Revista Visual/Diseño y Comunicación by Ricardo Rojas

Revista de difusión, proyectos y temas de Diseño

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VISUAL Arte y Diseño L a po lémic a q u e d espier tan am ba s d isc ip lin as d esd e el enfoq u e d e lo s alu mn o s.

Ensayos Visuales Arte Diseño en imágenes

EDITORIAL

C T ¡Por fin!... lo logramos, después de tanto ajetreo, dimes y diretes para lograr una publicación realizada completamente por el plantel San Mateo, aquí está. Tienes en tus manos este nuestro primer número (que en realidad es el cero) de la revista “Visual”; creada por los alumnos de la Licenciatura en Diseño y Comunicación Visual, y la que obviamente trata temas relacionados al mundo del Diseño. Queremos mostrar un poco de nuestro trabajo, el cual refleja lo que hemos aprendido en clases. En este número les mostraremos las posturas que adoptamos, mediante ensayos escritos y visuales, frente al eterno debate Arte-Diseño, asi también algunos artículos inspirados en esta temática; pasaremos de juguetes a tipografía e ilustración, de street art a guerrilla concluyendo con la publicidad que retoma corrientes artísticas. Esperemos lo disfruten tanto leyendo y viendo, asi como nosotros lo hicimos redactando y diseñando.

Diseño y Comunicación Visual San Mateo

CO N TE NI DO 4

ARTE Y DISEÑO hermanos o gemelos

DISEÑO LUEGO ARTE una tertulia inesperada

EL ARTE Y EL DISEÑO expresión de la comunicación

DEBATE arte y diseño

RUBEN FONTANA la compleja relación arte-diseño

¡NO ES ARTE! diseño es diseño

ART TOYS design toys

TIPOGRAFÍA corporativa

ILUSTRACIÓN en diseño

OBEY the giant

GUERRILA todo puede ser arte pero no diseño

Arte y Diseño Hermanos o gemelos

por Leonardo Monterrubio

EL arte y el diseño dos disciplinas muy parecidas en su interior pero tan diferentes en sus propósitos. Hablar de arte y diseño es adentrarnos a un sin fin de términos que muchos conocemos pero muy pocos comprenden y es por eso que se genera la gran confusión de qué es que: si el arte dio vida al diseño y es por eso que el diseño es arte; si el diseño nació por si mismo y solo retomó las enseñanzas básicas del arte, pero esto no lo hace necesariamente arte; que si cada uno es diferente, etc., esto nos ha conducido a un gran debate desde el nacimiento del diseño con la concepción moderna de el hasta el día de hoy. Tal debate ha generando un sin fin de argumentos y conceptos bastante vanguardistas, los cuales han sido el parteaguas para dar la forma actual de concebir el diseño y el arte. Pero para poder debatir esto es necesario conocer qué es el arte y qué es el diseño por que sin estas concepciones no seria posible argumentar nada. El Arte Se le llama arte a las creaciones mediante las cuales el ser humano expresa una visión sensible en torno al mundo que lo rodea sea este real o imaginario. El arte usualmente expresa ideas o emociones a través de recursos plásticos, lingüísticos o sonoros. El arte expresa percepciones y sensaciones que tienen los seres humanos que no son explicables de otro modo. El arte se manifiesta de diferentes maneras, sin embargo, existen 7 disciplinas conocidas como bellas artes las cuales son: Arquitectura, Danza, Escultura, Literatura, Música, Pintura,Teatro.

Arte y Diseño

Diseño El diseño es la disciplina encargada de resolver los problemas de comunicación grafica, es decir cumple con una función aunada al valor de uso. También es concebido como una actividad creativa y técnica encaminada a idear objetos útiles y estéticos que puedan llegar a producirse en serie. Al ver esto podemos comprender por qué se da esta confusión ya que ambas son disciplinas creativas y buscan la estética de los objetos; en fin, se rigen bajos los mismos cánones de belleza; no obstante existen notorias diferencias.

Leonardo Daniel Monterrubio Granados

“Diseño y Arte, dos ramas del gran árbol de la creatividad”

Diseño y Comunicación Visual

Mi postura ante este gran y al parecer, interminable problema es clara y es que el diseño y el arte no son lo mismo; estoy totalmente de acuerdo al decir que el arte abrió las puertas al nacimiento del diseño, es por ello que ambas disciplinas tienen en algún punto relación. A mi no me parece la idea de que al diseñador se le llame artista porque no expresa ni representa totalmente sus sentimientos en el producto que realiza; sin embargo, seria una aberración decir que no interfieren en el resultado del trabajo del diseñador. Las emociones son las que aportan la característica o firma personal del diseñador, en este caso seria el estilo (minimalista, techno, art noveau, etc.). El diseñador tiene la tarea de crear mediante estas relaciones con el arte (los cánones de belleza) un objeto, un grafico, o el producto que realice, los cuales cumplen con la función y utilidad que requiere un tercero, en este caso el cliente, el cual da previamente toda esta información para alcanzar el mejor resultado. El arte también es diseñado y cumple con el diseño del campo gráfico, una buena distribución de los elementos, paletas de colores etc. Sin embargo sólo tiene la función de llenar o cumplir con las necesidades de su autor y con la función de ser un simple objeto de ornamento. Es importante tratar este tema con una analogía: el diseño y el arte parten de un mismo tronco que son los cánones de belleza, sin embargo cada uno es una rama diferente y

Arte y Diseño

de éstas mismas surgen muchas mas ramas pequeñas formando el gran árbol de la creatividad. Es por esta razón que el arte y el diseño son hermanos no gemelos. En conclusión, es difícil encontrar un punto de total coincidencia entre estas disciplinas, por lo cual afirmo que cualquier cosa puede ser arte, pero no todo es diseño.

Carlos Bosco Gutierrez Trejo

“El Arte es inútil por su condición ontológica mientras que el Diseño se fundamenta en la necesidad humana”

Diseñolu Para todos aquellos que estamos involucrados con el diseño o con el arte, llega un tema que tarde o temprano debemos de enfrentar, y es la polémica, “arcaica y ya mas que choteada” discusión de que si el diseño no es arte, o que si son hermanos o el diseño hijo del arte… etcétera. Cuando a mi me pidieron que escribiera un artículo de este interesantísimo y frustrante tema en primera instancia tuve la idea de dar mi punto de vista, de entregar un ensayo bien documentado que no deje lugar a grietas, ni dudas, es decir, me hubiera gustado hacerlo así que comencé (como todo buen diseñador) a aumentar mi bagaje cultural en cuanto a este tema, todo el full line de artículos, ensayos, debates, conferencias estaba en mis manos, pero entre más me sumergía, entre más indagaba, entre mas investigaba me encontraba mas y mas lejos de una conclusión y antes de aventar la toalla, mi criterio e ideas se encontraban ya nubladas…. Filología, filosofía y dialéctica; utilitas, firmitas y venustas, ¡no hay que olvidar nada en esta eterna e inútil discusión!: Artes decorativas, mecánicas y aplicadas; Diseño industrial, gráfico y digital, todo diseñador tiene derecho a defender su posición y los artistas a proponernos la revancha: duelo de titanes, visión de los vencidos, silencio de los inocentes, oren por nosotros…. A este mundo aún no ha llegado el Mesías que concilie por fin al diseño y al arte, es mas, aún no se ha oído de ningún profeta que anuncie su llegada, me pregunto en que forma llegará el Mesías tan esperado ¿En diseñador o artista? Y si llega en forma de artista ¿lo aceptaremos los diseñadores? Diseño: alfa y omega Yo, en lo particular, me aventuraría a decir que el arte (las artes visuales) se han servido del diseño, la confusión empezó porque aun no se le nombraba así, estoy seguro que el ser humano empezó a respirar antes de que supiera que lo hacía o que supiera como funcionaba el sistema respiratorio, desde siempre el ser humano a diseñado y el concepto de arte ha variado en cada lugar y tiempo en donde se le ha nombrado o manifestado… toda obra de arte, primero fue diseño… y esto porque siempre se ha respondido a una necesidad:

Por ejemplo, nuestros nunca mal ponderados antepasados homo sapiens, necesitaron vestirse

y recurrieron al más antiguo diseño textil, sin saber que lo hacían, necesitaron comer y se hizo presente por primera vez el diseño funcionalista, para sus utensilios, dejando atrás la estética, necesitaron comunicar sus ideas planear una estrategia de caza y fue: diseño gráfico o mejor dicho diseño rupestre. En el renacimiento, por ejemplo, las obras que conocemos ahora y que están cuidadosamente expuestas en los mejores museos del mundo no eran como lo son, hoy en día, decorativas, eran autentica artillería pesada, la cual persuadía a la gente, de un teocentrismo, que aún desaparecía del todo, de las condenas eternas, de los pasajes bíblicos y cada mesenas o rey contaba con un buen diseñador que le creaba una imagen; por lo general, mas imponente de lo que se veía fuera del retrato y desde entonces ya se manipulaba la información, contaban con una agencia de diseñadores que plasmaban historias exaltantes (que también no eran tan extraordinarias en realidad) y las noticias se difundían por medio de estos oleos, antes las personas que no estaban tan bombardeadas de imágenes e información y estos oleos tenían muy buen efecto en ellas. Transmutación inadvertida Sin tan solo la persona que por primera vez vio un diseño hubiera tenido en mente la palabra “de signio” en lugar de “artis” (que pienso que es un mal empleo de esa palabra) quizás y sólo quizás veríamos las cosas de manera distinta. Primero diseño luego arte; Piénsenlo

9 Una tertulia inesperada

ueg goarte Por Carlos Bosco Gutiérrez

existen pinturas, de cualquier corriente, y casi todas las obras maestras clásicas están bien diseñadas, es decir que son estéticas, armónicas, y concisas y se crearon con un trasfondo y para cumplir una necesidad además de que se contrataba al pintor ¿eso era arte? ¿O se le llamó arte porque el concepto de diseño no se había difundido? Últimamente las cosas han cambiado mucho, ahora cuando el diseño no sirve más que para ornamentar se le llama arte y cuando al arte se le da un uso deja de serlo. Pienso que el problema no está en diferenciar esa delgada línea que divide al arte del diseño si no en comprender y definir bien los conceptos desde su origen, y siguiendo por ese camino es probable que nos demos cuenta que un artista plástico en realidad siempre haya estado haciendo diseño. Arte = artis = Saber hacer y se remite al uso de la técnica. Diseño = de signio = Dar significado, proceso para crear un producto idea o concepto; que va desde la concepción de la idea hasta el producto o concepto ya plasmado. Si se dan cuenta el significado de arte cabe dentro del de diseño, en el proceso para crear se usa la técnica. Hoy se dice que el arte es una actividad exclusiva del ser humano, mediante la cual transmite sus sentimientos. Es común que una vez que el diseño ha cumplido su función y se rescata o cuando a cualquier objeto se le ha da un uso extravagante y que no tenga nada que ver con su función primordial, se le llame arte. Pero si tomamos un marco formal y estricto, una persona que quiera expresarse y no sabe como hacerlo técnicamente, sin embargo lo hace y se expresa ¿Hace arte, hablando en el marco original del significado?

Entonces si hablamos del significado original de arte, a la actividad de expresar los sentimientos se le debe llamar de otra manera. Entonces todo cambiaría, las obras de arte serían el recuerdo sublime de un diseño que alguna vez cumplió su función de una manera perfecta. Y no faltaría aquel buen ser que quiera expresar sus sentimientos, sólo por expresarlos, y que además posee una técnica inigualable y concibe ideas gloriosas y las plasma sin igual: hace diseño…. Y por fin, por fin se acabarían esas eternas discusiones esos abrumantes y aparatosos títulos de esta tormentosa discusión: -

Diseño ¿estética utilitaria? Sobre las ruinas del progreso ¿Arte, estética o ideología?

Por fin: ¡El problema fue sólo una sencilla y mínima transmutación ideológica inadvertida de los conceptos que ha durado siglos y que hasta la fecha se sigue alienando de manera inconsciente! ¿Cómo no se me ocurrió antes? Y de vuelta al mundo real y dejando mi postura utópica y dejando de alienar los conceptos, debemos aceptar que somos algo y que hacemos algo que aun no se ha definido por completo y que aunque a veces no sepamos exactamente lo que hacemos lo hacemos bien y con gusto, sin importar que a veces la gente nos llame de una manera que no aceptamos y sin importar, claro, que nadie sabe exactamente lo que hacemos. A todo esto solo me viene a la mente una de las primera clases del primer semestre de diseño en que el maestro nos preguntaba que era el diseño para nosotros y cada uno respondió con la mejor exactitud y lo mejor posible de acuerdo a las definiciones que poco sabíamos de diseño y el dijo la mejor definición que he escuchado de diseño, dijo: “… No, no es nada de eso, el diseño…. Es lo máximo”.

El Arte y El Diseño por Michelle Romero

Se sabe que desde tiempo atrás algunas personas tienen y tenían como fin demostrar y expresar de alguna manera su forma de pensar y sus sentimientos, todo esto mediante una contextualización de las ideas que se iban generando, para después ser plasmadas. A dichas personas se les llama artistas, refieren sus obras como un reflejo de aquellos sentimientos que llevan dentro, ya sean: tristezas, alegrías, enojos, inquietudes, etc. Estas obras son propias del autor, son únicas además de tener un valor artístico inalcanzable, se dicen ser una actividad creativa. Conforme va pasando el tiempo el artista va mejorando y con ello, va creando ciertas tendencias y así diversas técnicas. Como todo tiene una evolución y los cambios generan movimientos, el arte va a tomar una importancia relevante en lo que es la historia, así con ello surgen deformaciones y algunos les llaman con diferente termino al arte, es necesario saber que el arte tiene ciertas características que lo hacen puramente decorativo y para hermosear, se resalta que suele ser pieza única. Esto te lleva a pensar que puede ser una sublimación de la realidad del artista y posee sensibilidad ante todo aquello que lo rodea generando movimientos pictóricos, es aquí donde viene el auge del modo de expresión. Años mas tarde esto se va a definir como un adorno; será nombrado belleza útil que puede o no puede tener una función. Para el siglo XIX llega la Revolución Industrial, cada vez modificando mas el estilo de lo que antes era arte, para la época posmodernista el arte se vuelve ya popular por instinto y va a resolver problemas básicos que surgen en la cotidianidad, es decir una supervivencia a lo que ahora

iba rodear como sociedad, viene con este movimiento el conocimiento de nuevas técnicas pues la economía de la sociedad era mas alta y con ello la cultura había incrementado. Con esta revolución se va a dar pie a lo que es una producción múltiple de lo que antes era un objeto único, se vuelve artesanía, pues ya se tenía lo que es formalmente una producción en serie de algún producto, y es aquí cuando nace el diseño, ya este no sólo va a tener como fin hermosear si no cumplirá con una función para beneficio del cliente y de la industria manufacturera creada en el siglo XIX. El diseño ya como movimiento revolucionario se orienta a la creatividad que ahora prepara la industria para la venta de sus productos, aquí es cuando toma el papel mas importante en la historia, pues este se vuelve funcional para la industria y de alguna manera ya estaba desplazando a lo que era arte, pues este a base de las nuevas técnicas que estaba empleando lograba su objetivo principal que era capturar la atención del cliente llevando un concepto nuevo e innovador para la venta de los productos de la también nueva industria. Todo lo mencionado marca al arte como un inicio del diseño, dandolé las bases necesarias aunque es importante remarcar que son vertientes diferentes, y cuyos objetivos no son los mismos, ya que no se duda que en algún momento lleguen a coincidir o unirse, por tener algunos puntos en común como es la creatividad. El arte se emplea para hermosear, el diseño comunica para cumplir una función y en este caso se beneficia un producto. El arte transmite y el Diseño comunica.

Tania Michelle Romero García

“Vertientes diferentes, que en algún momento llegan a coincidir.”

Debate: Arte/Diseño El diseño es un medio por el cual podemos proyectar un elemento visual a un usuario o un grupo de personas, en él se ocupan colores, soluciones y muchos más elementos que forman parte de un concepto para transmitir algo de manera estética. El diseño es un concepto más que se une al de estética, junto con el del arte y la artesanía. Éste surgió cuando en el oriente una industria quiso ocupar el concepto del arte para crear una mercadotecnia especial, de esta manera surge el diseño y, de ahí, se derivan otros tipos de diseño, ya sea como la arquitectura, el gráfico, el digital y el textil. A diferencia del arte, para que a algo se le llame diseño, debe tomar en cuenta que tiene que dar un mensaje a alguien o promocionar algo; tiene que seguir ciertos puntos y condiciones establecidas por la industria, a diferencia de el arte donde expresas lo que sientes de una manera libre y no tienes que seguir un patrón, y tampoco importa que tanto llames la atención o no: solo es expresar lo que se siente. La estética de un diseño debe de estar compuesta por una serie de conceptos creados por la industria, que siguen patrones tanto como de color, forma, figura, y contrastes para crear un mayor impacto. Existió un cambio en el diseño entre los principios del siglo XIX y del siglo XX. La revolución industrial fue el motivo principal de este movimiento, donde el diseño se fue orillando más a lo que es hoy en día y se fue alejando de lo que es el arte; este fenómeno surgió a partir de las consecuencias económicas, cuando se seguía un patrón establecido por la necesidad industrial.

Arte y Diseño

Por Iván Blanco

El diseño favoreció al artesano ya que dependía de lo industrial, aquel necesitaba más producción para poder satisfacer a las necesidades industriales. Pero el hombre siempre ha intentado diseñar, aunque fuera con otro fin; es una manera de evolución del diseño. Existe el diseño primitivo que se puede observar en todas las culturas del mundo, en piedras y texturas que impresionan al ojo humano. Después el diseño evolucionó, ya sea clásico, natural etc., se puede observar en construcciones, en pinturas, en la vestimenta, o inclusive hasta en la forma de vida. Un arquitecto muy reconocido fue Ron Marce, fundador del centro del diseño universal.

Iván “Dandy” Blanco Chávez

“Mientras que el artista es feliz siendo incomprendido, el diseñador dedica su vida a ser comprendido”

Ricardo Emilio Rojas Castro

“¿Diseñar una revista o rediseñar un logotipo solo para ser expuesto en la galería de un Museo?...¡no lo creo!”

Rubén Fontana

La compleja relación Arte-Diseño Reflexiones

Argentino de nacimiento, de Buenos Aires exactamente. Verdaderamente una eminencia dentro de la tipografía, logró incorporarla al plan de estudios de la carrera de Diseño Gráfico en la Universidad de Buenos Aires en 1986. Ha dictado algunas conferencias en varios países de América Latina. Su trabajo gráfico ha sido expuesto en el MOMA de NY. Recibió el Certificado de Excelencia en Diseño Tipográfico otorgado por la Atypi por el diseño de la “Fontana ND”. Definitivamente para Ruben Fontana, el Diseño es una cuestión totalmente paralela al Arte. Eso lo deja más que claro en su ensayo “reflexiones...”. Y no es que estas disciplinas se separen tan tajantemente, sino que mas bien como el lo define: “Son actividades diversas frente a necesidades no comparables”. Sustenta su definición bajo una serie de comparaciones muy específicas con las cuales nos damos cuenta de su posición frente a este debate, además de entenderlo sin muchas complicaciones. Fontana dice las cosas como son, claras, breves y directas, lo cual hace interesarnos amenamente en sus puntos. Comienza explicando algunos componentes del Arte; siendo esta una tradición histórica y creada como actividad personal, el Arte otorga a los artistas esa individualidad en cuanto a creación, formación y transmisión de su mensaje. El Diseño respondió en un momento de la Historia a una actividad concreta; su ejecutante, el diseñador, puede trabajar individual o colectivamente; siempre responderá a una metodología para obtener el producto final; a su vez, tiene ciertas limitaciones de tiempo y forma, ya que debe cumplir con características especificadas por un tercero(en este caso el cliente). Por último, el Diseño no es comparable con el Arte simplemente por su funcionalidad, dicha funcionalidad es útil para la sociedad en general. Así, Rubén Fontana nos planteó su muy particular punto de vista, con una posición clara como su manera de expresarse. -Ricardo Rojas-

¡No es Arte! Diseño es Diseño por Ricardo Rojas

Es difícil tratar un tema tan redundante algunas veces, y mucho mas adoptar una posición frente a éste: que si el diseño es arte, que si el arte es diseño, que si se complementan, o que simplemente no tienen nada que ver. Pero siento que, como diseñadores, la mayoría estamos de acuerdo en algo: ¡No es Arte!, es diseño. El Arte como tal, ya sea concepto o actividad, es una cuestión muy compleja, cada persona tiene su percepción de éste, pero todo depende de la concepción que cada quien tenga de algunos términos como son: la belleza o lo bello, así como lo estético, siendo estos, temas de sensibilidad relacionados con lo sentimental y espiritual. Esto nos dará como resultado una obra de arte, sea esta de cualquier tipo, y es aquí cuando, sin ofender a ningún artista, nos encontramos frente a una inutilidad de este producto, el cual no pasará a ser algo mas que ornamental, únicamente nos podría comunicar el o los sentimientos plasmados de un autor, los cuales, la mayoría de veces no son entendidos por el público receptor. Entonces, llega la diferenciación entre estas dos disciplinas, que es la funcionalidad. Un diseño está destinado a resolver un problema de comunicación visual, esa es su función: transmitir un mensaje que no está predeterminado por él, un mensaje que es impuesto por un cliente el cual va a pagar. No es que el Arte no tenga alguna función, mas bien tiene la libertad de escoger cuan-

do trabajar, a que hora, sin tener una fecha de entrega; puede expresar varias cosas, sean sentimientos o pensamientos que se involucren en el mensaje, lo cual, aunque es confuso, muchas veces cumple esta tarea: la de comunicar el interior del artista. Tal vez como diseñador no se tenga la libertad que un artista posee en cuanto expresión de sentimientos o emociones dentro del mensaje, lo cual no significa que no la tengamos; la libertad de un diseñador se muestra a través de la manipulación de los elementos gráficos y conceptuales que se utilizan dentro de algún diseño. Algunos artistas de la antigüedad y otros tantos actuales, trabajan por encargo, por ejemplo cuando a Caravaggio la iglesia le solicitó una pintura que plasmara el momento en que el Espíritu Santo iluminaba a San Mateo para escribir el evangelio, la que entregó (San Mateo y el ángel) le fue rechazada, y se le exigió hacer una nueva que manifestara lo que la iglesia quería transmitir. La pregunta aquí es: ¿El arte se convirtió en diseño? A mi punto de vista, una obra de arte que está siendo encargada bajo un tema específico se puede considerar diseño, esto por que ya se tiene contacto con una metodología, desde obtener el espacio a utilizarse, elegir las mejores formas y colores que satisfagan al cliente que está encargando la obra, hasta el momento de la entrega, en el cual este cliente puede o no aceptarla.

Tenemos, entonces, que el arte podría convertirse en diseño, no totalmente; faltaría otra característica que distinguiera a este último. Me refiero a la reproducción. Para saber si un diseño puede o no funcionar, es elemental que se pueda reproducir fácilmente, esto a partir de tener un original, un positivo y un negativo(en el caso de gráficos) ya sean mecánicos o digitales, ya que a partir de estos es como se obtendrán las demás reproducciones que necesitemos. Estas serán idénticas al original, donde puede cambiar el tamaño pero jamás la forma. Una obra de arte no se puede reproducir, se concibe como única e irrepetible, cuando una obra de arte se llega a reproducir, ésta se convierte en artesanía; la novedad se convierte en cantidad, y a su vez se busca que esa cantidad procure la calidad. Recordemos que durante la Revolución Industrial la producción en serie acabó con una gran cantidad de artesanos, que prefirieron trabajar con las máquinas nuevas que seguir produciendo artesanalmente. Asimismo, a finales del S.XIX el descubrimiento de la litografía permitió que esa calidad lograda en carteles pintados a mano, creados por artistas como Lautrec, pudieran reproducirse en cantidad, lo cual, en su momento fue toda una novedad. Cabe señalar que esta época es considerada como el nacimiento del Diseño Gráfico como tal. El arte dio a luz al Diseño, es su mas cercana referencia, es por eso que pueden con-

fundirse entre sí, es como si nuestro padre tiene una profesión la cual aprendimos, pero que al estarla practicando, se va puliendo y obviamente mejorando en cuanto a técnica. Con el Arte y el Diseño sucede algo parecido. Es por eso que siempre van a estar íntimamente ligados, uno depende del otro y viceversa, pero no por eso son lo mismo, debe quedar claro que cada uno cumple con distintas funciones, las cuales no se asemejan, y que son concebidas desde puntos de vista particulares. Al Diseño lo rige, en un principio el famoso brief, mientras que al Arte la simple mentalidad del artista. La diferencia es enorme, aunque durante el proceso de cada uno se buscará la belleza y la estética, los resultados obtenidos serán diferentes. La obra de arte contendrá los conceptos dirigidos hacia el artista mismo, el Diseño los conceptos necesarios y requeridos para un público particular. No es pelear, no es discusión ya que no hay nada que discutir, el Diseño fue un producto del Arte, pero evolucionó y cortó su relación directa con él. Simplemente se apoya en algunos de sus principios para lograr una mayor calidad y aceptación. Los dos son importantes y llenan diferentes expectativas, tan alejados y tan cercanos, cada uno tiene características que los diferencian y que hacen que sean términos, disciplinas y conceptos absolutamente distantes. Ya lo dijo Joan Costa alguna vez: “El Diseño es Diseño, no Arte”.

ART TOY’ El fenómeno de los Art Toys, en el que compañías y artistas utilizan el formato del muñeco como soporte artístico, ha pasado de ser un movimiento underground a ver la luz en diferentes espacios (galerías, revistas, libros, webs...) que exponen esta nueva forma de arte al gran público.

Por Leonardo Monterrubio

20/20 EXPO TOYS La idea más extendida sobre los cómics se puede comparar con el conocimiento que tiene la mayoría sobre el fenómeno de los Art Toys. Con preguntarle a cualquier no iniciado qué sabe de tebeos contestará que son un producto para el público infantil y como mucho nombrará dos o tres títulos o personajes como Mortadelo o Spíderman. Al igual que el cómic ha tenido que luchar por hacerse un hueco respetable en el mundo de las artes, el movimiento de los Toys está en una fase previa a este reconocimiento, por lo que conserva una frescura que sólo pueden tener los fenómenos underground antes de ser apreciados y absorbidos por las masas. En realidad se trata de un nuevo soporte sobre el que el artista plasme sus ideas, solo que esta vez no se trata de uno bidimensional como pueda ser el papel sobre la mesa de dibujo o la pantalla de un ordenador, sino que puede aprovechar los volúmenes para darle una nueva dimensión a sus creaciones. Lo que hoy llamamos Art Toys (para diferenciarlos de los juguetes comerciales) nacieron en Japón, donde un grupo de artistas comenzaron a crear muñecos que no estaban inspirados en personajes de cómic, serie de animación o película como es habitual, sino que su primera encarnación era en plástico (habitualmente vinilo). Debido a los altos costes que conlleva modelar y producir en serie una pieza concreta y teniendo en cuenta la faceta minoritaria del movimiento y su carencia de recursos económicos e inversores, apareció la idea de crear un muñeco plataforma que sirviese como lienzo para que cada artista diseñara en su estilo el dibujo con el que sería fabricado posteriormente. Los primeros resultados de

Arte y Diseño

esta idea no tardaron en ser un éxito para la compañía japonesa Medicom, que con sus Be@rbrick (muñeco plataforma con forma de oso de peluche) sentó un precedente imitado después por otras empresas en todo el mundo. Una de esas empresas, Toy’2’R fué la primera en ver el verdadero potencial de las plataformas creando y distribuyendo versiones en blanco de sus muñecos con el único fin de que el comprador pudiese pintarlo y customizarlo a su gusto, creando una obra de arte única. Así muchos ilustradores, diseñadores, dibujantes de cómic y artistas en general han podido comprobar cómo quedaba su obra aplicada sobre un soporte en tres dimensiones con resultados sorprendentes en la mayoría de los casos. Este fenómeno ha atraído a numerosos coleccionistas que a través de los foros especializados se intercambian información y utilizan webs de subastas online para comprar y vender piezas de tirada limitada que pueden alcanzar precios astronómicos. Reseñas en revistas de tendencias, entrevistas a los artistas más reconocidos en publicaciones especializadas, incluso dos documentales en preparación, confirman el interés creciente sobre el movimiento Art Toys.

Por primera vez se organiza una exposición donde se le da la oportunidad a un grupo de artistas de diferentes ámbitos (comic, moda, ilustración, graffiti, pintura, diseño...) de modificar su propio Toy, creando cada uno, a partir del mismo muñeco, un personaje original que contenga su personalidad y estilo singular. Esto no es mas que una prueba donde se encuentra la interacción entre diseñadores y artistas ya que en estos muñecos ambos han aportado lo suyo y ambos se han posicionado en el mercado. La diferencia en este punto es que los artistas se dedican a crear piezas únicas, por lo general para concursos, mientras que los diseñadores los producen en serie creando sus propias marcas y muñecos; marcando así la diferencia entre estas disciplinas las cuales han sido confundidas durante el transcurrir de los tiempos.

Por Michelle Romero Las marcas gráficas más importantes del mundo buscan desmarcarse de su competencia mediante una imagen visual lo más propia posible, con combinación de colores muy especiales y tipografías generalmente diseñadas a medida. En este caso, las medidas que usted proponga. La idea de Tipografía Corporativa no es nueva, hasta hace un par de años, pensar en un diseño tipográfico a pedido era considerado una aventura espantosa en el presupuesto y en los tiempos de entrega.

Hoy día esos tiempos se han reducido enormemente abaratando considerablemente los costos. La calidad del resultado ha mejorado mucho y los testeos pueden ser prácticamente inmediatos. De esta manera, el equipo de diseñadores de tipografías trabaja directamente con el director de arte de su agencia para desarrollar una tipografía que responda eficazmente a los requerimientos de página, espacio, peso, condensación, legibilidad e identidad, entre otros elementos indispensables. ¿Vale la pena utilizar una tipografía a medida? Existen 2 grandes razones para decidirse a trabajar con una tipografía exclusiva: una es poder gozar concretamente de los beneficios funcionales que puede tener trabajar con una tipografía a pedido (elegir desde el peso, hasta la condensación, inclinación y proporciones), y la otra es gozar de los beneficios estéticos. Decidir las características de personalidad de la letra. 1. La tipografía exclusiva por función Cuando una publicación se empieza a enredar en factores técnicos, empieza a amarrar todos los elementos que la acompañan. Por ejemplo, el diseñador está haciendo una revista y el concepto de diseño está resuelto (tipo de imágenes, ilustraciones, fotos, infografías, etc.), pero la elección tipográ-

fica todavía está enredada debido a que la fuente de los titulares es demasiado ancha, angosta, o tiene una altura “x” desmesuradamente chica. Es el momento de decidir qué hacer con la tipografía. Puedes decidir cambiarla por otra que funcionalmente se acerque más a lo que deseas, o bien puedes sacrificar la legibilidad propia de la letra y trabajarla en tamaños o compresiones inapropiadas. Existe una tercera posibilidad. Y es aceptar una asesoría externa y explicar el problema a un diseñador de tipos, para que juntos, a partir de lo que realmente se necesite, se pongan manos a la obra, trabajando a un grosor y condensación predeterminado, y con las características de personalidad a pedido, teniendo la posibilidad de pedir incluso varias soluciones para una misma letra. Tal vez mandar a hacer una tipografía a pedido puede resultar un poco exagerado en ciertas ocasiones, pero cuando esa revista en particular tiene un tiraje y frecuencia no despreciable, la solución puede resultar muy necesaria como parte del diseño base de la retícula. 2. La tipografía exclusiva por estética En los periodicos muchas veces tanto en el artículo como en los avisos, queda absolutamente claro que sólo con ver los textos, ya puedes imaginar de qué empresa estás hablando. Es entonces cuando uno como diseñador puede entender los inhumanos esfuerzos que tienen que hacer las empresas para potenciar su identidad visual, y diferenciarse lo más posible de la competencia. En ambos casos (el del diario y el del aviso), las tipografías usadas poseían pequeños detallitos, apenas perceptibles para muchos, pero que podían entregar una información extra al lector. Entonces podemos desprender que de un texto no sólo se puede extraer el mensaje, sino que también la forma (que puede ser susurro, grito, etc.) y también la ambientalidad (sensaciones)

ilustración en Diseñ

Por Iván Blanco Una de las necesidades del hombre y sin duda una de las más difíciles de reprimir es la de expresarse. Esta necesidad inherente de comunicar y de expresarnos gráficamente es parte de lo que nos motiva. Cuando encontramos la manera de satisfacerla, puede convertirse en un placer, incluso en pasión. En la ilustración encontramos el medio ideal para expresar una visión personal y muy particular de las cosas. La ilustración en México ha sido un elemento gráfico recurrente en nuestra cultura, desde los grabados de José Guadalupe Posada, pasando por Abel Quezada y llegando hasta nuestros días con diseñadores como Alejandro Magallanes. La ilustración de autor es aquella en la que el ilustrador puede manifestar su punto de vista sobre el tema a tratar. Aquí es donde se encuentra mayor libertad, tanto creativa como conceptual. El diseñador- ilustrador es un personaje mutante que, en ocasiones, es el resultado de una búsqueda del producto grafico total; de un equilibrio entre imagen

y texto y de un ejercicio entre ambas actividades, siendo un diseñador ilustrador y viceversa; éste puede comprender y dominar aún más todo el proceso creativo para una realización gráfica. Es aquí donde la posibilidad de auto expresión concede al autor la facilidad de conducirse sobre el papel, el monitor o cualquier otro medio, prácticamente sin restricción alguna. En este sentido, la ilustración de autor resulta ser totalmente opuesta a la publicitaria, la cual se encuentra sujeta a reglas y parámetros menos complacientes, dado que, generalmente se trata de comunicar una idea específica sobre el producto o servicio a representar, sin importar la opinión o punto de vista del ilustrador. No existe un límite para ilustrar, ya que se pueden utilizar desde las técnicas tradicionales, hasta “conseguir algo de chatarra en un tianguis” y formular una propuesta gráfica con base en este material. Diseñadores y artistas como Gonzalo Izquierdo, Sally Cutting y David Santaisabel por mencionar algunos, nos demuestran que a veces la ilustración es la mejor manera de expresarnos gráficamente.

Artista y diseñador gráfi fico estadounide ense, famoso por p sus pegattinas con la imagen del luchado or televisivo André el Gigante, ha puesto en ale erta a todo el mundo. Por Ricardo Rojas Sus diseños, toma an elementos del cartelismo de prop paganda política de mediados del Siglo o XX. Incluyendo lemas como “Piensa y crea, imprime y destruye e”, que mezclan lo subversivo con el entretenimiento, su temática y estética a viene a ser a menudo una mezcla entre caricatura y revival de la a propaganda polític ca, las ideas situacionisttas y las revoluciones estético-filosóficas de los 60´s, trasfondos te emáticos muy comunes en el arte de finales de los 90 y principios de el presente siglo. Su situación como o artista es controvertida a, manteniendo traba ajos de diseño gráfico y publicidad con grandes marcas por un la ado, y enfrentándose a detenciones en diversos países por vandalismo urbano con sus intervenciones, siendo de esta manera un representante marcado de la discusión sobre el pa apel del artista y su ideolodía a en el momento presente e de la historia de las sociedades capitalistas. Reivindica el espacio público como espac cio principal para la vida artística y cultural, proponiendo una crítica a la hegemonía estética y presenc cial de la publicidad, encabezada por la as grandes corporacione es financieras. Shepard Fairey fue e uno de los primeros artistas de graffiti de finales del siglo XX en propagar la técnica de pegatinas(a pesar

de que en México o se habla el español,, les llamamos “stickers”) como intervenció ón callejera. Sus prim meras pegatinas mosttraban una foto en alto c contraste de André el Gigante, como mensaje sin contenido y con la principal in ntención de sorprende er al viandante y espec ctador. Define este tra abajo como “un experim mento de fenomenolo ogía”. Comenzó a reparrtir de forma gratuita estas pegatinas, c convirtiéndose poco a poco en un icono o de la cultura popularr contemporánea. H Ha realizado diferente es versiones del missmo tema, y también las ha incluido en n exposiciones, posters, camisetas, diseño os para estampados d de skateboards, etc. Otros de sus trabajos callejeross más destacados son los posters de grandes dimensiones, con n los que empapela a paredes a la vista a de los viandantess en diferentes países a los que viaja. En estos posters suele estar presente una temática política velada o una sugerencia de reflexión sobre loss estereotipos de discusión estética a, social o política. S Su estilo está basado o en parte en el cartelismo ruso de la era de el comunismo y en e el arte pop, con elem mentos

27 claros del comic estadounidense. Entre los motivos de esta temática estan las efigies de Lenin o del Subcomandante Marcos, aunque Fairey afirma no estar haciendo propaganda, sino buscar una provocación o un contraste. Se conoce bajo el nombre de Obey o Giant la obra callejera más representativa de Shepard Fairey. Como en otros artistas de graffiti, este nombre sirve tanto para el acrónimo de la obra como para el pseudónimo de Fairey durante su ejecución. Consiste en una serie de pegatinas -más tarde posters- con el rostro de André el Gigante (André the GIANT) en diferentes variaciones de alto contraste. El lema/nombre original era GIANT HAS A POSSE (El Gigante tiene una pandilla), pero más tarde el concepto de Fairey empezó a hacer más presentes aspectos de filosofía social y crítica del sistema, y fue incluyendo la palabra OBEY (Obedece) sumando así mayor impacto y absurdo a la estética del tema. En palabras de Fairey La campaña Obey puede ser explicada como un experimento de Fenomenología. La principal intención de la Fenomenología es redespertar un sentido de fascinación hacia el entorno de uno. La campaña Obey intenta estimular la curiosidad y atraer a la gente a cuestionar tanto la campaña como sus relaciones con quienes les rodean. Dado que la gente no está acostumbrada a ver anuncios o propaganda cuyos motivos no sean obvios, los encuentros frecuentes y noveles con la propaganda Obey provocan pensamiento y posible frustración, y en cualquier caso revitaliza la percepción y atención del espectador a los detalles. Las primeras pegatinas fueron fotocopiadas y colocadas por Fairey de forma local o en sus viajes, pero pronto empezó a repartir copias, imprimirlas con calidad de papel, definicióny tintas, y enviarlas por correo a amigos y curiosos, haciendo que sus pegatinas fuesen colocadas en los espacios colectivos de muchos países. Remitiría personalmente copias de pegatinas de la gama OBEY GIANT gratuitamente, a cambio de otros trabajos que otros artistas le enviasen. Checamos entonces que el diseño se convierte en arte, “Obey”, logró trascender sus diseños, y ahora, algunos son considerados como obras de arte, tan bien logradas estética y visualmente que hasta han sido expuestas en museos y galerías de arte de muchos paises. Se comprueba que un diseño, al haber cumplido su función, se puede convertir en un elemento de ornato; el caso de Obey es muy claro, siguiendo su formación como diseñador gráfico, cumplió en su momento con la interpretación y expresión de mensajes, los cuales llegaron al receptor y crearon un concepto a partir de una idea, clara y específica, que era confundir al público con respecto a sus stickers.

GUERRILLA!

“Todo puede ser Arte, pero erro no todo es Diseño” Por Carlos Trejo

Esta curiosa acción de guerrilla llevada a cabo por los miembros de morecoffeeplease.net con un doble fin, manifestar un sentimiento que muchos compartimos en cuanto a lo que es el arte y como campaña de publicidad para su blog, como bien dice el eslogan “Todo puede ser arte, pero no todo es diseño”, que gran verdad. Esta campaña es una muestra de cómo con poco dinero y mucho coco se pueden llevar a cabo acciones con una creatividad brillante, por supuesto sin restarle efectividad. Cómo puedes ver en las imágenes, la acción ha consistido en enmarcar y etiquetar elementos que se pueden encontrar en cualquier ciudad (en este caso Madrid), en su mayoría desperdicios, y presentarlos como grandes obras de arte (cómo bien dicen y estoy totalmente de acuerdo, esto pasa muchas veces en algunos museos y galerías). Esta guerrilla ha generado gran controversia entre los que nos encontramos en estos ámbitos y han surgido comentarios de todos lados y diferencias muy marcadas: Diseñadores que defienden al arte, artistas enfurecidos y diseñadores completamente en acuerdo con esta guerrilla. ¿Qué seria de todos los diseñadores sin fuentes artísticas de las que beber? Incluso las acciones de guerrilla ya se han copiado y es no es muy prudente hacer una campaña publicitaria denostando al arte... El arte es una de las actividades más digna de respeto, hay mejor arte y peor arte, depende de los gustos de cada uno, también hay buen diseño y mal diseño, que suele depender del gusto del cliente, pero no por eso vamos a generalizar.

Arte y Diseño

Lo que es cierto es que el recurso del marco es bastante evidente, no me extraña que ya se le hubiese ocurrido a alguien. La gracia de la campaña creo que está en el copy. En ningún momento hemos tenido la intención de copiar… ya está todo inventado, pero hay que aportar el toque personal para que la pieza sea única. La intención de esta guerrilla mercadológica no intenta menospreciar al arte, sino que es un guiño irónico a los pseudo-artistas que literalmente han enmarcado mierda, como el que encadena un perro hasta la muerte (y eso si es denostar el arte.) El arte de verdad (bueno o malo) inspira a todo el mundo, no solo a los diseñadores.

Diseño VS Arte

Por Alejandro Martinez La polémica de la consideración del diseño como arte sigue vigente. Las manifestaciones gráficas del diseñador, similares a las de los artistas, y la vinculación de sus aspectos creativos con los del arte originan bases para la identificación de las dos disciplinas, y al mismo tiempo, conceptos asumidos como características intrínsecas al objeto de arte como los de singularidad e inutilidad se encuentran opuestos a las condiciones del diseño que son reproducibilidad y utilidad. Una de las mayores objeciones para la consideración artística del objeto de diseño es la propia naturaleza del diseño emanada de un requerimiento del cliente que enmarca la libertad del diseñador, aunque se revalida hoy, al mismo tiempo, el status del diseñador de firma e individualidad que impone su estilo sobre el encargo, añadiendo el valor de diseño de autor, a veces incluso a costa de los requisitos del propio cliente.

En el dilema permanente surgido entre las semejanzas y diferencias de estas dos disciplinas incide fundamentalmente la aproximación al concepto de las palabras “diseño” y “arte”, sus funciones y significación. El arte estaba revestido del aura del objeto único y distinguible, mientras que el diseño era una actividad menor dirigida a la función de relleno estético de un producto. Pero, desde que el diseño fue tomando un papel preponderante en los procesos de producción y comercialización rebasó la demarcación de lo visual y formal expandiéndose a la información como constituyente de la percepción en la sociedad. Y el arte actual, asimismo, rebasa la adscripción al objeto de arte desmaterializándose, deslocalizándose y desplazándose mientras se diluye en la esfera de lo cotidiano propiciado por el uso de las nuevas tecnologías y las estrategias de difusión de los nuevos medios. Los

una actitud de dimensión simbólicaindividual-creativa, mientras en el diseñador se impulsa una visión involucrada en la realidad, comprometida con la resolución de problemas de comunicación y de información. El papel del diseñador, como individuo y productor de ideas, es a menudo desdeñado desde el campo de las artes. Y es más, debido al esquema todavía preponderante del arte como producción material bajo las características de singularidad e inutilidad, la valoración del diseñador en la sociedad se encuentra todavía por debajo del aprecio que se tiene por el artista cambios que se producen en el ámbito de la imagen colocan al diseñador en la entraña de la acción artística más actual o modifican, en sí, las prácticas artísticas transformando en diseño el concepto de arte que se desenvuelve fuera del marco de la institución-arte. El debate entre el diseño y el arte, iniciado con la emergencia del postmodernismo en la década de los Ochenta, se reanuda en la actualidad con la extensión de las nuevas tecnologías de comunicación y difusión de las que el artista hace uso de la misma manera que el diseñador. Y de hecho, el diseñador imita las mismas estrategias de difusión que el artista utiliza en el mercado del arte para difundirse como individuo creador. Y de otro modo el artista, como un diseñador, se vuelve un manipulador social de signos artísticos. Finalmente, este debate se vuelve más un asunto de individuos, y no de disciplinas. La consideración artística o no del producto de un creador es resultado de una situación del mercado y de los intereses impuestos. Es parte de un proceso sociológico donde se advierte el juego de luchas dentro de un campo determinado. En la enseñanza de las artes plásticas se enfatiza en el artista

Pero la situación de las prácticas artísticas se transforma invirtiendo la polaridad de las funciones entre el diseño y el arte, como ha sucedido entre el arte y la publicidad. El dominio de la imagen en los medios de comunicación junto al uso de la misma por el poder impulsa al arte a desplazarse, a disolverse en espacios alejados del culto elitista. El arte se está produciendo fuera del marco establecido hasta ahora por la institución-arte. La nueva etapa económica del capitalismo impulsa, asimismo, a una nueva concepción transformando el arte desde un sistema productivo a un sistema de servicios. Y aquí, el papel del diseño y sus estrategias tiene especial relevancia. Un amplio examen de la acción del diseño en el campo artístico señalaría la extensa intervención del diseñador en todas las expresiones del arte. De cualquier modo, no se trata de afrontar de una manera simplista la situación de este dilema entre el diseño y el arte. Existen una multiplicidad de expresiones y no cabe una postura radicalreduccionista. Lo que puede apreciarse es el incremento en el extremo de la actuación del artista que se aleja de la idea convencional del arte y se interna en el campo del diseño y la circulación de sentido fundiendo la esencia de las dos disciplinas.

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