Diseño Gráfico en Estados Unidos by Editorial667AN

Gina Carolina Beltrán Ramos - Raúl Fernando Ramos Calderón

DISEÑO GRÁFICO EN ESTADOS UNIDOS

DISEÑO GRÁFICO EN ESTADOS UNIDOS Gina Carolina Beltrán Ramos Raúl Fernando Ramos Calderón

Raul Fernando Ramos Calderón Gina Carolina Beltran Ramos © De esta edición: Editorial Corporación Universitaria Unitec Calle 73 N° 20 A 52. Bogotá DC ISBN: 987-76-4567-4 Primera Edición: Mayo 2020 Miembro de la cámara Industria Editorial Colombiana. Reg. Núm.545 Impreso y hecho en Colombia

A Mariela Ramos A Doris Calderรณn

El arte es una idea que ha encontrado su expresión perfecta visual. Y el diseño es el vehículo por el cual esta expresión ha sido posible. El arte es un sustantivo, y el diseño es un sustantivo y también un verbo. El arte es un producto y el diseño es un proceso. El diseño es la base de todas las artes. -Paul Rand

INTRODUCCIÓN

La comunicación gráfica nos ha acompañado durante toda nuestra historia: pinturas rupestres, símbolos, escritura, historia del arte… pero, aunque todo esto esté relacionado y haya contribuido a la historia del diseño gráfico , es muy difícil elegir una fecha en la que el diseño aparece tal y como lo concebimos ahora. Para no retroceder demasiado en la historia, hemos decidido comenzar la historia del diseño gráfico desde finales del siglo XIX, un buen punto de partida para poder comprender los acontecimientos, principales corrientes y algunos artistas que han ayudado al diseño gráfico a ser lo que es en la actualidad. A finales del siglo XIX la cultura occidental se enfrenta a profundos cambios a consecuencia de la revolución industrial y el desarrollo tecnológico. Las ciudades crecen convirtiéndose en urbes y los avances en la comunicación y el transporte hacen que fluyan más las ideas. La producción en masa de las industrias hace que el producto artesano pierda valor, pero en el Reino Unido llega la intención de devolver el valor al mismo por parte de William Morris y el movimiento Arts and Crafts, pero el alto coste de producción reveló la incapacidad de luchar contra los productos industriales. Aún así su influencia fue importante en todos los ámbitos del diseño. Esta tendencia pasa al resto de Europa y posteriormente al continente americano, una tendencia alejada de cualquier tipo de compromiso social es el deseo de poseer un estilo propio que represente a los nuevos tiempos y es así como nace el modernismo. El modernismo, un movimiento artístico que se desarrolló a finales del siglo XIX y principios del XX, periodo también conocido como la Belle Epoque. La Belle Epoque duró aproximadamente desde 1870 hasta el inicio de la Primera Guerra Mundial. El modernismo también se conoce como Art Nouveau, Judgenstll o Secession en función de su ubicación. Intenta fusionar arte y vida, influido por la filosofía de John Ruskin y William Morris, rompiendo con anteriores movimientos como el historicismo, el realismo o el impresionismo. Utiliza elementos de la naturaleza para dar movimiento a sus obras, El principio del siglo XX estuvo marcado por la Primera Guerra Mundial que comienza en 1914 con el asesinato del príncipe austriaco en Sarajevo que provocó la guerra entre Serbia y Austria-Hungría y en la que ambos bandos fueron apoyados por las grandes potencias mundiales, entre estas, Estados Unidos.

CONTENIDO

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HISTORIA DEL DISEÑO EN ESTADOS UNIDOS Evolucion del diseño en Estados Unidos

EL DISEÑO EN ÉPOCAS DE GUERRA El diseño y la comunicación visual en épocas de guerra

EL DISEÑO Y EL NASCIMIENTO DE LA ERA DIGITAL El nacimiento de la era digital y el diseño en la actualidad

Capitulo 1

HISTORIA DEL DISEÃ&#x2018;O EN ESTADOS UNIDOS

Foto: Los Shaker

Fuente: tiovivocreativo.com

Los orígenes del diseño en Estados Unidos se remontan según ellos mismos, desde la mitad del Siglo. XVIII, cuando los Shaker (comunidad religiosa de origen inglés y francés) comenzaron a elaborar artesanalmente y medios reducidos, objetos de uso para cubrir sus propias necesidades. La sencillez y funcionalidad de sus muebles y utensilios se basaba en unos principios éticos “espirituales”.

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l contrario de la tendencia progresista europea de considerar a la generación y diseño de productos bajo aspectos funcionales primarios, en este país se descubre, en una época temprana, el aspecto de venta promocionada por un diseño servicial. El nexo entre la forma del utensilio y la forma de vida continuaba intacto, al contrario de lo que sucedía con el funcionalismo acuñado por la Bauhaus que degenero rápidamente en un estilo de vida artificial. En la segunda mitad del Siglo XIX, se experimentó en los Estados Unidos una fase muy productiva gracias a la inventiva de los ingenieros que fue calificada por Sigfried Giedion de “movimiento de muebles patentados”. De este modo los asientos se pudieron adaptar a todas las posiciones del cuerpo, es decir con

Sus interiores partían de la misma base que su mobiliario. Eran ligeros, sencillos y limpios. Se buscaban espacios polivalentes y diáfanos. Uno de sus aspectos más llamativos era la colocación de un tablón de madera, una especie de riel, en la parte media de las paredes con colgadores para allí situar sus vestimentas, herramientas y sillas.

ello se sentaron las bases de las investigaciones de tipo ergonómico. Elementos como sillas, camas, armarios transformables, fácilmente transportables que ocuparan poco espacio, fundan una tradición de producción funcional y democrática en Estados unidos. Que solo se disolvió a principios del Siglo XX a causa de la creciente diferenciación de la sociedad en sistema de clases. La producción en masa en el Siglo XX se llevó a gran escala en Norteamérica gracias a la automatización y mecanización. Al contrario de la tendencia progresista europea de considerar a la generación y diseño de productos bajo aspectos funcionales primarios, en este país se descubre, en una época temprana, el aspecto de venta promocionada por un diseño servicial.

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1.1 EL DISEÑO EN EL SECTOR AUTOMOTRIZ En Estados Unidos Henry Ford impuso la racionalización en los procesos con la fabricación del carro Ford T, modelo único por años, que fue punta de lanza de la tendencia bautizada como “fordismo”, caracterizada por la durabilidad y la eficiencia del producto. Ford tuvo mucho éxito debido a la producción en serie de sus vehículos cuya forma no variaba, su política empresarial era la normalización y racionalización.

Para competir con Ford, General Motors adopto una nueva estrategia, aumentar el precio de sus vehículos y diferenciar las características formales de los nuevos modelos dando origen al styling. Años más tarde, surge el estilismo o formalismo (styling), el cual desarrolla un concepto de visión capitalista propio del sistema del “American way of life”, al crear productos atractivos superficialmente. El principal exponente de esta tendencia fue la General Motors, cuyo presidente, Alfred Sloam, optó por oponerse a la filosofía fordista que pregonaba “pequeñas ganancias, grandes ventas”, aumentando los precios de los vehículos a medida que iba apareciendo un nuevo modelo cada año, con lo que se estimulaba el apetito del consumidor por medio de la imposición de modas promovidas por la publicidad. Cabe destacar que esta es la tendencia que aún predomina en la actualidad en el sector automotriz.

HENRY FORD

Foto: Henry Ford en su primer automóvil. Fuente: wikipedia.org

“La cadena de montaje de la fábrica Ford en Detroi El Ford “T” (1908), emblema de la segunda revolución industrial El éxito de General Motors fue que trabajó en la forma exterior del producto logrando atraer al comprador gracias al atractivo de la apariencia formal, dando como resultado que a mediados de los años treinta gran parte del mercado estadounidense ahora le perteneciera a General Motors”. 19

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1.2 LAS INFLUENCIAS DEL ART DECO Y LA APARICIÓN DEL STREAMLINE Paralelo al Art Deco europeo y antes de su llegada al continente Americano, se desarrolló en los años 30 la Streamline Decade, la era de los productos de formas aerodinámicas, desde las carrocerías de los automóviles, los aparatos de radio, electrodomésticos y muebles de oficina, hasta el interiorismo en toda su extensión.

zas subliminales del usuario en los objetos para estimular su compra. Independientemente de las soluciones de tipo técnico, los diseñadores se dedicaron en exclusiva al diseño del volumen. Raymond Loewy, francés emigra a Norteamérica en 1919, desempeño un papel determinante en este campo.

Las líneas aerodinámicas nacidas en la naturaleza (la gota como forma ideal), se convirtieron en símbolo de modernidad y progreso y de un futuro mejor.

Consiguió en poco tiempo hacer del diseño un medio de promoción de venta.

Los diseñadores creyeron que su tarea era hacer los productos irresistibles, es decir, intentaron proyectar los deseos y esperan-

Su ascenso vertiginoso comenzó con un rediseño de una multicopista de la empresa Geststner. “Lo feo se vende mal”, se convirtió en la idea principal de una generación de diseñadores.

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l establecimiento del diseño como medida de Styling, por tanto de variación superficial y formal de un producto, proviene de esta ideolo-

La importación de capital y de métodos de racionalización de los Estados unidos, impuso en Europa el predominio de las líneas aerodinámicas como lenguaje de estilo en los 30 y 40. La dinámica de aquel tiempo encontró su expresión en la velocidad. El automóvil se convirtió en el objeto de culto por excelencia en la encarnación del “American way of life” La identificación clara e incondicional del diseño americano con el styling termino con un serio conflicto a finales de los 60. Al tiempo que se desarrollaban movimientos de carácter crítico y social, cuya influencia en la música, pintura, arquitectura fue visible, en el diseño comenzaron a esbozarse nuevas tendencias.

gía.

La obra global de Reymond Loewy documenta de forma ejemplar como una disciplina puede someterse completamente al servicio de intereses empresariales. Norman Bel Geddes, Henry Dreyfuss y Walter Dorwin Teague, fueron los principales representantes de la Streamline Decade. Cimentaron su éxito profesional durante décadas con sus entonces revolucionarios proyectos de transatlánticos, automóviles, autobuses, locomotoras, objetos de interior, etc.

1.3 EL STREAMLINE COMO TENDENCIA DE DISEÃ&#x2018;O EN LOS ESTADOS UNIDOS

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l streamline moderne, también llamado simplemente Streamline (en español llamado “estilo aerodinámico”) fue una rama del estilo Art Decó tardío que tuvo su apogeo en el año 1937. El estilo se caracterizaba por el uso de formas curvas, líneas horizontales largas y a veces elementos náuticos, como barandas y ventanas de portillo. El streamline surge en el contexto histórico de la crisis que se produjo en los Estados Unidos debido a la depresión de finales de la década de 1920 y comienzos de 1930. Con el objetivo de captar interés en los consumidores y compradores, se apeló a un cambio formal del estilo predominante en el área de la arquitectura y el diseño.

incrementar excesivamente la potencia de los motores. Las soluciones son extremadamente elegantes y hermosas. A diferencia de los autos americanos de los 60 y 70, que conquistan la velocidad en base a pura fuerza, estos diseños parecen ser tan ligeros que con solo verlos se tiene una sensación de rapidez y serenidad. El concepto de gota de agua imperante en la época, como epítome de aerodinamismo, es llevado al extremo por creadores como Delage, Talbot, Cord.. (Escuela de diseño industrial UBB, 2010). Hay que señalar sin embargo que la practica del diseño se difundió de otro modo en los Estados Unidos.

La aerodinámica se aplicó en los más diversos ámbitos del diseño y la arquitectura, desde casas, hoteles, autos y hasta en objetos que no tenían requerimientos diseño aerodinámico como sacapuntas de lápices, e incluso en la publicidad El interés por la aerodinámica fue una constante en el diseño automotriz del primer tercio del siglo XX ya que un diseño adecuado, permitía mayores velocidades sin necesidad de

En Europa, los diseñadores son básicamente arquitectos que han realizado trabajos en el campo de la arquitectura y las artes aplicadas (sobre todo en el mobiliario). Basándose en teorías radicales, no han trabajado tanto para la industria, como realizado obras experimentales. No pasa lo mismo en Estados Unidos, donde comienzan a aparecer diseñadores consultores de las grandes empresas y almacenes. El encumbramiento de estos diseñadores pioneros, salidos del teatro, de la ilustración y de la publicidad, coincide con el Boom de esta misma en Estados Unidos en la década de 1920.

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1.4 ART DECO

ste movimiento tiene una gran relevancia en cuanto al entrono social y político de los Estado Unidos. Este movimiento inicia en Paris en el año 1920, este es un estilo decorativo internacional, contiene una estética maximalista tomando atributos formales del Art Nouveau, en él se ven reflejados la actitud naturalista, fuentes eclécticas (arte egipcio, arte tribal, surrealismo, Futurismo, constructivismo, neoclasicismo, abstracción geométrica, cultura popular y movimiento moderno).

Se utilizaban materiales exóticos como pieles, nácar, baquelita, maderas lujosas, etc. Para este movimiento se visualiza una Baja compatibilidad industrial. Termina con la II Guerra Mundial. Después de la Exposición Universal de 1900 de París, varios artistas franceses (como Hector Guimard, Eugène Grasset, Raoul Lachenal, Paul Follot, Maurice Dufrene, y Emile Decour) formaron un colectivo formal dedicado a las artes decorativas de vanguardia.

En 1925 organizan la ‘Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes’ en París, estos artistas se llamaron a sí mismos los modernos; en realidad, el término Art Decó fue acuñado en la retrospectiva titulada “Les Annés 25” llevada a cabo en París en el Musée des Arts Décoratifs del 3 de marzo al 16 de mayo de 1966, en francés el término se escribe Art Déco y en inglés Deco.

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El Art decó fue un movimiento de diseño popular a partir de 1920 hasta 1939 (cuya influencia se extiende hasta la década de 1950 en algunos países), afectando a las artes decorativas tales como arquitectura, diseño interior, y diseño gráfico e industrial, también a las artes visuales tales como la moda, pintura, grabado, escultura, y cinematografía.

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l Art Deco es, en un sentido, una amalgama de muchos estilos y movimientos diversos del temprano siglo XX, y a diferencia del Art Nouveau se inspira en las Primeras Vanguardias. Las influencias provienen del Constructivismo, Cubismo, Futurismo, del propio Art Nouveau del que evoluciona, y también del estilo racionalista de la escuela Bauhaus. Los progresivos descubrimientos arqueológicos en el Antiguo Egipto marcaron asimismo su impronta en ciertas líneas duras y la solidez de las formas del Art Decó, afín, a la monumentalidad y elementos de fuerte presencia en sus composiciones. Como estilo de la edad de la máquina utilizó las innovaciones de los tiempos para sus formas: las líneas aerodinámicas producto de la aviación moderna, iluminación eléctrica, la radio, el revestimiento marino y los rascacielos.

El color se nutre de las experiencias del Fauvismo. Trapezoides, facetamientos, zigzags; y una importante geometrización de las formas son comunes al Decó. Correspondiendo a sus influencias maquinistas, el Decó se caracteriza también por los materiales que prefiere y usa, tales como aluminio, acero inoxidable, laca, madera embutida, piel de tiburón (shagreen), y piel de cebra. El uso de tipografía en negrilla, sans-serif o palo seco, el facetado y la línea recta o quebrada o greca (opuesto a las curvas sinuosas y naturalistas del Art Nouveau), los patrones del galón (chevrón), y el adorno en forma de sunburst son típicos del Art Decó. Ciertos patrones de ornamento se han visto en aplicaciones bien disímiles desde diseño de zapatos para señoras, a parrillas de radiadores, diseño de interiores para teatros, y rascacielos como el Chrysler Building.

Estas influencias del diseño fueron expresadas en formas fraccionadas, cristalinas, con presencia de bloques cubistas o rectángulos y el uso de la simetría.

Chrysler Building

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1.4.1 SOCIOLOGÍA El Art Decó era un estilo opulento, y su exageración se atribuye a una reacción contra la austeridad forzada producto de la Primera Guerra Mundial. En simultáneo a una creciente depresión económica y al fantasma del acercamiento de la Segunda Guerra había un deseo intenso por el escapismo.

El Decó alcanzó su apogeo en los años 1920. Aunque muchos movimientos del diseño tienen raíces o intenciones políticas o filosóficas, el Art Decó era casi puramente decorativo, por lo que se lo considera un estilo burgués. A pesar del eclecticismo de sus influencias formales y estilísticas, el Decó es sólido y posee una clara identidad propia.

La gente gozó de los placeres de la vida y del Art Decó durante la ‘edad del jazz’. En la década de los años 30 la magia de Hollywood se hizo patente en el cine musical, Top Hat, (1935). “Sombrero de copa”, es un ejemplo representativo de este género. Una trama trivial, romanticismo, ambiente elegante y mundano, sofisticados decorados Art Deco pensada para hacer que el público se olvidara de sus problemas y gozara de un mundo de lujo y sueños.

No se trata de un historicismo ni de un anacronismo; es fiel a su época y deja entrever la noción futurista de la Revolución Industrial. Su significación gira en torno al progreso, el ordenamiento, la ciudad y lo urbano, la maquinaria. Elegante, funcional, y modernista, el Art Decó fue un avance frente al Art Noveau, esta vez, exitoso en generar un nuevo repertorio de formas acordes a la problemática e imaginería de su tiempo.

1.4.2 DECADENCIA El movimiento pierde patrocinio en las metrópolis europeas y americanas mucho después de haber alcanzado una introducción masiva; al punto de ser empleado para representar falsas pretensiones de lujo. Finalmente, el estilo cae en decadencia dada las austeridades impuestas por la Segunda Guerra Mundial.

Estados unidos también fue el creador del deco tropical basado en colores pasteles, que aún subsiste en South Beach en Miami y su antigua dependencia, La Habana. Cuba.

En países coloniales o periféricos tales como India, Nueva Zelanda, Cuba, Colombia, Argentina, México y las Filipinas, se convirtió en una puerta de entrada al Modernismo y continuó siendo utilizado bien hasta los años 1950. En América Latina se pueden encontrar durante este periodo varios exponentes del art decó.

Foto: Edificio Crysler, Nueva York 1930. Fuente: designhistoryeasd.blogspot.com

1.4.3 PRIMERA ETAPA DEL ART DECO

Dentro del Art Déco hay dos períodos que corresponden a dos líneas estéticas del estilo: el Zigzag y el Stream Line. El primero va de 1920 a 1929, se dio mayormente en Europa y fue el que se basó más en las referencias de las culturas pasadas que se pusieron de moda por descubrimientos arqueológicos, Egipto,

Mesopotamia, Mesoamérica, la cultura Inca, o que se rescataron del olvido y del desinterés occidental, tal como sucedió con las piezas africanas y algunas mismas culturas europeas antiguas, o bien las extrañas y lejanas sociedades orientales. Resalta en su decoración los triángulos encadenados y superpuestos y líneas

y composiciones geométricas en movimiento. En el Art Deco el uso de nuevos materiales es de gran importancia, generalmente se usaban maderas exóticas, pieles naturales, nácar, porcelana, cerámica, cristal y metales; pero ahí un material en especial que fue el más utilizado y que generó una revolución por su practicidad y presentación: la baquelita.

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1.4.4 SEGUNDA ETAPA DEL ART DECO

Art Nouveau y sus diferentes acepciones. En la década de los ’30, predominaba en Estados Unidos formas y diseños estilizados paralelamente con el estilo Art Déco, los que se propagaron a gran parte del mundo. Las tendencias en los países escandinavos lograron desvincularse de los postulados característicos del diseño estadounidense. A partir de esto surgió durante la década de los ’40 y ’50, el apogeo de un estilo bastante distinto: Swedish Modern.

El segundo tuvo su auge de 1930 a 1939, se desarrolló más en Estados Unidos y representa la era de la recuperación económica después del “crack” bursátil del 29. Hombres fuertes y desnudos quienes controlan máquinas de diversa índole y vislumbran un futuro prometedor tecnológico adornan paneles y los principales motivos decorativos son las líneas curvas aerodinámicas, de aquí su nombre, líneas horizontales aplicadas o también abstracciones de la velocidad.

Específicamente en Suecia el diseño tuvo una extraordinaria proyección internacional y es uno de los hechos más notorios de la historia del arte contemporáneo. El diseño en este país se ha destacado a nivel mundial por su avance, investigación y aplicación en el área de ergonomía y factores humanos, sus objetos son disputados por los mejores museos del mundo y ya integran todas las celebres colecciones dedicadas al diseño de este siglo.

El Art Déco es un conjunto de diversas manifestaciones artísticas que convergieron entre las décadas de los años veinte y treinta en Europa y Estados Unidos, principalmente, así como en otros países, exaltando el gusto por la decoración, a través de diseños, en muchas ocasiones exóticos, que subliman lo geométrico, lo cúbico y lo aerodinámico, en contraposición de la delicadeza curvilínea y serpenteante de

Foto: Art Deco y el Streamline Moderne. Auto. Fuente: www.iconroad.es

Foto: Lester Beall (1901-1969) Fuente: www.behance.net

Lester Beall (1901-1969) nació en Kansas City (Missouri), en la frontera entre la América cosmopolita y la profunda. Estudió en el instituto Lane Technological y después ingresó en la Universidad de Chicago para estudiar Bellas Artes. Lester Beall comenzó a dedicarse muy pronto al

diseño: desde 1927 trabajó en diferentes estudios de Chicago, hasta que en 1935 decidió trasladarse a Nueva York, en busca de nuevas oportunidades. En Nueva York el impacto de las vanguardias era mucho más directo que en en el resto de Estados Unidos porque esa ciudad era el principal puerto de llegada de viajeros.

El público neoyorquino fue enseguida receptivo al lenguaje que planteaba Beall en sus trabajos, ya que de alguna manera lograba plazmar las influencias del art deco dentro de sus trabajos, por lo cual el diseñador comenzó una carrera fulgurante: portadas y diseños para Time, Collier’s, carteles, catálogos… Se convirtió en el hombre de moda.

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Foto: Running water by Lester Beall

Foto: Wash Day by Lester Beall

Foto: Farm Work by Lester Beall

Foto: Heat Cold by Lester Beall

Fuente: moma.org

Fuente: ngv.vic.gov.au

Fuente: rit.edu

Fuente: tonyscanlonposters.com

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1.4 AÑOS 50 A mediados de siglo fue Nueva York quien se convirtió en el centro cultural del mundo y el diseño gráfico jugó un papel muy importante en ello. Esta época del diseño gráfico estadounidense iniciada con fuerte raíces europeas durante los años 40 ganó reconocimiento internacional por sus originales puntos de vista en los años 50 y continuando hasta hoy.

Foto: Libro (Mid-Century Modern Graphic Design) Fuente: graffica.info

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Paul Rand Padre del diseño moderno americano. Rand demostró que incluso el más simple de los objetos lleva varias capas de significado. Tenía un talento especial en la creación de símbolos gráficos originales, dueños de un encanto e ingenuidad que comunican efectivamente con el público.

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Saul Bass Muy conocido por sus créditos de cine y algunas de los logotipos más importantes de Estados Unidos. Característico de su trabajo fue la simplificación de la forma hasta conseguir un poderoso símbolo gráfico que domina la composición. Su lenguaje gráfico, si bien minimalista, posee una gran cualidad plástica, lograda con el uso del papel cortado a mano, pinceladas descuidadas o escritura manual.

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Alex Steinweiss Fue el primer diseñador en crear una portada para un disco, en 1939, contratado para ello por Columbia Records. Desde entonces y hasta su jubilación, diseñó otras 2.500 cubiertas y abrió el camino a una práctica comercial que revolucionaría toda una industria. Falleció el 17 de julio en su casa de Sarasota, en Florida, a los 94 años de edad, según confirmó su hijo.

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Alvin Lustig Fue un diseñador de libros, diseñador gráfico y tipografía de América. Diseñó más de setenta sobrecubiertas para la serie literaria Nuevos Clásicos desde 1945 hasta su muerte en 1955. Sus diseños abstractos incorporado una moderna sensibilidad de diseño con un enfoque innovador a la tipografía y el diseño de la chaqueta de polvo convencional se convirtió en un sello distintivo de las nuevas publicaciones direcciones. Además de sus muchas contribuciones a diseño gráfico, Lustig era un interior y arquitectónico diseñador consumado. En 1949, diseñó lo que se conoce como el “Presidente Lustig” para Paramount Muebles en Beverly Hills, CA. Su diseño original sigue inspirando a los interiores modernos y repeticiones de la silla son todavía en producción.

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Elaine Lustig Cohen Es reconocida por sus diseños desarrollados en las décadas de los años 50s y 60s donde integraba la vanguardia europea y las influencias modernistas, con el tiempo fue recogiendo galardones y elogios por su trabajo como diseñadora, pero sin dejar de lado su pasión por la pintura y el collage. Elaine Cohen fue una diseñadora multifacética, prestando especial atención a las portadas de libros que diseñó para Meridian Books y New Directions. En 1948 conoció al diseñador gráfico Alvin Lustig, quien se convertiría en su marido, en 1950. Alvin murió en 1957, Elaine entonces se hizo cargo del estudio de su marido en Manhatan y comenzóa trabajar como diseñadora gráfica integrando la estética del modernismo europeo con un lenguaje visual claramente norteamericano trabajando para editoriales, diversas.

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James (Jim) Flora Es mejor conocido por sus versiones de jazz salvaje y álbum clásico para Columbia Records (finales de los años 1940) y RCA Victor (1950). Fue autor e ilustró 17 libros populares para niños y floreció durante décadas como ilustrador de revistas ocupado. Sin embargo, pocos se dan cuenta de que Flora (1914-1998) también fue una artista prolífica con un sentido del humor diabólico y un talento para yuxtaponer el juego, el absurdo y la violencia.

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Reid Miles Miles “definió el estilo musical de la música del jazz” (Rivers 2003: 10). Aunque el sello también utilizó a otros diseñadores como John Hermansader, Andy Warhol o Paul Bacon, fueron los diseños de Miles los que produjeron “un canon de trabajo tan estilizado individualmente que una portada de Reid Miles era tan reconocible como el timbre de la trompeta de Miles Davis o el fraseo quejoso de Billie Holiday” (Cromey 1997: 7).

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1.5 SWEDISH MODERN Y EL DISEÑO NORDICO En la década de los ’30, predominaba en Estados Unidos formas y diseños estilizados paralelamente con el estilo Art Déco, los que se propagaron a gran parte del mundo. Las tendencias en los países escandinavos lograron desvincularse de los postulados característicos del diseño estadounidense; a partir de esto surgió durante la década de los ’40 y ’50, el apogeo de un estilo bastante distinto: Swedish Modern, una tendencia basada en el diseño suizo y a lo que se llegaría a conocer como estilo internacional Por su parte Alvar Aalto Nacido en Kuortane, Finlandia fue un arquitecto y diseñador, pionero del movimiento modernista en los países del norte europeo. Su trabajo impulsa la evolución de formas y materiales utilizados en la creación de muebles desde un estilo clásico de los países bajos hasta un post modernismo puro e inédito.

Para ello investiga y desarrolla por sí mismo el uso de madera de abedul contrachapada en la fabricación de mobiliario y, para 1932, ya domina la técnica para curvar este material. La filosofía de Aalto lo mantiene apegado a los materiales naturales y alejados de la producción en masa. Inventa la forma para unir los componentes del bastidor sin utilizar elementos metálicos, como pernos y tuercas. A mediados del siglo 20, ingleses y americanos acogen de buena forma las ideas del maestro finlandés, que, a diferencia de otros modernistas de su época, no agrega decoración excesiva a sus muebles, sino más bien, tiende a ser minimalista.

Foto: Butaca 41- Alvar Aalto Fuente: www.classicdesign.it

Alvar Aalto â&#x20AC;&#x153;La arquitectura moderna no significa el uso de nuevos materiales, si no utilizar los materiales existentes en una forma mas humana.â&#x20AC;? -Alvar Aalto

Eero Saarinen

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Otro de los exponentes importantes del swedish modern fue Eero Saarinen. Nació en Kirkkonummi, Finlandia. Su madre Loja era escultora y su padre el destacado arquitecto Eliel Saarinen. Emigró a los Estados Unidos en 1923. Eero Saarinen trabajó con su colega y amigo, el famoso diseñador Charles Eames. Juntos desarrollaron un estilo de muebles que fue galardonado, en 1940, por el Museo de Arte Moderno. Posteriormente y en forma independiente Saarinen plasmó su estilo en muchas piezas de mueblería por encargo de grandes fabricantes. También dedicó parte de su obra al diseño

arquitectónico. En 2008 se cumplieron los primeros 50 años de uno de los diseños más reconocidos del siglo XX: La Silla Tulip. La propuesta fue creada por el diseñador estadounidense Eero Saarinen, de origen finlandés y con una fuerte impronta europea, que adquirió en una de sus largas estadías en el viejo continente. De vuelta en EEUU cultivó una fuerte amistad con los hermanos Eames y Florence Knoll (creadora de la marca de diseño homónima). Luego de varios trabajos destacados como arquitecto, en 1957 Saarinen le presentó, a través de la firma de su amiga Florence, la línea Tulip. Desarrollada con una economía de espacio, la línea se destaca por desprenderse de la idea de patas (tanto las diversas sillas como las mesas tienen un sólo pedestal). El color y los materiales también marcan un ascetismo y una economía de diseño, que logra una unidad de estilo entre todas sus piezas.

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nal y es uno de los hechos más notorios de la historia del arte contemporáneo.

l detalle de personalización de cada pieza lo aporta el tapizado, que tiene todas las variantes que las telas y el cuero le pueden aportar.

El diseño en este país se ha destacado a nivel mundial por su avance, investigación y aplicación en el área de ergonomía y factores humanos, sus objetos son disputados por los mejores museos del mundo y ya integran todas las célebres colecciones dedicadas al diseño de este siglo.

La línea Tulip (compuesta por sillas con apoyabrazos, sillas sin apoyabrazos, banquetas y mesas de diversos tamaños).Verner Panton (1926-1998) Nació en la isla de Fÿnen, Dinamarca; estudió en la Academia de Arquitectura Real en Copenhagen.

El diseño sueco nace a partir de la escasez de recursos, que trae como consecuencia el desarrollo del instinto creativo, aprendiendo a economizar los recursos naturales al máximo, imprimiendo en sus obras la esencia de la naturaleza, dándole una sensación orgánica y flexible, influenciada por las tradiciones escandinavas y buscando que sus diseños sean principalmente a escala humana.

En 1955 abrió su propia empresa de arquitectura y diseño. Fabricó la primera silla de una sola pieza, por medio de la inyección de plástico. La decoración de interiores y la iluminación también fueron géneros artísticos que alcanzaron gran altura con este artista pop. Específicamente en Suecia el diseño tuvo una extraordinaria proyección internacio-

El éxito del diseño moderno El éxito del diseño sueco se debe en gran parte a la capacidad de los diseñadores de unificar lo industrial, lo útil, lo artesanal y lo artístico combinando sensibilidad, depuración, calidez y hermosura, así como también han integrado lo orgánico y lo geométrico, logran unir con acierto los materiales artesanales y la producción en serie.

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Museo de Brooklyn

n 1954 el Museo Muchos enfatizan los ideaBrooklyn celebró su les de diseño democrático exposición “Design in que fueron un tema central Scandinavia”, y una moda del movimiento y se reflepara los muebles moder- jan en la retórica que rodea nistas escandinavos co- el diseño escandinavo e menzó en Estados Unidos. internacional contemporáneo. El diseño escandinavo de ninguna manera se limita a Otros, sin embargo, han muebles y artículos para el analizado la recepción del hogar se ha aplicado al di- diseño escandinavo en el seño industrial como elec- extranjero, viendo en él una trónica, teléfonos móviles, forma de creación de mitos automóviles e incluso ha y políticas raciales. llegado a la publicidad. El concepto de diseño escandinavo ha sido objeto de debates académicos, exposiciones y agendas de marketing desde la década de 1950.

Foto: Eero Aarnio/Bubble Chair-VOGUE Fuente:helsinkifashionweeklive.com

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1.6 EL POP ART

Arte pop es un movimiento artístico surgido en Reino Unido y Estados Unidos a mediados del siglo XX, inspirado en la estética de la vida cotidiana y los bienes de consumo de la época, tales como anuncios publicitarios, comic books, y del mundo del cine. Son las ciudades de Londres y de Nueva York las primeras en tener constancia de esta nueva forma de arte popular. En la primera de ellas, aparece hacia mediados de los años 50 y es a finales de esta época cuando comienza a aflorar en Estados Unidos, lugar desde el que se exporta, años más tarde, a Canadá y Europa. Esta corriente artística de la etapa modernista realza el valor de la cotidianeidad. De este modo, a través de imágenes y representaciones de objetos populares intenta retratar la realidad del momento. Un presente que caminaba ya hacia un cambio cultural que se desarrollaría en los años posteriores, principalmente en la década de los 60, años en los que el Pop Art alcanza su máximo auge.

Foto: Coca Cola Pop Art, de Klaka97 Fuente: deviantart.com

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Este estilo se desarrolla dentro de la cultura de masas y del marco del capitalismo y la reproducción industrial. Lo que significa que las obras surgidas dentro del mismo, estarían influenciadas, en cierto modo, por ambas corrientes. Así, podría decirse que estamos frente a un arte “reproducible“, haciendo que todo el mundo pueda acceder a él y conocerlo. 49

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no de los artistas pop más conocidos internacionalmente es Andy Warhol. Sus obras han llegado hasta nuestros días como iconos de una época, de una sociedad, de una cultura y, en definitiva, de la corriente del Pop Art. Son famosas sus latas de sopa Campbell y los retratos de Marilyn Monroe y Elvis Presley. Warhol basaba sus creaciones en variaciones fotográficas de un mismo tema, el centro de su obra, y entre sus técnicas destaca la impresión de estas fotografías directamente sobre su soporte de trabajo.

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ANDY WARHOL 51

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1.7 EL OP ART

Foto: Rotating circles Fuente:Emaze.com

mediados de la década del ’60 empezó a desarrollarse un arte abstracto nuevo, evidentemente relacionado con la abstracción geométrica, estudiando los procesos ópticos y psicológicos de la percepción. Pero como estos procesos de investigación visual no pueden reducirse a la producción de imágenes aisladas (porque la imaginación humana utiliza simultáneamente una multiplicidad de imágenes percibidas), estos artistas se han dedi-

cado a experimentar con secuencias, ritmos y cambios de imágenes ópticas, es decir para ellos un elemento esencial es el movimiento, lo que se ha llamado factor “cinético”. El factor cinético de la visión puede investigarse por tres caminos: creando en la percepción óptica del espectador la impresión de un movimiento virtual o ilusorio que realmente no existe; obligando al espectador a desplazarse en el espacio para organizar en su mente la lectura de

una secuencia; o realizando movimientos reales de imágenes mediante motores o emisores móviles de luz. El Opt Art tiene sus antecedentes directos en los estudios que hacia fines de 1955, realizaban separadamente en Estados Unidos el ex profesor de la Bauhaus, Josef Albers y en París el húngaro Vassarely, aunque encontramos algunos trabajos previos realizados veinte años antes por maestros de la Bauhaus y en los discos visuales de Marcel Durchamp.

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En el Op Art se manifiesta una voluntad enérgica de romper las barreras entre arte y tecnología (utilizando materiales producidos por la industria moderna, plásticos, acrílicos luminosos, y en las piezas de arte tridimensional, motores y aparatos electrónicos) y apela a la acción y a la creatividad del espectador, estimulándolo con sorpresas ópticas, con el descubrimiento de propiedades físicas y combinatorias imprevisibles, solicitando el factor lúdico humano como en una invitación al juego. Esta tendencia a establecer relaciones con diversas ramas científicas: óptica, psicofisiología, Cibernética, produjo finalmente una convergencia de intereses con el mundo del diseño industrial y el posterior desarrollo de los sistemas aplicados en algunas variantes del arte digital. Escuela superior de diseño de Ulm Ufg 1953 La HfG (acrónimo de Hochschule für Gestaltung), fue una escuela universitaria de diseño radicada en Ulm, Alemania. Fundada en 1953, entre otros, por Inge Aicher-Scholl, Otl Aicher y Max Bill, este último, primer rector de la escuela.

JOSEF ALBERTS Foto: Josef Albers

Fuente: www.wikiart.org

tulada The Responsive Eye que agrupaba a una serie de artistas de distintas nacionalidades seguidores de esta tendencia, entre sus principales representantes estaban: La británica Bridget Riley y los estadounidenses Ellsworth Kelly y Kenneth Noland.

En los sesenta se inventó el término arte

óptico para nombrar el tipo de trabajo, ya que cada vez más artistas abstractos escogían ese estilo, los artistas ópticos no estaban interesados en pintar los objetos de la vida cotidiana como los artistas Pop, que eran sus contemporáneos. El movimiento quedó definido a partir de una exposición celebrada en 1965 en el Museo de Arte Moderno de Nueva York ti-

Las cuidadas formas del Op Art gozaron de una rápida y entusiasta aceptación por parte de la crítica y del público y pronto se convirtió en punto de inspiración para modistas, publicistas y gente de las artes gráficas. Además, el arte óptico o cinético (como muchos lo llaman) es uno de los movimientos artísticos que más se relacionan con la investigación científica, al estudiar el color, la influencia de la luz y el movimiento en los cambios cromáticos y su percepción en la retina humana.

Los representantes del OP ART que destacaron fueron: Victor Vasarely, Bridget Riley, Frank Stella, Josef Albers, Lawrence Poons, Kenneth Noland y Richard Anuszkiewicz.

Por su parte, los diseñadores textiles y de moda de la década de los ‘60 no tardaron en asimilar estos movimientos artísticos y aplicarlos en el vestir, lograron así que el buen diseño fuera una realidad al alcance de muchos, de fácil acceso para las grandes masas de clase media; emergen y se retrotraen.

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1.8 EL DISEÑO EN LA DECADA DE LOS 70

Foto: Peter Shire- Bel Air Fuente: Surfacemag.com

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1.8.1 EL POSMODERNISMO

os primeros defensores del posmodernismo argumentaban que la adhesión del anterior movimiento moderno (movimiento influenciado por la estetica del art deco y el swedish modern) a la abstracción geométrica (que negaba el ornamento y el simbolismo) había deshumanizado al diseño, dado que en éste primaba entonces el funcionalismo y el racionalismo. A partir de mediados del ‘70, arquitectos americanos como Michael Graves empezaron a introducir motivos decorativos en sus diseños, que a menudo hacían referencia a antiguos estilos y que solían ser irónicos en su contenido. El grupo Memphis, integrado por diseñadores italianos militantes del diseño radical, la vanguardia y de otros equipos de diseño como Studio Alchimia, produjeron monumentales y vistosos diseños “neopop” que causaron gran sensación a nivel mundial desde 1981. La obra de Memphis recibía una serie de influencias muy eclécticas, y con sus motivos atrevidos y formas estrafalarias, se burlaba de la noción de “buen gusto”. Memphis contribuyó durante los años ochenta a la comprensión del Posmodernismo como estilo internacional, puesto que los diseños posmodernos abrazaban el pluralismo cultural de la sociedad global contemporánea y utilizaban un lenguaje simbólico concebido para trascender fronteras.

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La escuela de San Francisco se caracteriza por la innovación del color y la forma floreciendo rápidamente un diseño creativo, optimista y alegre, con un agudo sentido del humor y actitud desenfrenada con respecto a la forma y el espacio. Los estilos posmodernistas de Memphis y de San Francisco se convirtieron en íconos dominantes del diseño de los ochentas, donde la superficie y el estilo se transformaron en su meta y justificación.

Un foco importante del posmodernismo se desarrolló en las escuelas de Memphis y San Francisco a finales de la década de los setenta. Sus características y fundamentos se guiaban sobre la base del pluralismo y a la conciliación de los mejores y más diversos elementos que perfeccionaran su diseño a la búsqueda del placer visual. Estos diseñadores sentían una profunda predilección por la textura, el modelo, la superficie, el color y la geometría juguetona, introduciendo formas caprichosas y exageradas.

Otra etapa del desarrollo del posmodernismo es la del diseño retro y vernáculo en la década de los 80 en donde los diseñadores se sintieron motivados en la comprensión y aplicación de estilos y técnicas usadas en el pasado, rescatando y reinventando sus elementos más característicos y llamativos, de estilos como el Art Nouveau, el Art Deco y el constructivismo ruso. Esta forma de creciente comprensión y apreciación por la historia germinó, en primer lugar en Nueva York, difundiéndose rápidamente por el mundo.

Esta escuela manifiesta su interés en la cultura popular contemporánea y en artefactos y ornamentos de culturas antiguas, dejando en segundo plano la función, enfocándose en la imagen icónica del modelo de superficie, la textura y el color también adoptan las formas geométricas exageradas, en colores muy llamativos, siendo de esta forma un estilo de diseño extravagante con vocación decorativa.

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l movimiento posmoderno puede resumirse como un híbrido del diseño, dado que en el proceso de creación las formas, extraídas de su contexto temporal y concreto, se combinan al azar y hacen del diseño decoración pura, convirtiéndolo en una verdadera enciclopedia de materiales. Tiempo después, la recesión económica de los años noventa motivó a los diseñadores a buscar enfoques menos expresivos y más racionales: de este modo, las atrevidas manifestaciones del antidiseño de los años ochenta fueron sustituidas por la silenciosa pureza del minimalismo funcional de la decada de los 80.

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Al igual que muchas ramas del arte y del diseño, el diseño gráfico se vio afectado por la posmodernidad. Empezaron a aparecer diseños exuberantes, que utilizaban distintos elementos que se combinaban con la tipografía, la cual se caracterizaba por el uso de técnicas modernas mezcladas con estilos anteriores.

April Greiman es una las representantes más significativas para la epoca llegando a combinar varios estilos e incluso teniendo influencias estéticas como el vapor wave.

Sin embargo, la aparición del posmodernismo no puede situarse en una fecha específica, ya que se trata de un cambio gradual en la historia y por esta razón, como dice Meggs (2009), el diseño posmodernista se movió en varias direcciones: las primeras prolongaciones del Estilo Tipográfico Internacional, la tipografía New Wave, el diseño experimental de la escuela de Memphis y la de San Francisco, el diseño retro y el vernáculo, y la revolución digital.

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En la decada de los 70 y después de haber presenciado el auge el estilo tipografico internacional, una tendencia nacida en Suiza en la decada de los 50, ramas como la editorial y la tipografía sufren cambios bastantes significativos.

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Wolfgan Weingart

1.8.2 EL NEW WAVE EN LA TIPOGRAFÍA En esta etapa no se fue condescendiente con el estilo tipográfico internacional que ya empezaba a hastiar por su larga hegemonía en el ambiente del diseño tipográfico. Fue así como en 1964, un joven llamado Wolfgang Weingart comenzó a cuestionar esta tipografía tan ordenada y refinada.

la intuición, agregando efectos visuales que enriquecieran su gráfica, decidiendo con esto dar un paso más, incorporando a su repertorio en 1970 la técnica conocida como collage, transformándose en un innovador que creó una forma de gráfica tipografíca e imágenes pictóricas en formas nunca antes vistas.

Teniendo esta inquietud se dispuso a aplicar un estilo totalmente opuesto, caracterizado por un diseño alegre basado en

Foto: Wolfgan Weingart

Fuente: https://www.hypocritedesign.com

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Otro nombre importante es el de Dan Friedman (1945-1995) estadounidense que estudió en Ulm Institute of Design y en Basel School of Design quién innovó en las formas tipográficas y la manera de disponerlas en el espacio, generando efectos por medio de cambios de posición, peso y escala así como, inclinación (romana a itálica) y espaciado de letra.

Otra preocupación fue la contraposición entre legibilidad y disposición de tipografías, ya que estos elementos entran en constante conflicto. El primero permite una lectura clara y eficiente, la otra promueve el interés en aquella lectura.

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Wolfgang Weingart se atribuye el desarrollo de la tipografía de la nueva ola a principios de 1970 en la Escuela de Diseño de Basilea , Suiza. New Wave junto con otros posmodernos estilos tipográficos, como el punk y la psicodelia, surgió como reacción a estilo tipográfico internacional o de estilo suizo que era muy popular con la cultura corporativa.

El aumento de la expresión dirigida a mejorar la comunicación, por lo tanto, los diseñadores de la nueva ola, como Weingart sintieron intuición era tan valioso como la habilidad analítica en la composición. El resultado es un aumento de la energía cinética en los diseños. La adopción de la nueva ola de la tipografía en los Estados Unidos llegó a través de múltiples canales.

Estilo tipográfico internacional encarna la modernista estética del minimalismo, funcionalidad y normas universales lógicos. Estética posmodernista reprendió a la filosofía de menos es más, atribuyéndole que la tipografía puede desempeñar un papel más expresivo y puede incluir ornamentación para lograrlo.

Weingart dio una serie de conferencias sobre el tema en la década de 1970 que aumentó el número de diseñadores gráficos estadounidenses que viajaban a la Escuela de Basilea para la formación de posgrado, que trajeron a los Estados Unidos. Algunos de los estudiantes destacados de las clases de Weingart incluyen April Greiman , Dan Friedman , y Willi Kunz.

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1.8.3 EL ESTILO RETRO

El término retro se ha usado desde la década de 1960 para describir, de una parte, nuevos artefactos que conscientemente refieren a unos particulares modos, motivos, técnicas y materiales del pasado. Pero de otra parte, muchas personas usan el término para categorizar estilos que se han creado en el pasado. El estilo retro refiere a cosas nuevas que muestran características del pasado.

A diferencia del historicismo de las generaciones Románticas, es principalmente el pasado reciente donde el retro busca recapitular, centrándose en los productos, modas y estilos artísticos producidos desde la Revolución Industrial, los sucesivos estilos de la Modernidad. La palabra inglesa retro deriva del prefijo latín retro, que significa hacia atrás, o de tiempos pasados.

Foto: Coca-cola 1980 Fuente: isik5.tumblr.com/

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También en diseño gráfico, mucho antes del uso de la palabra ‘retro’, se hacían referencias a características gráficas primigenias. William Morris se puede ver como un ejemplo, como el caso de diseño de libros en las que adoptó una producción y modelos estilísticos medievales, en 1981. Más allá, al comienzo del siglo veinte, los motivos gótico, barroco y rococó se usaron para nuevos productos. La introducción de la técnica de fotocomposición a la tipografía en la década de los 60 permitió una mayor flexibilidad a los tipógrafos en la selección y ajuste de los estilos y tamaños de los tipos. Por ejemplo, fuentes de letras psicodélicos se desarrollaron inspirados por el Art Nouveau y otras culturas. Estilos historicistas también se usaron en la promoción y empaquetado de productos de comida y del hogar, apelando a los recuerdos de la niñez y los ideales nostálgicos del hogar.

Foto: konami GT

Fuente: flashbak.com

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Desde la década de 1980 las implicaciones de la palabra ‘retro’ se han expandido en la aplicación a diferentes medios. Muchos medios han adoptado el término retro desde el mundo del diseño. Así, además de diseñar artefactos y objetos, tenemos el diseño gráfico, la moda y el diseño de interiores, donde ‘retro’ se puede usar para: música, cine, arte, vídeo juegos, arquitectura, televisión y comida. Algunas veces, puede también sugerir una completa forma de vida.

Capitulo 2

EL DISEÑO Y LA COMUNICACIÓN VISUAL EN ÉPOCAS DE GUERRA

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2.1 EL CARTEL BÉLICO EN LA PRIMERA GUERRA MUNDIAL

l estallido de la guerra se vio favorecido por un ambiente de rivalidad internacional materializado en actitudes chovinistas y en una confianza ciega en las propias posibilidades de éxito militar. Los sectores belicistas estimularon la agresividad recurriendo al empleo de todos los medios a su alcance, entre los que destacó la manipulación de la prensa. La propaganda política fue un arma muy empleada por los contendientes de la primera Gran Guerra (19141918). No era la primera vez que se usaba en un conflicto. Un caso muy cercano en el tiempo sería el de la Guerra de Cuba y Filipinas con intensas campañas de la prensa amarilla norteamericana contra España. Pero, sin lugar a dudas, el empleo de la propaganda política llegó a su mayoría de edad con la Primera Guerra Mundial. A partir de entonces experimentaría un extraordinario desarrollo.

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La Primera Guerra Mundial representa un momento clave en la Historia de la Propaganda.

Muchos de ellos presentan a un enemigo despiadado con unos valores perversos (Alemania) frente a un héroe con unos valores nobles (Estados Unidos) que se ve obligado a pararle los pies. Sirviéndose del estereotipo y las emociones, instrumentos básicos según Edward Bernays para cualquier campaña de propaganda exitosa, convencen a la opinión pública de la necesidad de participar en el conflicto.

Nunca antes en otro conflicto se había difundido propaganda con tanta intensidad. Estados Unidos, que decide entrar en el conflicto en abril de 1917, desarrolla una ingente labor propagandística a través del CPI o Comité Creel para conseguir que la opinión pública, partidaria de permanecer al margen, apoyara la guerra. Entre los numerosos vehículos de propaganda destinada a la retaguardia empleados por este Comité, el elemento mas significativo fue el cartel ya que su impacto como medio de propaganda en este conflicto fue mayor que en ningún otro período de la Historia. El cartel dirigido a la retaguardia siguió fielmente dos de los principios fundamentales de la propaganda política: la simplificación y la deformación.

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l 14 de abril, unos días después de haberle declarado la guerra al imperio alemán, el presidente norteamericano Woodrow Wilson creó el Comité de Información Pública (CPI), un enorme aparato de divulgación de noticias y publicidad que, según muchos historiadores, sería a todos los efectos el origen de la moderna propaganda de Estado. Podría alegarse que los actos propagandísticos por parte de los organismos públicos se dieron ya en tiempos antiguos –véanse los desfiles triunfales de los romanos o los discursos inflamados de los oradores griegos, pero fue en la Primera Guerra Mundial cuando su uso se hizo sistemático y masivo. Ya no se trataba de acciones esporádicas vinculadas a la iniciativa personal del po-

deroso de turno, sino de un gran aparato publicitario organizado a nivel institucional, financiado con grandes cantidades de dinero público y dirigido por la burocracia estatal.

que acababa de reelegir a Wilson, entre otras cosas, porque acudió a las urnas con el lema de que había mantenido al pueblo norteamericano fuera de la guerra.

El objetivo del comité fundado por Wilson era convencer a la opinión pública de que la participación de Estados Unidos en la guerra era necesaria y noble, pues pretendía acabar con la tiranía y preservar las instituciones democráticas.

Así que, para convencer a sus ciudadanos de la necesidad de entrar en combate había que alimentar las pasiones patrióticas, convertir a los alemanes en enemigos odiados y temidos, difundir la necesidad de aceptar sacrificios y apretarse el cinturón, favorecer el alistamiento de voluntarios y fomentar la compra de bonos de guerra.

La tarea era extremadamente difícil, ya que desde el estallido del conflicto en 1914 los periódicos habían relatado las espantosas matanzas que se estaban produciendo en las trincheras europeas. Esa información había reforzado los sentimientos pacifistas de una población

Eso requirió organizar un bombardeo propagandístico sin precedentes en la historia de la humanidad.

2.2 BAUHAUS Y LAS ESCUELAS DE DISEÃ&#x2018;O

BAUHAUS

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La Staatliche Bauhaus (‘Casa de la Construcción Estatal’), o simplemente Bauhaus, fue la escuela de arquitectura, diseño, artesanía y arte fundada en 1919 por Walter Gropius en Weimar (Alemania) y cerrada por las autoridades prusianas en manos del Partido Nazi. La Bauhaus sentó las bases normativas y patrones de lo que hoy conocemos como diseño industrial y gráfico; puede decirse que antes de la existencia de la Bauhaus estas dos profesiones no existían como tal y fueron concebidas dentro de esta escuela. Sin duda la escuela estableció los fundamentos académicos sobre los cuales se basaría en gran medida una de las tendencias más predominantes de la nueva Arquitectura Moderna, incorporando una nueva estética que abarcaría todos los ámbitos de la vida cotidiana: desde la silla en la que usted se sienta hasta la página que está leyendo (Heinrich von Eckardt). Dada su importancia, las obras de la Bauhaus en Weimar y Dessau fueron declaradas como Patrimonio de la Humanidad por la Unesco en 1996. Siendo director Ludwig Mies van der Rohe, la escuela sufrió por el creciente acoso por parte del nazismo. Debido a que la ideología Bauhaus era vista como judío-socialista los nazis cerraron la escuela. Muchos de los integrantes de la misma, entre ellos el mismo Walter Gropius, refugiados, se instalaron finalmente en Estados Unidos para seguir con sus ideales.

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ropius no quería sólo erigir edifi- y sus brazos articulados, hasta juegos de cios. El arquitecto deseaba crear ajedrez. Todos los diseños se distinguían una nueva clase de artistas que pu- por su funcionalidad y elegancia. diera involucrarse en todas las disciplinas. Eran simples y útiles y su simplicidad los Las escuelas de arte tradicionales eran hacía bellos. En una época en que primaconservadoras y elitistas y los colegios téc- ba la ornamentación, este diseño simplifinicos eran convencionales y deprimentes. cado era revolucionario. Gropius derribó las barreras entre las bellas artes y el arte aplicado; estudiaban topografía y mercadotecnia, volvieron a la esencia de sus disciplinas y comenzaron a ver al mundo de una forma diferente. En lugar de sentarse a escuchar lecciones en salones sin vida, los estudiantes de Gropius asistían a talleres y aprendían haciendo.

WALTER GROPIUS

Los resultados fueron extraordinarios. La Bauhaus produjo una diversidad increíble de artefactos, desde lámparas Anglepoise, con sus pantallas de aluminio orientables

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LA PERSECUCIÓN NAZI La política hizo su parte en la historia de Bauhaus y lo hizo para tratar de borrarlos del mapa, claro que no tuvieron éxito y esa es también la grandeza de esta escuela. En 1924, los liberales que apoyaban a la Bauhaus fueron derrotados en las elecciones locales y el nuevo partido conservador cortó los fondos destinados del centro de estudios. El 1 de abril de 1925, Bauhaus fue obligada a cerrar sus puertas.

Sin embargo, la escuela pudo abrir en otra ciudad alemana (Dessau), donde el gobierno local comisionó un edificio espectacular diseñado por el mismo Gropius y fue en esta sede que la Bauhaus alcanzó su madurez hasta que llegaron los nazis. Esta agrupación política, que crecía en aceptación popular, ganaron las elecciones en 1931 y casi de inmediato iniciaron una depuración de todo lo que no les gustaba. Además de los judíos, cumplieron con una de sus promesas de

campaña: cerrar la escuela Bauhaus ya que la consideraban un centro de “bolchevismo cultural”. Aún así, la fama de Bauhaus ya era mundial, muchos de sus más destacados miembros se exiliaron en Estados Unidos, incluyendo a Walter Gropius. En Norteamérica Bauhaus dio cátedra en arte y la arquitectura durante décadas, contribuyendo enormemente al desarrollo del estilo arquitectónico conocido como Estilo Internacional.

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2.3 LA PROPAGANDA DE LA SEGUNDA GUERRA MUNDIAL Al igual que con la Primera Guerra Mundial, la población de los Estados Unidos estaba lejos de ser unánime en su voluntad de involucrarse en lo que se consideraba un problema principalmente europeo. Y al igual que durante la Primera Guerra Mundial, Estados Unidos limitó su esfuerzo de guerra para suministrar activamente a los aliados hardware y diversos consumibles para los primeros años de la guerra. Con el ataque japonés a Pearl Harbor el 7 de diciembre de 1941, Estados Unidos entró de lleno en la guerra tanto en los teatros europeos como en los del Pacífico.

Alegoría de una figura femenina con corona de laurel de la victoria delante de la bandera ondulante, por encima de los soldados marchando cuyos uniformes representan distintas épocas históricas desde la colonial.

Con una guerra en dos frentes contra dos adversarios fuertes, el país tuvo que movilizar toda su capacidad de producción para el esfuerzo de guerra, y se produjo una gran cantidad de carteles para iluminar a la población sobre todas las pequeñas cosas que podían hacer para ayudar. La temática de la propaganda se basaba principalmente en: La naturaleza del enemigo, la necesidad de luchar, la necesidad de sacrificarse, la necesidad de trabajar y los americanos.

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n tanto que Estados Unidos tenía una figura ficticia representando al país con sus colores, la mayoría de la propaganda alemana era representada con la imagen de Adolfo Hitler. Este no se le consideró como un hombre atractivo, sin embargo, vendió su imagen a la opinión pública alemana generando un símbolo para las ambiciones del mismo pueblo.

El cartel fue utilizado a lo largo de todas las tierras que llegaron a conquistar los alemanes. Hittler expresa una mirada hacia un lado, dando a entender que los alemanes serían los duelos de este planeta. Sin duda alguna, el porte que proyecta es poderoso e increíblemente eficaz. Heinrich Himmler, Winston Churchill, Mussolini, Adolf Hitler, entre otros quedaron en la memoria de la humanidad.

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We Can Do It! Uno de los carteles más emblemáticos y cautivadores fue el cartel cuya protagonista era una mujer trabajadora (basado en el personaje real de “Rosie, la remachadora”) atrapando al espectador por sus músculos que dejaban en claro la nueva posición que ocupaban las mujeres en Estados Unidos. Aunque las cosas han cambiado mucho desde que terminó la guerra, el cartel sigue siendo utilizado como símbolo del poder femenino en el mundo.

¡Que sigan volando! Ejército de los Estados Unidos, Servicio de reclutamiento. 1940 GI, soldado con casco y bayoneta de guardia; en el fondo se pueden ver agricultores, un científico, trabajadores en la fábrica y un piloto uniformado.

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No defraudarlo Estados Unidos, Oficina de Gestión de Emergencias, 1941. Una fotografía de un soldado en un tanque, mirando a través de la vista de una ametralladora teñida de rojo.

Defensa necesita gomas: guarda tus llantas Estados Unidos, Oficina de Gestión de Emergencias, 1941. Un neumático de gran tamaño es el telón de fondo de un tanque y un cañón montado sobre ruedas neumáticas.

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América llama: ocupa tu lugar en la defensa civil Estados Unidos, Oficina de Gestión de Emergencias, 1941. La insignia de Defensa Civil con las letras rojas “CD” en un triángulo blanco dentro de un círculo azul

Comprar una participación en América: bonos de defensa de los Estados Unidos. Estados Unidos, Servicio de extensión, 1941. Dos manos, una con la insignia de la bandera americana en el pulo de la camisa en un apretón de manos con otra y con trasfondo de las chimeneas de una fábrica

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Yo di un hombre! : ¿darás tu al menos el 10% de tu salario para bonos de guerra? Estados Unidos, Departamento del tesoro, 1941. Una madre, viuda de guerra, mantiene a su bebé entre sus brazos y su pequeña hija a su lado.

Para la Defensa: comprar bonos de ahorro y sellos de Estados Unidos: a la venta en su oficina de correos y banco. Estados Unidos, Servicio de extensión, 1941. Estatua de miliciano colonial con fusil y con una mano en un arado.

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PROPAGANDA EN PELICULAS

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tra propaganda llegó en películas e incluso en dibujos animados,los cuales eran baratos, accesibles y siempre estaban presentes en las escuelas, las fábricas y tiendas. A pesar de que la mayoría de la propaganda estuvo destinada a impulsar el patriotismo, algunos tomaron tintes racistas y a medida que avanzaba la Segunda Guerra Mundial, el O.W.I., ya con presencia en Hollywood, produjeron películas patrióticas como “Yanqui Dandy” (1942), con James Cagney, y “Pin -Up Girl” (1944), con Betty Grable.

dencia irlandesa, es un hombre sencillo, afectuoso y manejable. Nellie es la espina dorsal de la familia, apoya al marido y a los hijos y garantiza la unidad del grupo artístico que forman los cuatro. Mary deja que Geo ocupe el primer plano en casa y fuera de ella, pero lo maneja a su gusto. Michael Curtiz se encarga de realizar la película inmediatamente antes de iniciar los trabajos de rodaje de “Casablanca”, su obra más conocida y relevante. Desarrolla una narración rápida, rica en elipsis y de ritmo trepidante, que seduce el ánimo del público mayoritario y retiene su atención. Dentro de la tradición del género musical americano, crea una obra visualmente brillante, focalizada en la creación de emociones simples y con números musicales de pobladas coreografías, bailes de gran virtuosismo y música sencilla y pegadiza compuesta por el biografiado.

Film realizado por el director nacido en Hungría Michael Curtiz (1886-1962) (“Casablanca”, 1942). El guión, escrito por Robert Buckner y Edmund Joseph con la colaboración de Julius J. y Philip G. Epstein, desarrolla un argumento de Robert Buckner. Se rueda en platós de Warner Studios (Burbank, CA) y se añaden algunas tomas directas de escenarios reales (Washington DC y NYC). Nominado a 8 Oscar, gana 3 (actor principal, sonido y banda sonora). Producido por Hal B. Wallis, William Cagney y Jack L. Warner para Warner Bros. Pictures, se proyecta por primera vez en público el 29-V-1942 (NYC, preestreno).

El film destila alegría, jovialidad y optimismo. De ese modo crea el marco adecuado para trasmitir sentimientos de cohesión social y de exaltación patriótica a una población que solo 7 meses antes del estreno se había visto sorprendida por el ataque (7-XII-1941) a Pearl Harbour (Hawai) y la consecuente entrada del país en la IIGM. La obra forma parte del conjunto de trabajos realizados por Hollywood para la movilización de la opinión pública americana a favor de la intervención en el conflicto y del esfuerzo colectivo que la guerra exigía. El recuerdo de Pearl Harbour se pone de manifiesto en una rápida referencia al emperador del Japón. La Warner fue uno de los estudios de Hollywood que más apoyó la orientación de la opinión pública a favor del esfuerzo bélico del país.

La acción dramática tiene lugar en Washington, NYC (NY) y otras localidades de los EEUU entre 1878 y 1942. George M. “Geo” Cohan (Cagney) es hijo de Jerry Cohan (Huston) y Nellie (Camp), actores de variedades, y hermano de Jesie (Jeanne Cagney). Los cuatro forman el grupo “The Four Cohan”. George se asocia con el productor Sam Harris (Whorf) y se relaciona con Mary (Leslie), aspirante a actriz. George es emprendedor, realiza tareas de actor de variedades, productor, director y compositor, y es sincero, tiene ansias de triunfar y es conocido por el apodo de Yankee Doodle Dandy. Jerry, de ascen-

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PROPAGANDA EN ANIMACIONES (DIBUJOS ANIMADOS)

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sociedad estadounidense estaba sensible ante cualquier provocación, pero al mismo tiempo temían por su muerte y lo que pudiera ocurrir con sus vidas.

Durante el tiempo que Estados Unidos estuvo en batalla, la propaganda fue una manera de reclutar soldados, financiar armas y como un extra, sembrar el odio en el enemigo poniendo a los personajes menos afortunados de su franquicia como los torpes villanos a los que había que eliminar.

Para evitar esto, el gobierno encomendó a Disney uno de los cortometrajes clave que marcaron un parteaguas en la propaganda americana antinazi: “Der Fuehrer’s Face” que se estrenó en 1943 y ganó un Oscar como mejor corto animado. Al ver que todo funcionaba de la manera correcta, el ejército y la marina encomendaron al estudio trabajos específicos que instruyeran a los soldados y marinos en el arte de la guerra, por lo que de nueva cuenta, Donald era el protagonista de una nueva aventura en la que tenía que aprender todo lo concerniente a la guerra en el cortometraje llamado “Donald Gets Drafted”.

Desde los inicios del conflicto, los gobiernos supieron del tremendo poder propagandístico de este medio dirigido tanto a un público infantil, potenciales consumidores de este tipo de cortos, como para adultos. Con los primeros se conseguía entreteniendo una predisposición de odio al enemigo y en el caso de que por edad tuvieran que luchar, estar motivados para la lucha. El elegido de Walt Disney fue El Pato Donald. Del ave conocemos sus habilidades que no son precisamente las mejores, la falta de coherencia al hablar y lo avaro que puede llegar a ser. Con estas características, encajaba en el estilo nazi a la perfección. Tras el ataque a Pearl Harbor, la

Así le estaba diciendo a todos los ciudadanos americanos que ser parte del ejército o la marina era de suma importancia para el país. Estados Unidos necesitaba muchos héroes anónimos que cayeran en batalla salvaguardando intereses políticos.

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2.4 LA ESCUELA DE NUEVA YORK El acontecimiento de la Segunda Guerra Mundial trajo para los Estados Unidos beneficios: para 1945 los el país concentraba las tres cuartas partes del capital invertido en el mundo y las dos terceras partes de su capacidad Industrial. Estados Unidos se vuelve el nuevo centro de irradiación del diseño, del arte y la arquitectura. El clima de totalitarismo europeo existente produjo un imán que atrajo a artistas y diseñadores de gran talento hacia Estados Unidos y Nueva York se convierte en el centro cultural del mundo en pleno siglo XX.

Ellos tomaron el lenguaje de la forma creado por los diseñadores europeos, pero los aspectos de la cultura y la sociedad estadounidense dictaron su propia forma en el diseño moderno.

Los diseñadores buscaron enfocar el diseño a resolver los problemas de la comunicación y satisfacer una necesidad de expresión personal, naciendo así el Good Design (1940-1960).

El diseño estadounidense era pragmático, intuitivo y más informal en su enfoque para organizar el espacio, a diferencia del europeo que era teórico y sumamente estructurado. La novedad de la técnica y la originalidad del concepto eran muy apreciadas y los diseñadores buscaron resolver los problemas de la comunicación y satisfacer una necesidad de expresión personal.

Esta fue una corriente del diseño que nació por la necesidad de crear nuevos objetos para esa sociedad, estudiando los objetos desde los distintos ámbitos (industrial, gráfico y artístico) por lo que se desarrollo en varias áreas: en el diseño industrial se llamó Good Design, en arte se llamó Expresionismo Abstracto y en diseño gráfico se denominó Expresionismo Gráfico.

Good Design: planteo la concepción racional del diseño y su relación con el usuario. Se caracterizo por la poca cantidad de ornamento y sus formas ergonómicas. Estuvo influenciado por la escuela Bauhaus, ya que muchos de los precursores fueron profesores de dicha escuela (Josep Alberts, Walter Gropius, entre otros).

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2.5 PROPAGANDA EN LA GUERRA FRIA

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Las dos explosiones nucleares con las que concluyó la Segunda Guerra Mundial dejaron un mensaje muy claro: por increíble que pudiera parecer, una nueva guerra, esta vez entre las dos superpotencias surgidas del conflicto, sería mucho peor que la anterior.

el continente bajo el control comunista. La reacción no tardó en llegar. En 1947 la promulgación de la Ley de Seguridad Nacional da lugar a la CIA. La función de esta agencia era promover los intereses americanos en el extranjero aunque también acabó haciéndolo en el territorio nacional, pese a incumplir sus estatutos mediante, entre otras cosas, el suministro de “información”. Ese era el término usado, dado que el de “propaganda” había quedado fuertemente devaluado por el ministerio de Goebbels así llamado; y al fin y al cabo la propaganda pierde efectividad si es reconocida como tal.

Europa había quedado completamente arrasada, pero seguía siendo un tablero en el que ganar cada posición de cualquier manera que evitase la confrontación abierta. Daba comienzo así la batalla de la propaganda entre Estados Unidos y la Unión Soviética. Con el fin de la Segunda Guerra Mundial vino el reparto de Alemania entre las cuatro potencias vencedoras. Gran Bretaña, Francia y Estados Unidos pronto agruparon sus territorios, cuya oposición al sector soviético no dejaba de incrementarse día a día, dadas las diferentes ideas que tenían acerca del proceso de desnazificación y del sistema político y económico a aplicar. Simultáneamente, la creciente influencia de la URSS en los países de Europa del Este que había liberado del dominio nazi hacía pensar a los dirigentes occidentales en un efecto dominó, que haría caer a todo

Bajo esta premisa la CIA influyó en las elecciones italianas de 1948, a favor del partido democristiano; Estados Unidos se valio de recursos como el cine, la televisión, la opinion pública y demás para desfavorecer la imagén del Partido Comunista Italiano financiado por la Unión Sovietica (URSS).

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Foto: Me casé con un comunista-Tomás Cómez Fuente: jotdown.es

En el ámbito de la alta cultura la CIA realizó otras actividades como ediciones de libros cuyo contenido se consideraba afín, como Un yanqui en la corte del rey Arturo o Doctor Zhivago, perseguida en la Unión Soviética, aunque Jrushchov llegase a arrepentirse posteriormente de ello cuando finalmente la leyó. De hecho su autor, Boris Pasternak, tuvo que rechazar el Premio Nobel por presiones de las autoridades rusas. Un premio que, como tantas otras cosas, también servía como arma de propaganda, de ahí el empeño frustrado de la CIA en que no lo recibiera Pablo Neruda, demasiado izquierdista para su gusto.

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La CIA también quiso meterse en el negocio y financió y distribuyó por el mundo la adaptación en dibujos animados del clásico de Orwell Rebelión en la granja. De forma paradójica hicieron también otra adaptación del mismo autor: 1984. Es decir, el Gobierno Federal produjo una película propagandística que trata sobre un Estado totalitario basado en la propaganda. En cualquier caso, por mucho que rodasen la USIA y la CIA, no podían rivalizar en número y éxito de público con el cine de Hollywood. Consciente de ello, el senador McCarthy escrutó sus filas en aquel célebre episodio de la historia reciente conocido como “La caza de brujas”, mientras que por su parte la Administración estadounidense propuso a las principales figuras del cine del momento como John Ford o John Wayne, entre otros que sus películas contuvieran un mensaje en defensa del mundo libre y contra la tiranía comunista.

Foto: La Rebelión de la granja Fuente: radionica.rocks

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2.6 MOVIMIENTOS ANTIBELICISTAS Y en estos momentos, ¿Qué se cuece en Estados Unidos? Recordemos que nos encontramos en plena guerra fría y sus tropas se encuentran en Vietnam. En su país, los jóvenes crean movimientos antibelicistas y feministas y nacen nuevas culturas como los hippies y los beatniks. ¿Y qué pasa con el diseño? Estamos en una época de grandes avances tecnológicos, la televisión es el medio de comunicación por excelencia y comienza la edad de oro de la publicidad, consolidándose muchas de las grandes empresas del sector.

Con el puño levantado, la boina y la chaqueta de cuero oscuro, en la década de 1970, la revolución y el orgullo negro es representado por estos militantes insurgentes que exigían el derecho de los afroamericanos a auto defenderse contra el racismo en Estados Unidos. El año 1965 está marcado por varios eventos violentos que afectan a la comunidad afroamericana: el asesinato de Malcolm X, la marcha de Selma, los disturbios de Watts, etc. Junto con los partidarios de la no violencia, incluido el pastor Martin Luther King, cada vez son más los partidarios de un enfoque menos conciliatorio. Es en este contexto que Bobby Seale y Huey P. Newton crean el Partido de las Panteras Negras para la Autodefensa, pronto conocido como las Panteras Negras (BP). Además de denunciar la violencia policia en California, están elaborando un programa que aborda una serie de problemas sociales que enfrentan los afroamericanos.

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n este periodo gana fuerza el expresionismo gráfico, que juega con la forma de las palabras para expresar una idea. Se perfeccionan las técnicas de expresión gráfica como la fotografía, la infografía o la fotocomposición con la ayuda de los primeros programas de ordenador. Pero esto no acaba aquí. La cultura juvenil ha creado sus propios valores, su música y esta forma de vida necesita una nueva estética, caracterizada por las caligrafías psicodélicas y distorsionadas, las formas simplificadas y el uso del color.

Dentro de este género encontramos a Milton Glasser. Sus obras durante los 60 utilizaban la línea negra de contorno y añadía después gran cantidad de color. Sus imágenes fueron imitadas muchas veces, pero él siempre consiguió soluciones innovadoras con sus diseños. Con un estilo completamente distinto tenemos a Lubalin, nacido en Nueva York en el 1918. Fue uno de los innovadores tipógrafos americanos, atreviéndose a explotar las posibilidades de la tipografía jugando con forma y significado.

EL EXPRESIONISMO ABSTRACTO y aplicación de pintura experimental con un nuevo entendimiento de proceso. La mayor parte de los expresionistas abstractos abandonaron la composición formal y la representación de objetos reales. A menudo intentaron composiciones espontáneas, intuitivas e instintivas de espacio, línea, forma y color.

En los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial, un grupo de artistas neoyorquinos formaron el primer movimiento de arte abstracto genuinamente estadounidense: el expresionismo abstracto. Este término, que fue usado por vez primera en 1919 en Berlín, fue retomado en 1946 por Robert Coates en el New York Times, y asumido por los dos principales críticos de arte de la época, Harold Rosenberg y Clement Greenberg. Siempre se ha criticado como demasiado grande y paradójico, sin embargo la definición común implica el uso del arte abstracto para expresar sentimientos, emociones, lo que hay dentro del artista y no lo que queda fuera de él.

La primera generación de expresionistas abstractos estuvo compuesta por artistas como Jackson Pollock, Willem de Kooning, Mark Rothko, Franz Kline, Arshile Gorky, Robert Motherwell, Clyfford Still, Barnett Newman, Adolph Gottlieb, Philip Guston, Ad Reinhardt, Hans Hofmann, James Brooks, William Baziotes, Mark Tobey, Bradley Walker Tomlin, Theodoros Stamos, Jack Tworkov y otros.

Aunque los numerosos artistas abarcados por esta denominación tienen estilos ampliamente diferentes, los críticos contemporáneos encontraron varios puntos comunes entre ellos. Puede caracterizarse por dos elementos principales: en primer lugar, el gran tamaño de los lienzos usados, parcialmente inspirados por los frescos mexicanos y las obras que hicieron para la WPA en los años 30; en segundo lugar, el fuerte e insólito uso de pinceladas

Muchos expresionistas abstractos de la primera generación estuvieron influidos tanto por las obras cubistas, que conocieron a través de copias en blanco y negro en críticas de arte y también de manera directa, en la Galería 291 o el Armory Show; pero también por los surrealistas europeos, por Pablo Picasso y Henri Matisse.

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MOVIMIENTO HIPPIE Conocidos como hippies, niños flor o hijos de las flores, los hippies formaron parte de unmovimiento juvenil y contracultural durante toda la década de 1960, con su espíritu delibertad, esperanza, felicidad, cambio y revolución. A causa de los pantalones tejanos muy ceñidos que llevaba la generación de los beatniks, por lo que fueron llamados«hipsters». Según Suzanne Labin en su libro Hippies, drogas y

sexo (1970), hoy, la palabra «hippie» designa a los muchachos y a las chicas que habían abandonado a susfamilias para vivir a salto de mata, abandonado también la escuela, profesión, y la escalaestablecida de valores, para llevar una vida libre, elegida por ellos mismos, cuya esenciaera el retorno a lo maravilloso y al amor libre, y cuya aspiración se centraba en alcanzaruna conciencia cósmica mediante el uso de las drogas.

Labin (1970) continúa diciendo: Al igual que otros movimientos contraculturales,rechazaron los valores tradicionales del orden establecido, pero renunciando a laviolencia. Se niegan a disciplinarse y organizarse con una finalidad de conquista política. Son profundamente místicos, y creen en una pluralidad de dioses y profetas. No adoptanuna ideología brutal, ni un aire amenazador, ni tienen sus pretensiones intelectuales.

para eldiseño de carteles y, por ello, el más famoso, fue Wes Wilson, inspirado en el art noveau. La portada de un disco que destaca por su estética psicodélica es el de Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (1967) de The Beatles.

La vestimenta también estaba influenciada por esta estética, con colores vivos yestampados con el mismo estilo que los carteles anteriormente mencionados.

ESTÉTICA PSICODÉLICA La estética hippie por excelencia es la psicodelia, que intenta proyectar el mundo interiorde la psique, muchas veces en relación con el consumo de drogas, especialmente el LSD. Esta estética está presente en la vestimenta de la época, la música, el arte, los carteles, las portadas de los CDs, etc. El autor que comenzó a utilizar la estética psicodélica

A su vez, sumamos numerosos carteles como los de la banda Jefferson Airplane o incluso del propio festival de Woodstock(1969).

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Los pantalones de campana y a la cadera (hip, hippie), los chalecos, la melena larga en ambossexos, la barba, el no afeitarse, todo ello relacionado con este aspecto desaliñadocaracterístico de este movimiento.

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Milton Glaser

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Milton Glaser es un referente del diseño norteamericano de la segunda mitad del siglo XX. Nacido en 1929 en el Bronx de Nueva York, se formó en la Escuela Superior de Música y Arte y la Escuela de Arte de Cooper Union en Nueva York, entre 1948 y 1951. Y a través de una beca Fulbright, también estudió en la Academia de Bellas Artes de Bolonia, en Italia. Creativo y elocuente, es un hombre del renacimiento moderno que nos muestra un profundo conocimiento del diseño conceptual. Glaser fue cofundador de los Push Pin Studios en 1954 con Seymour Chwast. En 1968 fundó con Clay Felker Felker New York Magazine, revista dedicada a los estilos de vida, cultura, política... donde fue presidente y diseñador hasta 1977. Creó Milton Glaser, Inc. en 1974 y fundó con Walter Bernard en 1983 la publicación de diseño WBMG. Es un creador prolífico de posters y publicaciones que han sido exhibidos por todo el mundo en lugares tales como el Museo Pompidou de París. En 2004 recibió un premio conmemorativo a toda su carrera por su conocimiento del mundo del diseño y su contribución al mismo, otorgado por el Museo Smithsonian Cooper-Hewitt. Entre sus obras con más trascendencia a nivel mundial, se encuentra el logotipo de I Love NY, creado para una campaña publicitaria de la agencia de publicidad Wells Rich Greene para promover el turismo en esa ciudad. La imagen se volvió especialmente prominente después de los ataques terroristas del 11 de septiembre de 2001 en la ciudad, lo que creó un sentido de unidad entre la población.

“Existen tres posibles respuestas ante un diseño: Sí, No y ¡WOW!. Hay que aspirar a ¡WOW!.” Milton Glaser. 103

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HERBERT FREDERICK LUBALIN Nueva York 1918-1981. Diseñador gráfico, director de arte publicitario, fotógrafo y tipógrafo. Sus trabajos comprenden diseño editorial, creación de tipografía y publicidad. Creador de la tipografía Avant Garde. Herbert Lubalin nació en Nueva York en 1918. Allí inició sus estudios en 1936 en la Cooper Union School of Art (escuela que actualmente lleva su nombre ‘The Herb Lubalin Center for Design and Typography’). Se graduó en 1939. Fue director artístico en Deutsch & Shea Advertising de 1941 a 1942; en Fairchild Publications de 1942 al 1943 y en Reiss Advertising de 1943 al 1945. En 1945 fue vicepresidente de Sudler & Hennesey Inc. en New York, agencia especializada en publicidad para productos farmacéuticos. En 1962 trabajó en la revista Eros. Ese mismo año fue nombrado Director Artístico del Año por la National Society of Art Directors. En 1964 se asocia con el rotulista-calígrafo Tom Carnesa y crea su propio estudio, Herb Lubalin Inc. en Nueva York (en 1980 adoptó el nombre de Lubalin, Peckolick Associates lnc.).

En 1972 empieza a enseñar en la Cornell University y de 1976 al 1981 en la Cooper Union en New York. Impartió numerosas conferencias en escuelas de Estados Unidos, Europa, Canadá, América del Sur y Japón. En 1977 y como reconocimiento a su aportación al diseño, fue incluido en el New York Art Directors Club Hall of Fame. Entre sus numerosos premios destacan siete medallas de oro del Art Directors Club, Director Artístico del Año de la Asociación Nacional de Directores de Arte, un Clio, dos premios de The Cooper Union, Augustus St. Gaudens Medal y el Premio al Logro Profesional. Diseñó las fuentes Pistilli Roman en 1964, L&C Hairline en 1966, ITC Avant Garde Gothic, Busorama, ITC Didi, ITC Fat Face , LSC Condensed y Ronda en 1970, L&C Stymie Hairline en 1972, Lubalin Graph y ITC Serif Gothic en 1974.

En 1965 forma, a nivel internacional, Lubalin, Delpire et Cia., en París; Lubalin, Maxwell Ltd., en Londres; y Aki, Lubalin, Inc., en Hawai. En 1967 trabajó en la revista Fact. Herbert Lubalin pasó sus últimos años trabajando junto a Aaron Burns y Ed Rondthaler para fundar una empresa de creación tipográfica internacional llamada ITC (International Typeface Corporation, creada en 1970), de cuya revista U&lc (Upper and Lower Case) fue director artístico. En 1971, ITC lanzó una selección de fuentes entre las que destacaba Avant Garde diseñada por él mismo.

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Capitulo 3

EL DISEÃ&#x2018;O Y EL NACIMIENTO DE LA ERA DIGITAL

3.1 EL NACIMIENTO DEL WORLD WIDE WEB

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no de los cambios más extraordinarios de los años 90 fue la primera difusión de Internet, con el nacimiento de los sitios web el diseño web nos resultaría sencillo, básico y un poco inocente si lo observamos hoy en día. Las tablas eran el elemento constitutivo de casi todos los sitios; limitaban la creatividad y hacían el diseño más bien aburrido, pero distribuían claramente la información. Largas líneas de texto en Times New Roman, fondos caóticos y ultracoloridos y gifs prehistóricos volvían loco a cualquiera. El diseño web ha cambiado a lo largo de estos 20 años, estudiando y priorizando la facilidad de uso, las jerarquías, las plantillas y un lenguaje gráfico agradable para el visitante. Sin embargo, ahora muchos diseñadores miran hacia los años 90 como reacción a la futilidad y la sobreconstrucción de las tendencias actuales.

De aquí han surgido corrientes para el diseño web como «Brutalist Web Design», debido a la «brutalidad» que caracteriza el diseño de estos sitios web. Los sitios web «brutalistas» promueven un enfoque honesto y genuino, mediante un diseño áspero que no pretende resultar fácilmente navegable o visualmente agradable, sino que está caracterizado por una estética deliberadamente difícil y «brutalista», construida en un código HTML básico e imperfecto.

Con la llegada del internet el mundo comenzó a experimer cambios de manera más rapida, debido a que la información comenzó a tener una mayor cobertura y accesibilidad.

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omo todo comienzo, las páginas web también estuvieron llenas de limitantes en sus primeras versiones.

imágenes o gifs en movimiento que saltaban o aparecían aleatoriamente en todo el espacio de la página.

Las posibilidades estéticas eran limitadas, se contaban con pocos colores para diseñar y el dinamismo casi que solo podía imprimirse gracias a los gifs animados o algún juego tipográfico modesto, sin embargo, aún con los limitantes, tanto diseñadores como amateurs se apropiaron del lenguaje de la WWW e hicieron creaciones que llamaban la atención.

La sofisticación de estos elementos que podían verse en Geocities fue rápida. Un índice de que las páginas web podían llegar a otro nivel en diseño y en funcionalidad lo hizo Warner Bros, con el lanzamiento del sitio web de la película Space Jam, en 1996.

Colores vivos, juegos, gifs, perfiles de los personajes y terminología de la película, Una página que sirvió de terreno de juego créditos, dibujos en blanco y negro para para experimentar fue Geocities, que po- imprimir y armar un libro de colorear, y día ser usada por cualquiera con un com- hasta estadísticas de los basquetbolistas putador y acceso a internet. Allí se podían que participaron en la película fueron alcrear páginas dedicadas a cualquier cosa: gunos de los contenidos disponibles que desde golf hasta anime e incluso anuncios sorprendieron a usuarios, ingenieros y dicomerciales, y se caracterizaron gráfi- señadores. camente por los fondos psicodélicos, las

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Foto: Geocities homenaje Fuente: basurama.org

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3.2 El ESTILO RAVE

finales del siglo surgió un nuevo género musical en Chicago: El acid house, que pronto se convirtió en un éxito y se popularizó durante los años 90 en el Reino Unido y, más tarde, en toda Europa en clubes, almacenes, subterráneos y bosques, a menudo de manera ilegal.

El lenguaje gráfico de la cultura «rave» ha suscitado el interés de muchos diseñadores últimamente. David Rudnik, diseñador inglés, colecciona en su sitio web pósteres y diseños gráficos de los años 90 que inspiran su práctica personal.

El término «rave» se adoptó para describir la subcultura que se desarrolló en torno al movimiento del «acid house». La única forma de promover estos eventos, además del boca a boca, era con folletos e invitaciones que desarrollaron un estilo peculiar, caracterizado por una espontaneidad y un desinterés por las convenciones. La tipografía estaba en negrita y en letras grandes, legibles incluso en estados de confusión mental; a menudo, los colores deslumbrantes, los fondos oscuros y las imágenes y los diseños estaban inspirados en la ciencia-ficción y el surrealismo, a veces tomando prestadas ilustraciones de artistas del calibre de Escher.

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l proyecto Well Wishers 88 de Ruben Martinho es una producción prolífica de pósteres y diseños gráficos en los que se puede entrever la influencia, reinterpretada, de los folletos icónicos de Fantazia, Dreamscape y Perception.

Foto: Fantazia

Foto: Life

Foto: Good Manners Presents

Foto: Enigma 7

Fuente: pixartprinting.it

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3.3 LOS CAMBIOS EN EL DISEÑO

Foto: Naomi Campbell, Cindy Crawford, Linda Evangelista... Fuente: Bakanika.org

Ya desde comienzos de los ochenta venía gestándose un proceso de cambio en el cual se pasaba de hablar de un estilo único, a validar cuantas identidades y estéticas fueran posibles. No es gratuito que un grupo de supermodelos multiculturales y muy diferentes entre sí como Naomi Campbell, Cindy Crawford, Linda Evangelista, Tatjana Patitz y Christy Turlington marcaran, juntas, la moda y la publicidad, ni que un sonido desaliñado, distorsionado y fragmentado devenido movimiento social y estéti-

co como lo fue el grunge, marcara la década. En el diseño gráfico este cambio hacia lo diverso fue radical. La influencia del Estilo Suizo Internacional, caracterizado por sus procesos racionales, por exigir retículas en todas las composiciones, por sus fuentes tipográficas sin serifas y por esa relación inamovible entre legibilidad y lecturabilidad, estaba empezando a ser destronado en los ochenta, pero en los noventa tuvo una caída casi definitiva.

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Sobre los restos de esas reglas, diseñadores David Carson, Stefan Sagmeister, Javier Mariscal, el estudio Pentagram, y otros, construyeron nuevas líneas gráficas. Usaron las tipografías osadas, el collage, la mezcla de estéticas, lenguajes del arte y la ilustración y nuevas herramientas para crear expresiones propias e inaugurar la era de los estilos personales y caprichosos.

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ara que los diseñadores de la época pudieran desarrollar estilos propios fue necesario que varios procesos se alinearan: primero los programas de diseño digital, que ya venían usándose desde la década pasada, se sofisticaron y resultó cada vez más fácil editar fotos, manipular las tipografías y crear páginas con retículas y composiciones flexibles y sorprendentes. Por ejemplo, la empresa de software Adobe presentó las capas de programas como Illustrator y Photoshop en 1994, lo que permitió una mayor experimentación y la posibilidad de enmendar un error fácilmente sin comprometer todo el trabajo. Pero el cambio que realmente revolucionó todo fue la aparición, sobre la segunda mitad de la década, de la World Wide Web. Si bien “el internet a comienzos de los noventa era huérfano a nivel estético, pues no fue creado para hacer cosas artísticas y era netamente informativo”, como afirma el investigador de las tendencias de diseño gráfico Domingo Betancur, del estudio Veleta&Co, la aparición de este universo cambió la forma, fondo y oficio del diseñador: se crearon nuevas ramas de trabajo, se tuvo un acceso a referentes que no se había experimentado nunca antes y hubo un lienzo sobre el que se empezó a construir y debatir gráficamente de manera más libre hasta la actualidad.

STEFAN SAGMEISTER Foto: Josef Albers

Fuente: www.wikiart.org

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Adobe Photoshop 1994

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3.4 DISEÑADORES ESTADOUNIDENSES David Carson David Carson es un diseñador gráfico, director de arte y surfista estadounidense. Es mejor conocido por su innovador diseño de revista y el uso de la tipografía experimental. Fue el director de arte de la revista Ray Gun, en la que empleó gran parte del enfoque tipográfico y de diseño por el que es conocido.

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Jessica Walsh Jessica Walsh es directora de arte y diseñadora socia del famoso estudio Sagmeister & Walsh. Una ‘niña prodigio’ del diseño que crea conceptos para trabajos de branding, publicidad, diseño editorial, vídeos o cualquier otro ámbito. También profesora de la Escuela de Artes Visuales en New York. Su trabajo ha ganado numerosos premios entre ellos del Type Director’s Club, Art Director’s Club, SPD y D&AD.

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Steven Heller Es un director de arte , periodista , crítico , autor y editor que se especializa en temas relacionados con el diseño gráfico . Heller es autor y co-autor de numerosas obras sobre la historia de la ilustración , la tipografía , y muchos temas relacionados con el diseño gráfico . Ha publicado más de ochenta títulos y artículos escritos para revistas como Affiche , línea de base , Creación , Diseño , Design Issues y demás.

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Morris Fuller Benton

3.5 TIPÓGRAFOS DESTACADOS

Morris Fuller Benton Nació el 30 de noviembre de 1872 en Milwaukee, Wisconsin (USA). A la temprana edad de 11 años hacia pequeños trabajos de impresión como tickets de entrada, folletos o recibos para sus vecinos en una pequeña imprenta que montó en casa de sus padres. Se graduó en 1896 como ingeniero y unos pocos mese más tarde se incorporó a la American Type Founders

como ayudante de su padre viéndose inmerso en el dibujo y diseño de tipos así como aplicando su conocimientos mecánicos en el campo de la maquinaria de las artes gráficas. Su padre, Linn Boyd Benton, era famoso en esa época por su invento de una máquina para la elaboración automática de punzones que le valió obtener el puesto de Director técnico de ATF.

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(En 1892, 23 fundiciones americanas se agruparon en torno a la American Type Founders). En el año 1900, Morris Fuller Benton pasó a ser diseñador jefe de ATF donde ejerció hasta su retirada en 1937 a la edad de 65 años. Falleció el 30 de junio de 1948. La vida profesional de Benton se caracterizó por combinar la creatividad tipográfica con la precisión del ingeniero.

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Frederic William Goudy

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Frederic William Goudy (Bloomington, 1865 Marlborough, 1947) Impresor estadounidense. Fue uno de los diseñadores tipográficos más prolíficos de los Estados Unidos y llegó a componer hasta 124 tipos de imprenta diferentes. Finalizados sus estudios en Shelbyville High School en 1883, trabajó como registrador en la oficina inmobiliaria que poseía su padre en Hyde County. Posteriormente ingresó en

la editorial A.C. McClurg, en el departamento de libros raros y tuvo la oportunidad de entrar en contacto con las mejores imprentas inglesas del momento, entre las que se encontraban Kelmscott, Doves, Eragny y Vale. A lo largo de estos años, Goudy, aprovechó las posibilidades que le ofrecía su profesión para aprender los secretos de la imprenta y la tipografía. En 1895 pensó que ya había adquirido la suficiente experiencia y decidió

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fundar, junto al profesor de inglés C. Lauren Hooper, una imprenta propia que bautizaron con el nombre de Camelot Press. La nueva empresa editó una revista llamada ChapBook, que tuvo una vida efímera y sólo consiguió permanecer un año en circulación. En 1896, la imprenta diseñó su primer tipo de letra, el alfabeto denominado Camelot, que vendió al Dickinson Type Foundry.

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Entre los tipos más importantes diseñados por Goudy destacan Pabst Roman (1902), Copperplate Gothic (1905), Goudy Old Style y Newstyle (1914 y 1921), Deepdene (1927), Kennerley (1930) o Tory Text (1935). También merecen mención algunas de sus obras, como The Alphabet (1918), Elements of Lettering (1922), Typologia (1940) y, publicado en 1946, un año antes de su muerte, su legado autobiográfico Half Century of Type Desing and Typography, 1895-1945.

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Ed Benguiat Reconocido a nivel internacional como uno de los mejores tipógrafos, es el autor de más de 600 fuentes. Pero antes de enfocar su vida en el ámbito de la ilustración, Edward Benguiat, más conocido con la abreviatura Ed, se inscribió en las Fuerzas Armadas de su país, aunque lo hizo con un certificado de nacimiento falso. Al terminar la Segunda Guerra Mundial, dedicaba gran parte de su tiempo al jazz, pero tampoco le terminaba de convencer. Lo que realmente quería era adentrarse en el mundo de la ilustración y el diseño.

Podemos ver la tipografía ITC Benguiat en la serie de Netflix que triunfa en las pantallas, Stranger Things.

Cuando el en pantalla, objetivo de de la serie:

título aparece ya consigue el los creadores transportarnos

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a los años 80 (aunque la creación de ITC Benguiat venga de los 70) y aviva esa sensación de misterio.

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Carol Twombly Nació el 13 de junio de 1959 en Concord, Estados Unidos. Ha trabajado durante más de once años para Adobe, en los que diseño multitud de tipografías, muchas de las cuales hoy en día son empleadas habitualmente por los diseñadores. Diseños tipográficos tan conocidos como Trajan, Charlemagne, Lithos y Adobe Caslon nos trasladan a épocas del pasado clásico tomando de ellas la esencia de los primeros sistemas de escritura. Otras creaciones como Viva y Nueva, intentan abrir nuevas fronteras, manteniendo el aspecto tradicional.6

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3.6 FOTÓGRAFOS DESTACADOS Dorothea Lange (Hoboken, 26 de mayo de 1895- San Francisco, 11 de octubre de 1965). Lange fue una de las fotoperiodistas documentales más influyentes durante la Gran Depresión de Estados Unidos. Las imágenes humanistas de esta artista sobre la mayor depresión de este país hasta ahora la convirtieron en un hito periodístico a nivel mundial. Su imagen más conocida, la madre migrante, es el mejor reflejo de la sociedad americana de esa época. Su trabajo es conocido en todo el mundo.

Foto: La Madre migrante Fuente: Pinterest

Foto: Dorothea Lange Fuente: Fotonostra

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EL DISEÑO Y EL NACIMIENTO PERSONAJES DE LA RECONOCIDOS ERA DIGITAL

May Ray (Filadelfia, 27 de agosto de 1890 – París, 18 de noviembre de 1976).

Foto: Ingre’s Violin, 1924 Fuente: WikiArt.com

Fue un artista modernista estadounidense de gran importancia a nivel mundial. A pesar de su procedencia americana, Emmanuel Radnitzky (nombre auténtico del artista). Su contribución al arte surrealista y dadaísta es destacable. Su fotografía avant-garde y de retratos destaca por su humorística personalidad. Es uno de los mejores fotógrafos norteamericanos de la historia de su país. Con la ocupación alemana de París en la Segunda Guerra Mundial, May Ray vuelve a Estados Unidos y se instala en Hollywood y en Nueva York. A partir de entonces enfoca su carrera a la enseñanza.

Foto: May Ray Fuente: Pinterest

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EL DISEÑO Y RECONOCIDOS PERSONAJES NACIMIENTO DE LA ERA DIGITAL

Streve McCurry

Foto: Man covered in gulal during Holi, the festival of colours. Fuente: Pinterest

(24 de febrero de 1950) Es el autor de la que, probablemente, es la fotografía más conocida del National Geographic. Él es un fotógrafo estadounidense que se convirtió, en 1985, en un hito del fotoperiodismo. La niña afgana es esa imagen que absolutamente todo el mundo ha visto al menos una vez en la vida. Su carrera comenzó precisamente en Afganistán, pero ha cubrido además otros conflictos internacionales como la Guerra del Golfo o la de Iraq. Hace unos meses saltó la alarma de que éste fotoperiodista había retocado sus imágenes, un crimen absoluto contra la profesión. Fue entonces cuando McCurry se describió a sí mismo no como un fotoperiodista sino como “un contador de historias”.

Foto: La niña afgana Fuente: loqueva.com

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EL DISEÑO Y EL NACIMIENTO PERSONAJES DE LA RECONOCIDOS ERA DIGITAL

Richard Avedon (Nueva York, 15 de mayo de 1923 – San Antonio, Texas, 1 de octubre de 2004)

Foto: In the american West Fuente: Pinterest

Comienza su carrera como fotógrafo después de asistir a la Universidad de Columbia. Trabaja durante un tiempo para la Marina Mercante de Estados Unidos, tomando fotografías de los miembros de la tripulación. Su trabajo se basa en el retrato, tomando imágenes personales y profundizando en la personalidad de aquellos que retrata. Su método era algo peculiar, pues consistía en cansar a la otra persona con largas sesiones de hasta cuatro horas. Así era capaz de sacar a relucir la personalidad más sincera de aquellos que retrataba. En 1979 comenzó su serie ‘In the american west’, una de las más importantes. Avedon dedicó 5 años a este proyecto, viajando por el oeste de los Estados Unidos y documentando a las personas que habitaban esas zonas. Así, nos presenta con esta serie a granjeros, prostitutas, vagabundos, amas de casa, presos, vaqueros, etc. De los fotógrafos norteamericanos, Avedon es uno de mis favoritos.

Foto: In the american West Fuente: Pinterest

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3.7 LOS MEJORES ILUSTRADORES

Foto: Garabateando el tiempo. Fuente: culturacolectiva.com

Pat Perry Crea dibujos delicados a lápiz. Si bien muchas veces suele incluir una figura humana en sus ilustraciones, les da un giro poco convencional incluyendo paisajes desolados y casas abandonadas. El artista, originario de Detroit, tiene gran cantidad de seguidores, con quienes interactúa constantemente.

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Foto: Image result for anita kunz illustration Fuente: Pinterest

Anita Kunz Ha sido galardonada con diversas medallas y premios a lo largo de su carrera. Además, su trabajo ha sido incluido en las revistas Time, Rolling Stone, Vanity Fair, The New Yorker, Sony Music, GQ, entre otros. Sus obras se exhiben en museos de Canadá, Roma y Washington. En 2007 dio una conferencia sobre las portadas que diseñó para The New Yorker para TED. Y ha sido nombrada como una de las 50 mujeres más influyentes en Canadá por el National Post.

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APÉNDICE

“Como creador, veo los trabajos de nuestro estudio como obras de diseño. Personalmente, no le doy mucho valor a las definiciones, pero el mundo sí se lo da, por eso conviene no ignorarlas. Donald Judd dijo una vez: «El diseño debe funcionar; el arte, no». El arte puede simplemente «ser», no necesita una función. Y sí, opino que muchos artistas crean mundos que dicen algo sobre quiénes son. El buen arte nos ofrece una visión de ese mundo, la posibilidad de observarlo desde otra perspectiva. El diseño también puede conseguir eso, tanto en su creador como en el observador. Desde luego, ha tenido una gran influencia en el desarrollo de mi personalidad. Mientras trabajaba en la película, descubrí algunas cosas interesantes sobre mí, por ejemplo, que no soy una persona demasiado agradecida. He intentado integrar el sentimiento de gratitud en mi vida y creo que he mejorado un poco, pero debo recordármelo constantemente. A veces, un gesto amable provoca gratitud en mí; en cambio, otras veces siento que mi afortunada situación global es algo que doy por sentado.” -Stefan Sagmeister

ANEXOS Anexo 1. Ranking del diseño mundial

World Design Rankings anunció los rankings por países según el número de premios de diseño ganados en concursos y premios con jurado internacional. Estados Unidos se clasificó como el número 1 entre los 100 países representados, seguido de China, Japón, Italia, Gran Bretaña, Hong Kong, Turquía, Taiwán, Portugal y Australia, que ocuparon los primeros puestos en 2018. Actualmente Estados Unidos Ocupa la segunda posición en cuanto a cantidad de premios de diseño ganados.

GLOSARIO • Shakers: Grupo de colonias francesas ubicadas en Estados Unidos en el siglo XVIII. • Bauhaus: Es el nombre de una escuela de arquitectura y diseño fundada por Walter Gropius en Alemania en 1919. • Tipografía: Es el arreglo artístico de la letra de una forma legible y visualmente atractiva. La tipografía, por lo general, se refiere al diseño y uso de varios tipos de caracteres de una forma que ayude a comunicar mejor, visualmente, las ideas. • Tipo de letra serif: Es un tipo de letra con pequeños trazos decorativos (llamados ‘serifs’, o serifas) que se encuentran al final de las líneas horizontales y verticales. Los tipos de letra serif suelen tener una apariencia profesional, autoritativa y tradicional. • Tipo de letra sans serif: Es un tipo de letra sin pequeños trazos decorativos. Los tipos de letra sans serif suelen verse más modernos, elegantes y limpios que sus homólogos con serif. • Logotipo: Es un tipo de logo en donde el nombre de la empresa es diseñado de una forma visual. Piensa en marcas como Google, Ikea, Disney. • Isotipo: Es un tipo de logo en donde se utiliza un símbolo en lugar del nombre de la empresa; por ejemplo, el logotipo de Apple. Los isotipos están acompañados comúnmente por un logotipo, pero no siempre. • Cuadricula: Es un marco formado por columnas y filas que se cruzan y están divididas uniformemente. Las cuadrículas ayudan a los diseñadores a alinear y a arreglar los elementos de una forma más rápida, ordenada y consistente. • Textura: Cuando se trata de diseño, la textura se refiere a la superficie táctil real de un diseño, o la tactilidad visual de tu diseño. Al superponer imágenes y gráficos con textura sobre tu diseño, normalmente puedes crear una apariencia visual de tactilidad que refleja la textura real. • Abstracto: El concepto de abstracto procede del término latino abstractus y significa alguna cualidad con exclusión del sujeto. Cuando la palabra se aplica al arte, hace referencia a que no se pretende representar seres o cosas concretos; en cambio, se atiende solo a elementos de forma, color, estructura o proporción

• Diseño Editorial: Rama del diseño dedicada a la maquetación, edición y estructuración de publicaciones como revistas o libros. • Diseño Gráfico: Es el arte o disciplina cuyo fin consiste en idear y proyectar mensajes con carácter e identidad propia a través de la imagen. • Diseño Publicitario: Al igual que el diseño editorial, el diseño publicitario también se encarga de la maquetación de publicaciones impresas, aunque también trabaja soportes para otros medios. • Publicidad: La publicidad es una forma de comunicación impersonal y de difusión de información, ideas u opiniones, con la intención de persuadir a un público objetivo, haciéndole recordar y realizar cierta acción. • Propaganda: La palabra propaganda procedente del latín, y significa acción y efecto de dar a conocer. Por su parte, la información que se “propaga”, tiene como objetivo influir en la actitud de una comunidad respecto a alguna causa, principalmente comprar un producto o contratar un servicio, aunque también puede perseguir ejercer influencias políticas o ideológicas.

CIBERGRAFÍA • https://historiados.files.wordpress.com/2010/08/copia-de-certamen-segunda-parte-doc.pdf • • https://prezi.com/rishovgoiuzf/historia-del-diseno-grafico-en-estados-unidos/ • • https://budamarketing.es/historia-del-diseno-grafico/ • • http://fido.palermo.edu/servicios_dyc/blog/docentes/trabajos/24819_81991.pdf • • http://hdgiesne.blogspot.com/2012/12/historia-del-diseno-grafico-en-la.html • • https://slideplayer.es/slide/2550218/ • • https://budamarketing.es/historia-del-diseno-grafico/#Los_anos_50_en_Estados_ Unidos • • https://issuu.com/jhosedliscano/docs/libro_historia_del_dise_o_compresse • • https://issuu.com/byronsin9/docs/graphicdesigntheory_helenarmstrong • • https://sofiasayegh.com/el-diseno-grafico-en-epoca-de-guerra/ • • http://www.crestock.com/blog/design/the-evolution-of-propaganda-design-us-retro-posters-S122.aspx • • http://www.crestock.com/blog/design/the-evolution-of-propaganda-design-us-retro-posters-122.aspx • • https://www.nextu.com/blog/diseno-grafico-2019/ • • https://es.wikipedia.org/wiki/Categor%C3%ADa:Dise%C3%B1adores_gr%C3%A1ficos_de_Estados_Unidos • • https://issuu.com/nadiamendez149/docs/revista_final_nadia • • https://www.adlatina.com/publicidad/las-20-mejores-agencias-creativas-de-la-historia-de-los-estados-unidos-seg%C3%BAn-avi-dan

• https://www.websa100.com/blog/las-5-agencias-de-marketing-digital-mas-importantes-de-estados-unidos/ • • https://prezi.com/dhecteiuftmz/diseno-grafico-norteamericano/ • • https://medium.com/@rubendcq/escuela-de-nueva-york-dise%C3%B1o-gr%C3%A1fico-y-publicidad-7090f2520bf7 • • https://nanopdf.com/download/escuela-de-new-york-taller5-histdiseno8a-b_pdf • • https://www.bbc.com/mundo/noticias-39487191 • • http://www.evaluacion.azc.uam.mx/assets/estados-unidos-de-america-tipografia-pop.pdf • • http://www.monografica.org/04/Art%C3%ADculo/5824 • • https://graffica.info/public-sans-tipografia-de-los-estados-unidos/ • • https://www.paredro.com/herb-lubalin/ • • https://es.wikipedia.org/wiki/Frederic_William_Goudy • • https://es.wikipedia.org/wiki/Morris_Fuller_Benton • • https://es.wikipedia.org/wiki/Michael_Everson • • https://www.classphoto.es/blog/la-historia-de-la-fotografia-mas-reproducida-de-los-eeuu/ • • https://www.youbioit.com/es/article/15935/primera-fotografia-en-estados-unidos • • https://www.bbc.com/mundo/noticias-41711746 • • https://www.workshopexperience.com/fotografos-norteamericanos-siglo-xx/ • • https://okdiario.com/curiosidades/10-fotografos-que-marcaron-historia-fotografia-2967799 • • https://www.actitudfem.com/celebridades/famosos/enterate/historia-de-walt-disney •

• https://www.biografiasyvidas.com/monografia/disney/ • • https://canalhistoria.es/blog/walt-disney-creador-de-suenos/ • • https://tentulogo.com/disney-la-compania-que-cambio-el-significado-de-infancia-para-siempre/ • • https://issuu.com/padeditorial/docs/9788434237742 • • https://budamind.com/los-300-fracasos-de-walt-disney-71734c89966e

La edición y diagramación se realizó en el mes de mayo de 2020, En Bogotá Por Gina Carolina Beltrán Ramos y Raúl Fernando Ramos Calderón

EL DISEÑO GRÁFICO EN ESTADOS UNIDOS w El diseño en estados unidos se ha manifestado fuertemente desde el siglo XVIII con las comunidades Shakers y ha venido evolucionando, pasando por por diferentes corrientes artísticas y estéticas y conviertiendo de esta profesión a un proceso funcional aplicable a diferentes ramas como el diseño industrial, arquitectura y al diseño gráfico; a la forma de vida y pensamiento de las personas, brindando así personas y profesionales que puedan seguir alimentando de forma crítica a esta hermosa disciplina.