Punto Focal de los espacios abiertos by Yoly González

ISBN 84-8016-059-4 Diseño y Diagramación Yolianny González Asesora y Coautoría Ninoska Torres PRIMERA EDICIÓN Copyright Está obra no puede ser reproducida, total o parcialmente, sin autorización escrita del autor. Impreso en Venezuela. Ave. Cardenal Quintero, Mérida. Editorial Dinamica 13

En este libro usted encontrará información actualizada sobre lo que es LA FOTOGRAFÍA NATURAL O DE EXTERIORES PROFESIONAL, como sus accesorios, como trabajar en espacios abiertos, técnicas y consejos prácticos para obtener buenas tomas, las horas más adecuadas de tomar fotografías entre otros. Es un libro de recopilación de guías de fotografía y de aportes de fotógrafos profesionales como Pedro J. Bernal, Mario Peréz, David Childers y Pep Costa; que constan de dos capítulos completos. El primer capítulo se denomina EXTERIORES, en el cual se habla sobre los accesorios indipensables en fotografía en exteriores, fotografía en localizaciones (modelos), retrato y paisaje. El segundo capítulo denominado TÉCNICAS, se dan consejos y técnicas prácticos, luces adecuadas (amaneceres y atardeceres), fotografía en acción, fotografía nocturna, blanco y negro, reportajes y espectáculos. La siguiente edición se presenta así: Primer capítulo Exteriores. Luego: Segundo capítulo TÉCNICAS y por último un glosario sobre términos fotográficos, con algunas palabras técnicas y sus significados. El ideal de los escritores del presente libro, es compartir experiencias para que por medio de él usted logre fácilmente lo que a todos ellos les ha costado tanto: montar su propio estudio, utilizar las luces adecuadas en cada toma fotográfica y tener una perfecta fotografía. Esperemos que este libro le agrade y que con sus consejos sencillos pronto lo conviertan en el gran fotógrafo profesional, que desea. Yolianny González

Autor: David Childers

Disponible en: http://www.xatakafoto.com/clubpreview-sf/28035

Una funda Puede parecer muy obvio, pero mucha gente va por ahí sin una funda que proteja su cámara de un golpe fortuito, un café derramado o cualquier otro imprevisto, así que es lo primero con lo que deberemos hacernos.

Memorias SD y baterías extra Si quieres dar el siguiente paso, lo primero es no perderse ninguna foto por culpa de una batería agotada o de una memoria SD llena o que da problemas. Una de reserva en la funda será tu tabla de salvación en más de una ocasión.

Trípode Ya sea uno minúsculo y ligero para nuestra cámara compacta o uno más sólido para la cámara réflex, un trípode nos ayudará no sólo a mejorar los autoretratos o las fotos de grupo en las que quiera aparecer el fotógrafo, sino que nos permitirá explorar muchas más posibilidades, como las largas exposiciones para jugar con la luz o el agua.

Filtros Ahora que ya tenemos una funda, un trípode, memorias SD de más y al menos una batería extra, llega el momento de hacerse con los tres filtros que todo fotógrafo debería tener: el filtro UV, el filtro polarizador y el filtro de densidad neutra. El filtro UV sirve para proteger la lente de arañazos, polvo, rayaduras… pero no afecta a la imagen obtenida, es simplemente un filtro protector. El filtro polarizador es mi preferido, ya que sirve para eliminar reflejos sobre el agua o el vidrio (muy interesante en fotografía de arquitectura) y realzar algunos colores, oscureciendo el azul del cielo y resaltando el verde de las plantas. Además, se puede regular girándolo para acentuar o atenuar el efecto. El filtro de densidad neutra, también conocido como ND, sirve para oscurecer la foto, ideal para aquellas ocasiones en las que necesitamos realizar una larga exposición (para crear el efecto seda en un salto de agua o en el mar, por ejemplo) pero hay tanta luz que ni cerrando al máximo el diafragma conseguimos el tiempo de exposición deseado.

Disparadores remotos

Filtro UV

El disparador remoto es un accesorio para mi cada vez menos necesario gracias a la implementación del Wifi en las cámaras réflex (la Canon EOS 70D y la EOS 6D ya lo incluyen), y que permite el control a través de nuestro teléfono móvil, pero puede resultar interesante si nuestra cámara no lo incluye y no nos basta con los temporizadores de disparo o simplemente queremos poder disparar sin mover un ápice la cámara del trípode.

Intervalómetro

Filtro polarizado

Muchos disparadores remotos también son intervalómetros, y permiten tomar una sucesión fotografías separadas siempre por el mismo intervalo de tiempo. Imprescindible si queremos realizar uno de esos timelapses en stop-motion que tanto nos gustan sin tener que disparar a mano cada minuto durante varias horas

Autor: Pep Costa

Disponible en: http://www.pixel-depot.com/ fotografíadigital

La fotografía de moda es –junto al bodegón y el retrato– la especialidad fotográfica más artística, donde el profesional puede liberar toda su creatividad y explorar los límites de la técnica y percepción de la relación entre modelo, ropa y escenario en el que transcurre la acción. Una de las facetas fotográficas que más suelen llamar la atención cuando empezamos a dar los primeros pasos fotográficos es la fotografía de moda; trabajar con modelos, el glamour de maquillajes, peinados y estilismos seducen a un elevado número de aficionados a la fotografía. ¿Quién no ha hecho un book a alguna persona conocida? “Tú, que sabes de fotografía… Por qué no me haces una sesión de fotos?”.

Puede pensarse que las mejores fotos de moda se realizan en estudio, pero no es así. Los fondos limitan de manera estricta la creatividad, mientras que en exteriores podemos encontrar escenarios mucho más adecuados y sugerentes, en cuanto al color y texturas que se puedan mostrar. Bien es cierto que en el estudio podemos controlar cada uno de los flashes o luces que utilicemos en la sesión y que en localizaciones fuera del estudio apenas solemos tener un único punto de luz, el sol. Aprender a dominar la luz y jugar con ella es uno de los secretos para conseguir una buena fotografía, sin importar qué especialidad trabajemos.

Fotografía en el exterior Modelo: Járolin

Jugar con luz

Una isla

A muchos aficionados a la fotografía se les ponen los vellos de punta cuando ven, tocan o simplemente escuchan términos como Canon EOS 1 D X, Nikon D4 o Hasselblad H4D-60. Son algunos de los monstruos más avanzados y caros que ofrece el mercado. Sin duda una cámara muy cara puede tomar mejores que una sencilla y barata compacta, pero en la fotografía hay algo más importante que el propio equipo fotográfico: la luz.

Aislar al sujeto del fondo suele ser uno de los recursos más habituales en fotografía de moda, ya que casi siempre se quiere remarcar la fuerza de la ropa y centrar toda su atención en ella. La fotografía de moda no deja de ser comercial y el fin de una sesión de fotos profesional, lograr que con las imágenes la ropa que aparece en las fotos se venda mucho más. Es importante conseguir que la atención de quien ve la foto se fije tan solo en ropa y modelo, así que debe jamás debe situarse al (la) modelo ante fondos que puedan distraer la atención. Para aislar al sujeto del fondo existen recursos como la propia iluminación o eliminar (mediante la profundidad de campo) los motivos del fondo que puedan distraer la atención de aquello que realmente queremos destacar

Las mejores imágenes de la historia de la fotografía se han tomado en todas las condiciones lumínicas psoibles, desde tomas a plena luz del día a interiores pobremente iluminados. Lo que hace buena una fotografía es la combinación de técnica fotográfica con el instante decisivo del disparo, el momento de mayor interés. No por disparar a ISO 3.200 una foto ya tiene que ser peor que una capturada a ISO 100, tan solo se trata de aprovechar al máximo la luz existente y –si es posible– controlarla, dominarla y adecuarla a nuestros intereses fotográficos.

El contraluz Una de las formas de aislar al sujeto (modelo) de fondos no deseados si trabajamos en exteriores es situarlo a contraluz, el exceso de luz del fondo hará que éste aparezca “quemado” (muy sobreexpuesto), evitando que la atención de quien ve la foto se pierda en aspectos o colores no deseados; si disparamos con el sol a nuestra espalda el fondo sale perfectamente iluminado, impidiendo que toda la atención se centre en lo que realmente queremos mostrar: ropa y modelo. Uno de los problemas más habituales al disparar a contraluz es la entrada de luz en cámara; es imprescindible trabajar con parasol y buscar el ángulo más adecuado, para evitar que la luz del sol (o cualquier fuente de luz) entre directamente en el objetivo. A veces basta desplazarse un paso lateralmente para conseguirlo. Es importante señalar que si el contraluz es muy extremo, la calidad óptica del objetivo cae –salvo honrosas y muy caras excepciones– en picado. Si el contraluz es muy acusado, es posible corregir parcialmente la diferencia excesiva con un reflector.

Fotografía a contra luz Modelo: Marielis

Profundidad de campo Una de las técnicas más recurridas en la fotografía de moda es utilizar teleobjetivos medios (desde 85 hasta 200mm) y disparar a grandes aberturas. La luminosidad de las ópticas que se emplean en fotografía de moda suele estar entre ƒ/1.4 para las distancias focales más cortas y ƒ/2.8, para las más cercanas a 200mm. Al reducir la profundidad de campo es imprescindible un enfoque perfecto de la zona que se desea resaltar, razón por la que recomiendo el enfoque manual. Habitualmente, utilizamos en modo de enfoque automático el punto central de detección de foco, razón por la cual después debemos reencuadrar la composición y al hacer esto, variamos el plano focal. Al enfocar en modo manual, podemos componer la imagen y desplazar el aro de enfoque hasta el punto que deseemos destacar. En la fotografía de Mairelis se limitó el enfoque al ojo derecho para mostrar el efecto de una nueva máscara de pestañas.

Teleobjetivos ultraluminosos Nada mejor que una óptica muy luminosa y con una focal comprendida entre los 85 y 200mm para conseguir las mejores fotografías de moda fuera del estudio. Dispuse de un maravilloso Carl Zeiss Sonnar 135mm ƒ/1.8, una de las mejores ópticas que ofrece el mercado. Para las fotografías que ilustran este artículo se emplearon aberturas comprendidas entre ƒ/2 y ƒ/2.5, logrando imágenes nítidas y contrastadas.

Fotografía con teleobjetivo ultraluminoso Modelo: Marielis

Teleobjetivos macro

Conclusión

Un recurso menos caro que los teleobjetivos muy luminosos de precios prohibitivos son las ópticas macro de distancia focal en torno a los 100mm ; si bien su diseño óptico no es el más adecuado para la fotografía de moda, el elevado contraste –característico de estas ópticas– puede ser de gran ayuda cuando disparamos con grandes aberturas. Como el resto de ópticas, los macros ofrecen mayor calidad de imagen utilizando diafragmas intermedios y bajos (entre ƒ/8 y ƒ/16), perdiendo resolución lienal y contraste cuanto más abierta sea la abertura que utilizamos.

No hace falta disponer de las ópticas más luminosas ni de una cámara de más de 5.000 euros para conseguir buenos resultados en fotografía de moda. Al igual que en otros campos de la fotografía, la experiencia (disparar muchas fotos) y aprender de los errores son la base sobre la que debemos aprender. Bien es cierto que con ópticas de distancia focal fija y aberturas no mayores a ƒ/2.8 obtendremos mejores resultados que con un zoom “todo-terreno” que cierre a ƒ/6.7, pero siempre debemos recordar que hasta los grandes maestros de la fotografía dieron sus primeros pasos con equipos sencillos. No recomiendo utilizar longitudes focales muy largas, ya que la distancia entre fotógrafo y modelo puede ser superior a 5 metros, haciendo muy difícil la comunicación entre ambos.

Gran angulares La creatividad del fotógrafo y el escenario permiten el uso de angulares en condiciones puntuales, donde se quiera incluir al sujeto a fotografiar (en este caso, la modelo Járolin) en un entorno particular; al situar a la modelo en un espacio abierto, con multitud de puntos capaces de distraer la atención de quien mira la fotografía, se decidió por utilizar un diafragma intermedio (ƒ/6.3), para evitar que el fondo aparezca nítido. Las duras sombras del sol caribeño se compensaron con el uso de un flash de relleno. La fotografía se disparó con el zoom Carl Zeiss 24–70/2.8.

Lejos de ser una especialidad fotográfica cara, la fotografía de moda permite adecuar ciertos accesorios no fotográficos en sustitución de otros más fotográficos y caros. Los reflectores circulares plegables pueden sustituirse por las pantallas que se ponen tras el cristal de los automóviles para evitar que el sol caliente en exceso el interior del coche.

Estas pantallas son plegables y caben en muchos de las bolsas y mochilas de transporte de equipos fotográficos, mientras que unas simples cartulinas blancas resultan el mejor reflector para retratos a corta distancia. La fotografía de moda se basa en la creatividad y en encontrar el punto de equilibrio entre lo comercial y lo artístico y bello. No importa si se carece de maquilladora, si el cabello no luce el mejor de los peinados o si la ropa no es de alta costura; la imaginación y las ganas de conseguir buenas y diferentes fotografías serán los únicos límites de un nuevo género fotográfico para muchos aficionados.

Ejemplo de aislamiento del sujeto Modelo: Marielis

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Elegir el objetivo adecuado Para abordar un paisaje, al igual que el resto de fotografía, deberemos seleccionar cuidadosamente nuestro objetivo. En principio, un angular será más útil, ya que permitirá una mayor profundidad de campo pudiendo obtener primeros planos y planos de fondo con nitidez; no obstante, no se descarta el uso de un teleobjetivo, siempre y cuando queramos centrar la atención en una zona muy concreta a gran distancia, o algún elemento de interés... pero hay que tener en cuenta que los teleobjetivos ofrecen menos profundidad de campo y representan las imágenes con menos perspectiva y profundidad que los objetivos angulares.

Fotografía de paisaje

Cada hora, un color diferente

Busca elementos de interés

Otra recomendación es tener en cuenta la hora del día en la y la estación en que fotografiaremos el paisaje. Las primeras horas de la mañana y las últimas horas de sol ofrecen imágenes muy cálidas, donde dominan los amarillos, violetas y anaranjados en el cielo, y los colores dorados en el paisaje. Durante mediodía, la luz es más fría y muy dura.

El paisaje ofrece interés fotográfico pero, fácilmente puede ofrecer una fotografía demasiado sencilla y aburrida. Para evitarlo, deberemos buscar puntos de interés... Que se vea claramente lo que queremos reflejar, eliminando de la escena los elementos sobrantes que harán su lectura más difícil.

El invierno ofrece menos horas de luz, y los amaneceres y ocasos son de poca duración; podemos encontrarnos con tormentas y nevadas que pueden dar interés a nuestras fotografías. El verano ofrece más horas de luz, pero en cambio los cielos suelen ser demasiado claros, la luz muy fuerte, y las brumas demasiado espesas en las zonas de costa. En esta estación se hace muy útil el uso de un filtro polarizador para obtener cielos muy intensos.

Cuando no tenemos muchos elementos de interés, podemos recurrir a la composición y el recorrido visual. Una técnica interesante es la de utilizar caminos y/o ríos con curvas para añadir un elemento dinámico y de interés a nuestras fotografías. Si no hay elementos de interés claros, podemos jugar con horizontes y planos de profundidad, texturas, colores... Siempre que podamos reflejar un estado de ánimo la fotografía será interesante. También podemos utilizar elementos del paisaje para enmarcar nuestras tomas, como troncos o árboles en primer plano.

Es indispensable evitar las horas en las que el sol está alto, ya que los objetos en la escena carecerán de sombras proyectadas de forma lateral y darán la sensación de ser algo planos; además, la escena carecerá de contraste y los colores no serán muy buenos. 21

Ejemplo de fotografía de una tormenta electríca Ejemplo de fotografía de el mar embravecido

Al mal tiempo... buena cara Un paisaje no necesita de un día espléndido para obtener un buen resultado. Una tormenta puede ofrecer una imagen con fuerza, e igualmente interesante. Los días cerrados o con niebla pueden originar imágenes con una paleta de color limitada, pero con gran dosis de dramatismo (por ejemplo, un bosque con niebla). El mar embravecido también tiene su interés por la fuerza que transmite. Para fotografiar nieve es conveniente abrir dos puntos el diafragma esto es porque, al ser muy brillante, el exposímetro engaña a la cámara y luego las imágenes resultantes son algo grisáceas.

Ejemplo de fotografía de un bosque con niebla y nieve

Uso de filtros

Atardeceres

La fotografía de paisaje se verá agradecida por el uso de, al menos, dos tipos de filtros fotográficos.

Amaneceres y/o atardeceres comparten un flujo de trabajo similar, aunque suelen ser más interesantes los atardeceres, por su carácter más dramático. Para estas escenas, será obligatorio el uso del trípode ya que haremos exposiciones muy largas (velocidad de obturación lenta) en muchos de los casos; para fotografiar el disco solar, mediremos la luz de un punto intermedio de luz (entre la luz del sol y las zonas más oscuras).

El filtro UV, además de proteger el cristal de nuestro objetivo, elimina los rayos ultravioleta, con lo que obtenemos un color más rico con mayor contraste en la escena. El filtro polarizador juega un papel decisivo en algunas tomas paisajísticas, gracias a la posibilidad de filtrar los rayos de luz y eliminar parte de su brillo. Así, un filtro polarizador nos permitirá eliminar reflejos indeseados del mar o un río, obtener cielos de color más profundo o eliminar los reflejos de la luz del sol sobre las hojas de los árboles, obteniendo verdes más profundos es intensos. Otra utilidad del filtro polarizador es la de aumentar el volumen de las nubes, dando la sensación de nubes más esponjosas y voluminosas.

En el caso de amaneceres y atardeceres, y en zonas de mucho frío, es indispensable que el trípode cuente con calentadores en sus patas, para poder manipularlo sin perder sensibilidad en las manos.

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Luz difusa Uno de los principios en la fotografía básica de retrato es usar luz difusa para obtener matices suaves, evitando las sombras duras. Esto se puede hacer utilizando difusores para el flash, utilizando pantallas reflectoras, o simplemente fotografiando en exteriores en días nublados. Durante estos días la luz que incide es difusa, al contrario que los días soleados donde la luz es demasiado dura.

Luz natural Si no tenemos un equipo de iluminación profesional podemos realizar nuestras tomas con luz natural. Para ello, podemos situar nuestro modelo junto a una ventana; podemos cerrar las cortinas si los rayos de sol entran directamente, para evitar las sombras duras.

Enfoque al ojo El elemento de mayor interés en un retrato es sin duda el ojo. Deberemos enfocar siempre a este para que se refleje completamente nítido, a no ser que busquemos un efecto más artístico.

Aire Una regla establecida que también funciona es la de dar más “aire” (espacio vacío) en la zona hacia donde mira el/la modelo. 24

Componer En el retrato también se aplica la ley de tercios. Muy funcional es hacer coincidir uno de los ojos del sujeto con una de las intersecciones de los tercios. En caso de que sea imposible, simplemente descentramos un poco al sujeto a fotografiar. Además, el formato vertical será más apropiado en la mayoría de las ocasiones. El formato horizontal funciona mejor cuando en la fotografía aparece alguna mano del sujeto.

Objetivos: distorsiones y profundidad Como ya se dijo anteriormente, los angulares ofrecen cierta distorsión de los elementos, con lo que en retratos podemos llevarnos más de una desagradable sorpresa. Además, es interesante obtener fondos difuminados que realcen al sujeto a fotografiar; de todo esto deduciremos que los objetivos más adecuados son los teles, por su facilidad para desenfocar el fondo, y además mejor cuanto más luminoso para poder obtener menor profundidad de campo. Tampoco está de más separar al sujeto del fondo para asegurarnos que éste último aparezca desenfocado en la fotografía.

Naturalidad... ante todo Para evitar caer en el retrato rígido, el sujeto puede echar sus hombre un poco hacia adelante (por ejemplo apoyando los codos o el antebrazo sobre las piernas); para los gestos, lo mejor es crear un ambiente distendido... Por ejemplo, puedes quedar primero para conocerle, o establecer conversación antes y durante la sesión.

Reflejar la atmósfera Deberíamos evitar caer en los retratos “secos”, “sin personalidad alguna”; si vamos a fotografiar a un artista, un mero retrato no dirá nada acerca de su personalidad o su genialidad... Para destacar elementos más abstractos, deberemos prestar atención a elementos que puedan ayudarnos a transmitir, así como los fondos. Veamos un ejemplo; vamos a fotografiar a un músico. Si hacemos un retrato tal cual, puede ser un músico, un comercial, un administrativo... Ahora imaginemos que en ese retrato, éste aparece abrazado a su guitarra... ahora sabemos que es músico, y en concreto guitarrista. Pero aún vamos más allá. Utilizaremos un fondo de piedra, con carteles “desgarrados” por el tiempo y algún reflejo de una luz de neón... Ya podemos suponer que lleva tiempo en el mundo de la música, y además es de los que tocan en locales, con lo que su música es más pura que los que sólo pasan por el estudio.

Y para terminar, una cazadora vaquera o de cuero, y la foto en blanco y negro con contrastes muy fuertes.. Ya casi podemos oír la música; casi podemos “oír” acordes y algunas escalas de rock en la escena. Pero ¡cuidado!. Los elementos del fondo deben ser muy cuidados para intentar no restar protagonismo al sujeto a fotografiar.

Punto de vista Aunque podemos utilizar cualquier punto de vista con fines creativos, es recomendable situar la cámara a la altura de la vista del sujeto, o bien algo inferior (muy poco). Esto nos da una visión más real en retratos con planos cerrados que si utilizamos planos picados; si vamos a fotografiar medio cuerpo, enfocaremos a la altura entre pecho y barbilla, y si vamos a fotografiar un plano de cuerpo entero enfocaremos a la altura de la cintura. En el caso de los niños, también deberíamos cumplir esta regla con dos finalidades: primera, desde un ángulo superior se aprecia demasiado el volumen de la frente, llegando a ocultar parte de los ojos; segunda, situados a su altura conseguimos una imagen fiel a la que tiene la madre cuando lo tiene en brazos, donde prácticamente se miran de frente... de nuevo, el resultado es más fiel a la realidad.

Primer plano

Elegir el plano Podemos fotografiar usando un primer plano, un plano de busto, plano americano, plano de cuerpo entero... es decir, planos más o menos cerrados, pero ¿cuando utilizar cada uno?. Si el sujeto tiene rasgos muy concretos, y queremos reflejar su fisionomía, utilizaremos planos cerrado; en cambio, si lo que queremos es reflejar su personalidad, utilizaremos planos más abiertos, apoyándonos (como hemos dicho antes en “reflejar la atmósfera”) en otros elementos como el vestuario, la luz, el fondo...

Plano americano / Tres cuarto

Plano de busto

Disponible en: http://redgrafica.com/Fotografia-en-exteriores-tecnicas

Red Gráfica Latinoamérica

Cuando se hacen fotografías en exteriores, existen varios puntos importantes a los que se debe poner especial atención. Algunos de estos son los relativos al tipo de luz y la temperatura del color dependiendo de las condiciones del clima y la zona en la que se fotografía.

Fotográfiando con día soleado En general las condiciones de sol pleno, proporcionan una fuente de luz y brillante; esto genera sombras y luces muy fuertes y marcadas sobre el sujeto que se quiere fotografiar, más aún si son rostros. También una luz solar fuerte produce perdida de detalles por el fuerte contraste entre luces y sombras. Es recomendable la utilización de un flash de relleno, igualmente es importante el correcto balance de blancos, ya que la temperatura de la luz solar tiende a ser bastante rojiza. Se utiliza una sensibilidad de película baja ( 100 – 200 iso ).

Fotográfiando con cielo nublado En un cielo azul con algunas nubes que lo cubren se perciben sombras escasas y altos detalles. Es ideal para retratos por la luz difusa, que permite un bajo contraste entre luces y sombras. (Se utiliza una sensibilidad media de 200 iso). Cuando el cielo esta nublado o con bruma, se pierden casi totalmente las sombras y la temperatura de la luz es mas azulosa; por esto hay que modificar el balance de blancos para esta condición.

Con cielo totalmente nublado y oscuro, se pueden hacer fotografías utilizando una sensibilidad de 400 iso y si es necesario, también es aconsejable el uso del flash.

Crepúsculo En las horas antes de la caída del sol en la tarde, es necesario utilizar sensibilidades medias entre 200, 400 y hasta 800 iso. Pueden utilizarse velocidades altas de obturación para producir siluetas y resaltar colores en el cielo. Velocidades bajas para capturar detalles y colores. Las sombras alargadas permiten resaltar las texturas de paisajes. Para objetos y personas en primer plano es necesario la utilización del flash. Es recomendable en especial la utilización de accesorios ópticos: teleobjetivos para acercamientos, lentes gran angular para tomas generales de paisajes y lentes de primeros planos y macro para fotografías cercanas de flora y vegetación. Debemos comprender que físicamente es la luz la que permite observar el mundo externo, la captura de imágenes es una técnica que si se aplica correctamente y se suma a la creatividad, podremos tener una imagen de la realidad desde mi propia visión del mundo.

Disponible en: http://www.blogdelfotografo.com/consejos-fotografia-amanecer-atardecer/

La fotografía como es el amanecer y el atardecer. Son dos momentos “muy fotogénicos” del día los cuales todos hemos intentado capturar alguna vez. Si te gusta fotografiar el amanecer o atardecer y no consigues los resultados que buscas, en el artículo de hoy intentaré resumirte los puntos más importantes que tienes que cuidar a la hora de intentar producir este tipo de fotografías. Recuerda, lo que convierte una foto normal en una maravillosa obra de arte son simples y pequeños detalles a los que a veces no prestamos atención.

Planifica tu sesión Aunque a veces el azar y la casualidad pueden producir magníficas fotos de amaneceres y atardeceres, lo cierto es que si quieres estar seguro de obtener buenos resultados necesitas planificar la sesión de antemano. El momento más interesante en un amanecer o atardecer dura apenas unos minutos, es un momento valioso y corto que conviene no desperdiciar. Mi consejo es que localices un buen sitio para disparar con un día o dos de antelación. No te limites a buscar simplemente un buen ángulo desde el que disparar, que también, sino haz que te permita incluir interesantes elementos de primer plano tipo algún árbol, siluetas, entre otros. También conviene observar a qué hora normalmente sale o se pone el sol, ya que te interesará acudir al lugar un rato antes. ¿Y qué me dices el tiempo? La meteorología es otro aspecto muy importante a tener en cuenta: no es lo mismo fotografiar un amanecer despejado que nublado. Cada uno tiene su encanto pero conviene que sepas qué tiempo te espera al día siguiente, así ya vas preparado para tomar la foto exactamente como te la has imaginado. La planificación también consiste en preparar el material y dejarlo todo a punto: mochila, objetivos, batería bien recargada, tarjetas de memoria formateadas, entre otros.

Autor: Mario Pérez

Material A una salida o puesta de sol hay que ir preparado, pero de verdad. Necesitas como mínimo:

Una cámara réflex y objetivos varios, dos por lo menos. Trípode, esencial: la relativa ausencia de luz hace que la cámara requiera, a veces, largos tiempos de exposición. Para evitar que la foto salga borrosa conviene estabilizar la cámara antes. Disparador remoto: Por el mismo motivo si puedes disparar sin tocar el cuerpo de la cámara sería mejor. Yo utilizo un disparador remoto pero también puedes utilizar la función de disparador retardado de tu cámara, de 2 ó 10 segundos.

Composición Recuerda aplicar la regla de los tercios (enlace). Al tratarse de un tipo de fotografía paisajística, esta regla de composición es de (casi) obligado cumplimiento. Respecto al encuadre, por favor, intenta no caer en el error que muchos comenten y es el de fotografiar amaneceres o atardeceres completamente aburridos. Todo ese espectacular paisaje que la naturaleza nos ha preparado necesita de algún elemento destacable que rompa la monotonía y le confiera al amanecer o atar-

decer más vida, más interés. Como decía antes este elemento puede ser un árbol, una palmera, unas rocas o la silueta de una pareja de enamorados abrazados. En cuanto a objetivos, a mí personalmente me gusta disparar la salida y puesta del sol con objetivos de distancias focales pequeñas, algo así entre los 14 y los 25mm, así consigo captar el paisaje en toda su amplitud. No obstante y para poder tener un poco de libertad te recomiendo tener a mano más objetivos de más de una distancia focal: así puedes capturar paisajes panorámicos a la vez que encuadres de mucho zoom donde el sol adquiere mayor protagonismo. Respecto al encuadre, por favor, intenta no caer en el error que muchos comenten y es el de fotografiar amaneceres o atardeceres completamente aburridos. Todo ese espectacular paisaje que la naturaleza nos ha preparado necesita de algún elemento destacable que rompa la monotonía y le confiera al amanecer o atardecer más vida, más interés. Como decía antes este elemento puede ser un árbol, una palmera, unas rocas o la silueta de una pareja de enamorados abrazados. En cuanto a objetivos, a mí personalmente me gusta disparar la salida y puesta del sol con objetivos de distancias focales pequeñas, algo así entre los 14 y los 25mm, así consigo captar el paisaje en toda su amplitud. No obstante y para poder tener un poco de libertad te recomiendo tener a mano más objetivos de más de una distancia focal: así puedes capturar paisajes panorámicos a la vez que encuadres de mucho zoom donde el sol adquiere mayor protagonismo. 33

Exposición Con el tema de la exposición hay que tener un pelín de cuidado. Precisamente el encanto de un amanecer o atardecer consiste en esa luz que emana del sol y hacia la cual apuntamos directamente. Ya sabemos que nuestra cámara en modo automático tiende a equivocarse cuando enfocamos la luz directa, lo cual repercute en unas fotos generalmente subexpuestas (oscuras). Si vas a fotografiar un amanecer o puesta de sol emplea el modo manual o semimanual de tu cámara réflex, podrás jugar con la apertura y la velocidad de disparo y obtener diferentes resultados cada vez, con distintos grados de luz. (Si te asusta todavía el modo manual échale un vistazo a mi libro de iniciación fotográfica).

También tienes que tener cuidado respecto al balance de blancos. Aunque la mayoría de las veces dejando la cámara en el Balance de Blancos automático se obtienen fotografías muy correctas, sucede que los amaneceres y atardeceres tienen una calidez de color (tirando a amarillo/naranja) sin la cual la foto perdería su encanto. Un Balance de Blancos automático detectaría ese tono “cálido” como exceso e intentaría cambiarlo a un color más neutro, algo que no deseamos realmente. Solución: cambia el ajuste del Balance de Blancos y escoge uno que conserve el tono cálido del momento, nublado o sombra por ejemplo.

Silueta de body

Añádele tu Firma.. No produzcas una foto fría, impersonal y anónima de un amanecer o atardecer por favor. Haz una foto distinta, convierte esa salida o puesta del sol en un momento personal dejando alguna pista sutil tuya en la foto: Puede ser un muñeco al que tengas cariño, el coche de juguete de tu hijo, la silueta de tu perro Boby posando en primer plano, o simplemente dispara la foto desde la ventana de tu habitación retratando así aquello que ves todos los días al levantarte por la mañana.

Amanecer en Kanyakumari, Tamil Nadu, India

Disponible en:www.macuarium.com Autor: Pedro J. Bernal

Conocer lo que se va a fotografiar

Objetivos a usar

Lo más importante en la fotografía de acción es conocer la disciplina que vamos a fotografiar; en este tipo de fotografía, lo más importante es captar el momento. Por ello, de nada servirá que seamos técnicamente perfectos si no sabemos anticiparnos a la acción.

En fotografía de acción, casi siempre vamos a hablar de teleobjetivos, pero no debemos dejar de lado los objetivos cortos; el tele es ideal para aislar a un atleta del entorno, y ofrecer una visión más directa de su actuación, desenfocando el fondo. El objetivo corto, en cambio, nos permite ofrecer una visión del entorno donde se celebra la acción, haciéndose ideal para aglomeraciones de personas, celebraciones, fotos de varios atletas y panorámicas de estadios...

Por ejemplo, en motociclismo debemos conocer el deporte para conocer la zona de la pista que nos dará el mejor punto de vista; bien cuando la moto se tumba entrando a una curva, bien cuando la moto sale de esta y sube marchas poniéndose a una rueda. En atletismo debemos conocer cada práctica para elegir el momento y anticiparnos.. sobre todo, anticiparnos; anticiparnos a un salto, anticiparnos a un lanzamiento... También es interesante captar los gestos de esfuerzo, de alegría tras un triunfo, o de decepción. No obstante, los trucos o consejos que se dan a continuación son válidos para cualquier fotografía “puramente de acción”, como puede ser captar el vuelo de una rapaz, por ejemplo.

Captar el moviento vs. congelar Podemos optar por resolver la foto de acción de dos maneras: La primera, es congelar por completo la acción; en este caso utilizaremos velocidades de obturación rápidas... muy rápidas. Así, podemos obtener una imagen congelada de un saltador de longitud en el momento de caer en la arena, donde esta aparezca nítida... o el momento en que un saltador de altura con pértiga está resolviendo el ejercicio en el aire, previo a la caída. En estos casos son acciones que se están terminando... Por el contrario, las acciones que se están desarrollando pueden plasmar la velocidad del ejercicio; para plasmar esa velocidad, utilizaremos velocidades más lentas, y aplicaremos la técnica conocida como barrido. El barrido consiste en utilizar una velocidad lenta de obturación, y seguir al sujeto mientras fotografiamos. Al utilizar una velocidad lenta la imagen saldría movida, pero al ir manteniendo al sujeto enfocado mientras lo seguimos, hacemos que salga desenfocado el fondo pero él aparezca nítido en escena (al menos las partes que no tienen un movimiento excesivo).

Mediante esta técnica, podemos hacer que aparezca nítido un vehículo, y el fondo aparezca desenfocado, mostrando una estela formada por la dirección del movimiento que hemos hecho durante el barrido... Lo mismo ocurre con los atletas, los ciclistas... Ésta técnica requiere de práctica. Tanto para mantener al sujeto enfocado, como para elegir la velocidad de obturación oportuna; según los casos, podemos obtener buenos efectos con velocidades de entre 1/60 y 1/20 si usamos teleobjetivos (ojo, es una referencia únicamente y dependerá del tipo de teleobjetivo que usemos, así como de la velocidad de la acción que se está desarrollando). También es importante, para asegurarnos una buena toma de barrido, dejar preparado el dedo en el disparador, y seguir previamente al sujeto para “disparar” mientras realizamos el recorrido... Una vez efectuamos el disparo, debemos continuar el recorrido hasta que se haya hecho la foto, para evitar trepidaciones y dejar al sujeto fuera de foco en el último instante. 37

Congelado, Saltador de longitud

Barrido, Ciclista

Para conseguir un enfoque óptimo, podemos hacer un enfoque en base a la zona donde dispararemos, dejarlo todo preparado y pulsar el disparador cuando el sujeto pase por la zona deseada; también podemos seguir al sujeto mientras es enfocado, utilizando el auto-focus continuo que ofrecen muchas cámaras.

Uso del flash El flash, en estos casos, también tiene grandes capacidades artísticas sobre la foto. Podemos utilizar el flash para obtener una imagen congelada, ya que nos permitirá una gran velocidad de disparo, además de ofrecernos un relleno de luz (a veces necesarios en zonas de sombra de estadios) y darnos colores muy saturados y gran contraste; Por otro lado, podemos usar la sincronización del mismo para congelar al sujeto después de una exposición a una velocidad de obturación baja. Mediante este sistema podemos obtener el movimiento de la acción (la velocidad lenta hará que nuestro sujeto “dibuje” todo el movimiento que realiza durante la exposición), y además antes de terminar de plasmarse la fotografía, el flash congela la imagen del deportista (o vehículo, o lo que sea), consiguiendo tanto la estela 38

Trepidación de imagen

de movimiento, como una imagen precisa del mismo al final de la trayectoria. Dependiendo de si usamos la sincronización a la primera o a la segunda cortina, el sujeto será “congelado” al principio o al final de la acción... Depende del efecto que queramos conseguir en nuestra toma.

Evitar imágenes trepidadas El uso de grandes teleobjetivos puede dar fácilmente imágenes “movidas” o trepidadas, debido a la velocidad de obturación usada. Para evitarlo, hay una regla válida; usaremos como velocidad mínima la fracción de segundo equivalente a la focal utilizada para la toma; así, si usamos un 200mm. deberemos utilizar una velocidad mínima de 1/250... para una focal de 300mm. usaremos una velocidad de 1/300.

Por supuesto, esta regla es aplicable al uso de focalesmás cortas. Así aseguramos imágenes nítidas, sobre todo si disparamos “a pulso”. Para mayor comodidad y poder utilizar una velocidad menor sin mucho riesgo (teniendo en cuenta que en este tipo de trabajos se nos hará casi imposible el uso del trípode), deberemos utilizar el monópode o monopié que has conocido antes. El monopié ofrece estabilidad a la vez que no limita apenas nuestros movimientos, cuando trabajamos con teleobjetivos.

Cuestión de sensibilidad Anteriormente hablamos de la sensibilidad ISO, que nos permite obtener imágenes más luminosas cuanto más alto es este valor. Básicamente, utilizaremos un valor ISO más alto cuanto menor sea la iluminación de la escena; no obstante podemos utilizar valores ISO más bajos y aumentar el tiempo de exposición de la toma.

Autor: Pedro J. Bernal

Hay que tener cuidado, ya que la cámara digital aumenta el ruido de la imagen cuanto mayor es el valor ISO, y en algunas condiciones y/o valores puede ser destructivo para la imagen. Canto mayor es el valor de sensibilidad ISO la exposición será más luminosa, pero a consta de pagar el precio de una ligera reducción en el detalle (sobre todo en los bordes de las figuras) y en la saturación del color y contraste de la imagen.

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Uso del Flash La mayoría de cámaras digitales, en sus programas de “noche” disparan el flash automáticamente; este programa está pensado sobre todo para primeros planos, pero es absurdo si queremos obtener un paisaje iluminado por la noche, ya que el flash nunca tendrá la potencia suficiente para iluminar los objetos de la escena. Este programa está indicado para motivos en primer plano, donde serán alcanzados por el flash, pero los motivos de planos más lejanos quedarán oscuros al carecer de luz. Por esto es indispensable el uso de funciones manuales para un control absoluto de la exposición de la escena. La fotografía de un paisaje nocturno no requiere de flash, sino de un tiempo de exposición prolongado... y por supuesto, de un trípode. Si lo que queremos es fotografiar a una persona en un paisaje con poca luz (o de noche), lo que se debe hacer es usar el flash en modo sincronizado (ver manual de la cámara, ya que no todas llevan esta función); con el flash sincronizado realizamos una exposición larga, con la que aseguramos que aparezca el paisaje de fondo, y cuando se va a terminar la exposición es cuando se dispara el flash, para emitir la luz necesaria para el sujeto de primer plano.

Fotografía de calles nocturnas, con efectos de luces

Fotografía de ciudad nocturnas, con efectos de luces

Exposiciones muy largas Para exposiciones muy largas, utilizaremos el modo “Bulb” que algunas cámaras incorporan, o el bloqueo de espejo (ambos casos existentes en cámaras digitales réflex DSlr), que permite accionar el disparador para comenzar la exposición y liberar el obturador para dejar pasar la luz al sensor, y de nuevo otra pulsación termina la exposición de la toma. En estos casos, es indispensable utilizar batería bien cargadas, o alimentador si fuera posible, ya que el consumo eléctrico de la cámara se dispara... Además, el tiempo de procesado de cada fotografía, hasta que es guardada en la tarjeta de memoria, se multiplicad de forma considerable.

Con este tipo de fotografía podemos realizar exposiciones de zonas prácticamente sin luz, y aparecerán suficientemente iluminadas. Para este tipo de fotografía, podemos aprovechar la contaminación lumínica de zonas cercanas a ciudades, que aportarán iluminación necesaria en nuestra toma. Una zona fuera de la ciudad, pero que aproveche algo de iluminación lumínica, puede ser tomada en unos 10 segundos de exposición... Si lo que queremos es fotografia las estrellas y la trayectoria derivada del movimiento de la tierra, deberemos comenzar a partir de tiempos de exposición de 15 minutos. La toma de fotografías de monumentos iluminados, no necesitará de más de unos 5 segundos de exposición, ya que estos suelen estar iluminados directamente y además se aprovechan de la iluminación derivada de la contaminación lumínica y/o la luz lunar.

Fotografiar el movimiento de la noche Este tipo de exposiciones largas, podemos representar las ciudades de noche con los coches en movimiento.

Una exposición de unos 4 segundos nos permitirá representar correctamente la ciudad con su iluminación (farolas, rótulos, etc.) y además la trayectoria de las luces de vehículos en movimiento, dando un aspecto muy dinámico a la fotografía (los vehículos como tal no aparecerán, sino la estela de las luces de los mismos).

Fotografiar la luna Al contrario de lo que muchas personas piensan, para fotografiar la luna deberemos utilizar una velocidad rápida de obturación. Esto se debe a que, aunque la escena tenga poca luz, la luna refleja mucha luz solar; además la luna está en movimiento, con lo que una exposición larga podría hacer que apareciera desenfocada. Así, podremos fotografiar la luna con valores como 1/125 en cuanto a velocidad, y una abertura de diafragma de entre f8 a f11. Previamente, enfocaremos de forma manual a una distancia de infinito, y utilizaremos co43

mo sistema de medición la “medición puntual” sobre el satélite a fotografiar. En cambio, otra situación es la de querer fotografiar una paisaje nocturno, con una luna muy bonita en ese momento; técnicamente no es posible, ya que ambas tomas requieren dos exposiciones diferentes. Deberemos realizar una exposición corta (como hemos indicado antes) para fotografiar correctamente la luna (aparecerá el paisaje subexpuesto, e incluso completamente negro dependiendo del tipo de paisaje), y realizaremos una segunda exposición, lenta esta vez, donde se fotografíe el paisaje correctamente (observaremos que la luna pierde el detalle e irradia demasiada luz en la fotografía); luego, en el programa de retoque que utilicemos, crearemos un fotomontaje para incorporar la luna de la primera fotografía a la escena de la segunda fotografía. En este caso, más importante aún es el uso del flash... No sólo para obtener la imagen lo más nítida posible, sino para mantener además el punto de vista en ambas fotografías exactamente igual.

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Blanco y negro digital Con el paso de la fotografía al mundo digital, los procesos convencionales han sido trasladados al “nuevo laboratorio”, y ahora se sigue haciendo el mismo tipo de fotografía que se hacía antes, pero mediante el uso del ordenador y las herramientas de retoque digital. La fotografía en blanco y negro también ha sufrido esa metamorfosis y ahora también disfruta de las ventajas del entorno digital. Antes de nada, hay que tener claro que las fotografías que vayamos a procesar en BN (blanco y negro) debemos hacerlas en color, ya que luego procesarlas de diversas formas, y además, seguiremos teniendo una copia original en color. Si usamos un modo creativo que nos ofrezca la cámara para obtener imágenes en BN perderemos versatilidad en el procesado, estando más limitados, y además no contaremos con el original en color por si nos arrepentimos. Al contrario de lo que muchas personas piensan, la mejor manera de convertir nuestras imágenes a BN no es convertirla directamente a “Escala de Grises”. Hay otras formas que nos dan la posibilidad de corregir tonalidades, consiguiendo un BN profesional. 44

Conversión a modo LAB. Antes hablábamos de modos RGB por el que una imagen estaba compuesta de tres canales, uno para cada color. En el modo LAB, la imagen está compuesta por dos canales de color (A y B) y uno de luminosidad. Para convertir la imagen a BN, seleccionaremos el canal de luminosidad, y a continuación convertimos la imagen a escala de grises (Imagen / Modo / Escala de grises). El BN resultante es de mayor calidad que la conversión directa a escala de grises.

Elección de canal de color. Cuando tenemos la imagen con sus tres canales de color desglosados, podemos usar uno de esos canales como la imagen en BN que queremos obtener; para ello, seleccionamos el canal que más se ajuste al BN que deseamos obtener (Rojo, Verde o Azul) y convertimos la imagen a escala de grises como en el caso anterior. Esto equivale a realizar una fotografía en BN con un filtro de color (en el caso del canal rojo equivale al uso de filtros rojos para obtener cielos con un alto grado de dramatismo).

Mezclador de canales Un método más avanzado que el anterior, y que goza de gran popularidad entre los profesionales es el uso del “Mezclador de canales” de Photoshop. Sus resultados son como usar filtros de cualquier color, con lo que podemos matizar los tonos que deseemos. Para ello, activamos el mezclador de canales mediante el comando “Imagen / Ajustes / Mezclador de canales” en Photoshop. Aparecerá la ventana de mezcla de canales, donde podremos variar la intensidad de los canales de color de la imagen; antes de nada, deberemos activar la casilla “Monocromo” para trabajar con la imagen en BN, y ahora podemos elegir el valor de cada canal. Para conservar la luminosidad de la imagen original, los valores de la suma de los tres porcentajes debe ser 100.

Fotografía de digital

Modo “Escala de grises”

Modo LAB

Modo “Mezclador de canales”

Conocer de antemano lo que ocurrirá Lo más importante para obtener un buen reportaje es conocer de antemano cada una de las acciones que ocurrirán; si estamos fotografiando un acto religioso, deberemos conocer el transcurso del mismo para estar preparados ante cada momento decisivo. SI por ejemplo, debemos fotografiar una manifestación, será indispensable informarnos previamente para conocer cómo se desarrollará.

El valor de la información Disponible en:www.macuarium.com

El reportaje se valora sobre todo por la calidad de la información que transmite. Por ello, será necesario que previamente nos informemos a fondo; deberemos conocer los lugares, costumbres y gentes si estamos haciendo un reportaje sobre una ciudad, para obtener lo más interesante de la misma. Podemos ir previamente para conocer el lugar y sus diferentes puntos de interés. En el reportaje debemos ver la foto como una secuencia de imágenes, y no como una fotografía única. Podemos hacer una fotografía artística muy elaborada, y en cambio puede no transmitir apenas información, ya que es un lugar que será desconocido para muchos... con lo que evitaremos este tipo de fotos, o al menos evitaremos que en las fotos la información de arquitectura, gentes y costumbres no sea todo lo clara que deba ser. 48

Respeto Si vamos a fotografiar a las gentes de cualquier lugar, deberemos hacerlo desde el respeto más absoluto; pidamos permiso siempre que podamos, e integrémonos con ellos. Así, ganaremos su confianza, y además podremos optar a realizar más y mejores tomas. Fotografiar a una persona sin su permiso está considerado un delito, con lo que deberemos tener mucho cuidado si estamos fotografiando tanto en la ciudad como, sobre todo, en la playa. Además, tendremos que tener en cuenta las prohibiciones de lugares como centro comerciales. instalaciones privadas, militares...

“apuntada” con según qué objetivo.Lo ideal sería una cámara ligera y que no haga ruido al disparar, como el caso de las telemétricas; estas pasan desapercibidas. Si no tenemos más opción, pues usaremos la cámara que tengamos, pero con todas las precauciones posibles.

Ante todo... comodidad Si tenemos que movernos mucho y con soltura, llevaremos un equipo ligero; la bolsa deberá proteger perfectamente el equipo, además de darnos la posibilidad de acceder rápidamente al equipo. Deberemos llevar baterías de repuesto, tarjetas de memoria suficientes (está la posibilidad de un disco duro portátil que permite leer tarjetas de memoria y vaciar la memoría).

Integración

Ser transparente

La mejor forma de obtener fotografías naturales de las gentes de un lugar (o incluso cualquier evento social) es integrarse con el personal que participa. Establecer lazos sociales, hablar, reír... todo esto hará que la gente pierda el miedo a la cámara, ante la que se suelen mostrar incómodos en un principio; una vez desaparece ese “miedo”, las fotos empiezan a ganar naturalidad y espontaneidad.

Para realizar un correcto trabajo, no deberemos intervenir ni molestar, porque quizás otros fotgráfos intenta capturar la misma toma fotográfica que intentamos (siempre recordar no estamos solos en el mundo de la fotografía); la acción se debe desarrollar por sí misma y nosotros únicamente debemos reflejarla en nuestras fotografías.

Elegir la cámara

Hay que cuidar la fotografía, y sobre todo tener en cuenta qué queremos fotografiar y qué elementos son necesarios (y los que no) en la escena. Evitemos elementos que rompan la armonía en la fotografía, y prestaremos atención a las líneas dominantes que establezcan la dirección de la vista del espectador.

Si usamos una cámara compacta digital, no tenemos donde elegir, así que éste no será problema. En cambio, si nos dedicamos profesionalmente, el uso de grandes cámaras réflex y objetivos muy grandes puede ser un problema. Si una persona se siente incomoda cuando al fotografían, aún se sentirá más incómoda si está siendo

Interés fotográfico

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Conocer el evento es primordial Ya ha sido comentado anteriormente, tanto para la fotografía de reportaje como la fotografía de deportes, y en este caso también es aplicable: Debemos conocer el espectáculo, o la disciplina cultural para obtener unos buenos resultados y conocer los momentos más interesantes, así como estar preparados para anticiparnos a ellos.

Discreción y normas Algunos espectáculos de danza y música clásica ofrecen sesiones especiales para prensa, con el fin de evitar el ruido de las cámaras fotográficas durante las sesiones normales, así como el uso de flashes. Si vamos a fotografiar un evento con público, deberemos estar sujetos a las normas de la Organización; una que es muy común es la de no utilizar el flash, sobre todo si estamos a pie de escenario, pero hay muchas más. Infórmate bien.

Por esto se hace indispensable el uso de objetivos muy luminosos... Si vamos a fotografiar a pie de escenario, pueden sernos muy útiles tanto un 50 f1.4 (por ser de los más luminosos y contar con la mayor calidad de imagen) como un 28-70 f2.8 que nos ofrece mayor libertad de composición gracias al zoom. Si vamos a fotografiar desde lejos, utilizaremos un tele o un telezoom lo más luminoso posible.. es decir, un f2.8 para toda la focal. En todos los casos será indispensable usar valores de sensibilidad ISO altos, quizás incluso muy altos; con esto, es probable la aparición de ruido en nuestras imágenes. Si en el espectáculo no se mueven demasiado los protagonistas (música clásica por ejemplo), podemos utilizar una velocidad de obturación algo más lenta y y apoyarnos en un monopié.

Condiciones de luz y objetivos Por regla general, la mayoría de eventos suelen ser en lugares cerrados y con poca luz (apenas un foco sobre el artistas, y algunos focos de ambiente). 50

Fotografiar el movimiento Una técnica muy resultona en estos casos, consiste en fotografiar con velocidades lentas de obturación como 1/20. Con esta técnica se plasmará el movimiento del artista, y además no necesitaremos un valor ISO demasiado alto, con lo que la calidad de la imagen será buena. En la fotografía quedará representado el movimiento de las manos o las piernas, dando un enfoque creativo, y muy adecuado sobre todo para eventos de danza.

Encuadre Deberemos prestar mucha atención al encuadre que elijamos, ya que este puede hacer de la fotografía una gran experiencia, o por el contrario puede destrozarla por completo. Los planos muy cerrados (rostros) y los planos muy abiertos (panorámica de escenario) funcionan bien, pero no hay nada como planos de medio cuerpo donde se centre la atención en el artista en plena acción. Si fotografiamos a un guitarrista no debemos de cometer el error de sacrificar las manos. Podremos fotografiar parte de la guitarra (cuerpo o pala), pero nunca las manos; y así con cada músico... Hay que conocer qué es lo importante de cada instrumento para establecer los límites del encuadre.

Al igual, un “palmero” no puedes perder las manos en la fotografía . Si fotografiamos a un bailarín, deberemos fotografiar el cuerpo completo, a no ser que el ejercicio de baile que esté haciendo se centre en el trabajo con las manos únicamente.

Iluminación y ambiente La iluminación de la escena estará limitada a la del escenario, y para la fotografía será insuficiente en la mayoría de casos. Aún así, los focos de colores y los cambios de iluminación aportarán un carácter creativo a las fotografías; es importante estar atentos a los cambios de luces y su comportamiento en escena. En el caso de conciertos musicales, el ambiente puede aportarnos grandes fotografías, como panorámicas de cientos de con los brazos en alto con una atmósfera cargada con luz azulada donde se reflejen los colores de las luces de los focos.

Encuadre La mayoría de eventos ofrecen un gran contraste entre objetos iluminados por focos (artistas) y fondos muy oscuros. En estos casos, realizaremos la medición de luz sobre el artista, eligiendo el sistema de medición puntual; así realizaremos la medición para la correcta exposición del artista, aunque el fondo casi desaparecerá.

Angular: En fotografía, un objetivo gran angular es aquel cuya distancia focal es menor a la del objetivo normal, resultando un ángulo de visión mayor al de la visión humana. Se usa para vistas panorámicas, como paisajes, para periodismo fotográfico y otros proyectos creativos.

Disparador Remoto: La funcionalidad básica es la de poder disparar la cámara a distancia. El disparador cuenta con un pulsador que, al igual que el de la cámara, pulsado hasta la mitad enfoca, y pulsado hasta el fondo dispara.

Exposición (fotográfica): En fotografía, se llama exposición a la cantidad de luz que recibe el material fotosensible (en fotografía química) o el sensor de imagen (en fotografía digital) para que se forme una imagen. Matemáticamente: exposición = iluminancia x tiempo. Como indica la fórmula anterior, la exposición, que se mide en lux segundo, es una combinación del tiempo y del nivel de iluminación recibido por el material fotosensible.

Exteriores: Lugares donde se ruedan esas escenas o secuencias: el realizador localiza exteriores para su película o fotografía.

Imprescindible: Es un adjetivo que hace referencia a aquello de lo que no se puede prescindir. Describe a un ser vivo o una cosa sin las cuales no se puede resolver un problema en particular; en otras

palabras, su participación es absolutamente necesarias. Por ejemplo: el agua es imprescindible para la vida; ningún ser vivo puede existir si no consume una cierta cantidad de líquido al día.

ISO: La sensibilidad ISO marca la cantidad de luz que necesita nuestra cámara para hacer una fotografía. Este concepto, que viene arrastrado de la fotografía convencional, se mantiene en la fotografía digital, aunque sus fundamentos son algo diferentes.

Memoria SD: Es una pequeña tarjeta de memoria basada en tecnología flash- NAND arriba descrita, la cual está diseñada para ser colocada como soporte de memoria en pequeños dispositivos electrónicos modernos tales como cámaras fotográficas digitales, reproductores MP4, teléfonos celulares, etc., los cuales cuentan con una ranura específica para ello.

Nitidez: Es un recurso expresivo con una dimensión objetiva que, en ocasiones, puede encerrar una variedad de significaciones notable, en especial cuando se combina con la utilización de otros recursos.

Obturador: En fotografía, el obturador es el dispositivo que controla el tiempo durante el que llega la luz al dispositivo fotosensible (película en la Fotografía química o sensor en la fotografía digital). Este tiempo es conocido como la velocidad de obtura-

ción, y de él se desprenden conceptos como el congelado o el barrido fotográfico.

Sensor: Es un dispositivo que está capacitado para detectar acciones o estímulos externos y responder en consecuencia. Estos aparatos pueden transformar las magnitudes físicas o químicas en magnitudes eléctricas.

Sensor de la Imagen: Las cámaras de fotos digitales se valen de un elemento conocido como sensor de imagen para captar la luz. Es un chip compuesto de millones de pequeñas partes sensibles a la luz denominadas píxeles (término que deriva de “picture element” o “elemento de imagen”), capaces de capturar una fotografía cuando se las expone.

Trepidación: Viene derivada de la palabra Trepidar, que según la definición del diccionario de la Real Academia Española, es un verbo intransitivo, que tiene dos definiciones: Temblar, vibrar o estremecerse (una cosa) con movimientos breves y rápidos: Los edificios trepidan cada vez que un tren subterráneo pasa bajo sus cimientos. Titubear o dudar (una persona) antes de tomar una decisión: Importante o hacer algo. En fotografía, cuando se hace alusión a los “lentes estabilizados” o “con estabilizador de imagen” se suele dar como característica sobresaliente de los lentes que incorporan esa tecnología el hecho de que permiten realizar tomas a tres o cuatro velocidades más bajas.