HardRock Nº1

HardRock

2016 Nº1 Marzo

Era Vintage Led Zeppelin Top 10 Rock Lynyrd Skynyrd ¿Quién telonea?

Angus Young En Vivo!

B.B.King

Eric Clapton y la canción maldita

Anímate a tocar La escala Blues

The spirit of rock-n-roll since 1946

Sumario ¿Quién telonea?

Entrevista a Angus Young

Pag. 5 Editorial Editor Doraemon Gerente Lion Kennedy Publicidad Charles Chaplin Distribuidora La Corporación Paraguas Fotomecánica Satoshi Ketchup Impresión Imprenta UCV

Era Vintage Led Zeppelin The Song Remains the Same

Pag. 9 Eric Clapton y la canción maldita

Pag. 13 Top 10 Rock Los hits de Lynyrd Skynyrd

Pag. 17 En Vivo!

B.B King y su música

Pag. 19 Anímate a tocar!

La escala Blues Notas de libertad

Pag. 23 La revista HardRock no se hace responsable de la opinión de sus colaboradores ni se identifica necesariamente con lo publicado

Créditos Coordinación y redacción ténica Franz Mazeppa Federico Chopin La Sorda de Portici Piotr el Cascanueces Hua Sheng Fotografía J. Jonah Jameson Diseño y maquetación Yongtse Ng Colaboradores Agente 008 Eliphas el Heredero Frank Castle Los Caballeros de Oro

¿Quién telonea?

Angus Young

Efemérides Angus McKinnon Young (Glasgow, Escocia, 31 de marzo de 1955) es un músico escocés nacido en Glasgow, conocido por ser uno de los miembros fundadores y el principal guitarrista del grupo AC/DC, aparte de ser el único miembro que ha permanecido en la banda desde su inicio.

Fue introducido en el Salón de la fama del Rock and Roll junto a los miembros actuales de la banda en el 2003. Es conocido por sus salvajes y enérgicos movimientos en el escenario, y su peculiar uniforme de colegial. Además, en el año 2014 se sitúa en el puesto número 96 de los 100 mejores guitarristas de todos los tiempos, concedido por la revista Rolling Stone,3 y en el puesto 24 en una nueva edición de 2011 de los 100 mejores guitarristas de todos los tiempos, también por la revista Rolling Stone,4 y en el puesto número 20 de la lista “los 100 mejores guitarristas”, de la revista Total Guitar.5

D

ESPUÉS de casi cada oración, Angus Young deja escapar un sonido difícil de olvidar: una risita rasposa irreprimible, enronquecida por un millón de cigarrillos. “Por algo me llamo Young [joven]”, dice el diminuto guitarrista principal de AC/DC, explicando la fuente de testosterona que ha mantenido funcionando a la banda australiana durante casi treinta años.

“El pelo desaparece, los dientes se caen”, dice, con otra risita.

“Pero es un sacrificio pequeño a cambio de toda esa excitación en los oídos.” A los 46 años, Young es un Peter Pan del rock & roll. AC/DC ha estado de gira por el mundo durante la mayor parte de 2000; actualmente están concluyendo una serie de shows en los Estados Unidos junto a Slash’s Snakepit y Buckcherry .

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Hoy, cuando te ponés el uniforme de colegio, ¿no sentís como que te estás disfrazando?

Es como esa idea de que los AC/DC tenían algo que ver con el satanismo. Eso no era cierto, ¿o sí?

No; cuando me lo pongo, estoy ansioso por salir a escena y tocar mi guitarra una vez más. Cada vez que me visto así, me digo: “¡Qué bárbaro! Todavía sigo en carrera, mostrando lo mío”.

Fue todo inventado. La nuestra siempre fue buena música fiestera. Música con la que no tenés que ponerte a pensar ni decir: “Estos tipos tienen un mensaje”. No había ningún mensaje. Nunca quisimos hacer reformas sociales ni nada por el estilo.

En los viejos tiempos, cuando te bajabas los pantalones en el escenario, no tenías calzoncillos debajo. ¿Por qué empezaste a usarlos?

Llegó un momento en que cada vez que llegábamos a una ciudad, teníamos que ir a ver al jefe de policía local. Y me cansé de soportar el discurso de esa gente.

No te puedo decir cuántas bandas conozco que destrozan habitaciones de hotel. ¡Yo no destrocé un cuarto de hotel en mi vida! Mirá si voy a andar tirando televisores por la ventana... Si es un buen televisor, puede que me lo lleve a mi casa.

¿Se sienten sobrevivientes?

Yo siempre nos consideré un grupo de rock & roll como esos programas “de desintoxicación” de doce pasos: hay que dar un paso por día. Quiero decir, aquí estoy yo, de cuarenta y tantos años. Todavía me pongo mi uniforme de escuela y salgo a tocar la guitarra. Alguna gente -ustedes los críticos, por ejemplo: podrá decir: “Uf, ahí está de nuevo ese bobo de los pantalones cortos”. Siempre supimos que, si tocábamos rock & roll sin vueltas, iba a ser un camino cuesta arriba. Porque, aun en los comienzos, rock & roll parecía ser la palabra impronunciable. La gente decía: “Bah, otro grupo de rock & roll” (se ríe). Supongo que convertimos a unos cuantas personas en todos estos años. ¡Nuestra iglesia está floreciente!

“Siempre que alguien nos ve, estamos sentados en una habitación, rodeados por una nube de humo de cigarrillo”

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¿Quién telonea?

¿Qué escuchás para mover la patita?

Escucho bastante rock & roll viejo. Chuck Berry, Buddy Holly, Little Richard, Jerry Lee Lewis. Me encanta todo eso. De hecho, si tengo la oportunidad, cuando voy camino de algún show, pongo la cinta de alguno de ellos porque tiran buena onda y me hacen sentir bien.

Me contaron que también escuchás mucho blues.

Los que ya cruzaron Bon Scott fue un cantante de rock australiano nacido en Escocia, célebre por haber sido el segundo vocalista de la banda de hard rock AC/DC desde 1974 hasta su muerte en el año 1980, sucediendo a Dave Evans, quien sólo participó en dos sencillos de la banda, por lo que muchos consideran a Bon como el cantante original, ya que fue él quien participó en la primera discografía de AC/DC. Fue introducido en el Salón de la Fama del rock and roll junto a los miembros actuales de AC/DC en el año 2003. En julio de 2004 la revista del Reino Unido Classic Rock lo colocó en el primer lugar de su lista The 100 greatest frontmen (100 mejores líderes de banda).

Su último álbum de estudio con AC/DC fue Highway to Hell y su última grabación fue la canción Ride On en directo junto a la banda francesa Trust.

Sí, y tengo suerte de que ahora hay una saturación de blues editado en cd, porque soy fanático del género. Tuve la oportunidad de saludar a Buddy Guy una vez, en Los Angeles. Me quedé mudo. No podía abrir la boca. En Australia, donde crecimos, para encontrar información sobre blues tenía que ir a la biblioteca y pedir las revistas de jazz. En esa época ni siquiera las vendían en los quioscos. Así que iba a la biblioteca y leía acerca de toda esa gente; de Muddy Waters, de Elmore James. Para mí, conocer a Buddy Guy fue como conocer un pedazo de historia. Es por eso que me quedé así, callado. Pensé: “No quiero perturbar el aire con mis palabras”. ¿Socializan entre ustedes cuando van de gira?

Depende lo que entiendas por socializar.

Alguna gente nos ve y dice: “Ahí vienen cinco fumadores profesionales”. Siempre que nos ven, estamos sentados en una habitación, rodeados por una nube de humo de cigarrillo, todos relajadados pasando el tiempo y no hay mucha gente que quiera socializar con nosotros. Piensan: “Mejor que dejemos tranquilos a los animales”. ¿Puedes creerlo?

HardRock

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Como puede uno seguir tan seguro de sus decisiones cuando se pierde a su cantante y amigo Bon Scott?

O sea, la dieta Angus Young. Correr por el escenario vestido con uniforme escolar de terciopelo, noventa minutos por noche, durante Cuando Bon murió, la pena era demasiado dieciocho meses.

fuerte para que pudiésemos pensar en el futuro, en el grupo. Fue solo más tarde que me pregunté si el juego valía realmente la pena. Pero me acorde de la forma en que Bon llevaba su vida y reaccionaba frente a las tragedias. Si me hubiese muerto, sé que él hubiese seguido con el grupo, aunque hubiese sido una elección muy difícil. Afortunadamente, mi hermano Malcolm me ha ayudado mucho: un tío solido, mucho más fuerte que yo. Es él quien me ha obligado a retomar la guitarra, a escribir canciones.

Lo consideraba como una terapia, una forma de escapar a la depresión. Sin él, probablemente seguiría dando tumbos en mi habitación, repasando las mismas ideas negras, regocijándome en mi blues. Salí de ello más fuerte mientras pensaba en este momento que este estilo de vida nos llevaba por un camino sin salida.

Oí decir que perdías tres libras [más o menos un kilo y medio] después de cada actuación. ¿Sigue siendo verdad?

¡Tres libras, eso es mucho dinero! (se ríe) Perdón, fue una broma gansa. Pero es cierto que pierdo bastante peso después de una gira. Se lo recomiendo a todas esas chicas que quieren sacarse “las manijitas del amor” de la cintura.

Así es. O podés optar por el programa de ejercicios de Keith Richards: cada día, un par de botellas de bourbon y un paquete de cigarrillos.

Veo un video instructivo en tu futuro, como las clases de gimnasia de Jane Fonda...

Ya lo creo. “La Guía de Ejercicios de Jane y Ang”.

Pienso que sería un tipo diferente de video...

No te quepa la menor duda

clásico Hells Bells, un

e Young

de la banda d

Era Vintage

Hipgnosis Hipgnosis es el nombre de un colectivo de diseño gráfico de Inglaterra fundado en el año 1968 y que adquirió notoriedad mundial gracias a la creación de innovadoras portadas de álbumes de rock, principalmente durante los años setenta. Trabajaron para bandas conocidas internacionalmente, como Pink Floyd, Genesis, Led Zeppelin y Black Sabbath.

Originalmente Hipgnosis estaba compuesto por Storm Thorgerson y Aubrey Powell, a quienes en 1974 se uniría Peter Christopherson. A lo largo de los años, Hipgnosis trabajaría con numerosos asistentes, artistas independientes y más personal. El grupo de artistas se separó en 1983, pero Thorgerson continuó trabajando en portadas para Pink Floyd.

La portada de A Saucerful of Secrets (arriba) fue la primera creación de Hipgnosis.

Led Zeppelin

The Song Remains the Same

T

HE SONG REMAINS THE SAME es la banda sonora y película del concierto protagonizado por la banda británica de Rock y Hard Rock Led Zeppelin.

La grabación del álbum y la película tuvo lugar en tres noches en el Madison Square Garden de Nueva York (27, 28 y 29 de julio) durante el tour de 1973 de la banda. El álbum fue publicado el 22 de octubre de 1976 por Swan Song Records.

La película incluye la pieza “Black Dog” pero a cambio no incluye “Celebration Day”. En el caso del la banda sonora se incluye “Celebration Day” pero no “Black Dog”. Además la película incluye “Since I’ve Been Loving You”, la introducción de “Heartbreaker”, y una pieza de zanfona llamada “Autumn Lake”. Otras piezas grabadas y que fueron descartadas tanto de la película como de la banda sonora fueron “The Ocean” y “Misty Mountain Hop”.

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Como en cualquier documental de música que se precie, lo más importante acaba siendo… eso precisamente, la música,

Sinopsis Estas escenas están rodadas de forma espectacular, considerando, evidentemente, que se trata de un documental de música.

Como en cualquier documental de música que se precie, lo más importante acaba siendo… eso precisamente, la música, la banda en estado puro. Un concierto magnifico, las canciones seleccionadas, fantasticas, un espectacular comienzo del concierto con “Rock n’ Roll”, y sobre todo, las canciones “Black Dog”, “The Song Remains The Same”, canción que da título al documental, “Dazed & Confused”, “Heartbreaker”, el solo de batería magistral de Bonham en “Moby Dick” y como no, “Stairway to Heaven” canción bandera del grupo.

Es una película hecha a la medida de los fanáticos del Rock, de la banda, del espiritu de esa época, para los que añoran esos años, esa forma de vivir la música… Indispensable para todos los amantes de Led Zeppelin, su mezcla única del Blues y el Rock, su forma de tocar, el electrizante sonido de la guitarra a cargo de Page, la desgarrada y pasional voz de Plant, la pureza y el genio de la técnica de Bonham, el ambiente que crea John Paul Jones.

En el tercer día de conciertos realizados en el Madison Square Garden se llevó a cabo la interpretación del tema “Thank You”, el cual no aparece dentro del listado de canciones.

Lista de Temas

Disco A 1.

2.

3.

4.

5.

“Rock and Roll” “Celebration Day” “The Song Remains the Same” “The Rain Song” “Dazed and Confused”

Disco B 1.

2.

3.

4.

5.

“No Quarter” “Stairway to Heaven” “Moby Dick” “Heartbreaker” “Whole Lotta Love”

Peter Grant (Manager), en la película, se ve sumergido en un duelo de gangsters al más puro estilo del cine negro.

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Protagonistas Jimmy Page (Guitarra)

Se sumerge en una aventura en busqueda de un viejo druida para que le enseñe cómo conseguir sabiduría.

John Paul Jones (Bajo)

Se convierte en un cazador de brujas con una personalidad retorcida aparentando normalidad.

John Bonham (Batería) Pone de manifiesto su pasión por la velocidad.

Robert Plant (Voz)

Se convierte en un guerrero medieval en busca de su personal Santo grial.

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KARMATÜRK

Frases célebres “Las guerras seguirán mientras el color de la piel siga siendo más importante que el de los ojos”

“Recordar es vivir y todos queremos vivir más”

“Yo vengo del rock and roll; esta gente con monos de trabajo y caretas viene del circo (Slipknot)”

Bruce Springsteen

Lemmy Kilmister

Bob Marley

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Era Vintage

Composición Clapton la compuso basándose en Layla y Manjum, una historia escrita por el poeta persa Nezami Ganjavi (1141-1209), que narra un amor imposible que conduce a la locura y la muerte. El músico inglés, que tenía 25 años, pretendía conquistar con Layla a la modelo Pattie Boyd, que estaba casada con uno de los mejores amigos de Clapton, el beatle George Harrison (que, por cierto, le había dedicado a su mujer, en 1969, la balada Something, uno de los temas del último disco grabado por los Beatles, Abbey Road). Intenté consolarte, cuando tu hombre pasaba.

La letra es diáfana: “Intenté consolarte / cuando tu hombre pasaba de ti”. El autor también ejerce el chantaje emocional (“te lo pido de rodillas, te lo suplico”), que Clapton concretó de palabra cuando Boyd le rechazó: dijo a la modelo que se suicidaría si ella no le aceptaba.

Layla, la canción maldita

Eric Clapton y George Harrison enamorados de la misma mujer

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L RODAJE DE LA PELÍCULA “¡Qué noche la de aquel día!” (Richard Lester, 1964) no solo sirvió a los Beatles para debutar en el mundo del séptimo arte, además, George Harrison conocería a su primera esposa. Pattie Boyd era una modelo que había sido contratada como extra para la película y que rápidamente llamó la atención de Harrison. Durante la grabación de la escena en la que los músicos interpretan ‘I should have know better’, Boyd fue consciente del interés que había suscitado en el guitarrista: “Podía sentir a George mirándome fijamente y estaba un poco avergonzada”.

El 21 de enero de 1966, la pareja contrajo matrimonio. George Harrison lo tenía todo para ser feliz: éxito, dinero y una mujer preciosa. Pero el mundo material en el que vivía le sabía a poco y la respuesta que necesitaba la encontró en la religión y la espiritualidad hindú. “La meditación le absorbió por completo”, aseguró Pattie. Ante estos problemas en el paraíso, entró en acción el tercer vértice de este triángulo.

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Amor prohibido: Preludio Aunque Clapton admiraba a su amigo, en el fondo también le envidiaba, ya que lo que más deseaba en el mundo era su esposa: “También codiciaba a Pattie porque se trataba de la mujer de un hombre poderoso que parecía tener todo lo que yo quería: coches asombrosos, una carrera increíble y una esposa preciosa”. A pesar de que a Clapton se le consideraba Dios, Eric era un dios vulnerable y envidioso. Pero el enamoramiento del guitarrista era algo más que físico: “No se trataba solo de su apariencia, aunque sin duda era la mujer más bonita que había visto en mi vida. Consistía en algo más profundo. Salía de dentro de ella también.

Esperanzas Como Eric era consciente de que su amor era imposible, pensó que lo más cerca que podía estar de ella era acostarse con la hermana de esta, Paula. Sin embargo, mantener una relación con la hermana no era otra cosa que engañarse a sí mismo, por eso, Clapton tomó una decisión: “Una noche la llamé y le conté ‘la verdad’: que no era en Paula en quien estaba interesado, ni tampoco en ninguna chica con la que me hubiera visto, sino que ella era la única a la que quería de verdad.

A pesar de sus protestas acerca de que estaba casada con George y de que le proponía algo imposible, consintió en que me pasara por su casa para conversar. Conduje hasta allí, hablamos sobre aquello frente a una botella de vino tinto y acabamos besándonos. Por primera vez me pareció que había alguna esperanza para mí. Supe entonces lo que llevaba tiempo sospechando, que no todo andaba bien en su matrimonio”.

Pattie Boyd también justificó su escarceo a sus problemas maritales: “Eric no paraba de venir a verme. Empezó a declararme su amor y su pasión. Dado que en aquellos días mi marido no me prestaba atención, y yo era muy joven, no me pude resistir a Eric.

Quizá, si no hubiéramos sido tan jóvenes, quién sabe, todo se podría haber arreglado entre George y yo”.

Era su manera de ser, y aquello me cautivó. Nunca había conocido a una mujer tan perfecta, y me sentía abrumado. Me daba cuenta de que tendría que dejar de ver a George y a Pattie, o si no ceder a mis emociones y decirle a ella lo que sentía”.

Gracias al nuevo interés trascendental de Harrison, Clapton encontró una oportunidad para entrar en este terreno vedado: “George estaba muy comprometido con la espiritualidad india y en cómo podría liberarle de las cosas materiales que todos disfrutábamos. (…) Y yo cada vez me obsesionaba más y más con su mujer, Pattie. Me metía, con bastante torpeza, para saber cómo les iba, A pesar de que era correspondido, Claptonlo que pasaba en su relación…”. se encontraba en el limbo.

“Mientras Harrison se entregaba a la preparación de su primer disco en solitario, Clapton se dedicaba a quebrantar esa regla no escrita que prohíbe coquetear con la pareja de tu mejor amigo”

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Era Vintage

“Layla” envolvió a TODOS sus intérpretes en una maldición En octubre de 1971, el guitarrista Duane Allman -quizá el mejor intérprete de slide de su generación- se mató en Macon-Georgia (EE UU) cuando circulaba en una moto Harley Davidson Sportser y no pudo esquivar a un camión que hizo un giro brusco.

Le faltaban semanas para cumplir 25 años y su grupo, The Allman Brothers, acaba de editar el mítico At Fillmore East.

Los que ya cruzaron Duane Allman (Nashville, Tennessee, 20 de noviembre de 1946 - Macon, Georgia, 29 de octubre de 1971) fue un famoso guitarrista de rock y blues estadounidense, conocido por sus trabajos con la guitarra slide. Importante guitarrista de sesión y miembro fundador de The Allman Brothers Band. También fue integrante del súper grupo Derek and the Dominos, a comienzos de los años 1970.

En 2003 la revista Rolling Stone situó en la Lista de los 100 guitarristas más grandes de todos los tiempos a Duane Allman como el 2º mejor guitarrista de la historia.

En 2003, el fabricante de guitarras Gibson, saco al la venta un modelo Signature dedicado a Aallman. Se trata una re edición de una Gibson Les Paul del año 1957 (modelo que fue usado por Duane); con reproducciones del envejecimiento y de sus desgastes por el uso limitada a 57 unidades valorada actualmente en 25,000 dolares.

Para Clapton fue como si muriese un hermano. Su empatía musical con Allman había sido instantánea y prodigiosa. Sin apenas conocerse tocaron como viejos colegas: en Layla grabaron seis pistas de guitarra, entre ellas los solos duplicados de guitarra eléctrica y slide de la segunda mitad de la canción, que tocaron en directo en el estudio.

Carl Radle, el músico que toca el bajo, murió en 1980 por un fallo hepático relacionado con años de consumo de heroína y heroína.

El coautor de Layla, Jim Gordon -un batería que había empezado a los 17 años acompañando a los Everly Brothers- empezó a escuchar voces. Su madre le regañaba.

Fue al médico y le dijeron que era estrés.

Gordon purgaba el dolor con cantidades inmoderadas de alcohol. En 1983 asesinó a su madre a golpes de martillo. En el juicio los psiquiatras dijeron, por primera vez, que sufría paranoia esquizoide. Desde entonces está encerrado en un hospital mental.

Este fenómeno se conoce como la maldición del blues, que se manifiesta cuando los miembros clave de la banda mueren repentinamente.

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Resultados paralelos

Desenlaces

Cuando Pattie escuchó aquello, no reaccionó de manera indiferente: “Encendió el casete, ajustó el volumen, y sonó la canción más conmovedora que había escuchado nunca, ‘Layla’, sobre un hombre que se enamoraba perdidamente de una mujer que le quiere pero está con otra persona.

Lo primero que pensé fue: ‘Dios, todo el mundo lo va a saber’. No me sentía cómoda porque me estaba presionando a tomar una dirección que no sabía si tomar. Pero esa canción sacó lo mejor de mí, dándome cuenta de toda la pasión y creatividad que había inspirado”. Aunque, por mucho que le impresionara la canción, la mujer no dio el brazo a torcer.

Eric Clapton y Pattie Boyd se casaron el 27 de marzo de 1979 y tres de sus invitados tocaron en la ceremonia: George Harrison, Paul McCartney y Ringo Starr; solo faltó John Lennon para un reencuentro entre los Beatles. A pesar de la boda, aquello no funcionó, los problemas de fertilidad de ella junto a los problemas con el alcohol de él y otros escarceos hicieron que la llama finalmente se apagara, y en 1989, la pareja se divorció.

Patty describe al ahora caballero del rock como un tipo abominable, una definición que volvería a utilizar su segunda esposa Lory del Santo tras la muerte de Connor el hijo de ambos, de 4 años, que se cayó La siguiente estrategia que Clapton pla- desde la terraza de un rascacielos. neó tampoco le sirvió de mucho: “Un día, después de otra sesión de estériles rue- Tras varios años en la gloria del blues (Yargos, le dije que si no dejaba a George me dbirds, John Mayall Blues Breakers) y la haría adicto a la heroína. La verdad era, sicodelia (Cream), Clapton no terminaba por supuesto, que llevaba bastante tiempo de estar a gusto como músico: Derek and consumiendo casi a diario. Ella esbozó una the Dominos ni siquiera fueron reconocisonrisa triste y yo supe que el juego se había dos en sus escasas actuaciones pese a la terminado”. Pero Eric era consciente que campaña publicitaria de la discográfica con esa amenaza no pretendía engañar a con el lema Eric is Derek (Eric es Derek). nadie: “Chantajear a Pattie era tan inútil El grupo se deshizo en la primavera de 1971. como infantil, pero se trataba solo de un “¿Cómo voy a seguir tocando tras Layla? farol porque ella no tuvo nada que ver con Fue el epítome de mi carrera”, dijo Clapton. mi adicción a la heroína”.

A pesar de todo, Harrison y Clapton siguieDurante ese tiempo, Eric bajó a los infiernos ron siendo amigos, demostrando que ninde la mano de la heroína y resurgió de sus guna mujer que se pusiera por medio podía romper los lazos de una amistad tan sólida. propias cenizas.

“¿Cómo voy a seguir tocando tras Layla? Fue el epítome de mi carrera”

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Top 10 Rock

Una muerte anunciada El 20 de octubre de 1977, la banda, que había reemplazado su autobús por un avión Convair 240, sufrió un accidente aéreo cuando sobrevolaba el condado de Amite, en Mississippi. El avión se había quedado sin combustible y antes de poder realizar un aterrizaje de emergencia-+se estrelló en un bosque cerca de Gillsburg. Ronnie Van Zant (arriba), los hermanos Steve y Cassie Gaines, el mánager Dean Kilpatrick y los dos pilotos fallecieron en el acto, mientras que los restantes miembros sufrieron heridas de gravedad. Anteriormente, el vocalista había anunciado a sus más allegados que fallecería antes de llegar a los treinta años.

Los restantes volvieron a reunirse en 1979 para una actuación y nuevamente en 1987, con el hermano menor de Ronnie Van Zant, Johnny, como vocalista. La muerte de algunos de los supervivientes del accidente —Allen Collins, Leon Wilkeson, Billy Powell— y la salida de Ed King y Artimus Pyle ocasionaron que el guitarrista Gary Rossington sea el único miembro de la formación original que continúa en el grupo.

Lynyrd Skynyrd Grandes Éxitos

Len 1964 por el vocalista Ronnie Van Zant, los guitarristas Gary Rossington YNYRD SKYNYRD es una banda de rock estadounidense formada

y Allen Collins, el batería Bob Burns y el bajista Larry Junstrom en Jacksonville, Florida. Originalmente, el grupo adoptó distintos nombres antes de decidirse por Lynyrd Skynyrd, en referencia al profesor de gimnasia de algunos de sus miembros. Entre 1973 y 1977, tras la llegada del teclista Billy Powell, del bajista Leon Wilkeson, del batería Artimus Pyle, y de los guitarristas Ed King y Steve Gaines, el conjunto grabó cinco álbumes de estudio: (Pronounced ‘leh-’nérd ‘skin-’nérd) (1973), Second Helping (1974), Nuthin’ Fancy (1975), Gimme Back My Bullets (1976) y Street Survivors (1977), de los cuales se lanzaron como sencillos sus dos canciones más conocidas, «Sweet Home Alabama» y «Free Bird». La revista Guitar World ubica a esta última en la posición #3 en su lista de los 100 mejores solos de guitarra de la historia.

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10. Simple Man Esta es de su primer álbum Pronounced ‘leh-‘nérd ‘skin-‘nérd. Empieza con una atmósfera bien melódica y la canción entera es una balada con un solo bien bueno.

Recomendado para los amantes del feeling.

9. Call Me the Breeze Es el último tema de Second Helping. Característico del rock sureño, tiene unos buenos riffs al más puro estilo del rock and roll.

Fue compuesta por JJ Cale (bluesmaster de Oklahoma) pero la versión de los Skynyrd lo supera de manera aceptable.

8. Tuesday’s Gone Segunda pista del primer álbum. En mi opinión es superior a Simple Man en términos de feeling. Metallica hizo un cover de la canción para su Garage Inc. pero, sin ser muy fan de ellos, me quedo con la versión original. El poder vocal de Ronnie Van Zant le da una atmósfera tristona y característica de la canción.

7. Gimme Back My Bullets Es la primera pista y el título del cuarto album. Contiene un riff de mejor calidad que nos regala el guitarrista Gary Rossington.

La canción es muy pegajosa, es un gran ejemplo de rock sureño y otra vez, el poder vocal de Van Zant nos azota con su lírica.

Ideal para pasar el tiempo con tus compadres. Aunque también para romper el hielo.

6. Saturday Night Special Una canción que suena más al hard rock de AC/DC. Van Zant domina en casi toda la canción y un riff que puede ambientar una trifulca de bikers borrachos en un bar o con la policía.

5. That Smell Un temazo del Street Survivors (último disco con la formación dorada antes de la tragedia). Cuenta con un coro muy emblemático fraseando “Can you smell that smell”, y una atmósfera que te lleva a una Harley Davidson por el desierto a las 6:00 p.m.

4. What’s your Name?

2. Free Bird La última pieza de su álbum debut. No muchos la conocen en Hispanoamérica. Pero se escucha demasiado entre los bikers norteños. Tal vez es una canción muy rebuscada. Pero vamos, por algo es la base del rock de la radio. Empieza como una canción meditativa con mucho feeling y slides de guitarra y a mitad de canción se convierte en tremendo despliegue de solos de casi 6 minutos. Los que jamás han oído hablar de ella es un equivalente a Stairway to Heaven de Led Zeppelin. Esta canción hasta puede tener su artículo propio, pero dejemos este tema para otra edición

También proviene de Street Survivors. El riff es similar a los primeros trabajos de KISS, pero este tema tiene la particularidad de que nos lleva a una evolución del sonido de los sureños desde su debut, lo que provoca una nostalgia indirecta. Ideal para todo lo relacionado a los bikers, los paseos por 1. Sweet Home Alabama el desierto y lo Vintage La canción más coreada y conocida de los Skynyrd sin duda (solo para no ser parcial 3. Gimme Three Steps con Free Bird). Tanto esta canción como Directo del primer álbum. La idea es simlar Free Bird aparecen en la película Forrest a What’s your name? o Saturday Night Spe- Gump (la primera como soundtrack), por cial. Pero esta vino primero, por lo que se eso se da su fama. La han usado en vaconsidera el padre de las dos antes men- rias películas y series también como en el cionadas. Igual: bikers, desierto, fiesta , riffs 8 Mile de Eminem. Es muSin lugar a dudas, pegajosos. Otro tema para pasar el tiempo esta y Free Bird son canciones indispensacuando no estás sobre tu Harley o cuando bles para conocer a Lynyrd Skynyrd. estás solo en tu casa.

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En Vivo!

B.B. King y su mĂşsica

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Argumento Desde finales de los años cuarenta en que grabara su primer disco para la discográfica Bullet (el single “Miss Martha King”), B. B. King, fallecido el pasado jueves a los 89 años, rubricó discos memorables con los que conquistó el corazón de miles y miles de seguidores esparcidos por todo el mundo, aunque también entregó abundante material ‘impuro’, siguiendo su categorización, aunque más de uno dirá que infumable.

No es casualidad -por el entusiasmo y la entrega que ponía en sus apariciones en directo- que algunos de esos discos más jugosos sean precisamente los recogidos en directo.

Entre el 65 y el 72, exactamente, su etapa discográfica mas frúctifera, completa y regular. Cito: “Live At The Reagal” (1965), “Blues Is King” (1967), “Live And Well” (1969), “Completly Well” (1969), “Live In The Cook County Jail” (1970), “In London” (1970) y “L. A. Midnight” (1972). En todos ellos, B. B. King destilaba la emoción del blues con una pureza y una rabia colosal al tiempo que aprovechaba para dar salida a sus grandes temas clásicos: “The Thrill Is Gone”, “Sweet Sixteen”, “Every Day I Have The Blues”, “Caldonia”, “Sweet Little Angel”, “Don’t Answer The Door”, “Why I Sing The Blues”, “Payin The Cost To Be The Boss”… Verdaderas joyas del género nacido en los algodonales norteamericanos del siglo XIX.

Junto a este puñado de gemas, además de los discos editados en los primeros tiempos, caso de “Singin’ The Blues” (1956), “The Blues” (1957), “I Love You So” (1957), “My Kind Of Blues” (1959), “Blues For Me” (1959)…, también muy firmes y carnosos y de muy difícil localización hasta la era del cedé, la mina se amplia con otras maravillas en estudio: “Lucille” (1968) -solo los intensos 10 minutos de la pieza que da título al disco ya valen por todo el álbum-, “Lucille Talks Back” (1975), “King Size” (1977), “Payin’ The Cost To Be The Boss” (78), “Blues & Jazz” (1983)… o aquel “Blues Summit” (1993), una colección de duetos de B. B. King con artistas de la talla de Buddy Guy, John Lee Hooker, Albert Collins o Lowell Fulson, entre otros, y, sin duda, una verdadera joya bluesera, que volvió a congraciar al Rey con sus viejos seguidores, desencantados con la gran cantidad de discos mediocres que empezó a servir “Friends” (1974), con el que le entró la fiebre discotequera y que llegó a hacerle escribir al prestigioso historiador Gerard Herzhaft párrafos como éste en su libro “Blues”: “En conjunto, su producción reciente -refiriéndose a la de los finales de los 70 y toda la de los ochenta- es mediocre. Y el uso inmoderado de arreglos dudosos así como la presencia de secciones rítmicas cada vez menos ágiles, unido a orquestaciones increíblemente envejecidas, e incluso la misma falta de entusiasmo de B. B. King, originan discos forzados, como obligados por el negocio”.

“Solo me retiraré cuando Dios diga que es suficiente”

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En Vivo!

Lucille Lucille es el nombre dado por B. B. King a sus guitarras. Normalmente son Gibson negras similares a la ES-335.

Durante el invierno de 1949, King tocó en un salón de baile en Twist, Arkansas. Para calentar el salón, un barril medio lleno con queroseno fue encendido, una práctica bastante común en la época. Durante su actuación, dos hombres comenzaron a pelear, golpeando el barril quemándose y enviando combustible ardiente hacia el suelo. Esto provocó una evacuación. Una vez afuera, King se dio cuenta de que había dejado su guitarra dentro del edificio en llamas. Este entró al incendio para rescatar a su guitarra, una Gibson acústica.

Dos personas murieron en el incendio. Al día siguiente, King descubrió que los dos hombres estaban peleando por una mujer llamada Lucille. King nombró a su primera guitarra Lucille, al igual que a todas las que tuvo desde aquella casi fatal experiencia, como recuerdo de no volver a hacer algo tan estúpido como correr hacia un edificio en llamas.

King tocó guitarras de diferentes marcas a comienzos de su carrera. Tocó una Fender Telecaster en la mayoría de sus grabaciones con RPM Records.3

Su estilo de Vida El rey del blues vivía, cuando no estaba metido en un avión o en un autobús haciendo bolos como un cosaco (hasta 300 en un año), en una espaciosa casa de Las Vegas, con jardín y piscina que antes perteneció a un director de casino. No era, sin embargo, una casa amurallada en la que el artista viviera atrincherado. Al contrario, por ella circulaban sus amigos e invitados con completa libertad, teniendo acceso incluso al dormitorio, donde la estrella tenía instalado su verdadero cubículo vital. Dividido en varias estancias, en él escondía más de 25.000 discos que disfrutaba traspasando a cintas de casete y luego a cedé… Obviamente, los tiempos de aparcero en las plantaciones del Delta estaban olvidados.

Financieramente, B. B. King trataba y pagaba a sus músicos con largueza, por lo que la lista de ofrecimientos para tocar junto a él era siempre kilométrica. Y es que ser un buen patrón era para B. B. casi una cuestión de honor, algo que seguramente tenía correlación con el buen trato que a él mismo, según confesó, le dispensaron sus patronos en su infancia y juventud. ¿Fue por esta generosidad con sus músicos y con la gente que le rodeaba por la que un artista, que ganaba cientos de millones al año con su abultado número de actuaciones, no se hizo millonario? Algo de ello hubo, según biógrafos y el mismo B.B. King, pero no faltaron las sospechas de que el motivo por el que el astro del blues no cotizara en Wall Street, aparte de abastecer a la enorme prole que dejó (quince hijos y unos 50 nietos), estaba en otro lugar: en su afición al juego.

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Travesía del rey Junto a este puñado de gemas, además de los discos editados en los primeros tiempos, caso de “Singin’ The Blues” (1956), “The Blues” (1957), “My Kind Of Blues” (1959), “Blues For Me” (1959)…, también muy firmes y carnosos y de muy difícil localización hasta la era del cedé, la mina se amplia con otras maravillas en estudio: “Lucille” (1968) -solo los intensos 10 minutos de la pieza que da título al disco ya valen por todo el álbum-, “Lucille Talks Back” (1975), “King Size” (1977), “Payin’ The Cost To Be The Boss” (78), “Blues & Jazz” (1983)… o aquel “Blues Summit” (1993), Una colección de duetos de B. B. King con artistas de la talla de Buddy Guy, John Lee Hooker, Albert Collins o Lowell Fulson, entre otros, y, sin duda, una verdadera joya bluesera, que volvió a congraciar al Rey con sus viejos seguidores, desencantados con la gran cantidad de discos mediocres que empezó a servir “Friends” (1974), con el que le entró la fiebre discotequera y que llegó a hacerle escribir al prestigioso historiador Gerard Herzhaft párrafos como éste en su libro “Blues”: “En conjunto, su producción reciente es mediocre. Y el uso inmoderado de arreglos dudosos así como la presencia de secciones rítmicas cada vez menos ágiles, unido a orquestaciones increíblemente envejecidas, e incluso la misma falta de entusiasmo de B. B. King, originan discos forzados, como obligados por el negocio”.

Otros discos repudiables, por impuros y por estar manchados de arreglos orquestales, engolamiento e innecesaria sofisticación, son los grabados junto al grupo Crusaders -“Take It Home” (1979) y “Royal Jam” (1982).

Así como el editado en el 89 con el nombre de “King Of The Blues” por no olvidar aquel “Six Silver Strings” (1985), con el que B. B. celebraba la grabación de su LP numero 50 y no se le ocurrió otra cosa que meterle ¡batería electrónica!, o aquel otro, “Love Me Tender”, del año 82 que el propio B. B. King firmaba en la contraportada comentando que era el “álbum más grande de sus 35 años de carrera”, cuando se trataba de un disco blandengue, untado en violines azucarados y hecho a base de piezas obtenidas de los repertorios de Elvis, Willie Nelson, Conway Twitty…

Al final de la entrevista, me dio un gran apretón de manos y me regaló una púa y una tarjeta de visita en la que aparecía como un rey de la baraja abrazando su guitarra.

Fantástica simbolización. Fue, sin duda, el gran rey del blues, el último que quedaba, aunque aún viva Buddy Guy, después de la muerte de John Lee Hooker. Si tienes hueco y pocos prejuicios y no estás muy al tanto de su discografía, échale una ojeada a algunos de los álbumes seleccionados.

Igual te quedas colgado, como me ocurrió a mi la primera vez que escuché “Sweet Little Angel” dentro del inolvidable “Live & Well”.

“Nunca pensé que fuera un purista del blues, yo solo toco mi estilo”

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Reseña histórica El blues (cuyo significado es melancolía o tristeza) es un género musical vocal e instrumental, basado en la utilización de notas de blues y de un patrón repetitivo, que suele seguir una estructura de doce compases. Originario de las comunidades afroamericanas de Estados Unidos, se desarrolló a través de las espirituales, canciones de oración, canciones de trabajo, rimas inglesas, baladas escocesas e irlandesas narradas y gritos de campo. La utilización de las notas del blues y la importancia de los patrones de llamada y respuesta, tanto en la música como en las letras, son indicativos de la herencia africana-occidental de este género. Un rasgo característico del blues es el uso extensivo de las técnicas “expresivas” de la guitarra (bend, vibrato, slide) y de la armónica (cross harp), que posteriormente influirían en solos de estilos como el rock. El blues influyó en la música popular estadounidense y occidental en general, llegando a formar parte de géneros musicales como el ragtime, jazz, bluegrass, rhythm and blues, rock and roll, funk, heavy metal, hip-hop, música country y canciones pop.

La escala Blues Notas de libertad

L

A ESCALA DE BLUES consiste de una escala pentatónica menor a la que se le agrega una cuarta aumentada o una quinta disminuida.

Una característica importante de la escala de blues es el uso de notas de blues, comúnmente conocidas como blue-notes, sin embargo, como las notas de blues se consideran inflexiones alternativas, las escalas de blues no entran en la definición de escala.

Fórmula (con respecto a la diatónica mayor): 1,b3,4,b5,5,b7 La escala de Do sería:

I Do

II III Mib Fa

IV V Solb Sol

VI Sib

I Do

La escala de blues es la escala musical característica en canciones y progresiones de blues, rock and roll, fusión y jazz. Se deriva de la escala pentatónica menor añadiéndola la 5ªb (nota blues).

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Círculos negros: tónicas Círculos azules: nota blues Círculos blancos: resto de la escala

Nota: Se puede tocar en cualquier posición del traste

Patrón 1 (el más común)

Patrón 2

Patrón 3

Patrón 4

Patrón 5

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2016 Nº2 Abril

Era Vintage Judas Priest Top 10 Rock Blues rock ¿Quién telonea?

Aerosmith En Vivo!

Joe Satriani

Whiplash JK Simmons, el jazzmaster

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Tapping

Próximo en la fila, HardRock Nº2 Disponible el próximo mes a partir de la 3º semana. Anímate a leer y deja la música fluir en tus venas!

Forty-Eight® 2016 No la reconstruimos.

La volvimos a equipar.