I feel the most inspired. When you deal with museums and galleries, it’s a completely different world; a new rhetoric and a more specific audience. I’ve done exhibitions, but only when I have something to say about that specific context. I’ve never considered art as a way for making money, but rather as a way of life. Don’t get me wrong—I have nothing against people who live by making money from their art, but I don’t really understand why some people make art to make money.

Q. So how do you continue to fund your projects?

I just do. I’d rather do a shit paid job to fill my fridge than frame my work

in order to make it sellable. I’m pretty stuck in the definition of art made by the Fluxus artist Robert Filliou: “Art is what makes life more interesting than art.” He wasn’t the richest artist of his period, but his life was full of freedom and great stories, and I kind of like his style!

Q. What motivates you to continue taking to the streets and sharing your talents with the world?

The reason why I am spreading my work is because I hope that can I have a shot at making people want to do the same! That’s the reason to work in this environment. No matter what scale you work at, ‘the act is the beauty,’ from Untergunthe from Paris (who repaired the clock of the Panthéon without permission), to the random guy who writes his thoughts on the toilet wall of a bar. Any kind of reactions are important for stimulating dialogue between people.

Q. What is the most important rule for you to obey when you are using the city as a stage?

I don’t think there are rules for that. I spontaneously find my way by using images that people can read because they already recognize them. I find that the best way that my work can be understood is to use images that most people are already familiar with, as well as placing existing images in a new contexts so as to give them a fresh perspective. Installing a new work is always a new experience. I always like to use new materials and try my best to find the right form to share a thought, without being limited to a single medium. Then when it is time to install it, I enjoy every second of it! I love the uncertainty when you don’t know if it’s going to work and wondering if the cat will catch you!

Q. You have frequently collaborated with other artists. What aspect of this do you enjoy the most?

This probably won’t be the best of answers, but I actually don’t know! I work when I feel like doing it, but along the way you meet people and through sharing a different position with them you may be led to an idea that you might develop and later bring to completion. I have never collaborated because I wanted to ‘do something in collaboration with …’

The act of collaboration has always been spontaneous and fresh. All of those actions or projects have a special flavor and it is nice to share that with someone. Even before considering the collaboration, exchanging ideas with different people also influences my work. Exchange in general is important; it helps to not become ‘socially autistic.’

Zapping / 2008 / Shanghai / Collaboration with Jerome Fino

Q. Among your many collaborations with so many diverse artists, which one stands out in your mind?

That is a really hard question; it’s a little bit like “Who do you prefer: your son or your daughter?” All of those actions were so special and unique!

But a funny one was a work I did in Shanghai with Jérome Fino in the local subway system. I went to China for the first time in 2006, and when I took the subway I was shocked. Every wagon was packed with TV screens that were looping advertisements. Those screens interrupted my journeys so I found out how to switch them off. Jérome is a video artist and in 2007 when he came to Berlin he started filming some of my actions. I really liked his style and we got along super well with each other. So we came up with this idea to go to China for a month to see what came out of it. Once we were in Shanghai, I showed him that we could switch off the TV screens in the wagon, and then we started to think about what to do with it. We had five days to do something with it and trust me, during those days we didn’t see much of the Shanghai skyline! We spent our days trying to find every single way to play with the system. First, I switched off the TV screens in the wagon, which was easy and obvious. Then we tried to do an intervention in the subway stations themselves, which wasn’t that easy because those screens were bigger and made the whole thing even more obvious! At one point, we also found a way to switch off the TV screens protected by a metal box without using the normal switch; we made a video of it and on our last day in Shanghai we managed to screen it on a TV in a subway station.

After that action, I ran away whilst Jérome kept on filming and then we met again later that day. I think that was the best beer we have ever had!

Q. Where do you get most of your inspiration from?

Everywhere! From the dumbest blog to some tough experience from travelling. Once again, there is no specific lane in my way of executing work. It comes when it has to come.

Q. Do you have anything new in the pipeline?

I always have a lot of things on going, but I must admit to you that I’m superstitious and bit paranoid, so I’m sorry but I never talk about it before it’s done! But don’t worry I keep things updated! www.the-wabsite.com

Zapping / 2008 / Shanghai / Collaboration with Jerome Fino

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Gift / 2011 / Berlin

Kindergarden / 2010 / Shanghai

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Playground / 2011 / Marseille

Sous Les Pave / 2011 / Stockholm

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Revolution / 2010 / Biarritz

Different Techniques / 2011 / Torino

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Parking / 2011 / Biarritz

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photography

Bill Wadman

New York City-based photographer Bill Wadman, who earned acclaim for his portrait photography in 2007 with his project 365 Portraits, changed things up in his recent Motion series (2010). The result, painterly images of dancers expressing themselves with their bodies, presents a stark contrast to Wadmanâ&#x20AC;&#x2122;s previous work and demonstrates the range of what this remarkable photographer is capable of.

Editor. Andy St. Louis Writer. Zack Cluley Images courtesy. Bill Wadman

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Q. How would you describe yourself?

I’m an editorial portrait photographer, for the most part. I do a lot of work for magazines. I started shooting professionally in 2008, and before that, I was an art director in advertising for about seven years. I don’t have a formal education in photography, but I learn quickly.

Q. When did you pick up your first camera?

I bought a Pentax K1000 back in 2000 and got my first digital SLR in 2004. I didn’t really get serious about photography until about 2007, when I completed a project called 365 Portraits in which I shot one portrait every day for a year. It wasn’t always the same shot, so at the end of the project, I had 365 unique pictures of different subjects.

Q. Were they all models, or were you asking friends to come in?

They were all regular people. The majority of them were individuals who came forward and volunteered to be photographed. I put out a call for subjects and by the end of the year I had a 2000-person subject pool. Of course, within the project there were a number of friends and family members that I included, as well as a select group of people—heroes of mine—who I’d asked to be a part of it. I shot astronaut Buzz Aldrin, English singer/songwriter Imogen Heap, scientists, authors ... all kinds of people. By the end of it, I had a huge wealth of images to pull from for my portfolio, in addition to having met an incredible number of people along the way.

Q. How were you able to manage your time and keep up with the pace of the project? Was it tough?

Yeah, it was exhausting and awful. It was a full-time job. Every day, I had to choose a subject, meet with them, take the picture and post it on the website before I went to bed. Those were the rules. If I got sick with food poisoning, I still had to shoot. If someone canceled at the last minute, I still had to shoot.

It was hectic, but it’s a lot like running a marathon: once you get in a rhythm, you feel like you can go on forever.

Q. Your recent project Motion (2010) has gained a lot of attention as well. Where did the idea for that project come from?

Well, the original idea came from a lecture I attended that was hosted by an organization called PAI [Photography and Imaging], which is mostly made up of older, experienced photographers who give talks and present some of their notable work and projects. It’s fascinating because these people—most of whom have been around since the ‘50s and ‘60s—have captured ideas that a lot of younger, ‘avant-garde’ artists are, in reality, just rehashing. At this particular lecture, Marvin Newman showed a picture he took sometime in the ‘50s or ‘60s when he was a photographer for Sports Illustrated. The picture was of a boxer punching across the frame; Newman was trying to capture the speed and motion of the saturated red glove as it moved with the boxer’s punch. He used this old, slow film and it completely blurred and smeared the glove’s red color across the whole shot. It inspired me and got me thinking that it would be challenging and interesting to do an entire series on people in motion.

Q. How did you come to the decision to use dance as the focus of the series?

One day I had a friend—a dancer from a famous dance company in New York—come over to my studio. I simply set up a light above her and started doing some long exposures. The results were really interesting; using a constant light source instead of flash or strobe changed the whole dynamic for the subjects. With dancers, usually the more they move and the more kinetic their movements, the more energy they impart to the spectator. In this case, however, the more energetic they were—the faster they moved—the less energy came out in the picture. The photograph sort of inverted their usual approach. It was only the places where they were still or moved slowly that they showed up in the image.

Q. How did you get the dancers to change their approach?

It wasn’t easy for them to adjust. I ended up shooting nine dancers, and it took all of them a good 10 or 15 minutes before they figured it out. In the beginning, I’d basically open the shutter and say, “Okay, so what do you feel like doing? What kind of motion do you feel like making?” Very rarely did those end up being the final shots, but they definitely opened us up to the point where we could start grinding out what worked and what didn’t. One technique I made use of was showing them where the edges and corners of the frame were, and saying, “Fill that box. Move in such a way that you are

covering all of that territory.” That seemed to help the dancers structure what they were doing. I also decided to shoot tethered, which meant I could take a picture and show them what was happening in the image right away on my laptop.

Q. So there was sort of a constant back-and-forth between you and each dancer? What was it like trying to direct that process?

Most of the magic was just in the moment—it was impossible to really formulate or direct what I wanted to get out of the image. Even if I had tried to get the same shot over and over again, it’s impossible to perfectly recreate the same picture twice with such long exposure time. I was shooting at f/8 or f/11 for 3 or 4 seconds per photo, so the dancers really had to pause to get the light to grab onto them. For example, there’s a photo where the subject keeps her feet in one spot but moves her head around [Motion #32 (2010)]. It shows just how sensitive the process was; her head gets lost in all the motion and her flesh ends up looking like ribbons. It’s incredible.

Q. In what ways were you forced to change your own approach to photography when shooting the Motion series?

I found it really intriguing because it was so different from the work I’d been doing. It was much more experimental; more about embracing chaos and abstraction and having the images feel as much like paintings as photographs. There’s another picture that looks like there’s a mass of people dancing together [Motion #8 (2010)]. It was still only one person, sort of dancing with herself, but you end up seeing over 12 feet in the picture. It ended up being one of my favorites because it looks like a wild mosh pit. So much dance photography consists of static shots (a girl jumping in the air, for example) where the dancer is caught in the moment. For me, the Motion series portrays the true spirit of dancers, capturing the intrinsic nature of what they dedicate their lives to—moving.

Q. What things do you always keep in mind when shooting people—not just for the Motion series, but in your portraits and other work as well?

Its all about energy and interaction with the subject. I’m the kind of photographer—especially when I’m shooting people—that even if the light isn’t absolutely right, I’d rather keep the attention of my subject and maintain that momentum than stop shooting and get the lighting perfect. The flip side, of course, is that sometimes I end up doing a lot of extra post-processing.

Q. Do you typically spend a lot of time doing post-processing?

Yeah, I do a lot of post. I’ll take 100 pictures or so, filter it down to 50, then 20, then 10, then 5, and then I’ll pick the couple that I think are really good and open them up in Photoshop and start playing with things. I like to focus on local adjustments to each section of the photo, piece by piece. Sometimes my photos will end up having a bit of that HDR [High Dynamic Range] kind of look, but not to the point of being egregious. It ends up looking more painterly than anything.

Q. That sounds like a lot of time.

I don’t like when it becomes too easy. There’s all the stuff with the phones nowadays, Instagram and Hipstamatic for example, and while I think it is impressive and interesting, I don’t want to be just pressing a button to make a picture. There’s more craft in what I’m trying to do. It’s funny, I’ll show my nonphotographer friends a photo on my phone and they’ll be like, “Oh! You took that with your iPhone?” and I’ll say, “No, this was $10,000 worth of equipment and 17 hours of work.”

Q. What kinds of things do you usually say to people when they ask you for advice on photography?

Don’t ever stop. Even when you don’t feel like shooting, shoot. The tricky thing about creativity is, it really is a muscle and it’s something that needs to be constantly exercised. My friends ask me why I shoot everyday, and I tell them, “It’s like getting on a treadmill; my version of creative cardio.” When you look at pictures by great photographers, yeah, there are 50 amazing worldclass pictures there. But what you don’t see are the 50,000 shots they had to take in order to get those 50. Not every picture you take is going to be worldclass. The trick is to keep refining your work so that your average keeps improving over time. The result is that, like your average, your breakaways will continue to improve as well. www.billwadman.com

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Motion #32 / 2010

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Motion #8 / 2010

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Motion #26 / 2010

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Motion #3 / 2010

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Motion #17 / 2010

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Motion #19 / 2010

art

KRIS KUKSI

When looking at Kris Kuksi’s artwork, viewers are overwhelmed by his exquisite detail and magnificently grotesque moods. ELOQUENCE interviewed him about his work distinct style, which transforms the traditional genres of painting, drawing, and sculpture.

Editor. Giseok Cho Images courtesy. Kris Kuksi

Q. Could you please tell us a bit about yourself?

I like the unusual things in life, but I also have a deep love for beauty and harmony. I hate celery and cilantro, but love broccoli and pears. I am from a small town in the middle of America, but I have the world in my sights. I try to understand the viewpoints of people from all over the world but never favor one political, philosophical or religious view over the other. I seek to be a man of the world without ever losing touch with where I came from. I knew I would always be an artist from as far back as I could remember, although I knew I wanted to do other things in life to sate my curiosity. And lastly, I try not to take myself too seriously.

Q. When looking at your work, the overwhelming feeling one gets is their grotesque nature. Are there any particular experiences that led you to this style?

I come from a broken home and saw a lot of people in my life fall into substance abuse and divorce, yet I never felt it defined who I was. I am drawn to the grotesque because of its accompanying elements of fantasy and mystery, which has more to do with my curiosity than anything clearly defined in my past. For me, this realm just suits what I am interested in, and I think my viewers love the mystery.

Q. You’ve worked with such themes as Greek mythology, the Bible and the authorities. What drew you to depict these kinds of themes?

These themes relate to basic human traits and qualities. They are age-old and timeless—archetypes. However, I love to augment these narratives with additional micro-sized stories that entertain the viewer

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and allow them to make up and continue the tale. That’s part of the mystery that I like to add to keep it fun for the viewer.

Q. In all your series and their concepts, you seem to be really good at expressing your own creative world. Do you have your own perspective on the world and on art?

I try to look at man as a game of halves. Mankind is half good, half evil.

Half awake, half asleep. Half aware, half oblivious, etc. With regard to my work, one may find a feeling of power and authority—or even royalty—yet, there is a darker humor present that signifies our faults and mistakes. This is what breaks down each scene to a level where we are all revealed to be the same. And there is a distinction we always forget; the human mind is set apart from nature. Fortunately, there are artists here to constantly remind us that we cannot just delete what is natural and the inevitable evolution that results from it.

Q. What do your artworks mean to you?

They are the extension of my mind and creativity. They help to translate the ‘loudness’ or the ‘noise’ of what is within that needs to be expressed.

It is raw emotion, yet blanketed with a refined touch and dramatic appeal.

Often it feels like it is one of the only reasons I am here—to get this out and to influence others.

Q. How did you decide to become an artist, particularly a sculptor?

I never chose art; it chose me. I wanted to be a painter for the most part.

However, through college I realized I was a builder more than anything.

Q. What are the most important aspects of your sculptural practice?

I never try to approach sculpture as a process, but rather a new journey each time. Symmetry is important, however, balance is the most critical in terms of visual needs. And when it comes time to finish a sculpture, it is all about eliminating all the boring areas and replacing them with things of interest.

anatomy. I just loved to draw portraits of people I knew, although texture is really what I loved most about drawing—making a harsh tool such as a pencil deliver a very smooth surface. It takes patience, and it can’t be done too quickly. When it comes to painting, I drew a lot of influence from the Symbolists of the 1900s, as well as a few modern artists, such as Ernst Fuchs and H.R. Giger. And lastly, my sculpture is a blend of the Baroque period with the modern world. It is my attempt to bring the old and the new world together; the flow and grace of the Baroque saturated with the rigidity of the modern world within one balanced composition.

Q. Do you have a set work pattern that you use when starting a new piece?

Beginning something new is the biggest challenge. It is never the same, although I know it is very important to be in a fresh state of mind. Time is the most critical part of it all. Time is always my enemy, and I find that I just enjoy building things and don’t always like having to finish something for the sake of finishing it.

Q. What is the most interesting theme or motif in your work these days?

I’ve always liked mythology because it seems to tie everything together from religion to politics, and point to the core of humanity—revealing the things that make us do what we do and narrating the lessons learned.

Mythology is always a great storyteller because it helps us decide what we should do when faced with certain situations.

Q. What is your favorite piece among your recent work?

That is a hard question because every work is a favorite. However, I’d say Ode to Herculaneum (2011) because the entire process of working on it just flowed so effortlessly and it truly felt like it was something divine.

It basically started from the center and went outward. It just sort of grew and grew with each element that I added. I used parts from things I had collected from as far away as Brussels so it had significance with parts being from Europe, a part of the world that is very close to my heart.

Q. How do you usually spend time outside the studio?

I love to collect and watch documentaries on all kinds of subjects. It’s just my way of absorbing knowledge and getting inspired to work. I enjoy my time with my family, my wife and son and step-daughter always seem to help remind me that it isn’t always about what’s inside my head, and it just helps me to escape the studio if things there get too heavy!

I never felt completely satisfied only painting or drawing. There was something else picking at me, and it was sculpture.

Q. Do you have any new projects?

I do—many in fact. I just finished a large solo show. It was an exciting journey to put that show together, but all things must come to an end.

The next piece will have the bust of Abraham Lincoln in it, so I’m very excited to have something referring to American history.

Q. You have worked in various different genres including drawing, painting, and sculpture. What were the characteristics of each genre and are there other areas that you want to work in?

As far as drawing goes, I was influenced by the old masters and

Q. Do you have any plans to bring your work to Asia?

I have yet to go to any part of Asia, but I’m really looking forward to my first visit, no matter at what capacity. Plus, I can’t wait to go shopping and buy up that part of the world’s trinkets.

Q. What is your goal as an artist?

To reach as much of the world as possible and to share my views on humanity and existence. I also want to have my work in museums and to live an enriched life. www.kuksi.com

Delphyne / 2011 / white charcoal

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The Evidence of Tyranny / 2011 / 31” x 41” x 13” / mixed media assemblage

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Ode to Herculaneum / 2011 / 17.5” x 22 x 6.5” / mixed media assemblage

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Retreat of Daphne / 2011 / 21” x 27” x 8” / mixed media assemblage

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83 A Herotic Abduction / 2010 / 19.5” x 31” x 9” / mixed media assemblage

multimedia

BAIYON

Baiyon, Wet Side, Descanso Records. Tomohisa Kuramitsu has created many aliases to coordinate the different projects he is working on. The Kyotobased multimedia artist is a special case because he brings together what in the minds of many are complete opposites. The sweaty sensation of a club night and the immersive experience of video gaming.

Editor. Udo Lee Images courtesy. Baiyon

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Q. You are working in many different fields, and received a lot of attention for a game project that combines abstract graphical landscapes with elaborated sound design, PixelJunk Eden. The success of Eden led to the extension pack Encore and you are working on a new title, PixelJunk 4am. How does this project relate to your previous experiences?

I believe that a very important issue with games is showing due respect to different cultures in context and how one brings that respect into the game. This brings a fresh feeling to the gameplay as well as a new sensation, a new experience. I am very happy when lots of people get enjoyment from this in a game. I have taken a lot of ideas for PixelJunk 4am from one facet of my creative output, that of DJ/artist and the live performances that I undertake in this regard. The initial development of 4am was carried out under the title lifelike. After Eden Encore came out, we received a lot of requests from people wanting us to release the soundtrack of the game. Back then we thought it might be nice to package the Encore soundtrack with an interactive visualizer. As this project began to take shape, we soon felt that the visualizer was lacking something and this led us to investigate the idea of a game where the user creates their own music. So when we were developing this idea, I did a live demonstration of this concept at the Q-Games office. When we were setting up for the live performance, I was explaining to the developers how fun it can be to just have some sound loops swapping in and out—the same principle for building up the vibe on a techno or house track. This is how the gameplay for 4am slowly revealed itself.

Q. I often read that for you 4am is a romantic time in the club. What do you mean by that?

I think if you are a fan of techno and house and you have a great night at a good club, you’ll agree with this sentiment. This is a very laid-back, romantic time of night. In recent years, I feel that the most important theme that has been running through my work is LOVE. I feel the most love when dancing to house music just before the break of dawn, that instant when you are sharing a special moment with strangers. It is really difficult to explain to someone that hasn’t experienced it, but this is the feeling that we have tried to infuse into the PixelJunk 4am experience.

Q. How does the user interaction work, how can users get creative?

The user controls four tracks: Bass, Drum, Synth and Rhythm. Up to 4 loops can be set for each track. Using the MOVE controller, you can bring in loops, switch things around, mute certain tracks, etc. On each track we have something called 1shot, which can be used to introduce various sounds by moving the MOVE controller up/down or left/right. Also these sounds can be layered one on top of the other with dubbing. The effects can be added to make your own unique melodic style and flow. All the while FFT-controlled visuals are being displayed onscreen and they

will follow any changes in the music. It is difficult to do by design, but every now and again it feels like you are painting with sound, which is a really strange and interesting experience.

Q. 4am allows users to stream the experience in real time. What is that about?

As I mentioned before, with 4am we focused on the live performance aspect. Your performance on 4am is automatically streamed to every PS3 that’s connected to the PSN, worldwide. Also, on the bottom of the visualizer screen there is an indicator that shows if someone is watching your performance. The audience can give you kudos for a good performance. You can also use your viewer to watch other live performances and give kudos to those performers in turn. In order to reach as large an audience as possible, we will be making the 4am Live Viewer available free of charge to anyone connected to the PSN, so that you can watch performances for free. So if you watch a few performances and then feel like giving it a go yourself, all you need do is purchase the full version of PixelJunk 4am and a MOVE controller.

Q. I am curious about how you approached the Playstation Move Controller. Did you think more from the developer’s or more from the user’s perspective?

The decision to go with the MOVE controller was taken by Dylan Cuthbert at Q-Games. However, when we started to plan 4am as a visualize back in the initial stages of the project, I was adamant that there should be no interface on screen. So in this regard, the MOVE controller is the optimal solution. We have developed what we call the virtual audio canvas, which works in three-dimensional space. The sphere on the end of the MOVE controller changes color to show the user the track they are controlling at that time. The movement of twisting the MOVE controller like a screwdriver is used to control the filter effects.

Q. You once said in an interview that games are at the intersection of two different fields you worked in for a long time, graphics and music. What do you think is the experience surplus games can provide, but other media cannot?

Well other media also carry a host of possibilities. Firstly, the one thing I can say for sure is “I enjoy games myself,” which helps make games special for me. The other thing that makes games unique for me is that you, the user, acts as the central character. This is a hard thing to pull off in film or music. The thing we make in a game, a story where you take the lead role, can be played by many millions of people. It doesn’t get any more thrilling than that for an artist.

Q. Do you see a fundamental difference in game design from Japan, Korea, the US or Europe?

PixelJunk™ 4am © 2012 Q-Games,Ltd.

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I don’t feel there is such a big difference. In Korea MMORPG are really popular and they have free wifi everywhere you go over there. When I was in Seoul I noticed that on trains young people would use wifi to chat with each other, it made me think of a game that we could base around this phenomenon. Wifi in Japan has become more prevalent, but we are not at this level yet.

Q. Your games are conceptually different from other games. What are in your opinion the most important elements of a good game?

Hmmm… that’s a good question. I’d like to know myself. [laughs] What’s most important to me are original visuals, sound, experiences and gameplay.

There also has to be a lot of respect for all the cultures and contexts represented in the game. Or to put it another way, the game needs LOVE. Q. The term “Indie Games” sometimes carries not so favourable implications. Is it important for you, how the games you are codeveloping are labeled as?

I think of our games as indie games. However, when I began developing games I had no idea as to the difference between an indie game and a triple-A title. [laughs] I think I understand it now, but back then I didn’t and I think from a user perspective in way they don’t care, be it indie or a “major” title I believe people are looking for a fresh experience.

Q. You run a label, design games, produce and dj music and do graphic design. The Club and Game Developer Conferences… Is that representative for Baiyon’s personality?

Yes. My work always has a very personal aspect to it. The theme that

prevails throughout my work is taking personal experiences and then amplifying it so that many people can share in it. So the material for my work often comes from a very deeply personal place and this forms the hidden core of much of what I do. For example, let’s take something like ‘my love for my family’. People have their own deep feelings towards their own parents, so somehow it is easy for all of us to share this feeling of love for one’s family. That’s why this is an easy message to get across.

The releases on my record label Descanso are currently projects where I have directly contributed, and this includes a lot of collaborations with people and friends that my work has brought me into contact with over the years. Naturally, my work is also affected by the seasons, the temperature and my mood at the time. So, let’s say there are several tracks that I’m working on during the cold winter months and I don’t manage to finish them. Spring comes and it starts to warm up. The tracks I started in winter are deeper than the warmer spring weather, so I need to take my spirit back to when it was cold in order to finish these tracks. But this often impossible to do. Well what happens is that the tracks turn out to be completely different to how I imagined them starting out, but that’s OK. Q. Producing electronic music and producing games must involve a quite different workflows. Which one do you enjoy more, the lonely decision-making power as a computer musician or the teamworkheavy process of producing a game?

I like both of them. Both process are about possibilities. I intend to spent the rest of my life searching out the possibilities in both these areas. www.baiyon.com

PixelJunk™ Eden / 2009 / Q-Games, Ltd.

PixelJunk™ Eden / 2009 / Q-Games, Ltd.

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line drawing

The Botanical Garden

by Junghee Lim

What can you see in the botanical garden? Junghee Lim enjoys the feast of various botanical shapes.

The diversity of flowers and the shaped of their faces inspire her and she expresses what she sees in passionate illustrations on paper. Stamen and pistil dance to attract each other; leaves sparkle with energy. Now then, letâ&#x20AC;&#x2122;s go into her botanical garden together.

Editor. Snil Yom

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MYTHICAL TORSO

BELL&NOUVEAU x hong min chul x Dojin Choi

A special collaboration project has been prepared for this month’s issue. BELL&NOUVEAU, famous for their avant-garde art based on Greek sculptures, teamed up with hair & makeup artist Hong Min Chul and 5pointz art space’s photographer Dojin Choi for a special fashion shoot with ELOQUENCE.

Editor. Giseok Cho Photographer. Dojin Choi Photo assistant. Byungjin Kong Hair & Make up. Hong Min Chul Hair & Make up assistant. Kim Min Ji Model. Anna Styling. BELL&NOUVEAU Assistant. Gijung Shin

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BELL&NOUVEAU

ⓒDojhin Choi

Q. Please tell us about BELL&NOUVEAU briefly.

BELL&NOUVEAU is an abbreviation of La belle époque (“a good era”) and Art Nouveau (“new art”). We started working on objet d’art under these concepts to try to create a new genre of art in this era. Since we are a duo of artists, we abbreviate our name to BELL&NOUVEAU. We are trying to express haute couture with new meanings under the motto of ‘Let special people wear special objects.’

Q. Please tell us about the process of creating your objets d’art.

I usually buy old-fashioned jewelry and antique metal materials because I get inspired by them even without sketching them. Sometimes I make an objet thinking about the celebrities who would look good with it, other times I think about the shape of an objet that could be used for an album jacket and have a strong impact. The materials that are useless in other places become something special for us.

Q. What motivated you to launch BELL&NOUVEAU? I used to collect vintage clothes and I realized that I had too many of them at home by the time I graduated from school. After graduation, I opened a store/workroom on Garosu-gil and started selling unique vintage clothing. Nouveau was my online friend; he liked my shop and my work and he suggested running a business together. I decided to work with him because I have a similar working pattern as his. Partnering up with Nouveau made my working style more abundant, resulting in us being able to move to our current shop after only three months after together.

Q. What did you do before opening this shop?

I was a graduate student majoring in fashion design. Nouveau majored in fine art and he came back from finishing his military service. Both of us wanted to work on our own art projects where we could express our personalities rather than working for a company.

Q. What inspires you when you create objets d’art?

I like products with the artisan spirit. I was interested in unique things.

Although I majored in fashion, I always headed toward art. Nouveau tended to seek fashion in fine art. We joined each of our tastes based on our love of vintage elements and created the objet, which is the combination of fashion and art.

Q. There must have been some interesting episodes that you experienced whilst working together.

A hat that Big Bang’s TOP wore was worn by many other celebrities as well, and some sections of the media even put it to a vote to choose the person who would look best in the hat. Also, a Japanese man who runs a fashion school in Japan paid a visit to our shop in search for the hat and he even suggested opening a branch store in Japan.

Q. Objets d’art are not for ordinary people. So who are your main customers?

Our major customers are idol stars and celebrities. We lend or sell our products to them for their special looks. Then there are tourists and fans who often by the objet that has been used by celebrities. Also, unique but popular lines of products are often bought by young people, artists or foreigners. The other day, an editor working in Britain bought some objet gloves and a necklace and wore them in Britain at a Martin Margiella party. They received some good reactions from people, including some designers at Givenchy. If we keep getting good reactions abroad, so we’d like to extend our brand overseas.

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Q. What is your hobby? What do you do during your spare time?

I usually take a nap and relax because I’m always tired since I’m working at the shop all day long, every day. Both of use love eating and we cook something delicious when we have time. We especially love traditional Korean food and we often visit famous restaurants across the country.

Q. Can you tell us anything about some of your ongoing projects or new works?

I’m working on changing the interior of our display to look like a gallery.

Many people visit our shop to do film shoots for weddings. In order to fulfill their needs, I’m trying to turn our shop into a gallery focusing on the concept of ‘black & white.’ We are also planning to expand our shop through systematic preparation.

Q. Is there any project you would like to attempt in the future?

I’d like to make a brand that can make its debut in the world collections.

I hope our brand can become a colorful brand through a variety of collaboration works with other fashion brands. For now, we offer customized products for idol groups and Korean customers’ tastes, but we’d like to create products that can express our uniqueness.

Q. What are BELL&NOUVEAU’s goals?

We dream of contributing to our society. I hope BELL&NOUVEAU we can earn enough success to be able found a scholarship foundation and help people who don’t have money to learn art. www.bellnouveau.com

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art

Michael Ostermann

Twenty year-old Austrian illustrator Michael Ostermann has been creating gloomy, grotesque and unusual digital art images for several years. This time, ELOQUENCE found him experimenting with surrealist concepts, and always striving to improve his work.

Editor. Linda Choi Images courtesy. Michael Ostermann

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ANTI ANTI 6 / 2011 / digital illustration

Chimaera 7 / 2012 / digital illustration

Q. Please introduce yourself to our readers.

My name is Michael Ostermann, an illustrator and graphic designer based in Vienna, Austria. I spend my time creating surreal, gloomy and colorless fashion-based images and graphics.

Q. Looking at your work online, it seems like your style has changed a bit over time. Can you talk a little about that?

As you grow older, your environment changes, which in turn changes you. This affects the work you do. My earlier work is different from what I’m doing now because I had different things on my mind back then.

Nowadays I dive more and more into fashion imagery (mostly stills), but I’ve got some motion projects going on here and there as well. Besides that, I like doing more graphical images; classic graphic design with my style over it, so to speak. I admit that I currently show just a very small portion of it in my portfolio, but I promise that will change soon.

Q. In your short Facebook profile, you introduce yourself as “an occultist and black magician, sometimes also artist.” Are you still involved in those activities and does it affect your work?

No. You shouldn’t take that seriously. [laughs] Some people who have seen my work were joking about it, describing it as black magic and calling me a magician rather than an artist or designer.

Q. I heard that you are self-taught. How do you think a lack of formal education affects your work?

If I were to apply for a regular job in a regular company for a monthly income, that would hurt a little. If I were to apply to a decent creative agency, it wouldn’t be a problem. Most people understand that creative minds can develop without education; after all, your work speaks for itself. Other than that, I think it doesn’t make that much of a difference.

Q. Why did you come to be a digital illustrator?

No specific reason, things just developed this way. When I was younger, I had a copy of Photoshop on my computer. I was bored and I started playing with it. I enjoyed it so much that I’ve kept practicing almost every day since then. I discovered that it’s the thing I enjoy doing most and it’s also the thing I can do best.

Q. What do you find attractive about taking realistic images and subjecting them to digital transformation?

I don’t like realistic things. If I wanted to explore realistic things, I would take my jacket and go outside. So I create things that can’t exist in real life (although I do have plans to make some work that might contradict this), which makes the work—in my opinion—very interesting. Also, I simply like the idea of taking something that exists in real life and transforming it in a way where you can still recognize it, but you feel that something has gone wrong.

Q. What about your creative process? Is there any particular method you stick to?

I work together with photographers, fashion designers or agencies and work on their photographs. As soon as I start working, my brain turns off and I simply try out lots of different things until the outcome fits my taste.

Sometimes I apply 3D graphics in different ways, sometimes I just use the photographs themselves for manipulating. You could say that my process is pretty chaotic, but I do try to stick to a specific style.

Q. Where does your distinct and unusual style come from?

I have an individual voice, which will always sound the same. The words I say might change, but my voice is unique. The style I’m working with is my own. It’s the things that wander around in my head. The subjects may change, but the moods and configurations are straight from my brain. So, all in all, you could say that I did not come up with my style; it was always there, waiting to be extracted.

Q. What is your most interesting recent work? Or one that is your favorite?

Ah, I don’t really have something like a favorite artwork. All of my images are part of a big spiderweb; I like every string equally. But I’ll just go ahead and show you this one, Chimaera (2012). It is part of a collaboration with Leyre Valiente, a really talented fashion designer I met. She created clothes based on the theme ‘Chimaera’ and I got the chance to remix them visually. I like this piece a lot because it is very

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simple, visually and also geometrically, yet for me it conveys something special which I can’t describe with words. I wanted to keep the soul of the clothes intact, so I merely used Leyre’s clothes to transform and manipulate the original images.

Q. It seems that you’ve worked with lots of design companies and other creative communities. How do those partnerships usually come about?

If you show your work in public, people will see it. If people like your work, they will contact you and then maybe you’ll work together. Other than that, I often approach like-minded people and work together with them. I’ve gotten to know a lot of people who know other people and then introduce them to me. So far I’ve met a lot of friendly people with amazing talent.

Q. And do you have any plans or projects for the rest of 2012?

Yes, there quite a lot of plans and projects going on in the near future, but most of the time I prefer to let things flow. Stunning stuff happens then. But I’m afraid I can’t tell you too much of it! There will be lots of new fashion-based stuff, but also a lot of design stuff!

Q. What is your goal as an artist?

I don’t have any goals. It’s over when you reach them. I am a dreamer; it’s over when I’m dead. I try to make my limited time on earth enjoyable and get fascinated by a lot of things, and that’s what I’m doing as an artist. www.michaelostermann.at

Kuzmenkova Mary / 2011 / digital illustration

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ANTI ANTI / 2011 / digital illustration

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brand

10/10

10/10 is a Thai fashion brand characterized by geometric patterns and avant-garde design. ELOQUENCE talked with 10/10â&#x20AC;&#x2122;s director, Suphanut Suwansanya.

Editor. Giseok Cho Images courtesy. 10/10

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A chance of sunshine, play with the changes / 2008

A chance of sunshine, play with the changes / 2008

Q. Could you introduce 10/10 to our readers please?

10/10 is a menswear brand based in Bangkok, Thailand that focuses on presenting modern styles with uniquely intricate detailing like none other.

Its trans-seasonal pieces draw inspiration from many spectrums, from geometry to Gundam. 10/10 combines traditional tailoring and street wear with the avant-garde. The unique garments are a staple for any wardrobe that wishes to be awakened.

Q. Lots of readers might be curious about the fashion market in Thailand.

Are there any particular advantages or obstacles that you have to consider?

The Thai fashion market for menswear is very small. People, in general, tend to all dress the same here because they do not want to look or feel alienated. Due to this reason, I try to encourage people to express individuality through their clothing choices. Also, a lot of large companies are saturating the market; this has replaced a lot of designer clothing, which is a shame. But I am not disheartened.

Q. What does the name 10/10 mean?

10/10 (ten out of ten) in reality is the highest mark that you can get on any level. It has a positive meaning that reflects the amount of effort and care I put into creating my garments. Also, I would like people to remember it easily without thinking, and numbers can represent that very well. 10/10/2010 is also the date that I launched the brand.

Q. How did you launch the brand 10/10?

I started by myself. I worked on my own for a year in every area—design, pattern-cutting, making toile, fabric sourcing and production. It was a very, very small business when I started it. Now only one year later, I have a wonderful assistant that helps me a lot and has become an invaluable team member for 10/10. Things are far more organized when you have a good helping hand. The biggest obstacle so far has been organizing everything with regard to manufacturing and the market. And a very tight budget can give you a headache when you need that money to do a collection or produce a large number of items. However, these obstacles have made 10/10 stronger and I’m very grateful for their value as learning experiences. I am still learning a lot and hope for 10/10 to expand globally. I also want men to become more adventurous with their clothing choices.

Q. Who is the main target of 10/10?

The main target for 10/10 is anyone who is not afraid to try something new and different. People who want to have fun with their clothing and stand out from the crowd. Very individual and independent people. People who consider their complete look and want to look special at any kind of event or just in their everyday lives. People that think outside the box.

Q. It seems that 10/10 cuts out patterns with geometric designs.

What kinds of concepts do you use to come up with your clothing?

Geometric shapes, straight lines, sharp corners, folding, layering, and a boxy silhouette have become my signature style that is present in all of my garments. I do not focus so much on a concept but rather choose techniques and certain details that become the theme of a collection. I trained at the London College of Fashion, we were taught to focus on the construction of garments that used a lot of tailoring techniques, so whenever I design something I first experiment with these fundamental techniques to see which of them are suited for the particular design.

Q. What inspires you to make clothing?

Before I start to design, I imagine the kind of the character that I want to see in real life. So I guess I always draw from my imagination, as well as thinking about what I would like to wear. Additionally, music and music videos are a huge part of my life and they are a huge inspiration to my creative process. Singers like Róisín Murphy and people like Kate Lanphear are my muses in terms of being fearless with their looks and work, which makes them original in their own ways.

Q. 10/10’s lookbooks are quite interesting. What sorts of things do you focus on when putting together a lookbook for 10/10?

I always play into the theme and mood of my collection. For example, my 2008 collection revolved around the concept of 3D. Red and blue colors were also heavily incorporated into the styling of the shoot, with the models wearing 3D glasses and having bright red hair. For the 2012 Only Young Once collection, I chose a model that had a bad boy look because

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The Exoskeleton / 2010

The Exoskeleton / 2010

I think it suits the 10/10 guys who really don’t care what people think about them. They are what they are and they don’t try to be someone else. Finding the perfect location can have a huge impact and often dictate other areas of the shoot as well. Everything has to be married perfectly in order for the lookbook to be fully realized. The creative process continues to flow, even as you are shooting. I like to keep the creative ideas flowing all the way through to the end, as I am always open to new and exciting ideas.

Q. Are there any other areas that 10/10 wants to explore?

It will be great if 10/10 can collaborate with some artists or accessories brands. I would like to push 10/10 and expand our scope beyond clothing. Creating bags, shoes and sunglasses would be so much fun and challenge us to put our signature into different areas.

Q. The color contrast of red and blue in 2008’s lookbook is impressive. What is the concept behind the images?

It was my graduate collection. The inspiration came from a book called A Chance of Sunshine (1999) by Jimmy Liao. The collection concentrates on the relationship between a man and a woman who always miss meeting each other due to being in the wrong place at the wrong time. I used red to represent the woman and blue to represent the man. Also, how the 3D glasses work is part of the main idea, as the red and blue are always next to each other but never truly become one. It’s an illusion.

In some patterns, I combined parallel lines to show their lifestyles that never match up, and the red jacket is the conclusion of this collection that represents their relationship and their ultimate chance meeting.

Q. For 2012’s lookbook, Only Young Once, what kind of clothing did you make to visualize the theme and what did you try to express?

Only Young Once stemmed from the idea of the fearlessness of youth—a young spirit that wishes to express itself loudly and with its own voice.

The pieces themselves are created with the precision cutting and color-blocking that continue to represent the foundations of the brand.

The placement of specific mirrors indicate the unexpected personality of the human character, whilst multiplying it. Everybody has a voice, but not everybody can be heard. 10/10 is an amplifier for every look, with garments that perfectly compliment every type of lifestyle.

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Q. Are there any new projects you’re currently in the process of developing?

There aren’t any new projects at the moment for 10/10. I would like to concentrate on what we are doing and be able to expand the brand and elevate it to the next level. To be global is one of our dreams. In the future, you never know, you might see a women’s wear line from me, but it might be only show pieces at first as I’d want to do it for fun and allow it to be as creative as possible. I would like to create something that can wow a crowd, without any outside limiting factors.

Q. What type of brand do you want 10/10 to be known as?

I want 10/10 to be a cool and unique brand that shows lots of fun within the design. I take my designing very seriously. But in terms of wearing the garments, I want my customers to enjoy wearing them. I wish for 10/10 to grow strong in the fashion business without losing its identity, which I think is impossible. For me, 10/10 should be a brand that represents both creativity and high quality, as well as reflecting the love that I put into creating fashion. www.facebook.com/suphanut.chuwan.suwansanya

Only Young Once / 2012

Only Young Once / 2012

Only Young Once / 2012

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fashion

LISA SHAHNO

Lisa Shahno designs clothes that represent a geometrically patterned future. Her look is one that is not easily imitated, though it is completely believable that it will become the basis for a new style sensibility. ELOQUENCE had a conversation with her.

Editor. Giseok Cho Images courtesy. Lisa Shahno

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Q. Could you introduce yourself to our readers please?

I’m a fashion designer originally from Moscow, Russia. My early childhood was spent in East Germany and in 2009 I went back there and won the avant-garde award at CREATEUROPE, a fashion contest in Berlin aimed at young designers. I studied pattern-making and fashion design in Moscow but also I worked as a freelance illustrator for local magazines. Now I’m concentrating more on designing clothes.

Q. Your clothing is strongly influenced by geometric form and reminds us a little of origami. Could you tell us where your inspiration comes from?

I’ve always preferred angular lines to curved ones. Exploring the polygonal form really helped me understand how to portray complicated shapes in my drawings. So when I started to create clothes, I applied the same method of construction, using simple geometrical forms like squares, triangles and rectangles and searching for an interconnection between them in an intuitive way. I wouldn’t say that origami is a source of inspiration for me, but the things I know about Japanese culture are very impressive. I appreciate the way that many Japanese designers re-established an idea that was deeply rooted in folk costume. They explored the importance of leaving excessive space between the body and the fabric, so that the clothes were free from the restrictions of the human form.

Q. On your website, there are geometric pictures beside The Iteration (2012) lookbook. What are those all about?

While reading Cosmos (1980) by Carl Sagan I was fascinated with the scale of the universe; the Earth seems so gigantic to us, but compared with the sun, it’s just a tiny dot. If you compare the sun with the supergiant star Antares, it would also seem small, and our planet would be invisible at that scale. Surfing the internet, I came across an article about the fractal cosmology theory, which describes the universe as a fractal, and thereby infinite in every direction. One of the most intriguing aspects of this theory is the idea that something enormously large to us—like a galaxy—could be seem as small as an elementary particle on the scale of another world; by extension of that logic, the atoms of our world could be galaxies of even smaller universes. After reading that article, I was thinking of an idea for my new collection and decided that it would be very interesting to take one module as a basic particle (a square divided with diagonals) and use it in the patterns of all the garments, but on different scales for each. Those grids in the lookbook show a two-dimensional layout of each piece, including the number of particles involved and their relative scale to each other. You can say that each model represents one level in the universe, from which you can create many more models using this simple grid.

Q. It seems that you’ve also paid close attention to choosing unique materials, with the neon stitching of Hexapelerine (2010) standing out in particular. How do you select your materials and what do you focus on when choosing them?

It depends on the situation. Sometimes I have a nice pattern and choose a suitable cloth for it, but sometimes I have the fabric as a starting point and then invent a shape according to its behavior. In my first collection, I used artificial leather and PVC to make sharp edges and flat surfaces, as well as some faux fur. I never use natural fur and leather.

Q. Your lookbook is very interesting. For example, in The Iteration (2012) lookbook, it is intriguing that the model’s head is never shown directly, but we can clearly see the shadow. Could you tell us more about your creative working process and the kind of people you’re working with?

To be honest, I didn’t plan it to look like that. But when photos had been taken I thought that I wanted them look more mysterious and a bit scary, so I decided to erase the heads. At the end of 2010 when I was living in Berlin, I had just finished The Iteration (2012) and a friend of mine introduced me to a photographer named Valeria Mitelman. We started working together after that. I like using different photographers to shoot my designs—you never know how they will see them. Also I work a lot with The Local Genius (thelocalgenius.com)—a graphic designer and artist who helped to create my identity and my website.

means a booth or a dog kennel in Russian. My ‘Buddka’ is a small imaginary house in the middle of nowhere, almost an allegory of the mind. This house contains unconscious memories of the past that are transformed into unpredictable creatures. I add new characters on this site as soon as they appear on paper.

Q. Could you give us an insight into your work process and tell us about any standout pieces in your collection?

I think the most interesting process was creating waist packs made of silver artificial leather, but I haven’t presented them yet. I had never thought of designing this sort of thing at all before, but one day I noticed some zippers with a lovely triangular charm on a slider in a store. They were too short for clothes and weren’t suitable for anything I was making at that time, so I made a lot of paper layouts as I tried to figure out what I could use them on. After a few hours, I found the shape that gave birth to the waist packs.

Q. Do you come across any difficulties in making your clothing?

The main difficulty for me is to find the balance between utility objects and abstract objects without any practical means. I don’t use traditional, cut-with-the-body measurements as a starting point, so I face problems sometimes—like the inability to change a piece’s size. But I prefer this way of designing because you never know where you can go and there are many more chances of finding something very interesting. It’s difficult to say how I overcome this problem, because every garment is different and requires an individual approach.

Q. What is the most interesting theme or motif in your work these days?

At the moment I’m fascinated with paranormal behavior, something that was always considered to be a mystery for people—sleep, hypnosis and telekinesis.

Q. It seems that your clothing is not really aimed at the public because of its avant-garde styling. How do you manage to keep a business running, from a financial perspective?

Doing business is complicated in Russia and to be honest, I’m not good with the financial aspects of it. I try to find individual orders and sell some pieces from the collections.

Q. Are there any other fields you’re interested in besides fashion?

Geometry, science, mathematics…?

Yes, I love mathematical puzzles and paradoxes, but math always seemed really boring to me in school and so now that’s a huge gap in my knowledge. I’m also interested in art history. Lately I discovered some nice vegetarian recipes and now I like cooking from time to time, trying out new food combinations.

Q. Could you briefly tell us about the concept of the upcoming collection?

It will include the same theme of the abstract two-dimensional surfaces, but that’s all I can say at the moment. Also, very soon I will be releasing some limited-edition bags based on the same design method.

Q. What kind of clothing do you want to be making in the future?

My goal is to create perfect, simple pieces with an attention to detail that exists outside the boundaries of trend and seasonality, all of which will hopefully come together to create a much bigger story.

Q. What are you aiming for within the next couple years?

I would like to have my own studio and a small team of like-minded people working with me on my projects. www.lisashahno.com

Q. What is the project In the Buddka (2011) all about?

It’s devoted to the characters that I draw from time to time. ‘Buddka’

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Squaring the Square / 2009

Squaring the Square / 2009

Hexapelerine / 2010

Hexapelerine / 2010

Hexapelerine / 2010

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The Iteration / 2012

The Iteration / 2012

The Iteration / 2012

The Iteration / 2012

The Iteration / 2012

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photography

Andrey Sarymsakov Ukraineâ&#x20AC;&#x2122;s fashion and art scenes are throbbing with life. Up-and-coming photographer Andrey Sarymsakov, whose work ranges from commissions from sensational pop group Kazaky and international fashion clients to individual art projects, recently had an interview with ELOQUENCE. Letâ&#x20AC;&#x2122;s listen to his story.

Editor. Linda Choi Images courtesy. Andrey Sarymsakov

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Natural Beauty / 2010

Q. Could you please tell us a bit about yourself?

My name is Andrey Sarymsakov and I am a modern fashion photographer from Kiev, Ukraine.

Q. You taught yourself photography. How did you get interested in photography and what does it mean to you?

I held a camera in my hands for the first time when I was 12, and I attended a photo class only twice. After I graduated from university, my everlasting love for women, something that I’ve had for as long as I can remember, kept me focused on finding ways to be at the centre of ladies’ attention. But my career as a photographer started with weddings.

Photography is the art of capturing unique moments and freezing someone’s emotions. But for me it represents an art form that allows me to capture and project my own emotions through others.

Q. In several of your projects, you chose the human body as a subject. What kind of message do you want to convey?

The human body is beautiful and I love to depict it. I think that women are God’s perfect creation. It can be shown in so many different ways, and there can be a different story told from every angle. It is an inexhaustible ground of creativity for me.

Q. In Natural Beauty. The Women (2010), you show your strength at capturing motion. What inspired you to start this project?

I was aiming to show the true beauty of a woman without embellishment or Photoshop. I chose women of different ages (from 22 to 45) and various occupations (from teachers to lawyers). I invited models directly from a dating site and sent each of them an email with a brief description of the project. Some girls came with no idea as to what the shoot would be focusing on. But the most pleasing aspect is that each girl left completely happy with the results. I feel that that is an extremely important part of what I do.

Q. In Kazaky’s video Pohvir (2011) and their pictorials, what do you aim to focus on?

It is so clear—beauty, appeal, sexuality, passion and sex.

Q. Do any of the shoots really stand out in your memory?

While shooting with Kazaky, I was impressed by their professionalism. I was also completely inspired by their bodies. After that shoot I decided to start working out more. I lost eight kilos in a really short space of time!

Q. You are very energetic and charming. How do you usually spend your free time?

In my free time I used to watch Nickelodeon or the Cartoon Network!

I still enjoy watching kids’ shows from time to time, but these days I’m more interested in art and poetry, particularly Russian poetry. I’d like to quote this poem by Sergei Esenin to you: Inexpressible, blue, gentle...

My quiet region after storms, when lightning strikes And my soul—a field boundless Breathing in the smell of honey and roses Q. Lots of our readers might wonder what Ukraine’s fashion and art scene is like these days. As one of the country’s most promising artists, what can you tell us about the scene there?

There are lots of talented people in Ukraine. Personally, I think that if you believe in yourself there are no closed doors in your way. We can see that with Kazaky. I met them for the first time less than a year ago, and now they’re dancing with Madonna in her latest video. The art market in Ukraine is in its early stages and some people are not quite ready to accept outrageous or conceptual ideas, but there is plenty of time for that to change and develop. I believe that it will.

Q. You’ve been involved in many areas of photography, such as fashion shoots and commercial projects, as well as your solo projects. What else are you planning for this year?

Recently I have been focused on my project Ukraine. The one we love, which is a collection of photos aimed at promoting modern Ukrainian photography (www.photo-ukraine.net). Anyone, from professionals to amateurs, can participate in the competition to present the best images of Ukraine. For the final step, the jury, which includes myself, will choose the 30 best photographs to be exhibited in May at Mariinsky Park, the best open cultural space in Kiev. You should come and enjoy the show! I think that you will become deeply absorbed in Ukraine. Perhaps one day I could do a project like this in Seoul too!

Q. That sounds fantastic! So, one last question: what is your goal as an artist?

I want to encourage people to break free from stereotypes, with beauty and harmony inside. www.sarymsakov.com

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Kazaky / 2010

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Kazaky / 2010

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project

Seoul Urban art Project Shattering the perception that drawings are made in a studio on a square canvas, Seoul Urban art Project team takes to the streets, repurposing the corners of downtown Seoul as their canvas. We met the SUP team, comprised of fourteen artists.

Editor. Pearl Kim Images courtesy. SUP

Seoul Urban art Project (SUP) as a group focuses on pure art, spread all over Seoul. JunkHouse, a famous Korean street artist, heads the project with thirteen other members including Hez, Garoo, Handy, Basara, Jazoo Yang, Sihoon Kim, Jangkoal, Juno Hwang, Junseok Seo, TJ Chae, A Ram Lee and two foreign artists living in Korea, Jamie Bruno and Eric Davis. In addition to these members, various artists from different genres also participate in the project as guests or partners. Basically, SUP is a contemporary art movement unfolding their works on the stage of the city of Seoul without space restraints. They espouse an ‘open gallery’ concept to communicate with people more directly, away from the traditional white cube art gallery system aiming at a particular audience.

Rather than public art that fits the taste of the masses, they want to show ‘real art on real streets,’ with attention to diversity and a daring experimental spirit. By doing so, SUP believes that passersby through deserted areas of downtown Seoul could easily become an audience by confronting art in a familiar environment and they might reconsider forgotten and buried memories in retrospect. They work in some spaces with permission but they also enter other spaces without negotiating with authorities.

Starting in December, 2011 at the old Samik Apartments, Bugahyeon-dong, Seodaemun-gu, Seoul, SUP began to explore ruined areas that afforded them total freedom. Samik Apartments was a very old ’70s style, dilapidated eight-story building, the likes of which are no longer easy to find in Seoul.

Divided into two zones, A and B, it was broken up into a very small acreage like a single flat. Each artist began to create their own pieces but a few days later building A was demolished. Even though working inside building B was

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risky, they went ahead with the project, knowing the other building could also be demolished anytime. Sometimes, the traces of each apartment’s former occupants, the remnants of lives left behind, inspired their works.

Bugahyeon-dong’s redevelopment area (large areas marked for destruction and reconstruction, common in Seoul) was enormous and hundreds of buildings were scheduled to be torn down. Among them, they found Donghyun Church, located in front of Gyeongui Railroad and ended 2011 working around this area.

In March 2012 the collective got its name and SUP made their first episode archives. Their next location has also been chosen; the area around Itaewon-dong, Yongsan-gu, Seoul.

In the future, SUP will move forward into a new area roughly every month and sometimes roll out together to accomplish strategic tasks. They will cover not only redevelopment areas but also vibrant downtown areas with large commuter populations. They plan to present both pleasant and experimental artworks around the areas including Seoul and Gyeonggi-do as well as in quiet rural villages. These activities will be documented on their webpage, where they also plan to open the SUP archives as well as document other street artists’ work in depth. The SUP team aims to keep their project going, as well as bring new artists gradually into the fold. www.sup-project.com

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A Ram Lee

Street artist & painter

Jamie Bruno Artist

Paste-ups are a favorite technique of this artist, who is capable of creating work in many different styles. She is known for borrowing a toad motif from a Korean folk song’s lyric—in return for an old house, give a new home, she introduces toad motif artworks that are especially poignant, given their placement in areas slated for imminent redevelopment.

An American nomad, Bruno’s inclinations toward drawing (as well as tending her own vegetable gardens) inform her work, which investigates the subconscious attraction and repulsion towards structures of power and containment through a variety of mediums. www.jjeb.cc

Basara

Jang Koal

Starting from works on the roof of his apartment, he has gradually become a bigger and bigger player in the world of graffiti. After joining Wontak crew, he has continually experimented with a wide variety of styles in order to arrive at one he can call his own.

Using her own unique style, combined with a sizable amount of wit and charm, she executes illustrations of unusually bizarre and eerie objects in her work. Nowadays, she is winning hearts en masse through her ongoing collaborations with fashion brands. www.jangkoal.com

Eric Davis

JunkHouse

Davis is an American artist and musician working in Seoul whose work embraces the limitations of the self-taught artist and presents improvised and emotional expression. Borrowing from existing images, he finds ways to give them rebirth in his own story. www.goo.gl/LUuLt

On the international level, she has participated in various street art projects and collaborated with major brands such as Gmarket, MLB, Krink, and Biothem. www.junkhouse.net

Garoo

Sihoon Kim

His distinct working process gets attention by using a plaster bandage with which he satirizes the massive capitalistic and consumption-oriented system. www.choegun.com

This illustrator keeps active with his work for several magazines as well as commissions and collaborations with a number of brands. www.blog.naver.com/jjonaeggu

Handy

Akela

Handy, the director of Wontak crew, is planning an upcoming Kore an urban artists’ group exhibition which called ‘420ml.’ Handy is an exceptionally talented artist, from Fake Art to character-based work, as well as an accomplished graffiti artist.

As a video director, he has shot several artists’ working processed, including his own. He aims to maximize the attractiveness of his subjects and broaden his own artistic practice by producing installation video, motion graphics and commercial films. www.akelas.blog.me

Jazoo Yang

Jun-O Hwang

She has actively participated on both domestic and international stages, dealing with themes of loneliness and social alienation through painting, drawing and street installation works. She communicates with the public through live performances in which she strives to break down social conventions. www.jazooyang.com

Taking photos of the ever-changing cityscape, Hwang is devoted to showing dynamic images. He has been working on various areas in his career, including product shooting and fashion. Soon he will begin work in France, ending his domestic activities and seeking out a fresh environment. www.6cc.co.kr

HEZ

TJ Choe

Fascinated by the materials of simple spray lacquer and a wall, he has been working on graffiti for a long time. He has taken on the role as chief director of an exhibition and party for artists working in experimental and diverse media. www.hez370.com

In his video work with international artists of all sorts, Choe prefers details, movement and stillness, bringing all his subjects to the surface. facebook.com/tj.choe www.facebook.com/tj.choe

Graffiti writer

Artist & musician

Street artist

Graffiti artist

Artist

Graffiti & media artist

Illustrator

Street artist

Freelance illustrator

Photographer & video director

Photographer

Producer & cinematographer

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festival

France Danse Festival

After making stops in Japan and Italy, France Danse has arrived in Korea. From April to June, these French artists will share their abundant, diverse and creative performances. Included in this tour will be opportunities to meet fans through collaboration concerts in Korea, living up to the name France Danse-Corée 2012. ELOQUENCE will provide readers with an opportunity to encounter the world of modern dance through a two-part series of feature articles on the event, including the following lineup of festival highlight performances.

Editor. Linda Choi Images courtesy. Institut Français de Corée du Sud

Since 2007, France Danse has visited thirteen different countries, introducing the dynamically developing world of French modern dance and joining hands with new partners at each stop. This is the most recent development of the French modern dance movement, which traces its roots back to the influence of the ‘Nouvelle Danse’ of the 1980s.

“If you are curious about the future of ballet, look at France,” say some critics of late, cementing the role of this art form in the ongoing development of contemporary ballet. Through France Danse-Corée 2012, our readers will be able to enjoy and witness the history of a global modern dance, supported by Institut Francais and Institut Francais de Corée du Sud and in partnership with MODAFE (Modern Dance Festival), Festival Bo:m, Hanguk Performing Arts Center, LG Art Center, and Korea National University of Arts.

Included in France Danse-Corée 2012 is not only its namesake French dance performance, but several other various events for the audience as well, including Korea-France creative performances, opportunities to meet with professional dancers, workshops, and public screenings of past dance performances. Through the festival’s programming, French choreographers have shared their previous creations with Korean dancers. In this rare form of cross-cultural exchange, dancers of many nationalities have come together to share ideas, interpret folk tales, and discuss cultural identities to produce new performances. ELOQUENCE would like to introduce some highlights from the festival—performances where you can expect to see an invigorating combination of the East and

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West and a renegotiation of the perceived differences between genres.

Thomas Lebrun’s Frankorean Tale (the story of France and Korea) will be the opening event at MODAFE, while Angelin Preljocaj’s And then, one thousand years of peace will serve as its closing performance.

Preljocaj has been successful in the French dancing industry for the last 30 years. As for performances that go beyond the limitations of genre, you should take note of Abou Lagraa’s Nya and Mourad Merzouki’s Agwa & Correria with the National Ballet Company of Algeria, which will make its Korean debut during the festival. Système Castafiore, one of the most creative dance groups in France, shows us that there is no restriction to the future of contemporary dance in Stand Alone Zone, an immersive performance in which dance, play and 3D digital images are combined together.

In addition to performances, there will be seminars held with French journalists from 5 May to 29 May. A special video exhibition called ‘Ciné-Danse’ will be held at Culture Station Seoul 284, where you can enjoy 70 performances of French modern dance, featuring many different choreographers. For almost an entire month, these videos will be available free of charge for public benefit. Even though the name of the performance sounds unfamiliar, mark it on your calendar; we are sure that you will fall in love with the sincere character and liveliness of modern dance by watching the following performances recommended by ELOQUENCE.

Festival Highlight #1 Ciné-Danse 5 – 29 May 2012 Cultural Station Seoul 284

Dance performance show Ciné-Danse will bear witness to the history of French modern dance through 70 video screenings of notable performances, documentaries, and biographies of choreographers, all free and open to the public. So don’t forget to stop in and catch a few clips before attending a real dance performance. On 17 May, Thomas Lebrun will be present for a conversation on his life and work, with an homage show and lecture by Angelin Preljocaj on the following day (18 May).

Festival Highlight #2 Thomas Lebrun – Frankorean Tale, with Illico dance company 19 May 2012 Arko Arts Theater Frankorean Tale, produced as a French and Korean collaboration performance, is performed with six Korean dancers and Thomas Lebrun, the new director of CCNT (National Choreography Center of Tours). As the opening piece at MODAFE, it takes its inspiration from both French and Korean folk tales. It combines all possible styles of dance, choreographic languages, rhythms, melodies, images and amusing creativity to create new fairy tales using the vibrant cultures of the collaborating countries, the combination of which alone is worthy of attention in this unprecedented encounter. Thomas Lebrun, who is currently involved in a number of collaboration projects in France as well as abroad, has taken a leading role in the education industry and the practice of inheriting dances. Audiences will enjoy a unique aesthetic in this performance, where high quality dance and dramatic elements are combined harmoniously.

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Festival Highlight #3 Abou Lagraa – Nya, with La Baraka dance company 24 May 2012 Daehangno Arts Theater

Abou Lagraa, who founded the modern dance division of Algeria’s National Ballet Company, works with young hip-hop dancers in Algeria who are self-taught and plays the role of an active intermediary between the two worlds. His piece Nya is the first fruitful result of the France-Algeria art exchange project Pont Culturel Méditerranéen, having won the best choreography award in 2011. This performance by ten dancers from Algeria’s National Ballet Company will give audiences a peek into Algeria’s country’s abundant cultural heritage as well as the face of new generation of Algerian dance, one greatly affected by the influence of hip-hop. The title of the piece, Nya, is an Arabic word meaning “faith about life,” which is a value Algerians learn at an early age. Thus, the performance comes with the message, for those receptive to the communicative power of dance: if you live a life mindful of ‘Nya,’ the hardships can be overcome as you move forward and open yourself to the world. In the performance, dynamic choreography dealing with distress over mixed identity melds with an air of tradition in harmony with modernity.

Festival Highlight #4 Angelin Preljocaj – And then, one thousand years of peace, with Ballet Prejocaj 30 – 31 May 2012 Haeorum Seoul National Theatre

Angelin Preljocaj, a representative artist in the French dance world for 30 years, co-produced And then, one thousand years of peace with Bolshoi Theater to celebrate the cultural exchange between France and Russia in 2010. It started with an interest in eschatology and contains a universal truth of humans and inner unsettledness. A new version of this performance will be introduced as a part of France Danse in May. Those who attend will truly be able to feel the efforts of the choreographer as he expresses his inner motives without hiding anything. Subodh Gupta was in charge of the stage design and DJ Laurent Garnier also took part in the production. Created by world famous artists, this is a performance of unprecedented talent you won’t want to miss!

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Festival Highlight #5 Marcia Barcellos & Karl Biscuit – Stand Alone Zone, with Système Castafiore May 27 2012 Daehangno Arts Theater

In 1986, the musician, composer and producer Karl Biscuit and the choreographer and singer Marcia Barcellos first met. A few years later, a dance troupe called Système Castafiore was founded. This ensemble came into the spotlight within the panorama of the young French dance with its special creed: “We change the world while having fun.” Inspired by a science fiction cartoonist and movie director from France, Enki Bilal’s imagination and Georges Méliès’s movie, Stand Alone Zone proposes a creative world balanced on the borderline of fantasy and reality. In this performance, three dancers will perform on stage accompanied by video images, all within an intriguing scenario. A zone lies beyond a ruinous concrete maze built to resemble the remains of a disappeared civilization. This zone is surrounded by dense forest, rooms and complicated hallways, at the center of which can be found a hidden secret of the world.

As one approaches the walls of the room, however, the border of reality disappears and subsequently hypnotizes anyone who dares attempt it, bringing in a suspensful risk of danger. An engaging and exciting performance!

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Platoon

Open Stage

ⓒPlatoon Kunsthalle Since it opened its doors in April 2009, Platoon Kunsthalle has slowly become the center of various cultural activities and sub-culture movements. Recently, it initiated its Open Stage project as a part of an indie music education program held every Thursday. Platoon Kunsthalle was created by the art communication group Platoon, which was founded in Berlin, Germany in 2000. Since then, it has become known for its ‘creative incubation’ for sub-culture artists to help develop their creativity and potential.

Among the countless projects executed by Platoon Kunsthalle, its new Open Stage project is designed to give unearthed indie musicians more varied opportunities. Starting with this month’s issue, ELOQUENCE will join hands with Platoon Kunsthalle and to support and help promote the Open Stage project. Below, we introduce two indie artists full of potential who were recently showcased at Open Stage.

Editor. Jinseop Lee Photographer. Najhin

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Yukari Q. Your name is Yukari. Is this your real name?

My real name is Soo-jung Lee. Personally, I really like koalas. I wanted to name myself after the Eucalyptus that they feed on, so I started calling myself ‘Yukari.’

Q. You are a multi-talented musician who can compose, program, sing, and play all by yourself. Did you receive a formal education in music?

When I was already a university student, I studied again for the musical college entrance exam, and I was accepted to Gyeonggi University’s electronic music program. After graduating from university, I joined a band and started composing music. But I was more attracted to my personal composition work than playing music with other people. I guess I was inspired by the other musicians I’d met at various festivals. I’d been going to the festivals since I started composing electronic music.

I thought it looked wonderful—how these artists expressed themselves through their music on stage.

Q. Are there ways you express yourself other than through music?

I enjoy keeping a diary. It helps me re-think the things that have happened to me. My diary is an actual record of facts rather than imagination. I guess I think highly of my feelings as they happen.

Q. How did you feel about Platoon’s Open Stage?

As a matter of fact, it was my first time to actually perform here, although I’ve been here before to watch my friends’ performances. The space was above my ability because I just started doing solo music. I was thankful because I felt like a real ‘artist’ when I was playing for Open Stage.

Platoon itself is a unique, interesting space, and I was very excited to be there.

Q. What makes electronic music attractive to you?

Electronic music can express imaginary sounds; it’s not limited to natural sounds, and I guess this is the biggest charm it has. As for rock bands, it seems like their destiny to go forward must be the same destination

as those of their members. On the other hand, electronic music doesn’t impose this kind of burden on my shoulders.

Q. Please tell us about Yukari’s playlist.

M83 – REUNION NEON – INDIAN LAUGHING GAS Yoon Sang – The things I didn’t know back then Q. M83, Yoon Sang, Red House Painter, and Radio Department don’t have strong beats, but they have something in common– they aim for lo-fi music and synthesizer-oriented sounds. Are these styles in collusion with your music?

It seems like Yoon Sang’s grayish hue, Red House Painter’s dreaminess, and Radio Department’s dark liveliness are in collusion with each other. I guess the music style I’d like to pursue is a combination of these hues.

Q. Please tell us about the instruments you use and the sequencer.

I use a Micro Korg synthesizer and Ableton Live D.A.W. Q. What brought you to Hongdae’s indie scene?

I admired band music when I was in middle and high school. But then I had a stronger yearning to perform on stage myself. I guess my longing to perform led me to the stage.

Q. What hobbies do you partake in when you have some free time?

I like to spend time with my friends, listening to music, drinking, and chatting. And, personally, I love reading poetry. Gyu-won Oh, I love you!

Q. What are your future plans?

I’m planning to take part in a music festival in July, and I’m currently working on a new style of music with my friend. www.yukarimusik.com

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Abrupt Departure Seok-woo Kang (SK) Guitar & Vocals Tae-baek Lee (TL) Bass Hye-soo Song (HS) Keyboard Woo-geun Jung (WJ) Drums Q. I was particularly drawn to you during your performance. You are my first interviewee for the Platoon Kunsthalle Open Stage project.

What was your first impression of me?

SK: To be honest with you, I was confused. In other countries, the show’s host interviews the performer while emceeing the show, but that wasn’t the case here. Besides that, today’s performance had many problems in terms of technique and performance skill, so I was a little dubious when someone showed interest in our music. I’m just saying. I don’t mean that I thought you were strange. The situation just seemed odd.

Q. The name of your band is Abrupt Departure. Please tell us about the meaning of the name and introduce your members.

SK: Our current members are Seok-woo Kang, Tae-baek Lee, Hye-soo Song and Woo-geun Jung. All four of us are engaged in other jobs that have nothing to do with culture and art, but we keep creating music with the producer Hyuck-soo Kim and working on an indie label in our small studio.

TL: In 2006, when I was staying in England with Seok-woo Kang for a short period, we talked about creating a band. Then, in 2008, we created a quintet power-pop band with Hye-soo Song under the motif Teenage Fanclub and Trashcan Sinatras. However, due to each member’s different personal tastes and issues, two people left the band. Then, drummer Woo-geun Jung joined our band, and we still have the same lineup. The name of our band Abrupt Departure was taken from one of Franz Kafka’s books. The situation Seok-woo Kang was facing back in 2008 (secession of the two members and distress about music) inspired the name. But I guess the other members were thinking the same thing.

In 2008, Seok-woo Kang was in his fourth year of college and just like any other Korean college student, he was thinking seriously about the reality of his freedom. It seems like this situation gave him the idea to express the beginning of ‘continual and consistent departure’ musically.

Q. You seem like a shy person, a polar opposite to your on stage persona. What are your members like?

SK: Hye-soo Song is a really shy person, but the rest are not. Tae-baek Lee even worked as a member of the students’ association in college, and Woo-geun Jung is a salesman. In my case, my shyness is just a perception. The other members don’t really like to talk. Maybe they don’t have many things to say, or they are just lazy!

Q. How was the performance at the Platoon Open Stage?

SK: It was the trendiest and the most wonderful place I’ve ever performed. In fact, only about ten people usually come to enjoy our performances except on Fridays and Saturdays. But it didn’t feel like it was a weekday here at Open Stage. It was especially amazing to see foreigners who like our music. If I have another chance to perform there, I will definitely do it again.

Q. As for Seok-woo Kang, he plays the minor key in a unique way when he plays the guitar. I got the feeling that the sounds crossed subtly, and I thought this style of music was either intentional or spontaneous. Was there a reason for this?

SK: It is not a mistake at all. I guess the producer Hyuck-soo Kim would click his tongue, but I personally think that a discord can also contribute to harmony. When the bass part is in the center, other instruments have more freedom than you think they would. I believe that intentional discords or tensions are spices that help create unique performances.

Of course, if there are too many discords or errors, you would expect criticism from producers and other members. The point is, it’s always with intention—no matter what I do.

Q. Who usually writes the music?

WJ : Most of the time, Seok-woo Kang does the composition part. Then, under producer Hyuck-soo Kim’s supervision, all the members participate in the musical arrangement.

Q. What does music mean for Abrupt Departure?

WJ: Music makes the player happier than the listener.

HS: Music is a ‘difficult play.’

TL: As of now, I enjoy playing music more than dating a girl.

SK: “The reason why I have to go to work.” Salary men gathered together and made their own studio by investing all the money they had.

No further explanation is necessary. Now, music is everything.

Q. Which musicians’ albums inspire your music the most?

SK : Yo La Tengo – I Am Not Afraid of You and I Will Beat Your Ass (2006), Popular songs (2009) TL/WJ : The Radio Dept. – Lesser Matters (2003), Pet Grief (2006) Velvet Underground – The Velvet Underground & Nico (1967), Loaded (1970) Teenage Fanclub – Bandwagoneque (1991), Grand prix (1995) HS : Brad Mehldau – Live in Tokyo (2004) Q. I heard that you are planning to release an album. Please tell us about that as well as any upcoming concerts.

We were working on an album, but most of our members wanted to release an EP first. Currently, we are selecting songs to record. Our EP, with about four songs on it, will be released in May. We will perform on Friday, 18 May at Gogos2 in Hongdae. Gyeonggi University’s video event will be held along with our band’s performance. www.abrupt-departure.tumblr.com

Q. It seems like you go more for lo-fi music rather than the trendy electronic music. Your music is somewhat similar to Pavement and Sister’s Barbershop. Is there any certain style of music you seek after?

SK: I was happy when editor Jin-seop Lee told me this. It felt like people had finally started enjoying our music. Speaking of Pavement, I really like artists from the Matador Records label. I’d like to express ‘indism’ through band formats instead of seeking a conventional lo-fi feel.

HS: I play the keyboard, and I think the core of all music is melody.

How one creates melody using minimalism, shoegazing, and lo-fi is a matter of methodology. If we had to categorize our music, it would be called ‘eclecticism.’ Whether it’s Pavement, Bon Iver or The XX, we tend to achieve an unintended style when working with producers and expressing our motif in band formats. Isn’t music itself an Abrupt Departure?

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project

POJANGMACHA PROJECT

For the last seven months, ELOQUENCE has been working on the Pojangmacha Project, which draws together architects, chefs and artists of all kinds. Continuing from the projectâ&#x20AC;&#x2122;s previous Itaewon and Mullaedong pop-up projects, its third iteration was an opportunity to manage a larger and more complete project through collaboration with Platoon Kunsthalle, in conjunction with their 3rd anniversary celebration. Centering around architects Tae-ho Kim and Tae-beom Kim, the Pojangmacha Project is not merely an architecture event but has become quite the complex task, breaking down genre distinctions with the participation of creators of every stripe, bringing together food, art, music and video ever since its early planning stages.

In the recent Pojangmacha Project pop-up, held at Platoon Kunsthalle, the collaboration of architecture and food turned out something special, with food director G.O. playing the pied piper to a team of 17 chefs.

ELOQUENCE selected five teams from the creators who took part in Pojangmacha Project 3 to introduce to readers this month.

Editor. Sukkyung Yun Photographer. Dojin Choi

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Tae-ho Kim and Tae-beom Kim Architects

The collaboration of these two young architects (who met while students at the Architectural Association School of Architecture in London) began with a workshop in Japan where they presented pojangmacha, street food stalls that are a ubiquitous sight on the streets of Korea, from a new perspective.

Their intent was not merely to reinvent or rebrand pojangmacha, but also to create a micro-structure in a new form that is able to comply with the city by analyzing the pojangmacha â&#x20AC;&#x2DC;modus operandi.â&#x20AC;&#x2122; Through this lens of urban heritage, they see the banality of the city anew on a micro-perspective and aim to understand it in a more profound way, shedding new light on this lost humane aspect of the city. The beautiful and emotional structure that developed as a result of their passion and creativity embodies the ideal combination of the perfect practicality of pojangmacha along with its functionality. Above all, they consider it meaningful to discover the emotional impression of and analyze it afresh through this project.

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G.O. Chef G.O. is the chef in charge of food for the Pojangmacha Project. He joined the project while it was still in its planning stages, and his responsibilities include improving the flow of human traffic in the pojangmacha. Having formerly been active in London as a chef of French cuisine, he has since returned to Korea and made the transition to Korean cuisine, working as head chef of Korean table d’hote restaurant DaeJangGeum. His focus is lies in the eating culture that can be shared in a larger group, which he explores by researching the similarities and differences between Eastern and Western culinary cultures. Recently, he has been working on The Barcelona Project, which introduces Asian cuisines—including those of China, Japan, and Thailand—to Spain. He researches experimental and creative cuisine as well as culinary culture and art.

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Jung-jin Lee and Kyoung-joon Park CheolDeunNom A team of five young people centered around Jung-jin Lee and Kyoung-joon Park, who have been friends since childhood, CheolDeunNom has a very special concept. After opening a studio in Mullae-dong, surrounded by iron foundries, they began research on roasting devices of a variety of styles, and eventually to produce them as well. CheolDeunNom is not merely developing new cooking devices, but also bringing about a more experimental approach by collaboration with many artists. In fact, their device production process has been filmed for a documentary. With a splashy showing at the second Pojangmacha Project pop-up in Mullae-dong, theyâ&#x20AC;&#x2122;re starting to get attention for their research and special production methods, and their studio has become known both a place of R&D as well as a storefront for roasted meat.

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Jang Soon-kyu Visual Art Director After winning CUT & PASTE KOREA’s graphic design contest in 2010, Jang got to know Tae-ho Kim (the contest’s 3D prize winner) and has since worked on every visual necessity related to the Pojangmacha Project, including its logo and posters. A student at Dankuk University where he majors in visual design, he has won awards from Graphic ADC and Adobe Graphic, as well as Red Dot Communication Design’s ‘best of the best’ Award. He also works on a variety of design projects as a member of Samsung Design. He hopes his design work can make innovations in developing countries where technology, knowledge and systems are yet to come into wide use. Moreover, he shares the wish for the Pojangmacha Project to become an opportunity to rediscover what has been forgotten around us.

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Sang-ryong Jin / Yook-sung Wang / Yeon-bok Lee / Jin-sun Hwang / Ki-myoung Wang HohwadaeBanJeom HohwadaeBanJeom is a contemporary cooking team that reinterprets culinary cultures with an emphasis on Chinese dishes. The team consists of the last Chinese cooks living in Korea who have inherited the century-old history of legitimate Koreanized Chinese dishes. The HohwadaeBanJeom Project, starring seven restaurants and seven head chefs, has already received a lot of attention, both domestically and abroad. In this project, four chefs from HohwadaeBanJeom participated, even taking a day off from their four respective restaurants to present their valuable dishes.

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Choo Kwon-young Stand-up Bar Well-known among gourmets in Seoul by the nickname of ‘Korean Night Restaurant,’ this stand-up bar features fresh ingredients and clean cooking methods. Kwon-young Choo, the chef/owner of the restaurant, has been recognized by experts far and wide for creating his own ‘Koreanized Japanese cuisine,’ coming after a career of experience working in five-star hotels and restaurants, including the Chosun Hotel. He is famous for cooking only with seasonal ingredients he procures early every morning by combing through Noryangjin and Misari markets. He travels seaside towns looking for and testing ingredients of the highest quality, to present the freshest dishes in season that can usually only be tasted in the countryside. For the Pojangmacha Project, Kwon-young Choo set up a sushi kitchen in the second floor exhibition room of Platoon Kunsthalle, where he demonstrated his prodigious skill.

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Seok-hoon Kim Project Manager After graduating from the Department of the Interior Design at Hanyang University, Seok-hoon Kim has been actively working in a variety of fields including architecture, interiors, design consulting and visual art. Having joined Pojangmacha Project’s third pop-up as its project manager, he has handled all event matters from scheduling and transportation to booking and assistant management. With clear judgement and fast-paced management, he has performed this role very well and will soon embark on the next phase of his professional development; a Master’s degree in architectural design at Columbia University’s GSAPP in September. He says that he will continue to do his best as a project manager here in Seoul until he leaves. Wherever he may find himself, he will always be remembered as one of the Pojangmacha Project’s key members.

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information

World Exhibitions SEOUL Suh Do-ho: Home Within Home 22 March – 3 June Leeum, Samsung Museum of Art www.leeum.org Dansaekhwa: Korean Monochrome Painting 17 March – 13 May National Museum of Contemporary Art, Korea www.moca.go.kr Bae Young-whan: Song for Nobody 1 March – 20 May PLATEAU, Samsung Museum of Art www.plateau.or.kr x_sound: John Cage, Nam June Paik and After 9 March – 1 July Nam June Paik Art Center www.njpartcenter.kr

Leandro Erlich: Inexistence 4 May – 7 July SongEun ArtSpace www.songeunartspace.org

Cartoon World 3 April – 17 June Seoul Olympic Museum of Art www.somamuseum.org

Olafur Eliasson 19 April – 31 May PKM Trinity Gallery http://www.pkmgallery.com/ Koen Van Den Broek: From the East to the West and Back 30 March – 19 May Gallery Baton gallerybaton.com

Boo Jihyun: Fishing Lamps, Discovered: Reinterpreted Objects 13 April – 23 May SongEun ArtCube www.songeunartspace.org

Jungju An 11 May – 9 June Project Space Sarubia www.sarubia.org Woo Kuk Won: Thirteen Stories 13 April – 18 May Salon de H www.artcompanyh.com

Paul McCarthy: nine dwarves 5 April – 12 May Kukje Gallery www.kukjegallery.com

Kim Jong Hak 1 May – 27 May Gallery Hyundai www.galleryhyundai.com

Soojung Choi: Shoot the Moon 25 April – 31 May Gallery SKAPE www.skape.co.kr

Finn Juhl’s 100 year anniversary of birth 26 April – 23 September Daelim Contemporary Art Museum daelimmuseum.org

Younhee Chung Paik 25 April – 13 May

Lee Sang Won 3 May – 27 May Gallery SUN Contemporary www.suncontemporary.com

Beauty of Lines: The Beginning of Modern Furniture 3 April – 10 June Gyeonggi MoMA www.gmoma.or.kr Jaehyo Lee 30 March – 27 May Sungkok Art Museum www.sungkokmuseum.com The Centennial Celebration of Lee InSung’s Birth 26 May – 26 August National Museum of Contemporary Art— Deoksugung www.moca.go.kr Hein-kuhn Oh: Middlemen 3 May – 17 June Artsonje Center www.artsonje.org Vogue Moment 18 April – 27 May SNU Museum of Art www.snumoa.org Kibong Rhee: Cloudium 18 May – 15 July Arko Art Center www.arkoartcenter.or.kr

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SeMA Youth 2012: 12 Events for 12 Rooms 10 April – 17 May Seoul Museum of Art www.seoulmoa.seoul.go.kr

Gallery Hyundai—Gangnam Space

www.galleryhyundai.com Louise Bourgeois: Personages 23 May – 29 June Kukje Gallery www.kukjegallery.com

Eunhye Kim: BODA 19 April – 20 May Gallery 2 www.gallery2.co.kr Wanderers Unduped 20 April – 12 May TV12 Gallery www.television12.co.kr

Yum Joonho: The Taste of Others 1999 3 May – 23 May One and J. Gallery www.oneandj.com Dongwook Lee: Love Me Sweet 24 May – 30 June Arario Gallery Seoul Samcheong www.ararioseoul.com Hong Seung-hye: Square Square 5 April – 12 June Atelier Hermes www.fondationdentreprisehermes.org Bond the Moment: 2012 Henkel InnoART Project 29 March – 24 May Alt Space LOOP www.galleryloop.com

Kyung Hyounsoo: Debris 19 April – 11 May Art + Lounge DIBANG www.dibang.org

TOKYO Thomas Demand 19 May – 8 July Museum of Contemporary Art Tokyo

www.mot-art-museum.jp Lee Bul: From Me, Belongs To You Only 4 February – 27 May Mori Art Museum www.mori.art.museum Paul Cezanne: Paris and Provence 28 March – 11 June National Art Center, Tokyo www.cezanne.exhn.jp

Robert Doisneau 24 March – 13 May Tokyo Metropolitan Museum of Photography syabi.com Hiraki Sawa: Lineament 7 April – 17 June Shiseido Gallery www.group.shiseido.com

continuation of the Chiang Mai-based artist’s Buddhist related themes, presents a a selection of collages from his journal that have been enlarged and transformed into large-scale paintings. Developed from collage sketches, the paintings allow Kamin’s phrases to meaningfully communicate with contemporary audience.

Nopchai Ungkavatanapong: Awkward 27 April – 30 May Bangkok Art and Culture Center www.bacc.or.th

Oliver Payne 14 April – 26 May NANZUKA nug.jp Simon Starling: Project for a Masquerade (Hiroshima) 9 February – 11 May CNAC LAB www.cnac.jp Tetsuro Kano: Protean Wood 7 April – 12 May Yuka Tsuruno yukatsuruno.com Otomo Katsuhiro Genga Enxhibition 9 April – 30 May 3331 Arts Chiyoda www.3331.jp Daido Moriyama: Color 11 May – 9 June Taka Ishii Gallery www.takaishiigallery.com Yoriko Kita: Daybreak and Thereabouts 24 April – 2 June Take Ninagawa Gallery www.takeninagawa.com Go Watanabe: Portraits 14 April – 12 May ARATANIURANO www.arataniurano.com Hiroshi Sugimoto: Five Elements 3 April – 23 June Gallery Koyanagi www.gallerykoyanagi.com Keizo Kitajima: Isolated Places 6 April – 13 May Rat Hole Gallery www.ratholegallery.com Djordje Ozbolt 25 May – 23 June Taro Nasu Gallery www.taronasugallery.com

BANGKOK Kamin Lertchaiprasert: Before Birth After Death 24 March – 31 May NumThong Gallery at Aree www.gallerynumthong.com This exhibition, which is a

Art on Farm: A Diary from the Isan Plateau 31 March – 24 June Jim Thompson Art Center www.jimthompsonhouse.com Prasit Wichaya: Tales from the Land of the Plateau 27 March – 6 May DOB Hualamphong Gallery www.dobthailand.com

BEIJING Gu Dexin: The Important Thing is Not the Meat 25 March – 27 May Ullens Center for Contemporary Art www.ucca.org.cn Ma Ke: Life Most Intense 20 April – 18 June Platform China www.platformchina.org Liu Liguo: Trafficking Imagination 27 April – 18 May Yang Gallery Beijing http://yanggallery.com.sg Zhang Hui: Groundless 28 April – 17 June Long March Space www.longmarchspace.com Qiu Shihua 12 May – 8 July Galerie Urs Miele www.galerieursmeile.com

Memento Mori 13 April – 3 June Arario Gallery Beijing www.arariobeijing.com

SHANGHAI Michael Lin: Model Home 10 March – 3 June Rockbund Art Museum www.rockbundartmuseum.org Xu Bing: Book from the Ground 21 April – 29 May Shanghai Gallery of Art www.shanghaigalleryofart.com The Hanging Garden 4 May – 30 June Art + Shanghai Gallery www.artplusshanghai.com Leslie Thornton: Radical Symmetry 26 April – 31 May Elisabeth de Brabant Art Center www.elisabethdebrabant.com Aam Solleveld: Systems of Abundance 1 April – 13 May am art space www.amspacesh.com

HONG KONG ART HK12: Hong Kong International Art Fair 17 May – 20 May Hong Kong Convention and Exhibition Centre www.hongkongartfair.com Jiang Pengyi: Luminant 4 May – 2 June Blindspot Gallery www.blindspotgallery.com Huang Rui: Language-Color 19 April – 12 May 10 Chancery Lane Gallery www.10chancerylanegallery.com

Li Shi Rui: The Shelter 5 May – 17 June White Space Beijing www.whitespace-beijing.com Luo Mingjun: New Works 21 April – 3 July Pekin Fine Arts www.pekinfinearts.com Hisaji Hara: Symphony of Time and Light 21 April – 15 June Three Shadows Photography Art Centre www.threeshadows.cn

Phaneedra Nath Chaturvedi: An Anthropomorphic Incarnation 18 April – 12 May Karin Weber Gallery www.karinwebergallery.com Taiping Tianguo, A History of Possible Encounters 12 May – 12 August Para/Site Art Space www.para-site.org.hk Anselm Kiefer: Let a Thousand Flowers Bloom 16 May – 25 August White Cube Hong Kong www.whitecube.com

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Jiang Zhi: Impure Light 15 May – 16 June Saamlung www.saamlung.com

ISTANBUL Daniel Canogar: River of History 14 January – 13 May Borusan Contemporary Perili Köşk Istanbul www.borusancontemporary.com River of History presents five recent installations that showcase the diverse and unconventional nature of Canogar’s oeuvre as a new media artist; he combines video projection and photography with sculptural elements to create complex multidimensional experiences.

Fifty Years of Urban Walls: A Burhan Doğançay Retrospective 23 May – 23 September Istanbul Museum of Modern Art www.istanbulmodern.org With works that range from small sized pieces to big canvases, and installations that run beyond the walls, to various materials and pursuits, this exhibition unrolls the background to Doğançay’s ways of working over the last 50 years. The exhibition gathers together 14 distinct series and periods of time with works coming from different collections all over the world.

DOHA Louise Bourgeois: Her Life, Her Work 20 January – 1 June QMA Gallery Katara www.qma.org.qa Takashi Murakami: EGO 9 February – 24 June Museum of Islamic Art www.qma.org.qa Cai Guo-Qiang: Saraab 5 December 2011 – 26 May 2012 Mathaf: Arab Museum of Modern Art www.mathaf.org.qa

LONDON Damien Hirst 4 April – 9 September Tate Modern www.tate.org.uk/modern Hans-Peter Feldmann 11 April – 3 June Serpentine Gallery www.serpentinegallery.org Hans-Peter Feldmann presents works from throughout his career. Among the earliest works is a series of booklets titled Bilder (Pictures), each consisting of a collection of photographs of everyday subjects or situations.

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Yayoi Kusama 9 February – 5 June Tate Modern www.tate.org.uk

Galley Richard www.galerierichard.com d Moninot : “Prosopopée.

Dessins sur soie” 5 May – 16 June Galerie Catherine Putman www.catherineputman.com

Rachel Goodyear: Swarm 27 April - 26 May Pippy Houldsworth Gallery www.houldsworth.co.uk

Jérôme Robbe : Country Trash 17 March – 19 May Espace A VENDRE www.espace-avendre.com

Christopher Hanlon: Disseminatus 27 April – 2 June Domo Baal www.domobaal.com Tim Shaw 23 April – 26 May Riflemaker www.riflemaker.org The sculptor Tim Shaw is known for his installation Casting a Dark Democracy, depicting the unrelenting horror of the Abu Graihb jail in Baghdad.

Ron Mueck 19 April – 26 May Hauser&Wirth www.hauserwirth.com The works shown in this exhibition highlight Mueck’s unique form of realism and his poignant use of scale and placement. Using contemporary subjects, Mueck explores timeless themes depicted throughout traditional art history, encouraging the viewer to identify with the human condition.

Laurent Mareschal : Exchange 5 May – 16 June Galeri Marie Cini www.galeriemariecini.fr

BERLIN Gary Hill: Up Against Down 27 April – 30 June DNA Galerie www.dna-galerie.de ‘Up Against Down’ looks at a rare body of non-verbal works by an artist known for his examination of language/image relationships. In this exhibition, Hill’s work presents contradictory notions of physicality, emptiness and hyper reality that reside comfortably in liminal space and suspended time.

Bruce Davidson: Subway 17 March – 20 May C/O Berlin www.co-berlin.info

OUT OF FOCUS: PHOTOGRAPHY 25 April – 22 July Saatchi Gallery www.saatchi-gallery.co.uk Stephen Prina 21 April – 3 June Maureen Paley www.maureenpaley.com The exhibition will include works from the series Exquisite Corpse: The Complete Paintings of Manet, in which Prina indexically draws on the complete oeuvre of Impressionist painter Edouard Manet. Characterized by the appropriation of other artists works, Prina’s work has developed through a series of lasting projects that embrace a multi-faceted system in which personal and art-historical narratives augment one another.

David Shrigley: Brain Activity 1 February – 13 May Hayward Gallery www.southbankcentre.co.uk

PARIS Art Speigelman: Co-Mix 21 March – 21 May Centre Pompidou www.centrepompidou.fr Carl Fudge : Wadsworth 12 May – 23 June

Charles Matton 27 April – 25 May Galerie Michael Haas www.galeriemichaelhaas.de Hans Aichinger: Wahrheit oder Pflicht 27 April – 3 June Maerzgalerie Leipzig Berlin www.maerzgalerie.com Gilbert & George: London Pictures 23 March – 30 May ARNDT Gallery www.arndtberlin.com

MADRID Hans Haacke: Castle in the air 15 February – 23 July Reina Sofia, Museo Nacional Centro de Arte www.museoreinasofia.es José Loureiro: Luz Máxima 12 April – 17 May Distrito 4 www.distrito4.com Erlea Maneros Zabala 24 April – 23 June MAISTERRAVALBUENA

www.maisterravalbuena.com Jerónimo Elespe 19 April – 17 May Galería Soledad Lorenzo www.soledadlorenzo.com

BARCELONA Centre Internacional de Fotograpfia Barcelona (1978-1983) 27 January – 20 May Museu d’art Contemporani de Barcelona www.macba.cat Joaquim Gommis: From the Oblique Gaze to Visual Narration 2 April – 3 June The Joan Miró Foundation www.fundaciomiro-bcn.org Marcos Palazzi 19 April – 22 May Galeria Trama www.galeriatrama.com Vanessa Linares: As days go by 30 March – 1 June Victor Lope Arte Contemporaneo www.victorlope.com A Collage Before Collage 6 March – 3 June Ajuntament de Barcelona www.museupicasso.bcn.es Peter Halley 3 March – 31 May Galeria SENDA www.galeriasenda.com This show presents a large series of medium size paintings as well as large format works and sketches, through which one can better understand the artist’s personal creative method of abstract pictorial constructions with high symbolic value.

AMSTERDAM Guy Tillim: Second Nature 3 March – 3 June Huis Marseille www.huismarseille.nl Marcus Harvey : Sensation 7 April – 16 May Galerie Alex Daniels - Reflex Amsterdam www.reflexamsterdam.com Norman Dilworth 20 April – 16 June Art Affairs Gallery www.artaffairs.net Meiro Koizumi 24 March – 12 May Annet Gelink Gallery

www.annetgelink.com

NEW YORK PULSE New York 2012 3 May – 6 May Metropolitan Pavilion www.pulse-art.com Whitney Biennial 2012 1 March – 27 May Whitney Museum of American Art www.whitney.org Cindy Sherman 26 February – 11 June MoMA www.moma.org Keith Haring: 1978-1982 16 March – 8 July Brooklyn Museum www.brooklynmuseum.org Revolutionary Ink: The Paintings of Wu Guanzhong 24 April – 5 August Asia Society Museum www.asiasociety.org Schiaparelli and Prada: Impossible Conversations 10 May – 19 August The Metropolitan Museum of Art www.metmuseum.org Tacita Dean: Five Americans 6 May – 1 July New Museum www.newmuseum.org Richard Avedon: Murals & Portraits 4 May – 6 July Gagosian Gallery www.gagosian.com Karl Holmqvist: Words Are People 4 May – 2 June Alex Zachary Peter Currie www.azpcgallery.com Chiharu Shiota 17 May – 16 June Haunch of Venison www.haunchofvenison.com Joseph Nechvatal : nOise anusmOs 12 April – 26 May Galerie Richard www.galerierichard.com nOise anusmOs suggests that this includes the connectivity of the noisy universe with the inner human in a spirit of imaginative artistic audacity and erotic spirituality. These new paintings can also be perceived as abstract paintings of light and space.

Marian Goodman Gallery www.mariangoodman.com Animism 26 April – 28 July e-flux www.e-flux.com Siyeon Kim: Thread 10 May – 9 June DOOSAN Gallery www.doosangallery.com Sheila Hicks 20 April – 25 May Sikkema Jenkins & Co. www.sikkemajenkinsco.com Sturtevant: Rock & Rap /C Simulacra 4 May – 23 June Gavin Brown’s Enterprise www.gavinbrown.biz

LOS ANGELES Cai Guo-Qiang: Sky Ladder 8 April – 30 July The Geffen Contemporary at MOCA www.moca.org Robert Adams: The Place We Live 11 March – 3 June LACMA www.lacma.org Herb Ritts: L.A. Style 3 April – 26 August Getty Center www.getty.edu Rogo 23: Autonomous InterGalactic Space Program 22 April – 17 June Gallery at REDCAT www.redcat.org Alex Prager: Compulsion 7 April – 12 May M+B www.mbart.com Yunsun Lee: Weeds 7 April – 19 May PYO Gallery LA www.pyogalleryla.com Kenny Scharf: Hodgepodge 14 April – 19 May Honor Fraser www.honorfraser.com

Giuseppe Penone 4 May – 16 June

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한국어판 012p

Magpie Brewing Co.

Q. Magpie란 무엇인가?

Magpie는 풍부한 향과 현지 재료를 사용해서 크래프트 맥주(craft beer)를 만드는 프로젝트다. 일단 한국에 크래프트 맥주를 들여와 사람들이 전에 해보지 않았던 경험을 즐기게 하고 싶다. 그래서 ‘Magpie 란 무엇인가’라는 질문에는 무언가를 소개하고 교육한다는 개념이 들어갈 수 밖에 없다. 그래서 맥주 시음, 맥주와 음식 매칭, 소규모 맥주 양조 등을 할 수 있는 강좌를 하려고 한다. 참고로 The Beer Store는 이태원, 경리단에 4월 21일 오픈했다. 한국에는 예부터 술을 담그고 즐기는 문화가 발달해 있고, 내 친구들은 실제로 할머니가 직접 만드신 막걸리를 마시곤 한다. 양조도 그것과 크게 다르지 않다고 생각했다. 게다가 한국인들은 맥주를 좋아하지 않는가!

그들이 보유하고 있는 Filson, Individualized Shirts, Mark McNairy (Sanders Co. 제작) 등의 브랜드들은 모두 50년 이상의 역사를 가지고 있다. 그리고 같은 나라에서 같은 방식으로 의상을 제작해오고 있는 제품들이다. 이 매장에서 볼 수 있는 다른 브랜드들에는 Wings+Horns, Makr Carry Goods, Monitaly, Post O’Alls, Alexander Olch 등이 포함되어 있는데 최근에 설립된 브랜드들이라 할지라도 계승되어 온 같은 접근 방식을 사용하고 있다. 새로 생긴 브랜드임에도 불구하고, 나중에 생긴 브랜드들은 혁신적으로 디자인되지 않는다. 대신 그들은 다양한 패턴을 사용하고 디테일을 더함으로써 더 슬림한 실루엣을 만들어 전통적인 아이디어를 현대화시키고 있다. 하지만 퀄리티를 희생시키지는 않는다. 새로운 시즌 제품을 개발하는 것과 더불어 이 쇼룸은 계속해서 들여오는 독특하고 희귀한 수입 빈티지 아이템과 액세서리 컬렉션을 특징으로 한다. 클래식 빈티지와 새로운 버전의 제품을 들여 놓아 Decade Shop의 철학이 시각적으로 드러난다. 이 철학은 시간이 흐르면서 더 좋아 보이게 되는 아이템들이나 길들여질 필요가 있는 아이템들에 특히 중요하다.

Q. Magpie란 이름을 고른 이유가 있나? 이름을 고르기 위해서 많은 번복이 있었다. 결국 Magpie란 단어에 모두 동의하게 되었는데 한국에서 까치라는 단어는 행운이 오는 것을 상징하기 때문이다. 제품 디자인을 맡은 친구와 대화 중에 한국에서 까치는 마을 근처 큰 나무 위에 둥지를 짓고 그곳에서 계속 살기 때문에, 가족의 일부가 된다고 했다. 철 따라 이동하고 떠나는 다른 새들과 달리, 까치는 매년마다 둥지를 크게 만들고 봄이 오면 새끼를 키운다. 그런 점이 단지 잠시 들렀다 떠나는 것이 아니라, 우리가 한국에서 사는 삶의 모습과도 비슷하다고 생각했다.

Decade Shop은 이러한 브랜드들의 이상인 “적게 사지만 좋은 품질의 것을 사기” 의 사절이 되기 위한 기회로 시작되었다. 이 샵의 주인들은 한국에서 품질 좋은 남성 의류의 일부가 되는 것에 대해 대단히 긍정적으로 느끼고 있다. 그들의 목표는 사람들로 하여금 넥타이 옷감의 차이를 발견하는 것이든 가죽 단화의 변하는 빛깔을 알아차리는 것이든 자신들의 옷에 대해 정말로 흥분하도록 만드는 것이다. 그들은 Decade Shop이 적절한 관심으로 고객들에게 그들의 시간을 초월한 제품들이 오래도록 사랑 받게 될 것이라는 사실을 알아차리도록 해주는 곳이 되는 것을 목표로 하고 있다.

Q. 어떻게 이 프로젝트를 한국에서 시작하게 되었나? 처음엔 양질의 맥주가 그리워서 단순히 시작했다. 한국에는 소형 양조장이나 지역 맥주가 많지 않고 기존의 맥주 시장은 별다른 특성 없는 대기업 제품이 포화상태이다. 이런 시장적인 특성을 고려했을 때, 크래프트 비어의 가능성이 보였다. 또한, 다른 양조업체와 함께 일해서 일종의 한국형 크래프트 비어 커뮤니티와 문화를 만들고 싶다. 그래서 이들을 경쟁자로 생각하지 않는다. 한국에 와서 보니 외국인이 한국에서 하는 사업은 주로 이미 만들어진 것을 수입해오는 방식이었다. 그러다 보니 오히려 진정한 한국 문화의 입장에서 접근하는 방식이 별로 없더라. 그래서 Magpie는 단지 제품 자체를 들여오는 것이 아니라, 새로운 문화와 방식을 들여오고자 한다. 사실 우리가 새로운 무언가를 시도하는 만큼, 우리 역시 배운다. 지금까진 이런 것들이 성장하고 진화하는 과정을 보면서 굉장히 좋은 경험이었다.

decadeshop.co.kr

Q. 타사와 비교해서 어떤 점을 차별화하고 싶은가? 제품이 ‘메이드 인 코리아’라는 점을 강조하고 싶다. 왜냐하면 결국 한국 소비자들을 대상으로 하기 때문이다. 그래서 가능하면 한국 원산지 재료를 시도해보기도 한다. 마케팅적인 측면에서 급작스러운 확장이나 성장보다는 우리와 마인드가 맞는 바 오너나 이벤트를 통해서 일하고 싶다. 계획한 한 가지는 우리 맥주와 한국 음식을 곁들여 시도해보고 싶다. 치맥하면 누구나 떠올리듯이, 각각 다른 향에 걸맞은 한국 음식과 크래프트 비어를 만들고 싶다. 아마 이런 시도는 전에 없었지 않나 싶다.

Q. 마지막으로 Magpie와The Beer Store가 어떤 장소가 되길 바라는가?

The Beer Store는 맥주를 즐길 수 있을 뿐더러 실험실처럼 여러 시도를 해볼 수 있는 공간이 되었으면 한다. 또한, 한국의 크래프트 비어 문화의 중심축이 되었으면 한다.

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Decade Shop Decade Shop은 투박한 스타일에서부터 세련된 의상에 이르기까지 어떤 상황에서든 고객이 맞게 차려 입을 수 있도록 극도로 세심히 고른 브랜드 셀렉션을 제공한다. 이 프로덕트 샵의 물품들은 여러 시즌이 지나도 옷장에 둘 수 있는 품질을 지닌 최상의 퀄리티를 가진 재료들로 만들어진다.

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미국과 캐나다에서 태어나고 자란 이 샵의 운영자들은 어려서부터 품질 좋은 의상을 좋아했다. 이들은 양에 초점을 맞추는 대신, 많은 북미의 업체들은 디자인 과정과 생산의 관계를 긴밀히 하는 것에 중요성을 둔다. 이는 모든 과정을 현지에서 계속하고 더욱 통제가 가능하게 하기 위해서다. 이러한 제품들은 한 시즌에만 입도록 만들어진 것이 아니라 실용성과 내구성을 갖도록 개발되었다.

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WAYSOFSEEING

4월 1일 아티스트 그룹 선인장이 운영하는 까페 ‘WAYSOFSEEING’에서 수상한 시사회가 열렸다. 지난 호에 ELOQUENCE에 소개되었던 영상 감독 Kimbo Kim이 직접 지휘하고 있는 이 영상 프로젝트는 실제로 존재하는 카페에서 실제 인물들이 제작에 참여하고 출연을 하면서 이슈가 되고 있다. 필름 디렉터, 영화배우 등 영화계의 젊은 디렉터들이 모여 다양한 장르의 아티스트들과 함께 영상을 연구하며 제작하는 것이 이 프로젝트의 가장 핵심적인 재미 요소다. WAYSOFSEEING은 이렇게 필름과 아트의 연구를 통해 보다 실험적인 영상을 제작하고 싶어하는 컨템퍼러리 필름 아티스트들의 첫 번째 에피소드인 셈이다. 이 프로젝트의 제목이자 주요 배경 공간인 WAYSOFSEEING 또한 아티스트 그룹 선인장이 직접 운영하는 실제 카페의 이름이다. 프로젝트는 이 공간에서 시작되었고, 이 공간에서 점차 진화되어 간다. 등장인물도 패션디자이너, 헤어 메이크업 아티스트, 스타일리스트, 잡지 편집장, 영화감독, 아티스트 등 다양한 장르의 크리이에터들이다. 이들은 모두 프로젝트에 참여해 함께 영화를 제작하거나 출연을 한다.

WAYSOFSEEING은 러닝타임 15분의 에피소드를 10회에 걸쳐 제작하는 열 편짜리 영화 드라마의 구성을 가지고 있다. 매 회마다 ‘청춘과 예술, 그리고 꿈’을 상징하는 단어가 에피소드의 주제처럼 등장을 한다. 감독은 이러한 에피소드와 등장인물을 통해 ‘꿈을 찾아가고 있는 젊은 크리에이터’들의 열정, 에너지, 삶과 고뇌 등을 주제로 삼았다. 불안한 현실과 열악한 환경 속에서 꿈을 쫓는 젊은 아티스트들의 소소한 이야기를 통해 자신을 되돌아 볼 수 있는 시간을 찾아보자는 의도는 다분히 감독 자신이 겪었던 또는 지금도 겪고 자화상적인 이야기다. 감독은 지극히 평범한 공대생 ‘정운’의 눈을 통해 이러한 자신의 이야기를 투영시킨다 이야기는 지방 출신의 주인공이 군대를 전역하고 학비 마련을 위해 ‘WAYSOFSEEING’이라는 카페에 아르바이트를 하게 되면서 시작된다. 주인공은 아티스들의 아지트인 카페 ‘WAYSOFSEEING’에서 다양한 스타일의 아티스트들과 함께 생활하며 자신의 꿈을 발견해 나간다. 앞서 말했다시피 이 드라마에 등장하는 인물은 대부분 실제 인물을 모티브로 삼고 있으며, 실제로 직접 배우로 출연을 하고 있다. 연기적으로 접근하자면 어색할 수

밖에 없다. 하지만 꾸밈없는 자연스러운 리얼리티와 출연자 특유의 개성이 그대로 앵글에 담겨 독특한 분위기를 자아낸다. 감독은 앞으로도 보다 많은 아티스트가 이 프로젝트에 참여하길 희망한다. 때문에 시나리오도 전체적인 스토리만을 잡은 상태에서 참여하는 아티스트에 따라 변형되는 ‘오픈 시나리오’ 방식을 택했다. 재밌는 프로젝트 많이 하기로 소문난 크래커 랩과 ELOQUENCE는 이미 이 유니크한 프로젝트에 메인 후원사가 되기로 했다니, 필름에 관심 있는 사람들은 서둘러 참여해보는 것도 좋을 것이다. 공식 홈페이지를 통해 앞으로의 온오프라인 활동을 볼 수 있고, 4월 1일 첫 시사회를 시작으로 매달 1일마다 다음 에피소드가 유투브에 업데이트 될 예정이다.

있나? 너무 많다! 첫 번째 파티는 성황리에 마쳤다. 그 날 비가 오고 날씨가 엉망이었지만, 많은 사람들의 격려를 받았고 피쳐 DJ는 도쿄에서 가장 큰 하우스 뮤직 파티를 운영하고 Mule Musiq, Endless Flight 및 Let`s Get Lost 를 대표하는 Toshiya Kawasaki 였다. 6월에 열린 다음 Stranger Than Paradise 파티는 국내 최고의 언더그라운드 하우스와 테크노를 보여줄 계획이다.

Q. 한국에서 함께 작업하고 싶은 DJ나 아티스트가 있나? 현재 우리가 제일 좋아하는 국내 DJ는 서울 기반으로 떠오르고 있는 신예 the WEEKEND (MagicoToDisco와 Antwork로 구성됨) 이다. 그들은 현재 제작 중이니, 기대해도 좋다!

Q.음악에 관해 가장 당신을 자극하는 것은 무엇인가?

A: 프랑스에서 자랐기 때문에 음악은 항상 내 일상의 일부였다. 한 때 음반가게에서 일했는데 내가 원하는 만큼 대여할 수 있었다. Nas, Notorious BIG, NWA 같은 90 년대 힙합과 프랑스 랩에 영향을 많이 받았다. 마침 그 때 누나가 New Order와 the Cure같은 뉴웨이브 스타일을 내게 알려주었다. 아마 그 때부터 음악적 취향이 생기기 시작한 것 같다. 요즘은 딱히 한 장르에 머무르지 않으려고 한다. 후에 소규모 파티를 여는 친구들과 클럽이나 페스티벌을 가면서 하우스 뮤직을 접하게 되었다. 그렇게 나는 프랑스 언더그라운드 하우스 뮤직씬에서 DJ 겸 프로듀서가 되었다.

D: 인터넷. 인터넷을 통해 전 세계에 걸쳐 엄청난 뮤지션들이 어떻게 지내는지 알 수 가 있으니 이보다 엄청난 것이 어디 있겠나. 나 역시 그렇게 댄스 뮤직을 알게 되었고. 또한 장르 불문하고 클래식, 살사, 힙합, 블루스 디스코, 테크노, 딥하우스 등을 소개하는 여러 라디오 채널, 팟캐스트, 음악이나 믹스테입을 듣곤 한다. 이 모든 것을 통해 누구보다 앞서 새롭고 놀라운 곡을 찾게 되고, 이런 순간이 내게 가장 행복한 순간이다.

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Project Outings Q. Project Outings에 대해 소개해달라.

Project Outings은 한국의 아티스트와 공연장을 중심으로 하는 예약 플랫폼이다. 각각 다른 컨셉의 댄스 뮤직 파티를 주최하여 새로운 엔터테인먼트적 시도를 하고자 한다. 물론 전세계에 걸쳐 인디 일렉트로닉 댄스 뮤직 레이블도 선정하기도 한다. 한국과 해외의 능력 있는 이들 사이에 네트워크를 형성하려고 노력 중이다.

Q. Project Outings의 목표나 미션이 있다면? 새로운 씬을 구축하고 언더그라운드에서 더 많은 관중을 끌어들이고 싶다. 그렇게 하기 위해서는 퀄리티있는 아티스트와 DJ를 서울에 소개하고 대중을 즐겁게 할 새로운 방법을 시도할 것이다.

Q. 앞으로의 프로젝트가 있나? 글쎄, 지금은 6월에 열린 두 번째 Stranger Than Paradise 파티를 준비 중이다. 그 이외에 플래툰에서 매달 금요일에 사람들을 편안하게 해줄 식전 파티나, 홍대 바 EXIT에서 무료에 편안한 하우스 뮤직 파티를 생각 중이다.

Q. Antoine Le Toumelin과 Dambi Kim은 서로 어떻게 알게 되었나?

Antoine Le Toumelin (A) : EXIT라는 바에서 각자 파티를 열었고, 지난 해 여름 알게 되었다. 나는 Hear to Listen Here to Dance라는 파티를, 담비는 Discowave라는 파티를 열었다.

Dambi Kim (D) : 실제로 만나기 전 서로에 대해 알고 있었다. 이런 재미있는 파티를 열고자 한 사람이 누굴까 궁금했고, 자연히 친구가 되었다.

Q. 한국의 클럽씬에 대해 어떻게 생각하나? 서울에 어떤 스타일의 새로운 사운드를 보여주고 싶은가? 클럽의 수를 고려하자면 예측하기 어렵다. 거의 한 달마다 새로운 클럽이 생기는 듯하지만, 다양성의 측면에서는 부족하다. 아쉽게도 많은 클럽에선 비슷한 스타일의 음악을 틀고 대부분 주류 관중에 편중되어 있는 비슷한 컨셉이나 디자인을 고수한다. 하지만 서울은 분명 많은 가능성을 가진 도시이고, 파티 기획자로서 다양한 뮤직 서브컬처를 만들어내고 싶다. 게다가 아직 한국에 소개되지 않은 훌륭한 댄스 뮤직 DJ나 프로듀서들이 많다. 우리는 이런 세계적인 뮤지션들과 인맥을 쌓아서 그들에게 한국 댄스 뮤직씬을 접할 수 있도록 파티를 열고 싶다. 좋은 퀄리티의 쇼를 열수록 사람들도 그들을 점차 인지하게 될 것이라고 믿는다. 물론 미래에 클럽씬을 맡게 될 댄스 뮤직의 젊은 팬들에게도 영향을 줄 것이고. 이 다음 단계에 도달하면 국적에 상관없이 각자의 스타일을 보여줄 수 있는 뮤지션을 위한 공간을 만들고 싶고 다양한 관중을 위해서 파티 후 서로 소통하고 나눌 수 있는 곳을 만들고 싶다.

Q. 이러한 새로운 흐름을 서울은 받아들일 준비가 되었다고 보는가? 그렇다. 서울은 분명 우리가 제공하고 싶은 파티를 소화하기에 적절한 곳이다. 단지 함께 좋은 퀄리티의 댄스 뮤직 파티를 하고자 하는 열정적인 사람들을 더 만나고 싶다.

Q. Stranger Than Paradise가 궁금하다.

Stranger Than Paradise는 Project Outings에 의해 만들어진 일렉트로닉 댄스 뮤직 파티이다. 디스코, 하우스, 펑크, 테크노 사운드에 가장 영향을 많이 받았고 기존 한국의 클럽 사운드와 다른 경험을 느낄 수 있는 기회를 만들고 싶다. 다재다능한 국제적 아티스트와 DJ를 만날 수 있고, 서울을 컨템포러리 클럽 뮤직씬의 새로운 목적지로 삼고자 한다.

Q. 다음 번 Stranger Than Paradise 파티를 위해서 어떤 아티스트를 염두하고

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202 Factory Q. ‘202 팩토리’에 대해 설명해 달라. 가방과 액세서리 브랜드이며 모두 핸드메이드로 제작한다. ‘202 팩토리’는 자신의 아이덴티티가 강한 사람들을 위해 탄생했다.

Q. 언제 처음 만들어졌나?

2010년 시작했고, 시즌으로는 세 번째다.

Q. 홈페이지에 들어가니 이런 설명이 있더라. ‘패션과 아트를 복합 생산하는 공장.’ 이 말은 어떤 의미인가? 욕심이 많아서인지 설치나 일러스트 등의 개인 작업도 계속 하고 싶다. 원래 일러스트도 그렸다. 비록 판매 목적의 상품을 제작하긴 하지만, 제품에 내가 생각하는 아트적인 요소를 섞고 싶었다. 패션과 아트를 복합 생산한다는 의미는 그런 마음에 대한 설명이라고 이해하면 된다. 액세서리와 가방 같은 소품 역시

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패션의 범주 안에 있으니까.

Q. 대학에서 공예를 전공한 것으로 안다. 액세서리나 가방 같은 아이템을 선택하게 된 이유는 무엇인가? 어느 날 뜬금없이 액세서리를 만들어야겠다고 생각한 건 아니다. 공예를 전공하면서 자연스럽게 이어진 작업이기도 하다. 카이 아크만 (Kai-aakmann) 의 에디터로도 활동 했었는데 그 때 처음 패션 분야에 발을 들였다. 그러다 보니 패션과 관련된 일을 하고 싶었고, 전공과 패션 두 가지를 모두 충족시키는 일이 무엇일까 고민했다. 결국 지금의 ‘202 팩토리’가 만들어졌다. 전공에 관해 좀 더 정확히 말하면 아직 졸업은 못했다.

Q. 학업과 병행할 생각은 없는 건가? 당분간은 그럴 것 같다. 다만, 외국에 나가서 공부해보고 싶은 마음은 있다. 감히 평가할 입장은 아니지만, 해외 주얼리는 우리보다 좀 더 과감한 면이 있다. 만드는 사람이나 받아들이는 사람 모두의 시선이 좀 더 여유 있게 느껴지기도 한다. 그런 요소들이 디자인 하는데 도움이 되지 않을까?

Q. 디자인할 때 주로 염두에 두는 것이 있나? 좀 ‘다른’ 것을 만들어야겠다는 생각이 있다. 더불어 ‘202 팩토리’만의 특징이 잘 살아있는 디자인이어야 한다. 보기만 해도 ‘202 팩토리다!’ 할만한 것 말이다.

Q. 이를 테면, 로프백? 그렇다. 로프백은 ‘202 팩토리’의 시그니처 아이템이라고 할 수 있다. 동대문 시장에 우리의 디자인을 그대로 베낀 제품이 돌아서 속상하긴 하지만…

Q. 긍정적으로 생각하면 차고 넘치는 주얼리 브랜드 속에서 ‘202 팩토리’가 갖는 차별성에 대한 반증일 수도 있다. 당신이 생각하는 ‘202 팩토리’만의 특징은 무엇인가? 단순한 것처럼 보이지만 그 속에 독특함이 있다. 예를 들면 로프백처럼 서로 어울리지 않을 듯한 소재의 조화로움을 찾아내는 것. 대학 때 금속과 섬유를 함께 다루어서인지 재료를 혼합하는 작업이 재미있다.

Q. 대부분의 상품이 품절이더라. 판매가 우선 목적이니만큼 당신의 입장에서는 분명 기분 좋은 일이다. 그렇다면 디자인의 결과물에 대해서도 만족하는 편인가? 그렇지 않다. 언제나 완벽하게 만들고 싶다는 희망으로 다음 디자인 작업을 시작한다.

Q. 어떤 브랜드로 만들고 싶나? 그러고 보니 어떤 브랜드로 만들어야겠다는 생각은 해보지 못했다. 단순히 그때그때의 계획이 있었을 뿐이었다. 이번 기회에 한 번 진지하게 생각해 봐야겠다.

Q. 그렇다면 올해의 계획은 무엇인가? 해외에 진출하는 것. 지난 3월에 일본 도쿄에서 열린 <룸스 링크(Rooms Link)> 에 참여했다. 쉽게 말하면 패션 박람회다. ‘룸스(Rooms)’는 일본 전역의 브랜드를 홍보 대행하며 유통하는 회사로써 이 행사를 통해 새롭고 영향력 있는 브랜드를 발굴하여 선보인다. 아시아 전역의 패션 관계자들이 모이는 곳이니만큼 해외에 진출의 기회도 열려있다고 보면 된다. 운 좋게도 ‘202 팩토리’의 반응이 꽤 좋았다. <룸스 링크(Rooms Link)>는 일년에 두 번 열리고 10월에도 참여할 예정이다.

Q. 해외 진출의 계획이 이루어지길 바란다. 어쨌거나 2년이라는 시간에 비하면 굉장히 빠른 성장이라고 봐도 되겠지? 그런 것 같다. 어떤 계획을 세우면 대부분 그대로 진행된다. 아직까지는 운이 좋은 편이다. 지인들의 도움도 빼놓을 수 없다. 그래서 더 감사하고 그만큼 열심히 해야겠다는 생각이 든다.

Q. ‘202 팩토리’와 더불어 당신의 목표는 무엇인가? 나의 목표가 곧 ‘202 팩토리’의 목표라고 할 수 있다. ‘It Is Genuine’은 이번 시즌 테마다. 점점 현실에 부딪히면서 감정이 메말라 가는 것에 대한 아쉬움으로 생각해 냈다. 순수했던 마음과 함께 진심 어린 마음으로 일에 대한 진정성도 찾자는 의미에서 말이다. 좋아서 시작한 일이니까 열심히 해내고 싶다.

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Seung Pyo Hong Q. 원래 프린트 제작을 했다. 어떻게 시작하게 되었나? 내가 고등학생이었을 때 나는 고야, 렘브란트 그리고 달리를 정말 좋아했다. 특히 고야와 렘브란트의 에칭과 달리의 리소그라피를 좋아했습니다. 누나가 디자이너인데 누나의 책에서 이런 스타일을 보게 되었고, 프린트 메이킹을 공부하기로 결심했다.

Q. 아날로그 프린트메이킹 말인가? 그렇다. 예전에 프린트메이킹은 가장 혁신적인 기술이었다. 그전에는 원본만 존재했지 않은가. 프린트메이킹이 생기면서 책이나 여러 인쇄물의 경우 에디션 개념이 가능하게 되었다. 프린트메이킹 과정을 따라 작업하면, 이는 기계적인 과정이기도 하다. 예를 들어 포토 에칭의 경우 사진을 스틸 플레이트 위에 노출시켜야 한다.

Q. 고야, 렘프란트 그리고 달리의 작품에 끌리는 이유가 있나? 나는 그들의 그리는 방식에 매료되었다. 시각적으로 봐도, 일단 좋다. 고야의 그림을 보면 특히 에칭은 정말 믿지 못할 정도로 컨템포러리하다. 오래된 것들이지만 고야의 그림과 일본의 만화 (Manga) 간에 유사점이 있다. 이들 스타일이 마치 아시안에서 나온 것과 같은 기분이 든다. 많은 사람들이 고야의 에칭 작품을 접하지 않아서, 종종 사람들에게 이것을 보여주면 일본 망가 아트라고 생각하는 경우도 있다.

Q. 작품에 많은 기계가 있고, 특히 기계적인 부속들이 나온다. 어렸을 적 난 학교가 쉬는 날이면 공장을 운영하시는 아버지와 함께 시간을 보냈다. 아버지는 정말 창조적인 분이셨다. 그는 항상 새로운 기계를 조립하고 청사진을 그리곤 했다. 아마 그런 부분에서 자연히 영향을 받지 않았을까.

Q. 아버지가 발명가였나? 그렇다기 보다는, 그런 정신이 있었다. 항상 DIY 마인드가 있었달까?

Q. 의도하지 않아도, 기계적인 부속 디자인에 자연스럽게 매력을 느끼는 편인가? 아티스트가 되려고 결심하기 전에 나는 과학자가 되고 싶었다.

Q. 엔지니어가 아니라? 엔지니어가 아니라 생물학자가 되고 싶었다. 그건 다른 이야기인데, 나는 항상 오래된 기계들을 좋아하였고 그들이 어떻게 작동되는지 보려고 분해하는 것을 즐겼다. 그것이 나의 그림에 들어 있다. 가끔 기존 기계의 부품을 그리기도 하고, 내 스스로 만들어내는 경우도 있다. 엄청 많은 유형의 기계를 보아왔다. 마치 무엇인가 발명하는 듯하기도 하다.

Q. 그림을 보면 기계적인 부품도 있고, 구식 컴퓨터도 있다. 구체적으로 어떤 점이 매료시키나? 나의 그림은 찰스 다윈에서 시작했다. 나는 인간의 유기적 기능에 한때 사로잡혔고, 그래서 생물체처럼 기계들이 어떻게 작동하는가 생각하게 되었다.

Q. 유기체에 대해서 조금 더 설명해달라. 실제로 사람이든 동물이든 모든 유기체를 생각한다. 초반에는 물고기의 아가미, 공기주머니, 심장 등을 해부하고 어떻게 이들이 돌아가는지 연구했다. 그리곤 이러한 유기체들에 대한 모습을 잊고, 대신 기계와 컴퓨터들에 의하여 어떻게 그 기능들이 재생될 수 있을까 상상했다. 나는 과학자가 아니다. 그래서 나의 지식은 제한되어 있다. 그런 점이 어떻게 보면 내 작업을 복고풍으로 보이게 한다. 스팀과 함께 작동해야 한다는 것이 기계에 대한 나의 컨셉이다. 이것들은 대단히 진보한 기계가 아니다. 현대 기계들은 디자인을 중요시 하다 보니 외면만 볼 수 있다. 아이폰을 보면, 실제로 어떻게 작동하는지 볼 수 없다.

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Q. 이해하는 한 기계 (machine) 는 기관을 이해하는 방편이다. 사이보그 (cyborg) 를 창조하는 것에 관한 것인가? 이들간의 관계는 무엇인가? 그것은 사실 대단히 교묘하다. 가끔 나의 기계들은 어떤 의미가 없다. 그들은 어떤 면에서는 비꼬는 것이다. 내가 믿는 것은 과거에는 인간의 진화가 자연적인 여건에 의존하였다. 대부분의 동물들은 계속하여 자연에 의존하고 있는 반면에 인간은 자연에 적응해오고 있다. 이제 인간은 자신의 환경을 창조하고 거기에 적응해 간다. 그것은 마치 원과 같다. 우리는 환경을 만들고 우리는 환경을 변화시킨다. 그래서 나의 그림에서 나는 유기체와 같은 기계를 창조하고 거기에 모양을 준다. 그것은 우리가 만든 기관에서 우리가 사는 것과 같다.

Q. 작품에서 유기체에 대한 언급이 없는 이유가 있나? 나는 사람들이 이전에 한 것을 피하고 싶다. 당신은 기계가 두뇌를 대신하는 머리 이미지를 본적이 있나? 그것은 나에겐 너무 뻔하다. 사람들에게 우리는 우리가 만든 환경에서 산다는 것을 보여주고 싶다. 그래서 나는 기계의 발명에 대한 영감으로 유기체를 참고할 필요가 있다.

Q. 언제부터 이런 시리즈로 작업을 시작하였나? 나는 2008년에 시작하였습니다. 나의 새로운 작업은 유사합니다; 나의 머리엔 창조할 기계들이 너무 많이 있지요. 글쎄요 약간 다른 이야기이지만 나는 그것을 개발하고 있습니다. 나의 주요한 이야기는 왜곡될 것입니다. 당분간 나는 놀이공원 - 서커스 - 시리즈에 대하여 작업하고 있습니다. 가끔 나는 그것이 어디에서 비롯하였는가 궁금해 합니다; 이 것은 내가 종전에 해온 것과 너무 거리가 있는 것 같습니다. 그러나 그것은 어찌되었든 연계되어 있지요. 나는 또한 요즘에 조각을 합니다. 나는 아주 많은 청사진이 있으며 나는 그것을 실행하고자 일하고 있지요.

Q. 그래서 기계 부품으로부터 조각을 만드나? 그렇다. “하늘이 소리 내고 엔진이 기어간다 (Sky Sounds, Engine Crawls)”라고 불리는 작품이 있다. 그것은 비행기 엔진 소리에서 나오는 소리로 만든 사운드 설치물이다. 런던에 살고 있을 때 항상 비행기 소리를 들을 수 있었고 그래서 이 기계소리가 영향을 주었다.

Q. 기계 사운드가 나와서 하는 말인데, 어떤 음악을 좋아하는가? 그것도 상반되게도, 독일의 테크노음악과 고전, 특히 쇼팽을 좋아한다.

Q. 그것 역시 일종의 비유인가? 기계가 테크노 음악이라면 고전음악은 오가닉을 의미하듯이? 잘 모르겠다. 아마도 우연한 일치이겠지?

Q. 음악이 작품에 영향을 주는가? 그렇지는 않다. 내 작품은 보다 관념적이다. 내가 가진 아이디어를 시각화 하고자 한다. 나에게 영향을 주는 것은 공상 과학소설, 특히 프리츠 랭 (Fritz Lang)의 ‘ 메츠로폴리스 (Metropolis)’ 같은 옛날 영화를 특히 좋아한다. 많이 알지는 안지만 그것은 항상 나에게 큰 영향을 주었다.

Q. 이런 기계적인 환경에서 사는 것을 긍정적 혹은 부정적으로 생각하는가? 희극적인 관점으로 받아들인다. 나 역시 기계를 많이 그려 잘 활용하기 때문에 그것이 나쁘다고 보지는 않는다. 또 나 역시 기계를 보는 것을 좋아한다. 이를 테면 공항같은 곳에서. 내가 가장 좋아하는 공항은 나고야 공항인데, 그곳엔 비행기를 전체적으로 바라볼 수 있는 커다란 관측용 데크가 있다. 또한 공항에선 각기 다른 비행기 엔진에서 나오는 소리를 들을 수 있다. 물론 기계는 사람의 생활 방식을 나쁘게 만들 수 있지만 어떻게 하겠나? 나의 가족은 유기농 음식을 좋아하지만 나는 다소 회의적이다. 모순적이기 때문이다. 사람들은 신선한 것을 먹고자 하며 동시에 기술의 장점을 향유하고자 한다. 나는 그 중간 어딘가에서 활동할 뿐이다.

Q. 흥미로운 점은 작품이 대단히 깨끗하며 청사진이나 건축계획 같다. 그런데 나는 기계를 연상하면 먼지와 그것들이 작동하는 방식이 떠오른다. 당신의 작품에서 이런 점이 표현되었는가? 많은 사람들이 기계와 오물간에 관련을 갖고 있다. 하지만 나에겐 이들은 예술의 걸작이다. 진정한 예술이랄까! 그것은 그것이 작동하는 원리에 관한 것이지 그 표면이 얼마나 지저분한지에 관한 것이 아니지 않는가. 하지만 나는 손으로 그리는 경우처럼 불규칙성을 좋아한다. 결과적으로 손으로 작업하다 보면 작품을 더 낫게 만드는 실수를 하기도 한다. 앞서 말한 것처럼 나는 프린트메이킹에서 시작했고 완벽주의자 성향이 있다. 마치 완벽한 프린트나 복사판을 추구한 예전의 프린트 제작자들이 생각하는 것과 비슷하다. 하지만 실수나 불완벽함도 보는 이에게 특정한 감정을 불러일으키기 때문에 좋을 때도 있다.

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Yong-oh Kim 김용오의 작업은 현실에 존재하는 이야기를 다양한 칼라와 라인을 통해 재해석하여 판타지를 전해주는데 매력을 있다. 최근 패딩자켓 프로젝트, Seoul of the Dead 등을 진행하면서 주목 받고 있는 신예 김용오를 엘로퀀스가 만나봤다.

Q. 자신을 간단하게 소개해달라. 이름은 김용오이다. 아, 최근 외부에서 연락이 오거나 이름이 실릴 때 ‘김영오’라고 착각하는 경우가 있는데, 내 이름은 ‘김용오’이다. (웃음) 서울에서 주로 작업을 하고, 올해 졸업을 했다. 아직 내 자신을 아티스트라고 소개하기는 조심스럽다.

Q. 어떻게 일러스트에 관심을 가지게 되었는가? 지금 보면 낙서나 습작이지만 어린 시절부터 그림 그리는 것을 좋아했다. 그러면서 주위에 그림을 그리는 친구들에게 자극을 많이 받았다. 앞으로 일러스트만 고집해야 한다던가 하는 강박관념은 없다. 내가 좋아하는 분야인데다 또 잘 할 수 있는 분야이기 때문에 시작하게 되었다.

Q. 잉크가 흘러내리는 그림체나 강렬한 색감이 눈에 띤다. 원래 회화 드로잉처럼 연필을 이용해 보이는 그대로 자세히 그리는 스타일을 좋아했다. 군대를 가서도 그림을 계속 그리곤 했는데 어느 날 갑자기 그림 그리는 것이 너무 힘들게 느껴졌다. 그래서 전에 써보지 않았던 펜으로 새로운 시도를 해보았다. 마침 보았던 잡지가 Nylon이었는데 당시에 모델과 배경의 톤이 강하게 대비되는 화보를 보았다. 그래서 순간 그렸던 그림이 지금의 스타일이나 색감의 기초가 되었다.

Q. 초기 일러스트는 스트리트 패션 사진도 많고, 평소에도 패션에 관심이 많아 보인다. 스트리트 패션 일러스트를 그리게 된 이유는, 스냅샷을 봤을 때 일반적으로 말하는 미의 기준이 아니더라도 개개인에게 나오는 개성과 패션 스타일의 분위기에 강하게 끌렸다. 옷을 자신의 스타일대로 맞춰 센스 있게 입는 사람들을 보니 이전에 알지 못했던 감각을 자극 받는 것 같았다. 개인적으로도 옷을 좋아하고 패션에 관심이 많다.

Q. 학교를 졸업한지 얼마 되지 않았지만, 2009년부터 전시회, 콜라보레이션, 서적 등 다양한 이벤트를 해왔다. 경험적인 측면에서는 여전히 부족하다. 군 제대 후 협소한 공간에서 개인전시 한 곳을 우연히 들리게 되었다. 장소는 좁았지만, 작가의 열정이 강하게 느껴졌고 공간에서 나오는 분위기가 나를 압도했다. 그래서 공간의 크기에 상관없이 내 이름을 걸고 전시를 해보고 싶었다. 그래서 작품을 캔버스에 옮기게 되었고, 그러다 점차 그림을 알아봐주시는 분들이 생겨서 외부에서 연락이 오면 프로젝트도 하게 되었다.

Q. 최근 출간한 책, Seoul of the Dead에 대해 알려달라. 책을 제작하게 된 계기는 SSE프로젝트를 통해 만들어졌다. (SSE프로젝트는 한 달에 한번 아티스트를 선정하여 인터넷과 소책자 형식으로 책을 출판한다.) 예전부터 관심있게 보았던 프로젝트였고, 몇 번 컨셉북을 통해 참여하기도 했다. 이전에 그렸던 일러스트 중에 좀비물 습작이 있는데, SSE프로젝터 디렉터와 마음이 맞아 시작하게 되었다. 좀비는 문화권에 상관없이 공감할 수 있는 전세계적인 캐릭터라는 점이 좋았다. 또한 작업할 때 개인적인 경험에서 영향을 많이 받아서 내가 서울에서 살아온 사람이라는 점을 자연히 녹여내고 싶었다. 그래서 서울 근처를 다니면서 내가 자주 보았던 배경에 좀비 캐릭터를 설정하게 되었다. 사람들이 서울에서 자주 볼 수 있는 느낌이나 상황을 이야기로 풀어내려고 했다.

Q. 작품을 보면, 팝, 스트리트 패션, 본인의 여행기나 일상의 모습에 이르기까지 일기를 보는 기분이 든다. 어떻게 그릴 대상을 고르는가?

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의도적인 접근보다는 잡지나 영상을 본다든지, 살면서 기억에 남았던 순간이라든지 내게 감정적 여운을 주는 것들을 내 식대로 표현한다. 여행 일러스트 역시 그런 경험의 연장선이다. 어릴 때부터 호기심이 많았고 돌아다니는 것을 좋아했다. 버스 타고 동네를 구경하고 못 가본 길도 혼자 들어서기도 하고. 대학생이 되어 태국으로 짧게 해외여행을 갔었는데 낯선 환경과 그 속에서 만나는 사람이 너무 좋았다. 돌아온 뒤에도 계속 여운이 남고 아쉬운 생각이 맴돌아 결국 태국을 다시 가게 되었다. 알지 못하는 곳에 와서 느끼는 당혹감과 기존에 익숙했던 것들과는 다른 이질감까지도 여행의 일부로서 나를 자극한다. 여행을 일러스트로 그려야겠다고 결심한 곳은 인도였다. 인도 여행 중 정말 온갖 일을 다 겪었는데, 귀국하고 나니 기억에 남았던 부분이 많아서 자연히 그리게 되었다.

Q. 여행 중 기억에 남았던 에피소드나 작품이 있나? 인도에선 웃지도 울지도 못할 일들이 너무 많았다. 여권과 모든 것을 잃어버리고 버스를 16시간 타기도 했다. 그렸던 그림 중에 재밌었던 일은 히말라야 트렉커스와 낙타 사파리이다.

Q. 최근 계획 중인 일이 있나?

2달 정도 인도를 가려고 한다. 태국, 인도, 말레이시아를 생각해두고 있긴 한데 도착지와 출발지 외에는 딱히 정해둔 곳이 없다. 이런 점이 여행의 묘미 아닌가! 또 여행지에 대한 정보나 사진자료 위주의 여행책보다 내가 바라본 장소를 그림으로 표현한 여행책을 내고 싶다. 글은 그림을 설명하기 위한 장치로서만 최소화해서 서적이라기보단 그림책이란 단어가 더 어울릴 것 같다.

Q. 아티스트로서 목표나 꿈이 있다면?

30대 중반이 되기 전에 여행영화를 찍고 싶다! 최종적으로 하고 싶은 것은 전방위 예술(작가의 특정 스타일을 다양한 매체를 통해 표현하는 방식)이다. 영화, 조각 등 다양한 매체로 표현하기 위해서는 무엇보다도 내 스타일을 만들어나가야 할 것이다. www.infinitykyo.com

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Song Byeok Q. 당신은 탈북 작가로 알려져 있다. 한국에서 작가로 활동하게 된 사연을 듣고 싶다. 탈북 전, 난 북한에서 7년 동안 선전화 그림을 그렸다. 그 당시 시간은 말로 표현하기 힘들 정도로 힘들었다. 실제로 사람들이 굶어 죽어나가고 많은 가정들은 파탄 지경에 이르러 있었다. 우리 가정도 그 막바지까지 갔었다. 이렇게 살면 도저히 안되겠다는 생각에 나는 아버지와 함께 식량을 구하러 중국에 가기로 결심했다. 그러나 중국으로 넘어가는 도중, 두만강에서 아버지는 목숨을 잃으셨고, 나는 국가 보위대 요원에게 붙잡혔다. 그리고 나는 수용소 생활을 했다. 우여곡절 끝에 2002년에 한국에 들어올 수 있었다. 2003년에 공주 사범 대학에 입학해 4년 동안 한국화 공부를 했다. 그러나 난 계속 미술 공부를 하고 있었고, 홍익대학교 대학원에 진학했다. 학업을 하면서 나는 북한 사회의 과거와 현재의 모습을 작품화하여 남한의 사람들과 소통해야 한다고 생각했다. 졸업 후 나의 생각은 더욱 확고해졌고, 작업에 몰두했다. 그리고 2011년 1월, 인사동 갤러리에서 첫 개인전을 열었다.

Q. 첫 개인전의 대한 반응은 어땠는가? 놀라울 정도로 뜨거운 반응이었다. 전시를 하자마자 나는 조명을 받았다. 나의 작품 활동을 탐탁히 여기지 않았던 분들도 박수를 쳐 주었다. 그 분위기가 이어져 올해 초에는 애틀랜타에서도 전시를 했다. 아틀랜타 전시회 이후 나는 국내에서만 활동할 것이 아니라 해외 활동을 통해 외국인들과도 폭넓게 소통해야 한다는 것을 알게 되었다. 요즘은 한 사람의 작가로서 남북의 문제의 소재를 벗어나 보다 지구촌의 인권, 자유, 평화 그리고 종교적 갈등에 대한 다양한 주제로 작업을 하고 싶다는 생각을 많이 한다.

Q. 당신 작품의 주된 주제는 무엇인가? 나는 나의 작품 안에서 인권과 인간존엄에 대한 소중함, 평화에 대한 이야기를 많이 다룬다. 세상의 대부분의 사람들은 인간존엄, 그리고 자유가 얼마나 소중한지 잊고 살아 가고 있다. 난 그들에게 이것들이 얼마나 소중한 것인지를 알려주려 싶다. 이번 4월에 워싱턴에서 전시를 한다. 나는 이번 전시에서도 ‘절망 속에 살고 있는 사람들에게 희망을 심어주고, 희망 속에서 평화를 누리고 살 수 있다’는 메시지를

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반드시 전해주고 싶다.

Q. 마를린 먼로의 몸에 김정일의 얼굴을 그려 넣은 풍자화, ‘벗어라’가 인상적이다. 나는 대학원 때 처음으로 잡지를 통해 마를린 먼로에 대해 알게 됐다. 미국에서 마를린 먼로는 자유의 상징이다. 항상 밝게 웃으면서 다니는 그녀의 사진 중 환풍기 위에서 치마를 붙잡고 있는 그림이 가장 인상적이었는데, ‘만약 마를린 먼로 몸에 김정일 국방위원장의 얼굴을 그려 넣으면 어떨까’라는 아이디어를 생각하게 되었다. 처음에는 마를린 먼로 그림을 그리고 얼굴만 김정일 국방위원장로 바꿔 그렸었다. 그리고 그 작품을 가지고 우리나라 큐레이터들을 찾아 다니며 작품을 크리틱 받았다. 많은 사람들이 작품을 공개하지 말라고 충고했다. 너무 직설적이기 때문에 다양한 충고와 비판이 함께 나에게 왔다. 나는 속상했다. 그러한 많은 비판들을 듣고 집으로 돌아와 작품을 찢어버렸다. 하지만 절망하지 않고 다시 고민하고 또 고민했다. 나에게도 예술가 특유의 고집이 있었나 보다. 나는 다시 같은 주제로 작업을 시작했고, 그 때 금붕어를 그려 넣었다. 그리고 그 이후 인사동에서 첫 개인전을 할 때 그 작품을 선보였다.

Q. 그렇다면 금붕어는 무엇을 상징하는가? 마릴린먼로와 금붕어를 통해 어떤 메지지를 전달하고 싶었는가? 지금 북한은 얼마나 폐쇄적인 사회인가. 내가 북한에 살다가 한국에 처음 왔을 때 한국 사람들은 다 멋져 보이고 잘나 보였다. 사람들은 항상 웃는 얼굴에 행복한 모습만 보였다. 내가 살아왔던 북한 사람들에선 좀처럼 보지 못하는 모습이었다. 대부분의 북한 사람들의 얼굴은 검고 키가 작다. 길을 걷는 사람들도 대부분은 머리를 푹 숙이고 다닌다. 나는 그런 환경에서 자라왔기 때문에 처음 남한에 왔을 당시 마치 다른 행성에서 온 외계인 같다는 생각을 많이 했다. 북한에는 인간의 제일 기초적인 자유 즉 종교의 자유, 예술의 자유, 표현의 자유가 없다. 그래서 나는 은둔의 나라 북한 사회를 감추려 하는 김정일의 얼굴을 자유의 상징 마를린 먼로의 몸에 합성하여 풍자화 시키고 싶었다. 금붕어가 상징하는 것은 바로 북한 국민들이다. 어항 속에 갇혀 있는 물고기는 어항 안의 공간이 전부 인 줄만 알고 있다. 이 물고기들은 즉 세계에서 벌어지고 있는 일들을 전혀 모르는 북한 국민들이다. 통통 튀어 오르는 물고기들은 자유를 울부짖는 북한 사람들의 모습과 말 못하는 사연 들을 동적으로 표현한 것이다. 이렇게 해서 ‘벗어라’가 탄생하였고 난 이 작품으로 인해 미국에도 진출 할 수 있었다.

Q. 당신은 작품을 통해 어떠한 방법으로 이상향, ‘자유’를 표현하고 있는가? 내 작업에는 비둘기와 나비가 많이 등장한다. 나는 “한반도 국민들은 같은 조상이고 같은 나라인데 왜 유독 갈라져서 서로가 상처를 가지고 살아야 하는가, 그리고 왜 그 문제점이 후대까지 지속되어야 하는가” 라는 생각을 많이 했다. 그래서 나는 이 안타까운 감정을 분단되어 있는 한반도를 쉽게 넘나들지 못하는 국민들을 대신해 자유롭게 넘나들 수 있는 나비로 표현하였을 뿐이다. 그리고 비둘기는 평화의 상징이다. 북한 국민들도 가슴 한쪽에는 자유와 평화를 갈망한다. 난 그 마음을 비둘기로 표현했을 뿐이다. 그리고 앞으로도 계속적으로 이와 같은 것들을 등장 시키면서 북한과 세계에서 벌어지는 일들을 같이 작품 안에서 다루며 표현할 것이다. 그리고 나는 당당하게 한국화 기법을 세계 사람들에게 알리고 한국화의 무궁무진한 힘과 긍지, 기법에 대해 소개할 것이다.

Q. 당신의 작품에서 남다른 용기가 느껴진다. 이 용기는 어디서 비롯되는 것인가? 용기라고 할 것 까진 아닌 것 같다. 북한에 계신 나의 어머니와 내 아래 여동생은 굶어서 죽었다. 북한에 더 이상 나를 위해 남은 건 없다. 우리 집안과 같은 가정들이 북한에는 정말 많다. 난 이와 같은 상황을 겪어 돌아가신 분들을 위해 내가 할 수 있는 일이 무엇이 있는지 생각했다. 그들이 하늘 나라에서도 나를 지켜보고 있을 터인데, 내가 화려함과 아름다움 만을 추구하는 그림을 그린다면 나를 어떻게 생각할까라는 생각을 한다. 그래서 이렇게 다른 사람이 보았을 때 남다른 용기가 느껴질 법 한 작업을 하게 되었다. 훗날에 후손들이 나서서 ‘송벽 이라는 작가가 과거에 이러한 활동을 펼쳐 왔었다’라는 말을 하면서 긍지를 가졌으면 하는 마음이다. 반드시 내 개인이 아닌 누군가 이 문제를 용기 있게 다뤄줘야 한다고 생각한다. 난 그냥 탈북 작가로서 이 일이 내가 해야 할 일이라고 생각한다.

Q. 북한의 미술 교육은 어떠한가? 남한과 차이점이 있는가? 북한에서 난 따로 미술 교육을 받은 적이 없다. 그리고 조기 교육이 존재하지도 않는다. 난 그저 어렸을 때부터 미술을 좋아했다. 항상 집에 오면 엄마와 아빠를 그리거나 여동생 공부하는 모습을 그리곤 했다. 동네에서 그림을 잘 그린다는 소문이 나서 난 선전 일꾼으로 뽑히게 되었다. 그림 교육을 제대로 배운 건 한국에 오고 난 후로부터다. 한국의 미술은 자기의 개성이 다 뚜렷하게 살아난다. 하지만 북한의 미술은 마치 한 사람이 모든 그림을 그린 것 마냥 다 똑같다. 역시 자유가 없는 북한에서는 작품에 자기의 생각과 개성을 드러낼 수 없다. 그런 다양성과 자유로운 표현성에 있어서 한국과 북한의 차이점을 크게 느낄 수 있다. 한 가지 예를 들자면, 북한에는 미술 대학에는 누드 수업이라는 게 존재하지 않는다. 있다면 인체 수업뿐이다. 그 수업 시간에는 여성 모델이 수영복 차림으로나마 들어와 포즈를 취한다. 그래서 한국에서 처음 누드 수업을 할 때에도 당연히 그런 방식으로 진행 될 줄 알았다. 하지만 모델 분이 당당하게 들어와 완전한 누드를 보여줬을 때 난 너무 깜짝 놀랬다. 난 생 처음 접한 이런 당혹스러운 상황에 난 손이 마구 떨려서 연필을 쥐기도 힘들었다.[하하하] 이런 부분에서 엄청난 차이점을 볼 수 있는 것 같다.

Q. 북한에서 김일성 선전화를 그리다 탈출한 것으로 알려져 있다. 구체적인 일의 방법과 특징들을 설명해 달라. 선전화에는 확고하게 구체적인 방법과 특징이 있다. 창작단에서 포스터 견본을 제작해 중앙단선전부, 즉 우리나라로 치면 청와대 같은 곳에 넘겨 검사를 받는다. 이 선전화가 통과가 되면 포스터는 말단 기간까지 내려와 우리, 선전일꾼들에게 A4 용지에 뽑아 돌려준다. 그럼 우리는 그대로 똑같이 그림을 그려야만 한다. 선전화 안에는 개인의 성격이나 기법, 생각 또는 메세지를 집어 넣을 수 없다. 그 당시 나뿐만 아니라 선전화를 그리는 모든 동료들은 이 모든 게 진정한 자유이고 당연히 해야만 하는 일인 줄 알았다.

Q. 북한에서 경험했던 힘들었던 점들이 지금의 작업 영감이 되었다고 들었다. 자세하게 한 가지의 예를 들어 줄 수 있는가? 북한에서는 하루 빨리 헐벗고 굶주리고 있는 남 육 땅을 해방시켜야 한다고 교육 받는다. 북한 어린이들 새워 놓고 남조선 어린이들에 대해 어떻게 생각 하냐고 물어보면 딱 고정된 답을 한다. “하루 빨리 헐벗고 굶주리고 있는 남 육 땅 어린이들을 데려다가 우리 장군님 품속에서 같이 뛰놀며 공부하고 싶습니다.”라고 얘기한다. 북한 국민들은 자기 자신이 정말 많은 복을 타고났다고 생각하다. 북한 체제는 밖에서 보았을 때 크고 작은 모순으로 이뤄져 있다. 북한에서 생활할 때는 절대 볼 수 없는 이러한 모순 속에서 나는 끊임없는 영감이 떠오른다.

Q. 앞으로 새롭게 준비하는 프로젝트나 작업이 있다면 그것에 대해 설명해 달라.

4월 9일부터 4월 30일 까지 워싱턴에서 전시를 한다. 그리고 미국의 여러 대학에서 강의를 할 것이다. 앞으로 의 계획은 북한만이 아니고 세계, 지구라는 행성에서 벌어지고 있는 부조리한 사회, 하나님의 이름으로, 신의 이름으로 벌어지고 있는 종교적 탄압, 이러한 것들을 풀어 해쳐 나가려 한다. 같이 태어나서 같이 살아가는 현 시대에 왜 인간으로서 누려야 할, 여성으로서 누려야 할 아름다움을 상실해가면서 자신의 아름다움을 찾지 못 하는가. 이러한 것들을 사회적으로 세계적으로 문제 화 시켜 송벽과 같이 고민하면서 풀어나가는 아름다운 세상을 만들었으면 좋겠다. 그리고 앞으로 전시회를 열면서 몇 퍼센트는 송벽의 이름으로 자원 봉사할 것이다 것이다. 이 모든 일들이 내가 해야 할 일이라고 생각한다. www.songbyeok.com

Q. 당신에게 있어서 제일 먼저 변해야 할 북한의 현실은 무엇인가? 한국이나 북한이나 자본주의든 사회주의든 이 모든 건 국민을 위해 존재하는 것이다. 국민이 행복할 때 자본주의든 사회주의든 좋은 것이다. 사실 알고 보면 사회주의 이론은 매우 이상적이다. 사회주의의 이론상으로 보자면 북한 국민들에게 배고픔과 서러움은 안겨주면 안 된다. 난 여전히 이 부분에 대해 이해 할 수가 없고 그 현실이 그저 안타깝기만 하다. 북한은 늘 강성 대국을 외친다. 모든 정치적, 사회적 초점이 강성 대국으로 가는 길로 맞춰져 있는데, 그런 외침과 실생활은 반비례다. 많은 국민들이 힘든 생활 속에서 살아간다. 인간은 배가 부르면 모른다. 허나 난 가족과 함께 배고픈 서러움을 느꼈었다. 처음에 한국 왔을 때 전기 밥솥으로 만든 흰 쌀밥을 딱 한 숟가락 뜨려고 하는데 도저히 북한에 있는 어머니와 여동생 생각에 먹기가 힘들었다. 북한에선 먹을게 없어 나무 껍질을 삶아서 먹었다. 그런데 많은 한국의 여대생들은 다이어트를 한다고 억지로 굶는다. 북한에서 배고픔을 못 이겨 서러웠던 나는 이런 광경에 그저 헛웃음만 난다. 건강이 얼마나 중요한 것인데 말이다. 가금 다이어트 이야기를 하는 여대생들을 보면 ‘북한에서 딱 한 달만 생활해보라’라고 말해주고 싶다. 다이어트가 확실히 될 거다. [하하하] 044p Q. 대한민국에서 반 북 예술 활동을 하면서 위협을 받은 적은 없는가? 실제로 위협을 받은 적은 없지만 언제가 누군가 나를 죽이려고 했었던 것 같은 직감을 느낀 적이 있었다. 첫 개인전 오픈 날 어떤 젊은 사람이 가방 하나를 들고 스튜디오 문 앞에서 왔다 갔다 하면서 날 오랜 시간 동안 날 주시했다. 내가 한참을 쳐다보자 달아났다. 특별한 위협의 느낌은 없다. 하지만 늘 불안한 마음이 생기는 건 어쩔 수 없다. 사실 엘로퀀스 사진 촬영을 위해 스튜디오로 올라오는데 꼭대기 층에 위치한 스튜디오 느낌 때문인지 순간 에디터님과 포토그래퍼 님이 간첩이 아닌가 하는 생각을 했었다. (웃음) Q. 남한의 젊은이들은 북한의 존재 자체를 잊어가고 있다. 대한민국의 사람들에게 북한의 어떤 점에 대한 깨달음을 주고 싶은가? 멀고도 가까운 것이 한민족이다. 민족의 정체성에 대해서 잃지 않기를 바란다. 요즘 젊은 사람들은 그 사실을 잊어간다. 한민족이라고 생각하는 사람들이 몇 퍼센트나 될까. 한국의 20대 청년들은 이 사실을 잘 모를뿐더러 아예 관심이 없는 이들도 태반이다. 사실 나도 별다른 신경을 쓰지는 않는다. 하지만 난 그것들을 작품을 통해 이야기 하고 싶다. 송벽 이라는 한 예술가로써 민족의 정체성을 작품을 통해 간접적으로 전달하고 싶다.

Q. 탈북 이후, 대한민국에서 적응하기 힘들지 않았나? 힘들었던 점이 있다면 무엇인가? 특별히 따로 힘들었던 것은 없었는데, 접촉함과 북한에 있는 가족에 대한 그리움 그리고 적막감 때문에 좀 힘들었다. 원래 탈북자들이 처음 오면 다 힘들어 한다. 아무래도 다른 사람과 소통을 할 수 있는 상황이나 기회가 생기는 게 쉽지 않기 때문인 것 같다.

Q. 다른 체제를 겪어본 사람으로서, 대한민국에서 느끼는 부조리나 한계가 있는가? 한국에는 너무 자유가 넘쳐 난다.(웃음) 어떨 땐, 너무 자유가 넘쳐 나서 이건 좀 너무 하지 않나 할 때도 있다. 어떤 사람은 재판장에서 ‘김정일 만세’ 라고 외치는 사람이 있지 않나, 또 어떤 사람은 파출소에서 칼 들고 경찰 찔러 죽인다고 날뛰는 사람이 있지 않나. 이런 일들은. 북한에선 있을 수 없는 일들이다. 그리고 한국에서 많은 사람들이 머리를 염색하곤 하는데, 북한에선 큰일 날 일이다. 너무나 자유분방한 생각이나 행동을 제외하면 대한민국에는 딱히 한계나 부조리가 있다고 생각한 적은 없다.

Q. 당신에게 영원한 자유란 어떤 것인가? 아직 나도 그 질문에 대한 해답을 못 찾았다. 영원한 자유는 관객과 나, 세계인들과 내가 같이 풀어야 하는 질문이다. 내가 관객에게 물어보고, 송벽이 세계인에게 물어보고 질문과 답이 오가면서 앞으로 풀어야 하는 질문이다.

Yong Ho Ji Q. 인터뷰 일정을 잡기 전, 뉴욕에 다녀왔다고 들었다. 어떤 일로 다녀오게 되었는가? 특별히 일 때문에 간 것은 아니다. 뉴욕에서 대학원을 나와서 익숙한 곳이고, 세계적인 미술 동향을 살펴 보기에 좋은 곳이다. 2년 만에 갔는데 갤러리도 보고 친구들도 만날 겸 가게 되었다.

Q. 작품을 본 순간 눈을 사로잡은 것은 소재이다. 어떻게 폐타이어를 쓰게 되었나? 학생시절 유럽여행을 갔는데, 미켈란젤로와 로댕의 작품을 실제로 본 순간 아무리 해도 돌과 흙으로 작업하기엔 안되겠구나 싶었다. (웃음) 이왕 조각을 하려면, 나에게 제일 적합한 소재를 찾고 싶었다. 어떤 작업은 흙이나 돌이 어울리듯이 내 작업에 가장 잘 어울리는 것은 폐타이어였다. 나는 돌연변이나 강한 생명체를 다룬다. 또 근육과 같이 부드러우면서 강한 표현을 하기에 폐타이어는 가장 적합한 소재였다. 폐타이어의 질감과 닳아 없어진 텍스쳐, 검정 컬러감이 좋다. 사실 폐타이어는 다루기 쉬운 소재는 아니다. 작업실에 절단할 수 있는 공구와 기계는 다 있는 것 같은데, 그 과정에서 다치기도 한다. 그래서 작업을 하기 위해 따로 운동도 하곤 한다.

Q. 동물의 두상이나 몸, 뼈 구조에 대해서 잘 알아야 할 것 같다. 실제 동물의 모습에선 정지순간을 포착하기 어렵기 때문에, 해부학 같은 서적을 보고 공부를 한다. National Geographic 프로그램을 보다가 인상적인 동물의 포즈가 있으면 그 장면을 멈추고 드로잉 해두기도 한다. 특히 내 작품 속에 동물은 공격과 방어의 중간 자세를 취하고 있다.

Q. 폐타이어의 억척스럽지만 부드러운 느낌이라고 해야 하나, 그것이 동물의 순간을 포착하는데 잘 어울린다. 특히 공격적인 종이 많은데, 대상을 선택하는 기준이 있나? 처음에는 이미지적으로 강한 육식동물 위주로 만들었다. 하지만 여러 동물 종을 보니 체구가 작더라도 생존을 위해 환경에 맞게 강하게 적응하며 진화하더라. 이런 점에 매력을 느껴서 다양한 동물을 선택하게 되었다.

Q. 상어 시리즈처럼 한 동물을 대상으로 포즈, 대상 자체의 변형, 표현 방법 등 여러 시리즈를 연속해서 만들어나가는 이유가 있나? 내 작품 역시 그것 자체로 변화하고 진화하는 과정이다. 예를 들어 상어 시리즈의 경우, 초창기 작품과 최근작은 굉장히 다르다. 아마 그건 내 작업 스타일 영향이 큰 것 같다. 나는 작업 전반을 구체적으로 계획하기 보다 감각적으로 하는 편이다. 큰 드로잉이나 모형을 만들어 두고 작업장 주위에 놓인 타이어 중에 만져보고

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찾아보았을 때 가장 적합하다 싶은 것을 붙인다. 감각적, 우발적, 순간적으로 만들어지는 결과물을 즐기기 때문이다. 그래서 어떤 작업은 초창기 작업에서 완전히 변형이 되어 돌연변이가 되거나, 사람과 결합된 hybrid animal도 있다.

Q. 작품을 통해 무엇을 보여주고 싶은가? 작품에 대한 해석은 다양하게 열어 두게 해서 보는 사람들의 몫으로 남겨 놓고 싶다. 어떤 이들은 크다, 강렬하다라는 1차적인 반응을 보이는 분도 있고, 환경적, 사회적 맥락 안에서 메시지를 해석해주시는 분도 있다.

Q. 작품 만드는 과정에 대해 알려달라. 전통 조각 방식을 그대로 고수한다. 소재만 다를 뿐이지 내부에 프레임을 만들고, 타이어를 붙여나간다. 어깨나 가슴처럼 큰 부분에는 공업용 타이어로 크게 윤곽을 잡고, 섬세한 부분을 작업할 때는 자전거 타이어까지 사용한다. 보통 내 작품은 사이즈가 크다. 크기 때문에 생겼던 에피소드 중에 하나는 뉴욕에 있던 당시 작업실에서 작품을 옮길 수 있는 수단 엘리베이터 밖에 없었는데 최대 공간이 3m 였다. 그래서 그 당시 두상 작업을 많이 하게 되었다.

Q. 웹사이트를 보면 Animal, Hybrid animal, Hybrid human 순서로 작품 소개되어 있는데, 진화론을 연상시킨다. 모든 것은 진화한다. 사람이나 동물, 환경 심지어는 작업 자체도 마찬가지이고. 궁극적으로는 사람에 대한 이야기이다. 재미있는 점은 사람을 직접적으로 변형, 왜곡시키면 관중이 작품을 불편해하는 경향이 있다. 그래서 그것을 동물에 빗대어 표현한 것이다.

Q. 2011년 최근 작으로 Human을 제작했다. 앞으로 나아갈 작품의 방향이 궁금하다. 혹은 생각중인 다른 작업이 있나? 이 프로젝트 안에서 다루고 싶었던 것들은 어느 정도 많이 진행되었다. 사실 학생시절부터 시작했기 때문에 부족한 부분을 계속해서 보완하고 수정해나가는 과정이었다. 그리고 그 과정에서 많은 것을 배우고 경험했다. 현재 하고 있는 작업이 나의 모든 것은 아니다. 나이가 들면서 쌓인 경험들은 내 일부가 되었고, 이것을 바탕으로 앞으로 진행할 프로젝트는 조각에 대한 근본적인 질문을 던져보려고 한다. 틈틈이 회화적인 조각을 해보려고 새로운 소재를 시도하기도 한다. 앞으로 내 작업이 어떻게 진화할지는 정확히 나 역시 예측할 수 없다.

Q. 최근 아부다비에서 ‘코리안 아이’라는 전시를 했다. 세계 아트시장에서 한국 아티스트로서 기분이 어떤가? 아시아 마켓에서 중국, 일본은 하나의 시장으로 인식되지만, 한국의 경우 이제 시작이다. ‘코리안 아이’ 전은 내가 개입한 전시는 아니고, 내 작품을 가진 컬렉터가 해주었다. 물론 나는 고맙고, 좋은 반응도 얻었다고 들어서 기쁘다. 여태 유럽 시장에선 전시 기회가 별로 없어서 최근에는 유럽 지역에서 전시를 생각하고 있다.

Q. 한국 아트는 아직 세계무대에 많이 진출하지 못했는데, 이런 점에 있어서 본인이 특별할 수 있었던 이유가 있을까? 한국이든 외국이든 공모를 통해 전시하고 상업 갤러리와 컨택을 하는, 일종의 절차는 있다. 나의 경우 그 당시 그런 절차적인 부분을 통해 검증 받지 않았다는 우려의 시각도 있었다. 하지만 사실 이런 검증 자체에 진정성이 있는가에 대해서는 의문이 간다. 요즘에는 그런 형식적인 부분이 많이 사라진 것 같다. 나의 경우에는 시기적으로 운이 좋은 점도 있었다. 하지만 가장 중요한 것은 어떠한 루트를 통해 알려지든 아티스트와 작업이 준비되어 있어야 한다. 그래서 나 역시도 항상 작업으로 돌아가 집중하고 준비하려고 한다. 성실한 작가가 모든 것의 기본이기 때문이다. 작가들에게 힘든 점 중 하나는 금전적인 측면이다. 한국에서 작품이 거래되고 작가가 일정 수익을 벌게 된지 불과 얼마 되지 않았다. 이전에는 안정적인 수입을 벌면서 아트를 할 수 있는 대안이나 방법이 많지 않았다. 물론 상업적인 루트와 비상업적 루트 사이에서 작가가 균형을 잡아야 한다. 어찌됐건 할 수 있다면, 많은 젊은 아티스트들에게 아티스트로 살아도 멋있게 잘 살 수 있다는 것을 보여주고 싶다.

Q. 아티스트로서 꿈이나 목표가 있다면? 작가로서 끝까지 가볼 것이다. 그 끝이 무엇인지는 나도 확실히 모르지만, ‘좋은 작가’가 되고 싶다. ‘좋은 작가’에 대한 생각은 작품을 처음 시작하던 때와 달라졌다. 아마 나이가 들어서도 이런 마인드를 잃지 않고 많은 사람에게 즐거움을 줄 수 있는 작가가 아닐까? www.yonghoji.com

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CYJO Q. 뉴욕에서 패션 스타일리스트로 활동했던 것으로 안다. 일의 방향을 바꾼 이유는 무엇인가? 계속해서 패션 스타일리스트를 해야겠다고 생각하지는 않았다. 옷 보다는 사진이 내 감정을 전달하는데 더 좋은 도구가 된다고 느꼈다. 전문적인 사진으로 발을 내 디딘 건 스타일리스트로 일할 때 해 왔던 사진 촬영을 통해서였다. 때문에 패션에서 사진으로의 전향은 어쩌면 나에게 자연스러운 결과다. 신상 컬렉션 제작에 대해 배운 것이 사진집 혹은 그런 작품을 제작하는 데에 적용된 셈이라고 할 수 있다.

Q. 패션과 출판에서의 경험이 당신에게 어떤 식으로 예술적 관행과 창의적 탐구 분야에 영향을 주었나? 패션 산업을 포함한 많은 경험이 나의 작품에 영향을 끼쳤다. 몇 년간 잡지 엘르의 국제판 관련 업무를 했는데, 아시아나 서구판권들은 미적 기준의 분명한 차이를 갖고 있었다. 이를테면, 서양에서는 구릿빛 피부를 위한 상품 광고를 하고, 아시아는 미백 제품 광고를 한다. 지금 유행하는 건(특히 아시아에서) 앞으로 더 나은 기회를 갖기 위해 외모를 개선시키려는 방법이다. 심지어 사람들의 결연한 노력이 엿보일 정도다. 문화와 개인이 어떻게 미를 규정하고 압도되는지가 강하게 나의 흥미를 끌었다.

Q. 아름다움에 대한 해석의 차이를 많이 목격했나? 확실히 개별 문화에 따른 미적 성향의 차이가 있다. 그런데 때로는 그런 기준이 조작된 미의 성향으로 인해 무색해지기도 한다. 우리는 광고, 뮤직비디오, 패션 등 정말 많은 미의 이미지에 둘러싸여 있다. 그런 것들이 얼마나 이 사회에 깊숙이 침투되어 있는지 놀라울 정도다. 당신은 사회가 아름답다고 규정한 것에 얼만큼 저항하실 수 있나? 혹은 얼만큼 저항하고 싶은가?

Q. 이 모든 게 당신의 Beauty series 의 발전으로 이어진 요소인 것 같다. 어떻게 그 이미지들을 제작할 수 있었는지 창작 과정과 함께 설명해 달라.

Beauty 시리즈는 각 이미지를 통해서 특정 여성의 외모를 세밀하게 관찰한다. 각각의 이미지에는 서양인과 아시아인의 공통된 두 명의 모델이 있다. 반은 그 모델들의 원래 인물상을 보여주는 반면, 나머지는 디지털 방식으로 조작되어 각 모델이 상대의 기존 성향을 공유하게 되어 있다. 예를 들어, 아시아계 모델은 쌍꺼풀이 있고, 서양 모델은 외꺼풀로 그려내는 것이다. 이는 관람인들로 하여금 뒤바뀐 특징을 이해하고 원래의 모습에서 더 아름다움을 느끼는지 혹은 조작된 인물상에서 더 그러한지를 결정짓게 한다.

Q. 현재 진행 중인 시리즈인가? 그렇다. Beauty 02 (2012)는 아시아와 서양 모델의 코 구조를 관찰한다. 속눈썹 구조를 보여주는 Beauty 03도 현재 제작 중에 있다. 계속 이어질 것이다.

Q. KYOPO (2004-2009)는 한국 민족의 정체성에 대한 프로젝트인데, 그 밖에 또 있나? 당신의 다른 프로젝트들보다 매체 다양성에서 좀 더 발전된 것 같다.

2004년에는 한국 문화와 현대 사안을 둘러싼 상품을 만들고 싶었다. 당시에는 그 주제에 관해서 어떤 사진집도 없었기 때문이다. 나는 아시아가 아닌 공동체에서 성장하면서, 같은 조상을 가진 사람들이 어떻게 스스로의 정체성을 정의할지도 궁금했다. 그 프로젝트는 그저 한국인과 미국인의 정체성 탐험을 뛰어 넘은 것으로 드러났다. 입양, 혼혈인, 세대간 그리고 집안의 압박, 다국적주의, 정치계의 아시아인, 연예계의 아시아인 등을 포함한 사안들을 담아냈다. 이 프로젝트는 인종과 문화를 초월한 정체성을 나타낸다. 문화와 개인의 진화랄까. 어떻게 전통이 보존되는지, 어떻게 현대성이 수용되는지, 그리고 어떻게 그 둘이 변형되는지에 의문을 갖는 것이다.

Q. Kyopo 가 뭔가? 나는 서울이나 미국을 방문한 친척들을 통해 만난 한국 토박이들에게 교포라고 불리며 자랐다. 나는 교포를 한반도 밖에 살면서 한국 조상을 가진 개인을 지칭하는 중립적인 단어라고 정의한다.

Q. 한국인의 정체성이 당신의 성장에 영향을 주었나? 어머니는 내가 이 나라(미국) 사람들과 통합되기를 원했다. 그래서 나는 많은 아시아계 중심의 동호회나 모임에 한번도 완전히 통합된 적이 없다. 나는 어머니가 가진 사고방식의 영향을 받았기 때문에 프로젝트 결과에 대한 확신이 없었다. 그러나 프로젝트를 끝낸 후에는 다른 사람들의 이야기나 경험이 정체성을 찾는데 많은 영양분이 되었다.

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Q. 예술가의 관점에서 Kyopo 의 개념에 어떻게 접근했나? 내 사진 속 인물들은 모두 같은 장소와 같은 설정 안에서 존재한다. 각 인물에게 똑같은 관심을 기울이는 것이다. 변함없는 구성안에서 개인을 구분 짓는 것은 더 쉽다. 이 모든 인물을 포함한 책이 KYOPO (2011)이고, 뉴욕에서는 Umbrage Editions으로 출간 되었다.

Q. 5월 18일 National Portrait Gallery 에서 KYOPO 의 전시가 열린다. 어떤 전시인가? 전시는 프로젝트 KYOPO 가 사진 외에 음악, 춤, 영상 등으로 다양하게 표현됨으로써 아시아 문화와 전통이 어떻게 생존하며 해외로 확장되고 진화되는지를 탐구한다. 일곱 개의 동작으로 이뤄진 60분짜리 곡(다른 언어들로 선발된 교포들의 목소리를 포함)이 실시간으로 실내악단에 의해 연주되며 작품의 몇 부분에서 현대무용단이 춤을 춘다. 축사는 50피트 높이의 대형 영상으로 할 예정이다.

Q. KYOPO 에 음악을 포함시킨 이유가 있나? 음악은 언어와 국적에 관한 냉철한 사안을 다룬다. 음악을 통한 문화의 이해와, ‘ 모국어’ 같은 언어가 어떻게 창의성의 주관적 이해를 가능하게 하는지에 대한 토론의 장을 열 것이다. 바이올린, 클라리넷, 플루트뿐만 아니라 가야금, 디지, 에후까지 포함한 악기의 구성은 KYOPO를 정의하는 다문화를 의미하기도 한다.

Q. 정체성에서 Mixed Blood series (2010)처럼 다문화 가족으로 테마가 확장된 데에 계기가 있나? 내 주변의 많은 친구들이 다른 나라에서 왔고 혼혈 자녀를 키우고 있다. 다문화 가족은 내 현실의 일부이자 내가 속한 공동체이다. 많은 부모들은 자녀가 성공하길 원하는데 그들은 글로벌 마인드나 해외 문화의 적응, 외국어 능력이 성공의 열쇠라고 생각한다. 나는 이런 조건들에 의해 우선순위가 바뀌고 있음을 보여주고 싶었다.

Q. 무엇이 바뀌고 있다는 뜻인가? 뭔가 문화가 동질적이라는 생각이요. 예를 들어 우리의 신체적 정체성과 DNA 같은 것 말이다. 동남아시아나 다른 나라에서 온 이주자들이 한국인과 결혼해 가족이 되어가는 한국에서도, 새로운 혼혈 세대로의 발흥을 야기시키는 것들을 볼 수 있다.

Q. Substructure (2010) 프로젝트에 관해 설명해달라.

Substructure(2010)은 이주에 관한 또 다른 프로젝트다. 5세에서 80세에 이르는 50명의 중국 이주자들을 기록해낸 인물상 시리즈로, 인물의 사진과 영상 이미지를 담는다. 높은 해상도의 사진과 움직임을 포착한 저해상도의 이미지를 대조적으로 보여주어 그 사진들은 질감과 손의 구조를 통해 전달되는 각 주체의 특징을 드러낸다. 이 비디오들은 시각적으로, 그들의 기억에 대한 표현과 중국의 미래에 대한 의견을 형성하는 그들의 손짓을 통해 전달된 인터뷰 과정을 기록한다. 이 프로젝트는 중국 전역과 기타 지역에서 이주 아이들에게 복지관 무상 교육 제공을 돕는 비정부기구인 Compassion for Migrant Children 의 협력으로 제작되었다.

Q. 제목의 숨은 의미는 무엇인가?

Substructure는 어떤 구조 혹은 그 근간을 지지하는 한 부분이다. 중국 이주 노동자들은 중국의 발전에 중요하고 필수적이기 때문에 이런 제목의 의미가 있다.

Q. 무엇이 당신을 이런 주제로 이끌었나? 북경에 사는 것이 이주 노동자들에게 있어서 완전히 새로운 의미를 지닌다. 중국은 약 2억5천만 국내 이주자들이 있다. 약 2천만 명 인구의 신도시 북경에서 산다는 것은 국내 이주자들이 겪는 사회 구조의 단면을 보여준다. 인상 깊었던 것은 미국에서 경험한 것보다 훨씬 심한 북경의 사회경제 수준의 극심한 격차였다. 후커우 제도(중국의 공식 문서화 시스템) 때문에 다른 곳으로 이주한 사람들은 그곳 출신인 시민들만큼의 혜택을 받지 못한다. 비록 그들이 건강보험, 교육, 주거 혜택에서 부족하지만 아직도 다수는 그들의 삶을 개선하기 위해 이주하고 있다. 이주 노동자들은 사회에서 가장 열심히 일하는 구성원의 일부다.

Q. 시연 방식이 당신의 다른 작품과는 다른 것 같다. 이유가 있나? 공식적으로는 국민들이 고향을 벗어난 다른 곳에 거주할 수 없게 되어있기 때문에, 인터뷰 과정을 더 편안하게 만들기 위해 익명으로 손짓이 사용되었다.

Q. 당신이 하는 대부분의 작품의 동기에 대해 좀 더 말해달라. 작품의 많은 부분이 정체성, 이주, 발전, 세계화의 상관된 주제를 구현하는 개인 경험에서 나온다. 작업을 하기 위해서는 그 주제와 어떤 지적인 고리가 있어야 하는데, 그래야만 이야기의 근저에 살을 붙이고 연구할 수 있기 때문이다. 이건 정답을 제공하는 것이 아니다. 대신 관점을 공유하고, 우리의 환경과 우리 스스로에 대한 인식 향상의 질문을 하는 것이다. www.cyjo.net

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RECANDPLAY Q. RECANDPLAY는 어떻게 시작됐나? 이 프로젝트의 착상은 무엇이었나? 영주: 밴드들과 ‘테이크 어웨이 쇼’ 비디오를 제작하는 어떤 유럽 블로그들을 보고 있었는데 그게 내 흥미를 끌었다.

Q. ‘테이크 어웨이 쇼’ 는 무엇을 의미하나? 아힘: La Blogotheque 라고 하는 프랑스의 한 블로그에 의해 이런 식( 밴드들을 외부 거리로 데려와 한 탕 노래하는)의 최초 시리즈로 유명한 이름이다.

Q. 다음 과정은 뭔가? 영주: 2009년 여름 일이다. 나는 그걸 한국에서 할 수 있겠다고 생각했다. 그리고 아힘에게 이야기했다. 아힘의 다른 친구인 진권도 프랑스의 블로그를 본 적이 있었고, 그도 나와 같은 생각을 하고 있었다. 우연의 일치로 아힘은 한국 버전을 만드는 것에 대해 이야기 하는 두 명의 친구를 갖고 있었다. 철도 진권과 오랜 친구여서(그들은 같은 영화 동아리에 있었고 간헐적으로 영화 프로젝트에 같이 일했다.) 그 역시 처음부터 관여했다. 이렇게 네 명이 최초 멤버다.

Q. 준기는 어떻게 참여하게 되었나? 준기: 친구들의 블로그를 통해서 RECANDPLAY 홈페이지를 접했다. 비슷한 일을 하는 다른 한국 블로그를 알고 있었는데, RECANDPLAY 가 바로 내 관심을 끈 것이다. 나는 이메일을 보냈다. 그리고 그 날 밤 통화했고, 바로 다음 날 만나게 됐다. 아힘: 준키는 군복무를 막 끝낸 상태였고 우리는 디자이너가 필요했는데, 마침 준키의 전공과 일치했다. 타이밍이 아주 좋았다.

Q. 프로젝트의 아이디어는 2009년 여름에 뿌리를 두고 있다. 그렇다면 처음 비디오를 만든 것은 언제인가? 아힘: 2009년 11월이다. Bridget and the Puppycats 이라고 불리는 국외거주 밴드였다.

Q. 밴드와 장소의 선택에 있어서 촬영은 어떻게 어우러졌나? 영주: 우리는 전자 장치를 쓰지 않길 원했고, 연주도 기타, 멜로디카, 바이올린 등 전자장치를 필요로 하지 않는 세팅이었다. 그들이 홍대에서 연주하는 것을 몇 번 봤는데, 멤버 중에 서로 아는 친구가 있었다. 그래서 설득하기 수월했다. 철: 무엇보다도 우리는 지하철 역 확장을 위한 공간 확보 때문에 첫 촬영 장소인 지하차도가 철거될 거란 사실을 알게 됐고, 그 작은 장소에 대한 기록을 원했다.

Q. 그것이 당신의 비디오의 전형인가? 장소를 기록하는 것이 음악만큼 중요한가? 아힘: 그저 장소의 역사를 기록에 남기는 게 아니다. 기념하는 것에 좀 더 가깝다. 하지만 장소에 따라 다르다. 가끔은 단순히 보기 좋아서 선택하기도 하고, 혹은 음악가들이 특정 장소를 원해서 선택하기도 한다. 우리는 이런 기록들을 비디오를 만들 때마다 하는 건 아니다. 다만 우리가 하는 것의 일부이다.

Q. 지하차도나 인도, 골목길 등 주로 공공장소를 선택하는데, 이런 장소를 사용하는 데에 문제가 된 적이 있나? 아힘: 가끔 경찰에 신고하거나 소음에 대해 불평하기도 하지만, 사실 경찰은 소리에 대해 그렇게 엄격하지 않다. 단지 절차 때문에 와서 주의를 주는 듯 하다. 철: 우리는 상황에 대해 경찰에게 몇 번 설명했기 때문에 이런 순간에 어떻게 처리해야 할지 안다. 영주: 한번은 웃긴 일이 있었다. Russian Red 와 부천의 한옥 마을이 있는 곳에서 촬영을 할 때다. 한 주민이 창문을 열더니, (우리는 심지어 그 여자 분의 얼굴을 봤다.) 유창한 영어로 소리치는 거다. “여기는 주민 거주 지역이니까, 조용히 해!”

Q. 외부에서 촬영할 때 대중들과 만나게 되는 여러 상황을 어떻게 처리하나? 구경꾼이나 보행자를 계속 각 촬영 프레임 바깥에 두나? 아힘: 그렇지 않다. 우리는 촬영할 때 사람들을 제어하는 걸 좋아하지 않는다. 영주: 촬영 시 거기에 있는 사람들도 배경의 일부니까 그것도 포착하려고 한다. 아힘: 인사동에서 촬영할 때 정말 많은 사람들이 주위에 있었다. 영주: 솔직히 문제였다. 꿀타래(16,000 가닥의 꿀 가닥으로 만들어진 한국 왕궁 후식)를 파는 사람들이 자신들의 카트 앞에서 소리 내는 걸 싫어했기 때문에 그들은 우리에게 멈추라고 말했다. 그런데 우리를 보고 있던 어떤 행인이 우리가 멈추는 걸 원하지 않았다. 둘은 싸우기 시작했다. 우리는 문제의 원인이 되고 싶지 않아서 그냥 자리를 떠났다.

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Q. 매번 맞닥뜨리는 가장 큰 문제는 무엇인가? 영주: 우리는 비디오에 사용하고 싶은 장소가 정말 많다. 그런데 문제는 함께 작업하고 싶고, 좋아하는 밴드가 많지 않다는 거다. 가장 큰 어려움이다.

Q. RECANDPLAY 가 오랫동안 지속되는 이유는 뭘까? 비디오가 재미있는 이유? 영주: 밴드 선별이 주된 이유가 아닐까? 우리는 많은 사람에게 알려지지 않은 밴드를 선택하려고 하는데, 솔직히 말하면 우리의 비디오는 최고라고 생각한다. 비슷한 일을 하는 다른 블로그와 비교해보면 알 거다. 아힘: 우리는 촬영 방법에 있어서 ‘one take/handheld’ 기법을 지키면서도 우리에게 영감을 준 유럽 블로그들과는 차이가 있다. 그 블로그들은 사실 우리가 촬영하는 방식에 직접적인 영향은 없다. 가장 중요한 것은 내용이다. 음악가와 장소 말이다.

Q. ‘one take/handheld’이라는 촬영 기법에 대해 말해달라. 영주: 대부분 하나의 카메라로 촬영하고, 움직임이 많은 촬영을 할 때 가끔 두 개를 사용한다. 우리 블로그의 큰 장점은 늘 의외의 장소에서 촬영 하는 거라고 생각한다. 철: 과정을 최대한 적합하게 만들기도 한다. 한번에 조금만 하면 훨씬 간단한데, 촬영 분을 너무 많이 수정하면 성가신 일이 되니까.

Q. RECANDPLAY라는 이름은 어떻게 정해진 건가? 아힘: 사실 ‘I’m from Barcelona’라는 그룹의 노래 제목이다. 스웨덴 인디 팝을 듣다가 정해진 이름이다. 영주: 정말인가? 난 그 사실을 몰랐다. 개인적으로 ‘play’는 많은 의미를 포함한다고 생각한다. 예를 들어 녹음 버튼(REC)을 누르면 음악가들이 공연(play)을 한달까?

Q. 홈페이지가 매우 단순한데, 웹디자인에 있어서도 같은 철학을 적용한 건가? 철: 웹디자인에 관해 상의한 결과 모두 복잡한 건 원하지 않았다. 우리의 개념은 단순한 뉴스 기사나 마찬가지다 Q. 그렇게 이야기하니 놀랍다. 나는 홈페이지에 올라오는 비디오 목록이 어떤 뉴스 기사와는 정반대라고 생각했다. 왜 인터뷰나 밴드의 프로필을 보여주지 않나? 영주: 우리의 비디오는 단지 팬을 위한 것은 아니다. 촬영하면서 일어난 일들에 관한 것이 있기 때문이다. 우린 각 비디오가 하나의 재미있는 사건이라고 생각한다. 아힘은 심지어 촬영할 때 필기를 해서 그 날에 대한 이야기를 쓸 수 있게 했다. 아힘: 처음에는 촬영 후에 프로필 조사나 인터뷰를 하려고 했지만, 그건 정말 많은 준비와 후속 작업을 필요로 한다. 우리는 뭔가 재미를 위한 것만으로도 많은 업무라고 생각했다.

Q. 그것이 당신에게 ‘재미를 위한 프로젝트’ 일지 모르지만, RECANDPLAY 는 서울의 인디 신에 긍정적인 영향을 주는 것 같다. 더 큰 인디 신을 위한 RECANDPLAY 의 역할은 무엇이라고 생각하나? 아힘: 그것 역시 일종의 재미다. 꼭 신을 위한 것만은 아니다. 그렇다고 신이 완전히 관심 밖이라는 의미도 아니다. 단순하게 말하면, 재미있어서 하는 건데 우연히 이 일이 인디 신에도 작은 기여를 하게 된 거다. 영주: 처음에는 인디 신에 좀 더 기여하고자 하는 야망이 있었다. 그러나 하지만 우리가 완전히 새롭고 영향력 있는 일을 한다고는 생각하지 않는다. 우리만의 스타일이 있고, 누군가 감상할 뿐이다. 이런 사실이 일을 계속 하기 위한 충분한 이유가 된다. www.recandplay.net

Q. 독자들에게 소개를 해달라. 내 이름은 The Wa다. 나는 프랑스인이고 2007년부터 독일에서 살고 있다. 나는 언제나 도회지 환경 속에서 놀았다. 8살 즈음에 스케이트보드를 시작했고 그 후에는 그래피티를 했다. 이런 활동은 내가 여행을 하게끔 동기를 유발시키기도 했고, 또 도회지 환경에 대한 호불호의 열정적 관계를 발전시키도록 도왔다. 요즈음 내가 하는 것들은 도시와 상호교류 하는 것이다. 그것을 나의 생각을 공유하는 하나의 무대로 사용하면서 말이다. 새로운 문화, 새로운 표지판, 새로운 삶의 방식을 발견하면서 말이다. 나는 풍자와 은유를 쓰면서 생각을 표현한다. 대부분은 대화를 만들기 위해 전환(기존의 이미지를 사용하되 다른 새로운 의미를 부여하기 위해 그 맥락을 바꾸는 것)의 과정을 사용한다.

Q. 어렸을 때 스케이트보드나 그래피티를 했다고 언급했다. 전에 했었던 것들이 어떤 방식으로 당신을 아티스트로 만들었는가? 스케이트보드 활동은 도시를 다른 각도에서 보게 했다. 나는 늘 친구와 새로운 장소를 찾아 다녔다. 어떤 면에서 우린 도시 전체를 매우 잘 알고 있었다. 우린 새롭게 할 것들을 발견하고 또 찾아 다니면서 하루하루를 보냈다. 하지만 스케이트보드는 공공 당국에서 반기지 않았다. 그래서 경찰과 우리들간에 약간의 긴장감이 있었다. 십대가 되면 누구든 자기 자신에 대한 정체성을 찾고자 한다. 나는 그래피티가 나에게 딱 적합한 일이라고 생각했다. 도시를 화포로 쓴 지 수년이 지난 다음에야 나는 나의 이름을 그 곳에 직접적으로 쓰는 것보다 도시에 관해서 뭔가 말하는 것이 더 의미 있다는 것을 알게 되었다. 시달리는 도회지 전역이 야기하는 모든 병폐를 보면서 나는 무엇인가 해야겠다는 생각을 했다. 그러나 나는 무조건 비판하는 하는 입장만을 고수하지는 않았다. 그래서 나는 도시와 대화를 하듯 공감대를 형성하며 작업하기로 마음 먹었다. 그리고 그것을 다른 사람들하고도 함께 공유하기로 했다. 나는 단순히 당신이 ‘A점에서 B점으로’ 옮기게 하는 방법으로 도시를 이용하지 않고, 그곳에 사는 시민들에게 속한 한 장소로서 이용하는 것 말이다.

Q. 대부분의 작품들이 공적 영역에 설치되어 있다. 미술관이나 박물관보다 이러한 큰 공공 장소를 선호하는 특별한 이유가 있나? ‘사회 질병’ 이라고 부를 수 있는 것을 숨기려는 당국의 노력에도 불구하고 그것들은 곳곳에 존재하고 있다. 그렇기 때문에 나는 그것이 있는 곳에서 주로 작업을 한다. 사람들은 도시에 대해 더 많이 알면 알수록 도시계획에 숨겨 있는 폐해에 대해 놀라게 될 것이다. 하지만 나에겐 그것이 끝없는 영감의 원천이라고 말하고 싶다. 작품의 대부분이 실외에 있는 이유는 작품의 영감 역시 그 공간에서 얻었기 때문이다. 박물관 혹은 미술관에서 벌어지는 전시는 완전히 다른 세계다. 그것은 하나의 새로운 미사여구이면서 더욱 ‘특정한 관객’에게만 어필이 가능하다. 나도 전시를 해왔지만 그건 내가 그 특정한 맥락에서 뭔가 말할 것이 생겼을 때만이다. 나는 예술을 삶의 한 방식으로 생각했지 단 한번도 돈을 벌기 위한 수단으로 생각해 본적이 없다. 오해하진 마라. 예술로 돈을 버는 사람에 대한 반감이 있는 것은 절대 아니다. 하지만 사실 아직까지도 몇몇의 사람들이 예술을 돈 벌기 위한 목적으로 사용하는 것에 대해서는 이해가 되지는 않는다.

Q. 그렇다면 당신의 프로젝트를 위해 어떻게 계속 자금을 대는가? 그냥 한다. 냉장고를 채우기 위해서라면 큰 이익을 내기 위한 작품을 만들기 보다 차라리 적당한 돈을 받는 다른 직업을 찾는다는 것이 내 지론이다. 나는 로버트 필로우가 만든 예술의 정의 “예술은 예술보다 삶을 더 흥미롭게 만드는 것이다”를 좋아한다. 그는 당시 가장 부유한 아티스트는 아니었지만, 그의 삶은 자유와 위대한 이야기로 가득 차 있었다. 그리고 나는 그의 그러한 스타일을 좋아한다!

Q. 어떤 것들이 당신을 계속 거리로 나가게 하고 그 재능을 세상과 공유하게 만들고 있나? 내가 작품을 공유하는 이유는 사람들이 나의 작품에 공감을 하게 만드는 재능이 있다고 생각하기 때문이다. 당연히 이러한 환경에서 작업하는 이유는 존재한다. 어떤 규모로 일을 하든, “행동을 이행하는 것이 아름다움의 원천이다!”라고 생각한다.

Q. 도시를 무대로 사용하는 데에 따라야 할 가장 중요한 규칙은 무엇인가? 딱히 규칙이 존재한다고 생각하지는 않는다. 그저 사람들에게 많이 알려진 이미지를 사용함으로써 자발적으로 나 자신의 방식을 찾을 뿐이다. 내 작품이 보편적으로 이해될 수 있게 하는 가장 좋은 방법은 모두가 이미 다 알고 있는 이미지를 사용해서 새로운 문맥 속에 넣고, 새로운 관점을 제시하는 것이다. 새 작품 설치하는 것은 늘 새로운 경험이다. 나는 새로운 재료를 쓰는 것을 좋아하고 하나의 수단에 제한되지 않고 최선을 다해 아이디어 공유의 적합한 방식을 찾는다. 그리고 그것을 설치할 때가 되면 그 한 순간 한 순간을 즐긴다. 나는 그 작업 불확실함과 어디선가 경찰이 나를 지켜보고 있다는 긴장감에서 항상 흥미 진지함을 느낀다.

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Q. 종종 다른 예술가들과 공동작업을 하는데, 이것의 어떠한 면을 가장 즐기는가? 아마 이 답이 최선의 답은 아닐 테지만, 사실 나도 잘 모르겠다! 나는 내가 하고 싶을 때 작업을 한다. 하지만 생각의 발전과 실현은 사람들을 만나고 다양한 의견을 공유하면서 더욱 뚜렷해진다고 생각한다. 나는 “누군가와 협력하고” 싶어서 공동 작업을 펼친 적은 한번도 없었다. 협동 작업은 늘 자발적이고 신선하다. 거기에서 탄생하는 아이디어와 프로젝트는 특색이 있고, 그것을 누군가와 나누는 것은 좋은

일이다. 공동 작업 이전에, 다른 사람과 생각을 교환하는 것 자체가 나의 작품에 영향을 미친다. 교환은 중요하다. 그건 당신에게 ‘사회 자폐증’이 걸리지 않게 도와준다.

Q. 다양한 예술가들과의 많은 협력 중에서 어떤 것이 가장 기억에 남는가? 정말 어려운 질문이다. “당신의 아들과 딸 중에 누구를 더 좋아하나요?”와 같은 질문이라고 볼 수 있다. 나에겐 모든 작업이 특별하고 특이했었다! 하지만 한 가지 웃겼던 것은 상해 지역 지하철 시스템에서 제롬 피노와 작업한 것이었다. 나는 2006년에 중국에 처음 갔는데 그 당시 지하철을 탔을 때 큰 충격을 받았다. 모든 칸에 TV가 있었고 광고가 매달려 있었다. 그 화면들은 여행을 방해했다. 그래서 나는 그것을 어떻게 끄는지 알아냈다. 제롬은 비디오 아티스트다. 그가 2007년에 베를린에 왔을 때 그는 나의 행위들을 촬영하기 시작했다. 나는 그의 스타일을 정말 좋아했고, 우리는 서로에 대해 잘 알게 되었다. 그래서 우리 한 달 동안 중국에 가서 그 곳에서 무엇이 나오는지 보기로 했다. 우리가 상해에 있었을 때 내가 지하철 칸에서 TV 화면을 끌 수 있다는 것을 그에게 보여줬다. 그 다음에 우리는 그것을 가지고 무엇을 할 수 있을지 생각했다. 우리에겐 그걸로 무언가를 할 수 있는 5일의 기간이 있었다. 하지만 우리는 그 기간 동안 상해를 거의 구경하지 못했다. 우리는 우리에게 주어진 시간 안에 이 시스템을 가지고 놀 수 있는 방법들을 찾으려고 노력했다. 먼저 나는 그 전차 칸의 TV 화면을 껐다. 그 일은 그다지 어렵지 않았다. 그 다음은 지하철 역이었다. 당연히 시스템은 더 크고 훨씬 공공연히 드러나 있었기 때문에 그렇게 쉽지 않았다. 이러한 행위를 반복하면서 우리는 자연스럽게 TV 화면을 끄는 방법을 발견했다. 마지막 날에 제롬은 내가 나오는 TV를 끄는 행위의 영상을 편집했다. 우리는 그걸 한 지하철 역의 TV에서 상영했다. 나는 달아났고 제롬은 그 상황을 촬영했다. 그리고 그날 늦게 우린 다시 만났다. 그날 우리가 마신 맥주는 내가 마셔본 맥주 중에 최고였던 것 같다!

Q. 당신은 주로 어디서 영감을 얻는가? 가장 멍청한 블로그에서부터 여행의 거친 경험에 이르기까지 모든 곳에서 받는다! 다시 한번 말하지만, 나의 작업을 수행하는 데는 어떤 특정한 노선이 없다. 그건 그냥 와야 할 때 올 뿐이다.

Q. 지금 새로 계획하고 있는 작업이 있는가? 나는 늘 많은 일들을 진행한다. 하지만 나는 미신을 믿고 약간의 편집증을 가지고 있다. 그래서 미안하지만 나는 완성되기 전에는 무엇이든 절대 말하지 않는다. 하지만 소식은 계속 업데이트 하니깐 걱정 할 필요는 없다. www.the-wabsite.com

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Bill Wadman Q. 작가 자신은 스스로를 어떻게 생각하나? 나는 거의 100% 인물 사진작가 겸 에디터다. 나는 잡지 작업을 많이 한다. 나는 2008년 프로 작가가 되었다. 그 전에는 7년간 광고계에서 아트 디렉터로 일했다. 나는 정식 사진학 교육을 받은 적은 없지만, 빨리 배우는 편이다.

Q. 첫 번째 카메라를 구입한 것은 언제인가?

Pentax K1000 한대를 2000년도에 샀고, 첫 번째 디지털 SLR은 2004 년도에 구입했다. 대략 2007년도쯤이 되어서야 비로소 나는 사진에 대해 진지한 태도를 가지게 되었다. 그 당시, 일년 동안 매일 한 장씩 사진을 찍으며, 365 Portraits라고 부르는 프로젝트를 완료했다. 매번 다른 작업을 했고 그래서 프로젝트를 마칠 무렵, 각각 다른 주제를 다룬 365 장의 특색 있는 작품을 완성하였다.

Q. 작품에 담긴 인물들은 모두 모델들인가, 아니면 작가의 친구들을 불러서 모델로 세운 것인가? 작품 속 인물들은 모두 보통 사람들이다. 대다수는 자발적으로 모델이 되겠다고 나선 사람들이다. 공고를 통해 인물을 구한 결과, 그 해 말까지 2,000명의 인물 데이터뱅크가 만들어 졌다. 물론, 그 속에는, 수많은 친구들과 친척들도 포함되어있다. 또한 내가 요청하여 참여한, 내가 영웅으로 삼고 있는, 엄선한 인물들도 있다. 우주비행사 Buzz Aldrin, 영국 싱어송라이터 Imogen Heap, 과학자들, 저술가들 및 그밖에 모든 종류의 사람들의 인물 사진을 작품에 담았다. 작업 과정에서 믿기지 않을 정도로 많은 숫자의 사람을 만났으며, 작업이 마무리 될 무렵, 포트폴리오로 사용 가능한 엄청난 양의 이미지 데이터를 갖게 되었다.

Q. 시간 관리와 작업 속도 조절은 어떻게 했나? 이 모든 것이 힘들진 않은가? 그렇다. 작업은 고단했고 지독히 힘들었다. 모든 것이 풀 타임 작업이었다. 매일 나는 인물을 선정하고, 대상 인물을 만나고, 사진에 담고, 잠들기 전에 웹에 옮기는 작업이었다. 그것이 룰이었다. 만일 식중독에 걸렸더라도 작업은 진행해야 했다. 만약 누군가가 마지막 순간에 약속을 취소하더라도 나는 작업을 진행할 수 밖에 없었다. 마치 전쟁 같았다. 그러나 마라톤을 달리듯이, 일단 리듬을 타면 영원히 그 페이스를 유지할 수 있을 것같이 느끼는 것과 같다.

Q. 작가의 최근 프로젝트 Motion (2010)도 많은 주목을 받았다. 이 프로젝트의 아이디어는 어디서 나온 것인가? 음… 오리지널 아이디어는 PAI (Photography and Imaging)라는 단체가 주관한 강연에 참석하여 얻었다. 이 단체 구성원들은 대부분 경험이 많고 나이든 사진작가들인데 이 분들이 강연을 하고 자신들이 추진하고 있는 괄목할 만한 작업과 프로젝트의 일부분을 프레젠테이션 한다. 50-60년대부터 활동해온 이 분들 대부분이 이미 고안한 아이디어를 수많은 젊은 “전위적” 작가들이 단순히 현실적으로 재탕하고 있다는 사실이 대단히 흥미롭다. 특히 이 강연에서, Marvin Newman은 자신이 Sports Illustrated지의 사진 기자로 일했던 50-60년대의 사진 한 장을 보여 주었다. 그 사진은 권투 선수가 사진 프레임을 가로 질러 펀치를 날리는 순간을 포착한 것이었다. Newman은 권투 선수가 날리는 펀치를 따라 움직이는 강렬한 빨간색 권투 글러브의 스피드와 모션을 포착하려고 하였다. 작가는 이 구식, 느린 영상의 필름을 사용하였고, 사진 프레임 전체 구도를 가로 질러 글러브의 빨간색이 완벽하게 흐릿해졌다. 여기에서 나는 영감을 얻었고, 움직이는 사람들에 관한 시리즈 작품을 만들어 보는 것이 도전해볼 만하고 재미있겠다고 생각하게 되었다.

Q. 어떻게 해서 춤을 작품 시리즈의 포인트로 삼을 결정을 하게 되었나? 언젠가, 뉴욕에 있는 어느 유명한 무용단 단원인 내 친구 한 명이 내 스튜디오로 온 적이 있었다. 나는 단순히 그녀 머리 위에 있는 조명을 켜고 나서 약간 긴 노출을 사용하여 작업을 시작했다. 결과는 참으로 흥미로웠다. 플래시나 스트로브 대신 이용한 지속적인 조명이 피사체의 전체적인 역학구조를 바꿔놓았다. 대개 무용수들이 동작을 많이 하고 그 동작을 더욱 동적으로 표현하면 할수록, 그들은 더욱 더 많은 에너지를 관객들에게 발산하게 된다. 이 경우, 그러나 무용수들이 에너지가 넘쳐나면 넘쳐 날수록, 그들은 더욱 더 빠른 속도로 동작을 하고, 따라서 사진상으로는 에너지가 더욱 더 적게 표현된다. 사진에서는 그들이 늘 나타내는 표현의 반대 현상이 나타난다. 무용수들이 사진 속에서 두드러지게 보이는 순간은 그들이 정지상태로 있거나 느린 동작으로 움직일 때뿐이다.

Q. 어떻게 무용수들이 늘 하던 동작을 다르게 표현하게 하였나? 그들이 적응하기는 쉬운 일이 아니었다. 찍다 보니 아홉 명의 무용수의 동작을 작품에 담게 되었다. 그리고 그들이 각자 무슨 동작을 어떻게 취해야 하는지 이해하는데 10분 내지 15분이 족히 걸렸다. 처음에는, 셔터를 열면서 대개 “오케이, 자 하고 싶은 게 무엇이지요? 어떤 종류의 동작을 취하고 싶지요?”라고 물어 본다. 이렇게 찍은 이미지가 완성 작품이 되는 경우는 거의 없다. 그러나, 이 이미지들은 어떤 방법이 옳았고 어떤 방법이 잘못되었는지 깨닫게 해 준다. 내가 활용한 한가지 테크닉은 무용수들에게 어디가 사진 프레임의 가장자리로 표현되고, 어디가 코너로 표현될지 보여주는 것이었다. 나는 그들에게 “그 부분을 꽉 채워 보세요. 그 부분을 채운다고 생각하면서 동작을 취해 보세요”라고 말하곤 했다. 이렇게 해서 무용수들이 자신들이 하고 있는 동작을 짜임새 있게 처리하는데 도움을 받은 것으로 보인다. 나는 또한 동시 작업을 하기로 하였는데, 이 작업은 사진을 찍고 바로 노트북에서 그 이미지를 곧 바로 무용수에게 보여 주는 것이다.

Q. 즉 작가와 무용수 사이에 끊임 없는 의사 소통이 있었다는 얘기인가? 그런 과정을 지시한다는 것은 어떤 작업이었나? 대부분 작업은 순간에 의해 결정된다. 그러나 순간 순간의 작업에서 직전의 이미지에서 벗어나기 위해, 내가 정말로 원하는 이미지를 구성하거나 작업을 지시하기는 힘들었다. 아무리 내가 같은 장면을 반복해서 찍으려고 노력했다 하더라도, 그렇게 긴 노출 시간을 쓰면서 똑 같은 작품을 완벽하게 두 번 만드는 것은 불가능하다. 매 작품마다 3-4초 동안 조리개를 f/8 나 f/11에 놓고 작업하면서, 무용수들이 충분히 빛을 받을 수 있도록 동작을 멈춰야 했다. 예를 들어, 한 작품을 보면, 피사체인 여자 무용수 한 명이 발을 한곳에 모으고 있지만 머리를 이리 저리 움직이고 있다 [Motion #32 (2010)]. 이 작품은 이 작업이 얼마나 섬세한지 보여주고 있다. 그녀의 머리는 그녀의 동작 때문에 잘 보이지 않고 그녀의 몸 전체는 마치 리본처럼 보이는 효과를 가져왔다. 이것은 믿기 어려울 정도였다.

Q. Motion 시리즈 작품을 하면서 사진에 대한 작가의 태도를 바꾸게 한 것은 무엇이었나? 이 작업은 내가 해 오던 작업과 판이하게 달라서 대단히 흥미로웠다. 다른 작품들과 비교해 보면, 훨씬 더 실험적이었다. 혼돈과 추상을 용납하고 작품 속 이미지를 훨씬 더 사진 같은 그림처럼 느끼게 하였다. 일군 (一群)의 사람들이 춤을 추고 있는 것처럼 보이는 또 다른 작품이 있다 [Motion #8 (2010)]. 무용수는 한 명이고, 그녀 혼자서 독무 (獨舞)를 추고 있는데, 눈에 보이는 대로 12개가 넘는 무용수의 발이 작품 속에 나타나고 있다. 이 작품은 내가 가장 아끼는 작품 중 하나이다, 왜냐하면 작품 속의 동작이 (록 콘서트 장에서 무대 바로 앞 부분에 있는) 청중들이 격렬하게 춤추는 스테이지의 움직임처럼 보이기 때문이다. 무용을 테마로 한 많은 작품들이,

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무용수의 순간 동작을 포착하여, 고정된 동작을 표현하고 있다 (예를 들어, 공중에 뛰어 오른 소녀). 내게 있어서, Motion 시리즈는 무용수들의 진면목 - 그들이 인생을 바쳐 몰두하는 본질적인 것, 즉 “동작” - 을 포착하고 있다.

Q. Motion시리즈뿐만 아니라, 작가가 작업하는 모든 작품에서, 피사체를 작품에 담을 때 늘 염두에 두는 점은 무엇인가? 그것은 에너지와 피사체와의 상호교류에 관한 문제이다. 특히 인물 작업을 할 때, 나는 사진 작가이므로, 비록 조도 (照度)가 절대적으로 맞지 않더라도, 작업을 중단하고 조명을 완벽하게 만들기 보다는 차라리 피사체의 주의를 계속 끌고 그 순간의 모멘텀을 유지시키려고 애쓰는 편이다. 물론, 이렇게 할 경우, 안 좋은 점은, 때때로 추가 작업을 해야 한다는 것이다.

Q. 초기 작업 후 후반 작업에 시간을 많이 쓰는 편인가? 그렇다. 후반 작업을 많이 한다. 100 컷의 사진을 찍으면, 50컷으로, 20컷, 10컷, 다섯 컷 정도로 정리하고, 진짜 잘 된 사진 두세 컷 정도만 고른 다음, 포토샵에 늘어놓고 손보기 시작한다. 나는 작품의 부분, 부분을 수정하는데 초점을 맞추기를 좋아한다. 가끔 내 작품이 “고명암비 (高明暗比) 이미지”가 들어있는 것처럼 보일 때도 있지만, 정도가 그렇게 심하지는 않다. 오히려 내 작품은 다른 어떤 작품보다도 더 그림처럼 보이는 경우가 많다.

Q. 작업에 참으로 많은 시간이 소요되는 것 같다. 나는 쉽게 되는 일을 좋아하지 않는다. 요즘 예를 들어, 인스타그램이나 힙스타매틱 같은 어플이 있다. 이 어플들이 인상적이고 재미있지만, 나는 단순히 사진을 찍기 위해 버튼을 누르는 것을 원하지 않는다. 내가 하려고 하는 작업에는 더 많은 기법들이 필요하다. 우스운 일화를 소개하겠다. 사진 작가가 아닌 내 친구들에게 내 휴대폰에 담겨 있는 사진을 보여주면, 이 친구들은 “오! 이 사진, 아이폰으로 찍은 거야?”라고 묻는다. 그러면, 나는 “아니, 이 작품은 만 달러짜리 사진기로 17시간 걸려서 만든 것”이라고 대꾸한다.

Q. 스케줄이 무척 바쁘겠다. 관객을 위한 일과 작가 자신의 작업 사이에서 어떻게 시간을 균형 있게 쪼개는가? 창작 작업은 대개 연속적으로 일어나기 때문에 힘들다. 때대로 작업에 빠져 흥분하면 멈추지 못한다. 그리고 나면 다음 순간 계속 몰두하기가 힘들다. 나는 여전히 관객을 위해 일한다. 그러나 이 일은 개인적이고, 창작적인 관점에서 보면 항상 보람 있는 것은 아니다.

Q. 사람들이 사진에 관해 질문하면 보통 무슨 대답을 해주나? 중단하지 말라고 말해 준다. 작업을 하고 싶지 않을 때도, 작업을 하라고 한다. 창작에 관해 중요한 점은 그것은 근육과 같아서 끊임없이 운동을 하여 유지할 필요가 있다. 내 친구들은 내가 왜 매일 사진을 찍느냐고 물어본다. 그럴 때마다 나는 “러닝 머신 위에서 뛰는 것과 같다. 내 경우, 그것은 창작적 ‘심장강화운동’ 이다”라고 말해 준다. 위대한 사진 작가들이 작업한 50편 정도의 놀라운 세계적 작품들이 있다고 생각해 보자. 그러나 관객들이 못 보고 있는 것은 그 작가들이 그 50편의 작품을 만들기 위해 찍은 5만장의 사진이다. 여러분이 찍는 사진 모두가 세계적 작품이 되는 것은 아니다. 중요한 점은 여러분의 작품을 계속 다듬어서 평균적으로 찍는 사진들이 시간을 거듭할수록 점점 더 나아진다는 것이다. 그 결과, 여러분의 보통 사진들과 같이, 여러분이 찍는 파격적인 사진들이 나중에 점점 더 좋은 작품이 된다. www.billwadman.com

Q. 당신에 대해 소개해달라. 나는 일상에서 흔하지 않은 것을 좋아하고, 미와 조화에 대한 사랑도 깊다. 소소한 것을 이야기하자면 셀러리와 고수 잎을 싫어하고, 브로콜리와 배를 좋아한다. 미국 중부의 작은 마을에서 왔지만, 나만의 시각으로 세계를 바라본다. 세계 전역에 걸쳐 다양한 관점을 이해하려고 한다. 그래서 한 가지 정치적, 철학적, 종교적 시각을 지지하지 않는다. 나는 내가 거쳐온 곳의 흔적을 잃어버리지 않는 사람이 되고 싶다. 호기심을 채우기 위해 다른 것들 역시 하고 싶다는 것을 알지만, 나는 영원히 마음 한 구석에 늘 아티스트로 남을 것이다. 마지막으로, 너무 심각한 타입의 사람이 되지 않으려고 한다.

Q. 작품을 보면 그로테스크한 이미지가 압도적이다. 이런 스타일로 작업을 하게 된 특별한 계기가 있나? 나는 결손 가정에서 자랐고, 정말 많은 사람들이 약물 남용이나 이혼으로 타락하는 것을 보았다. 하지만 결코 그런 점들이 나를 정의한다고 여긴 적은 없다. 내가 그로테스크한 것에 끌리는 점은 판타지와 미스테리한 요소 때문이다. 아마 내 과거가 명백하게 정의된 부분이 많았고, 이와 다르게 호기심과 관련이 있는 것 같다. 단순하게 보자면 내가 흥미를 가지고 있는 부분이 내 영역과 맞아 떨어지는 것인데 관객들이 이런 미스테리한 이미지를 좋아해주는 것 같다.

Q. 그리스 신화, 성경이나 위인을 주제로 작업을 많이 하더라. 어떻게 하다 그런 테마를 시작하게 되었나? 이 테마들은 모두 근본적으로 인간의 습성과 자질에 관련되어 있다. 또한 오랜 세월을 거쳐 형성된 변치 않는 원형이기도 하다. 나는 이러한 원형의 스토리에 추가적인 작은 이야기를 덧붙여 관객에게 이러한 스토리를 계속해 나갈 수 있는 기회를 펼쳐주고 싶다. 이런 점들이 보는 이로 하여금 흥미를 이끌게 하고 내 작업의 미스터리함의 일부이다.

Q. 당신의 조각과 컨셉 전반에 걸쳐, 자신만의 독특한 세계관이 보인다. 아트에 대한 관점이 궁금하다. 나는 인류는 절반씩 극단의 성질을 가지고 있다고 본다. 반은 선하고, 반은 악하다던가, 반은 깨어있지만 반은 잠들어있다. 한 쪽은 무언가에 대해 인식을 하지만, 나머지 절반은 의식하지 못한다던가. 내 작품에서 힘, 권위, 신분에 관한 인상을 받는 사람도 있지만, 인간의 실수나 한계를 보여주는 블랙 코미디가 담겨 있다. 그리고 이런 대조적인 분위기는 인간은 결국 모두 다 그저 그런 수준의 비슷하다는 의미를 담고 있다. 사람들이 종종 인성은 자연, 본성과 구분된다고 간과한다. 하지만 다행히도 인간의 어떤 점이 본능적이고 불가피한 진화를 무시할 수 없다는 사실을 아트를 통해 지속적으로 상기시켜주는 아티스트들이 있다.

Q. 당신의 작품들은 본인에게 어떤 의미를 가지나? 내 마인드와 크리에이티비티의 연장선이다. 외부로 표현되어야 하는 내면의 소음이나 복잡함을 표출하게 해준다. 이런 감정은 굉장히 강하고 거칠지만 동시에 섬세한 측면을 가지고 있고 보는 이로 하여금 극적인 감정을 느끼게 해준다. 종종 작품을 한다는 것이 내가 세상에 태어난 유일한 이유같이 느껴질 때가 있다. 내 안의 이런 감정을 밖으로 표현하여 아트로서 사람들에게 영향을 주는 것 말이다.

Q. 어떻게 특별히 조각가, 아티스트가 되기로 결심했나? 내가 아트를 하겠다고 선택했다기 보다, 아트가 나를 선택했다. 어릴 때부터 나는 페인터가 되고 싶었다. 하지만 대학을 다니다 보니 내가 어떤 형태적인 것을 만들어 쌓아 올리는 것이 잘 맞는다고 느꼈다. 페인팅이나 드로잉에만 완전히 만족했던 적도 없고. 뭔가 내 안에서 나오는 다른 아트의 형태가 있었는데, 배우다 보니 그것이 조각이었다.

Q. 조각에 있어서 가장 중요한 점은? 나는 절대 조각을 일종의 과정으로 생각하지 않는다. 대신 매번 새로운 여행이라고 여긴다. 물론 시각적 관점에서 균형감과 대칭은 중요하다. 조각을 완성하는 것이란, 모든 지루한 부분을 없애고 새롭고 흥미로운 부분으로 재배치하는 것이다.

Q. 새 작품을 시작할 때 고수하는 작업 방식이 있나? 뭔가 새로운 것을 시작하는 것은 큰 도전이다. 항상 같을 리가 없지 않은가. 그저 마음을 새롭게 먹는 것이 중요하다. 하지만 시간 역시 가장 중요한 부분이다. 시간은 늘 나의 적이다. 그리고 나는 조각해서 작품을 만들어나가는 것이 즐겁지, 작업을 마쳐야 한다는 강박관념은 없다.

Q. 최근 작품 중에서 끌리는 것이 있나? 각각 작품마다 의미가 있기 때문에, 특별히 한 가지를 꼽는 건 어려운 질문이다. 굳이 고르자면 Ode to Herculaneum이다. 왜냐하면 작업하는 모든 과정에서 전혀 힘들다는 생각이 들지 않았고 마치 신성한 것들을 대하는 듯 느껴졌기 때문이다. 기본적으로 조각 중심에서 시작해서 바깥을 향해 퍼져갔다. 마치 추가하는 각 요소로 점점 자라나는 것 같았다. 브뤼셀처럼 먼 도시에서부터 작업에 필요한 소재를 수집했는데, 그래서 심리적으로 유럽의 일부를 담고 있다는 기분도 든다.

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Kris Kuksi 162

Q. 지금 하고 있는 다른 프로젝트가 있나? 그렇다. 사실은 많다! 큰 솔로 전시회를 막 마쳤다. 작품을 한 데 모아 보여주는 즐거운 과정이었지만 무엇이든지 끝이 오긴 마련이다. 다음 작품은 아브라함

링컨의 흉상을 생각해두고 있는데, 미국 역사에 관한 무언가를 한다고 생각하니 기대된다.

Q. 드로잉, 페인팅, 조각 등 다양한 장르에서 작업했다. 각각의 특성은 무엇이고 이 외에 일하고 싶은 다른 분야가 있는가? 드로잉 하는 동안은, 옛 대가들의 해부학에 영향을 많이 받았다. 그저 내가 아는 사람의 초상화 그리는 것을 좋아했다. 특히 드로잉에서 가장 좋았던 점은 텍스쳐다. 연필과 같이 거친 도구로 부드럽고 매끄러운 표면을 만들 수 있다. 물론 인내심이 필요하고 금방 끝낼 수 있는 작업은 아니다. 페이팅에 관해서는, 1900년대의 상징주의자, Ernst Fuchs와 H.R. Giger같은 몇몇의 현대 아티스트에게 영향을 받았다. 그리고 마지막으로 조각은 바로크 시대와 동시대의 조합이다. 나는 작품을 통해 오래된 것과 새로운 세상을 같이 보여주고 싶다. 바로크의 흐름과 우아함은 현대의 견고함을 섞어 균형 잡힌 구성을 만들 수 있다.

Q. 최근 당신을 사로잡은 테마나 모티브가 있는가? 나는 항상 신화를 좋아했는데, 이는 종교에서 정치, 인류애의 핵심까지 모든 것을 묶어내기 때문이다. 인간을 자극하는 원동력을 보여주고 경험을 통해서 배운 교훈을 보여준다. 또 이러한 신화는 인간의 삶과 상황에서 무엇을 해야 하는 지 결정하는 데 도움을 준다.

Q. 작품을 하지 않을 때 어떻게 여가 시간을 보내는가? 종류에 상관없이 다큐멘터리들을 수집하고 있다. 그저 작품에 필요한 지식이나 영감을 얻는 나만의 방식이다. 가족과 함께 하는 시간을 즐긴다. 아내, 아들과 나의 의붓딸은 항상 내 생각 속에 있는 것이 전부가 아니라는 것을 깨닫게 해준다. 그리고 너무 일이 많아질 때 스튜디오를 벗어나 지내려고 할 때 항상 그들이 곁에 있다.

Q. 아시아에서 전시할 계획이 있나? 아직 아시아 어느 지역도 가본 적이 없지만, 첫 번째 방문을 정말 고대하고 있다. 이에 필요한 것들이 많다 해도, 꼭 해보고 싶다. 또한 서구와 다른 아시아 지역의 여러 장신구를 살 수 있지 않은가!

Q. 아티스트로서 목표가 있다면? 인류와 존재에 관한 나의 관점을 가능한 한 사람들에게 많이 전달하고 공유하고 싶다. 또한 작품을 박물관에 두고 싶다. www.kuksi.com

구체화되면서, 비주얼라이져는 무언가 부족하다고 판단했다. 그래서 ‘유저가 자신만의 음악을 만들어 내면 어떨까?’ 라는 아이디어가 나오게 되었다. 나는 제작 과정을 통해 Q-Games 오피스에서 이런 컨셉을 생생한 라이브로 시범을 보였다. 라이브 퍼포먼스 설치를 하는 과정에서 나는 개발자들에게 사운드 루프가 병행되면 얼마나 재미있을지 에 대해 설명했다. (테크노나 하우스 트랙에 바이브를 주는 것과 같은 원리다.) 그렇게 해서 4am 에 대한 게임플레이가 서서히 윤곽을 잡았다.

Q. 예전 당신이 4am 은 클럽에서 가지는 로맨틱한 시간과도 같다고 언급했다. 구체적으로 어떤 의미인가? 만약 당신이 테크노나 하우스 음악의 팬이고 분위기 좋은 클럽에서 시간을 가진다면, 이런 감성이 어떤지 잘 알 것이다. 한밤의 느긋하고 로맨틱한 시간이라고 할까. 최근 몇 년간, 내 작업에 일관되게 흐르는 중요한 테마는 사랑이라는 것을 알았다. 동이 틀 무렵 하우스 음악을 느끼며, 낯선 이와 특별한 순간을 나누는 그 때 나는 진정한 사랑의 감정을 느낀다. 아마 경험하지 못한 사람에게 말로 설명하기는 쉽지 않지만, PixelJunk 4am을 통해서 이런 경험을 느끼게 해주고 싶다.

Q. 유저 인터랙션은 어떤 식으로 이루어지고 어떻게 유저가 좀 더 크리에이티브하게 플레이할 수 있나? 기본적으로 유저는 베이스, 드럼, 신디, 그리고 리듬 4개의 트랙을 컨트롤할 수 있다. 각각의 트랙은 4개의 루프까지 반복될 수 있고. MOVE 컨트롤러를 사용하면 좀 더 자유롭게 루프를 만들 수 있다. 물론 순서를 뒤바꾸고, 특정 트랙을 무음으로 바꿀 수도 있다. 각 트랙에는 원샷이라 불리는 것이 있는데, MOVE 컨트롤러를 위/아래 또는 좌/우로 움직여 다양한 소리를 더할 수 있다. 뿐만 아니라 사운드를 겹겹이 더빙할 수도 있고, 그런 이펙트를 통해서 유저 자신의 스타일을 담은 독특한 멜로디나 플로우를 만들 수도 있다. FFT 제어 비쥬얼이 스크린에 내내 나오고 이런 비쥬얼은 음악의 변화에 맞춰 간다. 디자인 하기는 힘들지만, 시도를 한 다면 매 번마다 사운드에 색을 입히는 것 같은 기분이 들 것이다. 이것은 이상하면서도 매우 흥미로운 경험이 될 것이다.

Q. 유저가 4am 를 플레이하면 실시간으로 공개된다. 특별한 이유가 있나? 앞서 언급한대로 4am은 라이브 공연에 중점을 두었다. 그래서 4am을 플레이하면 전세계적으로 PSN에 연결된 모든 PS3에 자동적으로 연결된다. 또한 비주얼라이져 스크린 아래 창에서 누군가 당신의 공연을 보고 있다면, 확인할 수도 있다. 청중이 즉각 유저의 공연에 대해 피드백이나 칭찬을 주고 마찬가지로 당신 역시 다른 공연을 즐길 수 있는 것도 특징이다. 나는 가능한 많은 유저를 끌어들이기 위해, PSN에 연결한 사람이라면 누구든지 무료로 공연을 볼 수 있도록 4am Live Viewer를 배포할 계획이다. 그래서 공연을 보고 시험적으로 접근하다 본격적으로 플레이가 하고 싶다면, 풀버젼 PixelJunk 4am과 MOVE 컨트롤러를 구매하면 된다.

Q. 어떻게 플레이스테이션 사 MOVE 컨트롤러를 접목시켰는지 궁금하다. 개발자나 유저의 관점 중 누구를 더 고려한 것인가?

MOVE 컨트롤러를 사용해야 겠다는 결정은 Q-Games의 딜런 쿠스버트가 했다. 그러나 초기 단계에서 4am을 비쥬얼라이져 용으로 개발할 때, 스크린 상 인터페이스는 없어야 한다는 데 단호했다. 이런 점에서MOVE 컨트롤러는 최상의 해결책이었습니다. 3차원 공간에서 작동하는 ‘비쥬얼 오디오 캔버스’를 개발했다.

MOVE 컨트롤러 끝부분은 그 순간 유저가 컨트롤하고 있는 트랙에 맞춰 색상을 변화한다. 스크류 드라이버처럼 MOVE 컨트롤러 움직임은 필터 이펙트를 조절하기 위해 사용된다.

Q. 당신은 게임이 오랫 동안 일해온 그래픽과 음악, 두 영역의 교점이라고 말한 적이 있다. 게임이 줄 수 있지만 다른 매체는 주지 못하는 장점이 무엇이라고 생각하는가? 다른 매체 역시 많은 가능성이 있지만, 무엇보다도 내 스스로가 게임을 가장 적극적으로 즐긴다는 것이 가장 큰 이유다. 게임이 내게 있어 특별한 점은 유저가 핵심 캐릭터 역할을 한다는 것이다. 영화나 음악의 경우는 대리 만족에 가깝다. 하지만 게임은 유저들이 직접 만들고 플레이를 하면서 이야기를 주도해 나간다. 더욱이 이러한 행위를 수많은 사람들에게 동시에 접목 해볼 수 있다. 아티스트로서 정말 이보다 더 큰 스릴이 있을까?

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Baiyon Q. 다양한 여러 분야에서 일을 하고 추상적인 그래픽 디자인에 정교한 사운드 디자인이 더해진 PixelJunk Eden을 통해 많은 주목을 받았다. Eden 의 성공은 확장판 Encore 를 제작하게 되었고, 지금은 새로운 타이틀 PixelJunk 4am 로 작업하고 있다. 이런 프로젝트들이 서로 연관이 있나? 나는 게임에 있어서 중요한 이슈가 각기 다른 문화의 맥락에서 마땅한 경의를 표하고 게임 속에 이를 어떻게 가져올지에 관한 것이라 생각한다. 이런 점이 게임 플레이를 통해 새로운 센세이션과 경험을 만든다. 많은 사람들이 게임을 하며 즐거워할 때, 난 정말 행복하다. 나는 DJ 아티스트나 라이브 공연에서 영감을 많이 받았고 PixelJunk 4am 에 대한 아이디어를 얻었다. 4am 의 첫 개발은 lifelike 이라는 타이틀로 만들어졌다. Eden Encore 가 출시된 후 많은 사람들이 게임의 사운드트랙을 가지고 싶다고 했다. 그 당시 우리는 인터랙티브한 비주얼라이져와 Encore 사운드트랙으로 패키지를 만들면 괜찮을 것이라 생각했다. 프로젝트를

Q. 당신은 일본, 한국, 미국, 혹은 유럽에서 게임 디자인에 근본적인 차이가 있다고 생각하는가? 그렇게 큰 차이는 없는 것 같다. 물론 각국의 특성이 있는데, 한국의 경우 MMORPG(멀티 유저 기반 온라인 롤 플레잉 게임)가 인기가 많고 어디든 무료 와이파이가 가능하다. 서울에 있었을 때, 기차에서 젊은 친구들이 모두 서로 와이파이로 채팅을 하는 것을 보았다. 나는 이런 특징적 현상에 기반한 게임을 만들 수 도 있겠다고 생각했다. 일본의 경우 와이파이는 더 많이 보급되었지만, 우리는 아직 그 정도는 아니다.

Q. 컨셉적으로 다른 게임과 굉장히 다르다. 좋은 게임의 중요한 요소는 무엇이라고 생각하는가? 그 부분은 나도 알고 싶다! 나에게 가장 중요한 것은 독창적인 비쥬얼, 사운드, 경험과 게임플레이다. 또한 게임에 재현되는 것들은 문화와 맥락에 상관없이 공통적인 리스펙트가 필요하다. 쉽게 말하자면 게임에는 사랑이 있어야 한다.

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Q. ‘인디게임’ 이라는 용어는 때로는 어떤 부정적인 함축의미를 갖고 있다. 당신의 게임이 어떻게 등급화되는 것이 중요하다고 보는가? 우리의 게임은 인디 게임이라고 생각한다. 하지만 게임을 개발할 때는 인디 게임과 트리플 A 짜리 게임 간에 차이점에 대해 생각하지 않는다. 지금에서야 이해하지만 당시엔 그렇지 않았다. 어떤 면에서는, 유저 관점에서 바라보면 인디나 메이져 타이틀이 상관없을 것 같다. 사람들은 늘 신선한 경험을 찾지 않을까?

Q. 레이블 운영, 게임 디자인, 음악 제작, 퍼포먼스 그리고 그래픽 디자인에 이르기까지 다양한 것을 한다. 당신이 표현하는 모든 매체에 걸쳐서 공통된 사고방식이나 테마가 있나? 그렇다. 내 작업은 개인적인 성향을 띤다. 내 작업이 전반적으로 관통하는 테마는 개인적 경험과 함께 이를 공유함으로써 극대화시키는 것이다. 그래서 작업의 소재가 굉장히 사적인 장소에서 나오기도 하고 이런 부분이 작업의 숨겨진 많은 부분에 영향을 미친다. 이를 테면, 가족에 대한 나의 사랑을 생각해보자. 사람들은 대개 자신의 부모를 향한 깊은 감정을 느끼기 때문에, 이러한 감정은 일반적으로 공감하기 쉽다. 이런 부분이 메시지를 전달하기에 알맞은 이유이다. Descanso 라는 레코드 레이블을 내면서 많은 공을 들였고, 여러 해에 걸쳐 만난 다양한 아티스트나 친구들과 콜라보레이션도 하게 되었다. 그러다 보니 자연스럽게 당시의 계절, 분위기, 무드에 영향을 받는다. 추운 겨울에 작업했던 몇 가지 트랙이 있는데 아직 완성하지 못했다고 치자. 봄이 오고 따듯해지기 시작하면서 파트마다 성향이 달라진다. 주로 겨울에 했던 작업은 좀 더 심오한 경향이 있어서 그 때 감성으로 되돌아갈 필요가 있다. 하지만 이렇게 하기가 불가능 할 때도 있지 않는가! 이런 경우엔 트랙 분위기가 내가 상상했던 것과 달리 완전히 달라진다. 하지만 그것 변화 역시 좋다.

Q. 일렉트로닉 뮤직을 제작과 게임 제작은 꽤 일하는 방식이 다를 것 같다. 컴퓨터로 개인 작업이 가능한 뮤지션 방식과 팀웍이 중요한 게임 제작 중 어느 방식을 더 선호하는가? 둘 다 좋아한다. 결국은 가능성에 대한 것이다. 아마 내 남은 생애를 두 영역 모두의 가능성을 탐구하고 찾아나가는 데 보내고 싶다. www.baiyon.com

나는 장인 정신이 깃들은 제품을 좋아한다. 하나밖에 없는 것에 관심이 많았다. 나는 패션을 전공했지만, 늘 아트를 지향했다. 누보는 파인아트에서 패션을 지향하는 경향이 있었다. 그런 각자의 성향이 합쳐져 빈티지의 요소들을 토대로 패션과 아트가 결합된 오브제가 만들어진 것이다.

Q. 둘이서 오브제를 만들어오면서 재미있는 에피소드가 있었을 것 같다. 빅뱅의 탑이 쓴 경찰관 모자 오브제는 탑 이외에도 많은 연예인들이 착용했는데, 해외의 온라인 미디어에서 누가 제일 그 모자에 잘 어울리는 지를 주제로 투표가 벌어지기도 했다. 또 일본의 패션 스쿨을 경영하는 분이 그 모자를 찾아, 샵을 방문해서, 일본에 지점을 내자고 제의를 하기도 했었다.

Q. 아트 오브제가 일반 대중들이 소화하기는 힘들 것 같은데, 고객들은 주로 어떤 사람들인가? 아이돌, 연예인들이 주 고객들인데 그들의 특별한 비주얼을 위해 빌려주거나 판다. 그 후 렌탈로 연예인들에게 사용되어져 온 오브제들을 전시해 놓으면 관광객이나 팬들이 사는 경우가 많다. 또한 독특하지만 대중적인 라인들을 만들어 놓으면 젊은 사람들이나 아티스트, 외국인들이 사기도 한다. 예전에 영국에서 활동하는 에디터 분이 오브제 글러브와 목걸이를 사갔다. 그리고 이것들을 착용하고 영국에서 마틴 마르지엘라 파티에 갔는데 지방시 디자이너 등 사람들에게 반응이 좋았다고 전해 들었다. 이처럼 외국에서 반응이 커 기회가 된다면 시장을 더 넓히고 싶다.

Q. 어떤 과정으로 아트 오브제를 만드는가? 오래 전에 만들어 졌던 요즘은 팔리지 않는 주얼리, 엔티크한 금속 자제들을 국내외의 공장이나 샵에서 사와서 보면 스케치라고 할 것도 없이 영감이 떠오른다. 웨어러블한 것을 좋아하는 스타들이 착용할 수 있는 것들에 대한 상상을 하며 만들기도 하고, 강한 이펙트로 앨범 자켓 등에 들어가면 좋을 것 같은 오브제의 형태들을 상상하며 재료를 아끼지 않고 만든다. 다른 곳에서 처치 곤란 했던 것들이 우리에게는 특별한 재료가 되는 것이다.

Q. 이 일을 하기 전엔 각자 무슨 일을 하고 있었는가? 나는 패션디자인과 대학원을 다니는 학생이었다. 누보는 회화과를 졸업하고 군대를 갓 전역한 상태였다. 우리 둘 다 회사에 속해서 일하기 보다는 개성 있는 작업, 예술을 하고 싶어 했었다.

Q. 취미는 무엇인가? 여가 시간에는 무엇을 하는가? 매일 샵에서 작업을 하면서 잠이 부족한 편이어서, 잠을 자며 휴식을 취한다. 그리고 우리 둘 다 먹는 것을 좋아하는데, 맛있는 것들을 만들어 먹거나 한다. 특히 토속적인 음식을 좋아해서 우리나라 곳곳의 맛 집을 찾아 다니곤 한다.

Q. 새로 진행하고 있는 프로젝트 혹은 작업이 있는가? 지금 샵의 디스플레이를 갤러리처럼 바꿔보려 한다. 결혼 사진으로서 우리의 오브제를 찾는 분들이 많다. 그러한 수요에도 답을 줄 수 있는 ‘블랙&화이트’ 컨셉의 작업을 중심으로 지금까지의 작업들과 함께 갤러리처럼 디스플레이 해보려 한다. 체계적인 준비를 통해 샵을 확장하는 구상도 하고 있다.

Q. 도전하고 싶은 작업이 있는가? 세계적인 콜렉션에 설 수있는 브랜드를 만들고 싶다. 다른 패션 브랜드와의 콜라보레이션을 통해서 다양한 색깔을 보여줄 수 있는 브랜드가 되었으면 좋겠다. 또 지금은 한국 시장에 맞춰 아이돌등의 클라이언트에 맞춰 작업하는 경우가 많은데, 보다 우리의 색깔을 드러내는 작업을 하고 싶다.

Q. 벨엔누보의 목표는 무엇인가? 사회적 기부를 꿈꾼다. 한 20년 후에는 벨앤누보가 부와 명성을 쌓아, 그것으로 예술을 배우고 싶어하나 여건이 힘든 사람들을 위한 장학 단체를 만들 수 있으면 좋겠다.

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Bell&Nouveau Q.벨엔 누보에 대한 간략한 설명을 부탁한다. 벨에포크(La belle epoque)와 아르누보(Art Nouveau)의 줄임말이다. 벨에포크는 ‘좋은 시대’, 아르누보는 ‘새로운 예술’이라는 뜻으로 현 시대에서 좋고 새로운 예술을 펼쳐보자는 뜻에서 벨에포크 엔 아르누보라는 컨셉으로 아트 오브제라는 것으로 작업을 하게 되었다. 듀오 아티스트이기에 벨엔누보로 이름을 줄이게 되었다. ‘스페셜한 오브제를 스페셜한 사람에게 입히자’라는 모토로, 새로운 의미의 haute couture를 재현하고자 한다.

Q. 벨엔누보를 시작하게 된 계기는 무엇인가? 나는 빈티지 의류들을 모으는 것을 좋아했는데, 대학원을 졸업할 즈음에는 너무 많은 빈티지 의류가 집에 있다는 것을 깨달았다. 대학원을 졸업하고서 가로수길에 작업실 겸 매장을 차리고, 특이한 빈티지 의류를 내다 팔기 시작했다. 누보는 원래 온라인 친구였는데, 나의 샵과 작업들을 매우 좋아해주었고, 그가 동업을 제안을 했다. 나는 그와 작업 성향이 비슷하다고 생각하여 함께 작업하기로 결정했다. 누보의 합류는 작업스타일을 더욱 풍성하게 만들어 주었고, 그가 합류한지 3달만에 지금의 큰 샵으로 이전할 수 있었다.

Q. 어떤 계기로 아트 오브제를 만들게 되었나?

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www.bellnouveau.com

있었던 것 같다.

Q. 최근 가장 흥미로웠던 작품은 무엇인가? (나의 작품 중에) 특별히 좋아하는 작품이 있지는 않다. 전반적인 작품의 모든 이미지는 거미줄처럼 연결되어 있고, 한 줄 한 줄 그러한 끈을 모두 아낀다. 굳이 한 작품을 소개한다면 최근 굉장히 재능 있는 패션 디자이너 Leyre Valiente와 콜라보레이션한 작업이다. 그녀는 ‘Chimaera’ (키메라, 사자의 머리에 염소 몸통에 뱀 꼬리를 단 그리스 신화 속 괴물)를 주제로 작업하는데 이런 이미지를 시각적으로 재구성하게 되었다. 이 작품에는 시각적, 구성적인 측면에서 심플하면서 말로 표현할 수 없는 무언가를 지니고 있다. 나는 작업 과정에서 그녀의 디자인 정신을 온전히 담고 싶었고 그래서 원본 이미지를 변형하는데 Leyre의 옷감만 사용했다.

Q. 어떻게 수많은 디자인 회사와 커뮤니티에서 일하게 되었는가? 대중적으로 작품을 공개하면, 많은 사람들이 보게 되고 그들이 마음에 든다면 함께 작업하자고 제안한다. 마음이 맞는 사람들끼리 모여서 작업할 때도 있다. 이렇게 서로 아는 사람을 소개받기도 하고 훌륭한 재능을 가진 사람을 많이 만나게 되었다.

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Michael Ostermann Q. 당신에 대해 소개해달라. 내 이름은 Michael Ostermann이고, 오스트리아, 비엔나 출신의 일러스트레이터이자 그래픽 디자이너이다. 초현실적이고 우울한 분위기의 무채색 이미지나 그래픽으로 작업한다.

Q. 프로필에 자신을 ‘오컬트, 흑마술사, 때론 아티스트’로 소개했더라. 작업에 영향을 주는가? 하하(웃음), 절대 진지하게 받아들이지 마라. 그렇게 나를 소개한 이유는 가끔 내 작품을 본 어떤 사람들이 나를 아티스트나 디자이너이기보다 흑마술사라고 놀리기 때문이다.

Q. 2012년 계획중인 프로젝트가 있나? 가까운 시일 내로 진행할 프로젝트가 있다. 흐름에 맡겨 일을 하면 놀라운 결과가 일어난다. 자세히 이야기할 순 없지만 새로운 패션 관련, 디자인 관련 프로젝트가 있을 것이다.

Q. 아티스트로서 목표가 있다면? 정해둔 목표는 없다. 일단 도달하면 끝이기 때문이다. 나는 몽상가다. 아마 죽을 때쯤 끝이 나겠지만, 살면서 제한된 시간이 있다면 최대한 즐기고 많은 것을 접하고 싶다. 그것이 내가 아티스트로서 하고 싶은 것이다. www.michaelostermann.au

Q. 독학을 했다. 일반 교육과정을 거치지 않아서 생기는 어려움이나 힘든 점은 없었나? 만약 내가 정기적 급여를 받는 일반 직장에서 일했다면, 영향이 있었을 것이다. 하지만 자신과 어울리는 크리에이티브 에이젼시와 일한다면 전혀 문제될 일이 없다. 왜냐하면 정규교육을 거치지 않고 크레이티브한 아이디어를 얻을 수 있다는 걸 이들은 알고 있고, 결국에 자신을 대변하는 것은 작품 자체이다. 그 이 외에 것들은 별 차이가 없는 것 같다.

Q. 어떻게 디지털 일러스트레이터가 되었는가? 특별한 계기가 있나? 특별한 이유는 없다. 작업을 하다 보니 자연히 이런 방식으로 일하게 되었다. 어린 시절 컴퓨터에 설치된 포토샵이 있었는데 어느 날 지루해서 해보기 시작했다. 꽤 재미있었고 그 날 이후 포토샵을 즐겨 하곤 했다. 후에 내가 즐기면서 제일 잘 할 수 있는 일이 이런 작업이라는 것을 깨달았다.

Q. 어떻게 하다 실제 이미지를 디지털 변형하는 작업에 끌리게 되었는가? 현실적인 이미지를 좋아하지 않는다. 리얼리즘 작업을 하고 싶었다면 외부로 나가서 작업했겠지. 나는 실제 존재하지 않는 것을 창조하고자 하고, 이런 점이 사람들에게 흥미롭게 다가가는 것 같다. 물론 다른 스타일의 작업도 계획하고 있다. 간단히 말하자면 나는 실제에 존재하는 것을 사람들이 인식할 수 있는 정도에서 왜곡된 무언가로 변형하는 것이 좋다.

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10/10

Q. 웹페이지 작업을 보면 시간이 흐르면서 스타일이 조금 변했다. 어떤 이미지를 만들고 싶은가? 나이가 들면서 환경도 변하고 그에 따라 자신도 변하게 된다. 이런 점이 작품에 영향을 준다. 내 생각 역시 바뀌었기 때문에 초기작은 지금과 다르다. 최근에는 패션 스틸컷 이미지에 빠져있고, 모션 프로젝트도 진행 중이다. 말하자면 클래식한 그래픽 디자인에 내 스타일을 덧입히는 그래픽 작업이 좋다. 아직은 그 일부만 포트폴리오에 실었고, 곧 다양한 스타일을 보여줄 것이라 장담한다.

Q. 독자들에게 10/10 에 대한 소개 해 달라.

10/10은 태국 방콕을 중심으로 한 남성복 브랜드로서, 여느 다른 브랜드에서 볼 수 없는 독특하고 디테일이 살아있는 모던한 스타일을 표현하고자 한다. 사계절 내내 입을 수 있는 우리의 옷은 기하학부터 건담에 이르기 까지 다양한 영역에서 영감을 받았다. 10/10 은 전통적인 테일러링과 스트리트 의상을 아방가르드하게 조합하고 있다. 이런 유니크한 옷 한 벌을 가지고 있다면 어떠한 옷장이라도 신선하게 탈바꿈 할 수 있다.

Q. 작업 방식이 궁금하다. 특별히 고수하는 방식이 있나? 포토그래퍼, 패션디자이너, 에이젼시와 함께 일하고 그들의 포토그래피를 기반으로 작업한다. 일단 일을 시작하면 생각을 접고 내 스타일에 맞는 결과가 나올 때까지 다양한 방식을 시도해 본다. 3D 그래픽 작업을 하기도 하고, 포토그래피 자체를 손보기도 한다. 굳이 말하자면 작업 방식이 정신 없는 편이지만 나만의 스타일에 집중하려고 한다.

Q. 10/10은 무엇을 뜻하는가?

10/10(TEN OUT OF TEN)은 실제 사람들이 받을 수 있는 최상의 점수 이다. 이는 내가 의상을 만드는 데 들이는 노력과 관심의 양을 반영하는 적극적 의미를 가지고 있다. 또한, 나는 사람들이 쉽게 기억하기를 원하는데, 숫자는 그것들을 아주 잘 표현해 준다. 그리고 2010년 10월 10일이 내가 이 브랜드를 런칭한 날이기도 하다.

Q. 작업에서 강한 초현실주의와 형태, 색감, 구성에 있어서 우울하고 그로테스크한 분위기가 난다. 어떻게 영감을 받는가? 나만의 개성이 있다. 그것이 언어로 표현될 때는 조금씩 변할지도 모르지만 그 개성 자체는 유일한 것이다. 이러한 것들이 내 머리 속을 채운다. 앞으로 작업의 주제는 변할 수도 있지만, 분위기나 구성은 바로 내게서 나온다. 이런 스타일을 만들어냈다기 보다 항상 내 안에 있었지만 특정한 매개로 표현되길 기다리고

Q. 어떻게 10/10을 런칭 하였나? 혼자 시작하였다. 나는 디자인, 패턴제단, 직물제작, 천의 대외구매와 프로덕션 등의 각기 분야에서 일년씩 일 했었다. 내가 처음 시작했을 때는 정말 작은 사업이었다. 일년이 지나면서 나를 도와주는 훌륭한 어시스턴트를 얻었고 그들은 현재10/10 팀의 귀중한 멤버가 되었다. 좋은 사람을 만나면 모든 일이 잘 풀리기 마련이다. 지금까지 내가 겪었던 가장 큰 장애물은 제조 체계를 잡는 것과 마켓이었다. 컬렉션을 하거나 큰 품목을 만들어야 할 때에는 빠듯한 예산 때문에 골치를 썩곤

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했다. 하지만 이런 장애물들은 10/10을 더욱 강하게 만들어 주었고, 난 배움의 과정을 겪은 경험을 좋게 생각하고 있다. 나는 아직도 많이 배우고 있고, 10/10이 세계로 확장되길 바라고 있다. 또한 남성들이 우리 브랜드를 통해 의상 선택에 있어 좀 더 모험적인 영감을 받았으면 한다.

Q. 10/10이 도전해보고 싶은 다른 분야가 있는가? 다양한 아티스트, 또는 액세서리 브랜드와 콜라보레이션을 하고 싶다. 나는 10/10을 의류업 이상으로 확장시키고자 한다. 백, 슈즈, 썬글라스 제작은 정말 재미있을 것 같다. 나는 다른 다양한 분야들에 우리의 이름을 넣고 싶다.

Q. 10/10의 주요 타겟은 누구인가?

10/10의 주요 타켓으로 잡고 있는 사람들은 새롭고 남다른 것을 시도하는데 두려움이 없는 사람들이다. 옷 입기를 좋아하고 군중들 사이에서 돋보이고 싶어하는 사람들. 아주 개성 있고 인디펜던트 한 사람들. 일상 생활에서 완전한 룩을 생각하고 어떠한 이벤트에서든 특별해 보이길 원하는 사람들. 고정된 틀 밖에서 생각하는 사람들 말이다.

Q. 새로 준비하는 프로젝트가 있는가? 당장10/10이 시작하는 새로운 프로젝트는 없다. 나는 우리가 지금 하고 있는 일과 나의 브랜드를 다음 단계로 발전시킬 수 있는 데에 집중하고 싶다. 세계적인 브랜드가 되는 것이 우리가 바라고자 하는 바 중에 하나다. 미래에 10/10에서 여성 라인을 볼지 누가 알겠는가? 하지만 그것은 단지 내가 좋아서 하는 것이고 최대한 크리에이티브한 감성을 살린 실험적인 일종의 쇼 작품이 될 것이다. 나는 대중을 깜짝 놀라게 할 만한 무언가를 만들어 내고 싶다. 외부 요소의 어떠한 제약도 없이 말이다.

Q. 많은 독자들이 태국의 패션 마켓에 대해서 궁금해 할 것이다. 그 중 고려해야 하는 특정한 점이나 혹은 장애물들이 있다면 무엇인가? 태국의 남성복 패션 마켓은 아주 작다. 보통 사람들은 튀어 보이는 것을 꺼려하기 때문에 여기의 대부분 사람들이 비슷하게 옷을 입는 경향이 있다. 나는 이러한 이유 때문에 사람들에게 의상 선택에 있어서 개성을 표현 하는 데에 두려워 말라고 말해주고 싶다. 또한 많은 회사들이 마켓에서 포화상태에 있다. 이 일은 수많은 디자이너 의류를 대체시키는 결과를 가져왔으니 정말 애석한 일이기도 하다. 하지만 나는 낙심하지 않는다.

Q. 10/10 은 기하학적인 디자인으로 페턴을 만들어 내는 것 같다. 이러한 옷을 만들기 위해 어떠한 컨샙을 사용하는가? 기하학적인 모양, 직선, 모서리, 접기, 레이어링, 박스형의 실루엣은 나의 모든 의상을 나타내는 특정한 스타일이 되었다. 나는 컨셉에 전념하기 보다는 컬렉션의 주제가 될 수 있는 테크닉과 섬세함에 집중한다. London College of Fashion에서 훈련한 것처럼, 우린 테일러링 테크닉에 사용되는 의상 제작에 포커스 하라고 배웠다. 디자인할 때에는 제일 먼저 특정 디자인에 잘 맞을 이러한 기초적인 테크닉들을 실험해본다.

Q. 미래에 10/10이 어떠한 브랜드로 성장 하였으면 하는가?

10/10이 디자인 안에서 많은 재미를 선보이는 쿨하고 유니크한 브랜드가 되길 원한다. 나는 나의 디자인에 매우 진지하게 받아들인다. 하지만 옷을 입을 때, 나는 나의 소비자들이 그 옷들을 착용하는 걸 즐겼으면 한다. 물론 불가능하다고 생각하지만 나는 10/10이 아이덴티티를 잃지 않고 패션 사업에서 크게 성장했으면 한다. 크리에이티비티 뿐만 아니라 하이 퀄리티를 선보이고 내가 패션을 창조해 낼 때 반영하는 나의 사랑을 대표하는 브랜드로. www.facebook.com/suphanut.chuwan.suwansanya

Q. 의상 제작에 있어 어떠한 것에서 영감을 받는가? 디자인을 시작하기 전에 나는 내가 실제 삶에서 보고 싶은 캐릭터들을 상상한다. 아마 그래서 늘 나의 상상을 그려내는 것 같다. 또한 내가 입는 옷에서도 영감이 오곤 한다. 사실, 음악과 뮤직비디오는 내 삶의 엄청난 부분을 차지한다. 그리고 이러한 것들이 나의 크리에이티브 프로세스에 영감을 준다. 보이는 모습과 직업에 있어서의 두려움 없이 자신의 길을 당당히 걸어가는 Roisin Murphy 같은 가수나 Kate Lanphear 같은 사람들이 나의 뮤즈 이기도 하다.

Q. 10/10의 룩북이 굉장히 흥미롭다. 룩북을 만드는 과정에서 무엇에 초점을 맞추는가? 나는 나의 컬렉션의 무드와 테마에 빠져든다. 예를 들면, 2008년 컬렉션은 3D 컨셉을 중심으로 다뤘다. 밝은 빨간 색의 머리를 하고 3-D안경을 쓰고 있는 모델들과 함께 레드와 블루 컬러를 중점으로 스타일링을 했다. 2012년의 “Only Young Once” 이라는 컬렉션에서는 “bad boy” 룩의 모델을 선택했다. 왜냐하면 나는 다른 사람들이 어떻게 생각하든 말든10/10 남성들에게 그 컨셉이 어울린다고 생각했기 때문이다. 그들은 그저 그들일 뿐이고 다른 사람이 되려 하지 않는다. 무드와 톤은 정말 중요하다. 완벽한 장소를 찾아내는 것은 엄청난 임팩트를 주기도 하고, 종종 다른 장소에서의 촬영이나 스타일링을 결정짓기도 한다. 모든 것은 룩북이 충분히 실현되기 위해 완벽하게 들어 맞아야 한다. 심지어 이러한 크리에이티브한 과정은 촬영 도중에도 계속 흘러간다. 항상 새롭고 신나는 아이디어에 오픈 되어 있는 만큼 난 크리에이티브한 아이디어가 끝까지 쭉 흘러가게 놔둔다.

Q. 2008년 룩북에 레드와 블루의 대비는 인상 깊었다. 그 이미지들 뒤의 컨셉은 무엇인가? 그건 나의 졸업작품 이었다. 그 영감은 Jimmy Lia의 “A Chance of Sunshine” 라는 책에서 왔다. 그 컬렉션은 다른 장소와 시간 때문에 늘 서로를 보고 싶어하는 한 남자와 한 여자와의 관계에 초점을 맞추고 있다. 나는 여자를 표현하기 위해 레드 컬러를 썼고, 남자를 표현하기 위해선 블루 컬러를 썼다. 또한 레드와 블루는 늘 서로 옆에 붙어 있지만 절대로 하나가 될 수 없는 것처럼 3D 안경의 작동방식이 메인 주제였다. 그것은 어찌 보면 환상일 수도 있다. 어떤 패턴을 보면, 평행선을 조합해서 절대로 매치될 수 없는 것들의 생활방식을 보여주려 했고, 레드 재킷은 그들의 관계와 궁극의 만남의 기회를 표현하는 이 컬렉션의 핵심결론이었다.

Q. 2012년 룩북이 “Only Young Once”란 테마에 베이스를 두고 있다고 들었다. 어떤 종류의 옷을 사용해서 그 테마를 시각화 하였고, 또 그것을 통해 무엇을 표현하고 싶었나?

“Only Young Once!”은 젊은이들의 의상 선택에 있어서 존재하지 않는 두려움의 생각에서 나왔다. 그들이 그들만의 큰 음성으로 자기 자신을 표현하고 싶은 젊은 영혼 말이다. 그 작품들은 계속해서 브랜드의 기초를 나타내는 정밀한 절단과 색의 블록 구성으로 만들었다. 거울의 특정한 배치는 인간 심성에 예상되지 않은 인격과 그것을 풍부하게 하는 것을 가리킨다. 모든 사람들은 다 각자의 의견이 존재 하지만 또 그 각자의 의견들이 다 들리는 것은 아니다. 10/10 은 모든 라이프 스타일과 완벽하게 조합되는 옷을 만들고 가지각색의 스타일을 증폭시킨다.

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Lisa Shahno Q. 독자들에게 자신의 소개를 부탁한다. 모스크바 출신 패션 디자이너다. 나는 어린 시절 동독에서 지냈다. 그리고 2009 년에 그곳을 다시 방문해서, 베를린에서 열린 젊은 디자이너를 겨냥한 패션 대회인 CREATEUROPE에서 아방가르드 상을 수상했다. 모스크바에서 옷 본 만드는 과정과 패션 디자인을 공부하면서 지역 잡지를 위해 프리랜서 일러스트로 일했다. 지금은 의상 디자인에 더 치중하고 있다.

Q. 당신의 의상은 기하학적인 형태가 특징이며, 일본 전통 종이 접기인 “오리가미” 를 연상시킨다. 영감을 어디서 얻는지 말해 줄 수 있는가? 나는 늘 곡선보다 각이 있는 선을 선호해왔다. 다각형을 추구하다 보면 내가 스케치를 할 때 복잡한 형태를 어떻게 표현해야 할 지 이해하는데 도움이 된다. 그래서 의상을 창작할 때는 정사각형, 삼각형, 직사각형과 같은 단순한 기하학적 도형을 이용하고 직관적으로 이 도형들간의 연관관계를 찾아 동일한 구성 방법을 적용한다. “오리가미”가 내 영감의 원천이라고 말할 수는 없지만, 내가 아는 일본 전통 문화는 매우 인상적이다. 많은 일본 디자이너들이 일본 전통 의상에 깊이 뿌리를 두고 있는 사상을 재정립해 온 점을 인정한다. 그들은 몸과 옷감 사이에 지나칠 정도로 넉넉한 공간을 두어 몸 동작이 주는 제약에서 의복이 자유로워 지는 것이 왜 중요한지 탐구하였다.

Q. 당신의 홈페이지에는 THE Iteration (2012) 룩북 옆에 기하학적 그림들이 있다. 왜 그 그림들을 그렸는가?

Carl Sagan의 “코스모스”를 읽으면서, 나는 우주의 크기에 매료되었다. 지구가 우리에게는 어마어마하게 크지만, 태양과 비교해 보면, 작은 점에 지나지 않는다. 또 태양을 안타레스 초거성과 비교해 보면, 태양이 작아 보이며, 그 수준에서는 지구는 아예 보이지도 않는다. 인터넷 검색을 하다가 우연히 프랙탈 우주론에 관한 기사가 눈에 띄었는데 그 이론은 우주를 프랙탈 (차원분열도형), 어떤 방향으로도

무한한 개념으로 묘사하고 있다. 이 이론에서 가장 흥미로운 부분은 은하수와 같이 우리에게는 무한히 큰 무엇인가가 더 큰 스케일을 가진 다른 세계에서는 소립자와 같이 매우 작을 수도 있다는 사실과, 같은 논리로, 우리의 세계에 존재하는 원자는 더 작은 우주 공간에서는 은하수와 같을 수도 있다는 사실이다. 그래서 그 기사를 읽고 나서, 새로운 컬렉션을 위한 아이디어가 떠올랐다. 기본 도형 (대각선을 그려 넣은 정사각형)을 만들어서, 모든 옷 본에 사용하되 상황에 맞춰 각각 다른 크기로 만들면 꽤 괜찮겠다는 결론을 내렸다. 룩북에 있는 격자무늬는 2차원적 레이아웃, 사용된 기본 도형의 양과, 각각 다른 크기의 도형을 보여주고 있다. 각 모델은 우주의 모든 레벨의 공간을 상징하고 있으며, 이 간단한 격자무늬를 이용하여 훨씬 더 많은 모델을 만들어 낼 수 있다.

Q. HEXAPELERINE (2010) 의 네온 스티칭이 특히 두드러지고 있는 상황에서 당신은 독특한 재료를 고르는데 관심을 쏟고 있는 것처럼 보인다. 재료는 어떻게 고르고, 고를 때 무엇에 초점을 맞추는가? 상황에 따라 다르다. 때때로, 멋진 패턴을 가지고 여기에 맞는 옷감을 고른다. 그러나 가끔 옷감을 먼저 고르고 나서 여기에 맞춰 패턴의 모양을 만든다. 나의 최초의 컬렉션에 인조가죽과 PVC, 그리고 가끔 모조 모피를 사용하여 날카로운 모서리와 평평한 표면처리를 하였다. 한번도 천연 모피와 가죽은 사용한 적이 없다.

Q. 곧 나올 신상품 컬렉션이 어떤 컨셉인지 간단히 말해달라. 추상적인 2차원적 표면을 가진 동일한 테마가 될 것이다. 하지만 지금으로서는 이것이 내가 말할 수 있는 전부다. 또한 곧 동일한 디자인 기법을 이용하여 만든 한정판 가방을 선보일 것이다.

Q. 앞으로 어떤 종류의 의상을 만들기를 원하는가? 내 목표는 트렌드와 계절에 구애 받지 않고 디테일에 치중하면서 완벽하면서도 단순한 의상을 만드는 것이다. 이 모든 것은 내가 추구하는 훨씬 더 큰 줄거리의 일부분이 될 것으로 믿고 있다.

Q. 향후 2-3년간 추구하는 목표가 있다면? 내 자신의 스튜디오와 내 프로젝트를 위해 나와 함께 일하는 마음이 맞는 사람들로 이뤄진 작은 팀을 갖고 싶다. www.lisashahno.com

Q. 당신의 룩북은 매우 재미있다. 예를 들면, THE ITERATION (2012) 룩북에, 모델의 머리가 직접 나타나지 않지만, 그 그림자는 또렷하게 볼 수 있다는 점이다. 당신의 창작 작업 과정과 함께 작업하는 사람들에 대해서 좀 더 얘기해 달라. 솔직히 말하자면, 룩북을 그렇게 의도하고 만든 것은 아니었다. 그러나 사진 촬영을 할 때 보다 더 신비롭고 약간 무서운 느낌을 주도록 보이게 하고 싶다는 생각이 들었고 그래서 머리를 지우기로 했다. 2010년 말 무렵 나는 베를린에서 살면서 “The Iteration” 작업을 막 마쳤는데 그 때 한 친구가 Valeria Mitelman라고 하는 사진 작가에게 나를 소개했다. 우리는 공동 작업을 시작했다. 나는 내 디자인 작품을 각각 다른 사진작가가 촬영하는 것을 좋아했다. 사진작가마다 어떤 관점을 갖고 있는지 아무도 모르지 않는가? 또한 나는 나의 ID와 웹을 만드는데 도움을 준 그래픽 디자이너 겸 아티스트 The Local Genius (thelocalgenius.com)와도 많은 작업을 하고 있다.

Q. In the Buddka (2011) 프로젝트는 무엇인가? 그것은 내가 가끔 스케치하는 캐릭터에 관한 것이다. ”Buddka”는 러시아어로 부스나 개집을 의미한다. 나의 ”Buddka”는 상상 속의 작은 집인데, 거의 우화 수준이다. 이 집에는, 예측 불가능한 생명체로 변모된, 과거에 대한 무의식적인 기억이 들어 있다. 나는 새로운 캐릭터를 종이 위에 그리는 대로 이 캐릭터를 이 곳에 추가한다.

Q. 당신의 작업 과정에 대해서, 그리고 컬렉션에서 두드러지는 작품이 무엇인지 말해달라. 은이나 인조 가죽으로 만든 웨이스트 팩을 만드는 과정이 가장 재미있다. 그러나 아직 한번도 선보인 적은 없다. 전에는 이런 종류의 것을 디자인하리라고는 전혀 생각도 하지 않았지만, 어느 날 한 가게에서 슬라이더에 예쁜 삼각형 장식을 단 지퍼가 눈에 띄었다. 그러나 그 장식은 너무 크기가 작아 그 당시 내가 만들던 의상에는 맞지 않았다. 그래서 종이로 이 장식을 많이 만들어서 그 멋진 지퍼에 어떻게 이용할까 궁리했다. 그리고 몇 시간 후 나는 웨이스트 팩을 낳게 한 형태를 찾아냈다.

Q. 의상 작업을 하면서 어려운 점은? 주로 어려운 점은 실용과 비실용적 추상 사이에서 균형을 찾는 것이다. 나는 몸에 맞는 치수를 재면서 작업을 시작하지 않기 때문에 때때로 의상 크기를 변경할 때 어려움을 겪는 것과 같은 문제에 부딪친다. 그러나 나는 이런 디자인 방식을 좋아한다 왜냐하면 작업이 어떤 방향으로 진행될지 아무도 모르고 매우 흥미로운 무엇인가를 발견할 훨씬 더 많은 기회가 있기 때문이다. 모든 의상이 다르고 각각 다른 작업 방식이 필요하기 때문에 내가 어떻게 이런 문제점을 극복했는지 말하기가 어렵다.

Q. 당신의 작품에서 최근 가장 흥미로운 주제는 무엇인가? 요즘 나는 수면, 최면, 염력과 같은 늘 미스터리로 여겨지는 초자연적인 행동에 푹 빠져있다.

Q. 당신의 의상은 아방가르드 한 스타일 때문에 일반 대중들을 겨냥한 것 같지는 않아 보인다. 재정적으로 어떻게 사업 수지를 맞추나? 러시아에서 사업은 복잡한 일이다. 그리고 솔직히 말하자면 나는 재정적인 면에는 서투르다. 개인 주문을 받고 컬렉션에서 판매하는 정도다.

Q. 당신은 기하학, 과학 또는 수학에 관심이 있는 것 같다. 패션 이외에 관심을 가지는 분야가 있는가? 있다. 나는 수학적 퍼즐과 역설을 좋아한다. 그러나 학교에서는 수학이 정말 재미없었고 내 지식에는 큰 구멍이 있다. 나는 또한 미술사에도 관심이 있다. 최근 훌륭한 채식주의 레시피를 찾아냈고 지금은 새로운 음식 조합을 시도해 보면서 가끔 요리를 즐긴다.

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Andrey Sarymsakov Q. 당신에 대해 소개해달라. 내 이름은 Andrey Sarymsakov이고 우크라이나 출신의 현대 패션 사진작가다.

Q. 사진을 독학했다고 알고 있다. 어떻게 사진에 빠져들게 되었나?

12살 때 카메라를 손에 처음 잡아봤고, 사진 수업에는 딱 2번만 참여했다. 대학을 졸업한 후, 앞으로 무엇을 할 것인가에 대해 고민했다. 어릴 적부터, 여성의 이미지와 그들로부터 관심의 중심에 있고 싶어했다. 하지만, 사진작가로서 경력은 웨딩 사진으로 시작했다. 사진은 독특한 순간을 잡아내고 누군가의 감정을 포착하는 예술이다. 즉 나에게 있어서 사진은 타인을 통해서 내 감정을 끌어내고 투영하게 하는 예술 형태를 의미한다.

Q. 주로 프로젝트에서 사람의 몸을 피사체로 삼는다. 어떤 메시지를 전달하고 싶은가? 사람의 몸은 아름답다. 이것이 내가 이들을 피사체로 표현하고 싶은 이유이다. 나는 여성이 신의 완벽한 창조물이라고 생각한다. 여러 다양한 방법으로 그려질 수 있고 어떻게 바라보느냐에 따라 다른 이야기가 있다. 이런 부분이 나에게 있어서 주체할 수 없는 창조성의 바탕이다.

Q. Natural Beauty. The Women 시리즈에서 모션을 잡아내는 순간이 눈에 띈다. 어떻게 이 프로젝트를 시작하게 되었나? 지나친 꾸밈이나 포토샵을 사용하지 않고서 여성의 진정한 아름다움을 보여주고자 했다. 22세 에서 45세까지 연령대에, 직장은 교사에서 변호사에 이르기 까지 다양한 여성을 선택했다. 데이트 사이트에서 이들을 바로 초대했고, 이메일을 통해서 프로젝트에 대한 간단한 설명을 보냈다. 어떤 여성들은 무엇을 중점에 두고 촬영할 것인지 전혀 이해하지 못한 이들도 있었다. 하지만 가장 행복했던 것은 모든 여성들이 작업의 결과물에 완전히 만족해 하며 떠났다. 이런 부분이 내가 하는 일에 있어서 지극히 중요한 부분이기도 하다.

Q. 카자키의 비디오 Pohvir와 화보에서, 어떤 점에 초점을 두었나? 상당히 명확하다. 미, 매력, 섹슈얼리티, 열정 그리고 섹스 그 자체.

Q. 촬영 중 기억에 두드러지게 남는 것이 있나? 카자키 촬영을 하다 그들의 프로 정신에 감동했다. 특히 그들의 몸에 자극을 많이 받아서, 촬영 후에 운동을 더 했다. 짧은 기간 안에, 8 킬로그램이 줄었다.

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Q. 당신은 정말 에너지가 넘치고 매력적이다. 주로 여가 시간을 어떻게 보내는가? 여가시간에 닉켈로디언이나 카툰 네트워크를 즐겨 본다. 여전히 나는 틈이 나면 키즈쇼를 보는 것이 좋다. 하지만 최근에는 아트와 러시아 시에 빠져 있다. 그 중 한 가지를 꼭 읊어 주고 싶다.

Inexpressible, blue, gentle...

My quiet region after storms, when lightning strikes And my soul-a field boundless Breathing in the smell of honey and roses -S. ESENIN말로 표현할 수 없는, 우울하고, 상냥한… 폭풍 후에 나의 조용한 장소, 번개가 칠 때 그리고 나의 영혼-경계가 없는 벌판 꿀과 장미의 향기를 들이마시면서 -S. ESENIN (세르게이 예세닌)Q. 많은 독자들이 최근 우크라이나 패션과 아트 씬을 궁금해 할 것 같다. 우크라이나의 신예 중 한명으로서 어떤 생각을 가지고 있는지 궁금하다. 우크라이나에는 정말 끼 많은 사람들이 많다. 만약 진정으로 자신을 믿는다면, 그 길을 막을 것은 없다. 대표적으로 카자키가 있다. 이들을 만난 지 1년 채 안 되었는데, 지금 그들은 최신 마돈나 뮤직비디오에서 함께 작업했다. 우크라이나 아트 시장은 초기 단계에 접어들었고, 어떤 이들에게는 과격하거나 개념적인 컨셉이 강한 경우엔 부담스러워 하는 사람도 있다. 하지만 앞으로 발전하고 변화할 시간과 가능성은 충분히 있고, 나 역시 그렇게 되리라 믿는다.

Q. 패션 촬영, 개인 프로젝트, 상업 촬영까지 다양한 분야의 포토그래피 작업을 한다. 올 해 계획이 있다면? 최근 Ukraine. The one we love라는 포토전을 기획하고 있다. (www.photoukraine.net) 모던 우크라이나 포토그래퍼 신을 키우고 싶기 때문이다. 프로든 아마추어든 상관없이 누구나 참여해서 출품할 수 있다. 최종 심사 단계에서는 나를 포함한 심사단원이 30여 장의 작품을 선정하여 5월에 전시회를 열 것이다. 전시는 Kiev에서 열린 문화 공간으로 유명한 Mariinsky 공원에서 진행될 예정이다. 누구든 와서 쇼를 즐겼으면 좋겠다! 아마 우크라이나의 매력에 깊게 빠져들 것이라 장담한다. 언젠가는 서울에서도 프로젝트를 함께 하고 싶다.

Q. 아티스트로서 당신의 목표는 무엇인가? 사람들이 전형적인 사고를 탈피해서 미와 내면의 조화를 느끼게 하고 싶다. www.sarymsakov.com

jamie Bruno, Eric Davis까지 이상 열 네 명의 아티스트가 멤버로 구성되어 있다. ( 이들 외에도다양한 장르의 아티스트들이게스트로 참여하고 있다).Seoul Urban art Project는아티스트들이 도시를 무대로 공간에 제약없이 자신의 작업을 펼치는 컨템포러리 아트 무브먼트이다. 줄임말로는 SUP이라고 칭한다. SUP은 기존의 화이트 큐브 안에서 그곳을 찾는 특정한 관객들과의 소통만을 추구하던 미술시장의 시스템에서 벗어나 아티스트들이 작업하고 싶은 지역을 직접 답사하고 선택하여 열린 공간에서 관객과 소통 할 수 있도록 도시 자체를 오픈갤러리로 만드는 방식을 추구한다. 다수의 대중을 고려하여 그들의 눈높이에 맞추어 이뤄지는 공공미술보다는 다양성과 과감한 실험정신에 입각해 ‘Real Art in the Real Street’ 이라는 목적을 지향하며 기존에 흔히 보던 거리의 낙서가 아닌 ‘Art on the Street’을 보여주고자 한다. Seoul Urban art Project는 이러한 활동을 통해 삭막하게 건물로 채워져 있는도시 속에 예술이 공존하길 희망한다. 이러한 과정에서 거리의 행인들은 관람자가 될 수도 있고 예술을 친근하게 경험할 수 있다. 이들이 이러한 활동을 펼치는 것에는 사람들이 잊혀지고 묻혀진 것들을 다시 한번 바라보고 가치를 생각하게 되기를 바라는 목적도 있다. 그들의 작업은 공간과의 협의를 통해 진행되기도 하고 그 반대로 과감하게 협의되지 않는 곳에서도 이루어진다. 그 중 더 의미가 있고 스릴이 넘치는 것은 후자다. 때문에 그들은 자유롭게 캔버스를 삼을 만한 곳으로 폐허 지역이나 재개발 구역을 답사한다. 그리고 2011년 12월, 재개발로 인해 비워져있는 서울시 서대문구 북아현동의 낡은 삼익아파트에서 그들의 첫 무브먼트는 시작됐다. 삼익아파트는 서울에서는 찾아보기 힘든 7~80년대 스타일의 8층짜리 아파트로 굉장히 오래되고 낡은 건물이었다. A동과 B동으로 나누어진 이 건물은 마치 독신자 아파트처럼 굉장히 작은 평수로 쪼개져 있었다. 애당초 계획은 A동 건물에서 아티스트들 별로 각각 방을 나누어 아트워크를 진행하기로 계획했다. 하지만 며칠 후 건물이 철거되면서 그 계획은 실현되지 못했다. 대신 그들은 B 동을 선택했다. 철거 중인 아파트라 B동 역시 언제 철거될지 모르는 상황이어서 건물 내부로 들어가 작업을 진행하기에는 여러가지 위험 요소가 많았다. 하지만 그들은 작업을 시작했다. 많은 작업들이 그곳에 살던 사람들이 이사가면서 남기고 간 흔적들로부터 영감을 받았다. 그들은 북 재개발 지역인 북아현동을 프로젝트의 시작점으로 삼고 경의선 철로 바로앞에 위치한 가건물로 지어진 동현교회를 비롯해 주변 빌라 등에서 작업을 시작했다. 그리고 2012년 3월 봄, 본격적인 모임과 회의를 통해 ‘Seoul Urban art Project’라는 타이틀과 함께 공식적인 작업으로 첫 번째 에피소드 북아현동프로젝트 아카이브가 만들어졌다. 다음 작업을 위한 캔버스로는 서울 용산구 이태원동 일대이다. 앞으로 SUP은 매달 새로운 지역으로 이동하며 산발적으로, 때로는 함께 모여서 전략적인 작업을 펼칠 계획이다. 작업의 무대는 재개발지역이나 유동인구가 활발한 다운타운 지역 등 어느 한 곳에 비중을 두지않을 전망이다. 뿐만 아니라 서울과 경기 지역 외에도 지방의 조용한 마을들까지도 SUP이 찾아가 유쾌하고 실험적인 아트워크를선보일 예정이다. 이러한 활약은 공식 홈페이지 등 온라인을 통해 확인 할 수 있으며 2012년 하반기에는 그간의 스트리트 아트를 총 결산한 SUP아카이브 전시와 그에 곁들인 아티스트들의 심도있는 작품 전시를 할 계획이다. 또한 지속적으로 프로젝트를 진행하며 새로운 게스트아티스트들을 끊임없이 영입하여 점차적으로 많은 작가들이 함께 작업을 하는 바램도 가지고 있다. www.sup-project.com

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France Danse Festival

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SUP 도시 곳곳을 무대로 실험적인 스트리트 작업을 펼치는 Seoul Urban art Project와 ELOQUENCE가 손을 잡았다. ELOQUECE는 앞으로 이들의 행보를 기록, 소개하는 한편, 미디어 파트너로서 아낌없는 응원을 하기로 결정했다. 일단 Seoul Urban art Project에 대해 알아보는 시간부터 가져보자.

Seoul Urban art Project는 서울을 무대로 활동하는 작가들로 구성된 순수한 작가주의 프로젝트집단이다. 스트리트 아티스트 정크하우스를 주축으로 헤즈, 가루, 그래피티아티스트 한디, 바사라, 페인터 양자주, 일러스트레이터 김시훈, 장콸, 포토그래퍼 황준오, 서준석, TJ, 이아람과 한국에 거주중인 외국인 아티스트

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France Danse가 일본, 이탈리아를 거쳐 한국에 상륙했다. 4월부터 6 월까지 약 3개월 동안 프랑스의 다양하고 풍부한 스타일의 창작 공연뿐만 아니라, 한국과 협동 공연으로 France Danse-Coree 2012 의 이름에 걸맞게 관객들과 만날 예정이다. ELOQUENCE는 앞으로 2회에 걸쳐 현대 무용의 세계를 눈앞에서 경험할 수 있는 기회를 소개하고자 한다.

2007년부터 13개국에서 개최된 France Danse는 각국 파트너와 함께 기획하여 프랑스의 대표적 안무가들과 함께 역동적으로 발전하는 프랑스 현대 무용계를 소개해왔다. 프랑스 현대무용은 80년대를 전후로 나타난 누벨 당스를 시작으로 짧은 기간 안에 현대무용의 정체성을 세웠다. 그래서 ‘미래 발레가 어떻게 변할 것인가 궁금하다면 프랑스를

보라’는 평을 받을 만큼 프랑스 현대무용은 컨템포러리 발레의 한 줄기를 형성하고 있다. 일본과 이탈리아에 이어 올 해는 한국을 파트너로 열리게 된 France DanseCoree 2012를 통해, 세계적인 현대 무용의 흐름을 눈앞에서 즐길 수 있는 기회가 독자들에게 한층 더 가까이 다가온 셈이다. 주한프랑스문화원과 프랑스 해외문화진흥원 공동 주관으로 4월부터 6월까지 MODAFE(국제현대무용제), 페스티벌 봄, 한국 공연예술센터, LG 아트센터, 한국예술종합학교 등을 파트너로 삼아 약 20회의 공연을 진행하고 있다. 특히 이번 France Danse-Coree 2012은 프랑스 무용계를 대표하는 공연을 소개하는데 그치지 않고, 한불 창작공연부터 프로페셔널과의 만남, 워크샵, 무용 영상물 상영회 등 다양한 이벤트를 통해 관객과 접촉할 기회를 마련했다. 프랑스 안무가의 기존 창작작품을 한국 무용수에게 전수하기도 하고, 두 나라의 전래동화에서 영감을 얻어 각국의 문화적 정체성을 새롭게 해석하기도 했다. 다양한 공연 중에서도 장르적 규칙의 벽을 허물고자 하는 시도와 동서양의 만남이 이루어내는 결과가 기대되는 BEST5 공연을 선정해 ELOQUENCE가 소개하고자 한다. 공연 이름 그대로 토마 르브륑의 Frankorean Tale (프랑스와 한국의 이야기) 를 MODAFE의 개막작으로 시작하여, 30년전부터 프랑스 무용계를 이끌며 국제 무대에서 큰 성공을 거둔 앙쥴렝 프렐죠까쥬의 And then, one thousand years of peace가 아시아 초연으로 MODAFE의 폐막작으로 마무리될 것이다. 또한 장르적 규칙을 넘나드는 공연으로는 한국에서 처음으로 공연을 가지게 되는 알제리국립발레단과 아브 라그라의 작품 Nya를 비롯하여, 거리 무용의 진수를 보여주게 될 무라드 메르주키의 Agwa & Correria가 눈에 띤다. 특히 힙합, 카포에라, 삼바, 일렉트로닉, 보사노바 등 다양한 장르가 한 방향으로 만난 이 작품은 브라질 춤꾼들의 기막힌 곡예가 기대된다. 현재 프랑스에서 가장 독창적인 무용단 중 하나로 꼽히는 Systeme Castafiore는 무용, 연극, 3D 디지털 이미지를 혼합한 Stand alone zone 공연을 통해 컨템포러리 무용이 나아갈 수 있는 방향에 한계가 없음을 보여준다. 한편 공연 외에도 프랑스 기자들이 참여하는 세미나가 열리고, ‘시네 당스(Cine-Danse)’라는 이름으로 70편의 프랑스 현대무용 영상전이 오는 5월 5일부터 5월 29일까지 구 서울역사인 문화역서울 284에서 열린다. 약 한 달 동안 관객들은 프랑스 공연과 안무가들의 모습을 70여 편의 영상물을 통해 무료로 볼 수 있다. 공연의 이름이 아직 낯설더라도 기억해두고 캘린더에 꼭 체크를 해두자. ELOQUENCE가 추천하는 공연을 시작으로 장담하건대 현대무용의 진면목과 생생함에 빠져들 것이다. 주목할 만한 공연1 - 프랑스 현대무용 상영회 Cine-Danse 2012년 5월 5일 ~ 5월 29일, 문화역서울 284 무용 영상물 상영회 Cine-Danse는 구 서울역사인 문화역서울 284에서 상영될 예정이다. 공연 녹화물, 다큐멘터리, 안무가들의 일대기 등 70여 편의 필름을 통해 프랑스 현대 무용의 역사를 볼 수 있을 것이다. 게다가 일반 대중에게 무료로 관람할 수 있도록 기획되었다니, 본격적인 공연 관람 전 꼭 한번 들려보길 바란다. 또한 주목할 만한 공연으로 소개되는 토마 르브뤙과의 대화 시간이 5월 17 일, 앙쥴랭 프렐조카쥬를 위한 오마주 상영과 강연회가 5월 18일에 걸쳐 진행될 예정이다.

전통과 현대를 절묘하게 조합시킨 공연에는 뒤섞인 정체성에 대해 고민하는 안무가의 역동적이고 유연한 몸짓이 마음껏 펼쳐질 것이다. 주목할 만한 공연4 - 무용 프렐죠까카쥬 발레단 - 앙쥴랭 프렐죠까쥬 And then, one thousand years of peace 2012년 5월 30~31일, MODAFE(국제현대무용제), 국립극장 해오름극장 30년 전부터 프랑스 무용계를 대표하는 앙쥴랭 프렐죠까쥬는 2010년 프랑스러시아 문화교류의 해를 맞이하여 And then, one thousand years of peace 를 볼쇼이 극장과 공동 제작하였다. 이 작품의 새로운 버전이 France Danse 의 일환으로 소개될 예정이다. 인간과 보편적 진리에 대한 내적인 동요를 담은 이 작품은 종말론에 대한 관심에서 시작되었다고 한다. 숨길 것 없이 모든 것을 드러내고자 하는 안무가의 노력과 역량이 보여질 이 공연은 수돕 굽타가 무대 디자인을 담당하고 DJ 로랑 가르니에가 함께 참여하였다. 세계적으로 재능 있는 아티스트들의 만남으로도 눈여겨볼만하다. 주목할 만한 공연5 - 무용 시스템 카스타피오르 무용단 - 마르시아 바르셀로스, 카를로 비스퀴 Stand Alone Zone 2012년 5월 27일, MODAFE(국제현대무용제), 대학로예술극장 대극장 1986년 뮤지션, 작곡가, 연출가인 카를르 비스퀴와 안무가 겸 가수인 마르시아 바르셀로스의 만남으로 몇 년이 지나 ‘시스템 카스타피오르’란 무용단이 창설되었다. 당대 젊은 프랑스 무용의 파노라마 안에서 시스템 카스타피오르는 ‘ 즐기면서 세계를 변화시킨다’는 신조로 특별한 자리를 차지했다. 엔키 비라르(Enki Bilal, SF 장르의 프랑스 출신 만화가, 영화감독)의 상상력과 조르주 멜리에스의 영화 등에서 영감을 받은 Stand Alone Zone은 현실과 환상의 경계선에서 하나의 독창적인 세계를 창조한다. 이 공연에는 세 명의 무용수가 무대와 영상 이미지를 넘나들며 출연한다. 사라진 문명의 잔해처럼 보이는, 콘크리트로 지어진 미로 같은 거대한 폐허 너머로 한 지역(zone)이 존재한다. 울창한 자연에 둘러 쌓인 방과 복도들이 복잡하게 얽혀있는 이 지역에는 이 세계의 비밀을 감추고 있는 방이 하나 숨어 있다. 이 방의 벽에 다가서면 현실의 경계가 사라지고 위험을 무릎 쓰고 모험을 감행하는 이들을 최면 상태로 빠뜨리게 할 것이다. www.france.or.kr

주목할 만한 공연2 - 한불합작공연 일리코 무용단 - 토마 르브뤙 Frankorean Tale 2012년 5월 19일, MODAFE(국제현대무용제), 아르코예술극장 대극장 뚜르 국립안무센터의 신임 원장인 토마 르브뤙이 MODAFE의 개막작으로 소개하는 작품 Frankorean Tale는 한국 무용수 6명과 함께 진행되었다. 이 창작공연은 프랑스와 한국의 문화적 정체성을 잘 보여주는 각국의 유명한 동화에서 영감을 얻어 만들어졌다. 작품은 한국, 프랑스 두 나라의 문화가 혼합된 새로운 동화를 창조하기 위해 가능한 모든 무용 스타일, 안무 언어, 리듬, 음조, 이미지, 유희적인 창조성을 조합한다. 전례 없는 이 만남을 통해 안무가가 표현하는 두 문화의 결합을 눈여겨볼 만하다. 토마 르브뤙은 프랑스와 해외에서의 협업도 많이 해오고 있으며, 교육계와 무용 전수에 있어서도 큰 역할을 하고 있다. 그의 공연에서는 수준 높은 무용에서 확연한 연극적 성격까지 두루 섭렵한 미학과 세계를 볼 수 있다.

132p 주목할 만한 공연3 - 무용 라 바라카 무용단 - 아부 라그라 Nya 2012년 5월 24일, MODAFE(국제현대무용제), 대학로예술극장 대극장 아부 라그라는 대다수가 독학으로 춤을 배운 알제리의 젊은 힙합 무용수들과 작업하기로 결심하고 알제리 국립발레단에 현대무용 파트를 설립하여 그 중개자 역할을 해왔다. Nya 는 이런한 프랑스와 알제리 간 예술 교류인 프로젝트 Pont Culturel Mediterraneen(지중해 문화의 다리)의 첫 결실이며, 아브 라그라의 Nya는 2011년 최고 안무 비평가상을 수상했다. 알제리국립발레단의 현대 무용수 10명이 출연하여 2부로 구성된 공연은 무엇보다도 관객들에게 자국의 풍부한 문화유산은 물론 힙합 댄스에 영향을 받은 알제리 새로운 세대를 다시 보게 해준다. 공연 타이틀인 Nya는 삶에 대한 신뢰를 의미하는 아랍어로서, 어린 시절부터 가정 일상생활에서 전해져 오는 가치이다. 그래서 누군가 ‘Nya’를 품고 산다면, 삶의 고통을 초월하여 앞으로 전진하여 세상에 자신을 열어보이겠다는 의미를 내포한다.

Open Stage 2009 년 4월 강남 한복판에 특이한 공간 컨셉으로 문을 연 이후 다양한 문화 활동과 서브컬쳐의 거점으로 서서히 자리잡기 시작한 [플래툰 쿤스트할레]가 인디 음악 양성 프로그램의 일환으로 매주 목요일 [Open Stage]를 열기 시작했다.

2000년 독일 베를린에 유럽 본부를 설립하고, 활동하고 있는 아트 커뮤니케이션 그룹 [플래툰]이 만든 [플래툰 쿤스트할레]는 서브 컬쳐 아티스트들의 창의력과 잠재력을 키워내는 ‘크리에이티브 인큐베이션’으로 자리매김 하였다. [플래툰 쿤스트할레]가 탄생시킨 수많은 프로젝트 중 최근에 시작된 [플래툰 오픈스테이지]는 아직 발굴되지 않은 인디 뮤지션들에게 다양한 기회를 주고자 마련된 음악 프로젝트다. 이번 호부터 ‘엘로퀀스’는 ‘플래툰 쿤스트할레’와 함께 [ 오픈 스테이지]를 지원, 활성화 시키고자 특별한 페이지를 진행한다. 이번 호에는 [오픈 스테이지]를 장식했던, 뮤지션들 중 ‘주목할만한 인디 아티스트’를 선정, 소개하고자 한다.

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Open Stage #1 돌연한 출발 (Abrupt Departure) Q. 무대를 바라보면서 무언가 끌림이 있어 다가섰다. 즉, ‘플래툰 쿤스트할레’ 오픈스테이지에서 나의 첫 인터뷰 상대다. 내 첫 인상은 어땠나?

K : 솔직하게 말하자면 뭔가 정신이 없었다. 외국에서는 쇼 호스트가 간단한 인터뷰 및 진행을 한다지만, 그런 경우가 이제껏 공연하면서 거의 없었다. 게다가, 오늘 공연은 개인적으로 기술적인 문제나 연주 부분에서 아쉬움이 있어 누군가 우리 음악에 대해 호감을 보이는 점이 약간은 의아했었다. 물론 정황이 그러했다는 것이지. 이진섭 에디터를 보고 ‘이 아저씨는 뭐지?’라고 생각했다는 의미는 절대 아니다. (웃음) 그저 그 상황 자체가 신기했다.

Q. 밴드 이름이 ‘돌연한 출발’이다. 밴드 이름에 대한 설명과 멤버들의 소개를 부탁한다.

K : 현재의 멤버는 기타와 보컬에 강석우, 베이스 이태백, 키보드 송혜수, 드럼 정우근이다. 4명 모두 각자 직장에서 문화, 예술분야와는 거리가 있는 일에 종사하고 있고, 프로듀서 김혁수와 함께 자그마한 인디 레이블 및 스튜디오를 마련하며 음악활동을 계속하고 있다.

L : 2006년, 강석우와 나는 영국에서 잠시 같이 생활하면서 밴드를 해보자고 말한 적이 있다. 그러다가 세월이 지나, 2008년에 송혜수와 함께 Teenage Fanclub이나 Trashcan sinatras를 모티브로 한 5인조 파워팝 밴드로 활동하게 된다. 그러나, 멤버 각자의 취향문제와 개인 사정으로 두 명이 탈퇴하고, 이후 드러머인 정우근을 영입하여 지금의 라인업을 구성했다. 돌연한 출발이란 밴드 이름은 ‘프란츠 카프카’의 작품 제목에서 따왔다. 밴드 이름은 강석우의 2008년 당시 상황(자신이 처한 상황과 멤버 탈퇴, 음악적 방향성에 대한 고민)이 암시를 던져준 제목 같다. 하지만 타 멤버도 같은 생각을 하고 있지 않았을까 한다. 그는 대학 4학년이었고, 한국 사람이라면 누구나 생각할 법한 현실과 자유 사이에 고민을 하는 시기였다. 이런 상황은 ‘지속적이고, 일관된 일탈의 시작’을 음악으로 표현하게 된 모티브를 준 것 같다.

Q.무대에서 보기보다 부끄러움이 많은 것 같다. 밴드 멤버들의 성격이 어떤가?

K : 부끄럼 타는 성격은 송혜수가 매우 심한 거 같고, 나머지는 그렇지 않다. 심지어 이태백은 대학시절 학생회 임원도 했었고, 정우근은 영업필드에 종사하고 있다. 내 경우는 그냥 컨셉인 거 같다. 멤버들이 내가 말하는 걸 그다지 좋아하지 않는다. 다들 정말 별로 할말이 없어서 그런거 아니면 귀찮아 하는 거 같다. 하하하 Q. 플래툰 오픈스테이지 공연은 어땠는가? 플래툰 오픈스테이지에 대한 느낌도 말해달라. 이제껏 공연했던 공연장 중 가장 트렌디하면서 멋진 공간이었다. 사실 우리가 한 공연들은 금, 토요일 공연을 제외하면 겨우 10명 남짓의 사람을 모아놓고 공연하는 게 사실인데, 오픈스테이지는 전혀 평일 공연이라는 느낌을 받지 못했다. 특히 외국인들에게 반응이 오는 것이 신기했다. 만약 기회가 주어진다면 무조건 또 해야겠다.

Q. 요즘 트랜드한 일렉트로닉 보다는 로우 파이 계열의 음악을 추구하는 것 같다. ‘페이브먼트’ 느낌도 나고, ‘언니네 이발관’ 느낌도 난다. 특별히 추구하는 음악 스타일이 있는가?

K : 공연장에서 이진섭 에디터가 그런 얘기를 하자 기분이 좋았다. 무언가 우리의 음악이 전달이 되었다고 할까. ‘페이브먼트’가 얘기가 나와서 말인데, Matador Records 레이블의 아티스트들을 매우 좋아한다. 굳이 정통 로우파이를 추구한다기 보다는 문자 그대로 ‘인디즘’을 밴드 포맷을 통해 구현하고 싶다.

S : 내가 건반을 다뤄서인지 모르겠으나, 모든 음악의 핵심은 멜로디라고 생각한다, 만들어 낸 멜로디를 미니멀리즘, 슈게이징, 로우파이 등 어떤 스타일로 만들어갈 것인지는 방법론이 문제라고 생각한다. 그래도 굳이 우리가 추구하는 음악 스타일이라고 하면 ‘절충주의’라고 할까. Pavement던 Bon iver던 The XX던 우리가 모티브를 얻어서 밴드포맷으로 구현하고, 우리의 멜로디를 붙이고, 프로듀서와 작업 하다 보면 의도하지 않았던 스타일이 나오는 것 같다. 음악도 ‘돌연한 출발’ 같지 않은가?

Q. 강석우씨의 경우. 기타를 잡을 때, 마이너 키를 특이하게 잡는 것 같다. 그래서 소리가 미묘하게 엇갈리는 느낌을 받았는데, 이런 스타일이 나에겐 의도적이기도, 또는 실수인 것 같기도 했다. 이유가 있나?

K : 절대로 실수가 아니다. 프로듀서 ‘김혁수’씨가 들으면 혀를 차겠지만, 내 개인적인 생각에 불협도 역시 화성이라고 생각한다. 베이스파트가 중심을 잡아준 상태에서 다른 악기는 자유도가 생각보다 높다. 의도적인 불협 혹은 텐션은 독특한 분위기를 연출하는 양념이라 생각하고 있다. 물론 너무 과하거나 에러일 경우 프로듀서와 동료들에게 욕을 먹기도 한다. 무엇보다도 가장 중요한 건 내가 뭘 하던 결과가 어찌 되었던 간에 분명히 의도는 늘 있었다.

Q. 곡은 주로 누가 쓰는가?

J : 작곡은 거의 강석우가 한다. 이 후 프로듀서 김혁수씨의 총괄 하에 멤버들과 함께 편곡이 이뤄진다.

Q. 돌연한 출발’에게 음악은 어떤 존재인가?

J : 듣는 사람보다 하는 사람이 더 행복한 것

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S : 어려운 놀이 L : 아직은 여자 만나는 시간이 음악 하는 시간보다 아깝다.

K : 회사를 다녀야 하는 이유. ‘월급쟁이들이 모아둔 돈을 탈탈 털어서 그들만의 스튜디오를 만들었다.’ 무슨 말이 더 필요하겠는가. 현재, 우리 전부다.

Q. 가장 영향을 많이 받은 뮤지션들의 앨범을 말해줄 수 있는가?

K : Yo la tengo - I Am Not Afraid of You and I Will Beat Your Ass(2006), Popular songs(2009) L/J : The radio dept. - Lesser Matters(2003), Pet grief(2006) Velvet underground - The Velvet Underground & Nico(1967), Loaded(1970) Teenage fanclub - Bandwagoneque(1991), Grand prix(1995) S : Brad mehldau - live in Tokyo(2004) Q. 앨범 발매 계획이 있다던데. 공연 계획도 알려달라. 앨범을 작업 중 이었지만, 멤버들간 EP를 먼저 내자는 의견이 대세라서, 현재 곡을 선별하여, 레코딩 중이다. 4곡 정도 분량의 Ep가 5월 정도 나올 계획이다. 지금 예정되어 있는 공연은 5월 18일 금요일 홍대 Gogos2에서의 공연이다. ‘경기대학교 영상제 행사’가 밴드공연과 더불어 예정되어있다. www.abrupt-departure.tumblr.com

Open Stage #2 유카리 (Yukari) Q. 이름이 유카리인데, 본명인가? 본명은 이수정이다. 개인적으로 코알라를 너무 좋아한다 그래서, 코알라가 먹는 유칼립투스에서 어원을 따와 발음하기 쉽게 이름을 지었더니, ‘유카리’였다.

Q. 작곡, 프로그래밍, 노래, 연주 홀로 다 할 수 있는 다재다능인 사람 같은데, 음악 공부를 전문적으로 했나? 대학교를 들어간 후 다시 실용음악과 입시 준비해서, 경기대 전자음악과에 들어가게 되었다.음악을 본격적으로 만든것은 졸업하고나서 밴드를 하면서다. 하지만, 밴드 생활을 하다 보니, 여러 사람과 무언가를 하는 것 보다 개인 창작작업에 더 메리트가 느껴졌다. 전자음악을 만들기 시작했을 무렵, 페스티벌을 많이 가게 되었는데, 이때 뮤지션들이 무대에서 자신을 표현하는 것이 큰 매력으로 다가왔던 것 같다.

Q. 음악 이외에 자신을 표현하는 방법이 있다면? 나는 일기를 쓰는 것이 재밌다. 그래서 꾸준히 일기를 쓴다. 일기는 겪었던 일들을 좀 더 생각하게 되고, 상황에 대해 상상보다는 실제의 기록을 남겨준다. 난 실제 그 당시에 내가 느낀 감정을 중요하게 생각하는 것 같다.

Q. 플래툰 오픈스테이지에 대한 인상은 어땠는가? 사실, 친구들이 공연할 때 이곳을 와봤지만 실제로 공연한건 이번이 처음이었다. 혼자 활동을 하고 공연을 한 건 얼마 안되었기 때문에, 이런 무대가 조금 벅찼다. 플래툰 오픈스테이지는 ‘아티스트’가 와서 공연한다는 느낌이 들게 해줘 고마웠다. 플래툰 자체가 특이하면서도 재밌는 공간인지라 나에게 흥미롭게 다가왔다.

Q. 당신이 생각하는 일렉트로닉 음악의 매력은 어떤 것이라고 생각하나? 원래 자연에 나오는 소리가 아닌 상상한 소리를 구현해낼 수 있다는 것이 가장 큰 매력인 것 같다. 락밴드의 경우 한배를 탄 사람들이 어떤 공통의 지향점을 향해 가야하는 게 사명같다. 하지만. 개인적으로 일렉트로닉 음악은 이런 부담감이 덜하다.

Q. 유카리의 플레이 리스트를 공개해달라.

M83 - REUNION NEON - INIDAN LAUGHING GAS 윤상 - 그땐 몰랐던 일들.

Q. M83, 윤상, 레드 하우스 페인터, 라디오 디파트먼트 모두 강한 비트는 없지만, 로우 파이라는 한 맥락이 있고, 신디사이저 지향적인 사운드라는 공통점도 있다. 유카리가 지향하는 음악과 맞닿아 있는가? 윤상의 회색같은 느낌, 레드 하우스 페인터의 몽환적임, 라디오 디파트먼트의 어두운 발랄함이 어찌보면 같은 방향을 바라보고 있다는 생각이 든다. 이런 색깔들이 합쳐진 것이 내가 지향하는 음악일 것 같다.

Q. 사용하는 악기와 시퀀서를 말해달라. 신디사이저는 Micro korg 를 D.A.W 는 Ableton live를 사용한다.

Q. 홍대 인디씬에 발을 들여놓게 된 것은 어떤 계기? 중, 고등학교 시절 밴드 음악에 대한 동경이 있었다. 그런데, 어느 순간 음악을 하고 싶다 보다 나도 무대에 서고 싶다라는 동경이 더 강했다. 이런 동경심이 나를 무대로 이끄는 것 같다.

Q. 주로 여가시간 무엇을 하는가? 친구들 만나면서 음악 듣고 술 한잔하고, 수다 떠는 것을 좋아한다. 그리고 개인적으로는 시 읽는 것 좋아한다. 오규원, 사랑합니다!

Q. 향후 활동 계획은?

7월에 음악 페스티벌에 참여하려고 계획 중 이고, 현재, 친구와 함께 새로운 방식의 작업을 진행 중에 있다. www.yukarimusik.com

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POJANGMACHA PROJECT 지난 7개월간 ELOQUENCE는 젊은 건축가들과 다양한 장르의 아티스트들이 함께 만들어가는 건축 프로젝트 ‘포장마차 프로젝트’를 진행해왔다. 이태원, 문래동 팝업 프로젝트에 이어 이번에는 플래툰 쿤스트할레와 협업을 통해 보다 규모 있고 완성도 있는 프로젝트를 진행할 수 있는 기회가 되었다. 건축가 김태호 김태범을 중심으로 진행된 이 포장마차 프로젝트는 기획 초기단계부터 음식, 아트, 음악, 영상 등 다양한 장르의 아티스트들이 참여하여 단순한 건축 행사가 아닌 장르의 벽을 허문 복합적 프로젝트로 자리를 잡게 되었다. 이번 플래툰 쿤스트할레에서 열린 포장마차 프로젝트 3차 팝업에서는 그 중 건축과 요리의 협업이 두드러진 성과를 보였다. 푸드 디렉터인 G.O를 중심으로 모인 17 명의 셰프가 펼친 음식의 향연은 포장마차 프로젝트, 플레툰 쿤스트할레와 만나 특별한 에너지를 만들어 냈다. ELOQUENCE에서는 이번 플래툰과 협업한 포장마차 프로젝트에 참여한 아티스트 중 5팀을 선정, 소개하는 자리를 만들어 봤다. 김태호, 김태범 (건축가) 150여년의 역사를 자랑하는 런던의 세계적인 건축전문학교인 AA School에서의 만남과 일본에서의 워크샵을 통해 시작하게 된 이 두 명의 젊은 건축가들의 협업은 ‘포장마차’라는 대한민국 거리에서 쉽게 볼 수 있는 노점을 새로운 관점을 통해 표현 하였다. 이것은 단순히 포장마차를 재창조하거나 재 브랜드화 하고자 하는 것이 아니며, 도시의 보이지 않는 구조로서, 포장마차의 ‘작업 방식’을 분석하여, 도시에 순응할 수 있는 새로운 형태의 마이크로 건축물을 만들고자 함이다. 이들은 포장마차라는 얼반 유물을 통해, 마이크로적 시각으로 하루하루 일상의 도시를 새롭게 바라보고 이해하며, 포장마차의 100% 실용적이고 기능적임이 결합하여, 아름답고 감성적인 구성을 통해 잃어버린 도시의 인간적인 면을 재조명하기를 희망한다. 무엇보다 이들은 이 프로젝트를 통해 포장마차의 감성적인 느낌을 발견하고 새롭게 분석하고자 하는 것에 의의를 가지고 있다.

통해 더욱 실험적인 접근을 유도하고 있는 것도 철든놈이 가지고 있는 흥미로운 점이다. 영화 감독과 기계를 제작하는 과정을 다큐멘터리로 제작하거나, 독창적인 프레임과 오브제를 통해 공간 작업을 하고 있는 것들에선 그들이 추구하는 실험적 요소가 엿보인다. 하거나. 지난 문래동에서 가졌던 포장마차 2차 팝업 프로젝트에서 큰 활약을 한 바 있는 이들은 플래툰 쿤스트할레에서 열린 포장마차 3차 팝업에 있어 새로운 형태의 구이기를 연구, 특별 제작하여 주목을 받고 있다. 실제로 문래동 철든놈 스튜디오는 연구와 개발을 하는 공간임과 동시에 고기구이를 판매하는 역할도 하고 있다. 장순규 (비쥬얼 아트 디렉터) 포장마차 프로젝트의 로고와 포스터 등 비쥬얼로 표현할 수 있는 모든 것들의 맡아 진행한 그는 CUT& PASTE KOREA그래픽디자인 부분의 우승자로 선정되며 김태호와 인연을 맺게 되었다 (당시 김태호는 3D부분의 우승자였다) 그는 미국 내 가장 큰 그래픽 어워드 ADC, 어도비 그래픽 어워드 winner, 그리고 레드닷 커뮤니케이션 Best of best 등에서 화려한 수상 경력을 통해 이미 실력을 세계무대서 인정받은 포장마차 프로젝트의 믿음직한 멤버다. 현재 단국대 시각지다인과에 재학 중이며, 동시에 삼성디자인 멤버로 다양한 형태의 디자인 프로젝트들을 실행하고 있다. 그는 그의 디자인이 기술 •지식 및 제도가 아직 충분히 보급되지 않은 개발도상국에서 새로운 커뮤니티의 혁신을 만들 수 있기를 희망한다. 더불어 포장마차 프로젝트를 통해 주변에 우리가 이미 갖고 있어 잊혀졌던 것들을 새롭게 발견 할 수 있는 계기가 되었으면 하는 바램을 가지고 있다. 왕육성, 이연복, 왕기명, 진생룡 (호화대반점) 호화대반점은 중화요리를 중심으로 음식 문화를 연구, 재해석하는 컨템퍼러리 요리팀이다. 이들은 100년 역사의 한국형 중식의 정통성을 이어받은 마지막 화교 요리사들로 구성되어 있다. 7개의 식당, 7명의 총주방장이 모여 펼치는 협업 ‘ 호화대반점 프로젝트’는 이미 요리계에서 이슈를 불러 일으키며 주목을 받고 있다. 이 프로젝트는 영상, 아트, 뮤직 등 다양한 장르와 콜라보레이션을 통해 보다 진화된 형태의 음식 문화를 선보였다는 평가를 받고 있다. 이번 프로젝트에 는 호화대반점의 멤버 중 왕육성, 이연복, 진생룡, 왕기명 이상 4명의 셰프가 참여했다.) 이들은 이번 포장마차 프로젝트를 위해 기꺼이 4개의 식당을 임시휴일로 정하고 귀한 그들의 요리를 선사했다. 추권영 (선술집) ‘한국의 심야식당’이라는 닉네임으로 미식가들 사이에 잘 알려져 있는 선술집은 신선한 재료와 깔끔한 조리법이 특징인 식당이다. 이 식당의 오너셰프인 요리사 추권영은 조선호텔 등 특급호텔과 일반레스토랑을 오가며 쌓은 경험으로 자신만의 ‘한국형 일식’ 완성해 음식 전문가들 사이에서 인정을 받고 있다. 그는 재료의 선별과 조리에 있어 매일 새벽 노량진 시장과 미사리를 오가며 하루에 팔 양의 제철 재료만을 준비해 요리를 만드는 것으로 유명하다. 그는 질 좋은 식재료를 찾아 직접 바닷가 마을 답사하고 연구해 지방에서만 맛 볼 수 있는 신선한 제철 요리를 선사한다. 이번 포장마차 프로젝트에서 추권영은 플래툰 쿤스트할레의 2층 전시실에 스시키친을 세우고 활약을 펼쳤다. 김석훈 (프로젝트 매니저) 김석훈은 한양대학교 실내환경디자인학과를 졸업한후 건축, 인테리어, 디자인컨설팅, 아트 분야 등 다양한 분야에서 활발하게 활동하고 있는 공간 디자이너다. 이번포장마차 프로젝트 3차 팝업에 프로젝트 매니저로 본격 합류하여, 포장마차프로젝트의 스케줄 정리, 공간 확보, 운송, 어시스턴트 관리 등 크고 작은 대소사를 책임지고 있다. 명석하고판단력과 발 빠른 진행으로 포장마차 프로젝트 매니저의 역할을 충실하게 해낸 그는 오는 9월 Columbia University GSAPP 건축설계석사 과정을 하기 위해 뉴욕으로 떠난다. 그는 떠나는 그날까지 포장마차 프로젝트의 매니저 역할에 최선을 다하겠다고 말한다. 그가 머무는 곳이 어디가 되든 그는 포장마차의 주요 멤버로 항상 기억 될 것이다.

G.O. (요리사) G.O는 포장마차 프로젝트의 푸드 디렉터를 담당하고 있는 요리사다. 그는 포장마차 프로젝트의 기획단계에서부터 합류해 포장마차의 주방 동선을 함께 연구하고 개선하는 역할을 담당하며 실제 포장마차의 기능을 수행할 수 있도록 컨트롤하고 있다. 런던에서 프랑스 요리사로 활약하다 한국에 돌아와 한식의 중요성을 깨닫고 한식으로 전향, 한정식 ‘대장금’의 헤드 셰프를 거쳤다. 그는 동서양음식 문화의 공통점과 차이점을 연구해 보다 폭넓은 공감대를 가지고 있는 식문화를 소개하는 것에 집중한다. 최근에는 아시아의 각국을 여행하며 중식, 일식, 태국식 등 아시아 퀴진을 연구해 스페인에 소개하는 ‘바르셀로나 프로젝트’를 진행 중이다. 그는 식문화와 아트워크를 통해 실험적이고 크리티브한 퀴진을 연구해가고 있다. 이정진,박경준 (철든놈) 고향 친구인 이정진, 박경준을 중심으로 5명의 젊은이들이 한 팀을 이루고 있는 철든놈의 컨셉은 매우 특별하다. 이들은 철공소가 모여있는 문래동에서 스튜디오를 오픈 하고 다양한 스타일의 구이기계 연구하고 개발하며, 직접 제작까지 한다. 단순히 기계를 연구 개발하는 것뿐만 아니라 다양한 아티스트들과 콜라보레이션을

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YOM’S VISUA L/LAB YOM X SHIN HYE RIM

ELOQUENCE’s art director Yom interviewed Shin Hye Rim five months ago. During the interview, he was fascinated by her as well as her photo works and suggested that they collaborate on a project together in the near future. Finally, for this issue, they met at gallery cafe Grafolio, the same place where he interviewed her last year and where he is currently holding an exhibition, to realize the collaboration.

Yom prepared American Apparel red leggings and two original T-shirts of his own design. He explained his art concept to a model, Bowon Lee briefly first, then Shin took her portraits with Yom’s Happy Alternative Functional Youths series(2011-2012) images as a backdrop.

model. Bowon Lee photographer. Shin Hye Rim

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