Punto focal de estudios fotográficos by Yoly González

ISBN 84-8016-059-4 Diseño y Diagramación Yolianny González Asesora y Coautoría Ninoska Torres PRIMERA EDICIÓN Copyright Está obra no puede ser reproducida, total o parcialmente, sin autorización escrita del autor. Impreso en Venezuela. Ave. Cardenal Quintero, Mérida. Editorial Dinamica 13

En este libro usted encontrará información actualizada sobre lo que es LA FOTOGRAFÍA DE ESTUDIO PROFESIONAL, equipos más importantes, accesorios, el manejo adecuado de la cámara en el estudio, además de consejos de como montar su propio estudio de fotografía profesional, entre otros. Es un libro de recopilación de guías de fotografía y de aportes de fotógrafos profesionales como Toni de Ros y Pedro J. Bernal; que constan de dos capítulos completos. El primer capítulo se denomina EQUIPOS, en el cual se da a conocer sobre los equipos más importantes, de cómo montar un estudio, consejos de lo que debemos tener en el estudio fotográfico y sus accesorios. El segundo capítulo denominado TÉCNICAS que es un poco más extenso; consta sobre el lenguaje visual de la fotografía, aprender a ver fotográficamente, los efectos y luces adecuadas, las medidas (exposímetro, diafragma, obturador), la sensibilidad del iso, los objetivos, los enfoques y el flash. La siguiente edición se presenta así: Primer capítulo EQUIPOS. Luego: Segundo capítulo TÉCNICAS y por último un glosario sobre términos fotográficos, con algunas palabras técnicas y sus significados. El ideal de los escritores del presente libro, es compartir experiencias para que por medio de él usted logre fácilmente lo que a todos ellos les ha costado tanto: montar su propio estudio, utilizar las luces adecuadas en cada toma fotográfica y tener una perfecta fotografía. Esperemos que este libro le agrade y que con sus consejos sencillos pronto lo conviertan en el gran fotógrafo profesional, que desea. Yolianny González 07

Objetivo

Los fotógrafos que quieren más control sobre su fotografía pueden optar por crear su propio estudio. Los estudios proporcionan un espacio dedicado para un fotógrafo, independientemente de su especialidad. Un estudio de fotografía no tiene por qué ser de un tamaño específico, sin embargo, un estudio ideal debe contener el equipo adecuado.

Luces y accesorios de un estudio de fotografía

Fuente de luz El estudio de un fotógrafo debe contener varias fuentes de luz. Un área de estudio con una ventana es ventajosa porque proporciona la luz del sol o luz natural. Un estudio requiere de otras fuentes de luz tales como las luces calientes, luces cálidas y luces frías. Las luces calientes son luces que permanecen encendidas producen calor, usualmente luces de tungsteno. Las luces cálidas producen menos calor, las luces fluorescentes luminosas usualmente alimentan luces cálidas. Las luces frías, también conocidas como flashes o destellos operan por períodos breves.

Accesorios de iluminación Además de la iluminación, un estudio necesita equipamiento para manipular la luz. Los reflectores son una opción de bajo costo. Estas láminas vienen en diferentes colores como el dorado, blanco y plata. Los reflectores dirigen la luz al sujeto de la foto, reduciendo las sombras. Otro tipo de accesorio de iluminación, como un paraguas, difumina la luz. Al igual que los reflectores, los paraguas reducen las sombras en las fotos. Los medidores ligeros son una pieza necesaria de equipos de estudio, son más precisos que los medidores incorporados a las cámaras. Al elegir los accesorios de iluminación, los fotógrafos deben elegir accesorios que puedan resistir el calor de los equipos de iluminación.

Trípodes y soportes para cámaras Las cámaras necesitan soporte para asegurar que las fotos sean claras y nítidas. Los trípodes son el accesorio más común que se utiliza para apoyar las cámaras. Estos objetos soportan las cámaras con una cabeza de trípode y tres patas con cierre de seguridad. Algunos fotógrafos, sin embargo, invierten en soportes o trípodes estudio. Estos soportes son más estables y caros que los trípodes regulares. También contienen ruedas que los hacen más maniobrables. Otra ventaja es que estos soportes no tienen que ser transportados.

Telones y puntales Un estudio no está completo sin los accesorios que brindan apoyo al fotógrafo. Los telones proporcionan fondos para las fotos. Los telones de fondo van de neutrales a escénicos. También pueden ser hechos por el fotógrafo o comprarse a un proveedor. Algunos estudios también ofrecen accesorios como horquillas, sofás y flores. El tipo de puntales y telones que los fotógrafos utilizan difieren según el sujeto de la foto.

Disponible en: http://www.ehowenespanol.com/ necesita-establecer-estudio-fotografo-info

Autor: Toni de Ros

Disponible en: https://www.youtube.com/user/derostoni/videos

Medidas Las dimensiones se dan a criterio de cada quien, es decir son puramente objetivas. Veremos cuáles son las más adecuadas y necesarias para poder trabajar y ¿Por qué?. 1.El largo: Se necesitan 2 metros de distancias entre el sujeto y el fondo, esto nos facilita poder iluminar el fondo con comodidad y poder evitar sombras. Para evitar sombras se piensa que necesitamos más luces, no es así lo que se necesita es ESPACIO. Ejemplo: Entre más cerca estés del fondo la sombra será más nítida y mientras se aleje el objeto o modelo del fondo la sombro se va diluyendo hasta puede llegar a desaparecer (claro dependiendo de las posiciones de las luces). El largo necesario es de alrededor de los 7 metros. 2.El ancho: El ancho necesario también viene definido de un criterio objetivo, y es el tamaño que tiene los fondos de estudio. Un fondo convencional mide 2 metros 70 al sujetarlo a la pared se necesitará unos pies, estos accesorios nos ocuparán alrededor de unos 20 centímetros de cada

Comienzo de un estudio

extremo por lo cual tenemos un ancho necesario de 3 metros 10, a partir de ahí se puede comenzar a trabajar pero si se necesita fotografiar con las luces más laterales o se necesita fotografiar un grupo, se precisará un poco más de espacio, estamos hablando de alrededor de unos 4 metros, si son 4 metros y medios, si son 5 metros mejor obviamente entre más espacio mejor. Pero a partir de los 4 metros se puede trabajar con comodidad. 3.La altura: En cuanto a la altura necesaria los pisos suelen tener una altura de techo de alrededor de los 2 metros y medio, pero si utilizamos un garaje la altura es más baja, y para fotografía de retrato por debajo de los 2 metros y medio tenemos problemas, ocurre que necesitamos iluminar desde arriba, luces cenitales, luces de pelo, que se necesita una cierta altura, también nos puede interesar una toma un poco más elevada, es decir una toma desde arriba, por tanto con alturas por debajo de los 2 metros 50 ocasionará algunos problemas, lo mínimo para un estudio de retrato son 2 metros 80, si son 3 metros mejor. La altura ideal de un estudio de retrato son los 3 metros.

Por tanto son sobre unos 30 metros cuadros con 3 metros de altura de techo, es perfecto para hacer fotografías.

Autor: Toni de Ros

Esto dependerá de la opinión de cada uno de los fotógrafos y de su forma de trabajar. Hay muchos fotógrafos que dirán que lo ideal es pintar las paredes y el techo de color blanco, esto está bien cuando son lugares bastante grande, pero cuando hablamos de lugares o espacios de fotos para retratos de unos 30 metros cuadrados, estas dimensiones va a provocar que si las paredes y techos son de color blanco va actuar como si fueran una gran caja de luz, unos paneles reflectantes, con lo cual vamos a tener dificultad cuando se quiera hacer fotografías con sombras un poco profundas.

Color de paredes adecuadas, en estudios fotográficos profesionales

Otra cosa sería pintar la paredes de negro, estaría bien sin en lugar de hacer retratos estaríamos fotografiando objetos, pero cuando se trata de fotografiar personas hay que tener en cuenta que meterse en una habitación negra es opresivo e incluso intimidatorio, es importante que el modelo se sienta cómodo pues se aprovecha más al modelo. Por lo tanto la solución sería utilizar el gris, que no necesariamente tendría que ser un color triste, puedes pintar una franja de gris oscuro del suelo a la mitad de la pared, luego de la mitad hacía el techo un gris más claro y el techo un gris todavía más claro o bien sea de color blanco, con lo cual consigues unos tonos degradados que van desde el oscuro hasta el más claro, que dan una sensación muy agradable y encima no te están molestando o no te están haciendo ningún tipo de reflejo indeseado o de dominante de color.

Disponible en: https://www.youtube.com/user/derostoni/videos

Un consejo, el gris es mejor conseguir por la mezcla de pintura negra y pintura blanca, no comprar un gris comercial porque resulta que la pintura gris suele tener un componente azul que le ponen para que sea un tono más agradable, que podía llegar a molestarnos o podría a llegar a darnos un dominante de color indeseado. 19

1. Consigue un espacio:

3. Un fondo sin fin:

Para comenzar a hacer fotografía de estudio necesitas un estudio. Pero no tiene que ser un piso completo pintado de blanco y perfectamente iluminado. Cualquier espacio con una pared de 3 o 4 metros de ancho y unos 5 metros despejados frente a ella será suficiente para comenzar. Tener un espacio exclusivo para ese uso sería lo ideal, pero siempre puedes usar la pared de tu habitación o la sala, y montar y desmontar el estudio cuando sea necesario. Ten en cuenta que aunque no es necesario llevar tu estudio a cada encargo, siempre es bueno tener algunos accesorios portátiles por si debemos hacer sesiones en exteriores o locaciones especiales.

Gramaticalmente no tiene sentido, pero fotográficamente es el rasgo característico de cualquier estudio. Se trata de un fondo curvo que hace las veces de pared y piso, sin que se perciba unión alguna.

2. Necesitas buenos lentes: Porque la fotografía de estudio se trata de captar todo el detalle posible para hacer ampliaciones o catálogos en línea en los que se puede hacer zoom sobre la imagen; y para eso necesitas objetivos muy nítidos. Cualquier lente mejora su rendimiento cuando su diafragma se cierra por encima de f6.3, pero solo los mejores alcanzan el detalle que vemos en grandes ampliaciones. Aunque se usan algunos lentes zoom de alto rendimiento, como el 16-35 mm L y el 24-70 mm L de Canon, lo más común es usar lentes fijos, como un 85 mm o 135 mm para primeros planos, un 50 mm para planos medios, y un 28 mm para cuerpo entero. 20

En los estudios más grandes se montan rampas permanentes, pero muchos profesionales prefieren lonas o grandes pliegos de papel, ya que son portátiles, más baratos, y fáciles de lavar o reemplazar. El más usado es el de color blanco, ya que facilita el procesado de las imágenes, pero los hay -o se pueden hacer- de todos los colores y tamaños, de acuerdo al encargo fotográfico.

4. Las luces de estudio: Son básicas, ya que si tenemos lentes trabajando con pequeñas aperturas para obtener su mejor rendimiento, necesitaremos luz extra. Pero no desesperes, que no tienes que comprar 3 o 4 flashes de 500 w cada uno.

Lee manuales y mira fotos para que aprendas del trabajo de otros. No tienes que volver a inventar la rueda. Esto no quiere decir que pasarás tu carrera como fotógrafo copiando a otros, si no que todos comenzamos por estudiar y repetir lo que funcionó antes.

Disponible en: http://altfoto.com/2011/12/fotografia-de-estudio-i-cinco-cosas-que-necesitas-para-comenza

Para comenzar, basta con 2 o 3 speedlites (los flashes que se montan sobre la cámara), bien distribuidos y optimizados con accesorios como softboxes, sombrillas, snoots o beauty dishes. Ya hemos hablado un poco de equipos de iluminación hace unos días, pero te hará falta nuestro último consejo.

5. Domina la luz: Porque después de todo la fotografía se trata de eso. En el estudio es lo más importante, ya que contamos con dos, tres o más fuentes de luz de distinta intensidad y características, que debemos mezclar para obtener un resultado agradable y/o expresivo. Para alcanzar esto, debes hacer dos cosas: Practica todo lo que puedas. Busca amigos, familiares y conocidos, y haz sesiones que te sirvan para experimentar con distintas configuraciones de luz.

Equipo de un Estudio de Fotografía

Disponible en: https://www.youtube.com/user/derostoni/videos Autor: Toni de Ros

Puntos de luz: Básicamente hay dos sistemas de iluminación, luz continua y flashes electrónicos. Luz continua; está producida por focos abiertos que producen el rayo de luz por incandescencia, la luz continua se debe limitar a situaciones en las que es muy importante poder apreciar textura, poder apreciar sombras y que por tanto nosotros podemos ver previamente al hacer la fotografía exactamente como nos va a responder, para esto es muy útil la luz continua. Para fotos de retratos no es recomendada por el calor que desprende, se podría tener problemas en temas de maquillaje y otros, pero principalmente el grave inconveniente es que aunque nosotros veamos una alta intensidad, aparentemente es muy fuerte, realmente es poca la luz que da para hacer una fotografía, esto nos obliga a utilizar grandes aperturas de diafragma y sobre todo velocidades de obturación excesivamente lentas para un retrato. Flash electrónico; básicamente hay dos tipos de flash, los flashes compactos y los generados. 22

Flash compacto: Se llama así porque dentro de una carcasa compacta cerrada, tenemos tanto la unidad de potencia como la parte de iluminación, solamente un cable nos une el flash con la red eléctrica. Todos los sistemas de flashes electrónicos de estudio comparten unas series de características, estos son los controles que tienen, aquí diré cuáles son y para qué sirven estos controles, que son comunes en todos los flashes de estudio, independientemente de la marca, de lo sofisticado que puedan ser: Botón de puesta en marcha (Encendido- Apagado). Potencia del Regulador del destello, con una indicación de cómo estamos bajando o subiendo la potencia del flash. Luz de moderado, que nos permite pre-visualizar por donde se encuentran las sombras y los contrastes, antes de hacer la fotografía definitiva. Disparo por simpatía, este botón u opción es un disparo que permite que un flash se disparé al recibir el destello de otro flash, de esta forma solamente conectamos un flash con la cámara, lo conectamos con la cámara mediante un cable de sincro, mediante un sistema de disparo por infrarrojo o mediante un sistema de disparo por radio, todo los flashes de estudios pueden utilizar los tres sistemas.

Parte de atrás del flash/ Botones o controles del flash

Generador: Esté funciona con su respectiva antorcha o lámpara, en el generador se tiene toda la unidad de potencia y en la antorcha o lámpara el cabezal de luz, están separados y de esta forma podemos tener mucha más potencia, mucha más intensidad en un solo punto de luz, hay un cable que une el generador con el cabezal y otro cable, que es el cable de red. La ventaja que tenemos es que se tiene más potencia, la utilidad es que por la circunstancia que sea necesito más intensidad de luz más potencia en un solo punto de luz, pueden ser caso de fotografía de muebles, pueden ser caso de fotografía de automóviles en los que necesariamente tengo que alejar el cabezal de luz del sujeto y por tanto necesito mucha más intensidad. Pero los controles que tiene son los mismos que el flash compacto, solo que con más potencia.

Generador con cabezal

Pies de estudios: Un elemento es importante, que nos puede dar que pensar y varias visiones son los pies de estudio, hay varios tipos: Los más ligeros y sencillos; estos tienen la ventaja de ser más portátiles, normalmente se utiliza cuando se tiene que salir del estudio. En estudio es mejor utilizar pies más pesados pero que también puedan tener su utilidad, pero con las limitaciones que nos impone su tamaño. Ejemplo: Al colocarle un flash ligero y un accesorio también ligero, como una sombrilla no nos afecta nada hablando del peso. Pero si debemos colocar algo más pesado como una ventana de gran tamaño que pueda desequilibrar, se necesitará pies un poco más contundentes, más pesados, y no tendremos ningún problema de posible desequilibrio. El brazo de jirafa; son utilizados para luces altas, luces cenitales, luces de pelo. El brazo de jirafa está compuesto por un pie muy pesado de acero, una pinza de cruce que permite balancear el brazo y un contra peso para compensar el peso que hay en el extremo y que se pueda mover para equilibrar cómodamente el conjunto; el contra peso es de color naranja para que sea observado con facilidad y evitar golpes. Algunos modelos de jirafa, disponen de unas manecillas en unos de los extremos para poder controlar el movimiento del cabezal sin necesidad de subir en una escalera para aflojarlo, con el cual podemos disponer del cabeceo y la orientación de derecha e izquierda. El trípode; este accesorio sirve para sujetar o soportar la cámara con comodidad y con seguridad, los trípodes de estudio son más grande más pesados en cambio a los trípodes de exteriores que son más cómodos y ligeros. 25

Softbox: Se trata efectivamente de un contenedor que asemeja una caja, aunque suele tener una ligera forma de cono. Por el extremo más estrecho se acopla a una lámpara, y por el más ancho hay una tela traslúcida que filtra la luz y la hace mucho más suave. Su interior suele estar cubierto de una tela de apariencia metálica plateada, que refleja la luz y la dirige hacia el lado traslúcida. Los modelos más grandes tienen otra tela blanca traslúcida en el interior, de manera que la luz sea aun más difusa. Mientras mayor sea la superficie traslúcida, y más cerca esté del sujeto, más efectivo, ya que se genera una fuente de luz más grande que “envuelve” al sujeto fotografiado.

Softbox

Beauty Dish

Beauty Dish o “Reflectores de plato”: Eran el estándar en fotografía, pero han quedado relegados después de la aparición de las sombrillas y softboxes, debido a su limitado alcance. Se trata en realidad de dos reflectores, que encierran la lámpara y proyectan una luz difusa pero potente sobre un área pequeña. Gracias a estas características es ideal para primeros y medios planos. De ahí su nombre.

Sombrilla

Sombrilla: Es la luz fotográfica por excelencia, debido a su versatilidad y facilidad de transporte y montaje. Aunque se necesita de un ojo entrenado para diferenciar la luz producida por un softbox de aquella proveniente de una sombrilla, el principio de funcionamiento es distinto. Mientras el softbox es un difusor, la sombrilla es un reflector, ya que la lámpara se apunta hacia adentro del accesorio y este proyecta la luz hacia la abertura de su estructura. La sombrilla clásica ofrece una luz algo dura que genera contraste, debido a su interior metalizado interior metalizado plateado, o dorado para proporcionar una luz más cálida. Sin embargo, desde hace un tiempo se ha hecho popular el uso de sombrillas blancas o traslúcidas que producen una luz más suave. 27 Disponible en: http://altfoto.com/2012/01/fotografia-de-estudio-iii-accesorios-de-iluminacion

Rejilla o honeycomb grid: Se refiere a una estructura con forma de panal que se coloca al frente de cualquier fuente de luz, de manara que ayude a focalizarla un poco más. Existen diferentes tipos y tamaños, y se pueden usar en cualquiera de los accesorios que hemos mencionado, aunque su uso sea más común en conjunto con softboxes y snoots. Para los accesorios más grandes se hacen de telas resistentes, y para los más pequeños de metal, plástico y hasta cartón.

Disparadores remotos

Disparadores remotos:

Rejilla o honeycomb grid

También llamados “triggers” o “radio slaves”. Son vitales para la fotografía de estudio, ya que permiten disparar varios flashes al mismo tiempo de forma inalámbrica. Hay dos tipos principales: Los básicos, que solo transmiten la orden de disparo; y los profesionales, que por el quíntuple o más del precio de los otros, permiten ajustar la potencia de las luces. No está del todo claro si unos permiten sincronizar a velocidades más altas que los otros, pero yo creo que esto depende sobre todo de la cámara. Incluso ahora algunas cámaras tienen disparadores integrados en el cuerpo, aunque solo sirvan para speedlites de la marca. 28

Snoot o cono: Es un accesorio aun más especializado, y que pocos fotógrafos manejan. Se trata de un pequeño cono de metal o plástico, pintado de blanco o plateado por dentro, que dirige la luz de la lámpara hacia un área pequeña. Su luz se puede concentrar aun más si se coloca en el extremo una rejilla. Se utiliza a veces para iluminar el fondo o para retratos con un tono dramático, gracias al contraste y las largas sombras que produce.

Filtros de densidad neutral

Filtros de densidad neutral: Que aunque el nombre suene complicado, son como lentes de sol para un objetivo. ¿Y para qué querríamos algo así? Pues bien, veámoslo así: Si estamos en un estudio con luces potentes, con nuestra cámara en ISO 100, la velocidad de diafragma más rápida que nuestros disparadores nos permiten (1/160), y con un lente rápido a f2.5, porque queremos lograr un efecto de desenfoque. Es muy probable que nuestra foto salga sobre-expuesta. Para evitarlo necesitamos disminuir la cantidad de luz que llega al sensor, a través de un filtro de uno, dos, tres o hasta cuatro puntos de exposición o stops. También podemos conseguir alguno de densidad variable, aunque es posible que esto rebaje un poco la nitidez de la imagen.

Snoot o cono

http://altfoto.com/2012/01/fotografia-de-estudio-iii-accesorios-de-iluminacion

Autor: Pedro J. Bernal

La sintaxis de la imagen: Punto El punto es el elemento gráfico más simple. Un punto hace que se dirijan las miradas hacia él, siendo uno de los elementos esenciales en la perspectiva (hacia donde fugan las líneas), y ayudando a la creación de profundidad. Cuando tenemos dos puntos, estamos creando una línea de forma inconsciente, aunque esta no esté representada de forma gráfica. Las imágenes impresas están formadas por puntos. Así, varios puntos crean una imagen. Cuando los puntos se agrupan en una zona, se genera un área de interés, mientras que si dichos puntos son equidistantes, se repelen entre sí y dificultan la atención.

Ejemplo de un punto en la fotografía

Línea

Dirección

Es la representación gráfica que queda comprendida entre dos puntos. Mientras un punto capta la atención del espectador ante una imagen, una línea crea el recorrido que debe seguir la vista del espectador hasta llegar a la zona de interés visual. La línea, además, delimita dos zonas siempre. Hay tres tipos de líneas:

La dirección es transmitida por el recorrido entre el punto inicial y el punto final de una línea. La dirección, que estará muy presente en la composición de nuestras fotografías, puede ser: Horizontal o Vertical: Delimitan el cuadrado, y como éste, representan la estabilidad en estado puro, así como la simetría, sencillez o firmeza en la composición. Las direcciones vertical y horizontal eliminan tensión en la composición global.

Recta: La línea básica que une dos puntos mediante un trazo recto. Su representación indica firmeza y estabilidad, sobre todo en sentidos horizontal y vertical. También ayuda a representar la profundidad y la dirección. Disponible en:www.macuarium.com

Quebrada: Línea cuya trayectoria está formada por la unión de diversos puntos en diferentes posiciones. Como resultado, gráficamente resulta vibrante y agresiva (asociándose por ejemplo a los dientes de sierra). Genera tensión visual. Curva: Línea comprendida por dos puntos, pero cuyos cambios de dirección son suaves. Puede representar gráficamente la suavidad, la armonía, la delicadeza o lo tradicional 33

Diagonal: Una línea diagonal describe la dirección hacia donde dirigimos la vista. Es la mayor de sus virtudes, y hay que tenerla en cuenta para utilizarla como recurso visual. La diagonal representa tensión, inestabilidad, y ayuda a crear sensación de provocación.

Tono El tono determina el volumen de los objetos, con lo que define la profundidad. El tono está comprendido entre la luz y la oscuridad, pasando por todos los matices entre ambos extremos.

Luz

Saturación: La saturación de colores la cantidad de más o menos color de un objeto. Un objeto desaturado tiende a unos tonos sucios, mientras que el color muy saturado es vivo. La saturación puede indicar planos de profundidad (más saturado=cercano), como vemos en muchos paisajes. En la imagen podemos ver tres circunferencias poco saturadas, más saturadas y muy saturadas (de izquierda a derecha).

Oscuridad

Color El color como tal no existe. Sí, suena raro ¿verdad?, Pero es así. El color, como lo vemos, está determinado por la luz reflejada por los objetos. La luz que incide en estos, es absorbida en parte, y la que no lo hace es la que nosotros vemos. Esta propiedad visual es la que nos permite determinar lo que conocemos como “color”, y que nos ayuda a reconocer las cosas. Así, el color tiene connotaciones que nos aporta otro recurso más con el que jugar en nuestros trabajos. Esas connotaciones son su significado (lo veremos más adelante).El color como tal está definido por: Matiz: Cuando hablamos de matiz, hablamos de lo que conocemos comúnmente como color. Es decir, un objeto puede tener un matiz azul, verde, rojo, etc... 34

Brillo: El brillo en el color es la cantidad de luz que recibe. Así, si recibe mucha luz es lo que conocemos como un tono “claro”, o al contrario un tono “oscuro”. Como decía antes, ese tono va a crear la sensación de profundidad de los objetos.

Textura La textura consiste en la repetición de un motivo a lo largo de una superficie; esta repetición puede ser de las formas o los motivos que componen el objeto, o las formas y su relieve... En cuyo caso, la luz debe incidir de forma lateral para que se aprecie ese “volu-

men” gracias a las sombras que arroja. Mientras tanto, podemos decir de la textura, que es el exponente máximo de la regularidad. Las formas que la crean no necesitan ser exactamente iguales (en ese caso hablaríamos de un “patrón”), pero sí que deben tener algo en común.

En la imagen superior, una imagen de una textura de madera, esa repetición la crea la secuencia de elementos verticales, de un mismo material, con unas mismas propiedades (los tablones). En la imagen de la derecha, la secuencia está formada por elementos de características parecidas también (las piedras). No necesitan ser idénticas, pero en el recuerdo nos quedarán los elementos comunes de ambos casos.

Escala Otro de los elementos fundamentales en la composición gráfica es la escala de los objetos. La escala cumple dos cometidos fundamentales; por un lado, ayuda a crear la sensación de profundidad mediante la sucesión de planos, con lo que objetos del mismo tamaño quedarán en un plano u otro según el tamaño de los mismos. Por otro lado, la escala define el tamaño y como característica de un objeto cuando es comparado junto a otro. Por ejemplo, en la imagen siguiente, la lata de refresco en la arena es pequeña porque la comparamos con la silla, que es el otro elemento principal de la imagen. En cambio, si hiciésemos una fotografía macro de una mosca en la lata, la lata pasaría de ser pequeña, a ser grande (porque la compararíamos con la mosca). Es sólo un ejemplo de cómo los objetos que participan en la escena transmiten información gracias a esta propiedad.

Profundidad La fotografía, como cualquier imagen gráfica, se representa únicamente en dos dimensiones; estas son altas y anchas. Las imágenes que percibimos y queremos representar, tienen como característica la profundidad; es decir, que nosotros vemos en tres dimensiones (que son las del mundo en el que nos movemos (ancho, alto, profundidad). Pero ¿cómo plasmar esa profundidad en una imagen en dos dimensiones? Podemos hacerlo mediante el uso de varios recursos gráficos, de los que se han descrito anteriormente: 36

Ejemplo de escala

Convergencia de líneas: Las líneas que fugan a un punto (al que dirigen nuestra atención), crean lo que se conoce como perspectiva; la perspectiva es la representación gráfica básica de la profundidad. Para recrear dicho efecto, necesitamos un horizonte (línea), unas líneas convergentes (que en la realidad serían paralelas pero la distancia las hace converger) y un punto de fuga de dichas líneas (encargado de crear la sensación de profundidad).

Planos y escala: Como hemos comentado anteriormente, la escala ayuda también a determinar la profundidad. Un objeto en primer plano queda representado más grande que si está en plano más alejado. Tanto en la saturación como en las escalas, como resultado obtendremos “planos” de profundidad (destacados también en el ejemplo anterior). Profundidad de campo: Cuando realizamos fotografías a sujetos próximos con teleobjetivos o a diafragmas muy abiertos, se difumina el fondo, o lo que es lo mismo, se pierde profundidad de campo. Este recurso también será útil para establecer planos de profundidad.

Saturación de color En el paisaje, la saturación de color de los planos nos determina igualmente la profundidad. Así, los objetos o motivos en primer término aparecerán saturados, y aquellos en último plano aparecerán menos saturados por la distancia (este efecto se genera por diversos factores climatológicos como las brumas, nieblas o cualquier otra condensación en el aire).

Ejemplo de profundidad

Movimiento La imagen bidimensional es estática. Así, una fotografía es estática, a diferencia de una secuencia de vídeo (que es una serie de fotografías consecutivas a una velocidad determinada). No obstante, el movimiento puede ser plasmado en nuestras imágenes mediante el barrido o las exposiciones largas (baja velocidad de obturación). De esta forma, al fotografiar la escena durante un período largo de tiempo, los objetos en movimiento se plasman en diversas ubicaciones, creando una estela que nos dará esa

sensación. El caso contrario es el barrido, en el que “perseguimos” el motivo o sujeto a fotografiar durante ese tiempo de exposición, de forma que su forma se mantiene inalterado, pero el fondo se desenfoca en la dirección en la que vamos siguiendo a dicho sujeto, creando dicho efecto de desenfoque, y como consecuencia, plasmando ese movimiento (como podéis ver en la siguiente imagen).

Contraste

Tensión y equilibrio

Dejando de lado la representación gráfico del espacio y la profundidad, vamos ahora con otro recurso que nos permitirá expresar en nuestras imágenes el contraste.

El equilibrio en una imagen queda representado, de forma básica, por la simetría, la horizontalidad y la verticalidad. Cuando rompemos ese equilibrio, y cuando representamos los sujetos en una ubicación fuera de lo común, nuestro cerebro no lo asocia como “normal” y se crea lo que se denomina tensión.

El contraste, básicamente es el cambio más o menos brusco entre una zona de luz y otra de sombra... O entre una zona clara y otra oscura. La representación gráfica la podéis ver a continuación. Los significados entre el bajo contraste y el alto contraste son totalmente opuestos entre sí. Así, el alto contraste nos muestra una imagen dura, inestable, compleja, caótica... En cambio, el bajo contraste representa una imagen blanda, estable, sencilla, ordenada. El alto contraste se utiliza para destacar la dureza de una escena, la agresividad, el impacto... El bajo contraste se utiliza para representar imágenes suaves, delicadas y estables.

Bajo Contraste

Alto Contraste

Peso Visual Aunque no lo creáis, los objetos representados gráficamente tienen peso... Sí, como lo estáis leyendo. Este peso (como muchos diseñadores sabrán) tiene una gran importancia en la composición de nuestras escenas. Pero... ¿Por qué pesan los gráficos? O como os estaréis preguntando muchos... ¿Cómo pesan los objetos? El peso de un objeto está determinado por algunas de las propiedades descritas anteriormente (tamaño, color, contrate...) Así como por la ubicación de este en el plano de representación. Este tema es algo complejo, pero intentaré resumirlo lo más posible (y hacerlo de forma que se entienda claramente): Ubicación: Los objetos ubicados en la parte inferior del plano de representación (o de la fotografía, o de un lienzo...) Pesan más que aquellos que están ubicados en la parte superior. ¿Por qué? Aquí entra un factor cultural. Nuestro sistema de lectura nos hace leer de arriba a abajo (orden de lectura de las líneas de un párrafo), y es abajo donde la vista descansa; al realizar ese descanso, la atención es mayor en esa ubicación. Por la misma regla de tres, los objetos cercanos al margen derecho de la imagen pesan más que aquellos que se alejan de esa ubicación; en este caso, es porque las líneas las leemos de izquierda a derecha, con lo que nuestra vista descansa a la derecha y hace que se preste mayor atención allí. Tono: Los objetos de “tono claro” o brillantes tienen más peso visual que aquellos de “tono oscuro” o menos brillantes. Contraste: El contraste alto tiene mayor peso que el contraste bajo (el cual es muy estable y poco dinámico). 40

Esto es además porque el contraste alto llama la atención, y por lo tanto, genera mayor interés visual y una lectura visual mayor. Saturación: Puesto que los colores desaturados (o poco saturados) se asocian a la lejanía, estos tienen menos peso visual que aquellos más cercanos o saturados. Color: Aunque el color lo veremos más adelante en profundidad, sí que podemos adelantar que los colores cálidos (amarillos, naranjas, rojos...) Tienen mayor peso visual que los colores fríos (verdes, azules, violetas...). Para entendernos, situaremos los colores fríos a la izquierda del plano, y los cálidos a la derecha. Como decíamos anteriormente, leemos de izquierda a derecha ¿no?

Zona de menor peso visual

Zona de mayor peso visual

Autor: Pedro J. Bernal

Cuando hablamos de fotografía, hablamos de luz, y en este Caso, para obtener todos los matices posibles trabajamos (o necesitamos) con tres colores básicos que pasaremos a llamar colores primarios. Estos colores son: Rojo, Verde y Azul. La mezcla de colores luz es lo que se denomina mezcla aditiva, o mezcla de síntesis aditiva. Esto es porque partimos de la oscuridad total, y vamos añadiendo colores (luz) hasta conseguir la luz plena (el blanco). Como apunte, decir que es la síntesis contraria a la sustractiva (utilizada por ejemplo en artes gráficas) donde se parte de la luz plena (el lienzo) y conforme se añaden colores se resta luz, hasta que la mezcla de sus colores primarios (cían, magenta y amarillo) resta toda la luz y consigue el color negro, que no es más que la ausencia de luz. Así, y como vemos en el gráfico anterior, la mezcla de los tres colores primarios luz nos lleva a descubrir los colores Amarillo, azul cían y magenta, que son los primarios en la síntesis sustractiva. 42

La imágenes que captan nuestras cámaras digitales reciben la información de la imagen en formato RGB (siglas de Red, Green, Blues que son los colores Rojo, Verde y Azul en inglés). Con ello, llegamos a que la edición de las imágenes nos presentará dos modos de trabajo: RGB para imágenes digitales que queramos mostrar en el ordenador, internet o para llevar a revelar a nuestro laboratorio más cercano. CMYK (cyan, magenta, yellow, black o en español cían, magenta, amarillo y negro) para la impresión con tintas, sea a través de una impresora o para trabajos a llevar a imprenta. En nuestro caso, trabajaremos la imagen siempre en RGB y si vamos a utilizarla para un trabajo en imprenta, entonces la convertiremos finalmente a CMYK.

Círc ulo cromático

El círculo cromático se usa en la clasificación de los colores. Se denomina círculo cromático al resultante de distribuir alrededor de un círculo los colores que conforman el segmento de la luz. Según Goethe, en su libro Teoría de los colores de 1810, de carácter más cercano a lo filosófico que a lo científico, los colores en un círculo cromático son seis: amarillo, anaranjado, rojo, violeta, azul y verde, lo cual dio paso al Modelo de color RYB, que a pesar de ser un modelo arcaico e impreciso sigue enseñándose en las artes gráficas a pesar de presentar serios inconvenientes en la composición de color; un modelo más exacto surgió tras la aparición de la fotografía en color y basado en los estudios de Newton sobre la luz, el cual se utiliza en la producción industrial de color, con mayor precisión en la representación cromática, y del cual se derivan los modelos RGB y CMYK, en el cual los colores son: amarillo, rojo, magenta, azul, cian y verde. Disponible en:www.macuarium.com

Significado del color: El color (o mejor dicho la luz) es la herramienta principal de fotógrafos y pintores. El color nos va a revelar sentimientos, impresiones, nos va a dar información de las cosas, nos permitirá identificar y clasificar, y aplicará un gran efecto sobre el espectador. Esto es gracias al significado que denotan los colores. El significado de un color puede ser psicológico o en base a conceptos culturales:

Misterio. Si es brillante elegancia.

Severo.

Indecisión. Distancia. Melancolía.

Confortable. Otoño. Tierra.

Es la luz, la claridad. Representa un vacío positivo, el infinito, paz, felicidad, pureza e inocencia. Excitante. Jovial. Animado. Impulsivo.

Reflexión. Misticismo. Introversión.

Pasión. Atrevido.

Armonía. Fidelidad. Serenidad.

Sexualidad. Desafiante.

Acogedor. Estimulante.

Esperanza. Frescura. Sofisticado.

Significado psicológico

Significado simbólico: Hemos visto el significado del color, en base a sus efectos psicológicos. No obstante, el color además tiene otras connotaciones, que se deben sobre todo a valores de cada cultura. Estos valores vienen inducidos por factores como la política, la religión, la simbología... Estos significados varían de una cultura a otra. Prudencia. Inocencia. Pena. Humildad.

Verdad. Felicidad.

Luto. Aflicción. Fé. Amor. Sabiduría.

Valor. Coraje. Crueldad.

Lealtad. Justicia. Civismo. Honor. Cortesía. Hipocresía. Inestabilidad.

Significado simbólico

Colores frío / Colores cálidos: Anteriormente iba apuntando en algunos casos si un color es frío o cálido. Pero ¿qué colores pertenecen a estas categorías? Y además, ¿qué significado tiene?

Colores frío Los colores fríos son aquellos comprendidos en una paleta de verdes y azules. Así, básicamente son colores fríos los azules, los verdes (más bien oscuros porque también pueden ser cálidos si tienden a amarillos u ocres), los violetas... Podemos ver el gráfico siguiente para entenderlos mejor:

Los colores fríos representan el frío, la lejanía y la armonía. Como decía antes, el azul representa el cielo, el aire y el agua. Los tonos fríos se pierden en la lejanía (al contrario que los cálidos) y agrupan los colores desaturados, apagados y sin vida.

Colores fríos en fotografía

Colores cálidos: Los colores cálidos son aquellos comprendidos en una paleta de amarillos y rojos. Así, básicamente son colores cálidos los amarillos, los anaranjados, rojos, marrones y ocres.

Un color frío puede ser cálido en función de los colores que lo rodean, aunque en ese caso aporta una riqueza extra de matiz. Las paletas de colores fríos y/o cálidos nos ayudan a expresar más aún sensaciones globales en una imagen. Así, una paleta fría es idónea para resaltar la vida dura en el mar, la lluvia y las tempestades, el frío y la humedad. En cambio, una paleta cálida transmitirá mejor la sensación de un día soleado, de calor, de tranquilidad, de naturaleza.

Colores cálidos en fotografía

Autor: Pedro J. Bernal

Ver fotográficamente El ser humano no ve las imágenes de la misma forma que lo hace el objetivo de una cámara fotográfica. En la cámara, la luz entra por el objetivo llegando a plasmar la imagen en la película o el sensor de la misma. En nuestro caso, nosotros recibimos la información a través de los ojos, que se comportan como dos objetivos simultáneos; estos dos objetivos hacen que veamos las cosas de forma diferente, y además, recree en las escenas la sensación de profundidad/espacio o tridimensionalidad (al contrario que la cámara que registra imágenes en dos dimensiones únicamente). Así, nuestro campo de visión es muy amplio, y podemos perder la atención por un objeto fácilmente, en beneficio de otro. Vamos a hacer un ejercicio para entenderlo mejor: Tapa tu ojo izquierdo con una mano. Apunta sobre un objeto que veas con el dedo índice. Ahora cierra tu ojo izquierdo y descubre el derecho. Como verás, el dedo índice apunta sobre otro objeto. Esto es porque cada ojo registra una información con un ángulo de visión diferente (la suficiente para que 48

al unir ambas imágenes podamos apreciar la tercera dimensión). El objetivo trata la imagen como la percibe sólo uno de nuestros ojos. Por ello, mientras no aprendamos a ver fotográficamente, podemos utilizar este recurso... Este pequeño truco muestra correctamente las distancias y proporciones de unos objetos sobre otros, tal y como las veremos en la fotografía: en dos dimensiones. Pero con el tiempo aprenderemos a ver la imagen en nuestra cabeza, sin necesidad de este truco.

Conforme conozcamos nuestra cámara, iremos conociendo el comportamiento probable en cada situación. Llegaremos a ver la foto “recortada” antes de hacerla, o incluso pensaremos en cómo puede quedar una vez la sometamos a un post-proceso.

Seleccionar y enfocar A la hora de obtener una fotografía interesante, nos encontramos con dos maneras de obtenerlas. Una, cuando el fotógrafo (y me refiero a fotógrafo como a aquel que usa la cámara fotográfica, independientemente de si es o no profesional) dispara muchas fotografías y al procesarlas comprueba que alguna que otra tiene algún atractivo. La otra, que sería la más correcta, es aquella que tiene una planificación previa... un proceso selectivo. Con las cámaras digitales y el bajo coste para procesar, es muy fácil que cuando estemos ante algo que nos atrae, disparar decenas de fotos; es un error que nos limita nuestra capacidad fotográfica. Cuando estamos antes una escena que nos atrae, debemos analizar la escena y darnos cuenta por qué nos atrae realmente.

Una vez decidido, es cuando tenemos que prestar atención al sujeto o motivo de la escena, para decidir el enfoque... (Punto de vista, distancia focal a usar, etc...). Cuando ya tenemos claro qué queremos fotografiar, es cuando debemos ver a través del visor de la cámara (si no tenemos la destreza de hacerlo mentalmente aún) y analizar toda la escena para decidir qué sobra y qué debemos mantener en la misma. Veremos cada uno de los elementos, y nos preguntaremos si realmente es necesario o no para entender la escena. Procuraremos si otros objetos restan atención al sujeto principal, o si distorsionan la escena por completo. Deberemos analizarlo todo... Los objetos que rodean al motivo, los que aparecen cortado por algún lado del fotograma, el color, la luz, el contraste, la forma...

Abstraer la escena Ya tenemos claro lo que vamos a fotografiar, pero vamos a tener en cuenta otro factor importante. Este será decisivo a la hora de fotografiar, o por el 49

contrario nos preparará ante una sesión de post-proceso en el ordenador (o nos delatará el uso de filtros). Estamos ante una escena que nos ha llamado la atención, pero esa escena será registrada en una imagen que no necesariamente va a aportar la misma sensación que a nosotros. ¿Por qué? Una escena nos hace aflorar unos sentimientos; esos sentimientos pueden estar latentes en nosotros antes de llegar al lugar. Además, parte de la información que recibimos se apoya en sensaciones como un olor especial en la zona (la humedad, el olor de algunas flores...), por nuestro estado de ánimo (felicidad, alegría, tristeza...) y muchos factores que no registrará nuestra cámara. Esas sensaciones son las que deberemos intentar transmitir, mediante el uso del color, la tensión y los demás recursos gráficos, para intentar transmitir la escena de la forma lo más fiel posible a como la hemos vivido; para que transmita las mismas emociones que a nosotros en el momento de decidir realizar esa fotografía. Disponible en:www.macuarium.com

Composición Disponible en:www.macuarium.com

Autor: Pedro J. Bernal

Formato Lo primero que nos preguntaremos, será qué formato vamos a utilizar: ¿horizontal o vertical? Una elección incorrecta de formato puede dar al traste con todo nuestro trabajo anterior. Si no estamos seguros, podemos utilizar ambos formatos, y con más calma en casa procedemos a evaluar cada resultado para seleccionar uno. Básicamente, dicha elección dependerá de los elementos predominantes en la escena. Si la mayoría de líneas de la escena son verticales, usaremos un formato vertical. Si la mayoría son horizontales, pues optamos por un formato horizontal. Aunque ese caso no debe por qué cumplirse... pero hay que tener mucho cuidado en cambiar el formato, como comentaba antes. Si no cerramos en un principio a esta fórmula, no tendremos ningún problema. Así, el formato horizontal es más propio para los paisajes (de donde recibe el nombre de apaisado). El formato vertical, en cambio es más propicio para el retrato porque el sujeto llena la fotografía completamente.

Formato vertical

No obstante, el retrato puede beneficiarse del formato horizontal, en casos como cabezas ladeadas, o apoyadas en alguna mano; pero lo trataremos con cuidado, ya que corremos el riesgo de que nos quede el sujeto con mucho demasiado “aire” (espacio vacío) alrededor suyo, restando atención a la foto. 50

No obstante, con las herramientas de nuestro programa favorito de edición de imágenes podremos recortar la fotografía, con lo que podemos experimentar con diferentes formatos a cambio de reducir el tamaño final de la fotografía; a pesar de ello, esto nos puede salvar una imagen de ser eliminada, y abrir nuestra visión creativa.

vel de la mirada de la misma, con la finalidad de establecer un punto de vista fiel y directo, tal y como vemos realmente a la persona. Esto se debe hacer (agachándose para hacer la foto) con los niños, ya que cuando los tenemos encima o en brazos, solemos tenerlos a nuestra altura, y así la imagen nos parecerá más fiel. Podemos utilizar un punto de vista “ligeramente” por debajo de la vista del sujeto, con lo que obtendremos una imagen real y fiel, pero con una ligera diferencia que nos hará más interesante la foto.

Punto de vista Otro factor que imprimirá carácter a nuestras imágenes es el punto de vista que usemos para fotografiar una escena. Podemos experimentar con diferentes puntos de vista... más altos, más bajos, en ángulo lateral, etc. El punto de vista puede enfatizar una situación, como se muestra en la siguiente foto, donde doté de este punto de vista para exagerar la sensación de vértigo y desequilibrio de la escena. El punto de vista es decisivo en los retratos. Un punto de vista bajo da una sensación de persona poderosa y dominante. En cambio, un punto de vista alto la hace insignificante y pequeña. Para fotografiar a personas, deberemos establecer un punto de vista a ni-

Punto de vista a nivel (agachado)

La regla de los tercios Y llegamos a uno de los temas más atractivos de la fotografía, y porque no decirlo, más resultones. Una gran foto puede diferenciarse de una mala foto únicamente en la composición; y ya hemos visto algunos factores importantes en la composición, pero he querido dejar para el final uno de los principios de cualquier obra gráfica (sea pintura, sea fotografía), como es la regla de los tercios. Basada en la “Regla Áurea” o “Sección Áurea”, se estableció en el mundo del arte como fórmula para distribuir el espacio en el lienzo, o en nuestro caso, la fotografía. De esta fórmula, obtenemos que la imagen quede dividida en tres tercios iguales, como podemos ver a continuación. Las líneas que delimitan dichos tercios o planos, son las zonas que reciben una mayor atracción e importancia visualmente hablando, por lo que deberemos intentar que los sujetos de la imagen coincidan dentro de los planos de tercio, o mejor aún, en las líneas divisoria. Por otro lado, la imagen también es dividida horizontalmente, con lo que obtenemos tres planos o tercios horizontales donde ubicar los elementos de la escena. En este caso, los tercios horizontales juegan un papel fundamental en la composición de paisajes, debiendo ubicar el horizonte del paisaje en una de las divisiones de dichos tercios... Sí, como lo estáis leyendo... Hay que huir uno de los fallos más comunes, que es ubicar el horizonte en el centro de la foto. En el caso de los paisajes, y ante la duda ante ubicar el horizonte en el tercio superior o inferior, debemos plantearnos qué tiene más importancia... O qué queremos resaltar. Si la imagen es un paisaje con un prado (por ejemplo) y hay unas nubes amenazadoras, que no hayan llamado la atención, situamos el horizonte en la parte inferior, para dar espacio y prioridad al cielo y esas nubes.

Si por el contrario, tenemos una playa y queremos acentuar el mar y unas olas bravas haciendo formas atractivas, subiremos el horizonte al tercio superior, dejando menos cielo y más mar. Se puede dar el caso de utilizar el centro sin huir de la simetría, como el caso de lagos donde hay una montaña, y dicha montaña se refleja como en un espejo. En ese caso, para acentuar ese efecto de espejo sí que podremos utilizar el centrado del horizonte. También es recomendable para foto-arquitectura (en este caso centrando las verticales), y para la toma de imágenes destinadas a ser combinadas entre sí para generar una imagen panorámica.

Cuando ubicamos un elemento en un punto de interés, es importante ubicar otro secundario en el punto opuesto, con el fin de ayudar a la composición, y para crear un recorrido visual entre dichos elementos, como se puede ver en el siguiente ejemplo.

Para culminar la estructura de nuestra fotografía, combinamos ambos conceptos, los tercios verticales y los horizontales. La intersección de todos ellos (representadas en el siguiente gráfico con círculos rellenos de amarillo), constituyen los cuatro puntos de mayor interés. Ahí deben ir los elementos más importantes de nuestra foto. 53

Si bien todo el mundo puede sacar una foto, la buena iluminación es uno de los elementos que por lo general diferencian a las fotos profesionales de las amateur. Si planeas tomar fotos en un estudio de interior, necesitarás iluminar tanto el objeto como el fondo para obtener resultados de calidad, algo que por lo general no se requiere tanto en el exterior ya que hay luz natural. Existen cuatro tipos básicos de luces de estudio: las de tungsteno, las fluorescentes, las incandescentes y el flash de estudio. Deberías elegir la iluminación adecuada en base al tipo de fotos que estés sacando, para conseguir los mejores resultados.

Luces de tungsteno Las de tungsteno, son luces halógenas de cuarzo continuo utilizadas en la fotografía. Éstas, por lo general entre los 500 y 800 vatios, proveen un tono cálido y son generalmente utilizadas para vídeos de tomas o para fotografiar pequeños objetos como un producto que verías en una página web. Esas luces no se usan para fotografiar gente porque generan mucho calor y no tanto control como otros tipos de luces de estudio. 54

Luces fluorescentes Las luces fluorescentes son por lo general utilizadas junto con cajas blandas para crear una apariencia suave omitiendo el intenso calor de las luces de tungsteno. Son mayormente usadas para iluminar personas al fotografiar con el obturador a alta velocidad. Éstas son buenas para fotografía de estudio, para atrapar la luz cuando el sujeto se está moviendo, como por ejemplo una persona saltando.

Luces incandescentes Las luces incandescentes son del mismo color que la luz diurna y debido a que no son de tungsteno o fluorescentes, no omiten el calor. Este tipo de luces son bulbos incandescentes que funcionan del mismo modo que el flash de una cámara, pero con mayor poder. Por lo general funcionan bien junto con la luz natural del día, como por ejemplo si tienes ventanas en el estudio.

Luces adeacuadas

Flash de estudio El flash de estudio es utilizado mayormente al hacer retratos en un estudio ya que el flash es el tipo más poderoso de iluminación de estudio. Es diferente del flash de la parte superior de una cámara. Los flashes de estudio son luces separadas que se disparan por una unidad de radio que está añadida a la cámara. Cuando el fotógrafo toma una foto, las luces emiten un poderoso flash. Debido a que estas luces no son continuas, no omiten el calor de las luces de tungsteno. Opta por los flashes de estudio si eres un fotógrafo de retratos experimentado.

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Apertura de diafragma El diafragma es una parte del objetivo que limita el rayo de luz que penetra en la cámara. Funciona como el iris del ojo humano, abriéndose o cerrándose para permitir que entre más o menos luz según sea necesario. Lo abierto que está el diafragma es lo que se llama apertura de diafragma. La apertura de diafragma se mide en números f. El salto de un valor al siguiente se denomina paso. La escala de números f típica es la siguiente, aunque no muestra todas las posibilidades, ya que los diferentes pasos dependen del diseño del objetivo:

Aperturas de diafragma

La relación entre los números f es que por cada paso la luminosidad se duplica o se divide por dos si la aumentamos o la reducimos respectivamente. Así f11 tiene el doble de luminosidad que f16 y la mitad que f8. Es fácil liarse con los números y la apertura. La forma más fácil de recordarlo es que el menor número f es la mayor apertura y el mayor número f es la menor apertura. Como podéis ver son conceptos inversos. En función del programa utilizado en la cámara la apertura de diafragma se ajusta automáticamente o puede ajustarse de forma manual. Cada objetivo tiene una apertura de diafragma máxima. Si son objetivos con distancia focal fija la apertura máxima es fija, para zooms la apertura máxima puede cambiar según varía la distancia focal o puede ser fija, dependiendo del diseño del objetivo. La apertura de diafragma máxima viene indicada en los objetivos. Por fin vas a entender qué significan esos numeritos.

Diafragma

14-42mm 1:3,5-5,6 significa que el objetivo tiene una distancia focal que varía entre 14 y 42 mm. En su distancia focal mínima (14mm) tiene una apertura máxima de f3, 5, y en su focal máxima (42mm) tiene una apertura máxima de f5, 6. 16-45mm 1:4 significa que el objetivo tiene una distancia focal que varía entre 16 y 45 mm y en todo este rango la apertura máxima es de f4. La distancia focal es un tema que será tratado más adelante, pero para entenderlo fácilmente es el acercamiento o alejamiento que da un objetivo sin tener que desplazarte (zoom). 57

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La distancia focal de una lente es la distancia entre el centro óptico de la lente y el foco (o punto focal). El foco es el punto donde se concentran los rayos de luz. En un objetivo la distancia focal es la distancia entre el diafragma de éste y el foco.

En el siguiente ejemplo vemos una foto tomada desde el mismo sitio variando la distancia focal de nuestro objetivo. Podemos ver cómo según aumentamos la distancia focal aumentamos también el acercamiento. Pero la distancia focal no afecta únicamente al acercamiento. También modifica la perspectiva de la foto.

Los objetivos de las cámaras tienen una distancia focal fija o variable, dependiendo del tipo de objetivo. Al variar la distancia focal conseguimos un menor o mayor acercamiento. Es lo que comúnmente llamamos zoom.

Perspectiva Al modificar la distancia focal, como hemos visto, modificamos el campo de visión. Así, al aumentarla nos acercamos y al reducirla nos alejamos. Esto trae consigo que se modifique la proporción que los objetos ocupan en la foto. Igualmente ocurrirá con el fondo. De este modo, cuando nos acercamos con el zoom a un objeto, también estamos acercándonos al fondo. Este efecto modifica la perspectiva de los objetos y podemos verlo perfectamente.

Así podemos verlo con nuestro amigo Alfred, el patito, en el camping du Lac, cerca de Gruyere. Haciéndole una foto con la distancia focal a 28 mm podemos sacar el fondo completo, con todo el lago. Sin embargo, si nos alejamos de Alfred para hacer que éste ocupe la misma proporción en la escena, y aumentamos la distancia focal a 100 mm podemos ver cómo el fondo no sale completo, y el campo de visión se reduce.

Prespectiva

Autor: Pedro J. Bernal

Cuándo la cámara mide la luz La cámara dispone de un sensor, llamado exposímetro, que mide la luz que entra a través del objetivo. Este dispositivo nos indicará si entra mucha o poca luz para generar la imagen, en base a los ajustes de velocidad y diafragma que hayamos seleccionado. Según el modelo de cámara, se nos mostrará en pantalla una advertencia, o bien la cámara reproducirá un sonido cuando la exposición sea la correcta para la toma de la foto según el encuadre efectuado. Algunos modelos, además muestran una escala de luminosidad, siendo el centro de esta el nivel óptimo de luminosidad para la toma. En este caso, podemos ver si hay poca o demasiada luz en la escena y hacer correcciones sobre la marcha, como vemos a continuación:

En la zona del visor señalada vemos un gráfico dividido en pasos, cuyos límites son “+” o “-”, y con el valor “0” en el centro. El valor “0” indica la exposición correcta, mientras que los extremos indican si la luz es excesiva o insuficiente. En cualquiera de los casos, podremos hacer que entre más o menos luz, como explicamos anteriormente, modificando el diafragma, la velocidad de exposición o la sensibilidad ISO. Además podemos utilizar la compensación.

Compensación de la exposición Las cámaras actuales disponen de una herramienta para compensar la exposición, todo ello sin necesidad de variar los ajustes que hayamos seleccionado anteriormente. Mediante la compensación de la exposición, podremos añadir o restar luz en incrementos, siendo estos fijos o variables, según el fabricante. Es útil para ligeros cambios... Si los cambios deben ser muy evidentes, entonces optaremos por cambiar los ajustes anteriormente citados.

Sistemas de medición Hemos visto que la cámara es capaz de “medir” la luz de la escena... pero realmente ¿qué zona de todo el fotograma mide? Realmente podemos definir la zona a medir, en función de nuestra necesidad o según el tipo de fotografía que vayamos a hacer. Los sistemas y nombres cambian según cada fabricante, aunque son prácticamente los mismos que se muestran a continuación:

Medición puntual El exposímetro mide la luz de un punto concreto de todo el fotograma. Dicho punto estará reflejado en la pantalla del visor. La medición puntual es útil cuando queremos reproducir correctamente un objeto o una zona muy precisa, sacrificando el resto.

Medición ponderada al centro En este caso, el exposímetro mide la luz de todo el fotograma o de una zona concreta reflejada en el visor, y a la vez hace una medición puntual como el caso anterior dando prioridad a esta última. La medición ponderada al centro es muy útil en casos como el retrato, donde se mide la luz de todo el fotograma, pero se da prioridad a la cara del sujeto a fotografiar.

Medición evaluativa La medición evaluativa o de zonas realiza una medición de la luz de todo el fotograma; para ello, divide el fotograma en zonas y mide cada una de ellas. Con todos los registros de cada zona, la cámara establece la medida oportuna para intentar conseguir una exposición correcta. 61

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El obturador es una cortinilla que se abre en el momento de disparar y limita el tiempo que el rayo de luz penetra en la cámara y alcanza el sensor digital. El tiempo que la luz está alcanzando el sensor digital es lo que se llama tiempo de exposición. Es lo mismo que decir que el tiempo de exposición es el tiempo que está haciéndose la foto. El obturador es un mecanismo muy preciso y rápido que permite limitar la exposición a tiempos muy pequeños. Dependiendo de la cámara los tiempos de exposición varían desde segundos (para condiciones de luz muy malas) a milésimas de segundo (para fotografías muy rápidas). Los tiempos más usuales, en segundos, son: …4, 2, 1, 1/2, 1/4, 1/8, 1/15, 1/30, 1/60, 1/125, 1/250, 1/500, 1/1000, 1/2000… En modo manual existe un modo llamado BULB en el que la foto se expone mientras se mantenga pulsado el botón disparador. En el apartado de modos de la cámara veremos qué uso podemos darle a este modo. 62

Aproximadamente podemos hacernos una idea del tiempo de exposici贸n que necesitamos para congelar el movimiento con esta tabla:

Nadador, barca a remo Barco navegando, caballo al paso Ciclista, corredor, caballo al trote, coches lentos Atletismo, f煤tbol, carreras caballos, motor, lanchas Autom贸viles, motocicletas, trenes

3-5

5-15

13-25

25-50

>50

7,5 m

1/ 125

1/ 60

15 m

1/ 60

30 m

1/ 30

1/ 30 1/ 15

7,5 m

1/ 250

1/ 125

15 m

1/ 150

1/ 60

30 m

1/ 60

7,5 m

1/ 500

1/ 30 1/ 250

15 m 30 m

1/ 250

1/ 125

1/ 60

7,5 m

1/ 1000

15 m

1/ 500

1/ 500 1/ 250

30 m

1/ 250

1/ 125

7,5 m

1/ 1250

1/ 1000

15 m 3063m

1/ 1000 1/ 500

1/ 500 1/ 250

Dos ejemplos En la foto de las cascadas el agua aparece sedosa porque aumenté el tiempo de exposición a 4 segundos. Para ello tuve cerrar el diafragma hasta f/32. Para evitar la trepidación utilicé un trípode, ajusté el auto-disparo, no toqué la cámara durante el tiempo que la foto se hizo y utilicé un filtro de densidad neutra para alargar el tiempo de exposición.

En la foto de las gotas de agua utilicé un tiempo de exposición muy bajo para congelarlas. Sin embargo unas gotas quedaron más congeladas que otras. Esto ocurre porque las gotas iban a una velocidad diferente. Utilicé un tiempo de 1/200 segundos, apertura de f/10, ISO100, trípode y flash inalámbrico para iluminar el fondo (que se refleja en el agua).

Tiempo de exposición y velocidad de exposición son lo mismo En fotografía se utilizan ambos términos, pero significan lo mismo, solo que el orden de magnitud está invertido. Así, reducir el tiempo de exposición es lo mismo que aumentar la velocidad y viceversa.

Trepidación y movimiento La trepidación es el efecto que se produce cuando una foto sale movida por un tiempo de exposición demasiado largo o por no controlar el movimiento de la cámara. Al hacer una foto debemos tener en cuenta el movimiento de los objetos para decidir entre un tiempo de exposición u otro. Los siguientes elementos pueden influir en la trepidación o el movimiento de los objetos: El movimiento de la cámara al hacer la foto: Cuanto más quieta esté la cámara en el momento del disparo más fácil será obtener una imagen nítida. No es lo mismo hacer una foto con un trípode apoyado en el suelo que desde un coche en movimiento. 65

El movimiento de los objetos en la foto: Debemos evaluar que los objetos que fotografiamos se mueven y pueden hacerlo a velocidades distintas. No es lo mismo fotografiar un niño pequeño (se mueven endemoniadamente) que una modelo profesional que sabe estar perfectamente quieta. No se mueve igual de rápido un coche de carreras que una persona en bicicleta. La cantidad de luz ambiental: Cuanto mayor sea la cantidad de luz más fácil será utilizar un tiempo de exposición bajo y así evitar una foto movida. No es lo mismo hacer una foto a plena luz del día en la calle que dentro de una casa. Esto podemos tenerlo en cuenta a la hora de hacer un retrato en interior. Será más sencillo si el modelo se encuentra cerca de una ventana. El objetivo que se está utilizando: Cuanto mayor es la distancia focal (zoom) mayor es la probabilidad de trepidación (foto movida). Un objetivo con estabilizador reducirá las probabilidades de trepidación, aunque los objetivos estabilizados tienen sus límites. No es lo mismo hacer una foto panorámica que una foto con un teleobjetivo a un futbolista.

A continuación pondré 4 ejemplos y explicaré porqué el resultado ha sido bueno o malo.

1. La primera foto ha sido buena porque se ha utilizado un tiempo de exposición lo suficientemente bajo como para congelar el movimiento del perro saltando y del agua saliendo. 2. La segunda foto ha sido mala porque al ser el tiempo de exposición tan alto ha quedado trepidada. 3. La tercera es correcta porque ha tenido se ha utilizado un tiempo de exposición lo suficientemente bajo como para dejar la escena estática. Sin embargo tampoco entrañaba dificultad, ya que no contenía elementos que se movieran demasiado. 4. La cuarta ha sido mala porque no se ha utilizado un tiempo de exposición lo suficientemente bajo como para congelar los aplausos de Mario. 66

¿Cómo evitar las fotos movidas? Una fotografía no tiene porqué ser perfectamente estática. El fotógrafo puede querer obtener una sensación de movimiento en cierta toma a base de aumentar el tiempo de exposición y así dejar zonas de la foto movidas. Algunas de las técnicas que veremos más adelante así lo hacen. En cualquier caso para evitar fotos movidas (bien por trepidación o por movimiento de algún objeto de la escena) se tiene que reducir el tiempo de exposición y para ello puede ser necesario modificar otros parámetros: Apertura de diafragma: Abriendo el diafragma llega más luz al sensor y se reduce el tiempo de exposición. Sensibilidad: Aumentando la sensibilidad se reduce el tiempo de exposición aunque aumenta el nivel de ruido. En la foto de la derecha vemos cómo hay trepidación. Nada en la foto aparece enfocado ni nítido, se nota especialmente en el suelo empedrado. Está tomada con los siguientes parámetros: Además hay otros modos alternativos de evitar trepidación: Tiempo de exposición: 1/5 segundos Apertura de diafragma: f5.6 Sensibilidad: Iso 1600 Distancia focal: 53 mm Dicha apertura de diafragma es la máxima del objetivo que estaba utilizando en ese momento a 53mm, la sensibilidad era la máxima que la cámara podía aportarme. Y aun así la foto me salió movida. ¿Qué podía haber hecho para evitar que me saliese movida?

Reduciendo el movimiento de la cámara: Utilizar un trípode o apoyarse en una pared, una barandilla o una farola ayuda bastante. Utilizando objetivos o cámaras con estabilizador de imagen. También utilizar objetivos luminosos que permitan abrir el diafragma más, o cámaras que tengan sensibilidades altas. Lo malo es que todas estas prestaciones se pagan. Aportando iluminación artificial: Flash, focos, reflectores, encender una luz… 67

Ten en cuenta que...

El agua se mueve (evidente), pero hay que tenerlo en cuenta y saber si se quiere congelar su movimiento o al contrario. La cámara se mueve si el fotógrafo va dentro de un medio de transporte o si el fotógrafo se está moviendo. Si haces una foto hacia afuera de dicho medio de transporte ésta puede salir movida. En exposiciones largas en las que la cámara está apoyada sobre algo o sobre un trípode, simplemente al apretar el botón de disparo puedes estar moviendo la cámara. Para evitar esto utiliza el auto disparador retardado o un disparador remoto. Los niños y los animales se mueven mucho más de lo deseado. El viento mueve árboles, arbustos, banderas, pelo, etc… Si una foto tiene un tiempo de exposición relativamente alto pueden salir más movidos de lo deseado. Durante los doce minutos de exposición de la siguiente foto nocturna los árboles se movían por el viento y las estrellas dejan un rastro provocado por el movimiento de la tierra.

Foto en movimiento

En una misma escena puede haber objetos que se mueven a distinta velocidad. Esto igualmente no es malo, pero hay que controlarlo. En el siguiente ejemplo, tanto la cámara como la modelo viajan a la misma velocidad, pero los árboles no viajan. Por eso ella ha quedado nítida y los árboles movidos, aumentando la sensación de velocidad. En la foto del coche se puede apreciar cómo no todo en una foto se mueve a la misma velocidad. Fue tomada a 1/250 segundos. Ese tiempo de exposición fue suficientemente corto como para congelar el movimiento del coche, pero no el movimiento de las ruedas. Sin embargo, este efecto fue buscado, ya que le da mayor sensación de acción y movimiento a la foto. Apoyarte en algo rígido puede ayudar si no dispones de un trípode. 69

Autor: Pedro J. Bernal

El ISO es la sensibilidad del sensor, a modo de las películas fotográficas que estaban catalogadas como ASA, según su grado de sensibilidad a la exposición de la luz. En el caso de la cámara digital, el ISO no se corresponde de una cámara a otra, sino que es un valor orientativo marcado por el fabricante, siendo desigual incluso en cámaras de la misma marca. El valor más bajo indica muy poca sensibilidad, y por tanto se usa en ambientes de mucha luz. El valor más alto indica mucha sensibilidad y se usa en ambientes de poca luz. Los valores intermedios irán en función de la escena a fotografiar así como los valores de velocidad de obturación y diafragma que seleccionemos. Tanto los valores mínimos como los máximos, también varían de un fabricante a otro... Así podemos encontrar cámaras con un valor de sensibilidad mínima de 50 ISO o 100 ISO. Por ejemplo, si vamos a fotografiar en la playa, con un sol radiante, utilizaremos un valor ISO mínimo (50, 100...) ya que habrá demasiada luz y podría sobreexponer nuestra imagen (imagen quemada); por ello necesitamos una película (en este caso la sensibilidad del sensor) poco sensible a la exposición de la luz. El ejemplo contrario sería el de una escena en una habitación con muy poca luz o una escena nocturna; como hay poca luz en el ambiente, necesitamos una “película” muy sensible a la luz (de nuevo, en nuestro caso un valor de sensibilidad del sensor) como puede ser ISO 800, ISO 1200, etc... Según el fabricante. 70

Veamos un ejemplo práctico para comprender mejor este tema: Estamos ante una situación de poca luz ambiental Necesitamos que el sensor sea lo más sensible posible para que plasme toda la luz posible con los mismos ajustes de la cámara.

ISO 200

ISO 800

Veamos la foto anterior e imaginemos que tienen los mismos parámetros en cuanto a diafragma y velocidad de obturación. En el primer caso, utilizando una sensibilidad ISO 200, la fotografía no obtenía la luz necesaria para una correcta exposición. Para ello, se cambió la sensibilidad a un valor más alto, con lo que el sensor se volvía más sensible a la luz, y como consecuencia la imagen es más luminosa.

Sensibilidad y ruido de la imagen Ahora puede aparecer la duda (otra más) sobre qué tipo de ISO utilizar en cada fotografía. Siempre deberemos utilizar el valor ISO más bajo posible (es decir, el menos sensible). Esto es porque la cámara digital ofrece su mayor calidad cuanto más bajo es el ISO; conforme mayor es el valor ISO, la imagen pierde calidad en cuanto a definición de las formas, así como comienza a aumentar el ruido de la imagen (llegando a convertir la imagen en inservible en los valores máximos de la cámara). Por ello, deberíamos subir el valor ISO conforme a las condiciones de luminosidad, en cuanto a que no nos permita hacer la foto a la velocidad y diafragma deseado.

La imagen de abajo a la izquierda, con un valor ISO de 100 no presenta ruido apenas. La imagen de abajo a la derecha, con un valor ISO de 1000 presenta ruido apreciable en la cara del sujeto.

El ruido de la imagen puede ser eliminado en parte por muchos programas de tratamiento digital de imágenes, pero estos programas no hacen milagros; unas veces podrán salvarnos una imagen, pero deberemos intentar huir de la aparición del ruido. Un buen consejo es hacer varias fotos con nuestra cámara, probando diferentes valores y ver las variaciones. ISO, y ver el ruido que ofrece cada imagen. Sólo de esta manera conoceremos la calidad de la imagen de nuestra cámara, y como consecuencia podremos establecer el límite hasta donde podemos aumentar la sensibilidad del sensor.

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El sensor de las cámaras fotográficas está compuesto por millones de pequeños semiconductores de silicio, los cuales captan los fotones (elementos que componen la luz, la electricidad). A mayor intensidad de luz, más carga eléctrica existirá. Sensor (Semiconductores de silicio)

Estos fotones desprenden electrones dentro del sensor, los cuales se transformarán en una serie de valores digitales creando un píxel. Por lo tanto cada célula que desprenda el sensor de imagen se corresponde a un píxel o punto. El sensor hace las veces de película en la fotografía digital. El resultado del sensor, ya traducidos a formato binario, se guarda en las tarjetas de memoria en forma de ficheros de imagen. Sin entrar en detalles decir las dos tecnologías más populares del mercado de sensores son CCD y CMOS.

¿Qué es un megapixel? Un megapixel es un millón de pixeles o puntos. La resolución de los sensores se mide en megapixels. Son el número de puntos o pixeles que contendrá una imagen producida por un sensor. Por ejemplo si una imagen tiene un tamaño de 3888 puntos de largo y 2592 de alto, la resolución del sensor será la multiplicación de ambos, es decir 3888 x 2592 = 10077696 pixeles = 10,1 megapixels. Podemos decir sin miedo a equivocarnos que cuantos más megapixels más tamaño tendrá el fichero de imagen que obtenemos.

Entonces parece que cuantos más megapixels mejor ¿no?. Bueno es cierto que cuantos más megapixels mayor será la resolución del sensor pero ¿es la resolución del sensor la que limita la calidad de las fotos?

43mm). Heredado de este formato estandarizado a principios del siglo XX, los sensores de fotograma completo tienen aproximadamente esa medida. Sin embargo, la mayoría de las cámaras DSLR no disponen de un sensor de ese tamaño, sino más pequeño, por ello se produce una pérdida o recorte en el campo de visión de los sensores más pequeños. Este formato de sensor se llama APS. Los sensores de 35mm se llaman Full Frame o de fotograma completo.

Habitualmente no. Las lentes suelen estar muy por debajo de la resolución del sensor y por tanto si lo que buscas es calidad y nitidez es más importante tener unas buenas lentes que tener un buen sensor. También influye el tamaño físico del sensor. Aquí burro grande. Nada tiene que ver el sensor de 10 megapixels de una cámara compacta, cuyo tamaño es bien pequeño, con el tamaño de un sensor de 10 megapixels de una cámara DSRL profesional.

Tamaño del sensor El tamaño universal de un fotograma de película para cámaras réflex o SLR es de 35mm de largo (la diagonal es de

Sensor de tamaño

En la imagen anterior podemos ver el recorte de un sensor APS sobre un sensor full frame de 35mm. Esto afecta a la distancia focal de nuestros objetivos, ya que al sufrir las imágenes un recorte sobre la imagen, las distancias focales que tienen no son a efectos prácticos las que podemos ver en nuestras fotos. Cada sensor tiene lo que llamamos un factor de equivalencia para poder convertir las distancias focales de nuestros objetivos a las distancias focales efectivas. Así, multiplicando por dicho factor de equivalencia obtenemos la distancia focal real de la foto.

¿Y qué es mejor? ¿APS o Full Frame? Pues una vez más depende de para qué lo utilicemos. Si utilizamos la cámara para fotografía de interiorismo probablemente prefiramos tener un sensor full frame que me permita utilizar un ojo de pez de 12mm reales que no se convierten en 20mm. E igualmente si utilizamos la cámara para fotografía de deporte preferiríamos un sensor APS, donde un teleobjetivo 300mm se convierte en uno de 480mm al mismo precio y con menos peso. Eso sí, ojo al comprar objetivos, que no todos valen para full frame.

Ejemplo La 1DS Mark III de Canon es full frame, con lo que su factor de equivalencia es 1. Así un objetivo de 50mm es en efecto 50mm. Si utilizamos el mismo objetivo en la 1D Mark III (la 1D normal, no la 1Ds), que tiene un factor de equivalencia de 1,3, esos 50mm equivaldrían a 50 x 1,3 = 65mm. El mismo objetivo en la 450, que tiene un factor de equivalencia de 1,6, equivaldría a 50 x 1,6 = 80mm. De la misma forma un objetivo 17-50mm equivaldría a un 27-80mm tradicional. 77

Proporciones del sensor No todos los sensores tienen las mismas proporciones entre el alto y el ancho. De este modo hay fabricantes que utilizan formato de 4:3, otros de 3:2 y otros (aunque es menos común) de 16:9, cada uno de ellos más apaisados.

Sensibilidad Los sensores de las cámaras pueden trabajar a diferentes sensibilidades. De este modo, a mayor sensibilidad, mayor cantidad de luz son capaces de captar. La sensibilidad es un parámetro más que puedes configurar en tu cámara en cada foto que disparas. La sensibilidad se mide según el estándar ISO, en el cual cuanto mayor es el número mayor es la sensibilidad. Son sensibilidades típicas 100, 200, 400, 800, 1600. En cada uno de estos saltos se obtiene el doble de sensibilidad. Así, una 78

cámara en ISO 200 tiene el doble de sensibilidad que una tomada a ISO 100. Muchas cámaras permiten además utilizar valores intermedios como 600 ó 1200. Por desgracia no todo son ventajas al aumentar la sensibilidad de nuestra cámara. Al hacerlo estamos perdiendo definición y aumenta el nivel de ruido. El ruido son unos puntos de colores que van apareciendo, especialmente en las zonas oscuras.

En estas fotos podemos ver cómo afecta la sensibilidad del sensor al nivel de ruido. Según aumentamos la sensibilidad aumenta a la vez el nivel de ruido.

ISO 100

ISO 400

ISO 1600

Resumiendo, a menor sensibilidad mayor calidad de imagen y a mayor sensibilidad peor calidad de imagen.

Elección de la sensibilidad Entonces ¿cuál es la sensibilidad que debo elegir al hacer una foto? Eso dependerá siempre de la cantidad de luz que haya, pero siempre trata de elegir la menor sensibilidad posible, y así obtendrás mayor calidad. Utiliza sensibilidades altas para condiciones muy bajas de luz.

Como guía muy básica: Para fotografías al aire libre con bastante luz o para sujetos estáticos, se puede utilizar una sensibilidad ISO 100. Ésta proporciona la máxima definición. También se recomienda para fotografías nocturnas con tiempos de exposición muy largo.

leobjetivos y para congelar el movimiento de sujetos muy rápidos. En el caso de esta foto nocturna se utilizó ISO400 para conseguir congelar el movimiento de los lazos (aumentar la velocidad de exposición) en condiciones de luz bastante pobres.

Para un uso mixto se recomienda una sensibilidad ISO 200, que es un punto intermedio entre definición y velocidad.

A partir de ISO 400 cuando estés más a oscuras, pero ten en cuenta que a partir de aquí la pérdida de calidad es notoria. Pero recuerda que esto es una guía muy básica para empezar. La cuestión es siempre tratar de elegir la sensibilidad más baja posible en cada foto.

Para condiciones de luz mala, por ejemplo interiores, se recomienda utilizar al menos una sensibilidad ISO400. También son recomendables para objetivos con poca luminosidad, te-

Cuadro de diferencia en densidad entre unos sensores y otros de algunas cรกmaras del mercado.

Autor: Pedro J. Bernal

La luz y su temperatura Una de las características de la luz es su temperatura. Y esa temperatura es la “culpable” muchas veces de que nuestras fotos aparezcan con dominantes de color que tiran al traste el trabajo. Cada tipo de luz tiene una temperatura, medida en grados Kelvin. Así encontramos luces cálidas como la luz de tungsteno (bombilla común), o luces más frías como la luz fluorescente. La luz natural puede tener una apariencia más fría (primeras horas de la mañana) o más cálida (por la tarde). Las cámaras digitales permiten realizar ajustes para compensar esa dominante de cada tipo de luz. Eso es lo que se denomina “Balance de blancos”. Hasta la llegada de la fotografía digital, el fotógrafo debía conocer la iluminación de la escena, así como prever las posibles dominantes de color derivadas de la luz, y utilizar filtros de color para compensar el color resultante en la fotografía. 82

Ahora, con la fotografía digital nos ahorramos el uso de dichos filtros, pudiendo utilizar los ajustes que vienen con nuestra cámara para tal fin. Además, según el modelo de cámara podemos crear un ajuste en función a la luz que haya en la escena, aunque sea la fusión de varios tipos de luces de diferente temperatura. Si conocemos a fondo el comportamiento de este tipo de ajuste, podemos usarlo como efecto creativo, ya que podemos ajustar los blancos de forma errónea pero a propósito, para conseguir fotografía con dominantes de colores tanto cálidos como fríos. Veamos un ejemplo. La siguiente imagen fue tomada por la noche con una mezcla de luz de tungsteno muy tenue, y una luz fluorescente algo lejos.

Para obtener la fotografía se necesitó una exposición de 6 segundos, y se creó un balance de blancos personalizado para el efecto. No obstante, vamos a ver cómo afecta a la misma imagen el empleo de algunos de los ajustes convencionales de una cámara digital cualquiera. Si nuestra cámara lleva la función de personalizar el ajuste de blancos, podemos fotografiar con una cartulina gris en el escenario a fotografiar, para que tome la luz del ambiente.

En el caso de poder trabajar con archivos en formato RAW podemos olvidarnos este parámetro, y aplicarlo después cuando realicemos el procesado de dichos archivos, centrándonos en la correcta realización de nuestra fotografía. Esta es una de las muchas ventajas que tienen los archivos en formato RAW sobre archivos convencionales como los TIFF o el clásico ya JPG. Además de configurar el balance de blancos de un archivo RAW, podremos ajustar la temperatura de color a mano, así como el tintado de la fotografía.

Nublado

Tungsteno

Fluorescente

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El objetivo El objetivo es la parte de la cámara que dirige los rayos de luz hacia el sensor. Consta de una o varias lentes de forma convexa que proyecta los rayos de luz que lo atraviesan en un punto llamado foco. Cuando enfocamos con la cámara en realidad lo que hacemos es hacer coincidir el foco con el sensor de la cámara para obtener una imagen nítida. Con él ajustamos la distancia focal (zoom) y el enfoque. Con una distancia focal de 50 mm se consigue una visión lo más parecida al ojo humano. Todo objetivo tiene una serie de características que lo hacen más idóneo para según que tipos de fotos: Distancia mínima de enfoque: Es la distancia a partir de la cual se puede enfocar. Si tratamos de hacer una fotografía por debajo de dicha distancia el objetivo no podrá enfocar y la imagen saldrá borrosa. Apertura máxima de diafragma: Como vimos en el tema de apertura de diafragma, cada objetivo tiene una apertura máxima de diafragma. 84

Distancia focal mínima y máxima: O el grado de zoom que tiene. Un objetivo puede ser de focal fija o de focal variable (tipo zoom).

Calidad de construcción: Los objetivos profesionales distan claramente en la calidad de construcción con los objetivos domésticos. Permiten un uso más extremo ya que están más preparados para las inclemencias, como la lluvia, el polvo y los golpes. Una vez más, lo bueno se paga.

Estabilizador de imagen: Es un sistema que reduce las vibraciones, evitando trepidación. Facilita que las fotos no salgan movidas y obtener fotos más nítidas. Puede ir integrado en el objetivo y también en el cuerpo de la cámara. La primera opción hace que los objetivos sean claramente más caros aunque es más efectivo. La segunda opción hace que sea más barato, ya que puedes comprar varios objetivos que no sean estabilizados.

Nitidez, distorsión y aberraciones: Los objetivos deforman la imagen, aunque en ocasione sea imperceptible. Esto se da por la forma de las lentes y por la precisión en su proceso de fabricación y hacen que la imagen se distorsione. Las desviaciones (imperfecciones) de las imágenes reales de una imagen ideal predicha por la teoría simple se denominan aberraciones. La suma es estos factores hace que un objetivo sea más o menos nítido y fiel a la realidad.

Enfoque: El sistema de autoenfoque varia en velocidad y precisión según la gama del objetivo. Los de alta gama tienen un autoenfoque mucho más rápido y permite enfocar en condiciones peores de luz. 85

Entendiendo un objetivo Vamos a descuartizar un objetivo concreto para entender cómo es y cómo podemos conocer sus características básicas de un plumazo. En este caso un teleobjetivo 70-300 IS de gama media de Canon: Es un teleobjetivo con distancia focal 70-300 mm. Esto significa que tiene un zoom variable desde 70mm hasta 300mm. La apertura máxima de diafragma es de f4 cuando el objetivo está en el extremo de focal de 70mm y de f5.6 cuando está ajustado a 300mm. Esta apertura máxima es la más habitual en esta gama de objetivos. El sistema de enfoque es Ultrasonic. Canon llama a este sistema USM y tiene distintos grados de USM en su gama. Aunque este objetivo es más o menos rápido y suave enfocando nada tiene que ver con el USM de las gamas altas. Dispone de estabilizador de imagen. La distancia de enfoque mínima es de 1,5, lo que no lo hace un objetivo adecuado para la fotografía macro. En cuanto a la calidad de construcción es un objetivo normal, con un aspecto ni frágil ni especialmente robusto. No es de gama profesional y no está preparado para las inclemencias como la lluvia. 86

En cuanto a la nitidez, distorsión y las aberraciones es bastante fiel. El motivo es que lo que mejor tiene este objetivo son las lentes. Son similares (no digo que sean las mismas) que las que llevan la gama inmediatamente superior de Canon, que ya es una gama profesional. Es un objetivo para aficionados.

Tipos de objetivos: Ojo de pez Proporcionan un campo de visión máximo, llegando a los 180 grados. Crean imágenes muy espectaculares y claramente deformadas. Un ejemplo de ojo de pez es el objetivo Peleng 8mm.

Gran Angular El campo de visión es mayor que el de la visión humana. No llega a ser tan amplio como en los ojos de pez, pero casi. Igualmente las fotos salen deformadas. La foto de ejemplo está hecha con un objetivo Sigma 10-20mm.

Zoom intermedio Es un objetivo indispensable. Cubre un rango de focal entre los 18mm y los 90mm. Son muy versátiles porque te permiten modificar la composición rápidamente sin tener que desplazarte y porque disponen también de algo de gran angular, permitiendo abrir el campo de visión más allá de la visión humana. Las fotos de ejemplo están hechas con un objetivo Tamron 17-50mm.

Teleobjetivo Es el tipo de objetivo indispensable. Suele cubrir un rango de focal entre los 18mm y los 90mm. Son muy versátiles porque te permiten modificar la composición rápidamente sin tener que desplazarte y porque disponen también de algo de gran angular, permitiendo abrir el campo de visión más allá de la visión humana. Las fotos de ejemplo están hechas con un objetivo Tamron 17-50mm.

Todo terreno Son objetivos que cubren un rango muy amplio de focal. Tienen de todo un poco, de gran angular, de zoom intermedio y de teleobjetivo. Si bien no es la mejor opción si lo que buscas es nitidez, luminosidad y calidad, son objetivos muy cómodos porque se evita estar cambiando constantemente de lente y reduce la carga en viajes. Su uso es de aficionado.

Macro La peculiaridad de estos objetivos es que tienen una distancia mínima de enfoque muy baja y son los que menos distorsión ofrecen. Son ideales para la fotografía de insectos.

Clásico 50mm En todos los tipos de objetivo que hemos visto hasta ahora existe la posibilidad de que el objetivo sea de focal fija o variable. Si la focal es fija no podemos acercar ni alejar con el zoom. Éste es un buen modo de esforzarnos más en buscar el encuadre adecuado, ya que tenemos que movernos. Por eso el objetivo de 50mm, que es el que más se asemeja a la visión humana, es recomendado en las escuelas de fotografía para el aprendizaje. Por otra parte, al ser objetivos mucho más simples y con menos lentes son más baratos y ofrecen una gran calidad y luminosidad. Son muy útiles para fotografía de retrato porque su apertura máxima de diafragma suele ser muy grande y eso ayuda a reducir la profundidad de campo y así dar más importancia al retratado.

Objeticos descentrables Es un objetivo cuya construcción permite que el eje óptico pueda moverse, quedando descentrado y alterando el plano de enfoque sobre la cámara. Con él se puede conseguir una aumento de la profundidad de campo o trastocarla, según se vea. Es ideal para fotografía de paisajes y arquitectura y muy útiles en bodegón y retrato.

Catadióptricos Son objetivos que utilizan en su construcción una combinación de espejos curvados y elementos de vidrio. Son muy compactos en relación a su longitud focal. Un objetivo de 500mm puede medir tan sólo 12 cm de largo. Estas ópticas suelen tener una corrección cromática muy buena y pueden enfocar a distancias muy próximas. Como contrapartida suelen ser de enfoque manual y tienen una sola abertura de trabajo (la máxima), que suele ser bastante limitada (f5 o f8). 89

Autor: Pedro J. Bernal

Enfocando... que es gerundio Básicamente, el enfoque puede ser automático o manual. En el caso del enfoque automático, a su vez puede ser simple o continuo. El enfoque es el encargado de desplazar los cristales del objetivo hasta lograr una imagen definida del sujeto, en función de la distancia a la que se encuentra.

Para efectuar el auto-enfoque, presionamos suavemente el disparador hasta la mitad de su recorrido... así se pone en marcha el sistema de enfoque automático, hasta avisarnos de que el enfoque es correcto y podemos realizar nuestra fotografía; entonces, podemos terminar de pulsar el disparador y ya tenemos la fotografía.

En el caso de las cámaras réflex, el enfoque se puede hacer de forma manual a través de un anillo en el objetivo dedicado a esta tarea. En el caso de las cámaras compactas, deberemos darle el valor de la distancia a la que se encuentra el motivo (el funcionamiento difiere según el fabricante, con lo que habrá que recurrir al manual de la cámara). En ambos casos también tenemos la opción “auto-focus” o enfoque automático. El auto-focus funciona igual en prácticamente todas las cámaras.

Bloqueo de exposición y autoenfoque (AE/AF Lock). Una situación que se nos dará a menudo es la de efectuar un enfoque preciso y necesitar encuadrar más tarde; bien porque el sujeto principal se ha movido, bien por un cambio de última hora en nuestra decisión de composición de la fotografía, o bien porque queremos medir la luz de una zona concreta de la imagen y luego hacer el encuadre general.

Para este fin las cámaras disponen del denominado “bloqueo de exposición”. Esta herramienta nos permite medir y enfocar una zona, y mantener el enfoque aunque movamos la cámara. Las dos fórmulas más comunes (dependiendo de nuevo del modelo de cámara) son mediante la pulsación de un botón de bloqueo una vez pulsado el disparador hasta la mitad de su recorrido, pudiendo soltar este último y mover la cámara sin ningún problema mientras mantenemos pulsado el botón de bloqueo. La otra forma, más común, es la de mantener pulsado el disparador hasta que haga la medición y el enfoque, y mantenerlo pulsado mientras encuadramos; una vez estamos listos para hacer la foto, tan sólo tenemos que terminar de pulsar el disparador, y la fotografía se efectuará con los ajustes que se han mantenido mientras teníamos pulsado el disparador hasta la mitad.

Enfoque

Esto es útil para utilizar el centro del visor para medir la luz y enfocar, cuando en cambio el sujeto está desplazado del centro. En cámaras de gama alta disponemos de varias zonas de enfoque repartidas por el visor, que podemos seleccionar una a una para un control más preciso sin necesidad de efectuar el bloqueo.

Tipos de auto-enfoque Hemos hablado anteriormente del auto-focus o auto-enfoque. Mediante éste sistema, la cámara efectúa el enfoque automáticamente de forma precisa, siempre que las condiciones sean las idóneas. Hay dos modos de auto-enfoque, como vemos a continuación: Modo Simple (AF-S). Es el modo más sencillo y más usado. En este caso, la cámara enfoca una zona seleccionada sin más, manteniendo el enfoque hasta que volvamos a repetir la operación. Es el sistema de enfoque óptimo para paisajes o para objetos inmóviles (objetos, retratos...). Modo Continuo (AF-C). En el modo continuo de auto-enfoque, la cámara estará permanentemente enfocando en base a la zona que hayamos elegido. Este sistema es el idóneo para la fotografía de objetos en movimiento o fotografía de acción (aves volando, deportes, vehículos...). 91

Zona de auto-enfoque Al igual que podemos medir una zona concreta del fotograma, al usar el autoenfoque podemos decirle a la cámara qué zona usará para enfocar al sujeto.

Auto-enfoque

Así, y de nuevo dependiendo del fabricante, podemos encontrar sistemas de auto-enfoque como los siguientes:

Modo único Este sistema utiliza únicamente una de las zonas de enfoque de nuestra cámara. Si disponemos de varias, podremos cambiar de una a otra (ver manual de la cámara). Este tipo de enfoque se utiliza para enfocar objetos estáticos en escena. Área dinámica. En este caso la cámara realizará el enfoque sobre una zona de enfoque que seleccionemos, pero detectará si el sujeto se mueve, pasando automáticamente a otra zona de enfoque si así lo estima. Este sistema es interesante cuando seguimos a un sujeto en movimiento donde cabe la posibilidad que se salga de la zona de enfoque que hayamos seleccionado.

Además, el auto-focus puede dejar de funcionar si las condiciones de iluminación no son buenas (por ejemplo si hay poca luz, si estamos enfocando una zona uniforme, un patrón repetitivo de poca densidad, entre otros). En condiciones de poca luminosidad, algunas cámaras van equipadas con una pequeña luz de ayuda, que emite un destello para que la cámara pueda enfocar automáticamente sin problemas.

Modo único

Área dinámico con prioridad al objeto más cercano. Este modo utiliza todas las zonas de enfoque de nuestra cámara para determinar en cual de ellas el sujeto está más próximos a nuestra cámara. Es útil para aquellas escenas en las que el sujeto se acerca a la cámara de forma progresiva.

Área dinámica

Con estas herramientas, no tendremos problema para enfocar cualquier sujeto. Cuando éste no aparece enfocado en la fotografía es cuando decimos que el sujeto está “fuera de foco”.

Área dinámico con prioridad al objeto más cercano

Autor: Pedro J. Bernal El flash, de sobra conocido por todos, nos permite fotografiar cuando la iluminación de la escena es insuficiente. Hasta ahí creo que todo está claro... pero el flash, además es un gran recurso creativo como veremos más adelante. Hoy día, todas las cámaras de consumo llevan incluido un flash fijo o de pop-up; las cámaras profesionales prescinden de él ya que se supone que se usarán en entornos profesionales, con iluminación de estudio o flashes externos profesionales.

El tiempo de recarga suele ser algo elevado comparado con profesionales. Se suele presentar en el mismo cuerpo de la cámara, o bien de tipo “pop-up”, que se levanta cuando pulsamos un botón o cuando uno de los programas automáticos de la cámara así lo requiere

Algunas cámaras, incluyendo flash integrado disponen de una zapata para añadir un flash externo. Pero veamos los tipos de flash que podemos encontrar: Flash interno. Es el flash integrado en nuestra cámara y el más sencillo de todos, se caracteriza por tener poca potencia (al menos la justa para fotos familiares y para resolver alguna que otra situación) pero su consumo también es mínimo. 94

Flash interno

Flash externo de zapata. El más común de los flashes actualmente. Se acopla a la cámara mediante una zapata al efecto. Este tipo de flash tiene gran potencia, un tiempo de recarga menor pero su consumo suele ser elevado. Además dispone de programas propios y pantalla LCD para programarlo. Según el modelo, puede ser más o menos potente (según el denominado número guía), tener mayor o menor amplitud angular, posibilidad de rotar y o bascular el cabezal, adaptarle filtros (difusores para emitir sombras suaves, o de color para efectos más creativos). Suelen llevar un dispositivo que emite un haz de luz que permite evaluar la escena para conocer la potencia que debe usar.

Flash de estudio De gran consumo, a su vez ofrecen la mayor potencia. Permiten varios tipos de conexión con el equipo, y además permiten la utilización de ventanas cuadradas o conos para dirigir la luz de forma más creativa y eficiente. También permiten regular su potencia en algunos casos, o añadir filtros de color o difusores.

Flash externo de zapata

Flash de estudio

Uso básico del flash El flash, de sobra conocido por todos, nos permite fotografiar cuando la iluminación de la escena es insuficiente. Hasta ahí creo que todo está claro... pero el flash, además es un gran recurso creativo como veremos más adelante. Hoy día, todas las cámaras de consumo llevan incluido un flash fijo o de pop-up; las cámaras profesionales prescinden de él ya que se supone que se usarán en entornos profesionales, con iluminación de estudio o flashes externos profesionales. Algunas cámaras, incluyendo flash integrado disponen de una zapata para añadir un flash externo. Flash “normal”. Es el uso convencional del flash, cuando la escena requiere de iluminación extra para una correcta exposición. Flash con “corrección de ojos rojos”. Es el uso del flash mencionado anteriormente, pero que emite unos destellos primero para dilatar la pupila del sujeto con el fin de evitar la aparición del efecto de “ojos rojos”.

Flash “normal”

Flash con sincronización lenta. Uno de los usos más creativos del flash, fruto de la combinación de una exposición lenta, junto con un destello del flash. Existe de dos tipos: “sincronización a la primera cortina” y “sincronización a la segunda cortina”. Cada uno de estos modos funciona igual, diferenciándose únicamente si el flash es disparado al principio de la exposición o al final. Su uso es apropiado para realizar una toma nocturna con un sujeto en primer plano; así, la larga exposición hará que la fotografía muestre el fondo (imaginemos una ciudad de noche iluminada) así como una persona en primer plano (mediante el destello del flash al final de la exposición). Otro ejemplo sería el de fotografiar una estela de un vehículo, pero además queremos que el vehículo aparezca nítido al final de la trayectoria; en este caso usaríamos el flash sincronizado a la primera cortina, que efectuaría una exposición larga para captar la estela del movimiento, y un destello al vehículo al final de la trayectoria para “congelar” al mismo.

Flash de relleno. Aunque fotografiemos de día, el uso del flash es muy importante en muchas ocasiones. En ocasiones la escena contiene mucha luz, y el sujeto puede aparecer algo oscuro. En ese caso forzamos el disparo del flash, con lo que nos iluminará el primer plano (al ser de día no se apreciará de forma brusca). Esa técnica es la conocida como flash de relleno. Cuando utilizamos flashes de estudio, podemos usar el propio de la cámara también para “rellenar” y eliminar sombras no deseadas en la escena; en ese caso, denominaremos al flash de la cámara como “flash de relleno”. Flash rebotado. Es una técnica que se permite con el uso de flashes profesionales con cabezal basculante o pivotante; consiste en rotar o bascular el cabezal del flash para que la luz emitida “rebote” en una pared u otra superficie, de manera que la luz llegue al sujeto de forma difusa, lo que genera unas sombras menos duras y evita algunos brillos no deseados que aparecerían si la luz se emite frontalmente. 97

Accesorio: Se suele llamar accesorio a aquellos elementos que pueden hacer parte de un sistema o de una máquina pero se pueden complementar en un sistema pre terminado, (tienen que ser compatibles) y son necesarios para realizar funciones ejecutadas por medio de la conexión de un sistema y el accesorio, aquellos accesorios tienen que llevar una conexión electrónica para que todos cumplan una función vital dentro de un sistema mutuamente.

Circulo Cromático: Se usa en la clasificación de los colores. Se denomina círculo cromático al resultante de distribuir alrededor de un círculo los colores que conforman el segmento de la luz.

Composición: En fotografía, ya sea fija o en cine, la composición es la forma en la que se ordenan los objetos vistos dentro del encuadre, dentro de lo que efectivamente queda en cuadro.

Diafragma: Es el iris del objetivo a través del cual la luz entra en la cámara y después de atravesar el obturador, llega hasta la película. Está formado por unas laminillas que al solaparse forman un orificio central, denominado abertura, cuto diámetro puede ser regulado para adecuar la exposición a la luminosidad de la escena y al índice de sensibilidad de la película. 98

Difusores de luz: Pantalla que filtra la luz de las lámparas y permite dirigir los rayos luminosos según el efecto deseado.

Distancia Focal: Es la distancia entre el centro óptico de la lente o plano nodal posterior y el foco (o punto focal) cuando enfocamos al infinito. La inversa de la distancia focal de una lente es la potencia.

Enfoque: Es lograr que la imagen de un objeto que se produce en el foco de una lente sea captada con claridad sobre un plano u objeto específico, es decir; conseguir en el visor de una cámara fotográfica que la imagen que se busca capturar quede en el centro del plano

Estudio Fotográfico: Es un espacio de trabajo así como también una corporación. Como espacio de trabajo, es similar a un estudio artístico, pero en un estudio fotográfico también se da lugar a la toma, desarrollo, impresión y duplicación de fotografías.

Exposímetro: Es el fotómetro empleado en fotografía. Se trata de un dispositivo que da la medida de la exposición en EV (exposure values) o en combinaciones de diafragma/velocidad de ob-

turación equivalentes. Aunque hoy día la gran mayoría de las cámaras llevan un exposímetro incorporado, los exposímetros manuales son un accesorio de gran utilidad, especialmente en situaciones de iluminación difícil.

Flash: Es un dispositivo que actúa como fuente de luz artificial para iluminar escenas enfotografía. El flash es una fuente de luz intensa y dura, que generalmente abarca poco espacio y es transportable.

ISO: La sensibilidad ISO marca la cantidad de luz que necesita nuestra cámara para hacer una fotografía. Este concepto, que viene arrastrado de la fotografía convencional, se mantiene en la fotografía digital, aunque sus fundamentos son algo diferentes.

Mezcla aditiva: La mezcla o síntesis aditiva es un sistema de formación del color en el que los colores se consiguen sumando luces con distintas longitudes de onda, es decir, en el que la suma de luces forma el color.

Moduladores de luz: Es un valioso elemento para la experi mentación de los problemas del diseño con luz. 99

Objetivos de cámara:

Trepidación:

Se denomina objetivo al dispositivo que contiene el conjunto de lentes convergentes y divergentes y, en algunos casos, el sistema de enfoque y/o obturación, que forman parte de la óptica de una cámara tanto fotográfica como de vídeo.

Viene derivada de la palabra Trepidar, que según la definición del diccionario de la Real Academia Española, es un verbo intransitivo, que tiene dos definiciones: Temblar, vibrar o estremecerse (una cosa) con movimientos breves y rápidos: Los edificios trepidan cada vez que un tren subterráneo pasa bajo sus cimientos. Titubear o dudar (una persona) antes de tomar una decisión: Importante o hacer algo.

Punto Focal: Llamamos punto focal, en las cámaras fotográficas y otros instrumentos ópticos, al lugar del espacio en el que convergen, tras haber atravesado el objetivo, los rayos luminosos procedentes de un punto determinado del objeto o sujeto que se está enfocando.

Sección Aurea: Es una proporción entre medidas. Se trata de la división armónica de una recta en media y extrema razón. Esto hace referencia a que el segmento menor es al segmento mayor, como este es a la totalidad de la recta. O cortar una línea en dos partes desiguales de manera que el segmento mayor sea a toda la línea, como el menor es al mayor.

Simetría: Es un rasgo característico de formas geométricas, sistemas, ecuaciones y otros objetos materiales, o entidades abstractas, relacionada con su invariancia bajo ciertas transformaciones, movimientos o intercambios. 100

En fotografía, cuando se hace alusión a los “lentes estabilizados” o “con estabilizador de imagen” se suele dar como característica sobresaliente de los lentes que incorporan esa tecnología el hecho de que permiten realizar tomas a tres o cuatro velocidades más bajas.

Trípode: Es un aparato de tres partes que permite estabilizar un objeto. Se usa para evitar el movimiento propio del objeto. La palabra se deriva detripous, palabra griega que significa tres pies. El trípode tiene tres patas y su parte superior es circular o triangular.