Dirección /Editorial VICTOR HUGO GHITTA Secretaría /Redacción ERNESTO MARTELLI Edición /Revista PABLO PLOTKIN Edicion /Fotografía DAVID SISSO Tratamiento /Digital GUILLERMO FRONTALLINI Reportaje /Entrevista JUAN PABLO NUNEZ Fotografía /Secuencias ROBERTO CRUZ PEÑA Diseño /Revista JUANPABLO NUNEZ ROBERTO CRUZ PEÑA Producción /Editorial VANESA MACIEL Director /Arte GABRIELA ROMERO Cordinación /General GUSTAVO DE ARCE
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Colaboracion en este Numero
Diego Brondersern, Patricio Cuevas, Hermán Ferreirós, Marisol Garcia, German Garrido, Claudio Kleiman, Leandro Listori, Diego Mancusi, Juan Pablo Nunez, Roberto Cruz Maria Pia Recabarren, Gabriela Romero, Rodrigo Horeau Francisco Contreras, Veronica Ventí, Maria Jose Guzman, Patricio Valdez, Veronica Rojas, Nicolas Musre, Camilo Rojas, Claudia Nunez, Hernesto Cifuentes.
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Diseño e ilustración, dos conceptos que han evolucionado mucho en el último tiempo y prometen seguir avanzando cada vez más rápido. Lo interesante es que por un lado, el arte secuencial se complejizan, agregando funciones y aplicaciones, pero , por otro, cada vez son más amigables a los ojos del espectador y mas aún de los diseñadores. En ilustración el camino es obvio, y por lo cual debemos avanzar, es el uso de las nuevas tecnologías lo que hace de esta disciplina una nueva forma de ocuparla, ¿pensaron alguna vez en mezclar ilustración con escenas reales?, pues Danny Yount nuevamente nos demuestra que si pueden mezclarse y obtener resultados muy atractivos. Unas de las problemáticas de diseño cinematográfico en pleno siglo XXI eran las secuencias principales, tanto introducción como de créditos, pero no hace más de un par de años en el este proceso evoluciono y se transformo en un enfoque para captar públicos, como no los demostró Rock Rolla el año pasado.
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LAS NUEVAS CARAS: EVOLUCION DE LOS MAS FAMOSOS Logotipo Cinematografícos
ENTREVISTA: DANNY YOUNT sherlock holmes
ARTICULO EL CINE TOCA SUELO: modelos historicos de calzado
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LAS NUEVAS CARAS Siempre que vas al cine lo primero que ves antes de cada película es el logo del estudio donde se ha rodado. ¿Nunca te has parado a pensar qué significará ese logo? ¿En qué está inspirado? ¿Cuál es su historia? Yo la verdad es que lo he hecho muchas veces y aquí tienes algunas respuestas. Ademas son parte de la historia del cine, y como él también han evolucionado con el tiempo. Lo que sigue es parte de su historia. WARNER BROTHERS
Este estudio fue fundado por cuatro hermanos judíos que emigraron de Polonia: Harry, Albert, Sam, y Jack Warner. Por supuesto esos nombres no fueron los que se les dieron de nacimiento siendo: Hirsz, Aaron, Szmul, y Itzhak. Al estudio inicialmente le pasó lo mismo, ya que antes de llamarse Warner se le puso otro nombre que no se sabe con certeza cual fue: Wonsal, Wonskolaser o puede que Eichelbaum. El logo está compuesto por las iniciales de “Hermanos Warner” y como no podía ser de otra manera el logo ha pasado por muchísimos cambios.
UNIVERSAL PICTURES
Universal Pictures se formó en 1912 por Carl Laemmle, un inmigrante judío alemán que se asentó en Oshkosh,
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Wisconsin, donde gestiona una tienda de ropa. Sin embargo, está plenamente establecida en 1915. En 1946, se fusionó con International Pictures, dirigida por Leo Spitz y William Goetz. Este equipo dirigió Universal-Internacional, mientras que Nate Blumberg y J. Cheever Cowdin permanecieron a la cabeza de Universal Pictures, la empresa matriz.
COLUMBIA PICTURES
Columbia Pictures fue fundado en 1919, el logo fue diseñado en 1924 y era la personificación de América en una mujer. Nunca se supo a ciencia cierta quien fue la modelo y hubieron muchísimos rumores: Bette Davis dijo en su autobiofía que fue Claudia Dell, People Magazine dijo que fue Amelia Batchler, años más tarde Chicago Sun-Times dijo que era una chica que trabajaba como extra llamada Jane Bartholomew.elia Batchler, añdiseñado por Michael J. Deas, y la modelo fue Jenny Joseph, una ama de casa y muralista en Lousiana.
WALD DISNEY
El logo de Walt Disney tiene una historia mucho más sencilla: era la firma del propio Walt Disney, algo más estilizada y retocada pero inspirada totalmente en ella. A partir de ese momento el logo ha tenido muchas ver-
siones, siempre manteniendo la firma pero con añadidos. Para el estudio de cine se le añadió el castillo de Magic Kingdom detrás, que a su vez está inspirado en el famoso Castillo Neuschwanstein.
DREAMWORKS
Este estudio está fundado por Steven Spielberg, Jeffrey Katzenberg y David Geffen. Spielberg quería que el logo recordara a la edad de oro de Hollywood, primero fue realizado con grafica computarizada y estaba compuesto por un hombre en la luna pescando. No quedó bien y recurrieron a Robert Hunt para que lo pintara. Hunt además envió una versión alternativa del logo donde se podía ver una luna en forma de cuarto menguante con un niño pescando. Les encantó y quedó finalmente así. Ese niño era su propio hijo.
TWENTHIETH CENTURY FOX
En 1935, Twentieth Century Pictures y Fox Film Company se unieron dando lugar a Twentieth Century-Fox Film Corporation. El logo original de la Twentieth Century Pictures fue creado la fusión excepto por un único cambio: “Pictures, Inc.” por “Fox”. Posteriormente se añadió la música compuesta por Alfred Newman.
PARAMOUNT PICTURES
Paramount Pictures Corporation fue fundada en 1912 y la majestuosa montaña que aparece como logo fue dibujada en plan garabato por W.W. Hodkinson en una reunión con el fundador del estudio, Adolph Zukor, inspirándose en la montaña Ben Lomond de su infancia en Utah. Ha sufrido cambio menores, solamente en el número de estrellas que representan los contratos con estrellas de cine que tienen, y es el logo más antiguo que existe.La posterior animación del logo se basó probablemente en elArtesonraju, uno de los aproxi madamente cincuenta picos de lacordillera blanca de los andes peruanos.
METRO GOLDEN MAYER
La idea de un león como logo fue de Howard Dietz en 1924. “Leo The Lion” fue el logo propuesto para la Samuel Goldwyn’s Goldwyn Picture Corporation. Howard se basó en el equipo de atletismo de la Universidad de Columbia, los leones. Cuando se juntaron Goldwyn Pictures, Metro Pictures Corporation y Louis B. Mayer Pictures, el logo permaneció. Al principio, el rugido de Leo era mudo, como el cine de la época.Fue recién cuatro años atrás después cuando se escucho su rugir. Elprimer Leo fue interpretado por un felino traído desde Sudán y que sellamó Sltats. La historia de Slats y de cómo llegó afía que fue Claudia Dell, People Magazine dijo que fue Amelia Batchler, años más tarde Chicago Sun-Times dijo que era una chica que trabajaba como extra llamada Jane Bartholomew. Hollywood esbastante curiosa. El avión que iba a llevarlo a EEUU chocó antes deldespegue. Antes, venía de sobrevivir al accidente que sufrieron dostrenes y la inundación de un barco. Apenas llegó a suelo estadounidense, California sufrió un brutalterremoto y la MGM se incendió, Ya en Hollywood se convirtió en unaestrella más y hasta
era conducido en auto a los estrenos de laproductora. “Rugientemente suyo, Leo” se leía en las tarjetas autógrafoque entregaban los guardias que lo custodiaban a quienes le pedían unautógrafo.
Todo esto comenzó con Metro Pictures Corporation, fundada en 1915 por Richard A. Rowland (1880-1947). Louis B. Mayer, trabajó para Metro Pictures, pero en 1918 abandonó y creó su propia companía, Louis B. Mayer Pictures. Goldwyn Pictures, fue fundado en 1917, con el característico logotipo “Trade Mark”, Leo el León. Marcus Loew compró a Metro Pictures y a Goldwyn Pictures, fusionándolos. En 1924, Loew compró Louis B. Mayer Pictures y lo fusionó con Metro-Goldwyn, creando así, el estudio veterano MetroGoldwyn-Mayer. En 1927, Marcus Loew falleció, y el control pasó a ser de Nicholas Schenck. William Fox, el rival de Loew, intentó comprar las propiedades de la familia: Loew’s Inc., que controlaba los estudios de MGM. Cuando la familia accedió a vender, se anunció la fusión entre Fox y Loew’s Inc. Pero Mayer -no incluido en el trato- se rehusó, con conexiones políticas, llamando a la Unidad Anti-monopolios, bloqueando la fusión. La Suerte de Mayer cambió: Fox sufrió un accidente automovilístico y cuando se recuperó, la caída de la bolsa de 1929 se apoderó de casi toda su fortuna y terminó su sueño de la fusión.accedió a vender, se anunció la fusión entre Fox y Loew’s Inc. Pero Mayer -no incluido en el trato- se rehusó, con conexiones políticas, llamando a la Unidad Anti-monopolios, bloqueando la fusión. La Suerte de Mayer cambió: Fox sufrió un MGM quebró, ya que debía pagar una suma imposible ($3500 millones usd). Actualmente mgm está analizando la posibilidad de fusionarse con LionsGate, todo gracias a Carl Icahn (accionista mayoritario de ambas
empresas),ya que este se estuvo fijando en esta empresa, y que lograría a revivir . Carl dijo que con esta fusión se pagaría un 10% de la deuda que llevo a mgm a la quiebra. mgm tiene una deuda que supero la anterior esta es de $4.000 millones de dólares. con esta fusión se ahorraría mas de 100 millones de dólares en costos operativos y 120 millones de dolares en el flujo de capital con la fusion tambien la compañia lions gate coltrolarían un 70% de las acciones. Como conclusión podemos ver que cada logotipo de presentacion fue variando al paso de los años, mediante la tecnologia digital lo hacia, lo que forzo de imediato este cambio de imagen. cabe señalar que ademas de un cambio de imagen se hizo posible el cambio por revuelos encomicos y competitivos.
Roberto Cruz
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ENTREVISTA & ANALISIS DE SHERLOCK HOLMES Danny Yount, un autodidacta diseñador ganador de un Emmy y director producido títulos principales de Six Feet Under y The Grid, mientras que en Digital Kitchen. En la actualidad reside en Prologue Films y ha creado los títulos de Kiss Kiss Bang Bang, Iron Man y RocknRolla. Juan Pablo Nunez
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Danny Yount, un autodidacta diseñador ganador de un Emmy y director productor de títulos principales de Six Feet Under y The Grid, para la productora Digital Kitchen. En la actualidad reside en Prologue Films y ha creado los títulos como Sherlock Holmes, Kiss Kiss Bang Bang, Iron Man, RocknRolla y proximamente Iron Man 2. Danny Yount Junto a un monton de colaboradores realizaron uno de las mas grandes avances de diseño cinematografico, alcanzando detalles tan infimos que captó la atención de todo los espectadores.
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¿Cómo comenzaste el proyecto tan grande como lo es Sherlock Holmes? ¿Cuál fue tu enfoque de los logotipos y los títulos de inicio y fin?
Recibí una llamada del director Guy Ritchie cuando estaba en las etapas medias de la fotografía principal. Le gustó lo que hicimos para RocknRolla y nos pidió que considerar algo bueno para Sherlock Holmes. Nos enviaron un guión y tiene muy entusiasmados con él después de darse cuenta de la interpretación más atrevido y divertido del personaje clásico de Holmes. Así Ilya Abulhanov y yo nos hicimos un par de ideas. (por ejemplo 1a y 1b). Fui invitado a volar a los presentes en uno de los conjuntos en Londres y ver algunos de la película, así que tenía un sentido muy fuerte después de la de donde quería ir visualmente. El escrito que me dieron fue hacer un lanzamiento de acción en vivo que participan una gran cantidad de titulares de los periódicos de la década de 1800, lo que daría un poco de historia de los inicios de Holmes y Watson y el plomo en la primera escena de la película siguiente el titular por última vez el alto de una pila de periódicos establecidos en el umbral. También queríamos mostrar parte del proceso de impresión de ese período de tiempo utilizando la máquina linotipo y madera composiciones tipo de bloque titular. Después de ir y venir un poco llegamos a la conclusión de que ser una sesión de macro que fue muy gráfico, así que alquilamos un tiempo en un museo de la imprenta y configurar varios brotes aún para conseguir todo el material que necesitábamos para guiones gráficos (por ejemplo, 2a, 2b y 2c). También me tiro algunas tomas de prueba con la Canon 5D para hacer una prueba de estilo (por ejemplo, 3a y 3b). Les gustó la presentación y nos dijeron que sería volver a nosotros. Varios meses pasaron y la película había tomado forma más por lo que decidieron perdir la secuencia de los titulares. Así que se pasó de querer un título completo principal de tener un título breve principal y una secuencia final de crédito. También quería que los créditos finales para ser un himno a la película - con aspectos destacados de la película. Diseñadores de Henry Hobson, Clowes Simón Bolan y Lisa se unió e hizo los guiones gráficos (ejemplo 4). Decidí ir en una dirección diferente a la mía (ejemplo 5). En retrospectiva, creo que eran un poco oscuros, aunque. Una vez aprobado el aspecto que tenía alrededor de cuatro semanas de principio a fin, y nos dieron también una secuencia de efectos especiales. Fue mucho trabajo, incluso para una empresa de nuestro tamaño. Pero tenemos un gran grupo de personas talentosas y dedicadas que hizo lo que se tardó en hacerlo.
¿Qué tan grande fue el equipo de producción, y cómo trabajaron estos equipos?
Nos dividimos en grupos 3, con un total de alrededor de 14 personas trabajando día y noche. La secuencia de los créditos finales requieren la mayoría de la gente, con mucho, ya que se detalló tanto en el trabajo de ilustración y en transición que nos demando mucho tiempo. En el título principal y el equipo de VFX alucinación era yo y Brett. Los logotipos de la apertura fuerón de José y Todd. Yo trabajo muy estrechamente con todos y estoy siempre en gran parte del proceso. Le debo eso a los clientes y sobre todo me debo a los diseña-
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Varios meses pasaron y la película había tomado forma más por lo que decidieron perdir la secuencia de los titulares. Así que se pasó de querer un título completo principal de tener un título breve principal y una secuencia final de crédito. También quería que los créditos finales para ser un himno a la película - con aspectos destacados de la película. Diseñadores de Henry Hobson y Lisa se unió e hizo los guiones gráficos. Decidí ir en una dirección distinta a la mía .
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Secuencia de Sherlock Holmes, creditos finales
www.dannyyount.com
dores más jóvenes que están construyendo su propio cuerpo de trabajo y carreras. También aprendo mucho de ellos, siempre traen nuevas formas e ideas de hacer las cosas. Y aprendi de mí como yo les ayudan a evitar los mismos errores que hice cuando tenía su edad. En transición que nos demando mucho tiempo. En el título principal y el equipo de VFX alucinación era yo y Brett. Los logotipos de la apertura fuerón de José y Todd. Yo trabajo muy estrechamente con todos y estoy siempre en gran parte del proceso. Que hice cuando tenía su edad. En transición que nos demando mucho tiempo. En el título principal y el equipo de VFX alucinación era yo y Brett. Los logotipos de la apertura fuerón de José y Todd. Yo trabajo muy estrechamente con todos y estoy hola como estay loco.
En los logotipos de apertura, ¿hay alguna parte de los adoquines que son reales?
No. sólo en 3D bien elaborado. José y Todd son maestros. El cliente originalmente quería que el logos se formaran de los charcos de agua, pero Sánchez Chris se le ocurrió la idea de hacer fuera de los adoquines, que amaba. José hizo un excelente sistema de sombreado que clavó la mirada de las superficies húmedas arenosa y las piedras erosionadas, que tuvo mucho amor para dar forma a los ladrillos muy desigual. Ese es el truco de hacer buen diseño. usted tiene que gastar una gran cantidad de modelos de tiempo viendo las imperfecciones o se perderán los detalles. Se verá rígida y se ven como un juego de vídeo. Lo mismo con el trabajo de cámara y También quería tener un marco de descanso tsería más interesante si sólo la cámara hiciera el primer disparo. Todd utilizó técnicas de proyección de la cámara para que se calsaran correctamente. También quería deja de volar a través de la superficie, sino que simplemente se quedó sin tiempo. Si bien este segundo semestre del 2010 no ha estado cargado de tantos estrenos en cuanto a cine, es la nueva tendencia la que nos hace ver un films. de ese mismo modo es como relleno texto por todos lados.
¿Qué herramientas utilizan para lograr esto? Una gran cantidad de manos humanas, una fotocopiadora, tomas de tinta y un par filtro de Photoshop. Lo que mas importa aca es la creatividad y poder ordenar las ideas mas que el “como se hace”, ya que, la tecnologia de hoy en dia nos permite hacer lo queramos.
¿Cómo es para presionar por algo más que el público se utiliza para? ¿Usted lucha con tomar riesgos creativos? ¿Cómo equilibrar y/o fusionar hacer algo porque te da una bofetada vs hacer algo abiertamente reflexivo del cuerpo de la película? ¿Cuándo se mantienen fieles a una visión y al hacer el experimento?
Yo siempre experimento y siempre me empuje. Eso es lo que el cliente quiere y es lo que me pagan por hacer. Pero si ignoro el escrito a continuación, todo lo que hago no tiene valor para ellos. O si algo de diseño que es demasiado abstracta y auto infladas, entonces se convierte en sentido no importa lo hermoso que es. Se tiene que comunicar y tiene que ser interesante y estimulante - en ese orden. Es curioso que cuando llamamos a estos “riesgos creativos” - Creo que el único riesgo que usted toma es cuando se aun sigo relledando gnora el cliente. Y si usted va a hacer eso entonces es mejor que también tienen su versión o puede ser despedido de la asignación. Es una cuestión de confianza - eso es todo. Y una vez que se establece la mayoría de los clientes inteligentes le dará la libertad.
¿Qué te hace pensar de manera diferente? ¿Nuevas tecnologías que están adoptando? Viajes y personas y la naturaleza. Estoy interesado en algunas de las aplicaciones más recientes como Houdini y Nuke. También me gustaría comprarme una Canon 7D en algún momento pronto. Lo bueno de trabajar en una productora es que tienes todo al alcanze en cuanto a materiales, eso no nos da problema, de hecho nos ayuda bastante en economizar tiempos y dar mas posibilidades al deseño
¿Cuáles son algunas de las lecciones en el diseño del título que he usado en el proceso? ¿Aprendió algo nuevo Sherlock Holmes?
Tiene que funcionar a la perfección con la película. Soy un guitarrista así que me gusta verlo como un solo de descanso - tengo poco tiempo que llevo en el centro de atención, pero tengo que usar para hacer la canción mejor. Si lo toco desordenado lo hace peor. Si lo toco muy rápido se demuestra que puedes ser interesante, pero no es apropiado, y es por eso que para diseñar hay que ser bastante ordenado para que no se escape ningun detalle y poder analizando con claridad los cambios o modificaciones que se pueden hacer sin tener que volver del principio, eso lo hace un trabajo eficiente y optimo para la pantalla grande.
¿Qué trae la mayor satisfacción? Al ver la pieza final en pantalla? ¿O es el proceso que trae alegría?
Las dos cosas. Me encanta el proceso - tengo que aprender muchas cosas y llegar a perfeccionar mis habilidades, pero también me pone muy “cerrado” a lo que estoy haciendo. Hay un nivel de compromiso con el proceso que te hace ir muy profundo y explorar todos los aspectos - se pone de manifiesto a usted que se crean para que la misma cosa. Y cuando te das cuenta de que usted se vierte en cada parte del proceso de exploración. Es sólo algo que los que han estado allí puede entender. Hemos sido creados para crear. Cuando nos damos cuenta de lo que somos buenos y perseguir con todo lo que tenemos se hace muy gratificante tanto intelectual como espiritualmente. En cuanto a verlo en la pantalla - se le olvida todo el dolor que hemos pasado. Es un cliché, pero sé que es como dar a luz. Te olvidas de las horas difíciles y de largo e hizo hincapié en las relaciones y te marchas con satisfacción de que hiciste lo mejor posible. Y todos los que trabajaron con es mejor como resultado si maneja bien el trabajo.Hemos sido creados para crear. Cuando nos damos cuenta de lo que somos to intelectual como espiritualmente que han estado allí puede entender. Hemos sido creados para crear nuevas posibilidades.
A raíz de eso, ¿cómo se manifiesta que la satisfacción para usted?
Eso me hace crecer como persona, aprendiendo de los errores así como los éxitos. Es muy gratificante ganarse la vida con lo mas te gusta y te motiva, creo que es un logro como persona el estar trabajado así, ademas de tener un ambiente muy acogedor
Entonces, ¿qué te emociona fuera del campo del diseño?
Mi familia y montar mi bici y ver la sociedad y la fotografía. También me gusta hablar en conferencias - me encuentro con mucha gente y llegar a conocer nuevos lugares. Me facina comer sushi y comida extrangera, me declaro amante del cine holliwoodense. Personalmente diria que es una de las mejores peliculas del mundo. El resto de mi vida tiene que ver con diseño, ya que, si bien es mi trabajo, es algo que me encanta y lo elegí como mi carrera de vida.
el poco tiempo que tuvimos para hacerlo, aunque cabe señalar que no fui solo yo el realizador de las secuencias, si no, hubo un gran equipo que estoy muy agradecido donde nos apoyamos y discutimos las infinitas formas e ideas que rondaron en la productora. tambien aprovecho de dar gracias a los trabajadores de la productora donde nos apoyaban no con ideas o diseño, sino mas bien con energia, entusiasmo, apoyo y nos facilitaron mucho el trabajo.
¿A quien dedicarias este logro filmico? Sin duda a mi familia, a mi esposa e hijos que entendieron y me apoyaron en esos meses tan duros donde no dormia o no podia visitarlos. A mi esposa quisiera por este medio decirle que la amo mucho y que es la mujer de mi vida, gracias a ella hago todo esto y saco fuerzas desde muy dentro.
¿Qué sigue para ti? Estoy trabajando en Iron Man 2 y las cosas pintan bien hasta ahora, es un trabajo muy costoso y largo, requiere de mucho tiempo y dedicación junto a mi equipo de trabajo en el cual puedo confiar plenamente y donde me siento comodo.
¿Qué nota le pondrias a tu trabajo? y porque. Seguramente muchas personas le pondrian un 8,9 o hasta un 10, pero la verdad es que cuando uno diseña nunca queda conforme con el resultado final, ya que, siempre uno encuentra detalles infimos o arreglos que podrian dar mejores resultados, pero todos sabes que eso no es podria hacer, por lo que hay que entregar el proyecto a tiempo, uno como diseñadores le encantaria tener el proyecto toda su vida para arreglarlo pero todo sabemos que no es así. respecto a la nota yo le pondria un 7 lo que no deja de ser una buena nota pensado en
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EL CINE TOCA SUELO Todos hemos soñado alguna vez en estar en los zapatos de algun personaje de pelicula, pues ahora lo podemos lograr con estos modelitos clasicos
la teniente a la moda
Si estas zapatillas te parecen familiares es porque eres un fans de la ciencia ficción. Hicieron su debut en 1986 para alien el octavo pasajero. reebok las a relanzado con 2 distintos colores (azul y gris). ademas están totalmente equipadas con correas futuristas tal cual las usaba la ellen ripley.
cerca del arcoiris
Para el próximo aniversario de los 70 años de ‘El mago de Oz’, en Hong Kong la boutique de zapatos Pedder se ha asociado con Warner Bros y una comisión de diseñadores de moda para crear su propia interpretación de los zapatos rojos mas famosos del cine.
sexi leia
Nunca se me había ocurrido esta mezcla de zapatillas Adidas con Star Wars, una idea bastante extraña pero que con un buen diseño se ha sabido llevar a cabo. Estos hibridos de la colección clásicos de Adidas, sentirán la fuerza de tus pies.
nike Mc fly
Nike le esta sacando el jugo a su cultura pop y ahora lanzara al mercado las zapatillas usadas por marthy mc fly en volver al futuro II. está usan un diseño y colores muy similares a los que aparecieron en la película y les ha puesto Nike Hyperdunks, no tendrán el sistema de autopresurización y amarre de cordones, pero algo es algo. Los zapatos Nike de Volver al Futuro II estarán disponibles a finales de este año, no esta claro el precio ni en qué países se venderán, pero seguramente estará entre los artículos más populares de Amazon.
diseño a pedido
estas creaciones bastante atrevidas, no corresponden originalmente a nike si no daniel resse diseñador norteamericano que ilustra zapatillas a pedido siendo sus principales temas juegos de video y cine aqui podemos ver dos ejemplos para la pelicula monster inc.
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DREW STRUZAN Struzan es un hombre que cautivo el mundo cinematograficos con sus grandes y complejos proyectos que dieron vuelta el mundo a travez de colosales empresas. Detrás de un gran afiche de promoción de un filme suele haber alguien que capta la esencia del mismo y lo traduce a una única imagen. Con la era digital, mucha de esa magia del dibujo a mano se pierde pero siempre hay una excepción. Como lo es, sin dudas, Drew Struzan. Él ha sido el creador de los mejores afiches de la historia del cine, esos en los que la magia borbotea y sin más, te sumerge en su mundo. Struzan ha sido el creador de afiches de sagas como “Star Wars”, “Indiana Jones”, “Back to Future” o filmes como “E.T.: The Extra-Terrestrial “, “Blade Runner”, “Hook”, entre otros. Y como su historia es altamente interesante se ha creado un documental con su vida aunque aún no se ha confirmado quién lo va a distribuir y mucho menos, su fecha de lanzamiento. Aunque si se sabe es que su título será “Drew: The Man Behind the Poster” y será dirigida por Erik Sharkey. Y su tráiler ya fue presentado hace unos días en el Comic-Con de San Diego. El documental será un recorrido por la vida del artista con entrevistas exclusivas de Steven Spielberg, George Lucas, Frank Darabont, Harrison Ford, Michael J. Fox, entre otros que fueron retratados por Draw o que lo contrataron para dar vida gráfica a sus filmes. Si nunca leyeron sobre Struzan, es buen momento para narrar brevemente su biografía. Nació en 1947 en una familia de bajos recursos, y fue a los 18 años cuando se inscribió en el Art Center College of Design en Los Ángeles donde se graduó cinco años más tarde con honores con el título de Bachelor of Arts. Un día consiguió trabajo en el estudio de diseño Pacific Eye and Ear, donde comenzó a ilustrar
portadas de discos para grandes artistas como Beach Boys, Bee Gees, Roy Orbison, Black Sabbath, entre otros. Incluso ilustra la portada Welcome to My Nightmare de Alice Cooper, que la revista Rolling Stone iría a votar como una de las “Primeras 100 portadas de discos de todos los tiempos”. Luego juntó con un amigo iniciaron un emprendimiento que duró ochos años y donde comenzó a especializarse en el técnica del aerógrafo, convirtiéndose luego en un maestro de la herramienta. Sus primeros cárteles para cine fueron en el año 1975 con películas clase B, hasta que dos años más tarde lo convoca el pintor Charles White III que estaba trabajando en el afiche de un filme de George Lucas para “Star Wars” donde colaboró finalmente pintando los personajes humanos al óleo en blanco y se centró en los barcos, Darth Vader, C-3PO y todos los detalles mecánicos del arte. Esto le permitió hacer carrera dentro de la industria cinematográfica y convertirse en el más importante de los ilustradores de póster para cine. Durante los años 80 ilustraba 10 afiches por año. Y entre sus más recordados están “Blade Runner” , “The Cannonball Run” , “Coming To America” , “First Blood” , “Risky Business”, “The Goonies”, entre otros. En los 90, con la llegada de la ilustración digital, Struzan comenzó a ver la caída de su trabajo. Aunque realizó trabajos para “Hook”, “Hellboy” y “Harry Potter”, comenzó a dedicarse a los libros de Luego de completar su trabajo para “Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull” en el 2008, anunció su retiro. Stan Winston nace en Richmond, Virginia (EE.UU.), el 7 de abril de 1946. En esta misma ciudad realiza sus estudios universitarios en Be-
llas Artes. En un primer momento quiere orientar su carrera hacia la actuación pero sus dotes naturales para las artes plásticas le llevan a ganar un puesto en un seminario de maquillaje para espectáculos. Es así como el bueno de Stan, de carambola, comenzará a desarrollar su carrera en un oficio que le reportará reconocimiento mundial. Tras finalizar los estudios, fundará su propia empresa, Stan Winston Studios, y comenzará a trabajar como maquillador y responsable de efectos especiales en numerosas producciones. En 1984, a la vista de los resultados obtenidos tras su colaboración con James Cameron para “Terminator” (1984), decide asociarse con el director para crear una potente compañía de efectos especiales, Digital Domain Company. de sus varias colaboraciones con el director Tim Burton, el cual le da la oportunidad de participar en títulos de renombre y gran éxito comercial. Winston se encargará, por tanto, de todo el impresionante maquillaje que logrará la transformación de Johnny Depp en una versión renovada del mito de Frankenstein “Parque Jurásico” (1993): junto a “Terminator 2: el Juicio Final”, son las culpables de la revolución digital en los efectos especiales para el cine y televisión (aunque no fueran las pioneras en emplearlos). A pesar de que en la película de Spielberg hay numerosos dinosaurios creados por ordenador, los más espectaculares fueron elaborados en los talleres del Stan Winston Studio. Stan Winston representa un camino intermedio entre los efectos especiales tradicionales y los modernos efectos digitales, siendo capaz de demostrar desde principios de los 90 que pueden convivir tranquilamente en un mismo film y conseguir espectaculares resultados.
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Suscipit 12 lum quam adit accummo lobortie te doloreet, volore tat, consecte dipis etueriliquat prat adipit wiscinc iliquat wisit, quat praestrud magnis acilisl ing ex ex et iure facip erat. Ut ver sit num zzriureet aci blaore MIXTURE