El café latino #11 web (1) by ROMAN GOMEZ

Les Kogis Cinema

Margarita Cadenas

Chanter dans le metro Malentendants

N째11

Grenuille

L’origine du casabe El café latino

Exploitation du caoutchouc 3

Magazine socio-culturel

éditorial

contenido Brus. Pintor del Amazonas 2 Edito5 Cantando en el metro 6 Indios Kogis 8 Sordo-mudos 12 Cineasta venezolana 14 Hombre calvo 18 Brasilia 20 Los Shipibos 22 Arte rupestre 2° Parte 24 Espantando el tedio 28 UNESCO 30 Agenda Culturel 32

sommaire 3 Brus. Peintre de l’ Amazonie 5 Edito 7 Le chanteur du métro 9 Indiens Kogis 13 Malentendants 15 Cinéaste vénézuélienne 18 Homme chauve 21 Brasilia 23 Les Shipibos 25 Art rupestre 2° Partie 29 Chasseur d’ennuis 30 UNESCO 32 Agenda Culturel

¡Qué dicha!

Quel bonheur!

Estamos vivos pero podríamos no haber existido. Sin embargo vivimos. Tenemos la misma suerte que tiene un árbol o un animal los cuales también podrían no haber existido. Sin embargo, además de existir, tenemos la dicha de saber que somos y que vivimos. Un pez probablemente también se sienta vivo. Pero los humanos, tenemos la capacidad de decidir, de aceptar o rechazar algo conscientemente. El poder de decidir es la única libertad que nos queda como prisioneros que somos de este mundo. SI hubiese nacido en el Polo Sur diría, la Antártida es el mejor país del mundo. Y eso es cierto, cada persona tiene el gusto de decir que su país es el mejor del mundo. Pero el ser humano puede agregarle algo más a su país y decir tengo la dicha de haber nacido en el planeta Tierra; el mejor planeta del universo. Nosotros, los latinos, le sumamos a la alegría de ser del país de donde nacimos, la dicha de haber nacido, tener orígenes o vivir en Latino América. Allí donde la alegría es la principal característica de su gente. Y donde se es alegre, se es amable y buen vecino. En América Latina la luz del firmamento es clara y se refleja en el calor de los habitantes. Puede un día no brillar el sol y no por eso se pierde su calor; llueva, truene o relampaguee, somos alegres. La naturaleza ha sido generosa con esta porción de tierra, inundada de valles, nevados, mares, ríos, lagos, selvas, islas que han sabido proteger el carácter caluroso de sus habitantes, contra la influencia extraña de pesimismo e impotencia que se respira en el mundo. El latino no necesita tener un termómetro para saber si hace frio o calor como dice la canción de Rubén Blades*. Desde hace 500 años vivimos en la “crisis” y aun sonreímos. Puede un día el alma estar triste por una pena, pero el optimismo no se pierde jamás; se irradia confianza no se deja abatir por las injusticias que se transitan. El carácter radioso del ser Latinoamericano lo paseamos por todo el mundo buscando lo bueno y lo útil en cada persona y en cada cosa que encontramos en nuestro camino, para compartir este placer de vivir. Sabemos integrarnos a otras culturas sin desintegrarnos.

Nous sommes vivants mais nous pourrions ne pas avoir existé. Cependant nous vivons. Nous avons la même chance qu’un arbre ou un animal qui pourraient eux-aussi ne pas avoir existé. Cependant, en plus d’exister, nous avons le bonheur de savoir que nous existons et que nous vivons. Un poisson se sent probablement aussi vivant. Mais en tant qu’humains, nous avons la capacité de décider, d’accepter ou de refuser les choses consciemment. Le pouvoir de décision est la seule liberté qu’il nous reste en tant que prisonniers de ce monde. Si j’étais né au Pôle Sud j’aurais dit que l’Antarctique est le meilleur pays du monde. Il est vrai que tout le monde a le loisir de dire que son pays est le meilleur du monde. Mais l’être humain peut ajouter quelque chose de plus et dire, « J’ai le bonheur d’être né sur la planète Terre, le meilleur planète de l’univers ». Nous, Latino Américains, ajoutons à la joie d’être nés dans nos pays respectifs le bonheur d’être nés, d’avoir des origines ou de vivre en Amérique Latine là où la joie est la caractéristique principale des habitants. Et là où l’on est joyeux, on est un voisin bon et aimable. En Amérique Latine la lumière du firmament est claire et se reflète dans la chaleur des habitants. Le soleil peut un jour ne pas briller et ce n’est pas pour autant que l’on perd sa chaleur; qu’il pleuve, qu’il tonne ou qu’il y ait des éclairs, nous sommes joyeux. La nature a été généreuse avec cette portion de terre inondée de vallées, de montagnes, de mers, de rivières, de lacs, de forêts et d’îles qui ont su préserver le caractère chaleureux de ses habitants, de l’influence étrange du pessimisme et de l’impuissance qui se respire dans ce monde. Le latino n’a pas besoin d’avoir un thermomètre pour savoir s’il fait chaud ou froid, pour citer une chanson de Rubén Blades*. Nous vivons lacrise depuis 500 ans et nous sourions encore. L’âme peut être triste un jour à cause d’un souci, mais l’optimisme ne se perd jamais, on est irradié de confiance et on ne se laisse pas abattre par les injustices qui passent. Nous transmettons le caractère radieux de l’être latino-américain au monde entier en cherchant le bon et l’utile en chaque personne et dans toutes les choses que nous trouvons sur notre chemin, et nous partageons ce plaisir de vivre. Nous savons nous intégrer à d’autres cultures sans nous désintégrer.

El Café Latino, 63 rue du Maréchal Leclerc 94410 Saint-Maurice Joindre le coupon et un chèque de 60 euros à l’ordre de El café Latino Nom, prénom (association): Adresse: Ville:

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LE CHANTEUR DU METRO

es parisiens qui se lèvent de bonne heure peuvent l’écouter dès 7h30 dans les couloirs du métro au point de jonction des lignes 11 et 1 à la station Hôtel de ville, tous les mardi et jeudi. Tous les mercredi et vendredi on peut le trouver à la station Franklin Delano Roosevelt de la ligne 1 aux mêmes horaires. Il est chanteur, guitariste, auteur et compositeur.

os parisinos que madrugan pueden escucharlo desde las 7: 30 en el corredor del metro que une la línea 11 con la 1 en la estación del Hotel de Ville, todos los martes y jueves. Los miércoles y viernes se encuentra en la estación Franklin Delano Roosevelt de la línea 1 en los mismos horarios. Cantante, guitarrista, autor y compositor. Tomás de Aquino: « Soy una persona muy organizada, trabajo de 7:30 a 13:30 sin parar y cuando llega la noche voy a cantar a las terrazas de Saint Germain de Prés, en El Café de Flore y los cafés vecinos, también canto en El Café Latino. Pero eso sí, todos los diciembres me voy para Venezuela a pasar un mes de vacaciones. » Nos habla con ese acento caribeño inconfundible. “Antes de partir de Venezuela yo cantaba y tocaba la guitarra y el cuatro* y me ganaba la vida como contador. Pero por las ganas de conocer, viajé a los Estados Unidos en 1979. Una noche, estando en un espectáculo musical con mi amigo Aznar - un pintor argentino y amigo del dueño del establecimiento-, sucedió que el cantante que se debía presentar antes del espectáculo principal no vino y al ver al dueño muy ofuscado, mi amigo Aznar le dijo que yo cantaba, que si quería podía reemplazarlo; sin consultarme ni pensarlo dos veces me vi en la tarima cantando en un club en Nueva York. Fui bien aplaudido y al público le gustó tanto mi presentación, que después que hubo terminado el evento principal, volvieron a pedir que yo cantara. Y fue ahí cuando mi amigo me propuso traerme a Francia y nos venimos para Paris en 1982. No me faltaron los contratos en restaurantes, clubes y clientes particulares. En Euro Disney trabajé durante varios meses en un hotel restaurante. Toqué la música para algunas películas y actué El café latino

e hice doblajes en otras como en; Banlieue 13, L’Américaine, Le Guetteur de Daniel Auteuil y recientemente en Le Soulier de Paris, una producción franco-japonesa.” ECL: ¿Tomás de Aquino es tu verdadero nombre? Tomás - Me llamo Tomás Aquino y mis apellidos son Zorrilla Cedeño del estado de Sucre en Venezuela. Soy uno de los 28 hijos que tuvo mi padre con cuatro mujeres, entre ellas mi madre. Yo por el contrario quise tener mis hijos con una sola esposa pero no pudimos y ahora pienso volverme a casar y tener un hijo. ECL: ¿Es fácil obtener el permiso para cantar en el metro? Tomás – Es necesario pasar un examen, tener una audición y pagar por un año y sólo es permitido cantar en los corredores y no en los vagones del metro. Si ustedes ven a Tomás de Aquino, salúdenlo, sonríanle, escúchenlo y mejor aun si depositan un billete en el estuche de su guitarra que él deja respetuosamente a cierta distancia de donde canta. Todavía mejor si le compran un CD, uno de los siete que ha producido; así estaremos colaborando con un verdadero artista representante de la música latinoamericana. Si desean contratarlo para una reunión agradable entre amigos o una serenata lo pueden llamar o escribir a: tomasdeaquino@free.fr Teléfono: 0143566427 - 0616324960

El Café Latino 2013 *Cuatro: pequeña guitarra de cuatro cuerdas perteneciente a la familia de las antiguas guitarras españolas. 6

Tomás de Aquino : «Je suis une personne très organisée, je travaille de 7h30 à 13h30 sans interruption et quand la nuit approche je vais chanter sur les terrasses des cafés de Saint Germain des Prés, au Café de Flore et dans les cafés voisins et je chante aussi à El Café Latino. Et tous les mois de décembre je vais passer un mois de vacances au Venezuela.» Il nous parle avec cet accent caribéen caractéristique.

Je suis l’un de 28 enfants qu’a eu mon père avec quatre femmes, dont ma mère. Au contraire de mon père j’ai désiré avoir mes propres enfants avec une seule femme mais nous n’avons pas pu et je pense maintenant me remarier et avoir un enfant.

«Avant de quitter le Venezuela, je chantais, je jouais de la guitare et du “cuatro”* et je gagnais ma vie en tant que comptable. Puis j’ai voyagé aux États-Unis en 1979, par soif de connaissance. Une nuit, alors que j’assistais à un spectacle musical avec mon ami Aznar - peintre argentin et ami du propriétaire de l’établissement-, le chanteur qui devait faire la première partie du spectacle ne s’est pas présenté. En voyant le propriétaire troublé mon ami Aznar lui a dit que je chantais et que s’il voulait je pouvais le remplacer. Sans avoir le temps d’y réfléchir à deux fois je me suis retrouvé à chanter sur l’estrade d’un club de New York. J’ai été très applaudi et le public a tant apprécié ma prestation qu’à la fin du spectacle principal il a demandé que je chante à nouveau. C’est ainsi que mon ami m’a proposé de le suivre en France et nous sommes arrivés à Paris en 1982.

ECL : Est-il facile d’obtenir le permis de chanter dans le métro? Tomás – Il faut passer un test, une audition et payer une redevance d’une année. Par ailleurs il est seulement autorisé de chanter dans les couloirs et non pas dans les rames du métro. Si vous voyez Tomás de Aquino, saluez-le, souriez-lui, écoutez-le ou encore, déposez un billet dans l’étui de sa guitare qu’il laisse respectueusement à une certaine distance de lui lorsqu’il chante. C’est encore mieux si vous lui achetez un CD, l’un des sept qu’il a produits; ainsi vous collaborerez avec un vrai artiste représentant de la musique latino-américaine. Si vous souhaitez l’embaucher pour une réunion agréable entre amis ou une sérénade vous pouvez l’appeler ou lui écrire à : tomasdeaquino@free. / Téléphone : 0143566427 - 0616324960

Les contrats dans des restaurants, des clubs et pour des clients particuliers ne manquaient pas. J’ai travaillé quelques mois dans le restaurant d’un hôtel d’Eurodisney. J’ai joué de la musique pour quelques films et j’ai été acteur et fait des doublages pour d’autres comme “Banlieue 13”, “L’Américaine”, “Le Guetteur” de Daniel Auteuil et récemment dans une production franco – japonaise: “Le Soulier de Paris”,

Le Café Latino 2013

*Cuatro : une petite guitare à quatre cordes appartenant à la famille des guitares anciennes espagnoles.

ECL : Tomás de Aquino est-il ton vrai nom? Tomás – Je m’appelle Tomás Aquino et mes noms de famille sont Zorrilla Cedeño, je suis originaire de l’Etat de Sucre au Venezuela. 7

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Les indiens Kogis Eclaireurs de l’avenir?

valués à 12 000, c’est sur les contreforts de la Sierra Nevada de Santa Marta, en Colombie, entre la côte Caraïbe et les sommets enneigés, que vit la communauté des Indiens Kogis, derniers héritiers des Tayronas, l’une des plus brillantes sociétés précolombiennes du continent sud-américain. Depuis l’arrivée des conquistadores au début du XVIème siècle, et malgré les menaces de la guérilla, des pilleurs de tombes, des paramilitaires, des narcotrafiquants, de la déforestation, et maintenant du tourisme, cette société, à la fois ancienne et moderne, a su préserver un système culturel qui n’a qu’un but -»Trouver et maintenir un équilibre entre les énergies créatrices et destructrices qu’un homme rencontre au cours de son existence.» T.C. McLUHAN, «L’Esprit de la Terre», Editions du Rocher, 1998

Los indigenas Kogis

des Mamus (Sagas pour les femmes), guides spirituels de la communauté, dont la formation dure 18 ans, et se passe entièrement dans l’obscurité, où l’esprit est ainsi moins distrait. Peuple de philosophes, leur système éducatif permet aux membres de la communauté d’apprendre à «gérer leur cheval fou», à savoir canaliser les émotions, la violence et l’ego, afin de tendre vers la sérénité et la paix intérieure. Une recherche «d’équilibre des forces», du latin aequus libra, qui se retrouve dans leur mode de relation au vivant, où l’homme est la nature, partie intégrante d’un ensemble de systèmes et de phénomènes naturels qui le porte et le dépasse. Une relation éloignée de celle de domination et d’exploitation instaurée par l’homme moderne, où la nature est réduite au rang de ressource naturelle, terrain de loisir ou paysage. Ces notions se manifestent dans toutes les tâches de la vie quotidienne, qui sont réparties entre les hommes et les femmes, mais toujours reliées, afin de maintenir l’équilibre entre création et destruction. Par exemple, le travail de brûlis* «destructeur» mené par les hommes, va permettre le travail de création de semences et de travail de la terre réalisé par les femmes. Précurseurs de la Permaculture ?* Travailler en harmonie avec la nature, respecter et soigner la terre, prendre en compte les cycles de vie, les énergies, esprits et propriétés des choses, ont toujours fait partie des principes de vie qui fondent la société Kogi. Ces approches ressemblant

Une parole partagée en permanence Société sans écriture, dont les échanges sont régulés par le don ; porteurs de pratiques traditionnelles issues «de la loi des origines», ils se déplacent en permanence entre les différents étages thermiques de la Sierra, «la mère», dont ils se considèrent les gardiens. Sans chef, les décisions de la communauté sont prises à l’issue de long processus collectifs qui associent des temps de divination, d’introspection et de partage de représentations, se déroulant souvent la nuit, dans la «nuhé», le temple Kogi. Des temps de paroles et de régulation, en présence

¿iluminan el futuro?

e cuentan por 12.000 miembros en las laderas de La Sierra Nevada de Santa Marta en Colombia, entre la costa Caribe y las cumbres de nieves permanentes, es donde vive la comunidad de los Indios Kogis, últimos hererederos de los Tayronas, una de las más brillantes sociedades precolombinas del continente sur americano. Después de la llegada de los conquistadores a principios del siglo XVI, y a pesar de las amenazas de la guerrilla, de los guaqueros*, de los paramilitares, de los narcotraficantes, de la deforestación, y ahora del turismo, esta sociedad, a la vez antigua y moderna, a sabido preservar un sistema cultural que no tiene sino un solo objetivo –“Encontrar y mantener el equilibrio entre las energías creadoras y destructoras que un hombre encuentra en el transcurso su existencia” T.C. McLUHAN “L’Esprit de la Terre”, Editions du Rocher,1998.

relacionados, esto se lleva a cabo en la noche en la “nuhé”, templo Kogi. Es el momento de la palabra y de conducirla en presencia de los Mamus (Sagas para las mujeres), guías espirituales de la comunidad, para quienes la formación dura 18 años y se pasa en la completa oscuridad donde el espíritu es menos perturbado Pueblo de filósofos, el sistema educativo permite a los miembros de la comunidad a “domar el caballo loco”, a saber canalizar las emociones, la violencia del ego”, con el fin de obtener la serenidad y la paz interior. Una búsqueda “del equilibrio de fuerzas”, del latin aequus libra, que se encuentra en la forma de relación con lo vivo, donde el hombre es la naturaleza, parte integrante de un conjunto de sistemas y de fenómenos naturales que son él y más que él. Una relación muy diferente de esta del dominio y la explotación instaurada por el hombre moderno, donde la naturaleza está reducida al renglón de recurso natural, terreno de vacaciones o de paisaje. Estas nociones están presentes en todas las obras de la vida diaria, que son compartidas entre hombres y mujeres, pero siempre unidos, con el fin de mantener el equilibrio entre la creación y la destrucción. Por ejemplo el trabajo de brulis* “destructor” hecho por los hombres, va permitir el trabajo de creación de semillas y el de trabajar la tierra realizado por las mujeres.

Compartir las palabras permanentemente Es una sociedad sin escritura, donde los intercambios están regidos por el dar, tienen prácticas tradicionales nacidas “de la ley de los orígenes”, ellos se desplazan permanentemente entre los diferentes pisos térmicos de La Sierra, “la madre”, de la cual ellos se consideran los guardianes. Sin jefe, las decisiones de la comunidad son tomadas al fin de un largo proceso colectivo que dividen entre adivinación, introspección y compartir los hechos El café latino

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¿Precursores de la Permacultivo?* Trabajar en armonía con la naturaleza, respetar y cuidar la tierra, tiene en cuenta los ciclos de vida, las energías, el espíritu y pertenencia de cada cosa, han sido por siempre parte de los principios de vida que fundan la sociedad Kogi. Estos conocimientos se asemejan mucho a una práctica, a una filosofía, que toma fuerza hoy en día en los medios agrícolas, como también en la sociedad moderna : la Permacultivo, es decir trabajar con la naturaleza y no contra ella, con el fin de crear sistemas orgánicos más armoniosos y más durables.

Escuela de la naturaleza y del saber Fuertemente inspirados por los Indios Kogis, La Escuela de la Naturaleza y del Saber es un sitio “sistémico” de formación y búsqueda que permite experimentar, poner en obra y formar a los principios de desarrollo durable. Situado a 1.300 metros de altitud, en el corazón de los altos valles de Diois (Drôme), el sitio, aislado y preservado, permite la integración de cursos en medio de la naturaleza, formaciones, seminarios de “quebramiento”, para las empresas, estudiantes, colectividades territoriales y todo público.

Una capacidad sorprendente de mantener a distancia la modernidad y sus fantasías. ¿Es gracias al poder y a la profundidad de su sistema cultural y espiritual? Los Kogis, que no viven fuera del mundo, lejos de esto, han sido capaces por el momento de mantener a distancia las energías compulsivas de deseos y de división que mantiene la sociedad moderna. Consideran que llegaron antes que nosotros a la tierra, ellos nos llaman los “hermanos menores”. Pequeños, porque nosotros no hemos aun comprendido el juego de la vida, y las degradaciones que le causamos a la naturaleza. Hermanos, porque tendremos los mismos padres y las mismas madres haciendo parte de la gran familia de la vida yde lo viviente. Los Indios Kogis nos reenvían sobre todo a la pregunta fundamental del sentido, pregunta sobre la cual una respuesta se convierte cada vez más urgente en nuestra sociedad en busca de nuevas vías post-capitalistas.

La Sierra Nevada de Santa Marta, un ecosistema único La más alta montaña del mundo al borde del mar, donde solo 42 kilómetros separan la costa Caribe de cumbres nevadas todo el año a 5.775 metros de altura. Con una superficie de 17.000 KM2, La Sierra Nevada de Santa Marta contiene una diversidad remarcable nombrada Reserva de la Biosfera por la UNESCO, La Sierra contiene 13% de las especies endémicas de Colombia, 35% de especies de pájaros, como también el 7% de las especies vivas del planeta. Esta increíble biodiversidad está hoy amenazada, porque en el transcurso de los últimos 40 años, los espacios forestales de La Sierra han sido destruidos en un 78%, amenazando la totalidad de las especies, así como el modo de vida de sus guardianes, Los Indigenas Kogis.

Para saber más - www.ecolenaturesavoirs.com

Article: Finn Mayhall Photos : Eric Julien / Pascal Greboval

Tchendukua - Ici et Ailleurs La Asociación Tchendukua – Ici et Ailleurs acompaña la comunidad de indígenas Kogis, en la recuperación de sus tierras ancestrales desde 1997. Eric Julien, geógrafo, fundó la asociación después de una experiencia en la cual los Kogis lo salvaron de un edema pulmonar, luego de una expedición de andinismo en La Sierra en 1985 Por hoy, la asociación a podido restituirles 1.500 hectáreas de tierra, permitiendo la instalación de numerosas familias Kogis, y de igual modo la preservación/recuperación de 1.000 hectáreas de tierras suplementarias, en asociación con la Agencia Francesa de Desarrollo y Good Planet.

*El cultivo brulis pertenece a la familia de las técnicas agrícolas primitivas que utilizan el fuego como medio de la preparación de campos. *El Permacultivo es la concepción consiente de paisajes que imitan los modelos y las relaciones observadas en la naturaleza, teniendo como fin estimular la actividad biológica de los suelos para mantenerlos y obtener una producción abundante de cultivo y de energía para satisfacer las necesidades locales

Para saber más - www.tchendukua.com

beaucoup à une pratique, une philosophie, qui prend davantage de place aujourd’hui dans les milieux agricoles, ainsi que dans la société moderne : la Permaculture, c’est-à-dire travailler avec la nature et non pas contre elle, afin de mettre en place des systèmes plus organiques, plus harmonieux et plus durables. Une capacité étonnante à tenir la modernité et ses attraits à distance Est-ce grâce à la puissance et à la profondeur de leur système culturel et spirituel ? Les Kogis, qui ne vivent pas hors du monde, loin de là, ont pour l’instant réussi à tenir à distance les énergies compulsives de désir et de division que porte la société moderne. Considérant qu’ils sont arrivés avant nous sur la terre, ils nous appellent les «petits frères». Petits, car nous n’aurions pas encore compris les enjeux de la vie, et les dégradations que nous causons à la nature. Frères, car nous aurions les mêmes pères et les même mères faisant ainsi partie de la grande famille de la vie et du vivant. Les Indiens Kogis nous renvoient surtout à la question fondamentale du sens, question à laquelle une réponse devient de plus en plus urgente dans notre société en quête de nouvelles voies post-capitalistes. Tchendukua - Ici et Ailleurs L’Association Tchendukua - Ici et Ailleurs accompagne la communauté des Indiens Kogis dans la récupération de leurs terres ancestrales depuis 1997. Eric Julien, Géographe, a fondé l’Association après une expérience où les Kogis l’ont sauvé d’un œdème pulmonaire, lors d’une expédition d’andinisme dans la Sierra en 1985. A ce jour, l’Association a pu restituer 1 500 hectares de terres, permettant l’installation de nombreuses familles Kogis, ainsi que la préservation/ reconstitution de 1 000 hectares de forêt tropicale. Tchendukua travaille aujourd’hui sur le Projet Mendihuaca, projet de restitution de 1 000 hectares de terres supplémentaires, en partenariat avec l’Agence Française de Développement et Good Planet.

Ecole de la Nature et des Savoirs Fortement inspirée par les Indiens Kogis, l’Ecole de la Nature et des Savoirs est un lieu «systémique» de formation et de recherche qui permet d’expérimenter, mettre en œuvre et former aux principes de développement humain durable. Située à 1300 mètres d’altitude, au cœur des hautes vallées du Diois (Drôme), le site, isolé et préservé, permet l’accueil en immersion nature de stages, formations, séminaires de «ruptures», à destination des entreprises, étudiants, collectivités territoriales et grand public.

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La Sierra Nevada de Santa Marta, un écosystème unique La plus haute montagne au monde en bord de mer, seulement 42 kilomètres séparent la côte Caraïbe des pics enneigés à 5 775 mètres d’altitude. Avec une superficie de 17 000 km², la Sierra Nevada de Santa Marta contient une biodiversité remarquable. Désignée Réserve de Biosphère par l’UNESCO, la Sierra abrite 13 % des espèces endémiques de la Colombie, 35 % des espèces d’oiseaux, ainsi que 7 % des espèces vivant sur la planète. Cette incroyable biodiversité est aujourd’hui en péril, car au cours des 40 dernières années, les espaces forestiers de la Sierra ont été détruits à plus de 78 %, menaçant l’ensemble des espèces, ainsi que la mode de vie de ses gardiens, les Indiens Kogis. Finn Mayhall Photos : Eric Julien / Pascal Greboval

* La culture sur brûlis appartient à la famille des techniques agricoles primitives utilisant le feu comme moyen de création du champ (écobuage, essartage, feux de brousse) *La permaculture est la conception consciente de paysages qui miment les modèles et les relations observés dans la nature, visant à stimuler l’activité biologique des sols pour les entretenir et obtenir une production abondante de nourriture et d’énergie pour satisfaire les besoins locaux.

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La detección precoz de la sordera.

Le dépistage précoce de la surdité.

ace unos meses he demostrado a través de un ejemplo sobre la sordera, que era una pena estigmatizar una diferencia, hasta el punto de hacer una incapacidad. Así que estaba pensando en otro punto de vista: el de la convertirla en una fuerza. Pero, ¿dónde encontrar la energía en una sociedad que valoriza la élite, para que acepte esta diferencia, incluso convencer a los más escépticos que permitan que la persona elija vivir o no con ella, en lugar de tratar a toda costa que desaparezca?

durante el recreo, pero para los otros, el incumplimiento de esta prohibición era sancionada con castigos corporales. En Francia, se tuvo que esperar hasta 1977 para que la lengua de signos francesa (LSF) fuera reconocida como una lengua aparte. Y no será sino hasta 1991 que se permitiera utilizarla en la educación de los niños sordos. A pesar de ello, Francia ha decidido gastar 20 millones de euros al año para detectar una posible sordera en todos los niños, en lugar de invertir en la formación de docentes para impartir cursos en LSF o en la formación de intérpretes. Por ejemplo: para convertirse en intérprete de LSF se requieren dos años de entrenamiento después de haber obtenido una licencia, la cual tendrá un costo de € 14OOO por estudiante.

En Francia, aproximadamente uno de cada 1.000 niños nace sordo. Esto representa 800 nacimientos por año. Para estos 800 nacimientos por año, un gran número de «grupos importantes» de la profesión médica se ha asociado para votar en julio de 2011 una enmienda a la ley Fourcade, sobre la reforma de los hospitales, que generaliza la detección de la discapacidad auditiva a partir del segundo día de vida.

Por lo tanto, le ha valido a la comunidad sorda una larga lucha para obtener un principio de reconocimiento y ahora, ¿debe recibir una vez más un duro golpe de bisturí?

Esta ley ha sido muy debatida y fue denunciada por «la intención de servir a los intereses de unos pocos, como los médicos y centros médicos que realizan implantes cocleares» (dispositivos electrónicos para restaurar la audición o... para eliminar una discapacidad). La diputada y pediatra Edwige Antier, ponente del texto destacó: «El objetivo es la detección precoz para evitar cualquier retraso en la adquisición del lenguaje y permitir el desarrollo óptimo de la comunicación.»

Por : Elise Crolet. Coach en Développement Personnel

elise.crolet@free.fr

En France, environ 1 enfant sur 1000 naît atteint de surdité. Ce qui représente 800 naissances par an. Pour ces 800 naissances par an, un grand nombre de «pontes «du corps médical se sont associés pour faire voter en juillet 2011 un amendement à la loi Fourcade sur la réforme de l’hôpital, qui généralise le dépistage des troubles de l’audition dès le 2ème jours de vie. Cette loi a fait débat et beaucoup la dénonçaient car « destinée à servir les intérêts de quelques uns comme les médecins et les centres médicaux pratiquant la pose d’implants cochléaires » (dispositifs électroniques visant à restaurer l’audition ou … faire disparaître un handicap). La député et pédiatre Edwige Antier à l’initiative de ce texte insistait sur : «L’objectif d’un dépistage précoce pour éviter tout retard dans l’acquisition du langage et permettre le développement optimal de l’apprentissage de la communication».

El debate no es nuevo, mientras que unos están considerando el implante como una revolución tecnológica, otros lo viven como una «tortura humana.» Más allá del procedimiento médico, éste afecta la percepción y el lugar de la sordera en la sociedad. Así que tenemos que distinguir varios escenarios para comprender mejor este debate. Uno es el ser sordo después de una enfermedad, un error médico o de un accidente. Y otro, ser sordo de nacimiento. Para el primero, la elección del implante coclear es natural porque es la esperanza de recuperar lo que se ha perdido: la audición. Sin embargo, lo que es obvio para unos no lo es para otros. La comunidad sorda se ha mostrado muy virulenta sobre el tema del implante, viéndolo como una amenaza a la cultura de los sordos, incluso hablando de «limpieza étnica» y señalando que « ¡la sordera no es una enfermedad!»

Le débat n’est pas nouveau et alors que les uns envisagent l’implant comme une révolution technologique, d’autres le vive comme une « torture humaine ». Au-delà de l’acte médical, cela touche à la perception et à la place de la surdité dans la société. Alors il nous faut distinguer plusieurs cas de figure pour mieux comprendre ce débat. On trouve d’un côté les devenus sourds à la suite d’une maladie, d’une erreur médicale ou d’un accident. Et de l’autre, les sourds de naissance.

Cabe recordar que en 1880, un congreso, compuesto principalmente por personas oyentes, se reúne para decidir entre la oralidad y la lengua de signos (LS), cuál era el método más adecuado para la educación de las personas sordas. Al final de la conferencia se prohibió la LS. Las personas sordas han sido privadas de su lenguaje... Para los que estaban en las instituciones menos estrictas les estaba permitido usarlo El café latino

l y a quelques mois je démontrais au travers d’un exemple sur la surdité, qu’il était dommage de stigmatiser une différence, au point d’en faire un handicap. Et donc j’envisageais un autre point de vue : celui d’en faire une force. Mais où puiser l’énergie dans une société valorisant l’élite, pour faire accepter cette différence, voire convaincre les plus sceptiques de laisser choisir la personne de vivre ou non avec, plutôt que de vouloir à tout prix la faire disparaître ?

Pour les premiers, le choix de l’implant cochléaire est tout naturel car il est l’espoir de retrouver ce qu’ils ont perdu : l’ouïe. Toutefois, ce qui est évident pour eux ne l’est pas pour les autres. La communauté sourde a été très virulente sur le sujet voyant l’implant comme une menace de la culture sourde, parlant même « d’une purification ethnique » et rappelant que « la surdité n’est pas une maladie » !!! Il faut rappeler qu’en 1880, un congrès, composé principalement de personnes entendantes, se réunit pour décider entre l’oralisme et la langue des signes (LS) quelle était la méthode la plus adaptée à l’éducation des sourds. A l’issue de ce congrès la LS fut interdite. Les sourds ont donc été privés de leur langue donc de leur moyen de communication…Pour ceux placés dans les établissements les moins stricts elle est autorisée pendant la récréation mais pour les autres, le non respect de cette interdiction leur vaudra des châtiments corporels. En France il faudra attendre 1977 pour que la Langue des Signes Française (LSF) soit reconnue comme une langue à part entière. Et ce n’est qu’en 1991 qu’elle sera autorisée pour l’éducation des enfants sourds. Malgré cela, la France a fait le choix de dépenser 20 M€ par an pour dépister une éventuelle surdité chez tous les enfants plutôt que d’investir ces sommes dans l’accessibilité en formant des professeurs pour pouvoir dispenser des cours en LSF ou en formant des interprètes. Pour exemple : devenir interprète en LSF, nécessite deux années de formation après une licence, qui coûteront à l’élève 14 000 €. Il a donc fallut à la communauté sourde tout ce long combat pour obtenir un début de reconnaissance dont il devrait une fois encore s’affranchir d’un coup de bistouri ? Par : Elise Crolet. Coach en Développement Personnel

elise.crolet@free.fr

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CINEMA

Interview de Margarita Cadenas, réalisatrice, productrice et scénariste de cinéma qui nous a reçus dans sa maison parisienne pour nous présenter son œuvre et nous raconter comment elle est passée de son Vénézuela natal au Vieux Continent.

1 trabajar en el Canal 8 de televisión, cubriendo la fuente presidencial. A los ocho meses, decido ir a estudiar en la BBC de Londres. Ahí fue cuando tomé la decisión de dedicarme al cine. Eso fue en 1981. Hice una pasantía en la BBC y antes de volverme a Venezuela, decidí irme a Francia para estudiar francés. En una cena en la Embajada de Venezuela en París, me encontré con Charles Hernu, quien era el Ministro de la Defensa de François Mitterrand. Hablando con él, me propuso una pasantía en la Société Française de Production (SFP). El presidente de la SFP me propuso trabajar en un rodaje que se iba a realizar en Venecia, pero cuando me entrevisté con el director de la película, Paul Seban, me rechazó por no saber francés. Entonces decidí estudiar francés 10 horas por día, y en tres meses volví a verlo hablando ya el idioma. Ante este hecho, me nombró su segundo asistente y así fue cómo entré en el medio del cine francés. También fui segundo asistente del director Claude de Givray quien escribió el film “Los 400 Golpes”, de Truffaut. Gracias a Claude escribí el guión de la serie “Barrage sur l’Orénoque” (1996) que trata de una ingeniera francesa que va a Venezuela para construir una represa sobre el rio Orinoco. La serie fue dirigida por Juan Luis Buñuel, el hijo de Luis Buñuel.

Entrevista a Margarita Cadenas, realizadora, productora y guionista de cine que nos recibió en su casa parisina para presentarnos su obra y contarnos cómo llegó de su Venezuela natal al Viejo Continente.

Por Javier Leibiusky*

Cuéntanos qué fue lo que te llevó al cine y cómo has llegado a Francia… Me gradué de bachiller a los 15 años. Como era muy joven para ingresar a la universidad, tuve que esperar un año. En esa época quería estudiar biología. Pero entonces, en una fiesta conozco unos chicos que estudiaban comunicación social. Me empezaron a hablar de la publicidad y del cine y al volver a casa, anuncié a mi familia que eso era lo que quería estudiar. Puedes imaginarte la reacción de mi familia, muy conservadora, en la cual hay profesionales abogados, ingenieros y otros. Finalmente uno de mis hermanos me pagó los estudios en la Universidad Católica y me gradué a los 21 de Comunicadora Social. Luego comencé a

¿Cuáles son tus principales influencias cinematográficas? Para mí, Werner Herzog es un realizador fuera de norma. Es una influencia muy importante para mí. La otra es un director venezolano, Luis Alberto Lamata quien hizo la película llamada “Jericó” la cual me marcó mucho, también fue rodada en la selva. Igualmente, Polanski es otro director que me marcó muchísimo y de los recientes, Terrence Malick que para mí es un poeta que hace poesía con el cine.

Orinoco

El café latino

En tu obra se respira una gran pasión por América Latina. ¿Qué es América Latina para ti? ¿Podemos hablar de una identidad latinoamericana? Los países de Latinoamérica son tan disímiles como los habitantes de un solo país… En Argentina tienes a la gente del sur, de la Patagonia, los del norte, el porteño, que no tienen mucho que ver entre ellos mismos. En Venezuela, Colombia y muchos otros países suramericanos, es igual. América Latina es muy compleja y disímil, pero al mismo tiempo tenemos ese sentimiento de ser todos latinoamericanos. Tenemos el idioma español, pero incluso con los brasileros existe una cierta hermandad tácita y así es como nos ven desde el exterior. Mucha gente me dice “Ah, eres venezolana… ¡yo tengo un amigo 14

Raconte-nous ce qui t’a amenée à faire du cinéma et comment tu es arrivée en France … J’ai obtenu mon baccalauréat à 15 ans. Comme j’étais trop jeune pour entrer à l’université, j’ai du attendre un an. A cette époque je voulais étudier la biologie. Mais j’ai fait la connaissance de garçons qui étudiaient la communication sociale lors d’une fête. Ils ont commencé à me parler de la publicité et du cinéma et, une fois rentrée à la maison, j’ai annoncé à ma famille que c ‘était ce que je voulais étudier. Tu peux t’imaginer la réaction de ma famille, très conservatrice, dans laquelle il y a des avocats, ingénieurs et autres professions de ce type. Finalement l’un de mes frères a payé mes études à l’Université Catholique et j’ai reçu le titre de Communicatrice Sociale à 21 ans. J’ai ensuite commencé à travailler pour la chaine de télévision Canal 8, couvrant les évènements présidentiels. Au bout de huit mois, j’ai décidé d’aller étudier à la BBC de Londres. C’est là que j’ai pris la décision de me consacrer au cinéma. On était en 1981. J’ai fait un stage à la BBC et avant de retourner à la Venezuela, j’ai décidé de partir pour la France afin d’étudier le français. Au cours d’un dîner à l’Ambassade du Venezuela à Paris, j’ai rencontré Charles Hernu, qui était le Ministre de la défense de François Mitterrand. En lui parlant, il m’a proposé un stage à la Société Française de Production (SFP). Le président de la SFP m’a alors proposé de travailler sur un tournage qui allait se réaliser à Venise, mais le directeur du film, Paul Seban, m’a refusée suite à mon entretien parce que je ne parlais pas français. J’ai alors décidé d’étudier le français 10 heures par jour, et je suis retournée le voir au bout de trois parlant à présent la langue. Devant le fait accompli, il m’a nommée deuxième assistant et c’est ainsi que je suis rentrée dans le milieu du cinéma français. J’ai aussi été le deuxième assistant du directeur Claude de Givray qui a écrit le film les «400 Coups», de Truffaut. Grâce à Claude j’ai écrit le scénario de la série «Barrage le sud l’Orénoque» (1996) qui traite d’une femme française ingénieur qui va au Venezuela pour construire un barrage sur la rivière Orénoque. La série a été dirigée par Juan Luis Buñuel, le fils de Luis Buñuel

Par Javier Leibiusky*

Quelles sont tes influences cinématographiques principales? Je pense que Werner Herzog est un réalisateur hors norme. C’est une influence très importante pour moi. L’autre est un directeur vénézuélien, Luis Alberto Lamata qui a fait le film appelé «Jéricho» qui m’a beaucoup touchée et a aussi été tourné en forêt. Polanski est également un autre directeur qui m’a énormément marquée. Et parmi les plus récents, Terrence Malick qui est selon moi un poète qui fait de la poésie avec le cinéma.

Ton œuvre transpire d’une grande passion pour l’Amérique latine. Qu’est-ce que l’Amérique latine pour toi ? Pouvons-nous parler d’une identité latino-américaine ? Les pays d’Amérique Latine sont aussi dissemblables que les habitants d’un seul et même pays … En Argentine tu as les gens du sud (la Patagonie) et ceux du nord (les “porteños” de Buenos Aires), qui n’ont pas grand chose à voir entre eux. Au Venezuela, en Colombie et dans beaucoup d’autres pays Sud-Américains, il en va de même. L’Amérique latine est très complexe et disparate, mais en même temps nous avons ce sentiment d’être tous Latino-Américains et c’est ainsi que l’on nous voit de l’extérieur. Nous sommes liés par la langue espagnole mais même avec les brésiliens il existe une certaine fraternité tacite. Beaucoup de gens me disent : «Ah, tu es vénézuélienne … j’ai un ami argentin!», et voilà que j’ai à leur expliquer qu’entre Caracas et Buenos Aires il y a presque le même nombre d’heures de vol qu’entre Caracas et Paris … Une autre chose qui nous unit est le réalisme magique. La magie de nos cultures, ces sentiments exacerbés par le mystique, le nostalgique … Le grand représentant de ce réalisme magique est García Márquez. L’Amérique Latine est un grand mélange - Italiens, Espagnols, noirs, indiens, métis et mulâtres - et c’est pour cette raison que nous sommes si difficiles à discerner.

Ton documentaire «Au-delà des apparences» (1996) qui parle de l’anthropologue Jacques Lizot est très intéressant, justement, parce qu’il traite de cette question d’identité. Comment as-tu connu Jacques Lizot ? Durant le tournage de «Barrage sur 15

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6 Tournage «Cenizas eternas»

argentino!”, y les tengo que explicar que entre Caracas y Buenos Aires hay casi la misma cantidad de horas de vuelo que entre Caracas y París… Otra cosa que nos une es el realismo mágico. La magia de nuestras culturas, esos sentimientos exacerbados por lo místico, lo nostálgico… El gran representante de este realismo mágico es García Márquez. América Latina es una gran mezcla, italianos, españoles, negros, indios, mestizos y mulatos y por eso somos tan difíciles de discernir.

Con los actores, pasamos previamente dos años trabajando los movimientos de los cuerpos, el aprendizaje fonético de la lengua. Para el rodaje se cortaron el pelo como ellos, actuaron desnudos, imitando a los Yanomami. El equipo técnico y artístico de la película fue conformado por 175 personas quienes nos mantuvimos durante más de dos meses para la filmación, independientemente de la preparación que nos llevo aproximadamente unos seis meses.…

Tu documental “Más allá de las apariencias” (1996) que habla del antropólogo Jacques Lizot es muy interesante, justamente, porque trata esta cuestión de identidad. ¿Cómo conociste a Jacques Lizot? Durante el rodaje de “Barrage sur L’Orénoque”, tuve mi primer encuentro con los indígenas venezolanos y fue un impacto muy grande. Cuando terminé ese rodaje me propuse hacer una expedición cada año para profundizar mis conocimientos. Para poder entrar en las comunidades indígenas hay que tener contactos con los misioneros, los militares, los indígenas y los antropólogos. Comencé a interesarme mucho en la mitología indígena y quise escribir un libro que comparara la mitología griega con la de los Yanomami, pueblo que vive en el Amazonas en la frontera entre Venezuela y Brasil. Para lograr dicho objetivo, el pasaje obligatorio fue Jacques Lizot ya que fue el primer antropólogo que se interesó y recogió los mitos de los Yanomami, estudió su lengua y creó su abecedario, también él fue quien consiguió que los Ministerios de Educación de Venezuela y Brasil se pusieran de acuerdo para oficializar el uso de ese abecedario. Con Lizot desarrollamos una amistad muy cercana. En ese entonces él estaba regresando a Francia después de casi 25 años de haber vivido con los Yanomami. Yo me iba a su casa en Les Cévennes y me quedaba trabajando ahí durante días. En el 2005, se publica el libro “Darkness in El Dorado” del norteamericano Patrick Tierney quien habla de los antropólogos que estudiaron a los Yanomami. En el libro señala aspectos denigrantes sobre su persona. Los Yanomami mantienen relaciones sexuales desde una edad muy joven, he visto madres parir a los 12 años. Resulta que los Yanomami tienen una sexualidad poco definida antes de decidir su orientación sexual. Según Patrick Tierney, Lizot mantuvo relaciones sexuales con jóvenes y en el libro lo trata de pedófilo. Mi documental fue un poco una reacción a este libro y a un documental que se estaba preparando en la BBC.

Ahora me gustaría que nos hables un poco de tu próximo film. El próximo film mezclará varios universos y la historia sucede entre Europa y la selva colombiana. Son tres mundos que se cruzan: París, Berlín y la selva colombiana, tocando las temáticas de la informática con los hackers; la del aborto y la de la guerrilla colombiana. Por ahora estoy terminando el guión.

Otro film interesante es “Macondo” (2009) en el cual más allá de la historia de esa casa de Miguel Enrique Otero Silva, por la cual pasaron muchos de los personajes más importantes de la historia reciente de Venezuela y de América Latina, hablas también de la memoria. ¿Cómo nació la idea de este documental? Bueno, mi casa en Caracas colindaba con Macondo. En el 2008 voy a Venezuela de vacaciones y me encuentro con unos “bulldozers” que estaban demoliendo la casa. Vi cómo tumbaban los árboles, cómo botaban las cosas. Llamé a la alcaldía pero no respondieron. Entonces tomé mi cámara y filmé la demolición. Me sorprendió cómo a nadie le importaba esta casa que era la historia reciente de Venezuela, de la Venezuela intelectual. Ahí fue cuando decidí rodar este documental.

A partir del próximo número de “El Café Latino” tendrás tu propia columna fija, en la cual hablarás de tus diferentes viajes por el continente latinoamericano. Háblanos un poco de esta columna y cuál sería tu punto de vista. El nombre francés será “Regarde”: Mirada. Estos textos empiezan en general por un viaje. Como soy fotógrafa siempre ando con mi cámara registrando lo que veo. Luego viene la investigación. Me ha sucedido que cuando regreso de un viaje y ordeno las fotos descubro que los lugares que he visitado son casi siempre patrimonio mundial de la UNESCO. Estos viajes son en grandes espacios, en contacto con la naturaleza. Esta mirada será la que voy a proponerles a los lectores de “El Café Latino” a partir del próximo número.

Cenizas Eternas es también sobre la etnia Yanomami… “Cenizas Eternas” (2011), es un film de ficción, el cual tiene una inspiración en la investigación sobre los Yanomami basada en los libros de Lizot. En la producción de la película, los Yanomami trabajaron en la confección de los decorados, la utilería, el vestuario y como asesores lingüísticos de la película. El café latino

* Javier Leibiusky estudió Diseño de Imagen y Sonido en la Universidad de Buenos Aires. Actualmente es profesor de hebreo en el INALCO (Instituto Nacional de Lenguas y Culturas Orientales) en París. Colabora con El Café Latino desde septiembre del 2012. 16

l’Orénoque», j’ai fait la rencontre d’indigènes Vénézuéliens pour la première fois et cela a été un très grand choc. Quand j’ai terminé ce tournage j’ai décidé de faire une expédition tous les ans pour approfondir mes connaissances. Pour pouvoir entrer dans les communautés indigènes il faut avoir des contacts avec les missionnaires, les militaires, les indigènes et les anthropologues. J’ai commencé à m’intéresser beaucoup à la mythologie indigène et j’ai voulu écrire un livre qui comparait la mythologie grecque à celle des Yanomami, un peuple qui vit en Amazonie à la frontière entre la Vénézuela et le Brésil. Pour atteindre cet objectif, le passage obligatoire a été Jacques Lizot puisqu’il a été le premier anthropologue qui s’est intéressé aux Yanomami, a recueilli leurs mythes, a étudié leur langue et a créé leur abécédaire. C’est également lui qui a permis que les Ministères de l’Education du Vénézuela et du Brésil se mettent d’accord pour officialiser l’usage de cet abécédaire. Lizot et moi nous sommes liés d’une amitié forte. A cette époque il était de retour en France après presque 25 années passées avec les Yanomami. J’allais dans sa maison des Cévennes et y restais travailler pendant des jours. En 2005, le livre «Darkness in El Dorado « du Nord-Américain Patrick Tierney est publié. Il y parle des anthropologues qui ont étudié les Yanomami et emet des propos injuriants envers Lizot. Les Yanomami ont des relations sexuelles dès leur plus jeune âge. J’ai vu des mères enfanter à 12 ans. Il en résulte que les Yanomami ont une sexualité peu définie avant de décider de leur orientation sexuelle. Selon Patrick Tierney, Lizot aurait eu des relations sexuelles avec des jeunes et il le traite de pédophile. Mon documentaire a un peu été une réaction à ce livre ainsi qu’à un documentaire qui se préparait à la BBC.

“Cendres Éternelles” traite également de l’ethnie Yanomami … «Cendres Éternelles» (2011) est un film de fiction, inspiré de la recherche sur les Yanomami basée sur les livres de Lizot. Les Yanomami ont contribué à la production du film en travaillant sur la confection des décors, les accesoires, des costumes et comme conseillers linguistiques du film. Avec les acteurs, nous avons passé au préalable deux ans à travailler les mouvements du corps des Yanomami et l’apprentissage phonétique de leur langue. Pour le tournage ils se sont coupé les cheveux comme eux, ont joué nus pour les imiter. L’équipe technique et artistique était constituée de 175 personnes et nous nous sommes soutenus durant plus de deux mois pour le tournage, indépendamment de la préparation qui nous a pris à peu près six mois. …

Maintenant j’aimerais que tu nous parles un peu de ton prochain film. Le prochain film mêlera plusieurs univers. L’histoire se passe entre l’Europe et la forêt colombienne. Ce sont trois mondes qui se croisent : Paris, Berlin et la forêt colombienne, en touchant les thématiques de l’informatique avec les hackers; celle de l’avortement et celle de la guérilla colombienne. Pour l’instant je termine le scénario.

Un autre film intéressant est «Macondo» (2009) dans lequel, au-delà de l’histoire de cette maison de Miguel Enrique Otero Silva par laquelle sont passés plusieurs des personnages les plus importants de l’histoire récente du Vénézuela et de l’Amérique Latine, tu parles aussi de la mémoire. Comment l’idée de ce documentaire est-elle née ? Et bien, ma maison à Caracas était contiguë à Macondo. En 2008 je suis allée au Vénézuela en vacances et me suis retrouvée face à des «bulldozers» qui démolissent la maison. J’ai vu comment on faisait tomber les arbres, comment on jetait les choses. J’ai appelé la mairie mais ils n’ont pas répondu. Alors j’ai pris mon caméscope et j’ai filmé la démolition. J’étais surprise que personne ne se préoccupe de cette maison qui était l’histoire récente du Vénézuela; du Vénézuela intellectuel. C’est à ce moment là que j’ai décidé de tourner ce documentaire.

À partir du prochain numéro de «El Café Latino» tu auras ta propre colonne, dans laquelle tu parleras de tes différents voyages au travers du continent latino-américain. Parlenous un peu de cette colonne et quel sera ton point de vue. Le nom de la colonne en français sera «Regarde» : “Mirada”. Ces textes commencent en général par un voyage. Comme je suis photographe j’ai toujours mon appareil photographique avec moi, enregistrant ce que je vois. Ensuite vient la recherche. Je me suis rendu compte que quand je reviens d’un voyage et que je mets de l’ordre dans les photos, je découvre que les lieux que j’ai visités sont presque toujours patrimoine mondial de l’UNESCO. Ces voyages sont dans de grands espaces, en contact avec la nature. C’est ce regard que je vais proposer aux lecteurs de «El Café Latino» à partir du prochain numéro. * Javier Leibiusky a fait des études de Cinéma à l’Université de Buenos Aires. Il est actuellement professeur d’hébreu à l’INALCO (Institut National de Langues et de Cultures Orientales) à Paris. Il collabore avec “El Café Latino” depuis septembre 2012.

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par: Javier Leibiusky

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¿De quien hablamos?

De qui on parle?

Oscar Niemeyer

ablar del arquitecto Oscar Niemeyer es como llenar la “taza del modernismo” con los grandes de la arquitectura del siglo 20 junto a Frank Lloyd Wright, Mies van der Rohe, Le Corbusier y Alvar Aalto. Nace en Río de Janeiro en 1907 y vive 104 años. Más de 600 proyectos pasaron por sus manos inagotables de diseñador obsesivo y se dio el gusto de concebir la nueva ciudad capital de Brasil; Brasilia.

Para que hablemos del maestro invitamos a la mesa imaginaria de El Café a Luciana Saboia, doctora y profesora de la universidad de Brasilia. Mientras ella inhala con sus ojos la nube de aroma de nuestra bebida servida, nos trae a colación verbal su ensayo “Brasilia et Oscar Niemeyer: Le contexte politique et la dimension esthétique”, que publica en el 2009.

Pour parler du maître nous invitons Luciana Saboia à la table imaginaire de El Café. Elle est docteur et professeur de l’université de Brasília. Alors qu’elle « inhale des yeux » le nuage d’arôme de la boisson que nous lui avons servie, elle nous apporte l’essai qu’elle a publié en 2009 en guise de « collation verbale » : «Brasília et Oscar Niemeyer : le contexte politique et la dimension esthétique».

Oscar Niemeyer

immenses, symboliques du pouvoir démocratique ; le tout à l’intérieur d’une société hautement hiérarchisée comme la société brésilienne ? » Je regarde alors les collections d’images de ses édifices formants de nouveaux paysages qui soulignent ce qu’il reste de la jungle. Tous semblent avoir l’intention d’anticiper un avenir et de subir une métamorphose imprévisible au milieu du tropique immensément ouvert. Il y a réellement beaucoup d’inédit dans l’œuvre de Niemeyer. Il y a un talent qui ne craint pas l’épreuve du temps dans un pays en plein épanouissement.

arler de l’architecte Oscar Niemeyer revient à remplir la «tasse du modernisme» des grands noms de l’architecture du 20e siècle contenant déjà Frank Lloyd Wright, Mies van der Rohe, Le Corbusier et Alvar Aalto. Né à Río de Janeiro en 1907 il a vécu 104 ans. Plus de 600 projets sont passés entre ses mains inépuisables de dessinateur obsédé et il a même eu le plaisir de concevoir la nouvelle ville capitale du Brésil; Brasília.

Trasládate a Brasil a la década del 30 - me dice. Estamos en pleno Movimiento moderno conquistando el nuevo territorio de la gran nación. Son curiosas las coincidencias de café- Luciana se sonríePor aquellos años el alcalde de Belo Horizonte, Juscelino Kubitschek, llama al arquitecto Niemeyer para ampliar su Ciudad. Años más tarde, el mismo personaje es elegido presidente del Brasil y en esta ocasión le encarga junto con su mentor, Lucio Acosta una construcción más ambiciosa. Se trata de establecer una nueva capital para el Brasil. Es un proyecto polémico pero que se emprende con decisión. Debe llevarse a cabo en un plazo de tan solo cuatro años (1957 – 1960). La ciudad posee formas inéditas. Para algunos simula una gran ave y para otros un aeroplano funcionalista, moderno y atrevido posado en el límite de la selva amazónica.

entonces las imágenes coleccionadas de sus edificios en medio de nuevos paisajes como saldo de la selva y todos parecen tener la intención de anticipar un futuro y a sufrir una metamorfosis impredecible en medio del trópico inmensamente abierto. Realmente hay mucho de inédito en la obra de Niemeyer. Hay un talento que no le teme a la prueba del tiempo en un país por realizarse. Con la idea en nuestras cabezas de un momento importante del “devenir latino” de sus ciudades, nuestra invitada termina con las palabras que al final de agosto del año 1959, el ministro francés André Malraux pronunció durante una visita a Brasilia antes de su inauguración: (cita su ensayo)

Luciana se lleva a la boca, la taza caliente de café y ante ese acostumbrado reflejo que produce la sensación del calor próximo en el labio, prefiere detenerse repentinamente y como si supiera la respuesta me dirige una pregunta académica: ¿Cómo te explicas la habilidad de Niemeyer para conciliar su idea de arquitectura de curvas sensuales, generosas, suaves y femeninas hechas de concreto, con la concepción de espacios inmensos simbólicos del poder democrático, pero dentro de una sociedad altamente jerarquizada como la brasilera? Miro

“Casi todas las ciudades se han desarrollado por sí mismas, alrededor de un sitio privilegiado. Que la historia contemple hoy con nosotros la aparición de los primeros edificios de una ciudad hecha por la voluntad de un hombre y por la presencia de una nación” « Niemeyer ha obtenido a lo largo de su carrera aquello que Le Corbusier siempre quiso, sin lograrlo: los favores del Estado, sea este democrático o dictatorial. A Brasilia es imposible definirla, se determina en la dialéctica entre la base y la superestructura. Si la sociedad brasilera, y en consecuencia aquella de Brasilia, sigue siendo injusta y desigual, la visión no ortodoxa de la estética marxista demuestra que mientras Brasilia se revele como una obra de arte, accesible arquitectónicamente y urbanísticamente al gran público, ella sensibilizará la sociedad a la percepción de la estética de la belleza, denunciando de esta manera el abismo social. Esta es posiblemente la mayor contribución de Niemeyer a lo largo de su relación privilegiada con las estructuras del poder”.

Avec l’idée en tête d’un moment important du «devenir latin» de ses villes, notre invitée termine en indiquant qu’à la fin d’août 1959, le ministre français André Malraux a prononcé durant une visite à Brasília, avant son inauguration : (elle cite son essai) : “Presque toutes les villes se sont développées d’elles-mêmes, autour d’un lieu privilégié. Que l’histoire contemple aujourd’hui avec nous l’apparition des premiers bâtiments d’une ville faite par la volonté d’un homme et par la présence d’une Nation»

« Imagine toi au Brésil dans les années 30 » - me dit-elle. Nous sommes en plein Mouvement moderne qui conquit alors le nouveau territoire de la grande nation. « Les coïncidences de café sont curieuses » - Luciana dit-elle en souriant - Dans ces années là, le maire de Belo Horizonte, Juscelino Kubitschek, fait appel à l’architecte Niemeyer pour agrandir sa Ville. Des années plus tard, cette même personne est élue président du Brésil et, à cette occasion, il lui confie une construction plus ambitieuse aux côtés de son mentor, Lucio Acosta. Il s’agit d’établir une nouvelle capitale pour le Brésil. C’est un projet sujet à polémique mais qui est entrepris avec détermination. Il doit être réalisé dans un délai de quatre années seulement (1957 - 1960). La ville possède des formes inédites. Pour certains elle représente un grand oiseau et pour d’autres un avion fonctionnaliste, moderne et audacieux posé à la limite de la forêt amazonienne.

« Niemeyer a obtenu tout au long de sa carrière ce que Le Corbusier a toujours voulu, sans succès : les faveurs de l’État, qu’il soit démocratique ou dictatorial. Brasilia ne se définit pas comme « ceci » ou « cela », mais se détermine dans la dialectique entre la base et la superstructure. Si la société brésilienne et, par conséquent celle de Brasilia, continue à être injuste et inégalitaire, la vision non orthodoxe de l’esthétique marxiste montre que, dans la mesure où Brasilia se révèle comme une œuvre d’art, accessible architectoniquement et urbanistiquement au grand public, elle sensibilise la société à la perception de l’esthétique du beau, dénonçant ainsi l’abîme social. C’est peut-être là la plus grande contribution de Niemeyer tout au long de sa relation privilégiée avec les structures du pouvoir”.

Luciana approche la tasse de café chaud de sa bouche. Devant ce réflexe habituel produit par la sensation de chaleur sur les lèvres, elle préfère s’arrêter subitement et, comme si elle en avait la réponse, elle m’adresse alors une question académique: « Comment t’expliques-tu l’aptitude de Niemeyer à concilier son idée d’architecture aux courbes sensuelles, généreuses, douces et féminines et faites de concret, avec la conception d’espaces

Luciana termine le rendez-vous et reprend son texte sur la table. Nous terminons le café à l’unisson. « À ta santé ! », je lui dis « et au sens audacieux de la forme du maître ! ». Tomas Nieto. Architecte, Montreal Q.C. Brasilia

Luciana termina la cita y recoge su texto de la mesa. Terminamos el café al unísono. A tu salud le digo y al atrevido sentido de la forma del maestro. Tomas Nieto. Arquitecto, Montreal Q.C.

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Carta desde la selva Amazonica

Lettre depuis la jungle Amazonienne

Petites pensées d’une chanca:

Pequeñas reflexiones de una chanca:

A lo largo de mis encuentros, me fascina la cuestión de la identidad frente a esos cambios. Hoy, ¿qué es ser Shipibo? Muchos no entienden mi pregunta pero charlando ya me dan elementos de respuesta. Anoto muchas semejanzas, primero “Soy Shipibo, porque así es”, una cierta fatalidad. Pero después, me explican que nacieron acá, que la selva es su universo. Intuyo que por la selva se refieren al clima, al calor, la atmósfera que ha venido construyendo su carácter. Muchos me hablan también de su físico, se comparan a mí, enseñándome el color de su piel, la forma de su frente, su pelo, etc. Al final viene la lengua, el shipibo. Su lengua, la que usan a diario, la lengua de la familia, de la amistad y que constituye para casi todos un pilar de la identidad. Como lo expresó Wisley: “los que se van muchos años y regresan diciendo que ya no saben shipibo mienten, porque la lengua está en nosotros, nunca la podremos olvidar.” Esa es hoy, la fuerza de los Shipibos, su idioma. Por lo general no tienen vergüenza de hablarlo en público y lo transmiten a sus hijos a diferencia de los quechuas por ejemplo. De las costumbres tradicionales, muchos las conocen pero ya casi no las practican por comodidad, y porque quieren ganar dinero. Pero, lo que sí están perdiendo son los conocimientos de las danzas, de los cantos y de las plantas. La religión no es ajena a ese proceso porque muchas de las presentes en San Francisco, impiden bailar y rechazan el uso de plantas medicinales. Así religión y modernidad van chocando con la cultura tradicional shipibo. Lo positivo es que algunos empiezan a reflexionar y a definirse. Pensar su identidad nace frente a lo ajeno, frente al cambio. Y hoy frente a esas evoluciones, muchos jóvenes que han podido estudiar deciden quedarse en la ciudad por comodidad pero muchos también quieren movilizarse, encontrarse y actuar para su comunidad y su identidad.

es escribo desde un mirador, un segundo piso que me brinda una linda vista sobre la comunidad nativa shipibo de San Francisco, ubicada en la Amazonía peruana, departamento de Ucayali. Hace más de tres meses que vivo acá, trabajando para un proyecto de “Coeur de Forêt”.* Más allá del trabajo, poder estar presente un largo tiempo en un espacio que no es el nuestro, nos brinda una mejor comprensión del otro, en este caso del Shipibo. Aunque nunca seré, o mejor dicho nunca me considerarían como shipiba, de una cierta forma, nos volvemos uno de ellos. Porque comemos lo mismo, respiramos el mismo aire y compartimos lo cotidiano. Y en ese cotidiano podemos entender al otro y sin darnos cuenta también cambiamos nuestras propias costumbres. Cuando se acuesta el sol, empieza otro ritmo, el ritmo de la chanca, como me nombran acá. Me dicen chanca, palabra shipibo, porque me gusta la calle, andar afuera de la casa, sobre todo a la noche. Y es verdad, me gusta porque puedo conversar, encontrarme con jóvenes e intercambiar sobre nuestras costumbres. San Francisco está cambiando mucho, sobre todo desde la llegada de la electricidad hace unos diez años. Ya no se reúnen tanto las familias para compartir, prefiriendo la compañía de una televisión. La ciudad de Pucallpa está cerquita, a una hora de bote cuando es temporada de lluvia y media horita en temporada seca. Se infiltra cada vez más en la comunidad mediante la tecnología y el dinero. Por eso digo que escribo desde un mirador, porque puedo observar casi en directo la evolución de San Francisco y su desenvolvimiento con el exterior y la modernidad. Puedo observar cómo el dinero va cambiando sus costumbres, ya no intercambian productos como en otras comunidades. El Shipibo de San Francisco casi ya no cultiva para él sino para poder vender. Y si quiere vender tiene que producir lo que pide el mercado y ya no cultiva alimentos tradicionales para su familia. Va naciendo una cierta dependencia…

Flore Bourg * Coeur de Forêt es una asociación francesa que desarrolla proyectos de reforestación y transformación de productos del bosque. www.coeurdeforet.com facebook Association Cœur de Forêt

Pedro Amasifuen Valera: Eariki shipibo joni shama nokon axe onanax. Non axeriki kikin jakon jaweki noa menia non ani shinan. Eara shinan benoyamai nokon axekon. Eara yoyo ikai netetibi, nokon awinbetan itan nokon bakebobetan, en yoiai nokon axekan nokon bakebo. Pedro Amasifuen Valera testimonio / Soy shipibo, realmente shipibo porque conozco los conocimientos ancestrales. Nuestros conocimientos son ricos e importantes, nos dan mucha sabiduría. Yo no me olvido de mis conocimientos ancestrales. Porque hablo diariamente en idioma shipibo con mi señora y mis hijos, para orientarlos a través de mis conocimientos a mis hijos. Témoignage Pedro Amasifuen Valera Je suis shipibo, vraiment shipibo car je connais les connaissances ancestrales. Nos connaissances sont riches et importantes, elles nous apportent beaucoup de sagesse. Je n’oublie pas les savoirs traditionnels. Je discute tous les jours en langue shipibo avec ma femme et mes enfants, afin de les orienter grâce à mes connaissances.

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’écris depuis un mirador, un premier étage qui m’offre une belle vue sur la communauté native shipibo de San Francisco, située en Amazonie péruvienne, dans la région de l’ Ucayali. Je vis ici depuis maintenant trois mois, travaillant pour le projet de l’association Cœur de Forêt. Au-delà du projet, avoir la chance d’être présente pour une durée prolongée dans un espace différent de notre lieu d’origine, nous apporte une meilleure compréhension de l’autre, dans notre cas du Shipibo. Même si l’on ne sera jamais Shipibo ou plutôt jamais considéré comme shipibo, d’une certaine façon, nous devenons l’un d’entre eux. Et ce parce que nous mangeons la même chose, nous respirons le même air y nous partageons le quotidien. Et c’est dans ce quotidien que l’on peut comprendre l’autre et sans se rendre compte changer nos propres habitudes. Lorsque le soleil se couche, je débute un autre rythme, le rythme de la chanca comme ils me nomment ici. Ils m’appellent chanca, mot shipibo, parce que j’apprécie la rue, être en dehors de la maison. Et ils n’ont pas tort, j’aime pouvoir discuter, rencontrer des jeunes et échanger sur nos habitudes et nos coutumes. San Francisco change beaucoup, surtout depuis l’arrivée de l’électricité il y a environ dix ans. Les familles ne se réunissent plus autant, préférant la compagnie de la télévision. La ville de Pucallpa est proche, une heure de bateau en saison des pluies ou une petite demi-heure en saison sèche. Elle s’infiltre chaque fois plus au sein de la communauté via la technologie et l’argent. C’est aussi pour cela que je dis que j’écris depuis un mirador, parce que je peux observer presque en direct l’évolution de San Francisco et ses rapports avec l’extérieur et la modernité. Je peux observer comment l’argent modifie les coutumes, il n’y a plus de troc comme dans d’autres communautés shipibos. Le Shipibo de San Francisco ne cultive quasiment plus pour lui sinon pour pouvoir vendre. Et s’il veut vendre, il faut s’adapter au marché, la production alimentaire familiale disparaît donc. Il en découle une certaine dépendance… Tout au long de mes rencontres, la question de l’identité face à ces changements m’interpelle. Aujourd’hui que signifie être

Shipibo ? Quand je leur pose la question, beaucoup ne comprennent pas la question mais en dialoguant ils me donnent des éléments de réponse. Je remarque alors beaucoup de points communs, en premier lieu une certaine fatalité « Je suis Shipibo parce que c’est comme ça ». Puis, ils m’expliquent qu’ils sont nés ici, que la Selva est leur univers. Je perçois que par la Selva, ils se référent au climat, à la chaleur, à l’atmosphère qui a forgé leur caractère. Beaucoup m’évoquent aussi leur physique, se comparant à moi en me montrant la couleur de leur peau, la forme de leur front ou encore leurs cheveux. Enfin vient la langue, le Shipibo. Leur langue, celle qu’ils utilisent au quotidien, la langue de la famille, de l’amitié y qui constitue pour quasi tout le monde, un pilier de leur identité. Comme me l’exprime Wisley « ceux qui s’en vont pour plusieurs années et qui reviennent en disant qu’ils ne savent plus parler shipibo mentent, car la langue est en nous, on ne pourra jamais l’oublier. » Leur langue aujourd’hui à mon sens, la force des Shipibos. La plupart du temps ils n’ont pas de honte à la parler ailleurs et ils la transmettent à leurs enfants à la différence de nombreux Quechuas par exemple. Enfin, la plupart connaissent les coutumes mais peu les pratiquent encore par commodité et parce qu’ils veulent gagner de l’argent. Mais ce qui est entrain de se perdre ce sont les danses, les chants traditionnels et l’usage des plantes médicinales. La religion n’y est pas étrangère, la plupart des Eglises présentes à San Francisco interdisent la danse et condamnent l’utilisation des plantes médicinales. Ainsi, religion et modernité s’affrontent avec la culture traditionnelle Shipibo. Mais ce qui est positif c’est que certains commencent à réfléchir et à se définir. Car penser son identité naît face à l’étranger, face au changement. Et aujourd’hui face à ces évolutions, beaucoup de jeunes qui étudient souhaitent devenir citadins par commodité mais beaucoup souhaitent aussi de mobiliser, se réunir et agir pour leur communauté et leur identité. Flore Garcia Bour * Coeur de Forêt est une association française de reforestation et transformation des produits de la forêt www.coeurdeforet.com et Facebook « Association Cœur de Forêt) 23

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SECONDE PARTIE DE LA SPLENDEUR À L’EFFONDREMENT

La région de Patagonie, qui comprend la Cueva de las Manos inscrite au Patrimoine mondial de l’humanité par l’Unesco, est l’une des plus riches au monde en matière d’art rupestre, et illustre le rôle joué par les Conquistadores dans sa disparition.

Argentina: Un arte rupestre rico y variado pero difícil de preservar segunda PARTE Del esplendor al desmoronamiento

La región de Patagonia, en la cual se encuentra la Cueva de las Manos, declarada Patrimonio mundial de la humanidad por la UNESCO, es una de las regiones más ricas del mundo en arte rupestre e ilustra el rol que tuvieron los conquistadores en su desaparición. El café latino

n Patagonia, esta inmensa región desértica delimitada por el Río Colorado al norte, el Estrecho de Magallanes al sur, la Cordillera de los Andes al oeste y el océano Atlántico al este, las tribus de cazadores y recolectores – cuya subsistencia dependía en mayor medida de la caza de guanacos – han expresado todo su talento pictórico. Las más antiguas manifestaciones artísticas en Patagonia tuvieron como escenario las orillas del Río Pinturas, donde el investigador argentino Carlos Gradin describe en sus trabajos, iniciados en los años 70, una secuencia estilística iniciada hace unos 9300 años. Entre las pinturas más destacadas encontramos cientos de representaciones polícromas de guanacos y de manos, positivas y negativas, realizadas en la Cueva de las Manos, un sitio declarado Patrimonio Mundial de la UNESCO en 1999. El sitio rupestre, hallado por primera vez en 1876 por el científico y explorador argentino Francisco P. Moreno, impresiona particularmente por la fuerte relación que existe entre los animales representados y el medio ambiente actual. No resulta extraño ver a proximidad de la cueva una tropilla de guanacos, idénticos a aquellos dibujados sobre las paredes de la cueva. La riqueza del arte rupestre de La Pampa y la Patagonia va

n Patagonie, cette immense région désertique délimitée au nord par le Rio Colorado, au sud par le détroit de Magellan, à l’ouest par la Cordillère des Andes et à l’est par l’océan Atlantique, des tribus de chasseurs-cueilleurs, dont la subsistance était en grande partie assurée par la chasse du “guanaco”, un camélidé sauvage proche du lama, ont exprimé toute la mesure de leur talent pictural. Les plus anciennes manifestations artistiques de Patagonie ont pour cadre les rives du Rio Pinturas, où le chercheur argentin Carlos Gradin décrit, au cours de ses travaux initiés à partir des années 1970, une séquence stylistique initiée il y a 9300 ans. Parmi les peintures les plus remarquables réalisées par ces chasseurs-collecteurs, figurent bien-sûr les centaines de représentations polychromes de guanacos et de mains, positives et négatives, réalisées dans la Cueva de las Manos, un site inscrit à la liste du patrimoine mondial de l’Unesco en 1999. Le site rupestre, signalé pour la première fois en 1876 par le scientifique et explorateur argentin Francisco P. Moreno impressionne particulièrement par la relation puissante qu’il existe entre les animaux représentés, et l’environnement actuel. Il n’est en effet pas rare de voir se déplacer, à proximité de la cueva, un troupeau de guanacos, semblables à ceux représentés sur la paroi. La richesse de l’art rupestre de Pampa et Patagonie dépasse de loin la seule zone de la Cueva de las Manos. Au total, les archéologues estiment que cette vaste région recèle environ un millier de sites d’art rupestre, dont certains comptent plusieurs centaines de figures. Parmi les gisements les plus riches figurent Chos Malal, Lihue Calel, les sites de la Comarca Andina du parrallèle 42, Piedra Parada, les sites du

río Pinturas, et Cerro de los Indios, entre autres (voir carte). Cet art a été réalisé, de plus, durant une très longue période, près de 10.000 ans. Il ne disparaît en effet qu’avec l’irruption des conquistadores espagnols dans la région, au XVIe siècle, qui entrent alors en contact violemment aves les tribus tehuelches disséminées sur le vaste territoire. En Patagonie comme dans d’autres régions artistiques de l’Argentine, l’arrivée des Conquistadores marque en effet une rupture, ou une disparition de l’art. Ainsi, la figure du cheval, inconnue jusqu’alors dans l’art rupestre argentin, fait ainsi irruption dans l’art indigène. Certains panneaux représentent des affrontements entre guerriers munis d’arcs et de flèches et envahisseurs montés à cheval, comme sur le site de “Pintados de Sapagua” dans le nord-est de l’Argentine, attestant des tensions et des conflits engendrés par ce choc de civilisations. La pratique de l’art rupestre et des rites qui lui étaient associés, de par leur caractère fondamentalement païen, ont certainement été interdits par les Espagnols. En attestent par exemple les nombreuses croix catholiques recouvrant des panneaux rupestres réalisés par les populations indigènes. C’est le cas sur le site de El Toro, ou à Laguna Colorada, deux gisements rupestres situés dans la province de Jujuy. La réalisation de la peinture et de la gravure pariétale tend alors à disparaître, sous le double effet de ces interdictions et de la disparition des modèles sociaux qui sous-tendaient les pratiques rituelles associés à l’art. Si l’art pariétal n’est plus pratiqué, l’importance symbolique associée aux panneaux rupestres reste vivace, comme en attestent des cérémonies réalisées par les 25

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arte rupestre, cada uno conteniendo entre 5 y 50 sitios, cubriendo ocho provincias argentinas que presentan la mayor riqueza en términos de arte rupestre: Salta, Jujuy, La Rioja, San Juan, La Pampa, Río Negro, Chubut y Santa Cruz. Los objetivos de DOPRARA son, entre otros, producir conocimientos sobre el arte rupestre, censar los factores, de origen antrópico o natural, responsables de la deterioración de los sitios rupestres, y la puesta en marcha de medidas de protección en el marco de la inserción de dichos sitios en los circuitos de turismo cultural, hecho que permite también difundir la información al público. De manera local, la aplicación de estas medidas necesita del apoyo y la colaboración por parte de las autoridades provinciales así como también de la población local. Pero estas últimas pueden verse tentadas, a causa de las grandes dificultades económicas, a aprovechar el flujo de turistas transportados por las agencias de turismo que prestan poca atención a la protección del arte. Para asegurar la adhesión de la población y convencer a la gente acerca de la viabilidad económica de estos planes de gestión y protección, las autoridades reclutan guías locales, que sirven también de guardianes, formados por los arqueólogos del INAPL para que conozcan los sitios y puedan transmitir la información acerca del arte. Los planes de gestión y protección incluyen también carteles, panfletos y reproducciones de las figuras principales, que son distribuidos a los visitantes y les permiten visualizar correctamente figuras que a veces son difíciles de hallar para el ojo no entrenado. En el sitio de Cerro Cuevas Pintadas, un plan de esta índole está actualmente en vigor, luego de una lamentable degradación que tuvo como víctima al “suri”. Esta es una buena noticia. Pero hacen falta más noticias como esta para que la Argentina pueda conservar el inestimable patrimonio cultural que le han legado sus antiguos habitantes.

mucho más allá de la zona de la cueva. En total, los arqueólogos estiman que esta vasta región contiene alrededor de mil sitios de arte rupestre, muchos de ellos conteniendo cientos de figuras. Entre los sitios más ricos figuran los de Chos Malal, Lihue Calel, los sitios de la Comarca Andina del paralelo 42, Piedra Parada, los sitios de Río Pinturas y el Cerro de los Indios, entre otros. Este arte ha sido realizado a lo largo de un período muy extenso de casi 10.000 años. Desaparece con la irrupción de los conquistadores españoles en la región, durante el siglo 16, quienes entran en contacto violento con las tribus tehuelches diseminadas por este vasto territorio. En Patagonia, así como en otras regiones artísticas de la Argentina, la llegada de los conquistadores marca una ruptura o la desaparición total del arte. De la misma manera, la figura del caballo, desconocido hasta ese entonces en el arte rupestre argentino, aparece en el arte indígena. Algunas imágenes representan los enfrentamientos entre guerreros armados de arcos y flechas y los invasores montados a caballo, como es en el caso del sitio “Pintados de Sapagua” en el noroeste argentino, donde se evidencian las tensiones y conflictos engendrados por este choque de civilizaciones. La práctica del arte rupestre y los rituales asociados, por su carácter pagano, han sido seguramente prohibidos por los españoles. Una prueba de esto último pueden ser las numerosas cruces católicas que recubren las pinturas rupestres realizadas por los pueblos indígenas, como es el caso del sitio El Toro o de Laguna Colorada, dos sitios rupestres situados en la provincia de Jujuy. La realización de la pintura y los grabados parietales tienden a desaparecer, a causa del doble efecto de estas prohibiciones y la desaparición de los modelos sociales que inducían a las prácticas rituales asociadas al arte. Si bien el arte parietal había dejado de ser practicado, la importancia simbólica asociada a las pinturas rupestres se mantenía viva, como lo atestan las ceremonias realizadas por las comunidades indígenas en el noroeste argentino o en Bolivia, aún en nuestros días. Durante estas ceremonias, llevadas a cabo en honor a la Madre Tierra, la Pachamama, los participantes traen ofrendas, en forma de coronas de flores o animales sacrificados, a las pinturas o los grabados, como es el caso por ejemplo en el sitio de San Antonio del Cajón, en la provincia de Jujuy.

Pedro Lima Acerca del autor: Pedro Lima es periodista científico. Colabora con varias revistas francesas e internacionales. Es autor del libro “Las metamorfosis de Lascaux”, editado por www.synops-editions.fr. La primera versión de este artículo ha sido publicada en la revista INORA. E-mail : pedrolima68@yahoo.fr

El autor quisiera agradecer a Diana Rolando, arqueóloga y directora del Instituto Nacional de Antropología y Pensamiento Latinoamericano y a María Mercedes Podestá, arqueóloga especialista en el estudio del arte rupestre del Instituto Nacional de Antropología y Pensamiento Latinoamericano, por la ayuda que han brindado en la realización del presente artículo.

Frente a un arte tan rico, desparramado en un territorio tan vasto a la vista de todos, la tarea de preservación y protección resulta particularmente compleja. Esta misión se lleva a cabo en el marco de un plan nacional llamado “Documentación y preservación del arte rupestre argentino” (DOPRARA), iniciado en 1995 por el Instituto Nacional de Antropología y Pensamiento Latinoamericano. El plan concierne actualmente diez áreas de

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communautés indigènes du nord-est de l’Argentine ou de la proche Bolivie, encore vivaces de nos jours. Au cours de ces cérémonies, conduites en l’honneur de la Déesse-mère, ou “Pachamama”, des villageois déposent des offrandes, sous forme de couronnes de fleurs ou d’animaux sacrifiés, au pied de panneaux peints ou gravés, comme cela a par exemple été rapporté sur le site de San Antonio del Cajòn, dans la province de Jujuy. Face à un art d’une telle richesse, éparpillé dans de vastes territoires et offert à la vue de tous, la mission de préservation et de protection s’avère particulièrement complexe. Cette mission se déroule dans le cadre d’un plan national intitulé “Documentation et préservation de l’art rupestre argentin” (DOPRARA), conduit depuis 1995 sous l’égide de l’Instituto Nacional de Antropologia y Pensamiento Latinoamericano. Le plan concerne actuellement dix aires d’art rupestre, représentant chacune entre 5 et 50 sites chacune, et couvrant les huit provinces argentine présentant la plus grande richesse en terme d’art rupestre : Salta, Jujuy, La Rioja, San Juan, La Pampa, Río Negro, Chubut et Santa Cruz. Les objectifs du DOPRARA sont, entre autres, la production de connaissances sur l’art rupestre, le recensement des facteurs, d’origine anthropique ou naturelle, responsables de la détérioration des sites rupestres, et la mise en place de mesures de protection dans le cadre de l’insertion des sites à des circuits de tourisme culturel, permettant également la diffusion de l’information vers le public. Localement, l’application de ces mesures nécessite le soutien et la collaboration, d’une part des autorités provinciales, et d’autre part des populations locales. Or, celles-ci peuvent être tentées, dans un contexte de grandes difficultés économiques, par la manne que représente un afflux de touristes transportés par des agences de voyage peu regardantes sur la protection de l’art. Pour s’assurer de l’adhésion des populations, et les convaincre de la viabilité économique de tels plans de gestion et de protection, les autorités recrutent les guides localement. Faisant également office de gardiens, ces derniers sont formés par les archéologues de l’INAPL à la connaissance des sites, et à la transmission des informations sur l’art. Les plans de gestion et de protection font également appel à des panneaux, des brochures informatives et des reproductions sur papier des principales figures, distribuées aux visiteurs et permettant de visualiser correctement des figures parfois peu visibles à l’œil nu. Sur le site de “Cerro Cuevas Pintadas”, un tel plan est actuellement en vigueur, suite à la regrettable dégradation dont a été

victime le “suri”. Cette nouvelle constitue un pas dans la bonne direction. Il en appelle de nombreux autres, afin que l’Argentine préserve l’inestimable patrimoine culturel que lui ont légué ses plus anciens habitants. Pedro Lima Informations sur l’auteur: Pedro Lima est journaliste scientifique, il collabore avec de nombreuses revues françaises et internationales. Il est l’auteur de l’ouvrage « Les métamorphoses de Lascaux », édité par www.synops-editions.fr. La première version de cet article a été publié dans la revue INORA . E-mail : pedrolima68@yahoo.fr

L’auteur tient à remercier Diana Rolandi, archéologue et directrice de l’Instituto Nacional de Antropología y Pensamiento Latinoamericano et María Mercedes Podestá, archéologue spécialisée dans l’étude de l’art rupestre à l’Instituto Nacional de Antropologia y Pensamiento Latinoamericano, pour l’aide précieuse apportée à la réalisation de cet article.

photos par : Javier Leibiusky

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TEATRO

Meurt l’ artiste DAVID

BARAHONA Y BARAHONA un 29 mars 2013 à París.

Muere el artista DAVID BARAHONA Y BARAHONA un 29 de marzo de 2013 en París.

avid Barahona y Barahona nació en Guatemala. A lo largo de su existencia se dedicó a combatir el tedio. Ese mal que acompaña a todos los seres humanos en algún momento de su vida. David pensaba que vivimos en una comedia en la que los personajes tenemos nuestro propio rol. “Todo ser humano es un artista” decía. David prestaba su atención y su tiempo a todo ser humano con el que entraba en contacto. Todos tenían derecho de participar en su mundo imaginario. Luego de analizar el potencial de cada quién, le asignaba un personaje. En un momento clave de su trabajo creativo, David se aplicó a resolver la temeraria tarea de incluir al público como personaje. Pero el público no podría verse y tener un rol al mismo tiempo. Esta duda lo invadió durante la vigilia y hasta en sus sueños. A veces encontraba un momento de paz en medio de la ebriedad que le causaban esos ires y venires. Trató de fijar esos instantes definitivamente, pero al despertar se encontraba de nuevo con el gran desafío. Lo aceptó de todos modos, metiendo todas sus energías para resolverlo. Pero los de Xibalbá* estaban allí. Se decía que habían estado en torno de la familia cuando su hermano Elías los denunció desde el exilio en Panamá. Elías era jefe de relaciones públicas del ministerio de gobernación de una de las más crueles administraciones terroristas de la historia del país. David tomó medidas. Salió con precipitación caminando por las peligrosas calles de la ciudad. Caminó días enteros durmiendo donde le caía la noche, la fatiga y el sueño. Atravesó campos, arideces, aldeas y soledades. Espantó a patadas unos chuchos que casi se lo devoran. Un par de semanas después, había llegado a Nicaragua. En el camino, lleno de cansancio pero llevando con sigo la solidaridad de los que le habían dado sustento en su travesía, oyó las imprecaciones de una voz amiga. Era el mago del circo donde David trabajaba como payaso y trapecista en el ya lejano Guatemala. El mago Chen K 1 , que también se había exilado y no era chino ni rubio y ni siquiera fumaba, pero se adaptaba a todos los terrenos donde risa no hay.

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Risa de alegría de la vida y no de burla como la de los de Xibalbá. David encontró la mano amiga y pudo saciar hambre y sed hasta que de viaje en viaje aterrizó en París. El trabajo creativo de David queda en el recuerdo de los que lo conocieron y de los que oyeron hablar de él. Es el caso de la aventura del león del circo. Para impedir que su humillación se convirtiera en espectáculo e indignado por la condiciones inhumanas en que vivía una de las estrellas del elenco con que trabajaba, se puso en contacto con la Sociedad Protectora de Animales de Guatemala. Esa intervención permitió que la autoridad requisara al felino y la causa fue ganada. David fue a esperar al felino cuando lo liberaron. Al verlo salir de su pestilente y estrecha jaula David se puso muy alegre. Un sentimiento similar al de un amigo que espera a un prisionero político de uno de esos sombríos lugares que usaba la represión en nuestro país. Pero el león no era de peluche. Tampoco estaba al tanto de los trámites realizados y menos de sus derechos y la bestia casi lo mata con una garra cuando David intentó abrazarlo. El accidente fue evitado gracias al oportuno latigazo del domador. Todos fueron para David los mejores intérpretes de sus roles en la vida. Sin saber por quién ni por qué, nadie olvida el sentimiento de haber sido observado en un abrir y cerrar de ojos con compasión. Los que vivieron esa experiencia ni se dieron cuenta que fueron actores de una obra monumental que no se proyectará nunca más. Espectador y autor de un entremés que se realizó en su campo visual, auditivo y sensorial. Las cortinas de esa escena se han cerrado para siempre el 29 de marzo de 2013 en un hospital de París. Volvamos entonces a la interpretación de nuestras propias vidas. Los de Xibalbá, afuera rondando están. Renato Barrios, médico guatemalteco. Paris * Xibalbá en el Popol Vuh, libro sagrado de los mayas, es el reino subterráneo que puede ser domesticado por el conocimiento de la agricultura.

avid Barahona y Barahona est né au Guatemala. Tout au long de son existence il s’est occupé à combattre l’ennui. Ce mal accompagne tous les êtres humains dans un moment donné de leur vie. David pensait que nous vivons une comédie où les personnages jouent leur propre rôle. Chaque être humain est un artiste, disait-il. David accordait son attention et tout son temps à chaque être humain avec qui il entrait en contact. Tous avaient le droit de participer à son monde imaginaire. Après avoir analysé le potentiel de chaque personne, il lui accordait un personnage. Dans un moment clé de son travail de création, David s’est appliqué à résoudre la tâche audace d’inclure le public dans sa création. Mais le public ne pouvait pas voir et avoir un rôle en même temps. Cette doute l’a envahi pendant la veille jusqu’au sommeil. Parfois, il trouvait un moment de paix au milieu de l’ivresse de ces allées et venues. Il a essayé de fixer définitivement ces instants, mais quand il se réveilla, il se retrouvait à nouveau avec le grand défi. Néanmoins, il a accepté de mettre toutes ses énergies à le résoudre. Mais ceux de Xibalba* était bien là. On dit qu’ils avaient tourné autour de sa famille lorsque son frère Elie les avait dénoncés lorsqu’il s’est exilé au Panama. Elie était le chef de relations publiques du ministère de l’intérieur d’une des plus cruelles administrations terroristes de l’histoire du pays. David a pris des mesures. Il est sortit à la hâte en marchant par les dangereuses rues de la ville. Il a continué à marcher pendant des jours. Il se couchait là où il était rattrapé par la nuit, la fatigue et le sommeil. Il a traversé des champs, l’aridité, des villages et la solitude. Il a du épouvanter à coups de pied des chiens qui auraient pu le dévorer. Quelques semaines plus tard, il était arrivé au Nicaragua. Sur le chemin, plein de fatigue mais portant toujours la solidarité de ceux qui l’avait aidé pendant son voyage, il a entendu les appels d’une voix amie. C’était le magicien du cirque où David travaillait comme clown et trapéziste dans la désormais lointain Guatemala. Le magicien Chen K (note de bas de page 2) qui avait également été exilé n’était ni chinois ni blond et il ne fumait même pas, mais il s’adaptait à tous les environnements où il n’y a pas des rires. Rires de joie de vivre et non de moquerie comme celle de ceux de Xibalba. David a trouvé une main tendue et il a pu étancher sa faim et sa soif jusqu’à ce que de voyage en voyage il est débarqué à Paris. L’œuvre créatrice de David reste dans la mémoire de ceux qui l’ont connu et de

ceux qui ont entendu parler de lui. C’est le cas de l’aventure du lion du cirque. Pour éviter que l’humiliation devienne un spectacle et indigné par les conditions de vie inhumaines des stars du cirque où David travaillait, il est entré en contact avec la société protectrice de animaux du Guatemala. Cette intervention a permis à l’autorité de faire la réquisition du lion et la cause a été gagnée. David est allé attendre le félin à sa libération. En le voyant sortir de sa cage sale et étroite David a été très content. Un sentiment semblable à celui de l’ami qui attend la sortie d’un détenu politique d’un de ces endroits sombres qui ont été utilisés par la répression de notre pays. Mais le lion n’était pas un nounours. Il n’était pas au courant des mesures prises et moins de ses droits et la bête l’a presque tué avec une griffe quand David a essayé de l’embrasser. L’accident a été évité grâce au fouet opportun du dompteur. Tout le monde était pour David le meilleur interprète du rôle que chacun a dans la vie. Sans savoir grâce à qui ou pourquoi, personne n’oublie le sentiment d’être observé pendant un clin d’œil avec compassion. Ceux qui ont vécu cette expérience n’ont pas réalisé qu’ils étaient les acteurs d’une œuvre monumentale qui ne sera jamais projetée. Spectateur et auteur d’un divertissement qui a été joué dans son champ de vision, son ouïe et ses sens. Les rideaux de cette scène se sont fermés à jamais le 29 mars 2013 dans un hôpital à Paris. Revenons à l’interprétation de nos propres vies. Les Seigneurs de Xibalba, continuent à tourner aux alentours. Renato Barrios, Médecin guatémaltèque. Paris.

* Xibalbá pour le Popol Vuh, livre sacré des mayas, est le royame souterrain qui peut être domestiqué grâce au savoir faire de l’agriculture *Une chenca est au Guatemala une clope.

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Patrimoine oral et immatériel l’humanité

La Samba de Roda de Recôncavo de Bahía La Samba de Roda de Recôncavo de Bahía

La Samba de Roda est un événement festif mêlant musique, chorégraphie et poésie. Apparue dans l’Etat de Bahai, plus particulièrement dans la région de Recôncavo, au XVIIème siècle, elle procède des danses et traditions culturelles des esclaves africains de la région. Le rythme, les instruments à percussions et la chorégraphie ont ensuite intégré des éléments de la culture lusitanienne, notamment la langue et quelques-unes de ses formes poétiques, ainsi que des instruments de musique. Cette musique a constitué un moyen d’émancipation pour les classes défavorisées qui cherchaient à affirmer leur identité. Elle est devenue une composante majeure de la culture populaire régionale des Brésiliens d’origine africaine. Par l’intermédiaire des migrants partis à Rio de Janeiro, la Samba de Roda a influencé l’évolution de la samba urbaine, devenue au XXe siècle le principal marqueur de l’identité nationale brésilienne. L’une des principales caractéristiques de cette samba est que les participants se regroupent en cercle, le mot « roda » faisant d’ailleurs référence à un cercle. Elle rassemble les gens à différentes occasions - célébration de fêtes populaires catholiques ou des cultes amérindiens et afro-brésiliens - mais aussi de façon spontanée. Toutes les personnes présentes, même les novices, sont instamment invitées à se joindre à la ronde, l’observation et l’imitation constituant le moyen privilégié d’apprentissage. Généralement, seules les femmes dansent l’une après l’autre à l’intérieur du cercle frappant des mains et exécutant un mouvement discret. La chorégraphie, souvent improvisée, est fondée sur des mouvements des pieds, des jambes et des hanches. L’une des plus typiques est la fameuse umbigada d’influence bantou, signe par lequel la personne qui danse désigne son successeur au centre de la ronde. Des pas spécifiques comme le miudinho, l’emploi de la viola machete – petit luth à cordes pincées d’origine portugaise et d’instruments à racler, des chants strophiques et syllabiques, souvent courts et répétitifs, contribuent également à distinguer cette samba populaire. La Samba de Roda a été considérablement fragilisée au cours du XXe siècle. Le déclin économique et la paupérisation de la région ont provoqué l’exode des populations vers le sud du pays. L’influence des mass-média et la concurrence des musiques populaires contemporaines contribuent à dévaloriser cette tradition auprès des jeunes. Le vieillissement des praticiens et l’interruption de la transmission de la tradition et du savoir-faire liés à la fabrication des instruments de musique aggravent la situation.

La Samba de Roda es un acontecimiento popular festivo que combina música, baile y poesía. Apareció en el siglo XVII en el Estado de Bahía, cerca de Recôncavo y procede de los bailes y tradiciones culturales de los esclavos africanos de la región. También contiene elementos de la cultura portuguesa como la lengua, la poesía y algunos instrumentos musicales. Aunque empezó siendo un componente principal de la cultura regional popular entre los brasileños de origen africano, la Samba de Roda fue luego adoptada por los migrantes procedentes de Río de Janeiro e influenció la evolución de la samba urbana, que se convirtió en el símbolo de la identidad nacional brasileña en el siglo XX. Este baile congrega a la gente en ocasiones específicas, como las fiestas católicas populares o los cultos afro- brasileños, pero también surge a veces de forma espontánea. Todos los presentes, incluyendo a los principiantes, son invitados a participar en el baile y a aprender a través de la observación y la imitación. Una de las características de esta samba es que los participantes se reúnen en círculo llamado roda. Generalmente, sólo bailan las mujeres. Una por una, se van situando en el centro del círculo formado por los otros bailarines, que cantan y baten palmas a su alrededor. Esta coreografía a menudo es improvisada y se basa en los movimientos de los pies, las piernas y las caderas. Uno de los movimientos más característicos es la famosa umbigada (movimiento de ombligo), de origen bantú, movimiento por el cual la bailarina invita a la que va a sucederla en el centro del círculo. Hay otros rasgos específicos, como el paso de baile llamado miudinho, la utilización de instrumentos raspados y de la viola machete, un laúd pequeño con cuerdas punteadas. La influencia de los mass media y la competencia de la música popular contemporánea han contribuido a devaluar esta

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EL CAFÉ CULTURAL por Patricia Bustamante Ciné

Eventos culturales y conciertos JUNIO

PANORAMA DEL CINE COLOMBIANO DEL 5 al 11 de Junio

El cine la clef (parís 5) y la asociación “EL PERRO QUE LADRA” con el apoyo de Cine Sud Promotion, organizan el “Primer Festival en Francia, exclusivamente consagrado al cine colombiano reciente” Durante una semana, este panorama propondrá una programación de películas de todos los formatos, géneros y producciones. Este evento es la ocasión ideal para descubrir el cine colombiano y sumergirse en sus producciones contemporáneas. http://elperroqueladra.free.fr/

FILMS LATINOS EN EL FESTIVAL DE CANNES 2013 “LA JAULA DE ORO” México, España Drama detrás de aquellos centroamericanos y mexicanos que parten en busca de trabajo a Estados Unidos. La historia que descubrió Quemada-Diez fue retratada en «La jaula de oro», cinta que compite en la sección Un Certain Regard (Una Cierta Mirada) de la 66ª edición del Festival de Cine de Cannes. “ Wakolda” La directora LUCIA PUENZO contó que la historia tiene puntos de contacto con la realidad, en especial con la historia de Josef Mengele, el siniestro médico nazi y que se supone vivió un largo período en Bariloche antes de emigrar a Paraguay y luego a Brasil, donde finalmente murió el 7 de febrero de 1979, a los 77 años. “HELI DE AMAT ESCALANTE” Heli es la historia de un joven de 24 años que vive en un pueblo del Bajío, en el centro de México. La hermana menor de Heli meterá a toda la familia en problemas muy grandes, al enamorarse de un policía implicado en problemas de droga.

Los libros del mes La editorial francesa Ediciones AEL publica el libro del fotógrafo e investigador colombiano Iván Segura Lara. Biblioteques de parisUn trabajo que reúne la historia de las bibliotecas de parís, documentación, fotografía y ensayo literario, desde la fértil imaginación de Borges y sus bibliotecas fantásticas, pasando por un exhaustivo inventario fotográfico de las bibliotecas de París hasta un estudio sobre la evolución de la biblioteca a partir del modelo parisino.

Conferences / Conferencias Miercoles 12 de Junio a 19H- L’HISTOIRE DU PÉROU À TRAVERS SES FEMMES ÉCRIVAINES. Maison de l’Amérique Latine (217 boulevard Saint-Germain, 75007 Paris. En esta charla la invitada hablará de las autoras mujeres, que por su escritura, nos han revelado el hecho de conocer episodios de la historia del Perú, Clorinda Matta de Turner, Mercedes Cabello de Carbonero entre otras. Encuentro con Luisa Ballesteros, maestra de conferencias de Civilización de América latina de la Universidad de Cergy Pontoise. Evento Propuesto por CECUPE (Centre Culturel Péruvien) El café latino

2 MUSEO DE QUAI BRANLY rindiendo homenaje a la semana de America latina y el Caribe organizada por el grupo de países de America Latina y el Caribe para las Naciones Unidas (GRULAC) , presenta una programación que nos invita a descubrir las culturas, producciones artísticas latinoamericanas.Conciertos, talleres de iniciación a la danza y la música tradicional, visitas contadas, reencuentros con artistas, escritores, antropólogos, así como cine, videos, degustación culinaria, para resaltar la cultura latina representada por una veintena de países. http://www.quaibranly.fr/fr/programmation/les-fetes-et-evenements.html

KARUMANTA TRIO Lanzamiento oficial de su sencillo, 65 rue du Moulin 27430 ANDE 80 kM de Paris, en un molino de 8 siglos, sobre el sena. Cena y concierto 45€. Posibilidad de alojamiento. Reserva: 0232599098

4 KARUMANTA TRIO RESTAURANTE EL CAMINO 16 rue Guillaume BertrandParis XI, M) Saint Maur Cena a partir de 19h30, concierto 21h en la cave del resto. « PERCUSSION DU MONDE »Mirtha Pozzi & Pablo Cueco « L’angora » 3 Bd Richard Lenoir (Angle Amelot) M. Bastille -Reservation pcueco@free.fr

1 5 Y 2 1 GRAN CONCURSO DE SALSA EN PARIS Inscripciones abiertas hasta el 30 de junio Categorías niños, jóvenes, adultos. Grandes premios para los participantes y los ganadores. Semifinal 30 de Junio BOIS DE VINCENNES Metro Château de Vincennes Línea 1. 13h a 20h Info : 0753191250/ 0652836001 Espace_culturel_colombie@yahoo.com 1 5 Y 2 9 CONCIERTO SOLIDARIO POR LAS MISIONES IDENTES En Perú y Bolivia 15 de JUNIO CATEDRAL DE VERSALLES 4 Place St Louis/ 29 DE JUNIO St PIERRE DE MONTMARTRE, 2 rue du Mont Cenis, paris Con la participación del grupo folclórico de los andes, “SAMINCHAY” y el coro de los misioneros identes, interpretando aires de América latina y los poemas de Fernando Rielo. Fiesta de la Música. El 21 de junio, aproveche los conciertos gratuitos en todos los lugares públicos, las calles, plazas, jardines… El verano comenzará con música en París y en el resto de Francia. La primera Fiesta de la Música (Fête de la Musique) nació en 1982 y fue creada por el Ministerio francés de Cultura y Comunicación. Este acontecimiento, abierto a todos los músicos aficionados, se ha convertido en la cita musical más grande del año en Francia. En los cinco continentes, numerosos países celebran también esta fiesta gratuita.www.paris.fr/www.fetedelamusique.culture.fr

1 7 A L 3 0 «MACONDIANDO II»17 al 30 de junio 2013 11h a 19h El ESPACE ALIES GUINARD con la colaboración de a ALCALDÍA de CHATILLON presenta MACONDIANDO II. Una colectiva de 12 artistas de la Costa Caribe colombiana; ESPACE MAISON BLANCHE 2, avenue Saint-Exupéry 92320 Châtillon Métro : Terminus ligne 13 (Châtillon-Montrouge) Renseignements au 06 63 81 50 34 www.espace.aliesguinard.com EL CARNAVAL TROPICAL DE PARIS Llega para su 12 edición, el en las calles del 11 arrondissement, de parís. No falten a esta cita festiva que es una verdadera invitación a viajar. http://lecarnavaltropicaldeparis.fr

2 8 A L 3 0 SOLIDAYS. El festival solidays es una manifestación de lucha contra el SIDA, organizado por SOLIDARIDAD SIDA, que tiene lugar cada año en el hipódromo de Longchamp y reúne más de 150 artistas y hasta 160.000 fstivaleros, durante 3 días. Los beneficios del festival son invertidos en las asociaciones de lucha contra el sida, y programas de prevención y ayuda de urgencia a los enfermos. Los artistas que intervienen en SOLIDAYS se presentan benéficamente por solidaridad. Este año en las tarimas de SOLIDAYS estarán entre otros, CHE SUDAKA, M-MOJO PARTY , ALBROSIE, RAGGASONIC, ZOUFRIS MARAVAS, MAX ROMEO, DAVID GUETTA…http://www.solidays.org

DIA DE LA INDEPENDENCIA ARGENTINA: COLOMBIA: PERU: 32

9 DE JULIO Eventos organizados por diferentes 20 DE JULIO asociaciones culturales de cada 28 DE JULIO país, sus embajadas y consulados. 33

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