DISEÑO EN JAPóN
Jose Hernández - Andrés Rodríguez
DISEÑO EN JAPÓN
DISEร O EN JAPรณN
Jose Hernandez Forero Andrés Rodríguez Ramírez © De esta edición: 2020 por Corporación Universitaria Unitec. Bogotá D.C. Segunda edición: Julio de 2021 Hecho en Colombia
Gracias por la paciencia de hacer un interes la uniรณn de esta familia. Para esta persona que solo sabe cuidar de sus hijos. con brillo en sus ojos como solo una madre puede tenerlo. A Gloria Lucia.
“La herencia de toda la riqueza cultural solo le pertenece a aquellos que estan dotados de los medios para apropiarsela.â€? A pesar de estar a la vanguardia en temas tecnologicos, El diseĂąo japones respeta la historia y las tradiciones de su pueblo. Jose Hernandez
introducción El diseño es un elemento de la vida que combina imaginación, creatividad libertad de expresión y visión. Pero hay algo muy importante que todos no saben sobre dicho arte, “Todos podemos hacerlo”. La mayoria de las personas creen que el diseño es simplemente decorativo, el diseño es el alma de todo lo creado por el hombre. Lo importante es que no existe una formula secreta, y dicha formula no es obligatoria. Todo lo necesario esta en tú cabeza y las ganas de lograr algo, que te apasione y que inspire a los demás sean artistas o no, como crear, modificar, escribir, publicitar y vender una pieza o producto impactará a las personas de manera imaginable, poder contar con los elementos basicos del diseño puede ayudar a comprender la armonia, escencia y equilibrio de cada objetivo a lograr. EL diseño es el arte de la comunicación visual atra vez de textos, imagenes, simbolos o ilustraciones. Cada persona implementa y desarrolla su diseño en orden a su personalidad o momento emocional, ideas y objetivos. Pero es siempre tener en cuenta aspectos basicos que van a facilitar la visión principal de dicha creación teniendo en cuenta los pilares del diseño que se pueden representar en colores, tipografía, arte visual y distribución del diseño. Uno de los aspectos más importantes del diseñador, es las ganas de aprender y no tener miedo de crear nuevos proyectos o ideas. 11
Este libro tiene una profundidad en el estilo y historia del diseño japones, y esta dirigido a diseñadores, pintores, artistas y todo tipo de persona que este interesada en la comunicación visual. Podrán entender el hecho de como los japoneses han logrado adaptarse hace muchos años a las tendencias gráfica, y con un sello muy inusual de ellos, mantienen su cultura e historia muy reflejada en todas sus piezas, y no siempre son piezas que manejan el blanco y el rojo solamente. Ahora entenderemos porque el diseño japones nunca ha estado desapercibido.
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índice Introducción 11 Historia 17 Cap1 La cultura y el diseño japones 23 Colores brillantes 24 La sencillez 25 Un sistema 26 Economia 28 Actualidad 29
Cap II Primera generación de diseñadores 31 Shigeo Fukuda 33 Yugo Nakamura 34 Ikko Tanaka 36
Cap III La tipografía como medio de expresión 39 El Hiragrama 40 Primeros manuscritos 42 En que sentido se escribe 44 La caligrafía 44
Cap lV Cartél Japones 47 Un Ambito 48 Festival Matsure 49 Cartél 49 Influencia 53
Cap V
La ilustración Japonesa 55
Los artistas 56 El almazan 57 La sencillez 58 Una época 59 La ilustración 62
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Cap Vl
La llegada de la fotografía a Japón 63
Consecuencias 66 Nagasaki y Yokohama 68
Cap VII Japón es tendencia 71 Una nueva generación 72 La moda 74 Tecnicas Visuales 76 Los Colores 78 Influencia 82 La cultura 82
Cap VIII El color en el diseño arquitectonico 85 Colores Brillantes 86 La pinceladas 87 Gráfica Urbana 88 El drágon 90 La filosofia 91
Cap lX Los fundamentos del diseño japones 93 Muji 95 Principios 96 Uno de los ejemplos 98
Capitulo X El diseño en la ciudad del sol naciente 101 Aspectos fundamentales 102 Una cultura basada en la sencillez 104 Asimetria e irregularidad 106 Capacidad de sugerir o de insinuación 107
Capitulo XI Principios de la estetica japonesa 109 Principios 110 Shibumi 111 Shizen 112 Kanzo 113 Fukinsei 115 Tapsuzoku Yohaku No Bi 117 14
Capitulo XII La arquitectura 119 Colores brillantes 120 La restauración 121 Occidentalización 122 La estructura es casi la misma 123 Periodo prehistorico 125 Usuka y la arquitectura 126
Capitulo Xlll Periodo Heian 129 Kamakura y Muromashi 130 Azushi Momoyama 132 Periodo Edo 133 Arquitectura Colonial 134
Capitulo XIV El Heisei 137 Economia de burbujas 138
Apéndice 139 Anexo 141 Glosario 143 Cybergrafía 147 Colofón 149
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Historia
DISEÑO Japonés historia Japón experimentó una rápida transformación cultural mientras estaba bajo la ocupación de las Potencias Aliadas entre 1945 y 1952. Durante este período, el Imperio de Japón se disolvió oficialmente, y una democracia constitucional se instaló en su lugar en 1947. Al igual que sus aliados de guerra Alemania e Italia, Japón se vio obligado a transformarse de un poder militar en uno económico, aunque el país había experimentado su revolución industrial
relativamente temprano en comparación con otros países no occidentales: el inventor e industrial Sakichi Toyoda había diseñado el primer telar de vapor de Japón en 1896, y había sido fundamental para el crecimiento de la moderna industria de la seda de Japón.
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Historia
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n la post-guerra en Japón, cuando el país habia emergido como mayor potencia en el ámbito industrial, el diseño grafico se fue envuelta en mayor manera a la profesión de servir a las necesidades de industrias e instituciones culturales.
Un dibujo es simplemente una linea que va a dar un paseo. Paul Klee
El Diseño Constructivista Europeo y Occidental tuvo una importante influencia en el diseño Japonés, pero estas lecciones fueron asimiladas con la teoría del arte tradicional Japonés. Por ejemplo, la tradición de la cresta familiar inspiró a muchos diseñadores Japoneses, y conformó así su forma de diseño tan característico. Del mismo modo, composición simétrica, el colocamiento central de formas icónicas, y paletas de colores en armonía, y artesanía meticulosa –muchas características son del arte Japonés- fueron elementos usuales en las gráficas Japonesas. La primera generación de diseñadores gráficos que emergió después de la guerra fue liderada por Kamekura Yusaku1, cuya importancia a la emergente comunidad de diseño gráfico le dio el seudónimo de “Jefe”. El póster propositivo de Kamekura en 1967 para la Expo Mundial de Japón ’70 en Osaka, por ejemplo, se puede visualizar su habilidad de combinar los experimentos ceremoniosos del siglo XX Modernista con el tradicional sentido de armonía Japonés. 1 fue un artista gráfico japonés y diseñador gráfico especializado en gráficos comerciales y conocido internacionalmente por su poster art
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Historia
En contraparte de las tendencias formales encontradas en muchos de los diseños gráficos Japonés, algunos diseñadores Nipones se sintieron atraídos por otras fuentes de inspiración para acercarse a otros problemas de comunicación-visual. Iconografía de diversos medios de comunicación masiva-incluyendo comics (manga), películas populares de ciencia ficción, y fotografías de periódicosproporcionó un rico vocabulario para Yokoo Tadanori, quien comenzó su trabajo en los años 60s inspiró a una nueva generación de diseñadores gráficos de Japón. En sus primeros carteles y portadas de revistas utilizó una gran variedad de técnicas contemporáneas; por ejemplo, utilizó líneas sólidas en sus dibujos para contener pantallas de color fotomecánicas. rabajó en un idioma Pop-art, pero al mismo tiempo veneraba las imágenes Japonesas como una fuente de material, más la imagen contemporanea. Con el paso del tiempo, los efectos de montaje se volvieron muy importantes para Yokoo y para sus diseños de fotografía y elementos gráficos llenados con luminosidades dramáticas.
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Historia
influencia Si existe una hibridación cultural del Japón en este siglo es por la influencia de la cultura occidental, mucha de la tradición conceptual del diseño japonés se mantiene en el presente estableciéndose un puente con el pasado y un gran sentido de continuidad de la tradición. Una cultura urbana muy peculiar de Japón, sofisticada propia y original -ha adoptado métodos occidentales a pesar del constante contacto comercial y mantiene su carácter distintivo.
el diseñador El diseñador en la gran industria japonesa es un anónimo en una gran corporación en esa fórmula completa que incluye mercado y ventas. Los objetos tradicionales operativos y funcionales siguen apareciendo ahora en serie en la gran industria. El diseño es detallista y cercano a la naturaleza, como condición de la cualidad de ascetismo que caracteriza al diseño tradicional japonés.
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Historia
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japonés evoca el alto nivel ascético de las tradiciones aplicada a las artes, desde la cerámica a la arquitectura. Para otros estudiosos es la fuerte visión del consumo en sus centros de producción de la posguerra.Y se entiende que es un problema de discusión que se genera desde distintas posiciones culturales e históricas. Lo que sí es cierto que se mantiene la tradición religiosa ascética1 y más tarde se sucede la irrupción de la tecnología en una sociedad en constante crecimiento económico e industrial, lo que se traduce en una eficiencia importante y en la creación de innumerables implementos de la vida moderna, consecuencia de la política de industrialización que combina la experiencia económica y la búsqueda de mercados, visualizando la experiencia de los mercados mundiales. 2
El ascetismo es la doctrina filosófica o religiosa que busca, por lo general, purificar el espíritu por medio de la negación de los placeres materiales o abstinencia
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Cultura
Capítulo I la cultura y el diseño japones
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eneralmente la cultura oriental aparece como algo demasiado esotérico y lejano a nuestro entendimiento. Los viajeros en la antigüedad visitantes de esos lejanos territorios -como Marco Polo- se maravillaron de las producciones artísticas de objetos y de la arquitectura de los diversos pueblos de oriente. Observaron y, en la descripción de las costumbres y el uso ritual de los objetos utilizados para esta actividad, de cierta manera describieron ciertos elementos que caracterizaba su diseño, manifestando la admiración por ese arte y esa cultura.
El objetivo del arte es representar no la apariencia externa de las cosas, sino su significado interior. Aristóteles
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Cultura
Colores brillantes
La religión y la vida moral son circunstancias que influyen en el diseño en las civilizaciones en un primer momento, y también en Japón se perfila esta condición en la elaboración de artefactos artesanales. Posteriormente -la época contemporánea- en la era de producción masiva, el diseño industrial expresará elementos de esta tradición, pero con la característica de estar modernizada. www.pexels.com
El diseño japonés es funcional en correlación con las condiciones de vida y existencia, tanto social como de una continua y arraigada tradición religiosa. Como ejemplo ilustrativo señalaremos la ceremonia ritual del The; Cha-No-yu que representa los roles ascéticos. (The que es importado de China).
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Cultura
la sencillez www.pexels.com
La sencillez también puede encontrarse en el ‘Ikebana‘, arreglo floral, que se ofrece al altar budista y que es utilizado en la decoración, además una forma de diversión y de constante contacto con la naturaleza. A fines del siglo IV a.C. hubo contacto entre los reinos de Japón y la península de Corea, manifestándose en una gran influencia coreana en diversas artes como: tejido, metales, curtido de pieles y construcción de barcos, artes que habían alcanzado un gran desarrollo en China en el periodo dinástico Han. (El Japón Hoy. 1976) La plantación y la cosecha del arroz requiere un trabajo intensivo y por eso los japoneses desarrollan una forma particular de secado y cocinado. Este es un caso en el que se aprecia como las condiciones
naturales y el sentido de la vida japonesa influye en el diseño, en su sensibilidad y en su sistema de vida.
De hecho, el diseño japonés no está alejado de los reflejos naturales entre la complejidad de las condiciones ambientales y la sensibilidad, en la cual la gente interactúa constantemente con el medio ambiente. Similar a los pintores chinos, los pintores japoneses orientan sus producciones hacia los rasgos característicos del paisaje nacional; el mar, los arrozales, los cerezos, etc. La influencia coreana y China están manifiestas en la tradición del Budismo y el Confusionismo que impulsaron un orden en la sociedad y el Estado: el confusionismo manifestado como filosofía de la vida. En el aspecto del lenguaje, escrito específicamente en la ortografía, encontramos que esta provee de medios para la comunicación. En el uso de los caracteres video gráficos; la ortografía se expresa y es usada para producir 25
Cultura
un sistema
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caracteres fonéticos, que considera una combinación de ambos. Destacando un estilo propio en la Kana y surgiendo distinguidos calígrafos, naciendo asimismo a un nuevo diseño calígrafo japonés. Para el Siglo octavo de nuestra era, son importados elementos de las instituciones y artes continentales; del budismo en la acción de una fe de protección estatal a una fe de salvación individual. La influencia se encuentra manifestada en el ámbito artístico que fue y ha sido muy fructífera en la creación artística de imágenes budistas muy peculiares del Japón. El budismo llega a ser más filosófico que el shintoismo y fue introducido en el siglo XVI. Aunque el shintoismo1 fue exaltado deliberadamente por el gobierno en el siglo XIX para reanimar el orgullo nacional y el respeto la vida cultural destaca,
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Es el nombre de la religión nativa en Japón.
Otros han visto lo que es, y preguntan por qué. Yo he visto lo que podría ser, y me he preguntado por qué no. Pablo Picasso
Cultura generación al emperador, conjuntándose en esta acción, la religión y la política. Para el Siglo XI, en el periodo del llamado feudalismo japonés los jefes militares dominaban su propio territorio. En la época imperial, los emperadores no tenían gran poder político, cumplían además el papel de ser figuras religiosas, sin participar en funciones de gobierno. www.pexels.com
los monjes budistas organizan su vida en torno a la austeridad, a la pobreza; y en la idea de la economía, lo que complementa la espiritualidad. Por otra parte, la coexistencia de estilos propios y extraños fueron asimilados por Japón del mundo occidental. Los portugueses llegaron en 1542, teniendo contacto con el catolicismo en el siglo XV -en 1547 el religioso San Francisco Javier introduce el cristianismo- a pesar de la condición política de existencia de un periodo feudal cerrado a las influencias extranjeras. www.pexels.com
ya que se expresa en la influencia de esta en las artes. Pero este periodo los japoneses se apropiaron de la técnica de fundición del hierro y bronce; y los artesanos y herreros utilizaron innovaciones en hornos de fundición empleando carbón de piedra -elemento abundante- y el invento de un fuelle para inyectar aire Es necesario señalar como
Actualmente es manifiesta esta coexistencia cultural que es consecuencia histórica de la llegada del confusionismo, la influencia Europea, y posteriormente, la apertura a la modernidad, con el avance en su educación pública de tipo europeo, conviviendo asimismo la permanencia de su corte imperial con su ancestral conservadurismo, pero que retoma elementos modernos de estilos de vida de los países europeos: como lo es, la cocina francesa, por ejemplo.
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Cultura
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economía Japón es una de las más grandes economías mundiales, gracias a haber sabido adaptar tecnologías occidentales y hacerlas propias. El diseño en Japón se ha desarrollado y ha variado debido múltiples factores: guerras, crecimiento económico y cambios sociales, que ha experimentado a lo largo de su historia. El proceso de occidentalización e industrialización del Japón comenzó a mediados de siglo XIX. Este proceso fue llamado Revolución Meiji, una trasformación económica política y social que supuso el punto de partida de la sociedad moderna japonesa. Dicho cambio estuvo estrechamente ligado a distintos conflictos, desde la Revolución Meiji hasta después de la Segunda Guerra Mundial. Luego de este último conflicto bélico Japón tuvo un periodo de escasez y de dificultades, el cual pudo revertir en algunos años, recuperándose industrial y económicamente hasta llegar a ser 28
Cultura
una de las economías más importantes del mundo. Actualmente Japón es líder en el área automotriz y electrónica; pero a pesar de estar a la vanguardia en lo que refiere a tecnologías occidentales, de igual forma respeta los elementos de la cultura japonesa tradicional.
actualidad Estos elementos se ven influenciados por ámbitos tanto sociales como religiosos, en especial las creencias sintoísta y budista. Para nosotros como occidentales es difícil comprender estas características que definen al diseño japonés. Tenemos que conocer el contexto donde se desarrollan. Personalmente he investigado sobre dos aspectos que pueden ayudar a comprender estos elementos de la estética japonesa: la ceremonia del té y el concepto de Wabi-Sabi. Otro concepto que ayuda a entender la estética japonesa es el Wabi-Sabi. Este define los principios de belleza y perfección.
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Primera Generación
Capítulo ii PRIMERa generación de DISEÑADORES
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n pleno siglo XX, como en otros países alrededor del mundo, Japón estaba sufriendo cambios importantes influidos por guerras, revoluciones y cambios políticos. El país del «sol naciente» ,emergió como una gran potencia en el ámbito industrial y cultural. El diseño constructivista Occidental marcó una gran influencia en el diseño japonés, que nunca dejo de lado en sus aportaciones, el arte tradicional nipón. Después de la guerra emergió la primera generación de diseñadores, liderada por Kamekura Yusaku quién diseño el poster para la Expo Mundial de Japón ’70 en Osaka. Podemos ver como se combinan elementos modernistas del siglo XX con el estilo tradicional y armonioso japonés.
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Primera Generación
Otro gran diseñador japonés que inspiró a una nueva generación de diseñadores gráficos en Japón, fue Yokoo Tadanori. Yokoo comenzó su trabajo en los años 60 y realizó una gran cantidad de carteles y portadas para discos utilizando tanto vanguardias como técnicas contemporáneas, por ejemplo el pop-art y el collage. Muchos diseñadores occidentales han alimentado su estilo con el conocimiento del diseño gráfico japonés.Y es que en esta cultura hay mucho para explorar. Quizá el diseño gráfico de Japón te llame tanto la atención como a mí, así que si quieres conocer más sobre él, descubre aquí 4 cosas que nunca imaginaste sobre el diseño gráfico nipón.
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Primera Generación
Shigeo Fukuda
Sus piezas de arte generalmente conllevan engaños, como su Lunch With a Helmet On (almuerzo con casco), una escultura creada con tenedores, cuchillos y cucharas, que proyecta la sombra detallada de una motocicleta. La obra de Fukuda va desde lo bidimensional a lo tridimensional, de los objetos a los reflejos, de la luces a las sombras. Maestro de ilusiones ópticas, creaba figuras ambiguas imposibles y efectos mágicos de sombras y luces. Un lenguaje único para comunicar imágenes con distintas posibilidades de interpretación.
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Shigeo Fukuda nació el 4 de febrero de 1932 en Tokio, y murió el 11 de enero de 2009. Distinguido escultor, diseñador gráfico y maestro de la cartelería, fue creador de ilusiones ópticas. Es uno de los diseñadores japoneses más conocido y el de mayor trascendencia en el mundo del diseño en los últimos 40 años. Ilusionista, artista de la decepción, logra con sus trucos ópticos introducir al espectador en la realidad de lo irreal para luego encantar ante la imposibilidad de resolver lo que las personas ven y que la razón se niega a entender.
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Primera Generación
Yugo Nakamura
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Es considerado el gran genio del flash, además de uno de los diez mejores diseñadores del planeta. Sus animaciones son interactivas y es uno de los primeros diseñadores que usaron flash 4. En su trabajo se puede notar una clara influencia de sus estudios en Arquitectura.
(se destaca en el área de construcción de puentes). Actualmente es director creativo de algunas agencias gráficas y trabaja por su cuenta en la interacción de ambientes digitales conectados. Hacia la década de 1990, aún estudiando, comenzó a interesarse por los productos interactivos y la internet, por lo que empezó a crear interfaces sencillas con efectos basados en la memoria, el tiempo y la aleatoriedad. Fue desarrollando su estilo, y hacia 2003 formó parte del movimiento Los nuevos amos del Flash, en alusión a ese programa de animación por computadora. Nakamura habia ideado imágenes fluidas, naturalistas, que demostró cuan poderosa herramienta de creación Flash 4 podría ser. Diseñó un sitio Web que llamó “MONOcrafts” y que fue el producto de casi una década de experimentación y trabajo informático.
El diseñador japonés Yugo Nakamura, nacido en Nara en 1970, estudió ingeniería, arquitectura y diseño paisajístico en la Universidad de Tokyo, pero luego se especializó en el campo de la gráfica, aunque sin abandonar sus raices como ingeniero
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Primera Generación
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Para abordar la obra de “YUGOP” quien genera diseño de interfaces1, la cual trata sobre la animación web, y sus sorprendentes ideas, que se catalogan como únicas, así como sus habilidades de programación que lo distinguen a nivel mundial, lo que nos lleva a tratar de identificar de donde nacen para inspirar su creación, por lo cual tomaremos como base la entrevista generada por Naoko Fukushi, en el año 2004, que define e identifica su obra bajo una constate que se mantiene hasta el año 2017. Utiliza las matemáticas que subyacen a la complejidad natural para crear interacciones en línea, que son utilizables y familiares porque su comportamiento se basa en el mundo natural Como artista encontró en una de sus obras favoritas (Sony Camcamtime), que estaba perdiendo el camino por no tener una idea de “que es el diseño”, el cual le dio la oportunidad de hallar su propio diseño ““mi” diseño”, ya que este proyecto trataba de un reloj que se visualizaba en la web y que se construye a partir de los aportes de usuarios al ingresar videos de forma contributiva. 4 Una interfaz se utiliza en informática para nombrar a la conexión funcional entre dos sistemas, programas, dispositivos o componentes de cualquier tipo, que proporciona una comunicación de distintos niveles, permitiendo el intercambio de información.
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Primera Generación
Ikko Tanaka
en su totalidad. El diseñador japonés se formó en la Escuela de Bellas Artes de Kioto, donde se graduó en diseño en 1950. Tras su licenciatura comenzó a trabajar en una empresa textil, aunque tras dos años se trasladó a Osaka donde comenzó a trabajar en la documentación gráfica de un periódico y como ayudante de escenografía. on otros diseñadores gráficos japoneses, en 1953 funda el Club A, que se convierte en un centro neurálgico del diseño y las artes gráficas en el que se debatían y analizaban conceptos, técnicas y tendencias.
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kko Tanaka nació en 1930 y falleció en 2002, dejando tras de sí una extensa obra gráfica y un poso significativo en la historia del diseño gráfico. Su trabajo contribuyó a expandir por todo el mundo la cultura nipona y su estética, con una mezcla de respeto a la tradición milenaria japonesa con las tendencias más modernas del diseño gráfico occidental.
En 1957, Ikko Tanaka llega a Tokio, donde trabaja como director creativo de Light Publicity, auténtica cantera de talento gráfico en Japón. Dos años más tarde tiene lugar un punto importantísimo en su trayectoria,
Tanaka es mundialmente conocido por su trabajo como diseñador de carteles, aunque trabajó otros ámbitos como el packaging, la escenografía o la imagen corporativa
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Primera Generación
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cuando en Tokio se celebra la Conferencia Mundial de Diseño. Tanaka se hizo cargo de las relaciones internacionales y del diseño del evento lo que le hizo entrar en contacto directo con los mejores diseñadores del mundo y supuso un escaparate perfecto para su trabajo. Para Ikko Tanaka, el diseño debe adaptarse al encargo concreto, al proyecto. Una de sus bases es abordar el tema con la mente abierta e intentar cumplir con las necesidades concretas del cliente. A pesar de ese profundo respeto a los clientes, Tanaka desarrolló al tiempo un estilo único y fácilmente reconocible. Quizás para Tanaka fue sencillo cumplir con sus clientes, ya que sus clientes buscaban a Tanaka. Su estilo es muy ecléctico y variado, con tintas planas de colores intensos y formas geométricas; aunque también trabajó con otras técnicas como el grabado o la fotografía.
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Tipografía
Capítulo III la tipografía como medio de expresión
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Tipografía
el hiragrama En la cultura del diseño japonés es inmensamente diferente a la cultura del diseño occidental por un gran número de razones, pero específicamente, la complejidad del sistema de caracteres japoneses. “Se requiere mucho trabajo para crear una tipografía japonesa”, Ryan Hageman says, “y por esta misma razón no hay demasiadas tipografías existentes y expresivas de las cuales elegir... Para un póster o portada de libro, es más fácil dibujar los caracteres para una cuantas palabras que crear un tipografía completa”. Debido al hecho de que esta letra a menudo se crea de manera personalizada para cada proyecto, normalmente se destaca mucho en los diseños.
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Tipografía
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La letra como elemento gráfico focal para enmarcar la imagen y dirigir la atención hacia el contenido escrito. Las letras personalizadas crean un elemento visual sorprendente, y uno que no se reproduce fácilmente gracias a su naturaleza única y artesanal. Los hiraganas permiten transcribir el japonés sin ambigüedad, al contrario que los kanji. Cada hiragana representa una única vocal o una consonante seguida de vocal. Durante tus clases de japonés, aprenderás que existen unas tablas de correspondencia fonética entre los kanas (hiragana y katakana) y sus transcripciones romaji según el método Hepburn1, el más utilizado en el extranjero para transformar la lengua japonesa en letras latinas. 5 fue diseñado por el reverendo James Curtis Hepburn para transcribir los sonidos del idioma japonés al alfabeto romano para su diccionario japonés-inglés, publicado en 1867. 41
Tipografía
primeros manuscritos Los japoneses no tuvieron lengua escrita hasta el siglo IV d.C. Cuando querían escribir, tenían que utilizar los caracteres chinos. De hecho, no fue hasta el Período Yamato que los emisarios bilingües chinos o coreanos escribieron los primeros documentos japoneses en la Corte Imperial. Según Wikipedia, la enciclopedia libre, entre los años 710 y 784, que coinciden con el Período Nara, los japoneses empezaron a utilizar los ideogramas chinos en la lengua japonesa. Por lo tanto, la pronunciación de las palabras japonesas está asociada a los caracteres chinos: toman prestado el sonido de los caracteres chinos y eliminan su significado. Este tipo de caracteres se denominan «man’ygana». Este último sistema evolucionará hasta dar lugar al hiragana, que se estableció en la primera mitad del siglo X. Descubre más sobre las reglas gramaticales y la sintaxis del japonés..
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Un dibujo es simplemente una linea que va a dar un paseo. Paul Klee
Tipografía
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Las escrituras primitivas se descubrieron en los siglos XIX y XX. Se se trataba de: «Una serie de caracteres pictográficos, otros rúnicos en apariencia y otros más próximos al hangul (el alfabeto oficial del coreano) se consideran hoy en día creaciones distorsionadas que promovían el nacionalismo japonés durante la década de los 30 en el siglo XX». Esta década pertenecía a un período correspondiente al Imperio y al colonialismo japonés.
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Tipografía
¿En qué sentido se escribe ? se escribe sin espacios entre las palabras, de derecha a izquierda y de arriba abajo. Este formato de escritura se denomina «tategaki». No obstante, también es posible encontrar libros escritos en japonés según el formato «yokogaki», es decir, de izquierda a derecha y de arriba abajo, como en español. Este tipo de escritura es común en las obras científicas.
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la caligrafía Al igual que la escritura, la caligrafía japonesa también tiene sus orígenes en China, que se importó hacia el siglo VI junto con los ideogramas (denominados kanjis en Japón). La caligrafía o «shod» se ha convertido en un verdadero arte, sinónimo de
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Tipografía
refinamiento. En la cultura japonesa, las obras de caligrafía tienen tanto valor como la pintura o la escultura. Como se indica en la página web Japancalligraphy, la caligrafía se produce en un solo movimiento y se convierte casi en una expresión corporal. «Caligrafía japonesa Shodo es una de las bellas artes más populares en Japón. Las obras caligráficas valen no menos que las obras de pintura. Pero este tipo de bellas artes, además de todo, tiene el sentido filosófico. En el sentido más común la caligrafía es no más que el arte de escritura delicada. Un maestro, con su pincel
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de bambú y tinta china, crea en papel arrocero una verdadera obra de arte, y ésta lleva en si misma la armonía y belleza». El pincel. Fabricado con pelos de animal (cabra, caballo o tejón). La tinta. Se obtiene a partir de una mezcla de bistre, cola de origen animal y un poco de agua para hidratar la mezcla, que normalmente está seca y se encuentra en forma de barra sólida. La piedra de tinta. Sirve como apoyo para la preparación de la tinta y reserva, gracias a una parte ligeramente honda. El papel. Presenta un lado brillante y otro, absorbente, sobre el que se traza la caligrafía.
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Cartel
Capítulo IV cartel japonés
Nuestra tendencia para buscar inspiración en los mismos lugares hace que nos quedemos atascados en los terrenos de la creatividad.
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un Ámbito Se transforma en espectáculo de masas con llamativas vidrieras y carteleras, propias de las nuevas tipologías de esparcimiento que surgen en la ciudad: los cafés y las tiendas por departamentos: “El espacio propiamente dicho ya no constituye una novedad, la constituye lo que se inserta en el espacio, lo comercial, lo vendible…escenario de una modernidad que también ha creado el propio desarrollo japonés. (García Montiel, 1998: 56) El imaginario femenino deja de ser el de la bijin –mujer tradicional vestida con kimono– para convertirse en
la moga de los años ´20 y ´30. Es este modelo de mujer y de familia el que establecerá nuevas pautas sociales y culturales en Ginza.Y es a este tipo de consumidor al que se dirigirá la publicidad urbana. En este trabajo analizaremos los carteles publicitarios que surgen en este contexto, deteniéndonos en aquellos en que se utiliza la imagen femenina y su mercantilización, entendiendo que “las imágenes dan testimonio a la vez de las formas estereotipadas y cambiantes en que un individuo o un grupo de individuos ve el mundo social.
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festival matsuri
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a tienda Mitsukoshi, fundada en 1673, fue la primer tienda por departamentos. Se muda a Ginza en la década del ´30 constituyendo el símbolo del consumo moderno. Trascendiendo su función comercial, tenía además un rol sociocultural, ya que se hacían conciertos, exhibiciones de arte y hasta poseía un zoo en su terraza a fin de atraer a toda la familia. Los carteles publicitarios son diseñados por Tsunetomi Kitano, Hisui Sugiura y Hokuu Tada. Otro caso de estudio lo constituye Shiseido, que abre sus puertas en Ginza en 1872, fundada por Yushin Fukuhara y constituye la primer farmacia de tipo occidental.
Un dibujo es simplemente una linea que va a dar un paseo. Paul Klee
Sus ideogramas significan encuentro mutuo con la naturaleza. A fines del siglo XIX, comercializan los primeros dentríficos y emulsiones para el cabello.Ya al principio del siglo XX introducen los cosméticos: polvo facial, perfume, etc, famosos internacionalmente. En sus publicidades podemos observar un nuevo ideal femenino, sofisticado, estilizado, de cabellos y ojos claros. Los principales diseñadores de las publicdades de Shiseido en este período son: Ayao Yamana, Reika Sawa y Hiromu Hara.
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Cartel
Japón destaca por esa estética lograda con su sencillez y una noción artística única que lo hace sobresalir por encima de todos. El japonés es un ser dotado para el arte por lo que, a todos los niveles sociales, se halla siempre presente una preocupación por el equilibrio y la belleza de las cosas que le circundan; la limpieza y el buen gusto imperan. Así, se sabe rodear de los elementos que produzcan estos efectos. Los diseñadores contribuyen claramente a esta tendencia. Pero, según Keizo Matsui1, hay una extendida falta de calidad en el diseño gráfico cuando lo que prevalece es la captación del potencial consumidor aún a sabiendas que lo que se realiza es basura. Estos siete creadores están en la lucha por elevar la calidad de diseño que se difunde en las ciudades del Japón. Si nos preguntamos cual es el signo distintivo que resalta en el japonés llegaríamos a concretarlo en su adaptabilidad; su capacidad de asimilación. La adaptabilidad se hallaría en el origen de la sabiduría japonesa. 6
Diseñador gráfico
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La influencia de China en las artes del Japón es evidente y abiertamente reconocida. Pero todas las artes, al llegar al archipiélago, eran siempre modificadas tanto en la interpretación como en concepto y la ejecución debido a una idiosincrasia y concepto de la estética muy diferente al chino. Los japoneses, conscientes de su condición frente al gran gigante vecino, supieron orillar lo que de majestuoso y gigantesco contenía el arte chino, para lograr una impronta de sencillez y delicadeza en sus obras mundialmente reconocidas. La paradoja que aparece en Japón puede advertirse con la permanencia de la herencia de las imágenes del grabado del siglo
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influencia XVIII en los conceptos y realización del diseño de las imágenes en el Japón actual. Es sintomático cómo puede permanecer ese espíritu con el desarrollo de una imagen completamente embebida, igualmente, en su tiempo contemporáneo. Este es una de los aspectos que se deja entrever en esta muestra de carteles.Y es esa capacidad de adaptabilidad con la que los japoneses han sabido unir lo antiguo y tradicional con lo más nuevo e innovador. El hecho de que dos de estos diseñadores con edades alrededor de los 70 años estén produciendo con la misma fuerza icónica contemporánea y envueltos en la tecnología como la de los más jóvenes, es una evidencia de la simbiosis del pasado y el presente que los japoneses son capaces de realizar.
Las imágenes en estos carteles definen estilos precisos y diferentes en cada uno de los diseñadores, pero todos bajo esa mísma óptica oriental. En la mayoría de los carteles, los textos informativos quedan supeditados a una información confinada a los límites de la composición sin intervenir protagonísticamente en la definición de la imagen, excepto en un número de ellos donde la información es clave, y entonces los textos adquieren forma significativa enlazada e integrada armónicamente con el ser de la imagen
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En el sintoísmo y la mitología japonesa, Tsukuyomi es el dios de la luna. Hermano de Amaretuasu, la diosa solar, los géneros de ambos dioses son excepciones notables dentro de la cosmovisión de los pueblos, que tienden a darle a Lorenzo el carácter masculino y a Catalina el femenino. Ambas deidades nunca están juntas, creando el ciclo del día y la noche, debido a que Amaterasu se enfadó con su hermano por matar a Ukemochi, la diosa de la comida. Tsukuyomi es el testigo de excepción en la serie Cien aspectos de la luna, que el grabador japonés del siglo XIX Tsukioka Yoshitoshi creó al final de su vida y que fueron publicados por el editor Akiyama Buemon en Tokio. Sans Soleil acaba de editar una versión en castellano de esta obra que recoge una serie de acontecimientos que marcan la cultura japonesa. Una población que mayoritariamente sabía leer y que vivía concentrada en 54
Ilustración
Capítulo V la ilustración japonesa
grandes urbes es, sin duda, un buen mercado para el negocio de la literatura de ocio. Las novelas se vendían mejor si estaban ilustradas, así que floreció un próspero negocio de ilustración de libros, que pronto derivó en la creación de estampas independientes. Era un producto de consumo como el manga actual, de venta en kioscos y no en galerías de arte, sin pretenciosidad pero con gran calidad gráfica. Su temática iba desde la alta cultura hasta la sátira, pasando por la pornografía o el belicismo. Apreciado por las clases medias, no se consideraba parte del gran arte que disfrutaba la cumbre de la pirámide social japonesa.
El objetivo del arte es representar no la apariencia externa de las cosas, sino su significado interior. Aristóteles 55
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los artistas
ninguno de los artistas del ‘ukiyo-e’ ganó grandes cantidades de dinero y todos llevaron vidas bastante humildes y sin reconocimiento oficial debido a su bajo rango social», cuenta. «Por eso sorprendió mucho en Japón que los artistas más valorados en Occidente no fueran los grandes pintores de la tradición culta, sino los autores de las estampas ‘ukiyo-e’, como Utamaro o Hokusai
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El Japonesismo es como se denomina a la influencia de este tipo de grabado en pintores y artistas impresionistas. Édouard Manet, Edgar Degas, Claude Monet o Toulousse-Lautrec son solo algunos de los grandes nombres que coleccionaron estas estampas, que llegaban a occidente gracias a la apertura al exterior que trajo a Japón la restauración Meiji. La claridad de la línea, el espacio compositivo y la fuerza del color impactaron en el desarrollo del arte occidental.
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el almazan Yoshitoshi, el autor, es definido por Almazán como «el más genial de los artistas del grabado japonés de la segunda mitad del siglo XIX por su gran habilidad para el dibujo y su gran imaginación» y el «último maestro del grabado japonés». La modernización del siglo XX, con sus técnicas de impresión, achicó el espacio del grabado ukiyo-e. Este pasó de objeto de consumo de masas a elemento de prestigio para los coleccionistas. Un camino que una parte del arte popular suele transitar.
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la sencillez www.pinterest.es
Japón es un país que maravilla, que innova, que sorprende a todo aquel que lo mira de fuera, un país que sabe cual es el equilibrio entre la vanguardia y la tradición, un país donde su magia llego por medio del anime y manga a las tierras de occidente, un país que nos enamora con cada elemento nuevo que descubrimos de su cultura y sobre todo, un país con gran influencia en la ilustración que se hace actualmente. Fue 1990 la década que marco el boom del anime, un estilo de animación realizado en Japón. El anime tenia estilo y tramas diferentes a lo producido en occidente, elementos que enamoraron a muchos niños y adolecentes de la época. fue hasta 2008 donde la animación japonesa se volvió una industria popular fuera de Japón, que satisfacía a los fans de los noventa y que integraba a otros mas que se veían seducidos por el estilo, este nuevo auge y popularidad del anime se convirtió 58
en un puente para que la cultura japonesa pudiera permear en la cultura occidental. Es poco probable que exista un ilustrador sin conocimiento del anime o el manga, es mas probable que le disguste el estilo a que lo desconozca, incluso se han creado prejuicios sobre lo viciada que es la ilustración actualmente al recargarse en todo el estilo anime y manga, estos prejuicios son poco a poco rotos por los mismos ilustradores japoneses que tienen propuestas solidas y que distan mucho del cliché de ojos grandes y cabello erizado, no hay duda que muchos de ellos fueron influenciados por la animación y los estilos que esta maneja pero, aprendieron a tomar elementos de un mundo globalizado y de su misma cultura fundiéndose en nuevos y originales estilos.
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una época
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La ilustración existe en Japón desde épocas antiguas1, es un medio de comunicación por excelencia y los japoneses han sido muy habidos en el arte del dibujo. Es un país con propuesta en diseño e ilustración, propuestas que son altamente valoradas dentro de su país, pero ha sido gracias a la globalización y a la popularidad del anime y manga que mucha obra grafica del país llegue a occidente, lamentablemente el referente mas importante de grafica y de dibujo es el anime. Como se ha mencionado, Japón siempre ha tenido ilustradores, sin embargo, Los ilustradores actuales de Japón se han convertido en punta de lanza e influencia en varios mercados como la moda, la publicidad y el diseño, son un foco de atención creativo que muchas marcas buscan por la gran influencia que sus estilos tiene en los jóvenes de la actualidad, debido a que es el perfecto equilibrio entre los gustos modernos de un joven y la tradición de muchos elementos visuales que dialogan en una obra.
Otros han visto lo que es, y preguntan por qué. Yo he visto lo que podría ser, y me he preguntado por qué no. Pablo Picasso
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La pintura en Japón tiene su inicio posiblemente durante el período prehistórico japonés.
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Estos ilustradores han tenido una larga carrera y formación que les ha permitido pulir su estilo. Tenemos grandes ejemplos como NAOSHI, artista que utiliza los granos de arena para realizar sus obras y cuenta con un estilo agradable que le ha valido muchas exposiciones a nivel mundial.
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como una gran fuente de inspiración para su trabajo, esta estilización anime ha permeado mucho tiempo y se ha convertido en vicio que poco a poco pierde su encanto así como la misma industria de la animación, y esto es debido al excesivo bombardeo de obras con los mismos rasgos que se repiten una y otra vez. Así como los japoneses buscaron un nuevo estilo que se separara del anime, muchos ilustradores fuera de Japón han comenzado a generar estilos híbridos entre sus culturas y la cultura japonesa, resultando en elegantes propuestas que atraen a mas publico y agradan a aquellos que no gustan del estilo anime. Este movimiento de ilustración abre muchas posibilidades de mercado y mayor oportunidad para los ilustradores que están dando el paso en crear nuevas propuestas, oportunidades con marcas que han puesto su mirada en las propuestas e incluso que el mercado japonés voltee a ver lo que se esta haciendo en el mundo.
Otro gran ejemplo de ilustración en Japón es SATOSHI MATSUZAWA, artista que aprecia la delicadeza de la ilustración japonesa y pone en claro que mucha de ella no es tan original. Alrededor del mundo hay muchos ilustradores que beben del estilo anime www.pexels.com
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Tenemos ejemplos de artistas que han mezclado el arte urbano y el amor a la cultura japonesa para evolucionar sus estilos y ser observados por Japón, tal es el caso de TYSA, cuyo estilo fue del agrado del publico japonés y le valió una exposición en el país del sol naciente, convirtiéndose en referente de una grafica fresca. Tenemos casos interesantes como el artista TATOKI, mexicano de descendencia japonesa que ha logrado mezclar las dos culturas a las que pertenece, ofreciendo una obra original que se ha convertido en favorito de públicos femeninos. El anime es un elemento que mueve, inspira y genera grandes propuestas de la ilustración con un estilo característico, ayudo a difundir la cultura japonesa a occidente y el trabajo de muchos artistas, también ha provocado que muchos se salgan de el estilo anime y empiecen a experimentar con otros elementos, logrando refrescar la esencia del estilo, modificándola para que se adapte a nuevos mercados y aplicaciones. Es interesante como estos artistas que van surgiendo con nuevas propuestas, poco 61
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a poco se convertirán en los referentes principales de artistas del futuro. El anime y manga ha sido un medio por el cual muchos ilustradores han sido influenciados a la cultura japonesa y al estilo de dibujo que estos manejan en sus animaciones e historietas, sin embargo la excesiva producción y consumo del anime genera que el mercado de la ilustración se vea empapado en su mayoría por estilos que reflejan los elementos del manga y anime, ocasionando el desencanto de muchas personas y volviendo monótona la escena de la ilustración, sobre todo en medios de entretenimiento hermanos a la animación como los videojuegos y los comics. Como todo elemento que llega al punto mas alto de su explotación, siempre debe existir una salida que permita refrescar el medio, dando paso a una nueva iniciativa en ilustración, una iniciativa que ha empezado a cobrar fuerza y colocarse en la mira de marcas que buscan estar al día con lo que permeara la cultura durante un largo tiempo.
Fotografía
Capítulo VI la llegada de la fotografía a japón Durante los siglos XVII, XVIII y parte del XIX, Japón vivió una situación de aislamiento casi absoluto. En este periodo, denominado Era Edo y cuya cronología exacta abarca entre 1603 y 1867, el gobierno del shogunato Tokugawa controlaba con mano de hierro el contacto con extranjeros, limitándolo a intercambios comerciales que se producían en la isla artificial de Dejima, en la bahía de Nagasaki. Este férreo control había comenzado a raíz de la Rebelión de Shimabara (1637): el gobierno sospechó que detrás de la rebelión se encontraban los cristianos (católicos), así que tomó una serie de medidas: expulsó de manera definitiva a los españoles y portugueses del país, prohibió definitivamente el cristianismo y centralizó el comercio internacional en la isla artificial de Dejima, ya que desde ese momento ningún extranjero podía pisar el sagrado suelo japonés. Además del comercio con China, el shogunato permitió que se mantuviese el comercio con
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Fotografía
los holandeses, a través de la Compañía Holandesa de las Indias Orientales, ya que los holandeses, cristianos protestantes, habían contribuido a sofocar la rebelión. Sería a través del comercio holandés en Dejima como llegase la primera cámara fotográfica a Japón. Fue en 1843, aunque este primer aparato no llegó a ser utilizado, y fue devuelto a Holanda. Cinco años después se produjo la llegada definitiva de una cámara a Japón, también con los holandeses como intermediarios comerciales, y apenas una década después de la presentación oficial del daguerrotipo (que se produjo en 1839). Estas cámaras habían sido encargadas por Ueno Shunnojô, comerciante de Nagasaki formado en los rangaku o estudios occidentales (literalmente, estudios holandeses), y
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Fotografía
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habían sido adquiridas para Shimazu Nariakira, daimyo o señor feudal de la región de Satsuma, próxima a Nagasaki. Shimazu Nariakira se caracterizaba por su interés hacia el mundo occidental, bajo su mandato empezó la enseñanza de ciencia y tecnología occidental en las escuelas de la región, y también creó la Rangaku Koshujo, una academia de estudio del idioma holandés y la cultura occidental. Se conserva un retrato en daguerrotipo, datado en 1857, que constituye la primera fotografía japonesa conservada, y a la que el gobierno japonés concedió el
rango de Propiedad Cultural Importante, siendo la primera fotografía que recibía ese honor. Durante los primeros años, la fotografía estuvo vinculada a los holandeses. Sin embargo, en las postrimerías del periodo Edo, tuvieron lugar una serie de sucesos que cambiarían por completo la historia del país nipón1 y, en lo que aquí nos ocupa, supondrían un siguiente paso en el desarrollo de la historia de la fotografía japonesa. En 1853 se produjo la llegada a las costas japonesas de la expedición liderada por el Comodoro Matthew Perry, que buscaba establecer tratos diplomáticos y comerciales, a la fuerza si fuera preciso, y que coincidía con un momento de inestabilidad interna y decadencia del shogunato. 8
País del este de Asia, o a sus habitantes.
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CONSECUENCIAS como su destreza como fotógrafo. Realizó entre 400 y 500 fotografías daguerrotípicas, parte de las cuales sirvieron como modelo para litografías que ilustrasen A Journal of the Perry Expedition to Japan (1853-1854).
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En otra ocasión nos ocuparemos del desarrollo, causas y consecuencias de esta expedición. Lo que hoy nos interesa saber es que, entre sus miembros, se encontraba Eliphalet Brown Jr., un daguerrotipista, litógrafo y artista con una cierta reputación en la ciudad de Nueva York. Brown fue seleccionado personalmente por Perry para documentar gráficamente el viaje, debido a su habilidad como artista que compensaba su poca experiencia como daguerrotipista. Esta decisión resultó acertada, puesto que las habilidades de Brown como artista resultaron tan valiosas
Desgraciadamente, son muy pocos los daguerrotipos japoneses que se conservan. La mayoría de los realizados por Eliphalet Brown se perdieron en 1856, cuando se incendió la imprenta que había publicado el libro, y apenas se conservan tres de ellos. Respecto a la cámara importada por Ueno Shunnojô, el primer daguerrotipo realizado por un japonés que se conserva es el retrato de Shimazu Nariakira que hemos visto anteriormente. En términos generales, la fotografía fue recibida con superstición y recelo. Se creía que ser fotografiado era causa de enfermedad y muerte. En torno a 1880, la fotografía era ya algo cotidiano, lo cual puede apreciarse en la propia
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Fotografía
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lengua japonesa. El término japonés para “fotografía” es shashin, que literalmente significa “copia de la verdad”. Durante los primeros años, los fotógrafos fueron conocidos como shashin-shi, maestros de fotografía, pero a partir de la década de 1880, comenzaron a denominarse shashin-ya, vendedores de fotografía, lo que evidenciaba un uso y circulación cotidianos de fotografías. De todas formas, el comercio de fotografía se dirigía a un público extranjero, a todos esos viajeros que, por motivos profesionales o por ocio visitaban el país y se empapaban de su exotismo. Las supersticiones fueron erradicadas del pueblo japonés definitivamente gracias a los conflictos bélicos en los que Japón, como potencia emergente, estaba inmersa en el continente: los soldados se fotografiaban antes de movilizarse para que sus familias pudiesen conservar una imagen suya en caso de que no volvieran. Desde fecha temprana los japoneses comenzaron a crear negocios de fotografía. En la década de 1860 se conocen ya negocios en los dos principales puertos: Nagasaki y Yokohama. Aunque fue el segundo el que canalizó, en la era Meiji,
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nagasaki y yocohama
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prácticamente todo el tráfico de occidentales, Nagasaki seguía siendo un puerto importante en 1862, cuando Ueno Hikoma (1838-1904) abrió el primer estudio fotográfico regentado por un japonés. Hikoma era hijo de Ueno Shunnojô, aquel comerciante que había adquirido la primera cámara fotográfica que pisó suelo nipón, de manera que resulta lógico que se dedicase a explotar este negocio, todavía en un estado embrionario. Su formación y conocimiento de la técnica vino de mano de los holandeses que todavía comerciaban en Dejima, en un momento ya crepuscular del comercio internacional para esta
región, lo que influye en la cantidad de fotografías conservadas, pero no fue impedimento para que alcanzase una gran popularidad y fama. Se dedicó principalmente a la retratística, a un precio en ese momento todavía nada popular (un retrato de una persona equivalía a la paga de un artesano, y la cifra se incrementaba para los extranjeros), pero a pesar de ello logrando un gran éxito y prestigio internacional, llegando a aparecer en la novela Madame Chrysanthéme de Pierre Loti. Además de los retratos, realizó también vistas de la localidad. De todas formas, el centro neurálgico de las relaciones Japón-Occidente durante el periodo Meiji fue la ciudad de Yokohama. Fue en esta ciudad donde ejercieron su actividad los fotógrafos europeos, así como un gran número de fotógrafos japoneses, en muchos casos formados y herederos de estos occidentales.
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El estadounidense Orrin E. Freeman tiene el honor de ser considerado el primer fotógrafo occidental en abrir un estudio en Yokohama, en 1859; el flujo de fotógrafos que visitaron el país en expediciones anteriores y posteriores fue constante, y a partir de la década de 1860 sufrió un incremento considerable. De todos ellos, los más famosos y reconocidos fueron Felice Beato, el barón Raimond von Stillfried y Adolfo Farsari. Beato llegó al país en 1863, y fundó su primer estudio de fotografía de relevancia, «Beato & Wirgman artist & photographers», en asociación con el editor Charles Wirgman. En este estudio nació la costumbre que pronto se convertiría en el rasgo distintivo de la fotografía de la era Meiji: la coloración de las fotografías, para hacerlas comercialmente más atractivas. En los años posteriores, Beato formaría otros estudios, y terminaría abandonando el país en 1884, aunque su estudio sobrevivió hasta 1907.
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Tendencia en la actualidad
CapĂtulo VIi japĂ“n es tendencia
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Tendencia en la actualidad
una NUEVA generaciÓn
E
n el apasionante duelo entre la sastrería tradicional y el street¬wear, Japón toma la palabra. Una generación de diseñadores con una mirada más global y una propuesta en la que se cruzan influencias de Occidente y Oriente se abre paso desde la discreción. Sus nombres suenan a nuevo, aunque algunas de estas firmas llevan más de 20 años en el mercado. Muchas son repu¬tadas y populares, pero no están sobreexpuestas. No las encuentras en cualquier tienda de Europa y Estados Unidos. Rodeadas de ese halo de intriga, hay una sensación de descubrimiento cuando te encuentras con ellas en una tienda. Especialmente con firmas como Visvim, Undercover o Sacai”, explica Jamie Waters, editor de moda de la revista de estilo de vida y asuntos globales Monocle. La biblia del hombre informado moderno y estiloso lleva ya años poniendo el foco en Tokio. No es la
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Un dibujo es simplemente una linea que va a dar un paseo. Paul Klee
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primera vez que los japoneses dan muestras de su estilo.Ya a principios de los ochenta, diseñadores como Yohji Yamamoto y Rei Kawakubo desembarcaron por primera vez en París, haciendo temblar los cimientos del lujo tradicional. “Dejaron huella a nivel intelectual, conceptual y de silueta. Su influencia cambió la moda para siempre”, recuerda Alex Badía, director de moda de la revista especializada estadounidense WWD. También en el arranque de la década de 2000, la ya desaparecida revista de culto Fruits empezó a documentar los estilismos callejeros en el barrio de Harajuku y convirtió Japón en la meca de peregrinación de los investigadores de tendencias. Ahora, en un ambiente de inestabilidad y cambio
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Tendencia en la actualidad
la moda En la moda, Japón promete de nuevo una mirada refrescante contra el déjà vu que experimenta la industria en Occidente. El culto al detalle de clientes y diseñadores marca la gran diferencia. Los japoneses son especialmente meticulosos con el estilo del cuello o la calidad de los botones. Pequeñas cosas que los compradores europeos suelen pasar por alto, pero que ¬resultan determinantes para ellos. “Examinan el producto milímetro a milímetro, por dentro, por fuera, por arriba y por abajo. Para ellos tienen tanta importancia las partes de la prenda u objeto que se ven como las que no se ven”, explican José Luis Bartolomé y Albert Escribano, diseñadores de la firma española Hereu. En ese sentido, casi se podría decir que los compradores japoneses educan a los diseñadores occidentales en el arte del detalle. “Un par de pantalones destacan sobre otro si el bolsillo o los plegados están en el lugar adecuado, o si los botones son de la mejor calidad.Y muchas marcas niponas hacen esto a la perfección”, comenta Jamie Waters.
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Tendencia en la actualidad
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La moda japonesa se convierte en referente internacional. Una realidad que se evidenció en junio en la feria Pitti Uomo1, que se celebra desde 1972 en Florencia y que tradicionalmente reúne lo mejor de las tendencias para hombre. El evento ha logrado trascender su carácter comercial con propuestas de moda y cultura que atraen a los mejores diseñadores, compradores y editores del mundo, generando un interesante caldo de cultivo para la transmisión y creación de nuevas tendencias. Más allá de la pasarela y de los stands de la feria, son sus visitantes los que atraen todas las miradas. Ataviados con estilismos impregnados de carácter y personalidad, los asistentes de este año a Fortezza da Basso, centro neurálgico del salón Pitti Uomo, parecían celebrar una convención de los hombres mejor vestidos del mundo. 9
Pitti Uomo es una colección de eventos de la industria de la moda en Italia.
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Tendencia en la actualidad
técnicas visuales
A pesar de estar a la vanguardia en temas tecnológicos, el diseño japonés respeta la historia y las tradiciones de su pueblo.
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Tendencia en la actualidad
Este interés de Occidente por la moda japonesa es recíproco. Aunque la presencia nipona en número de expositores fue discreta de un total de , la afluencia de compradores del país asiático se situó en tercer lugar después de Italia y Alemania. Importantísimas tiendas como Barneys Japan, Beams, Matsuya, Tomorrowland o United Arrows no quisieron faltar a la cita en esta plataforma de exhibición que se ha convertido ya en un potente espacio de intercambio estético y cultural. La obsesión de los japoneses por la sastrería y su respeto por el saber hacer italiano tienen un impacto en los diseños procedentes de su país. “Es maravilloso cómo asumen influencias que les son ajenas y las trabajan con respeto a la moda y a los orígenes. Se toman muy
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en serio la herencia de una prenda”, explica Alex Badía, que pone como ejemplo el tejido vaquero. Siendo de origen estadounidense, los nipones lo han mejorado hasta convertir el denimjaponés en el mejor del mundo. Algo parecido ocurre con su interpretación del streetwear o del estilo americano. En el stand de Brunello Cucinelli, una de las marcas italianas con más proyección internacional, Sakura Endo, su responsable de comunicación, explica cómo la sastrería clásica atrajo a los compradores japoneses hacia el Pitti. “Ellos solían vestir esas suaves chaquetas tipo Armani, pero hace 10 años surgió allí una moda llamada Italian Classical que proponía un estilo más sofisticado y clásico, de aires europeos”. Fue entonces cuando algunas de las tiendas multimarca más potentes del país se empezaron a interesar en esta feria para conocer de cerca la estética italiana y se intensificó esta dialéctica de estilos. 77
Tendencia en la actualidad
los colores
Los colores llamativos, los diseños de caracteres exagerados, las personalidades visualizadas y la información densamente comprimida es lo que caracteriza a muchos diseños japoneses, y son estas técnicas las que pueden usarse como una fuente de inspiración. Uno de los pioneros de esta fructífera conexión estilística y cultural entre Italia y Japón fue Giuseppe Marenzi, fundador y propietario de la firma italiana Herno. Marenzi inauguró su primera tienda en Osaka en 1968, convirtiéndose así en una de las primeras marcas italianas en expandirse en el mercado nipón. Emprendió el camino junto a Seiji Okuda, por entonces responsable de la marca en Japón. Ahora, los hijos de ambos siguen sus pasos. Claudio Marenzi es el actual CEO de la firma, y Hiroaki Okuda, mánager de Herno en el país asiático. Amigos desde niños, jugaron y crecieron juntos.
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Tendencia en la actualidad
Un dibujo es simplemente una linea que va a dar un paseo. Paul Klee
También juntos son testigos de cómo el viaje de Europa a Japón que iniciaron sus padres se ha convertido en un constante trayecto de ida y vuelta. Claudio Marenzi1 viajó por primera vez a aquel país en 1986. Le fascinó “la armonía de los contrastes”. Desde que su padre empezó el negocio con la familia Okuda, entendió y absorbió la cultura y la tradición de un país que considera su casa fuera de Italia. De hecho, reconoce influencias japonesas en su propia marca: “El diseño depurado de la estética japonesa me fascina. Si algo comparten japoneses e italianos es el orgullo de arreglarse y de intentar mejorar su imagen a través del estilo. Claudio Marenzire resalta la elegancia como punto en común. “La diferencia es que en Italia es algo innato, está en nuestra sangre, mientras que allí existe un culto a la elegancia. Es el resultado final de una potente y profunda investigación”, matiza.Y así, radares activados, cada nueva temporada compradores y diseñadores toman nota de lo que se hace a un lado y otro del planeta. Para continuar con ese emocionante estudio estilístico que cambia permanentemente de dirección. De momento, parece que este año todas las miradas apuntan hacia Japón.
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Presidente y CEO de Herno Spa y del Sistema de Moda Italiano.
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Una cosa que notarás cuando explores el diseño japonés es que rebosa de color y vida. La combinación de colores más común para el diseño japonés es el rojo, dorado y negro, pero cuando busques entre cualquier archivo notarás su espectro completo de paletas. Este uso de color está firmemente arraigado en la cultura japonesa en general. Échale un vistazo a las calles de Harajuku, o la intensidad de Shibuya. Tiene sentido que este amor por todos los colores se traspase al diseño gráfico. La civilización china ha sido desde sus inicios más remotos muy consciente del color y su potencial tanto expresivo como simbólico. Esto se manifiesta en los mitos, en la religión, en el arte y en la ciencia. Tanto estética como intraestéticamente es permanente en esta cultura la referencia al color. Desde el siglo VII A.C que se conocían y se denominaban como tales los cinco colores básicos: rojo, amarillo, azul, blanco y negro; estableciéndose correspondencias con las estaciones, los puntos cardinales, los materiales, órganos, sabores y los cinco planetas conocidos hasta entonces. La referencia a los cinco colores está presente en los escritos compilados por Confucio (siglo V ac) en el Libro de los Ritos como así también en el Tao Te Ching de Lao Tzu, es decir en las dos grandes vertientes del
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Tendencia en la actualidad
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pensamiento chino de la Antigüedad: el confucianismo y el taoísmo. En el arte pictórico, el uso del color distingue las escuelas del Norte de las del Sur. Mientras que en la Escuela del N fue utilizado con fines decorativos y realistas, en la del Sur el color se situaba en un segundo término ya que lo fundamental no eran las formas sino transmitir los sentimientos del artista frente a la naturaleza. Se utilizaba el pincel y la tinta predominando el blanco y negro. Esta distinción es de carácter filosófico. Los letrados consideraban con cierta desconfianza el color, como un elemento secundario, resultante de los cambios del Ying y del Yang. Por ello señalaban que había que usar los pigmentos con moderación. En la búsqueda de lo esencial se consideraba que “servían más a sus propósitos los valores y matices de la aguada que las brillantes seducciones de los colores, pertenecientes al mundo de los reflejos y de los aspectos contingentes de los relativo y lo transitorio” (Courtois, 1969:37). Una teoría taoísta, que se desprende del libro fundamental, el Tao Te Ching de Lao Tzu: “los cinco colores ciegan la vista del hombre... luego el sabio alimenta su vida interior y no sus sentidos
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Tendencia en la actualidad
influencia En la cultura tradicional coreana, también está presente la teoría de los cinco elementos.En el diseño de la bandera, se simbolizan los principios del ying-yang. Está compuesto por los cuatro trigramas en negro, que representan el cielo, la tierra, el fuego y el agua y en el centro la esfera representativa del ying-yang en rojo (yang) y azul (Ying). El rojo reglamentaba tradicionalmente los rangos jerárquicos: la clase gobernante vestía sólo en rojo y amarillo; el pueblo por el contrario en tonos acromáticos, permitiéndose el rojo sólo para las bodas.
la cultura Tanto en la china como en la japonesa y también en la coreana, el rojo es un color vinculado al poder y a lo sagrado, por ello de buena fortuna y protección. En Japón, es el color del sol y por ende del Emperador, ya que en la cultura shintoísta, éste es venerado y su poder divino proviene de la diosa del sol. En esta cultura, rojo y blanco son colores auspicios. Tal como ha señalado el especialista británico John Hutchings, “son los colores
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Tendencia en la actualidad
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de las celebraciones en Japón.Esto ha sido importado de China en el siglo VIII. Su uso se fue incrementando después de la adopción de la bandera en rojo y blanco en 1870”. (Hutchings,1997:775) Hemos visto muy brevemente la importancia del color en la cultura del oriente asiático,centrándonos en algunos aspectos de la misma. A continuación, observaremos como el “Barrio chino” –que se va conformando desde mediados de la década del ´80 con la llegada de los primeros inmigrantes a la zona, al apogeo que está cobrando en los últimos años,ya no sólo con inmigrantes de Taiwán sino de China Continental– constituye un microcosmos en el que están representados todos los aspectos de la antigua cultura en sus fachadas, vidrieras y objetos en los cuales el color constituye un relevante signo de identidad cultural. 83
Arquitectura
Capítulo VIIi El color en el diseño arquitectónico El color en el diseño arquitectónico tiene distintos usos y connotaciones. En un edificio o conjunto acromático, pintar parcialmente un sector del mismo de un color saturado actúa como signo icónico, el color por el color mismo, que delimita un sector, diferenciándolo del resto del entorno por contraste. Tal es el caso del salón de belleza “Ana” ubicado en la esquina de Arribeños y Olazábal, una esquina antigua estilo art nouveau en símil piedra, en el cual se destaca su acceso por estar pintado en color magenta.
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Arquitectura
Colores brillantes
El color también puede destacar un edificio en su totalidad, tal es el caso de la esquina de Arribeños y Mendoza: “Cantina Chinatown” una construcción con reminiscencias art-deco totalmente en rosa con carpinterías rojas, una dupla extraña para nuestro gusto occidental pero muy frecuente en la cultura china y no solo para edificios, sino para la gráfica tanto en impresos como en la web. www.pexels.com
En otros casos el color tiene significados simbólicos, a modo de ejemplo mencionaremos: . El uso del rojo como signo de identidad cultural está presente en la fachada de “Casa China”, uno de los primeros comercios naturistas chinos instalados en el barrio y en varios restaurantes: “Los manjares”, “Lai- Lai” y la imagen que remite a un “Torii”3 en el sector de acceso de la fachada del restaurant “Nuevo Chinatown”. www.cultura.gob.ar
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Arquitectura
las pinceladas www.cultura.gob.ar
Las pinceladas son otro motivo comúnmente recurrente en el diseño japonés. En parte este motivo está mayormente ligado a las prácticas tradicionales de la caligrafía japonesa, también conocida como una forma de arte llamada ‘Shodou’. En el arte Shodou, las pinceladas con frecuencia son más caóticas, veteadas y toscas, debido a que la forma de arte dicta no deberían hacerse correcciones a ninguna pincelada, sino que cada línea debería simplificar el flujo hacia la siguiente. Alejándose de las últimas tendencias en decoración, por las que los hogares se construyen cuidando extremadamente su apariencia de cara a publicar imágenes en redes sociales tales como Instagram o Pinterest,el wabi-sabi defiende las imperfecciones que hacen que una casa sea, precisamente, un hogar. Las pequeñas arrugas de las sábanas, las mantas mal colocadas, las estanterías ligeramente desordenadas...detalles típicos de todos los
hogares por los que, según esta filosofía japonesa, no merece la pena estresarse. Una respuesta a los excesos y las exigencias de la vida moderna que se traduce en tejidos naturales como el lino, diseños y formas orgánicas, colores apagados, muebles y maderas desgastados y piezas hechas a mano. Una apuesta que también te ayudará a convertir tu casa en un hogar eco-friendly. En una línea similar, el japandi surge como una fusión del aire moderno de la decoración escandinava y el estilo japonés, con el minimalismo y las líneas simples como sus principales señas de identidad. De nuevo, los materiales naturales y las piezas fabricadas a mano se convierten en las grandes protagonistas de los hogares, en los que la calidad prima sobre la cantidad. Una filosofía que puedes aplicar siguiendo cuatro sencillos pasos.
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Arquitectura
gráfica urbana
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La gráfica urbana comercial e institucional aparece en nuestro entorno cotidiano en distintas formas y soportes: estandartes, afiches, carteles, marquesinas, constituyendo el paisaje artificial netamente comunicacional de la ciudad. “La marca (procede del acto físico de la acción de marcar) desde la antigüedad y aún hoy constituye un signo gráfico que da lugar a los sistemas más complejos y elaborados de identidad... La marca es el primer signo de identidad. (Costa-Moles1999:70) Podemos observar en el barrio ejemplos de cómo se manifiesta visualmente en el diseño de identidad de marca comercial los contenidos culturales orientales: en la tipografía, en la iconografía y en el color: . La galería de arte oriental y salón de té BUDHABA ha diseñado sus tarjetas y cartelería exterior en rojo y tipografía en dorado, resignificando un típico chalet 88
Otros han visto lo que es, y preguntan por qué. Yo he visto lo que podría ser, y me he preguntado por qué no. Pablo Picasso
Arquitectura belgranense de muros blancos y tejas rojas. El supermercado SOGO tiene su cartelería en fondo amarillo y tipografías en rojo y negro. Dragón porteño” con su cartelería en los mismos tonos, las columnas y linternas en rojo. www.pexels.com
una actividad comercial de venta o servicio, su iconografía remite a un significado cultural oriental, es decir al sistema de creencias de esta cultura, destacándose las imágenes del dragón y del ying-yang1. 11
El yin y el yang son dos conceptos del taoísmo, que son usados para representar o referirse a la dualidad que esta filosofía atribuye a todo lo existente en el universo. www.cultura.gob.ar
“Fujisan”, es un restaurant japonés que se destaca cromáticamente con su sobriedad en blanco y negro, otro rasgo de identidad cultural vinculada a lo zen, diferenciada de la policromía china. Pero en el barrio también hallamos “marcas” que si bien están vinculadas a
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el dragón El dragón es una imagen que inspira profundo respeto en los chinos, es símbolo de poder, dado que fue el emblema dinástico por excelencia, pero también de protección y buena suerte, por ello aparece en decoraciones de platos, estatuillas, piezas gráficas y bordados. En el paisaje urbano se destaca en la gran marquesina de los restaurants “Todos contentos” en una imagen policromática que llama la atención por su gran tamaño en el paisaje urbano. Aparece elevándose a los cielos, una imagen vinculada a la antigua creencia china de la la sociedad campesina que le pedía al dragón que envíe lluvia- con su poder divino- en su subida al cielo para beneficiar los cultivos y así lograr buenas cosechas. El ícono del Ying-Yang es la otra imagen de profundos significados para esta cultura y lo podemos observar en marquesinas, fachadas y objetos de las vidrieras. Tal es el caso de “Skiln” (medicina tradicional), de Shin Shin y la recientemente inaugurada casa suerte (objetos de fengshui).Ying y Yang 90
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es un concepto fundamental en la filosofía taoísta: “juntos constituyen el Tao, el camino, el eterno principio de la armonía celestial y terrenal, el universo cuya vida y aliento reciben el nombre del chi” (Tao Te Ching). La imagen comparte dos colores (blanconegro o blanco-rojo) representando ambas fuerzas, pero hay un punto del Yin en el área del Yang y viceversa, simbolizando que tal como sucede en la naturaleza,
la filosofía ambas se alteran e interactúan y provocando constantes cambios. Sol (Yang) y luna (Yin), lo brillante (Yang) y lo oscuro (Yin), la tierra (Yang) y el agua (Yang), lo masculino (Yang) y lo femenino (Yin), el dragón (Yang) y el tigre (Yin) son algunos ejemplos de la oposición de estas fuerzas.
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Capítulo iX los fundamentos del diseño japónes
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uji o Mujirushi Ryohin, traducido al inglés como no-brand quality goods, es parte del cimiento de marcas como MINISO y MUMUSO, que han hecho de su propuesta una tendencia de diseño y manufactura hiper-eficiente. Aunque estas son con las que estamos más familiarizados, este principio comercial existe como parte de una profunda historia de lo comprendido por los principios de diseño japonés. El MUJI en un inicio se popularizó por su política de sin-logo, sin-branding y diseño simplificado. Revolucionando la industria con su fuerte disrupción acompañada con un equipo de los más talentosos diseñadores hoy existe en estatus legendario visto más que como una exitosa cadena comercial, como un especie de manifesto de la
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Anti-marca, el minimalismo y del rol invencible del diseño en el estilo de vida. No obstante, la marca se ha presentado a sí misma como una filosofía basada en un proceso de manufactura “extremadamente” racional en conjunto con conceptos de simplicidad o “emptiness” que ultimadamente crean la mejor universalidad. Un diseño en principio de canvas vacío para todos los sentimientos y pensamientos de un consumidor. Así es curioso pensar que en este clima comercial, MUJI sigue siendo una institución del diseño industrial y sus productos apelan a la gente tan distante del campo comercial como lo es el artístico. Esta delgada y peligrosa línea entre arte y diseño, siempre a existido
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EL MUJI importante ser económicos en describir este fenómeno. Este legado se ha hecho notable por todas las cualidades culturales específicas que conforman su imaginario, pero también por la variedad de valores intrínsecos por parte de sus diseñadores y en épocas modernas por la manera en que los pensamientos extranjeros se fueron filtrando en sus propias prácticas.
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y MUJI solo es un ejemplo entre millones. De manera sintetizada, el debate siempre a existido entre lo que le corresponde a la estética, a la funcionalidad, al arte y a la comercialización, pero precisamente MUJI a conglomerado todos estos conceptos bajo una misma casa como parte de un legado de pensamiento de diseño japonés que ha abogado por ideales más unificados que en lo que tenemos en occidente. El diseño en Japón tiene una historia ancestral y por ende es
Esta historia existe desde el budismo shinto y se ha desarrollado minuciosamente hasta movimientos modernistas relativos a la vanguardia americana del fluxus y más allá. Por esto mismo aquí solo hacemos menciones sintetizadas y más representativa de algunos de estos principios que hacen de esta historia de estética y diseño tan especial Es importante referirse también, al rol filosófico, espiritual y de estilo de vida que gira siempre alrededor de estos ideales, como lo es el de la filosofía zen1. En este universo de conceptos de estética japonés algunos de los principios más identificados y comprensivos: 12
Zen, o Budismo Zen, es una escuela de budismo Mahāyāna que se originó en China durante la dinastía Tang.
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PRINCIPIOS
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No hay manera de hablar de estos valores de diseño sin mencionar al diseño gráfico japonés. Históricamente, la relación comercial del diseño gráfico en japonés se distingue del occidental, porque en su desarrollo, muchos de los pioneros de este diseño tardaron en hacer una separación entre su objetivo y los valores artísticos con los que cargaban. Para su fortuna, este lento proceso se beneficia de un resultado donde se contrabandeaban estos valores a todo tipo de instrucciones de diseño como algo clave. Un compromiso del “beautiful yet practical”, no un debate. Yusaku Kamekura es uno de los pioneros de esta destreza y su trabajo comercial se ve reflejado en distintos formatos, como logos, empaques, libros y sus famosos posters. Su educación orientada por el Bauhaus es un complemento a los grandes principios del diseño japonés.
Otro de los principios más referidos, es el wabi-sabi concepto compuesto referente a la relación de belleza discreta y la transitoria. Observa componentes de la naturalidad como rústica e imperfecta. Un deterioro natural. Donald Keene académico japonés, sintetiza el valor fundamental de todos estos elementos en la estética japonés como Irregular Simple Sugestivo Perecedero
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Ikko Tanaka, una figura prominente por su trabajo comercial como también su contribución a diferentes exposiciones mundiales y por el desarrollo de Muji como director de arte junto con Kazuko Koike (consultor de mercadotecnia) y Takashi Sugimoto (diseñador de interiores). De la misma manera que es imprescindible hablar del lado puramente visual, el diseño japonés en el área industrial completa por su parte un fundamento de interacción más que de belleza. Es decir no solo la funcionalidad pero como cambia el uso del usuario para mejor. Kenya Hara es el sucesor de Ikko Tanaka dentro de MUJI y también a sido una figura predominante en el diseño y curaduría japonés. A sido un autor clave en la documentación de los conceptos de estética japonés y su relevancia en el estrato espiritual y filosófico. Shiro Kuramata un nombre de cajón para cualquier diseñador al ser uno de los más importantes diseñadores del siglo 20. Su introducción de materiales industriales y vocabulario influenciado por el arte occidental posguerra hacen un sincretismo de valores.
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Arquitectura
UNO DE LOS EJEMPLOS
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empresa ya no habla de diseño, pero de la innovación del concepto de diseño. Esta empresa a salido como una extensión de retail de la agencia consultora en diseño H Concept. La estrategia busca crear un embudo para los diseñadores en la industria y aspira a permear en diferentes mercados menos acostumbrados. Después de más de 35 años de trabajo continuo entre Japón e Italia, ha diseñado una vasta gama de productos que van desde objetos artesanales tradicionales japoneses (en “urushi”: laca japonesa, o “washi”: papel japonés) como vajillas cerámicas y lámparas, hasta productos de alta tecnología como televisores y robots. En su trabajo, constantemente crea y recrea la cultura de ambos países, que para el “solo están separados por una distancia que es simplemente geográfica”.
Es difícil hoy, dar un diagnóstico objetivo de que pasara con el inventario del diseño japonés actual, más cuando internamente se fragmentan sus estilos y externamente se tropicalizan los esfuerzo, pero sí es importante decir, que sea lo que sea en occidente al menos el método de pensamiento del diseño japonés tiene una audiencia que está más que feliz por incorporarlo a su vida. Uno de los ejemplos más populares y modernos está en KONCENT, que vale la pena enfatizar por la evolución que plantea en el modelo de negocios, referentes al diseño japonés. La
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Algunos de sus diseños son actualmente producidos por diversas compañías, incluyendo Sharp, Cassina, Moroso y Mitsubishi. Muchos de los productos han sido merecedores de diversos premios de diseño industrial en varios países, tales como el “Premio al Diseño de Producto” del “Instituto de Diseño y Negocios “en Estados Unidos, el “Premio de Diseño Mainichi” en Japón y el “Delta de Oro” en España. Así mismo algunos de sus productos hacen parte de colecciones de museos tales como el “Museo de Arte Moderno de Nueva York”, el “Centro Cultural Georges Pompidou” de Paris y la “Pinacoteca Moderna” en Munich. Es un diseñador activo, promotor y cuestionador del diseño que constante participa en eventos tales como el “Sistema de Buen Diseño” o el “Foro de Diseño en Osaka”, así como en talleres y simposios en varios países. En su trabajo personal constantemente investiga nuevos materiales y tipologías de productos útiles y a la vez con una gran carga de identidad y tradición japonesa, reinterpretando las lecciones de la artesanía de su país, que como el la describe “da un alma a los objetos y su diseño”. Actualmente es profesor de diseño industrial en la Universidad de Artes de Osaka y autor de los libros “Movimiento como Concepto” (1990), “Washi y Urushi, Reinterpretación de la Tradición” (1999) y “El Alma del Diseño” (2001).
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Capítulo x EL DISEÑO En LA CIUDAD DEL SOL nACIENTE
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on frecuencia leemos y oímos hablar del diseño italiano, nórdico o del mueble español, pero ¿Y el japonés? Habitualmente lo asociamos a ambientes minimalistas, sobrios y ordenados. Su estilo clásico es así, pero existen otras tendencias que prefieren la vanguardia a la tradición. Aquí os contamos cómo fue su historia. El diseño japonés históricamente fue seducido por el diseño industrial a finales del siglo XVIII y principios del siglo XIX. Tras la Segunda Guerra Mundial, Japón comenzó su recuperación económica, gracias a la reactivación de la producción industrial y, sobre todo, al ofrecer mano de obra muy asequible. En una primera
fase de este resurgir, los japoneses comenzaron a copiar y fabricar productos americanos y europeos para su posterior exportación, originando una saturación del mercado. Este hecho hizo que Japón se reinterpretase, centrándose así en la innovación tecnológica. Pero no todo fue su innovación tecnológica, también existió un fuerte movimiento hacia el diseño relacionado con la artesanía, el mobiliario y la iluminación, dedicados en su mayoría al uso en el ámbito doméstico y donde sí podemos observar las características estéticas de la cultura japonesa.
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aspectos fundamentales De este estilo de diseño, tenemos que resaltar 5 aspectos o conceptos fuertemente arraigados al diseño japonés: – Kanketsu que significa simplicidad. Esto nos encamina hacia el concepto básico de diseño, su simplicidad y con un acabado formal bastante limpio. Los adornos innecesarios no tienen ningún valor funcional. – Iki que significa algo sobrio, elegante y exquisito pero manteniéndose como en un segundo plano, sin querer resaltar pero, inevitablemente resalta. Las Geishas son consideradas Iki. – Mono no aware que se interpreta como ‘empatía hacia las cosas’. En el diseño japonés el reflejo humano en los objetos que nos rodean es de vital importancia. Es por ello que dotan a las cosas de la sensibilidad humana, alejada de cualquier creencia que pueda crearnos un prejuicio. – Wabi-Sabi que ya sabemos que se trata de perfección dentro de la
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imperfección. Si la perfección en las personas no existe, en los objetos y en los materiales que los conforman tampoco. En este punto es altamente valorado el flujo del tiempo y la reacción de los objetos a este fenómeno, produciendo armonía y melancolía. Los bonsáis son considerados Wabi-sabi. – Ma, que representa el vacío o el aire que da su propio espacio y peso a las cosas. Sin nada no puedes tener algo, precedente del menos es más. El blanco es el “ma”.
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Una cultura basada en la sencillez La estética japonesa, que es casi como una filosofía de vida por los conceptos que tiene en cuenta, no sólo ha dado forma a las artes tradicionales sino también a los códigos sociales y manera de ser de los japoneses, es decir, ha influido y mucho en el día a día de la vida japonesa y aun hoy se deja notar. Esta estética nipona se basa en una serie de ideales de belleza y valores estéticos (como miyabi, wabi sabi, iki, mono no aware, shibui, mujōkan, yūgen, johakyū, geidō…), pero, ¿qué hace que algo sea bello para los japoneses? La estética japonesa surge de la combinación de las dos religiones mayoritarias y más influyentes del país: el sintoísmo y el budismo. Mientras que el sintoísmo deja notar su influencia a través de la importancia de la naturaleza, el budismo zen lo hace en la caducidad e imperfección de las cosas.
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Un dibujo es simplemente una linea que va a dar un paseo. Paul Klee
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De ahí que surjan cuatro de los valores generales claves de la estética japonesa, que se oponen en cierta medida a la visión occidental del concepto de belleza y arte; son la asimetría o irregularidad, la insinuación o capacidad de sugerir, la caducidad y la sencillez o naturalidad.
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Asimetría o irregularidad i en Occidente buscamos la simetría y el equilibrio, entendiendo que si algo no es simétrico no es bello, porque está «descompensado», en Japón el desequilibrio visual es bello.Y lo es justamente porque «imita a la naturaleza», ya que la naturaleza es irregular, no simétrica. En la vida actual, podemos encontrar la importancia que tiene este valor estético por ejemplo en la celebración del mes de noviembre shichi-go-san,1 que celebra la irregularidad (de los años de niños y niñas). Los jardines tradicionales japoneses son un ejemplo perfecto de la belleza de la asimetría y la irregularidad; son jardines que imitan el paisaje de la naturaleza y por lo tanto son asimétricos e irregulares y justamente eso los hace bellos. 13
Consiste en un rito de paso en el que participan las niñas de 3 y 7 años de edad y los niños de 3 y 5 años de edad.
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Capacidad de sugerir o de insinuación Lo bello es lo que se insinúa, no lo que se muestra. Lo directo, franco, claro y sin ambigüedades es rudo y maleducado. Las cosas hay que darlas a entender, hay que sugerirlas, hay que mostrarlas de forma indirecta. Es la idea de «dar a entender sin decir». Las geishas son un claro ejemplo del poder de la insinuación, cubriendo su rostro de maquillaje blanco o vistiendo sobrios kimonos estampados pero dejando entrever el rojo del kimono interior
En Japón las formas bellas son las formas no rebuscadas o elaboradas, son las cosas pequeñas por encima de las grandes construcciones. Por ejemplo, las cerámicas raku o zen destacan por su imperfección aparente, por su tosquedad. No son refinadas, no parecen bien terminadas, parece que tengan defectos (que normalmente han sido deliberadamente añadidos). En este caso es una ‘naturalidad’ aparente. Mucho se podría decir, de todas formas, sobre si es realmente natural y sencillo algo a lo que se le han añadido estos defectos a propósito, de todas formas.
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Estética
Capítulo xi principios de la estética japonesa “La elegancia en Japón es el resultado final de una potente y profunda investigación”
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Estética
principios Antes de que los estudios occidentales sobre estética dentro de la filosofía llegaran a Japón, éste ya había determinado algunos conceptos. Estos conceptos son abstractos y difíciles de definir en términos occidentales, al grado que expresiones que se transportan a los demás idiomas como tal. A continuación 10 principios de estética japonesa y una definición aproximada de los mismos.
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Asimetría o irregularidad. La idea de que el balance regulador en una composición por medio de la irregularidad y la asimetría es un precepto central de la estética japonesa. El enso (“círculo zen“) en la pintura, por ejemplo, es dibujado frecuentemente como un círculo incompleto, simbolizando la imperfección como parte de la existencia. En diseño gráfico también el balance asimétrico es dinámico y bello. Intenta ver (o crear) belleza a través de la asimetría balanceada. La naturaleza misma está llena de relaciones de belleza y armonía que son asimétricas y sin embargo balanceadas. Ésta es la belleza dinámica que atrae. 110
Estética
Shibumi Bello siendo discreto, o ser precisamente lo que se tiene como propósito y no elaborado. Debe ser de una forma directa y simple, sin ser ostentoso. La estética en la simplicidad elegante, la brevedad articulada. En ocasiones el término se usa hoy en día para describir algo bello y minimalista, incluyendo tecnología y algunos productos de consumo. Shibui (literalmente significa “amargo”.
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Estética
Shizen Naturaleza. La ausencia de pretensiones o de artificio, un propósito completamente creativo y sin ser forzado. Irónicamente, la naturaleza espontánea del Jardín japonés que el espectador observa no es accidental. Es un recordatorio de que el diseño no es un accidente, incluso cuando intentamos crear un ambiente con sentimiento de naturalidad. No es la naturaleza cruda como tal, sino una con mayor propósito e intención.
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Estética
kanzo
Simpleza o eliminación de excedentes. Las cosas se expresan de una manera llana, simple y natural. Nos recuerda en no pensar en términos de decoración sino de claridad, un tipo de claridad que puede ser alcanzada a través de la omisión o exclusión de lo no esencial.
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Estética
Un dibujo es simplemente una linea que va a dar un paseo.
En medio de una tensa atmósfera de guerra, el Doctor Akagi, médico de un pueblo pesquero en una de las islas japonesas, está consternado por la cantidad de personas que caen afectadas de hepatitis, primera causa de muerte en el desnutrido país. Ante esta situación decide implicarse para salvar su integridad profesional. Se alía con sus viejos colegas, un monje bebedor y mujeriego y un cirujano nihilista1 adicto a la morfina, y una mujer que regenta un local de geishas. Además, Sonoko una joven ingenua y algo salvaje, se une al grupo como enfermera del Dr. Akagi. Desde la muerte de sus padres ha tenido a cargo a sus hermanos, y esto la ha llevado incluso a prostituirse alguna vez para conseguir dinero. Pero trabajando con el Dr. Akagi su destino cambia: ama a este original doctor y quiere pasar el resto de su vida junto a él
Paul Klee 14 El nihilismo médico es una posición que va más allá de «un escepticismo fuerte sobre esta o aquella intervención médica».
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Fukinsei Asimetría o irregularidad. La idea de que el balance regulador en una composición por medio de la irregularidad y la asimetría es un precepto central de la estética japonesa. El enso (“círculo zen“) en la pintura, por ejemplo, es dibujado frecuentemente como un círculo incompleto, simbolizando la imperfección como parte de la existencia. En diseño gráfico también el balance asimétrico es dinámico y bello. Intenta ver (o crear) belleza a través de la asimetría balanceada. La naturaleza misma está llena de relaciones de belleza y armonía que son asimétricas y sin embargo balanceadas. Ésta es la belleza dinámica que atrae. En la pintura del budismo zen, el ens simboliza un momento en que la mente es libre para simplemente dejar que el cuerpo o espíritu se ponga a crear. La forma se suele plasmar en seda o papel de arroz con un solo trazo (aunque en ocasiones el gran Bankei Ytaku invertía dos trazos) y no hay posibilidad de modificación. Así, la obra muestra el movimiento expresivo del espíritu en un tiempo dado. Los budistas zen «creen que el carácter del artista está
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totalmente expuesto en su manera de realizar un ens. Sólo una persona que es mental y espiritualmente completa puede plasmar un auténtico ens. Algunos artistas practicarán dibujando un ens cada día a modo de ejercicio espiritual».1 Algunos artistas pintan el ens con una abertura en el círculo, mientras que otros completan el círculo. Para los primeros, la abertura puede simbolizar distintas ideas, por ejemplo, que el ensno es una figura separada, sino que es parte de algo más grande, o que la imperfección es un aspecto esencial e inherente de la existencia (como ocurre también en la idea de simetría rota). El principio de controlar el equilibrio en la composición a través de la asimetría y la irregularidad es un aspecto importante en la estética japonesa: fukinsei, la negación de lo perfecto. El ens también es un símbolo sagrado en el budismo zen, y a menudo lo emplean los maestros zen a modo de firma en sus obras de tipo religioso. Un tema relacionado con la filosofía que encierra esta idea es Hitsuzend, el camino del pincel, o caligrafía zen.
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Datsuzoku
Libertad del rigor o la fórmula. Escapar de la rutina diaria o de lo ordinario. Fuera de este mundo. Trascender de lo convencional. Estos principios describen la sensación de sorpresa y asombro cuando uno se da cuenta que puede ser libre de lo convencional. La profesora Tierney dice que el jardín japonés está en sí mismo “hecho de materias primas de la naturaleza y su logro en revelar la esencia de lo natural como una sorpresa final. Muchas sorpresas están a la espera a la vuelta de un jardín japonés”.
Yohaku no bi Apreciación de la belleza en lo tácito, lo implicado o lo que no se expresa en una obra de arte. Una idea moderna aproximada es “menos es más”. Su enfoque está en lo que se deja fuera. Se relaciona con la idea de ku (vacío) y mu (la nada). Se puede observar en los jardines zen que consisten en grandes secciones de arena rastrillada o grava y en pinturas de tinta con grandes porciones de papel sin tocar. El término literalmente significa “belleza de lo extra blanco”. Aunque el término data de hace siglos, todavía se puede escuchar hoy en día.
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Capítulo Xii
la arquitectura La arquitectura japonesa ha sido tipificada tradicionalmente por estructuras de madera, elevadas ligeramente por encima del suelo, con techos de tejas o tejas. Se usaron puertas corredizas (fusuma) en lugar de paredes, lo que permite personalizar la configuración interna de un espacio para diferentes ocasiones. La gente generalmente se sentaba en cojines o de otra manera en el piso, tradicionalmente; las sillas y las mesas altas no se usaron ampliamente hasta el siglo XX. Desde el siglo XIX, sin embargo, Japón ha incorporado gran parte de la arquitectura occidental, moderna y posmoderna en la construcción y el diseño, y es hoy un líder en tecnología y diseño arquitectónico de vanguardia1.
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Se refiere a las personas y a las obras experimentales e innovadoras, en particular en lo que respecta al arte, la cultura, la política, la filosofía y la literatura.
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Arquitectura
Colores brillantes
La arquitectura japonesa más antigua se veía en tiempos prehistóricos en simples casas de boxes y tiendas adaptadas a las necesidades de una población de cazadores-recolectores. Influencia de la dinastía Han China a través de Corea vio la introducción de almacenes de granos más complejos y cámaras funerarias ceremoniales. La introducción del budismo en Japón durante el siglo VI fue un catalizador para la construcción de templos a gran escala utilizando técnicas complicadas en madera. Influencia de las dinastías Tang y Sui chinas condujo a la fundación de la primera capital
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permanente en Nara. Su disposición de la calle de tablero de ajedrez utilizó la capital china de Chang’an como una plantilla para su diseño. Un aumento gradual en el tamaño de los edificios dio lugar a unidades de medida estándar, así como a refinamientos en el diseño y el diseño del jardín. La introducción de la ceremonia del té enfatizó la simplicidad y el diseño modesto como un contrapunto a los excesos de la aristocracia.
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la restauración Durante 1868, la historia de la arquitectura japonesa fue radicalmente modificada por dos eventos importantes. El primero fue la Ley de Separación de Kami y Budas de 1868, que formalmente separaba el budismo del sintoísmo y los templos budistas de los santuarios sintoístas, rompiendo una asociación entre los dos que había durado más de mil años.
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occidentalización En segundo lugar, fue entonces cuando Japón pasó por un período de occidentalización intensa para competir con otros países desarrollados. Inicialmente, los arquitectos y los estilos del extranjero se importaron a Japón, pero poco a poco el país enseñó sus propios arquitectos y comenzó a expresar su propio estilo. Los arquitectos que volvieron de estudiar con arquitectos occidentales introdujeron el estilo internacional del modernismo en Japón. Sin embargo, no fue hasta después de la Segunda Guerra Mundial que los arquitectos japoneses hicieron una impresión en la escena internacional, primero con el trabajo de arquitectos como Kenzo Tange y luego con movimientos teóricos como el Metabolismo. la arquitectura tradicional japonesa Gran parte de la arquitectura tradicional de Japón no es nativa, sino que fue importada de China y 122
otras culturas asiáticas a lo largo de los siglos. La arquitectura tradicional japonesa y su historia están, como consecuencia, dominadas por técnicas y estilos chinos y asiáticos (presentes incluso en el Santuario Ise, considerado la quintaesencia de la arquitectura japonesa) por un lado, y por variaciones originales japonesas sobre esos temas por el otro. En parte debido también a la variedad de climas en Japón y el milenio comprendidos entre la primera importación cultural y la última, el resultado es extremadamente heterogéneo, pero sin embargo se pueden encontrar varias características prácticamente universales. En primer lugar, la elección de los materiales, siempre madera en diversas formas (tablones, paja, corteza de árbol, papel, etc.) para casi todas las estructuras.
Arquitectura
La estructura es casi la misma
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Los postes y los dinteles soportan un techo grande y suavemente curvado, mientras que las paredes son delgadas como papel, a menudo móviles y nunca soportan cargas. Los arcos y los techos de barril están completamente ausentes. Las curvas de Gable y alero son más suaves que en China y el entasis columnar (convexidad en el centro) es limitado. El techo es el componente más visualmente impresionante, que a menudo constituye la mitad del tamaño de todo el edificio. Los aleros ligeramente curvados se extienden más allá de las paredes, cubriendo galerías, y su peso debe por lo tanto ser soportado por complejos sistemas de soporte llamados tokyō, en el caso de templos y santuarios. Se adoptan soluciones más simples en las estructuras domésticas. Los aleros de gran tamaño le dan al interior una característica penumbra, que contribuye a la atmósfera del edificio.
Otros han visto lo que es, y preguntan por qué. Yo he visto lo que podría ser, y me he preguntado por qué no. Pablo Picasso
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Arquitectura normalmente consiste en una habitación individual en el centro llamada moya, desde la cual parten otros espacios menos importantes. Las divisiones del espacio interior son fluidas, y el tamaño de la sala se puede modificar mediante el uso de pantallas o paredes de papel móviles. El gran espacio individual ofrecido por la sala principal
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en parte de su entorno. Se tiene cuidado de mezclar el edificio con el entorno natural circundante. El uso de módulos de construcción mantiene constantes las proporciones entre las diferentes partes del edificio, preservando su armonía general. (Sobre el tema de construir proporciones, ver también el artículo Ken). Incluso en casos como el de NikkTsh-g, donde cada espacio disponible está muy decorado, la ornamentación tiende a seguir y, por lo tanto, a enfatizar, en lugar de ocultar, las estructuras básicas. Al ser compartidos tanto por la arquitectura sagrada como por la www.alamy.stock profana, estas características facilitaron la conversión de un edificio laico en un templo o viceversa. Esto sucedió, por ejemplo, en Hry-ji, donde la mansión de una noble se transformó en un edificio se puede dividir según la necesidad. Por ejemplo, algunas paredes se pueden quitar y religioso. diferentes salas se unieron temporalmente para dejar espacio a algunos invitados más. La separación entre el interior y el exterior es en sí misma, en cierta medida, no absoluta, ya que paredes enteras pueden ser removidas, abriendo una residencia o templo a los visitantes. Los miradores parecen ser parte del edificio para un extraño, pero parte del mundo externo para aquellos en el edificio. Por lo tanto, las estructuras se convierten, en cierta medida, www.pexels.com
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Periodo prehistórico El período prehistórico incluye los períodos Jmon,Yayoi y Kofun que se extienden desde aproximadamente 5000 a. C. hasta principios del siglo VIII a. Durante las tres fases del período Jmon, la población era principalmente cazadorarecolectora con algunas habilidades agrícolas primitivas y su comportamiento estaba determinado predominantemente por los cambios en las condiciones climáticas y otros estimulantes naturales. Las viviendas tempranas eran casas de pozo que consistían en pozos poco profundos con pisos de tierra compactados y techos de hierba diseñados para recolectar agua de lluvia con la ayuda de frascos de almacenamiento. Más tarde en el período, un clima más frío con una mayor precipitación llevó a una disminución de la población, lo que contribuyó a un interés en el ritual. Los círculos de piedra concéntricos aparecieron por primera vez durante este tiempo. Algunas de las primeras estructuras aún 125
Arquitectura Durante el período Yayoi, los japoneses comenzaron a interactuar con la dinastía Han china, cuyo conocimiento y habilidades técnicas comenzaron a influir en ellos. Los japoneses comenzaron a construir almacenes de pisos elevados como graneros que fueron construidos utilizando herramientas de metal como sierras y cinceles que comenzaron a aparecer en este momento. Una reconstrucción en Toro, Shizuoka es una caja de madera hecha de tablas gruesas unidas en las esquinas en un estilo de cabaña de troncos y apoyada sobre ocho pilares. El techo es de paja pero, a diferencia del techo típicamente a cuatro aguas de las viviendas en boxes, es un simple frontón en forma de V.
Asuka y la arquitectura existentes en Japón son los templos budistas establecidos en este momento. Los edificios de madera sobrevivientes más antiguos del mundo se encuentran en Hry-ji, al noreste de Nara. Construido por primera vez a principios del siglo VII como el templo privado del Príncipe Heredero Shtoku, consta de 41 edificios independientes; las más importantes, la sala principal de adoración, o Kon-d ( Golden Hall), y la pagoda de cinco pisos), se encuentran en el centro de un área abierta rodeada por un claustro cubierto (kair). El Kon-d, en el estilo de los salones de culto chinos, es una estructura de dos pisos de construcción de poste y vigas, coronada por un irimoya o tejado de tejas a cuatro aguas hecho de cerámica. www.alamy.stock
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Período Heian
Capítulo Xiii Periodo Heian Aunque la red de templos budistas en todo el país actuó como un catalizador para la exploración de la arquitectura y la cultura, esto también llevó a que el clero ganara más poder e influencia. El Emperador Kanmu decidió escapar de esta influencia moviendo su capital primero a Nagaoka-ky y luego a Heian-ky, conocido hoy como Kyto. Aunque el diseño de la ciudad era similar al de Nara e inspirado por los precedentes chinos, los palacios, templos y viviendas comenzaron a mostrar ejemplos del gusto japonés local. Los materiales pesados como la piedra, el mortero y la arcilla fueron abandonados como elementos de construcción, con paredes de madera simples, pisos y particiones cada vez más frecuentes. Especies nativas como el cedro (sugi) eran populares como un acabado interior debido a su grano prominente, mientras que el pino (matsu) y el alerce (también conocido como matsu) eran comunes para usos estructurales.
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Período Heian
Kamakura y Muromashi
Las tejas de ladrillo y un tipo de ciprés llamado hinoki se usaron para techos. Fue en algún momento durante este período que se adoptó el techo oculto, una solución única japonesa para los problemas de drenaje del techo. El tamaño cada vez mayor de los edificios en la capital condujo a una arquitectura que depende de columnas espaciadas regularmente de acuerdo con el ken, una medida tradicional de tamaño y proporción. El Palacio Imperial Shishinden1 demostró un estilo que fue un precursor del edificio de estilo aristocrático conocido como shindenzukuri. El estilo se caracterizaba por edificios simétricos colocados como brazos que definían un jardín interior. Este jardín luego utilizó un paisaje prestado para mezclarse aparentemente con el paisaje más amplio. En este momento, el estilo arquitectónico de los templos budistas comenzó a influir en el de los santuarios Shint. Por ejemplo, al igual que sus contrapartes budistas, los santuarios de Shint comenzaron a pintar las maderas normalmente sin terminar con el característico color rojo del cinabrio. 16
El Palacio Heian fue el palacio imperial original de Heian-kyō (la actual Kioto), capital de Japón del año 794 al 1868.
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Período Heian
El período de Kamakura comenzó con la transferencia de poder en Japón de la corte imperial al shogunato de Kamakura. Durante la Guerra de Genpei (1180-1185), muchos edificios tradicionales en Nara y Kyoto fueron dañados. Por ejemplo, Kfukuji y Tdai-ji fueron quemados por Taira no Shigehira del clan Taira en 1180. Muchos de estos templos y santuarios fueron posteriormente reconstruidos por el shogunato de Kamakura para consolidar la autoridad del shgun.
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Durante el período de Kamakura (1185-1333) y el siguiente período de Muromachi (1336-1573), la arquitectura japonesa hizo avances tecnológicos que lo hicieron algo diferente de su homólogo chino. En respuesta a los requisitos nativos, como la resistencia a los terremotos y la protección contra las fuertes lluvias y el calor y el sol del verano, los maestros carpinteros de la época respondieron con un tipo único de arquitectura, creando los estilos Daibutsuy y Zenshy.
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Período Heian
Azuchi Momoyama
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Durante el período AzuchiMomoyama (1568-1600) Japón experimentó un proceso de unificación después de un largo período de guerra civil. Estaba marcado por la regla de Oda Nobunaga y Toyotomi Hideyoshi, hombres que construyeron castillos como símbolos de su poder; Nobunaga en Azuchi, la sede de su gobierno, y Hideyoshi en Momoyama. La guerra de duringnin durante el período de Muromachi había llevado al aumento de la arquitectura del castillo en Japón. En el momento del período Azuchi-Momoyama cada
dominio tenía permitido tener un castillo propio. Típicamente consistía en una torre central o tenshu (heaven lit, defensa del cielo encendida) rodeada de jardines y edificios fortificados. Todo esto estaba ubicado dentro de enormes muros de piedra y rodeado de profundos fosos. Los interiores oscuros de los castillos a menudo fueron decorados por artistas, los espacios se separaron utilizando paneles deslizantes fusuma y pantallas plegables bybu. Matsumoto, Kumamoto y Himeji (popularmente conocido como el castillo de la Garza Blanca) son excelentes ejemplos de los castillos de la época, mientras que el castillo de Nij en Kyto es un ejemplo de arquitectura de castillo mezclado con el de un palacio imperial, para producir un estilo que es más de acuerdo con la influencia china de siglos anteriores.
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Período Heian
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Período Edo
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El shogunato Tokugawa tomó la ciudad de Edo (más tarde para formar parte del moderno Tky) como su capital. Construyeron una imponente fortaleza alrededor de la cual se construyeron edificios de la administración estatal y residencias para los daimys provinciales. La ciudad creció alrededor de estos edificios conectados por una red de carreteras y canales. Para el año 1700 la población se había hinchado a un millón de habitantes. La escasez de espacio para la arquitectura residencial dio lugar a la construcción de casas en dos plantas, a menudo construidas sobre zócalos de piedra elevada. Aunque las machiya (casas adosadas) existían desde el período Heian, comenzaron a refinarse durante el período Edo. Machiya típicamente ocupaba parcelas profundas y angostas colindantes con la calle (el ancho de la parcela generalmente indicaba la riqueza del propietario), a menudo con un taller o una tienda en la planta baja. Se usaron tejas en lugar de paja en el techo y las vigas expuestas a menudo se revocaron en un esfuerzo por proteger el edificio contra el fuego. Se construyeron edificios ostentosos que demostraban la riqueza y el poder de los señores feudales, como el Kamiyashiki de Matsudaira Tadamasa o el zone Shimoyashiki. 131
Período Heian
Arquitectura colonial
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Las autoridades coloniales construyeron una gran cantidad de edificios públicos, muchos de los cuales han sobrevivido. Los ejemplos incluyen el concepto a gran escala de lo que es hoy Ketagalan Boulevard en el distrito central de Zhongzheng de Taipei que exhibe la Oficina del Gobernador General, el Museo del Gobernador de Taiwán, el Hospital Universitario de Taiwán, la Casa de Huéspedes de Taipei, el Yuan Judicial, el Banco Kangyo y Mitsui Bussan Edificios de la compañía, así como muchos ejemplos de casas más pequeñas que se encuentran en la calle Qidong.
En Corea bajo la administración japonesa, los edificios públicos como las estaciones de tren y los ayuntamientos también se construyeron en varios estilos. Aunque se eliminó el antiguo edificio de Chosen Sotoku-fu, se tomaron medidas para preservar el antiguo edificio de la estación de Seúl (la antigua estación de Keijo) y la sede del Banco de Corea (el antiguo Bank of Chosen, diseñado por Tatsuno Kingo). Con la conquista y establecimiento del estado títere Manchukuo, se invirtieron fondos y esfuerzos masivos en el plan maestro de la ciudad capital de Hsinking. Muchos de los edificios construidos durante la época colonial siguen en pie hoy en día, incluidos los de las ocho oficinas principales de Manchukuo, el Palacio Imperial, la sede del Ejército de Kwantung y la Avenida Datong.
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Período Heian
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Después de la guerra y bajo la influencia del Comandante Supremo de los Poderes Aliados, el general Douglas MacArthur, la vida política y religiosa japonesa se reformó para producir un país desmilitarizado y democrático. Aunque se estableció una nueva constitución en 1947, no fue hasta el comienzo de la Guerra de Corea que Japón (como aliado de los Estados Unidos) vio un crecimiento en su economía provocado por la fabricación de bienes industriales. En 1946 se formó la Asociación de viviendas prefabricadas para tratar de abordar la escasez crónica de viviendas, y arquitectos como Kunio Maekawa presentaron diseños. Sin embargo, no fue hasta la aprobación de la Ley de Vivienda Pública en 1951 que las viviendas construidas por el sector privado fueron respaldadas por el gobierno. También en 1946, la Junta de Rehabilitación de Daños de Guerra presentó ideas para la reconstrucción de trece ciudades japonesas. El arquitecto Kenzō Tange presentó propuestas para Hiroshima y Maebashi.
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Heisei
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economia de burbujas anteriormente había impulsado la economía de Japón. Las comisiones para obras comerciales de arquitectura prácticamente se agotaron y los arquitectos confiaron en organizaciones gubernamentales y de prefecturas para proporcionar proyectos. Basándose en elementos del Centro de Cultura de Shnandai, Itsuko Hasegawa llevó a cabo una serie de centros culturales y comunitarios en todo Japón. Estos incluyeron el Centro Cultural Sumida (1995) y el Centro Comunitario Fukuroi (2001) donde involucró al público en el proceso de diseño mientras exploraba sus propias ideas sobre la filtración de la luz a través de las paredes externas hacia el interior. En su competencia de 1995 por Sendai Mediatheque, Toy It continuó sus primeros pensamientos sobre la dinámica de fluidos dentro de la ciudad moderna con columnas de “algas
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marinas” que sostienen un edificio de siete pisos envuelto en vidrio. Su trabajo más tarde en el período, por ejemplo, la biblioteca de la Universidad de Arte de Tama1 en Tky en 2007 demuestra formas más expresivas, en lugar de la estética de ingeniería de sus obras anteriores. Aunque Tadao Ando se hizo famoso por su uso del concreto, comenzó la década diseñando el pabellón japonés en la Exposición de Sevilla de 1992, con un edificio que fue aclamado como “la estructura de madera más grande del mundo”. Continuó con este medio en proyectos para el Museo de la Cultura de Madera, Kami, Prefectura de Hygo (1994) y el Santuario Komyo-ji en Saijo (2001). 17
Lugar donde todo el mundo puede descubrir su estilo de «interactuar», ya sea con los libros o con la tecnología multimedia, como si estuvieran caminando por un bosque o en una cueva, un nuevo lugar con espacios bajo las arcadas donde la suave forma y la mutua relación se crea simplemente atravesándolas, un centro focal donde un nuevo sentido de creatividad comienza a extenderse por el Campus de la Universidad.
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Apéndice
¿Qué tiene el diseño japonés para que sin ser especialistas en diseño gráfico o sin conocer las diferentes tendencias, podamos ser capaces de identificarlo? Más allá de modas y de preferencias, el diseño gráfico japonés suelen destacar entre otros muchos y permanecer en la memoria de quienes los contemplan. Hay algo en sus líneas, colores y mensajes que los hacen fácilmente identificables. No en vano, dicen que hay varios japoneses entre los mejores diseñadores gráficos del mundo.
Yugo Nakamura es uno de los referentes del diseño gráfico japonés, y en su estilo tiene gran protagonismo el movimiento, los números y la naturaleza. Hasta llegar a ser reconocidos por un estilo capaz de sintetizar el crecimiento industrial, los grandes avances tecnológicos y la cultura más tradicional, Japón ha pasado por diversas etapas de cambios sociales, políticos y revoluciones que han encontrado finalmente, su expresión gráfica en un diseño que combina el más puro estilo modernista con los símbolos más tradicionales y armónicos de la cultura japonesa.
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Anexo
En Japón no tienen muchas tipografías A diferencia de occidente donde las tipografías son -casiinfinitas, en Japón el número es limitado. Pese a ello, los japoneses tienen una gran ventaja: la simbología de sus caracteres, lo que hace posible que, por ejemplo, los logos de las marcas tengan mucho significado (aún cuando estén compuestas de un par de caractéres).
La estética japonesa se basa en su filosofía de vida Para entender el diseño gráfico japonés es necesario comprender la filosofía de vida de este lado del mundo, la cual no se rige por parámetros occidentales y difícilmente encuentra similitudes. 141
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Glosario
Animacion: Técnica o noción de movimiento que se aplica sobre un elemento o individuo. Anime: Es una palabra de origen francés que significa animado o vivo, y que los japoneses adoptaron en su lenguaje desde el año 1985 para referirse a los dibujos animados en la televisión. Ascético: El ascetismo es la doctrina filosófica o religiosa que busca, por lo general, purificar el espíritu por medio de la negación de los placeres materiales o abstinencia. Caligrafia: Conjunto de rasgos característicos de la escritura de una persona, de un documento o de una época. Caracteres: Conjunto de rasgos, cualidades o circunstancias que indican la naturaleza propia de una cosa o la manera de pensar y actuar de una persona. Coexistencia: Circunstancia de coexistir personas o cosas al mismo tiempo. Caracteres fonéticos: es el término griego “fono”, que significa ‘sonido’ o ‘voz’. La fonética utiliza un conjunto de símbolos. Constructivista: se refiere a todas aquellas teorías que no consideran a los seres humanos como receptores pasivos de experiencias y aprendizajes. 143
Creencias sintoísta: Es una religión que adora las fuerzas de la naturaleza, una creencia animista y chamánica que se basan en el respeto de las divinidades llamadas kami. Constructivista: Se refiere a todas aquellas teorías que no consideran a los seres humanos como receptores pasivos de experiencias y aprendizajes. Explorar: Recorrer un lugar desconocido o poco conocido para conocerlo o estudiarlo, o para descubrir lo que se halla en él. Emerger: Salir [algo o alguien] de dentro del agua o de otro líquido. surgimiento, de la salida, desde el interior de algún líquido o de cualquier otro reducto hacia la superficie. Esotérico: Que está oculto a los sentidos y a la ciencia y solamente es perceptible o asequible por las personas iniciadas. Estilo: Conjunto de rasgos peculiares que caracterizan a un artista, una obra o un período artístico y le confieren una personalidad propia y reconocible. Hibridación: es el proceso de mezclar diferentes especies o variedades de organismos para crear un híbrido Ideogramas: signo gráfico que representa un concepto o idea de forma sintética y no por análisis de sonidos o formas. Ilustrador: es un artista gráfico que se especializa en la mejora de la comunicación escrita, a través de representaciones visuales
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Paradoja: figura de pensamiento que consiste en emplear expresiones que aparentemente envuelven contradicción. Pioneros: [persona] Que realiza los primeros descubrimientos o los primeros trabajos en una actividad determinada. Pictográficos: forma de comunicación escrita que se remonta al neolítico, donde el hombre usaba las pictografías para representar objetos mediante dibujos en una lámina de piedra. Productos interactivos: Aquel que permite la interacción con el usuario en tiempo real que le permite al usuario obtener un resultado muy diferente. Refinamiento: rasgo que caracteriza a una persona o cosa que es refinada o se ha refinado. Sociocultural: referencia a cualquier proceso o fenómeno relacionado con los aspectos sociales y culturales de una comunidad o sociedad. Tipografía: a las letras diseñadas con unidad de estilo) para desarrollar una labor de impresión. Tradicional: tradición o que está relacionado con ella por el modo de transmitirse o por su permanencia de generación en generación.
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CiBERGRAFĂ?A http://www.cultier.es/category/vanguardias/ http://nihondeshine.blogspot.com/2007/06/inicios-del-diseo-grfico-en-japn.html http://www.eumed.net/rev/japon/28/diseno.html http://modaeneldiseno.blogspot.com/2016/11/articulo-la-ilustracion-de-japon-para. html http://revistacultural.ecosdeasia.com/la-llegada-de-la-fotografia-a-japon/ https://www.disegnodaily.com/article/the-story-of-design-japanese-post-war-design http://www.eumed.net/rev/japon/28/diseno.html http://warp.la/fundamentos-del-diseno-japones-187961 https://fido.palermo.edu/servicios_dyc/publicacionesdc/vista/detalle_articulo. php?id_libro=14&i d_articulo=5456 https://fido.palermo.edu/servicios_dyc/publicacionesdc/vista/detalle_articulo. php?id_libro=11&i d_articulo=5509 https://noticias.durangallery.com/suiko-el-graffiti-del-sol-naciente/ https://www.archdaily.co/co/tag/arquitectura-japonesa https://www.hisour.com/es/japanese-architecture-31450/ https://web-japan.org/trends/es/ https://elpais.com/elpais/2018/10/02/eps/1538496981_838545.html https://www.historiajaponesa.com/el-periodo-heian-794-1185/ 147
ESTA OBRA SE PUBLICÓ DIGITALMENTE POR JOSE HERNANDEZ Y ANDRÉS RODRÍGUEZ EL MES DE MAYO DE 2020
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Esta obra nos invita, por un lado, a familiarizarnos con periodos históricos del diseño Y el pensamiento japonés (arquitectura) y por otro a conocer en profundidad todo lo relacionado con el diseño en Japón. Su merito no reside solo en presentar cronológicamente una serie de diseños japoneses y sus obras, conceptos y teorías o describir el contexto, histórico, social y cultural en que se escriben. lo que convierte en excepcional y fascinante el recorrido que se propone en este libro, a demás de exponer distintas ideas, sus condicionamientos e impacto, interpela al lector a hacer un recorrido junto a los pensadores que las formularon, valorar sus argumentos y cuestionar sus propios posicionamiento.
