Photographers from the Far East

Aránzazu Martínez Corona

Fotógrafos del Lejano Oriente

Fotรณgrafos del Lejano Oriente

Aránzazu Martínez Corona

Fotógrafos del Lejano Oriente

TÍTULO ORIGINAL: Photographers from the Far East TRADUCTOR: Aránzazu Martínez Corona Primera edición: 2016 Segunda reimpresión: 2018

Diseño de cubierta: Aránzazu Martínez Corona Proyecto de colección: Mariana Larrañaga Fotografía: Rinko Kawauchi © 2018 Rinko Kawauchi Reservados todos los derechos. El contenido de esta obra está protegido por la Ley, que establece penas de prisión y/o multas, además de las correspondientes indemnizaciones por daños y prejuicios, para quienes reprodujeren, plagiaren, distribuyen o comunicaren públicamente, en todo o en parte, una obra literaria, artística o científica, o su transformación, interpretación o ejecución artística fijada en cualquier tipo de soporte o comunicada a través de cualquier medio, sin la preceptiva auotrización.

© 2016, Photographers from the Far East, All rights reserved © de la traducción: Aránzazu Martínez Corona © AM EDITORES, S.A. DE C.V. Paseo de tamarindos 400B

suite 109 Col. Bosques de las Lomas México D.F. 05120 teléfono 52(55)5258-0279 http://www.ameditores.com/

ISBN: 978-84-206-6143-8 Depósito legal: M. 8.419-2016 Composición e impresión: Universidad del Valle de México Campus Querétaro.

Impreso en México Aránzazu Martínez Corona

ÍNDICE INTRODUCCIÓN

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RINKO KAWAUCHI

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DAYANITA SINGH

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RAGHU RAI

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SHAHIDUL ALAM

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JOHN CLANG

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NOBUYOSHI ARAKI

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JEE YOUNG LEE

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MARK NICDAO

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LUO YANG

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YUMA YAMASHITA

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WENG FEN

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BIBLIOGRAFÍA

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Gracias a mi familia, a mis amigos que siempre me han dado su apoyo incondicional y alentĂĄndome con mis proyectos pese a que no lo entiendan del todo; que tanto en las dificultades como en los momentos de gloria me alientan a ser mejor y a cumplir con todo lo que me proponga.

Gracias a esos artistas que me hicieron ver que nunca he estado sola, su mĂşsica, su arte y su forma de ver el mundo estaban ahĂ­ para acogerme y darme ĂĄnimos.

INTRODUCCIÓN

Este libro recopila el trabajo de fotógrafos muy talenotosos, sus historias, los logros que han alcanzado a través de su carrera y una descripción del estilo de su fotografía, las emociones que refeljan en ellas, que los inspira a hacerlas.

La razón de este libro es exponer el trabajo de estos grandes fotógrafos, creo que acá en Occidente nos enfocamos tanto en lo que pasa en este lado del globo, que no le prestamos la atención que se merece el talento asiático. Debe de conocerse, ellos tienen una visión muy diferente en hacer fotografía, pueden fuscionar tantas emociones en ellas, hay algo en sus fotografías que te da otra visión del mundo, saben reflejar la belleza de sus países y de su gente; ya sea con fotoperiodismo, con fotografía surreal, retratos, fotografía de paisaje y hermosos instantes que nos parecen mundandos y simples pero que através de su ojo artístico se vuelve algo que vale la pena admirar.

Algunos de ellos estuvieron presentes en guerras, algunos reflejan la fragilidad del ser humano, otros nos muestran fantasías y el interior de si mismos, a otros les gusta reflejar a las personas a través de su lente, para otros su musa es la mujer, a su cámara le gusta la simpleza, la belleza minimalista y para otros el blanco y negro es la característica de su trabajo y el reflejo de lo que sienten al ver una perfecta escena que representa la nostalgia de su país y la delicadeza de su gente.

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Me hubiera gustado exponer a otros talentosos fotógrafos pero creo que con estos once será suficiente para que puedan conocer sobre lo que es la fotografía en otros partes del mundo, el arte de tomar fotografías es una de mis artes favoritas, estos fotográfos me inspiran y espero que en alguno de ustedes puedan tocar su lado sensible y que los lleve a conocer otros grandes talentos y que los llene de un ánimo para ampliar sus horizontes.

En mi amor por el continente asiático y el talento de la gente de allá espero que disfruten del libro y que aprecien estas imágenes que representan a tantos países y a estos fotógrafos que sin duda merecen ser más conocidos de este lado del mundo.

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Hermes x John Clang

Araki AMORE

“El río me acoge” Rinko Kawauchi

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“Utatane” Rinko Kawauchi

RINKO KAWAUCHI

Para mí, el espacio y el tiempo no son importantes, quiero mostrar una esencia más poética y abstracta.

Añadir demasiada información a la imagen es algo que puede molestar, desviar la atención del mensaje principal.

Sencillamente creo que demasiados detalles crean confusión y como resultado se pierde el mensaje que trato de comunicar.

El tiempo tampoco es importante.

Es como en el universo, donde el concepto ‘tiempo’ es inútil.

Me gustaría desnudar ideas subconscientes que tienen valor en cualquier lugar que fotografío.

RINKO KAWAUCHI

Rinko Kawauchi es una fotógrafa japonesa nacida en 1972 en Shiga, vive y trabaja en Tokio cuyo trabajo se caracteriza por un estilo sereno, poético, con la atención puesta en los momentos íntimos de la vida.

Se ha dedicado a la fotografía desde 1997, cuando comenzó a interesarse en ella mientras estudiaba en el Seian College of Art and Design.

Trabajó en publicidad durante varios años antes de embarcarse en su carrera de fotógrafa.

Kawauchi irrumpió en la escena internacional en 2001 con la publicación simultánea de tres libros: Utatane (Siesta) con fragmentos del día a día.

Hanabi (Fuegos artificiales), con fiestas populares y Hanako (un estudio íntimo de una joven

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con ese nombre); su obra se centra principalmente en series temáticas dedicadas al carácter íntimo de lo cotidiano, es profundamente autobiográfica, vinculada a los ritos y tradiciones de su pueblo, y retrata e interpreta su entorno doméstico, su comunidad local y familiar.

Su obra nos lleva hacia el amor a las cosas pequeñas y al silencio, nos invita a meditar y a recrear la imagen como poesía visual.

Trabaja principalmente con su Rolleiflex de formato 6x6”, aunque también tiene un diario con fotografías realiza con su celular.

Sus exhibiciones más importantes han sido: •Les Rencontres d’Arles (2004) •Fondation Cartier pour l’art contemporain, París (2005) •The Photographer’s Gallery, Londres (2006) •Museu de Arte Moderna de São Paulo, Brasil (2007) •Brighton Museum & Art Gallery, Brighton Photo Biennial, Brighton (2010) “Halo” Rinko Kawauchi

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“Illuminance” Rinko Kawauchi “Los ojos y los oídos” Rinko Kawauchi

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DAYANITA SINGH

“Dream Villa” Dayanita Singh

“Lo más importante en la fotografía es lo que está en la cabeza y el proceso de pensamiento”

DAYANITA SINGH

Dayanita Singh es una fotógrafa india nacida en Nueva Delhi en 1961, donde vive y trabaja que en sus fotografías retrata su país de origen, no como el escenario exótico que tantas veces ha sido contado en periódicos y catálogos de turismo, sino desde la visión íntima y personal de una artista que al fotografiar a los otros ha ido creando su propio autorretrato.

Dayanita nació en el seno de una familia de clase alta india.

Estudió diseño gráfico en el Instituto Nacional de Diseño de Ahmedabad y después fotoperiodismo y fotografía documental en el Internacional Center of Photography en Nueva York.

Su obra ha sido expuesta en numerosas instituciones, entre las que cabe destacar el Brooklyn Museumy la Asia Society de Nueva York,

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además de en Berlín, Boston o Turín.

En 2008 fue galardonada con el Robert Gardner Fellowship de la Harvard University Art Museums y con el prestigioso Prince Claus Award.

En 2010 expuso en la Fundación Mapfre y en 2013 en el pabellón alemán de la Bienal de Venecia. Es considerada la fotógrafa más famosa de su país.

Su obra, en los inicios totalmente ligada al periodismo, se desplazó hacía un tipo de fotografía más libre y personal, a partir de dos trabajos: el primero, un encargo hecho por el diario británico The Times para retratar un eunuco; y el segundo imágenes que captaron la vida diaria en el interior de un ashram de niñas en la bulliciosa ciudad de Benarés, al que denominó I Am As I Am. Ambas series son de tipo documental, de mutua colaboración entre fotógrafa y modelos, escenas en las que primó el respeto y la honestidad y en las cuales la misma Dayanita afirmó sentir una profunda asociación emocional con los personajes que retrató.

Sus trabajos posteriores se caracterizan por la mirada personal y la inmersión en su propio mundo. Así surgen Ladies of Calcutta y Bombay, fotografías de sus familiares, amigos y conocidos, un retrato de la clase alta de la India. En paralelo surgen las series Go away closer y Sent Fotógrafos del Lejano Oriente

“Libro azul” Dayanita Singh 19

a letter, fotografía a espacios vacíos y evocaciones de viajes que juegan con el silencio y la memoria visual; finalmente sus trabajos más recientes Blue book y Dream Villa, donde explora el color y los entornos urbanos.

Esta artista afirma que “lo más importante en la fotografía es lo que está en la cabeza y el proceso de pensamiento”. Trabaja con rollos de película porque según ella “lo digital le quita el corazón” al tipo de fotografía que busca. Sus imágenes se alejan de estereotipos exóticos, nos muestran los dramas internos sin pose ni manipulación y a su vez, la burguesía hindú.

Es una cronista de su país que con cada imagen parece dejar un fragmento de su propio retrato, de su búsqueda constante por lo humano.

“Tengo claro que lo que me interesa son temas universales como el amor o la pérdida”

DAYANITA SINGH

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“Sin título de Sala de archivo, 2011” Dayanita Singh

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“LADIES OF CALCUTTA” Dayanita Singh

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RAGHU RAI Raghu Rai es un fotógrafo indio nacido en 1942 en la pequeña ciudad de Jhang, Punjab, en la entonces India Británica actualmente Pakistán, especializado en periodismo fotográfico, que forma parte de la agencia Magnum.

Más de cuatro décadas dedicado a retratar los momentos más importantes en la historia del gran país asiático (famosos son sus retratos a la Madre Teresa de Calcuta) y varios libros editados, además de múltiples exposiciones en todo el mundo y premios cosechados.

Nació en Jhang, una pequeña ciudad de la India británica que después de la independencia pasó a pertenecer a Pakistán.

Como su familia era hindú en el momento de la independencia tuvo que realizar su éxodo y se trasladaron a Nueva Delhi.

En 1977 se unió a Magnum Photos, pero nunca ha querido ser socio porque eso le hubiera implicado tener que pasar largas temporadas fuera de su India.

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Entre 1982 y 1992 trabajó como director de fotografía en la publicación India Today.

Su trabajo ha sido publicado en Aránzazu Martínez Corona

numerosas publicaciones entre las que se encuentran Time, Life, GEO, The New York Times, The Sunday Times, Newsweek, The Independent y The New Yorker.

En 1984 realizó un amplio reportaje sobre el desastre de Bhopal para Greenpeace que fue expuesto varias veces y dio lugar a un libro.Ha realizado la mayor parte de sus trabajos sin salir de la India. Tan sólo viajó a México para realizar el trabajo y libro India, México: vientos paralelos con Sebastião Salgado y Graciela Iturbide.

Un fotoperiodista de prestigio a través del que se puede conocer un poco la fascinante India y aunque hoy día es muy reconocido no duda en confesar que llegó a la fotografía de casualidad, gracias a la cámara de su hermano mayor mientras trabajaba como ingeniero civil. Una de sus capturas, un burro, llegó a las páginas del diario ‘The Times’. Así descubrió su pasión y la que sería desde entonces su profesión.

Raghu Rai es un fotógrafo apasionado, sus capturas llenas de energía, documentan el momento. Como él mismo suele definir, quiere que la imagen se explique por sí sola, documentar el momento, el ahora, la gente, las calles, la vida cotidiana de la gente corriente.

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“RAI SHANTINAH JAIN TEMPLE” 1986 Raghu Rai “RAI IMAMBRA LICKNOW 1992” Raghu Rai

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“Untitled (Yakusa)” 1940 Nobuyoshi Araki

“Resurección” Jee Young LEE

“Resure Jee You

ección” ung LEE

“FOATING FOREST ALAM”

SHAHIDUL ALAM Shahidul Alam es un activista, escritor, comisario y fotógrafo bengalí nacido el 2 de junio de 1955 en Dhaka, Bangladesh profundamente influenciado por la desigualdad en su país natal y la guerra de liberación que tuvo lugar, ha utilizado la fotografía para desafiar la opresión y el imperialismo en todas sus formas, por lo que ha sido atacado, arrestado y amenazado de muerte.

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Obtuvo un doctorado en química en la Universidad de Londres, antes de hacer fotografía. Regresó a su ciudad natal Dhaka en 1984, donde fotografió la lucha democrática para eliminar al General Ershad.

Fue nombrado tres veces como presidente de la Sociedad Fotográfica de Bangladesh, Alam considerado “El Padrino de la fotografía en Bangladesh,” fundó la Drik Picture Agency and Chobi Mela, uno de los mejores festivales de foto en Asia.

También fundó Majority World, una iniciativa para proveer plataformas creativas a fotógrafos indígenas.

Su trabajo ha sido expuesto en el MOMA de Nueva York, el Centro Georges Pompidou 27

de París, el Royal Albert Hall de Londres y el Museo de Arte Contemporáneo de Teherán.

Consumado orador ha dado conferencias en la Tate Modern y en la conferencia Tech Pop junto a presidentes y premios Nobel.

Ganador de numerosos premios internacionales, Alam también ha presidido el jurado internacional del World Press Photo. Miembro honorario de la Royal Photographic Society, también es profesor visitante de la Universidad de Sunderland en el Reino Unido.

Su reciente libro My Journey as a Witness ha sido descrito por John Morris, ex editor de fotografía de la revista Life como “el libro más importante jamás escrito por un fotógrafo” .

Fue comisario invitado de la National Art Gallery de Malasia y la Bienal de Bruselas.

Sus numerosos premios fotográficos incluyen los premiso Mother Jones y Andrea Frank.

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DAL LAKE, SRINAGAR INDIA 2008 SHAHIDUL ALAM LAM

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“Tiempo Puente de Brooklyn” 2009 John ClangAM

JOHN CLANG

“Lo mundano y lo cotidiano me atraen. Siempre he profesado una afinidad por temas estrechamente relacionados con mi vida diaria.

A menudo me detengo sobre temas y paisajes urbanos y contemporáneos.

Ya sea en la ciudad o sus habitantes me siento Intrigado por cambios sutiles en mi entorno y encuentro una correspondencia en mis sentimientos y pensamientos.

Así, mis imágenes son una reflexión poética de mí mismo en respuesta a los cambios de matices en mi entorno.”

JOHN CLANG

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John Clang es un artista visual y fotógrafo de Singapur nacido en 1973, vive entre Nueva York y Singapur cuyo trabajo explora lugares comunes, temas mundanos y matices comunes que se relacionan estrechamente a nuestra vida diaria.

Su trabajo revela su fascinación con el tiempo, el espacio y en cómo se relaciona la existencia humana con estas dimensiones.

A los 17 años se matriculó en el Lasalle College of the Arts en Singapur para estudiar Bellas Artes, pero se fue a los seis meses como asistente del fotógrafo artístico Chua Soo Bin, Su primera exposición, con 20 años, fue una en el polémico (y ahora extinto) grupo de

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Singapur 5th Passage Artists y en 2001 tuvo su primera exposición individual en la Diane von Furstenberg Foundationen Nueva York, y posteriormente su trabajo ha sido expuesto en galerías y museos de todo el mundo. National Museum of Singapore y Singapore Art Museum adquirieron su obra como parte de su colección permanente.

En 2013, una exposición de más de 90 de sus obras se exhibió en el National Museum of Singapore junto con más de 40 retratos de familia históricos de la colección del museo.

En 2010, se convirtió en el primer fotógrafo en recibir el Designer of the Year, el más prestigioso galardón de diseño en Singapur. En 2013, una muestra de más de 90 obras suyas se exhibió en el National Museum of Singapore.

Entre una de sus series fotográficas está Being Together es una serie de retratos de familia que utilizan Skype para comunicarse y en la que Clang fusiona la imagen lejana mediante proyectores con la de los modelos reales.

The Land of My Heart (2014) es una serie de trabajos donde se re-apropia del icono de la azafata de Singapore Airlines, para contemplar el vestigio de identidad y recuerdos personales encapsulados en espacios nostálgicos de una patria en rápida evolución.

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RECORDANDO DESCONOCIDOS (DETALLE) 2010 CLANG John ClangAM 31

Familia Lim (LONDRES ANG MO KIO) Serie “Estar Juntos” Hermes x John ClangM

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NOBUYOSHI ARAKI Nobuyoshi Araki es un fotógrafo japonés nacido el 25 de mayo de 1940 en Tokio cuyos aspectos propios son la ruptura con la fotografía tradicional, el uso de erotismo y la elegancia de sus producciones fotográficas.

“Si yo no hiciera fotografía, no tendría absolutamente nada. Mi vida es totalmente sobre la fotografía, y por eso la vida es ella misma fotografía”.

“Todas las mujeres que me rodean, todas las que se ponen frente a mi cámara… son diosas”.

NOBUYOSHI ARAKI

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Araki se mueve por las calles de Tokyo con cámara en mano, retratando sin pensárselo cualquier cosa que le llame la atención. Su barrio favorito para ello ha sido siempre Kabukichō, en cierto modo el “barrio rojo” de Tokyo, lleno de love hotels, burdeles, clubes nocturnos, sex shops y gente interesante.

El inolvidable libro Tokyo Lucky Hole, de 1980, muestra a un Araki juerguista, mujeriego y con una saludable capacidad

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para reírse de sí mismo y hacer lo que se le pase por la cabeza sin preocuparse de parecer respetable. Los paseos de Araki prueban que es un maestro de la poesía urbana. En la serie de fotos Tokyo Nude, de 1989, Araki yuxtapone imágenes de mujeres desnudas con paisajes tokiotas de rascacielos, apartamentos, bosques de cables eléctricos.

El fotógrafo recorre las calles de la ciudad con el mismo ánimo explorador con que repasa las curvas femeninas: la lujuria del urbanita, aunque siempre con un aire vagamente nostálgico.

Sus trabajos siempre le han aportado una gran notoriedad entre el público japonés e internacional, sus fotografías, siempre acompañadas de textos en forma de diario íntimo, fueron precursores e innovadoras con las tendencias artísticas del momento.

Las imágenes tienen una elegancia sobrenatural y un enorme sentido de la estética, captando de forma única la generalmente intensa mirada de las modelos.

Las fotos callejeras de Araki tienen el encanto natural de lo improvisado e imperfecto… es lógico que sea uno de los últimos apóstoles de la fotografía analógica, y ha hablado a menudo de las virtudes que las sorpresas propias del revelado manual añaden a sus fotografías.

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ARAKI X SUPREME

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“Mi esposa Yoko” 1968 Nobuyoshi Araki “Tokyo Cube” 1994 Nobuyoshi Araki

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“Regresaré”

JEE YOUNG LEE Jee Young Lee es una fotógrafa surcoreana que ha saltado a la fama mundial ahora por una serie de fotografías en las que ha recreado mundos ensu pequeño estudio de 360 x 410 x 240 cm.

La señorita Lee desde 2007 a realizando exposiciones; la mayoría de ellas en Corea del Sur, pero poco a poco fue adentrándose en Japón, China o Estados Unidos.

Esta notoriedad ha hecho que en 2014 viera la luz su primera 36

exposición en Europa. La autora a fabricando ella misma todo lo necesario que se ve en la fotografía, para no tener que recurrir al uso del photoshop.

Se graduó en diseño visual, y se dió cuenta que le llamaba más la atención fabricar todo con sus propias manos, todas las fotografías tienen un significado y que sean autorretratos tampoco es una casualidad. Son sentimientos propios que quiere reflejar, en otros, se ha inspirado en historias y leyendas, e incluso, pinturas.

En su afán por exteriorizar sus sueños y representar cuentos tradicionales de Corea.

Invita al espectador a formar parte de su mundo, evitando el contacto directo hacia la cámara, cruzando en ocasiones la frontera del vouyerismo, dentro de sus series, Stage of Mind fue expuesta en Francia.

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“LOVESEEK” 2014

Lee sustituyó las horas frente al ordenador, por horas extras en la construcción para cada una de las instalaciones, desde colgar los pétalos para su fotografía LoveSeek, hasta el esténcil para crear patrones en el piso de la pieza Last Supper.

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MARK NICDAO

“Paul y Toni” Compromiso

“SOLENN HEUSSAF” con SAMSUNG GALAXY S7

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Mark Nicdao es un fotógrafo con base en Manila. Con su diverso modo de trabajo él a construido una doble reputación con sus grandes logros tanto local como internacionalmente, teniendo campañas de publicidad y de portadas de revista en Estados Unidos y en la región de Asia.

Grandes nombres han sido objeto de las fotografías de Mark, incluido en su “A-list” está Adam Levine, Kylie Jenner y hasta el cast del drama musical de TV Glee entre otros; sin embargo la fotografía de la famosa pareja Dingdong Dantes y Marian Riviera es una de sus sesiones de fotos favoritas.

Mark tuvo la oportunidad de trabajar detrás de cámaras para la pareja DongYan en el árido desierto de UAE; además de eso a trabajado para revistas como L’ officiel, Bazzar, Lifestyle Asia siendo codiciado para trabajar para estas grandes revistas que pelean por su gran trabajo.

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LUO YANG Luo Yang es una fotógrafa china, trabaja estrictamente con procesos analógicos y raramente altera sus fotos.

“TAIMEI” 2015 SERIE GIRLS

“Fotografiar a las chicas a mi alrededor en un intento en el que, a través de la lente de la cámara, captar un sentido comprensión de sus vidas”

LUO YANG

El trabajo de Luo Yang es una exploración de la juventud: la nostalgia, la incertidumbre, la torpeza de extremidades desgarbadas y, por supuesto, un sentido infinitamente envidiable de lo cool.

En sus exposiciones nos encontramos retratos meticulosamente orquestados, poses relajadas y disparos espontáneos. El mundo de estas chicas está sujeto al peso de la edad y las condiciones sociales; la sociedad circundante las condiciona.

Todo sucede de manera vertiginosa, todo cambia en un abrir y cerrar de ojos, las jóvenes retratadas en esta serie representan una mirada poco conocida de la feminidad

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JING TIAN x MARIE CLARE

‘Girls’ muestra mujeres que al mismo tiempo son débiles y frágiles, pero también persistentes y decisivas.

LUO YANG ZHONG CHUXI LUO x VOGUE

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asiática, desafían todos los estereotipos que el mundo ha supuesto sobre ellas.

Incluso, es un acercamiento que en Occidente nos parece bastante extraño. Esta serie es una especie de reconocimiento a través de otras.

Verse mediante una pupila extraña pero próxima, con la que se comparte no sólo el mismo género si no la misma susceptibilidad emocional, la fuerza y la fragilidad necesaria para transmutar tantas veces como sea posible.

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BULKHOMME x YAMASHITA

YUMA YAMASHITA Yuma Yamashita es un fotógraf0/Instagrammer que tiene base en Tokio y trabaja en todo el mundo. Él ha estado trabajando como un fotógrafo freelance desde que Instagram lo comenzó a inspirar. Él juega un importante rol entre los Instagrammers alrededor del mundo.

Desde SNS él ha estado representado a Tokio y conectando a los Instagrammers del mundo a los artistas de todo Tokio.

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Él creó Inspiration Cult Magazine que es un nuevo estilo de publicación que promueve una colaboración entre marcas y fotógrafos para producir un contenido creativo y fresco.En sus fotografías capta los horizontes metropolitanos y su arquitectura.

Espacios públicos de ciudades llenos de musas de hormigón, acero y vidrio, vemos cómo logra un difícil equilibrio entre postales cosmopolitas desde las alturas de su ciudad natal, retratos de street fashion y la tradición que forma parte integral de la cultura japonesa, sin dejar de lado su propia visión, que une estos tres estilos en su estética personal.

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“MAGIC” YAMASHITA

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Sentada en el muro Shenzhen 1, 2002

WENG FEN Nacido en la provincia de Hainan en 1961, este artista es probablemente uno de los fotógrafos conceptuales más interesantes en la actualidad.

A través de series como “Girls in hood”, “On the Wall” y “Birds eye view”, Weng Fen expone la transformación de un país ligado tanto a un pasado milenario como a uno de los centros industriales más importantes del mundo.

Tanto por su belleza estética como por su riqueza simbólica, Fotógrafos del Lejano Oriente

Sitting on the Wall, Haikou 2, 2002-2003

“On the wall” es uno de los trabajos más representativos del fotógrafo, las imágenes de esta serie se perciben como alegorías de la modernización de una ciudad: una joven estudiante s entada sobre una barda contempla la transformación del entorno.

En sus fotografías Actualmente Weng Feng trabaja en su proyecto “Landscape of Conflict”, que muestra zonas fronterizas envueltas en conflictos como Jerusalén y Palestina, Corea del Norte y Corea del Sur, entre otros.

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“Vista de Ave” Shanghai 2005

“Bird’s Eye View” Beijing 1, 2004

“Estas jóvenes son los espejos de nosotros.

Las ciudades lejanas son los subproductos del sueño de la modernización; a los ojos de las personas éstas representan la civilización y el progreso. Al observar con calma este “hiperprogreso” puedo entender que los deseos de los hombres son la base de los problemas sociales. Las niñas encarnan estos deseos, estas necesidades. A través de ellos estamos al mismo tiempo emocionados, desconcertados, esperando…”

WENG FEN

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BIBLIOGRAFÍA Luis Martínez Aniesa. (2011). Cada día un fotógrafo. 12 junio 2018, de AM Editores Sitio web: http://www.cadadiaunfotografo.com/

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Este libro se terminó de imprimir en el mes de junio del 2018,en la Universidad del Valle de México Campus Querétaro; Naranjos Punta Juriquilla 1000, Santa Rosa Jáuregui, 76230 Santiago de Querétaro, Qro.