MARZO 2014 I S S U E # 4
zebrazul
ISSUE MARZO 2014
E4
LA ZEBRA MARZIANA
ÍNDICE: EDITORIAL
6
Olor a pies (8)
Ejercicios faciales (18)
Reflexión sobre la duda universal entre la crianza de tigres o abejas (22)
Relaciones de interés entre un elefante y la electricidad (24 )
Minificciones entomológicas (26)
rtes Ra
DEZEB
Primavera en blues 38
54
Megalomanía y relojes derretidos
a
Una película para vivir. 3 Idiots......................................... 62 Alex de la Iglesia. El lado hardcore del cine español...........................70 Carta a un odioso cliente de Blockbuster..................................78 Los colores de la histeria. Blue Jasmine y Blanche......................86 Los no migrantes. Documental....90 Final Cut..................96
zul nda
El perro
Path of exile
Haduuken! !
Letroscopio
Un estilo explosivo, Swing....98 Dos divididos entre cero....90 Una larga noche con Buika...112 Shy Nature. Música de Primavera...116
120
Strike Vector
C
on Gadgetas afé c
!
Google Glass...132
126
de zeb La Z ra
El hombre del momento ...134
zebrazul El día que debería ser borrado del calendario....140
ENPIJAMANDO AL CABALLO
Enpijamando Al Caballo Febrero y mediados de mar-
Madonna “The power of the
zo han sido meses caóticos
cheese”. Sí lector, usted es
para nosotros en la redacción.
libre de reírse de nuestras
Cual si hubiera pasado por
tragedias ¿para qué están
aquí ese desgraciado de Mur-
hechas, si no para partirse a
phy a trastocarlo todo. Para
carcajadas de las ajenas? Bue-
el número Zebra de febrero,
no, aquí estamos nuevamente,
un día antes de su salida, se
entregándoles
murió la computadora del
producto de nuestra imag-
director de imagen, así que
inación y de la de nuestros co-
tuvo que utilizar mi paleolíti-
laboradores. Claro que con la
ca laptop de 32 bits. Todavía
esperanza de que esto nos dé
sigue llorando al leer estas
para comer. Ese también fue
líneas. También fueron días
uno de los giros que tomó la
de cambio en nuestras aspir-
redacción, la repostería, aho-
aciones académicas, saltando
ra nos dedicamos, también, a
de un postgrado a otro, o bus-
vender pastes y panques, todo
cando nuevas oportunidades
sea por sobrevivir y pagar el
artísticas. Mi cumpleaños fue
internet que nos permite se-
un desastre, pasé llorando la
guir produciendo la Zebra.
mitad del día y lo más diver-
Ustedes pensarán que somos
tido que hice fue ir a Sam’s
polifacéticos, cuando, en real-
a comprar queso, como diría
idad, sólo somos pobres.
6
contenidos
zebrazul En mejores noticias,
tos del mes: ¿alguien lee la
el primer número alcanzó
editorial? Por favor, si es
las 13,000 lecturas y el
usted uno de los lectores de
tercero ya se posicionó en
este apartado, hágamelo sa-
las 6,000, y subiendo. Por
ber. No es que vaya a dejar
alguna extraña razón, el se-
de producirlo, en verdad,
gundo no gustó tanto, aun-
me entretengo mucho escri-
que a nosotros nos pareció
biendo sonseras, pero sería
maravilloso, pero, tal vez,
reconfortante saber que al-
eso sea porque nosotros
guien se detiene a leer estas
pensamos en la periferia, no
líneas.
somos muy tradicionales.
Para terminar he de
Otra buena nueva es que
anunciarles que nos hemos
yo descargué Spotify, tras
tomado dos cervezas cada
meses de indirectas del de-
uno, hoy amanecimos muy
partamento de diseño, pero
de malas por el poco tiempo
la aplicación me sugiere
que tenemos para sacar este
canciones muy extrañas. Si
número, como no solemos
estoy escuchando swing, no
tomar nos pusimos conten-
deberían aconsejarme co-
tos desde la primera, así que
sas como Enrique Iglesias
decidimos ir a comprar una
o Juanes, ¿acaso creen que
caja de vino para las sigui-
eso me gusta? ¿No les bas-
entes ediciones. Siempre y
ta con mis preferencias por
cuando nuestro presupues-
música de los 30’s ó 40’s?
to nos lo permita. Ahora ha
Hay algo malo con ese pro-
llegado la hora de dejarlos,
grama. De cualquier forma,
es momento de empezar
estoy contenta por escuchar
con nuestro tercer trabajo, la
álbumes completos de los
panadería, porque el prime-
grupos de mi agrado.
ro es la tesis de postgrado,
El recuento de las
¿a poco se creían que les iba
tristezas pasadas me lleva a
a decir que la hechura de la
uno de los cuestionamien-
Zebra?
7
LETROSCOPIO
OLOR A PIES Por: Zita Tarรกntula
o copi
Letro s
8
zebrazul A mi edad he olvidado muchas cosas de mi infancia, he olvidado el campo y los atardeceres tras mi ventana, intentando atrapar moscas que se escabullen entre mis dedos. A mi edad, los recuerdos se mojan como los asbestos de la casa en donde vivía, y se pierden entre mis arrugas. En la cama de hospital me cuesta acordarme hasta de mi rostro, mi imagen no es otra cosa que un despojo de conexiones intravenosas y olores a panteón que me recuerdan a las flores secas del campo, esas que recortaba y ponía en la mesa los domingos después de misa. Los olores de las flores inundan mi casita, topan con el techo y se desborraban por las ventanas, sus olores, fuertes como mil bosques, todos se desvanecían con el aroma de tus pies, cuando te descalzabas.
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LETROSCOPIO
Recuerdo ese olor de pies penetrante, que llegaba a tirarme en el suelo, sofocada. Heme ahí, dormida-muerta. Te acercabas. Despacio hundías tus dedos sucios entre mis brazos, me hacías cosquillas y resucitaba en un mar de carcajadas. Ahora no recuerdo si eras tú quien reía más de los dos. Cierro los ojos y me parece verte, Vitor, tu sonrisa morena, tus ojos cansados, tus pies callosos. Repito tu nombre una y otra vez, Vitor. Desde niña siempre he omitido la “c” del medio, es muda, solía decirlo a las personas. No fue hasta que mi marido se burló de mi pronunciación que empecé a decirla, a regañadientes, como si una letra de más rompiera nuestro abrazo. Ese Víctor con c, no es mi Víctor, pensaba. En la soledad de mi mente volvías a ser Vitor, en lo privado a nadie le interesa cómo le diga a mi padre. Todas las madrugadas regresabas del campo, yo me hacía la dormida, y entrecerraba mis ojitos, para despistar. En veces dormitaba y soñaba con quitarte las botas, pesadas y sucias. En mi mente de niña siempre estábamos los dos riendo con nuestras risas codificadas Sonó la puerta ¿Has llegado de nuevo? (esta vez fue mi imaginación de anciana. Continúo con tu recuerdo)
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zebrazul
Cuando llegabas por la noche la puerta de madera rechinaba, era un sonido seco, crudo, pausado, como staccato en un violín desafinado. Despacito deslizabas la puerta, entre la oscuridad, la luna iluminaba tu silueta blanquecina, como una aparición fantasmagórica. Pero yo no te tenía miedo. Salía de la cama, incluso antes que mamá, corría a tu lado y me abrazaba a tus piernas, como un barco que se ancla en tierra firme, como quien se aferra a su alma gemela. Cuando por fin lograbas zafarme de ti, enterrabas tus manos en mis axilas y me levantabas hasta llegar a tu rostro, para besar tu frente. De camino arriba veía tus piernas, tu camisa sucia. Regresaba mi vista al suelo y cerraba los ojos, quizá por vértigo. Los abría justo a tiempo para encontrarme con tu mirada triste. Yo heredé esas pupilas melancólicas, y ahora un nieto las heredó de ambos. Te abrazaba la cara, mis manos querían saciar esa falta de cariño y se colmaban de tus cabellos chinos. Regresaba al suelo. Te descalzaba y el olor de tus pies me vencía, me dormía entre tus brazos y cuando menos lo pensaba despertaba en mi cama. Nunca notaba el momento de la separación.
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LETROSCOPIO
Otra vez suena la puerta. Otra vez no eres tú, son los doctores. En veces me pregunto cuál hubiera sido tú opinión sobre esos hombres de blanco, yo los odio, sólo vienen a causar martirio con sus palabras rimbombantes y sin sentido, en ellas se excusan para matarte cada vez que los ves. Ellos tienen, me he fijado muy bien, un sistema para avisarles a los familiares de sus pacientes cuando ya estamos en las últimas. Esta mañana se lo expliqué a mi hija, para que se pusiera atenta: Esperan a las horas de visita y entran en la habitación con tres toquidos en la puerta, uno más débil que el anterior. Se meten las manos en las bolsas y las sacan en fracción de segundo, preguntan al acompañante del sentenciado si es él o ella familiar cercano. Ellos asienten, el doctor ve sin tacto al enfermo, una cuestión efímera, como para darle un carácter de humano, pero en verdad bosquejan un cadáver. Regresan al familiar y las siguientes palabras de esos granujas de blanco, en clave y decodificadas, significan más o menos: “malas noticias, vayan ahorrando para comprar el ataúd y pagar los gastos de entierro. Fuera del hospital, a no menos de una cuadra hay negocios especializados en esos trámites, no son muy caros y hasta le pueden hacer
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zebrazul
un descuento”. Ellos dicen “me permite unos momentos, afuera”. Ellos lo dicen en forma de pregunta, como cortesía, pero en verdad es una orden. El tono puede variar, simulan un poco de integridad y empatía hacia la situación, pero, en general, fallan en sus intentos y emiten ruidos lacios, sonidos tibios e impersonales.
En mi estancia en el hospital he visto aplicar esta técnica en repetidas situaciones. Hoy fue mi turno. El doctor le dijo a Quica, me permite unos momentos afuera, y mis ojos buscaron los suyos. Sin palabras nos dijimos este es el fin. Madre e hija, se desprendieron, por un segundo, de sus cuerpos, y por instantes de eternidad se abrazaron, se anclaron una con la otra, en la mitad de la habitación lloraron y se consolaron, como dos desahuciadas en pleno huracán, sentimos la pena del mundo sobre nuestros hombros germinando la negrura en nuestras vientres, haciendo nudos de infiernos en nuestras gargantas. Me duele dejarla, con lo miedosa que es. La puerta se cerró y volví a pensar en ti.
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LETROSCOPIO
Una noche esperé tu llegada, como todas las demás, cada segundo se perdía entre la realidad y el sueño, luego llegaste. Vitor. Mi Vitor. Tu silueta de fantasma atravesó la puerta, afuera llovía a mares y en pocos momentos la casa también se inundó, me desperté, como de costumbre y corrí a tus piernas mojadas, al contacto de mis manos, tu cuerpo se deshacía, como lodo te me escapabas. Miré tu rostro cansado y distante, tomé tu mano y te jalé hasta al borde de la silla, te senté, ahora yo estaba empapada. Quité las botas de tus pies, como para conservar la normalidad de nuestro ritual. Abrí mis hoyuelos nasales, succionaba grandes cantidades de aire, y cerré los ojos, para saciarme de tu olor, pero nunca llegó. Cuando te descalcé, ríos nacían de tus pies, formaron lagunas en donde yo preferiría morir. Te me escabullías como
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zebrazul pez y por última vez abracé tu rostro. Tus ojos ahora eran fuentes, tu boca y tus oídos y el resto de tu cuerpo se disolvía entre el agua. Fue la primera vez que vi el mar. También fue la única. Me ahogué y desperté entre lágrimas en medio de mi cama. Ya era de día y aún no llegabas, salí a buscarte a la calle, a no muchos metros quedaba la cantina del pueblo, ¿estarás ahí? me pregunté. Descalza sentí las piedras enterrarse en mis talones, y te vi tirado a media calle, en medio de un gran charco de agua y sangre. Abracé tu cabeza, la empujé contra mi rostro. Ahora yo estaba sangrienta. Descalcé tus pies y me los pegué a mi nariz, intentaba atrapar todo su aroma, antes de que nos separaran. Mi Vitor, siempre mío.
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LETROSCOPIO
El policía del pueblo le dijo a mi madre que te habían matado los cristeros, cuando ellos mataron a un primo o un tío tuyo (ese dato ya no lo recuerdo), gritaste, con la rabia del campo, mátenme a mí, y tres balas te dieron. Después de un rato nos separaron, yo estaba impregnada de tu olor. Todavía lo estoy. Se abre la puerta y entra Quica, intenta sonreír, pero ambas sabemos que es el final. Se aferra a mi cuerpo, como si quisiera atrapar mi alma. Llora y entre lágrimas duerme conmigo. Yo no duermo, siento las agujas penetrando mis brazos, llega la noche y con ella la oscuridad. Lo negro se vuelve blanco y de mis ojos empieza a brotar agua, manan océanos que inundan el cuarto, veo las camas flotar y a mi hija ahogarse. Ya regresaré a despedirme de ella. Los doctores golpean mi pecho, me deshacen en sus manos, como gelatina. Tu olor regresa. Antes de ahogarme cierro los ojos y me hago la dormida. Sé que cuando los abra estaremos riendo. Los dos. Juntos.
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LETROSCOPIO
EJERCICIOS FACIALES POR: ZILHO
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Me molesta la felicidad de los demás, no porque crea que no tengan derecho a ella, sino porque es ruidosa. Quizá se deba a que la alegría se me ha dado sosegada y contemplativa. Para mí es una sonrisa silenciosa, aparecida en la inmovilidad, como si se fuera asentando levemente en el espacio de mi existencia y, cuando por fin se ha anclado, voltea los ojos hacia dentro para ser admirada. Las felicidades del escándalo son deleznables, parecidos a los petardos de noche buena, brincan como gotas de agua en aceite, para luego evaporarse sin posteridad.
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LETROSCOPIO
Es probable que esta naturaleza hosca, que con los años se ha apoderado de mí, sea la que hable ahora, confundiendo la tristeza adormecida, por tanto luchar contra sí misma, con felicidad. El caso es que la carcajada ajena me resuena en los tímpanos, amenazando con romper esa frágil membrana de la tolerancia. ¿Cuántas veces habré intentado estrangular el silencio con ese sonido de espasmos acompasados? Y lo único que conseguí fue un ahogo que se prolongó. Incluso, pedí a un amigo que me enseñara a reír. No en el sentido metafórico de quitar a mi vida los dramas y encontrar las delicias de la tranquilidad sin angustias, lo que yo quería aprender era el aspecto mecánico: ¿de qué manera expandir el pecho?, ¿qué diámetro debe tener el óvalo formado con la boca?, ¿cómo deben verse los carrillos al extender los labios?, ¿deben o no brillar los ojos?, ¿hay un artilugio para lograr la humedad exacta del globo ocular?. Por supuesto, estos datos tan precisos no me supieron ser respondidos, pero sí me llevaron a constantes ensayos frente al espejo, tratando que aquella máscara se viera natural. Seguro, engañé a unos cuantos en el proceso. Tras las prácticas de la teatralidad, me sumergía en las honduras de mis pensamientos y parecía desaparecer en público. Cosa que me llevó a tener la fama de bipolar, creían que pasaba de un estado de euforia a uno de depresión en un lapso de media hora, algo extremo, incluso para esa patología. No lograban entender que se trataba de un experimento, aunque tampoco me molesté en explicarlo. Al final, me resigné a que eso de las erupciones de risa no era algo que tuviera que ver conmigo. Retorné a la casi imperceptible mueca que se difuminaba en mi cara.
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LETROSCOPIO
R E F L E X I Ó N SOBRE LA DUDA UNIVERSAL ENTRE
LA CRIANZA DE
TIGRES O
ABEJAS
(No críe abejas, ni siquiera les dirija la palabra)
Por: Zita Tarántula 22
zebrazul
Es más fácil vivir con tigres que vivir con abejas. A los tigres, o se les domestica o se les teme. Si se hace lo primero, es fácil la convivencia; se les enseñan monadas, como dar la patita o saltar por aros de fuego y, cuando mueren, se hace barbacoa o se usa su piel para decorar el piso de la casa. Si se procede por lo segundo, es más práctico el asunto, pues uno termina como su pequeño aperitivo y fin de la historia. En cuestión de tigres, la opción sobre ser víctima o victimario es decisión, en la mayoría de los casos, del hombre. Pero, en el caso de las abejas, estamos perdidos a su completa voluntad. Esto, léanlo con atención, se debe a su sobrenatural malicia y poder de control mental. Nunca, lo repito para que no le pase lo mismo que a mí, NUNCA escoja un panal de abejas por sobre un tigre. Si en su casa, por desgracia, tiene inquilinas apícolas, es muy difícil que haya terminado de leer este párrafo sin ser picado o torturado bajo sus métodos crueles de control humano. Queda usted, sí es que sigue vivo, advertido.
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LETROSCOPIO
Muy poco le interesa al elefante la electricidad. El viaje de los electrones por sus orejas le tiene sin cuidado. Aunque para pensar como elefante, y comprobar si en verdad hay cosas que le importan un bledo, primero tendríamos que convertirnos en uno: Póngase usted, señor lector, en cuatro patas, eso si sus extremidades se lo permiten, e inicie el camino elefantiásico. Ahora verá, con ojos de elefante y trompa de elefante, que ni el prefijo “electro”, aunque tenga relación con “elefa”, por las primeras tres grafías (otro tema que tiene sin cuidado al elefante) ni la electricidad, ni las tormentas eléctricas, ni siquiera un tostador en medio de una bañera, tendrá importancia en la vida de un elefante. Ahora ¿la electricidad tendrá alguna predilección por los elefantes? Las ovejas son pequeñas, blancas y funcionan, en comunidad, como un excelente somnífero. Pero, si un elefante fuera, por su composición química, un perfecto conductor eléctrico, ya hace mucho se hubieran extinto, siendo usted, señor lector-elefante, una medalla para los físicos, alquimistas o demás humanos que quieran encender su televisión.
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RELACIONES
DE INTERร S ENTRE UN
ELEFANTE Y LA
ELECTRICIDAD
Por: Zita Tarรกntula 25
LETROSCOPIO
Minificc
en mo gic 26
zebrazul
ciones
nto ol贸 cas Por: Zilho 27
LETROSCOPIO
DESLEALTAD
Hoy quise acariciar una mosca, pero la muy ingrata muri贸 en el proceso.
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PÉRDIDA DE PASATIEMPOS
Era aficionado a todo lo que volara. Descubrió a las cucarachas.
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LETROSCOPIO
POLĂ?TICA
Para matar a una cucaracha hay que aplastarla duro con el pie. A Bush le aventaron un zapato.
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EJERCICIOS
Los ensayos de una ara帽a trapecista vinieron a dar al traste con sus cavilaciones de fil贸sofo sentado.
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LETROSCOPIO
PIOJOS
Ricitos de oro perdi贸 su nombre cuando entr贸 a la primaria.
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INQUILINOS MOLESTOS
Pas贸 tres a帽os construyendo su casa en el bosque.
Era tan deliciosa que atrajo a 3000 nuevos comensales.
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LETROSCOPIO
INFLAMACIÓN DE PIES
Habrían de considerar colocar carteles de alerta a la entrada de los hormigueros. No se pare aquí con huaraches.
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ASESINATO IMPRUDENCIAL
Cuando sinti贸 el dolor, los intestinos de la abeja colgaban de su mano. En el panal se preparaban las honras.
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LETROSCOPIO
CEGUERA
Lo mat贸 una viuda negra. Debi贸 haberlo sabido antes de casarse con ella. Llevaba tres maridos al hilo.
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PREJUICIOS RACIALES
Soñó que era fea y tenía 8 patas, al despertar, sus alas seguían atrapadas en la red.
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red
blue yellow
dezebrartes
dezebrartes
dezebrartes
yellow
blue
red
Primav
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vera en Blues
Fuego y Rocío. 100x100 Acrílico sobre tela
Por: Andés Rueda 39
DEZEBRARTE
Oscuridad Crepuscular. 85x100. AcrĂlico sobre tela.
40
zebrazul
Todo cuando sueĂąo. 90x120. AcrĂlico sobre tela.
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DEZEBRARTE
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zebrazul
Juegos del sol. 80x95. AcrĂlico sobre tela. 43
DEZEBRARTE
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zebrazul
Una mĂstica Primavera. 100x100. AcrĂlico sobre tela
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DEZEBRARTE
Formas Húmedas. 83x95. Acrílico sobre tela.
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zebrazul
Horas inexistentes. 80x95. AcrĂlico sobre tela.
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DEZEBRARTE
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zebrazul
Ethergon Rojoazul. 100x100. AcrĂlico sobre tela.
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DEZEBRARTE
Venecia (vestida de primavera) AcrĂlico sobre tela.
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Alameda Dorada. 83x95. AcrĂlico sobre tela. 51
DEZEBRARTE
Coraz贸n del bosque silencioso. 73x92. Acr铆lico sobre tela.
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Andés Rueda Andrés Rueda ha escogido una manera de pintar próxima a las tendencias que triunfaron en los siglos pasados. Andrés Rueda, nació en Piedrahita (Ávila) en el año 1956. Ya domiciliado en Cataluña, estudia en la Escuela de Bellas Artes de Sabadell (Barcelona), para más tarde perfeccionar sus conocimientos, del método y del oficio, en varios talleres de prestigiosos pintores profesionales hasta que, con mayor experiencia, se decide a emprender su particular camino de búsquedas y encuentros paisajísticos Andrés Rueda, en la plenitud que ya le permite afirmar su criterio personal, ha escogido, como estética plástica, una manera de pintar, si bien enteramente contemporánea, próxima a las tendencias que triunfaron en los siglos pasados, prerrafaelismo, simbolismo, impresionismo y neoimpresionismo. Sorprende y admira, esa estrecha relación y ese diálogo que mantiene con su mejor amigo, el paisaje. En base a dicha profunda y correspondida compenetración, adivinamos como el paisaje le ha brindado más íntimos secretos, le ha descubierto recónditos matices e inéditas percepciones, le ha abierto nuevas perspectivas y horizontes sin límites, donde no cabrán las comerciarles repeticiones, ni los peligrosos amaneramientos.
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DEZEBRARTE
MegalomanĂa y relojes derretidos:
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zebrazul
POR: PEGGY SIN
ALÍ un ícono de masas. 55
DEZEBRARTE
A la edad de 16 años, tiempo en que la mayoría de los adolescentes sólo tienen cabeza para la pornografía y los videojuegos, Salvador Dalí ya tenía clara su misión en la vida cuando dijo: “Voy a ser un genio y el mundo me admirará. Tal vez seré despreciado e incomprendido, pero seré un genio, un gran genio, estoy seguro de ello”; a partir de este momento, y entusiasmado por su madre, logró hacer una carrera en el mundo del arte, en la pintura, la moda o el cine, logrando hacer, de él mismo, una obra de arte, un espectáculo, uno de los primeros fenómenos mediatizados de los tiempos modernos. Como el título lo indica, en este artículo no hablaré de Dalí como el genio del surrealismo y padre del modernismo. Aunque sus pinturas evocan un paraíso inimaginable para las mentes del resto de los humanos, tampoco nos referiremos a ello en estas líneas. Este artículo está dedicado a ese lado del artista que se acerca más a un personaje mediático, mas acercado a una celebridad megalómana y a una figura egocéntrica. El objetivo de este artículo no es despreciar el genio del artista, y presiento que claudicaré en más de una ocasión al intentar separar al artista de la celebridad, intentaré hacer un bosquejo de la figura Dalí como sinónimo de advertising y como ícono popular del siglo XX.
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zebrazul Dalí es uno de los primeros fenómenos mediáticos, antes que Madonna y sus escándalos sexuales, antes, incluso que Warhol y su Factory, todo mundo discutía las ocurrencias de Dalí. Ya sea, al salir a pasear con su oso hormiguero por el metro de París, como organizar fiestas surrealistas con la alta sociedad de Nueva York, o en entrevistas donde resalta su carácter hedonista y megalomaniaco, Dalí encontró la manera de siempre hacerse notar y escandalizar a las personas. Se diferencia de sus compañeros surrealistas, quienes estaban unidos a una política izquierdista y veían muy mal la neutralidad de Dalí en temas de política, e inclusive su predilección por el consumismo norteamericano. Fue expulsado del movimiento surrealista, a lo que él respondió “Yo soy el surrealismo”. Bretón, quien era el escritor del manifiesto surrealista y principal sustento teórico del movimiento, fue quien movilizó al grupo para expulsar a Dalí, así como también estuvo encargado de difundir especulaciones sobre Gala y la idea de la avaricia y la fascinación del pintor por el dinero, creando el anagrama despectivo “Avida Dollars” (avaricia por el dinero), a lo que Dalí contestó con una pintura, considerada por muchos como la obra cumbre o el resultado de una vida de artista: La apoteosis del dólar.
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DEZEBRARTE
Dalí y su amistad con el consumismo americano fue otra de las grandes ideas en que difería con el resto de su generación, al hablar del arte, principalmente en los últimos años de su carrera, como un objeto de consumo, idea recogida por los artistas de finales del siglo XX con el Pop Art. Dalí tiene su incursión en el mundo del consumo, siendo el creador del famoso logo de las paletas Chupa-chups, fue imagen de diferentes marcas, participando en comerciales del Hotel Saint Regis, con una túnica al mero estilo de Walter Mercado, hablando de las lapiceras del Hotel; también su participación en un anuncio de chocolate Lanvin, en donde una probada del chocolate era
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zebrazul
capaz de hacer mover sus bigotes. Para otros pintores, imaginárnoslos en el plano de la incoherencia, sosteniendo una luz de bengala o tomando un Alka-selcer, podría parecer una ridiculez, inclusive en nuestros días, pero Dalí, por el simple hecho de ser él, podía hacer y siempre hacía lo que le venía en gana. En parte, la creación de la imagen de Dalí es una revelación total para la imagen del pintor, con alta preocupación social. Su figura está concebida como un reniego a la radicalidad de sus contemporáneos y se planta en el espectáculo, en ser un objeto de la mass media y, por ende, en caricaturizar su imagen, hasta el grado del ridículo.
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DEZEBRARTE
Lejos del genio, Dalí fue exceso, estaba apasionado por tres cosas: Gala, el dinero y lo Dorado, lo último lo justificaba el pintor por su ascendencia arábiga, al igual que su fascinación por el lujo y lo que tuviera que ver con la moda oriental. Dalí construyó su identidad a partir de apariciones en programas de televisión, en donde resaltaba su egocentrismo y demencia, inclusive, cuando salía con su amiga y colaboradora ocasional, Coco Chanel, ésta le tenía que advertir que dejara la locura en el armario. Lo que diferenció a Dalí, del grupo de pintores de su época y de anteriores, fue su sobreexposición a los medios. Mientras todos los pintores acostumbraban a esconder su vida privada, Dalí hacia alarde de su relación con Gala, de su sexualidad (que siempre fue un tópico complicado para el artista), y de sus polémicas con otros pintores, como con Picasso, pleito que llevó a una inmemorial frase “Sólo hay dos cosas malas que pueden pasarte en la vida, ser Pablo Picasso o no ser Salvador Dalí”. La figura de Dalí fue creciendo con el paso de los años, después de su muerte, es visto como ícono de la vanguardia y la modernidad. Logró crear un personaje mediatizado, el primer fenómeno de la cultura de masas. Hoy por hoy, la sola mención de su nombre evoca una imagen en el público, de no haber muerto, estoy casi seguro de que en estos días se hubiera unido a la tendencia mediática del reality-show y seguiría siendo y haciendo, de su figura, la mayor muestra de hedonismo en el mundo.
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a
zul nda
El perro
He visto en las pelĂculas lo que ahora nos pasa a nosotros 3 IDIOTS
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Una pelĂcula para vivir:
3 IDIOTS 63
Por: Zilho
EL PERRO ANDAZUL
3 IDIOTS 3 IDIOTS
Escribir acerca de esta película me entusiasma. No sólo es una de mis historias favoritas, también es un filme que veo cuando estoy deprimida. Me hace sentir mejor, porque, como dice el protagonista, “Rancho”: “Toma tu mano, ponla sobre tu corazón y di ‘Aal izz well’ […] este corazón se asusta fácilmente. Tienes que engañarlo. No importa qué tan grande sea el problema, dile a tu corazón ‘Todo está bien, amigo’…” 3 Idiots es una montaña rusa, te puede hacer reír a mandíbula batiente, como incitarte 64
zebrazul
3 IDIOTS 3 IDIOTS
a llorar por lo emotivo de las escenas y las reflexiones de los personajes. Ninguna película me había llevado de un extremo a otro con tanta facilidad. No es que nunca hubiera llorado con una película o reído hasta que me doliera el estómago, pero, las dos emociones a la vez, son difíciles de conseguir. Cada determinados meses necesito verla o cuando las situaciones me rebasan. Es como una inyección de alegría y esperanza, como un mantra contra el sufrimiento. 65
EL PERRO ANDAZUL
A punto de despegar su avión, un hombre recibe una llamada a su celular. La urgencia se le nota en la cara, se levanta y pide que detengan el vuelo, inmediatamente se cae en lo que parece ser un ataque cardiaco, pero sólo es una improvisación para regresar a tierra y comenzar, junto con el sin-pantalones de su amigo, la búsqueda de Rancho, desaparecido hace cinco años. Aquí comienza la película, pero la narración de Farhan, nuestro detiene-aviones, nos remonta a los años de universidad, 10 años atrás, cuando Raju y él conocen a Rancho, un personaje que cambiará sus vidas. Se nos enseña que para alcanzar el éxito hay que estudiar y trabajar hasta que te falte el aliento. La presión y la competencia, por obtener mejores oportunidades económicas, no nos dejan vivir el presente que, muchas veces, es maravilloso y puede estar lleno de aventuras. Rancho nos enseña a: “Buscar la excelencia, para que el éxito nos persiga
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zebrazul con los pantalones abajo”, es un hombre visionario, que resuelve los problemas pensando en la periferia, sin dejarse constreñir por las desazones, siempre con una sonrisa y con la clara meta de construir un mundo libre e incluyente. Coloridos
personajes
plagan el mundo de 3 Idiots, Viru Sahastrabuddhe (Virus), el colérico y cuadrado director de la Escuela Imperial de Ingeniería; Millimeter, un chiquillo de la calle que se dedica a llevar el equipaje o hacer encomiendas en la escuela; “el cartero” con eccema, padre de Raju; Pia Sahastrabuddhe, hija del director y amor de Rancho; por supuesto, no podía faltar el enemigo del protagonista, Chatur Ramalingam, “El Silenciador”, por los insonoros y letales gases que expelía al tomarse unas píldoras para aumentar su rendimiento académico.
Más
personajes
interesantes se encuentran en este maravilloso filme, pero basta con hablar de estos para darles una introducción.
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Como toda buena película de Bollywood, 3 Idiots posee esos musicales, cuya coreografía te hace exclamar: “¿Cómo diablos hacen esos pasos?”, pero los disfrutas y hasta tratas de imitarlos. El soundtrack es excelente, con canciones que tararearás y buscarás por aparte, sólo para escuchar y recordar la emoción de la película. La musicalización estuvo a cargo de Shantanu Moitra, compositor que ha trabajado en la industria del cine hindi. Producida por
Vinod Chopra Productions y
dirigida por Rajkumar Hirani, cuenta con la participación de Aamir Khan en el papel de Rancho, actor con una larga trayectoria en el cine hindú; sus películas son altamente recomendables, tanto el trabajo que ha hecho para otras casas productoras, como para la propia, Aamir Khan Productions. Destacan las participaciones de Kareena Kapoor como Pia Sahastrabuddhe, R. Madhavan como Farhan Qureshi,
Sharman Joshi como Raju Rastogi,
Boman Irani como Viru Sahastrabuddhe (Virus),
Omi
Vaidya como Chatur Ramalingam y Rahul Kumar como Millimeter. Ver 3 Idiots no es sólo sentarse 2 h 50m frente a la pantalla, es una experiencia de vida, ideal para los que se cuestionan el sistema educativo actual, para los que están deprimidos, para los estresados por las presiones de la vida cotidiana y para todos los que buscan sentir a través del cine.
ALEX DE LA IGLESIA: EL PERRO ANDAZUL
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zebrazul “La sociedad nos trató como mierda y ahora les vamos a dar por el culo. El mundo está dominado por niños bonitos hijos de papá... dios, ¡basta ya de mierdas light! Basta ya de colonias, de anuncios de coches, de aguas minerales... ¡no queremos oler bien, no queremos adelgazar! Sólo quedamos nosotros, amigos, todo el mundo es tonto o moderno.” -Acción Mutante
EL LADO HARDCORE DEL CINE ESPAÑOL
Por: Jorge Tadeo Vargas 71
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La España post-franquista está caracterizada por algunos momentos que la dividen entre lo que se conoció como la Movida, fenómeno cultural que se presentó, principalmente, en Madrid y la crisis que se vive actualmente. La Movida, surgida poco después de la muerte del General Franco, se caracterizó por su frivolidad, un intento de recuperar todo aquello que la represión no les permitió por muchos años. Así, los artistas se dieron a la tarea de llevar todo a la exageración, de promover una cultura en apariencia frívola, donde no importaba más que dejarse llevar por el hedonismo y el consumismo cultural. No en balde el cine fue totalmente lo opuesto a lo hecho en la era franquista, donde incluso los diálogos se susurraban. Ya no más, era el tiempo de gritar y liberar años de represión. La fiesta, el descaro, fueron su sello más común. Después, la burbuja inmobiliaria reventó y dejó claro que España, al menos sus clases medias y altas, no supieron salir de la Movida, se quedaron viviendo en un espejismo, cuyo despertar no ha sido del todo lindo. Ya se no se puede vivir en la exageración o el aparentismo. La fiesta diaria es sólo un recuerdo que tiene a los españoles soñando con tiempos mejores. Esperando salir de este estupor y regresar a la abundancia. Una realidad ficticia, falsa, un despertar de ser una chica Almodóvar para convertirse en un personaje bizarro, creado por Alex de la Iglesia. Y, precisamente, de la Iglesia fue un profeta del Apocalipsis que actualmente viven en ese país.
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zebrazul En medio de estos dos periodos esta la década de los noventa, de finales del siglo pasado. Que si bien este periodo pudo ser el tiempo de afianzarse para muchos de los creadores, que comenzaron sus carreras en la década de los ochenta, dentro de la Movida ―pudimos ver a un Almodóvar mucho más maduro en su forma de contar historias, Alaska se posicionó como una artista atemporal, así podemos mencionar a muchos otros—, esto no fue lo que dejó marca en esta década. Lo que dejó huella fueron todos aquellos jóvenes que no sufrieron la represión franquista, y que no tenían oportunidades en el espejismo de la España boyante de los noventa. Aquellos jóvenes que buscaban su lugar en una década que fue clave para muchos cambios sociales en el mundo, donde la cultura tuvo un peso importante. En España y el mundo, esta última década del siglo XX, se presentó como la década de una generación en cambios, donde la denuncia, el panfleto, el arte y la cultura, en algunos momentos, estaban tan mezclados que no había una diferencia clara. Estos jóvenes, que no querían ser como sus padres o como sus hermanos mayores, buscaron crear una diferencia lo más fuerte posible entre ellos y sus antecesores. Ellos no serían de la Movida. No pertenecen a este grupo contra-cultural, al contrario, marcaron una línea tan precisa que, a la fecha, podemos decir que la última generación, con algo interesante para apuntar, fue aquella que perteneció a la última década del siglo pasado.
España tiene una definición muy clara.
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Alex de la Iglesia es la antítesis de todo lo que representa Almodóvar. Los dos encarnan momentos distintos de un mismo país. Es, por lo mismo, que no se puede entender el cine de uno sin conocer el cine del otro. Almodóvar lo tenía muy claro. Por lo mismo, estaba encantado con el cine de de la Iglesia, que se convirtió en su padrino. En 1990, y después de haber escrito un par de guiones para cortos, de la Iglesia filma su primer cortometraje: Mirindas asesinas, una muestra de lo que sería la característica de este director. Sangre y humor al por mayor. Además de una fuerte crítica social, hacia una sociedad que esconde lo que realmente es, en una fachada de bondad y amistad. Con grandes críticas recibidas, además de una invitación por parte de Producciones El Deseo (productora de Pedro Almodóvar), de la Iglesia comienza su camino dentro del cine español, en particular, y del cine mundial, en general. Su siguiente película, ya con el respaldo de la mayor figura del cine en España, sería una puñalada directa al corazón de la España frívola, consumista. Acción Mutante es una hilarante historia de ciencia ficción, donde un grupo de parapléjicos se dedican a secuestrar y asesinar a toda la gente socialmente bonita. Una crítica a todo lo que se pensaba correcto, donde los feos, los minusválidos, todos aquellos que la sociedad oculta, cobraban venganza. Si bien, la película demuestra los errores comunes en cualquier director ante su ópera prima, al compararla con el cine de su padrino, en ese momento, sólo se podía llegar a la conclusión de que eran dos caras de la misma moneda, dos formas de criticar un estilo de vida que denosta lo que la mayoría considera feo y agranda lo que se considera bonito. Esto, basado en la lógica del consumo que no tiene nada que ver con el sentido común. Aquí de la Iglesia comenzaría también
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zebrazul una relación que le llevaría años dejar. Primero con los Def con Dos, banda de Rap/Metal, que compusieron un gran soundtrack, y con Santiago Segura, de quien Alex ha declarado, en muchas ocasiones, es su mecenas y su amigo más cercano. En su segundo largometraje, aún producido por El Deseo, la crítica no fue sólo a una sociedad frívola y consumista, sino dejo claro la hipocresía y la mochería de esta sociedad, yéndose contra sus más queridos símbolos. La iglesia católica. El día de la bestia, filme realizado en 1995, muestra a una España idiotizada por la televisión, los charlatanes religiosos y la iglesia católica., dentro de una violencia racial que siempre ha estado presente en ese país. Mostrando a tres antihéroes que quieren salvar al mundo de la presencia del anticristo. Personajes que no son para nada los clásicos héroes valientes y guapos. Son todo lo contrario. En El día de la bestia, de la Iglesia le baja en gran medida a la sangre y la violencia implícita, para manejar una violencia histérica con grandes dosis de humor. Su siguiente proyecto da un giro de 180 grados hablando de territorios. Perdita Durango, se filma en Estados Unidos con presupuesto estadounidense y con pocos actores hispanos. Una road movie histérica, violenta, llena de pequeños mensajes caóticos. La película fue un éxito, convirtiendo a de la Iglesia en un director famoso a nivel mundial, algo que a él no le gustó. Aún recuerdo una entrevista donde declara, palabras más palabras menos: “…decidí filmar Perdita Durango porque quería mostrar a los gringos como unos imbéciles. Lo logré, pero ellos son tan imbéciles que no lograron entender mi objetivo.”, aun así, la película era una clara crítica al trato a los migrantes, claro, con su dosis de satanismo y crítica religiosa.
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Con el tiempo el cine de de la Iglesia ha madurado, tanto en el aspecto, fílmico donde da muestras de ser un verdadero artista, así como en su narrativa. La crítica continúa, pero cada vez es mucho más fina. La comunidad y su crítica a los condominios o fraccionamientos cerrados; 800 balas, probablemente su mejor película, donde deja claro la nostalgia del cine consumista que se traga ciudades y personas; Crimen Ferpecto, una antítesis clara de las chicas Almodóvar. Un tributo a su padrino Almodóvar o Balada triste de Trompeta, con un claro homenaje al gran Raphael y un viaje histérico de la España en guerra civil, hasta la España de inicios de la Movida. Desde Acción Mutante hasta Las brujas de Zugarramurdi, de la Iglesia ha sido capaz de dibujar una sociedad en decadencia, mostrar que la violencia y la maldad son inherentes a los seres humanos, siempre con una dosis de humor que nos permiten recibir sus estocadas de forma indolora. Al menos no tan dolorosas como deberían. Si Almodóvar fue capaz de retratar a una España que sólo quería divertirse a la caída del Franquismo. De la Iglesia retrató a esa España que se intenta ocultar bajo cientos y cientos de noticias frívolas. Alex ha sido la antítesis de lo que Almodóvar quiso mostrar. Mientras que el director de la Movida fue el mejor representante punk de una década decadente. De la Iglesia es la evolución. Hardcore puro para una generación que sigue en pie de lucha.
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x Por: Peggy Sin
Carta a un odioso cliente de Blockbuster. El padrino: Todo queda en familia 78
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El otro día aproveché esos descuentos, que, más bien, son gritos desesperados de auxilio de una empresa en su lecho de muerte, fui a Blockbuster, movido, creo yo, por la melancolía de rentar en DVD y, un poco, por la ganga que
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representan “los jueves de 10 pesos por película”. Recorrí los pasillos pasando por Las Películas Que Ya Vi a Las Películas, Que He Fingido Ver Pero Al Minuto Diez Las Quito, y esa mítica sección de películas de arte (que, en mi opinión, es la sección donde ponen lo que los dependientes del videoclub no comprenden). Si me remonto a ese momento, no recuerdo qué era lo que buscaba entre los títulos. Con mi mirada, iba de los estrenos a la sección de comedias románticas, a la sección de drama y, fue entonces, cuando las vi. En el estante de abajo, como escondidas de tanta mediocridad cinematográfica, estaba la trilogía de The Godfather. Me acerqué, de chismoso, porque en casa tengo la trilogía en DVD y en .avi en mi disco duro (y, sobra decir, que está en netflix), sospechaba que, siendo día de barata en Bluckbuster, tendría que estar ya rentada por algún cinéfilo o criminal en vías de adiestramiento mafioso, y mi sorpresa fue encontrar que la única rentada era la primera parte. Me enojé, no voy a decir que no, se me hacía un crimen y una falta de respeto ¿rentar El padrino uno y dejar las otras dos ahí?, bueno, a los ojos de la sociedad está bien visto (no lo comparto) discriminar a la tercera parte, pero ¿dejar la segunda? Así que, he decidido dedicar este espacio de debate cinematográfico para dedicarle unas cuantas palabras a ese Separa Trilogías, sobre lo maravillosa que es la trilogía del Padrino y por qué debió de haberlas rentado completas. Si tú no eres ese criminal, puedes quedarte a leer el artículo, prometo que te va a encantar y te van a dar ganas de ver el ascenso y descenso de la familia Corleone, además que, juntos, podríamos encontrar al culpable y darle el castigo que se merece, o, mínimo, completarle 20 pesos para que rente las otras dos. 79
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Al hablar de The godfather nos enfrentamos, quizás, a una de las mejores trilogías que se han filmado en la historia del cine, a mi punto de vista la mejor de todas. No he de negar que, en individual, sean películas geniales, pero, el acto de pensar en ellas se hace en conjunto, es la historia mítica de la familia Corleone, es un acto completo, casi un siglo de crímenes, venganzas, intrigas y naranjas. En orden cronológico, la historia circular inicia y termina en Sicilia, Italia, desde los años de infancia de Vito Andolini (Vito Corleone), a principios del siglo XX, hasta la muerte de Michael Corleone, en la más absoluta soledad, a casi finales del siglo. En medio de estos dos acontecimientos, tenemos el inicio, el crecimiento y, por último, la caída de la familia Corleone, dicho así de corrido, puede parecer la historia de cualquier familia de vecina (que no dudo que la historia de sus vecinos sea interesante) pero, en verdad es un acto integral, en cuanto al guion, respaldado de grandes actuaciones, una fotografía perfecta y una selección musical entrañable, a manos de Nino Rota. No miento al decir que cada escena de The Godfather, es más, cada minuto, es un icono y un mito para el cine, ya sea por alguna línea, alguna composición visual interesante, las actuaciones o los rumores que rodean la realización de las películas, en especial, del misterio de las naranjas. Si le preguntas a cualquier fanático del Padrino, cuál es la relación con las naranjas y los crímenes del padrino, te dará toda una catedra (con diapositivas con fotos y teorías incluidas) sobre la relación de este cítrico con la esencia de la película. Puedes revisar, las naranjas aparecen, en cualquiera de sus presentaciones, como augurio de una muerte. Mi favorita es la escena de la muerte de Vito Corleone (Marlon Brando), en medio de un campo de naranjas, jugando con su nieto. En un momento, y esto es improvisación de Brando, se pone dientes de cáscara de naranja y empieza a perseguir al niño, luego cae muerto. Es, en conjunto, una muerte tierna y el final perfecto para la primera parte de The Godfather, que, hasta el momento, es lo único que has visto. Esto nos lleva a la enseñanza número uno del padrino, aléjate de las naranjas, incluso de los jugos con saborizante artificial, o del color, quema toda tu ropa naranja, si no quieres morir. Hablando un poco, sobre la selección de actores, en El Padrino circulan una cantidad impresionante de actores, como Marlon Brando, Robert De Niro, Al Pacino, Andy García, Diane Keaton, y Sofía Ford Coppola, bueno, el tema del nepotismo lo trataremos en momentos. Continuando con los artistas, resalta lo mucho que colaboraron en la esencia del filme, aunque, algunos, fueron descartados en primera instancia, es el caso de Marlon Brando, que, sus crisis de alcoholismo y sus constantes retrasos, lo dejaron a casi nada de quedar fuera de la grabación, pero, afortunadamente para la película y todos sus seguidores, Coppola y Brando llegaron a un acuerdo, que incluía el salario mínimo para el actor y la responsabilidad de pagar de su bolsillo cualquier gasto producido por sus retardos.
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La verdad es que la primera parte sería inimaginable sin Marlon Brando como Vito Corleone, incluyendo todas las improvisaciones, como los algodones en los cachetes, la imitación de Johnny Fontane, hecho para nada planificado, que se puede ver en la cara de sorpresa y risas de los actores en escena. El resto de la historia de Brando es conocida, terminó la película, ganó un Oscar, pero se negó a aceptarlo en protesta por el desplazamiento de los nativos americanos. Otro de los grandes actores de El Padrino, es Al Pacino, interpretando al hijo y heredero de la familia Corleone, Michael. El actor, por cuestión de momentos, casi queda fuera de la primera película, pero, para la segunda parte, su importancia era tal, que, al recibir el primer guión de parte de Puzzo y Coppola, lo rechazó, diciendo que era una porquería y que él no participaría de no ser reescrito el guión. Al recibirlo reescrito, Al Pacino aceptó participar y confesó que, en verdad, el primer guión era bueno, pero no tenía algo verdaderamente especial y, aunque no lo hubieran cambiado, él hubiera participado, sin dudarlo, en una película de Coppola.
Sobre frases y escenas La película del padrino está plagada, como ya lo dije, por escenas míticas, al igual que las frases que se mencionan, tienen un lugar muy especial y pueden ser usadas como respuesta a todo, como lo dice Tom Hanks en su película You’ve got mail, al responder la pregunta hecha por Meg Ryan “¿Por qué a los hombres les gusta el padrino?” y él responde “El Padrino es la suma de toda la sabiduría, El Padrino es la respuesta a cualquier pregunta ¿Qué deberíamos empacar para las vacaciones de verano? Deja el arma y toma el cannoli. ¿Qué día de la semana es hoy? Lunes, martes, miércoles, jueves”. Tanto en este punto, como en otras tantas cosas que no viene a tema discutir, estoy en total acuerdo con Tom Hanks. El padrino es una suma de sabiduría, un manual, tanto para el criminal, como para el comportamiento en familia. Dentro de toda la violencia, otro de los factores interesantes del filme, se esconde toda una filosofía de fidelidad, principios, dignidad, comportamiento en sociedad y, sobre todo, valores familiares, “Un hombre que no pasa tiempo con su familia, nunca puede ser un hombre de verdad” frase mítica de Don Vito Corleone, dicha a Johnny Fontane cuando se acerca a pedirle un consejo. Siguiendo con las frases míticas de Vito Corleone, tenemos otra: “Voy a hacerle una oferta que no podrá rechazar”, acto seguido, también una de las escenas más homenajeadas de la historia del cine: El despertar y la cabeza de caballo (ojo, ningún animal, ni Sara Jessica Parker, fue herido en la filmación de esta película). El Padrino Segunda Parte está invadida de estos consejos y se nota la aplicación de muchas de las enseñanzas de Vito en su hijo Michael. Las escenas hacen que la película compita con su predecesora, es una película perfecta, llena de grandes momentos que fueron reconocidos en la Academia, al ganar seis premios Oscar, incluida mejor película y mejor dirección. Sobre alguna escena (ya he dicho que cada minuto en The Godfather es mítico), yo resaltaría el asesinato de Massimo Fanucci y de Francesco Ciccio, actos cargados de simbolismos (otra vez las naranjas) y de violencia. 83
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De la tercera parte, resaltó toda la secuencia de la ópera, a mi punto de vista, la película vale la pena y se coloca en un lugar muy especial del cine, sólo, por esta escena, cargada, primero que nada, de suspenso, de emoción y, al estar en medio de una representación, de Cavallería Rusticana, de música excepcional. La escena termina con un Michael Corleone gritando desgarradoramente, tras la muerte de su hija, no te estoy arruinando el final de la película, todo mundo sabe, desde el principio, que Sofía Ford Coppola debe morir.
Reivindicación de El padrino Parte tres, ¿por qué también tienes que rentarla? Para muchas personas, la tercera parte de El Padrino no debió de filmarse, incluso, hay quienes consideran a esta trilogía como un díptico, pero, en verdad, la tercera parte es esencial, es el final perfecto para toda una vida de criminalidad. Los errores fueron, quizás hacerla tan lejana, en tiempo, del resto. La ausencia de Nino Rota (música) y de Robert Duvall, el extraño corte de pelo de Al Pacino o contratar a Sofia Ford Coppola para el papel de Mary Corleone, esta última, uno de los detalles que más apuntó la crítica y el público de la película —yo no pienso que lo haga tan mal, digo, no será Winona Ryder, pero, teniendo en cuenta la personalidad plana del personaje, su actuación es bastante decente―, son los elementos que han tachado de mala a esta última parte. La verdad es que The Godfather Part III, es la película más infravalorada de Francis Ford Coppola, pero, a todos aquellos que la critican, se les olvidan unos cuantos detalles, de entrada, es una película de Coppola (cualquier argumento en su contra se cae ante este detalle), con las actuaciones de Al Pacino, Diane Keaton y Andy García, este último, a mi consideración, con una potencia y un carisma que sostiene por completo el filme. La tercera entrega de El padrino se presenta como una obra más melancólica, en donde se encuentra la decadencia de los Corleone. Acompañada de una fotografía impecable y diálogos, al igual que las versiones anteriores, fantásticos, y, si esto no te convence, ten la satisfacción que, al final la hija de Coppola, muere. Para concluir, me basta con decir que El Padrino, es una obra que se tiene que ver completa, de la primera hasta la tercera parte, ¿por qué? Porque es lo más lógico, teniendo en cuenta todos los elementos que se reúnen en la trilogía. The Godfather tiene un fantástico elenco, reconocido y admirado por el mismo Kubric, una musicalización perfecta, una fotografía envidiable. El Padrino tiene de director a Francis Ford Coppola y de guionista a Mario Puzzo, quién no se podía imaginar el día que se presentó en los estudios de la Paramount con un guión con el título The Mafia, lo lejos que llegaría el guión, que hizo con la única finalidad de pagar sus deudas de juego.
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LOS COLORES D Blue Jasmine y Blanche
Por: Peggy Sin
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DE LA HISTERIA: Cuando vi la película de Osage Country pensé, sin dudarlo, que Meryl Streep se llevaría de nuevo un Oscar por su interpretación excepcional de una madre histérica (para variar), adicta al medicamento y a agredir a sus hijas en frente de toda la familia, pero mi idea sobre este triunfo, casi seguro, se vino abajo al ver la actuación de Cate Blanchett en Blue Jasmine, película dirigida por Woody Allen, quien al finalizar su etapa europea regresa a América, con una producción que retoma uno de los íconos básicos del cine hollywoodense: Un tranvía llamado Deseo. 87
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No es mi intención ponerme de fundamentalista y decir que la película de Allen es un plagio hecho y derecho de la película de Elia Kazan (basada en un libro y una obra homónima), más bien, mi intención es remarcar las coincidencias de ambos filmes, sobre todo de las protagonistas: Jasmine y Blanche, y referirme a Blue Jasmine como una versión modernizada y woodyallensada de A streetcar named desire, manejando el argumento más, que como el drama serio, como una comedia con tintes irónicos, muy propios del director. Sobre las protagonistas, Blue Jasmine (que debe su color a la canción “Blue Moon”) y Blanche, solían ser dos mujeres ricas que, tras enfrentarse a la bancarrota, terminan en casa de sus respectivas hermanas. Mientras vuelven a recuperarse económicamente se enfrentan gradualmente a la dura realidad de la pobreza, y a una demencia que se gesta poco a poco, hasta estallar con muestras magistrales de locura. El pasado de Blanch y Jasmine es muy similar, vienen de un matrimonio tormentoso que termina con el suicidio del esposo, hecho que hace que ambas se sientan muy culpables y representa el inicio de su locura. Blanch termina en la promiscuidad, como forma de buscar seguridad; mientras, Blue Jasmine, se pierde en las calles de Nueva York, hablando sola en un colapso nervioso. Las historias se desarrollan en un ambiente similar, la representación de la pobreza, la personalidad de las hermanas y cuñados también es parecida: un hombre de clase baja, con nula educación, machista, celoso y con un sentimiento de inferioridad por su nivel socioeconómico. Aunque Andrew Dice Clay, como Augie, novio actual de la hermana de Jasmine, tiene una actuación muy respetable, se queda muy corta frente a la mítica interpretación de Kobalsky, por Marlon Brando, que, en resumen, es más violenta y desenfrenada. Tanto en Blue Jasmine, como en Un tranvía llamado el deseo, las protagonistas buscan en el amor la manera de salir adelante y, sobre todo, de abandonar la miseria. Para conseguir su objetivo ocultan sus vidas pasadas, enfrentándose, tarde o temprano, a la realidad de sus vidas. Las historias tienen un gran contenido de decadencia, de exponer al ser humano a sus propios límites y, sobre todo, de ver el camino que sufren las protagonistas, de la riqueza a la pobreza, de la pobreza a la miseria y a la locura. Ciertas son también las diferencias de concepciones del mundo en ambas películas, como del significado de la pobreza, las relaciones entre las hermanas y la personalidad de Blanche y Jasmine, contrastantes, pero ambos son caras de la misma moneda, que es la locura. El papel de Blanche y el de Blue Jasmine son de los más difíciles de actuar, en el caso de Blanche, es bien sabido en el mundo del teatro que es uno de los papeles más complicados para interpretar, debido a sus aristas y su camino hacia la histeria. En el caso de Blue Jasmine, pasa exactamente igual, es un personaje complejo, que se debate, en este caso entre la comedia y el drama. A mi punto de vista, sus representaciones dan cuenta de la genialidad de las actrices Vivien Leigh (Blanche) y Cate Blanchett (Blue Jasmine), ambas ganadoras del Oscar, por llevar la histeria al punto límite.
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Dirección: Alexis Astorga Edición y Fotografía: Alexis Astorga Investigación de Campo: Josué Astorga, José Tostado Asistente de Producción: Bryan Montelongo Diseño: Josué Astorga
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Grabado en el año 2013 en Guadalajara, Jalisco, México. Los No Migrantes es un documental que muestra el mundo de los mexicanos que se hacen pasar por migrantes centroamericanos, para pedir dinero en las calles o conseguir algún tipo de ayuda social. Alejandro Manzanares y Agustín Ramos, dos falsos migrantes, dan su testimonio sobre lo que esto significa realment: sus estrategias, técnicas, modos de operar y, sobre todo, sus razones para haber decidido usurpar la identidad migratoria de un centroamericano que sueña con llegar a Estados Unidos. Este documental se encuentra ya disponible en Youtube, distintas plataformas y redes sociales. 91
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EL PROBLEMA: LOS Los fenómenos y problemas migratorios no son un tema nuevo, pero han ganado notoriedad, en últimos años, debido a la atención que los medios de comunicación han puesto en ellos, a raíz de ciertos atentados que se han suscitado. Uno de esos grandes problemas son los ‘’Falsos Migrantes’’, personas que han visto en la imagen de los migrantes centroamericanos y mexicanos una forma de negocio, al usurpar sus características y fingir ser uno más de ellos, con la finalidad de que la sociedad mexicana los apoye con dinero, comida o algún otro tipo de ayuda social. Se han convertido en algo habitual en las zonas donde pasa el tren, ‘’La Bestia’’, sobre el cual se transportan año con año, de manera ilegal, miles de migrantes que van camino a Estados Unidos. Como si se tratara de una interpretación, estos usurpadores adoptan la vestimenta propia de un migrante y suelen fingir acentos de los distintos países centroamericanos, para darle mucho más credibilidad a su personaje. Asimismo, se establecen cerca de los lugares donde usualmente es normal ver a esos verdaderos migrantes que van hacia Estados Unidos, para que la sociedad los relacione inmediatamente con ese tema. Es algo ya planeado.
Cabe señalar que, esta dinámica es realizada, en muchos casos, por personas en situación de calle, sin quedar exentos algunos otros sectores de la población. Forma parte de una larga lista de estrategias de sobrevivencia, que las personas han ido llevando a cabo través de décadas. Es una manera más de ‘’…ganarse la vida sin robar ni asaltar’’, tal como ellos mencionan. Fijando su atención en este fenómeno social, Astorga, vuelve a escarbar, con este nuevo documental, en las entrañas de las ciudades, para descubrir lo que está pasando realmente en las calles o lugares poco conocidos. 92
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S NO MIGRANTES
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Acerca del Director, Alexis Astorga Alexis Astorga es un Documentalista emergente, que radica en la Ciudad de Guadalajara, él ya cuenta con varios trabajos documentales y audiovisuales, circulando en la red. Es parte de una nueva tendencia de directores, que realizan proyectos con un formato mucho más rápido y directo, volviéndolos, aún más, digeribles para cualquier tipo de público. Como Licenciado en Ciencias y Técnicas de la Comunicación, Astorga posee una vasta gama de herramientas para realizar sus documentales de manera integral, balanceando todas las características de la parte cinematográfica, sin dejar de lado la esencia periodística. Los No Migrantes es su cuarto documental, teniendo como antecesores: Clandestino, donde se muestra la brutalidad de las, aún existentes, peleas de perros ilegales, que se dan en la Ciudad de Durango, México; La Recicleyshon, historia de un grupo de jóvenes de escasos recursos que, gracias a su ingenio, convierten basura en instrumentos musicales y salen adelante tocando en las calles del centro de Guadalajara, para conseguir el apoyo económico del público que, semana a semana, se conglomera para verlos tocar; por último, Arte Ilegal, centrado en ‘’Akometer’’, un artista ilegal que se resiste a presentar su arte callejero en galerías, sólo busca intervenir las calles de Guadalajara de manera ilícita, sin que nada ni nadie haya podido detenerlo hasta ahora. El documentalista, Alexis Astorga, se encuentra en una búsqueda constante de esa historia o fenómeno social que haga a las personas girar su mirada y cuestionarse la manera en que, cada uno de ellos, interactúa directa o indirectamente con el tema en cuestión. Algunos lo querrán ver y quizá otros lo ignoren, pero no habrá ninguna duda de que esos fenómenos o historias asombrosas existen, son reales y están siendo capturados en video.
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Final Cut
El collage cinematogrรกfico. 96
zebrazul Es muy probable que si hablo del plot de esta película sea considerado por los lectores como un cliché, porque, de hecho, es una historia cliché: chico conoce chica y quedan enamorados de inmediato. Visto de esta forma queda un poco soso el desarrollo de este filme dirigido por el húngaro György Pálfi, pero, en verdad, es mucho más complejo que esto, ya que en esta historia los protagonistas cambian de cara, de nombres, de nacionalidades e inclusive se pasean libremente entre el blanco y negro, el digital y el tecnicolor a cada 5 segundos. Ahora, hay que agregar que el papel de la pareja es interpretado por Brigitte Bardot, Alain Delon, Bruno Ganz, Greta Garbo, Rita Hayworth, Tony Leung Chiu Wai, Giulietta Masina, Marcello Mastroianni, Jeanne Moreau, y otros cientos de actores y actrices, unidos en esta película a partir del collage como ejercicio audiovisual, resaltando las posibilidades expresivas del lenguaje cinematográfico y del montaje. La película se conforma por minifragmentos de otros filmes, que van desde Historia americana X, Amelie, Annie Hall o Avatar. Al ver Final Cut, el espectador no presencia tan sólo una película, sino 500 a la vez. Es más que una película, un ejercicio que se introduce en las posibilidades de la expresión audiovisual, del lenguaje en sus diferentes facetas y articulaciones. Plantea un juego intelectual a quien la vea, que consiste en adivinar los filmes que pasan frente a sus ojos e interrelacionarlos, descubriendo las técnicas formales y de contenido utilizadas por cada uno de los directores involucrados, para producir emociones y contar historias. En su totalidad, la película representa un homenaje melancólico y mágico al séptimo arte, un recorrido visual a la historia del cine, como marco de innumerables retratos, que tienen en común la descripción del sentimiento más universal que existe: El amor.
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Cuando escucho Swing no puedo más que bailar y poner esa cara de felicidad idiota ante las cosas simples de la vida. Nacido a finales de la década de los 20, en Estados Unidos, es un estilo musical que se mantuvo en boga hasta muy entrados los años 50. Pese a su decaimiento, ante nuevos ritmos, el Swing se mantiene vigente en las preferencias de gente que, al igual que yo, disfrutan la explosión sonora de las Big Bands.
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Las llamadas Big Bands son eso, grandes orquestas de jazz, compuestas por 10 u 11 miembros en sus inicios, ya en los años 70 llegarían hasta los 20 individuos. Los pequeños ensambles de jazz que tocaban en Nueva Orleans fueron evolucionando en ritmo, así como ampliando el número de músicos, hasta convertirse en grandes bandas con secciones instrumentales, que se dividían en: metales con 3 a 4 trompetas y 2 o más trombones; maderas con 4 o más saxofones, clarinete y flauta; ritmo con piano, guitarra, bajo y batería; por supuesto, no podía faltar el cantante con alguna voz fuera de serie. Se considera a los Dixie Stompers de Fletcher Henderson, en 1925, como la primera Big Band consolidada, pero sería en 1929 con Cotton Picker del baterista William Mckiney que estas agrupaciones recibirían su nombre. De ahí le seguirían The Washintonians de Duke Ellington y la orquesta de Benny Goodman (considerada el símbolo de la era Swing, 19351939), así como otras tantas de excelente calidad. Las Big Band, al menos en Nueva Orleans, estaban compuestas, en su mayoría, por músicos blancos, debido al racismo imperante en aquella época, sin embargo, grandes solistas negros se dieron a conocer a través de estos grupos, como es el caso de: Lionel Hampton, Teddy Wilson, Roy Eldridge y Billie Holiday. La popularidad de estas orquestas llegó hasta Nueva York, donde había una mayor apertura racial y se podían consolidar bandas afroamericanas; es en esta ciudad donde el jazz se mezcla con el blues, dando paso a lo que se conocería como la Línea Harlem dentro de las Big Band. Aquí destacará la banda de Duke Ellington, The Washingtonians, quienes desde 1926 tocarían durante años en el Cotton Club de Harlem. Ellington es considerado uno de los más grandes compositores de jazz, junto a los famosos Louis Armstrong, Charlie Parker y Miles Davis.
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Sin duda la historia de las Big Band es mucho más extensa, ya que se dividirán en variaciones rítmicas y corrientes musicales, como el Bebop, el Hardbop, el Free jazz y el Post bop, entre otras. A partir de los años 60 se va perdiendo el interés por crear estas grandes agrupaciones, pero a finales de la década de los 80 se pretende retomar el estilo con el neoswing, así nace en 1989 Big Bad Voodoo Daddy y en 1993 los Squirrel Nut Zippers, quienes toman su nombre de los caramelos de cacahuate vendidos a mediados de los 20 y que llevaban por nombre Nut Zippers, comercializados por la empresa Squirrel. Hasta la fecha, estas bandas de reciente creación, siguen inundando los oídos de los nuevos fanáticos del Swing, incluso en México contamos con la Big Band Jazz de México, fundada en 1999 por músicos de Texcoco, Estado de México.
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MELÓMETRO
Cuando era niño, en ocasiones, me levantaba muy temprano y mi madre prendía la televisión, justo en el canal cinco a las 5 de la mañana. A estas horas sólo salían las molestas barras de color, con el sonido irritante indicador de que la programación no había empezado, iniciaba con el Himno Nacional Mexicano, como lo marca la ley, pero, en seguida, sonaba un tema que, a mi escasa edad y sin una formación musical previa, yo percibía como glorioso y futurista. Había días en que pensaba que ese también era mi himno nacional.
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P O R : PEGGY
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D O S DIVI DIDOS ENTRE CERO:
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Años después reconocí que esa canción era “Go West”, del dúo inglés Pet Shop Boys, perteneciente a su quinto álbum Very, editado en 1993 y utilizado en la televisión mexicana, por muchos años, como canción mañanera. Dejaré este tema a un lado para regresar, aún más en el tiempo, hasta 1986. 1986 iniciaba como un año normal, el 24 de enero la nave estadounidense Voyager 2 se encuentra con Urano, para descubrir 10 nuevos satélites girando a su alrededor; el cometa Halley hace su última aparición del siglo XX,;se estrena Ginger y Fred, última película del director Federico Fellini, protagonizada por Marcello Mastroianni y Giulietta Masina; y el 28 de marzo, del mismo año, sale, bajo el sello de Parlophone, el disco de Please, primer material musical de Neil Tennant y Chris Lowe, los Pet Shop Boys.
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zebrazul Pararé en este punto mi cronografía de 1986, no porque considere el resto del año aburrido, sino porque hemos llegado al acontecimiento que quería llegar, el lanzamiento del disco de Please. El primer álbum de Pet Shop Boys es el perfecto primer álbum de una agrupación. John Freeman de thequietus.com relaciona ese buen sabor de boca, de ese primer disco, con la primera cita de un cortejo, o el inicio de una relación que perdurará. El disco tuvo, en 1996, todo lo que un artista hubiera soñado para un primer álbum, éxito internacional (vendió más de tres millones de copias alrededor del mundo), éxitos comerciales, recordados hasta nuestros días, como “West end girls” o “Opportunities”, pero, sobre todo, un punto de partida que sirvió a los Pet Shop Boys para expandir sus horizontes creativos, sus influencias musicales y la inclusión dentro del pop sintético o Synthpop de muchos otros géneros, como la electrónica, el disco, el house, rock-ópera y la música coral.
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Please es uno de esos álbumes, producidos con menos frecuencia en la actualidad, que es mítico de principio a fin, no sólo me refiero al sentido musical, luego tocaré ese tema, pero este mito se extiende al arte del disco y al nombre del mismo, que fue creado para que cuando un cliente llegara a una tienda de discos, a pedirlo, dijera algo como “Can I have the Pet Shop Boys album, please?”, el please, fue concebido como una muestra de buenos modales, pero, a mi gusto, queda entendido como una exclamación de auxilio para subsanar una necesidad insaciable. 108
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La portada, diseñada por Mark Farrow, es mítica por su simplicidad: es una microfotografía de Neil Tennant y Chris Lowe vistiendo de blanco, en medio de un fondo completamente blanco, esto, en relación con la reducción de los formatos de cajas de cds. En general, la portada tiene una simplicidad que denota el minimalismo de la imagen de la agrupación en el resto de los discos. Please, es producido por Stephen Hague, importante productor de pop sintético de los ochentas, está dividido en dos partes, la primera mitad está llena de los primero éxitos del grupo. Inicia con “Two Divided by Zero”, continuando con su primer sencillo “West End Girls” y cerrando con “Suburbia”. En la segunda mitad, existen temas más introspectivos, que luego serán un leitmotiv en discos futuros, como las dudas del ser humano y los amores condenados (por no decir sometidos). 109
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El disco completo, como lo indica Freeman, aunque no intencionalmente, tiene una secuencia y una temática principal, una salida nocturna después de una dura semana de trabajo, la fiesta, el hedonismo de la misma, una ciudad por la noche son elementos claves; además posee una alta carga sexual, más que nada, andrógina y misteriosa. Inicia con una propuesta en “Two Divided by Zero”: “Let’s not go home, we’ll catch the late train… lets run away” y termina con una propuesta final en “Why don´t we live together?”. Aunque la crítica fue divida, en el lanzamiento del disco, pronto se colocaría en los ranking ingleses y del mundo, vendiendo más de tres millones de copias en el mundo entero. El primer sencillo “West side girls” fue considerado, en una encuesta de la BBC, como la mejor canción de la década, entre 1984 y 1994; y la canción “Tonight is forever”, luego tomada por Liza Minnelli, en su disco Results, producido por Pet Shop Boys. Please fue relanzado en el 2001, acompañado con un Lado B, que incluye algunas remezclas y material inédito que data de la época del lanzamiento del álbum. Aunque a futuro, hay mejores álbumes de la agrupación, como Behaviour (1990) o Introspective (1988), este álbum abre las cualidades expresivas de la agrupación, mientras los arreglos musicales son más simples, en comparación con futuros trabajos, las letras denotan la genialidad andrógina caracterizadora del grupo. En total son once temas, que en conjunto tienen una duración de 42.48 minutos, lo equivalente a un viaje en metro o en carro de camino al trabajo. Esta medida puede variar dependiendo del tráfico de su ciudad o lo cafre que usted sea para el volante, de cualquier forma, recomiendo escuchar este álbum, que, a experiencia personal, funciona perfectamente para no deprimirse en los largos trayectos, en cambio, sirve para relajarse y cantar. 110
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Una larga noche
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Por: Peggy Sin
con Buika
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Hace ya un par de años, Concha Buika, se presentó en mi ciudad natal, en el festival cultural Revueltas. Yo pude colarme a la rueda de prensa, con la excusa de hacer una crónica de su visita, pero, en verdad, tenía toda la intención de conseguir su autógrafo. Mientras esperaba, se me ocurrieron miles de preguntas que, por mi timidez, no me permití hacérselas, aunque, ahora que lo pienso, se las hubiera pasado al resto de los periodistas en un papel, porque, la verdad, estaban perdidos y preguntaron muchas burradas. El colmo fue una chica que, quiero creer yo, sin mala actitud, le preguntó: ¿Qué se siente ser única en tu especie?; he de admitir que muchas veces he pensado que esa voz y esa esencia podrían provenir de otro planeta, pero nunca me hubiera atrevido a insinuárselo directamente. Ella la miró y le contestó con un par de preguntas: ¿Y de qué especie soy yo? ¿Y acaso tú no eres única también? La reportera, quien no se esperaba esa contestación, no pudo más que soltar una justificación sin sentido, y pedir disculpas. En mi punto de vista, no es por intentar ser intérprete de la periodista o reparar su error, lo que ella quería mencionar no era exactamente una pregunta, sino un piropo mal logrado a la personalidad regia y a la insólita voz de Buika, una mezcla de jazz y flamenco. Nostálgica y arrebatadora. En pocas palabras, caótica.
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Concha Buika, nació en Palma de Mallorca, capital de la Isla Belares, donde vive con su familia, exiliados de la Guerra Ecuatorial. Es su desenvolvimiento artístico, probablemente, resultado de una mezcla cultural muy diversa: su ascendencia africana y su convivencia en la marginalidad con los gitanos, encontrando en el flamenco una forma de expresión y de evasión a su realidad momentánea. Luego, a estas influencias culturales, le sumamos la gran curiosidad artística de la cantante, que la ha llevado a expandir sus horizontes en una infinidad de géneros que convergen en sus discos. Sobre su voz se ha dicho de todo, en el 2010, en un artículo online por Alice Winkler (NPR), se incluye a Buika en la lista de las mejores voces, nombrándola como “La Voz de la Libertad”. El New York Times le dedicó estas líneas, en elogio a su voz: “Ella tiene una voz ronca, con varias capas, e imperiosa, un poco como la de Nina Simone, pero más flexible y virtuosa”; y el New York Post, la refiere como una cantante de las que sólo aparecen una vez en cada generación. La voz de Buika es una frontera inalcanzable, con tintes de una sensual melancolía, rota y expresiva, caótica, con giros inadvertidos. Pero no es sólo por la voz de Buika por lo que vale comprar un disco suyo o asistir a una de sus presentaciones, es un conjunto de elementos que me permiten hablar de ella como una intérprete sin límites: creativa y artística, bohemia. Es tanto latina, como española, africana, americana o mexicana, canta igual flamenco que jazz, o una ranchera. Le da lo mismo estar acompañada por una orquesta sinfónica, que por una guitarra o un fondo electrónico. Muchos la consideran como la nueva Nina Simoné. Fue amiga de Chavela Vargas y compuso a su nombre la canción de “Nostalgias”. Ha sido una chica Almodóvar, participando en La Piel que Habito, donde interpreta “Por el amor de amar” y “Se me hizo fácil”, colaborando en la banda sonora y con una aparición frente a la cámara. Concha Buika tiene dos libros de poemas, y está por estrenarse como productora, con la presentación de la película De la soledad al Infierno, basada en un relato autoría de la cantante.
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Al terminar la rueda de prensa, me acerqué por un lado, evadí mi miedo y la barrera de seguridad que lleva para evitar que personas, como yo, la molestemos, me acerqué a ella y le pedí un autógrafo. Mientras lo escribía, elogiaba el arte de mi libreta, una carpeta decorada a base de tela, collages fotográficos y algunos dibujos a gis. Me entregó el autógrafo, que decía “lo que yo quiero es que nos volvamos a ver”. Sé que muy probablemente esa dedicatoria la escribe a diestra y siniestra, pero dentro de mí, mi patético fanático interno quiere pensar que no es cierto. A la fecha Buika tiene siete materiales discográficos, el más reciente La noche más larga es diverso en géneros e idiomas, con una versión flamenca de “Ne me quitte pas” o “La nave del olvido”, inclusive su propia versión de “Throw it away”. Aunque ya asentada como una de las grandes voces de la música a nivel mundial, tratar de adivinar el siguiente paso de la cantante es inútil. Ella es libre y se mueve con la música y a donde la música la lleve.
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Soy yo uno de esos casos (quiero creer que los que me leen también) que escuchan una canción y empieza a desarrollar en su mente una situación, una concepción del mundo y momento idóneo, con la única justificación de agregar esta canción como el soundtrack del momento. En esta ocasión, cuando escuché “Lie Back” no pude más que imaginar la primavera, un día de campo con mis mejores amigos, todos con lentes de sol, haciendo todas esas ñoñadas de cajón que las personas hacen en un día de campo. “Lie Back” es del grupo indie Shy Nature (otro punto a favor del grupo, pues yo también soy de naturaleza tímida) y pienso que, junto con “Sinking Ship” es la canción más reproducida en mi ipod. Shy Nature, es un cuartero del norte de Londres, con un sonido de banda de garage estadounidense, con letras y un estilo muy sesentero.
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zebrazul El grupo se creó en el 2012 y, a dos años de su formación, han conseguido que la radiofusora nacional de la BBC programara su primer sensillo: “Deadly Sin”. También tienen un EP homónimo y algunas presentaciones en vivo en la ciudad de Londres. En total, su repertorio musical se compone, hasta ahora, por siete canciones (si esto no es indie, no me puedo imaginar qué lo es), todas ellas giran en torno a una misma temática: crecer, o más bien envejecer, están rodeadas por un sentimiento que entremezcla la nostalgia y la felicidad momentánea, de esa que es efímera y resultado de los placeres más simples de la vida, como un paseo en bicicleta, música para recostarte sobre el pasto, aunque cause alergia, cubrirse los ojos del sol, mientras ese toque de guitarra clásica suena y deja ir, poco a poco, las preocupaciones.
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Haduuken!!!
Path of exil
Por: Jonathan Vรกzqu
zebrazul Normalmente, la expresión Free to Play o F2P nunca me ha llegado a convencer, la evito como si se tratase de un leproso o un virus mortal, simplemente, ver o escuchar F2P me hacía pensar en los banners de juegos mediocres de cualquier página web infestada de publicidad, pero un día sucede algo interesante que cambia mi percepción de los F2P. Era un martes como cualquier otro, de pronto un mensaje llega por el steam chat, es Daniel, quien comenta sobre un nuevo juego F2P disponible en Steam y que ,es mucho mejor que Diablo III, incrédulo, decido darle una oportunidad, inicié el proceso de registro, seleccioné personaje y, pasadas 3 horas de juego caí rendido ante las maravillas de Path of Exile.
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Haduuken
Path of Exile es, simplemente, el mejor aRPG (action RPG) que hay a la fecha, lo mejor de todo es que es gratis y las microtransacciones no son necesarias para terminar el juego. Primero que nada el juego te da la bienvenida con 6 personajes, que se adaptan a cualquier estilo de juego de cualquier persona, haciendo posible que luches a distancia o cerca; cada personaje tendrá diferentes atributos de inteligencia, fuerza o destreza y es fácil identificar quiénes cuentan con cada atributo, con base en la descripción de personaje. Ya seleccionado tu personaje, no queda más que entregarse a esta aventura, que llega a tomar cerca de 30 horas, en las que enfrentarás de todo, zombies, caníbales, fantasmas, soldados, arañas gigantes, golems, bandidos, serpientes, hechiceros, nigromantes y hasta monos... sí, he dicho monos. Empezarás en una isla, en la cual has sido exiliado y, a través de una serie de quests, irás desarrollando la historia. Por lo general, los quests son muy similares, buscar items o personajes, asesinar a un personaje o, simplemente, matar a todos los enemigos de un área. Sinceramente, no le presté atención a la historia, ya que estaba enfocado en el siguiente quest para iniciar mi carnicería. En Path of Exile la estrella es la jugabilidad. Cada calabozo será aleatorio cada vez que lo visites, esto, en conjunto con la variedad de enemigos, garantiza siempre un nuevo desafío. A pesar de la gran variedad de enemigos y desafíos, el juego no te deja a merced de los villanos, sino que te brindará las herramientas necesarias como: armaduras, pociones, el sistema de nivel y las gemas, que son la parte más importante del juego. Las gemas nos ayudarán a aprender nuevas habilidades o reforzar atributos durante nuestro viaje, las gemas pueden ser de 3 tipos: fuerza, inteligencia y destreza, y solamente pueden ser usadas por los personajes que cuenten con los atributos necesarios. No tiene sentido ponerle una gema de destreza a un personaje que sólo se enfoca en fuerza ¿no?
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Las armaduras y armas son nuestro medio para equipar estas gemas, al principio sólo podremos equipar una sola gema y usar 1 habilidad extra, pero, ya estando más adentrado en el juego, empezaremos a ver equipo con mayor número de espacios para proveer gemas, haciendo a nuestro personaje muy diverso y capaz de diferentes hazañas. El sistema de nivel nos ayudará a reforzar nuestros atributos, cada vez que subamos de nivel obtendremos un punto de habilidad, que podemos usar para incrementar cualquier atributo que deseemos, el sistema es muy parecido al de Final Fantasy X, donde vas seleccionando el camino a seguir de tu personaje. Como mencione, anteriormente, las microtransacciones no son necesarias para terminar el juego, pero he de decir que el sistema es muy bueno y accesible, desde productos cosméticos, hasta mascotas. Ahora hablemos del diseño del juego, el cual, a mi parecer, sobrepasa los valores de producción vistos en Diablo III. Es increíble que este juego venga de un estudio independiente y, como lo he dicho con anterioridad, es aún más increíble que el juego sea gratis. Excelente música, excelentes gráficos, excelente jugabilidad, excelente sistema de desarrollo de personaje, además, si eres de aquellos que disfrutan hacer streaming de tus videojuegos, te alegrará saber que Path of Exile cuenta con un sistema embebido para hacer streaming a Twitch, sólo tienes que hacer login y podrás enviar tu feed junto con la señal de tu webcam, sin necesidad de usar algún software adicional o problemas de configuración, todo en una interfaz muy amigable desde el juego.
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zebrazul En conclusión estamos ante el mejor de los aRPG, una obra maestra que sobrepasa en creces a Diablo II, no por nada, Path of Exile ha sido ganador de muchos premios a lo largo del 2013. Así que, si estabas pensando en comprar Diablo III, mejor descarga gratuitamente Path of Exile, ¿qué estás esperando? Sólo tienes que registrarte en steam e iniciar la descarga para disfrutar uno de los mejores juegos de PC de estos tiempos, además ya se encuentra disponible la expansión gratuita, lo cual garantiza más horas de entretenimiento. Sin duda alguna el mejor producto, por lo cual Path of Exile se lleva un 10 de calificación, algo que ya deberías de tener listo en tu librería.
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Strike Vector Por: Jonathan Vázquez
Brutal Aerial FPS, es el género bajo el cual cae Strike Vector, lleno de acción y de momentos que harán que pases de la ira a la alta frustración. Hay que ser claros en qué es y qué no es Strike Vector. ¿Es un juego con campaña de combate aéreo? No, no lo es, ¿es un juego multijugador muy brutal a la vieja escuela? Definitivamente eso es, pero con ciertas características que lo hacen distinto. Desarrollado por el estudio independiente Ragequit, Strike Vector cumple con la sensación contemporánea, equivalente a un juego clásico a la Quake o Doom, acción veloz y combate frenético. El juego cuenta con un modo tutorial, el cual aconsejo leer plenamente, si es que quieres evitar pasar un momento amargo. El tutorial te enseñará a usar las acciones más básicas, así como el modo harrier, el cual me recuerda muchísimo a Robotech. Una vez completado el tutorial aún tienes mucho que abarcar, no te frustres si al principio te patean el trasero en exceso, cosa que sucederá a menudo. Tu Vector es una gran máquina de combate, capaz de equipar una gran variedad de armas, como: gatling guns, lanza cohetes, cañones de plasma y demás, cada uno para un estilo de juego diferente, cada una con sus pros y contras, que podemos balancear con el uso de perks. Cada arma tiene la opción de usar 2 perks, los cuales le darán diferentes atributos a las armas, permitiendo diversas opciones, como la recarga rápida, más daño, mayor área de impacto y mayor velocidad para el proyectil. También contamos con las acciones especiales, que nos permitirán reparar el vector, soltar minas, usar escudos o volar más rápido. Por último, tenemos a las especialidades, que ayudarán a que podamos ocultarnos, ver a nuestros enemigos desde la distancia, mejorar la defensa, por mencionar algunas. Sólo se permite seleccionar una acción especial y una especialidad, así que hay que ser sabios en cuestión a cuál seleccionamos.
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Sinceramente, esperaba más modos de juego, actualmente el juego cuenta con 4 modos, los cuales se componen del clásico Deathmatch, Team Deathmatch, Domination, que es muy parecido a captura la bandera y, finalmente, mi favorito, Bounty Hunter, el más interesante. Cada jugador tendrá un precio conforme al número de kills registrado, entre más efectivo y brutal seas, más aumentará el precio por tu cabeza. Las partidas están llenas de mucha acción y puedes pasar de primer lugar a último en un abrir de cerrar de ojos. Ahora, como mencione anteriormente, este es un juego que requiere que tomes tu tiempo acostumbrándote a las mecánicas y control, lamentablemente, estamos limitados a teclado y gamepad de Xbox, lo siento, no hay soporte para Joysticks, hubiera preferido poder jugar con Joystick, espero que los desarrolladores incluyan dicha opción para el futuro, por el momento, aconsejo el uso de teclado y mouse, ya que es más confiable que el gamepad y, de preferencia, usen un mouse con alta, altísima sensibilidad, ya que esto facilitará derrotar a tus adversarios.
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Ya que has aprendido a usar tu Vector, tendrás que buscar el arma que más te funcione, habrá armas como el Swarm Missile, que son efectivas en combate a distancia, pero pésimas para cuando se trate de encuentros cercanos; el cañón de plasma será efectivo siempre y cuando tengas a tu enemigo en una línea recta, créanme que se necesita puntería para golpear a tus enemigos. Hablando de golpear a tus enemigos, la detección de impacto no es la mejor del mercado, en ocasiones será cuestión de pura suerte que puedas alcanzar a tu enemigo y, probablemente, te encuentres preguntándote qué fue lo que te golpeó, esto es muy común en partidas de Deathmatch, Team Deathmatch y Domination, extrañamente en el modo de Bounty Hunter, es más sencillo patear traseros, el juego funciona mejor y es más disfrutable comparado con los otros modos. Ahora, si tienes un ping alto, no esperes que el juego sea jugable, mientras tu juego tenga un ping alto será prácticamente injugable y serás el blanco de todos, el juego requiere muchas optimizaciones para funcionar apropiadamente con un ping alto, es la misma historia que la versión de PC de Mortal Kombat 9. 129
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zebrazul Por lo menos no está tan roto, como productos de estudios de renombre al lanzamiento, pero repito, sí va a ser complicado que puedan defenderse como es debido teniendo un ping alto, lo cual es un tanto decepcionante en un juego solamente multijugador. Gráficamente el juego es lo que podrías esperar del Unreal Engine, no es feo, pero tampoco es la cúspide de gráficos, opciones gráficas limitadas en la PC hacen que uno sienta que está jugando en consola, siento que el apartado gráfico se pudo haber mejorado un poco. Ya para finalizar esta reseña diré, ¿20 dlls? El precio se me hace un tanto elevado, pero el desarrollador ha prometido lanzar DLC de forma regular y gratuita. ¿Vale la pena comprarlo en este momento? Depende mucho de qué tan quisquilloso seas, en lo personal es un juego bueno, pero esperaría a encontrarlo con descuento en algún Steam Sale, en conclusión, Strike Vector es un sólido 7/10, el juego tiene potencial para mejorar, una vez que estos problemas de hit detection se parchen estoy seguro que el juego puede llegar a un 8, esperemos que el desarrollador mejore en el futuro. Nos vemos hasta la siguiente reseña.
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CAFÉ CON GADGETAS
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Por: MAD
Google Glass Con un precio de 1500 dólares, los google glass están más allá del alcance de la persona promedio, pero, actualmente, es el único dispositivo que integra la realidad aumentada de una manera natural, como si siempre hubiera sido de esa manera. La imagen generada, mediante proyección, en el prisma transparente es equivalente a una pantalla Full HD de 25 pulgadas a 2,5 metros. Cuenta, también, con una cámara de 5 megapixeles que graba en HD (720p). Almacenamiento de 16 Gigabytes y conectividad bluetooth y wifi.
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Google Glass
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Hombre de Al escuchar o leer “El hombre del momento” nuestra mente puede pensar que es un título pretencioso, es casi garantía que lo asociemos con un actor de la meca del cine, un rockstar, o bien, como es moda, un prodigio que logre desempeñarse exitosamente en todos los ámbitos del show business. Sabemos que alguien es la persona “del momento” cuando lo vemos hasta en la sopa; publicaciones tanto digitales como impresas les dan cobertura; sus fotografías aparecen en populares revistas de música o cine; los periódicos comparten cada ocurrencia, nueva frase célebre o cualquier evento que consideren digno de agregar al anecdotario. Pero ¿qué pasa cuando un líder espiritual parece estarle pisando los talones, con el número de encabezados, al mismísimo Justin Bieber?
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el momento
Por: Sinaí Díaz
*No es intención de este autor promover ideas religiosas, es sólo la opinión acerca de una figura pública.
Una vez escuché (bueno, creo que todos lo hemos hecho en algún momento): que si quieres llevar la fiesta en paz con una persona o si quieres sacarle la vuelta a la controversia en una conversación, hay tres temas que debes evitar a toda costa: política, fútbol y religión, siendo el último el que a más gente logra incomodar. A pesar de esto, existe un personaje que está llamando la atención por sus ideas revolucionarias. Pone de cabeza conceptos arcaicos sobre la divinidad, las diferencias entre el bien y el mal, así como la relación que debe tener un líder (en este caso espiritual) con su pueblo.
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Nacido hace 77 años, bajo el nombre de Jorge Mario Bergoglio, el Papa Francisco llegó hace un año a la Iglesia Católica, en un momento de evidente crisis, con cada vez más ateos, agnósticos y protestantes. El Papa Francisco se ha convertido en un personaje para no quitarle el ojo de encima. Si bien, desde su nombramiento llamó la atención, no sólo por tratarse del primer Papa latinoamericano, sino porque dejó ver que tiene un sentido del humor bastante relajado que, desde el primer momento, provocó que los jóvenes (particularmente católicos) aplaudieran su llegada. Yo, como no practicante (de ninguna creencia religiosa), honestamente, no lo volteé a ver demasiado, hasta que un discurso supuestamente pronunciado por el Papa se volvió viral: “Necesitamos santos”, llamó mi atención, me pareció, por un momento, una jugada política para ganar y recuperar fieles, pero lo disfruté. No es el tipo de cosas que uno espera escuchar o leer de una institución tan solemne, como lo es la Iglesia Católica. Después me enteré que esa disertación viene poco después del fallecimiento de Juan Pablo II, y que nadie sabe, de forma precisa, quién es su autor, pero esa es otra historia. Con el paso de las semanas, de los meses, cada vez más publicaciones le dedicaban espacio al Sumo Pontífice, y es que es imposible ignorar su cercanía (hasta donde sabemos auténtica) con los sectores de la población más vulnerables. Es la primera vez que un líder católico no sólo no condena, sino que respeta grupos que antes eran severamente atacados. Respecto a los ateos, él sostiene que, mientras sean personas que actúen con bien y con base en sus valores morales, no hay tema a debatir, así lo dejó saber cuando en junio del año pasado se reunió con el Presidente de Uruguay, José Mujica. Del mismo modo natural, se refirió a la comunidad LGBT (lesbianas, gays, bisexuales y transexuales), en el que aplaude que dos personas se amen, y que ni él, ni la Iglesia están en posición de juzgar y condenar la libre expresión del amor, por esta razón, la publicación dirigida a la comunidad homosexual: “The Advocate”, lo eligió como personalidad del año 2013.
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zebrazul La lista es larga, pero habrá de destacarse que, finalmente, además de hablar abiertamente de los casos de sacerdotes pederastas, los condena, e hizo los cambios necesarios en la Ley del Vaticano para que estos crímenes sean castigados como tales. También está incomodando a los encargados de las finanzas del pequeño y rico país, para que el dinero vaya a donde tiene que ir desde un inicio y sea una herramienta para ayudar al prójimo. Sus caminatas nocturnas, vestido como un “sacerdote cualquiera”, para estar cerca de la gente; su abierta simpatía a la idea de que exista equidad de género en los puestos de poder de la Iglesia; que haya subastado una motocicleta con valor de 15mil euros (regalo proporcionado por la millonaria firma Harley Davidson) para obras benéficas; las “selfies” con los fieles que lo buscan; el portar una nariz roja en la boda de unos doctores de la risa; así como el reconocimiento de la revista Time como la persona del año, le han valido ganarse muestras de afecto alrededor del mundo. Cómo podríamos olvidar al “Súper Papa”, grafiti plasmado en un muro fronterizo con el Vaticano, que exhibe la percepción de la gente acerca de este hombre. Y no se trata de que la población necesite un “permiso” del Papa para expresarse, pero, por primera vez, se está logrando unión entre grupos antagónicos. Temas que por muchos años fueron considerados tabú, se hablan de una manera menos estresada. Tal vez nunca sepamos la absoluta verdad de lo que hay en la cabeza y en las intenciones del Papa Francisco, pero lo cierto es que todos conocemos su nombre y su obra, en lo que ha sido apenas un año de trabajo. No sabemos si es una estrategia para fortalecer una Iglesia que día a día perdía seguidores, pero en el camino los beneficios y la huella que está dejando es algo más que evidente.
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El día que debería ser
borrado del calendario
de marzo Por: Zilho 140
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Un 11 de marzo, hace 32 años, nací, no es que a ustedes les importe que este sea mi cumpleaños, pero sí me ha hecho a mí percatarme de una serie de acontecimientos que se han sucedido en este día. Quizá sólo sea mi percepción, porque pongo especial atención en esta fecha, o tal vez ya soy una de esos obsesionados con las conspiraciones. Lo que es cierto es que me he topado con noticias de desgracias vinculadas a este número del calendario, no sólo de la historia moderna, sino en un recorrido que se remonta a dos mil años atrás. Para no fastidiarlos con fechas, sólo nombraré a partir de finales del siglo pasado. 1997. Japón sufre problemas en la planta nuclear de Tokaimura. Para tanta radioactividad ya debieron haber desarrollado súper poderes. Es como si Japón y la energía nuclear fueran uno mismo. Pensando en las bombas de Hiroshima y Nagasaki, en los problemas nucleares de la década de los 90 y Fukushima en 2011. 2004. En las estaciones de Atocha-Cercanías, El pozo del tío Raimundo y Santa Eugenia, en Madrid, estallan dos artefactos explosivos, dejando 192 muertos y más de 1800 heridos. Ni la tragedia evitó que el grupo la Oreja de Van Gogh hiciera una aburridísima canción, “11 de marzo” acerca de la desgracia.
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2010. Chile sufre una réplica de 7.2º del terremoto del 27 de febrero. Justo en la ceremonia de cambio de mando. Como si fuera poco que el suelo se te mueva, también te enfrentas ante la duda de si el nuevo gobierno será mejor que el anterior. 2011. Con creces el más terrible de los acontecimientos del fatídico 11 de marzo. Japón se enfrenta a un terremoto de 9º, con su posterior tsunami que arrasa las costas del país. No podía faltar el accidente nuclear. La planta nuclear Fukushima I colapsa, acrecentando el tamaño del desastre. 15836 muertos y 3650 desaparecidos. Para ese año, yo editaba la sección nacional e internacional de un periódico, así que ni tuve oportunidad de sentirme bien en mi cumpleaños, sólo podía pensar en cuál sería la imagen más impactante para poner como portada de la edición. 2013. El armisticio entre Corea del Norte y Corea del Sur llega a su fin. De por sí Corea del Norte no necesita pretexto para entrarle a los catorrazos. El vencimiento del acuerdo les cayó de perlas para fanfarronear de su poderío ante occidente. 2012. Ya sé que me estoy retrocediendo, pero es que este 11 de marzo para mí significó una más de las malas pasadas de este día. Sucedió en las hermosas Grutas de Cacahuamilpa, lugar destinado, por mí, para visitar en mi cumpleaños. A lo lejos, veo a mi padre acercarse con su amante y sus pequeños hijos. Por supuesto, me aguaron la fiesta, sin contar que tuve que consolar a mi madre el día entero. Ya sé que no les importa, pero para mí fue sólo una tragedia más de un día que debería ser borrado del calendario. Estoy pensando, honestamente, en cambiar mi cumpleaños al 29 de febrero, así sólo tendría que soportar este día cada cuatro años. Tal vez haya fechas más desastrosas o con un poder más significativo para las masas, pero para mí, este día es sinónimo de malos augurios. Empezaré una de esas peticiones por internet para eliminarlo del año, mi propuesta es que no tenga número, que sea un día comodín y cada uno pueda atribuirle los sentidos que se le vengan en gana. 142
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LA ZEBRA Nuestro quinto número será: La Zebra borracha. Primera edición temática de su revista favorita. Los invitamos a participar con literatura, música, arte, cine, anime y videojuegos, así como ciencia y tecnología. Todo relacionado con el alcohol. No me pregunten la razón para esto, la verdad ni la recuerdo, sólo sé que el siguiente mes ya estaba decidido hace meses. A trabajar se ha dicho, esperamos sus magníficas colaboraciones etílicas.
BORRACHA 1.Enviar datos completos, ya sea su nombre o el pseudónimo que utilizarán. 2.En la parte del correo que dice: “asunto”, colocar la sección de la revista a la que va dirigida. 3.Mandar sus obras antes del cinco de abril de 2014. 4.Si se trata de obra digital, escultura, pintura, cualquier arte plástica o fotografía, ¡Por favor! Pónganle una plica, esto significa que necesitamos el nombre de la pieza y las herramientas con las que se elaboró. 5.Todo trabajo enviado está sujeto a un consejo editorial. Si su obra no es seleccionada para el número se les avisará la razón. No se desanimen, habrá más números en los que participar.
www.zebraazul.net revistazebrazul@gmail.com @revistaZebrAzul /revistazebrazul
UNA ZEBRA ELECTRÓNICA TODOS LOS DERECHOS DE LAS OBRAS A FAVOR DE SUS AUTORES
MARZO 2014
I S S U E
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