Eloquence 'international Creators Magazine'

Navin Rawanchaikul Ohm Phanphiroj Lolay P7 Mamafaka Tawan Wattuya Narissara TRK Rukkit Miss Ink Logan Bay Global Trash Chic Christian Develter Steven Pettifor David Terrazas Dow Wasiksiri Kara Yong Kara Choko Oat Montien Drycleanonly Ekaluck Peanpanawate Prin Tanapaisankit Techit Jiropaskosol Ratta Tap Kruavanichkit Yoswadi Krutklom Jacckrit Anantakul Arunchit Sasivimolkul Jiradt Pornpanitphan Mix Architekt Maft Sai Montonn Jira Dragon Gi Ok Jeon Jeep Kongdechakul Pariwat Practical Design Studio Tarin Yuangtrakul Pare-Nadda OH+Futon Yuree Kensaku V64

10,000 KRW

ELOQUENCE LOVES BANGKOK

EDITOR’S NOTE 안녕하십니까. 편집장 전우치입니다. 지난 달, 엘로퀀스 팀은 전원 태국으로 날아가 보름 간의 ‘ 방콕 프로젝트’를 진행했습니다. 이 프로젝트는 서울이 아닌 다른 나라의 도시로 이동해 임시 캠프를 세우고 잡지 한 권을 통째로 만들어 보자는 취지에서 기획된 프로젝트였습니다. 저는 이 프로젝트로인해엘로퀀스가추구하는인터내셔널크리에이터스들의플랫폼이보다라이브하게 실현되었으면 하는 바램이 있었습니다. 그런 마음으로 이번 프로젝트를 진행했습니다. 편집부, 디자인부, 사진부 등 편집부 전원이 다른 나라의 도시로 옮겨가서 잡지를 만드는 일은 국내 잡지 역사상 최초의 시도인 것 같습니다. 많은 난관이 있을 것이라고 생각했고, 실제로 그러했습니다. 가장어려웠던부분은엘로퀀스에소개할만한방콕의크리에이터스를찾아내는작업이었습니다. 국내에는 거의 자료가 없었고, 인터넷에도 대부분 태국어로 소개되어 있어 선별하는데 어려움이 많았습니다. 우리는 사막에서 바늘 찾는 심정을 갖고 방콕으로 향해야 했고, 그곳에서 직접 현지 크리에이터스들 만나 이야기를 나누고 추천을 받아, 분류해야 했습니다. 시간은 한정되어 있었기에 그 부분에 대한 스트레스는 매우 컸습니다. 비용적인 부분도 문제였습니다. 8명이 보름간 함께 체류해야 하기 위해서는 적지 않은 비용이 필요했고, 그 비용을 최대한 아끼기 위해 엘로퀀스 편집부는 많은 노력을 기울였습니다. 방콕의 무시무시한 트래픽 잼은 최고의 복병이었습니다. 하루에 두 건 이상의 취재가 불가능했을 정도였으니까요. 이러한 상황에서 방콕 크리에이터스들의 환대와 격려는 엘로퀀스에 커다란 힘이 되었습니다.

TCDC, BACC 등의 대형 디자인 센터에선 엘로퀀스 편집부의 미팅 룸을 제공해 주었고, 다양한 정보를 알려주었습니다. 방콕의 유명 아트 맵인 BAM은 엘로퀀스의 색깔과 잘 맞는 아티스트들과 갤러리들을 직접 소개해 주었습니다. 올 시즌 호텔, 라마다 엔코, 에이로프트, D2 두짓 호텔, 나차 풀빌라 등 많은 고급 호텔에서 엘로퀀스에게 기꺼이 방을 열어주었습니다. 라마다 엔코 호텔의 루프탑 풀 사이드 레스토랑에서 열린 ‘엘로퀀스 런칭 인 방콕’ 파티에는 300여 명의 크리에터스들과 브랜드관계자들이 찾아와 축하를 해 주었습니다. 라마다 엔코 호텔 측에서는 술과 음식을 모두 제공해 주었습니다. 솔직히 우리는 짧은 일정으로 많은 것을 준비할 수 없었지만, 방콕 현지 친구들의 도움으로 훌륭하게 파티를 마칠 수 있었습니다. 이러한 환대와 격려는 한류 열풍 때문일까요? 그런 면도 있었겠지만 사실 가장 큰 이유는 엘로퀀스가 추구하는 방향이 방콕의 크리에이터스들과 공감대를 가지고 있었기 때문이라고 생각합니다. 방콕의 크리에이터스들의 서울의 크리에이터스들과 같은 마음을 가지고 있었습니다. 그들은 열정적이고 실험적이며, 각자의 색깔을 찾아 최선을 다하고 있었습니다. 대부분의 크리에이터스들은 한 가지 분야에서 멈추지 않고 다양한 분야의 작업을 동시에 진행하고 있었습니다. 그들은 모두 태국 고유의 역사와 문화, 그리고 색채를 충분히 활용하고 있었고 그로 인해 세계 그 어디어디에서도 볼 수 없는 그들만의 특별한 아이덴티티와 헤리티지 갖추고 있었습니다. 그리고 현재, 그들은 소통과 협력을 통해 보다 발전적 시장의 만들어 가는 것에 집중하고 있습니다. 그들은 서울의 크리에이터스들과 색깔은 달랐지만 같은 고민을 하고 같은 세상을 만들어가고 있었습니다. 엘로퀀스는 이번 프로젝트를 통해 보다 다양한 친구들과의 네트워크를 확보하게 되었습니다. 앞으로 엘로퀀스는 매달 방콕의 30개 유명 갤러리, 3개의 대형 디자인 센터, 5개의 대안공간에 정기적으로 잡지를 배포를 하기로 결정했습니다. 그리고 이번 프로젝트를 통해 만난 수많은 태국의 크리에이터스와 지속적인 관계를 맺고, 다양한 프로젝트를 추진할 예정입니다. 실제로 이번에 발행되는 ‘엘로퀀스 방콕 스페셜 에디션’은 엘로퀀스 편집부와 방콕 크리에이터스들의 콜라보레이션 결과물입니다. 그렇기 때문에 이번에는 잡지의 완성도보다 새로운 시도에 초점을 맞춰 보아주셨으면 합니다. 그럼 저는 다음 번에 함께 작업할 새로운 도시를 찾아봐야겠습니다. 봄입니다. 한국과 태국의 친구들, 모두 좋은 일만 있었으면 좋겠습니다.

편집장 전우치

Last month, the entire ELOQUENCE crew flew to Thailand to carry out a 15-day ‘Bangkok Project.’ This project was conceived by ELOQUENCE to set up a temporary camp in a foreign city and produce an entire issue of the magazine there, cultivating a lively network with creators on a global scale. As far as I know, ours was the first attempt by a Korean magazine to undertake a project of this nature on such a grand scale; we expected to confront many difficulties in the course of the project, and confront them we did.

The most daunting task was finding creators in Bangkok to whom we could introduce our readers. We found almost no useful information written in Korean, since most of what we were able to find on the Internet was written in Thai. Despite the circumstances, the creative community in Bangkok opened its arms to us, encouraging us to persevere and progress with the project. BAM, the city’s renowned art map, took the trouble to help us identify artists and galleries in Bangkok that matched ELOQUENCE’s vision, then made the necessary introductions to allow our staff to get their interviews. TCDC and BACC, Bangkok’s premier design centers, provided meeting rooms for ELOQUENCE to use as headquarters for the duration of the project. Many of the city’s luxury and boutique hotels, including the All Seasons Hotel and Aloft Hotel, did not hesitate to accommodate the ELOQUENCE staff during our extended stay in Bangkok. About 300 Bangkok-based creators and fashion brand executives celebrated ELOQUENCE’S official Bangkok launch party poolside on the rooftop of the Ramada Encore Hotel. Perhaps we benefited a little from Southeast Asia’s raging K-pop fever, but the real reason was probably the strong sense of compassion felt by Bangkok’s community of creators for ELOQUENCE and the ideals it stands for.

As it turns out, Bangkok’s creators are of much the same mind as their counterparts in Seoul. We found them to be energetic and experimentoriented, always doing their best to follow their true colors. By and large, the city’s creators do not insist on one particular genre, preferring to explore diverse forms of work. Inspired by the city’s unique history and culture, the individuals we encountered personified a creative identity and heritage unlike that found anywhere else in the world, all the while concentrating their energies on creating a more developed market through communication and collaborations.

By the end of the project, ELOQUENCE had formed a close network with Bangkok’s leaders in the creative industries. ELOQUENCE can now be found in over 30 of the city’s galleries, 3 large-scale design centers and 5 art spaces every month. In addition, ELOQUENCE will continue to maintain relationships with the many creators we encountered during the project and seek ways to pursue future collaborations with them.

Now comes the task of searching for the next foreign city for ELOQUENCE to investigate in its next special edition. Spring is coming; I wish all my friends in Korea and Thailand to have a good time.

Editor in chief Woochi Jeon

contents

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brand space art art space space art media media art art music design project art collection project drawing photography studio visit art video collection fashion information advrtorial party

Global Trash Chic The Reading Room Navin Rawanchaikul Lolay V64 The Factory Studio&ArtHouse Pariwat Jiradt Pornpanitphan Steven Pettifor Young Thai Female Artists For Crew The Sound Of Bangkok Practical Design Studio Design For Disasters Tarin Yuangtrakul 4 Graphic Designers and 4 Illustrators Yom’s Visual Lab Bangkok Ohm Phanphiroj Christian Develter Gi Ok Jeon Arunchit Sasivimolkul Bangkok Cityscape Breaking World Exhibitions Aloft Hotel / dusitD2 Baraquda ELOQUENCE Launching Party

design. YOM

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staff Editor in Chief WooChi Jeon / jeonwoochi0625@gmail.com Creative Director Udo Lee / udolee@gmail.com Art Director Snil Yom / yomsnil@gmail.com Editor Anna Choi / aannaa.choi@gmail.com Andy St. Louis / andy@concreteexperience.org IDA Gr채nd책s-Rhee / idaateloquence@gmail.com South East Asia Editor Vincent Sung / vsbangkok@gmail.com London Editor Suk Kyung Yun / yurusi@gmail.com Tokyo Editor Yuta Sugihara / yuta.sugihara@gmail.com Amsterdam Editor EunKyung Hwang / ikben.ekh@hotmail.com Intern Editor Giseok Cho / giseokcho@gmail.com Suesasha Joung / suesasha.joung@gmail.com Copy Editor Ross Gardiner / rgardiner4@gmail.com Hassan Chop / hhaider@gmail.com Writer / Contributor Tae Ho Kim / t4eho@hotmail.com Hyo Bong Chong / ggg6999@naver.com Head Designer Yoon Jeong Lee / ggong1110@naver.com Assistant Designer Mi Kyung Kwon / ggmmgg@naver.com Hae Rin Jeong / rinhol86@naver.com Ji Eun Kwon / kwonje0508@nate.com Su Rim Nam / s2sr1003s2@naver.com Photographer Jun O Hwang / raphip@gmail.com Jaemin Son / haneul_jm@nate.com Max Eeow / max.zhihong@gmail.com Translator Esther Hwang / soyoonie87@gmail.com Linda Choi / lchoi002@gmail.com Web Designer Yong Hoon Kwon / kwonyh@teentimes.org Ji Young Kang / 357@hanmail.net Executive Producer Joohyung Lee / sir2911@hanmail.net Chairman Deog Soo Lee / president@teentimes.org President Jung Sik Lee / core@timescore.co.kr Managing Director Jee Yea Lee / jeeyea_lee@timescore.co.kr Chief Manager Kevin Tak / starbiggy@gmail.com Julia Baik / cutejuliabaik@gmail.com IT General Manager Kang-il Kim / kang_il@teentimes.org IT Management Team Jung Hun Kim / kjh@teentimes.org Yo Han Kim / tolerance@teentimes.org Distribution Sung Sook Choi / choi740710@teentimes.org

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ELO QU ENCE international creators magazine

Times Core Co. E&C Tower 8th Fl., 46 Yangpyung dong 3ga, Yeongdeungpo gu, Seoul, Korea 150-103 Phone. 02.392.3800 / Fax. 02.392.1800

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contributors

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Brittany Wacher

Peter Smiths

Logan Bay

Brittany Wacher continually challenges convention through garment construction and styling while living in a world none other than her own. Contradiction is what unifies the diverse concepts and themes portrayed through her work, often times unfolding stories based upon “nature vs. society”. Currently, she is hiding away in the cold Canadian mountains creating her next story. www.brittanywacher.com

Peter Smiths is Studio Warp 54’s consultant and director. He is a nice man who enjoys talking with everybody over interesting topics. He thinks deeply of everything and maintains a sense of humor all the time.

For Eloquence’s latest Bangkok Project, he provided the Eloquence crew with a lot of assistance in various ways, while gladly taking the trouble to introduce the crew to artists of diverse backgrounds in Bangkok. We are deeply grateful to him for assisting the crew throughout the entire project.

We’d like to have an interesting dialogue with him again someday, when we get another chance to visit Bangkok. www.warp54.com

Model Jah

Jeep Kongdechakul

Logan Bay, a Bangkok-based painter, was a real star among all the artists we met during the Bangkok Project. As a member of FOR CREW, a group of street artists, he arranged meeting with more than 10 of his members and helped us take pictures of them during interviews. Without his help, it wouldn’t have been possible for us to produce this story.

Besides, he took the Eloquence crew, who were visiting Bangkok for the first time, to his favorite haunts of artists and provided chances for the crew to talk with other artists as well.

His art projects include audio visual performance, installation and graphic design. Active as a curator and organizer, he has produced shows in New York, Chicago & Bangkok. In 2011, Logan founded SUBP•A•ROHT, a magazine dedicated to contemporary art from Southeast Asia.

He also works as a DJ in Bangkok. Eloquence editors danced away their fatigue and worries about their deadline to the mixed CD he had given us as a gift.

See you again, Logan! www.loganbay.org

For our fashion spread, Thai top model Khun Rodsathorn, nicknamed “Jah”, impressed us with her 174 cm tall and elegant allure. She began her modeling career by joining The Thai Supermodel contest in 2007 and received the ‘Miss Photogenic’ prize, finishing in the top 10 finalists. This contest gave her many experiences such as how to walk a runway, how to pose, how to wear makeup and how to be dressed up by professionals. As of now, she has been modeling for 5 years and has had many chances to work with a variety of talented people. She has learned how to develop her self to become a professional top model. “This job is my life. I feel good and happy every time, when I work. My idol is Tyra Banks. She’s a wonderful model. I want to be like her.” www.facebook.com/rodsathorn

Designer and illustrator of The Factory Studio&ArtHouse, designer of Thailand hot brand FlynowIII, owner & designer of Ballet Shoes, Jeep Kondechakul is really on a roll.

In spite of her young age, Jeep has already achieved recognition in Thailand’s broad art field. Our ELOQUENCE team was so lucky to become friends with Jeep. Possessing a fabulous fashion sense along with a beautiful smile, Jeep is such a likable person. It is very impressive that she blends modernity and Thailand’s sense of fashion together so naturally. In spite of her tight schedule, she actively helped the ELOQUENCE team, and we really appreciate the things that she has done for us. We’re already so curious about her upcoming artwork. jeepkongdechakul.wordpress.com

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contributors

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Mix Architekt

Ko Hwaseop

Suthada Wadkhien

We asked MA about DJs in Bangkok, and he introduced us to four of the most interesting, chilled out and talented DJ personalities you can imagine. Well, he is one of them. After listening to his deep and pulsating Set at Club Ellui in Seoul, we wanted to feature him.

Unfortunately, he was on a world tour when we were in Bangkok, but he promised that he would be back in Seoul soon. soundcloud.com/mixarchitekt

He is CEO as well as a designer of Allopop.

Eloquence’s Art Director Yom designed a special Bangkok Project T-shirt. Allopop turned the design into beautiful clothing. Being an original street brand, Allopop has made artwork with unique concepts, each season over the past decade. It has opened brand shops in several shopping malls such as ALAND. You can find images of his work on the website. www.allopop.com

Suthada is teaching graphic design at Chulalongkorn University. She helped us get an overall understanding of the Thai culture, including Thai graphic design, and arranged various interviews. She also made arrangements so that Eloquence’s Art Director Yom was able to introduce his magazine’s design work as a guest lecturer during her class. There, Yom was able to have in-depth dialogue with the design students. Her bright smile, thoughtful mind and communication skills were a boon to the Eloquence crew.

Steven Pettifor

Patipat

Annie and friends

Writer, photographer, curator – the head behind the Bangkok Art Map - has many talents and knows many people. Fortunately for us, he has a big heart too and shared his insights about the art scene, artists and spaces with us over some glasses of beer at WTF gallery. He even agreed to contributing articles for Eloquence magazine in the future, so keep your eyes open for art related news from Bangkok. www.facebook.com/steven.pettifor

He is the CEO and designer of Drycleanonly, a popular reformation fashion brand with a touch of punk in Thailand. You can find its products in the Mob.F outlet in the Siam center. Despite being busy preparing for a collection show in Japan, he gladly reformed Eloquence’s special Bangkok Project T-shirt. You can find images of the collaborative works of Yom and Drycleanonly on YOMS VISUAL LAB’s website. www.drycleanonlybkk.wordpress.com

The Eloquence crew met these college students by chance at a party. Fascinated by their graceful beauty, Art Director Yom asked the two women to pose as models for a project of YOMS VISUAL LAB. They accepted the request readily. It was an extra project planned at the spur of the moment. Three days later, the crew met them at a photo studio on Paholyothin Road and finished the filming of them in a vivacious mood. As a result, their youthful and vivacious energy was fully recorded in the photos. Yom had his last dinner in Bangkok with the students, who are studying at the Faculty of Architecture, Chulalongkorn University.

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brand

Global Trash Chic

Everyday an incredible amount of garbage is disposed of around the world. Global Trash Chic finds ways to make the old adage,“One man’s trash is another man’s treasure” ring true.

Editor. Anna Choi Images courtesy. Global Trash Chic

Global Trash Chic is a project brand from Thailand that creates appealing products by recycling textiles—rugs and T-shirt fabric, for example - that would otherwise be sent to landfills.

Anusorn Ngernyuang, who started the project almost twenty years ago, is always on the lookout for opportunities to transform the things we throw away into new products that are functional beneficial to the environment. No matter what sort of product he has in mind, he always uses recycled material in his manufacturing.

Global Trash Chic’s guiding philosophy is based on the principle that the very stuff normally considered to be nothing more than ‘trash’ can become something more: it can be transformed into something funky and chic.

Using cast-off materials gathered from around the world, including packaging materials (for rice and other dry goods) and other massproduced items that are typically used once and then disposed of,

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Global Trash Chic has manufactured nearly a million recycled pieces.

Their products have been presented at industrial fairs in Bangkok, Hong Kong and Europe, and their primary markets are Europe, America, and Japan.

Anusorn’s eco-friendly initiatives extend beyond Global Trash Chic, however. He is also the driving force behind a boutique concept hotel in Siem Reap, Cambodia called Reflections Room (www.reflectionscambodia.com). His influence can be seen throughout the property, where the word ‘recycle’ is a way of life. True to form, Anusorn has converted what was once an old and unwanted house into a fun and unique place to spend the night. Reflections Room guests receive bags made from recycled materials—products of the hotel’s community outreach program which supports Cambodia’s HIV-positive women whom Anusorn teaches how the bags are made. www.global-trashchic.com

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space

THE READING ROOM

The Reading Room is a small centre for contemporary art with a friendly atmosphere. It has an art library and archive in two sections: contemporary Thai art and art books from all over the world. We visited the space and talked to Kyo, founder of the Reading Room, a center for a new generation of socially aware cultural producers.

Editor. Udo Lee Photographer. Jun O Hwang

Q. Do visitors mainly come here to read?

With the Reading Room I want to reinterpret the idea of a library. It is not a passive information source, but a space for active exchange and communication. We organize events, talks, screenings and lectures.

From this month on, for example, we are collaboratinge with a group called Thai Netizen Network to hold monthly classes on online culture.

It will be aboutcover questions of copyrights, freedom of expression and issues of appropriation and originality.

Q. What kind of people come to these kinds of events?

It’s mostly people interested or related to the fields of art, film or social sciences. The people who visit us are young, open to new ideas and can think independently. I would say it’s a new generation of cultural producers, proactive people.

Q. In which language do you hold the events generally,; are they bilingual?

Yes, most of them are bilingual, but it depends on the event.

Q. You run this space as a non-profit project. What is the main reason for this space?

In an ideal world there is a circle of producers, spaces, etc. In Thailand

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there are a lot of gaps. So the main reason to run this space is to fill gaps. If there is nothing out there, you have to organize it yourself; spaces, teaching, curating, producing.

Q. And all that happens at the Reading Room?

Well, I do teach at a university, but now I mean the space and the people around it. This space is a location at whichwhere stuff can happen.

People can come and make things happen. It’s a flexible space that changes with the events taking place here. When there is a screening, it’s a small screening room,— sometimes it’s a workshop space. And on other occasions it can be very formal. In general, the Reading Room is a space for knowledge sharing, community building and activism.

4th floor, 2 Silom Soi 19, Bangkok 10500 Tel: 02-635-3674 Email: kyo@readingroombkk.org Website: www.readingroombkk.org Opening hours: Wed-Sun 1-7pm

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art

Navin Rawanchaikul Navin Rawanchaikul is an artist who is trying to throw a party for all the different people in the world who share his name, ‘Navin.’ Even though Navin is based in Chiang Mai, ELOQUENCE was able to meet him in Bangkok at a collector’s private gallery where some of his works were being shown, and asked him about the Navin Party and Navinland’s identity.

Editor. Suesasha Joung Photographer. Jun O Hwang Images courtesy. Navin Production Studio

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Paradiso di Navin / installation view at Paradiso, 54th Venice Biennale / 2011

Q. Can you tell us about Navin Party?

The Navin Party was founded in 2006 in collaboration with my friend Tyler Russell who actually made a joke about my identity. This project is a party that we want to throw to link all of the different people around the world who are called Navin. My name originates from Indian, but also there are Navins from Thailand, Japan and Korea or even in the West... so I found this very interesting. The Navin Party raised questions about nationality and our complex identities in today’s world, because there are Navins everywhere. I wanted to ask the question: “Where does Navin truly belong?” Under the Navin Production brand, we have done this project in different forms and collaborations, and brought the exhibition to Korea, the US, Tokyo and Bangkok.

Q. Tell us about Navinland. And how has Navinland proceeded so far and how do you see it evolving in the future?

Navinland has been developed from the Navin Party. Navinland is a land of people who all have the name Navin, as well as people who know Navin. Navinland is totally fictional, but this is just a question about nationality. Navin, my name, is everywhere and isn’t bound by borders. It was open to anyone called Navin. So my vision of the future for Navinland is to make it more open to the public and not only for the artists or Navins. Living between Thailand and Japan, and my background in India, made me imagine my own land. Actually Navinland is a non-nation. Everywhere that I work and show my art I try to ask the question of nation and investigate its relevance. I don’t want to be tied to one nation, and I think art is universal. Of course we speak different languages, but art is universal language, similar to the word ‘taxi.’

Q. Why have you made yourself the subject matter here?

It’s a question about identity. My father is Indian and my mother was born in Pakistan, but I was born in Thailand and my wife is Japanese. So I asked myself what nation I should belong to. Another point is that I like to integrate myself into the work that I present. I feel that every story has some factual elements, whether real or fictional. In my work, my mother, my wife, my daughter, my friends and I appear many times. It’s about me and my community and society. So as an artist, I want to use my art to connect a different group of people, from different communities, like a family, or extended family. I often put myself in my art as one of the protagonists. My works are always based on my experience, and the narrative in my work exists between reality and imagination.

Q. Where do you spend most of your time?

Chiang Mai. I was born there, and it has very good, laid back environment. I also spend a lot of time in Bangkok. Everything is happening in Bangkok. Bangkok is a big meeting place. But Chiang Mai is my home where I develop works with my team at Navin Production studio. My wife and daughter are in Japan so I try to go there as often as I can.

Q. Last year, Bangkok had a lot of political and social problems.

Does much of your art reference these problems?

Yes, but I tried to focus on how critical the conflict was as opposed to the political motives behind the conflict.

Q. Could you tell us a little about the Taxi series and why taxis are among your favorite subject matters?

In the process of urbanization and the development towards capitalism, a lot of people spend a lot of time in cars because of traffic jams. And also in this kind of situation, people feel that the relevance of art and galleries declines. So I thought that a taxi would be a very interesting place to transform into an art gallery, so that people can see artwork in various synthesized situations. Oddly enough, in other countries, there isn’t another specific name for a ‘taxi.’ The word ‘taxi’ transcends language barriers. This was the beginning of the thought that “Taxis are universal.”

From then on, I had taxi gallery exhibitions in Sydney, Tokyo, New York and London. I realized that the idea of a taxi and its relevance was linked to art and its decline in some people’s eyes.

Q. In studying your work, I think that your strength lies in your understanding of the Asian art environment. Can you tell me about the identity of Thai art?

The Thai art industry has developed very fast. But the organization, the galleries and museums are very slow. There aren’t that many galleries or museums in Thailand. The Bangkok Art Center is government funded, but now they don’t spend much money on the arts anymore because they think that they don’t return much profit. It’s a shame that they feel that way.

Q. You frequently reference the art market. What are your opinions of the current market?

The art market now is only open to a small group of collectors. Of course it is very exciting to see art and marvel at how expensive it is, but it should be an open, free market so young people can collect artwork and artists can hold more exhibitions and sell more art. But it should not be just about money. It has to be more about culture and understanding.

Artists shouldn’t make art solely for profit or gain. Art should reflect our culture and sharing experiences in our society.

Q. Finally, what are your plans for the next year?

I’m building a studio and art gallery in Chiang Mai. I plan to present an exhibition there with some site-specific works along documentations of my past projects. I started construction last year, so hopefully it will be finished at some point this year. Also in Chiang Mai, I am planning to develop a series of community-based projects that will hopefully bear a closer resemblance to public engagement than gallery showings. www.navinproduction.com

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Navinland needs you / Navinland’s Billboard campaign at 54th Venice Biennale / 2011

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Imagine Nabin / acrylic on canvas / 2008

Imagine Nabin / comic, 96pages / 2009

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Who is Navin? / acrylic on canvas / 2010

Navin Gallery Bangkok / taxi gallery / Bangkok / 1995-2000

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Mahakad / billboard / Kad Luang Market, Chiang Mai / 2010

Mission Navinland / mixed media / 2011

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art

LOLAY

Lolay is a Thai art idol. ELOQUENCE had the exclusive chance to meet Lolay in person and hear about his life and his art, both of which defy categorization.

Editor. Suesasha Joung Photographer. Jun O Hwang

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DOLLAR 009 / fiberglass / Hua-hin Beach, Thailand / 2011 / Courtesy the artist

Q. Please introduce yourself. What do you do?

That all depends on who is asking. If you’re in the art industry or interested in art, I would say that I’m an artist. I do painting , sculpture, video art and other activities that use some form of art as their base. If you’re not in the art industry or you simply want to know about my career, I would say that I’m a creative designer and teacher. I do illustrations for magazines and books and I design all sorts of products, such as mugs, T-shirts, notebooks, iPhone cases, etc. I’m a teacher at Bangkok University and, on occasion, Silpakorn University.

Q. Your artistic practice encompasses so many different aspects of creative production; is there any one in particular that best represents the kind of work you do?

These are all just forms of media, or tools, that I use to realize my ideas in concrete form. If you have a lot of ideas in your head, you have to find a way to bring them out. If painting doesn’t work for a particular idea, then I have to switch mediums to maybe video or sculpture. I never stick with just one medium. Everything depends on my creativity.

Q. Do you ever feel any confusion while doing your personal work?

Never. No matter which medium I’m working with like painting, sculpture, video, or anything else, I stay focused on the one I’ve chosen. I’m able to discover many things as a result of working in so many different media. If you only stick to one thing, it makes it hard to re-create or discover other things. I like to be experimental. It’s fun and it guides me toward good and strange things. Experience is important.

Q. Out of all the media you work with, which is your favorite to practice? What attracts you to it in particular?

Painting. From the very first day I started painting back when I was a kid, I found it to be a very charming thing for me. It made me feel like I was in my own world. I like the process of painting much more than I do the results, actually. It’s very different from sculpture. With sculpture, I’m always eager to see the finished product, but with painting, I enjoy the time spent on the process very much. It’s something I haven’t found in any other medium.

Q. What is the meaning of your name, Lolay?

I started using the name when I was 18 years old and a freshman at Silpakorn University (Art University in Bangkok). The fine art faculty there

follows a rule introduced a long time ago that requires everyone to take a new name. The idea behind it is to minimize the gap between students of different family backgrounds. No rich, no poor, no fashion, no celebrity; all students are the same, all friends. When they asked me what name I liked, I couldn’t choose one, so they named me “Lolay,” a Thai word meaning very confused and unable to choose anything.

Q. In the process of preparing this issue, we solicited recommendations from all sorts of people about well-known artists in Thailand to contact and lot of people recommended you. Why do you think so many people thought to mention your name?

I don’t know, you should ask them. Maybe they are my juniors from university, or my students, or friends. Maybe they think my style is different from everything else in Thailand. I cannot respond to questions like these because I don’t know. When I work, I never think about how to sell it or how to make people like it; I do what I want to. Somebody might tell me I’m their idol, or else ask me how to be successful or famous. I don’t think I’m famous; I’ve been doing art for 20 years now, so people know me.

Q. Looking at the work from your exhibition “Bruised” that was held last year, I noticed two people that appeared over and over again in the images. Could you introduce them?

Many people want to know who they are. Actually, I just wanted to paint a woman and a man. They’re just like human models; it’s not important who they are. The main concept of that exhibition was war, something humans do to other humans without distinction between women and men.

Q. Where do you find inspiration for your work?

I like to learn from others’ experiences. When we compare them to our own lives, we can discover new ideas. I take a lot of inspiration from the things I read, watch and listen to. I like reading history about the world, or war, or the lives of artists, scientists, musicians, etc. These are true stories about things that really happened in our world. My interest in the experiences of others is a result of experiences from my own life; When I was young, I had to stay far away from my mother and live by myself in a big city like Bangkok in order to study art. I had no family around me and sometimes, no friends and I had to face some difficult times. I wasn’t born in the World War generation, but my life at that time seemed a lot

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like war. Through learning about war, I have learned a lot about life. We have to learn to survive whether we’re in a real war or not.

Q. Do you have a muse?

Music. I listen to music everyday, almost all the time. When I listen to music, the ideas and images in my head are entirely dependent on my own personal experience. Sound is very abstract; you cannot touch it or see it, but you can feel it. And when you feel it, your imagination really goes to work.

Q. You do a lot of drawings, and I see many drawing notebooks here in your studio. Can you tell us what drawing notebook means to you?

The most important part of my art is my collection of handmade notebooks. I make a new notebook every month and sometimes as many as three to four in any given month. I started making the notebooks more

than ten years ago. My life is in them. I think about work all the time and I often get new ideas out of nowhere, so I have to bring something with me when I go out every day. Sometimes I do drawings of my memories, sometimes I write songs, sometimes I’m inspired by something or someone and I’m afraid I’ll forget; I put it all in my notebook. Each notebook is like my private playground where my ideas transform.

They’re not the final images of my ideas, but they’re part of my creative process.

Q. What are your future plans?

I’m finishing my new studio in a beach town in Thailand called Hua-hin. A lot of times I want to make a big painting but my studio in Bangkok is in condominium, so I cannot do paintings any larger than 200cm. My new studio is like a loft where I can make the big paintings I’ve been hoping to do. I really want to do them and I will. lolaytoon.blogspot.com

Human / Acrylic on canvas / 2011

JUNE MILLER AND ANAIS NIN / Acrylic on canvas / 2011

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Organ / Acrylic on canvas / 2011

Experience / Acrylic on canvas / 2011

ADOLF HITLER / Acrylic on canvas / 2010

Water / Acrylic on canvas / 2011

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space

V64

Despite having had its Grand Opening only just recently, it seems like everybody in Bangkok’s community of creators knows about V64. This new collective space represents a fresh attempt at fostering a self-sustaining artist community independent of government support.

Editor. Udo Lee Photographer. Jun O Hwang

Initiated by Attasit Pokpong, V64 is a new artist community occupying a former warehouse renovated by the same 75 artists who currently use its 35 studios as workspaces. Pokpong, an artist himself, says he selected each one personally, according to his own criteria” “I don’t only look at the art or the reputation when I select artists, but also at the personality. Some people say it’s a weakness to choose artists like that, but I see it as an investment in the future.” he says with a smile. “I care about potential.” He continues, “I was a young artist too, and had to learn how to succeed. Now I want to share my channels, knowledge and connections.”

Each of the selected artists pays rent according to the size of the studio they use. In case of difficulties in coming up with their rent money, artists can teach at V64’s in-house art school or music school. When someone sells a work of art, ten percent of the sale price goes back into developing the space. That is not to say, however, that V64 is a commercial space; inspired by the M50, Shanghai’s government-funded arts community, Pokpong set out to build a similar community-oriented space for young artists in Thailand. Since no government funds were to be expected, he came up with a self-sustaining community concept— funded by artists, for artists.

Most of V64’s young artists come from Bangkok’s art universities, but since the contemporary art world in Thailand is still developing, there are not many opportunities for emerging artists to gain exposure. “V64 is a space for exchange and collaboration for young artists,” Pokpong explains. “Here, they don’t have the same pressures they would have

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if they were exposed to the art world directly. They have time to learn and adjust with time.” Part of V64’s appeal to young artists is Pokpong himself and the ties with agents and art dealers he has maintained over the years. Sharing his networks and getting young artists acquainted with the business side of the art world is important to Pokpong, who gave up on building his solo career in order to do just that. “I think it’s important to show them how to deal with the art world,” he says. “Some artists are more commercial, some are not; but they have to learn to deal with these differences.”

The mellow and friendly vibe at V64 seems to reflect its supportive concept—a good foundation for Pokpong’s ambitious goal to develop V64 into the most influential art center in the city. He sees this warehouse-turned-cultural hub becoming a meeting place for art lovers, collectors, curators and the general public alike; one where the goal is not to sell art but to build a community, establish an alternative academy, and provide a place for art mediation and art consulting.

143/19 Changwattana Soi1 Yak 6 (Vibhavadi 64 rd.)

Bhangkhen Laksi, Bangkok 10210 Thailand 02 973 2681 / 2 or +66 8 9143 0986 (Mobile) For Information Enquiries: info@v64artstudio.com For Sales Enquiries: sales@v64artstudio.com www.v64artstudio.com/welcome

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space

The Factory Studio&ArtHouse

Inspired by Andy Warhol’s Factory, four artist friends made The Factory in Bangkok. We met three friends who founded The Factory and had a chance to get an exclusive look at their novel effort to improve art education.

Editor. Suesasha Joung Photographer. Vincent Sung

Q. Introduce The Factory Studio&ArtHouse to us.

The Factory is an institute that passes along knowledge and understanding of art & design, for kids, teenagers or anyone who is interested in art. Courses vary for different age groups, from basic to advanced levels.

Kids: This course aims to develop the artistic point of view, skills, concentration and positive vision.

Students: This course will prepare students for their common entrance exams.

University students: This course helps to develop artistic skills & understanding to a granular level.

Anyone: Courses are amusing & fun, introducing art as a hobby which can be useful in daily life.

All courses are conducted & supervised by people for whom art is their profession, from people in the fashion field to high school and university art professors.

The factory is also an art studio, which is really great for our students; they can learn to use various art tools and the atmosphere of a working, creative studio helps the students to increase their own vision & creativity.

Q. When was the studio built?

The Factory Studio&ArtHouse has now been open for a little more than a year.

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Q. I understand The Factory Studio&ArtHouse is the creation and collaboration of four artists. Please introduce yourselves.

Jeep is a famous illustrator who owns a shoe shop with six branches and is also known for doing shop displays and graphic design for major brands. Keng is a painter with four years experience tutoring students and selling his work through his own exhibitions. Name is a conceptual creative artist who owns cupcake bakeries and does conceptual events.

And Tung is a sculptor who’s had the opportunity to create his work in Japan.

Q. How did you four get to know each other, and what was the opportunity that led you to construct The Factory Studio&ArtHouse?

We’re all childhood friends;what happened is that we discussed our mutual desire to have a place where we could all fulfill our dreams, as well as a place where we can educate the new generation about art. And in the meantime we could use the place to create and support various fields of art, so the initial model was Andy Warhol’s studio, which was called the Factory.

Q. Why do you think art education is so important?

Art education is important because nowadays everything we do is somehow related to art and creativity. Most logical structures are perceived to be solid and unchanging, but creativity and the imagination never seize to create change.

Q. What makes the education here different from another tutoring process?

It was a good idea to combine the studio and art house together because such a place doesn’t exist in Thailand, where students can come and learn from artists firsthand and share the experience.

Q. In the future, how do you want your The Factory Studio&ArtHouse to be known to the public?

We would want it to continue to be known as it is today. www.facebook.com/Thefactorystudioandarthouse

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art

PARIWAT

The spirit of Bangkok is alive in the photo collages of Pariwat. We took a peep at the dynamic work he creates to re-imagine its urban landscape.

Editor. Anna Choi Photographer. Jun O Hwang

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BKK.Street 015 / photo collage / 2012

Q. What was it that originally interested you about photo collage and how did you get started using it as your primary medium?

It started about seven years ago when I was working on a book called ‘Traffic Grid.’ I was in charge of everything, including content, design, photography and illustration, and I discovered that photo collage was the perfect tool for the kind of things I was trying to create. It worked out all the problems I had been struggling with and it led me to realize—purely by chance—that I actually possessed the skill and expertise needed to execute my ideas through the medium.

Q. In your opinion, what is the attraction of photo collage?

I think that raw photographs (without retouching) only capture reality.

If we creatively utilize photo collage to work together with those raw photographs, we can create an attractive world of imagination that is still based on reality.

Q. Did you take the photos of Bangkok by yourself?

Yes. When I’m traveling and I see something that catches my eye, I immediately press the shutter. I don’t worry about lighting, colour, sound or composition.

Q. Where do you usually take pictures in Bangkok? Do you have any specific location?

I don’t have any particular location in my mind when taking pictures in Bangkok. Actually, the pictures I take don’t need to be from Bangkok alone; I snap stock photos of anything that strikes me as interesting. But if you’re asking where my favourite spot in Bangkok is, I would have to say ‘China Town.’

Q. What are you trying to show about Bangkok through your photo collages?

The beauty of the photo collage is that it has a surreal effect, allowing you the freedom to mix things up here and there. A big building can turn into a small sculpture. Street stalls can become a gigantic background.

You can take people on the pavement and pose them on top of some swanky building. It is good fun doing this sort of satire. Using just this one simple tool, I could easily be a director creating new unseen perspectives of the city.

Q. How do you feel about Bangkok on an individual, personal level?

I am pleased with the charm of living an ‘ordinary life’ in Bangkok. I think people definitely tend to overlook this aspect of of the city since it doesn’t meet our accepted standards for judging the value of art. Leading an ‘ordinary life’ here means designing a lifestyle to survive the chaotic and complicated social conditions that exist in present-day Bangkok.

Even though this may be seen merely as an unremarkable facet of living here, I see it as an art; the art of living an ‘ordinary life’ that has its own uniqueness. Displaying works of art is no longer the exclusive domain of galleries and museums; it is also a part of the streets where we all come and go.

Q. Have you completed on any other series using collage?

I’ve done two other collage sets, actually, that didn’t make use of photo collage. The first one takes user’s manuals for electronic gadgets, machines and other tools and uses collage and mixed media to transform them into a whole new gadget from my imagination. The other is a collage using from old posters dating from the previous era that assume a modernized feel with a new contemporary message.

Q. What are you planning for your next artwork?

At the moment I don’t have any definite plan. At the moment, I’m very interested in old furniture and eccentric materials. I’d like to add something edgy, crazy or funky to them and see what sort of results I get. a-pariwat.blogspot.com

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BKK.Street 014 / photo collage / 2012

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BKK.Street 001 / photo collage / 2006

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Yaowarat 001 / photo collage / 2012

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Yaowarat 003 / photo collage / 2012

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Jiradt Pornpanitphan

From a small-scale magazine reflecting one man’s passion for street fashion to an industry-defining publishing operation producing two of Bangkok’s most influential fashion lifestyle monthlies, Jiradt Pornpanitphan has made an unmistakable mark on Thai fashion media over the last eight years. Here is what the editor in chief of Cheeze and Looker magazines had to say about his path to success and the magazines that got him there.

Interview. Woochi Jeon Editor. Anna Choi Photographer. Jun O Hwang Image courtesy. Cheeze and Looker

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Q. Please introduce yourself.

My name is Jiradt Pornpanitphan and I am the editor of Cheeze and Looker. Apart from that, I’m a fairly average person who is lucky enough to do what he loves for a living.

Q. What is the concept behind Cheeze magazine?

The concept is ‘on the street,’ just like any other street magazine in the world. We are trying to record fashion culture in society from every era and to be an inspiration for all fashion lovers. The magazine also reports on ‘Thai fashion’ in the interest of our Thai readers, though it is also a resource for foreigners to recognize the development of Thai style.

Q. When did was Cheeze magazine first published?

We published our first issue in May 2004.

Q. Can you tell us about how it all started?

It’s not a particularly long story to be honest. It started when a foreign photographer came to take a photo of me for his street style website. I logged on to his website and it made me think “Why isn’t there anything like this in Thailand? Thai people dress with real style.” After that, I created a mock-up of the magazine and kept it with me. One day, I met an investor who suggested that I make the magazine, since there was really nothing like it in Thailand at the time. At first, there were only five people in the team: an art director, a photo editor, a fashion editor, myself and my assistant. We started off as simply as we could, and spent six months developing the style before publishing. We had to think everything through before getting started in order to minimize potential risks and problems.

Q. You are a publisher and an editor in chief at the same time. How different are these two roles?

Being an editor in chief is not so complicated for me because I’ve had the concept clearly defined since the beginning and I have an awesome team. We all seem to share the same vision and work ethic. Therefore, I still have some time left to do other things, such as planning and managing the publishing house. I want us to grow up not only as a magazine but as an organization. Being a publisher requires a strong competitive strategy with regards to advertising. Now we have Cheeze, Looker, Shopping Guide, some pocket books and a lot more to come.

Apart from being an editor in chief and a publisher, I also have time for shopping, traveling, and even finding good coffee to drink.

Q. Cheeze magazine is known as the representative street magazine of Thailand. Other street magazines have strong male influences, but Cheeze magazine’s content and layout is more feminine. Was this your intention when you started?

In this country, fashion starts with the girls. Wherever you go, you’ll see lots of girls, and they all present themselves in such a cute and beautiful way. So why shouldn’t I publicize them? I also understand that Thai girls are beautiful, and people love to look at beautiful girls. Yet again, in the last few years we’ve started to see men dressing up more than before.

They care a lot more about how they look, so I came up with Looker Magazine, which is for men only.

Q. Can you tell us about any other culture and style publications in Thailand?

I think Koo-Sang Koo-Som is a magazine that understands Thai social structure really well. It’s one of those magazines you can find in any home. Everyone reads it. My parents read it more than they read my magazines!

Q. Cheeze magazine was first started as a local magazine, but it’s now beginning to gain international attention. What do you consider the secret to Cheeze’s success?

I think it’s timing. It was the perfect time; the sender and the receiver were thinking the same thing. Supply and demand is what keeps society functioning and moving forward.

Q.Which brands do you target for advertorials in Cheeze and Looker?

Our main targets are the fashion brands worn on the city streets so that our clients understand the direction of the magazines. But it’s also important that they trust that we can communicate with our readers in our own way and give the correct representation of their brands. But we are also open to some consumer products because they can help us generate the money we need to keep producing the magazines.

Sometimes it’s necessary to put business first. We advertise unisex products in Cheeze magazine, but in Looker the products are aimed mostly at men. It’s very clear and our clients understand that. Advertising clients in Thailand are actually really nice.

Q. You are well known for your ‘EDITOR’S TALK’ page. What are you trying to say in this single page article?

I’m trying to teach readers about the simple way of life, with help from Buddhist teachings. I try not to make it too serious, though. The article is generally fun and silly.

Q. Although Cheeze magazine is a fashion magazine, you also do collaborations with artists. How do you pick the artists for these projects?

The kind of artists that we collaborate with are special. We choose them because they know how to dress and they inspire me and my team, although a big part of it is that we like them. We have done all kinds of collaborations, including illustration, photography, writing and styling work. I don’t want to keep doing these things all by myself; I want to share with them.

Q. Who is Cheeze’s favorite artist?

I like Jeep from The Factory Studio&ArtHouse. She is so determined and so talented.

Q. Compared to other cities around the world, what do you think makes Bangkok a great place to have something like this?

The characteristics of Bangkok’s street style come from many places, but when people dress up in the Thai heat, it becomes ‘Bangkok street style.’ The fashion trends here are diverse and always changing. Another reason is that we have beautiful people in Thailand, something that always plays a major role in the development of a city’s fashion scene.

Q.You mentioned Looker magazine earlier. Could you tell us a little about that?

Looker is a magazine aimed at men who ignore sex, luxury, vehicles, suits, ties and expensive watches because there are so many of those things in the market. We think it’s time for men to get up and dress up; to show their heart and soul in their clothing.

Q. Looker magazine was published after the success of Cheeze magazine. What are the major differences between the two?

Cheeze’s audience is a bit younger, in the 15-22 year old age group, and unisex. Looker is for men who are 22 - 45 years old. Since these two groups of people have different interests, the magazines run content that differs as well. We always wanted Cheeze to be unisex, yet veer closer to a female audience. With Looker we use the phrase ‘Men Only,’ which is very explicit, although many girls also buy it. I think that it’s mainly because they want to see the guys in it [laughs].

Q. As opposed to the diversely styled articles of Cheeze magazine, Looker definitely puts more importance on street snapshots and new product items. Why is this?

Because guys are not that complex. They don’t like to read anything too long or descriptive. They just want to see people and stuff, then build the rest of the story on their own.

Q. The strong, distinctive feeling of Looker’s pictorials is unlike that found in Thailand’s other established magazines. What styles do look for?

I like so many styles. When there’s a Looker style, it kind of becomes my style as well. I think Thai people like it too.

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Q. How do you keep the pages of Looker full of so many stylish and fashionable people?

There are so many stylish people in Bangkok. All we have to do is keep looking for them and going to the places where they live and hang out.

We have trained our photographer to understand the Looker style, and we just pick the ones that are perfect for our concept. Of course, I have to thank those fashionable guys a lot.

Q. I see some staff contributing to both Cheeze and Looker. What are the benefits of working on two entirely different magazines simultaneously?

In spite of their differences, I think the thing they have in common is their style. It’s like we have two questions to answer. Some people can solve them both really well because the questions are not ambiguous. Actually, I think it’s a good thing because it means we don’t have to do the same things all the time. We can have a lot of fun with different kinds of work.

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Q. What is the most difficult thing about running two magazines at once?

The most difficult thing is to do it well and not to take advantage of the readers. We have to let the two magazines have their own identities and values while embrace their differences. This is like a fuel that keeps driving us to make something interesting that people want to read.

Q. As a representative fashion and culture magazine creator from Thailand, is there anything else you’d like to say? “ผมรักในหลวง” (“I love the king”) www.cheeze-magazine.com www.looker-magazine.com

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Steven Pettifor

The BANGKOK ART MAP (BAM) is an indispensable resource for anybody who wants to explore the city’s art spaces. ELOQUENCE met the person behind Bangkok’s most comprehensive list of exhibition spaces, Steven Pettifor. Over some glasses of beer we learned that the starting point for his activities might be Bangkok, but the outcome of his work as a writer, curator and artist spreads all over the world.

Editor. Udo Lee Photographer. Jun O Hwang

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ⓒNajhin

Q. What is BAM? BAM is a complete list of exhibition spaces in Bangkok, published by Talisman Media Group. It also includes everything around art, like spaces which exhibit art but are not galleries, artist studios, private art schools, framing services, art shipping companies, photo schools, art supplies, and archives. It’s really a diverse selection of what’s out there.

Q. What was the starting point for BAM? When we started in 2007, there was no other art map. Well, there had been one other guide, but it came out irregularly and was more informal.

Traveling to other cities showed me how useful these maps are. You don’t want to buy different magazines and collect all the information by yourself, you want something convenient, simple and free.

Q. The publication is bilingual. Is it not a lot of work?

It is, but our readers are not only tourists. Actually most people reading it are residents of Bangkok. It’s good to see that the people living here find it helpful too.

Q. BAM is free; how do you finance it?

For the first two years we had a sponsor, a property developer. When the market slumped in 2009, they jumped off the wagon. So we approached galleries to donate.

Q. How did that work out?

Most galleries have a small profit margin, but we found about 20 galleries which agreed to support BAM because they see that such a publication is quite important. Recently we made a deal with a corporate sponsor. It’s good, but we are always open for more sponsorship.

Q. Each month, you introduce selected exhibitions. What are the criteria?

It’s a selection of what I think are the best exhibitions in a month. There are many considerations to be made – the sponsors, Thai artists vs.

non-Thai artists, etc. In general, I want to present a broad range. BAM caters to a wide spectrum of people, not only specialists in the art field.

Q. Art mediation seems to be a thread that runs through all your activities.

Yes, I contribute to several international and regional newspapers and journals. Since 1999 I am the Thailand contributing editor for the international bi-monthly publication Asian Art News and the quarterly World Sculpture News. I also wrote one of the only English language books on Thai art, Flavours – Thai Contemporary Art, which was published in 2004. Besides writing, I also was involved in curating several exhibitions, including the Thai Pavilion at the 54th Venice Biennale, ‘Places of Rebirth’ by Navin Rawanchaikul at Sakshi Gallery in Mumbai, ‘Charles LaBelle’ at Number 1 Gallery in Bangkok, and ‘Otaku’

by Charinthorn Rachurutchata.

Q. With all that, you still find the time to produce your own art…

My photos show Thailand from a different angle, I like to capture unusual scenes in everyday life.

It’s about the small moments, in which you have to look twice to see what’s special about them. Other works are more abstract and textural.

I exhibited at ‘Creatures’ at About Café in 1998, the 1999 nomadic interactive exhibition ‘How much is that doggy …..’ presented on the body of Philippine artist Judy Freya Sibayan on her travels through Asia and Europe (including the opening event of ‘Cities on the Move’ at London’s Hayward Gallery), Womanifesto at Pridi Banomyong Institute in 2003, the 2008-9 group show ‘Krungthep 226’ held at the Bangkok Art & Culture Centre, and the 2009 group exhibition ‘Trigger’ at Bangkok’s Whitespace Gallery. I also participated regularly in the group exhibition series ‘See Saw Seen’ in various galleries in Bangkok. www.bangkokartmap.com

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UNIVERSITY GALLERIES

CULTURAL CENTER

GALLERIES

CHULALONGKORN ART CENTRE (MAP E-4) Centre of Academic Resources, Chulalongkorn University, Phaya Thai Rd | 02-218-2965 | Mon-Fri 9am-7pm, Sat 9am-4pm | www.car.chula.ac.th/ art/ | BTS Siam This large gallery space holds noncommercial solo and group exhibitions.

Until Mar 28: (Dis)continuity Conceptual artist Wantanee Siripattananuntakul looks at notions of time and how distinctions between the past, present and future interrelate.

ALLIANCE FRANCAISE (ART CENTRE) (MAP G-5) 29 Sathorn Rd | 02-670-4200 | Mon-Sat 10am-6pm | BTS Sala Daeng A busy promoter of both French and Thai art, this art centre sponsors many exciting collaborative exhibitions and innovative cultural events.

Until Mar 29: La Fête The annual French cultural festival.

AKKO GALLERY (MAP F-8) 919/1 Sukhumvit Rd (btw Soi 49 & 51) | 02-259-1436 l Mon-Sat 10am-7pm | www.akkoart.com | BTS Thonglor Run by Japanese dealer Atsuko, this gallery has a definite Nipponesque flavour to much of its art.

Until Mar 17: Let’s Go Far Far Away Marine life provides the focus for Japanese artist Kyoko Abe’s acrylic paintings.

Mar 31 – May 12: Not Just Beautiful – The New Nature Series Floral watercolours by Somboon Phoungdorkmai.

G23 (MAP D-7) SWUNIPLEX Fl2-3, Srinakarinwirot University, 114 Sukhumvit Soi 23 I 02649-5000 #5005 I Tue-Sun 11am-6pm I www.g23.swu.ac.th I BTS Asok Four large exhibition spaces in one.

Until July 29: Somyot Hananuntasuk An exhibition by the senior abstract artist.

JAMJUREE GALLERY (MAP E-4) Jamjuree Bldg 8, Chulalongkorn University, Phaya Thai Rd | 02-2183709 | Mon-Fri 10am- 7pm Sat, Sun & Holiday noon-6pm | www. jamjureeartgallery.blogspot.com | BTS Siam Two rooms display student group shows as well as experimental exhibits. rising local artists.

Until Mar 8: The Art of Martial Art Depictions of northern Lanna martial arts.

Until Mar 11: 4 Dimension Four instructors from Poh Chang College use four different mediums in their creativity.

Mar 6 – 23: Happiness Beyond Measure Photographs of a Buddhist pilgrimage around SE Asia by Bhanuwat Jittivuthikarn.

Mar 14 – 28: Assalamu Alaikum Works by five Islamic artists from Songklha.

Mar 15 – 30: The Southern way of Life A group show highlighting southern Thai culture.

SILPAKORN UNIVERSITY GALLERY (MAP D-1) 31 Na Phra Lan Rd (opp the Grand Palace) | 02-221-3841 | Mon-Fri 9am7pm, Sat 9am -4pm l www.art-centre.su.ac.th Silpakorn University has three neighbouring campus galleries hanging art from students, famous alumni, teachers and visiting artists.

Until Mar 16: Preecha Orachunga A retrospective from the senior abstract artist to celebrate his 75th birthday.

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GOETHE INSTITUT (MAP F-5) 18/1 Goethe Gasse, Sathorn Soi 1 | 02-287-0942~4 | Daily 8am-6pm | www. goethe.de/bangkok | MRT Lumphini This Germanic organisation holds exhibitions of German and Thai art.

Until Mar 13: Somewhat Different An international exhibition of trailblazing contemporary design objects.

JAPAN FOUNDATION (MAP E-6) Serm-mit Tower 10F, Sukhumvit Soi 21 | 02-260-8560~4 | Mon-Fri 9pm-7pm, Sat 9am-5pm | www.jfbkk.or.th | MRT Sukhumvit, BTS Asok Organises external exhibitions by Japanese and Asian artists.

Until Mar 31: Erque After a Japanese residency, Pisitakun Kuantalaeng looks at human resilience.

cafes, bars + more 2SNAKESTUDIO (MAP E-3) Soi Nana, Maitri Chit Rd (nr Hualamphong Station) | 086-012-1972 | By appointment only | MRT Hualamphong Run by photographer Philip Blenkinsop and his partner Yonola Viguerie, this studiocum-gallery has curious permanent display and temporary presentations.

EAT ME (MAP F-4) Soi Phi Phat 2, Convent Rd | 02238-0931 | Daily 3pm-1am | www. hgallerybkk.com l BTS Sala Daeng A trendy restaurant with a regular schedule of local and international art organised by H Gallery.

Until Mar 4: Anu-Sti Internal fear is writ large in student artist Waranthorn Tachakunakorn’s photographs.

Mar 6 – April 29: Mythos and Mime American photographer Cameron Wolf’s portrays mythical creatures.

WAI ART (MAP C-5) Baan Bar, Soi Rangnam (beside King Power Complex) I 081-697-4866 I www.facebook.com/pages/wai-art I BTS Victory Monument Located in a bar, this gallery promotes emerging art.

Until Mar 31: Mara The first in a series of exhibitions at the Banyan Tree Hotel on Sathorn Rd: Thanapon Junkasain’s Buddhist aligned paintings.

ARDEL’S THIRD PLACE GALLERY (MAP E-8) The Third Place, Thonglor Soi 10 | 02-422-2092, 084-772-2887, 086890-2762 | 10am–8:30pm | www. ardelgallery.com I BTS Thonglor Ardel’s sister gallery is a compact venue on the first floor of this lifestyle space.

Until Mar 18: Logiyadhamma Silpakorn University lecturer Thongchai Srisukprasert’s paintings and sculptures explore Buddhist notions of desire.

Mar 29 – April 29: Spirit of Women Palut Marod’s paintings look at female sensibilities from a male perspective.

ARTERY: POST-MODERN GALLERY (MAP G-3) 2/2 Soi Silom 19, Silom Rd | 02-630-3006-7 | Mon-Sat 10:30am7pm | www.arterybangkok.com | BTS Surasak Focussing mainly on emerging Thai art, this gallery has relocated to a new townhouse around the corner from Silom Galleria.

Mar 2 – Mar 30: Jack Back to Town BANGKOK ART & CULTURE CENTRE (BACC) (MAP D-4) 939 Rama I Rd, Pathumwan | 02-2146630-1 | Tue-Sun 10am-9pm | www.bacc.or.th | BTS National Stadium This 11-storey arts centre has over 3,000m2 of exhibition space accommodating a broad scope of exhibitions and creative events.

Until Mar 11: Culture: memorable, formless, shadowless Cultural systems are explored in this group exhibition.

Until Mar 18: Hosanna to Our King Tributary art works celebrating His Majesty’s birthday.

Mar 8 – April 18: You Are Not Alone RMA INSTITUTE (MAP F-7) 238 Soi Sainamthip 2, Sukhumvit 22 I 02-663-0809 I 11am-7pm I www.rmainstitute.net This studio gallery in a renovated home is run by photographer Piyatat Hemmatat.

art

Young Thai Female Artists

Pare-Nadda

OH+Futon

Yuree Kensaku

Jeep Kongdechakul

Four Thai female artists have caught ELOQUENCE’s attention. They are actively working in a variety of different art genres.

ELOQUENCE had the chance to meet the multi-talented artists and learn more about their work.

Editor. Suesasha Joung Photographer. Jun O Hwang

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Pare-Nadda

Illustration. Pare-Nadda

Q. Could you please tell us about yourself?

I am a painter, writer, singer, musician, host of an art TV program and a masters student in Art theory. I do various things because I think that life has many perspectives. Art can connect to anything because it is a framework of our daily life. And I don’t want to make my life boring. I think humans can do anything they want to do. Just do it. Experimentation brings me to re-create again and again. It is the driving force in my life.

Q. You are well known as an illustrator. Why did you find yourself choosing this form of expression?

I am very interested in human psychology and have been analyzing myself as best I can, and testing my findings. I am trying to use art as a means of communicate between myself and others. I do not limit myself to any one technique, preferring to use whatever means is best in each circumstance. But I do like painting as I can express such a large range of feelings within a given format.

Q. I know that you are a member of HAPPYBAND. Can you tell us about HAPPYBAND? HAPPYBAND is a model that we created for learning about art and life in October 2009. HAPPYBAND has four members; Lolay, Giameee, Missyoon and me. Lolay is the only one who can play guitar and bass. I can play piano, but we wanted to form three-piece band, with guitar, bass and drums. Now we have more 20 songs and have had many shows.

Q. Between illustrating and music, which is more important to you?

Music and illustration are from the same family. They will always be an inspiration to one another. Art is so varied. Music is a big part of art.

For me, music can communicate more with the audience than painting because of its magic. You can’t see but you can feel it. With a painting everyone sees the same shades of the same colors. But in music you will see your own shades. When I play my own music, I feel like I’m speaking in another language.

Q. What is illustration to you?

It’s a mirror. It can show what is deep in my mind. Lines and colors cannot hide my feelings. When I was young my lines and colors were very colorful and free. But when I grew up I found that being a human is a very complicated existence. Humans have sense. Sense makes various feelings. I decided then I felt that I didn’t want to use color anymore. I love lines drawn with black acrylic. I don’t want to do complicated paintings. I want to keep the feeling in them. For example, when I was painting a girl, I didn’t want to present how she looks like, all I wanted to present how she was feeling.

Q. Could you tell us about any upcoming plans you have?

I’m going to get married to a person who is a famous artist in some people’s eyes, but a great man in my eyes. parenadda.blogspot.com

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OH+Futon

Illustration. OH-Futon

Q. Could you please introduce yourself to our readers?

My name is OH+. I am an illustrator. People called me ‘OH+Futon’ because I also play in the band called FUTON. Q. Which is more important to you: music or illustration?

Very good question. I do a lot of stuff. My answer is always “I choose the things I like.” I always love whatever I’m doing at the time. I do not do the things I don’t like. So I cannot choose what I love more. It depends on the time. I feel really happy when I’m drawing. Normally time goes fast when I draw, but I cannot do two things at the same time. So I always give a lot of concentration and ideas when I do something. Everything is about art in my life.

Q. You must have a lot of fans. Who are they?

I don’t think I’m famous, but many people know about me. However, my music fans don’t know that I also draw, while my art fans have no idea that I play music. So my fans are from all walks of life. When a fan asks for my autograph, I ask him or her which genre of art does the person like. Isn’t it interesting? In short, I don’t have fans for only one genre.

Therefore, I don’t really know the exact styles of my fans.

Q. What made you start illustrating?

I started drawing pictures when I was young. I continued steadily and eventually I graduated from an art college. When I was in my second year of college, I was playing the bass guitar in a hip-hop band and

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started doing various other things, so I couldn’t really focus on my artwork. But then, one day, I decided to draw pictures and I started drawing every day in my spare time. One day, I showed my pictures to one of my favorite artists, who is probably the most famous artist in Thailand, and suggested her to use my illustrations for her book. To my surprise, she accepted my suggestion without hesitation and we made a pocket book together. Since then, I was able to put a lot of time into drawing pictures. The reason why I was able to show my artworks to her was that I thought I had nothing to lose. I’m a person who follows my dreams.

Q. What does illustration mean to you?

Illustration is like a profession or task for me. For example, when I illustrate for a book about law, I have to draw pictures to help readers understand the contents perfectly and more easily. Also, I put about 50 percent of my ideas into the pictures and the other half is made up of requested ideas. But when I hold my own exhibition, no one asks me for requests, so I put all of my ideas into my art. I’d like to express my ideas and feelings through my artwork. To me, illustration is like an answer for a certain thing.

Q. What are your future plans?

To be honest I have no plan. I do the things I feel like doing at the time.

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Yuree Kensaku

Illustration. Yuree Kensaku

Q. Could you please introduce yourself to our readers?

I mainly work as a painter. I do paintings, murals, and any kind of art that’s based on painting. I design CD covers, products, Music VDO, and illustrations.

when I walk in the market and find interesting materials. Recently, my friends and I have been doing mural work together and I find myself falling into the place and having deep feelings about it. For example, in that painting, I thought about the homeless, so I painted a neglected girl.

Q. You are an illustrator. How did you start illustrating?

I usually paint and hold some exhibitions, so that publications and magazines get to know my work. Then they invite me to join them.

Q. Beside illustration, you do a lot of paintings too. What is your favorite piece of art?

There are many paintings that I like. Especially Cruising Ahead, a painting I completed in 2010. I painted my love and I in a small boat carrying many things towards an unpredictable future. While I was painting, I thought “if we still have each other, that’s more than enough to get through any obstacles and we can solve any problems we have together.” Another piece might be the music video, Pry Song (Pleng Pry).

That was the first time I saw my paintings in motion.

Q. Do you have special creative synergy when you illustrate?

I have loved seeing movies and animation since I was young. When I illustrate, I draw a lot of inspiration from the storytellers, writers, other professional creators, and then I will mix this inspiration with my own experiences.

Q. In your drawing, it looks like there are a lot of stories inside. Are there any personal experiences in there?

I paint from my own vision, and of how I think about this world, our environment, personal relationship experiences, and all confusing things around me. I think my painting is a memo of what affects my moods at different periods.

Q. Where do you find the most inspiration?

My inspirations happen for many reasons and come from many places, but I get a lot when I travel, far away from home. I feel inspired even

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Q. What is illustration to you?

As a painter and illustrator, I think illustrations are promotional art pieces which mainly support articles, fashion, music etc. But my paintings have been created from my own ideas. Painting is more about me.

It has its own meaning without supporting anything else. Most of the time, illustrating gives me many opportunities to get to know people, experience new things and it inspires me to create other works. www.facebook.com/yureekensaku

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Jeep Kongdechakul

Illustration. Jeep Kongdechakul

Q. Could you please introduce yourself to our readers?

My name is Jeep Kongdechakul and I’m 26 years old. I am an illustrator and columnist for Cheeze magazine (street fashion magazine). I also do various things in different art fields like; Fashion design (clothes , fabric pattern, display for Flynow III, Bangkok Thailand), Shoe design (ballet shoes since 1959, Bangkok Thailand), Graphic Design (Corporate identity design, Wallpaper*), and I am a lecturer at the Faculty of Fine Arts, Srinakakharinwirot University and Faculty of Decorative Arts, Silpakorn University. I am also the founder and designer at The Factory Studio&ArtHouse.

Q. You are well known as an illustrator. How did you get started illustrating?

One day, while I was waiting for the Flynow III tailor, I started sketching all the clutter in my handbag. The drawing is a quick sketch which gave the feeling of informality and the lines colored by marker showed layers which reflected my personality and my emotions at that time. So I continued sketching almost everything I bought or ate in my sketchbook as if it was a diary. Then Cheeze magazine editor contacted me to ask if I wanted to be a columnist, but because I am not good at writing articles, I rejected. Once again, he contacted me so I told him that I can only draw and I showed him my sketchbook. Since then, I have become a columnist of Cheeze magazine.

Q. Have you ever brought two forms of creativity together and been surprised by the results?

I’d give the example of a window display for Flynow III, which combined various branches of art, like drawing, graphic design, collage work, paintings, etc. I would try to incorporate the brand image that the client requires into the art. Flynow III gives the image of youthfulness and playfulness which match my personality and make it much easier to understand.

Q. You are doing diversified works (window painting, shoes design, book-illustrating etc) using illustration. What is your favorite piece?

My favorite artworks are my drawings and illustrations because I get to use the paintbrush. I prefer drawing by hand rather than using computer graphics. Most of my art is done by hand and finished by computer before printing. Another favorite artwork is window display for Flynow III. Because Flynow III has big window displays, I can use my ideas to create to the extreme. It is like drawing on a huge four-side frame.

Window displays are like the exhibition in the center of the shopping mall.

I am very proud and happy when passers-by admire and take photos of my window display.

Q. What is illustration to you?

Illustration is illustration! jeepkongdechakul.wordpress.com

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art

FOR CREW

The members of the street artist crew FOR are witty and energetic just like their attractive artwork. Here’s what FOR CREW’s leader, P7, has to say about the talented artists in Bangkok. www.massuniverse.org/for.html

Editor. Anna Choi Photographer. Jun O Hwang

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P7 Q. Please tell us about FOR CREW. I, P7, am a street artist. One day, I had the chance to create a wall painting with fellow artist, Yuree. The process of working with another artist, mixing styles and ideas, was very exciting and inspirational. We then had the idea to collaborate with artists in different fields such as graffiti, street art, graphic design, and illustration. This initial idea led to the creation of FOR. Our bold multidisciplinary approach has led to two exhibitions at the Bangkok Art & Culture Centre and numerous live painting events in Bangkok and around Thailand. Since our first exhibition in 2010, FOR has grown to include eighteen active members: P7, Yuree Kensaku, Zids, Mamafaka, Kult, Cider, Nev3r, May-t, 01, Tawan Wattuya, Narissara Pianwimungsa, Rukkit Kuanhawej, Miss Ink, Logan Bay, Wanpracha SGR, TRK, Space Limo and Chip 7.

creative power. This spirit of coming together has helped each member’s work progress in new directions beyond our collective imagination. Also, FOR serves as an extended family, with members offering support and guidance to one another.

Q. Why did you make this crew? What’s the purpose of the crew?

I conceived the collaboration among these different people so they could express their art freely and really just be themselves. The group allows artists to work in a freestyle improvisational manner. They can create their own pieces of art without any prerequisite patterns or concepts. I want the combination of different individual artworks to grow together in an environment with no limitations or regulations. Each member of FOR holds a different strength that, when unified with the group, amplifies our

Q. Please introduce about your artwork in FOR CREW. My artwork is a combination of realism, street art, painting, graphics, and experimental art, which I refer to as ‘freestyle art’. Always creating, I am constantly at work on art; as soon as a piece is completed, a new one is begun. I do not repeat what I’ve done. Using colors, words, and iconography, I explore the duality and depth of human nature and the world around us. My characters will be dead as soon as I finish them, and then await reincarnation.

Q. What kinds of projects does FOR CREW make?

FOR projects contain elements of fine art, design and graffiti. We work in many different styles unified by a shared street art sensibility. Working on large scale public installations, we focus on creating artwork that is out of the box, equally at home on urban streets as in gallery exhibitions. Expanding the output of FOR, upcoming projects include a sculpture exhibition, products and interactive events. We are constantly striving to make art that is accessible, inspirational and fun.

www.p7even.com

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Siam TIger / 2010

BLACKJACK / 2010

Rave Twist Echo / 2011

For / 2010

My Face / 2012

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MAMAFAKA MAMAFAKA is well known for his graphic design work with the B.O.R.E.D. collective. His interest in street art led me to invite him to participate in the first FOR show in 2010. I wanted to encourage him to expand his work beyond graphics into character and mural design. The FOR show saw the birth of MMFK’s signature character Mr.HellYeah!, a fuzzy dude with a big mustache and one eye. Since then, Mr.HellYeah! has become iconic around Bangkok, appearing on T-shirts, posters, graffiti and skateboards. www.mamafaka.com

Mr.HellYeah! RAD / 2011

Mr.HellYeah! Good Day / 2010

Mr.HellYeah! Rider / 2009

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Let’s GO / 2010

Mr.HellYeah! Uncle Tree / 2011

Mr.HellYeah! A / 2010

Mr.HellYeah! 3 eyes / 2011

Tawan Wattuya Tawan Wattuya is a long time friend. He is well known in the fine art world for his impressionistic watercolors. His solo shows at Toot Yung Gallery, Numthong Gallery and Tang Contemporary Art in Bangkok have earned him a reputation as the lighthearted provocateur of political unrest and hedonism. With his distinct fine art pedigree, Tawan brings a different approach to the FOR group. Working on the FOR shows was the first time he worked on large scale mural projects. Tawan exhibits throughout Europe and Asia. www.facebook.com/tawanyod

Wonder Girl / 2010

Coyote Girl / 2010

Red Party / 2010

4 Season /2010

Red / 2008

Red sitting dog / 2008

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Narissara Narissara is represented by Gallerie N in Bangkok. I would always see her at openings, but we had never really talked much. Working on FOR was a great chance to get to know and work with her. Her illustrative style centers around dreams and the subconscious. Normally working on paintings and charcoal drawings, FOR was the first time Narissara worked on wall painting, adding spray paint to her artistic repertoire. Her new works combine watercolor and embroidery on textiles. Narissara‘s iconic polka dot birds and other artwork can be found for sale at her new site, the Mellon Collie Shop on Etsy. nariss.exteen.com

MIRROR (JEKYLL & HYDE) / Oil on canvas / 2011

PINKY / Oil on canvas / 2009

SECRET / Pastel on paper / 2011

SOMEONE INSIDE / Pastel on paper / 2009

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Finale / Oil and acrylic on canvas / 2011

TRK TRK is known for his gory and mildly perverted black and white illustrations. He is well known in Bangkok for his graphic design for Dubway, a local club night geared toward drum & bass and dubstep.

Fascinated with ghosts, monsters and fetish styles TRK explores the darker side through his intricate line work. I have always been impressed with TRK because of his skills in traditional art practices. TRK draws his works by hand and practices sketching everyday. He is one of our hardest working members and is always happy to help others paint.

Recently TRK has worked with Preduce Skateshop to create several successful series of skate decks, posters and t-shirts. thunpuchpen.blogspot.com

for2b / 2011

for2a / 2011

Yaak / 2011

TRK x creep / 2011

Leo-Anzevui / 2011

Mad Society Queen / 2011

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Rukkit Rukkit is a highly skilled graphic artist. He is well known for his info mapping, typography and layout design. I met Rukkit through MMFK, his friend and frequent collaborator. Working on FOR encouraged Rukkit to mix characters with his strong designs. Developing new techniques, Rukkit created his one box stencil system which is used to generate his creations. He is pushing his new work in the direction of sculpture by layering wood cuts. In 2011, Rukkit and MMFK launched the designer accessory brand and store URFace. www.rukkit.net

Free As A Bird / 2011

For 2 / 2011

A day Black sheep / 2011

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For 2 / 2011

Miss Ink Miss Ink is the youngest member of FOR. She is influenced by tattoo art, taking vintage skin art styles and infusing them with her own contemporary Thai twist. I had met her at many gallery openings but had not seen her work until a friend posted a picture of it on Facebook one day. I was very impressed and invited her to join the FOR crew. For her thesis show at Srinakharinwirot University, she covered a coffin with her trademark designs: skulls, flowers and beautiful women. Always working and learning new skills, Miss Ink is currently apprenticing at a tattoo parlor and developing a line of products and clothing for her own shop. www.facebook.com/missink9

Demon Lover#2 / 2011

Dark Mary / 2011

The Ghost Who Walks / 2011

Sweet Hell / 2011

Demon Lover / 2011

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Logan Bay Logan Bay curated a show sponsored by apexart at a clothing factory on the outskirts of Bangkok that I participated in. We had very similar ideas and concepts for art shows, both looking to escape convention and have some fun with art. His personal work is playful and colorful. With a pop art style, he explores the intersection of Western and Thai culture. His perspective on art and Thailand made him a great addition to the FOR crew as our first foreign member. Logan works to support and promote the contemporary art scene in Thailand. With the help of his wife, Sandy, they founded SUBP•A•ROHT, an oversized zine dedicated to arts in the region. www.loganbay.org

Break On Through / 2012

Flood Relief Design / T-shirt Graphic to benefit flood relief / 2011

For Happiness / 2011

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Time Out of Mind / 2011

music

THE SOUND OF BANGKOK

Bangkok’s electronic music scene is diverse and alive. We talked to four DJs/producers who helped shape the scene as it is today – despite the fact that sometimes it’s not easy to be first.

Editor. Udo Lee Photographers. Jun O Hwang, Alistar Dewar

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DRAGON Q. What kind of music do you play?

I play a broad spectrum of dubwize beats. So everything from house, techno, dubstep and drum ‘n’ bass.

Q. When did you start?

I got my first pair of decks when I was in 8th grade. So yeah, that was a very long time ago.

Q. What was your first party like?

I started organizing DnB parties in Bangkok back in 1997/98 with two other friends of mine, Mc Abu and DJ Wen. People here didn’t really like DnB at first and it took a while to get to the point it’s at right now.

Nowadays I organize and promote a monthly dubstep/bass night called ‘DUBWAY SESSIONS.’ The first one we ever had was over four years ago. When I first organized DnB nights in Bangkok no one really seemed to like dubstep that much, but its huge now.

Q. You are known for establishing drum ‘n’ bass and dubstep in Bangkok. How is the scene for this kind of music in the city?

I love Bangkok because everyone here is so friendly and the atmosphere in most clubs is always superb. When we started there weren’t too many DJs around. Nowadays there are many excellent DJs spinning all kinds of quality beats. On the production tip, Thailand has a lot of talented musicians and many of them are making quality music. It’s going to take a bit longer to get our music known in other places though.

Q. What do you mean?

Talent and production wise, producers here are very talented. The hard part is trying to sign and sell the music in other places like the UK and USA. Because there is so much competition, it’s really hard to get our foot in the door. Guys like Maft Sai are doing extremely well with selling and distributing music in Europe and Japan, but his sound is uniquely his and can only be found on his label. Other guys who are making electronic music like drum ‘n’ bass, dubstep, and techno are great producers but they face a lot of competition from more well known producers. Electronic music is like a double edged sword. Anyone can do it so therefore there’s a million would-be producers with demos out.

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For labels, trying to find the next big thing is like trying to find a needle in a haystack. What Thai and Southeast Asian producers need more of are the business connections and most of all someone at the top who is willing to appreciate and help nurture this scene.

Q. What kind of flavours within your genre are popular with Bangkok party people?

I think people like to come to Dubway because mainly its such a friendly vibe inside the venue. When we have guest DJs they usually are all from different musical backgrounds so there’s always something different going on at Dubway.

Q. Do you also produce music?

I haven’t produced anything but I’ve released music in Thailand on my Homebass Communications Label. To date we’ve released an Asian drum ‘n’ bass compilation and an EP with Japanese producer DJ Yas. We plan on releasing another compilation this year.

Q. What is your favourite club to play at?

Cafe Democ!!! People there are always up for it and the vibe is always top notch. www.dragonhb.com

MAFT SAI Q. You run ZudRangMa Records, a specialist label and record store.

What is your main focus?

We focus on original records and reissues of roots music from different parts of the world, mainly luk thung and molam from Thailand, but also Jamaican roots music, afrobeat, etc.

Q. What are luk thung and molam?

Luk thung and molam are traditional music styles from different parts of Thailand. Luk thung is basically Thailand’s folk music. It is a short form of pleng luk thung, which literally means “song of a child of the rice fields.”

Molam is traditional music from the north-eastern part of Thailand. The north of Thailand, Bangkok, and the south all have different sounds. Luk thung from the 70s especially is more upbeat, while molam is slower with hypnotic singing.

Q. So it’s all old music?

Yes, this music started from celebrations in the villages. Luk thung dates back to the beginning of the 20th century, molam is even older.

The first recordings were pressed around 1966. We can still find these records, because Thailand’s situation is different from Cambodia, Burma or Vietnam. There, the communist regimes destroyed most records as symbols of a bourgeois culture. In Thailand, fortunately this didn’t happen, so new styles could evolve. We call it ‘Thai funk’, a unique blend of traditional music and funk, disco and jazz from abroad.

Jazz & Molam in Thailand 1964 - 1975 on Soundway, and Thai? Dai! The Heavier Side of the Luk Thung Underground on Finders Keepers.

Q. How about the parties?

From 2009 on, we organised the ‘Paradise Bangkok’ parties. It was mostly to play out the music I have collected over the years. The party was originally all about promoting vintage sounds, Jamaican music, afrobeat, music from Pakistan, Mali etc.

Q. So I assume that you play vinyl only?

Yes, we play original stuff from vinyl.

Q. Is there a big community of diggers in Thailand?

It’s rather small but over time, it’s gotten better. Many of our customers are from abroad, Thai customers are often the latest. But I see all this in a bigger context. For example, did you know that Light in the Attic Records from Seattle just reissued music from the Korean producer Shin Joong Hyun?

Q. What are your future plans?

Right now, we are preparing a new compilation with selected molam songs. It will come out end of March. Also, end of February we will have our third anniversay party with ‘Paradise Bangkok!’ www.zudrangmarecords.com

Q. Where do you find all these old records?

Well, you have to get your hands dirty. I look everywhere and even make trips to the villages. But it’s not easy. Once I heard about a record collection close to the border between Thailand and Laos. When I arrived, the man told me that he just burned 30,000 records some days ago – to make space in the house! Why would anybody do that?

Q. You run a record store, a label and a party series. How did it all start?

It all started in 2007 with the label, ZudRangMa Records. We began to promote this music in Europe first with reissues and compilations. We helped with two compilations: The Sound of Siam : Leftfield Luk Thung,

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MONTONN JIRA Q. What is your style of music?

As a DJ, it shifts between minimal techno and tech-house. I like to keep it pretty smart. As a composer, I’ve been really into film music lately. I’m working on a full length based on soundscapes and textures in a pop music context.

Q. What was your first party like?

A promoter had mistaken me for someone else and asked if I’d like to sign on as a resident DJ at a new lounge in the Meatpacking District of NYC. That was in 2003, and I’d never really DJ’ed before. I had just moved to New York and figured, why not? The place was interesting, like a swimming pool. I was playing all sorts of music and trying to figure out the software I was running at the same time. It was probably a real mess, although I don’t really remember.

Q. When we met, you just heard that you’d won an award. What was that about?

I produced an album for a local rock band called Slot Machine. The album is quite different from other albums being released and we’ve been raking up lots of awards for it. That night, we had just won Album of the Year and Band of the Year awards from a local news publication awards show. It’s been pretty great and highly motivating as we never really expected it. We really worked hard at crafting something we were extremely proud of, even though we knew our music might not fit in any particular category.

Q. What is more important for you, DJing or producing?

Production is probably more important for me, as I started playing and making music much earlier than DJing. I also work a lot in non-dance styles and I’m able to explore different genres in my productions, whereas with DJing I feel like I know what works in a club setting and I tend to stick to that. Obviously, the two go hand in hand for me and in the last 2 years I’ve been getting more recognition as a DJ locally and regionally. I really think producers of dance music should get out and perform their music, and DJs need to learn to produce music to take their careers to the next level.

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Q. You seem to do a lot of collaborations also outside the music field. Tell me more about that.

I’ve been working in the ‘entertainment’ industry here in Thailand since I was nine, and I’ve kind of dipped my hands in every field, from TV soaps, game shows, hosting shows, short films, feature films, to musical direction for brands, brand presenter, event curator, you name it. I think it’s worked out quite well as it keeps it diversified and interesting. My main focus has been music for the last ten years and it will probably remain that way, but I do engage in other projects regularly as well.

Q. You played in Seoul before. Do you see a difference between the crowds in Seoul and Bangkok?

I did play in Seoul thanks to the ECI Crew, specifically Unjin Yeo and Mang Esilo. The crowd in Seoul were much more engaged with the music. I think it’s because there is a bigger scene for this type of music out there, and the audience is much more appreciative of the DJs. It’s not so much the case in Bangkok, especially for the music style I’m pushing, as I feel like sometimes there are only a handful of DJs doing what I do here. The scene is definitely smaller, but we’re working on changing that.

Q. When will you play again in Korea?

I hope to get back out there this year sometime. Hopefully after I get done with my album. www.montonn.com

Mix Architekt Q. What is your style of music?

To be healthy and balanced, one has to eat a variety of foods and adjust relative to their environment; only consuming the same thing makes you malnourished and sick. I aspire to perform and listen to a wide variety of music from the aesthetic buffet of sound. If there is one thread that connects all that I do, it can always be found in Dub. Listening to the space between the notes, changing the atmosphere with deep delays, shifting the tide with reverb. Dub is the life force that inspires us to move from our comfort zone into the unknown.

Q. When did you start?

My birth was in the mid 70s surrounded by my parent’s music; from there I found my own interests through radio waves, concerts, and the unexpected. Experiencing a reggae sound system in the elementary school lunch yard was the first time I found the bass on a visceral level.

We chased the bass line, from standing in front of the stage to being on it and playing, listening at home, then in the studio making it.

Q. What was your first party like?

The first rave that I DJ’ed was in a warehouse at an industrial complex.

It was an underground party by one of the local record shops, and they filled the place up with a solid wall of speakers and a single film loop projection was the only lighting. I played heavy techno records some of which have become permanent fixtures in my sets to this day. This is my idealized environment for events - minimal to no lighting, a massive, high fidelity bass weight sound system worship at the altar of sound.

Q. Does your work as Minister of Technology for Allen & Heath Asia influence your approach to DJing and music production?

I would say my approach to DJing and music production influences Allen & Heath (rather than the opposite), but it’s a very dynamic and reciprocal relationship. Is the outcome of our art a byproduct of our tools or an expression of self irregardless of the medium? Both elements are interrelated, so we push and pull each other towards greatness, with a lot of passionate arguments that aspire to offer the artist effective tools for communicating their vision.

Q. How would you describe the Bangkok party scene in comparison to other cities?

The situation in Bangkok is very complicated, and it’s a reflection of the rifts in society as a whole. The environment is unique and nourished with a deep heritage of its own it has amazing potential. Unfortunately sometimes people work against one another, and many are blindly following trends that are outside of themselves. It’s a battle where people find acceptance by drinking the poison of Western commercialism, or struggle with rejection from raw, authentic expression that pisses in the face of society. There is a need to find a bridge to welcome the uninitiated into the temple of sound, but it has to have a balance that doesn’t alienate people that would like to simply have a good time.

Q. What was the concept behind The Multiverse, your new album?

On a personal level, The Multiverse album project was a challenge to myself to stop giving a f*** about anything, and just get on with letting the music flow. The flood gates are breaking down track after track, and by the time you’re midway in, the dam has broken, pulling you deeper into the Dub. Once you cross the portal we’re firmly in a new universe, making peace with the astral plane. Break down your walls, get your crazy out, ride your flow, and find some balance.

Q. Where can people get your music?

Through the usual channels - Beatport, Juno, etc. The ECI Korea label takes great care of me and I’m very excited about my new release, Mutations, which will be out in early March on ECI. www.mixarchitekt.com

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design

Practical Design Studio Practical Design Studio says “Design is relation.” ELOQUENCE will introduce Practical, a Thailand design studio who makes society and culture a pleasant relationship by design.

Editor. Anna Choi Images courtesy. Practical Design Studio

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Q. When and why did you found this design studio? If you have a particular story of the founding, please tell us.

Well, Practical Design Studio was established in 2004 by a group of graphic designers based in Bangkok with experience in professional and educational communication design. We firstly addressed the question, “How can we create our design organization?” Then, we made an effort to find the solution to what kind of design studio, or which methods of work, would make us happiest. Those different ideas fused into some models we finally adjusted to use for Practical Design Studio.

these push us to arrange vocational activities as well as personal exhibitions, and they may be the reasons that we have been increasingly accepted.

Q. How was Practical able to grow into a big design studio?

We wouldn’t consider ourselves a big one. We continue to challenge ourselves in addition to finding pleasure in what we do. In addition to customer services, we engage in non-profit work with several projects and organizations. We don’t think graphic design responds only to commercial business. Yet, we can’t deny that commercial business is a driving force for graphic design to continue. In my own opinion, graphic design is also able to react to social, cultural and personal demands. It’s absolutely true that Practical Design Studio runs commercially; it’s our profession and means of living. But if we can use our practical skills and efficiency to create success for the brands and organizations we work for, why we don’t we use those same sets of skills to respond to our own thoughts, something else from within ourselves. As you can see,

Q. What kinds of design work does Practical Design Studio usually do?

Actually, we do many things that we can use for communication. We have worked with many well-known organizations and companies including Bangkok Art and Culture Centre, Office of Contempory Art and Culture, Ministry of Culture, Democrat Party, Antalis (Thailand) Co., Ltd., ‘Show me Thai’ Art Exhibition, ‘Portrait of The King’ Art Exhibition, ‘King in Heart Project,’ Somboon Seafood, Designiti, Knowledge Network Institute of Thailand, etc. In addition to performing the basic functions of a design studio, Practical initiates and organizes design activities on a regular basis, under the collaboration with the Thai Association of Graphic Designer (ThaiGa). Practical’s designers also give lectures and presentations to many universities and organizations.

Q. Do you have any philosophical concept for Practical’s design?

“Design is relation” seems to be the philosophy of our relationship with design. And the aim is to employ constructive ideas and design skills in response to the society and the culture in order to show that the graphic design is valuable in terms of aesthetics and practicability.

In 2009, Practical organized the graphic design project ‘I am a Thai Graphic Designer’ which was initiated by Santi Lawrachawee. In 2010, Practical contributed work to ‘Paper Matter,’ a design exhibition at Bangkok Art and Culture Centre, and to the ‘heART to Heart’ exhibition under the theme ‘HOPE’ which was on construction hoarding in front of Centralworld Building, Rajprasong Junction. They also organized the graphic design forum, ‘Somewhere Thai,’ which included 50 speakers who were asked to represent ‘Thainess’ in their design work.

order to let people know the amount of us out there. And, if we did this at the same time, society might, at least, notice us. Moreover, it would let others know how we could move forward. The project would like to inform about how many of us there are- not only to the government, but also to ourselves. If the city or the government would like to do something, we are ready to take part. From a small activity group on Facebook, it became an exhibition featuring 1,146 pieces of designed work, with workshops and seminars held over the course of nine days.

Q. Please explain to us about I am a Thai Graphic Designer, which Practical organized.

Initially, it was a little project in our studio. The starting point was the graphic design attached to public relations, especially marketing. For example, we can see billboards in Bangkok that tell us something about the city. They all are the work of graphic designers. When thinking about the image of Bangkok as it is advertised, is anyone thinking of us? If graphic designers’ work is in visual communication, those resources should be a part of the city’s establishment as well as its policy, but why must they be responsible for selling that policy? According to the billboards, Bangkok is a perfect city or a safe city. Yet, there have never been any questions as to whether graphic design can aid in Bangkok’s safety. But the city wants us to tell people that it is safe. So, we feel that we can’t completely play our roles, and it makes us feel unimportant.

As a result, we imagined ourselves holding signs telling who we are in

Q. What do you think about the Thailand design industry?

I really believe that everything will be better. It will take its own steps in time. The more Thai people live with designed works, the more they understand them well. So, it’s about what’s to be expected rather than this moment because I trust in its advancement and success. I think Thai graphic designers have great potential. I’m not trying to emptily praise them; it’s the truth.

I am a Thai Graphic Designer / poster / 2009

‘Portrait of The King’ Exhibition / poster / 2009

Q. What’s the next plan or project of Practical?

We are now preparing our design exhibition which will be held at the end of this year. We hope there will be an organization which is interested in our work and invites us to represent our exhibition in Seoul. www.practical-studio.com www.facebook.com/OfficialPractical

‘Paper Matter’ Exhibition / paper installation / 2010

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Design is relation / limited edition book / 2011

Huang Kam Nuang / pocketbook / 2011

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‘Talk About Love’ Exhibition / poster / 2007

Brainstore by Antalis / leaflet / 2011

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project

DESIGN FOR DISASTERS

In 2010, a group of designers, architects and academics got together to found a creative research and information sharing platform, Design for Disasters.

Founder Vipavee Kunavitchayanont explains how environmentalism, community activism and design can make an impact, why she invites people to panic and why it is too late when disaster strikes.

Editor. Udo Lee Image courtesy. Design for Disasters

Q. What kind of disasters do you have in mind?

When we talk about disasters, in general we think about all kinds, man-made and natural disasters. In the case of Bangkok, we focus on the possibility of a mega-flood. When that happens people need to be prepared, not only when the disaster strikes, but way ahead.

Q. How do you activate alertness?

We assessed the situation, researched which parts of urban life will be affected and which fields of design need to be activated to come up with solutions. Then we organized different projects for finding solutions.

Q. How is all that connected to design?

First of all, our core members are mostly designers and architects. One of them is e.g. Chutayaves Sinthuphan of the research company SiteSpecific. Based on a research on architecture in Siam, he developed the concept of ‘Amphibious Houses’ built on floatation platforms, with built-in power generators and rain collecting systems.

But for us it is also important that normal people can benefit from our work. In general we use design to come up with ideas and concepts.

This is why we put so much focus on everyday objects. In case a flood attacks the city, it is important that anybody in the city can protect themselves, not only the wealthy.

Q. What kind of projects?

One of them was a joint project between art and architecture departments of four universities. 449 undergrad students were asked to come up with a sketch in 15 minutes, proposing possible solutions for a flood scenario which leaves the city with no food, no water, no electricity, no shelter, no transportation and no communication systems. It was a really effective way to get a lot of ideas in a very short time.

We also went out to Chainat, a province that was hit very hard in November 2010. We did an experiment to create lifesavers from objects

Q. After you collect all these ideas, what do you do with them?

It depends. Last year we organized an exhibtion at Bangkok Art & Culture Centre, with the title Let’s panic. Ironically preparations for the show began in June 2011, so when the flood hit Bangkok in October 2011, it was more actual than one could wish. We also worked on a calender for kids, in collaboration with the Royal Thai Government and the World Health Organization. Each month covers instructions what to do in certain disaster scenarios. Each month’s scenario is matched to probable disasters of that month. Also last year, we invited the public to

Q. How do you want to achieve that?

We try to make people aware so that they develop a state of alertness.

Awareness begins with understanding the origins of floods like global environmental issues but also should reach into everyday situations.

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that can be found in every home: plastic bottles, fishing nets, ropes, plastic bottles, woks, flippers, basins, plastic chairs. The villagers came up with great solutions independently.

come up with ideas. We announced a public design competition, Survive!. All participants joined a lecture we prepared, and the winners will be exhibited at the Bangkok Design Festival 2012.

Q. How were the submissions for the competition?

People came up with really good ideas. It was remarkable that not only designers but also e.g. teachers sent in their ideas. The task was to limited to fixed household objects we chose. We wanted the submissions as practical and helpful as possible. The participants came up with a lot of smart ideas. The main criteria for selecting the winners was not how nice it looked, but how original the ideas and the concept were.

Q. How did the people of Bangkok deal with the flood last year?

Well you know, the people here can adapt to new situations very quickly.

When you search the internet, you can find the most funny photos, of people having a barbeque in the water or the wildest constructions to stay on top of the water. It’s so imaginative! But seriously, the flood affected millions of people, and that is what we want to deal with. www.designfordisasters.org

1st Prize

2nd Prize

3rd Prize

Honorable Mention

Honorable Mention

Honorable Mention

Honorable Mention

Honorable Mention

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art

TARIN YUANGTRAKUL

Young artist Tarin Yuangtrakul works actively in various areas, such as graphic design and illustration. We talked to him about his work and his life.

Editor. GiSeok Cho Photographer. Jun O Hwang

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Beaten Heart / 2011

Enemies Still Stay / 2011

Q. Could you introduce yourself?

I’m Tarin Yuangtrakul, I’m 19 years old and a young artist and designer from Bangkok, Thailand. I am also an artist of SlashTHREE -- an international art collective. I’m currently studying Graphic Design at Chulalongkorn University, Thailand. Fortunately, I come from a creative family. I am very proud to say that my mom is an interior designer and my dad and my brother are architects. My first exposure to art and design was when I was a little boy. I saw my mom, my dad, and my older brother drawing pictures. At that moment, I thought they were so great. I think I can credit that moment and their influence as the beginning of my obsession with art.

Q. I know you are a university student. What do you plan to do after you graduate?

Actually, I don’t have any plans yet. All I can say is that I want to be a good designer and artist. I want to influence the design scene in my country and I am certain that I can add something to the world of design.

Q. You are only 19 years old, and I know you are working in many diversified areas like typography, illustrating and even music. What got you started working on these projects so early in your life?

The main reason is that I am very interested in many different art and design fields. I see everything as pieces of art. I think my family have contributed so much to this as well. I have been surrounded with art and design since I was born. I usually draw pictures and play the guitar when I have some free time. Each field also has its own set of characteristics, and different details to learn about. I am a very curious person and I love to work out how things are created.

Q. Your works embrace the grotesque. Are you a dark and deep person? What is the motive behind your works?

I would say that I am a dark and deep person. I love to look for depth in the things that have happened in my life. My inspiration always comes from the places I go and the things I face in my life. Sometimes, I want to be quiet and think out the stories in my head.

Q. I think you are good at appealing to different types of people.

What do you think makes your work appealing?

As far as I can see, most of people want to see something beautiful.

My work may have that in the conventional sense, but there is a certain darkness to my work. I still want to make it beautiful and tangible, but I try to stop myself from forgetting that I am making work for an audience.

Q. Could you tell us a little about your style?

As you said, I am a fairly dark and deep person. I think my style represents that. I want to make my work a bit dark and hard to understand. You have to look below the surface to see what I’m really trying to say. Mostly, I mix traditional art and digital art together to create something attractive. People’s daily lives often inspire me in both a positive and negative way, but the negative is more obvious on the surface. But quite a lot of the time it’s open to interpretation.

Q. Do you encounter any difficulties when working?

I don’t feel that I have good sense of color. I try so hard to use different colors in my art. The most difficult problem is my mood at the time. If I feel happy, I can work well and work a lot. But if I feel depressed, I can’t work well. I have to sit and wait it out.

Q. What stimulates your creativity?

I will recommend this to all people in creative fields: take note of the little things that most people overlook to get new ideas. I usually find that listening to music helps. As there are so many different kinds of music genres and sub-genres, you are never at a loss for something to pull ideas from.

Q. What has been inspiring you recently?

Branding and Corporate Identity. It is quite a contrast from usual work, but I think it’s very interesting to learn about. I want to know how a brand communicates to people with its design. This idea is something that I am studying at university in this semester. It will hopefully give me a chance to learn some new things and branch out my knowledge of the power of design.

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Listen To My Eyes / 2011

TIGER / 2011

Pseudo Reality / 2011

Q. What are you working on these days?

At the moment, I’m trying to finish all of my university assignments. I also have a few commissioned projects I’m working on too. But when I want to relax, I just draw pictures and sometimes these can find their way into my personal portfolio.

Time Goes By / 2011

Q. What is your goal as an artist?

I want to be a great artist who can express my thoughts to the world, and tell the world that a 19-year-old person can do these kind of things.

I want my development to never end. I have to make my work better and better. I hope that more people will accept my work style and my ideas. If I could help other people by using my art, I would. I believe that good art helps in creating a better world. cargocollective.com/tabname

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collection

4 Graphic Designers and 4 Illustrators

Introducing four graphic designers and four illustrators from Thailand who have made names for themselves through their unique and innovative styles.

Editor. GiSeok Cho

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Know / font specimen / 2010

KalaTexa / font specimen / 2010

Faith / art project about faith to the great flood in Thailand / 2010

Kurry / font / 2012 John Fiorelli and Tom Bueschemann

A Chronicle of Hope from Womb to Tomb / Poster / 2011

Kondolar / font / 2010

Ekaluck Peanpanawate

36 / Male / Graphic & type designer and educator / Thon Buri District, Bangkok I like playing with type and I’m especially interested in how type is used. The fonts I’ve created make my work stand out from others. My work seeks to engage the public and use type itself as a form of communication. I want my work to speak to people directly. www.ekaluck.com

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HELLO / print / 2012

Typography in water / digital media and print / 2010

YWFT Wonderland / 2011

Typography in water / digital media and print / 2010

Thai Fight Flood / post card / 2011

Thai Fight Flood / postcard / 2011

Typography in ice / 2010

YWFT Nim / typeface design and animation / 2012

Jackkrit Anantakul

33 / Male / Graphic & type designer and professor / Rama 2, Bangkok I like working on type because it is attractive. It gives me the freedom to think about the structure of the glyphs and the different ways we use type in words and forms of mass communication. My working style mainly deals with drawing, but not exclusively—I am constantly trying to improve my work. Even though my design work may be experimental, people usually recognize that it’s mine. When I see images that populate our everyday lives and use gimmicks to appeal to the general public, I design it from my own point of view. www.designreformcouncil.com

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Reincarnate / poster design / 2010

Below / Artwork in concept “Below� for Super8 magazine / 2009

CitID / identity design / 2010

1+1=1 / poster / 2011

The Battleship Potemkin / poster / 2010

Taechit Jiropaskosol

30 / Male / Graphic, type, motion & web designer / Ladprao District, Bangkok Most of my works are based in experimentation with grids, patterns and symmetric proportion. I like to assemble structures and then break or distort them to see the ways they transform. I am constantly experimenting in various fields, including both those in which I am skilled as well as others I have never tried. Sometimes I get good results and sometimes not; no matter the outcome, new experiences always refresh my thought. www.taechitjiropaskosol.com

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All Around Khonkaen / typographic installation, Khonkaen Province / 2009

Detail, All Around Khonkaen

Typo Tree / Recycle Christmas Tree / Siam Discovery / 2010

Things To Make and Do / book design / 2011

Scissors / brand Identity / 2011

Yeah / Recycle Installation / Siam Center / 2011

Tap Kruavanichkit

33 / Male / Graphic & type designer and installation artist / Thong Lo, Bangkok “All Around Khonkaen” was a typographic installation I did with my studio (Farmgroup) in Khonkaen Province (northeast Thailand). Our client was opening up a new department store there called Central Plaza Khonkaen. We decided to create a new sign for Khonkaen Province, which is the first thing you see when you enter the province. The sign takes the form of a typographic sculpture that displays the name “Khonkaen” in three dimensions and is legible from more than 180 degrees. On its surface, the names of all 198 tumbon (districts) of Khonkaen are engraved. www.farmgroup.co.th

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King / mixed media / 2010.

Street Tailor / mixed media / 2012

Voyager / mixed media / 2010.

I Need Some Fresh Air / mixed media / 2010

Prin Tanapaisankit

28 / Male / Graphic & web designer and illustrator / Bangkok Yai District, Bangkok It’s pretty hard to stick with a certain style here, since clients expect us to draw whatever they request. My illustration tends to lean towards realism; that said, I’m always open to exploring new directions to improve my style. I usually start my work with hand drawing and watercolor painting and then finish it in Photoshop.

I usually employ a neutral color scheme and I love to keep my work clean and simple. www.prin-t.com

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Bleeding Trees / mixed media / 2011

Bleeding Trees / mixed media / 2011

Mask / mixed media / 2011

Stolen / mixed media / 2011

Oat Montien

23 / Male / Illustrator and educator / Don Mueang District, Bangkok I enjoy applying a handmade finish to digital works. To me, the intersection of lavish computer-generated art and traditional handmade craft techniques is very interesting and allows for lots of possibilities. Most of my recent pieces are executed by painting on giclÊe prints. Currently I’m working on an illustration-inspired interior for a new museum in Thailand. www.oatmontien.com

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Who are you / T-shirt print / 2010

The Death / magazine print / 2008

EVA / wall print / 2010

True nature / print / 2011

Ratta Ananphada

26 / Female / Illustrator / Nonthaburi Province, Thailand My work is feminine. I focus primarily on the emotions that can be seen in women’s faces. I love to draw eyes in all expressions and I put a lot of detail into my work. I like to use a variety of colors; my favorite tone is Pastel. Presently, I am doing illustration work for a number of projects: magazines and books, fabric and cloth patterns, a CD cover, and product packaging design. www.behance.net/ISEDieeis

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Some people / acrylic on canvas / 2010

Vintage nude / acrylic on canvas / 2010

Native American / acrylic on canvas / 2010

Fighting for food copy / acrylic on canvas / 2010

Soldier of king / acrylic on canvas / 2010

80’s / acrylic on canvas / 2010

Akira / acrylic on canvas / 2010

Bitch / acrylic on canvas / 2010

The Mother / acrylic on canvas / 2010

Yoswadi Krutklom

28 / Female / Illustrator and designer / Pathum Thani Province, Thailand I like to watch movies, especially horror movies, and look at old photographs. I like to observe people on the street, paying special attention to the similarities and differences I see in their hair styles, clothing and body type. During last year’s floods in Thailand, I watched a lot of news on television. Currently, I’m making drawings of women arguing, fighting and helping each other in various costumes and situations. yoswadikrutklom.blogspot.com

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YOM’S VISUA L/LAB YOM X DRYCLEANONLY

In commemoration of the ‘Bangkok Special Edition,” ELOQUENCE art director YOM created a limited-edition T-shirt design incorporating the colors of the Thai flag into a parody of the Rolling Stones logo. Korean street fashion brand Allopop manufactured the T-shirt, which we brought to Bangkok’s fascinating reform fashion brand Drycleanonly to have expertly reformed.

T-shirt designed by YOM Manufactured by ALLOPOP Reformed by Drycleanonly Creative assistant. GiSeok Cho photographer. Jun O Hwang

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Model. GiSeok Cho

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Model. Annie Thongprapan

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Model. YOM

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Model. Patcharapoj Sungda

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Model. Patcharapoj Sungda

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Director of Drycleanonly

Patipat Chaipukdee Q. How would you introduce your brand to our readers?

Drycleanonly creates handmade clothing by taking industrial products and other mass-produced materials and transforming them into fashion items.

Superior craftsmanship is at the heart of our products, which are geared toward the contemporary femme fatale who is confident and fearless in what she wears.

Q. What led you to choose such an unexpected name for the brand?

Since most of our production line consists of handcrafted items. We named the brand Drycleanonly to remind customers that our products require special care and appreciation.

Q. How did Drycleanonly begin? What was it like, trying to get a brand like this off the ground and into the market?

I started Drycleanonly in 2008 with the goal of creating clothing using techniques and materials that were unique but not fully appreciated. I wanted to make clothes the way people used to - by stocking fabrics, making patterns, etc. Even from the beginning, my ideas seemed to be well received and find resonance within the Thai fashion industry; within its first year, Drycleanonly was included in the Thailand Young Designer Room at the 2008 Bangkok International Fashion Fair.

Q. What sorts of problems have you come up against since first launching the brand?

We’ve always found it very difficult to source vintage T-shirts and then organize them into one collection.

Q. In your opinion, what are the differences between reforming clothes and building them from scratch?

Working with such an interesting range of materials generates a lot of excitement for me; the process is totally unpredictable and full of surprises.

Q. What sorts of things can we expect to see from Drycleanonly in 2012?

We have started branching out in Japan and plan to continue building our presence there. We are also looking forward to completing our official website later in the year. drycleanonlybkk.wordpress.com

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BANGKOK

change, balance, and development of Buddism ELOQUENCE’s Japan editor Yuta Sugihara illustrates the Bangkok landscape with his own distinctive lines.

Editor. Anna Choi Illustrator. Yuta Sugihara

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Until now, I’ve drawn with the motifs of the wind and the world of fiction envisioned in myself.

This time, too, the motif of the wind found its way into my drawings of the Thai city.

The presence of the wind as it runs through the drawing gives flow to our sight.

Then, it might be a trigger for our ‘eye’ to assimilate the ‘eye of the Wind.’

This is the reason why I visualize the wind in these landscape drawings.

And it’s also the point of contact between the ‘wind drawings’ I’ve created before and these ‘city drawings.’

Bangkok is held up as Southeast Asia’s premier global city.

It has multiple faces: developed metropolis, city of immigrants, tourist destination, and pride of Buddhism.

The people and the city seem to grow together while keeping a balance between the changing views of life that result from economic growth and the original views of the world through religion.

It is chaos. But it also holds its balance and is not broken.

This time for the drawing, I chose the view below; The great traffic jam, The house built in along a small canal The building trimmed with Western ornamentation, A collage of motifs representing Bangkok, And at last, as a symbol of Thailand, the Garuda.

To me, these views convey a sense of economic growth as well as the legacy of history and conservative religion. I drew the motifs of the city repeatedly while imagining the world of Theravada Buddhism.

In the future, the balance might be upset by the changes in the country’s situation.

At that time, how will it change these views?

I think that I’ll return to draw this city again, after the future has already become history. www.sugihara-yuta.com

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photography

OHM PHANPHIROJ

Ohm is an award-winning international photographer. Originally from Bangkok and subsequently raised and educated in the US, he has found success in the spheres of art and business alike. His art is centered on representations of Bangkok’s reality. I asked Ohm a few questions about his art and other activities.

Editor. Snil Yom Image Courtesy. Ohm Phanphiroj

Q. You have two homepages that bear your name. What’s the reasoning behind this?

Ohmphotography.com is the website for everything visual that I’ve done.

Ohmmanagement.com is a model management site that I also run.

Q. Having been brought up and attended university in the US, you must have quite an interesting outlook on the world. How has your career been influences by your international experience?

My career started in 1997 when I won the national photography contest while still a film student at Georgia State University. I started exhibiting with a gallery and shortly thereafter, agencies began approaching me for representation. After signing with Marge+Casey in New York I began producing commercial works in addition to exhibiting fine art, which eventually led me to book publishing.

Q. Despite having studied and worked in film in the beginning of your career, you are now primarily a photographer. What was the reason for changing fields?

Film and photography belong to the same family and share the same fundamentals. Film production, however, involves a lot more people, which slows everything down and really takes its toll on my artistic flow.

I am impatient. When I want to work, I want to work right away, at that very moment. With photography, I can be totally independent, making my artistic process less hectic and more creative. Even though I’ve changed directions in my work, I still continue doing film when time permits.

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Q. Please introduce some of your recent work.

Identity Crisis: Transsexuals is a documentary project about Thai transsexuals. The project won the Sony World Photography Award in 2009. In 2010, I did a documentary project on underage male prostitutes called Underage, which has attracted international attention been shortlisted for and received awards, as well as being short listed in many competitions.

Q. Do you adopt a different attitude toward the commercial work you do, as opposed to your own art? Does one inform the other?

My art is based solely on what I like and what direction I want to take, whereas commercial work is dependent on the client and their direction. I am more compromising when shooting for clients, so my attitude is more adjustable and less one-sided than it is toward my own work. The two do not affect each other. I enjoy doing both.

Q. What sort of commissions make up the bulk of your commercial work?

I do photography for magazines and small venues in Thailand and in the US, shooting everything from the R&B singer Ciara to the Solis campaign.

Q. Your photos are very sexual. What’s your outlook on nudity and sexuality, and how do you use your images to express this?

I focus on capturing raw feeling and honest atmosphere in my work. I hate manipulation and I does a disservice to the whole purpose of

photography. Photography should be pure and reflect the way we see the world. It should showcase creativity in its finest form and be achieved through the camera, not Photoshop. I want to make images that are sincere, raw, pure, powerful and universally understandable. I shoot with intent of understanding the psychological aspect of my subjects; their feelings, emotions and body language. I want my photos to be sensual, sexual, seductive, gritty and grainy so that when you look at them, they imbed themselves in your mind.

Q. Much of your photography centers on the male form. Is this the result of aesthetic considerations, or does it have more to do with the theoretical underpinnings of your work?

It’s my belief that men are more willing [than women] to explore their boundaries and show off, especially when they think they have a good body. In fashion photography, where objectification and desire play a big role in the creation of images, women tend to be the primary subjects of our gaze. I want to put a spin on this situation and make men attractive as well. I want to make them feel that they too can be seen as commodities with the ability to whet viewers’ sexual appetites.

Q. In your series Identity Crisis: Transsexuals, what inspired the choice to show multiple photos of each person? Is there a deeper meaning you’re trying to encourage through this format?

Each image is triptych, composed of three photos of the same person side by side. The first photo is taken before they put on makeup. The second photo is the same, only with their eyes closed, and the final photo is taken after they have put on makeup. I want to use these three photos in sequence to imply the subjects’ changing states of mind. The photo without makeup shows their true face and naked body, while the photo with their eyes closed suggests their denial of the reality of being a man.

The final photo with makeup and open eyes suggests a feeling of being complete. Looking at the three shots in order, you notice drastic changes both physically and psychologically. In the last photo, even without being told what to do, many of the models showed slight smiles, hinting at the contentment and acceptance of who they think they are.

Q. How did you cast the models for this series? Weren’t they hesitant to show their faces?

I photographed anyone who was available and willing to pose for me.

Yes, a lot of them were apprehensive at first and did not want to show their faces, so I offered them monetary gain as an incentive for posing.

Q. Thailand is famous for its transsexual population and the surrounding culture. What, if anything, do you attribute this to?

It’s hard to pinpoint one exact reason why gay/lady boys in Thailand want to become transsexuals and look like real women. I think fashion trends are a big part of it, and the assumption that men will like them better if they look somewhat like women. In Thailand, there is no stigma or retaliation against transsexuals, which allows people to feel more secure coming out and pushing the limits. In addition, gay and transsexual celebrities are famous in the Thai fashion industry, so some people think it could give them a golden ticket to become “someone.” In the end, though, there is more myth than truth to reasons like these and I think a lot of people don’t fully understand why they want to become women.

Most of them still suffer from failed relationships even after becoming transsexuals and men are still not quite attracted to them, but they go after the money and a cheap thrill.

Q. I feel like I get a real sense of the realities of Thailand when looking at your work. What are your thoughts on how the country represents itself to the rest of the world versus the way it is perceived by its own people?

I think there’s a double-standard. The country and the people are full of contradiction. On the surface, everything sees nice and friendly, but there is ugliness underneath. The picture-perfect ideas perceived by outsiders do not reflect the realities of Thailand. The country is full of corruption, dishonesty, bad situations and underprivileged people. I really think the ways Thailand and its culture are represented abroad are quite a sham.

Of course, there are good things in Thailand, just like any other country, but I’m mainly interested in documenting its sad truths. So I search out the subjects and issues that are disturbing and let their stories speak through my images.

Q. What are you planning for the future?

I have many plans. I want to open a modeling agency, direct a commercial film and also publish books. www.ohmphotography.com

Untitled / collage / 2011

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Sam Whitman / 2008

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Steve / 2008

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IDENTITY CRISIS: TRANSSEXUAL SERIES # 3 Name: Krittipich Panawiwatthan D.O.B.: August 21, 1987 Height: 168cm. Weight: 50kg.

Occupation: Student Transformation age: 15

IDENTITY CRISIS: TRANSSEXUAL SERIES #5 Name: Krittipich Panawiwatthanakarn D.O.B.: August 21, 1987 Height: 168cm. Weight: 50kg.

Occupation: Student Transformation age: 15

IDENTITY CRISIS: TRANSSEXUAL SERIES # 7 Name: Jakarin Thonglarb D.O.B.: May 4, 1985 Height: 174cm. Weight: 53kg.

Occupation: Performer Transformation age: 17

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IDENTITY CRISIS: TRANSSEXUAL SERIES # 14 Name: Jaturong Somsukwang D.O.B.: March 11, 1975 Height: 178cm. Weight: 128kg.

Occupation: Make-up artist Transformation age: 17

IDENTITY CRISIS: TRANSSEXUAL SERIES # 20 Name: Purnten Jandsund D.O.B.: November 8, 1992 Height: 165cm. Weight: 53kg.

Occupation: Student Transformation age: 15

IDENTITY CRISIS: TRANSSEXUAL SERIES # 22 Name: Attapon Boonchai D.O.B.: May 12, 1989 Height: 175cm. Weight: 65kg.

Occupation: Student Transformation age: 15

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The street of broken dreams: underage prostitution # 4 Name: Warin Mangsin / Nickname: Bas / Age: 14 / D.O.B.: November 12, 1995 / Sexual Orientation: Straight Hometown: Bangkok / Siblings: 3 / Parents: Unemployed Length of prostitution: one week / Clients: 8 / Reason for prostitution: Money Dream: B-Boy dancer Date photographed: June 30, 2010

The street of broken dreams: underage prostitution # 14 Name: Jaturawit ah-Konghan / Nickname: Game / Age: 14 / D.O.B.: December 8, 1996 / Sexual Orientation: Straight Hometown: Bangkok / Siblings: 4 / Parents: Sell street food Length of prostitution: 4 years / Clients: 100+ / Reason for prostitution: Money Dream: Military Date photographed: June 3, 2010

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The street of broken dreams: underage prostitution # 30 Name: Anapat Khanoey-ing / Nickname: Oat / Age: 16 / D.O.B.: February 18, 1994 / Sexual Orientation: Straight Hometown: Bangkok / Siblings: 3 / Parents: Divorced. Live with a mother who is butcher Length of prostitution: 4 days / Clients: 3 / Reason for prostitution: A friend conviced him to try Dream: Air force Date photographed: September 12, 2010

The street of broken dreams: underage prostitution # 34 Name: Tassanai Pongsri / Nickname: Pai / Age: 14 / D.O.B.: June 30, 1996 / Sexual Orientation: Bi-sexual Hometown: Bangkok / Siblings: 2 / Parents: Unemployed Length of prostitution: one year / Clients: 30 / Reason for prostitution: Money Dream: No dream Date photographed: September 17, 2010

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studio visit

Christian Develter

ELOQUENCE visited WARP54 studio in Bangkok city and met Christian Develter, a painter who is very famous for his big and beautiful portrait paintings.

Editor. Anna Choi Image Courtesy. Christian Develter

ⓒPanuwat

About him and his work Q. You were born in Belgium and have lived in Asia since the age of nineteen. Please tell us about the places you’ve lived in your life.

I was born in Flanders, Belgium, in the coastal town of Blankenberge.

I studied at the Art Academy in Gent (Ghent) and Fashion at the Royal Academy of Antwerpen (Antwerp). I moved to Asia in 1996 and have lived in Bangkok ever since.

Q. I’d guess that the experiences of living in different places could affect you in various ways. What did it do?

Each new place that I move to has a positive effect. It provides me with new ways of looking at things and many new places to discover. I’m partly shaped by my surroundings, and that’s reflected in my work.

Q. Do you carry any philosophy in your paintings?

The main impact of my portraits is the way a person looks at you. I always start with the eyes. I tend to use strong colors, and I simplify details in clothing and jewelry so that the focus is on the person(s).

Q. You have drawn lots of women. What does a woman mean to you?

The majority of my paintings are Asian-inspired, and many of them are female indeed, although my latest works have included more massive, strong, male portraits. However, I have, for a long time, been fascinated with the sensuality and mystique of Asian women. Being European, I translate this inspiration differently as a combination of my imagination and reality.

Q. What are you planning for the upcoming year?

This year I gave myself the freedom to continue to experiment and look for new ways of evolving in my work. It is a never-ending process.

I’m planning a joint event with some other artists in my studio and an exhibition of my latest work in Munchen, Germany, in September. My latest work is Asian urban faces with tattoos painted on them. These originated from the Chin tribes in Burma (Myanmar) which requires travelling in that remote region. I also want to spend more time in Hong Kong and East Asia, so I’ll be rather busy this year. www.christiandevelter.com

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About the studio Q. When did you start this studio?

I started the studio with my partner, Peter Smits, in November 2011.

Q. Please tell us the story of this building.

It is an old warehouse, close to the Chao Praya River, just behind the Portuguese embassy residence. The Japanese built it during the occupation in World War II, and it has hardly been changed since, maintaining the fantastic old teak wood floors and huge ceilings which are very suitable to present my XLL paintings.

It’s a small wonder that this building, on this location, hasn’t been demolished. Apparently, nobody here came up with the idea to transfer it into an art studio, so we ended up having a unique space at a prime location near the river a few footsteps away from Chinatown. The owners understand the need for preservation and are art collectors themselves.

Their office is opposite our warehouse in a remarkable art deco building where the patriarch of the family also keeps his art collection.

Q. What is attraction of this studio and place?

I love the overall feel of it and also the dimensions. When one enters the space, he or she can actually feel the history. I like to make large paintings, and I needed a big space in which to create them. The studio is located on a historical location, on the back of the oldest Embassy in town, the Portuguese. The Soi is also named ‘Soi Captain Bush,’ named after an early Bangkok Harbor Master.

Q. Are there any demerits of this studio?

The only demerit of this place is that it needs to be cleaned now and then, and it’s like cleaning a football stadium. Some Thai people can’t understand why I would like to work in a place like this without air conditioning, but they obviously forgot their history and don’t even seem to realize that the warehouse is built and positioned in such a way that it partly cools itself.

Q. What is the happiest memory of this studio?

We have already had so many nice cultural events take place since we also offer the studio to other people to show their disciplines. For example, we’ve had a book launch, dance performances, fashion school shootings, a pop up dinner and many other happenings. And these are cross-cultural enrichments and I’ve loved them all, but the happiest memory was the actual installation that took place just over a year ago.

We have been so busy with all of this that we never actually managed to have an inauguration party.

Q. Do you have any plans for the studio?

We are planning to have more artistic events and an exhibition of my own work, of course, all in due time. www.warp54.com

ⓒPanuwat

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笂単anuwat

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Laytu Chin / oil on canvas

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Comrade Lin / oil on canvas

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Kroyo Drill II / oil on canvas

Kroyo Drill / oil on canvas

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art

Gi Ok Jeon

ELOQUENCE paid a visit to Gi Ok Jeon, who was recently featured on the cover of BAM, a famous art map and guide in Bangkok. Jeon has been working in Bangkok for 10 years. When we met her, she was holding her 7th exhibition.

Interview. Woochi Jeon Editor. Anna Choi Photographer. Jun O Hwang

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Q. Please tell us about yourself.

I graduated from Duksung Women’s University in Korea in 1994, majoring in Oriental Art. Then I went on to study landscape painting in Beijing and completed my master’s degree in 1998. Before starting my master’s course, I spent one year in the U.S. to learn English and I met my Thai husband there. He majored in economics in Thailand and studied for an MBA in the U.S. I’ve been living in Bangkok since 1998 with my husband and my 12-year-old daughter, working on my art. In addition, I’m also running an Oriental painting Workshop Program called JeOn Art Booth since 2001.

Q. You’ve held 7 exhibitions here in Bangkok. What made you settle down in this city?

In fact, my first personal exhibition was held in Beijing when I finished my master’s degree. I got married that year and moved to Thailand right away with my husband. The reason why I settled down in Bangkok is because this is my husband’s hometown and now it is my home where my family lives. Since then, I started holding my personal exhibitions in Thailand. Korea is my mother country, where I was born. However, Thailand means more than a homeland to me because it is my second home and where I’ve chosen to settle down.

Q. Please explain your past six exhibitions’ titles and topics over the last 10 years.

My first personal exhibition was held in Beijing in 1998 when I graduated from the Beijing Central Art Institute. I displayed my work that I’d spent two years working on and it featured traditional black-and-white drawings I drew during my 45-day sketch trip. I got inspired by nature and my hands-on experiences during the trip.

My second exhibition was held in 2003 under the title ‘The Moments of Life.’ I expressed my complicated feelings and new experiences such as culture shock, loneliness, fear, the depression that came from my international marriage and a new life in a new country, through simple, distorted shapes, strong colors, and objets.

The third one was held in 2006 under the title ‘Room of Imagination,’ in which my works had been inspired by my six-year-old daughter’s drawings. I displayed some of my daughter’s drawings, too. I transformed the subject matters in my daughter’s paintings that she started drawing at the age of four and expressed my happiness, hope and wishes, as well as my concerns and worries as a mother of a daughter in an imaginary space.

The fourth exhibition was held in 2008 under the title ‘Mindscape’ in a Mini solo form. I displayed my needlework and had an installation made up of business cards. This was when I started thinking about specifying the potential of non-traditional oriental materials and trying to find the meanings of the relationship with others. I also tried to make relationships with others and society, horizontally yet in a vertical condition by putting people’s business cards into a small plastic box.

The fifth one was held in 2009 under the title ‘Embroidery a Space – Landscape with needlework’ where I exhibited my Indian ink paintings, sculptures, and installations in various ways. The paintings connect my world and the world outside me through sewing the Chinese drawing paper and the layers of colors together, just like the ones I displayed in my fourth exhibition. I tried to talk about my identity crisis and the difficulty of making relationships with others through my installations and paintings using Patoong, traditional Thai textile and an artificial garden made with dozens of wooden sticks rolled up with various colored threads and twigs. In addition, I installed a ‘Name card tree’ in the gallery to communicate with the visitors by encouraging them to hang their business cards on the tree branches by themselves. The sixth exhibition was held in 2010 in the form of outdoor installations under the same title as my fifth one. I tried to communicate and interact with more people by connecting the closed gallery space and the opened outdoor space. I moved my indoor tree installations that had been used for the artificial garden onto the outdoor grassplot so they could get joined together. This one is my seventh personal exhibition. Under the title ‘Dwelling in a Space – Patoong collage & installation,’ I will display my

Indian ink paintings, woodprints, as well as installations. As an emigrated artist, I expressed the identity crisis that I went through in Thailand. I also expressed my roles as an artist, housewife, mother, and a woman through my artworks. In order to do that, I drew pictures of my daughter, collage works using Patoong in Thai women’s clothing, and basket-shaped installations made with copper wire and twigs rolled up with Patoong. I will hang them on the ceiling to make shadows on the walls.

Q. You are the only Bangkok-based Korean artist. How does Bangkok treat you as a foreign artist?

There are many foreign artists in Bangkok. They display various artworks while actively interacting with Thai artists. Thailand is such an attractive place where the traditional Buddhist culture and other cultures co-exist harmoniously. Also, they are very open-minded towards Western culture and they don’t discriminate foreigners. The city of Bangkok is an international, open city and accepts foreign modern cultures warmly. May be this is why it accepts Western modern art easily and there are not many limitations for foreign artists. I’m just one of the many foreign artists in Bangkok. Some foreign artists are even recognized as members of the Thai art scene and they are getting a lot of attention in Thailand.

Q. What are some good and bad points of being a Korean artist working in Bangkok?

Since I was the only Korean artist working in Bangkok, I always had to work alone. In the beginning, I had a hard time getting information on the local art world and contacting art galleries. No one was willing to help me. Now I get attention just because I’m Korean, thanks in no small part to the Korean Wave (Hallryu). However, when I first started working in Thailand, the Thai people were more interested in Japanese culture than Korean culture, and they treated Koreans very differently. At the time, some Thai were interested in my work, but they thought that I was staying in Thailand temporarily as a foreign artist. However, now I’m getting more recognition in the Thai art scene because I’ve been working on my artwork and holding exhibitions continuously.

Q. Your artwork featured the cover of the February issue of Bam, a famous art map in Bangkok. Which aspect of your work do you think was most appealing to them?

I think it was the use of the traditional Thai textile Patoong in my work which was appealing to the Thai people. Both of my plane paintings and installations used Patoong, which is a powerful symbol of Thailand. I guess Patoong played a role in helping me find my identity as a foreign artist in Thailand, as a woman, and as a mother. I especially think the depiction of my Korean-Thai daughter running around wearing Patoong in my Korean-style Indian ink paintings was an effective way to connect the two different countries’ cultures.

Q. Could you tell us a little bit about your current exhibition?

This exhibition is being held under the theme ‘Dwelling in a Space – Patoong collage & installation,’ in which I tried to convey the process of finding my place in Thai society and culture. I think life and art are indivisible and they are actually very closely related. So I expressed my feelings and experience of my daily life in this exhibition.

Q. You have displayed a variety of works all at once, such as paintings, engravings, and installations in this exhibition. Could you explain you diversity in this exhibition?

I have prepared 35 ink brush paintings, 18 engravings, and 14 basketshaped installations for this exhibition. I drew the ink brush paintings on Korean rice paper, using an ink brush, Indian ink, and natural colors that I’ve made myself by grinding the ink slab. I followed traditional methods and used cloth for the collage. For engravings, I’ve used two techniques – one is a reduction woodcut method, in which I engraved gradually as I printed so all of the wood pieces will be gone by the end. The other one is a key block method, where I drew on a wood panel as much I needed.

Then, I engraved with a knife and pressed paper onto it to print, and then did collage work. I needed panels for each color that I used. For my installations, I used copper wire to make basket-shaped objects and then I put objects inside them. Then I hung them from the ceiling. I didn’t use

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any special techniques to create these installations – I just wove every single copper wire just like weaving cloth.

Q. Unlike Korean artists who are working in a specific genre, you are working on various genres at the same time. Is there anyspecial reason for that?

As an artist, I’m always interested in mastering new techniques and apply them in my work. By doing that, I can express my artworks in more abundant ways and it enables me open new doors of expression. I found a unique hue of colors while engraving that Oriental paintings don’t have.

I’m just thrilled to be able to express my feelings through my creations.

Q. All of your works are using the techniques of Oriental paintings – with the Korean techniques particularly standing out. Is there any reason why you are pursuing Oriental painting techniques?

I majored in Oriental painting in Korean college and at graduate school in China. It is the one genre I’ve been doing continuously. I didn’t intend to focus on putting Korean elements in my works, but your comment makes me think about my works in a different. Black and white drawings require a lot of hands-on experience because it is a very subtle genre and it is not easy to use the materials. The spread of Indian ink depends on the speed and strength of your brush touch. That makes drawing black and white drawings a highly skilled, profound work.

Q. Your daughter Lily appears a lot in your art works. Is there any particular reason that you use your daughter in your paintings?

My daughter is always with me and, as her mother, I have to take good care of her. Perhaps I feel more attached to her because of my status as an alien in Thailand. Also, I try to find ways to connect myself with the Thai society through her by using her in my artwork.

Q. In your artwork, Lily is always jumping. Is there any special reason for this?

The movement in my work has something to do with space. My identity issue is associated with the space I’m living in. Everything needs a space in which it can exist, whether it is an imaginary space or a real, physical space. In this sense, I think spaces are essential conditions for existences.

Q. The pattern of Lily’s clothes in your paintings looks very Thai.

What kind of pattern and material did you use? And what did you try to say through the pattern?

The cloth is called patoong and it is a traditional material used by Thai women when they take a bath or change clothes. Women in Bangkok don’t really use it, but you will see it frequently in the countryside. The patterns show each region’s specialties because they vary according to the region.

Q. Where do you get your inspiration for the patterns and materials?

I first used it for my 2009 exhibition and I’m still using it in various ways for my artworks. I first came across the material when I first came to Thailand. I spent six months in Nonkai, a small city located in northeastern part of the country. At the time, the city was secluded so the local features were well preserved. While staying there, I frequently saw Thai women wearing patoong. It was the first time that I saw something that was distinctly Thai. After moving to Bangkok, I realized I could buy patoong at textile stores, and as soon as I saw it again, memories of that time started flooding back to me. So patoong is a material with a very special meaning for me. What’s interesting is that I rarely see women wearing patoong here in Bangkok. I think that just shows a changing Thailand, developing with global trends and styles.

Q. Some of your works are inspired by last year’s flood in Thailand.

What are you trying to say in these artworks?

I witnessed the flood while preparing for this exhibition. Many areas had been inundated due to the flood over the last few months and I saw countless people in Thailand who were suffering from the situation. The central Bangkok area, where I living, wasn’t affected, but people were

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still afraid and had many problems while coping with the disaster. As I said earlier, I express my daily life in my work, so I naturally expressed my experience with the flood in my artwork as well.

Q. The bird nest-shaped installation looks very interesting. Could you please tell us about it?

The installation looks like a basket and I’ve put twigs rolled up with patoong and then hung it on the ceiling. I used twigs for my installations in the 2009 personal exhibition and even now it has the same meaning.

For example, I created an artificial garden by installing dozens of twigs on the floor after rolling them up with colored threads. Each twig stands for an individual and the garden represents a society. This time, the installation deals with the issue of space more deeply.

Q. What is your favorite piece in this exhibition?

I like Jumping. It is my first collage of patoong in a plain painting. My 10-year-old daughter had to jump more than 50 times for the 12 poses in the picture. She monitored the working process from the beginning and also gave me advice. Thanks to this project, I could create various other works.

Q. We could see the potential of the Bangkok art scene while making our Bangkok special edition. We’ve met various Thai artists, visited galleries and design centers. What do you see as the current trends in the Thai art scene?

If my assumptions are correct, just like other developing countries, there are many artists in Thailand who are concerned about the local identity of the country while paying attention to internationalization and globalization. Over the last few years, the number of artists who had been invited to world-famous exhibitions and who are involved in overseas residency programs has increased. I think Thailand’s modern art is improving and becoming more diverse through them and their ventures. In terms of genre, the Thai art scene is always filled with energy because of the traditional artists and new artists who try to implement various methods and ideas. Personally, I think the relation between the artists who professionally draw Buddhist paintings is unique to Thailand. Thailand has a unique culture and art because its national religion is Buddhism.

Q. Who is your favorite local artist in Thailand?

I like Sudsiri Pui-ock, a young Chiang Mai-based artist, best. I saw little objects here and there on a tatami floor mat which looked like mutated human body parts in her recent display. According to her, she was inspired by Buddhism’s transmigration. I like the way she deals with serious issues and basic concepts such as life, death, happiness, and sadness. Also, her works are very conceptual and highlight her handson quality. I became interested in her work because we share a lot of similarities; both of us think highly of the working process.

Q. Are you planning to hold the eighth exhibition?

In my next exhibition I will improve my installations using copper wire.

Just like this exhibition, I will be in search for my identity through my artwork in relation to a space. Specifically speaking, I will be using Thai letters to approach and solve the issues of communication with other people and the society.

Q. We are very happy to meet a Korean artist in Bangkok and we are very proud of you. Do you have any final words for our readers?

Thank you very much for introducing myself and my work in ELOQUENCE. Since I’ve lived overseas for such a long time, I couldn’t have a chance to introduce my work in Korea. I’m very lucky to have a chance to let the world know who I am and what I do through this Korean magazine that is distributed all over the world. I hope to meet the ELOQUENCE readers again with some new and improved art work. www.jeonartbooth.com

Dwelling in a Space 7 / Chinese ink with color on rice paper / patoong fabric collage / 2011

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Dwelling in a Space 2 / Chinese ink with color on rice paper / patoong fabric collage / 2011

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Jumping / Chinese ink with color on rice paper / patoong fabric collage / 2011

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video

Arunchit Sasivimolkul KIMBO, Cracker Live’s media director met ARUNCHIT, Wakeup Rabbit’s media director to talk about Bangkok’s next generation of digital media kids.

Interview. KIMBO KIM Editor. GiSeok Cho Photographer. Jun O Hwang

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Q. Hi Arunchit, could you please introduce yourself to our readers?

My name is Arunchit Sasivimolkul and I’m from Bangkok. I work as the director of photography and a camera operator in the Wakeup Rabbit team. The production team (Kratai tuentua Co.,Ltd.) is a group of friends with varied skills brought together by common goals and a passion to create. Our expertise is in communication and design-related fields and we aim to pursue an efficient model of communication based around info-graphic design, commercial film & animation, viral campaign management, communicative illustration, visual concerts and online and digital media.

Q. When and why did you choose to be a filmmaker?

I worked as a photographer before I became a filmmaker. In university I still didn’t know what career path I wanted to follow. In 2002, I had my first experience on a film set. Since then, I realized that filmmaking was the one thing that I would love to spend the rest of my life doing.

Q. There are some outstanding filmmakers in your country, such as Apichatpong Weerasethakul. What is the film industry like in Thailand?

There are many filmmakers in Thailand. Apichatpong is certainly one of the top directors. His films are sort of independent art films, so they are not really aimed at the mainstream audience in Thailand. The film industry in Thailand mostly makes action films, comedies, dramas or horrors, and they are almost always geared towards revenue, not the arts.

Q. What is your favorite movie and who is your favorite director?

My favorite director is Alejandro Gonzalez Inarritu, the director of Biutiful, Babel, etc. But my favorite movie is Inception (2010) by Christopher Nolan.

Q. There are many popular places to study film, such as London or New York. Was there any specific reason that you wanted to go to Prague?

The main reason I went to Prague is because I wanted to experience the European atmosphere, which is quite different from Asia. I wanted to learn about not only filmmaking but also the arts and the history in Europe. Czech Republic is one of the best places to study film due to its quite unique history and filmmaking style.

Q. What is the biggest difference between European and Asian filmmaking?

I think that they are different in the methods and processes of filmmaking, but they have very different narratives. Asia has got its own traditional culture, and that has an effect on its story telling. I think to be a competitive Asian film in the world market, it’s important to make our own style based on our culture and history.

Q. In the past, filmmaking was analogue. Since the digital revolution, the filmmaking system has changed a lot. We are in the DIGITAL GENERATION. What do you think about digital technology in filmmaking, and what are the advantages and disadvantages?

Digital filmmaking isn’t just about low-budget indie movies anymore. It’s one of the most exciting and revolutionary opportunities in filmmaking today.

Advantages of Digital Technology

Digital filmmaking is accessible. The relatively low cost and user friendly, digital recording equipment has become the engine of the film industry.

It means that talented filmmakers don’t need the backing of Hollywood heavyweights to produce their films. While this could be seen as a threat to the establishment, these new voices in film can also inspire others and bring a new energy to the film industry.

The editing process has also become a lot simpler. Like digital recording equipment, editing equipment for digital film is affordable and easy to master. Users can make cut, or undo it with relative ease. Postproduction can be less cumbersome in the digital world as well. If someone with no training in digital film editing can do a reasonable job on their iMac, imagine what someone with a digital film education could do. The possibilities are exciting and endless.

Digital distribution reaches a wide audience. You no longer need a big marketing budget to reach a wide audience. Today, your movie could take off on YouTube. It could be available on iPods and cell phones.

Digitally formatted films aren’t bound to traditional distribution methods.

Having a box office smash isn’t necessary to gain notoriety. A little success could open big doors for your film career.

Disadvantages of Digital Technology

The huge data kept on hard disks or DVDs can be problematic. If we don’t backup it in many different places, we could lose entire films. Also, when we are shooting we also don’t know if the materials that we are recording will have problems, or when we’re transferring the footage we could run into technical problems without knowing it. This sort of problem only becomes obvious during the post-production phase, and by then you could have lost too much time to reshoot.

One argument is that the growth of digital film is destroying art.

Depending on how loyal you are to the idealized art form of film, digital distribution can be seen as a contributing factor to the slow death of theater-style viewing. Audiences prefer to see films on their computers, on their iPods while they’re on the go, and, to an extent, on their televisions. If people are willing to pay for films, they aren’t willing to pay for the inconvenience of going out to the theater to do it. Digital distribution plays right into their hands and exclusive use of it actively condones this behavior. It’s not a problem if you’re not too attached to the traditional cinematic experience, but it really is putting the nails in the coffin of the cinematic experience.

Q. What are your dreams and goals?

I want to be a director of photography who can work on feature films, not just in my country but around the world. For me, making great films, travelling around world, meeting people from different countries, and learning about different cultures is the way to enjoy life.

vimeo.com/cxclarinet

Digital Technology gives us a lot of new opportunities in filmmaking.

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Doctor’s Love / single-channel video / 21’35” / 2011

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collection

Bangkok Cityscape

Bangkok is a city full of people as diverse as the urban landscapes they inhabit, a capital characterized by incessant change - and the scars to prove it. In light of all this inconstancy, how can one capture the essence of its urban fabric? These photographers document Bangkok’s dynamic cityscape through their own eyes, sharing the ways it reveals itself to those who know where to look.

Editor. Anna Choi

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David Terrazas

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Dow Wasiksiri / Nationalism / 2006

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Dow Wasiksiri / Happy Meal / 2007

Dow Wasiksiri / Karma / 2007

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Ohm Phanphiroj / Young boy / 2008

Ohm Phanphiroj / a bird / 2008

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Ohm Phanphiroj / Buddha / 2011

Ohm Phanphiroj / Lone walker / 2012

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Steven Pettifor / Spirit house and grafifti / 2010

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Kara yong Kara choko

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Kara yong Kara choko

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David Terrazas This small selection of photos offers a personal perspective of the city through scenes taken from my daily life in Bangkok over the course of the past year, from portraits of friends to landscapes shot from my place to photos of a certain teashop in Chinatown (which I consider one of the most photogenic locations in the city) and everything in between.

I show an independent and lonely perspective of this large and populated metropolis, paying more attention to its details and small spots than its overcrowded areas and tourist attractions. I’m not really trying to show anything in particular about Bangkok in my photos, since they are individual images without any specific finality rather than a premeditated project. Nevertheless, I think they do say something about me and my perceptions of the city.

There’s no doubt it is an amazing city that offers a full range of possibilities, contrasts, and exotic scenes wherever you look. No matter what it is you’re looking for, you will find it in this architecturally chaotic city in which modernity and tradition coexist in perfect harmony. Bangkok and its people are unique. www.davidterrazasphotography.com

Dow Wasiksiri In this collection on Bangkok I photograph the Bangkokian way of life with a quizzical eye. Bangkok is one of the world’s most visited cities, though among its least understood. I navigate everyday scenarios the same way Thais generally do with humour. I don’t seek to mock or categorize, only spark a knowing smile. I see this collection as a visual autobiography of a Thai reflecting on what we have done to ourselves and how we’ve taken modernization and made it our own.

I aim to present a reality-check that responds to the conventional images of Bangkok, which range from PR puffery to orientalist romance to salacious storytelling. For two decades, my lens has explored the psychology of Thais in their habitat. I show the people and scenes that I encounter in the same way they present themselves in public: without judgment. As a Buddhist, I was raised to treat situations with detachment not an easy task, but one that breeds a useful discipline. I shoot something unexpected, then let it go. The people I photograph may not be as tidily prepared for the camera as our social conventions might prefer, but their appearance reflects the impromptu and shared way Bangkokians tackle everything, from eating habits and worship rituals to the city’s markets and hair-dos even having having their photographs taken. Indeed, as an outgoing people, Bangkokians relish the experience of being photographed, if only for the sake of ‘sanuk,’ an all-encompassing sensibility for fun. The saturated hues in my photos may not seem naturalistic, but Bangkok always feels more vibrant and vivid to me than a 2-D print can express.

Bangkok supplies plenty of unexpected moments, so its particular rhythms and priorities can seem chaotic or bizarre to the casual observer.

Compounding this mystique are the idealized images of ‘Thainess’ which are fabricated by Thais themselves and presented to visitors as a way to show outer decorum for reasons of face. These countless published views of Thailand and Bangkok are staged and styled, leading to startling juxtapositions of contrivance and reality. Through these frames, I aim to reveal the unselfconscious behavior of Bangkokians, in all its playful contradictions. Taken as a whole, this collection is only a small part of a larger body of work that I’m doing about Thailand which represents scenes in the transformation of people. The themes expressed in Bangkok’s cityscape and Thai popular culture resonate with the hybrid development of Thailand’s neighbors, testifying to the onslaught of globalization as it collides with tradition. However hard that collision may be, Thais meet it with the one exotic cliché that holds true: a smile. www.dowwasiksiri.com

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Ohm Phanphiroj This series explores the secrets of Bangkok and reveals the differences in its cityscape by day and by night. I take a lot of pictures of Bangkok while driving around the city. Whenever I see something odd or visually interesting I stop the car, get out, and take a photo.

I want to show Bangkok as a place full of excitement, drama, mystery and unpredictability. It’s both sexy and dangerous at the same time.

I think Bangkok is a wonderful place to see and visit. It has many different sides to its character like dirty, gritty, vibrant, challenging that allow you to be secretive, explorative and naughty. To me, it seems to be the only city in the world that offers such a full range of things to see and experience. At any given moment, Bangkok is both heaven and hell. www.ohmphotography.com

Steven Pettifor The majority of the images I capture are from the immediate environment of my neighborhood in the Ekkamai area of Bangkok.

Like much of the city, the area where I live is rapidly changing as it becomes more gentrified and homogeneous and loses its community spaces.

My photos focus on the vernacular; I am drawn to the minutiae and curious details of everyday life which, for whatever reason, hold my attention. I attempt to elevate the trivial into the sublime.

I am not a photographer, but I use photography as an artistic medium. Like a flâneur, I wander and experience the city, particularly its residential backstreets and hidden recesses.

Kara yong Kara choko People tend to be drawn to beautiful places, giving rise to tourist hotspots and landmarks that are always bustling with people taking in the sights.

Though we may provide access to one person’s life in an attempt at understanding a particular population, or analyze a single city block in order to gauge the character of a certain city, things like these can only be properly understood in the context of society at large. Some of my photos seem to be taken from a long distance; people and tall buildings must be presented differently.

I don’t want to see Bangkok as being ‘pretty’ or ‘bad.’ Although it has sometimes been overlooked, this is the sort of thing that seems to be happening now; it’s a way of life in Bangkok. I want to show how relationships are built between the capital and its people as well as the conflicts that develop when the growth of the city is inconsistent with the needs of its inhabitants.

Bangkok has a lot of different areas, yet the old and the new blend together surprisingly well. It’s a city on the move; when you look outside in Bangkok even if you don’t see any people, you’re really looking at life. If you don’t look soon, you’ll probably never know the actual city. www.karayongkarachoko.com

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Breaking This fashion photo shoot started from Brittany’s doodle named ‘dead worm girl’

Photographer. Vincent Sung Stylist. Brittany Wacher Hair and Make Up Artist. Brittany Wacher Creative assistant. Giseok Cho

Dress: asava Lace Over Dress: Nagara

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Shirt/dress: WWA Scarf: Nagara Shoes: Dusk till Dawn

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Top: Couturier (Prarunrop Prueksopee) Skirt: Senada Shoes: Wonder Anatomie

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Dress: Senada Vest: Wonder Anatomie

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Top: Wonder Anatomie Skirt: Flynow

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Sweater dress: WWA Purse: HOB

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Jacket: Flynow Shirt: Sretsis Pants: Couturier (Prarunrop Prueksopee) Shoes: Wonder Anatomie

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Shirt/dress: Nagara Shoes: Wonder Anatomie

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information

World Exhibitions Seoul Suh Do-ho: Home Within Home 22 March – 3 June Leeum, Samsung Museum of Art www.leeum.org

Design Finland 17 March – 14 April Hangaram Design Museum, Seoul Arts Center www.arkoartcenter. or.kr Dansaekhwa: Korean Monochrome Painting 17 March – 13 May National Museum of Contemporary Art, Korea www.moca.go.kr Michael Craig-Martin 16 March – 29 April Gallery Hyundai www.galleryhyundai. com

Choi Ki Seog 15 March – 15 April Gallery2 www.gallery2.co.kr

Simon Raab: Surface Tension 24 February – 25 March Michael Schultz Gallery Seoul www.schultzgallery.co.kr Noori Lee: Trait 24 February – 23 March PKM Trinity Gallery www.pkmgallery.com Nomadic Report 2012 22 February – 15 April Arko Art Center www.arkoartcenter. or.kr

Reflections from Nature: Collection of Cahiers d’ Artistes 17 February – 21 March SongEun ArtSpace www.songeunartspace.org Q&O. Structure and Fragments 16 February – 7 March One and J. Gallery www.oneandj.com Magical Realism in the Netherlands: Past Toward Contemporary 10 February – 10 March Seoul National University Museum of Art www.snumoa.org

Lee Jin Han: Postmodernism of the Beholder – Landscape of the Concept 9 February – 17 March Alternative Space LOOP

Ju Ri Lee 9 March – 7 April Project Space Sarubia www.sarubia.org

www.galleryloop.com

Bae Young-whan: Song for Nobody 1 March – 20 May PLATEAU, Samsung Museum of Art www.plateau.or.kr

Leipzig Painters II 9 February – 17 March Gallery Baton www.gallerybaton.com 1958-Ecole de Paris 9 February – 19 March Shinsegae Gallery

www.shinsegae.com Beyond Landscape Paintings 3 February – 1 April Gyeonggi MoMA www.gmoma.or.kr

TOKYO Oliver Payne 17 March – 14 April NANZUKA http://nug.jp

Debbie Han: Being 10 February – 18 March Sungkok Art Museum www.sungkokmuseum.com

Sora Kim: Abstract Walking 10 March – 22 April Artsonje Center www.artsonje.org

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Eva Hesse: Spectres and Studiowork 28 February – 7 April Kukje Gallery www.kukjegallery.com

Making as Living: The Great East Japan Earthquake Regeneration Support Action Project 11 March – 25 March 3331 Arts Chiyoda www.3331.jp Alexander Rodchenko: Innovator of Russian Avant-Garde 2 March - 27 March Ginza Graphic Gallery www.dnp.co.jp/gallery/ ggg Kwan Sheung Chi: Collected Works 25 February – 31 March Yuka Tsuruno http://yukatsuruno.com Leslie Kee: Power People 16 February – 27 February Seibu Shibuya www.artmeetslife.jp

Rikrit Tiravanija: Untitled 2001/2012 10 February – 20 April Gallery Side 2 http://galleryside2.net

Ay-O: Over the Rainbow Once More 4 February – 6 May Museum of Contemporary Art Tokyo www.mot-art-museum.jp

Lee Bul: From Me, Belongs To You Only 4 February – 27 May Mori Art Museum www.mori.art.museum

Zhang Hui: Lonesome Souls 19 February – 1 April Hub, Alexander Ochs Galleries www.alexanderochsgalleries.com Do A Book 18 February – 18 March White Space Beijing www.whitespacebeijing.com

BANGKOK Gi-ok Jeon: Dwelling in a Space 21 February – 25 March Galerie N www.galerienbangkok. com

Daniele Dainelli: Domestic Archaeology 11 February – 23 March Ofoto Gallery www.ofoto-gallery.com Prapat Jiwarangsan: I will never smile again 2 February – 31 March WTF Gallery www.wtfbangkok.com

Inside Out/Lost City 1 March – 22 March Fabrik Contemporary Art www.fabrik-gallery. com

Hans Hartung 17 February – 30 March de Sarthe Gallery http://desarthe.com

Beijing

Ran Huang: Disruptive Desires, Tranquility, and the Loss of Lucidity 16 March – 16 April Long March Space www.longmarchspace. com

Helmut Newton 24 March – 17 June Grand Palais www.grandpalais.fr

Ai Weiwei: Entrelacs 21 February – 29 April Jeu de Paume www.jeudepaume.org

BERLIN Monica Bonvicini 18 February - 14 April Galerie Max Hetzler www.maxhetzler.com

HONG KONG

Art & Collector’s Editions by TASCHEN 2 February – 15 April Serindia Gallery www.serindiagallery. com

Bashir Makhoul: Enter Ghost, Exit Ghost 17 March – 15 April Yang Gallery Beijing http://yanggallery. com.sg

PARIS

SHANGHAI Nostalgia: East Asia Contemporary Art Exhibition 18 February – 1 May MoCA Shanghai www.mocashanghai.org

Wantanee Siripattananuntakul : (Dis)continuity 15 February – 28 March The Art Center at Chulalongkorn University www.car.chula.ac.th/art

9 February – 5 June Tate Modern www.tate.org.uk/ modern

Dash Snow 11 February – 24 March Contemporary Fine Arts www.cfa-berlin.com

AMSTERDAM Guy Tillim: Second Nature 3 March – 3 June Huis Marseille www.huismarseille.nl

Joel Sternfeld: Color Photographs since 1970 14 December – 14 March Foam Amsterdam foam.org

LONDON David Hockney RA: A Bigger Picture 21 January – 8 April Royal Academy of Arts www.royalacademy. org.uk

David Shrigley: Brain Activity 1 February – 13 May Hayward Gallery www.southbankcentre. co.uk Yayoi Kusama

NEW YORK Mitch Epstein 16 March – 14 April Sikkema Jenkins & Co. www. sikkemajenkinsco.com

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The Reading Room Q. 주로 사람들이 독서하려고 오는가?

Reading Room은 도서관 아이디어를 재해석했다. 수동적인 인포메이션 공간은 아니지만, 활발한 정보교류와 커뮤니케이션을위한장소로만들고싶었다. 이벤트, 대화, 스크리닝, 강좌 등을 열곤 한다. 이번 달부터는 Thai Netizen Network 이라는 그룹과 함께 매달 온라인 강좌를 개설할 예정이다. 저작권, 표현의 자유, 차용과 오리지널리티의 쟁점에 관해 다룰 것이다.

Q. 어떤 사람들이 이벤트에 참가하는가? 대부분 아트, 필름, 사회과학 영역에 관심이 있거나연관된사람들이다.우리를찾아오는 사람들은젊고,새로운아이디어에열려있고 독립적인사고를한다.나는이들을문화적인

프로듀서로서 새로운 세대라고 생각한다.

Q. 대체로 이벤트에서 어느 언어를 사용하는가? 참가자들은 이중언어에 익숙한가? 그렇다. 대부분 참가자들은 이중언어를 알지만, 이벤트 성격에 따라 언어는 다르다.

Q. 비영리단체로 이곳을 운영하고 있다. 공간의 주된 목적이 무엇인가? 이상적으로는 일련의 프로듀서와 그에 맞는 공간들이 있을 것이다. 태국에선 아직까지 한계가 있다. 이 공간을 운영하는 주된 이유는 그러한 한계를 채우기 위함이다. 기존에 없는 것이라면, 직접 스스로 만드는 수밖에 없지 않나. 공간, 교육, 큐레이팅, 프로듀싱 등.

Q. 그래서 이 모든 일을 Reading Room에서 하고 있나? 음...대학에서 가르치기도 하지만 지금은 공간과 그곳에 모인 사람들이 있다면 언제든 한다. 이 곳은 그런 일이 일어날 수 있는 장소다. 사람들이 모이고 무언가 실현한다. 이벤트 변동사항에 따라 유동적인 공간이다. 스크리닝을 하면 작은 상영공간이 되고, 워크샵을 진행하기도 한다. 상황에 따라선 공식적 행사도 한다. 주로 Reading Room은 지식을 나누고, 커뮤니티를 만들며 활동하는 공간이다.

그곳에선 다양한 일이 생기고, 일종의 거대한 만남의 도시 같다. 하지만 Chiang Mai가 집 같은 곳이다. Navin Production 스튜디오에서 팀과 함께 그곳에서 작업하기 때문이다. 내와 딸이 일본에 있어서 시간이 나는 대로 가곤 한다.

Q. 작년, 방콕은 사회적 정치적 이슈가 많았다. 당신의 작품에서 이런 이슈들을 담기도 하나? 그렇다. 하지만 갈등 자체와 그 뒤에 놓인 정치적 모티브는 서로 반하고 있다는 사실에 주목하고 있다.

Q. Taxi시리즈에 대해 알려달라. 수많은 주제 중에서 특별히 택시를 좋아하는 이유가 있나? 도시화, 자본주의로 발전 과정에서, 교통 체증 때문에 많은 사람들이 차 안에서 시간을 보낸다. 그런 상황에서는 아트나 갤러리에 대한 관심은 점점 줄어들고 있다. 그래서 택시 안을 아트 갤러리로 바꿔서 작품을 다양한 방법으로 보여준다면 재미있을 것 같다는 생각을 했다. 이상하게 다른 나라에서도 택시는 택시라고 부른다. 택시라는 단어 자체가 언어의 장벽을 넘은 것이다. 이것이 ‘Taxis are universal.’를 기획하게 된 계기였고, 그 때부터 시드니, 도쿄, 뉴욕, 런던에서 택시 갤러리 전시회를 했다. 어떤 사람들에게는 택시에 대한 아이디어가 하락하는 추세에 있는 아트 시장에 어울린다고 받아들인 것 같다.

Q. 당신의 작품을 보면, 아시아 예술에 대한 당신의 전반적인 이해에 강점이 있는 것 같다. 태국 아트의 아이덴티티를 말해달라. 태국아트산업은 아주 빠르게 성장하고 있다. 산업 자체는 빠르게 성장한 반면 조직, 갤러리, 박물관은 느린 편이다. 태국엔 갤러리나 박물관이 많지 않다. 정부 지원을 받은 Bangkok Art Center가 있었지만, 정부 쪽에서 수익성이 없다고 생각해서 투자 지원을 중단했다. 유감스러운 일이다.

Q. 아트 시장에 대해서 계속 언급하고 있다. 현재 태국의 아트 시장에 대해 어떻게 생각하는가? 현재 태국의 아트 시장은 소수의 컬렉터에게만 열려 있다. 물론 값비싼 아트를 보면 놀랍다. 하지만 누구에게나 열린 시장이어야 한다. 그래야지 젊은 친구들도 작품 컬렉션을 하고 아티스트 역시 더 많은 전시회나 판매 기회를 가질 수 있다. 물론 모든 것이 수익 중심이 되어서는 안 된다. 문화와 이해에 대한 것이어야 한다. 아티스트라면 아트를 수익만 노리고 만드는 것이 아니라, 그들의 문화와 경험을 담으려고 해야 한다.

Q. 마지막으로, 앞으로 계획이 있나?

Chiang Mai에 스튜디오와 아트갤러리를 짓는 중이다. 예전 프로젝트 다큐멘테이션과 함께 특정 장소에서 했던 작품을 전시하려고 한다. 작년에 공사를 시작했고, 아마 올해 안에 완성될 것 같다. 또 Chiang Mai에서 갤러리 ‘관람’보다 좀 더 대중이 참여하는 커뮤니티 기반의 프로젝트를 계획 중이다.

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Q. Navin Party에 대해 알려달라.

Navin Party는 내 아이덴티티에 대해 농담을 하곤 했던 친구 Tyler Russell과 함께 2006 년 만들었다. 나는 전세계에 있는 ‘Navin’ 이라는 모든 사람들에게 연락하고 싶었다.

Navin이라는 이름은 원래 인도에서 유래된 이름인데, 태국, 일본, 한국뿐 아니라 서양에도 이름을 쓰는 사람이 있었다. 재미있을 것 같았다. Navin Party 프로젝트는 전세계에 걸쳐서 Navin이라는 이름을 가진 사람들이 있다는 점 때문에, 사실상 내셔널리티와 오늘날 복잡한 아이덴티티에 대한 질문이다. Navin은 정말 어디에 속한 건지 사람들에게 묻고 싶었다. Navin Production이라는 브랜드 하에 다양한 형태로 프로젝트를 했고, 한국, 미국, 일본,

Q. 자기 소개를 해달라. 다양한 분야의 작업을 하는 사람으로서 스스로를 어떻게 소개하는가? 물어보는 사람에 따라 대답이 다르다. 만약 질문자가 예술계에 종사하고 있거나 예술에 관심이 있다면, ‘저는 예술가입니다.’ 라고 대답한다. 나는 그림이나 조각, 비디오 아트나 예술의 형태를 기반으로 삼는 작업을 주로 한다. 그러나 질문자가 예술계에 있지 않거나 단순히 제 직업에 대해서만 관심이 있다면, 나는 창조적인 디자이너나 교사가 된다. 나는 잡지나 책에 일러스트를 그리고 있고, 머그컵이나 티셔츠, 노트북, 아이폰 케이스 등의 제품들도 디자인하고 있다. 또 방콕 대학과 때때로 실파콘 대학에서 강의도 한다.

Navin Rawanchaikul

Lolay

방콕에서도 전시회를 하게 되었다.

Q. Navinland에 대해 알려달라. 여지껏 Navinland는 어떻게 진행되었고, 앞으로 어떤 행보를 보일 것 같은가?

Navinland는 Navin Party에서 시작됐다. Navinland는 Navin이라는 이름을 가진 사람이나 그들을 알고 있는 누구나 대환영이다. Navinland란 완전 픽션인데 이것 역시 내셔널리티에 대한 질문이다. Navin이란 이름은 국경에 상관없이 어디에나 있지 않은가. 앞으로는 Navinland 가 대중에게 더 다가가, Navin들과 아티스트 모두를 아우르고 싶다. 나는 태국과 일본을 오가며 동시에 India의 배경을 가졌기 때문에 내 자신만의 세상이 있었으면 했다. 사실 Navinland는 국가가 아니다. 내가 작업하거나 전시했던 곳에 갈 때마다, 사람들에게 국가와 사회적 문제에 대해 묻는다. 물론 우리는 다른 언어를 사용하지만, ‘택시’라는 단어처럼 아트는 범세계적 공용어이지 않은가.

Q. 자신을 주제로 삼은 이유가 있나? 아이덴티티에 관한 것이다. 아버지는 인도인이고 어머니는 Pakistan에서 태어나셨다. 나는 태국에서태어났고, 부인은 일본인이다. 그래서 난 내가 정말 어디에 속하는지 계속 물어왔다. 또, 나는 내 작품에서 나를 표현하는 것이 좋다. 진짜건 픽션이던 모든 이야기에는 사실적인 요소가 있다. 내 작품에서 어머니, 아내, 딸, 친구들과 내가 많이 등장하는 것 역시, 나의 커뮤니티와 사회에 관한 것이다. 아티스트로서 다양한 커뮤니티와 집단의 사람들을 작품을 통해 연결하고 싶다. 가족이나 확장된 가족처럼. 작품 속에서 나를 주인공으로 삼는데, 내 작품은 언제나 나 자신의 경험, 리얼리티와 픽션 사이 어딘가에 존재하는 내러티브에 대한 것이기 때문이다.

Q. 주로 어디에서 지내는가?

Chiang Mai. 이곳에서 태어났고, 분위기가 여유로워서 좋다. 방콕에서 지내기도 한다. 방콕에는

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Q. 당신의 예술적 실험은 많은 측면의 창조적 생산물들을 포함하고 있다. 당신의 작품 중에 특히 대표작이라고 할 만한 것들은 무엇인가? 내 작품들은 모두 아이디어를 구체적으로 깨닫게 하는 미디어나 도구들의 형태를 띠고 있다. 만약 당신이 많은 아이디어를 가지고 있다면, 그것을 머릿속에서 끄집어내는 방법을 찾아야만 한다. 만약 그림이 특정 아이디어를 표현하지 못한다면, 비디오나 조각처럼 매개체를 바꾸어야 한다. 나는 한 가지 매개만을 고집하지 않는다. 모든 것은 제 창조력에 달려 있다고 생각한다.

Q. 다양한 장르의 작업을 하면서 혼란스러웠던 적은 없었나? 한 번도 없었다. 나는 그림이나 조각, 비디오, 또는 다른 어떤 매개를 사용하여 작업을 하든지 간에 내가 선택한 것에 집중한다. 많은 다른 미디어에서 작업의 여러 결과를 발견할 수 있다. 만약 당신이 한가지에만 매달려있다면 다른 것을 재창조하거나 발견하기 힘들 것이다. 나는 실험적이고 싶다. 실험적인 것은 재미있기도 하지만, 신기하고 좋은 것들로 나를 이끌어주기도 한다. 경험은 매우 중요한 것이다.

Q. 당신이 작업한 모든 미디어 중에서 가장 좋았던 것은 무엇이었나? 그림이 가장 매력적이었다. 내가 꼬마였을 때, 그림을 그리기 시작한 첫날부터 나는 그림이 굉장히 매력적인 일이라는 것을 알았다. 나만의 세계 속에 있는 것 같은 느낌이었다. 사실, 나는 그림의 결과보다 그 과정을 훨씬 더 좋아한다. 조각과는 또 다르다. 조각은 항상 결과물을 고대하게 하지만, 그림은 그리는 과정을 더 즐기게 되는 것 같다. 다른 매개에서는 아직 느끼지 못한 매력이다.

Q. Lolay라는 당신의 이름은 무슨 뜻인가?

Lolay는 내가 대학교 1학년이었던 18살에 처음 쓰기 시작한 이름이다. 내가 다니던 대학의

미술학부에서는 모든 학생들에게 새로운 이름을 짓게 하는 전통이 있다. 서로 다른 환경에서 자라온 학생들 사이의 차이를 최소화시키기 위한 것이었으며, 빈부의 정도나 유명한 정도에 상관없이 모든 학생은 평등하고 모두가 친구라는 것을 주지시키기 위한 방법이었다. 학교에서 나에게 어떤 이름이 좋으냐고 물었을 때, 나는 하나를 선택하지 못했고, 그래서 학교에서 나에게 ‘Lolay’라는 이름 지어 주었다. ‘Lolay’는 태국어로 매우 혼란스럽거나 어떤 것을 선택할 수 없는 것을 의미한다.

V64에서 선정된 아티스트들은 각각 스튜디오 크기에 따라 렌트비를 내는 구조로 이루어져 있다. 재정적 부담이 있는 아티스트들의 경우엔 내부 아트스쿨과 뮤직스쿨에서 가르치곤 한다. 작품 한 점이 팔리면, 가격의 10%가 V64로 배당된다. 그렇다고 해서 V64가 상업적인 공간이라는 것은 아니다. 정부 지원으로 설립된 Shanghai의 아트 커뮤니티 M60에 영감을 받아 세워지긴 했지만, V64는 처음부터 정부 지원을 기대하지 않았기 때문에, 그는 아티스트에 의해 운영되는 자립형 커뮤니티로 성장하고 있다

Q. 이번 방콕 스페셜 에디션을 준비하는 과정에서 태국의 다른 예술가들에게 태국의 아티스트를 추천 받았는데, 많은 사람들이 당신을 언급했다. 왜 당신을 추천했다고 생각하는가? 잘 모르겠다. 그들에게 물어봐야 하지 않을까? 그들이 나의 선배이거나 제자 또는 친구일지도 모르겠다. 어쩌면 나의 스타일이 태국의 어떤 다른 것들과 차별화된다고 생각했을 수도 있다. 잘 모르기 때문에 이런 질문에는 대답할 수가 없다. 내가 작업을 할 때, 내가 이것을 어떻게 판매해야 하나 - 라든가 어떻게 사람들이 좋아하게 만들 수 있을까 - 와 같은 생각은 하지 않는다. 그저 내가 원하는 것을 한다. 어떤 사람들은 내가 그들의 우상이라고 말하기도 하고, 또 어떤 사람들은 어떻게 성공하거나 유명해질 수 있는지를 묻기도 한다. 난 내가 유명하다고 생각하지 않는다. 다만 20년 동안 이 일을 꾸준히 해왔기 때문에 사람들이 그저 나를 알고 있을 뿐이라고 생각한다.

디렉터인 Pokpong은 V64를 젊은 아티스트를 위한 공간으로 만들어가고 있다. 대부분 젊은 아티스트들은 방콕 아트 대학에서 배출된다. 태국의 컨템포러리 아트는 역사가 길지 않아서, 전시할 수 있는 기회가 적은 것이 현실이다. “V64는 젊은 작가들이 교류하고 콜라보레이션하기 위한 장소다. 만약 그들이 바로 아트 시장에 진출했다면 받았을 스트레스를 여기에선 받지 않는다. 그들에게 배우고 적응할 시간을 준다.” Pokpong은 설명한다. Pokpong이 쌓은 에이전트나 아트딜러와 관계도 젊은 아티스트들에게 도움이 된다. 그는 개인 커리어를 쌓는 대신에 자신의 네트워크를 공유하고 젊은 아티스트들이 아트 산업에 한 발짝 가깝게 다가갈 수 있게 했다. “아트세계가 어떻게 돌아가는지 알려주는 것이 중요하다. 어떤 친구들은 좀 더 상업적이고, 어떤 이들은 그렇지 않다. 하지만 이런 차이점들을 알고 있어야 한다.”

Q. 지난 해에 열렸던 당신의 전시회 ‘Bruised’에서 보여준 당신의 작품에서 이미지를 통해 반복적으로 나타난 두 명의 사람들이 있었다. 그들을 소개해줄 수 있나? 많은 사람들이 그들이 누군지 궁금해 했다. 사실, 나는 그저 남녀를 그리고 싶었다. 그들은 그저 모델이다. 그들이 누구인지는 중요하지 않다. 그 전시회의 주제는 전쟁이었고, 전쟁은 남녀의 구분 없이 인간이 인간에게 무언가를 하는 것이다.

V64의 편안하고 친근한 분위기는 젊은 아티스트를 지원하고자 하는 컨셉을 반영하고 있다. 설립자이자 디렉터인 Attasit Pokpong는 열정적인 목표를 가지고 V64를 도시에서 가장 영향 있는아트센트로만드는것이목표다.V64는아트를사랑하는사람들,콜렉터,큐레이터와대중들 모두가 만날 수 있는 곳을 목표로 한다. 아트를 파는 것도 중요하지만, 궁극적으로 커뮤니티를 만들어서 아트 미디에이션과 아트 컨설팅을 할 수 있는 대안적인 공간이 되려 노력하고 있다.

Q. 작업의 영감은 어디에서 얻나? 타인의 경험을 통해 영감을 얻는 것을 좋아한다. 타인과 자신의 삶을 비교해보았을 때, 우리는 새로운 아이디어를 발견할 수 있다. 내가 읽은 것, 본 것, 들은 것들은 나에게 많은 영감을 준다. 나는 역사나 세계, 전쟁 등에 대해서 읽는 것을 좋아하고 마찬가지로 예술가나 과학자 또는 음악가들의 삶을 읽는 것도 좋아한다. 이런 것들은 우리세계에서 실제 일어난 일에 대한 진짜 이야기다. 타인의 경험에 대한 흥미는 내 자신의 인생에서 경험한 것들의 결과물이다. 내가 어렸을 때, 나는 예술 공부를 위해서 모친과 떨어져 방콕과 같은 큰 도시에서 혼자 살아야 했다. 가족들과 떨어져 혼자 지냈고, 때로는 친구도 없었다. 어려운 시절이었다. 나는 세계대전을 경험하지는 못했지만, 그 때의 제 상황은 전쟁과도 같았다. 전쟁에 대해 배우면서 삶에 대해서도 배우게 되었다. 우리가 진짜 전쟁을 경험하든지 그렇지 않든지 간에 우리는 생존하는 법을 배워야 한다.

Q. 당신에게 뮤즈가 있나? 나의 뮤즈는 음악이다. 매일 그리고 거의 항상 음악을 듣는다. 음악을 들을 때는 내 머릿속의 아이디어와 이미지들이 나의 개인적인 경험과 완전히 결합하게 된다. 매우 추상적으로 들리겠지만, 이런 것들은 만지거나 볼 수 없고 오직 느낄 수만 있다. 그러나 당신이 실제 그것을 느낀다면 당신의 상상력은 바로 작업의 원동력이 될 것이다.

Q. 당신은 드로잉을 많이 한다, 그리고 지금 당신의 스튜디오 안에 많은 드로잉 노트 모음집들이 보인다. 당신에게 있어서 드로잉 노트모음은 무엇인가? 내 예술에서 가장 중요한 부분은 내가 직접 그린 노트모음이다. 한 달에 한 권, 많게는 3~4권 정도를 사용하는데, 이렇게 노트를 사용한지 10년 이상이 되었다. 내 인생이 거기에 들어있다. 나는 내 작업에 대해 항상 생각하고 갑자기 아이디어를 얻을 때도 있다. 그래서 내가 나갈 때 마다 그것을 기록할 수 있는 무언가를 항상 가지고 다닌다. 때로 내 기억에 대해서 그림을 그릴 때도 있고, 노래를 적을 대도 있다. 나는 어떤 사물이나 사람들에게 영감을 받았을 때 그것을 잊어버릴까 봐 걱정이 된다. 그래서 그 모든 것을 노트에 기록한다. 각각의 노트는 내 아이디어가 변화하는 개인적인 놀이터라고 할 수 있겠다. 이 노트는 내 아이디어의 최종 이미지는 아니지만, 제 창작과정의 일부분이라고 할 수 있다.

Q. 미래의 계획은 무엇입니까? 태국의 해변도시인 Hua-hin에 새로운 스튜디오를 만들었다. 방콕에 있는 스튜디오는 콘도라서 200cm를 넘는 큰 그림을 그릴 수가 없었다. 새로운 스튜디오는 내가 원하는 큰 그림을 그릴 수 있는 다락 구조로 되어있다. 앞으로 큰 그림을 그리고 싶다!

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V64 V64는 Attasit Pokpong이 설립한 새로운 아티스트 커뮤니티이다. 창고였던 건물을 75명의 아티스트들이 개조해서 현재 35개 스튜디오로 사용하고 있다. V64의 디렉터 Pokpong이 아티스트로서 직접 자신만의 기준으로 그들을 선별한 것이 특징이다. “ 아티스트를 선택할 때 아트나 명성만 보지 않는다. 성격도 중요하기 때문이다. 어떤 이들은 아티스트를 이런 식으로 고르면 문제가 될 거라고 하지만 나는 미래를 위한 투자라고 생각한다. 나는 가능성을 본다.” 그는 웃으며 말한다.

“모든 이들이 아티스트가 되는 과정에 대해 더 알았으면 좋겠다. 나도 한때 젊은 아티스트였고 어떻게 해야 성공하는지 배워야 했다. 이제는 내가 겪었던 경로, 지식과 인맥들을 나누고 싶다.”

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The Factory Studio & Art House Q. Factory Studio&ArtHouse를 소개한다면?

Factory는 아이들, 십대나 아트에 관심 있는 사람이라면 누구나 아트&디자인에 관한 지식을 배울 수 있는 공간이다. Factory 의 강좌는 기초에서부터 고급 수준까지 연령대에 따라서 다양하다. 아이들을 위한 강좌는 예술적 시각, 기술과 긍정적인 비전을 쌓는 데 집중하고 있다. 학생들의 경우 일반적으로 입시를 준비하는 강좌가 있다. 대학생들을 위한 강좌는 좀 더 세분화된 레벨로예술적기술이나이해를돕고자한다.

일반인을 위해서 일상 생활에서 취미로 즐겁게 예술을 접할 수 있는 강좌가 있다. 모든 강의는 패션 분야나 고등학교와 대학에서 예술 분야를 전공으로 하는 분들이 가르치고 있다. Factory는 학생들에게 굉장히 중요한 아트 스튜디오이기도 하다. 학생들은 다양한 미술 도구를 배우기도 하고, 일단 스튜디오 환경이 창조적이면 그들의 비젼과 크리에이티비티를 자극한다.

Q. 스튜디오는 언제 만들었는가?

Factory Studio&ArtHouse는 오픈 한 지 일년이 조금 넘어간다.

Q. Factory Studio&ArtHouse 는 4명의 아티스트들의 협업이라고 알고 있다. 멤버들을 간단히 소개한다면?

Jeep는 6개 지점의 신발가게를 가지고 있는 슈즈디자이너이자, 일러스트레이터다. 그녀는 메이져 브랜드의 매장 디스플레이나 그래픽 디자인으로도 방콕 내에서 매우 유명하다. Keng 은 개인 작업을 하며 전시회를 통해 작품을 판매하는 전업 아티스트다. 4년간 학생들을 가르친 경험이 있는 선생님이기도 하다. Name은 개념 예술 이벤트를 기획하는 크리에이티브 아티스트다. 동시에 컵게이크 숍의 대표이기도 하다. 그리고 Thug 는 일본에서 지내며 작업을 해왔던 아티스트다.

Q. 어떻게 서로 알게 되었는가? Factory Studio&ArtHouse를 시작하게 된 이유는? 우리 모두 어린 시절 친구들이다. 넷 모두의 비젼을 나눌 수 있고 새로운 세대에게 예술을 가르칠 수 있는 공간을 만들려고 했다. 동시에 다양한 분야의 예술을 지원하고 싶었다. 우리는 앤디워홀의 Factory 같은 스튜디오를 만들고 싶었다.

Q. 예술 교육을 중요시 여기는 것 같다. 사람들이 하는 모든 것은 아트와 크리에이티비티에 관한 것이기 때문이다. 논리적 사고는 변하지 않는다고 여기지는 반면, 크리에이티비티와 상상력은 변화를 포착하는 것이다.

Q. 다른 아트 교육 기관과 이곳의 가장 큰 차이점은 무엇인가? 스튜디오와 아트 하우스가 결합된 공간이 태국에 없었다. 이곳에서 학생들은 아티스트에게 직접 배울 수 있고 아트의 경험을 공유할 수 있다.

Q. 앞으로 대중에게 어떻게 Factory Studio&ArtHouse를 알리고 싶은가? 앞으로도 지금만 같기를 바란다.

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Pariwat Q. 포토 콜라주에 흥미를 갖게 된 계기는 무엇인가? 그리고 어떻게 그것을 당신 작품의 주요 매체로 사용하게 되었나? 사진 콜라주는 7년 전 ‘Traffic Grid’라는 책을 작업할 때 처음 시작했다. 그 때 저는 그 책의 내용, 디자인, 사진, 일러스트 등 모든 것을책임지고있었다.그리고사진콜라주가 완벽한 도구라는 사실을 발견했다. 그것은 내가 고민했던 모든 문제를 해결해 주었다. 또한 이 매개를 통해 제게 아이디어를 실현시킬 수 있는 기술과 전문성이 있다는 것을 깨닫게 해주었다.

Q. 포토 콜라주의 매력은 무엇이라고 생각하는가? 순수한 사진은 단지 현실만을 포착한다. 그러나 순수 사진과 사진 꼴라쥬를 함께 사용한다면 현실에 기반을 둔 매력적인 상상의 세계를 창조할 수 있다.

Q. 방콕의 사진을 직접 찍는가? 그렇다. 여행하면서 내 눈길을 끄는 것이 있으면 주저 없이 셔터를 누른다. 빛, 색감, 소리, 구성에 상관 없이 말이다.

Q. 주로 방콕의 어디에서 사진을 찍나? 특정 장소가 있는가? 방콕의 사진을 찍을 때 특정한 장소를 염두에 두지는 않는다. 사실, 내가 찍는 사진이 꼭 방콕 배경일 필요는 없다. 내 흥미를 끄는 것이면 어떤 사진이이라도 괜찮다. 하지만, 방콕에서 가장 좋아하는 장소를 굳이 꼽으라면, 나는 차이나타운을 선택하겠다.

Q. 포토 콜라주를 통해 방콕에 대한 어떤 것을 보여주려고 하는 것인가? 포토 콜라주의 아름다움은 스스로 마음대로 여기저기에 여러 가지 것들을 섞을 수 있어 초현실적인 효과를 낼 수 있다는 것이다. 큰 빌딩이 작은 조각이 되기도 하고, 도로가 거대한 배경이 될 수도 있다. 도로 위의 사람을 화려한 빌딩 꼭대기에 배치할 수도 있다. 이러한 풍자는 무척이나 재미있다. 단지 이런 단순한 도구를 사용함으로써 나는 도시를 보는 새로운 시각을 쉽게 만들어낼 수 있으며 그것을 보여주고 있다.

Q. 개인적으로 느끼는 방콕은 어떤 곳인가? 나는 방콕 내에서 평범하게 살아갈 수 있는 삶의 매력에 감사하고 있다. 아마 사람들은 이런 도시의 측면을 간과하고 있지 않을까 싶다. 방콕의 평범한 삶은 예술의 가치를 판단하는 일정 수준을 만족시키지 못한다고 생각하기 때문일 게다. 나에게 평범한 삶을 이끈다는 것은 오늘날 방콕에 존재하는 혼란스럽고 복잡한 사회 상황 속에서도 생존할 수 있는 삶의 방법을 디자인 한다는 것을 의미한다. 비록 이것이 단지 평범한 삶의 측면을 보여준다고 할지라도, 나는 이것을 예술이라고생각한다.‘평범한삶’을산다는예술은그것자체로독특하다.예술작품들을전시하는 것은 더 이상 갤러리나 박물관의 독점적 영역이 아니다. 그것은 우리 모두가 드나드는 거리의 일부분일 수 있다.

Q. 콜라주를 이용한 다른 작품 시리즈도 있는가? 사실 사진을 이용하지 않은 두 개의 콜라주 작품이 있다. 첫 번째 작품은 전자 도구, 기계, 다른 도구들의 사용설명서를 콜라주와 혼합된 미디어에 이용한 후 완전히 새로운 부속품으로 변형한 것이다. 다른 작품은 이전 시대의 오래된 포스터를 이용한 콜라주로 현대적 감각과 동시대의 새로운 메시지를 나타내려고 했다.

Q. 다음 작품은 어떤 것을 계획하고 있는가? 아직은 특별히 정해진 것이 없다. 지금은 고가구와 특이한 재료에 흥미가 있다. 무언가 날카롭고 펑키한 것들을 이런 재료에 더해 어떤 결과가 나오는지 보고 싶다.

Q. 어떻게 시작하게 되었나? 솔직히 말하면 그리 긴 이야기도 아니다. 한 외국인 포토그래퍼가 자신의 스트리트 스타일 웹사트이트에 넣고 싶다고 사진을 찍고 싶다고 했다. 그리곤 그의 웹사이트를 방문했는데, ‘ 지금까지 태국엔 왜 이런 것들이 없었지? 태국인들도 자신만의 스타일이 있는데’라고 고민했다. 그리곤 실험단계인 매거진 형태를 처음 만들기 시작했고, 투자자가 나타났다. 그 당시 태국에는 이런 스타일의 매거진이 전혀 없었다. 처음엔 아트 디렉터, 포토 에디터, 패션 에디터, 나, 그리고 어시스턴트 이렇게 5명 팀이었다. 최대한 간단하게 시작했고 출판하기 전에 매거진 스타일을 잡으려고 6개월을 보냈다. 가능한 리스크를 최소화 하기 위해서 우리는 이것저것 모든 것을 고려해야 했다.

Q. 당신은 출판과 편집을 동시에 모두 총괄하고 있다. 두 역할은 어떻게 다른가? 시작단계부터 컨셉을 분명히 잡았고 팀 조합 덕분에 편집장 일은 그리 복잡하지 않았다. 팀 모두가 같은 비젼과 직업 의식을 공유했다. 그렇기 때문에, 출판사 계획이나 관리 등 다른 일 할 시간이 생겼다. 나는 우리가 매거진 형태뿐만 아니라 일종의 조직으로 만들고 싶었다. 출판사는 홍보와 관련해서 확실한 경쟁 전략을 가지고 있어야 한다. 현재 Cheeze, Looker, Shopping Guide, 포켓 북과 앞으로 진행할 책 몇 권을 발행하고 있다. 출판과 편집에 관련된 일을 안 할 때는 쇼핑, 여행, 향 좋은 커피를 찾으며 지내기도 한다.

Q. Cheeze매거진은 태국 스트리트매거진 중 대표적이다. 다른 스트리트 매거진에 비해서 Cheeze매거진의 컨텐츠나 형식은 여성적이다. 처음 시작할 때, 의도해둔 바였나? 태국에서 패션은 여성에게서 시작한다. 태국 어딜 가든 수많은 여성들이 귀엽고 예쁘게 차려 입은 것을 볼 수 있다. 그들은 꾸미는 것을 좋아하고, 사람들은 이런 여성들을 보는 것을 좋아한다. 최근 몇 년 사이에 남성들 역시 패션에 신경 쓰기 시작했다. 그들이 어떤 룩을 입는지 보여주고 싶었고 그래서 남성을 위한 Looker 매거진을 시작하게 되었다.

Q. 태국에 다른 문화나 스타일 매거진에 대해서 이야기해달라.

Koo-Sang Koo-Som. 태국 사회구조에 대해서 잘 이해하고 있는 매거진이다. 태국 어느 가정집을 방문해도 찾을 수 있다. 모두가 읽기 때문이다. 내 부모님 역시 내가 만든 매거진보다 더 자주 읽는다.

Q. Cheeze매거진은 현지에서 시작해서 국제적인 주목을 받고 있다. Cheeze 매거진의 성공 비결이 있다면? 타이밍인 것 같다. 시기가 잘 맞았다. 출판사와 독자들이 같은 것을 생각하고 있었다. 수요와 공급이 사회를 움직이는 힘이라고 하지 않는가.

Q. Cheeze, Looker매거진에서 어떤 브랜드를 홍보기사로 삼는가? 주 타겟은 우리 매거진의 방향을 이해하는 도시 스트리트 패션을 위한 브랜드이다. 브랜드 클라이언트에게 우리 매거진은 독자와 소통할 수 있고 그들의 브랜드의 이미지를 확실히 보여줄 수 있어야 한다. 그렇지만 매거진 발행에 자금도 필요하기 때문에 다른 소비자 광고도 맡는다. 어쩔 때는 사업을 우선순위에 둬야 한다. Cheeze매거진에서는 주로 유니섹스 제품을 홍보하고 Looker매거진은 남성 타겟이다. 이 점에 대해서는 클라이언트도 확실히 잘 알고 있다. 태국에서 클라이언트 브랜드를 홍보하는 것은 재미있다.

Q. 당신은 “EDITOR’S TALK” 페이지로 유명하다. 이 한 장의 페이지에서 무엇을 말하고 싶은가? 불교 교훈에 나오는 가르침으로, 독자들에게 삶의 간단함(the simple way of life)을 알리고 싶다. 아주 진지하게 쓰려고 하지는 않는다. 아티클은 즐겁고 재미있어야 한다.

Q. Cheeze매거진은 패션매거진이지만, 아티스트와 콜라보레이션 작업을 많이 한다. 이런 프로젝트를 할 때 어떻게 아티스트를 선정하는가? 우리와 콜라보레이션 하는 아티스트들은 특별하다. 그들은 자신만의 스타일이 있고 우리 팀에게 영감을 준다. 물론 제일 큰 이유는 우리가 그들을 좋아하기 때문이다. 일러스트레이션, 포토그래피, 스타일링 등 다양한 콜라보레이션을 해왔다. 이 모든 것을 나 혼자 하는 것보다 모두 함께 공유하며 작업하고 싶다.

Q. Cheeze매거진이 좋아하는 아티스트가 있다면?

Factory Studio & Art House에서 작업하는 Jeep을 좋아한다. 그녀는 자기만의 철학이 있고 재능이 있다.

Q. 다른 나라의 도시와 비교해서, 방콕 스트리트 패션의 특별한 점이 있는가? 방콕 스트리트 스타일은 많은 곳에서 영향을 받았다. 그렇지만 태국 더운 날씨에 맞춰 입게 되면, ‘방콕 스트리트 스타일’이 되는 것이다. 패션 트렌드가 다양하고 늘 변한다. 또 다른 점은 패션 산업이 발달하는데 있어서 중요한 역할을 하는 아름다운 사람들이 많다.

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Jiradt Pornpanitphan Q. 당신을 소개해달라. 내 이름은 Jiradt Pornpanitphan이고, Cheeze, Looker 매거진의 편집장을 담당하고 있다. 내가 좋아하는 것을 직업 삼아 하게 된 꽤 운이 좋은 사람이다.

Q. Cheeze매거진 컨셉이 있다면? 컨셉은 전세계 다른 스트리트 매거진처럼 스트리트이다. 우리는 사회 전반에 걸쳐 패션문화를 남기고 싶고 패션을 사랑하는 이들에게 영감을 주고 싶다. 또, 태국 독자들을 위해서 태국 패션을 담고 있는데 이 역시 외국인들에게 태국 스타일이 어떻게 발전하고 있는지 보여줄 것이다.

Q. 언제 Cheeze매거진을 처음 출간했나?

2004년 5월 처음 출간했다.

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Q. Looker매거진에 대해 알고 싶다. 좀 더 자세히 이야기해달라.

Looker매거진은 섹스, 럭셔리, 자동차, 수트, 타이나 비싼 시계에 관심 없는 남성들을 위한 것이다. 왜냐하면 이미 기존 시장에는 이런 잡지들이 아주 많다. 우리는 옷을 통해 그들의 영혼을 보여주고 이런 남성들이 나타날 때가 됐다고 생각했다.

Q. Looker매거진은 Cheeze매거진 성공 후 발행 했다. 두 매거진의 가장 큰 차이점은?

Cheeze매거진 독자는 좀 더 어리다. 15~22세 정도의 남녀모두가 독자층이다. Looker매거진은 22~45세의 남성 독자층을 위한 것이다. 다른 취향을 가진 두 그룹이 있기 때문에, 매거진의 컨텐츠 역시 다르다. Cheeze는 남녀 모두 읽을 수 있지만 여성층에 조금 더 가까운 반면에, Looker는 오직 남성만을 위한 잡지로 차별화를 둔다. 하지만 많은 여성들이 잡지에 나오는 남성들을 보기 위해 여성 구매층도 많다(웃음).

Q. Cheeze매거진 아티클은 다양한 반면, Looker매거진은 스트리트 스냅샷이나 신제품에 대한 내용이 많다. 이유가 있나? 남성독자층은 덜 복잡하기 때문이다. 그들은 너무 길거나 서술적인 글 읽는 것을 좋아하지 않는다. 스스로 패션피플과 아이템을 보고 나머지 이야기를 상상한다.

Q. Looker매거진 픽토리얼은 여느 기존의 태국 잡지와 달리 강하고 뚜렷하다. 어떤 스타일을 추구하는가? 나는 다양한 스타일을 좋아한다. Looker스타일이 나만의 스타일이 되기도 한다. 태국 사람들

역시 이런 점을 좋아하는 것 같다.

Q. 어떻게 Looker페이지를 스타일리시한 패션 피플로 채우나? 방콕에는 스타일리시한 사람들이 많아서, 우리가 하는 건 그저 그들이 자주 가는 곳을 찾는 것이다. 우리는 포토그래퍼에게 Looker 스타일을 이해하게 알려주고 우리 컨셉에 맞는 사람들을 고른다. 물론 수많은 패셔너블한 남성들에게 제일 고마워해야 할 것 같다.

Q. 당신의 스태프 중에는 Cheeze와 Looker매거진 양쪽 모두에 기고하는 스탭도 있더라. 동시에 완전히 다른 매거진에서 일하면서 생기는 장점은 무엇인가? 두 잡지 사이에 차이점이 있지만, 결국엔 스타일에 관한 것이다. 마치 두 가지 질문을 던지는 것이다. 질문들이 전혀 모호하지 않게 여겨서 두 가지 모두 잘하는 사람들도 있다. 사실 항상 똑같은 것들만 하지 않아도 된다는 점에서 좋은 것 같다. 다양한 분야의 작업을 즐길 수 있다.

Q. 동시에 두 매거진을 운영하는데 있어서 가장 어려운 점은? 아무래도 두 매거진 모두 잘 만들면서 독자들을 우롱하지 않는 것이다. 나는 두 매거진이 각각의 차이점을 수용하면서도 매거진만의 아이덴티티와 가치를 가지게 하고 싶다. 이것이 사람들이 흥미롭게 읽을 만한 것을 만들고 싶은 우리의 원동력이다.

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Steven Pettifor Q. BAM(Bangkok Art Map)을 설명해달라.

BAM은 방콕 도심의 전시 공간을 정리한 지도다. 예술에 관련된 모든 것을 표기하고 있다. 꼭, 갤러리가 아니더라도 아트 전시를 하는공간에서부터작가스튜디오,사립미술 학교, 프레이밍 서비스, 예술품 수출업체, 포토 스쿨, 미술 용품점 등을 소개하고 있으며그안에아카이브까지소개하고있다. 방콕 내에 있는 예술에 관한 거의 모든 것을 담았다고 해도 과언이 아니다.

Q. BAM은 어떻게 시작되었는가?

2007년 처음 시작했을 때만해도 주변에 그럴만한 아트 맵이 없었다. 비슷한 안내 책자가 하나 있었는데 비정기적으로 발행됐고 비공식적이었다. 다른 도시로 여행을 다녀보니 이런 종류의 책자가 얼마나 도움이 되는 지를 알게 됐다. 사람들은 잡지들을 여러 권 사서 모든 정보를 스스로 모으는 것보다 편리하고 간단하고 또 저렴하게 정보를 얻고 싶어한다.

Q. 2개 국어로 출판한다. 일이 많지 않나. 많다. 그런데 우리의 독자는 여행자들만이 아니다. 사실 우리 독자들은 대부분 방콕에 사는 사람들이다. 방콕 사는 사람들이 BAM을 유용하게 생각해주는 것이 좋다.

Q. BAM은 공짜다. 어떻게 자금을 마련하는가? 첫 두 해 동안은 동안은 부동산 개발업자가 후원을 해줬다. 2009년에 경기가 어려워지니 자금줄을떼더라.그래서갤러리에기부해달라요청했다.사실,방콕에있는대부분의갤러리들은 이윤을 적게 남기며 영업을 한다. 그런데도 BAM을 지원해주겠다는 갤러리가 20개 정도 있었다. 최근에 우리는 기업 스폰서와 계약했다. 매우 좋은 상황이지만 BAM이 활성화 되기 위해서는 더 많은 스폰서 쉽이 필요하다.

Q. 매달 엄선된 전시회를 소개한다. 뽑는 기준에 대해 알려달라. 이달의 최고라고 생각하는 전시를 택한다. 고려할 것이 많은데 이를테면 스폰서와 태국 출신 아티스트와해외파아티스트비율등을염두에둔다.가급적이면다양하고폭넓게다루려고한다.

BAM은 예술 분야의 전문가들뿐만 아니라 다양한 사람들을 위한 것이기 때문이다.

Q.당신이 하는 모든 활동이 예술과 관련된 것 같다. 그렇다. 여러 해외 신문이나 지역 신문에 기고한다. 1999년부터 격월로 해외에 출판되는 ‘Asian Art News’와 분기별로 출판되는 ‘Word Sculpture News’의 태국 편집 에디터로 일하고 있다.

2004에는 태국 예술에 관한 영문본 ‘Flavours-Thai Contemporary Art’도 썼다. 집필 활동 외에도 여러 전시 큐레이팅에 참여했다. 54th Venice Biennale에서 열린 Thai Pavilion, Mumbai 에 위치한 Sakshi Gallery에서 열렸던 Navin Rawanchaikul의 ‘Places of Rebirth’ 전시, 방콕의 Number 1 Gallery에서 열렸던 ‘Charles LaBelle’ 그리고 Charinthorn Rachurutchata의 ‘Otaku’ 역시 참여했다.

Q. 당신은 편집자임과 동시에 사진가로도 왕성하게 활동하고 있다. 그 많은 일을 하면서 혼자서 예술 할 시간은 어떻게 만드나? 나는 일상 속의 비일상적인 장면들을 찍는 것을 좋아하기 때문에 내 사진들은 좀 독특한 시각에서 바라 본 태국을 보여준다. 찰나의 순간들에 대한 사진들이다 보니 특별함을 발견하려면 적어도 두 번 정도는 봐야 한다. 나의 작업은 다른 작품들은 보다 추상적이고 조직적이다. 1998 년 About Cafe에서 ‘Creatures’라는 이름의 전시회를 열었고, 1999년에 ‘How much is that doggy…..’라는 이름으로 노마딕 인터렉티브 전시회도 열었다. 그 전시에서 Judy Freya Sibayan 이라는 필리핀 아티스트의 몸에 그녀의 아시아 및 유럽 여행기를 표현했다(이 전시로 런던의 Hayward Gallery에서 열렸던 ‘Cities on the Move’의 개막식에서도 참여했다). 이 밖에도 2003 년에는 Pridi Banomyong Institute에서 Womanifesto를, 2008~ 2009년 사이에는 Bangkok Art & Culture Centre에서 그룹쇼 ‘Krungthep 226’를, 그리고 또 2009년 방콕의 Whitespace Gallery 에서 ‘Trigger’라는 그룹 전시를 열었다. 방콕 시내 여러 갤러리에서 열리는 ‘See Saw Seen’라는 그룹 전시회에도 정기적으로 참여한다.

차이점을 수용하면서도 매거진만의 아이덴티티와 가치를 가지게 하고 싶다. 이것이 사람들이 흥미롭게 읽을 만한 것을 만들고 싶은 우리의 원동력이다.

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Young Thai Female Artists Pare-Nadda

Q. 자신에 대해 소개해 달라. 저는 화가, 작가, 가수, 음악가, 그리고 예술 텔레비전 프로그램 호스트이자, 예술 이론 석사 과정을 밟고 있는 학생입니다. 저는 인생에는 여러 관점이 있다고 생각하기 때문에 다양한 일을 합니다. 예술은 우리 일상 생활의 뼈대이기 때문에 모든 것과 연결될 수 있습니다. 저는 제 삶을 지루하게 만들고 싶지 않습니다. 저는 사람이라면 누구나 자신들이 원하는 그 어떤 것이든 할 수 있다고 생각합니다. 저는 아이디어가 떠오르면 일단 시작을 합니다. 실험은 저로 하여금계속해서재창조하게만들죠.이것이 제 삶의 원동력이랍니다.

Q. 당신은 삽화가로 잘 알려져 있다. 왜 삽화를 작품의 표현 형태로 선택했나? 저는 인간의 심리에 매우 관심이 있고 제가 할 수 있는 최대한으로 스스로를 분석해 왔으며 제가 발견한 것들을 시험해왔습니다. 저는 예술을 저와 다른 사람들 사이의 커뮤니케이션 수단으로 사용하려고 노력하고 있습니다. 저는 한가지의 기술에만 스스로를 제한시키지 않고 각 상황마다 최선의 수단을 사용하는 것을 더 좋아합니다. 하지만 회화는 주어진 포맷 안에서 광범위한 감정들을 표현할 수 있으므로 제일 좋아하는 장르 중 하나입니다.

Q. 당신은 해피밴드의 멤버이기도 하다. 해피밴드에 대해 설명 좀 해 달라. 해피밴드는 2009년 10월에 예술과 삶에 대해 배울 수 있도록 만든 밴드입니다. 해피밴드에는 네 명의 멤버들이 있는데 Lolay , Giameee , Missyo, 그리고 저입니다. Lolay 는 기타와 베이스를 칠 수 있는 유일한 멤버입니다. 저는 피아노를 칠 수 있지만, 우리는 기타, 베이스, 드럼이 있는 3 중주 밴드를 만들고 싶었습니다. 이제 우리에게는 스무 개 이상의 곡이 있고 쇼도 많이 했습니다 Q. 당신에게는 음악과 일러스트 중 어떤 것이 더 중요한가? 음악과 일러스트는 같은 뿌리에서 나왔습니다. 그들은 항상 서로에게 영감을 줄 겁니다. 예술은 매우 다양해요. 음악은 예술의 큰 부분 중 하나죠. 저에게 있어 음악이란 마법적인 힘 때문에 그림보다 더 관객과 더 소통할 수 있는 수단입니다. 볼 수는 없지만 느낄 수는 있죠. 그림에서는 모든 사람이 같은 색깔의 같은 음영을 봅니다. 하지만 음악에서는 각자 자신만의 음영을 보게 됩니다. 저만의 음악을 연주할 때면, 마치 다른 언어로 이야기하고 있는 것 같은 기분이 들기도 합니다..

Q. 당신에게 일러스트란 무엇인가? 거울입니다. 저의 삽화는 제 마음 속 깊은 곳에 무엇이 있는지를 보여줍니다. 선과 색들은 제 감정을 숨길 수 없답니다. 제가 어렸을 때는 선과 색들이 매우 화려했고 자유로웠습니다. 하지만 성장하면서 점점 인간이란 매우 복잡한 존재라는 사실을 알게 되었습니다. 인간에게는 감각이 있습니다. 감각은 다양한 감정들을 만들어 냅니다. 그때 저는 더 이상 색을 이용하지 않고 싶다고 결심했습니다. 저는 검은색 아크릴로 그린 선을 아주 좋아합니다. 저는 복잡한 그림은 그리고 싶지 않습니다. 저는 그림 속에 감정을 담아 두고 싶습니다. 예를 들면, 소녀를 그릴 때면, 소녀가 어떻게 생겼는지는 나타내고 싶지 않았고, 그녀의 감정만을 담아내고자 했습니다.

Q. 앞으로의 계획이 있다면? 저는 곧 몇몇 사람들의 눈에는 유명한 예술가로 보이지만 제 눈에는 그저 훌륭한 한 인간으로 보이는 사람과 결혼식을 올릴 예정입니다.

OH+Futon

Q. 자기 소개를 해달라. 제 이름은 OH+입니다. 삽화가입니다. 사람들은 제가 FUTON 라는 밴드에서 연주를 했기 때문에 저를 OH+Futon이라고 부릅니다.

Q. 당신에게는 음악과 일러스트 중 어떤 것이 더 중요한가? 아주 좋은 질문이네요. 저는 많은 일을 하고 있습니다. 제 대답은 항상 “저는 좋아하는 일을 선택한다”는 것입니다. 저는 항상 제가 그 순간에 하고 있는 일을 사랑합니다. 저는 좋아하지 않는 일은 하지 않습니다. 따라서 저는 음악과 일러스트 중 무엇을 더 좋아하는지 선택할 수가 없습니다. 나이가 들면 여생 동안 그림을 그리는 일만 할 수 있게 될 것이라 생각합니다. 저는 그림을 그릴 때 정말 행복합니다. 보통 그림을 그릴 때는 시간이 빨리 갑니다. 하지만 저는 동시에 두 가지 일은 하지 못합니다. 그래서 무언가를 할 때는 항상 그것에 저의 모든 아이디어와 집중력을 집어넣습니다. 제 인생의 모든 것이

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예술이랍니다.

솔직히 말해서 어떤 계획도 없습니다. 순간마다 제가 하고 싶은 일들을 할 뿐입니다.

Q 당신은 많은 팬 층을 확보하고 있을듯한데, 당신의 팬들은 어떤 사람들인가? 저는 스스로가 유명하다고 생각하지는 않지만, 많은 사람들이 저를 알고 있습니다. 하지만 음악 쪽에서 저를 좋아하는 사람들은 제가 그림을 그리는 것을 모르고, 제 그림을 좋아하는 사람들은 제가 음악을 하는 걸 모릅니다. 그렇기 때문에 저는 굉장히 다양한 팬 층을 확보하고 있습니다. 만약 어떤 팬이 저에게 사인을 달라고 하면 저는 그 분에게 저의 어떤 분야를 좋아하냐고 묻습니다. 이런 점이 참 재밌습니다. 어쨌든 저는 한 분야의 팬을 확보하고 있지는 않습니다. 그렇기 때문에 저의 팬들이 가지고 있는 정확한 스타일이 무엇인지 모르겠습니다.

Jeep Kongdechakul

Q. 우리 독자들에게 자기 소개를 부탁한다. 제 이름은 Jeep Kongdechakul 이고 26 세입니다. 저는 삽화가이자 치즈 매거진 ( 스트리트패션매거진)의칼럼니스트입니다. 저는 삽화 외에 패션 디자인 (의류, 직물 패턴,태국방콕의flynowIII디스플레이),신발 디자인 (태국 방콕의 since 1959 발레 슈즈) 그래픽 디자인 (기업 이미지 디자인, 벽지)과 같은 다른 예술 분야에서 다양한 일을 하고 있습니다. Srinakakharinwirot 대학의 순수 미술 학과의 강사를 하고 있으며, Silpakorn 대학 데코레이션 아트 학과의 강사이기도 합니다. 또한 저는 The Factory Studio & Arthouse의 창립자이자 디자이너이기도 합니다.

Q. 일러스트레이션을 시작하게 된 계기는 무엇인가? 어렸을 때부터 그림을 그렸고 미술 대학을 나왔습니다. 대학교 2학년 때는 어떤 힙합 밴드 안에서 베이스 기타를 치기도 했고 그 이후에 다양한 일들을 했기 때문에 많은 작업을 제대로 하지 못했습니다. 그런데 어느 날 정말 그림을 그려야겠다고 생각했고 그때부터 매일 시간이 날 때 마다 틈틈이 그림을 그렸습니다. 그리고 어느 날 제가 제일 좋아하는 작가이자 태국에서 가장 유명한 작가에게 가서 나의 그림을 당당히 보여주며 그의 책에 제 일러스트를 넣는 것에 대한 제안을 했습니다. 그런데 그 작가가 서슴없이 나의 작업이 좋다고 승낙하여 같이 포켓북을 만들었고, 그 일을 계기로 많은 시간을 그림 그리는 데에 투자할 수 있었습니다. 제가 당당히 그 작가한테 작업을 보여줄 수 있었던 이유는 그녀가 제 작업을 마음에 들어 하든 그렇지 않든, 저는 잃을 게 없다고 생각했기 때문입니다. 저는 정말 저의 꿈을 따라가는 사람입니다.

Q. 당신에게 일러스트란 무엇인가? 일러스트는 저에게 직업이나 일에 가깝습니다. 예를 들면, 제가 법에 대한 내용을 다루는 책의 일러스트를 할 때는 독자가 그 책의 내용을 완벽하게 이해하고 더 이해하기 쉽게 그림을 그려줘야 합니다. 그리고 그 그림 안에 반은 제 생각이 들어가고 그 외의 것은 저에게 요구하는 걸 다룹니다. 하지만 제가 전시를 하는 경우에는 그 누구도 저에게 요구하는 답이 없기 때문에 저는 그 안에 제 모든걸 표현하고 집어 넣습니다. 저는 모든 것에 제 생각과 감정을 다 표현하고 싶습니다. 저에게 일러스트란 어떠한 것에 대한 답이라고 생각합니다.

Q. 앞으로의 계획은 무엇인가? 솔직히 말해서 어떤 계획도 없습니다. 순간마다 제가 하고 싶은 일들을 할 뿐입니다.

Yuree Kensaku

Q. 우리 독자들에게 자기 소개 를 해 달라. 저는 주로 화가로 활동합니다. 수채화, 벽화, 그리고 회화에 기초한 모든 종류의 예술을 하고 있습니다. 뿐만 아니라 CD 커버, 제품, 뮤직 비디오도 디자인 하고 일러스트도 하고 있습니다.

Q. 당신은 일러스트레이터로도 유명하다. 어떻게 해서 삽화를 시작하게 되었나? 저는 정기적으로 그림을 그리고 전시회를 열었고 때문에 대부분의 간행물과 잡지들은 제가 무슨 작업을 하는지 알게 되었습니다. 그들은 저에게 합류하라고 초대를 하기 시작했고, 저는 열심히 작업을 해왔습니다.

Q. 당신이 삽화를 그릴 때 생기는 특별한 창의적 시너지가 있는가? 저는 어렸을 때부터 영화와 애니메이션 보는 것을 무척 좋아했습니다. 삽화를 그릴 때, 저는 소설 작가, 저자, 다른 전문 크리에이터들에게서 많은 영감을 끌어내어 이러한 영감을 제 경험과 혼합시킵니다.

Q. 당신은 일러스트레이터로 잘 알려져 있다. 어떻게 일러스트를 시작하게 되었나? 어느 날, Flynow III의 재봉사를 기다리는 동안 제 핸드백 안에 들어 있던 모든 잡동사니들을 스케치하기 시작했습니다. 그 그림들은 빠르게 그려진 스케치였는데 저에게는 비공식적인 일을 하는 느낌을 주었고, 마커로 색칠한 선들의 층은 제 성격과 그 당시의 감정들을 보여주고 있었습니다. 그래서 저는 마치 일기처럼 제가 사거나 먹은 거의 모든 것들을 스케치북에 계속해서 그려나갔습니다. 그러던 어느 날 Cheeze 매거진의 편집장이 저에게 연락을 해 칼럼니스트가 되고 싶은지를 물었습니다. 저는 기사를 쓰는 것이 부담스러워 고맙지만 거절했습니다. 하지만 다시 한번 연락이 왔고, 저는 제 스케치북을 보여주었습니다. 그 이후로, 저는 Cheeze 매거진의 칼럼니스트가 되었습니다.

Q. 당신은 두 가지 형태의 창의력을 합쳐 놀라운 결과물을 얻은 적이 있나? 회화, 그래픽 디자인, 꼴라쥬 작업, 수채화 등과 같은 다양한 부문의 예술을 합쳐 진행한 Flynow III의 윈도우 디스플레이의 예를 들고 싶습니다. 저는 고객이 요구하는 브랜드 이미지를 예술에 혼합하려고 합니다. Flynow III은 제 성격과 잘 맞는 젊고 쾌활한의 이미지를 띄므로 이해하기가 훨씬 쉽습니다.

Q. 당신은 일러스트를 이용하여 윈도우 페인팅, 책 일러스트, 신발 디자인 등 다양한 일을 하고 있다. 당신이 가장 좋아하는 작품은 무엇인가? 그림 붓을 이용하기 때문에 제가 가장 좋아하는 작품은 제 그림과 삽화입니다. 저는 컴퓨터 그래픽을 사용하는 것보다 손으로 그리는 것을 더 좋아합니다. 대부분 저의 작품은 손으로 만들어지고 인쇄하기 전에 컴퓨터로 마무리됩니다. 제가 가장 좋아하는 또 다른 작품은 Flynow III에서 한 윈도우 디스플레이입니다. Flynow III에는 커다란 윈도우 디스플레이가 있기 때문에 저는 최상의 것을 만들어 내기 위해 아이디어를 사용할 수 있습니다. 윈도 디스플레이는 마치 커다란 4면체 틀에 그림을 그리는 것, 혹은 쇼핑 몰의 중앙에 전시를 하는 것과 마찬가지입니다. 저는 지나가는 사람들이 제 윈도우 디스플레이에 감탄하고 사진을 찍을 때면 매우 자랑스럽고 기쁩니다.

Q. 당신에게 일러스트란 무엇인가? 일러스트는 일러스트 그 자체입니다!

056p

FOR CREW

Q. 당신의 그림 안에는 많은 이야기들이 담겨 있는 것 같다. 어떤 개인적인 경험이라도 담겨 있는 건가? 저는 저만의 비전으로 그림을 그리고 이 세상에 대해 제가 어떻게 생각하는지, 우리의 환경, 개인적인 관계 경험, 그리고 제 주변의 모든 혼란스러운 것들을 그립니다. 제 그림은 각각 다른 시기에 제 기분에 영향을 미친 것들에 대한 메모라고 생각합니다.

Q. 당신은 영감을 어디에서 발견하는가? 저에게는 여러 가지 이유로, 많은 곳에서 영감이 발생되지만, 주로 집에서 멀리 떨어져 여행을 할 때 영감이 강하게 떠오릅니다. 저는 시장을 걸을 때와 흥미로운 소재거리를 발견했을 때도 영감을 받습니다. 최근, 제 친구들과 저는 벽화 작업을 함께 했는데 그 장소에 푹 빠져 깊은 감정을 느끼는 제 자신을 발견했습니다. 예를 들면, 그 그림에서 저는 노숙자들에 대해 생각하면서 소외 당하는 소녀를 그렸습니다.

Q. 일러스트 이외에도 많은 페인팅들을 한다. 가장 좋아하는 작품이 어떤 것인가? 저에게는 좋아하는 그림들이 많이 있습니다. 특히 제가 2010년에 완성한 ‘Cruising Ahead’ 라는 그림을 좋아합니다. 저는 저의 사랑과 작은 보트 안에서 예측 불가능한 미래를 향해 많은 것들을 실어 나르는 제 자신을 그렸습니다. 그림을 그리는 동안, 저는 ‘만약 우리에게 여전히 서로가 있다면, 어떠한 장애물도 극복하기에 충분하고 우리가 함께 공유하고 있는 어떠한 문제도 해결할 수 있다’ 라고 생각했습니다. 마음에 드는 또 다른 작품을 꼽으라면 아마 프라이 송 (Pleng Pry)일 겁니다. 그때 저는 처음으로 제 그림이 움직이는 것을 보았으니까요.

Q. 당신에게 일러스트란 무엇인가? 삽화는 주로 기사, 패션, 음악 등을 보조하는 선전 예술이라고 생각합니다. 하지만 제 그림들은 제 자신의 생각으로 창조되었습니다. 그림은 더 제 자신에 대한 것입니다. 다른 어떤 것도 보조하지 않고 스스로의 의미가 있는 것입니다. 대부분, 일러스트는 저에게 사람들을 알고, 새로운 것들을 경험하도록 많은 기회를 주고 다른 작품을 만들도록 영감을 줍니다.

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P7

Q. FOR CREW에 대해 이야기 해달라. 나는 P7이라고 한다. 스트리트 아티스트이며 FOR CREW의 리더다. FOR CREW의 결성 동기는 우연한 기회에 동료 아티스트 Yuree와 함께 벽화 작업을 하면서부터였다. 다른 예술가와 함께 작업하는 과정, 스타일과 아이디어를 조화시키는 일은 매우 흥미로웠고 고무적이었다. 그 후 우리는 그래피티, 스트리트 아트, 그래픽 디자인, 일러스트레이션 등 다른 분야의 아티스트들과 함께 공동 작업을 하자는 아이디어를 내게 되었다. 그리고 곧바로 FOR CREW의 탄생으로 이어지게 되었다. 여러 전문 분야에 걸친 우리의 대담한 접근이 방콕 아트 & 컬쳐 센터에서

열린 두 번의 전시회와 방콕과 태국 등지에서 열린 수 많은 라이브 페인팅 이벤트로 이어졌다.

2010년 우리의 첫 전시가 열린 이래, P7, Yuree Kensaku, Zids, Mamafaka, Kult, Cider, Nev3r, May-t, 01, Tawan Wattuya, Narissara Pianwimungsa, Rukkit Kuanhawej, Miss Ink, Logan Bay, Wanpracha SGR, TRK, Space Limo, Chip 7 이상 열 여덟 명의 멤버가 함께 활동하는 집단으로 성장하게 되었다.

Q. 왜 이런 크루를 만들게 되었나? 이 크루의 목적은 무엇인가? 각기 다른 스타일의 아티스트가 각자 자신의 예술을 마음껏 표현하고 있는 그대로 자신을 드러낼 수 있다면 매우 흥미롭고 재미있을 것이라 생각했다. 우리 그룹은 아티스트들이 자유롭고 즉흥적인 방식으로 작업할 수 있도록 지원한다. 그들은 어떤 일정한 패턴이나 컨셉 없이 자신만의 작품을 만들 수 있다. 나는 FOR CREW가 다양한 개인적인 작품들의 결합이 제한이나 규율이 없는 환경에서 함께 성장하기를 원한다. FOR CREW의 각 멤버들에게는 각각 다른 강점이 있고, 그룹으로 그 장점들이 합쳐지면 창의적인 힘이 확대된다. ‘함께 한다’는 이 정신이 각 멤버들의 작업 과정에 우리의 새로운 방향은 상상 이상으로 도움이 되어왔다. 이러한 긍정적 에너지는 비단 창의적인 시너지에 그치지 않고 FOR CREW는 멤버들, 서로가 격려하고 조언을 해주는 확대 가족의 역할도 하고 있다.

스타일을 받아 들였다. 그리고 독창적이면서 동시대적이고 매우 태국적인 새 방식으로 함께 녹여내고 있다. 나는 그녀를 많은 갤러리 개관식에서 만났지만, 그녀의 그림을 본 적은 없었다. 어느 날, 친구 한 명이 그녀의 그림을 페이스북에 올린 것을 발견했고, 나는 그녀의 작품에 깊은 인상을 받아 그녀를 FOR CREW크루에 초대했다. Srinakharinwirot 대학에서 열린 자신의 졸업 작품 쇼는 매우 인상적이었다. 그녀는 관을 자신의 트레이드 마크 디자인인 해골, 꽃, 아름다운 여성으로 뒤덮었다. 그녀는 항상 노력하고 새로운 기술을 배운다. 미스 잉크는 현재 타투 샵에서 실습하고 있으며, 새로운 가게를 오픈하기 위해 제품 라인과 의상을 개발하고 있다.

Logan Bay

Logan Bay 는 내가 참가했던 방콕 외곽의 한 의류 공장에서 열렸던 apexart가 후원한 쇼에서 큐레이터를 맡고 있었다. 우리는 둘 다 인습을 벗어나 예술을 즐길 수 있는 방법을 찾으며 아트 쇼에 대해 매우 비슷한 생각과 컨셉을 가지고 있었다. 그의 개인 작업은 유쾌했고 색깔이 화려했다. 그는 팝 아트 스타일로 서구 문화와 태국 문화의 교차점을 탐험하고 있었다. 우리의 첫 외국인 멤버로서 그의 예술과 태국에 대한 관점은 FOR CREW에게 훌륭한 보탬이 되고 있다.

Logan 은 태국의 동시대적 예술계를 지지하고 홍보하기 위해 작업하고 있다. 그의 아내 Sandy의 도움으로 그들은 태국의 아트를 다루는 잡지 SUBP•A•ROHT를 창간했다.

Q. FOR CREW는 어떤 종류의 프로젝트를 하고 있나?

FOR CREW의 프로젝트는 순수 미술, 디자인, 그래피티의 요소를 포함하고 있다. 우리는 서로 공유하고 있는 스트리트 아트 감성에 의해 결합된 많은 다양한 스타일로 작업한다. 대규모 공공 작품을 하면서 우리는 도시의 거리와 갤러리 전시 모두에서 틀을 벗어난 작품을 만드는데 초점을 맞추고있다.FORCREW의결과물을확장시켜나가면서앞으로있을프로젝트들은조각품전시, 제품과인터렉티브이벤트를포함하고있다.우리는이해하기쉽고,고무적이며,재미있는예술을 만들기 위해 끊임없이 노력하고 있다.

067p

THE SOUND OF BANGKOK DRAGON

Q. 당신의 음악 스타일에 대해 이야기해달라.

House, techno, dubstep, drum ‘n’ bass 등 Dubwize 비트라면 다양한 종류를 튼다.

Q. 당신의 작품에 대해 소개해 달라. 내 작품은 사실주의, 스트리트 아트, 페인팅, 그래픽, 실험 예술을 결합시켜 놓은 것으로 스스로 “프리 스타일 아트”라고 부른다. 나는 항상 무언가를 만들어 내면서, 끊임없이 예술 작품에 매달리고 있는데 한 작품이 완성되면, 곧바로 새로운 작품이 시작한다. 이미 했던 것은 되풀이 하지 않는다. 나는 색깔, 단어, 시각 예술을 사용하면서, 이중성과 인간 본성의 깊이와 우리 주변 세상에 대해 탐험하는데 목적을 둔다. 만약 내가 이런 것들을 끝내는 순간 내 캐릭터는 죽게 될 것이고, 나는 환생을 기다리게 될 것이다.

MAMAFAKA

MAMAFAKA 는 B.O.R.E.D.와의 그래픽 디자인 공동 작업으로 잘 알려져 있다. 그의 스트리트 아트에 대한 관심은 실로 대단해 나로 하여금 그를 2010년 FOR의 첫 쇼에 참가하도록 초대하게 만들었다. 당시 나는 그가 자신의 작업에 있어 그래픽을 넘어서 캐릭터와 벽화 디자인까지 확장시키도록 격려하고 싶었다. 그리고 그 해 FOR CREW 쇼에서 MMFK의 상징적 캐릭터인 커다란 콧수염이 나고 눈이 하나 달린 털복숭이 HELL YEAH 씨가 탄생했다. 그 이후로, HELL YEAH 씨는 티셔츠, 포스터, 그래피티, 스케이트 보드에 등장하며 방콕 스트릿 아트를 대표하는 아이콘이 되었다.

Tawan Wattuya

Tawan Wattuya는 내 오랜 친구다. 그는 순수 예술계에서 인상적인 수채화로 유명하다. 방콕의 투트 융 갤러리, 눔통 갤러리, 탕 현대 미술관에서 열린 단독 전시회로 인해 그는 정치적 불안과 쾌락주의의 명랑한 선동가라는 평판을 얻고 있다. 그의 독특한 순수 미술계의 내력으로 Tawan 은 FOR CREW에 다른 접근법을 선사하고 있다. FOR CREW쇼에서 작업하면서 그는 처음으로 대규모 벽화 프로젝트에서 작업하게 되었다. Tawan은 유럽과 아시아 전역에서 전시회를 열고 있다.

Narissara

Narissara는 방콕의 갤러리 N의 대표다. 나는 항상 그녀를 개관식에서 봤지만, 서로 이야기를 많이 나눈 적은 없었다. FOR CREW에서 작업을 하면서 그녀를 알게 되었다. 그녀와 함께 작업을 하고 있다는 것 자체가 개인적으로 좋은 기회가 되고 있다. 그녀의 일러스트 스타일은 꿈과 잠재의식에 중심을 두고 있다. 보통 페인팅과 목탄 소묘 작업을 하는 Narissara는 FOR CREW 에서 처음으로 자신의 예술적인 래퍼토리에 페인트를 뿌리며 벽화 작업을 했다. 그녀의 새로운 작품은 섬유에 수채화와 자수를 결합한 것이다. Narissara의 대표적인 물방울 무늬 새와 다른 작품들이 그녀의 새로운 웹사이트, Etsy의 the Mellon Collie Shop 에서 판매되고 있다.

TRK

Q. 언제 시작했는가?

8학년 때 DJ deck을 가지게 되었는데 꽤 오랜 전 일이다.

Q. 첫 번째 파티는 어땠는가?

1997/1998년도 방콕에서 다른 두 친구 Mc Abu, DJ Wen과 함께 DnB 파티를 개최하려고 했다. 처음엔 사람들이 DnB를 별로 좋아하지 않았고 지금같이 되기까진 시간이 걸렸다. 요즘에는 “DUBWAY SESSIONS”이라고 하는 dubstep/bass night를 매 월 기획하고 홍보하는 중이다. 제일 처음 했던 때가 4년 전인데, 그 당시에는 ducbstep을 좋아하는 사람이 거의 없었다. 지금은 어느 정도 성장했다.

Q 방콕에서 drum ‘n’ bass, dubstep 장르를 거의 처음 만든 것으로 유명하다. 이런 장르의 음악씬은 어떤가? 사람들도 친절하고 대부분 클럽 부위기도 좋아서 방콕을 좋아한다. 처음 시작했을 때는 DJ가 거의 없었다. 요즘엔 온갖 종류의 비트를 가지고 노는 뛰어난 DJ들이 많다. Thailand에는 재능 있는 뮤지션들이 퀄리티 있는 음악을 상당수 만들고 있다. 하지만 우리 음악 스타일을 타지역에 알리려면 시간이 좀 걸릴 것 같다.

Q. 자세히 이야기해 줄 수 있나? 능력 있는 프로듀서들은 많다. 하지만 UK, USA 시장에서 음반계약을 하고 파는 것은 여전히 힘들다. 시장이 더 경쟁적이기도 하고, 진입하는 것 자체가 어렵다. Maft Sai같은 친구는 개성이 강하지만Europe과Japan에서잘팔리고있다.Drum‘n’bass,dubstep,techno같은일렉트로닉 뮤직을 하는 다른 친구들 경우에는 실력이 있지만, 상대적으로 유명한 프로듀서와 경쟁하기 어렵다. 일렉트로닉 음악은 장단점이 있다. 누구나 할 수 있기 때문에 데모를 가진 수많은 프로듀서 지망생이 있지만, 레이블 입장에서는 사막에서 바늘찾기 수준이다. Thai와 동남아시아 프로듀서들이 필요한 것은 사업연줄과 이 씬을 키워주고자 하는 사람들이다.

Q. 방콕의 파티피플이 특별히 좋아하는 장르가 있나? 내 생각엔, 분위기가 편해서 사람들이 Dubway오는 것을 좋아하는 것 같다. 다양한 음악적 백그라운드를 가진 게스트 DJ들이 오기 때문에 Dubway에는 항상 특별한 뭔가 있다.

TRK는 피투성이의 다소 변태적인 흑백 삽화로 잘 알려져 있다. 그는 방콕에서 드럼 & 베이스, 덥스텝을 지향하는 현지 클럽 나이트 덥웨이의 그래픽 디자인을 한 것으로 유명하다. 유령, 괴물, 페티시 스타일에 매료되어 있는 TRK는 난해한 작품을 통해 어두운 면을 탐하는 것은 즐긴다. 개인적으로 나는 TRK의 전통적인 예술 행위에 나타나는 솜씨 때문에 항상 그에게 강한 인상을 받아왔다. TRK는 손으로 그림을 그리고 스케치를 날마다 연습한다. 그는 우리 그룹에서 가장 열심히 작업하는 아티스트 중 하나고 항상 기꺼이 다른 사람들의 작업을 돕는다. 최근 TRK는 프레듀스 스케이트샵과 함께 성공을 거둔 스케이트 덱 시리즈, 포스터, 티셔츠를 만드는 작업을 진행했다.

Q. 음악도 제작하는가? 음반제작 경험은 한번도 없지만, Thailand에서 Homebass Communications Lable에서 음반을 낸 적이 있다. Asian drum ‘n’ bass 컴플레이션 앨범과 일본 프로듀서 DJ.Yas와 EP를 냈다. 올해 다른 컴플레이션 앨범도 준비 중이다.

Rukkit

MAFT SAI

Rukkit는대단히숙련된그래픽아티스트다.그는인포매핑,타이포그래피,레이아웃디자인으로 방콕 내에 잘 알려져 있다. 나는 그의 친구이자 단골 협력자인 MMFK를 통해 Rukkit를 만나게 되다. FOR CREW에서 작업한 것이 Rukkit로 하여금 자신의 강력한 디자인과 캐릭터를 혼합하도록만들었다.새로운테크닉을개발하면서,Rukkit는자신의작품을만들어내는데쓰이는 하나의 상자로 된 스텐실 인쇄 시스템을 만들었다. 그는 현재 목판을 층으로 만들어 조각이라는 새로운 방향의 작업을 진행하고 있다. 2011년에 Rukkit와 MMFK는 디자이너 액세서리 브랜드와 URFace라는 가게를 론칭했다.

Miss Ink

Miss Ink 는 FOR CREW의 가장 어린 멤버다. 그녀는 타투 아트의 영향을 받아 빈티지 스킨 아트

Q. 좋아하는 클럽이 있나?

Cafe Democ!!! 항상 사람들이 신나고 분위기도 최고다.

Q. ZudRangMa 전문 레이블 및 레코드사를 운영하고 있다. 어디에 가장 중점을 두고 있나? 세계 각지에서 근원이 되는 루트 뮤직의 원본을 기록하고 재발간하는데 중점을 둔다. 주로 태국의 luk thung 과molamqnxj부터 afrobeat, Jamaican roots music 이르기까지 다양하다.

Q. luk thung 과molam에 대해 소개해달라.

Luk thung 과 molam은 태국의 다른 지방에서 전해 내려오는 전통음악스타일이다. Luk thung은 기본적으로 태국 민요이다. 용어는 문자 그대로 논밭의 어린이들의 노래를 의미하는 pleng luk thung를 줄여쓴 것이다. Molam은 태국 북동부 지방에서 내려오는 전통음악이다. 방콕 같은 태국 북부와 남부는 음악스타일이 완전히 다르다. 70년대의 Luk thung 이 좀 더 경쾌한 반면 molam 자장가같이 느리다.

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Q. 모두 옛날 음악 스타일이다. 그렇다. 둘 다 마을축제에서 비롯되었다. Luk thung은 20세기 초반까지 거슬러 올라가고, molam 은 더 오래되었다. 첫 번째 녹음은 1966년 정도였다. Cambodia, Burma , Vietnam에서는 공산 정권이 대부분의 기록을 부루주아의 상징으로 보고 없애 버렸다. 다행히도 태국에서는 이런 일이 일어나지 않아서, 여전히 기록을 찾을 수 있고 새로운 스타일로 나아갈 수 있었다. 그런 전통음악과 펑크, 디스코, 재즈를 독특하게 섞은 스타일을 Thai Funk라고 부른다.

Q. 이런 오래된 레코드를 어디서 찾았는가? 음, 일단 직접 찾아야 한다. 필요하다면 마을까지 찾아가기도 하고 모든 곳을 다닌다. 말처럼 쉽진 않다. 한번은 태국과 Laos 국경에 레코드 콜레션이 있다고 들었다. 그곳에 도착했더니 그 곳 주민이 집 지을 공간이 필요해서 몇 일 전에 30,000 장의 레코드를 태웠다고 했다 Q. 레코드 가게와, 레이블, 파티를 모두 하는데 어떻게 시작되었는가? 모두다 ZudRangMa Records 라는 레이블을 가지고 2007년에 시작되었다. 먼저 유럽에서 이런 장르를 컴플레이션 형태로 재발간했다. 그 중에는 ‘The Sound of Siam : Leftfield Luk Thung, Jazz & Molam in Thailand 1964 - 1975’ on Soundway, ‘Thai? Dai! The Heavier Side of the Luk Thung Underground’ on Finders Keepers 앨범이 있다.

Q.파티는어떤가?2009년부터우리는‘ParadiseBangkok’을개최했다.그동안모아왔던음악을 주로 틀었다. 처음에는 빈티지 사운드, 자메이카 음악, afrobeat, 파키스탄 음악, Mali 등을 알리고 싶었다.

Q. vinyl만 들려주는가? 그렇다. 우리는 vinyl 원본을 튼다.

Q. 태국에 매니아들을 위한 커뮤니티가 있나? 시간이 흐르면서 규모는 줄었지만, 더 좋아졌다. 많은 손님들이 외국에서 왔고, 태국손님들은 최근에 오기 시작했다. 난 이런 현상을 더 큰 맥락으로 보려고 한다. 마찬가지로 한국에선 Seattle의 ‘Light in the Attic’ 레이블에서 한국인 프로듀서 신중현의 음악을 재발매했다는 걸 알지 모르겠다.

Q. 앞으로의 계획은? 지금 당장은 3월말 나올 molam곡을 모은 새로운 컴플레이션 앨범을 준비 중이다. 2월말에 ‘Paradise Bangkok’ 3주년 기념파티를 하려 한다.

MONTONN JIRA

Q. 당신의 음악 스타일에 대해 이야기해달라.

DJ로서 minimal techno 장르와 tech-house사이를 넘나든다. 작곡가로서는 최근에 필름뮤직에 빠져있다. 나는 대중음악의 맥락으로 음악에서 soundscapes와 textures를 표현하고 싶다.

Q. 첫 번째 파티는 어땠는가? 프로모터가 나를 다른 사람으로 착각하고 New York Meatpacking District 지역에 새로 열린 라운지 DJ를 해주지 않겠느냐고 물었다. 그 때가 2003년이었는데 이전에 한번도 디제잉 해 본적이 없었다. 당장 New York으로 가서 해보면 되지 싶었다. 장소는 수영장처럼 생긴 곳이었다. 온갖 종류의 음악을 틀면서 동시에 어떤 소프트웨어를 쓰고 있는지 찾아야 했다. 기억은 안 나지만 진짜 엉망이었던 것 같다.

Q. 처음 인터뷰로 만났을 때, 상을 탔다고 들었다. 어떤 것인가?

Slot Machine이라는 록밴드 앨범을 프로듀싱했다. 기존에 발매된 앨범과는 꽤 달랐고 실제로 상도 많이 탔다. 그 날밤 지역쇼에서 올해의 앨범과 올해의 밴드 상을 탔다. 전혀 기대하지 않고 있어서 꽤 좋았다. 앨범이 특별한 장르에 맞아 떨어지지는 않지만, 우리가 자랑스러워 하는 무언가를 만들기 위해서 노력했다.

Q. 디제잉과 프로듀싱 중에서 무엇이 더 중요한가? 디제잉보다는 음악을 연주하고 만든지가 더 오래 되어 프로덕션이 좀 더 중요한 것 같다. 프로덕션 할 때는 Non-dance음악도 작업하고 다양한 장르를 많이 찾아본다. 반면 디제잉 할 때는 클럽 세팅이 어떻게 작동하는지 아는 편이고, 그걸 따르는 편이다. 확실히 두 가지 영역 모두 함께 해왔고, 최근 2년 사이에는 디제이로서 더 알려진 것 같다. 프로듀서라면 댄스음악을 직접 가지고 나와 공연하고, DJ는 한 단계 나아지려면 음악을 어떻게 프로듀싱하는지 배워야 한다.

Q. 음악 외의 여러 가지 콜라보레이션을 하는 것 같다. 더 하는 작업이 있나?

9살 이후로 엔터테인먼트 산업에서 계속 일하고 있다. TV드라마, 게임쇼, 토크쇼, 단편영상, 장편영화, 브랜드를 위한 디렉팅, 이벤트 큐레이팅 등 안 해본 일이 없다. 영역이 다양해지면서 일이 잘 풀렸다. 그래도 10년간 가장 중요했던 것은 음악이고 앞으로도 다양한 프로젝트를 하면서 내 길을 갈 것 같다.

Q. 예전에 Seoul에서 공연한 적이 있다. 방콕과 서울 관객들이 다른 점이 있다면? 특별히Unjin Yeo과 Mang Esilo, ECI Crew덕분에 서울에서 공연하게 되었다. 서울 관객들이 좀더 적극적이다. 아마 이런 음악 장르가 크고 DJ를 즐길 줄 알기 때문인 것 같다. 방콕의 경우 그런 부분이 조금 부족하다. 내가 추구하는 음악 신이 아직 작기도 하고. 그렇지만 변화하려고 최선을 다하고 있다.

Q. Korea에서 다시 한번 공연이 있을까? 내 앨범작업을 잘 끝내고 올해 한번 더 공연을 한번 더 해보고 싶다.

Mix Architekt

Q. 당신의 음악 스타일에 대해 이야기해달라. 건강하게 균형 있는 생활을 하려면, 사람은 다양한 음식을 먹고 환경에 적응해야 한다. 매일 같은 음식만 먹다 보면 영양실조는 물론 아프게 된다. 뷔페에서 다양한 음식을 먹듯이 나도 다양한 사운드를 공연하고 듣고 싶다. 만약 내가 하는 모든 것을 아우르는 장르가 있다면, Dub일 것 같다. 음표 사이의 공간을 듣고 딥 딜레이 사이에 분위기를 바꾸고 스테레오 리버브로 전환한다.

Dub은 익숙한 공간에서 미지로 이동하는 삶의 생명력이다.

Q. 언제 시작했는가?

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난 70년대 중반 부모님 세대들의 음악을 들으며 자랐다. 라디오, 콘서트나 예기치 못한 일들을 통해서 내가 관심이 있다는 것을 알았다. 초등학교 점심 시간에 레게 사운드를 듣다가 본능적으로 베이스에 끌렸다. 친구들과 무대 앞에서 베이스 라인을 쫓아 듣고, 연주도 하고, 듣기도 하다가 결국은 스튜디오에서 작업하게 되었다.

Q. 당신의 첫번째 파티는 어땠나? 내가 처음 디제잉을 했던 곳은 산업 공단에 있는 창고였다. 지역의 레코드 가게가 했던 언더그라운드 파티였는데, 벽 면을 온통 스피커로 채우고 필름 루프 프로젝터가 유일한 조명이었다. 내 작업의 영원한 파트가 되기도 한 헤비 테크노를 디제잉했다. 최소한의 조명에 고음질 베이스 사운드 시스템을 갖춘 환경은 이벤트를 위해 내가 꿈꿔왔던 공간이었다.

Q. Allen & Heath Asia 테크놀로지 대표로 일했던 것이 디제잉과 음반제작에 대한 당신의 관점에 영향을 줬는가? 역으로 디제잉과 음반제작에 대한 내 관점이 Allen & Heath에 영향을 줬다고 하는 편이 맞다. 두 가지 모두 다이내믹하고 상호적인 관계이다. 아트에서 나오는 결과물이 매체와 상관없이 표현이나 툴에서 나온다고 할 수 있을까? 두 가지 요소는 결합되어있기 때문에, 우리는 더 좋은 방향을 위해서 열정을 가지고 하고 싶다. 아티스트에게 그들의 비젼을 커뮤니케이팅하는데 있어서 아티스트들에게 맞는 툴을 제공하고 싶다.

Q. 다른 도시와 비교해서 방콕의 파티 씬은 어떤가? 방콕의 상황은 매우 복잡하고 사회적 불화를 반영하고 있다. 물론 방콕은 오래된 헤리티지를 가진 독특한 분위기를 가지고 있고 앞으로 가능성이 많다. 아쉽게도 사람들은 서로에게 적대적이거나 혹은 맹목적으로 트렌드를 따르기도 한다. 서양식 상업주의에 중독되어 어디에서 접점을 찾아야 하는지 고민하는 집단도 있고, 사회를 향해 대놓고 거부감을 표하는 집단도 한다. 환영 받지 못한 자들도 받아들일 수 있는 중개지점이 필요하다. 그렇지만 동시에 단순히 즐기고 싶어하는 사람들 역시 편해야 한다.

Q. 새로운 앨범, The Multiverse 컨셉은? 개인적으로는 The Multiverse 앨범 프로젝트가 잡다한 것을 멈추고 뮤직 플로우를 따르고자 하는 도전이었다. 마치 트랙 별로 수문을 세워서 중간쯤에서 댐이 터지게 하는 것이다. 사람들을 Dub 에 더 깊게 빠져들게 하고 싶었다. 한 번 신세계를 건너기만 하면, 그 사이에서 평화로움을 느낄 수 있다. 당장 벽을 깨고 광기를 드러내서 자신만의 플로우를 만들고 그 사이 밸런스를 찾아라.

Q. 어디서 당신의 음악을 구 할 수 있나요?

Beatport, Juno 등과 같은 루트로 구할 수 있다. ECI Korea label이 신경을 써줬고 ECI에서 3월에 나오게 될 신보 Muatation이 기대가 크다.

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Practical Design Studio Q. 언제, 왜 디자인 스튜디오를 설립하게 되었나? 특별한 설립 스토리가 있다면 말해달라.

Practical Design Studio는 2004년에 프로 디자인과 교육 커뮤니케이션 디자인에 경험이 있는 방콕의 한 그래픽 디자이너 팀에 의해 설립되었다. 우리는 처음에 “ 우리는 어떻게 우리의 디자인 단체를 형성할 것인가?” 라는 질문을 했다. 그리고 나서 우리는 어떤 종류의 디자인 스튜디오나 작업 방식이 우리를 가장 기쁘게 해줄 수 있는지에대한해결책을찾기위해노력했다. 이러한 각자의 다양한 아이디어들이 몇몇 모델로 녹아 들어 결국 Practical Design Studio에 쓰일 수 있는 모델로 조정했다.

Q. 어떻게 해서 Practical Design Studio가 큰 디자인 스튜디오로 성장할 수 있었나? 우리는 스스로가 큰 스튜디오라고 생각하지는 않는다. 우리는 우리가 하고 있는 일에서 기쁨을 찾는 것과 더불어 계속해서 도전해 나가고 있을 뿐이다. 고객 서비스를 비롯하여, 몇몇 프로젝트와 단체와의 비영리 작업에도 관여하고 있다. 그래픽 디자인이 상업적인 비즈니스에만 부응하는 것은 아니라고 본다. 그럼에도, 우리는 상업적인 비즈니스가 그래픽 디자인을 계속할 수 있는 원동력이라는 사실은 부인할 수가 없다. 그래픽 디자인도 사회적, 문화적, 개인적인 요구에 반응할 수 있다고 본다. Practical Design Studio가 우리의 직업이고 생계의 수단이므로 상업적으로 운영되고 있다는 것은 틀림없는 사실이다. 하지만 우리의 실제적인 기술과 능률성을 우리가 일하고 있는 브랜드와 단체의 성공을 위해 쓸 수 있다면, 왜 같은 기술을 우리 자신의 생각과 우리 안에서 나오는 다른 것들을 위해서 쓰지 못하겠는가. 이러한 생각이 우리로 하여금 업무적인 활동과 더불어 개인 전시회 등을 기획할 수 있도록 영향을 미쳤다고 생각한다. 아마도 이러한 점이 우리가 점점 인정받고 있는 이유가 아닌가 싶다.

Q. Practical Design Studio의 디자인 철학은 무엇인가? “디자인은 관계다”가 우리와 디자인의 관계에 대한 철학이다. 우리의 목표는 사회와 문화에 부응하고 그래픽 디자인이 미적, 실용적인 관점에서 가치가 있다는 것을 보여주기 위해 건설적인 아이디어와 디자인 기술을 사용하는 것이다.

Q. Practical Design Studio는 보통 어떤 종류의 디자인 작업을 하는가? 사실, 우리는 커뮤니케이션을 위해 우리가 사용할 수 있는 많은 것들을 하고 있다. 우리는 방콕 아트 컬쳐 센터, 현대 문화예술 사무소, 문화부, 민주당, Antalis (태국), “Show me Thai” 아트 전시회, “Portrait of The King” 전시회, “King in Heart Project” Somboon Seafood, Designiti, 태국 지식 네트워크 기관 등을 포함한 많은 유명한 단체와 기업들과 작업한 일이 있다. 디자인 스튜디오로서 기본적인 기능을 수행한 것과 더불어, Practical Design Studio는

정기적으로 태국 그래픽 디자이너 협회(ThaiGa)와의 협력 아래 디자인 활동을 시작하고 기획했다.PracticalDesignStudio의디자이너들은많은대학과기업에서강의와프레젠테이션도 하고 있다.

2009년, Practical Design Studio는 Santi Lawrachawee에 의해 창시된 그래픽 디자인 프로젝트 “I am a Thai Graphic Designer”를 기획했다. 2010년, Practical Design Studio는 방콕 아트 컬쳐 센터에서 열린 디자인 전시 “Paper Matter”와 “HOPE” 이라는 테마 아래 Rajprasong Junction 에 있는 Centralworld 빌딩 앞에서 건설 중이던 “heART to Heart” 전시 작업에도 기여했다. 또한 그들은 “Thainess”를 자신들의 디자인 작업에 표현하도록 요청 받은 50명의 발표자가 포함되어 있는 그래픽 디자인 포럼 “Somewhere Thai”도 조직했다.

Q. Practical Design Studio가 진행했던 “I am a Thai Graphic Designer”에 대해 설명해 달라. 처음에는 우리 스튜디오의 작은 프로젝트였다. 출발점은 홍보, 특히 마케팅에 첨부된 그래픽 디자인이었다. 예를 들면, 우리는 방콕에서 이 도시에 관해 무언가를 말해줄 수 있는 광고판들을 볼 수 있다. 이러한 광고판들은 모두 그래픽 디자이너들의 작품이다. 광고에 나온 대로 방콕의 이미지를 떠올릴 때, 그래픽 디자이너들에 대해서도 생각하는 사람이 있을까? 만약 그래픽 디자이너들의 작업이 시각적인 커뮤니케이션으로 이루어져 있다면, 이러한 수단들은 방콕의 설립은 물론 정책의 일부여야 하지만, 왜 그들의 작품이 그 정책을 파는데 책임이 있는가? 광고판들에 의하면, 방콕은 완벽한 도시 또는 안전한 도시라고 한다. 하지만, 그래픽 디자인이 방콕의 안전을 도울 수 있는지에 대한 질문은 전혀 없었다. 그러나 방콕은 우리가 사람들에게 이 도시가 안전하다고 말해주기를 원한다. 따라서, 우리는 우리의 역할을 완전히 할 수 없다고 느끼고, 이러한 감정은 우리를 중요하지 않는 존재로 느껴지게 만든다. 결과적으로, 우리는 사람들에게 우리가 몇 명이나 되는지를 알려주기 위해, 우리가 누구인지 말하며 스스로 광고판을 들고 있는 모습을 상상을 했다. 그리고, 만약 이런 일을 많은 그래픽 디자이너들이 동시에 한다면, 사회는 아마 우리의 존재를 알아차릴 수 있을 것이라는 것이다. 더욱이, 다른 사람들에게 우리가 얼마나 더 나아갈 수 있는지도 알게 해주었을 것이다. 이 프로젝트는 정부뿐만 아니라 우리 스스로에게도 그래픽 디자이너들이 얼마나 있는지를 알려주었다. 만약 방콕이나 태국 정부가 무언가를 하고 싶어 한다면, 우리는 우리의 역할을 맡을 준비가 되어 있다. 페이스북에서 활동하는 작은 그룹에서 시작하여, 9일 동안 워크샵과 세미나를 열고, 1,146점의 디자인 작품을 전시했다.

Q. 태국 디자인 산업에 대해 어떻게 생각하는가? 태국의 디자인 산업의 모든 것이 더 나아질 것이라고 믿는다. 때가 되면 스스로 단계를 밟아 나갈 것이다. 태국인들이 디자인된 작업을 많이 접할수록, 그들은 디자인에 대해 더 잘 이해할 수 있다. 따라서, 나는 앞으로 진보할 태국 디자인 업계에 대해 기대를 갖는다. 태국의 그래픽 디자이너들은 엄청난 잠재력을 가지고 있다고 생각한다. 그들을 칭찬하려고 하는 것이 아니라, 이건 사실이다.

Q. Practical Design Studio의 다음 계획이나 프로젝트는 무엇인가? 올해 말에 열릴 예정인 디자인 전시회를 준비하고 있다. 서울에서도 만날 수 있기를 바란다.

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Design for Disaster Q. 어떤 종류의 재난인가? 보통 재난이라고 하면, 사람들은 인공적인 사고나 자연재해를 생각한다. 방콕의 경우 대홍수 가능성에 초점을 두었다. 사람들이 재난이 닥쳤을 때 상황대처도 중요하지만, 미리 대비해두는 것 역시 필요하다.

Q. 주제를 택하게 된 이유가 있나? 사람들이 이런 위험성을 인식하게 하고 싶었다. 물론 글로벌 환경 이슈 같은 홍수의 근본적인 원인에 대해서도 알아야 하지만, 일상 생활에서 연구도 필요하다.

Q. 어떻게 사태의 위험성을 알리려고 했는가? 먼저 상황을 분석하고, 홍수가 닥쳤을 때 도심 어느 지역이 가장 영향을 받을지 조사했다. 그리곤 문제에 대응할 수 있는 디자인을 생각했고, 이런 솔루션에 맞는 각각의 프로젝트를 진행하게 되었다.

Q. 어떤 프로젝트인가? 프로젝트 중 하나는 아트와 네 개 대학의 건축부 간 협동 프로젝트이다. 음식, 물, 전기, 피난소, 대중교통, 커뮤니케이션 시스템이 모두 단절된 홍수 시나리오에 적합한 솔루션을 449명 학부생들에게 15분 안에 스케치하게 했다. 단기간에 굉장히 유용한 아이디어를 얻게 되었다. 또, 2010년 11월 더위가 심한 지역인 Chainat을 갔다. 플라스틱 병, 어망, 밧줄, 웍 냄비, 플리퍼, 양푼 그릇, 플라스틱 의자 등 일반 가정집에서 쉽게 찾을 수 있는 물건들로 비상시 도구를 만들어 보기도 했다. 주민들 스스로 꽤 괜찮은 솔루션을 만들어 냈다.

Q. 어떻게 이 모든 것이 디자인으로 연결되었나? 무엇보다도 핵심 멤버들이 디자이너와 건축가이다. Site-Specific 연구소의 Chutayaves Sinthuphan도있다.Siam에서그가했던건축연구를기반으로‘수륙양용의집’컨셉트를잡았고, 발전기와 하수시스템이 내장된 물에 뜨는 형태의 플랫폼을 만들었다. 하지만 제일 중요한 것은 실제로 사람들이 유용하게 쓸 수 있는 지였다. 일반적으로는 아이디어나 컨셉트를 찾기 위해 디자인하지만, 이번 작업은 사람들이 일상적으로 쓸 수 있는 용품에 초점을 뒀다. 실제로 도시에서 홍수가 났을 때, 부유한 계층뿐 아니라 누구든지 재난에 대처할 수 있어야 하지 않는가.

Q. 이런 아이디어를 한데 모아서, 어떻게 진행했나? 경우에 따라 다르다. 작년 Bangkok Art & Culture Centre에서 “Let’s Panic”이란 제목으로 전시회를 했다. 2011년 6월부터 쇼 준비를 시작했는데 아이러니하게 10월 방콕에 홍수가 닥쳤다. 이보다 더 현실적일 순 없었다. Royal Thai Government, World Health Organization과

콜라보레이션 작업의 일환으로 아이들을 위한 달력도 만들었다. 매달 커버는 특정한 재난상황 시 지시사항에 대한 것이다. 계절에 따라 가능성이 높은 자연 재해를 매달 커버로 선택했다. 또 작년에는 신선한 아이디어를 얻고자 일반인을 초대했다. 일반인 디자인 대회 “Survivie!” 를 열었고 모든 참가자들은 우리가 준비한 강좌에 참여하게 했다. 우승작은 Bangkok Design Festival 2012에 전시될 예정이다.

Q. 대회 참여도는 어땠나? 사람들이정말좋은아이디어를제안했다.디자이너뿐아니라교사들도참여했다.소재는우리가 선택한몇가지가정용품으로제한했다.제출한아이디어가최대한유용하길바랬다.참가자들은 다양한 아이디어를 내놓았고, 우승자 선택 기준은 출품작의 완성도보다는 원래 아이디어와 컨셉트를 더 중요하게 보았다.

Q. 지난해 닥친 홍수를 방콕 사람들은 잘 대처했는가? 알다시피, 이곳 사람들은 새로운 상황에 빠르게 적응한다. 인터넷을 찾아보면, 물 위에나 물에 잠긴 빌딩 옥상에서 바비큐를 하는 재미있는 사진이 있다. 얼마나 기발한가! 하지만 사실상 홍수로 인해 몇 백만 명의 사람들이 피해를 봤고 그게 바로 우리가 돕고 싶은 일이다.

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Tarin Yuangtrakul Q. 자기 소개를 부탁한다. 나는 Tarin Yuangtrakul이고 나이는 19 세이다.태국방콕출신의젊은아티스트이자 디자이너이다. 나는 또한 국제 예술 단체 SlashTHREE에 속한 아티스트이기도 하다. 나는 현재 태국 Chulalongkorn 대학에서 그래픽 디자인을 공부하고 있다. 운 좋게도, 나는 창의적인 가정에서 태어났다. 나의 어머니는 인테리어 디자이너고 아버지와 형이 건축가이다. 나는 그들이 무척 자랑스럽다.내가처음으로예술과디자인을 접하게 된 것은 내가 꼬마였을 때였다. 어머니, 아버지, 형이 그림 그리는 것을 보며 자랐다. 어릴 때 나는 그들이 무척 멋지다고 생각했고, 내가 예술에 사로잡히기 시작한 것은 그들의 영향과 공이 컸다..

Q. 당신은 겨우 19살인데 타이포그래피, 일러스트, 심지어 음악에 이르기까지 많은 다양한 분야에서 활동하고 있다. 어린 나이에 이토록 다양한 프로젝트를 하게 된 이유가 있는가? 주된 이유는 다양한 예술, 디자인 분야에 매우 관심이 있다는 것이다. 나는 모든 것을 하나의 예술로 본다. 내 가족도 많은 기여를 했다고 본다. 나는 여가 시간이 있을 때 주로 그림을 그리거나 기타를 친다. 또한 각 분야는 각기 다른 특징이 있고 배워야 할 세부 사항들이 다르다. 호기심이 무척 많은 나로서는 사물들이 어떻게 만들어지는지에 대해 알아가는 것이 매우 좋다.

Q. 당신의 작품은 그로테스크하다. 당신은 어둡고 깊은 사람인가? 또, 당신 작품 뒤에 숨겨진 모티브는 무엇인가? 나는 어둡고 깊은 사람이라고 할 수 있다. 내 인생에서 일어났던 일들의 깊은 곳을 들여다보는 것을 매우 좋아한다. 내가 갔던 장소들과 내 삶에서 마주치는 것들에서 항상 영감을 얻는다. 때때로 조용히 있으면서 머릿속에서 이야기들을 생각해 내곤 한다.

Q. 당신은 다양한 타입의 사람들에게 어필하는 것에 능숙한 것 같다. 어떤 것이 당신 작품을 눈에 띄게 만든다고 생각하는가? 대부분의 사람들은 무언가 아름다운 것을 보고 싶어한다고 생각한다. 내 작업은 아마도 전통적인 방식으로는 아름다움을 나타내고 있을지도 모르지만, 반면에 어떠한 어두움이 나타나있다. 그러나 관객이 부담스러워 할 만큼 어두움을 표현하려고 하지는 않는다. 여전히 작품을 아름답고 현실적으로 만들고싶고, 관객을 위해 작품을 만들고 있다는 점도 잊지 않도록 노력하고 있다.

Q. 당신은 대학생이다. 졸업 후에는 무엇을 할 계획인가? 사실, 아직 아무런 계획이 없다. 좋은 디자이너, 아티스트가 되고 싶다는 것뿐이다. 나는 태국에서 디자인계에 영향력을 미치는 사람이 되고 싶고 내가 디자인계에 무언가를 더할 수 있다는 것을 확신합니다.

Q. 당신의 스타일에 대해 더 말해달라. 앞서 말했듯이 나는 매우 어둡고 깊은 사람이다. 내 작품 스타일이 그러한 점을 잘 나타내는 것 같다. 나는 내 작품이 약간 어둡고 이해하기 어려웠으면 좋겠다. 내가 정말로 말하고자 하는 것을 보려면 사람들은 표면 아래의 것들을 보아야만 한다. 대부분 나는 전통 예술과 디지털 아트를 함께 섞어 무언가 매력적인 것을 만들어낸다. 사람들의 일상 생활은 종종 긍정적, 부정적 방식 모두로 나에게 영감을 주지만, 부정적인 면이 표면에서 더욱 분명히 드러난다. 그러나 내 작품에 대해서 다양한 해석의 가능성은 열려있다..

Q. 작업할 때 직면하는 어려움이 있는가? 내 작품은 색감이 뛰어난 것 같지 않다. 저는 작품에 다른 색깔들을 사용하려고 매우 열심히 노력한다. 가장 어려운 문제는 그 순간의 내 기분이다. 기분이 좋을 땐 작업을 잘 하고 일도 많이 한다. 하지만 기분이 우울하면 작업을 잘 하지 못한다. 그럴 땐 그저 앉아서 때를 기다린다.

Q. 무엇이 당신의 창의력을 자극하나? 나는 이 방법을 창의적인 분야의 일을 하는 사람들에게 권하고 싶다. 새로운 아이디어를 얻기 위해 대부분의 사람들이 무시하고 지나가는 작은 것들을 습관적으로 적어 두는 것이다. 나는 보통 음악을 듣는 것에서 자극을 받는다. 음악의 장르가 너무나 다양하기 때문에 결코 어떤 아이디어를 얻느라 애를 쓰는 일은 많지 않을 것이다.

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Q. 최근에는 어떤 것에서 영감을 얻고 있나? 브랜딩과 기업 이미지 통합 전략. 이것은 나의 평상시의 일과 매우 반대되지만, 이 분야를 배우는 것이 무척 흥미롭다. 브랜드가 사람과 디자인으로 어떻게 커뮤니케이션을 하는지 알고 싶다. 이 아이디어는 이번 학기에 대학에서 공부하고 있는 과목이기도 하다. 이 수업을 통해 새로운 것들을 배울 수 있는 기회를 얻고 나의 디자인의 힘에 대한 지식을 확장시킬 수 있기를 바라고 있다.

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YOMS VISUAL LAB Q. Drycleanonly를 소개해 달라.

Drycleanonly는 산업제품이나 대량 생산 제품을 핸드메이드 옷이나 패션 아이템으로 제작하는곳이다.우리제품의중심에는장인 정신이 있다. 그것을 통해 어떤 옷을 입던지 당당한 팜므 파탈의 이미지를 추구한다.

Q. 요즘에는 어떤 작업을 하고 있나? 현재, 대학의 모든 과제물들을 끝내려고 하고 있다. 또, 몇몇 부탁 받은 프로젝트 작업도 하고 있습니다. 하지만 쉬고 싶을 때는 그냥 그림을 그리는데 때로는 이러한 그림들이 내 개인 포트폴리오가 되기도 한다.

Q. 예술가로서 목표는 무엇인가? 내 생각을 세상에 표현할 수 있는 훌륭한 예술가가 되고 싶고 19살이라는 어린 나이에도 이러한 일들을 할 수 있다는 것을 세상에 말해주고 싶다. 나는 끊임없이 발전하고 싶다. 나는 내 작품이 점점 더 나아지게 만들어야 한다. 나는 더 많은 사람들이 내 작업 스타일과 아이디어를 받아들이기를 바란다. 내가 만약 내 작품을 이용해 다른 사람들을 도울 수 있다면, 그렇게 하고 싶다. 좋은 예술 작품은 더 나은 세상을 만드는데 도움이 된다고 믿는다.

Q. Drycleanonly라는 브랜드명은 어떻게 선택하게 되었는가? 상품 라인이 핸드메이드 아이템이기 때문이다. 고객들이 Drycleanonly이라는 이름을 들으면 ‘이 브랜드의 제품은 특별한 관리가 필요하다’는 걸 상기시켜 주고 싶었다.

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4 graphic designers and 4 illustrators Ekaluck Peanpanawate 글자를 가지고 노는 것이 좋다. 특히 글자가 쓰이는 방식에 관심이 많다. 내가 만든 폰트는 눈에 띄게 만들려고 한다. 작품을 통해 공적으로 참여하고 싶고, 글자 자체만으로 의사 소통의 한 형태라고 생각한다. 무엇보다도 내 작품을 통해 사람들과 직접적으로 소통하고 싶다.

Jacckrit Anantakul 단순히 매력적이라는 이유 하나만으로 글자를 좋아한다. 글자 작업을 하면 상형 문자 구조라던가 매스 커뮤니케이션의 형식에서 사람들마다 어떻게 글자를 사용하는지 자유롭게 생각하게 된다. 주로 드로잉을 많이 하는 편인데, 작품에 도움이 된다면 무엇이든 시도하려고 노력한다. 내 디자인은 실험적이지만, 사람들은 내 작품이라는 걸 안다. 일상생활에 굳어진 이미지나 대중을 노린 이미지를 볼 때, 나는 그것을 내 관점에서 디자인할 뿐이다.

Q. 어떻게 Drycleanonly를 시작하게 되었는가?

2008년 완전하진 않더라도 테크닉이나 소재에서 독특한 옷을 만드는 것을 목표로, Drycleanonly 을 시작했다. 패브릭을 산다던가 패턴을 만드는 식으로 일반적으로 사람들이 옷을 만들곤 하는 방법을 택했다. 초창기였지만 아이디어가 태국 패션 산업과 잘 맞을 것 같았고, 일년이 채 안되 2008년 방콕 국제 패션 페어에 태국 신진 디자이너 룸을 차지하게 되었다.

Q. 처음 브랜드를 런칭한 후에, 어떤 어려움이 있었나? 빈티지 티셔츠를 구하고 그것들을 하나의 콜렉션으로 만드는 것, 그 것 자체가 어려운 과정이다. 이 과정은 처음이나 지금이나 여전히 어렵다. .

Q. 개인적으로 옷을 리폼하는 것과 처음부터 만드는 것의 차이점은 무엇이라고 생각하는가? 나는 다양한 소재로 작업하는 것이 너무 흥미롭다. 무엇보다도 그 과정에서 나오는 결과를 예측할 수 없고 의외의 것들이 많기 때문이다.

Q. 2012년 Drycleanonly에서 기대 해볼만한 것은? 일본 시장에 진출했고 앞으로 어느 정도 인지도를 쌓으려고 계획 중이다. 그리고 올해 공식 웹사이트를 완성하려고 한다.

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Bangkok

- change, balance, and development of Buddhism Techit Jiropaskosol 격자, 패턴, 대칭과 관련된 실험적인 시도를 즐긴다. 일단 구조를 만들고 다시 분해시키는 과정에서 작품이 변환하는 방식을 좋아한다. 내가 잘하는 영역과 남들이 한번도 시도해 보지 않은 다양한 분야에 걸쳐 꾸준하게 활동할 계획이다. 때에 따라서 좋은 결과를 얻기도 하고 그렇지 않을 때도 있지만 새로운 시도는 그 자체만으로도 언제나 신선하다.

Tap Kruavanichkit “All Around Khonkaen”은 스튜디오(Farmgroup)멤버들과 함께 Khonkaen Province(북동부 태국 지역)에서 작업했던 설치미술이다. 그 당시 맡았던 클라이언트는 Central Plaza Khonkaen 지역에서 백화점 오픈 예정이었고, 우리는 사람들이 Khonkaen에 온다면 제일 처음 마주할 표지판을 만들기로 했다. “Khonkaen”이라는 단어를 3차원으로 보여주는 타이포그레피 조각 형태로 180도 이상에서 알아 볼 수 있었다. 작품 표면에는 Khonkaen 의 모든 198개의 tumbon 지역 이름을 새겨 장식했다.

Prin Tanapaisankit 대개 방콕에서는 클라이언트가 원하는 대로 그려주는 편이기 때문에, 한 가지 특정 스타일을 고수하는 건 꽤 어렵다. 나는 리얼리즘에 가까운 편인데, 나만의 스타일을 만드는 데 도움이 된다면 새로운 방향에 대해 언제든 환영이다. 주로 드로잉이나 수채화를 그려서 포토샵으로 마무리 작업을 한다. 무채색 배색을 많이 쓰는 편이고, 깨끗하고 심플한 이미지를 만들려고 한다.

Oat Montien 수공예품에 디지털 방식을 적용해보려고 한다. 컴퓨터를 기반으로 한 아트와 전통적인 수공예식 장인정신이 만나는 지점은 굉장히 흥미로운 영역이고 앞으로도 수많은 가능성을 가지고 있다고 생각한다. 최근 작품들은 주로 지클레이 프린트 기법을 쓰고 있다. 지금은 태국에 새로 생길 박물관에서 일러스트에 영감을 받은 인테리어 작업 중이다.

Ratta Ananphada 내 작품은 여성적이다. 주로 여성의 얼굴에 드러나는 감정을 표현하는데, 그 감정을 눈을 통해 그린다. 디테일에 신경을 많이 쓰는 편이다. 가장 좋아하는 톤은 파스텔이다. 요즘에는 잡지, 도서, 패브릭, 패턴, CD 커버나 패키징 등 다양한 프로젝트에 참여해서 일러스트 작업을 한다.

Yoswadi Krutklom 영화, 특히 호러 장르를 보거나 오래된 사진을 감상하곤 한다. 거리의 사람들을 보는 것을 좋아하기도 한다. 사람들의 헤어스타일, 패션, 그리고 몸에서 나오는 비슷한 점이나 차이점을 주의 깊게 본다. 작년 태국에서 일어난 홍수 기간에, TV 뉴스를 많이 봤다. 가장 최근에는 말다툼을 하거나 서로 돕기도 하는 여성들의 모습을 다양한 의상과 상황에 맞춰서 그리고 있다.

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지금까지, 바람이나 나만의 공상 세계를 모티프로 작업해 왔다. 이번에도 태국의 모습에 바람 모티프를 썼다. 드로잉에 표현된 바람은 작품을 보는 사람들에게 흐름을 보여준다. 그리곤 ‘ 바람의 시각’에서 작품을 볼 수 있게 해준다. 이것이 내가 풍경드로잉에서 바람을 시각화하는 이유이다. 또 이전에 작업해왔던 나의 ‘바람 드로잉’ 컨셉과 이번 ‘방콕 도시 드로잉’ 간의 접점을 표현한 것이기도 하다. 방콕은 태국의 수도이고 동남 아시아에서 높은 국제적 위상을 차지하고 있다. 급속한 도시화, 이민자, 여행객, 불교의 나라로서 방콕은 다양한 면이 있다. 이 곳의 사람들과 도시는 경제 성장( 외화 자본의 유입)과 종교를 통한 고유의 가치관 사이에서 균형을 맞추며, 함께 성장하는 것 같다. 물론 혼돈으로 가득하다. 그러나 균형을 유지하고 있고 아직까지는 그 균형이 깨지지 않았다. 이번 작품에서는 심각한 교통체증, 작은 운하를 따라 세워진 낡은 집, 서구식 장식을 한 빌딩, 태국의 상징인 가루다 등 방콕을 대표하는 모든 모티프를 콜라주처럼 표현했다. 드로잉을 하면서 태국의 경제 성장뿐만 아니라 역사적 유물, 전통 불교를 조금 알아보았다. 테레바다 불교(소승불교)를 상상하면서, 반복적으로 도시의 모티프들을 그렸다. 앞으로 태국의 상황이 변해가면서 균형이 깨질지도 모른다. 그렇게 된다면, 어떻게 바뀔까? 태국의 역사가 좀 더 진행된 후에 도시의 모습을 다시 한번 그려보고 싶다.

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Ohm Phanphiroj Q. 당신의 이름이 걸린 웹사이트가 두 개인데, 이유가 있나?

Ohmphotography.com은 내가 했던 모든 비쥬얼을 위한 웹사이트이다.

Ohmmanagement.com은 내가 관리하고 있는 모델 웹사이트이다.

Q. 미국에서 자라고 대학을 다니면서 자신만의 관점이 있을 것 같다. 이런 국제적인 경험이 경력에 영향을 주었나?

Georgia 주립대의 영상학과에 다니던 시절, 1997년 전국 사진 대회에서 상을 타면서 시작하게 되었다. 그 이후에 갤러리 전시를 하기 시작했고 얼마 되지 않아서 에이전시 측에서 연락이 왔다. 뉴욕의 Marge+Casey 와 계약한 이후에 미술 전시와 상업 작품도 하다가 결국 출판을 하게 되었다.

Q. 초창기에는 필름을 공부하고 작업했지만, 지금은 주로 사진 작가로서 활동한다. 분야를 바꾼 이유가 있었나? 필름과 사진은 사실상 같은 영역에 속하고 근본적으로 비슷하다. 하지만 필름 제작에는 더 많은 사람이 필요하기 때문에 더 많은 시간이 필요하다. 나는 성급한 편이다. 내가 일하고 싶을 땐 난 그 순간 바로 일하는 성격이다. 사진 작업은 완전히 개인적이라서 덜 바쁘지만 더 창의적이게 된다. 작업의 방향이 바뀌었지만 여전히 시간이 되면 필름 작업도 하곤 한다.

Q. 최근 작업을 소개해달라.

Identity Crisis: Transsexuals은 태국 성전환자들에 관한 다큐멘터리인데 2009년 소니 국제 사진상을 수상했다. 2010년에는 Underage라고 불리는 미성년자 남성 매춘부들에 관한 다큐멘터리를 했고 국제적인 주목을 받게 되었다. 그리고 많은 경쟁 부문에 후보로 선정되거나 수상했다.

Q. 당신의 개인 작품과 반대 성격을 띈 상업적 작품에 할 때, 어떻게 생각하는가? 상업적 작품과 개인 작품이 영향을 서로 받는가? 상업적 작품은 클라이언트나 그들이 원하는 방향에 따라 달라진다면, 내 작품은 순전히 내가 좋아하고 내가 원하는 방향이다. 클라이언트를 위해 찍을 때는 좀 더 타협적이고 내 작품을 진행할 때보다 치우치지 않으려고 한다. 그래서 두 작업은 서로 영향을 주지 않는다. 그리고 둘 다 즐긴다.

Q. 상업적 작품을 할 때 어떤 종류를 의뢰 받는가? 나는 태국과 미국의 매거진부터 소규모 가판대 책자까지 모두다. R&B가수 Ciara와 작업하기도 하고 Solios 캠페인을 하기도 한다.

Q. 당신의 사진은 성적이다. 누드와 섹슈얼리티에 관해 어떻게 생각하고 이것을 표현하기 위해서 어떤 이미지를 쓰는가? 나는 내 작품에서 순수하고 원초적 감각을 담고 싶다. 나는 인위적인 것을 싫어하고 사진의 목적에 있어서 좋지 않다고 생각한다. 사진은 사람들이 세상을 바라보는 방식을 담아야 한다. 가장순수한형태로크리에이티비티를보여주는것은포토샵을통해서가아니라카메라를통해서 이뤄진다. 나는 보편적으로 공감할 수 있는 진실하고 강력한 이미지를 만들고 싶다. 그래서 나는 대상의 감정, 바디 랭귀지 같은 심리적인 측면을 더 깊이 이해하려고 한다. 사람들이 나의 감각적이며 성적이고 유혹적인 혹은 불쾌하기까지 한 사진들을 볼 때, 그 이미지들이 마음에 남기 원한다.

Q. 피사체들은 주로 남성이다. 미적인 이유에서 인가 아니면 작품의 이론적인 토대와 관련이 있는가? 개인적으로 나는 특히 몸매가 좋은 경우에 남성들이 좀 더 한계를 넘어서는 시도를 하고 돋보인다고 생각한다. 객체화와 욕망이 이미지를 형성하는데 중요한 패션 사진에서는 여성들이 응시 대상이 된다. 이러한 상황을 뒤바꾸어 남성 역시 매력적으로 보이게 하고 싶었다. 남성 역시 독자의 성적 취향에 따라서 그러한 대상이 될 수 있다는 것을 보여주고 싶다.

Q. 당신의 시리즈Identity Crisis: Transsexuals에서 각자의 모습을 다양하게 보여주는 방식을 선택한 이유가 있는가? 이러한 형식을 통해서 당신이 전달하려고 하는 좀 더 깊은 의미가 있는가? 각각의 이미지는 동일한 사람으로 나란히 이루어진 삼부작이다. 첫 번째 사진은 메이크업을 하기 전이고 두 번째 사진은 눈을 감기만 했다. 마지막 사진은 메이크업을 받고 난 후다. 세 개의 사진에 따라 변하는 피사체의 심리를 시퀀스대로 표현하고 싶다. 메이크업이 없는 사진은 그들의 진실한 얼굴과 알몸을 보여주고 눈을 감은 두 번째 사진은 남성으로서의 현실에 거부를 의미한다. 눈을 뜬 채로 메이크업을 한 마지막 사진은 완전체를 의미한다. 세 사진을 순서대로 보노라면, 아마 육체적으로나 심리적으로 과감한 변화를 알 수 있을 것이다. 마지막 촬영에서는 굳이 요구하지 않아도 모델들은 스스로 어떻게 받아들이고 만족하는지를 살짝 엿볼 수 있는 미소를 띤다.

Q. 이번 시리즈를 위해서 어떻게 모델을 캐스팅했나? 그들이 망설이진 않던가? 작품을 위해 서 줄 수 있는 누구든지 촬영했다. 사실이다. 모델들은 처음엔 망설이다가 얼굴을 보여주고 싶어하지 않는다. 그래서 나는 그들에게 포즈를 취해주는 대가로 돈을 줬다.

Q. 태국은 트렌스섹슈얼 인구와 그 주변 문화로 유명하다. 특별한 이유가 있을까? 태국의 게이나 레이디 보이들이 왜 트렌스섹스얼이 많은지 대해선, 한 가지 꼭 집어 정확하게 말하기 어렵다. 패션 트렌드가 영향이 큰 것도 있고, 이왕이면 남성이 자신들이 좀더 여성처럼 보이면 좋아할 것이라고 생각하는 것 같다. 태국에서는 트렌스 섹슈얼에 대한 부정적 견해가 없는 편이어서 그들이 커밍아웃하는 걸 좀 더 편하게 여긴다. 또 게이나 트렌스섹슈얼 셀레브리티들이

태국 패션업계에서 유명한 탓에, 유명세를 얻는 길로 여기기도 한다. 여전히 사실보다는 꾸며낸 이야기가 더 많지만, 대부분의 사람들이 왜 그들이 여성이 되고 싶은지 완전히 이해하지 못하는 것 같다. 트렌스섹슈얼이 되고 난 후에도 남성과의 관계에 실패하고 돈이나 쾌락을 쫓게 되는 경우도 많다.

Q. 당신의 작품을 보면 태국의 진정한 현실이 보인다. 대외적으로 보이는 태국의 이미지와 자국인들이 생각하는 차이가 있는가? 이중잣대를 들이대곤 한다. 사람들은 모순된 상황에 놓여 있다. 표면적으로는 모든 게 순탄하고 좋아보이지만,바닥에는불편한진실이있다.대외적으로보이는이상적인태국의모습은진정한 태국 현실을 담지 않았다. 실제 태국은 부정부패와 빈곤층의 문제가 많다. 대외적으로 보이는 태국의 모습은 좀 위선적이다. 물론 다른 나라처럼 태국에도 좋은 점은 많지만, 나는 슬픈 현실을 이야기하는 것이 좋다. 그래서 그런 주제나 이슈를 내 작품을 통해서 보여주고 싶다.

Q. 계획하고 있는 것이 있다면? 많다. 모델 에이전시도 열고 싶고, CF촬영이나 출판도 할 예정이다.

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Christian Develter Q. Belgium에서 태어나 19살부터 아시아에서살았다.여태껏살아온곳에대해 이야기해달라.

Blankenberge 해안가 도시에 있는 Belgium 의 플란더스에서 태어났다. Gent Art Academy에서 공부했고 Royal Academy of Antwerpen에서 패션을 전공했다. 그리곤 1996년에 처음 아시아에 오게 됬는데, 그 이후로 쭉 방콕에서 살고 있다.

Q. 다양한 나라에서 살면서 영향을 많이 받았을 것 같다. 새로운 곳을 갈 때 마다 좋은 영향을 받는다. 특히 익숙하지 않던 것들에 대해 새로운 시각을 가지게 된다. 실제로 그런 경험들이 나의 일부가 되었고, 작업에도 영향을 준다.

Q. 자신의 철학을 작품에 어떻게 담으려고 하는가? 초상화에는 상대가 사람을 어떻게 보는지 드러난다. 그래서 나는 항상 눈부터 시작한다. 강한 색을 쓰는 편이고 옷이나 장신구 디테일은 간략하게 한다. 사람에게 좀 더 초점을 두고 싶기 때문이다. .

Q. 주로 여성을 많이 그렸다. 당신에게 여성이란 어떤 의미인가? 내 작품은 주로 아시아 영감을 받았고 실제로 여성들을 많이 그렸다. 최근에는 좀 더 강한 이미지의 남성 초상화도 그렸다. 하지만 나는 오랫동안 아시아 여성의 관능미와 신비함에 매료되었다. 유럽인으로서 이런 영감을 나의 상상력과 리얼리티 가운데 재해석하려고 한다.

Q. 앞으로 계획하고 있는 일이 있나? 올해엔 이것저것 실험적인 방식도 해보고 작품에 새로운 방식을 시도해보고 싶다. 그건 정말 끝없는 과정이다. 스튜디오에서 다른 아티스트들과 함께 이벤트를 계획 중이고 9월에 있을 Germany 뮌헨 전시회를 준비하고 있다. 최근 작품은 얼굴에 타투를 한 아시아인들에 관한 것을 하려고 한다. 이건 미얀마 버마에 있는 한 중국부족에서 유래된 것인데, 그래서 그 지역을 직접 여행해봐야 할 것 같다. Hong Kong과 동아시아 지역에서 시간을 더 보내고 싶기도 하고, 올해는 바쁠 것 같다.

Q. WARP54 스튜디오는 언제부터 시작했나? 파트너인 Peter Smits와 함께 2011년 11월 시작했다.

Q. 스튜디오 건물에 대한 이야기를 해달라.

Portuguese 대사관 저택 뒤쪽으로 Chao Praya 강에서 가까운 오래된 창고였다. 2차 세계 대전 점령 당시 일본인이 지었다. 처음 건물을 지은 이후로 거의 변하지 않았다. 오래된 티크 소재 바닥과 XXL 작품들을 전시하기에 딱 맞는 큰 천장이 있다. 건물이 아직까지 그대로 남아있다는 건 놀라운 일이다. 아무도 이 공간을 아트 스튜디오로 바꿔야겠다고 생각하지 않은 것 같아서, 우리가 하게 되었다. 건물주는 건물을 계속 보전할 필요가 있다는데 동의했고 본인 역시 아트 콜렉터였다. 그 쪽 사무실은 우리 건물과 맞은 편에 있는데, 아트 콜렉션을 보관하고 있는 눈에 띄는 아트 데코 건물이다.

Q. 스튜디오와 주변 장소의 어떤 점이 매력적인가? 전반적인 분위기가 좋고 일단 규모가 크다. 처음 사람들이 들어오면 실제로 이곳의 역사를 느낄 수 있다. 주로 큰 작업을 많이 하는데 그걸 만들만한 공간이 필요했다. 스튜디오는 가장 오래 된 Portuguese 대사관 뒤쪽에 위치해 있고, 오랜 역사를 담고 있다. Soi라는 이름은 방콕 항만장 ‘Soi Captain Bush’에서 딴 이름이다.

Q. 불편한 점도 있나? 딱 한가지 단점이 있다면 정기적으로 청소를 해야 하는데 크기가 크다 보니 축구장 청소하는 기분이 든다. 어떤 사람들은 왜 이런 장소에서 에어컨도 없이 불편하게 작업하는지 이해하지 못한다. 그렇지만 여기엔 역사가 있고, 건물 일부는 자연통풍이 되게끔 지어졌다.

Q. 스튜디오에서 가장 행복했던 기억은? 스튜디오를 다른 사람에게 대여해주기 시작한 이후로 좋은 이벤트가 많았다. 도서 런칭, 댄스 퍼포먼스, 패션 스쿨 촬영, 팝업 디너 같은 여러 행사를 했다. 그런 행사들이 다양한 문화를 넘나들기 때문에 모두 기억에 남는다. 굳이 가장 행복했던 기억을 고르자면 1년 전 실제

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취임행사가 있었는데 이전에 해본 경험이 없어서 아주 바쁘게 일했다.

Q. 앞으로 어떤 계획이 있는가? 스튜디오에서 다양한 아트 이벤트와 내 전시를 계획하고 있다.

미술계에 대한 정보를 얻거나 갤러리를 컨택하는데 어려운 점이 많았고, 선듯 관심을 가지고 도와주는 사람이 없었다. 현재는 한류열풍이 이곳에서도 대단해서 한국인이라는 이유만으로도 관심의 대상이 되곤 한다. 하지만 내가 태국에서 활동하던 초기에는 한국보다는 일본문화에 태국인들이 더 많은 관심을 가지고 있던 시기여서 한국인을 바라보는 시각이 지금과는 매우 달랐다. 그당시 내 작업에 태국사람들이 흥미와 관심을 가지고 대하긴 했으나 외국인 작가로 태국에 잠시 체류하는 정도로 생각했던것 같다. 하지만 꾸준히 작업을 하고 전시를 진행해왔기에 이제 태국 미술계에서 조금씩 인정을 받고 있다.

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Gi Ok Jeon Q. 당신을 소개해달라. 나는 한국에서 덕성여자 대학교 미술대학 동양화과를 1994년에 졸업하고 북경 중앙미술학원에서 중국 산수화계 연구생( 석사)과정을 1998년에 마쳤다. 석사과정에 들어가기 전에 미국에서 어학연수를 1 년간 했고 그 곳에서 어학공부를 함께하던 현재의 태국인 남편을 만났다. 남편은 태국에서 경제학을 전공하고 미국에서 경영학 석사과정을 마쳤다. 나는 1998 년부터 현재까지 남편과 12살 된 딸아이와 함께 방콕에 거주하고 있으며 작품활동을 하고 있다. 이외에도 2001년부터 현재까지 JeOn Art Booth라고 하는 동양화 Workshop Program을 운영 지도하고 있다.

Q. 방콕에서만 7번째 전시를 맞이하게 되었다. 방콕에서 자리를 잡게 된 이유는 무엇인가? 사실 첫번째 개인전은 북경에서 석사과정을 마치면서 했다. 그해 결혼을 했고 바로 남편을 따라 태국으로 이민을 왔다. 내가 방콕에서 자리를 잡게 된 이유는 그곳이 남편의 나라이며 현재 내 가족이 사는 곳이기 때문이다. 두번째 개인전부터 현재 7번째 개인전까지 모두 태국에서 열었다. 한국은 나를 낳아준 모국이지만 태국은 나를 받아주고 길러준 나라이며 또한 모국 이상의 곳이다.

Q. 지난 10년간 전시했던 6개의 전시의 타이틀과 주제, 그리고 간단한 설명을 부탁한다. 첫번째 개인전은 1998년 북경 중앙미술학원 석사과정을 마치면서 했다. 2년 동안 제작한 작품들을 선보였었는데 특히 45일간의 스케치여행 중 자연을 직접 몸으로 체험하고 자연을 통해 받은 영감을 수묵의 전통재료와 필법으로 표현한 작품이 주를 이뤘다. 두 번째 개인전은 2003년 “The moments of life”를 타이틀로 국제결혼과 함께 타국에서의 삶을 시작하게 되면서 겪은 문화적 충격, 외로움, 두려움, 우울함 등 나의 복잡한 감정과 불확실한 존재에 대한 새로운 경험들을 단순하고 왜곡된 형상과 강한 색조, 오브제를 이용해 표현했다. 세 번째 개인전은 2006년 “Room of imagination”을 타이틀로 당시 여섯살 된 딸아이의 드로잉에 영감을 받아 제작한 작품들과 딸아이의 작품들을 함께 전시했다. 네 살 때부터 딸아이가 그린 그림 속의 소재들을 나의 작품 속으로 옮겨 옴으로서 딸아이에 대한 엄마의 행복함, 희망, 소망뿐 아니라 염려와 걱정이 하나의 공간속에서 복잡하게 드러나는 엄마와 딸아이의 상상의 공간을 표현했다. 네 번째 개인전은 2008년 “Mindscape”를 타이틀로 한 Mini solo 형식으로 진행되었는데 바느질 작업과 명함 모으기의 설치작업을 선보였다. 이 시기부터 비 전통 동양화 재료의 잠재력을 구체화 시키는 방법을 모색하기 시작했고 실의 연결적 성질을 통해 나와 타인과의 관계를 연결시키는 의미를 찾고자 했다. 그리고 본인과 직접 간접적으로 관계가 있는 타인의 명함들을 작은 플라스틱 통에하나씩담아봄으로서수직상태에서수평적상태의타인과사회와의관계맺기를시도했었다. 다섯 번째 개인전은 2009년 “Embroidery a space - Landscape with needlework”를 타이틀로 수묵화작업과 조각, 설치에 이르는 다양한 창작방식으로 선보였다. 회화작업은 네 번째 개인전에서 선보였던 작업과 같은 기법으로 화선지와 안료의 여러 층들에 실을 통과시키고 꿰매면서 나의 세계와 나 밖의 세계를 연결시키고 있다. 다양한 색실로 나뭇가지를 촘촘히 감은 수십 그루의 나무조각들을 바닥에 놓아 만든 인공정원과 태국 전통천인 ‘파퉁 Patoong’을 이용한 설치작업들은 회화작업과 함께 정체성과 관계 맺기에 대한 고민들을 이야기 했다. 또한 ‘ 명함나무 Name card tree’를 전시장 공간에 설치하여 관객들로 하여금 자기의 명함이나 비슷한 메모용지를 나무가지에 직접 매달게 함으로서 관객참여와 소통을 시도했다. 여섯 번쨰 개인전은 다섯 번째 개인전과 같은 타이틀로 2010년 야외설치전 형식으로 진행되었었다. 실내에서 인공정원으로 꾸며졌던 나무설치 작업을 야외 잔디밭 공간으로 옮겨 실제의 나무들과 어우러 지게 했고 갤러리의 닫힌 공간과 열린 바깥공간을 이어줌으로서 더 다양한 사람들과 교류하고 소통하기를 시도했다. 이번 개인전은 나의 일곱번째 개인전이다. 전시의 타이틀은 “Dwelling in a Space - Patoong collage & installation”이고 수묵화작업과 목판화, 그리고 설치작업등을 함께 선보일 예정이다. 이민작가로서 현재 소속되어있는 태국사회와현재거주하고있는공간과의관계속에서정체성을찾아가는작업을선보일예정인데 작가로서 주부로서 어머니로서 또 여자로서의 역할들이 작업속에 표현되어지도록 했다. 그래서 딸아이를 소재로한 드로잉과 태국여성들이 입는 파퉁천을 이용한 꼴라쥬 작업, 또 구리선을 이용해 만든 다양한 형태의 바구니 모양안에 파퉁천을 감은 나무가지들을 넣어 천장에 매달아 벽에 그림자를 만드는 설치작업등으로 전시가 진행된다.

Q. 방콕에서 꾸준히 작업을 하는 한국 작가로는 유일한 것 같다. 방콕은 외국인 작가를 어떻게 바라보는가? 나를 포함한 많은 외국인 작가들이 방콕에서 활동하고 있고 다양한 작업들을 전시하고 있으며 태국작가들과 활발하게 교류하고 있다. 태국은 불교의 나라며 전통을 중시하면서도 문화가 다원적으로 공존하는 매력적인 곳이다. 또한 서양문화를 받아들이는데 오픈 되어있고 외국인을 대하는데편견이많지않다.방콕이라는도시자체도국제적이며개방적이어서외국의현대문화를 받아들이는데 우호적이다. 그래서인지 서양의 현대미술을 받아들이는데 포용력이 크고 외국작가들이 활동하는데 제약이 적은것 같다. 나도 외국인 작가의 한사람으로 방콕에서 작업을 하고 있지만 방콕뿐만 아니라 태국 전역에서 꾸준히 작업을 하는 소수의 외국인 작가들은 태국 미술계의 일원으로 인정받고 있으며 미술계에서 많은 관심을 가져주고 있다.

Q. 방콕에서 작업하는 한국 작가로서 어려운 점과 좋은 점은 각각 무엇인가? 방콕에서 작업하는 한국 작가로는 유일하기 때문에 늘 홀로서기를 해야했다. 초창기에는 이곳

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Q. 당신의 작품이 방콕의 유명 아트 맵인 bam의 2월호 표지를 장식했다. 당신의 작품 중 어떤 부분이 어필되었다고 생각하는가? 태국의 전통천인 파퉁을 작품에 이용하여 표현한 부분이 어필된게 아닐까 생각한다. 평면회화와 설치에서 모두 태국의 문화를 의미하는 파퉁이 쓰였다. 태국이라는 다른문화의 공간에서 이민작가로서, 여성으로서 또 어머니로서의 나의 정체성을 찾아가는데 파퉁의 역할이 잘 맞았던 건 아닐까 싶다. 특히 한국화의 수묵기법으로 칠해진 배경속에서 한국계 태국인인 딸아이가 파퉁을 입고 다양하게 뛰는 모습들이 태국과 한국이라는 서로 다른 문화를 연결해주는 역할을 잘 표현해 주었다고 생각한다.

Q. 이번 전시의 주제는 무엇인가? 이번전시는 “Dwelling in a Space - Patoong collage & installation”이라는 타이틀로 현재 소속/ 거주하고 있는 태국 사회와 문화적 공간 속에서 자아를 찾아가는 내용을 다루고 있다. 특히 삶과 예술은 분리 될 수 없고 밀접한 관계를 맺고 있다라는 생각에 내 일상속에서 생각하고 느끼고 경헌한 잔잔한 것들을 표현하고 있다.

Q. 이번 전시에는 회화, 판화, 설치 등 다양한 스타일의 작품을 한꺼번에 내놓았다. 어떤 장르의 작품을 준비했으며, 각 장르에 대한 특징을 설명해달라. 이번전시에는 수묵화작업 35점과 목판화 18점, 그리고 구리로 짠 14개의 바구니모양 설치작업 등으로준비하였다.수묵화(InkBrushPainting)는한지(Koreanricepaper)위에수묵화용붓으로 먹을 벼루에 직접 갈아서 만든 먹물과 천연안료로 그렸다. 전통적인 방식을 그대로 따랐으며 그위에 천을 꼴라쥬하여 표현했다. 목판화는 두가지 기법으로 표현하였는데 하나는 Reduction Woodcut으로 파면서 종이에 찍어나가기 때문에 마지막단계에서는 나무판위의 조각들이 모두 없어지는 기법이다. 다른하나는 Key Block 기법으로 필요한 수 만큼의 나무판에 드로잉한뒤 판화용 칼로 판 다음 차례로 종이위에 찍고 문질러 프린트 했고 그위에 다시 꼴라쥬 작업을 했다. 하나의 화면위에 나타난 색의 수 만큼 나무판이 필요한 작업이다. 설치작업은 동사(copper wire)로 바구니모양의 형태를 짜면서 그안에 오브제를 넣은다음 마무리를 하여 천장에 매 다는 작업이다. 특별한 기법을 추구 했다기 보다는 마치 옷을 짜듯 동사를 구부려 한올한올 손으로 직접 짰다.

Q. 한 가지 장르를 집중해서 작업하는 한국 아티스트들과는 달리 다양한 장르를 동시에 작업하고 있다. 특별한 이유가 있는가? 나는 작가로서 항상 새로운 기법을 연마하고 그것을 작품에 응용하는 것을 매우 흥미롭고 생각한다. 그렇게하므로서 내 작업을 더 풍부하게 표현할 수 있고 더 많은 가능성을 발견할 수 있기 때문이다. 특히 판화작업을 통해 동양화에서 표현할 수 없는 색감을 발견하였고, 표현하므로서 창작에 대한 희열을 맛보고 있는 것 같다.

Q. 모든 작품에서 동양화 기법이 눈에 띤다. 특히 한국적인 요소가 강하다. 동양화를 기법을 추구하는 이유가 있는가? 동양화는 내가 한국의 대학과 중국의 대학원에서 전공한 분야로 졸업과 동시에 현재까지 꾸준히 작업해 오고 있는 분야다. 나는 특별히 한국적인 점을 염두해 두고 작업하지는 않았는데, 그런 점을 발견하였다고 하니 내 작품을 다시보게 만든다. 수묵화는 붓놀림의 속도나 힘에 의해 화선지 위에서 먹의 번짐의 정도가 달라, 매우 섬세하고 재료를 다루기가 어려운, 오랜 경험을 요구하는 작업이다. 그만큼 숙련이 필요하고 깊이가 있는 작업이라고 생각한다.

Q. 이번 전시에는 딸(릴리)이 많이 등장한다. 거의 모든 작품에서 딸이 등장하는데, 특별히 딸을 소재로 삼은 이유가 있는가? 딸아이는 늘 나와 함께 있는 존재고 엄마로서 항상 보살펴야하는 대상이다. 태국이라는 새로운 곳에서 이방인으로 살아와서인지는 잘 모르겠지만 딸아이에게 특히 많은 애착을 느끼고 있다. 뿐만아니라 태국인인 딸아이를 작품의 전면에 내세우면서 나와 태국사회를 연결하고자 했던것 같다.

Q. 작품 속의 릴리는 항상 점프를 하고 있다. 어떤 특별한 의미를 담고 있는가? 내 작품속에서의 움직임은 공간과 관계가 있다. 나는 내 정체성의 이슈를 내가 거주하고 있는 공간과 연관짓고 있는데, 평면작업속의 이미지 공간이든 설치작업에서의 실재공간이든 모든 사물이 존재하기 위해서 공간이 필요하지 않는가. 그런점에서 공간은 존재의 필수 조건이라고 생각한다.

Q. 작품 속 릴리가 입고 있는 옷의 패턴은 매우 태국적으로 느껴진다. 어떠한 패턴과 소재를 사용했는가? 그리고 그 패턴을 통해 무엇을 말하고 싶었나? 이것은 파퉁이라고 하는 태국 전통천으로 태국의 여성들이 목욕을 할때 또는 옷을 갈아입을때 사용한다. 방콕에서는 여성들이 거의 사용하고 있지 않고 지방으로 가면 자주 볼 수 있다. 지역에 따라 패턴이 조금씩 다르다는 점에서 지역의 특징을 보여준다고 생각한다.

Q. 이러한 패턴과 소재는 어떤 곳에서 영감을 얻고, 또 수집하는가? 처음 내가 태국에 왔을때 농카이라는 지역에서 6개월간 생활한적이 있는데, 그곳에서 파퉁천을 처음 접했다. 농카이는 태국의 동북부에 위치한 작은 도시로 당시 외부와의 교류가 많지 않아 지역적 특징이 잘 보조되어 곳이다. 그곳에 체류하는 동안 태국여인들이 주로 파퉁을 입고 있는것을 자주 보게 되었다. 그 당시 접한 파퉁은 내가 태국적인 것을 처음 느끼게 해준 사물었다. 방콕으로 옮겨온 뒤 파퉁천을 천가게에서 구입할 수 있었는데, 파퉁천을 보는 순간 이전의 기억들이 떠올랐다. 그런 점에서 파퉁은 내게 특별한 의미를 지닌 소재가 되었다. 흥미로운 것은 이곳 방콕에서는 그 천을 입고 생활하는 여성들을 거의 볼 수 없다는 것이다. 2009년 개인전 때 처음으로 파퉁천을 작업에 사용했고 현재도 다양한 방법으로 작업에 사용하고 있다.

Q. 지난해 태국 홍수를 소재로 한 작품들도 눈에 띤다. 이 작품들을 통해 무엇을 말하고

싶었는가? 이번 전시를 준비하는 동안 태국 홍수사태를 경험하게 되었다. 수개월동안 많은 지역이 침수되고 수많은 태국국민들이 고통 받는 것을 직/간접적으로 경험하게 되었다. 내가 거주하는 방콕시내 중심부는 큰 피해는 없었지만 재해에 대처하느라 적지않은 어려움과 두려움을 느끼게 되었다. 앞서 이야기 했듯이 내 작품은 나의 일상과 동떨어질 수 없는데, 그런 점에서 이번 재해에 대한 경험을 자연스럽게 표현하게 되었다. 작품에 나타나는 찟어진 파퉁천은 태국민들의 상처를 은유적으로 표현했다고 할 수있다.

Q. 동사로 짠 새집 모양의 설치물이 매우 흥미롭다. 이 작품에 대해 설명해 달라. 동사로 짠 설치물은 바구니 모양을 하고 있고 그 안에 파퉁천을 감은 나뭇가지를 넣어 천장에 매달아 설치했다. 나무가지는 2009년 개인전때 설치작업에 사용했었는데 그때와 같은의미를 담고있다. 예를 들면 그 당시 나는 색색가지의 실을 촘촘히 감은 수십개의 나무가지들을 바닥에 설치하여인공정원을만들었었는데,각각의나무가지를다른개개인으로,정원을하나의사회로 생각하고 표현했다. 이번 설치작업은 공간에 대한 이슈를 더 깊이 다루고 있다.

Q. 이번 전시에 출품한 작품들 중 가장 애착이 가는 작품이 있다면 무엇인가? 이번 전시에서 가장 애착이 가는 작품은 <Jumping>이다. 파퉁을 평면그림에 처음 꼴라쥬 했던 작업이다.화면속의12개의포즈를위해10살난딸아이가50회이상을점프했다.딸아이는자신의 모습이 완성되어가는 과정을 처음부터 지켜보고 조언도 아끼지 않았다. 이 작업을 시작으로 다양한 작업들을 만들어 낼 수 있었다.

Q. 이번에 방콕 스페셜 에디션을 만들면서 만난 태국의 아티스트, 갤러리, 디자인 센터를 보면서 방콕 아트신의 가능성을 엿볼 수 있었다. 현재 태국의 아트 신에 대한 동향을 간단하게 설명해 달라. 태국은 여느 개발도상국과 마찬가지로 (내 판단이 맞다면) 국제화와 세계화에 주목하면서도 태국적인 지역성에 대해 고민하는 작가들이 많은것 같다. 지난 몇년간 해외 유수 전시에 초대된 작가들도 많아지고 또 해외 레지던시 프로그램에 참여하고 돌아온 작가들도 늘었는데, 그들을 통해서 태국현대미술이 더 발전하고 있고 다양해 지고 있는것 같다. 장르면에서 본다면 전통회화를추구하는작가들뿐만아니라다양한기법과아이디어로미술계가늘활력이넘쳐나는 것을 느낄 수 있다. 개인적으로 매우 태국적이라고 느끼는 부분은 불교화를 전문적으로 하는 작가군이 서로 연대하면서 매우 왕성한 활동을 한다는 점이다. 불교국가여서 그러한 현상이 두들어져 나타나는것 특이한 점이라고 생각한다.

Q. 개인적으로 좋아하는 태국 로컬 아티스트가 있다면 추천해달라. 태국젊은 작가 중 치앙 마이 (Chiang Mai)를 거점으로 활동하고 있는 쁘이옥 (Sudsiri Pui-ock) 이라는 작가를 좋아한다. 그녀의 최근전시를 보면 마치 신체일부가 돌연변이처럼 표현된 작은 오브제들이 다다미 위 여기저기에 보일듯 말듯 흩어져 설치되어 있는데, 그녀에 의하면 불교의 윤회설에 영감을 받고 삶과 죽음, 행복과 슬픔 등 삶에 대한 진지한 고민이나 상반된 개념들을 다루는 태도가 마음에 든다. 또한 그녀의 작업은 매우 개념적이면서도 Hands-on 의 quality 가 부각되고 있고, 작품 제작과정이 중시되고 있어 내가 작품에서 추구하는 점과 유사한 점을 발견할 수 있어 더 관심을 가지게 되었다.

Q. 8번째 전시에 대한 계획은 있는가? 앞으로의 계획이 궁금하다. 다음 전시는 구리설치작업을 더욱 발전시킬 예정이다. 이번 전시와 마찬가지로 공간과의 관계 속에서정체성을찾아가는방식인데구체적으로는태국문자를이용하여타인과사회와의소통에 관한 문제들을 새롭게 접근하고 풀어나갈 계획이다.

Q. 방콕에서 만난 한국인 작가이기에 더욱 반갑고, 자랑스럽다. 엘로퀀스 독자에게 마지막 인사를 부탁한다. 나의 전시와 작업에 대해 소개를 해줘서 너무 고맙다. 오랫동안 해외에서 거주하고 활동을 해와서 사실 한국에 내 작업에 대한 소개를 할 기회가 없었는데, 그런 점에서 한국에서 발행되고 세계로 배포되는 잡지에 소개된다고 하니 작가로서는 너무나 큰 행운이고 많은 격려와 용기를 준다. 앞으로 더 좋은 작업을 가지고 에로퀀스 독자여러분을 뵙기를 희망한다. 폰트는 눈에 띄게 만들려고 한다. 작품을 통해 공적으로 참여하고 싶고, 글자 자체만으로 의사 소통의 한 형태라고 생각한다. 무엇보다도 내 작품을 통해 사람들과 직접적으로 소통하고 싶다.

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어떤가? 태국에는 영화감독이 많다. 개인적으로 Apichatpong감독을 최고의 감독 중 한 명이라고 생각한다. 그의 영화는 대부분 독립 예술 영화로 태국 대중을 노리는 편은 아니다. 전반적인 태국 영화 산업은 액션, 코메디, 드라마, 호러 장르가 많고 예술성보다는 수익성을 위한 성격이 강하다.

Q. 가장 좋아하는 영화나 영화감독은? 가장 좋아하는 감독은 Biutiful, Babel같은 작품을 만든 Alejandro Gonzalez Inarritu이다. 하지만 제일 좋아하는 영화는 Christopher Nolan의 Inception이다.

Q. 당신은 체코에서 필름 공부를 했다. 런던, 뉴욕에는 유명 필름 스쿨이 많다. 굳이 프라하를 택한 이유가 있나? 일단은 아시아와 다른 유럽 문화를 접해보고 싶었다. 또, 영화제작뿐만 아니라 유럽의 역사도 알고 싶었다. 그 중에서도 독특한 역사와 영화 스타일이 드러나는 Czech Republic을 가장 좋아한다.

Q. 유럽 영화와 아시아 영화의 가장 큰 차이점은 뭐라고 생각하나? 영화제작하는과정도다르지만,가장큰차이점은내러티브다.아시아는아시아만의전통문화와 그 나름의 스토리텔링 방식이 있다. 세계 시장에서 아시아 필름 마켓이 살아남으려면 우리만의 역사와 문화를 보여주는 스타일이 중요하다.

Q. 과거 영화 제작 방식은 아날로그였지만, 디지털 방식으로 바뀌면서 영화제작 시스템 역시 많이바뀌었다.당신은방콕의디지털필름세대의선두주자다.디지털테크놀로지에대해어떻게 생각하는가? 디지털 테크놀로지는 영화제작에 새로운 가능성을 보여줬다. 디지털 영상제작은 이제 더 이상 저예산인디 영화를 위한 것이 아니다. 디지털과 필름의 만남은 필름 역사상 가장 재미있고 혁신적인 변화임에 틀림없다.

Q. 좀 더 구체적으로 말해달라. 무엇보다도 디지털 영상제작은 누구나 할 수 있다. 상대적으로 저 예산인데다 사용하기 편한 방식은 앞으로 영화산업의 큰 힘이 될 것이다. 왜냐하면 재능 있는 감독이 영화를 만들고 싶다면 더 이상 Hollywood방식의 재정적 지원이 없어도 되기 때문이다. 물론 기존 산업에 위협적 요소가 될 때도 있지만, 디지털 세대들은 영화산업에 새로운 활기를 불어넣어주고 있다. 또, 편집과정이 매우 간단해졌다. 디지털 레코딩 장비들처럼 편집장비 역시 구하기 쉽고 배우기 쉽다. 유저들이 직접 영상을 자르고 쉽게 수정할 수 있다. 후반작업도 좀 더 편한 편이고. 누구나 iMac같은 영상툴 정도로 쉽게 영상을 만들 수 있다고 생각해봐라. 앞으로 그 가능성은 무한하다. 많은 예산 없이도, 디지털 유통 방식은 더 많은 관객과 소통할 수 있다. 요즘엔 YouTube에 올리거나 iPod 이나 핸드폰으로도 가능하다. 디지털 형식 영화는 기존의 유통 방식을 벗어났다. 박스오피스 히트작이 아니어도 사람들에게 알려질 수 있다.

Q. 혁신적인 부분도 많지만, 반면 개선 되어야 할 사항도 많은 것으로 알고 있다. 그렇다. 가장 큰 문제점 중 하나는 하드디스크, DVD에 보관하는 대용량이 부족하다는 점이다. 다른 장비에 여분으로 백업해두지 않으면 영화를 통째로 날리기도 한다. 또 촬영 당시에는 찍는 내용에 문제가 생길지 모른다. 뿐만 아니라 필름 방식을 변환할 때, 기술적인 문제가 생기기도 한다. 특히 이런 문제들이 후반작업에서만 나타나기 때문에, 재촬영을 하기엔 사실상 힘들다는 점에서는 매우 회의적이다. 한쪽에서는 디지털필름의 성장이 예술성을 망칠 것이라는 의견도 주장하고 있다. 하지만 감독들이 얼마나 이상적인 필름 형태를 만들려고 노력하는지에 따라, 하락세인 기존의 영화관 유통 방식에 장점이 될 수 있다. 관객들은 이동 중에 iPod이나 컴퓨터, TV로 영화를 보는 걸 더 선호한다. 사람들이 그러한 영화에 정당한 대가를 지불할 용의만 있다면, 아마 굳이 영화관에 가서 보려고 하지 않을 것이다. 디지털 유통 시스템을 통해 관객은 바로 볼 수 있기 때문이다. 기존의 영화관람 방식을 굉장히 좋아하는 편이 아니면 문제가 없겠지만, 사실상 디지털 유통 방식이 성장하면 종전의 시네마 형태의 영화관을 대체할 것이다.

Q. 디지털 키드로서 앞으로 꿈이나 목표가 있다면? 태국 뿐 아니라 전세계를 넘나들며 장편영화를 제작하는 감독이 되고 싶다. 세계를 여행하며, 서로 다른 문화를 가진 각지의 사람을 만나고 배우고 좋은 영화를 만들며 살고 싶다. 테크놀로지가 이러한 꿈을 더욱 가깝게 만들어 줄 것이라고 믿는다. 곳이다. 우리 제품의 중심에는 장인 정신이 있다. 그것을 통해 어떤 옷을 입던지 당당한 팜므 파탈의 이미지를 추구한다.

Arunchit Sasivimolkul Q. 당신에 대해 간단한 소개를 해달라. 이름은 Arunchit Sasivimolkul, 방콕에 살고 있다. Wakeup Rabbit 팀에서 사진 디렉팅과 카메라촬영을 맡고 있다. Kratai tuentua Co.,Ltd. 프로덕션 팀은 다양한 재주를 가진 친구들이 열정을 가지고 모인 팀이다. 커뮤니케이션과 디자인 관련 영역을 전문으로 한다. Info-graphic design, commercial film & animation, viral campaign management, communicative illustration, visual concerts, online &digital media 모두를 넘나드는 커뮤니케이션 모델을 추구하고 있다.

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Bangkok Cityscape

Q. 언제, 어떻게 영화감독이 되기로 결심했나? 영화감독이되기전에포토그래퍼로일했다. 대학을 다니던 시절에는 여전히 어떤 일을 하고 싶은지 알지 못했다. 2002년 필름 세트장에서 처음 일하게 될 기회가 있었는데, 그 때 영화작업이 앞으로 평생 내가 하고 싶은 일이란 걸 깨달았다.

Q. Apichatpong Weerasethakul 감독 등 주목 받는 태국 감독이 많다. 태국 영화 산업은

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David Terrazas 내가 찍은 방콕사진의 컬렉션에는 지난 1년 동안 방콕에서 살면서 일상생활에서 본 장면들을 나만의 관점으로 담았다. 내가 살던 곳에서 찍은 친구들의 모습에서부터 도시풍경, 차이나타운( 방콕에서 가장 사진이 잘 나오는 곳 중의 한 곳이다.)에 있는 찻집, 그리고 그 중간에 있는 모든 것에 이르기까지 모든 사진들이 그렇다.

나는 사진작가는 아니다. 그러나 사진을 나의 예술작품의 한 매개로 이용하고 있다. 마치 한량처럼, 나는 특히 주택가 뒷골목과 잘 알려져 있지 않은 외진 곳 등, 도시 이곳 저곳을 다니며 경험하고 있다.

Kara Yong Kara Choko

사람들이 많이 모이는 장소나 유명 관광지보다는 이 도시의 구석구석과 잘 알려져 있지 않은 곳에 더 주목하면서, 이 거대하고 인구가 밀집된 대도시의 독특하고도 쓸쓸한 단면을 보여주려고 한다. 방콕에 관해 특별히 어떤 것을 꼬집어서 보여주려는 의도는 없다. 왜냐하면 이 사진들은 미리 계획된 의도에 따라 찍었다기 보다는 어떠한 뚜렷한 생각 없이 파인더에 담은 것이다. 각 사진마다 따로 따로 의미를 가지는 영상들이라고 할 수 있다. 그렇지만, 이러한 사진들은 나 자신과 방콕에 대해 가지고 있는 내 생각에 대해 무언가를 말해 주고 있다고 본다.

사람들은 아름다운 곳에 끌리게 되어있다. 그래서 관광명소나 랜드마크 같은 장소가 등장하고 이런 곳들은 항상 풍경을 보려고 모여든 사람들로 북적거린다. 특정한 곳의 사람들을 이해하려고 우리는 어떤 사람의 생활에 좀더 가깝게 다가가거나, 또는 어떤 도시의 성격을 파악하기 위해서 어떤 도시 구역을 분석하게 될 수 도 있지만, 이 모든 것들은 그 사회를 전체적으로 볼 때 비로소 적절하게 이해될 수 있다. 나의 작품 중 일부는 원거리에서 찍은 것처럼 보이고 그 속에 들어있는 사람들과 고층 빌딩들은 실제 모습과 다르게 보일 수도 있다.

모든 가능성과, 극명하게 대비되는 여러 가지 모습들 그리고 어디를 돌아 보든 눈에 들어오는 이국적인 풍경들로 가득한 대단한 도시라는 점에는 의심의 여지가 없다. 여러분이 바라보는 것이 어떤 것이든 간에, 현대와 전통이 완벽하게 조화를 이루며 공존하고 있는, 건축학상으로 볼 때 이 혼란스러운 도시 속에서 그것을 찾게 될 것이다. 방콕과 이 도시의 사람들은 독특하다.

나는 방콕을 “예쁘다” 또는 “나쁘다”등의 시각으로 보고 싶지 않다. 비록 이런 점들이 때때로 간과되지만, 이 점은 현재 일어나고 있는 것처럼 보이는 일의 측면이다. 이것은 방콕의 생활상의 한 단면이다. 수도 방콕의 성장 발전이 방콕 시민들의 욕구와 일치하지 않을 때 발생하는 갈등뿐만 아니라, 방콕과 그 곳의 주민들 사이에 어떤 관계가 맺어 지는지 보여주고 싶다.

Ohm Phanphiroj

방콕은 수많은 지역으로 구성되어 있다. 그러나 구 시가지와 신 시가지는 놀랍게도 조화롭게 융화되고 있다. 방콕은 살아 움직이는 도시이다. 방콕에 살면서 바깥을 내다보면 - 아무도 보이지 않더라도 - 여러분은 생생한 삶의 모습을 보게 된다. 금방 보이지 않는다면, 여러분은 아마도 그 도시의 참 모습을 영영 못 보게 될지도 모른다.

나의 일련의 작품들은 방콕의 숨은 비경을 찾아내고 그 도시의 경관이 낮과 밤에 어떻게 다른 모습을 연출하는지 보여주고 있다. 방콕 시내에서 차를 몰고 다니면서 이 도시의 모습을 수많은 사진으로 담았다. 색다른 것이나 흥미롭게 시선을 사로잡는 것이 있으면 언제든지 차를 세우고 나가서 사진을 찍는다.

164p 내가 보여주고 싶은 것은 신나는 일, 드라마 같은 사건, 미스터리 그리고 미처 생각하지 못했는데 만나거나 겪게 되는 일, 이러한 것들로 가득 찬 도시로서의 방콕이다. 이러한 것들은 짜릿할 정도로 신나지만, 동시에 위험하기도 하다. 내가 볼 때 방콕은 볼거리가 많은, 방문할 가치가 있는 훌륭한 도시이다. 이 도시는 여러 가지 다양한 모습을 지니고 있다: 즉, 더럽고, 있는 그대로 노출되어있고, 생기가 넘치며, 가고 싶을 정도로 마음을 끄는 그런 도시이다. 따라서 이 도시에 오게 되면 비밀스러워지고, 모험심이 일어나며 약간의 마음의 일탈 등이 허용되는 듯 하다. 나에게 있어서, 방콕이야말로, 여행자가 보고 경험하도록 모든 것을 제공해 주는 세계에서 유일한 도시인 것 같다. 어느 순간에도, 방콕은 천국이면서 동시에 지옥이기도 하다.

Dow Wasiksiri 나의 방콕 컬렉션에는 호기심을 가득 담은 눈으로 방콕의 생활상을 담은 사진들이 담겨 있다. 방콕은 가장 잘 이해되지 않는 도시중의 하나 이면서도, 세계에서 여행자들이 가장 많이 찾는 도시중의 하나 이다. 나는 태국인들이 하루 하루를 보내는 방법으로 이 곳에서 생활한다. 즉 태국인들의 유머를 이해하고 활용하는 것이다. 흉내 내거나 일반화해서 구별하거나 하려고 하지 않고 그저 알고 있다는 듯 미소를 짓는다. 나는 이 컬렉션을, 우리가 우리 자신에게 무엇을 했으며 우리가 현대화 과정을 어떻게 받아들이고 우리 자신의 일부로 만들었는지에 대해 되새겨 보는 태국인의 자서전 사진첩으로 생각하고 있다. 과장된 홍보에서부터 동양적인 로맨스, 외설스러운 이야기들에 이르기까지 재래식 시각으로 본 방콕에대하여“현실직시”라는화두를던지고싶었다.20년동안,나의카메라렌즈는태국인들이 생활 속에서 늘 가지고 있는 사고방식을 탐구했다. 나의 작품들은 공공장소에서 내가 만난 태국인들과 주변의 풍경들을 아무런 판단을 하지 않고 그대로 보여준다. 나는 불교신자로서, 주변의 상황을 객관적으로 다루는 것을 배우면서 자랐다. 이것은 쉬운 일이 아니지만, 꽤 쓸모 있는 훈련이 된다. 예기치 못했던 것을 맞닥뜨리게 되면 이것을 렌즈에 담고 바로 잊어 버린다. 내가 사진에 담는 사람들은 이벤트나 모임에서 흔히 돋보이는 사람들과는 달리 카메라에 찍히기 위해 깔끔하게 준비한 사람들이 아닐 수도 있다. 그러나 그들의 모습은 식습관과 종교 의식에서부터심지어헤어스타일에이르기까지방콕주민들이일상에서즉흥적이고도흔히하는 생활 방식을 보여 주고 있다. 실제로 외향적인 성향의 방콕 사람들은 재미있는 기질을 뜻하는, 약방의 감초 같은 단어 ‘사누크’를 위한 일이라면 언제든지 사진의 모델이 되는 것을 즐긴다. 내 작품에 가득히 들어 있는 색조들이 어쩌면 자연스럽지 않게 보일 수 도 있다. 그러나 방콕은 언제나 2차원의 인화된 사진이 표현하는 것 보다 더 생동감 있고 활기차다. 방콕에서 경험하게 되는 수많은 순간 순간은 전혀 예상치 못했던 것들이다. 그래서 막연하게 방콕을 찾는 사람들에게는 방콕의 특별한 도시 리듬과 방콕의 우선순위 등이 어수선하고 이상하게 보일 수 도 있다. 이러한 신비감을 더 혼란스럽게 만드는 것은, 태국 사람들 자신들이 만들어 내고 태국을 찾는 외국인들에게 젊잖은 태도로 비쳐지는, 이상화된 ‘태국스러움’의 이미지이다. 이러한 무수히 홍보된 태국과 방콕의 이미지는 연출되고 과장된 것으로서 놀랍게도 부자연스러움과 현실이 나란히 섞여서 표출되고 있는 것이다. 이러한 시각을 통해서, 나는 모든 장난기 섞인 모순된 측면 속에서 방콕 사람들이 부지불식간에 행하는 행동을 작품 속에서 나타내는 것이 목적이다. 전체적으로 봐서, 나의 컬렉션은 내가 태국에 관해서 담고 있는, 변화하고 있는 사람들의 모습에서 나타난 광경을 보여주는 큰 덩치의 작품 세계의 작은 부분일 뿐이다. 방콕의 도시 풍경과 태국의 대중 문화에 표출된 이 주제들은 태국의 인접국가들이 이루고 있는 혼합된 양식의 개발 속에서도 두드러지고 있다. 즉, 전통과 충돌하면서 들어오는 세계화의 물결의 후유증이라고 할 수 있다. 그러한 충돌이 아무리 강력하더라도, 태국 인들은 그저 ‘미소’로 잘 대처하고 있다고 본다.

Steven Pettifor 내가 작품에 담은 이미지의 대부분은 내가 사는 방콕의 에카마이 지역에서 펼쳐지는 생생한 모습들이다. 방콕의 대부분의 지역과 마찬가지로, 내가 살고 있는 지역은 고급화되고 동일 형태의 주택들이 들어서고 많은 공간들이 개발과 건축으로 밀리게 됨에 따라 빠른 속도로 변화하고 있다. 내 작품들은 주민들의 생활상에 초점을 맞추었는데, 나의 관심을 끄는 것은 주민들의 일상생활의 잡다하고 흥미로운 소소한 측면이다. 나는 사소한 것을 고차원으로 끌어 올리기를 원한다.

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Aloft Hotel

Aloft Hotel은 3년 전 첫 오픈을 시작으로 세계적인 호텔업의 새로운 지평을 열었다. Abu Dhabi, Dallas, Brussels을 비롯해 전세계적으로 55여 개국에 걸쳐 있는 Aloft Hotel은 각각의 스타일을 가지고 있다. 2012년 2월 화려한 오프닝과 함께 방콕 중심부에 위치한 Aloft Hotel - Sukhumvit 11은 세계적인 명소 중의 하나가 되었다. Nana BTS Sky 전철역에서 불과 5분 거리에 위치한 Aloft Hotel - Sukhumvit 11은 방콕의 경쟁적인 호텔산업 중 돋보이는 업체다. 도심에서 영감 받은 디자인, 환한 소셜 스페이스, 현대식 감각이 어우러져296객실 호텔은 테크놀로지에 익숙한 현대인에게 매력적으로 다가온다. 게스트룸은 로프트 형태를 띠고 있는데 9피트에 달하는 천장과 대형 창문으로 유명하다. 300 자수 린넨 시트, 무료 와이파이, 42” LCD TV, iPod/MP3 도킹 스테이션, 무드조명기 등의 온갖 설비가 갖춰져 있다. 이 외에도 Bliss® Spa에서 제공하는 대형 욕실과 맞춤형 시설을 즐길 수 있다. Aloft Bangkok - Sukhumvit 11은 여행객들의 기대에 맞춰 넓은 소셜 스페이스를 반영한 산업 디자인적 요소가 돋보인다. 바(w xyz SM), 오픈 라운지(re:mix), 테이크아웃이 가능한 레스토랑(re:fuel), 풀 서비스 피트니스 센터(re:charge), 실외 수영장 (splash)과 265여 평방의 미팅 공간을 갖추고 있다. w xyz SM 바는 에너지가 흐르고 각자의 개성이 뒤섞인 도심의 분위기가 느껴진다. re:mix SM 오픈 라운지도 주목할만하다. 사람들이 편하게 이야기하면서, 술 한잔 마시거나 책을 읽거나 무료 와이파이나 게임을 즐기기에 딱 맞는 곳이다. 테이크아웃레스토랑re:fuel은언제나열려있다.달콤한간식부터건강식까지‘신선함이최고’를 자부하는 메뉴가 사람들의 입맛을 자극한다.

24시간 피트니스 센터 Re:charge는 Life Fitness사의 바이크, 러닝머신, 타원형 기계를 골고루 갖추고 있다. 방콕의 더위에서 벗어나고 싶다면 호텔 실외 수영장 splashs를 꼭 가야 한다.

Aloft Bangkok - Sukhumvit 11은 265평방 미터 미팅 공간이 있다. 비즈니스 미팅이나 소규모 세미나도 가능하고, 호텔 부대 시설은 12에서 최대 70명까지 게스트를 수용할 수 있다. 태국에서는 처음 오픈한 Aloft Bangkok - Sukhumvit 11은 합리적인 가격으로 호텔 서비스를 제공한다.

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dusitD2 Baraquda

방콕에서 90분 거리에 24/7 해변도시 파타야가 있다. 그 중심부에는 dusitD2 Baraquda Pattaya 가 있다. 파타야에는 해안가, 엔터테인먼트, 쇼핑센터, 카페 등 다양한 놀거리와 볼거리가 가득하지만, dusitD2 Baraquda Pattaya에 오게 되면 더욱 특별한 경험을 하게 될 것이다. dusitD2 Baraquda Pattaya는 맑고 푸른 색조의 물결에 영감을 받아서, 물, 공기, 조명을 테마로 디자인한 파타야 최상의 디자인 부티크 호텔이다. 이 힙한 호텔은 수려한 디자인은 물론 꼼꼼한 서비스와 편안하고 흥겨운 분위기를 갖추고 있다. 발코니가 있는 72개의 게스트룸과 스위트룸은 앞서 설명한 다양한 장점을 모두 갖추고 있는 것이 특징. 복층 스위트룸과 스튜디오는 시크한 인테리어에 워터 제트 욕조같은 스파식 욕실을 갖추고 있어 많은 사랑을 받고 있다. 기념품 쇼핑이나 근처 산호초 스쿠버다이빙을 하고 싶다면, 언제든 dustiD2 데스크의 편리한 예약 시스템을 이용하면 된다. 호텔 내부 스파 d’spa 에서는 여행객들을 편안하게 해주기 위해서, 테라피를 제공한다. 호텔의 시그니쳐 레스토랑 s.e.a에서는 동남아시아의 매혹적인 향신료를 사용한 음식부터 국제적인 요리까지, 오픈 키친 형태로 온갖 식도락을 즐길 수 있다. 마치 커다란 고래를연상케하는곡선으로디자인된수영장바에서는언제든지간식이나건강음료가준비되어 있다. 또한 호텔 건물의 옥상에 마련되어 있는 sunset lounge에서는 칵테일 한 잔을 마시며 해가 지는 파타야 장관을 볼 수 있다. 수중에 위치한 deep bar 에서는 태국 그루브와 유명 DJ들의 음악을 즐길 수 있다. 비즈니스를 위해 머무는 고객들을 위한 디자인과 서비스도 있다. 자연광이 비취는 최신 테크놀로지를 갖춘 2 개의 미팅룸에서 비즈니스 전략을 세우기에 최고이다. 특히 Koh Larn 산호섬의 백사장은 페리로 20분거리에 있다. 편안하고 세련된 dusitD2 Baraquda Pattay에서는 해변 휴양지에 오면 즐길 수 있는 모든 것이 있다.

ELOQUENCE LOVES BANGKOK

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advertorial

Aloft Hotel

Aloft Hotels revolutionized the international hospitality landscape with the opening of its first property three years ago. Today, Aloft Hotels are located in over 55 locations worldwide, offering style at a steal from Abu Dhabi to Dallas and Brussels to Beijing.

February 2012 saw Bangkok added to this remarkable roster of international outposts with the grand opening of Aloft Bangkok – Sukhumvit 11 in the heart of Bangkok.

Strategically located just a five minute stroll from Nana BTS Sky Train Station, Aloft Hotel – Sukhumvit 11 is the newest and most stylish player in Bangkok’s competitive hospitality industry.

Incorporating urban-inspired design, bright social spaces and a fresh modern angle, the 296-room hotel is perfect for the modern and tech-savvy traveler looking for a vibrant, social experience.

Guest rooms are noteworthy for their loft-like design, soaring nine-foot ceilings and oversized windows, offering amenities such as 300-thread count linens, free WiFi, 42” LCD TVs, iPod/ MP3 docking stations and mood lighting controls in addition to bathrooms outfitted with walk-in showers and custom Aloft bathroom amenities by Bliss® Spa. Aloft Bangkok – Sukhumvit 11 incorporates industrial design elements throughout its bountiful and busy social spaces catering to the expectations of today’s travelers: a buzzing bar (w xyz SM), an relaxing open lounge (re:mix), a café with grab-and-go dining options (re:fuel), a full service fitness center(re:charge), an outdoor swimming pool (splash), and over 265 square meters of tactic meeting space.

The wxyz SM bar provides a sophisticated urban social scene where energy flows and personalities mingle.

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re:mix SM open lounge is another trendy and playful space for guests to sip a drink, read the paper, enjoy free WiFi or play a game of pool while they chit-chat and connect with others or just lounge around.

Hotel’s one stop grab-and-go café, re:fuel by AloftSM, presents a welcome change for travelers on the move. Its innovative eating options and “fresh-is-best” menu will have something to excite your palate from sweet treats to healthy eats at any hour of day. re:charge, hotel’s 24-hour fitness center, includes stationary bikes, treadmills, and elliptical machines from Life Fitness.

The hotel’s refreshing outdoor pool splash is perfect for taking a quick dip or relaxing respite from Bangkok’s heat.

Equipped with 265 square meters of tactic meeting space, Aloft Bangkok - Sukhumvit 11 will add just the right amount of pizzazz to your next business bash. Ideal for business meetings or smallscale seminars, the hotel’s tactic facilities can accommodate 12 to 70 guests with ease.

Aloft Bangkok - Sukhumvit 11 Aloft’s first hotel in Thailand offers guests a total hospitality experience in a stylish setting all at an affordable price point.

Aloft Bangkok - Sukhumvit 11 35 Sukhumvit Soi 11, Sukhumvit Rd., Bangkok 10110 Thailand t. (66) (2) 207 7000 f. (66) (2) 207 7100 alofthotels.com/bangkoksukhumvit11

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dusitD2 Baraquda

Located just a 90-minute drive from Bangkok awaits the 24/7 beachfront city of Pattaya—and, at its heart, dusitD2 Baraquda Pattaya. Though the city’s charming beaches, entertainment, shopping and exciting café scene all rest within easy reach, guests at this boutique design hotel will first have to drag themselves away from the happening hospitality at Pattaya’s new kid on the block.

Inspired by the brilliant blue jeweled hues of the sea, the hotel’s clean-cool lines blend with appealing shapes and textures that accentuate its themes of water, air and light. Complemented by attentive and enjoyable service, 72 thoughtfully designed guest rooms and suites (each with a balcony) provide both a relaxing and uplifting atmosphere. The two-floor D’suites and studio suites feature ultra-chic interiors and spa-like bathrooms complete with water jet tubs.

Whether it’s shopping for souvenirs or scuba diving along the reef of an island nearby, dusitD2’s desk agents can assist with arrangements and access to keep guests’ minds at ease, while the d’spa offers soothing therapies to address travelers’ every personal maintenance need. The hotel’s exquisite signature restaurant s.e.a serves sensually spicy local specialties, alluring Southeast Asian favorites and the best of international cuisine, all in an open kitchen configuration that allows diners to indulge in the whole gastronomic adventure. Meanwhile, Thailand’s sexiest swimming pool beckons guests outdoors where they can enjoy light snacks and healthy beverages served all day long at the pool

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bar, take in the spectacular views of Pattaya Bay with a cocktail in hand at the stylish alfresco sunset lounge, and chill out into the evening to the grooves of Thai and international DJs at the inspirational underwater deep bar—the new place to see and seen.

Those traveling on business will appreciate the serenity of the lounge, distinguished by its spectacular design and intuitive service. Two meeting rooms equipped with natural daylight and modern technology provide the perfect setting to plot your new business strategy.

With the white sand beaches of Koh Larn (Coral Island) just a 20-minute ferry ride away, the casual and sophisticated dusitD2 Baraquda Pattay offers everything for a sensational seaside escape.

485/1 moo.10 pattaya 2 road, nongprue, banglamung, chonburi 20260, Thailand t. +66 (0) 3876 9999 f. +66 (0) 3876 9000 e. d2pa@dusit.com www.dusit.com/d2pa

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party

ELOQUENCE LAUNCHING PARTY With the publication of this month’s ‘Bangkok Special Edition,’ ELOQUENCE is now available in all of the city’s major galleries and cultural spaces. As a way to announce its arrival on Bangkok’s creative scene, ELOQUENCE threw an official launch party at the Ramada Encore Hotel on February 9. Thanks to all the guests from Bangkok’s creative industries who made the event such a great success.

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BANGKOK PHOTOLOG

30 January - 14 February, Sathorn, Sukhumvit, Thong Lor, Siam, Pattaya

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Creative ideas travel fast and far – Eloquence keeps track of them and the people behind them.

We introduce creators and their works. We take a look behind the scenes and trace the effects of this journey. We share ideas about creators’ lifestyles and working conditions.

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