Búsqueda Personal: Tendencias comprendidas entre los siglos XX y XXI

BÚSQUEDA TENDENCIAS COMPRENDIDAS ENTRE LOS SIGLOS XX Y XXI

PERSONAL

Universidad de Los Andes · Facultad de Arte · Escuela de Artes Visuales y Diseño Gráfico · Departamento de Teoría e Historia · Historia del Arte Moderno y Contemporáneo

BÚSQUEDA TENDENCIAS COMPRENDIDAS ENTRE LOS SIGLOS XX Y XXI

PERSONAL

Palm Petrizzo, Zara N. | Gómez Zambrano, Luisanyi Mérida, Agosto 2014

Prólogo El arte ha traído consigo a través de las décadas, cambios transitorios en los cuales el ser humano está involucrado, estos han sido fundamentados gracias a los estudios epocales (Como dice Guasch. A.M. “Hablando con terminología epocal diríamos que nuestra historia del arte último es una historia de la creación, de los creadores-artistas (el artista como autor y la obra como un todo estético y simbólico [1]) que se han realizado tanto teóricos como prácticos, por este motivo, se ha visto el interés de realizar, un estudio en el cual se presentan bases teóricas, que fundamentan una búsqueda personal en interés, sobre tendencias que han venido surgiendo desde el siglo XX ubicadas desde 1950 hasta la actualidad, abarcándose cronológicamente, como eje principal de la investigación.

El propósito de Búsqueda personal es el de historiar el arte de este tiempo (contemporáneo), pero debido a la variedad de informaciones puntual, pero poco esclarecedor que no concluyen, se encuentra una coetanidad de sujeto y objeto, impidiendo de esta forma la información necesaria para la historia requerida a un período o fenómeno. Por ello la información es variante, la cual no muestra una estructura interna equivalente, puesto que todas las teorías artísticas desarrolladas a través de los diversos periodos, proceden con distintos sentidos históricos, por lo tanto el corpus teórico presenta, contenidos diferentes que se acoplen a lo estipulado durante los distintos tiempos epocales a estudiar.

En relación a lo mencionado Guasch, A.M. (2000) “No es lo mismo, por ejemplo, abordar los últimos episodios del arte de la modernidad que penetrar en los intersticios de la posmodernidad recorrida por cambiantes discursos teóricos y arraigada en una realidad múltiple y calidoscópica en la que cualquier artefacto, como afirma Dickie, puede llegar a ser obra de arte si hay un consenso en el mundo del arte de que lo sea. pag. 19 [2]

[1] y [2] Guasch, A.M.( 2000) El Arte último del Siglo XX. Alianza Editorial, S.A. España

Arts and Crafts La Fundación Wikimedia dedica un artículo al movimiento y menciona que: “William Morris creó este movimiento, acuñó el término y fue el miembro de los prerrafaelistas más interesado en la manualidad,

retomar el modo de hacer de la edad media, huyendo de la revolución industrial. Tuvo una segunda generación alrededor de 1880 y 1900.”[2] Arts and Crafts fue una escuela artística inglesa que surge a mediados del siglo XIX que se desarrolla en el Reino Unido y Estados Unidos. Según el blog Toda Cultura: “El movimiento Arts and Crafts surgió (..) como reacción contra el primer estilo industrial, que

se había desarrollado en Inglaterra a lo largo de esa centuria. El llamado estilo victoriano. “[1] También menciona algunas de las características más importantes del mismo: “Entre las ideas más características del Arts and Crafts se encuentran principios filosóficos, éticos y políticos, tanto como

estéticos. Destacamos los más importantes: Rechazo de la separación entre el arte y la artesanía. El diseño de los objetos útiles es considerado una necesidad funcional y moral. Rechazo de los métodos industriales de trabajo, que separan al trabajador de la obra que realiza, fragmentado sus tareas. Propuesta de un regreso al medievalismo, tanto en la arquitectura (con el neogótico) como en las artes aplicadas. Propuesta de la arquitectura como centro de todas las actividades de diseño. (..) Propuesta del trabajo bien hecho, bien acabado y satisfactorio para el artista y para el cliente. ” El movimiento Arts and Crafts sirve como antecesor e influencia movimientos y tendencias posteriores como Pattern and Decoration, Fiber Art y Arte Feminista. Entre sus mayores exponentes se encuentran: William Morris, Charles Robert Ashbee, Cobden Sanderson, Walter Crane, Phoebe Anna Traquair, Herbert Tudor Buckland, Charles Rennie Mackintosh, Christopher Dresser, Edwin Lutyens, Ernest Gimson y Gustav Stickley.

[1] Wikimedia INC. Arts and Crafts (2014). Fundación Wikimedia, INC. Disponible desde: http://es.wikipedia.org/wiki/Arts_and_Craft [2] (S/A). Término: Arts and Crafts (S/F). Blog Toda Cultura. Disponible desde: http://www.todacultura.com/movimientosartisticos/artscrafts.htm

WILLIAM MORRIS Inglaterra (1834 - 1896)

William

Morris

nace

en

1834

en

Inglaterra y muere en octubre de 1896.

Fue un artista multifacético que trabajó como

artesano,

escritor, diseñador

activista además

impresor, político, de

poeta, pintor

fundar

y el

movimiento Arts and Crafts.

La Belle Iseult, (1858) Óleo sobre lienzo, 718 x 502 mm.

Tate Gallery, Londres. Inglaterra

Disponible desde: http://www.tate.org.uk/art/artworks/morris­la­belle­iseult­n04999

WILLIAM MORRIS

Snakeshead (1876) Impreso en Algodón.

1876.

Disponible desde: http://mediacentre.kallaway.co.uk/pics/william­morris/hires/25­Snakeshead­printed­cotton.jpg

PHOEBE ANNA TRAQUAIR Irlanda (1852 - 1936)

Phoebe Anna Traquair fue una artista irlandesa

que

ilustradora,

desarrolla

pintora

y

su

trabajo

bordadora

como en

el

movimiento Arts and Crafts en Escocia.

DE DERECHA A IZQUIERDA: "The Progress of a Soul" (1893-1901) "The Entrance" Panel 1 Hilo de seda e hilo dorado bordado en lienzo.

180.67 x 71.20 cm National Gallery of Scotland "The Victory" Panel 4 Hilo de seda e hilo dorado bordado en lienzo.

180.67 x 71.20 cm ?

Disponible desde: http://www.nationalgalleries.org/collection/artists­a­z/t/artist/phoebe­anna­traquair/object/the­progress­of­a­soul­the­entrance­ng­1865­a

HAUTE COUTURE - Alta Costura El término Alta Costura tiene origen a mediados del siglo XIX. Según el blog Fashion Encyclopedia “ Charles Frederick Worth (1825–1895) se

convirtió en el primer diseñador de modas francés reconocido a nivel internacional. También el fue el primero en crear y emplear los principios del diseño y la moda designados “haute couture” o “alta costura”.”[1] Por otro lado: “En Francia, el término alta costura es protegido por la ley y es definido por la Chambre de commerce et d'industrie de Paris en París. La

Cámara Sindical de la Alta Costura es definida como la comisión reguladora que determina cuales casas de moda pueden ser parte de las verdaderas Casas de Alta Costura. Sus reglas determinan que solamente «las compañías mencionadas en la lista oficial que se revisa cada año por una comisión domiciliada al Ministerio de Industria tienen derecho de hacer uso» de la firma Alta Costura. (..) Sin embargo, el término es también utilizado para describir la moda hecha a medida, si se produce en Paris u otras capitales de la moda como Londres, Milán, New York o Tokyo.”[2] Así, la organización fundada por Gaston-Lucien Worth fue provocada por su padre, Charles Frederick Worth, deben seguir las siguientes normas: “Diseñar por encargo para clientes privados, con uno o más accesorios; Tener un taller (atelier) en París, donde trabajen al menos quince

miembros del personal a tiempo completo; Tener veinte técnicos a tiempo completo en al menos un taller (atelier); Cada temporada, presentar una colección de al menos cincuenta diseños originales para el público, tanto de día como de noche, en enero y julio de cada año. ”[3] Los antiguos miembros de la Chambre Syndicale de la Haute Couture fueron: Anna May, Anne Valérie Hash, Balenciaga, Callot Soeurs, Carven, Christian Lacroix, Ektor Von Hoffmeister, Elsa Schiaparelli, Emilio Pucci, Erica Spitulski, Erik Tenorio, Escada, Fred Sathal, Gai Mattiolo, Grès, Guy Laroche, Hanae Mori, Jacques Fath, Jacques Griffe, Jacques Heim, Jean Patou, Jean-Louis Scherrer, Jeanne Lafaurie, Joseph, Junaid Jamshed, Lanvin, Lecoanet Hemant, Lefranc Ferrant, Loris Azzaro, Louis Feraud, Lucien Lelong, Mad Carpentier, Louise Chéruit, Madeleine Vionnet, Madeleine Vramant, Maggy Rouff, Mainbocher, Mak Shoe, Marcel Rochas, Marcelle Chaumont, Nina Ricci, Paco Rabanne, Patrick Kelly, Paul Poiret, Pierre Balmain, Pierre Cardin, Rabih Kayrouz, Ralph Rucci, Robert Piguet, Ted Lapidus, Sophie, Torrente e Yves Saint Laurent.

[1] y [2] (S/A). CHARLES FREDERICK WORTH INDUSTRIALIZES FASHION (2014) Fashion Encyclopedia: European Culture of 19th Century. Disponible desde: http://www.fashionencyclopedia.com/fashion_costume_culture/European­Culture­19th­Century/Charles­Frederick­Worth­Industrializes­ Fashion.html#ixzz3C5eQjlFf Traducción por Palm, Zara (2014).

[3] Wikimedia INC. Haute Couture (2014). Fundación Wikimedia, INC. Disponible desde: http://en.wikipedia.org/wiki/Haute_couture Traducción por Palm, Zara (2014).

Para la temporada Primavera/Verano del 2012, la lista oficial y actualizada se dividió en: · Miembros oficiales: Adeline André, Gustavo Lins, Chanel, Christian Dior, Christophe Josse, Franck Sorbier, Givenchy, Jean Paul Gaultier, Maurizio Galante, Stéphane Rolland. · Miembros extranjeros: Elie Saab, Giorgio Armani, Giambattista Valli, Valentino, Versace. · Miembros invitados: Alexandre Vauthier, Bouchra Jarrar, Iris Van Herpen, Ralph & Russo, Julien Fournié, Maxime Simoens y Yiqing Yin. · Joyería: Boucheron, Chanel Joaillerie, Chaumet, Dior Joaillerie y Van Cleef & Arpels. · Accesorios: Loulou de la Falaise, Massaro y On aura tout vu

Charles Frederick Worth Inglaterra (1825) - Francia (1895) Worth nació en 1825 en Lincolnshire, en el este de Inglaterra. Su padre era un abogado que había perdido la mayor parte de su dinero en el juego, por lo que el joven Charles se vio obligado a salir a trabajar cuando tenía sólo once años. Trabajó durante muchos años en una tienda departamental, a continuación, en una empresa que vendía telas. A través de su experiencia en ventas que se enteró de lo que las mujeres querían y necesitaban en la ropa y la moda. Deseaba convertirse en un diseñador del vestido, por lo que a la edad de veinte años se tomó un trabajo con una empresa de la tela en París, donde pudo estudiar diseño mientras trabajaba. Fue allí donde presentó su primera nueva idea de ofrecer diseño de vestido a los clientes de la empresa de tela. Por primera vez, señoras podrían conseguir el vestido conjunto, el diseño y la tela, en la misma ubicación.

DE IZQUIERDA A DERECHA: Evening dress, ca. (1887) / Evening dress (1882).

Seda, vidrio, hilo metálico.

Hause of Worth Metropolitan Museum Of Art, New York. USA

Green Dress Tea. (1895) Hause of Worth Collection Musée Galliera, París. Francia.

Charles Frederick Worth

Disponible desde: http://online.wsj.com/news/articles/SB10001424127887323628804578346431091353960 / http://www.metmuseum.org/toah/works­of­art/C.I.49.3.25a,b

GIVENCHY

Givenchy es una firma de Alta Costura, fundada por el diseñador francés Hubert de Givenchy en

Francia (1949)

1952. Para el año 2009, la firma la dirige Riccardo Tiscci teniendo a su cargo tanto la línea prêt-aporter como la de alta costura. Bajo la dirección de Humbert, los diseños de la Casa fueron muy utilizados por la actriz Audrey Hepburn, no solo para sus películas (Breakfast at Tiffany's, Charada), sino también fuera de la gran pantalla. El diseñador era conocido por lo avangard de sus diseños.

Hepburn era cliente leal a la casa, tan cercana, que en 1957 Givenchy crea una fragancia floral llamada “L `Interdit” para uso exclusivo de la actriz.

DE IZQUIERDA A DERECHA: Evening grown. (1963) Algodón color coral con apliques en encaje y piezas de coral.

Metropolitan Museum Of Art, New York. USA Evening grown, ca. (1968) Seda color salmón con apliques de pluma.

Metropolitan Museum Of Art, New York. USA Disponible desde: http://www.metmuseum.org/toah/works­of­art/1971.79.4 / http://www.metmuseum.org/toah/works­of­art/1974.184.2

FASHION SHOW - Runway/Pasarela/Performance La historia del Fashion Show se remonta al siglo XIX, en 1800 ya existían espectáculos de moda donde diseñadores de Alta Costura (término acuñado por Charles Frederick Worth) mostraban sus creaciones. Sin embargo, Según Amanda Fortini (2006): “El Fashion Show no se ideó como una forma de promocionar a esta multibillonaria industria, también sirvió fue fundamental para el desarrollo de las tiendas por departamento en Estados Unidos – y por tanto, de la cultura consumista americana. El problema quizá que el Fashion Show, como cualquier otro performance, es de naturaleza efímera. (..) William Leach escribe en su libro Land of Desire, su excelente estudio sobre el orígen del capitalismo, ya que en 1903 en la ciudad de New York una tienda llamada Ehrich Brothers origina el primer Fashion Show en el país, como un intento de atraer las masas pertenecientes a la clase media. Para 1910, muchas otras tiendas por departamento, incluyendo Wanamaker's en Philadelphia y New York, comienzan a organizar sus propios espectáculos.”[1] Así, la fecha del orígen de este tipo de performance se remonta a finales del siglo XIX y principios del XX. La mayor parte de los Fashion Show refieren a la temporada que se está manejando, S/S (Spring/Summer) para los primeros seis meses del año y F/W (Fall/Winter) para los últimos.[2] Hoy en día son muchísimas las firmas que realizan performance para mostrar sus colecciones cada temporada, algunas tradicionales y otras más vanguardistas. Entre las firmas que se destacan por los performance más elaborados destacan: Victoria's Secret, Dior, Chanel, Louis Vuitton, Prada, Dolce&Gabanna y Moschino, por nombrar solo algunos.

[1] y [2] Fortini, Amanda. How the Runway Took Off: A brief history of the fashion show. (2006). Slate Blog. Disponible desde: http://www.slate.com/articles/arts/fashion/2006/02/how_the_runway_took_off.html Traducción por Palm, Zara (2014)

VICTORIA'S SECRET FASHION SHOW 1995 The Victoria's Secret Fashion Show es un espectáculo que sucede anualmente bajo la firma Victoria's Secret, una marca de ropa íntima y ropa para dormir, quién lo utiliza como plataforma de promoción y marketing de sus productos de más alto perfil. El primer Fashion Show de Victoria's Secret fue en Agosto de 1995, algunos meses después del de The Limited, compañía paralela de ropa íntima del mismo propietario.

Durante el evento, algunas de las modelos más reconocidas son parte de las llamadas Ángeles de Victoria's Secret, quienes juegan un rol muy importante en el show, estas son: Adriana Lima, Alessandra Ambrosio, Doutzen Kroes, Behati Prinsloo, Candice Swanepoel, Lily Aldridge, Lindsay Ellingson y Karlie Kloss.

THE VICTORIA'S SECRET FASHION SHOW 1995 – USA Disponible desde: https://www.youtube.com/watch?v=QvuaFhItkGA

VICTORIA'S SECRET FASHION SHOW

THE VICTORIA'S SECRET FASHION SHOW 2013 – New York, USA Disponible desde: https://www.youtube.com/watch?v=AAIR7bLMs0Q

CHANEL - first fashion show as a showroom Gabrielle Chanel conocida como Coco, comienza como costurera y diseñadora de tocados y sombreros. Sus creaciones tienen mucho éxito y entre 1909 y 1915 abre su primera boutique en Paris, donde se establece como modista y expande su producción. El primer Fashion Show de Chanel ocurre en 1930 como un showroom en su propio atelier, donde decide mostrar sus creaciones luego de haber estado al rededor de 10 años fuera del mercado. Chanel es directora creativa de su propia firma hasta el día de su muerte, en Paris 1971, un día después de afinar los últimos detalles de su colección S/S 1971. Luego de pasar por manos de distintos diseñadores, en septiembre de 1982 Karl Lagerfield, quien ahora dirige la firma, se hace cargo de la misma, caracterizándola por seguir las líneas severas de Gabrielle con un giro vanguardista. Karl también es reconocido por los extravagantes shows con los que muestra cada colección, sobretodo las Resort.

CHANEL

CHANEL

Showroom 1930

Showroom S/S 1971

Gabrielle Chanel Atelier, Paris. Francia

Gabrielle Chanel Atelier, Paris. Francia

Disponible desde: https://www.youtube.com/watch?v=4LC5VbEJm6I

CHANEL

CHANEL Fall/Winter Ready-to-wear 2014/2015 Grand Palais – Paris Fashion Week Disponible desde: https://www.youtube.com/watch?v=lxdZvYU_N78

Fashion Photography - Fotografía de Moda En el portal digital del diario La Nación, Melissa Hernández (2013) plantea el origen de la fotografia de modas como una variación de la fotografía como movimiento: “La fotografía de modas se originó poco después que la fotografía misma y hoy es esencial en las revistas, la publicidad y los catálogos de las casas de indumentaria.”

Tatiana Marín (2013), profesora de fotografía de moda en la Universidad Véritas, habla con Melissa para el mismo reportaje sobre esta tendencia como “un registro visual de una sociedad que va de la mano

con el consumo." (..) “Permite tomar en cuenta aspectos socioculturales de un mundo globalizado e impulsado por la creación y la absorción de nuevas tendencias.” (..) “La fotografía de moda surge como una necesidad de retratar las grandes figuras de clase alta: condesas, duques y otros personajes que hacían, de su diario vestir, un símbolo de opulencia relacionado con la jerarquía social. ” [1]

Por su parte, Daniela (2014) escribe para un blog de moda en México sobre el mismo tema:

“Es entonces Vogue, la revista más representativa de la moda quien marca un hito en las editoriales.

Antiguamente con ilustraciones, imágenes o collages eran expuestas las tendencias de ese momento, hasta que por el término de la Primera Guerra Mundial se le da una visión y un punto de vista diferente a la fotografía y es cuando se voltean los reflectores del fotoreportaje a la fotografía de moda.“ (..) ”En 1909, la editorial Condé Nast se hizo cargo de la revista Vogue, contribuyendo al origen de dicha fotografía.” [2]

[1]

Hernández,

Melissa.

El

llamativo

origen

de

la

fotografía

de

modas.

(2013).

Diario

La

Nación.

Disponible

desde:

http://www.nacion.com/ocio/artes/llamativo­origen­fotografia­modas_0_1343866054.html [2] Daniela. La primera fotografía de moda en la historia, por Adolph de Meyer. (2014). Fashion Blog México. Disponible desde: http://fashionblogmexico.com/primera­fotografia­de­moda­adolph­de­meyer/

En 1856, se publica un libro de Adolphe Braun que contenía 288 fotografías de Virginia Oldoini, la condesa de Castiglione. Las fotos muestran a la condesa vestida con su atuendo oficial de la corte, gracias a las cuales se convierte en la primera modelo de moda. Sin embargo, es a través de su trabajo para Vogue en 1913, que Adolph Meyer se convierte en el primer exponente de esta tendencia. Luego de ellos, entre los fotógrafos de moda más conocidos que comienzan su trayectoria en el siglo 20, destacan: Richard Avedon, Wayne Maser, Helmut Newton, Martin Robbe, Milton Greene, Lillian Bassman, Irving Penn, Giovanni Gastel, Nick Knight, Martin Munkacsi, Stephane Sednaoui, Dennis Stock, David Bailey y Guy Bourdin.

Actualmente, son muchos los fotógrafos que mantienen viva esta tendencia a través de su trabajo. Algunos de los más conocidos suelen trabajar con revistas como Vogue, Elle, Harper o GQ: Steven Meisel, Sebastian Kim, Terry Richardson, Annie Leibovitz, Helmut Newton, Steven Klein, David Sims, Inez & Vinoodh y Juergen Teller.

Adolph de Meyer fue un fotógrafo nacido en 1868 en París. Toma

ADOLPH DE MEYER Francia (1869) – Estados Unidos (1949)

fotografías desde muy joven y realiza su primera exposición como fotógrafo independiente con apenas 26 años. Su trabajo se caracteriza por sus fotografías poco posadas en ambientes naturales y es de esa forma como la revista Vogue lo descubre, contrata y consagra como

“Adolph de Meyer no sólo fue el pionero de la fotografía de

primer fotógrafo de moda.

moda, creo un prototipo editorial de cómo hacer lo que actualmente conocemos como photoshoots. Su método era

Su trabajo es publicado en repetidas ocasiones en el Camera Work de

poner énfasis en preparar las sesiones fotográficas, un proceso

Stieglitz y así se une temporalmente al grupo Photo-Secession de

en el que estaba interesado en retratar a las modelos en

Stieglitz. Muere en Los Ángeles en 1949.

ambientes y poses naturales. (..) Como influencia y punto de referencia en la moda, Adolph introdujo el uso de la “iluminación dramática” en uno o más modelos sobre una fotografía, así como el retoque directo en negativos.” [3]

[3] Daniela. La primera fotografía de moda en la historia, por Adolph de Meyer. (2014). Fashion Blog México. Disponible desde: http://fashionblogmexico.com/primera­fotografia­de­moda­adolph­de­meyer/

ADOLPH MEYER

Gertrude Vanderbilt por Adolph de Meyer (1913) Vogue Magazine 1913.

Disponible desde: http://fashionblogmexico.com/primera­fotografia­de­moda­adolph­de­meyer/

Gertrude Vanderbilt por Adolph de Meyer (1913) Disponible desde: http://fashionblogmexico.com/primera­fotografia­de­moda­adolph­de­meyer/

Vogue Magazine 1913.

ANNA (ANNIE) LEIBOVITZ “Fotografiar me ha enseñado mucho, pero no lo es todo en la vida.”.

Nace en 1949 en Connecticut, USA. Asiste a la Escuela de Bellas Artes en San Francisco para estudiar pintura, mientras toma clases nocturnas de fotografía. Su trabajo como fotógrafo comienza en 1970 cuando trabaja por primera vez para la revista Rolling Stone para convertirse en la jefe de departamento de fotografía de la revista en 1973.

Manuel López habla en su blog Periodistas, sobre el trabajo de Leibovitz: “Para Leibovitz, la fotografía representa “la vida misma”, por lo que reivindicó su calidad de arte al tiempo que recordó la maravilla que representa en sí el hecho fotográfico al permitirnos “retener los momentos fugaces de nuestras vidas”. “[4]

Retrato de John Lenonn y Yoko Ono (1981) Rolling Stones Enero 1981.

[4] López, Manuel. 12 fotos grandiosas de Annie Leibovitz. (2013). Periodistas en español. Disponible desde: http://periodistas­es.com/12­fotos­ grandiosas­cargo­de­annie­leibovitz­18679 Disponible desde: http://www.echoback.com/images/leibovitz6x8lennonono3.jpg

The Best Redheads: Amy Adams Against Nature. (2014) Vogue Magazine Agosto 2014 Disponible desde: http://www.vogue.com/946492/best­redheads­jessica­chastain­amy­adams­julianne­moore­and­more/

STOP MOTION - Animación cuadro por cuadro “El stop motion es una técnica de animación que consiste en aparentar el movimiento de objetos estáticos por medio de una serie de

imágenes fijas sucesivas. Stop motion es un anglicismo que empezó a penetrar en el uso de la lengua española en tiempos relativamente recientes. (..) Existen infinitos procedimientos de animación en stop motion, esto es debido a que esta técnica de animación es un procedimiento artístico y cada autor adecua dicha técnica a aquello que quiere expresar. Por ello el stop motion posee una gran riqueza de métodos y variantes. Podríamos distinguir dos grandes variantes de animación en stop motion: la realizada con plastilina o cualquier otro material maleable, (conocida también con la denominación inglesa claymation) y la realizada con objetos rígidos.”[1] El oŕigen del término Stop Motion se remonta incluso a la invención del cine; Wikimedia menciona que: “ Hay que destacar que uno de sus

pioneros fue un español, Segundo de Chomón, quien recurrió a esta técnica en películas como La casa encantada (1906)1 y El hotel eléctrico (1908).”[2] Por otro lado: “El uso de la técnica de stop motion por primera vez puede ser acreditado a Albert E. Smith y J. Stuart Blackton para El Vitagraph:

Humpty Dumpty Circus (1897), en la que un circo de juguete, los acróbatas y los animales regresan a la vida. (..) En 1907, The Haunted Hotel es una nueva película de stop motion realizada por J. Stuart Blackton, y al lanzarla, fue un éxito rotundo. Segundo de Chomón (1871-1929), en España, publica El hotel Eléctrico a finales del mismo año, y utiliza técnicas similares a la película Blackton. (..) The great European stop motion pioneer fué Wladyslaw Starewicz (1892–1965), quien animó obras como The Beautiful Lukanida (1910), The Battle of the Stag Beetles (1910), The Ant and the Grasshopper (1911).”[3] La lista de obras cinematográficas realizadas en stop motion es enorme, aquí se citan algunos pocos ejemplos: The Seven Ravens, Alemania (1937), Handling Ships, Inglaterra (1945), The Crab with the Golden Claws, Bélgica (1947), Heaven and Earth Magic, USA (1962), Joseph The Dreamer, Israel (1962), The Peacock Princess, The Girl With Long Hair, China (1964), Rennyo and His Mother, Japón (1981), Adventures of Robinson Crusoe, a Sailor from York, Czechoslovakia (1981), Mitki-Mayer, Russia (1992), The Secret Adventures of Tom Thumb, Inglaterra (1993), The Nightmare Before Christmas, USA (1993), Wallace & Gromit: The Curse of the Were-Rabbit, Inglaterra (2005), Max & Co, Bélgica, Francia, Suecia, Inglaterra (2007), The Pirates! Band of Misfits, Inglaterra (2012), ParaNorman, USA (2012).

[1] y [2] Wikimedia INC. Stop Motion: Métodos y Variantes (2014). Fundación Wikimedia, INC. Disponible desde: http://es.wikipedia.org/wiki/Stop_motion [3] Wikimedia INC. Stop Motion (2014). Fundación Wikimedia, INC. Disponible desde: http://en.wikipedia.org/wiki/Stop_motion Traducción por Palm, Zara (2014).

James Stuart Blackton Inglaterra (1875) – USA (1941) James Start Blackton fue un productor y cineasta de películas mudas, reconocido de forma internacional por ser considerado el padre de la animación estadounidense. En 1894 funda junto a Albert E. Smith y Ronald A. Reader una asociación donde Smith se hacía llamar "Komikal Konjurer" y Blackton "Komikal Kartoonist", mientras Reader era el técnico a cargo de operar un proyector llamado la linterna mágica.

Luego de su separación, produce y dirige muchas obras cinematográficas entre las que se destacan:

Winsor McCay, the Famous Cartoonist of the N.Y. Herald

and His Moving Comics (1911), A Midsummer Night's Dream (1909), Mr. and Mrs. Spoopendyke Have Troubles with a Waiter (1901), The Enchanted Drawing (1900), The American (1927), Between Friends (1924), Let Not Man Put Asunder (1924) y The Film Parade (1933).

Between Friends (1924) Albert E. Smith; J. Stuart Blackton Poster impreso en papel.

Disponible desde: http://www.impawards.com/1924/posters/between_friends.jpg

LAIKA USA (1990) Laika (antes llamado Will Vinton Studios) es un estudio de animación stop motion estadounidense que fue fundado por Phil Knight y su hijo Travis, especializado en películas, comerciales, videos musicales y cortometrajes. Es un estudio muy conocido por sus películas de stop motion como Coraline (2009) y ParaNorman (2012). Otras de sus obras entran en el campo la publicidad, realizando campañas para Apple, M&M y Kellogg, y spots para Honda, Starbucks, Planters, Shaw cable y Frito Lay durante la primera década del 2000.

DE IZQUIERDA A DERECHA: ParaNorman (1924) Poster digital.

Coraline (2009) Poster digital.

Disponible desde: http://laika.com/films.php

Este término también se conoce como Arte Basura, este nombre es acuñado por el crítico de arte

JUNK ART - Arte Basura -

Lawrence Alloway (1926-1990), en 1961, con el fin de describir obras realizadas con arte chatarra al igual que se puede percibir en el Funk Art. Arte Basura no se unen en un movimiento hasta la década de 1950, cuando artistas como Robert Rauschenberg (1925-2008) comenzaron a promover sus " cosechadoras "(una forma combinada entre pintura y escultura)

Por consiguiente en la enciclopedia de Educación Artística en la web, explica que: “A lo largo del siglo 20, como parte de la revuelta modernista contra el uso de materiales tradicionales en las bellas artes y el consiguiente deseo de demostrar que "el arte" se puede hacer de cualquier cosa, los artistas han estado creando escultura, ensamblaje, pinturas combinadas / esculturas y las instalaciones de una gama cada vez más amplia de objetos y materiales inusuales (..)”[1] Los trabajos de esta tendencia se realizan con materiales banales y ordinarios (hechos de chatarra, trapos de tela, madera, residuos de papel y otros materiales "encontrados”). Dentro de los precursores del “Arte Basura”, se puede observar el trabajo de Marcel Duchamp, quien empleó materiales basura y otros residuos urbanos especialmente en esculturas, otro artista basura pionero fue el Hanover dadaísta Kurt Schwitters y los Cubistas en la época sintética empleando el Collage como la escultura de Picasso la Guitarra (1913) realizada con Chapa y alambre.

Esaak, S. (2014) [2] menciona que las características claves del Junk Art (Arte Basura), son: ●

Ilusión de inutilidad, si los materiales no fuesen cosidos, pegados, soldados, simplemente estarían tirados en un vertedero, las piezas son inútiles y no deseados, las cuales juntas hacen arte.

●

Materiales deliberadamente Ugly, un sociópata argumentaría que rodillos plásticos de colore rosa para el cabello o las entrañas electrónicas de un VCR son hermosos, los materiales utilizados en el Junk Art, no son bonitos en sí mismos, la magia viene del ensamblaje que realiza el artista.

●

Basura Comercial y Urbana: El junk Art, proporciona la evidencia de que la sociedad es consumista, y si algún objeto se daña, se bota y es remplazado por otro.

Dentro de los artistas del Junk Art encontramos a: Armand Fernandez, Marsella Cesar, Indiana John Chamberlain, José Goto, Richard Stankiewicz, Bruce Conner, Joseph Beuys, Ed Kienholz, Niki de Saint-Phalle; cada uno de diferentes países y desarrollandose en diferentes áreas del arte.

[1] (S/A) Junk Art. Encyclopedia of Art Education. (S/F) Disponible desde: http://www.visual­arts­cork.com/definitions/junk­art.htm Traducción por Luisanyi Gómez (2014) [2] Esaak, S. About education. Junk Art – Art History 101 Basics (2014). Disponible desde: http://arthistory.about.com/od/arthistory101/a/Junk­Art­Art­ History­101­Basics.htm. Traducido por Luisanyi Gómez (2014)

Robert Rauschenberg Estados Unidos (1925 – 2008) Pintor Estadounidense (1925-2008), que representa un papel importante durante la transición desde el expresionismo abstracto al Pop Art. Estudia artes en París y en diferentes escuelas de Estados Unidos. Entre sus primeros trabajos destacan unas cajas las cuales contienen cianotipos, pinturas en blanco y negro y algunos objetos. A principios de 1950 realiza pinturas Collage, en las que los lienzos presentan pinturas cubiertas con fragmentos de textil, recortes de periódicos rasgados y fotografías, observando así en sus obras, inicios de las características realizadas en el Funk Art. Podemos observar a un artista dual, desarrollado en varios movimientos artísticos y diversas técnicas.

Estado (1963)

Cañón (1959)

Óleo y tinta serigráfica sobre Lienzo. 243,8 x 177,8 cm.

Combinación sobre lienzo. 203 x 177,8 x 60, 96 cm.

Museo de Arte de Filadelfia. Filadelfia

Colección Son Abend, París Francia

Armand Fernandez Francia (1928 – 2005) Este artista nace en Francia, presencia la pintura de su padre, y empieza sus estudios formalmente en la Escuela Nacional de Artes Decorativas de Niza (1946-1949). Sus primeras investigaciones artísticas se ven influenciadas por la pintura abstracta, pero al observar la exposición en París en 1954, del arte de encaje de la innovadora dadaísta Kurt Schiwitters, lo cual le ayuda a dar un vuelco importante en su trabajo, dejando a un lado la pintura tradicional.

Se considera el escultor de los más innovadores del siglo XX, este artista es reconocido por su Arte Basura, donde se percibe su alejamiento de la pintura convencional, para dar paso a escultura hacia el objeto, en su mayoría el readymade (influenciado por Duchamp). En 1970 realiza una obra a la cual le dedica 7 años, que se trata de una monumental

escultura

elaborada

con

60

carros

(Aparcamiento a largo plazo, 1982, Museo de Cartier).

Venus Verte (2007)

Acumulación de Cuillères Africanes (2000)

Escultura en bronce, oro y pátina verde.

Ed. 55/99

60 x 15 x 22 cm

Escultura soldada en bronce y pátina

?

marrón. ? ?

ART FILM - Cine de Arte “Película de Arte (también conocido como cine arte, cine especializado, el cine de arte y ensayo, o en el

sentido colectivo como arte del cine) es generalmente una película seria, independiente y dirigida a un sector del mercado en lugar de una audiencia del mercado de masas. Una película de arte «pretende ser una obra artística, a menudo experimental y no está diseñada para atraer a las masas».”[1] “Durante los años 1920 y 1930, los cineastas no se propusieron a hacer "cine de arte", y los críticos de cine

decidieron no utilizar el término "cine de arte". Sin embargo, hubo películas con objetivos estéticos más sofisticados (..) En la década de 1950, algunas de las películas conocidas con sensibilidad artística estaban centradas en torno a una familia con falta de fe, pero con un hijo que cree que él es Jesucristo y convencido de que es capaz de hacer milagros, «Noches de Federico Fellini de Cabiria (1957)», otros que se ocupan de los intentos fallidos de una prostituta a encontrar el amor, su sufrimiento y rechazos «Fresas salvajes (1957) de Ingmar Bergman» (..) «Los 400 golpes (1959) de François Truffaut», cuyo personaje principal es un joven tratando de superar la mayoría de edad a pesar de los abusos de sus padres, los maestros y la sociedad en general.” [2] Entre los cineastas que forman parte de la historia de este movimiento, se encuentran: François Truffaut, Alfred Hitchcoc, Roman Polanski, Nicholas Roeg, Wes Anderson, David Lynch, Owen Wilson, Peter Jackson, Bernardo Bertolucci y Stanley Kubrick.

Mientras que algunas de las mejores muestras de Art Film del siglo XX y XXI son Psycho de Alfred Hitchcock (1960), Rosemary’s Baby de Roman Polanski (1968), Don’t Look Now de Nicholas Roeg (1973), The Wicker Man de Robin Hardy (1973), The Blair Witch Project de Daniel Myrick (1999), 2001 y A Clockwork Orange de Stanley Kubrick (1968/1971), Star Wars de George Lucas (1977), The Lord of the Rings: trilogy de Peter Jackson

(2001-2003),

Mulholland Dr de David Lynch (2001), The Conformist de Bernado Bertolucci (1970) y Apocalypse Now de Francis Coppola(1979).

[1] y [2] Wikimedia INC. Art Film (2014). Fundación Wikimedia, INC. Disponible desde: http://en.wikipedia.org/wiki/Art_film Traducción por Palm, Zara (2014)

François Truffaut Francia (1932 – 1984) François fue un director de cine, guionista, productor, crítico y actor parisense que forma parte del grupo que inicia el movimiento llamado la Nouvelle vague, además de ser reconocido como pionero del Cine Arte. En 1960, gracias a su película Jules et Jim, se reconoce como innovador en la escritura de guiones. Otras de sus obras como escritor son Tirez sur le pianiste (1960), Fahrenheit 451 (1966), L'Histoire d'Adèle H. (1975), L'homme qui aimait les femmes (1977) y La Belle Époque de Gavin Millar (1995).

Tirez sur le pianiste. (1960) Charles Aznavour como Charles kohler; Marie Dubois como Léna.

Largometraje. Captura Disponible desde: http://www.imdb.com/title/tt0054389/?ref_=ttmd_md_nm

François Truffaut

Jules et Jim (1962) Jeanne Moreau como Catherine; Oskar Werner como Jules; Henri Serre como Jim. Largometraje. Captura Disponible desde: http://www.evelynenelcielo.com/wp­content/uploads/2013/11/jules­et­jim.jpeg

Wes Anderson Estados Unidos (1969) Wes nace en Texas a finales de los 60. Comienza haciendo películas de super-8 y escribiendo obras de teatro. Asiste a la Westchester High School y luego a la de San Juan, una escuela preparatoria privada en Houston, que en 1998 sirve de inspiración para una de sus películas, Academia Rushmore. Se especializa en filosofía y en la University of Texas, Austin, conoce a Owen Wilson y comienzan a hacer cortometrajes juntos. En 1994 hacen Bottle Rocket, se proyecta en el Festival de Cine Sudance y es recibido con tanto éxito que recibe financiación para hacerlo largometraje. Entre sus obras resaltan:

Academia Rushmore (1998), Life Aquatic (2004), Los Tenenbaums. Una familia de genios

(2001), la película animada Fantástico Sr. Fox (2009), Moonrise Kingdom (2012) y The Grand Budapest Hotel (2013).

Bottle Rocket (1994) Robert Musgrave como Bob. Luke Wilson como Anthony.

Owen Wilson como Dignan.

Cortometraje. Captura Disponible desde: https://www.youtube.com/watch?v=DW8b70QXFe0

Wes Anderson

The Grand Budapest Hotel (2013) Saoirse Ronan como Agatha; Tony Revolori como Zero.

Largometraje. Captura No Disponible

De acuerdo con el diccionario de la Universidad de Oxford (2014), upcycle es: “ Reuso (objetos o

materiales desechados) de tal manera que permita crear un producto de mayor o igual calidad que el

UPCYCLED - Creative Reuse -

original. Como adjetivo, upcycled.” [1] El blog Finklhoo en su artículo Origins of Upcycling, responde algunas interrogantes que surgen con respecto al término, como el orígen y la diferencia entre reciclaje y upcycled: “Upcycling es el proceso de convertir materiales viejos o de desecho en algo útil y, a menudo hermoso. Aunque este término puede ser

nuevo para muchos, el acto real de upcycling ha estado ocurriendo por décadas.” (..) “A diferencia del reciclaje, upcycling le da vida al objeto y le añade un valor y prósito mayor. Para recordar esta diferencia, piensa en upcycling como una forma de aumentar el valor del objeto (con frecuencia artículos de ropa) y en reciclaje como descomposición de las partes de un elemento, generalmente a través de un proceso químico.”[2] Según Saas Brown, en el capítulo tres de su libro Eco Fashion, menciona el alcance que ha tenido esta tendencia: “ (..) Esta práctica

actualmente se ha extendido hasta incluir artículos, diseños y diseñadores innovadores repartidos por todo el planeta. ” (p.103) [3]. Desde principios del siglo XX, surgen artistas y diseñadores que hacen el arte de upcycling parte de su propuesta; inclusive aún hoy muchos de ellos siguen trabajando con ella: Joseph Cornell, Robert Rauchenberg y Suendrini como exponentes del Upcycling Art, Michele Meunier y Olivier Chatenet para la marca E2, Frau Wagner, Orsola de Castro y Filippo Ricci para From Somewhere, Geofrey B. Small, Julia Grieve y Peter Friesen para Preloved, Luisa Cevese para Riedizioni, Stephan Hann, Angie Arner y Allison Danzl para CounterCouture, Rachel Roff para Delange Designs, Lulu Bea y la organización TRAIDremade desde el año 2000.

[1]

Definition

of

Upcycle.

Oxford

Diccionaires.

(2014)

Oxford

University

Press.

Disponible

desde:

http://www.oxforddictionaries.com/definition/english/upcycle Traducción por Palm, Zara (2014) [2] (S/A). Origins of Upcycling. Finkhoo Blog. (S/F). Finkhoo Fashion. Disponible desde: http://finkelhoo.com/origins­of­upcycling/ Traducción por Palm, Zara (2014) [3] Brown, Sass. (2010) ECO Fashion: Moda con Conciencia ecológica y social (p.103). Londres, Inglaterra. Editorial BLUME. Traducción por Osés, Carlos.

(2010) Barcelona, España. Editorial BLUME.

Joseph Cornell Estados Unidos (1903 - 1972) Joseph fue un artista y cineasta experimental estadounidense especializado en pintura y escultura. Pionero y principal exponente del Arte del Assemblage, Cornell se caracteriza por trabajar bajo el proceso del ensamblaje de objetos. Sus obras más influyentes son conjuntos de objetos en el interior de cajas que por lo general contaban con un vidrio frontal.

Según la Fundación Wikimedia, en su apartado Upcycling in Art: “La tradición de reutilizar objetos encontrados (objet trouvé) en la

corriente principal del arte se remonta de forma esporádica a través del siglo 20, a pesar de que ha sido durante mucho tiempo un medio de producción en el arte popular. (..) A mediados de siglo el artista Joseph Cornell ya fabricaba obras con collages y cajas ensambladas desde libros antiguos y objetos encontrados y efímeros.”[4]

Medici Slot-Machine (1942) Objeto – Ensamblaje. 31 x 39,3 x 10,9 cm Peabody Essex Museum. Cambrigde, USA.

A Marguerite Blachas.

Sin título (1940) Papel, seda, terciopelo, cadena, metal, cabello sintético.

Ensamblaje. 5,5 x 37,5 x 26,5 cm Museo Reina Sofía, Madrid. España.

[4]

Wikimedia

INC.

Upcycling.

Upcycling

in

Art.

(2014).

Fundación

Wikimedia,

INC.

Disponible

desde:

http://en.wikipedia.org/wiki/Upcycling#Upcycling_in_art Traducción por Palm, Zara (2014) Disponible desde: http://www.museoreinasofia.es/en/collection/artwork/untitled­marguerite­blachas / http://www.boxofjars.com/vol1archive/Surrealism/jcni_08.jpg

MICHELE MEUNIER Y OLIVIER CHATENET - E2 Francia (2000) “Luego de haber fundado su propia marca Mariot Chanet en

1987, la pareja unida tanto en la vida como en el trabajo, construye su creatividad trabajando para Azzedine Alaïa (Olivier), Chanel y Comme des Garçons (Michele). (..) Con la experiencia adquirida a través de los años, los Chatenet están listos para lanzar de nuevo en el 2000, su nueva linea llamada E2.”[5] “Una firma francesa que se especializa en reinterpretar tesoros

vintage de diseñador en piezas contemporáneas, deseables y usables. (..) La colección está dividida en grupos, cada pieza es única y personalizada, re-elaborando elementos vintage que provienen de grandes firmas de Alta Costura, de la talla de Yves Saint Laurent Rive Gauche, Lanvin y Madame Gres. Algunas piezas

están

sutilmente

alteradas,

mientras

otras

están

totalmente recreadas desde cero.”[6]

Sin título Telas vintage, upcycled. Pieza Única Colección privada. Atelier E2, París. Francia

[5] Carloni, Valentina. Michèle Meunier & Olivier Chatenet. (2010) Now Absolutely Blog. Disponible desde: http://www.nowabsolutely.com/tag/michele­ meunier­olivier­chatenet Traducción por Palm, Zara (2014).

[6] Brown, Saass. E2 (2012) Eco Fashion Talk Blog. Disponible desde: http://www.ecofashiontalk.com/2012/07/e2/ Traducción por Palm, Zara (2014).

Disponible desde: http://www.ecofashiontalk.com/2012/07/e2/

PRET – A - PORTER - Ready-to-wear Según Giuliana (2012): “Prêt-à-porter se refiere a la ropa que esta lista para llevar o en este caso “usar”. Son prendas producidas en serie para

el común denominador de personas, utilizan los mismos patrones y siguen las tendencias de cada temporada. ”[1] Mientras que la Fundación Wikimedia (2014) en su apartado Nacimiento del pret-a-porter, menciona: “En la década de los cincuenta se produjo una gran revolución en la moda a nivel internacional. La Alta Costura, sin llegar a desaparecer, fue poco a poco desplazada por el prêt-à-porter. Se inició un periodo de democratización de gran repercusión desde el punto de vista social; las prendas se empezaron a fabricar a gran escala, y la ropa de diseño, bien confeccionada, alcanzó a otros estratos sociales.”[2] Practicamente todas las casas de diseño lanzan dos campañas de pret-a-porter cada año, entre ellso . se distinguen: Ágatha Ruiz de la Prada, Alexander McQuenn, Badgley Mischka, Balenciaga, Balmain, Clavin Klein, Carolina Herrera, Diane von Furstenberg, Dolce & Gabbana, Donna Karan, Fendi, Gucci, Hermes, Issey Miyake, Galliano, Kenzo, Lacoste, Lanvin, Louis Vuitton, Marc Jacobs, Oscar de la Renta, Paco Rabanne, Prada, Chanel, Louis Vuitton, Marc by Marc Jacobs, Mary Katrantzou, Stella McCartney, Moschino y Ralph Lauren

La firma Moschino fue fundada en 1983 por el diseñador y

MOSCHINO

artista italiano Franco Moschino (1950-1994), y se convierte en

Franco Moschino (1983)

una marca reconocida a través de sus diseños excéntricos, coloridos e innovadores.

Moschino recurre a la crítica social y a la industria de la moda para basar sus campañas. En Septiembre de 1994, cuando Franco muere, Rossella Jardini, su asistente formal, queda a cargo de la dirección creativa de la marca, hasta que la deja en Octubre de 2013. Desde entonces, Jeremy Scott es el director creativo de la firma.

[1]

Giuliana.

Prêt­à­porter

y

Haute

Couture,

cual

es

la

diferencia?

(2012).

El

closet

de

Giuliana.

Disponible

desdE:

http://elclosetdegiuliana.com/2012/10/06/pret­a­porter­y­haute­couture­cual­es­la­diferencia/ [2] Wikimedia INC. Pret­a­porter: El nacimiento del pret­a­porter (2014). Fundación Wikimedia, INC. Disponible desde: http://es.wikipedia.org/wiki/Pr %C3%AAt­%C3%A0­porter Disponible desde: http://www.fashion­lifestyle.bg/designers_en_broi29

IZQUIERDA:

ARRIBA:

Dress me Up! (1990)

Fall/Winter Ready-to-wear 2014/2015.

MOSCHINO por Franco Moschino.

MOSCHINO por Jeremy Scott.

?

Milan Fashion Week. Italia.

PÁGINA ANTERIOR: Spring/Summer Ready-to-wear 1984.

MOSCHINO por Franco Moschino.

Disponible desde: http://www.vogue.es/desfiles/otono­invierno­2014­2015­milan­fashion­week­moschino/

MARC BY MARC JACOBS (2001) Marc Jacobs nace en New York en 1963, luego de graduarse en 1981 de High School of Art and Design, comienza a estudiar en una de las más prestigiosas escuelas de diseño, Parsons School of Design, donde se gradúa con honores luego de presentar una colección de sweateres tejidos a mano por su abuela e inspirados en el Op-Art. En primavera del 2001 introduce su firma personal MARC by Marc Jacobs, y la trabaja en paralelo a la Casa Louis Vuitton, de la que fue director creativo desde Enero de 1997 hasta Octubre del 2013.

Spring/Summer Ready-to-wear 2002.

Septiembre 2001.

DERECHA: Spring/Summer Ready-to-wear MEN 2014.

Disponible desde: http://www.vogue.co.uk/brand/marc­jacobs

Spring/Summer Ready-to-wear WOMEN 2014.

Disponible desde: http://www.vogue.co.uk/brand/marc­jacobs

FIBER ART Fundación Wikimedia en su artículo Fiber Art habla del orígen del término: “El término Fiber Art se comienza a usar por curadores e historiadores del arte luego de la Segunda Guerra Mundial, para describir el trabajo de los artistas - artesanos. Durante esos años se muestra un gran avance en el diseño y producción del “arte textil”. En la década de los 50, como las contribuciones de artistas se volvieron más reconocidas – no solamente en fibra textil sino también en arcilla y otros materiales – un gran número de tejedores comienzan a realizar tejidos de formas no funcionales como obras de arte.”[1] El Arte es una expresión pública y está sujeto a una constante revisión crítica. (..) El fundamento de cualquier obra de arte es conocer el material y técnica utilizados, y el deseo de comunicar visualmente. La comunicación visual es común a cualquier forma de arte, sin embargo, los materiales y las técnicas son distintos en cada expresión. (..) Cuando la el trabajo textil fracasa como arte, la explicación generalmente depende del material o técnica utilizados en la obra (..)”[2] Entre los artistas que desarrollaron el Fiber Art, predominan las mujeres: Suendrini, Magdalena Abakanowicz, Enrico Accatino, Anni Albers, Neda Al-Hilali, Dolores Dembus Bittleman, Jon Coffelt, Susan Gilgen, Sheila Hicks, Diane Itter, Ferne Jacobs, Givi Kandareli, Nancy Kozikowski, Hans Krondahl, Velda Newman, Shannon Okey, Olek, Fran Reed, Sue Reno, Ed Rossbach, Lenore Tawney, Ana Voog, Claire Zeisler y Leslie Gabriëlse.

[1] Wikimedia INC. Fiber Art: History (2014). Fundación Wikimedia, INC. Disponible desde: http://en.wikipedia.org/wiki/Fiber_art#History Traducción por Palm, Zara (2014) [2]

Koplos,

Janes.

Web

Exclusive

Article:

When

is

http://www.fiberarts.com/article_archive/critiquefiberart_art.asp

Fiber

Art

"Art"?

(1986).

Fiberarts

Magazine.

Disponible

desde:

Ferne Jacobs Estados Unidos (1942) Es una artista de Chicago que es conocida por su trabajo en la cestería escultórica, a partir de una técnica antigua donde se tuerce un hilo sobre otro.

Tomó clases de Arts and Craft en el

Art Center

College of Design, San Diego State University y Claremont Graduate University en California; The Pratt Institute en New York; y en Haystack Mountain School of Crafts en Maine. Ferne autodefine su trabajo para la Nancy Margolis Gallery de New York: “Mi trabajo ha evolucionado desde la pintura hasta al tejido, y luego en 1970, comencé a crear tres obras tridimensionales en fibra utilizando técnicas antiguas de fabricación de cestas,

con

las

que

sigo

comprometida

actualmente. Este compromiso ha crecido de la fascinación que me produce que el hilo se pueda convertir en un sólido, usando solo mis manos y el hilo, así la forma puede hacer que se sostenga por si misma.”[3]

Grey Wave. (1988–89) Lino torcido. Tejido a mano. 28.6 x 34.9 x 21.6 cm.

Metropolitan Museum Of Art, New York. USA

[3] Jacobs, Ferne. Ferne Jacobs for Nancy Margolis Gallery NY (S/F). Nancy Margolis Gallery New York. Disponible desde: http://nancymargolisgallery.com/?tag=ferne­jacobs

Disponible desde: http://www.metmuseum.org/collection/the­collection­online/search/492378?rpp=30&pg=1&ft=ferne+jacobs&pos=1

Ferne Jacobs Medusas Collar (2010) Hebra de lino. Tejido a mano.

45,7 x 35,5 x 48.2 cm.

Nancy Margolis Gallery. New York USA.

Disponible desde: http://nancymargolisgallery.com/?tag=ferne­jacobs

LISA KOKIN

FERNE JACOBS

Estados Unidos (1954)

1942 Estados Unidos

Transcript (Kaddish) (2012) Hilo. 71 x 71 cm Colección Privada

- Detalle Transcript (2012)

(Kaddish)

Hilo. 71 x 71 cm Colección Privada

Es una artista estadounidense que nace en New York en 1954. En 1989 obtiene un BFA( ) y en 1991 un MFA ( ) del California College of Arts and Crafts. En 1998 recibe una beca de Fleishhacker Fundation y del California Arts Council. Lisa trabaja sobre la memoria e historia colectiva e individual, a través de instalaciones con materiales mixtos, libro de artista, ensamblaje y escultura. Su obra ha sido exhibida en Estados Unidos y también en el extranjero, y se mantiene en colecciones tanto privadas como públicas.

Disponible desde: http://www.lisakokin.com/thread02.html#!prettyPhoto

LISA KOKIN

Rattlesnake Bandit (2013)

- Detalle -

Páginas de Cowboy, hilo, algodón. 198 x 91 x 25 cm

Rattlesnake Bandit (2013)

Colección Privada.

Páginas de Cowboy, hilo, algodón. 198 x 91 x 25 cm

Exhibido en Octubre de 2013 en el Boise Art Museum, USA

Colección Privada

Disponible desde: http://www.lisakokin.com/images/galleries/sewing_alterations/how­the_west_was_sewn/Rattlesnake­Bandit.jpg

Esta corriente artística surge a finales de la década de los 50, en Nueva York, y está relacionada con los artistas y las técnicas del Expresionismo abstracto, sin embargo no todos los artistas aplicaron las técnicas de Action Painting, los que deciden aplicarla se interesan en darle a sus pinturas una liberación, estética, política, y moral. Como dice Gersh-Nesic, B. (2014): “(..)hace hincapié en el proceso de hacer arte, a menudo a través de

una variedad de técnicas que incluyen goteo, secándose, manchas, e incluso arrojar pintura sobre la superficie del lienzo(..)” [1]. Aplicando una técnica de forma directa,

para convertirla en una representación espontánea y

enérgica donde el soporte (lienzo) se convierta en un lugar de acción.

Action Painting

El Action Painting por ello, es un arte espontáneo, esta término fue creado por el crítico Harold Rosenberg, quien lo muestra en su artículo “Americanos Pintores de Acción” en 1952. Como dice Anfam, D. (2009) en “(..)

Rosenberg fue probablemente inspirado en el trabajo fotográfico de Pollock (en lugar de las pinturas reales) que hacían hincapié en la la web:

libertad psicológica aparente y compromiso físico con materiales(..)” [2] En Francia el Expresionismo Abstracto y Action Painting se denominan Tachismo, mientras que en Estados Unidos aunque ambas estén relacionadas, se desarrollan de formas diferentes; aquí el Action Painting tuvo dos tendencias: La primera desarrollada por Pollock, Kline y De Kooning, quienes trabajaban como principales características, una energía gestual, libre concepción de técnica y obra, el lienzo lo veían como la proyección mental del pintor. La segunda tendencia, la representa el artista Rothko, donde las características principales trabajadas eran la sutileza cromática, menos libertad y más monotonía en la composición, para conseguir el equilibrio y la armonía en ella.

Jackson Pollock

Sus

Benton,

Estados Unidos (1912 – 1956) Nace en Norteamérica, se

primeras obras presentan un naturalismo a estilo de representa escenas estadounidenses de forma

realista. A partir de 1943, se ve influenciado

por el

forma en Los Ángeles y más tarde en

Surrealismo, realizando obras con un estilo más libre y

Nueva York (en Arts Students Ligue, pasa a formar parte del círculo de la

abstracto, a partir de 1947 Pollock da un giro hacia el

Escuela de Nueva York, se ve atraído por los muralistas mexicanos que

expresionismo abstracto desdibujando cualquier figuración

trabajan en ese entonces en USA, ayudando en algunos trabajos de

en sus obras para la década de los 50,

Siquieiros.

desarrollar una técnica más libre y separada de lo que el

[1]

Gersh­Nesic,

B.

Art

History

Definition:

Action

Painting.

(2014).

Art

History

About.

pero empieza a

Disponible

desde:

http://arthistory.about.com/od/glossary_a/a/a_action_painting.htm Traducción por Gómez, Luisanyi (2014) [2] Anfam, D. Collection: Action Painting (2009). Museum Of Modern Art. Colecction. Disponible desde: http://www.moma.org/collection/details.php? theme_id=10088 Traducción por Gómez, Luisanyi (2014)

expresionismo abstracto se había convertido (éste trabaja la liberación, pero termina cayendo en cierto academicismo y monotonía). Donde empieza a desarrollar la técnica de

Jackson PollocK

Action Painting , mediante este método Pollock realiza obras como Marrón y Plata I 1951. Estas obras que se presentan a continuación, muestran el antes y después del artista:

Hacia el Oeste (1938) Óleo en yeso sobre tableros de fibra. 38,3 x 52,7 cm.

Museo de Arte Americano Smithsonian Institution, New York. USA

Marrón y Plata I (1951) Esmalte y pintura plateada sobre lienzo. 144,7 x 107,9 cm Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid. España

Franz Kline Estados Unidos (1910 - 1962) Es un pintor estadounidense, se formó como pintor en la Universidad de Boston entre 1931 y 1935. Luego de viajar a París en 1937, regresa a Estados Unidos, donde sus primeros óleos y acuarelas se ven inspirados por el ambiente urbano de Nueva York, estas obras muestran su admiración a Goya, Manet y Sargent. En 1946 empieza su inclinación hacia la pintura abstracta, donde da paso a la realización de líneas y planos en una pintura facetada, como se observa en the Dancer (1946). Después realiza su primera exposición individual en 1950 donde muestra unas obras que por ser trabajadas con trazos negros sobre fondo blanco remiten a la caligrafía Japonesa. Para los siguientes años empieza a añadir un poco de colores vivos a sus lienzos negros como se ve en su obra: Dalia (1959, Museo Whitney de Arte Americano).

Sus obras obtienen un gran impacto en los escultores constructivistas de la década de los 60, esto debido al equilibrio logrado entre blancos y negros.

Mahoning (1956) Óleo y collage de papel sobre lienzo. 203,2 x 254 cm Museo Whitney de Arte Americano, Nueva York. USA

FRANZ KLINE The Dancer (1946) Óleo sobre Lienzo. 42 x 90 cm. ?

Sin título (1960) Óleo sobre lienzo. ?

Colección privada

Funk Art A finales de 1950, se empiezan a destacar artistas que comienzan a utilizar materiales de chatarra o según Silva, L. Kienholz (fue uno de los médicos principales del arte Funk) “las sobras de la experiencia humana ”, estos fueron descritos como "funky" - o mal olor, entiendo como una forma de arte californiano, practicado por los artistas en San Francisco durante la década de 1960. Su material aplicado se asemeja al Arte Basura, pues emplea artículos descartados de funcionamiento (chatarras), lo que podría dar a entender el reflejo de la sociedad consumista de rápido movimiento, esto se convierte en la base de los artistas Funk, creando de esta forma un nuevo tipo de estética. Según el blog Ketterer Kunst: “Funk Art se caracteriza en gran medida por el énfasis en objetos específicos; los artistas con frecuencia utilizan los

registros antiguos, de cuero negro, medias, e imagenes de pin-up en sus obras, la producción humorística y erótica, a veces aterradora. ”[1] El Funk Art reacciona en contra del expresionismo abstracto, pues consideraba que estaban alejados de realidad presente de la sociedad. Los Artistas Funk gustaban por practicar tácticas de choque en el realismo social tradicional de la crítica cultural y la protesta. El Funk Art También es denominado sick art se ubica entre la confluencia del Junk Art y Eccentric Art, sin embargo no guarda ninguna relación con la estética neoyorquina. Edward Kienholz y Bruce Conner, son miembros destacados de este movimiento, su obra se caracteriza por evocar a temas relacionado con el sexo, la enfermedad y la muerte. Con el tiempo, el funk art se vuelve un poco menos agresivo y angustiado dejando a un lado gradualmente su gusto por la ironía. Como menciona David Gilhooly, en “ La década de 1960 se ve un impulso a otro

movimiento funk en San Francisco, una rama menos mordaz y humorística más dado a los juegos de palabras visuales y verbales… ” [2] dando a entender la evolución de este movimiento, con respecto a sus ideas ejecutadas y artistas que se desarrollan en él.

Los principales representantes del Funk Art incluyen a Robert Arneson,

Dentro de los artistas que lo practican

actualmente, se

Wallace Berman, Joan Brown, Bruce Conner, Jay DeFeo, David Gilhooly y

encuentran: Wallace Berman, Bruce Conner, Roy De Forest,

Harold París.

George Herun, Robert Hudson, John Mason, Manuel Neri, Gladys Nilssonm, Jin NuttJ, Ken Price, Paul Thek.

[1] S/A Funk Art S/F. Ketterer Kunst. Disponible desde: http://www.kettererkunst.com/dict/funk­art.shtml. Traducción por Gómez, Luisanyi (2014) [2] Silva. L. Funk Art Archive (2011) Funk Art II PROM. Disponible desde: http://funkart11prom.blogspot.com/2011_10_01_archive.html Traducción por Gómez, Luisanyi (2014)

Paul Thek Estados Unidos (1933 - 1988) Realiza estudios en la Art Students League y en el Instituto Pratt de 1950. Sus inicios son pictóricos pero luego empieza a crear esculturas, en la década de 1960 crea una escultura de cera titulada Los relicarios Tecnológicos los cuales parecían carne cruda o miembros de cuerpo, encerrados en unas vitrinas. Thek se desempeñó en varios trabajos como: diseñador de textil desde 1959 – 1962 en Nueva York para Prince Studios, en 1962- 64 vivió en Roma, luego regresa a Nueva York en 1964, donde empieza a realizar instalaciones y entornos procesuales. En sus viajes por Europa, muestra varias instalaciones las cuales realizó con materiales cotidianos, como periódico, arena y árboles. En 1976 thek regresa a Nueva York de nuevo, luego de haber perdido prestigio que había ganado en 1960,

pasando sus últimos días

realizando otro tipos de trabajos como embolsados de alimentos.

Sedan Chair (1968) Madera, cera, pintura, metal, cuero, vidrio y yeso.

200 x 100 x 100 cm.

Museo Ludwing, Colonia. Alemania

Paul Thek

Serie Relicarios Tecnol贸gicos: Brazo de Guerrero (1967) Cera, Metal, cuero y pintura. 24.1 x 99.1 x 24.1 cm Carnegie Museum of Art, Pittsburgh. USA

Serie Relicarios Tecnol贸gicos: Pierna de Guerrero (1966 - 1967) Cera, Metal, cuero y pintura. ?

Museo Hirshhorn y Jard铆n de Esculturas. Washington DC. USA.

Robert Hudson Estados Unidos (1938) Artista americano, realiza trabajos de malabares, con maestría en la forma, peso, color y la textura de manera irreverente, desarrollándose en

la escultura, pintura,

“(..)Al fin y al cabo es una obra multifacética

cerámicas y grandes esculturas de acero y bronce. Se basa en el Dadaísmo, el surrealismo

que postula un marco estético que renueva

e influencias Pop. Hudson, se acentúa como uno de los máximos representantes del Funk

contenidos, elementos, métodos y lenguaje,

Art, lo adopta para mostrar a una sociedad invisible, que consume y arroja, tomando varios

con el propósito de hacernos más cercanos,

elementos desechados, para realizar una nueva estructura, que formaran sus esculturas.

más reflexiva la experiencia de lo vital y

Vigil-escalera, G. dice que su obra no hay que mirarla con desprecio:

existencial(..)” [3]

DE IZQUIERDA A DERECHA: Sin título ( 2007) Ensamblaje. Técnica mixta.

175,2 x 106,6 x 121,9 cm Frank Lloyd Gallery, California. USA Voz (2009) Ensamblaje. Técnica mixta. 104 x 86,3 x 94cm Patricia Sweetow Gallery, San Francisco, USA. [3] Vigil­Escalera, G. Robert Hudson 1938: ¿Qué hacer con lo que encuentro? (2010). Goyo – Vigil Blogspot. Disponible desde: http://goyo­ vigil.blogspot.com/2010/03/robert­hudson­1938­que­hacer­con­lo­que.html

Hard-edged Painting (1950 tardíos, tempranos 1960) Una forma de abstracción post-pictórica que se da en Canadá. Se considera una sub-variante de lo que el artista Clement Greenberg (1909-1994) denomina abstracción Post-Painterly una tedencia donde se alejan del gestual expresionismo abstracto practicado por Willem de Kooning, Jackson Pollock y otros. La pintura de borde duro, término que se utiliza por primera vez en 1959 por el historiador y crítico del arte Jules Langsner, utilizado inicialmente para describir imágenes no figurativas, las cuales realizaban unos artistas de la Costa Oeste (Karl Benjamin, Lorser Feitelson, Frederick Hammersley y John McLaughlin ) quién los reúne en una exposición en el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles, titulada “Cuatro clasicistas Abstractos” . Más tarde como lo menciona Justin Wolf en un documento en la web, el estilo se refiere a menudo como “california hard-edge” (1964), y estos cuatro artistas se convirtieron en sinónimos del movimiento. El borde duro es conocido por su economía de forma, plenitud de color, ejecuciones impersonales y planas de superficies lisas.

En relación a lo anterior, lo describe de la siguiente forma, Langs,

Según el diccionario enciclopédico de Arte y Arquitectura en la web

L. [1] "Resumen clasicista la pintura es Hard-edge Painting. Las

[2],

formas son finitas, plano, bordeadas por un borde duro y limpio.

predominantemente abstracta, en la que las formas aunque

Estas formas no están diseñadas para evocar en el espectador

necesariamente

cualquier recuerdos de formas específicas que puede haber

marcados y se elabora en colores puros, utilizado principalmente

encontrado en alguna otra conexión. Son formas autónomas,

para denominar el tipo de pintura que surge como reacción a la

suficientes para sí mismos como las formas".

espontaneidad y tratamiento pictórico del Expresionismo Abstracto.

el”

Hard

Edge no

son

Painting”

es

geométricas,

un

tipo

poseen

de

pintura

contornos

muy

Dentro de los principales exponentes de “Hard edge painting” encontramos también a: Ellsworth Kelly, Frank Stella, Alexander Liberman, Al Held, Brice Marden, Kenneth Noland, Ad Reinhardt, Jack Youngerman.

Sus Principales características son: Trabajar un arte abstracto

caracterizado por una superficie aseada carente de incidente. riqueza del color aplicado a áreas delimitadas y algo distantes, estilo reforzado por ausencia total de pinceladas, como menciona la enciclopedia de arte virtual, la pintura de borde duro, simplemente recuerda al Precisionismo asociado con las teorías de Stijl y neoplasticismo de Piet Mondrian, así como las obras de Josef Albers, combina las imágenes claras de la abstracción geométrica con los intensos tonos del “Colour Field Painting”, a diferencia del “action Painters” Trabajan grandes esfuerzos para personalizar sus composiciones, para dar prioridad a los elementos formales (línea, color y forma) en relación a elementos de menor importancia como lo espiritual o emocionalismo, Importancia al diseño y estructura, se diferencia de la abstracción geométrica europea por el rechazo al geometrismo dogmático, oposición a la gestualidad del expresionismo abstracto americano.

[1] Langsner, L. Tha Art Story Foundation. (2014) Disponible desde: http://www.theartstory.org/movement­hard­edge­painting.htm Tradución por Gómez, Luisanyi (2014) [2] (S/A) Arts4X. Hard Edge Painting. (2011). Disponible desde: http://www.arts4x.com/spa/d/hard­edge­painting­denomi/hard­edge­painting­denomi.htm

Frederick Hammersley Estados Unidos (1919 - 2009) Nace en Salt Lake City, Utah, en 1919 asistió a la Universidad de Idaho en 1936-1938, seguida de la Chouinard School of Art de los Ángeles desde 1940 hasta 1942. Durante la segunda guerra mundial, participó como ejército de Estados Unidos, destinado en París donde toma clases en la École des Beaux- Arts en 1945, al año siguiente vuelve a la Chouinard School of Art, para luego continuar sus estudios en el Instituto de Arte Jepson 1947-1950. Aunque trabaja primero como pintor figurativo, desarrolla una abstracción incorporando tendencias biomórficas y surrealistas.

Sus formas geométricas y nítidas en sus obras contribuyen al Hard-edge Painting.

Vivió en Los Ángeles durante la década de los 50, donde desarrolla su técnica diferente “Hard Edge”, asociándose con un pequeño grupo de artistas conocidos como abstractos clasicistas.

Source 1963) Óleo sobre lienzo. 119,4 x 114,3 cm Sammlung Daimler Chrysler

Up With in (1957-1958) Óleo sobre Lienzo. 119,38 x 91,44 cm.

Pomona College Museum of Art, Claremont, California

Ellsworth Kelly Estados Unidos (1923) La crítica lo clasifica como un pintor del Feld Painting, Hard-Painting o minimalista, ha redefinido la abstracción en el arte. Su vocabulario visual se extrae de la observación del mundo que lo rodea, formas y colores. Ha sido formado por su interés en espacios entre lugares y objetos y entre su trabajo y espectadores. “ «En mi trabajo, no quiero que te veas en la

superficie; quiero que veas la forma, las relaciones.

La forma de mi pintura es el contenido. Siempre he tratado de liberar la forma de su contexto para así establecer una relación definitiva con el espacio que la rodea».”

“La gráfica de Kelly desequilibra la relación entre

figura y fondo dentro del territorio de la hoja de papel. Nos presenta un objeto al que podemos mirar pero que no podemos realmente ver, un objeto que podemos observar pero que no podemos nunca recordar con exactitud. Las imágenes intentan girar y bailar en el espacio pero no lo hacen. Las imágenes permanecen potencial

fijas,

por

dotadas

nuestro

de

propios

un

movimiento

ojos

que

se

encuentran, ellos mismos, bailando. Las obras de Ellsworth Kelly aportan la música que puede hacer Sense Titol (1987)

Paper Truck, Zurich (1953)

que esto suceda, y logran que suceda cada vez. Muy

Acero inoxidable y acero corten.

Lápiz y gouache. 20,3 x 15,2 cm.

14,10 x 0,19 x 0,93 cm

Colección privada

pocas cosas pueden hacerlo.” [3]

Plaza Gral. Moragues (Barcelona) [3] Alfredo. Elllsworth Kelly. La vida no limita al Arte. Disponible desde: http://lavidanoimitaalarte.blogspot.com/2009/12/ellsworth­kelly­newburgh­ nueva­york.html

Se inicia en los Estados Unidos a principios de los años 60, esta tendencia aparece como

un

paso

más

de

la

corriente

expresionista

abstracta,

es

Clement

Greenberg(critico) quien utilizo el termino en 1964 por primera vez esto con la idea de

Abstracción

referirse a la exposición que el mismo realizo en los angeles, a la cual asistieron una

post-pictórica

gestualidad y de las cualidades métricas las cuales fueron propias del primer

importante cantidad de artistas no figurativos, a esto los unia su repercusión de la expresionismo abstracto, Greeberg rechazó el Pop Art de 1960. La Abstracción Pictórica, se inclina por la aplicación del color uniforme evitando la intención de poder transmitir algún mensaje. La pintura ocupa casi siempre grandes superficies y justifica por sí misma su propia existencia.

Un artículo en la web escrito por Davila, P. (2012):”Uno de los padres de este tipo de pintura en Norteamérica fue Josef Albers. Los cuadros y grabados de la serie Homenaje al Cuadrado, que son los trabajos más conocidos de Albers, son experimentos planificados de color…” [1]

Características: •

Pintura con valor de realidad

•

Aplicación uniforme del color

•

Esteticismo ( la pintura por la pintura)

•

Tendencias no representativas

Entre los exponentes del movimiento están: Frank Stella, Ellsworth Kelly, Helen Frankenthaler, Kenneth Noland, Josef Albers, Louis Morris. El diccionario enciclopédico de arte expone que estos artistas: “tenían en común el rechazo de las cualidades <pictóricas>, tales como la pincelada expresiva y de la creación personalizada, y sustituyeron el método de la action Paiting, espontáneo e impulsivo, por áreas fríamente planeadas y claramente definidas de color sin modular”. [2]

[1] Dávila, P. Más de Arte. Blog Archivador (2012). Disponible desde: http://pameladavila.blogspot.com/2012/01/abstraccion­postpictorica.html.

[2]

S/A)

Abstracción

Postpictórica.

Diccionario

enciclopédico

de

Arte

y

http://www.arts4x.com/spa/d/abstracci%C3%B3n­postpict%C3%B3rica/abstracci%C3%B3n­postpict%C3%B3rica.htm

Arquitectura.(2011).

Disponible

desde:

Frank Stella Estados Unidos (1936) Es un pintor y grabador estadounidense, realiza estudios de historia en la Universidad de Princeton. Partiendo de un expresionismo abstracto, pasa a un estilo esencial, constituido por bandas monocromas o colores planos (de esta etapa destaca una serie de pinturas monocromas tituladas, Pinturas negras o rayadas 1958-1960). A mediados de los año 60 empieza

a trabajar una técnica que destacan las formas curvilíneas geométricas y

presencia de un juego de colores vívidos y armónicos) “En la década de 1960, Stella introdujo el uso innovador de los lienzos con formas

irregulares. En Stella del 1980 abandonó el estudio, estética minimalista en favor de una forma

más

improvisado

y

dinámico,

incorporando

técnicas

mixtas

y

la

La ciencia de la Pereza (1984) Aceite , Pintura de esmalte y pintura alquídica sobre lienzo. Grabado al agua fuerte de magnesio, aluminio y fibra de vidrio. ?

Galería Nacional de Arte de Washington DC

tridimensionalidad.” [3]

"Un gato hambriento comió una cabra" (1984) Serigrafía, litografía, bloque de linóleo 144,78 x 127 cm. ?

[3] Van de Velde, R. Frenk Stella. Ronny Van De Velde. Disponible desde: http://www.ronnyvandevelde.com/Stella­Frank­DesktopDefault.aspx? tabid=45&tabindex=44&artistid=89887

Josef Albers Alemania (1888 - 1976) Este artista de origen Aleman, estudia en Berlín las relaciones cromáticas en sus abstracciones geométricas,

fue profesor de dibujo de en la Bahaus en Weimar,

Albers recalco la importancia de la funcionalidad en el diseño moderno. La obra de Albers se caracteriza por sus formas rectilíneas en colores fuertes y planos, cuya interrelación acentúa el efecto abstracto, puramente óptico de la composición.

Utiliza el cálculo de formas cada vez menores para ilustrar su teoría de que los cambios de lugar, forma y luz producen cambios en el color. La Interacción del color (1963) es un ejemplo de su investigación cromática. Su obra influyó en el Op Art y en el Arte Minimal de la década de 1960.

Sin título (1921) Ensamblaje sobre vidrio. 39.8 x 37.5 cm.

Albers Foundation. Bethany. Connecticut. USA

Cuadrado de Línea Blanca XII (1966) Litografía sobre papel. 52.7 x 52.7 cm.

National Gallery of Art. Landover

Photorealism -

foto-realismo/Superrealism

-

También conocido como Super – Realismo, es un movimiento que surge desde el Pop y el Minimalismo en Estados Unidos durante la década de los 60 y que aún se mantiene. Toma la fotografía como principal fuente de inspiración; “ Como los artistas Pop, los foto-realistas buscaban

romper con la jerarquía de las temáticas académicas a través de la inclusión de escenas de la vida comercial – carros, tiendas, señalización.

También como ellos, los foto-realistas se apoyan en la publicidad y el imaginario comercial. ”[1] Con respecto a la técnica utilizada, Lisa Wainwright también menciona que: “Los artistas foto-realistas suelen proyectar la fotografía sobre el lienzo y luego utilizan un aerógrafo para

reproducir el efecto de una fotografía impresa en papel satinado.”[2] La invención de la fotogafía tuvo repercusiones también en el arte, por ejemplo, hubo artistas especializados en el retrato y el paisaje se sintieron inferiores y se convirtieron en fotógrafos. Por otro lado,

los artistas del siglo XIX y XX comienzan a trabajar con nuevas

experimentaciones artísticas a través de la fotografía, como la intervención y el collage. Entre los artistas pioneros del Foto-realismo podemos nombrar a grandes como: John Baeder, Robert Bechtle, Charles Bell, Tom Blackwell, Chuck Close, Robert Cottingham, Don Eddy, Richard Estes, Audrey Flack, Ralph Goings, Ian Hornak, Howard Kanovitz, John Kacere, Ken Keeley, Ron Kleemann, Malcolm Morley, David Parrish, John Salt y Ben Schonzeit. Muchos de ellos siguen trabajando actualmente, otros como Cindy Wright, son seguidores de la tendencia.

JOHN BAEDER Estados Unidos (1938)

John Baeder nace el 24 de Diciembre de 1938 en Indiana y es conocido por ser pionero y uno de los mayores exponentes del Foto-realismo con su trabajo pictórico de escenas de carretera. Comienza trabajando con el expresionismo abstracto y figurativo inspirado en la obra de Diebenkorn, Kooning, y Tworkov principalmente.

Más adelante se centra en mostrar la cotidianidad estadounidense de la época a través de pinturas y grabados, utilizando materiales como acuarela, gouache y pintura al óleo.

[1] y [2] Wainswright, Lisa. Photo-realism (2014). Enciclopedia Britannica Blog. Disponible desde: http://www.britannica.com/EBchecked/topic/762693/Photo-realism Traducción por Palm, Zara. (2014)

Modern Diner, 1977 Acuarela sobre papel. 27.9 x 39.3 cm.

Thomas Paul Fine Art Gallery,

Health Camp. 2010 Óleo sobre lienzo. 76.2 x 121.92 cm Colección Privada, ?

Disponible desde: http://www.tpaulfineart.com/images/art/Modern_Diner1500.jpg Thomas Paul Fine Art Gallery / http://www.artnet.com/

CINDY WRIGHT Bélgica (1972) Cindy Wright es una artista belga nacida en el 72. Con un máster en Artes Visuales de la Royal Academy of Fine Arts, se ha dedicado al dibujo y la pintura foto-realista en óleo sobre lienzo desde el 2003. Su trabajo es conocido por las grandes dimensiones que abarca y la temática dramática y tenebrosa que maneja.

Alhambra. 2012. Óleo en Lino.

100 x 150 cm.

Colección privada del artista.

Disponible desde: http://www.cindywright.org/dt007005.html

Baconcube 1. (2003)

Baconcube 2. 2003.

Óleo sobre lienzo. 145 x 145 cm

Óleo sobre lienzo. 135 x 135 cm

Colección privada

Colección Privada.

Disponible desde: http://www.cindywright.org/series004.html

Hiperrealism - hiper-realismo

Realizan una representación exacta de la realidad, pero las obras son frías sin

-

expresión, su objetividad pretende sobrepasar las de la fotografía. Por consiguiente “Esta tendencia, que hunde sus raíces en la cultura contemporánea, mantiene

estrechos vínculos con el "pop-art" y en cierta medida recoge su herencia. Su primera manifestación pública fue la exposición "The photographic Images" organizada por la Fundación Guggenheim de Nueva York en 1966 (..)”[1] Es un movimiento artístico que surge en la década de los 60, con una exposición en el Guggenheim en Nueva York. Cuyo objetivo es aspirar a una precisión casi fotográfica en la obra. Este busca mantener una conexión exacta entre la pintura y la visión fotográfica, para obtener una representación fiel de la escena (podría notarse una posible

base teórica o influencias sobre movimientos de siglos anteriores donde

trabajaban la mímesis), los temas los representan minuciosamente con los detalles, por medio de una agudeza óptica trabajada con un virtuosismo técnico para superar la visión del objetivo fotográfico.

“El propósito del Hiperrealismo es acercarse a una supuesta objetividad visual en la representación de retratos, naturalezas muertas, interiores y paisajes, a través de un singular método de trabajo que compagina técnica y disciplina.” [2] Según Martínez, B. (2013) “El hiperrealismo es una técnica de la pintura que propone reproducir la realidad con más fidelidad y objetividad que la fotografía. Surgidos en los Estados Unidos a finales de los 60, los artistas hiperrealistas tratan de buscar una transcripción de la realidad usando los medios técnicos y fotográficos de la manipulación de las imágenes. Así, logran conseguir con la pintura al óleo o la escultura, el mismo detalle y encuadre que ofrece la fotografía…” [3] Dentro de los artistas que se desarrollan esta tendencia se encuentran: David Parrish, quién se considera como uno de los primeros artistas en realizar este movimiento, el cual es presentado en una exposion realizada en el Guggenheim ,Pater Ambush, Walter Caldeira, Christoph Eberle, Almunia de Miguel, Arlene Steinberg, Walter Caldeira, Charles Hartley, Richard Harper, Ruddy Taveras, Kamalky Laureano, Chris Klein, Jose Luis Corella, Emanuele Dascanio, Steve Mills, Javier Arizabalo, Alexandre Montoya, Dario Darquez, Carlos D. Pulido, Collin Bogle, Ronen Zlotogoura, Giuseppe Mallia, Marcello Petisci, Andrea Bernuzzo, Hubert de Lartigue, Mariano Ristori, Carlos Muro, Wim Heldens, Randy Ford, William Lazos, Philip Michelson, Todd Ford, Jerry Ott, Hynek Martinec, Mark Goings, Rudy Sparkuhl, Jorge Villalba, Daniela Montanari, Eduardo Fiel, Michael Roberts, Liliana Gauris, Patrick Kramer.

[1] Bude, V. Historia del Arte (S. XIX y s. XX) Hiperrealismo.(2013). Disponible desde: http://victoriabude.blogspot.com/2013/05/hiperrealismo.html .

[2] S/A)Hiperrealismo. Portal de Arte (2005­2008). Disponible desde: http://www.portaldearte.cl/terminos/hiperrealismo.htm [3] Martínez, B. Siete artistas hiperrealistas que te harán dudar. CLTRA CLCTVA. (2013). Disponible desde: http://culturacolectiva.com/siete­artistas­ hiperrealistas­que­te­haran­dudar/

José Luis Corella España (1959) Pintor y dibujante hiperrealista, entre sus obras destacan sus retratos y las imágenes cotidianas de escenarios y paisajes urbanos, por su gran desarrollo de transformar sus obras casi en una maravillosa fotografía, Corella es sin duda uno de los representantes mas destacados de Realismo Clásico Español, la sutileza expresado en sus pinturas destacan la complejidad del ser humano haciendo imágenes simples y cotidianas que hace que sean obras indiscutibles del arte. “(..)En sus últimas obras, Corella juega con un punto enigmático que muestra de manera sutil misterios que la obra quiere contarnos, (..) ya que

José Luis Corella es sin duda algún contador silencioso de historias. Muestra la surreal realidad de lo inalcanzable. Todo lo que su obra transmite, así como su magnífica técnica, son el fruto del duro trabajo diario, de una necesidad como artista de producir sensaciones, de contar historias.

Una necesidad vital de reflejar su realidad. (..)” [4]

DE IZQUIERDA A DERECHA: Vespa NY. Óleo sobre tabla.

70 x 70 cm La princesita Óleo sobre tabla.

100 x 122 cm

[4] Beamud, J. Un contador Silencioso de Historias. (S/F). Disponible desde: https://joseluiscorella.files.wordpress.com/2010/06/articulo­revista.pdf

Eduardo Naranjo

Es uno de los grandes pintores españoles del siglo XX. Su obra es inquietante, compleja.

España (1944)

Su dibujo es perfecto, trascendente e ilusorio al que contribuyen una luz especial y un colorido austero. Se trata de un realismo metafórico, fantástico e imaginativo. Naranjo ha hecho pocas exposiciones personales de su obra, pero sí ha estado presente, en innumerables exposiciones colectivas junto a los otros grandes pintores españoles contemporáneos, siendo uno de los más prestigiosos y cotizados. La siguiente relación sólo es una muestra pequeña de su gran producción artística. En 1971 inicia su etapa realista que cultivará en larga andadura y evolución hasta nuestros días.

DE IZQUIERDA A DERECHA: Contemplación de la Muñeca (1971) Óleo sobre lienzo 85 x 68 cm.

(Retrato de Miguel Ángel) El hijo del pintor. (1972) Óleo sobre tabla.

65 x 47,5 cm

Mec art Se trata de un movimiento artístico que surge en Europa en 1963, el cual se consagra por una exposición que se da en 1965, titulada <Hommage â Nicéphore Niepce> realizada en la galería J de París, este término corresponde a la

abreviación de Mechanical Art (Arte

Mecánico), como menciona Gérard Durozoi (1997) en su diccionario de Arte del Siglo XX, este apelativo fue propuesto por el crítico Francés Pierre Restany (1930) con la intensión de describir pinturas que utilizan la reproducción de imágenes con números ilimitados sobre el lienzo, utilizando el método de modificar, en vez de producir simplemente la imagen original. Algunas veces los artistas se apoderan de obras pasadas, como es el ejemplo de “almuerzo sobre la hierba de Manet” reinterpretado por Jacquet.

Por consiguiente se muestra una relación entre el uso de la fotografía en el pop art y el mec art: “Ahora bien, mientras Warhol o Rauschenberg no influyen en la estructura orgánica del objeto de la foto y consideran la fotografía

reproducida como material de información objetiva, el mec art europeo –P. Bury, M. Rotella, Pistolleto, M. Raysse, A. Jacquet, Bertini y otros- tiende a reestructurar la bidimensionalidad. Tuco gran importancia como experiencia mec-art la sección del Laboratoria de Investigación de la Bienal veneciana en 1970. Las técnicas de reproductibilidad mecánica han planteado la cuestión de los <múltiples> en el pop, que, por otra parte, serían la expresión más clara de los procesos industriales de la imagen popular (..)” (p. 47) En relación a los artistas mencionados anteriormente, Gérard Durozoi (1997) menciona que desde dos años antes de su consagración, ellos venían trabajando en efecto a partir de procedimientos mecánicos o industriales que constituyen el lenguaje de la comunicación de las masas (Restany), cada uno trabajaba en base a sus preocupaciones, por ejemplo, mientras Jacquet privilegiaba el aspecto puntillista de la trama, Rotella practicaba transcripciones fotográficas de sus décollages y Bertini modificaba fotografías de periódicos. Este movimiento realiza una segunda exposición en París y luego en Bruselas, implantándose en Italia, acoge a nuevos miembros diversificando su técnica, como se ve en Rotella en 1967 lanza el artipo-plástico (plastificando sus impresiones fotográficas para darles un aspecto más tecnológico. Durozoi señala que en 1969, Bertini inicia una publicación de libros MEC para favorecer la extensión de las comunicaciones paralelas de este movimiento, pero la última exposición del Mec art se da en Bruselas dos años más tarde.

Para Chilvers, I. (1998): “el Mec Art se aplica a las obras producidas mediante la transposición de imágenes fotográficas al lienzo tratado con

emulsión fotosensitiva. Andy Warhol utilizó las transposiciones fotográficas directamente en muchas serigrafías, pero los artistas europeos asociados con el arte mecánico habitualmente han modificado o reestruturado la imagen original para crear otra nueva y sintética. El artista experimental francés Alain Jacquet (1939) utilizó por primera vez el término en 1964 (..)” [3] [1] Marchán, S.Del (1986) Arte Objetual al Arte del Concepto. Ediciones Akal, S.A. Madrid­ España [2] Durozoi, G. (2007) Diccionario Akal de Arte del Siglo XX. Ediciones Akal, S.A. Pinto – Madrid, España.

[3] Chilvers, I. (1998) Diccionario de Arte del Siglo XX. Ditorial Complutense, S.A. España.

Alain Jacquet Francia (1939 - 2008) Artista Francés, que estudió arquitectura en la École des Beaux-Arts, era un pintor autodidacta, Grimes William (2008) en su artículo publicado on line, se refiere a Jacquet, con algunas palabras de su autoridad: “Mi trabajo es todo sobre la fabricación de imágenes que desaparecen", dijo en una entrevista en The New York Times en 1968, "Es una

cosa visual, formal - no hay filosofía profunda detrás de él y no estoy comentando sobre el fotoperiodismo. Estoy fascinado por la forma en que una imagen puede descomponerse en los elementos abstractos más pequeños cerca, a continuación, vuelve a aparecer como una imagen pictórica."[4] Jacquet aunque no se encuentra vinculado directamente con el grupo de artistas franceses de 1960 nuevo Realistas o Pop Art, presenta cierta inclinación por ambos movimientos, pues hace un uso de lo irónico entre publicidad, logotipos corporativos y un uso de imágenes de orígen mecánicos, de esta forma busca hacer una especia de comentario antes las formas en que la cultura se ve afectada por el mercantilismo.

DE IZQUIERDA A DERECHA: La Source (1965) Acrílico sobre lienzo. 168 x 88.5 cm.

Galerie Daniel Varenne. Francia Camuflaje Botticelli - Birth of Venus. (1963-64) Óleo sobre Lienzo 226,8 x 138,6 cm. ?

[4]

Grimes,

E.

Alain

Jacquet,

Playful

pop

Artist,

Dies

al

69.

Ner

http://www.nytimes.com/2008/09/09/arts/09jacquet.html?_r=0 Traducción por Gómez, Luisanyi (2014)

York

Times.

(2008)

Disponible

desde:

Gianni Bertini Italia (1922) Forma parte del Movimiento del Art Concret (M.A.C., 1950), y posteriormente, del movimiento de la pintura nuclear (1951). Se integra en el grupo de los Informales reunido alrededor del crítico Michel Tapié. En 1947 Bertini pinta telas abstractas y a partir de 1948 evoluciona hacia una obra figurativa y retoma las formas de paneles señalizadores aplicando letras y cifras al “pochoir” (técnica de impresión). Realiza investigaciones en el marco del Mec-Art efectuando sus desplazamientos fotográficos sobre tela emulsionada (Composition, 1971). A finales de los años 80 sintetiza, pintando al óleo, sus diferentes periodos en nuevas series de telas. A partir del año 2000 utiliza el ordenador y el acrílico (En attendant Achille, 2003).

Il Culto di Cibele (El culto de Cibeles) (1994)

La ronda di Marte (1956)

Mixta sobre tela. 80 x 60 cm.

Óleo sobre papel y sobre lienzo. 73 x 73 cm.

Nueva Galería Arcadia, Milán. Italia

?

Motion graphics “Como no existe un acuerdo universal para definir Motion Graphics, el inicio oficial del movimiento de arte aún

está por decidirse. Han habido presentaciones desde principios de 1800 que pueden catalogarse como Motion Graphics. Michael Betancourt escribió el primer estudio histórico sobre el área, para argumentar sus ideas sobre la música visual y las películas abstractas históricas de 1920, hechas por Walther Ruttmann, Hans Richter, Viking Eggeling y Oskar Fischinger. Uno de los primeros usos del término “Motion Graphics” fue definido por el animador John Whitney, quién funda en 1960 una compañía llamada Motion Graphics Inc. ”[1]

“Los elementos de un proyecto de Motion Graphic pueden ser animados de distintas formas, dependiendo de las

capacidades de cada software. Esos elementos pueden tomar la forma de texto, fotos y videoclips, por nombrar algunos pocos. La forma más popular de animar es a través de fotogramas, en los que las propiedades de un objeto pueden ser específicas en ciertos puntos entre el tiempo estableciendo series de fotogramas para que esas propiedades puedan ser aleradas (interpoladas) de forma automática en los marcos entre los fotogramas.”[2] El artista y diseñador pionero del Motion Graphics es Saul Bass, sin embargo, entre los artistas que lo han desarrollado posteriormente, se encuentran: Kyle Cooper, Murat Pak, Len Lye, Maurice Binder, Lambie-Nairn, MK12, Justin Harder, Norman McLaren, Oskar Fischinger, Pablo Ferro, Stan Brakhage, Sarah Joy Jordahl Verville, Serdar Bayrambey, Siffran y Prasanth Rakshan.

[1] y [2] Wikimedia INC. Motion Graphics: History of the term (2014). Fundación Wikimedia, INC. Disponible desde: http://en.wikipedia.org/wiki/Motion_graphics#History_of_the_term Traducción por Palm, Zara (2014).

Saul Bass Estados Unidos (1920) Saul fue un diseñador gráfico y director de cine estadounidense reconocido por su diseño de dibujos para Motion Graphics, títulos en secuencia, posters para cine y logos corporativos. El trabajo de Bass es conocido por sus variadas técnicas; la animación de recortes, el montaje, la acción real y el diseño de nombres, además, hace un muy buen uso del color y del movimiento en secuencias que comienzan a menudo con un marco de color sólido (como el azul en Exodus o el verde en North by Northwest).

EXODUS (1960)

Vertigo (1958)

Cartel impreso en papel. ?

Cartel impreso en papel. ?

Movie posters of the United States

Movie posters of the United States

Disponible desde: http://www.cartelesmix.com/carteles/monograficos/Newman/carteles/exodo12.jpg / http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/7/75/Vertigomovie_restoration.jpg

Kyle Cooper Estados Unidos (1962) Kyle Cooper es reconocido por su trabajo como diseñador de secuencias en títulos de películas. Nace en 1962 en Massachusetts y estudia diseño de interiores en arquitectura en la Universidad Amherst de Massachusetts, pero antes de terminar se mueve a diseño gráfico en Yale, donde recibe un máster en Bellas Artes en 1988. Más tarde, a mediados de la década de los 90, funda junto a Peter Frankfurt y Chip Hougton una agencia creativa llamada Imaginary Forces, En 2003 deja la empresa y funda Prologue.

American Horror Story (2011) The Mummy (1999)

Diseño tipográfico de título.

Cartel digital.

Cartel digital

Disponible desde: http://www.angelfire.com/biz2/abletree/images/fullsizeposter.JPG / http://lovingseries.files.wordpress.com/2013/11/american­horror­story.gif

Wearable ART Wearable Art (Arte Usable) se refiere a piezas generalmente de ropa o joyas que son creadas de forma individual como expresión artística. Este movimiento fue designado en 1960 como Art to Wear Movement, y los materiales utilizados eran generalmente de fibras, es por esto que el movimiento viene siendo una extensión del Fiber Art que incluye piezas utilizables hechas de textil o alguna fibra, sin embargo también puede incluir obras hechas con materiales no fibrosos como el plástico, el cuero o el metal.

Así, según el artículo Wearable Art de la Fundación Wikimedia, se diferencian dos tendencias dentro del movimiento; el Wearable Fiber Art donde “Hay artistas que crean piezas únicas de Wearable Fiber Art a partir de la compra de tejidos u otros materiales ya elaborados, o

intervienen una tela virgen.”[1] y el Jewerly as Wearable Art, cuando “algunos artistas y arquitectos modernos del siglo XX deciden llevar la ornamentación corporal – es decir, la joyería – a la altura de las bellas artes y el diseño, en lugar de la simple decoración y producción de diseños artesanales (..)”[2] Harry Bertoia, Sam Kramer, Margaret De Patta y Ward Bennett son antecesores del Jewerly as Wearable Art, mientras Andrea Pope y Claire Prebble, por ejemplo, trabajan actualmente el legado. Marjolaine Arsenault, Tregea Bevan, Deborah Cross, Gordon Heinel, Juanita Girardin, Diane Harty, Joan Mcgee, Susan Otterson, Patricia Palson, Sonia Biacchi, Marian Schoette, Ivano Vitali, Simon Birch, Teresa Maria Widuch y Pawel Kowalczyk son algunos de los seguidores del Wearable Fiber Art; mientras que otros como Tracy Featherstone, Lucy McRae, Maria Blaisse, Johann Ku, Fiona Kruger y Rowan Mersh han explorado el Wearable Sculpture como parte de su trabajo.

Claire Prebble comienza muy jóven a trabajar en The World of Wearable Art Awards, a la

CLAIRE PREBBLE Estados Unidos (1986)

edad de ocho años; aquí hace performance de vestuario en Nueva Zelanda. Luego de diez años de formación, en 2004 recibe el Supreme Award por su obra “Eos”, con apenas dieciocho años, siendo la artista más jóven en recibirlo. Ha creado vestuario para numerosas películas de ficción y ha sido buscada por Vogue Italia para sesiones fotográficas.

[1] y [2] Wikimedia INC. Wearable Art (2014). Fundación Wikimedia, INC. Disponible desde: http://en.wikipedia.org/wiki/Wearable_art Traducción por Palm, Zara (2014).

Claire Prebble

EOS (2004)

Jewelry: Sterling Long Cuff & Corset (2012)

Fotografía: Simon Godsif / Modelo: Lilani Rogers

Esterilla metálica plateada y cristales de swarovski.

Winner of the Supreme World of Wearable Art Award and the

Fotografía: Simon Godsif

Reflective Surfaces section in 2004 Disponible desde: http://claireprebble.com/WEARABLE­ART / http://claireprebble.com/JEWELRY

TRACY FEATHERSTONE Estados Unidos (1970) Tracy es una artista estadounidense trabaja con dibujos, instalaciones y esculturas hechos con madera, textil y otros materiales que sirven para abordar el tema de la estabilidad en el ambiente personal de la artista. Según Jaime Derringer para Design Milk: “Wearable Structures by Tracy Featherstone es una serie de esculturas hechas con madera que interactúan con el cuerpo.”[3]

DE IZQUIERDA A DERECHA: Wearable Structure: New Shape. (2011) Madera 177,8 x 147,3 x 50,8 cm Colección Privada Passively Interactive Sculpture: Obstruction. (2013) Madera, tabla, foamy, tapiz.

101,6 x 86,3 x 213,3 cm Colección privada

[3] Derringer, Jaime. Wearable sculptures by Tracy Featherstone. (2013). Design Milk Blog. Disponible desde: http://design­milk.com/wearable­ sculptures­by­tracy­featherstone/#!bNl2ax Traducción por Palm, Zara (2014).

Disponible desde: http://claireprebble.com/WEARABLE­ART / http://claireprebble.com/JEWELRY

FLUXUS

Es un movimiento acuñado por George Maciunas en 1962, se trata de un movimiento imparable que va encaminado hacia un empeño más ético que estético. Se desarrolló en Norteamerica y Europa bajo el estímulo de John Cage. En el intento de reconciliar el arte con la vida se basó un importante impulso para el surgimiento de nuevas formas artísticas que no se centraban en la producción de artefactos, sino en la acción y el involucramiento activo del público. En el blog publicado por Rodríguez, I.: “El fluxus es la modalidad del arte de acción que se interesó por una renovación de la música, el teatro y las artes

plásticas. Estuvo más ligado a la música que a las artes plásticas. El fluxus se concentró sobre todo en la vivencia de un “acontecimiento” que discurría de un modo improvisado a través de acciones muy simples como sentarse en una mesa y beber cerveza. En 1963 se fundó el grupo americano fluxus en el que predominó el fluxus político. Crearon la Action against cultural imperialism, muy vinculada a las formas de arte popular tradicional como el jazz. Sus objetivos eran más sociales que estéticos. Se declararon como anti arte, es decir contra la práctica profesional del arte, contra la separación artificial entre artistas y espectadores, y contra el objeto artístico tradicional como mercancía.

Estuvieron a favor de espectáculos populares como el circo, las ferias, etcétera.” [1] El fluxus se escapa de la tentativa de definición o de categorización. Algunos lo describen como un espíritu, modo de vida de una sberbia de pensar, expresar o de elegir. Es un arte conceptual por si referencia directa a la realidad cotidiana que invierta la propuesta de Duchamp, quien a partir del movimiento del Raedy Made, intrudujo lo cotidiano en el arte.

Entre sus principales exponentes se aprecian Vostell, Nam June Paik, Beuys, Dieter Roth, Be Vautier, Le Mont Young, Filiou, Marchetti, Dick Higgins, Robert Watts, Cage y George Brecht. Según Espinoza, A. exite una possible tenttativa de manifiesto del FLuxus, por Georges Maciunas: “Para establecer el estatus no profesional del artista en la sociedad, debe

demostrar la dispensabilidad e inclusividad del artista, debe demostrar la autosuficiencia del público, debe demostrar que todo puede ser arte y cualquiera puede hacerlo. Por lo tanto, el arte-diversión debe ser simple, divertido, no pretencioso, preocupado por las insignificancias, que no requiera habilidades o ensayos interminables, que no tenga valor ni institucional ni como mercancía. El valor del arte-diversión debe reducirse haciéndolo ilimitado, producido en masa, obtenible por todos y eventualmente producido por todos. El arte-diversión fluxus es la retaguardia sin ninguna pretensión impulso de participar en la competencia de “llegar a otro nivel” con la vanguardia. Apela por las cualidades monoestructurales y no teatrales del evento natural simple, un juego o una broma. Es la fusión del Vaudeville de Spike Jones, la broma, los juegos de niños y Duchamp.” [2] [1] Rodríguez, I. Arte de Acción. Performancelogía. (S/F). Disponible desde: http://performancelogia.blogspot.com/2007/01/arte­de­accin­itzel­ rodrguez­mortellaro.html [2]

Espinoza,

A.

Fin

(es)

del

Arte.

Tentativa

de

manifiesto

de

Fluxus,

Georges

MAciunas.

(2005)

http://artecontempo.blogspot.com/2005/06/tentativa­de­manifiesto­fluxus­george.html Traducido por: Espinoza, A. (2005)

Disponible

desde:

Nam June Paik Corea del Sur (1932) – Estados Unidos (2006) Se especializa en arte electrónico, asiste a un movimiento de arte neo- dadaísta, conocido como Fluxus, que llegó a Alemania en los años 60.

La obra de Paik, se desarrolla en Alemania, Japón y Estados Unidos, está considerada como la primera en el campo del videoarte, aunque su formación musical imprimió a ésta su interés por otros campos que abarcan desde la práctica del happening y la performance a la composición musical o incluso incursiones en el campo de la ingeniería electrónica. Su creación escinde hacia la descontextualización del objeto en el medio, transformando con ello el mensaje. De esta forma subraya el modo en que somos utilizados y absortos por el continuo bombardeo de imágenes. La obra de Paik es tan extensa como heterogénea; incluye esculturas, videocreaciones, happenings y otras manifestaciones interdisciplinares.

Charlotte Moorman hace un concierto

The more, the better (1988)

de presentación de TV de Paik Cello y videocasetes. (1969)

Instalación. 1.003 monitores de televisión. 6.000 cm

6: 59 min. « http://www.youtube.com/watch?v=3G3XomkkTPY »

Juegos Olímpicos de Seúl.

Galería Bonino de Nueva York. USA

George Brecht Estados Unidos (1964) - Alemania (2008) Artista Americano, conceptual y vanguardista compositor, era miembro clave de la infuencia del fluxus, pertenecía al grupo de internacional de artistas de vanguardia en torno a George Maciunas, participo con el grupo en las primeras actuaciones en Wiesbaden hasta

que muere

Maciunas. Estudio química luega de la segunda guerra mundial en la Universidad de Filadelfia de Farmacia y Ciencia. Ejerciendo su carrera como químico, toma interés por el arte, inicialmente se ve influenciado por Jackson Pollock y Rober Rauschenberg. Comienza a formular ideas sobre

“esquemas de método de oportunidad”, trabajo de investigación sistemática sobre el papel en los campos de ciencia y arte de

Vanguardia del siglo XX. Presenta respeto por los proyectos surrealistas y dadaístas, así como las obras más complejas de Duchamp a quien lo consideraba dentro del objetivo “Artista – investigador”. En 1957 Brecht busca al artista Robert Watts, luego de presenciar su exposición de obras, enseña a Watts en la Universidad de Rutgers. Dando paso a reuniones en un cafetería por el laboratorio de Brecht, en las reuniones realizaban debates, lo que llevo a organizar el Festival Yam. De esta forma a Brecht y Watts se entienden como unos de los precursores del Fluxus.

Concierto de coches: Motor Vehicle Sundown (1960) Solo For Violin. (1964) Polishing as performed

« https://www.youtube.com/watch?v=zj0pxipGNr8 »

New York, USA

(Interpretado el año 2011 en el Museo Tinguely de Basilea, Suiza, por el artista de Fluxus Larry Miller)

Body ART Es un estilo enmarcado dentro del arte conceptual. El body art o también conocido como arte corporal se da con gran relevancia en los años 60 en Europa y especialmente en Estados Unidos. Es un género artístico que pertenece a las artes plásticas el cual agrupa la expresividad del cuerpo en conjunto a otras manifestaciones del arte como danza, artes escénicas y los musicales. Este término nace para denominar un comportamiento artístico exclusivo a los finales de los 60 y principicos de los 70men Estados Unidos por artistas como: Bruce Nauman (por muchos es considerado como “el padre del Body Art” pasando de la automutilación ficticia a la realización efectiva), Vito Acconci, Denni Oppenheim, O Chris Burden y otros como Yves Klein, Youri Messen-jaschin, Eduardo Sanguinetti. Dentro de este movimiento han surgido las más variadas formas de representación artística: performances, happenings, body painting, arte de acción, entre otros. De esta forma el body art se fortalece como un trabajo en grupo de los sujetos frente a la individualidad presentes en el modernismo. Bruce Nauman (1941) de esta forma expresa el espíritu motivador de los trabajos al afirmar, en 1970: "Quiero utilizar mi cuerpo como material y manipularlo". [1] Según el artículo en la web publicado por Chilombiano, W. (2012): “ El body art toma como materia y soporte el propio cuerpo del

artista, volviendo a conceder importancia a la subjetividad, a la conciencia de sufrimiento y a las expresiones que se derivan de las experiencias físicas y emocionales propias del ser humano ”. [2] De esta forma el Body Art se afilia a la subjetividad romántica, que toma como importancia en el artista su personalidad, biografía y acto creador. Retomando, por otra parte, experiencias pioneras de los surrealistas y dadaístas, reedita prácticas de sociedades primitivas, como la pintura corporal tatuajes y variadas inscripciones sobre el cuerpo.

Se debe tener en cuenta el impacto causado por el movimiento Fluxus y la obra de Joseph Beuys entre 1960-70 para comprender el contexto en el que surge el Body Art. El desarrollo de este, camina paralelo a un discurso filosófico, alterando el sujeto-ojo cartesiano, un conocimiento del cuerpo como el lugar de placer y sufrimiento.

[1]

(S/A)

Body

Art.

Ennciclopedia

Itaú

Cultural

Artes

Visuales.(2012).

http://www.itaucultural.org.br/aplicexternas/enciclopedia_ic/index.cfm?fuseaction=termos_texto_esp&cd_verbete=13819 [2] Chilombiano, W. Body Art. Slideshare. (2012). Disponible en: http://es.slideshare.net/willychilombiano/body­art­15650793.

Disponible

en:

George Brecht Estados Unidos (1964) - Alemania (2008) Fue uno de los artistas más prominente y versátil surgido en la década de 1960. Está cercano a varias tendencias del arte conceptual. Piensa el arte como una investigación, interesando por como las ideas y actividades se pueden convertir en obras arte. En sus trabajos, varias veces ha utilizado su cuerpo, y también experimenta con las fotografías, esculturas, videos, dibujo y trabajos en Neón. Se ha caracterizado por su versatilidad de trabajos, sus inquietantes obras hacen hincapié en la naturaleza conceptual del arte y su proceso de creación. En relación a esto, Bruce Nauman también trabaja con esculturas que “son realizadas en base a las espaldas de los objetos o moldeados a partir de partes

de su propio cuerpo; también trabaja preocupado con la idea de ocultamiento o inaccesibilidad, y piezas de neón con las palabras (a veces más o menos ilegibles). (..)” [3]

Autorretrato como fuente (1966-1967)

Green Horses (1988)

Print Chromogenic. 50,96 × 60,8 cm.

Instalación, Dos monitores de video a color, dos DVD, uno de proyector de vídeo, silla.

Edición no. 7/8

59:40 min

Whitney Museum of American Art, Nueva York. USA

Whitney Museum of American Art, Nueva York. USA

[3] Alley, R. Catálogo de la colección de la Galería Tate de Arte Moderno aparte de obras de artistas británicos , Tate Gallery y Sotheby Parke Bernet­, Londres 1981, p.552 . Disponible desde: http://www.tate.org.uk/art/artists/bruce­nauman­1691

Youri Messen Yaschin Suiza (1941) Artista de oígen Suizo. Sus estudios los realiza en la “Escuela Superior Nacional de Bellas Artes”. Sus creaciones las Debuta en la exposición LAussane en 1964, en la que presenta sus esculturas cinéticas de vidrio y resina. Fue hacia la búsqueda de nuevas formas de Arte. Durante dos años trabaja en El Centro de Grabado Contemporáneo en Ginebra. En Zurich amplía su perspectiva pictórica influenciado por el pintor Suizo Friederick Kuhn. Sus esculturas son enriquecidas por movimiento, las cuales las ubica en el medio ambiente y son acompañadas con música. En sus trabajos de Body Art, el cual lo presenta en Clubes o puestas en escenas, utiliza la iluminación con lámparas UV, rellena completamente los cuerpos desnudos usando colores psicodélicos y biológicos, especiales para la piel.

Autorretrato como fuente (1966-1967) Print Chromogenic. 50,96 × 60,8 cm.

Edición no. 7/8 Whitney Museum of American Art, Nueva York. USA

Moa club Geneva "Massive Mess" (2011) Modelos: Sophia, Caroline, Laura / Asistente: Angie & Sylvain Cindy Flamant Studiographe Swiss

Performance ART Aparece en la década de 1960 y es una forma de expresión artística que incluye varias disciplinas como la música, la poesía, el teatro o el video. Estas intervenciones pueden ser improvisadas y tener espectadores o no, en su mayoría busca el asombro así como el sentido de la estética los cuales juegan el papel principal de este estilo.

El performance podría ser realizado por cualquier motivo y en cualquier momento, como lo explica Taylor, D. (2011): “…De manera repentina un performance podía surgir en cualquier sitio, en cualquier momento. El artista sólo necesitaba su cuerpo, sus palabras, la imaginación para expresarse frente a un público que se veía a veces interpelado en el evento de manera involuntaria o inesperada…” [1] Los performances pueden ser llevado a cabo por un individuo o un grupo, en un lugar determinado y durante un tiempo específico variable, estas acción artística tiene como elementos: el tiempo, el espacio el cuerpo del performancer y la interacción entre éste y el público, es una obra creada en una situación y una duración concretas. Fuente, M. (2011) Cita a Schechner el cual opina que: “ El concepto de performance

permite observar las prácticas simbólicas y corporales a través de las cuales los pueblos transmiten sus normas y creencias, y exponen y tramitan sus conflictos (..). ” (p.34) {2] El Performance está ligado al Happeninig, Fluxus, al body art y en general se entiende que está relacionado con el Arte Conceptual, oponiéndose de esta forma a la pintura y escultura, pues el objeto es reemplazado por el sujeto para convertirse en el elemento de la obras artística, este término se toma para describir manifestaciones artísticas, de artistas como: Carolee Schneemann, Gilbert & George y Jack Goldstein, Marina Abramović y otros artistas que desarrollan esta tendencia: Lara Almarcegui, Txomin Badiola, Mirosław Bałka, Vanessa Beecroft, Lee Bul, Daniel Buren, Daniel Canogar, Christo y Jeanne-Claude, Maurizio Collini y Jordi Colomer.

[1] y [2] Taylor, D. y Fuente, M. (2011). Estudios avanzados de Performance. Editorial Fondo de cultura económica.com. Mexico. Disponible desde: http://www.celarg.org/int/archivos/taylor_estudios_avanzados_de_performance.pdf

Marina Abramovic Serbia (1946)

Artista serbia del performance, comienza su carrera a principios de los 70, recientemente se ha descrito a sí misma como la "Abuela del arte de la performance". El trabajo de Abramović explora la relación entre el artista y la audiencia, los límites del cuerpo, y las posibilidades de la mente. En sus performance se ha lacerado a sí misma, se ha flagelado, ha congelado su cuerpo en bloques de hielo, tomando drogas para controlar sus músculos, con las cuales ha quedado muchas veces inconsciente, y hasta en una ocasión casi morir de asfixia recostada dentro de una cortina de oxígeno y llamas. En sus trabajos resultan series de experimentos con los cuales busca identificar y definir los límites sobre su cuerpo en cuanto al control del mismo. Su ambicioso y profundo proyecto se encamina a descubrir un método, a través del arte, que haga a la gente más libre.

Marina y Ulay. Relation in time (1997) Performance. 17 horas Galleria Studio 67, Bologna, Italia. « http://www.youtube.com/watch?v=1sRSoGAc3H0 »

Marina Abramovich y Ulay. “AAA AAA” (1978) Performance. 15 minutos « https://www.youtube.com/watch?v=iAIfLnQ26JY »

Artista contemporánea, vive y trabaja en Nueva York. Su obra aborda preocupaciones conceptuales y las estéticas. A menudo involucra los modelos femeninos en vivo y desnudos, en sus presentaciones se realizan videos y fotografías para ser exhibida como documentación de las presentaciones, sus actuaciones son encuentros existenciales entre los modelos y el público. Las actuaciones de Beecroft se han descrito como el arte, la moda, brillante, terrible y evocadora, provocadora e inquietante, sexista y empoderamiento. El trabajo más reciente de Beecroft tiene un poco más de aproximación-los teatral uniformes son ropa período, no la desnudez, y algunas de sus actuaciones incluyen la comida, mientras que otros han ofrecido los hombres en uniforme militar. Su trabajo esta tan próximo a la pintura como a la escultura clásica, son pinturas que se desarrollan lentamente en el tiempo. Normalmente utiliza modelos delgadas, que en ocasiones recuerda a la modelo de pasarela, privadas de cualquier elemento que pueda expresar su individualidad, uniformadas y homogeneizadas, permanecen atentas a las órdenes de Beecroft.

Vanessa Beecroft Italia (1969)

Still Death! Darfur Still Deaf. (2007) VB61. 409.VB, VB 61.

Venice Biennale, Italia.

VB62.018.nt (2008)

VB62.28.DG.VB (2008)

Impresi贸n digital C. 226 x 178 cm

Impresi贸n digital C. 114 x 76 cm

Chiesa dello Spasimo, Palermo, Italia

Chiesa dello Spasimo, Palermo,

LAND ART Se trata de una corriente artística que toma los paisajes y elementos de la naturaleza como escenarios y medios para ejecutar la obra de arte, por lo tanto es un arte efímero. Nace a finales de la década de los 60 en Estados Unidos y Europa. Este también es conocido como Earth Art, por consiguiente Guasch, A. M. expone en su libro una explicación sobre este término.

Guasch, A.M. (2000) “... el término Earth Art, que se puede traducir como <arte de la tierra> en tanto que manipulación de obras aisladas o reunidas en conjuntos abarcables que se realizan con materiales procedentes de la tierra (tierra, piedras, troncos y hojas de árboles, pétalos de flores, etc.), fue utilizado inicialmente por los artistas norteamericanos, mientras que las manifestaciones europeas de este tipo se agrupan bajo la denominación de Land Art. En este caso, sin embargo, el concepto de tierra o mejor, de naturaleza, no se concibe tanto como un lugar proveedor de materiales, sino como soporte que se manipula o se altera para producir una acción de carácter artístico…”

Pag. 51.[1] Entre otros artistas podemos conseguir a: Nancy Holt (1938), Robert Smithson (1938-1973) a los que se añaden después británicos como Andy Golsworthy (1956) y Richaard Long (1945) , el israelí Dani Karavan (1930) y la pareja Christo & Jeann-Claude. “ El Land Arth o Earth Art

es el arte de la naturaleza transformada artificialmente. Del paisaje natural modificado (…) el artista intenta en la Nueva Tendencia del Land Art transfigurar la naturaleza, generalmente no habitada, introduciendo modificaciones de todo tipo (…). El Land Art es esencialmente paisajístico, su objeto formal es el paisaje, y su ubicación suele establecerse en lugares desérticos y deshumanizados (…). El resultado del Land Art es un arte rural, rústico y primitivo, que se presenta <in situ>, y es de imposible traslado y larga permanencia (…). Entre sus hacedores se encuentran Walter de Maria Smithson y Heizer, siendo también en ocasiones artistas Land Art, Denis Oppenheim y Robert Morris.” (pp.410-11) [2] Guash (2000) dice que el discurso teórico de Robert Smithson, fue decisivo para consolidar el arte de la tierra, se forma en la Art Students League de Nueva York, luego de participar en la pintura próxima al expresionismo abstracto, participa en las primeras manifestaciones del Minimal art. Fascinado por las especulaciones del escultor Tony Smith cercano al minimalismo, que trabaja el potencial estético del paisaje norteamericano en 1966.

[1] Guasch, A.M. (2000 .). El Arte último del Siglo XX. Alianza Editorial, S.A. España. Pag. 51 [2] Peckler, A. M. (2003) Historia del arte Universal de los siglos XIX y XX, Volumen II. España. Editorial Complutense, S.A.

Walter De Maria Estados Unidos (1935) Este artista nace en california, su formación se da en la Universidad de ese estado, viajando a Europa en los 60, se le considera una de los pioneros del arte minimalista, pues en los inicios de esta década, antes del apogeo del Arte Minimal, ya se encontraba elaborando obras minimalistas así mismo también llevo a cabo obras conceptualistas. En la misma década Di Maria, empieza a elaborar sus primeras obras prematuras de Land Art. Sus obras las lleva a cabo tanto en espacios cerrado como espacios naturales, la naturaleza es su potencial de signos estéticos.

The New York Earth Room (1977) Instalación. 250 m3 de tierra. 3,600 pies. 127.300 kilos tierra.

Dia Center for the Arts. Wooster Street, Nueva York, USA

The Lightning Field. (1977) Instalación. 1 milla x 1 kilometro.

Acero inoxidable con sólidos.

Quemado. Nuevo México. México

Artista contemporáneo relacionado con el movimiento Land Art, estudió pintura y dibujo en la Ciudad

Robet Smithsoon

de Nueva York , tiene preferencia por la pintura abstracta, la cual deja en 1962 para consagrarse como

Estados Unidos (1938 – 1973)

escultor, trabajando la escultura en lugares suburbanos , de esta manera empieza denominar su trabajo, Earthworks. Sus obras son totalmente efímeras, sin ninguna utilidad, las cuales construye con ayuda de máquinas industriales, ubicadas lejos de la población. Su obra más conocida es el Spiral Jetty 1970 la cual es realizada en un lago, este

artista fallece en un accidente de aviación, mientras

realizaba investigaciones para otra obra que llevaría a cabo “Amarillo Ramp”, la cual no logró

Un artículo en la web, dice:

materializar. Sin embargo su obra sirvió de inspiración para artistas de la década de los 70.

“En sus últimos trabajos Smithson busca paisajes

deteriorados producto del artificio descontrolado, estos espacios son trabajados con el objetivo de reconciliar al hombre con la naturaleza. Ejemplo de esto es su proyecto Bingham Cooper Mining el cual describe

Maderuelo

para

introducirnos

en

el

concepto de “espacio excitado ”. la cual se trata de un proyecto para recuperar el arte (..) Se trata de un proyecto

“para recuperar para el arte” una

gigantesca

cantera

kilómetros

de

mucho

a

cielo

diámetro,

abierto

de

considerada

Spiral Jetty (1970).

Escultura. 1500 pies

cinco

Lago Gran Salado, Utah

durante

tiempo, como uno de los más ricos

depósitos de cobre, molibdeno y oro del mundo, situada en el estado de Utah, en Estados Unidos Por la escasa proporción de cobre que se estaba extrayendo

la

mina

se

encontraba

fuera

de

explotación….” Smithson propone rellenar el fondo del

anfiteatro

hasta

conseguir

una

superficie

circular plana sobre la que se construirían cuatro semicírculos

en

esvástica

que

sugerirían

la

Bingham Copper Minera Pit-Utah. (1973) Proyecto de Restauración.

Fotostática y lápiz de cera. 47 x 34,3 cm ?

sensación de rotación.” [4] [4]Pérez,

E.

A.

Arte

Naturaleza.

Arte

de

la

Tierra

http://unalmed.edu.co/mediateca/artenaturaleza/espanol/arte_tierra/artetierra_og_landart.htm

otras

geografías.

Disponible

desde:

Arte Conceptual - Conceptual ART Se desarrolló a finales de los 60, los orígenes de este movimiento se encuentran con obras de Marcel Duchamp, el cual afirmaba que la idea en el

arte conceptual es más importante que el objeto artístico. Una de las

características principales de esta

corriente es el predominio de los elementos conceptuales sobre los puramente formales, es una forma de expresión que intenta evitar el estímulo óptico a favor de los procesos intelectuales que el público es invitado a compartir con el artista, esta disciplina artística se fija en los ambientes cromáticos, en los luminosos, y en las variaciones sobre la naturaleza.

Para La profesora Urbina, N.: “ El arte conceptual al desplazar por el interés por la “obra” hacia el interés por el proceso de su ideación, o de su conformación,

ha abordado el problema del estatuto existencial de la “obra de arte” como objeto. Tal hecho fundamental en efecto, representa un enriquecimiento del lenguaje artístico y la puesta a punto, en correspondencia al problema sobre l investigación de la naturaleza de la obra de arte. Afectando además, al dominio de la cultura artística, en los ángulos de la praxis creativa, junto con el de las Poéticas, pero en especial a la Crítica y a la Estética.” [1] Este arte, aparte de una manifestación primaria (textos, partituras de música experimental, fotografías de objeto, entre otros.), se definía por un concepto válido en sí mismo, donde su material o idea básica es el lenguaje. Con el tiempo esta vanguardia desarrolla varias tendencias como: Las derivadas del Ready Made, intervenciones en espacios concretos partiendo de imágenes, textos u objetos, otras en las que el concepto o investigación es asumidos a través del lenguaje y en las que el trabajo o la investigación, se presenta a través de notas, fotografías o gráficos.

Ana María Guasch expone en su libro que: “El arte conceptual no sólo cuestionó abiertamente la validez de lo formalista, sino la

naturaleza objetual de la obra de arte, justificando la aparición de neologismos como anti-object art (arte antiobjetual) y postobject art (arte posobjetual) (..) la subordinación de los visual a la idea implícita en las prácticas conceptuales, no anuló (…) que en arte el progreso no siempre es únicamente de orden formal, la materialidad de la obra de arte y, por tanto, la capacidad de ser visualizada (..).” (p.165)[2]

[1]

Urbina,

N.

El

Arte

conceptual:

punto

culminante

de

http://www.saber.ula.ve/bitstream/123456789/20361/2/neida_urbina.pdf [2] Guasch. A.M. (2000) El Arte Último del Siglo XX. Editorial Alianza.

la

estética

o

el

Arte

como

proceso

(S/F).

Disponible

desde:

Joseph Kosuth Estados Unidos (1945) Su trayectoria demuestra su conocimiento y afinidad con los métodos de investigación propuestos por los filósofos del lenguaje, parte de la obra de Marcel Duchamp, al considerar que el arte moderno o conceptual se inicia con el primer ready-made. Aborda el tema artístico como un problema filosófico y lingüístico, lo que le acerca al Art and Language Group. Sus primeras obras son concebidas entre 1963 y 1966, cuando este aún frecuentaba la Escuela de Artes Visuales de Nueva York. Sus creaciones más conocidas llevan por título Investigaciones, con su intención inicial de superar la existencia mercantilista del arte, actualmente su obra se exhibe en los más importantes museos del mundo.

Una y tres sillas. (1965) Instalación de Diversos Materiales.

Museo de Arte Moderno, Nueva York.

Clear, square, glass, leaning. (1965) Cuatro paneles de vidrio. 100 x 100 cm (c/u) Colección Panza di Bruno. Varese, Italia.

Lawrence Weiner Estados Unidos (1942) Es una de las figuras centrales en la formación de arte conceptual en la década de 1960. Su obra a menudo toma la forma de tipográficas textos.

Weiner comenzó su carrera como artista como un hombre muy joven a la altura del expresionismo abstracto. Su debut en obra

pública / exposición fue a la edad de 19, con lo que llamó pieza Caracterización. Su trabajo en la década de 1960 incluyó seis años de hacer explosiones en el paisaje de California para crear cráteres como esculturas individuales. También es conocido durante sus primeros trabajos para la creación de los gestos que se describen en las declaraciones simples que conducen a la ambigüedad de si la obra de arte era el gesto o la declaración que describe el gesto. En sus trabajos hace énfasis en las letras mayúsculas. Como lo señala un artículo en la web: “ acentúa su

uso de la mayúscula sostenida con un significado más: “Mi preferencia por ella en los trabajos basados en el lenguaje se debe a que las mayúsculas anulan cualquier jerarquía entre las letras, y cada palabra se presenta tal y como es para poder formar parte de un conjunto global”

To See and Be Seen (1972)

Placed on the Tip of a Wave.

Londres.

July 11 - August 15, 2009.

Arte Feminista - Feminist ART -

Virginia Tovar Martín, en su artículo Arte Feminista para el blog español Arte e Historia, toca un punto muy importante para diferenciar el Arte Feminista de cualquier otra tendencia: “¿Por qué van a hacer las mujeres un arte diferente por el sólo hecho de ser mujeres? Bien es cierto que en tanto tales han recibido una educación distinta, pero eso no debería ser suficiente para hablar de un "arte femenino". De este modo, se explicita la necesidad de establecer una diferenciación entre arte "hecho por mujeres" -que no tiene por qué ser diametralmente diferente del de un hombre- y el "arte feminista" -que quiere ser diferente, trastocar los valores al uso de la Historia del arte-.”[1] Así, el Arte Feminista no solo se basa en la teoría feminista sino que la utiliza para analizar y crear arte desde allí. A partir del movimiento conocido como la tercera ola del feminismo, en 1965, se origina esta tendencia artística, donde no solo se pretende elevar el valor humano de la mujer como artista, sino como ser capaz de cualquier tarea que hasta entonces era tomada como masculina. El Arte Feminista no es un movimiento artístico estático respaldado por el grupo activista femenino, sino que tiene cabida en prácticamente todas las expresiones de arte; fotografía, pintura, escultura, impresión, litografía, instalación, arte textil, literatura, video, film, y performance por nombrar algunos.

Las pioneras del movimiento fueron Miriam Schapiro y Judy Chicago, y entre sus seguidoras destacan las que, junto a ellas, formaron parte de la instalación Womenhouse (1972): “Beth Bachenheimer (Closet de Zapatos, Sala), Sherry Brody (Almohadas, Casa de muñecas, Sala), Susan Frazier (Cocina), Camille Grey (Baño de labial), Vicky Hodgetts (Cocina), Kathy Huberland (Escaleras de boda), Judy Huddleston (Ambiente personal), Janice Johnson, Karen LeCocq (Cuarto de Leah, Sala), Janice Lester (Espacio personal, “Cock-Cunt Play” performance), Paula Longendyke (Jardín - Jungla), Ann Mills (Sala de Hoja), Carol Edison Mitchell, Robin Mitchell (Cuarto pintado, Sala), Sandra Orgel ("Planchado", Ropa Cercana), Jan Oxenburg, Christine Rush ("Pulido", Caramelos Necco), Marsha Salisbury, Robin Schiff (Baño Nocturno), Mira Schor (Cuarto Luna Roja), Robin Weltsch (Cocina), Wanda Westcoast, Faith Wilding (“Waiting” performance, “Cock-Cunt Play” performance), Shawnee Wollenmann (Enfermería) y Nancy Youdelman (Cuarto de Leah).”[2] [1] Tovar, Virginia. Arte Feminista (S/F). Blog Arte e Historia. Disponible desde: http://www.artehistoria.jcyl.es/v2/contextos/5552.htm [2] Wikimedia INC. Feminist Art (2014). Fundación Wikimedia, INC. Disponible desde: http://en.wikipedia.org/wiki/Feminist_Art Traducción por Palm, Zara (2014)

Womenhouse (1972)

MIRIAM SHAPIRO Estados Unidos (1923)

Nacida en 1923, Miriam Shapiro es conocida como una de las grandes artistas exponentes del movimiento feminista, además de ser pionera del mismo. Desafió la división histórica que se ha manejado sobre concepto de Arte con respecto a las obras de artistas conocidos, generalmente hombres, por un lado, y el arte decorativo como término utilizado para designar las obras de artistas populares anónimos, mayormente mujeres, por el otro. Desde la década de los 90, Shapiro incorpora elementos figurativos en su obra. La feminidad de sus obras abstractas se ha convertido en un elemento fundamental de su trabajo, personificado por las mujeres danzantes.

Mechano/Flower Fan (1979)

Dollhouse. (1972) Asistencia: Sherry Brody (1932)

Collage de textil y papel. 72,4 x 111, 7cm.

Madera, técnica mixta. 202.6 x 208.3 x 21.6 cm.

National Museum Of Women in the Arts. New York USA

Smithsonian American Art Museum.

The Guerrilla Girls ?

Es un grupo de activistas feministas que se caracterizó por el uso posters y postales para mostrar su posición frente al arte. Según Tate Gallery:

“Desde su inicio en 1984, The Guerrilla Girls han estado trabajando para exponer la discriminación de género y raza en el mundo del arte, particularmente en New York, y en un ámbito cultural más amplio. Los integrantes del grupo han protegido sus identidades utilizando máscaras de gorila en público y asumiendo seudónimos tomados de personalidades famosas que ya habían fallecido, como la escritora Gertrude Stein (1874-1946) y la artista Frida Khalo (1907-54).

How women get maximum exposure in art museums. (1989) Ed. 12/50 Screenprint on paper. 280 x 710 mm Tate Gallery, London, UK.

IZQUIERDA: Dear Art Collector (1986). Ed. 12/50 Screenprint on paper. 560 x 430 mm Tate Gallery, London, UK.

ABAJO: POP QUIZ. (1990). Ed. 12/50 Screenprint on paper. 430 x 560 mm Tate Gallery, London, UK.

Pattern and Decoration - P&D Pattern and Decoration fue un movimiento artístico que duró alrededor de una década, entre mediados de 1970 y finales de 1980. Según el artículo Scaling a Minimalist Wall With Bright, Shiny Colors de Hollan Cotter (2008) para la sección Art & Design del blog The New York Times: “Pattern and Decoration, también conocido como P&D, no fue cualquier cosa. Los artistas eran amigos, amigos de amigos o estudiantes de amigos. La mayoría eran pintores, con estilos muy diferentes entre sí pero con intereses y experiencias en común. Todos ellos habían tenido una exposición, o habían formado parte de alguna, sobre las políticas de liberación de los años 60 y principios de los 70, sobretodo del Feminismo.”[1] En el blog Art & Perception, June Underwood (2009) cita a Arthur Danto: “ De acuerdo con Danto, los artistas P&D utilizaban la

decoración antes de que el movimiento fuese creado, y ser reconocido y nombrado sirvió “para que sus miembros reconocieran lo que tenían en común”.[2]

Los artistas que formaron parte del movimiento son: Robert Kushner, Tony Robbin, Joyce Kozloff, Miriam Schapiro, Robert Zakanitch, Valerie Jaudon, Kim MacConnel, Robert Zakanitch, Cynthia Carlson, Brad Davis, Thomas Lanigan Schmidt, Sonya Rapoport, Kendall Shaw, Mary Grigoriadis, Ned Smyth, Betty Woodman y George Woodman. Muchos de ellos, utilizan este movimiento como plataforma para fundamentar tendencias posteriores en las que son pioneros. Otros, siguen trabajando bajo los lineamientos del P&D. Zakanitch nació en New Jersey y actualmente vive y trabaja en New York.

Fue uno de los fundadores del movimiento artístico Pattern And

Robert Zakanitch

Decoration, junto a Miriam Schapiro en 1975. A finales de 1960, Robert

Estados Unidos (1935)

experimenta con la pintura en el Color Field y es influenciado por el estilo abstracto del minimalismo antes de ser pionero del P&D. Ha expuesto su trabajo en New York desde 1965, además de internacionalmente de forma individual en Paris, Basel, Zurich, Berlin, Koln y Perpignon.

[1] Cotter, Holland. Art Review: Scaling a Minimalist Wall With Bright, Shiny Colors. (S/F). Art & Design. The New York Times. Disponible desde: Blog. http://www.nytimes.com/2008/01/15/arts/design/15patt.html?_r=1& Traducción por Palm, Zara (2014).

[2]

Underwood,

June.

Pattern

and

Decoration,

a

reprise.

(2009).

Art

and

Perception

Blog.

Disponible

http://artandperception.com/2009/02/pattern­and­decoration­a­reprise.html Traducción por Palm, Zara (2014).

[3] Zakanitch, Robert. Biography. (S/F). Zakanitch. Disponible desde: http://www.zakanitch.com/bio.html Traducción por Palm, Zara (2014).

desde:

How I love ya, how I love ya.. (1975) Acrílico sobre lienzo. / Colección Privada

DE IZQUIERDA A DERECHA: Cotton Seed. (1975) Acrílico sobre lienzo.

Colección Privada

Red Watercolor (2007) Acuarela sobre papel.

86,36

x

116,84

Colección Privada

cm.

Joyce Kozloff Estados Unidos 1942 Nacido en Somerville, New Jersey en 1942, fue una gran representante del P&D y del Arte Feminista en los años 70. Una década más tarde, comienza a centrar su trabajo en el campo del arte público, expande las dimensiones de sus instalaciones y esculturas y al llegar los

90,

comienza

a

trabajar

con

el

mapa

para

contextualizar su búsqueda e intereses personales sobre historia, cultura y

decoración. Entre sus exposiciones

individuales destacan: Joyce Kozloff: Voyages y Targets en la Galería Michela Rizzo, Venecia, Italia(2006); Joyce Kozloff: Exterior and Interior Cartographies en la Galería Regina Gouger Miller de la Universidad Carnegie Mellon, (2006); Joyce Kozloff: Topographies en el Centro de Arte Contemporáneo de Virginia (2002).

Futurist Painting 1971.

Acrylic/canvas, 60 x 80”

If I Were an Astronomer, 1974, Book: collage, mixed media/paper, 15 x 11.5,” 12 pp.

Grafitti El grafitti proviene del Italiano (sgraffiti) que significa dibujo o grabado sobre la pared. El grafitti ha existido desde los inicios de la historia como se puede observar en la prehistoria en las pisturas rupestres de las cuevas de Lascux en Francia. También se pueden encontrar en las excavaciones de Pompeya una gran cantidad de grafitis que incluían diversos dibujos. Durante la segunda guerra mundial también se ve el uso de los grafitis en los nacis quienes pintaban en las paredes para sus propagandas políticas. En la década de los 60 y 70 surgen revueltas estudiantiles, los cuales expresaban sus ideas, haciendo uso de lo que se conoce ahora como esténcil. A partir de 1970 se empieza a desarrollar el grafitti en la ciudad de Nueva York y Filadelfia, es así como se ve el desarrollo de artistas locales realizando grafitis en paredes de lugares cotidianos.

El articulo orígenes del grafitti señala: “el grafitti tiene dos vertientes: una vertiente “legal”, en la que los artistas del spray son capaces de hacer cuadros y murales de gran espectacularidad y técnica, y su vertiente “ilegal”, en la que todo vale: metro, tren, carteles, paredes en la calle, etc. En la que no es cuestión hacer grandes y espectaculares piezas en muro, sino pintar en los lugares más difíciles, las piezas mas grandes y donde más se vean”. [1] Según Pi Arias, M. y Contreras, R. (S/F): ”Se llama graffiti a varias formas de inscripción o pintura, generalmente sobre propiedades públicas o ajenas (como paredes, vehículos, puertas y mobiliario urbano especialmente pistas de skate). En el lenguaje común, graffiti incluye lo que también se llama pintadas: es decir pintar en las paredes letreros, preferentemente de contenido político o social sin el permiso del dueño.”. [2] El grafitti es en medida una forma de expresión de guerrilla urbana, ya que mediante este movimiento se pueden expresar mensajes con diversos significados y también como muestra del arte individual que el ser humano puede mostrar al público latente de la cotidianidad. Entre algunos de los exponentes de este extenso movimiento podemos mencionar a : Banksy, Xavier Prou o Blek le Rat, Christian Guémy C215, Charles Bojorquez "Chaz", Frank Shepard Fairey, Obey, Marqués Lewis retna.

[1] (S/A) Orígenes del Grafitti. Rak familia. (S/F). Disponible desde: http://www.rakfamilia.net/grafiti/origen/origen.htm [2] Pi Arias, M. C. y Robledo, C. Del grabado rupestre al grafitti. Encontrarte. (2005) .Disponible desde: http://encontrarte.aporrea.org/media/30/del %20grabado%20rupestre.pdf

Xavier Prou Francia (1952) Xavier Prou o Blek le Rat es un artista de graffiti parisino (Francia) que después de aprender la técnica de “pochoir“ (Plantilla) en la Escuela de Bellas Artes, influenciado por el stencil propagandístico de Mussolini y el graffiti que vio en el metro en un viaje a Nueva York, plasma en las calles de París su obra desde 1983. Tras dibujar con esta técnica tanques de guerra, ratas, figuras humanas... por toda la ciudad, la fama le llega cuando se expone su obra en el centro Georges Pompidou, considerado uno de los museos de arte moderno más importantes del mundo.

“Intento exponer las mejores cosas de la vida mediante inesperadas imágenes que distraen y deleitan a los peatones, sacándolos de sus preocupaciones cotidianas. A pesar de las represalias por parte de la policía en contra del graffiti, continuaré asaltando las calles en la oscuridad, ya que para mí, llevar el trabajo directamente a las calles es parte primordial de la evolución del arte.” [3]

DE IZQUIERDA A DERECHA:

Palissades (1989) ?

Sybille Metze (1995) Paris, Francia

[3] BLEK Le Rat. Manifiesto de Blek Le Rat Wikimedia.Inc. Blek le Rat. (2013). Disponible desde: http://es.wikipedia.org/wiki/Blek_le_Rat

Charles "Chaz” Bojorquez Estados Unidos (1949) Charles "Chaz" Bojorquez, llamado antiguamente también "el loco chingazo" es un pintor de Los Ángeles, California, EE. UU. inspirado por el movimiento Chicano y la estética de lo Cholo desde su infancia en los años 50. Al terminar el bachillerato en 1966 viaja a Guadalajara (México) realizando estudios de cerámica, para luego estudiar arquitectura y matemáticas en EE. UU. En 1969 ingresa en la Chouinard art school (Conocida hoy por Cal. Arts School). Estudia caligrafía asiática con el maestro Yun Chung Chiang (éste estudió con Pu Ju, hermano del último emperador de china).

Luego de estas influencias, empieza a elaborar grafttiis con seriedad por más de 10 años y a finales de los de los 70 se empieza a plantear ¿Por qué pintamos graffiti? En 1979 se embarca en un largo viaje que le lleva a más de 35 países investigando las influencias que posee las gráficas de cada país sobre la cultura. Luego de 1986 empieza a realizar trabajos no ilegales. Sus elaboraciones han sido difundidas tanto el libros de Arte, como revistas periódicos y páginas de la Web. En la actualidad sigue presentado sus obras tanto individual, como colectivas.

Placa/ RollCall (1980)

Somos La Luz (1992)

Acrílico sobre lienzo

Aceite zolatone, pintura de aluminio y de aluminio sobre lienzo.

Smithsonian American Art Museum. New York. USA

143,2 x 224,2 x 8,9 cm.

Smithsonian American Art Museum. New York. USA.

ART Brut El diccionario de Arte define este estilo de la siguiente manera: “Término acuñado por Jean Dubuffet en referencia al arte producido fuera del mundo artístico oficial, realizado por personas inadaptadas, pacientes de hospitales basándose en procesos camaleónicos, o mecanismos, como constantemente lo está el arte cultural” [1] Dubuffet que ya venía obteniendo obras desde años anteriores, será en 1972 cuando presenta su colección (para ese entonces más de cinco mil ejemplares) en Lausana, la cual fue inaugurada en 1976, Dubuffet señala, que a pesar de la mitad de las obras sean correspondientes a pacientes psiquiátricos, rechaza la idea de un concepto de arte psiquiátrico, argumentando: « no existe un arte de

los locos, de la misma manera que no existe un arte de los dispépticos o un arte de gente con dolor de rodillas », pues sostiene que toda persona lleva un potencial creativo que las normas sociales actuales anulan. [2] El Art Brut es una tendencia, que toma como referencia el arte popular, el arte de los niños o el de los enfermos mentales. El Art Brut, como el arte que “(..) se emplea para designar la obra producida fuera de la escena artística establecida por personas no instruidas, autodidactas,

niños, enfermos mentales, delincuentes y haciéndose extensivo a los artistas naif. Llamado también "outsider art", que se suele considerar una forma de expresión más auténtica y espontánea que gran parte del arte expuesto en museos y galerías, practicado por artistas autodidactas y naif (..) ” [3] Características:

Dubuffet definió el ¨Art Brut¨ como: ¨toda clase

●

El creador es totalmente despreocupado ante las expectativas de los demás.

de producciones que presentan un carácter

●

La obra surge de la imaginación sin fundamento.

espontáneo y fuertemente imaginativo¨ [4]

●

Ausencia de convencionalismo (perspectiva, técnica correcta y materiales tradicionales)

Pintores que se desarrollan en esta tendencia: Jean Dubuffet, Robert Tatin , Gaston Chaissac, Ossorio, René Chomeaux, Chomo, Paul Salvador Oroverdo, Aloïse Corbaz, Tarcisio Merati, Susana Noriega, Paul Salvador Oroverde , Javier Karad, Judith Scott, Donald Mitchell, Cecilia García, Ataa, Oko, Laure Pigeon, Reinhold Metz, Antoni Tàpies [1] Chilvers, I. (1998) Diccionario de Arte del Siglo XX. Ditorial Complutense, S.A. España. http://books.google.es/books?id=8Z­ GYKRF6tMC&pg=PA515&dq=mec+art&hl=es&sa=X&ei=48D3U6KKLaHgsASNyIDACw&ved=0CDoQ6AEwBA#v=onepage&q=mec%20art&f=false. Traducción Teresa Garín Sanz de Bremond (1998) [2] Diccionario de Arte. (2011). Disponible desde: http://www.arts4x.com/spa/d/art­brut/art­brut.htm [3] Lopez, B. Art Brut. Slideshare. (2013). Disponible desde: http://es.slideshare.net/belenlopezromero50/art­brut­26397807 [4] (S/A) Aloise Corbaz. Blog archivador. Disponible desde: http://elrincondemisdesvarios.blogspot.com/2012/06/aloise­corbaz­el­arte­y­la­locura.html

Dubuffett Francia, (1901 - 1985) Artista Francés que estudia pintura, pero se dedica al comercio de vino, sin embargo a partir de 1942 se dedica a la pintura definitivamente, vinculado al Art Brut; como se nota en su creación artística, se distingue por el carácter del impulso creativo, y emplea diversos materiales en conjunto con la pintura como lo es el barro, la arena, yeso o detritus orgánicos. A partir de 1966 se dedicó principalmente a la realización de esculturas y de montajes. Para estas obras de amplias dimensiones utilizó materiales de desecho, que según su propio concepto, decide dar un nuevo valor. En sus últimos años de vida, sus obras pictóricas aplica el color con menos violencia y con un estudio más profundo, para crear así composiciones menos agresivas.

DE IZQUIERDA A DERECHA: Marejada de lo virtual. (1963) Óleo sobre tela. 220 x 190 cm.

Centro Georges Pompidou. París. Francia

Autorretrato II (1966) Rotulador sobre papel. 25 x 16,5 cm Colección Fondation Dubuffet, París, Francia

Dubuffett Francia, (1901 - 1985) Pintora suiza, su padre era empleado de correos un hombre alcohólico, su madre muere estando ella pequeña, empezó a trabajar temprano, tanto en Suiza como en Alemania, desempeñándose como costurera, cantante, institutriz y niñera. Se enamora en 1913 del emperador Alemán Guillermo II, quien la acepta durante un corto tiempo en su corte, luego comienza a sufrir crisis psicológicas, lo cual la lleva a ser ingresada en el hospital de Céry como una esquizofrénica. En este lugar comienza a dibujar con un lápiz sobre papeles reciclados escenas de fantasías sobre su amor imaginario. Una estudiante de medicina se interesa por sus trabajos y realiza su primera exposición en la Galería Drouin, en la cual Jean Dubuffet la conoce. Sus trabajos son encuadrados dentro del Art Brut, pues sus obras no reflejan ninguna cultura artística, sus obras se caracterizan por el empleo de colores lumínicos, a las que luego le añade collage y papeles cosidos, emplea orbitas azules en vez de ojos a las figuras.

Marie-Christine (S/F)

Las Catedrales de París (S/F)

Lápiz de Color sobre Papel

Lápiz de Color sobre Papel

?

?

Street Art Painting 3D El Street Art que se desarrolla en la calles, se empieza a extender con diversos artistas quienes desarrollando varias técnicas, como el Street Art Painting 3D., que tiene un gran auge luego de su difusión. Pintura del pavimento, el dibujo del pavimento y tiza de la acera arte es hecho por artistas de todo el mundo, como los pintores de la calle Kurt Wenner o Edgar Mueller o el artista Julian Beever. A través del estudio de la anamorfosis usado en las pinturas del Renacimiento y el Barroco para dar una ilusión de más altura y amplitud, Kurt Wenner desarrolló una técnica dentro del Street art, la que se convertiría luego en una forma de arte de la calle, la pintura de la calle 3D, para producir impresiones en tres dimensiones en una de dos superficies horizontales dimensional, el asfalto. El Street Painting se trata de un arte, que juega con la ilusión óptica, en las ciudades y pueblos los peatones pueden observar sobre el pavimento o acera una superficie decorada con tiza o pasteles, este movimiento para la mayoría de los países se considera una nuevo forma de arte, posiblemente esto posea una tradición Europea, se cree que fue originado aparentemente en Italia durante el siglo XVI. Madonnari, era un artista vagabundo notable para una vida de viajes entre festivales, y era el colega de Juglares. Estos dos artistas a menudo vivían de las monedas que eran echadas en o al lado de su dibujo, como homenaje

a la Virgen y

probablemente su destreza, fueron de ciudad en ciudad para pintar cuadros religiosos utilizando directamente el golpeado de la tierra ó en algunos casos pavimentaban cuadrados públicos con tiza, ladrillo, carbón y leña, coloreando piedras como su medio. Luego de la práctica de Madonnari, llaman a esos artistas pintores de la calle “Madonnari”. Durante la segunda Guerra mundial estos artistas sufren dificultades y enormemente se reduce el número de ellos. Sin embargo, un pequeño grupo siguió trabajando en 1980. [1] Wenner (2011) en su artículo expone, que en la década de 1970, el Street Painting comenzó a tener un pequeño resurgimiento en Italia. Debido al interés del Festival en Grazie que centró su atención en la forma de arte, de esta forma los artistas de arte europeo comenzaron a unirse a la fila de los artistas populares que creaban imágenes efímeras con tiza.

Algunos de estos artistas viajaban a Estados Unidos, pero el único artista de la década que hace una contribución duradera es Robert Guillemin “Sam acera”. [2] Kelle, P. (s/f) define: “3D street Art, a menudo conocida como 3d tiza arte es arte bidimensional dibujado en la misma calle que le da una ilusión óptica tridimensional desde cierta perspectiva. Puede ser muy impresionante, realista y en el mismo tiempo cautivador una vez obtenido el ángulo correcto….” [3] [1] y [2] Wenner, K. The art and History of Street Painting (2011) Recuperado el 27 de Agosto de 2014. Disponible desde: https://kurtwenner.com/images/PDFs/History_of_street_painting_Final.pdf . Traducido por Gómez Luisanyi (2014) [3] Kelle, P Teteris, K. 50 Absolutely stunning 3d Street Art. (S/F) Disponible desde: http://www.hongkiat.com/blog/absolutely­stunning­3d­street­art­ paintings/

Dubuffett Francia, (1901 - 1985) Para la década de los 80 el artista Kurt Wenner se convirtió en primer americano a desarrollar las filas de la italiana Madonnari, pintando calles en Roma, Italia en 1982. Los artistas que se desarrollan en este estilo son: Edgar Muller, Julian Beever, Tracy Lee Stum y otros. En 1984, Wenner desarrolla una forma de arte propio a través del conocimiento tradicional de la calle y técnicas de su formación clásica en pintura, y una comprensión de ilusión, que lo llevará a crear una forma de arte propia, que ha llegado a conocerse como anamórfica o pavimento 3D arte. Esta nueva geometría, le ayudará a realizar composiciones que parezcan elevarse o caer desde el suelo.

Wenner (2011): “…La geometría de Wenner fue inspirada por los grandes techos romanos barrocos del siglo XVII, pero él tuvo que calcular como tal idea podría ser aplicada a una superficie cerca del espectador que fue visto en un ángulo oblicuo.”[4] Su perspectiva anamórfica se trata de pintar formas que aparecen correctas cuando se miran desde un punto en el espacio. Esta geometría corrige la distorsión específica causada por ver sus imágenes de gran tamaño en un ángulo oblicuo (este tipo de geometría ha llegado a conocerse como Perspectiva hiperbólica de Wenner). En 1986 Wenner inició el primer festival de pintura calle en los Estados Unidos y lo llamó Madonnari. En el transcurso de la próxima década Wenner

pasa a enseñar el arte de la pintura callejera a más de 100mil artistas y

estudiantes.

DE IZQUIERDA A DERECHA: A Herculean giant Disappeaar into a Chasm (S/F) Tiza y Carbón ?

Calgary (S/F) Tiza y Carbón ?

[4] y [5] Wenner, K. The art and History of Street Painting (2011) Recuperado el 27 de Agosto de 2014. Disponible desde: https://kurtwenner.com/images/PDFs/History_of_street_painting_Final.pdf . Traducido po Gómez Luisanyi (2014)

Dubuffett Francia, (1901 - 1985) Toma la calle como lienzo para desarrollar sus obras empleando diferentes elementos cotidianos del entorno callejero, para así generar una realidad manipulada con obras llenas de sentido del humor. Algunas de sus obras corresponden a marcas conocidas o productos comerciales. “ Mi trabajo literalmente apela al hombre (y mujer) en la calle y no es confinado en las galerías o limitado por el sistema de Galería” Julian Beever [6]

Rafting (S/F) ?

Debajo de cada Calle (S/F) Tiza y Carbón ?

[6] Beever, J. Biography. (2012) Disponible desde: http://www.julianbeever.net/index.php?option=com_content&view=article&id=3&Itemid=4

Street photography - FOTOGRAFÍA DE CALLELa fotografía de calle es una rama de la fotografía realista dentro del género artístico, que busca captar escenas y acciones espontáneos en lugares públicos y transitados como calles, parques, estaciones de metro y autobús, museos, entre otros. Según el blog del manifiesto de la fotografía de calle: “El énfasis principal está en la captura de una composición fugaz, un arreglo temporal

de líneas, formas, texturas y tonos equilibrados dentro de un marco rígido.” [1] En 1906 Gustav Klimt y Emilie Flögue deciden llevar a cabo una sesión de fotos para el catálogo para clientas del “Salón de las Hermanas Flögue”. Las fotografías fueron tomadas al aire libre, cerca del lago Attersee en la Alta Austria, de esta forma Klimt se convierte en el primero en fotografiar moda en plena naturaleza. Quizá este haya sido el comienzo de lo que hoy en día denominamos “street style”. [2] Así, dentro de la fotografía de calle se diferencian varias tendencias entre las que destacan: Fotografía del estilo urbano o estilo de calle (street style), encargada de fotografiar atuendos de personas en la calle durante algún evento de moda como la semana de la moda en Nueva York (New York fashion week).

Retrato en la calle (street portraits), que como su nombre lo indica, busca retratar personas y personajes importantes en la calle.

Fotografía documental (life reportage style), se diferencia de la fotografía de calle por las cualidades que presenta. Aquí se fotografía con la intención de registrar eventos particulares de la historia para llevar un mensaje premeditado.

Fotografía espontánea (candid photography), donde el fotógrafo retrata sin el consentimiento del individuo retratado y sin planificación.

Entre los principales exponentes de la fotografía de calle figuran: Nobuyoshi Araki, James Barnor, Lou Bernstein, Brassaï, Henri Cartier-Bresson, Mark Cohen, Joan Colom, Bill Cunningham, Maciej Dakowicz, Peter Dench, Nikos Economopoulos, Cristina García Rodero, Bruce Gilden, Shigeo Gochō, Sid Grossman, Hiroshi Hamaya, Richard Kalvar, Osamu Kanemura, Hiroh Kikai, Seiji Kurata, Kineo Kuwabara, Jens Olof Lasthein, Guy Le Querrec, Raghu Rai, Jamel Shabazz y David Solomons.

[1] S/A Street Photography: A brief definition. Street Photography Manifesto S/F. Disponible desde: http://street­photography­manifesto.tumblr.com/ Traducción por Palm, Zara (2014) [2] S/A Modelos de la historia: Emilie Flögue. Simplybeck Blog. (2005) Disponible desde: http://www.simplybeck.com/2012/05/emilie­flogue.html

Sin embargo, en la actualidad, esta es una tendencia que se sigue utilizando como recurso fotográfico. Algunos de los fotógrafos jóvenes que trabajan como fotógrafos de estilo urbano o de calle (street style) son: Backyard Bill, Nigel Hamid, Scott Schuman, Karen Blanchard, Søren Jepsen, Mary Scherpe, Caroline Blomst & Daniel Troyse, Yvan Rodic y Candice Lake. Otros, como: Yanidel, Eric Kim, John Free, Bruce Gilden, Martin Parr, Zack Arias, Lee Jeffries, Joel Meyerowitz, Boogie, Charalambos Kydonakis (Dirty Harrry), Daido Moriyama y Thomas Leuthard, son solo algunos de los fotógrafos de calle que se mantienen activos y han sido más influyentes en el género, compartiendo sus ideas, métodos y formas de trabajo con el resto del mundo.

Por su parte, Alvaro González, foto-periodista, se

BILL CUNNINGHAM

refiere al trabajo de Cunningham como fotógrafo

Estados Unidos (1929)

de la siguiente manera:

Bill nace en Estados Unidos, en la década de 1929. Su carrera como fotógrafo se desarrolla tras abarcar otras disciplinas. Fue un exitoso diseñador de tocados y sombreros, bajo la firma de William J. (para no molestar a sus padres al recurrir al apellido familiar). Más tarde, comienza a trabajar para The New York Times como periodista; en Diciembre del 78 publica un artículo titulado “57th and Fifth: A Holiday Magnet for the World” donde su editor Arthur Gelb habla del primer punto de inflexión para el diario, ya que por primera vez, se publican fotografías de personalidades conocidas sin su consentimiento.

que le interesa, que le resulta curioso, bello, imaginativo, fascinante, elegante.

Luego lo convierte en tendencia en su página del NYTimes “On The Street”.

Hace que lo interesante pase de las calles a la pasarela con un solo click. Es el padre de lo que conocemos como “coolhunting”

En el año 2012, el blog “Fashion Reactor” escribe un artículo sobre el primer fotógrafo de estilo de calle: “Bill

“Se limita a captar con su cámara aquello

y que, como todo, ha popularizado y masificado la llegada de internet.” [4]

Cunningham es desde hace décadas, una crónica de

tendencias y escenas que se registran en la sección del New York Times a través de dos sus columnas “On the street” y “Evening

"No me siento atraído por algo terrible.

Hours”, fotografiando personas en las calles de Manhattan durante

Ni siquiera me doy cuenta.

el día y celebridades y personalidades importantes de la alta

Estoy buscando algo que tenga belleza.”

sociedad y la moda durante la noche.” [3] [3]

Margarita.

Bill

Cunningham:

the

first

street

style

photographer

(2012).

Fashion

Reactor

Blog.

Disponible

desde:

http://fashionreactor.com/index.php/el/categories/fashion/others/314­bill­cunningham­the­first­street­style­photographer Traducción por Palm, Zara (2014) [4] González, Álvaro. Bill Cunningham, los ojos de Nueva York (2012). Disponible desde: http://www.viajesrockyfotos.com/bill­cunningham­fotografo­de­ moda­nueva­york/

BILL CUNNINGHAM

Editta Sherman (1972) Train to the Brooklyn Botanic Garden, C.A. Sociedad Hist贸rica de New York.

Carolina Herrera (1979) ?

SCOT SCHUMAN Estados Unidos (1968)

Scot Schuman es un periodista y fotógrafo de moda estadounidense nacido Indiana en el año 1968, que trabaja de forma independiente y expone su trabajo a través de un blog personal titulado “The Sartorialist”. Se especializa en Creación de Vestuario luego de graduarse en Marketin de Moda. Dirigió showrooms que representaban a a jóvenes diseñadores durante los primeros quince años de su carrera. En 2005 se retira para hacerse cargo de sus hijas y así comienza a descubrir el gusto por la fotografía digital.

Comienza su blog en Septiembre de ese mismo año, con la idea de:

“The Sartorialist” “(..) crear un doble discurso sobre el mundo de

la moda y su relación con la vida cotidiana”[5].

Sin duda alguna, su trabajo está fuertemente influenciado por el de Bill Cunningham, a pesar de que trabajan bajo conceptos totalmente diferentes. Schuman fotografía a personas de la cotidianidad que lleven atuendos o estén en situaciones que llamen su atención. Su blog tuvo tanto éxito, que a firmado campañas con marcas internacionales y a trabajado como fotógrafo para revistas como Vogue y GQ.

[5]

Schuman,

Scott.

Biography.

(2005­2014)

http://www.thesartorialist.com/biography/ Traducción por Palm, Zara (2014)

The

Sartorialist.

Disponible

desde:

“THE SARTORIALIST”

Editta Sherman (1972) Train to the Brooklyn Botanic Garden, C.A. Sociedad Histórica de New York.

On the Street: The Charmer, PART 2 (2008) Milan, Italia.

On the Street: The Switch. (2014) Milan, Italia.

Apropiacionismo El apropiacionismo se convirtió en el procedimiento preferido por algunos artistas a comienzo de la década de los 80, pues deciden superar los límites que habían sido impuestos por la severidad teórica de las últimas situaciones en la modernidad como el minimalismo y el arte conceptual, estos artistas hacían la puesta en escena de simulación, haciendo uso una y otra vez sobre esta teoría, la fragmentación de la propia teoría de la simulación, simulada varias veces, por el arte apropiacionista.

A términos de Palomar, M. (s/f): “Los miembros de este movimiento veían el mundo como una imagen de la que ellos tomarían

diferentes partes y las incorporarían aleatoriamente a su obra. Buscaban, de diferentes maneras, unir lo más posible la vida y el arte. Estos artistas se unieron sobre la base de su “singularidad colectiva”, es decir, su individualidad en un marco plural. A pesar de la diversidad de su lenguaje plástico, percibían la existencia de una base común para su obra, siendo éste un método de apropiación directa de la realidad (..) ”[1] Los artistas que se encargaron de esta actividad artística, en el cual tomaban obras de otros para apropiarlas a su modo están: Sherrie Levine, Prince, Koons, Steinbach, Cindy sherman y otros como: Michael Mandiberg, Yasumasa Morimura, estos artistas no solo se apropiaron de imágenes u objetos del mundo del arte o del consumo, sino que trabajan algunas teorías que intentan mostrar la creciente complejidad de nuestro universo de imágenes, releer la teoría de la simulación, y a su vez releer la teoría de las obras de otros artistas. Como menciona Giménez, F. (S/F) en su artículo en la web: “(..) pareciera que estamos asistiendo a un doble movimiento de desterritorialización, las teorías emergen desde la superficie

de las imágenes y las imágenes parecen ya no ser contemplables desde otro lugar que no sea la teoría (…) el espacio de la teoría es el espacio de la imagen, el espacio de la imagen es el espacio de la teoría.” [2]

[1]

Palomar,

M.

El

nuevo

Realismo

y

Apropiacionismo.

Blog

archivador.

(2012).

Disponible

desde:

http://sarahalexmarinaenterteiment.blogspot.com/2012/04/el­nuevo­realismo­y­el­apropiacionismo.html [2]

Gimenez,

F.

De

la

Teoría

de

la

simulación

http://www.henciclopedia.org.uy/autores/FGimenez/Simulacion2.htm

a

la

simulación

de

la

teoría.

(S/F).

Disponible

desde:

Sherrie Levine Estados Unidos (1947) Toma la calle como lienzo para desarrollar sus obras empleando diferentes elementos cotidianos del entorno callejero, para así generar una realidad manipulada con obras llenas de sentido del humor. Algunas de sus obras corresponden a marcas conocidas o productos comerciales. “ Mi trabajo literalmente apela al hombre (y mujer) en la calle y no es confinado en las galerías o limitado por el sistema de Galería” Julian Beever [6]

'Sherrie Levine Después de Walker Evans' Untitled (1981/1995) Fotografía, Gelatin silver print. 12,8 x 9.8 cm ?

'Sherrie Levine Después de Walker Evans (1981/2010) Firma en el reverso. Fotografía, 20,3 x 25,4 cm ?

[6] Beever, J. Biography. (2012) Disponible desde: http://www.julianbeever.net/index.php?option=com_content&view=article&id=3&Itemid=4

Yasuma Morimura Japón (1951) Artsta plástico Japones, conocido por ser representante de fotografía escenificada y pertenecer a la corriente artística Apropiacionismo. Luego de la segunda Guerra Mundial, hubo cambios entre la relación de Japon y Occidente, los cuales influyeron en su educación y obra. Estudio Diseño hasta 1978 en Kyoto City University Art. Sus obras presentan la dualidad de lo femenino y masculino, así como pone en juicio en sus obras la identidad sexual, cultural o nacional. Mediante este procedimiento se apropia de imágenes clásicas provenientes del arte Occidental, reiterpretandolas y dándoles un nuevo significado.

Retrato de Frida Khalo (S/F) ?

Retrato de Mona Lisa (S/F) ?

Neo Expresionismo Con el apropiacionismo que sucede en Nueva York a principio de 1980, se desarrolla paralela otra tendencia Europea-Estadounidense cercana a lo sensible y espiritual de la época, reclamando un regreso a la pintura por medio de formas expresionistas subjetivas y emocionales. Como menciona Guasch, M. (2000) Se presentan algunas exposiciones en Londres (a New Spirit in Painting, 1981), en Colonia (Westkuns, 1981) y en Berlín ( Zeitgeist, 1982), por artistas italianos (Francesco Clemente y Sandro Chia) y alemanes (Georg Baseliz, Rainer Fetting, Anselm Kiefe, Jorg Immendorff y Marcus Lupertz, realizan sus primeras exposiciones individuales en Nueva York 1981- 1982), quienes se presentaron en Galerías del Soho neoyorquino y realizaron proyectos colectivos como the Pressure to Paint (1982), llegando a despertar interés en algunos críticos estadounidenses, influyente en ese momento, como Roberta Smith, Hilton Kramer, Peter Schjeldahl y Robert Pincus- Witten, quienes apostaron por una versión norteamericana del neoexpresionismo. (p.355) [1] Stratta, R. (2013) publica en la web un artículo donde expone que el neoexpresionismo “… propone retomar la figuración desde su tratamiento violento y primitivo, determinado por la pincelada y el uso de colores contrastantes, aunque conservando la disposición tradicional de la composición.”, podemos observar que posee un interés por formas de representaciones anteriores, expresivas abstractas. [2] Sin embargo esta tendencia, no tuvo un eco en los artistas más jóvenes, por su falta de base teórica, Guasch, dice, que algunos críticos responden negativamente a esta tendencia, como el arte que carecía de cualquier significado político o social, convirtiéndose solo en mercancía, y objetos de los vaivenes y fluctuaciones del mercado, por lo tanto la pintura neoexpresionista se redujo a un producto de consumo (arte controlado por comerciantes interesados solo por lo relación arte = moda y arte= dinero) por tanto a un hecho descualificado y vulgar.

Dentro de los artistas de esta tendencia, se encuentran también Julian Schnabel, D. Salle y E. Fischl. Stratta, R, menciona características empleadas en el Neoimpresionismo: Retorno a imágenes expresionistas, gusto por la relación o combinación de elementos de tendencias anteriores, yuxtaposición de elementos figurativos y abstractos: por lo general fondos a base de manchas o franjas de color sobre lo que se dispone figuraciones contrastantes, representación de objetos de modo intuitivo y sin atender a su perspectiva dentro del conjunto de la obra, elaboración de trazos amplios, preferencia por el óleo, aunque es frecuente la combinación con otras técnicas (acrílicos, pinturas industriales, temple, acuarela, fresco), interés por la pintura empastada, que pueda ser mezclada con otros materiales (paja, arena, yeso, etc.), temática variada (mitologías individuales o de la cultura nacional, símbolos del poder, figuras heroicas, temas bélicos, dramáticos y satíricos, etc.) con predominio de la figura humana planteamientos variados expresivo-formales: abstractivo (Lüpertz), fauvista (Fetting), matérico (Kiefer), primitivista (Baselitz), sígnico (Penk). [3]

[1] Guasch, A.M.( 2000) El Arte último del Siglo XX. Alianza Editorial, S.A. España.

[2] y [3] Stratta, R. Neoexpresionismo. (2013) Disponible desde: http://rosarioistratta.blogspot.com/2013/05/neoexpresionismo.html

Julian Schnabel Estados Unidos (1951) Es un pintor y director de Cine estadounidense, sus trabajos han sido de enorme interés en Estados Unidos y Europa. Estudió en La Universidad de Houston desde 1969 a 1973. Se ve inspirado por artistas como Pablo Picasso y especialmente en Jackson Pollock, estas influencias son reflejadas en sus obras de estilo expresionistas y obras de grandes formatos. Aunque realiza una exposición en el Museo de Arte Contemporáneo de Houston en 1975, no será reconocido hasta

su primera exposición individual, realizada en Mary Boone

Gallery de Nueva York a finales de 1979, donde presenta pinturas de grandes formatos, con estilos eclécticamente (diversas influencias, desde Leon Golub, el pintor que más influye en sus años de formación, como el pintor Alfonso Osorio, y la importancia de la cerámica en la arquitectura de Gaudí, por el empleo de pintura sobre superficies poco convencionales, como lozas rotas, terciopelos, lonas alquitranadas y piel de animales), por su gesto exuberante, pomposo y casi heroico se presencia su fascinación por el Action Painting.

Maria Callas 4 (1982) Óleo sobre terciopelo. 274.3 x 309.9 cm Galería Saatchi de Londres. UK

El mar (1981) Aceite, Ollas mexicanas, Bondo sobre madera. 274,32 x 396,24x” Museo Whitney de Arte Americano, USA

David Salle Estados Unidos (1951) Nace en Estados unidos, es un artista adscrito a varias tendencias postmodernistas norteamericanas, el neoexpresionismo es una de ellas, Estudió en el Instituto de Arte de California, donde fue alumno de John Baldessari (primeramente pintor, y luego emplea textos, fotografía y videos a sus obras, creando instalaciones, formó parte del Arte Conceptual y Contemporáneo) empezando a practicar técnicas cinematográficas como el montaje y pantalla dividida. En Nueva York cosecha enorme éxito, luego de que culmina sus estudios. Stratta, R. (2013) dice que su estilo presenta como característica resaltante la yuxtaposición de imágenes, desorganizada e incoherente, con imágenes provenientes de algunos ámbitos como: la historia del Arte, del Diseño, del cómic, la cultura popular, la publicidad, Grafitti, entre otros. Sus trabajos presentan fallos de composición y estructura, pero es parte de su interés, mostrar una visión de conjunto por medio de la superposición de imágenes, un reflejo de estilo artístico irónico y autocrítico. [4]

Muscular Paper (1985)

Helena a las 5 am. (2006)

Aceite, pintura polímero sintético, y carboncillo sobre lienzo y

Óleo sobre Lienzo. 96 x 136 cm.

tela, con la madera pintada, en tres partes. 249,3 x 475 cm.

?

Museo de Arte Moderno, Estados Unidos

[4] Stratta, R. Neoexpresionismo. (2013) Disponible desde: http://rosarioistratta.blogspot.com/2013/05/neoexpresionismo.html

Decontructivismo Es un movimiento arquitectónico, que surge en la década de los 80 (S. XX), presenta cierta relación con el constructivismo Ruso (1920), y hay referencias adicionales con el expresionismo, Cubismo y el arte contemporáneo, sin embargo el padre de este estilo es el Filósofo Francés Jacques Derrida, siendo el que más ha contribuido a su definición. Este estilo se ubica dentro de la Postmodernidad; aunque tiene su apogeo en los años 80 y 90, aparece aún en el 2000. Gastelum, C. (2013) hace referencia a un pensamiento de Jacques Derrida: “La deconstrucción, es un tipo de pensamiento que critica, analiza y revisa fuertemente las palabras y sus conceptos.” [1] El concurso internacional del Parisino Parc de la Villette, fue un acontecimiento

relevante para la historia del movimiento, ganando por

Tschumi, al realizar El parque, este concurso fue llevado a cabo en 1982. (Parc de la Villete, 1982, París, Francia). Sin embargo el evento que marcó a este estilo fue la exposición de 1988, realizada por los arquitectos Philip Johnson y Mark Wigley, en Nueva York, realizada en el MOMA (Museo de Arte Moderno), titulado “Arquitectura Decontructivista” dando fama a los integrantes.

En esta exposición, muestran una sensibilidad diferente, como dice Gastelum, donde el sueño de la forma pura ha sido perturbado; la capacidad de perturbar las formas, es lo que convierte a estos trabajos en decontructivistas. Presentaba un punto de intersección de varios arquitectos, los cuales realizaron

maquetas de edificios alarmantes por medio del potencial oculto del postmodernismo. Esta exposición

buscaba enunciar la agrupación del trabajo más relevante de 1980, en artistas que presentaban teorías y métodos algo diferentes, pero todos ellos con una orientación similar hacia el trabajo de la forma abarcando lo incompleto, lo desequilibrado, y lo fragmentado. Los participantes de esta exposición son: Frank O. Gehry, Daniel Libeskind, Peter Eisenman, Bemard Tschumi, Rem Koolhaas y Zada Hadid. Otros artistas que también forman parte son: Philip Johnson, Daniel Libeskind. Características: Rompe con la funcionalidad, verdad de materiales, pureza de las formas y volúmenes, provocando una confusión geométrica a grande escala, presenta fragmentación, la forma sigue a la fantasía (torcidas y plegadas), ausencia de armonía, continuidad y simetría, rechaza lo ornamental, rechaza al posmodernismo, abandono del punto focal, presenta base filosófica de un movimiento literario, uso de la geometría con ausencia de representación rectilíneas (ausencia de geometría euclidiana, la cual hace aplicación de ángulo recto), caos controlado (Como explica Hernandez, J. M. quien a su vez cita a Jacques Derrida: “La apariencia de los edificios deconstructivistas denotan un aparente "caos controlado", muy habitual, por ejemplo, en la obra de Frank Gehry. « No se obtendrá respuesta alguna facilitando el acceso a un sentido racional cuya realización se nos haya prometido. Se trata justamente de lo que sucede al sentido », Jacques Derrida.”) [2]

[1] Gastelum, C. Descontructivismo. Slide Share. (2013) . Disponible desde: http://es.slideshare.net/gasib/deconstructivismo­22499245 [2] Hernandez, J. M. Descontructivismo o Descontrucción. (2010 – 2014). Disponible desde: http://www.jmhdezhdez.com/2011/04/deconstructivism­ deconstructivismo.html

Frank O. Gehry Canadá (1929) Arquitecto canadiense-estadounidense, nace el 28 de febrero de 1929, recibe estudios en la Universidad del Sur de California y la Universidad de Havard. Reconocido por sus innovadores e inusuales formas de los edificios que diseña. Dentro de sus diseños más famosos cabe destacar la Sala de Conciertos de Walt Disney en Los Ángeles y el Museo Guggenheim en Bilbao, España.

Al salir de Harvard, Gehry realiza en California una línea de muebles, creando su nombre, El Easy Edges, eran muebles elaborados con varias capas de cartón. Sin embargo se ve interesado más por la construcción que la elaboración de muebles, por esto empieza a renovar una casa para su familia, Diseño avant-garde el cual llama la atención en el mundo de la arquitectura, elevando su carrera, y llevándolo a realizar casas de base triangular en el Sur de California para la década de 1980. Tanto los diseños, como los materiales (como el metal corrugado, el cual da una estética inconclusa al diseño), han hecho que sea un arquitecto más reconocido del pasado cercano.

Casa de Frank Gehry (1978) ?

Santa Mónica, California. USA

Museo de Guggenheim (1991-97) Piedra caliza, cortinas de cristal y planchas de Titanio. 24.000 m2 Bilbao, Espa単a

Frank O. Gehry

Daniel Libeskind.

Polonia (1946) Arquitecto nacido en 1946 en la Polonia de Posguerra, adquiere la nacionalidad estadounidense en 1965. Estudió música en Israel y en Nueva York, pero decide dejarla para dedicarse al estudio arquitectónico, recibiendo título profesional en esta disciplina en 1970. Realiza un posgrado en 1972 de Historia y Teoría de la Arquitectura en la Universidad de Essex en Inglaterra. Se establece en Berlín, tras ganar el concurso para la realización del templo Judío. Desde entonces ha realizado grandes proyectos con museos, edificios comerciales, centros culturales a nivel mundial.

En el 2003, con la Torre de la Libertad, gana el concurso para reconstruir en Nueva York, el lugar que antes se encontraban las torres gemelas

Run Run Shaw Centre Creative Media. (2011) 1000,000 pies – 3000,000 pies Kowloon, Hong Kong

Daniel Libeskind.

Museo de Arte de Denver ( 2003-2006) Denver, Estados Unidos

Young British Artist - YBA Es término el cual se traduce a Jóvenes artistas Británicos, fue utilizado para identificar a un grupo de artistas británicos que surge durante la década 1980 y 1990, más tarde apodado Young British Artists, término que deriva de una serie seis de exposiciones, desde Young British Artists I hasta Young British Artists VI., las cuales se llevan a cabo en la galería de Satchi (Coleccionista millonario, patrocinador oficial de la YBA) Londres, durante el marzo de 1992 y noviembre de 1996. Este grupo se da a conocer por una mezcla de talento precoz y su autopromoción. “El primer uso del término «jóvenes artistas británicos era de Michael Corris enArtforum , mayo de 1992. El término acrónimo ' YBA "no fue acuñado hasta 1996 (en Art Monthly magazine)” [1] Este grupo remonta sus inicios, como menciona la página web del Museo de Arte Moderno (MoMA): “ (..) a un espectáculo de almacén 1988 en Londres, comisariado por Damien Hirst (estudiante de Goldsmiths Collage) y titulada Freeze (1988,

exposición a la que asiste Charles Saatchi, comprando la mayoría de las exposiciones). Hirst exhibió obras de él y 15 de sus compañeros estudiantes Goldmiths, entre ellos Angela Bulloch, Gary Hume, Sarah Lucas, Richard Patterson y Fiona Rae (..) ” [2] Otros artistas que han formado parte de los YBA (este término es aplicado en la actualidad a algunos de ellos): Tracey Emin, como Marc Quinn, Sarah Lucas, Sam Taylor-Wood, Rachel Whiteread, Jake & Dinos Chapman, Douglas Gordon, Gary Hume, Gillian Wearing, Mark Wallinger, Marc Quinn, Steve McQueen, Chris Ofili y Jenny Saville. Este término también se utiliza para describir a los artistas Británicos progresistas que fueron reconocidos durante la década de los 1980 – 90, sin embargo, aparece un nuevo término post-YBA para acuñar a los artistas británicos que surgen en la década del 2000, como Darren Almond, Mike Nelson, Tim Noble, Oliver Payne, Nick Relph, Eva Rothschild, Simon Starling, David Thorpe, Sue Webster, Carey Young, entre otros.

Los YBA, se desarrollan en el ámbito de la pintura, escultura y ensamblaje, arte de instalación, variedad de fotografía, contemporáneo de video y arte conceptual: “Los YBAs señalaron estilísticamente desde el minimalismo y el conceptualismo y, a menudo se centraron en los

aspectos más oscuros de la vida contemporánea (..)” [3]

[1] (S/A) Young British Artist. (YBA). TATE. (S/F). Disponible desde: http://www.tate.org.uk/learn/online­resources/glossary/y/young­british­artists? entryId=320 [2] Nicholson, O., Términos de Arte. Diccionario de Museo de Arte Moderno. 2009. Disponible desde: http://www.moma.org/collection/theme.php? theme_id=10220 [3] (S/A) Young British Artists (Yba). Artsy. (2014). Disponible desde: https://artsy.net/gene/young­british­artists­yba

“ Artistas líderes han conservado animales muertos (Damien

Hirst); aplastado objetos encontrados con una aplanadora ( Cornelia Parker ); objetos apropiados de la historia clínica

Damien Hirst Inglaterra (1966)

( Christine Borland ); presentado su propia cama como arte ( Tracey Emin ); hecha la escultura de los alimentos frescos, cigarrillos, o mallas de las mujeres ( Sarah Lucas ). YBA artistas han hecho un uso extensivo de cine, video y fotografía; dibujo y grabado usado en todas las formas imaginables; desarrollado cada vez más el concepto de la instalación (un trabajo multi-parte que ocupa un solo espacio), y no menos importante, renovado y revitalizado el arte de la pintura”.

Es un artista que nace en Bristol en 1965, estudió el Goldsmiths College de Londres, Llama por primera vez la atención del público de Londres en 1988, cuando lleva a cabo la exposición “Freeze”. Hirst se ha convertido en uno de los artistas más influyentes de su generación. Sus obras innovadoras incluyen la imposibilidad física de la muerte en la mente de alguien vivio (1991) (la cual consiste en un tiburón suspendido en formol) ó A Thousand Years (1990). En sus trabajos, presenta un enfoque desafiante sobre las ideas de existir del ser humano, poniendo en tema las convicciones del ser humano, como la separación entre el deseo y miedo, la vida y la muerte, la razón y la fe, el amor y el odio, claro en las siguientes obras a presentar.

Salmo impresión: Ad te, Domini est terra. (2009)

Madre y el niño -dividido- (copia de exposiciones 2007 - original 1993)

Serigrafía con el esmalte. 74 × 71,4 cm

Solución de vidrio, acero inoxidable pintado, silicona, acrílico,

Galería Gagosian.

monofilamento, acero inoxidable, vaca, becerro y formaldehído Cuatro partes: 1900 x 3225 x 1090 mm / 1900 x 3225 x 1.090 mm / 1.025 x 1.690 x 625 mm / 1.025 x 1.690 x 625 mm

Jenny Saville Inglaterra (1970) Durante su licenciatura en la Escuela de Arte de Glasgow, expone en el Contemporáneo ‘ 90 , en la Escuela de Bellas Arte Real. En 1994 obtuvo un éxito por el espectáculo que realiza en la Galería Saatchi, generando publicidad a su trabajo. Mejor conocida por sus obras más grandes de la vida imágenes de figuras de mujeres "obesas", por lo general el uso de ella como modelo. Ha creado un nicho para las mujeres con sobrepeso en la cultura visual contemporánea, también conocida por sus pinturas de gran escala de las mujeres obesas, Saville ha roto recientemente en el mundo del arte contemporáneo con la ayuda de la galerista y coleccionista de arte Charles Saatchi. Su estilo pictórico ha sido comparado con la de Lucian Freud y Rubens . Jenny, reconoce consistentemente el efecto de artistas que ha tenido en su trabajo, y cuando se trata de sus obras sobre papel, tiene especial cuidado para abordar su conexión con los viejos maestros.

DE IZQUIERDA A DERECHA: Prop (1993) Óleo sobre lienzo. 213.5 x 183 cm Colección Privada

Passage (2004) Óleo sobre lienzo. 336 x 290 cm. ?

FAST FASHION Según Esa, del Fashion blog México (2012): “Fast Fashion es un término usado por minoristas de la moda para trasladar las propuestas de las grandes casas de diseño, desde las

pasarelas a sus tiendas para capturar alguna tendencia, lo más rápido posible. Se trata de una estrategia para recrear las tendencias presentadas en Fashion Week, manufacturando prendas muy rápido y a un bajo costo para que los consumidores promedio tengamos la oportunidad de adquirir prendas con estilo a un precio accesible. (..) De igual manera muchas veces Fast Fashion se asocia con “moda desechable”, ya que al ser prendas de bajo costo sus materiales también lo son (..)”[1] Por otro lado, en Ethical Fashion Forum, exponen este movimiento de forma más crítica: “Fast Fashion se aceleró a partir de finales de la década de 1990 cuando las marcas comenzaron a buscar nuevas maneras de aumentar los beneficios. La globalización había crecido rápidamente en los años 80 y 90 - allanando el camino para el valor y las marcas de precio medio para cambiar la mayor parte de su producción a los países en desarrollo, donde la mano de obra y los gastos generales de Costos es una fracción de los de Europa.”[2] Existen muchísimas firmas de ropa que trabajan bajo este concepto de obsolescencia programada, algunas de ellas son: Inditex (Zara, Bershka, Pull&Bear), H&M, Mango, Forever 21, Asos, Primark, C&A,Topshop, Peacocks, United Colors of Benetton, GAP, Lolly Wolly Doodle, Mixxo, 8seconds, Next, rue21, Wet Seal, Charlotte Russe, Bestseller, Uniqlo, Urban Outfitters, Shasa, Comme ça ism, NewYorker y Systaime.

[1] Esa. Fast Fashion. (2012) Fashion blog Mexico. Disponible desde: http://fashionblogmexico.com/fast­fashion/ [2] (S/A). Fast Fashion: “value fashion (S/F). Ethical Fashion Forum. Disponible desde: http://www.ethicalfashionforum.com/the­issues/fast­fashion­ cheap­fashion Traducción por Palm, Zara (2014)

zara Marca española fundada en 1975 por

Amancio Ortega y Rosalía Mera, es la cadena

minoristamás grande del mundo y es parte del grupo Inditex. La primera tienda Zara se abrió en La Coruña, Galicia en España y contaba con productos parecidos a los populares de las grandes marcas pero a muy bajo costo. Fue un éxito. En la década de los 80, se abren

tiendas

Zara

por

toda

España

y

la

década

siguiente

se

expande

internacionalmente. Por otro lado, los fundadores comienzan a modificar los procesos de fabricación para acortar el tiempo de distribución y diseño de cada producto y así poder reducir los plazos de entrega mientras se adelantaba a las nuevas tendencias. La compañía basa sus mejoras en el uso de grupos de diseñadores en lugar de diseñadores individuales, además de los avances en tecnologías de información.

Zara Fall/Winter 2014-2015 Women Lookbook

Zara Fall/Winter 2014-2015 Women Lookbook

UNITED COLORS OF BENETTON Benetton Group es una sociedad anónima fundada en Veneto, Italia en 1965, por cuatro hermanos; Luciano, Giuliana, Gilberto y Carlo Benetton. La primera tienda Benetton se abre en Belluno en 1966 y en 1969 ya tienen una sucursal en Paris. La marca italiana fue conocida en la década de 1990 por sus campañas controversiales, acusadas incluso por crear polémica para vender, a pesar de que la única alusión a sus productos en las campañas era el logotipo de la firma. Los anuncios se titulaban "United Colors of Benetton" y sus imágenes no se relacionaban de forma directa con los productos que vendían.

Spring /Summer. (1971) Vestido con rayas.

Primeras prendas hechas usando mezclas de hilos

Fall/Winter (1970)

Fall/Winter (2000-2001)

Falda larga de Lana

Pullover Tie dye

IMPRESIÓN TEXTIL DIGITAL - DIGITAL TEXTILE PRINTING -

La impresión textil digital se refiere a cualquier proceso de coloración textil basado en la inyección a tinta, originado a finales de la década de 1980 como respuesta al proceso tradicional de serigrafía para decorar telas: “Desde principio de los 90, la tecnología de inyección a tinta y específicamente la tinta a base de agua (conocida como sublimación

de tinta o dispersión directa de tinta) se ha desarrollado hasta ofrecer la posibilidad de imprimir directamente sobre tela artificial (polyester). (..) Es posible imprimir en nylon y seda utilizando tinta ácida. La tinta reactiva es utilizada para las telas hechas con fibra de celulosa natural, como el algodón y el lino. La tecnología de inyección a tinta, permite alternativas de producción para piezas únicas, incluso hasta para programar la impresión digital a largo plazo.”[1] A partir de la Impresión Textil Digital, se desarrollan tres corrientes principales en las que los procesos y simpatizantes son más específicos; impresión textil para la comunicación visual, impresión textil en diseño de interiores e impresión textil en diseño de moda. Con respecto a lo que Fashionclash menciona: “La impresión textil es una forma de arte decorativo, utilizado tanto para interiores como para ropa. (..) La

impresión textil es también parte de un complejo proceso industrial y depende de innovación, mecanismo, búsqueda y tecnología .”[2] Entre los diseñadores o firmas con más de 20 años de experiencia en la impresión textil destacan: Bridgwater Moss Design, Lola Herrera y Daniel Dicienta Herrera para Bababa, Kathleen Tillett y su hijo Patrick McBride para Tillett Textiles, Indigo Studio y First Eleven, por nombrar algunos. Otros como Caitlin Wilson, Mel Smith, Mary Kantratzou, Paloma Lanna, Alice Temperly y Peter Pilotto son diseñadores seguidores de esta tendencia.

[1]

Wikimedia

INC.

Textile

printing:

Digital

textil

printing

(2014).

Fundación

Wikimedia,

INC.

Disponible

desde:

Disponible

desde:

http://en.wikipedia.org/wiki/Textile_printing#Digital_textile_printing Traducción por Palm, Zara (2014).

[2]

(S/A).

Prints!

In

fashion

and

costume

history

1750

–

2000.

(2011).

Fashionclash.

maastricht.blogspot.com/2011/06/prints­in­fashion­and­costume­history.html Traducción por Palm, Zara (2014).

http://fashionclash­

CAITLIN WILSON Estados Unidos (19869 “Empecé Caitlin Wilson Design en 2007 y he sido bendecida con gran éxito en el campo del diseño de espacios de San Francisco a

las Islas Caimán. Mi trabajo ha aparecido en varias revistas de todo el mundo y en el libro de Celerie Kemble, Black & White: (and a bit in between). (..) Creé mi primera colección con ideas simples en mente, dándole una estética de diseño coherente. Todos mis patrones pueden yuxtaponerse para una apariencia más recargada (..) Mi objetivo es que estos textiles sean una forma de hacer la vida en sus hogares más fácil y hermosa.” [3]

British Bouquet Pillow / 20x20 100% Alogodón.

San Francisco. USA

Gold Lotus Fabric Horizontal Repeat – 2" / Vertical Repeat – 1.75" / Fabric Width - 59" 100%

[3] Wilson, Caitlin. (S/F). Caitlin Wilson Textiles. Disponible desde: http://caitlinwilsontextiles.com/

Impreso sobre algodón

MARY KANTRATZOU Grecia (1983) Según el blog Modern Wearing (2010): “Mary Katrantzou nace en Atenas en 1983, de una madre diseñadora de interiores y un padre que trabajó en diseño textil. (..) Al graduarse de su licenciatura en 2005, cambia su enfoque de impresión textil para diseño de interiores a impresión textil para diseño de modas. Trabaja junto a Sophia Kokosalaki por dos temporadas en 2006 y envía su portafolio al curso de Moda Textil del Central Saint Martins MA. Una vez aceptada en el curso en 2007, Katrantzou abre el show de graduación del Central Saint Martins en 2008 y su colección marca su estilo personal.”[4]

FALL -Ready to wear- (2008) Primera Colección para Central Saint Martins Show [4] (S/A). Modern wearing: Mary Katrantzou (2010) Modern Wearing. Disponible desde: http://www.modernwearing.com/trends­news/mary­katrantzou/ Traducción por Palm, Zara (2014).

MARY KANTRATZOU Grecia (1983)

Spring/Summer -Ready to wear- (2013/2014)

MODA ECOLÓGICA - ECO FASHION 90'S En el blog Twenergy (2012), hablan sobre la definición de sostenibilidad en el diseño: “El concepto de sostenibilidad ha llegado de lleno a la industria de la moda. Se están cambiando los procesos de desarrollo de las

prendas, desde la utilización de materias primas reciclables hasta tecnologías de fabricación no contaminantes. Para el estampado se utilizan tintes orgánicos, naturales y sin producción química o sintética. ” [1] Por su parte, Sass Brown (2010) en el prólogo de su libro Eco Fashion, hace referencia a la importancia de la sostenibilidad dentro de la contemporaneidad: “La sostenibilidad es la conservción de la vida a través del equilibrio ecológico: humano, animal, vegetal y planetario .” (..) “En el

mundo de la moda se ha ido produciendo una revolución silenciosa a partir de los gritos en contra de los talleres donde se esclaviza a los empleados y de las condiciones de trabajo infrahumanas de la década de 1990” (p.9). [2] Más adelante, Brown analiza también el origen de la moda ecológica a partir de un punto de vista crítico: “ La historia de la fabricación

ecológica y orgánica tiene sus raíces en las múltiples gamas de camisetas beis sin teñir que contienen eslóganes políticos y sociales, elaborados sobre todo por activistas no estetas.” (p.57). [3] Entre los pioneros de esta tendencia, están diseñadores que han contribuído de forma directa al avance de los tejidos y/o técnicas de teñido vegetal, como Laura Strambi y Linda Loudermilk. Otros como Eva García, Marci Zaroff, Maria Snyder y Lynda Grose se dedican a crear conciencia sobre la industria de la moda, una de las más tóxicas del mundo. También existen diseñadores que se han dado cuenta de la importancia de trabajar de forma sostenible con sus proyectos y han decidido unirse al movimiento, como Bruno Pieters a través de Honest By y Stella McCartney bajo su propia firma.

En la actualidad, hay diseñadores y marcas en todo el mundo que se han sumado a la tendencia de moda ecológica, mis favoritos son: Britt Cosgrove y Marina Polo para SVILU, Ali Hewson para EDUN y People Tree como pioneros de la moda sostenible europea.

[1] Comunidad Twenergy. Disponible desde: http://twenergy.com/a/ecomoda­sostenibilidad­y­diseno­564 [2] Brown, Sass. (2010) ECO Fashion: Moda con Conciencia ecológica y social (pp. 9, 57). Londres, Inglaterra. Editorial BLUME. Traducción por Osés, Carlos. (2010) Barcelona, España. Editorial BLUME. [3] Brown, Sass. (2010) ECO Fashion: Moda con Conciencia ecológica y social (pp. 9, 57). Londres, Inglaterra. Editorial BLUME. Traducción por Osés, Carlos. (2010) Barcelona, España. Editorial BLUME.

LAURA STRAMBI (YOJ) “ Think eco, dress bio ” Laura Strambi es una diseñadora italiana que ha decidido marcar la historia del diseño ecológico a través de sus avances en el campo del teñido vegetal, luego de haber atravesado un largo camino dentro del diseño de modas; desde diseñar una colección de accesorios femeninos y masculinos con textiles de lujo para Bulgari, hasta tener algunas de sus creaciones para la Swarovski en el Museo de Moda en Antwerp y haber expuesto otras en el Museo de Artes Decorativas del Louvre durante la semana de la moda pret-a-porter A/W 2008/2009.

Es pionera en la materia y el corazón detrás de YOJ, una firma de moda sustentable a través del uso exclusivo de materiales orgánicos y mantiene que lo que usamos debe ser perfectamente compatible con nuestro cuerpo. En el blog Eco Fashion Talk (2013), hacen una reseña sobre esta propuesta, en la que afirman: “Yoj es una colección de carácter investigativo, concebida y diseñada por Laura Strambi

como resultado de su extensa investigación sobre la producción de textiles naturales y tintes orgánicos .” [4] Por su parte, el artículo My Green Fashion Dream: La collezione e la filosofia del brand Laura Strambi YOJ (2013) de Vogue Italia, también hace una revisión detallada del concepto detrás de esta firma: “ Las telas, lino orgánico, seda orgánica, algodón orgánico y cáñamo son

todos ecológicos y orgánicos, con certificado de seguimiento y la colección, desde el diseño hasta el embalaje, todo es estrictamente fabricado en Italia.” [5]

[4] Brown, Sass. YOJ (2013). Eco Fashion Talk. Disponible desde: http://www.ecofashiontalk.com/2013/06/yoj/ [5] (S/A). My Green Fashion Dream: La collezione e la filosofia del brand Laura Strambi YOJ (2013). Vogue Italia. Disponible desde: http://www.vogue.it/talent(S/A).­short­film­with/2013/12/my­green­fashion­dream­laura­strambi

LAURA STRAMBI (YOJ)

Disponible desde: http://www.laurastrambiyoj.com/#!collection/c1p9k

SVILU BRITT COSGROVE Y MARINA POLO Marina Polo nace en New York y crece en París, se gradúa en el Central Saint Martins College of Art y trabaja para Vera Wang y Clak; mientras Britt Cosgrove lo hace en Ohío y tras mudarse a New York, estudia Relaciones Públicas y obtiene un título de la Parsons School of Design y trabaja para Prada, Hogan y Tommy Hilfiger. Más tarde, ambas trabajan en Peter Som donde se conocen, y tiempo después deciden independizarse.

Cosgrove y Polo fundan SVILU en el 2012 buscando indumentaria ambientalmente sostenible y al mismo tiempo adaptable a la mujer moderna, que presente diseños elegantes y sobretodo atemporales. Aleksandra Spaseska, escribe sobre SVILU en su blog Bastet Noir (2014): “SVILU utiliza textiles naturales como cachemir y lana, hilo NewLife (hilo de poliéster 100 por ciento hecho de botellas recicladas de

plástico), algodón orgánico, tencel (un tejido que no requiere de cloro en la producción elaborado a partir de la pulpa de eucaliptos), modal (un tejido elaborado a partir de la pulpa de los árboles de haya europea que es completamente natural y de CO2 neutro), así como cobre (hecho desde pequeñas fibras de la semilla de algodón, que es renovable anualmente y por lo tanto evita tanto el agotamiento de los bosques como el del petróleo). SVILU también utiliza las impresoras textiles digitales que son las impresoras de inyección de tinta de gran formato especialmente modificados para funcionar sobre tela. A diferencia de la impresión textil convencional, la impresión digital implica muy poco desperdicio de tela, tinta, agua o electricidad. ” (..) “..SVILU es además ganador del desafío CFDA - Lexus Eco Fashion donde se premia a los diseñadores que demuestren un mayor compromiso con el diseño, el funcionamiento y producción ecológicamente sostenibles y responsables.” [6]

[6] Spaseska, Aleksandra. Comfort, chic and eco­fashion do mesh well (2014). Bastet Noir Blog. Disponible desde: https://www.bastetnoir.com/en/svilu Traducción por Palm, Zara (2014)

SVILU BRITT COSGROVE Y MARINA POLO

Disponible desde: http://svilu.com/ss14.html

SLOW FASHION -MODA LENTASass Brown hace referencia a la tendencia más avanzada dentro de la moda lenta: “(..) En el universo de la moda rápida, donde impera la ropa de baja calidad, el rediseño es la expresión más moderna de la moda

lenta, en la que cada prenda se debe concebir y crear artesanalmente de manera individual partiendo de cero. Tiene el valor añadido de desviar las prendas destinadas al vertedero, que es el destino final de gran parte de la ropa descartada. ” (p.103) [1] Según el apartado “Slow Fashion” de la Fundación Wikimedia (2014): “El término “Moda Lenta” fue acuñado por Kate Fletcher en 2007 (Centro para Moda Sustentable, UK) “Moda lenta no es una tendencia

temporal que va y viene como el animal print, sino un movimiento de moda sustentable que está ganando fuerza”. (..) El Movimiento Moda Lenta está basado en los mismos principios del Movimiento Comida Lenta, como una alternativa a la ropa producida en masa (también conocido como “Moda Rápida”). Inicialmente, el Movimiento Moda Lenta estaba destinado a rechazar toda la ropa producida en masa, referida solamente a la ropa hecha a mano, sin embargo, se ha ampliado hasta incluir muchas interpretaciones y ser practicado en muchas formas.” [2] También Maureen Dickson, Carlotta Cataldi y Crystal Grover (2011), en su artículo The Slow Fashion Movement, hacen referencia a Kate Fletcher como precursora del término, y además aseguran que: “Moda Lenta representa todas las corrientes “eco”, “ético” y “verde” en un solo movimiento unificado. (..) Carl Honoré, autor de “En

Honor a la Lentitud”, dice que el “enfoque lento” intervino como un proceso revolucionario en el mundo contemporáneo porque estimula la idea de tomarse el tiempo para asegurar una producción de calidad, darle valor al producto y contemplar la conexión con el medio ambiente.”[3] Entre los diseñadores que se han sumado a este movimiento podemos nombrar a Stella McCartney, Ali Hewson, Kavita Parmar para The IOU Project, Ananda Pascual, Issie Organics, Ecoology, Fox Fibre, Mille Collines, entre muchos otros que se han especializado en Upcycle y/o Eco Fashion [1] rown, Sass. (2010) ECO Fashion: Moda con Conciencia ecológica y social (p.103). Londres, Inglaterra. Editorial BLUME. Traducción por Osés, Carlos. (2010) Barcelona, España. Editorial BLUME. [2]

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KAVITA PARMAR THE IOU PROJECT RTVE España (2012) desde su portal online, hace un artículo sobre esta diseñadora y su magnifica propuesta de indumentaria y accesorios sustentables, donde afirma: “IOU Project es un proyecto de Kavita Parmar que consiste en dar trabajo a numerosas

cooperativas de artesanos que fabrican algunos de los tejidos más valorados por el universo textil. ”[4] Kavita Parmar es una diseñadora de modas que nace en la India en 1972, y se establece en España hace unos diez años. A mediados de 2010 funda un proyecto que une, a través de internet, artesanos tejedores, artesanos manufactores y adquisidores de cada producto que se fabrica bajo la marca: The IOU Project. Kavita para el blog de Marta Robles, afirma: “Mi chico, que es ingeniero y ha tenido una carrera muy interesante en informática y negocios, siempre me decía que el

mundo de la moda le parecía absurdo. Que no tenía sentido tardar un año en crear un producto que luego tiene una fecha de caducidad de dos o tres meses y que después de caducarse ya no vale lo mismo… Y ahí nació la idea de crear un producto duradero. No un producto de moda que caduque, sino uno que valores siempre que lo veas en tu armario por su calidad y porque, aunque pasen los años, sigue quedando bien. Es entender la moda como una forma de expresarse (la gente te conoce por la manera en la que vistes) pero sin someterse a la dictadura de las tendencias.”[5]

[4]

(S/A).

Prendas

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con

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la

moda

de

Kavita

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http://www.rtve.es/television/20120530/prendas­unicas­alma­moda­kavita­parmar/532463.shtml [5] Robles, Marta. «Estos tiempos nos convertirán a todos en productos ”low cost”» (2013). Marta Robles Blog. Disponible desde: http://www.martarobles.es/2013/10/estos­tiempos­nos­convertiran­a­todos­en­productos­low­cost/

KAVITA PARMAR THE IOU PROJECT

he Madras Kilt. Falda Talla M. extil tejido en La India por el artesano tejedor Rajendren A. fabricado en Italia por Alberto Mandolo

The Real Madras Espadrille. Alpargatas Talla 42 Textil tejido en La India por la artesana tejedora Kamala T. fabricado en España por Toño Ochoa Dominguez.

Disponible desde: http://iouproject.com/shop

Marc Oliver e Inés Cuatrecasas MILLE COLLINES (2007) Ambos de orígen catalán nacidos en 1983, comienzan en 2007 su propio proyecto de moda lenta. Riaño, redacta para Moda España, una reseña sobre Milles Collines: “En lugar de dirigirse al público europeo como la mayoría de jóvenes diseñadores, estos dos catalanes eligieron otro mercado: África. (..) Inés Cuatrecasas, que se formó en la escuela de diseño Esdi, viajaba cada verano a África con una ONG. Allí conoció a Antoinette,

una costurera que le animó a establecer su empresa en el mercado africano, aprovechando la capacidad de trabajo existente. Tras darle muchas vueltas, Cuatrecasas convenció a Marc Oliver (con nociones de Ciencias Económicas pero formado en IED) para iniciar su aventura. (..) Durante un año y medio, Oliver y Cuatrecasas trabajaron en su plan de empresa hasta que, en abril de 2009, pusieron en marcha su negocio con una inversión inicial propia. (..) La sede de Mille Collines se encuentra en Kigali (la capital de Ruanda), pero cuentan con una sociedad en Barcelona para gestionar la distribución en España. ”[6] Así, Milles Collines es una marca que habla de las tradiciones africanas y nace en Ruanda en el 2009. Busca detalles y acabados a mano, recupera tradiciones para hacer piezas únicas literalmente hechas de forma artesanal.

[6] Riaño, P. Mille Collines, moda africana con diseño español. (2011) Moda España. Disponible desde: http://www.modaes.es/empresa/20110919/mille­ collines­moda­africana­con­diseno­espanol.html

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