LEAH BERLIAWSKY OR LOUISE NEVELSON

exagérément cette situation en s’habillant, elle et les enfants, avec des vêtements «considérés comme sophistiqués dans le vieux pays»[8] ; sa mère portait des tenues flamboyantes et était très maquillée ; Nevelson décrivait l’habillage de sa mère comme «son art, sa fierté et son travail», la décrivant également comme quelqu’un qui aurait dû vivre «dans un palais»[6].

La première expérience artistique de Nevelson a lieu à l’âge de neuf ans, à la bibliothèque publique de Rockland, où elle voit un moulage en plâtre de Jeanne d’Arc[10]. Peu après, elle décide d’étudier l’art et prend des cours de dessin au lycée, où elle est également capitaine de basket-ball[4][6]. Elle peint des intérieurs à l’aquarelle, dans lesquels les meubles semblent avoir une structure moléculaire, à l’image de ce qu’elle fera plus tard dans le cadre de son travail professionnel. Des figures féminines apparaissent fréquemment. À l’école, elle pratique l’anglais, sa deuxième langue, car on parle yiddish à la maison[6][8]. Mécontente du statut économique de sa famille, des différences linguistiques, de la discrimination religieuse de la communauté et de son école, Nevelson envisage d’aller au lycée à New York[11].

Elle obtient son diplôme en 1918[4] et commence à travailler comme sténographe dans un cabinet d’avocats local. C’est là qu’elle rencontre Bernard Nevelson, copropriétaire avec son frère Charles de la Nevelson Brothers Company, une entreprise de transport maritime. Bernard la présente à son frère, et Charles et Louise Nevelson se marient en juin 1920 lors d’un mariage juif à l’hôtel Copley Plaza de Boston. Ayant satisfait l’espoir de ses parents qu’elle se marie dans une famille riche, elle déménage avec son nouvel époux à New York[11], où elle commence à étudier la peinture, le dessin, le chant, le théâtre et la danse[7]. Elle tombe également enceinte et donne naissance en 1922 à son fils Myron (plus tard appelé Mike), qui deviendra sculpteur.

Nevelson étudie l’art, malgré la désapprobation de ses beaux-parents.

Elle commente : «La famille de mon mari était terriblement raffinée.

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(suit de la page 15) Dans ce cercle, on pouvait connaître Beethoven, mais Dieu vous pardonnez à moins que vous ne soyez Beethoven».

En 1924, la famille déménage à Mount Vernon, dans l’État de New York, un quartier juif populaire du comté de Westchester.

Nevelson est contrariée par ce déménagement, qui l’éloigne de la vie urbaine et de son environnement artistique.

Au cours de l’hiver 19321933, elle se sépare de Charles, ne voulant pas devenir l’épouse mondaine qu’il attendait d’elle.

Elle n’a jamais cherché à obtenir un soutien financier de Charles et, en 1941, le couple divorce.

À partir de 1929, Nevelson étudie l’art à temps plein avec Kenneth Hayes Miller et Kimon Nicolaides à l’Art Students League.

Nevelson attribue à une exposition de kimonos nô au Metropolitan Museum of Art le rôle de catalyseur qui l’a incitée à poursuivre ses études. En 1931, elle envoie son fils Mike vivre avec sa famille et part pour l’Europe, payant son voyage en vendant un bracelet en diamants que son désormais ex-mari lui avait offert à l’occasion de la naissance de Mike.

À Munich, elle étudie avec Hans Hofmann avant de visiter l’Italie et la France. De retour à New York en 1932, elle étudie à nouveau avec Hofmann, qui est alors professeur invité à l’Art Students League.

Elle rencontre Diego Rivera en 1933 et travaille comme assistante sur sa peinture murale Man at the Crossroads à Rockefeller Plaza.

Les deux ont une liaison qui provoque une rupture entre Nevelson et la femme de Rivera, Frida Kahlo, une artiste que Nevelson admire beaucoup.

Peu après, Nevelson commence à suivre les cours de sculpture de Chaim Gross à l’Educational Alliance. Nevelson continue d’expérimenter d’autres techniques artistiques, notamment la lithographie et la gravure, mais décide de se concentrer sur la sculpture.

Ses premières œuvres sont créées à partir de plâtre, d’argile et de tattistone.

Dans les années 1930, Nevelson commence à exposer ses œuvres dans des expositions collectives.

En 1935, elle enseigne la peinture murale au Madison Square Boys and Girls Club de Brooklyn dans le cadre de la Works Progress Administration (WPA).

Elle travaille pour la WPA dans les divisions peinture de chevalet et sculpture jusqu’en 1939[4]. En 1936, Nevelson remporte son premier concours de sculpture à l’A.C.A Galleries à New York[12].

Pendant plusieurs années, Nevelson et son fils, alors appauvris, marchent dans les rues pour ramasser du bois qu’ils brûlent dans leur cheminée pour se réchauffer ; le bois qu’ils trouvent sert de point de départ à l’art qui l’a rendue célèbre.

Son travail des années 1930 explore la sculpture, la peinture et le dessin.

Ses premiers dessins de nus à l’encre et au crayon présentent la même fluidité que les œuvres d’Henri Matisse. Nevelson crée également des animaux semi-abstraits en terre cuite et des peintures à l’huile.

En 1941, Nevelson expose pour la première fois en solo à la galerie Nierendorf. Le propriétaire de la galerie, Karl Nierendorf, la représente jusqu’à sa mort en 1947.

Pendant son séjour chez Nierendorf, Nevelson découvre une boîte à cirage appartenant à un cireur de chaussures local, Joe Milone. Elle expose cette boîte au Musée d’art moderne, ce qui lui vaut sa première grande attention de la part de la presse. Un article sur elle paraît dans Art Digest en novembre 1943. En 1943, Nevelson expose ses œuvres dans l’exposition de Peggy Guggenheim Exhibition by 31 Women à la galerie Art of This Century à New York.

Dans les années 1940, elle commence à produire des études de figures cubistes dans des matériaux tels que la pierre, le bronze, la terre cuite et le bois.

En 1943, elle présente à la Norlyst Gallery une exposition intitulée The Clown as the Center of his World, dans laquelle elle construit des sculptures sur le cirque à partir d’objets trouvés.

L’exposition n’est pas bien accueillie et Nevelson cesse d’utiliser des objets trouvés jusqu’au milieu des années 1950.

Malgré un accueil mitigé, les œuvres de Nevelson à cette époque explorent à la fois les abstractions figuratives inspi- rées du cubisme et l’exploitation et l’influence expérimentale du surréalisme.

La décennie a fourni à Nevelson les matériaux, les mouvements et les expériences qu’elle a elle-même créées et qui ont façonné son style moderniste caractéristique dans les années 1950.

Au cours des années 1950, Nevelson expose ses œuvres aussi souvent que possible. Malgré les prix qu’elle reçoit et sa popularité croissante auprès des critiques d’art, elle continue d’éprouver des difficultés financières.

Pour joindre les deux bouts, elle commence à donner des cours de sculpture dans le cadre des programmes d’éducation pour adultes du système scolaire public de Great Neck.

Ses propres œuvres commencent à atteindre des dimensions monumentales, dépassant les œuvres à taille humaine qu’elle avait créées au début des années 1940. Nevelson visite également l’Amérique latine et découvre des influences dans les ruines mayas et les stèles du Guatemala.

En 1954, la rue de Nevelson dans le quartier new-yorkais de Kips Bay fait partie de celles qui sont destinées à la démolition et au réaménagement, et son utilisation croissante de matériaux de récupération dans les années à venir s’inspire des déchets laissés dans les rues par ses voisins expulsés.

En 1955, Nevelson rejoint la Grand Central Modern Gallery de Colette Roberts, où elle présente de nombreuses expositions individuelles. Elle y expose certaines de ses œuvres les plus remarquables du milieu du siècle : Bride of the Black Moon, First Personage, et l’exposition «Moon Garden + One», qui présente sa première œuvre murale, Sky Cathedral, en 1958.

De 1957 à 1958, elle est présidente de la section newyorkaise de l’Artists’ Equity et, en 1958, elle rejoint la Martha Jackson Gallery, qui lui garantit un revenu et lui assure une certaine sécurité financière.

Cette année-là, elle est photographiée et fait la couverture de Life et présente sa première exposition personnelle à la Martha Jackson Gallery, tout comme son ami et soutien Norman Carton, également président d’une section de l’Artists’ Equity (à Philadelphie).

En 1960, elle présente sa première exposition personnelle en Europe à la Galerie Daniel Cordier à Paris.

La même année, une collection de ses œuvres, regroupées sous le titre «Dawn’s Wedding Feast», est incluse dans l’exposition collective «Sixteen Americans» au Museum of Modern Art, aux côtés de Robert Rauschenberg et de Jasper Johns.

En 1962, elle réalise sa première vente muséale au Whitney Museum of American Art, qui achète le mur noir Young Shadows.

La même année, ses œuvres sont sélectionnées pour la 31e Biennale de Venise et elle devient présidente nationale d’Artists’ Equity, poste qu’elle occupera jusqu’en 1964.

En 1962, elle quitte la Martha Jackson Gallery pour un bref passage à la Sidney Janis Gallery.

Après une première exposition infructueuse au cours de laquelle aucune de ses œuvres ne se vend, Nevelson se brouille avec le galeriste Janis au sujet des sommes qu’il lui a avancées et qu’il n’a pas été en mesure de récupérer.

Nevelson et Janis s’engagent dans une bataille juridique contentieuse qui laisse Ne- velson ruinée, déprimée et au bord de la clochardisation.

Cependant, à cette époque, Nevelson se voit offrir une bourse d’artiste de six semaines au Tamarind Lithography Workshop (aujourd’hui Tamarind Institute) à Los Angeles, ce qui lui permet d’échapper au drame de la ville de New York. Elle explique : «En temps normal, je n’y serais pas allée. L’idée des estampes ne m’intéressait pas tellement à l’époque, mais j’avais désespérément besoin de quitter la ville et tous mes frais étaient payés».

Au Tamarind, Nevelson réalise vingt-six lithographies, devenant ainsi l’artiste la plus productive à avoir obtenu la bourse jusqu’alors.

Les lithographies qu’elle crée comptent parmi ses œuvres graphiques les plus créatives, utilisant des matériaux non conventionnels tels que des toiles à fromage, de la dentelle et des textiles sur la pierre lithographique pour créer des effets de texture intéressants.

Avec une nouvelle inspiration créative et des fonds reconstitués, Nevelson retourne à New York dans de meilleures conditions personnelles et professionnelles.

Elle rejoint la Pace Gallery à l’automne 1963, où elle expose régulièrement jusqu’à la fin de sa carrière.

En 1967, le Whitney Museum accueille la première rétrospective de l’œuvre de Nevelson, avec plus d’une centaine de pièces, dont des dessins des années 1930 et des sculptures contemporaines.

En 1964, elle crée deux œuvres : Homage to 6,000,000 I et Homage to 6,000,000 II en hommage aux victimes de l’Holocauste.

Nevelson engage plusieurs assistants au fil des ans : Teddy Haseltine, Tom Kendall et Diana MacKown, qui l’aident dans le studio et s’occupent des affaires courantes.

À cette époque, Nevelson a consolidé son succès commercial et critique.

Nevelson continue d’utiliser le bois dans ses sculptures, mais expérimente également d’autres matériaux tels que l’aluminium, le plastique et le métal.

Black Zag X de 1969, dans la collection du Honolulu Museum of Art, est un exemple des assemblages entièrement noirs de l’artiste incorporant le plastique Formica.

À l’automne 1969, l’université de Princeton lui commande sa première sculpture en plein air.

Après l’achèvement de ses premières sculptures en plein air, Nevelson déclare : «Rappelez-vous, j’étais au début de ma vie : «Rappelez-vous, j’avais plus de soixante-dix ans lorsque je me suis lancée dans la sculpture monumentale en plein air [...]. J’avais connu les enceintes de bois. J’avais connu les ombres. J’avais traversé les enceintes et j’étais sortie à l’air libre». Nevelson fait également l’éloge de nouveaux matériaux tels que le plexiglas et l’acier corindon, qu’elle qualifie de «bénédiction».

Elle a accepté l’idée que ses œuvres puissent résister au changement climatique et la liberté de dépasser les limites de taille.

Ces œuvres d’art public ont été créées par la Lippincott Foundry.

Les commandes d’art public de Nevelson ont été un succès monétaire, mais l’historien de l’art Brooke Kamin Rapaport affirme que ces œuvres ne sont pas les plus fortes de Nevelson et que le «geste intuitif» de Nevelson n’est pas évident dans les grandes œuvres en acier.

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En 1969, Nevelson a reçu la médaille Edward MacDowell.

En 1972-1973, elle crée ses sculptures Dream Houses, composées de petits morceaux de bois assemblés en forme de maison et peints en noir de manière caractéristique[24]. Ces œuvres se distinguent de nombre de ses pièces par le fait qu’elles sont entièrement tridimensionnelles et ne présentent pas une seule façade, bien que chaque face soit une façade reconnaissable à la Nevelson[24].

En 1973, le Walker Art Center organise une exposition majeure de son travail, qui voyage pendant deux ans.

En 1975, elle conçoit la chapelle de l’église luthérienne St. Peter’s à Midtown Manhattan.

Interrogée sur son rôle en tant qu’artiste juive créant des œuvres d’art à thème chrétien, Nevelson a déclaré que son travail abstrait transcendait les barrières religieuses.

En 1975 également, elle a créé et installé une grande sculpture en bois intitulée Bicentennial Dawn au nouveau palais de justice des ÉtatsUnis James A. Byrne à Philadelphie.

Au cours de la dernière moitié de sa vie, Nevelson a consolidé sa renommée et sa personnalité, cultivant un style personnel pour sa personne «petite mais flamboyante» qui a contribué à son héritage : robes dramatiques, foulards et grands faux cils.

Lorsqu’Alice Neel a demandé à Nevelson comment elle s’habillait si joliment, Nevelson a répondu «Fucking, dear, fucking», en référence à son mode de vie sexuellement libéré.

Le designer Arnold Scaasi a créé un grand nombre de ses vêtements. Nevelson est décédée le 17 avril 1988.

Au moment de sa mort en 1995, son ami Willy Eisenhart travaillait à la rédaction d’un livre sur Nevelson.

À l’époque où Nevelson développait son style, nombre de ses collègues artistes - Alexander Calder, David Smith, Theodore Roszak - soudaient le métal pour créer leurs sculptures à grande échelle. Nevelson décide d’aller dans la direction opposée, explorant les rues à la recherche d’inspiration et la trouvant dans le bois[18]. Les sculptures les plus remarquables de Nevelson sont ses murs ; des collages en bois, semblables à des murs, conduisant à des reliefs composés de multiples boîtes et compartiments qui contiennent des formes abstraites et des objets trouvés, des pieds de chaise aux balustres. Nevelson décrit ces sculptures immersives comme des «environnements».

Les pièces en bois sont également des chutes, des pièces trouvées dans les rues de New York.

À l’instar de Marcel Duchamp, qui a suscité la controverse en s’appropriant un urinoir et en le transformant en une sculpture intitulée Fountain en 1917, Nevelson a pris des objets trouvés et les a peints à la bombe pour dissimuler leur fonction ou leur signification réelle Nevelson s’est qualifiée de «recycleuse originale» en raison de son utilisation intensive d’objets mis au rebut et a remercié Pablo Picasso de lui avoir «donné le cube», qui a servi de base à ses sculptures d’inspiration cubiste.

Elle a été fortement influencée par le cubisme, qu’elle décrit comme «l’une des plus grandes prises de conscience de l’esprit humain», mais aussi par l’art amérindien et maya, les rêves, le cosmos et les archétypes.

[En outre, Nevelson a été fortement inspirée par l’œuvre de Joaquín Torres García, un artiste uruguayen qui «aux États-Unis a probablement été sous-estimé précisément parce qu’il était si influent ; la dette d’Adolph Gottlieb et de Louise Nevelson envers son œuvre n’a jamais été pleinement reconnue».

En tant qu’élève de Hans Hofmann, elle apprend à pratiquer son art avec une palette limitée, en utilisant des couleurs telles que le noir et le blanc, afin de se «discipliner».

Jusqu’en 1959, elle peint ses murs en noir à la bombe. Nevelson décrit le noir comme la «couleur totale» qui «signifie la totalité. Il signifie : contient tout... il contenait toutes les couleurs.

Ce n’était pas une négation de la couleur.

C’était une acceptation. Car le noir englobe toutes les couleurs.

Le noir est la couleur la plus aristocratique de toutes.

La seule couleur aristocratique...

J’ai vu des choses qui se transformaient en noir, qui prenaient de la grandeur».

Dans les années 1960, elle commence à intégrer le blanc et l’or dans ses œuvres.

Nevelson disait que le blanc était la couleur qui «appelait le petit matin et la promesse émotionnelle».

Elle décrit sa phase dorée comme la «phase baroque», inspirée par l’idée qu’on lui avait racontée enfant que les rues de l’Amérique seraient «pavées d’or», par le matérialisme et l’hédonisme de la couleur, par le Soleil et la Lune.

Nevelson a revisité les robes de nô et les collections de pièces d’or du Metropolitan Museum of Art pour s’en inspirer.

Dans son œuvre, Nevelson explore souvent les thèmes de son passé compliqué, de son présent factice et de son futur anticipé.

Un symbole commun qui apparaît dans l’œuvre de Nevelson est la mariée, comme on peut le voir dans Bride of the Black Moon (1955).

Le symbole de la mariée fait référence au fait que Nevelson a elle-même échappé au mariage dans sa jeunesse et à sa propre indépendance en tant que femme pendant le reste de sa vie.

Ses œuvres Sky Cathedral ont souvent pris des années à créer ; Sky Cathedral : Night Wall, qui fait partie de la collection du Columbus Museum of Art, a nécessité 13 ans de travail dans son atelier de New York. À propos de la série Sky Cathedral, Nevelson commente : « C’est l’Univers, les étoiles, la lune - et vous et moi, tout le monde :».

Les œuvres de Nevelson ont été exposées dans de nombreuses galeries, notamment la Anita Shapolsky Gallery, la Woodward Gallery et la Pace Gallery à New York, ainsi que la Margot Gallery à Lake Worth, en Floride.

Ses œuvres font partie de collections de musées du monde entier, tels que le Pérez Art Museum Miami, le Smithsonian American Art Museum, Washington DC, la Tate, Londres, le Whitney Museum of American Art, le Brooklyn Museum, le Museum of Modern Art, New York et le Guggenheim Museum.

Les installations publiques sont considérées comme un élément central de l’œuvre de Nevelson, dont on dit qu’elle est « la première femme à s’être fait connaître aux ÉtatsUnis pour son art public»

En 1978, un jardin de sculptures, Louise Nevelson Plaza (anciennement Legion Memorial Square), situé entre Maiden Lane, Liberty Street et William Street dans le sud de Manhattan, est créé pour mettre en valeur les sculptures de Louise Nevelson.

Il s’agit du premier espace public de la ville de New York à porter le nom d’un artiste. Après avoir subi d’importantes modifications depuis sa création, notamment une refonte complète de la place en 2007-2010, il est aujourd’hui géré par la Federal Reserve Bank of New York.

En décembre 1978, Nevelson a dédié une autre sculpture publique au Lower Manhattan ; intitulée Sky Gate, New York, elle a été installée dans le hall de la mezzanine du 1 World Trade Center, sur le site opposé du Financial District[48].

Louise Nevelson a construit ses sculptures comme elle a construit son passé : en façonnant chacune d’entre elles avec son sens légendaire du soi, tout en créant une iconographie extraordinaire par des moyens abstraits.-

Au cours de sa vie, Nevelson a fait don de ses documents à de nombreuses institutions à but non lucratif, en plusieurs fois, de 1966 à 1979. Ils sont entièrement numérisés et font partie de la collection des Archives of American Art.

Le Farnsworth Art Museum, situé à Rockland (Maine), la ville d’enfance de Nevelson, abrite la deuxième plus grande collection de ses œuvres, y compris les bijoux qu’elle a créés.

En 2000, le service postal des États-Unis a émis une série de timbres commémoratifs en l’honneur de Nevelson.

L’année suivante, son ami et dramaturge Edward Albee écrit la pièce «Occupant« en hommage à la sculptrice.

Le spectacle a été présenté à New York en 2002 avec Anne Bancroft dans le rôle de Nevelson, mais il n’a jamais dépassé le stade des avant-premières en raison de la maladie de Bancroft.

Le Theater J de Washington DC a monté une reprise en novembre 2019.

L’image distincte et excentrique de Nevelson a été documentée par des photographes tels que Robert Mapplethorpe, Richard Avedon, Hans Namuth et Pedro E. Guerrero[6]. Nevelson figure à l’étage du patrimoine, parmi d’autres femmes célèbres, dans le chef-d’œuvre de Judy Chicago The Dinner Party (1974-1979).

À la mort de Nevelson, son patrimoine s’élevait à au moins 100 millions de dol- lars. Son fils, Mike Nevelson, a retiré 36 sculptures de sa maison. Des documents montrent que Nevelson a légué ces œuvres, d’une valeur de plusieurs millions, à son amie et assistante depuis 25 ans, Diana MacKown, mais Mike Nevelson prétend le contraire[52]. Des procédures ont été entamées au sujet de la succession et du testament, qui, selon Mike Nevelson, ne mentionnait pas MacKown. Il est question d’une éventuelle affaire de pension alimentaire, mais malgré les spéculations publiques selon lesquelles les deux femmes étaient amantes, MacKown maintient qu’elle n’a jamais eu de relation sexuelle avec Nevelson, tout comme Mike Nevelson.

En 2005, Maria Nevelson, la plus jeune des petites-filles, a créé la Fondation Louise Nevelson, une organisation à but non lucratif.

Sa mission est d’éduquer le public et de célébrer la vie et l’œuvre de Louise Nevelson, en renforçant son héritage et sa place dans l’histoire de l’art américain.

Maria Nevelson donne de nombreuses conférences sur sa grand-mère dans les musées et propose des services de recherche. Le féminisme et l’influence de Nevelson sur l’art féministe Je ne suis pas une féministe. Je suis une artiste qui se trouve être une femme. Louise Nevelson a joué un rôle fondamental dans le mouvement artistique féministe.

Reconnue pour avoir déclenché l’examen de la féminité dans l’art, Nevelson a remis en question la vision du type d’art que les femmes devaient créer avec ses œuvres sombres, monumentales et ressemblant à des totems, culturellement considérées comme masculines. Nevelson pensait que l’art reflétait l’individu, et non les «étiquettes masculin-féminin», et a choisi d’assumer son rôle d’artiste, et pas spécifiquement d’artiste femme. Les critiques des œuvres de Nevelson dans les années 1940 l’ont décrite comme une simple femme artiste. Un critique de son exposition de 1941 à la galerie Nierendorf a déclaré : «Nous avons appris que l’artiste est une femme, à temps pour réfréner notre enthousiasme. S’il en avait été autrement, nous aurions pu saluer ces expressions sculpturales comme celles (suit page 20)

(suit de la page 19) d’une grande figure de la modernité.

Une autre critique faisait preuve d’un sexisme similaire : «Nevelson est une sculptrice ; elle vient de Portland, dans le Maine.

Vous nieriez ces deux faits et vous pourriez même insister sur le fait que Nevelson est un homme, lorsque vous verrez ses Portraits en peinture, exposés ce moisci à la Nierendorf Gallery».

L’œuvre «Some Living American Women Artists / Last Supper» (1972) de Mary Beth Edelson s’approprie La Cène de Léonard de Vinci, avec les têtes de femmes artistes notables collées sur les têtes du Christ et de ses apôtres ; Nevelson fait partie de ces femmes artistes notables. Cette image, qui traite du rôle de l’iconographie religieuse et historique de l’art dans la subordination des femmes, est devenue «l’une des images les plus emblématiques du mouvement artistique féministe. Malgré son influence sur les artistes féministes, l’opinion de Nevelson sur la discrimination dans le monde de l’art se limite à la croyance que les artistes qui n’obtiennent pas de succès sur la base de leur sexe souffrent d’un manque de confiance.

Lorsque le Feminist Art Journal lui a demandé si elle souffrait du sexisme dans le monde de l’art, Nevelson a répondu : «Je suis une libération de la femme».

Don Bacigalupi, ancien président du Crystal Bridges Museum of American Art, a déclaré à propos de Nevelson : wikipedia.org https://www.wikiart.org/en/ louise-nevelson https://www.artsy.net/artist/ louise-nevelson/works-forsale https://www.artnet.com/artists/louise-nevelson/ https://www.labiennale. org/it/arte/2022/la-seduzione-del-cyborg/louise-nevelson https://www.nevelson.com/

«Dans le cas de Nevelson, elle était l’artiste la plus féroce qui soit.

Elle était la plus déterminée, la plus énergique, la plus difficile.

Elle s’est imposée par la force.

C’était donc une façon de procéder, mais toutes les femmes n’ont pas choisi ou pu emprunter cette voie».