Exposiciones 2017 by Luis Del Toro

EXPOSICIONES 2017 Centro Cultural Tijuana

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CONTENIDO 7 9 11 15 21 25 29 33 37 39 41 43 47 51 55 59 63 67 71 75 77 83 87 91 95 99 103 107 109 113 117 119 123 127 131 141 143

PRESENTACIÓN / María Cristina García Cepeda MAESTRO JOSÉ LUIS CUEVAS / Pedro Ochoa Palacio 2017 / Armando García Orso EXPOSICIONES VARIACIÓN INFINITA / Wu Xiahong RELACIONES INESPERADAS / Programa de Producción de Arte Contemporáneo RETRATOS ILUMINADOS / Alejandra Phelts TROTAMUNDO / Cheram Morales U’CEET-OXKUTZCAB-U’KA’KUXTAL / Ana Andrade VAN GOGH VIACRUCIS / Fernando Botero EL SEÑOR DE LOS SUEÑOS / Rodolfo Morales FOTÓGRAFOS AMBULANTES DE TIJUANA / Mariel Miranda EN TODO CORAZÓN HABITA UN BOSQUE / Ana Clavel LOS COLORES DE LAS FORMAS / Margarita Morales JOSÉ LUIS CUEVAS. OBRA RECIENTE ESCARABAJOS OBREROS / Claudia Ramírez y César Vázquez EXITOCINA / Ernesto Ramírez SUNRISE CORPORATION / Andrew Roberts CLIMA EXTREMO EL LENGUAJE DE LAS COSAS / Roberto Romero-Molina EL VATICANO SECRETO / Massimo Listri ÚLTIMO TULE / Sergio Hernández SILLAS. XVIII-XXI REVISIÓN 2017 FOTÓGRAFOS DE NUEVO LEÓN LOVE & WAR / Mark Bryce LABERINTOS DE LA MEMORIA / Esaú Andrade CECUT 35 ANIVERSARIO GUARDIANES / Xavier Mascaró UN RECUERDO AUSENTE / Leticia Herrera XXVIII SALÓN DE ARTE EN SECUENCIA SAS! INTUIR EL AZAR / Jaime Ruiz Otis MAGIA DE LA SONRISA EN EL GOLFO DE MÉXICO TAPETES 2.0 / Grupo Martes SEMBLANZAS EXHIBITIONS 2017 (ENGLISH VERSION) CRÉDITOS

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PRESENTACIÓN La exposición es la presentación organizada de objetos al público, con el propósito de generar una experiencia lúdica y pedagógica. Quien se encarga de organizar la exposición debe contemplar los intereses del público al que va dirigido y el valor intrínseco de los objetos (que pueden ser de diversa índole y temática) que se presentan; es por ello que se considera que el museo sólo existe a partir de su relación con su entorno y el buen entendimiento que posea de las preocupaciones de sus usuarios. Durante el año 2017, X personas usaron las exposiciones del Centro Cultural Tijuana (cecut). Tal afluencia, demuestra el enorme papel que el cecut tiene dentro de su entorno, en el cual influye de manera categórica; así como la necesidad de promocionar dicho recinto en México y en el mundo. El cecut trabaja con una calidad tal que le permite exhibir piezas únicas e invaluables, con sumo cuidado, motivo por el cual este año se presentaron obras de grandes maestros nacionales e internacionales –como José Luis Cuevas, Sergio Hernández, Fernando Botero y Massimo Listri–, obras monumentales y pequeñas piezas de patrimonio arqueológico. María Cristina García Cepeda Secretaria de Cultura

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MAESTRO JOSÉ LUIS CUEVAS En 2017 nos orgullecemos de haber logrado traer a Tijuana grandes exposiciones de otras latitudes que permitieron acercarnos a estéticas muy diversas y a posicionar a la institución como referente en esta parte del mundo. Desde arte prehispánico hasta fotografías de esculturas romanas, desde arte contemporáneo hasta maestros de la pintura y el dibujo. Sin embargo, el año 2017 estará marcado en la historia del arte en México por el lamentable fallecimiento del maestro José Luis Cuevas. Dado que tuvimos el privilegio de producir su última exposición en vida, su deceso nos marca también profundamente. Hemos tenido el honor de exponer su obra en diez ocasiones, cuatro de esas veces de forma individual. Esta última, aunque impregnada con la tristeza de su partida, es, sin lugar a dudas, la más significativa para la institución. Cuevas fue uno de los impulsores de la producción artística nacional como la conocemos hoy en día: pujante e innovadora. Su deceso deja un hueco en la escena cultural del país imposible de llenar, pero su influencia se siente en las exposiciones que día con día se llevan a cabo y en la evolución del dibujo y la pintura en México. Esperamos en cecut rendir un homenaje a su figura buscando siempre exponer nuevos talentos, dando oportunidad al desarrollo del arte y dejando que sean los artistas los que dicten los caminos. Pedro Ochoa Palacio Dirección del Centro Cultural Tijuana

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2017 El programa de exposiciones del 2017 se distinguió por su diversidad en técnicas. Desde los soportes tradicionales como pintura, escultura y dibujo hasta medios más contemporáneos como video, medios electrónicos, intervenciones; desde producción in situ hasta piezas milenarias; desde pequeñas fotografías hasta obras monumentales. Esta multitud de formatos representó un reto para el equipo de la Subdirección de Exposiciones, además de que le permitió al público usuario a entrar en contacto con un tipo de obra que, en muchos casos, no estaba familiarizado, motivando el aprendizaje hacia los nuevos medios de producción artística. Como en todos los años, se intentó construir un programa de exposiciones que integrará grandes maestros del arte de reconocida trayectoria con artistas locales y emergentes, cumpliendo así con dos objetivos: atraer a la mayor cantidad de público posible para que conocieran la obra tanto de los artistas más establecidos como de los que apenas comienzan y equiparar a estos dos grupos como iguales, propiciando el diálogo entre sus exposiciones. Este objetivo busca declarar que si bien no cualquiera es un gran artista, un gran artista puede surgir de cualquier lado. Entre estos grandes maestros tuvimos Viacrucis. La pasión de Cristo de Fernando Botero, una de las últimas series pictóricas del colombiano que coloca el viacrucis dentro de la sociedad actual; Último Tule de Sergio Hernández, el cual habla sobre su preocupación por el medio ambiente al experimentar con ácidos para dibujar sobre planchas de plomo, esculpir esculturas con troncos caídos y realizar obra monumental; José Luis Cuevas. Obra reciente, esculturas de bronce y dibujos, la gran mayoría con cartas de amor incluidas, demostrando la enorme calidad técnica de uno de los artistas más influyentes de la segunda mitad del siglo xx en México; y El señor de los sueños de Rodolfo Morales, serie pictórica sobre la vida cotidiana, el paisaje y la mitología oaxaqueña. Aunado a las de Botero, Hernández y Morales, hubo otras exposiciones de pintura de artistas provenientes de varias partes del mundo. Los colores de las formas de Margarita Morales –quién reside actualmente en Alemania– aborda su identidad mexicana en una explosión de colores; Love & War del estadounidense Mark Bryce, nos habla sobre el encanto y desencanto con la historia y cultura americana; Laberintos de la memoria de Esaú Andrade es una oda de amor pictórica a México, sus mitos, tradiciones y paisajes; Variación infinita y vida colorida de la multidisciplinaria artista china Wu Xiahong funde su pasión por la música con la técnica tradicional de laca china, produciendo brillantes cuadros y joyería; y Retratos iluminados de la bajacaliforniana Alejandra Phelts es un recorrido por la memoria de la artista en donde las pinturas, fotografías, videos y obra textil nos hablan de su familia, sus pasiones y sus amores.

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También hubo pintura en otras muestras que estuvieron más encaminadas al arte contemporáneo, curiosamente, todas ellas con artistas de la región. El lenguaje de las cosas de Roberto Romero-Molina exploró las emociones que el sonido puede despertar en el individuo, por lo que experimentó con distintos soportes; Intuir el azar de Jaime Ruiz Otis presentó el proceso artístico del autor en donde la recolección de desecho industrial es materia prima para sus esculturas y pinturas; Programa de Producción de Arte Contemporáneo ii.iii se enfocó en las nuevas formas de producción artística por lo que, además de pintura, había fotografía, instalación, video, esculturas electrónicas e intervención. Aunado a estas exposiciones de arte contemporáneo se situaron los proyectos de intervención del espacio. Escarabajos obreros de Claudia Ramírez y César Vázquez abordaron el problema de la acumulación de basura en nuestro entorno usando esculturas de escarabajos como metáfora; Sunrise Corporation de Andrew Roberts transformó el espacio en el lobby de recepción de la ficticia corporación futurista que venderá simulaciones digitales de paisajes naturales debido a la contaminación del planeta; En todo corazón habita un bosque complementó el libro de Ana Clavel, El amor es hambre, con una proyección de fauna sobre los muros; por su parte Trotamundo. Arte público del colectivo de artista coordinado por Cheram Morales, expuso las evidencias de su intervención en el espacio público en el cual realizaron serigrafías en la vía pública junto con ensambles musicales en un intento por sacar el arte a las calles y difundir la labor de los jóvenes artistas. Como todos los años, la fotografía tuvo un papel importante dentro del programa de exposiciones, en gran medida por el Pasillo de la Fotografía Vidal Pinto. Tres de las seis muestras dedicas exclusivamente a la fotografía fueron expuestas ahí: u’ceet Oxtkutzcab u’ka’kuxtal de Ana Andrade, que explora la vida en la selva maya; Exitocina de Ernesto Ramírez aborda la sensación de éxtasis que produce estar cerca de una persona exitosa y la devoción de los fanáticos; y Un recuerdo ausente de Leticia Herrera se enfoca en las relaciones de amistad y sus vínculos con el espacio donde surgieron. Las otras tres muestras fotográficas tuvieron como eje el lugar específico donde fueron producidas: Fotógrafos ambulantes de Tijuana de Mariel Miranda narra el oficio, retos y características de este oficio que tuvo su apogeo hace ya unas décadas; Revisión de fotógrafos de Nuevo León intenta exponer el quehacer contemporáneo de los creadores de la entidad; y El Vaticano secreto del italiano Massimo Listri nos permite adentrarnos a salas privadas donde la élite eclesiástica se congrega y apreciar la enorme colección de obras de arte que el Vaticano acumula. El resto de las exposiciones del 2017 se caracterizó por la heterogeneidad. Hubo escultura con Guardianes del español Xavier Mascaró, que presentó sus piezas monumentales en varios espacios de la institución; dibujo con la muestra anual de caricatura xxviii Salón de Arte en Secuencia sas!, este año dedicado al actual mandatario estadounidense; obra textil con Tapetes: 20 del colectivo Martes, en una edición más de la original muestra que busca incentivar la creatividad al

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extender los límites de lo que un tapete puede ser; diseño con Sillas. xviii-xxi, la cual trazó una línea de la historia del diseño, vinculado enormemente con la arquitectura, para entender los motivos y preocupaciones detrás de las cien sillas expuestas en sala; con la exposición conmemorativa por el 35 aniversario de la institución CECUT 35 años. Su arquitectura, la cual presentó las maquetas y planos originales del proyecto; y diseño gráfico Clima extremo, exposición paralela a la película homónima que abordó el tema del cambio climático. También de forma paralela a una película del Domo imax se presentó la representación escénica de la obra La habitación de Vincent en Arles de Vincent Van Gogh, realizada por la escenógrafa Vannia Cárdenas. Por último, pero no menos importante, se expuso una muestra de arte prehispánico y patrimonio arqueológico: Magia de la sonrisa en el Golfo de México que trajo a estas latitudes las figuras sonrientes de las culturas del Centro de Veracruz bajo un guión curatorial que tuvo como objetivo enseñarnos la historia y características de la cultura mesoamericana y, al mismo tiempo, relacionarnos con ellas al vincular las emociones expresadas detrás de cada sonrisa las que producimos nosotros. Y es este el propósito de todas estas exposiciones, que el usuario se relacione con la obra a partir de su propia experiencia y la empatía. Arq. Armando García Orso Subdirección de Exposiciones

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El Cubo, Salas 1, 2, 3 y Vestíbulo / Estación Vizcaíno / Sala de Exposiciones Planta Baja / Vestíbulo del Museo de las Californias / Sala Central de Exposiciones / Sala de Exposiciones Temporales del Museo de las Californias / Pasillo de la Fotografía Vidal Pinto / Vestíbulo de la Sala de Espectáculos / Vestíbulo del Domo imax

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VARIACIÓN INFINITA Belleza laca china

En el marco del «Años Cultural entre China y México 2017», se celebra en este hermoso palacio de CECUT una exhibición especial del arte de laca china a través de unas 30 obras finamente elaboradas por la Sra. Wu Xiahong, artista de laca muy reconocida de la provincia de Fujian. Estas obras cruzaron el Océano Pacífico y fueron expuestas en el Décimo Festival Internacional de Nao China (Acapulco, octubre 2016), posteriormente arribaron a tierras tijuanenses con el ánimo de contribuir al intercambio cultural y artístico chino-mexicano. El arte de laca china tiene más de 7 000 años de historia y, por lo tanto, China es considerada como el país pionero del mundo en conocer y utilizar la laca natural, lo que fue comprobado por el descubrimiento arqueológico de un tazón de madera pintado de laca perteneciente a la cultura Hemudu. El arte de laca china que se lucía mucho por la antigua Ruta de Seda se ha vuelto más lúcido a lo largo de los años milenarios de constantes progresos tecnológicos.

Wu Xiahong 10 de febrero – 3 de abril Vestíbulo del Museo de las Californias En colaboración con el Consulado General de la República Popular China

La Sra. Wu Xiahong ha expresado con su propio lenguaje musical y diversas técnicas las características particulares del arte de laca: cálido, inclusivo y misterioso. Sus obras expuestas son una expresión modesta de lo rico y profundo en forma y contenido que es capaz de representar dicha técnica, cuya belleza será reconocida ampliamente a medida que se vaya profundizado este tipo de intercambios culturales y artísticos a nivel bilateral. Deseamos que la presente exposición ayude a aumentar los lazos de amistad que nos unen a los dos pueblos y sea todo un éxito. Centro Cultural Tijuana y Consulado General de la República Popular China en Tijuana

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RELACIONES INESPERADAS

Programa de Producción de Arte Contemporáneo II-III

Javier Navarro, Valeria Ortega Osuna, Ana M. Pastrana, Gustavo Mayoral, Midori Zúñiga, Max Corona, Karina Muñoz, David Nava, Diana Haro, Jorge Francisco Sánchez «Jofras», Elizabeth Zamudio, Lorena Álvarez, Marco A. Rodas Nava, Leslie García Durán, Noé Sandoval Peralta, Tania Karemi, José Manuel Cruz Vázquez «_Chp+», Mariel Miranda, Ernesto Orozco, Camel Demilo, Manuel Ramos, Miguel Alejandro Paredes y Miriam García Aguirre Curador: Irving Domínguez 17 de febrero al 21 de mayo Sala Central En colaboración con Relaciones Inesperadas a.c.

Desde el surgimiento de Relaciones Inesperadas A.C. ha sido nuestro principal interés el desarrollar y apoyar proyectos de producción, formación y reflexión de arte contemporáneo. El Programa de Producción de Arte Contemporáneo (PPAC) es un programa de formación basado en la discusión de ideas y producción de obra. En 2015 cuando diseñábamos el PPAC visualizamos un proyecto que lograra reunir a varias generaciones de artistas y creativos de diferentes trayectorias, especialidades y áreas de conocimiento que pudieran compartir sus diferentes posturas frente al arte. Imaginamos un programa donde no fuera necesario tener antecedentes académicos o experiencia en el mundo del arte, pero que reuniera a un conjunto de gente creativa en constante cuestionamiento de su realidad. De ahí que en el PPAC podamos encontrar tanto artistas con trayectoria, estudiantes de Artes Plásticas así como de otras carreras, o bien, a personas que por primera se acercan a una experiencia pedagógica en este ámbito. Por primera vez se diseña desde Baja California un programa con estas características: con carácter integral, donde los participantes reflexionan, discuten y producen sus proyectos junto a colegas de mayor trayectoria. El PPAC es un programa integral y la vez individual ya que se ajusta a las necesidades y requerimientos de cada participante, de ahí la importancia del trabajo cercano entre artistas y tutores. Un programa como este sólo es posible por la coincidencia de intereses y la suma de energías de todas las personas involucradas, por ello queremos agradecer el

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trabajo de los facilitadores y tutores del programa: Alejandro Espinoza, Aldo Guerra, Francisco Emme, Daniel Alcála Guzmáz, Ingrid Hernández, Juan Villavicencio y al curador invitado Irving Domínguez, que durante nueve meses de trabajo intenso compartieron su experiencia con humildad y respeto. Reunimos a este grupo por su amplia trayectoria en el mundo del arte y su disposición para compartir, así como sus destacadas participaciones en la pedagogía del arte. Agradecemos especialmente al director del Centro Cultural Tijuana, Pedro Ochoa, por facilitar el hospedaje de la muestra del ppac en este recinto, así como a la subdirección de Exposiciones, a cargo de Armando García Orso, y a Leobardo García Córdova, gerente de Exposiciones. También agradecemos el trabajo de Carlos García Cortés, gerente de Colecciones, Registro y Conservación, y del resto de las personas involucradas en la investigación y diseño gráfico de la muestra. El ppac, como lo mencionamos, nace de la necesidad en Baja California por producir, entender e investigar desde el arte. Los participantes buscan reflexionar en y con el arte más allá de las formas tradicionales que conocemos. El resultado ha desembocado en proyectos y piezas que dialogan con el contexto del que surgen y por ello resultan pertinentes. Abrahám Ávila e Ingrid Hernández Fundadores y co-directores de Relaciones Inesperadas

RETRATOS ILUMINADOS Si me pidieran que identificara la obra de Alejandra Phelts con una palabra optaría por temporalidad. Los que nos hemos mantenido cerca de su trabajo artístico, sin limitantes nos damos cuenta que este elemento abstracto, que enmarca la vida y los sucesos, no escapa a la estética de Alejandra y en ello lo encierra casi todo. Con la serie Costura la artista hizo un derroche en cuanto a la representación de todo un ambiente per se femenino, insistiendo en el acto de puntadas, dobladillos y tejidos como el eje central temático, no obstante de que se encontraban otras sub-tramas muy bien abordadas en el conjunto de obras, tales como la factualidad de los trajes como uno de los eventos preferidos y el trasladado de generación en generación o, por otra parte, la «conspiración» femenina a partir de lo gestual y la confidencia, con lo que se revela un conocimiento de la filosofía de la mujer de hoy y –¿por qué no?– de épocas pasadas.

Alejandra Phelts 24 de febrero – 7 de mayo El Cubo, Sala 3 PRODUCCIÓN PROPIA

Ahora, Alejandra nuevamente sorprende con el proyecto Retratos Iluminados, esta vez extendiendo el uso de las técnicas para, desde la mixtura, el collage, la instalación, el performance y la fotografía (en muchos casos haciendo uso a una misma vez de varias de estas); asumir un universo temático, ya no sólo circunscrito a lo esencialmente femenino, sino amplificado para recrear otras lecturas. Sin embargo, no deja de ser la figura humana el centro visual que engancha en todas las piezas, reforzada por otros elementos con los que perfecciona el discurso, como lo puede ser el atuendo. En esta línea de pensamiento es significativo el que sus mujeres –solas o acompañadas– siempre están a la expectativa o en función de un algo más allá de lo genuino, de lo que les puede o no interesar o

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suceder en el justo instante, en una constante actuación que refiere un subtexto que se extiende a partir de lo observado. «Esperando verte» y «En la distancia» son obras que se mueven en esta dirección; si bien es evidente que sus protagonistas pertenecen a dos épocas diferentes –asumido ello por las características de los vestidos– a ambas les es común el acto de la espera o de la despedida y, no en vano, el gesto del rostro en una y corporal en la otra, lo declaran. Se torna a su vez interesante cómo la artista se vale de la vestimenta para ubicar temporalmente el discurso de cada una, ratificando el hecho de que responden a tiempos en las que el recato y los comportamientos eran además incomparables. En contraste a la soledad, y aproximándose a un discurso en extremo dramático, Alejandra Phelts expresa en otro grupo de obras una simbiosis entre acción, espacio y tiempo. En este sentido retoma conductas muy propias del género femenino en torno a las cuales se hallan los personajes, concentrados en plena labor. Si bien en «Las bordadoras» la organicidad hace gala y favorece la dirección visual hacia el centro del conjunto, lo más importante de la obra son los trajes de diversos colores que visten ellas así como los aros para bordar, elementos simbólicos que la artista aúna en el lienzo tal vez con el propósito de insistir aún más en los quehaceres de género. Algo similar provoca «Todo sobre mi madre» en la que la idea de la tradición necesaria entre generaciones, cobra una gran dimensión en la poética. Si bien los cambios sociales, así como los avances que estos conducen, traen consigo movimientos en las prioridades de las nuevas generaciones, no deja de constituir un gran valor para las familias, el que las costumbres y/o aquellos placeres que se han venido compartiendo entre épocas, no se detengan. Y hacia ello también la artista hace girar la mirada para insistir en todo aquello que debe tener una continuidad; no creo que sea gratuito el símil o paralelo entre madre e hija al estar sentadas en sillones iguales, vestirse con los mismos colores y por demás tener como hilo preferido para el tejido el rojo. La ubicación de los dos centros visuales en esta obra es destacable, por lo que el espectador se verá obligado a ir de un lado a otro y de arriba hacia abajo captando los detalles que componen la pieza, y con ello casi sentir la tensión del hilo o el movimiento de las agujas entre las manos de mujer y niña.

Retomando lo epocal construye «Hermana madre» obra en la que, de manera muy eficaz, la creadora retoma los atuendos como eje focal del conjunto. Estas dos mujeres que comparten un mismo núcleo sintetizan un momento, un instante cultural atrapado con todo lo le caracteriza y saben que deben externar con orgullo; no sólo por ser lo que les tipifica o identifica sino, además, porque es lo aceptado por una mayoría social. Esta obra es lúdica por excelencia, verla causa placer a la vez que caracteriza todo un estilo creativo fundado en lo raigalmente femenino. Alejandra incursiona además en la instalación, la fotografía y el performance en una representación muy peculiar. En este caso hace coincidir una de las primeras técnicas con la acción, y con ello rompe con la tradición al recombinar géneros y, por tanto, concebir una obra enriquecida y atractiva como lo son «La mesa de los suspiros» o «Durmiente I» y «Durmiente II», en las que el histrionismo de las participantes es regente y compite bien con lo instalativo de las piezas dispuestas en la mesa o con el clic fotográfico. Y nuevamente regresa ante uno el mundo de las mujeres, para quienes el momento de sentarse a la mesa es deleitable y esperado, porque es un tiempo y un espacio que saben es solo de y para ellas, o bien la espera tranquila y paciente que se debe asumir llegado el turno del matrimonio. Alejandra Phelts crece como artista y con ello aumenta nuestro asombro ante cada obra. Creo que es sumamente admirable la técnica que utiliza en sus pinturas, en las que suma al lienzo la vestimenta de cada personaje, realizada como una obra aparte y no menos importante; porque justamente es uno de los complementos que aporta un sello propio y auténtico. Por otra parte el dominio de la figura humana, la insistencia en las líneas expresivas así como la construcción de los ambientes revelan una factura exquisita. Por ello miro y vuelvo a mirar cada una de estas piezas y siento que me encontraré a mí misma sentada en la mesa de los suspiros o, quién sabe si también, hablando todo sobre mi madre. Victoria James Curadora y crítica de arte

TROTAMUNDO Arte Urbano

Cheram Morales, Bryan Ruelas, Daniel A. Lara «Danee Green», Gabriel de la Mora, Héctor Luis Santos «Santos», Los Reverdes del Son (Eder Martínez, Orlando Martínez, Antonio Reyes «Tercero», Le Rodríguez (Fernando León Rodríguez «Rojo» y Miguel Rodríguez «Mike», Nasmar Guzmán, Alonso Delgadillo «Norteño», Pedro Camarena «Shemo», Carlos Roa, César Vázquez, David Peña, Néstor Mondragón «SPEL» y Sergio Hurtado «Fide» Coordinación: Cheram Morales 10 de marzo - 2 de julio Sala de Exposiciones Planta Baja PRODUCCIÓN PROPIA

El género del arte público es una robusta tradición en México. Basta con recordar los momentos fundacionales del proyecto cultural del Estado mexicano en la modernidad donde el muralismo gozó de un ímpetu creativo que marcó las primeras décadas del siglo xx y que, de algún modo, se extiende y diversifica en muchas de las expresiones del arte urbano actual de este país. La relación entre ciudad y arte encuentra en México distintos momentos de mutua influencia, como es el caso de la dupla entre urbanismo y escultura monumental que aún goza de cierto prestigio y vitalidad en distintas ciudades de México. Sin embargo, a la par de estas dos grandes rutas del arte público mexicano, existe una multitud de trayectorias paralelas. Nos referimos a las prácticas artísticas de escala micro, aquellas que desde los años setentas del siglo pasado han transformado efímeramente las calles de muchas ciudades y que han articulado distintos haceres como la fotografía, la gráfica y la escritura con temáticas como la memoria o la política nacional. Muchas de estas propuestas han puesto en juego la aleatoriedad y la vida cotidiana para configurar un campo fértil para la creación. Este es el caso de Trotamundo un proyecto impregnado de una estética urbana que conjunta de forma desenfadada la gráfica en un sentido amplio y la música. Más que un proyecto de gestión cultural, esta iniciativa articula distintos elementos que lo convierten en una plataforma que busca dinamizar experiencias entre creadores y públicos fuera de los muros del taller, la sala de concierto o el museo. Por un lado, está el aspecto móvil del dispositivo en donde los artistas

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han generado sus propuestas gráficas en «tiempo real» frente a los transeúntes de las calles de la zona Centro de esta ciudad. Trotamundo es algo más que una galería móvil de arte urbano, ya que como eje principal de la propuesta se propone acercar a los transeúntes a la experiencia del trabajo con la técnica de la serigrafía, ofreciendo a cualquiera la oportunidad de reproducir obras de los artistas mencionados. Este componente del proyecto busca romper con la (a veces abrumadora) experiencia cotidiana del tránsito citadino abriendo un espacio para la sorpresa y el aprendizaje espontáneo, donde las reglas del taller se rompen para ofrecer un acercamiento directo con una noble disciplina de la gráfica. Por otro lado, el dispositivo móvil es también una plataforma para la diseminación de música, o más apropiadamente, de experiencias sonoras en las que los jóvenes músicos han tenido a las calles como escenario. La presentación de Trotamundo en las salas de exposición de este centro, más que contradecir el principio micro e informal del proyecto, es una estrategia de intervención creativa para recordarnos la vida en ebullición que está allá fuera, en nuestras calles, y que resuenan con potencia dentro de este espacio. Esta muestra de archivo nos brinda la posibilidad de valorar y disfrutar estas propuestas visuales y sonoras bajo una nueva perspectiva y, seguramente, tendrán eco en muchas y muchos que reconocerán sonidos y ambientes, y que se sorprenderán con personajes o composiciones visuales a las que tenemos acceso y que, sin embargo, cierta anestesia del estrés citadino nos arrebata. Felipe Zúñiga

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u’ceet Oxkutzcab ka’kuxtal Fotografías de Ana Andrade

U’CEET-OXKUTZCAB U’KA’KUXTAL El universo está constituido por combinaciones de pequeñas partículas indivisibles y únicas, como la simbología que utiliza Ana Andrade para documentar el paisaje de la «otra península». Aunque dentro del lenguaje coloquial la noción de «partícula» esta asociada a deshechos o sedimentos, una referencia estructural en sus piezas. La transdisciplina es su metodología. La utiliza como prisma para asentarse en territorios marcados por la exclusión o el apartamiento; construye de manera accidental nuevas relaciones que nos revelan una intimidad punzante. Se involucra, se queda a vivir en ellos por largos periodos. Su propósito es la empatía más que la denuncia o el examen.

Ana Andrade 17 de marzo - 10 de julio Pasillo de la Fotografía Vidal Pinto PRODUCCIÓN PROPIA

En el idioma maya, u’ceet significa «partícula» y ka’kuxtal significa «revive». Para renacer, Ana viajó a la selva, escuchó la lengua maya y encontró en su fonética los sonidos físicos del discurso humano y la similitud con la escritura china, la cual se inventó inspirándose en las huellas de los pájaros. Esta metáfora se conecta de manera fértil porque en la vida cíclica de los mayas existe un espacio cósmico sostenido por las ramas, tronco y raíces de una monumental ceiba o árbol sagrado, considerado por esta cultura como el eje del mundo. Las imágenes como conceptos son aquellas que no nos dejan penetrar del todo: la selva, la casa, un cráter, los cenotes, las entrañas comestibles que, como en el

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Popol Vuh –el libro sagrado maya–, describen el descenso al inframundo como un camino de pruebas a sortear. Y para llegar ahí es necesario bajar por unas escaleras muy inclinadas, atravesar ríos rápidos, de sangre y de agua, y pasar por unos jícaros espinosos. Angélica Escoto

VAN GOGH Instalación en tercera dimensión del famoso cuadro La habitación de Vincent en Arlés (1888) del pintor holandés, Vincent van Gogh. En otoño de 1888, Vincent van Gogh dibujó un boceto de su habitación en una de las tantas cartas que le envió a su hermano, Theo. La pequeña y austera habitación, que acababa de alquilar en la primavera, se encontraba en una casa amarilla en Arlés, al sur de Francia. Ahí, en la pequeña ciudad portuaria, Vincent encontró una enorme fuente de inspiración para sus cuadros, siendo uno de sus períodos más productivos. Entre los más de 200 cuadros que pintó en ese período –marcado por su convivencia con Paul Gauguin y su enfermedad, producto de la bebida y el tabaco– se encuentra La habitación de Vincent en Arlés. Durante este tiempo, Vincent se acostumbró y obligó a trabajar constantemente, en ocasiones, poniendo en riesgo su salud. En las cartas a Theo, Vincent menciona varias veces que debía alimentarse mejor y descansar, pero siempre parecía imposibilitado para ello. La habitación es producto de esta lucha de Vincent entre descansar y seguir pintando. Encerrándose en su habitación para cuidar su salud, decidió matar el tiempo pintando lo que tenía a la mano. Cuenta el mismo Vincent que pintó el cuadro como «desquite del reposo forzado a que he estado obligado».

Escenografía: Vannia Cárdenas Guzmán 22 de marzo - 9 de julio Vestíbulo del Domo imax PRODUCCIÓN PROPIA

Vicent pintó tres veces su habitación, manteniendo siempre la misma perspectiva y mobiliario, sólo cambiando las tonalidades del color y los cuadros que cuelgan en las paredes. La última versión –pintada de memoria cuando se encontraba en el asilo Saint-Paul en Saint-Rémy-de-Provence, después de la marcha de Gauguin– parece ir más acorde a lo que el propio autor consideró su estilo personal: «Me parece que mi habilidad técnica es más sencilla y enérgica. ¡No más puntos, no más trazos: sólo colores uniformes en armonía!».

VIACRUCIS La pasión de Cristo

Viacrucis. La pasión de Cristo es la serie producida por el maestro Fernando Botero entre los años 2010 y 2011. Está conformada por 27 óleos y 34 obras sobre papel, y fue exhibida en Nueva York, Medellín, Cali, Pereira, Lisboa, Panamá, Santiago de Chile, Palermo y Roma antes de su llegada al Centro Cultural Tijuana. Es oportuno destacar que en la primera educación visual recibida por Botero en Colombia durante su niñez y juventud abundaron las imágenes religiosas, omnipresentes tanto en la esfera pública como en los entornos privados. Un cruce de caminos en el que los recuerdos de su ciudad y región son atravesados fuertemente, entre otras cosas, por prácticas religiosas profundamente arraigadas en la cultura y su iconografía, es importante en su trabajo. Fernando Botero 24 de marzo - 11 de junio El Cubo, Sala 1 En colaboración con el Museo de Antioquia, el Ministerio de Cultura de Colombia y la Embajada de Colombia en México

La obra de Fernando genera múltiples niveles de lectura: el que tiene que ver con lo representado, el tema de la obra y su referencia constante a la historia del arte, entre los más visibles. Su trabajo es una interpretación permanentemente amplificadora y nunca simplemente imitativa, de algunos de los protagonistas del arte occidental: Paolo Uccello, Peter Paul Rubens, Diego Velázquez, Paul Cézanne y Pablo Picasso, entre muchos otros. Más allá del tema, sin embargo, Botero ha construido unos mundos sensuales, poblados por seres henchidos de un placer abultado y feliz; lo hace a través de esa abundancia tranquila y suntuosa de las formas que para finales de la década de 1970 encuentra su madurez.

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Otras obras anteriores refieren a esa tradición religiosa, pero la semblanza apacible, las ideas y formas que parecían tan estables, son enriquecidas esta vez, a partir de ese giro de tuerca que representa el modo como el dolor y la tragedia se plasman en el lenguaje figurativo que lo caracteriza, sin abandonar su particular mirada deformadora. El lugar de Botero en la historia se debe a su construcción de una de las visualidades más contundentes en la historia del arte moderno. Valdría considerar este giro en el que lo dramático hace su incursión, como un nuevo despliegue, uno en el que se identifican persistencias pero también transformaciones internas que enriquecen y amplían su trabajo. El tono irónico es reemplazado por el compasivo para reflexionar en torno a la poesía y el drama, la intensidad y la crueldad de la pasión de Cristo.

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SEÑOR DE LOS SUEÑOS Una nostalgia profunda se desprende de las obras de Rodolfo Morales. Al señalar esta cualidad, no me refiero a la nostalgia empalagosa, azucarada, tan frecuente en las obras basadas en la vida popular. La visión artística de Morales está despojada de cualquier interés con el comercio turístico; su mirada introspectiva es madura y sensible; examina su pasado y comprende el valor que encierra el recuerdo de un momento anterior en el tiempo, al redefinir los mitos de su juventud, las leyendas folklóricas y los cuentos populares, de tal suerte que tengan relevancia para un público de finales del siglo xx. Uno de los símbolos más recurrentes en sus collages (y en su obra en general) es la mano humana. En todas sus creaciones, las manos son desproporcionadamente grandes. Morales usa en sus obras el gesto como un código que se comunica con el espectador más directamente que la palabra misma. Edward J. Sullivan Rodolfo Morales 31 de marzo - 18 de junio Sala Central PRODUCCIÓN PROPIA

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FOTÓGRAFOS AMBULANTES de Tijuana

«El conocimiento de las imágenes, de su origen, sus leyes es una de las claves de nuestro tiempo. Es el medio también de juzgar el pasado con nuevos ojos y pedirle esclarecimientos acordes con nuestras preocupaciones presentes, rehaciendo una vez más la historia a nuestra medida, como es el derecho y el deber de cada generación» Pierre Francastel, historiador y crítico de arte francés, en La realidad figurativa, 1988

Mariel Miranda 6 de abril - 6 de agosto Sala de Exposiciones Temporales del Museo de las Californias PRODUCCIÓN PROPIA

Esta exposición revisa la producción visual del oficio del fotógrafo ambulante y su quehacer en el espacio público de Tijuana en los últimos setenta años. El conjunto de imágenes que presentamos permite adentrarnos tanto a aspectos íntimos y afectivos que depositamos en las fotografías como a temas relacionados con la historia de las familias y transeúntes tijuanenses, las transformaciones del espacio público y de las prácticas religiosas, así como la construcción social del imaginario sobre la modernidad y sus símbolos, la juventud, los roles de género, el cuerpo y sus lenguajes en el espacio público. La fotografía, entendida como un dispositivo de representación e instrumento de referencia espacio-temporal, se ha potencializado como la práctica cultural más importante de la última década. La incorporación de aplicaciones fotográficas a teléfonos celulares ha posibilitado un amplio ejercicio de registro que hipervisualiza los espacios físicos y virtuales en los que circulamos de manera

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cotidiana. Por este motivo, a través de esta exposición nos interesa reflexionar cuestiones capitales como son la transformación de nuestras relaciones con la imagen, los procesos de representación y construcción de memoria; así como el impacto tecnológico que transforma las prácticas laborales contemporáneas y a sus protagonistas. Mariel Miranda

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EN TODO CORAZÓN HABITA UN BOSQUE Enramadas de «El amor es hambre»

El proyecto En todo corazón habita un bosque / Enramadas de «El amor es hambre» surge alrededor de la novela de Ana Clavel, El amor es hambre, publicada por Alfaguara México. Sin pretender dar una visión totalizadora de la novela –puesto que para eso está la obra literaria misma–, la propuesta multimedia extiende, a manera de enramada, algunas de las posibilidades transmediales del libro que, justamente, trata de una Caperucita contemporánea que va por los bosques de concreto cargada con su canasta de deseos y apetitos. En el desarrollo de la historia, Artemisa, la protagonista, descubre que más que caperucitas indefensas o lobos feroces, en realidad, «en todo corazón habita un bosque». Esta frase es el punto de partida de la instalación multimedia, donde en un espacio en penumbras se proyectan sobre los espectadores enramadas a manera de sombras, que les permitan descubrir el bosque como una experiencia propia. En la pared del fondo se exhibe el video El amor es hambre / Corazón de lobo, realizado por la autora con textos de la novela e imágenes alusivas a una Caperucita, y música del poema sinfónico El Moldava, río de aguas salvajes que nace en un bosque de Europa oriental, referido también en el libro. La proyección del video contribuye a ambientar y dar contexto a la instalación de enramadas y sombras, convertida así en lo que Ana Clavel ha dado en llamar propuestas «transliterarias».

Ana Clavel 21 de mayo - 1 de octubre Vestíbulo de El Cubo PRODUCCIÓN PROPIA EN EL MARCO DE LA XXXV FERIA DEL LIBRO DE TIJUANA

«Transliteratura»: una propuesta que surge del libro y que, al extenderse a otros medios, continúa proponiendo otras formas de «escritura» o d literatura «transmutada», dirigida a nuevos públicos que puedan hacer le camino de retorno al libo y a la experiencia lectora desde diferentes medios y plataformas audiovisuales, plásticas, «performativas» y/o digitales. Así, el proyecto multimedia En todo corazón habita un bosque / Enramadas de «El amor es hambre», que busca extender otras formas de escritura, enramadas o zonas boscosas, de una autora a quien la investigadora Jane E. Lavery ha definido como «multimedia writer» en su reciente volumen The Art of Ana Clavel. Ghosts, Urinals, Dolls, Shadows, and Outlaw Desires, publicado por la prestigiada editorial inglesa Legenda Books (Reino Unido, 2015). La Feria del Libro de Tijuana, interesada en extender los límites de la experiencia del libro, alberga esta propuesta «transliteraria» en el marco de su 35a emisión en las instalaciones del Centro Cultural Tijuana del 20 de mayo al 20 de agosto de 2017.

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LOS COLORES DE LAS FORMAS Los colores nos revelan parte del entramado de la existencia humana y sus diferentes tonos nos muestran la diversidad y las características de las cosas. La pintura abstracta de Margarita Morales alude a esta condición fundamental, pues en sus cuadros da cuenta de la alegría de estar en el mundo, pese a las mil y un contradicciones que existen en él. Su paleta está cargada con los cromatismos que le permiten construir un todo a partir de sus pinceles. Desde Berlín, que es dónde radica, Margarita nos envía la propuesta de observar la vida bajo otra perspectiva, con los ojos abiertos a un planeta más alegre, sin olvidar el caos en que estamos sumergidos de manera cotidiana. Sus cuadros son una especie de transición, un simple momento que debe recordarse porque el arte permite establecer, en el gusto y en la tristeza, dos formas complementarias de encontrarnos. Margarita hace de su trabajo estético una llamada de atención que debemos conservar en la memoria.

Margarita Morales 2 de junio - 3 de septiembre Sala Central PRODUCCIÓN PROPIA

Dr. Andrés de Luna Crítico de arte

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JOSÉ LUIS CUEVAS La extensa y brillante producción artística de José Luis Cuevas –pintor, dibujante, grabador, escultor, ilustrador, docente, escritor y crítico de arte– lo convierte en uno de los artistas mexicanos más importantes e influyentes del siglo xx. Nació el 26 de febrero de 1931 en la Ciudad de México y desde pequeño se interesó en las artes al observar y convivir con los murales de Diego Rivera y Rafael Montenegro. Curiosamente, uno de sus aportes más importantes al arte en México fue su rechazo a los cánones y límites impuestos por la Escuela Mexicana de Pintura, y su adhesión a la llamada «Generación de la Ruptura», la cual abogó por un arte libre donde cupieran todos los estilos y todos los temas.

José Luis Cuevas 23 de junio - 30 de agosto El Cubo, Sala 2 EN COLABORACIÓN CON EL MUSEO JOSÉ LUIS CUEVAS

En sus más de seis décadas de trayectoria, el estilo José Luis Cuevas ha transcurrido por varias etapas producto de diversas influencias: desde el expresionismo, el tenebrismo y el cubismo, hasta el esperpéntico español, el geometrismo islámico y la corriente figurativa de Francis Bacon; culminando en un arte neo-figurativo «más inclinado hacia la problemática existencial, con una visión humanista», en palabras del investigador Eduardo Cabrera Núñez. En la presente exposición se muestran decenas de las más recientes pinturas, esculturas y dibujos del gran maestro mexicano. En ellos observamos sus ejercicios por desfragmentar al individuo, buscando entender las partes que lo componen. En la serie Caricaturas podemos ver como cada parte del cuerpo-objeto de los personajes es analizado y visualizado desde diversos ángulos, los cuales se fusionan y complementan para dar pie al resto de las pinturas y dibujos. Este

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proceso se hace evidente en sus autorretratos, los cuales representan la suma de las preocupaciones artísticas y filosóficas de Cuevas. Los personajes en el universo de José Luis Cuevas revelan una constante temática: la angustia del ser, a través de la mirada impávida y las contorsiones incómodas a las que el autor sujeta a sus figuras. Esta reflexión entorno a una de las preocupaciones universales del ser humano, aunado a su extensa producción artística, es el legado de José Luis Cuevas a la cultura mexicana. Por lo mismo, ha sido ampliamente reconocido y galardonado por museos, galerías, ferias de arte y gobiernos de varios países, con cientos de exposiciones en tres continentes. Entre sus múltiples reconocimientos cabe destacar el Primer Premio Internacional de Dibujo en la v Bienal de Sao Paulo (1959), el Primer Premio Internacional de Grabado en la i Trienal de Nueva Delhi (1968), el Premio Nacional de Ciencias y Artes de México (1981), el Premio Internacional del Consejo Mundial de Grabado (1984) y el Premio Tomás Francisco Prieto (1997) entregado por la Reina de España con motivo de su exposición en el Museo Casa de la Moneda de Madrid. También ha sido investido con diversos honores por los gobiernos de México, El Salvador, España, Francia, Nicaragua, Perú y Venezuela. Tijuana misma lo ha reconocido como huésped distinguido (1989) y le entregó las llaves de la ciudad (2008).

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ESCARABAJOS OBREROS ¿Para qué nos sirve la basura que acumulamos día por día? ¿Cómo aprovechar de los plásticos, cartones, cables, teclados, periódicos y botes que cotidianamente tiramos en cantidades espantosas? ¿Cómo evitar que nuestros desechos dañen y maten a los demás? Claudia Ramírez y César Vázquez lanzan estas preguntas mediante su presente instalación, inspirándose en los escarabajos peloteros. Coleccionando desechos orgánicos y transformándolos en hogares esféricos para sus huevos, estos insectos aseguran la alimentación y la sobrevivencia de sus futuras generaciones. ¿De cuál manera podemos usar nuestra basura para contribuir a un futuro digno de nuestra ciudad, nuestro país, y nuestro planeta? ¿Qué dejamos a los que nos seguirán?

Claudia Ramírez César Vázquez 6 de junio - 27 de agosto Vestíbulo de El Cubo PRODUCCIÓN PROPIA

Durante un proceso de más que dos años, César y Claudia debatieron estas preguntas entre ellos y con los múltiples jóvenes tijuanenses que participaron en sus talleres de arte reciclado. Por lo tanto, esta pieza constituye una colaboración no sólo entre estos dos artístas plásticos, sino también es un intercambio directo con la comunidad tijuanense, la cual contribuyó con la colección y categorización de la basura. Asímismo, la basura representa una parte significativa de la vida cotidiana tijuanense y del consumo diario en esta ciudad. ¿Qué dejamos a los que nos seguirán? El futuro empieza hoy. Tabea Huth

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EXITOCINA Un fuego sobre la fama La fila avanza despacio. La multitud expectante aguarda a que abran las taquillas. Al mismo tiempo y en otro lugar, una pareja exhausta reposa en un hotelito, acompañando a su banda favorita en el tour frenético. En otro sitio, un joven sin brazos avanza entre la gente; al final del show él y su hermano se fundirán en un abrazo improbable, mezcla de la emoción de fans y el amor de hermanos. Emoción que los hizo subir tres pisos gigantes, lo que a otros viajar nueve países, a miles aguardar bajo la lluvia, a millones cantar, y a todos vivir al tope. Son admiradores y persiguen a la banda, ¿me entienden? «Su» banda. El artista favorito, el más brillante, el «nuestro».

Ernesto Ramírez 14 de julio - 29 de octubre Pasillo de la Fotografía Vidal Pinto PRODUCCÓN PROPIA

¿Por qué admiramos tanto a otros? Para Lourdes Meraz la respuesta es simple: admiramos a quienes hacen muy bien algo que nosotros no. Aplaudir o aullar de puro gusto al apreciar el trabajo de quien parece ser como nosotros y no lo es. A ellos Lourdes les llama «personajes prometeicos», los que nos muestran el fuego. Y ya se sabe, todas las tribus amamos el fuego. Cuando el gran cantante sale a escena y, a través de su voz profunda y poderosa, lanza las primeras palabras de una canción; cuando este mismo héroe toma la guitarra y con cada punteo nos transmite su intensidad, quienes nos encontramos abajo aplaudimos, silbamos, gritamos lo mucho que nos gusta ese intérprete y lo mucho que adoramos esa música. A veces incluso lloramos. Ante el éxito, ante el fuego, nos comportamos de la misma forma que quienes

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admiraban a Franz Liszt, el virtuoso pianista húngaro quien, al término de sus recitales y durante su turno de prometeico, arrojaba un guante a la pequeña multitud que le había escuchado. Del guante apenas quedaban restos. Siempre hemos admirado con entusiasmo y energía. Por ser partícipes en el acto prometeico pagamos y hacemos lo que sea. En ocasiones nos colgamos del éxito ajeno para sentir que su fama resuelve nuestra vida. Hay quienes llevan la admiración puesta. Lo cual implica transformar la propia existencia en una dedicada al culto del otro, al grado de imitar sus detalles fascinantes. Queremos tanto a Tin Tan que la idea de «ser» –en realidad parecernos a él, aunque sea a ratos– nos subyuga. Se ven tan bien los maquillajes de quienes integran la banda KISS, ¿por qué no maquillarnos así? Admirar distingue, pero también absorbe. Para Ernesto Ramírez, fotógrafo de mirada singular, hay mucho de apasionante en este ejercicio del entusiasmo asociado con la admiración. En el trabajo de Ernesto las imágenes captan el gozo personal, desbordado, desbocado. Y de nuevo, ¿por qué admiramos tanto a otros? Quizás porque expelen aroma de gloria. Porque sólo ellos producen «exitocina», la justa mezcla entre la poderosa oxitocina y el no menos seductor compuesto del éxito. Una brillante y nueva feromona. La exitocina, un paraíso en el que no hay medias tintas: se es o no se es un chingón. Y, sin embargo, algo sabemos también nosotros de exitocina. Todos admiramos, al tiempo que deseamos ser alguien más, alguien especial que merezca la admiración de los demás. Todos queremos o hemos querido producir nuestra propia Exitocina. Eduardo Limón

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SUNRISE CORPORATION En la luz, ya no es la producción sino el desecho lo que aparece, vale decir la combustión, expresada bastante bien, psicológicamente, por el horror que provoca una lámpara de arco en incandescencia. Georges Bataille (1897-1962), «Sol Podrido».

Andrew Roberts 21 de julio - 15 de octubre Sala de Exposiciones Temporales Planta Baja PRODUCCIÓN PROPIA

Desde la sensibilidad del artista contemporáneo cualquier experiencia humana es susceptible de ser transformada en obra de arte. Por lo tanto, una experiencia tan vulgar como el intercambio de mercancías no está exenta de ser material de trabajo para un productor de imágenes. El trabajo de Andrew Roberts (Tijuana, 1995) se ha articulado a partir de un delicado campo de acción que posibilita distinguir la explotación implícita en las relaciones de producción de una sociedad fundada en la libre mercantilización de todos los ámbitos de la vida humana. Este método estético podría llamarse como «crítica a la economía política de los sentidos», y consiste en una mirada crítica al funcionamiento del sistema capitalista. Para su exposición en el Centro Cultural Tijuana, el artista Andrew Roberts presenta una distópica historia de ciencia ficción que parte de un supuesto post-apocalíptico. Sunrise Corporation es una compañía que vende amaneceres ya que, en un futuro no muy lejano –mediado por pantallas, algoritmos y súper

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estrellas– los amaneceres serán privatizados y la única manera de ver cómo despunta el día será por medio de esta empresa. El agasajo visual más básico y elemental de la humanidad ya no será posible, a menos que pagues por ello. El arte lleva años vendiendo amaneceres. Es importante recordar que lo que conocemos como arte moderno inició simbólicamente con un amanecer: «Impresión, sol naciente» (1872) del pintor impresionista Claude Monet. Si la vemos con un lente capitalista, la pintura de Monet es un intento exitoso de privatizar un amanecer. Una de las preguntas que nos hace Sunrise Corporation es: ¿Cuál es nuestra relación con el paisaje –entendida como una expresión de lo común– en una sociedad cimentada históricamente en la propiedad privada? En Sunrise Corporation, Andrew Roberts parodia el branding amigable del capitalismo contemporáneo –específicamente el de las compañías socially responsible– en una estimulante instalación que imita el diseño de un lobby corporativo. La perversidad de la empresa se hace presenta en los banners, mobiliario y videos propagandísticos, ya que Sunrise Corporation promoueve una obscenidad desorbitada: la apropiación intelectual y privatización del desecho galáctico más grande –y que se ha caracterizado por ser motivo de los más célebres momentos de improductividad humana– la luz de sol. Daniel Aguilar Ruvalcaba

CLIMA EXTREMO Nuestro planeta Tierra ha sufrido varios cambios climáticos a lo largo de su existencia, sin embargo, los procesos de industrialización de la economía global han provocado que este cambio se vuelva más repentino, acelerando en consecuencia, el calentamiento global. Para complementar la película homónima se exhibe una instalación con seis puntos esenciales para entender el significativo cambio que sufre nuestro ecosistema. Tomando datos y estadísticas de National Geographic, quien produce la película, intentamos expandir el conocimiento sobre un tema de trascendencia, importancia y urgencia mundial.

25 de julio - -----Vestíbulo del Domo imax PRODUCCIÓN PROPIA

LENGUAJE DE LAS COSAS Imagen y construcción del paisaje urbano

Arte, lenguaje y comunión en la obra de Roberto Romero Molina Una de las maneras como podemos poner a prueba el lenguaje (y aquí me refiero específicamente a las palabras) consiste en producir anagramas con palabras inexistentes. Lo que se pone a prueba en dicho ejercicio es la capacidad del lenguaje para existir, no solamente significar, una vez enunciado o propuesto como palabra. En este sentido, no existen las palabras inexistentes. Una vez dicha, escrita y/o enunciada, la palabra es presencia ineludible, independientemente de si sabemos o no su significado. Tronsgonstrain.

Roberto Romero-Molina 28 de julio - 15 de octubre El Cubo, Sala 3 PRODUCCIÓN PROPIA

En esta lógica, un tanto confusa —al principio— opera la obra de Roberto Romero Molina: es la lógica que emana de la creación de «anagramas» a partir de las herramientas, materiales e imaginarios provenientes de las artes. Emana de un proceso de experimentación, no necesariamente rupturista en torno a los modos de representación, sino en torno a los modos como exploramos las posibilidades del lenguaje y nuestros modos de percepción. Más que un ars mimetica, un ars combinatoria. El arte como posibilidad de descubrimiento, más allá de la revelación sobre las condiciones de posibilidad de la realidad, es un arte que se compone, se dispone, como un acto de comunión, con el sentido de las cosas, y con los sentidos que utilizamos para percibirlas. Comunión con la palabra, el texto y sus modos en los que transmuta su significado, para empezar. A partir del denominado text based art, Romero Molina aproxima de frente al espectador, entendido como interlocutor, no como simple

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figura pasiva frente a un objeto. Lo aproxima y lo confronta a la necesidad de hacerse preguntas, de descifrar mensajes, de convertir el acto de lectura en un necesario ejercicio individual para la producción de sentidos. Asumiendo una multiplicidad de formas —letreros, obra gráfica, texto-visiva, intervención fotográfica o que emana de la plasticidad iluminada del neón— esta clase de obra tiene una interesante genealogía en la frontera norte de México. Sin ser estrictamente bilingüe, toma como base la dualidad de sentidos que los que vivimos en la frontera asumimos en nuestra relación con el lenguaje. Es por ello que en esta clase particular de obras, Romero Molina nos presenta al mismo tiempo con el pun (el juego de palabras, más típico del habla inglesa) y con la afirmación/ cuestionamiento ontológico sobre la naturaleza de aquello que «sentimos» o que «pensamos» cuando (nos) decimos entender algo. Ese algo, fenoménico, sólo existe en ese espacio informe, mercurial, que llamamos pensamiento. Comunión con el sonido. Paisajes sonoros, rescate de sonidos-fuente, traslado de experiencias auditivas a recintos o espacios que permiten una mejor recepción de sus contenidos, en otra de las formas que asume la obra de Romero Molina, tenemos la comunión con el sonido. Pero no solo se trata de la representatividad de aquello que se toma de un espacio y se lleva a otro. También se trata de un proceso de reinvención, misma que ocurre en la medida que el espectador es inmerso en la experiencia. Existe un vínculo entre los inicios del artista en el campo de la pintura y su expansión a la experimentación sonora. Podemos identificar su necesidad compositiva. No se trata de una estructura en el espacio sino de una composición pictórica hecha en un espacio cuyos colores son los sonidos. En esta clase de obras es importante no sólo escuchar sino identificar la disposición del sonido; de dónde viene originariamente y de dónde lo escuchamos físicamente, en ese momento; dónde inician los puntos de fuga; dónde y cómo se desplazan las tonalidades y los claroscuros que surgen, no como información para la mirada, sino como revoloteo para los oídos. Sea por medio de audífonos, o a través del ejercicio de transferencia sinestésica entre sonido, forma y color proyectado en video, o, finalmente, con el uso del espacio físico, estas transferencias requieren atención a los detalles pero, sobre todo, a la confianza que el participante tiene hacia sus propias formas de escuchar y apreciar con sus oídos, rompiendo con las formas de armonía, melodía y ritmo de la tradición occidental para convertirse en una representación mucho más sensible de la vida y la naturaleza.

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Finalmente, sobre la comunión con el cuerpo y el espacio. Del cuerpo emana una multiplicidad de significados en el arte. Desde su gestualidad originaria en la pintura, pasando por su elocuencia teatral o dancística, hasta su bifurcación en un «transcuerpo», esto es, el cuerpo como signo, figura, cifra, las maneras como Romero Molina asume al cuerpo es, por un lado, como figura plástica, y segundo, como partícipe, como productor de identidades e intercambios. Por un lado, tenemos una obra audiovisual en donde plantea al cuerpo como figura de tránsito, cuyos movimientos proceden de una composición regulada por un entorno físicamente estable, e inamovible; posiblemente, es el marco de representación del cuerpo contemporáneo, signado, codificado, cuantificado algorítmicamente como data. Sin embargo, también surge en la obra de Romero Molina otra clase de dinámica y preocupación: el cuerpo en su relación con sus espacios y sus intercambios. Si la experimentación audiovisual te lleva al cuerpo cifrado en sí mismo, en sus obras de intervención de espacios está siempre implicado el cuerpo social, el del espacio abierto, el que dialoga con nosotros cuando nosotros estamos en comunión con el entorno. Espacios para habitar, espacios para el intercambio de objetos, en esta clase de obras, Romero Molina encuentra una línea sensible que nos hace entender la calidez desde donde surge su obra más experimental. Todos estos «actos de comunión» con la obra de Romero Molina nos ayudan a identificarlo como uno de nuestros más originales y arriesgados experimentalistas; nacido de una tradición plástica que está sobre la base de la producción artística en Baja California, su trabajo multidisciplinario nos invita a asumir los mismos riesgos que él ha asumido, a reconocerlos como propios: el riesgo de experimentar con las formas y medios que le permiten expandir las posibilidades de la obra de arte, entendida como una forma de abrirse a posibilidades; segundo, el riesgo de reconocer que la realidad, el mundo y las cosas transmutan, que pueden ser entendidas desde una multiplicidad de sentidos; en el proceso, nuestra apreciación de su obra nos incita, nos impela, a ser entes activos con nuestro entorno, y nos ayudan a cuestionar la naturaleza misma de aquello que pretendemos entender. Alejandro Espinoza Galindo

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EL VATICANO SECRETO Con esta muestra, titulada acertadamente El Vaticano Secreto, Massimo Listri nos ofrece una prueba indiscutible de su madurez artística. Al respecto, es significativo que las fotografías aquí reunidas hayan sido exhibidas –excepcionalmente– en los propios Museos Vaticanos. Las obras expuestas representan en su totalidad interiores de la Biblioteca Apostólica y de los museos Pío Clementino y Gregoriano Profano, todos pertenecientes al conjunto de los Museos Vaticanos. Bajo el lente de Listri desfilan galerías, patios y salas de insuperable belleza arquitectónica, colmadas de tesoros artísticos entre los más preciados del mundo. La mirada del fotógrafo nos transmite el espectáculo extraordinario de millares de piezas juntadas ad majorem Dei gloriam. De hecho, entre los siglos xvi y xvii, el coleccionismo papal y cardenalicio convirtió Roma en la capital artística de Europa. Al aprecio del Papa Julio ii por las estatuas antiguas se debe, por ejemplo, el que hoy podamos admirar el «Laocoonte», toda vez que a otros pontífices y prelados se debe la supervivencia del «Torso Belvedere» y del famoso «Apolo del Belvedere».

Massimo Listri Curador: Giorgio Antei 11 de agosto - 22 de octubre El Cubo, Sala 1 EN COLABORACIÓN CON EL INSTITUTO NACIONAL DE BELLAS ARTES Y EL MUSEO NACIONAL SAN CARLOS

Listri interpreta una faceta «secreta» de las colecciones vaticanas. Gracias a un especial «pase apostólico» pudo acceder a los Museos ad libitum, a solas, de día y de noche, una prerrogativa inaudita. En virtud de este privilegio, sus fotos son más que verdaderas: son reveladoras. Por lo mismo, los visitadores de la muestra verán cosas invisibles a los ojos del público de los Museos Vaticanos. México es el primer país que recibe la muestra completa, incluyendo las impresionantes cabezas marmóreas del Museo Gregoriano Profano (una serie que pone de relieve el talento de Listri como retratista). Esto gracias al esfuerzo conjunto del Instituto Nacional de Bellas Artes y el Museo Nacional de San Carlos, a lo cual se suma el Centro Cultural Tijuana con la presente muestra.

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ÚLTIMO TULE Si el valor de los artistas se midiera con su capacidad de renovarse, es decir, de enterrar los hallazgos y seguir buscando; si se calculara con el metro de la creatividad y el dominio técnico; si se basara en la libertad; si resultara del respeto por la propia identidad; si reflejara verdadero amor al arte; si se midiera así, se entendería a cabalidad la razón por la cual Sergio Hernández es tan importante dentro del panorama de las artes. Como atestiguan numerosas muestras internacionales, el interés por su obra ha sobrepasado hace tiempo las fronteras de México. Su trabajo más reciente –que incluye una original incursión en el terreno de la alquimia– ha despertado, más que nunca, la atención de los coleccionistas y los críticos. Lo atestigua el éxito cosechado por tres importantes muestras llevadas a cabo en 2016 en Italia (en el Palazzo delle Esposizioni de Roma y en el Labirinto de Franco Maria Ricci de Parma) y en Colombia (en el Museo de Arte Moderno de Bogotá).

Sergio Hernández Curador: Giorgio Antei 1 de septiembre, 2017 - 18 de febrero, 2018 El Cubo, Sala 2 PRODUCCIÓN PROPIA

En Tijuana, Sergio Hernández presenta una muestra de mucha importancia y actualidad, en gran parte inédita, constituida por piezas representativas de sus diferentes intereses artísticos. Algunas de ellas han sido creadas para el cecut, en particular el lienzo que da el título a la exposición. Son nuevas también las esculturas que se elevan en el vestíbulo y afuera de El Cubo: siete enormes tules víctimas de un huracán, símbolos de la furia de un planeta amenazado. El riesgo es un factor determinante de toda creación. Sergio Hernández lo ha asumido sin dudarlo, indiferente a las modas y a la fama. El arte para él es curiosidad, arrojo y diversión. Desde siempre viene batiendo un camino en suspenso entre pasado y presente, racionalidad e instinto, estética y ética, sin renunciar nunca a su identidad y a su gusto personal. Las obras en muestra marcan la ruta de este recorrido, evidenciando los logros y las contradicciones de uno de los mayores artistas mexicanos.

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SILLAS XVIII - XXI

¿Cómo aproximarnos a un objeto de uso cotidiano? ¿A través de la experiencia personal o analizando su origen? ¿Qué pensamos acerca de las sillas? ¿Cuál fue la primera imagen en su cabeza al leer el título de la exposición? ¿Pensó en la estructura de una silla, en algún color, algún material, algún elemento? ¿Recordó alguna silla que le es familiar?

17 de septiembre, 2017 - 15 de abril, 2018 Sala de Exposiciones Temporales del Museo de las Californias EN COLABORACIÓN CON EL FIDEICOMISO TED WELLS Y LA FUNDACIÓN DE LA FAMILIA STEVEN Y KELLY MCLEOD

Las sillas están tan ligadas a nuestro entorno cotidiano y a nuestras actividades diarias que dejamos de pensar en ellas como objetos totales y con una historia. Pasamos casi todo el día sentados: en el comedor, en el transporte, en la escuela, en el trabajo, en las salas de espera, en los espacios de ocio, en nuestra casa. Sin embargo, ¿estamos satisfechos con las sillas que usamos? ¿Ha pensado en alguna ocasión cómo sería la silla ideal para un momento determinado? ¿Cree que diferentes sillas pueden hacerle sentir diferentes emociones? La exposición Sillas hace un análisis del diseño de este objeto familiar con el propósito de entender los motivos y razones detrás de la concepción de cada una de ellas, lo que, por ende, nos permite vislumbrar nuevas posibilidades de diseño que aún faltan por destapar. A partir de 100 sillas de diseñadores estadounidenses y europeos y un japonés observaremos la evolución del diseño a través de cuatro siglos, los cánones de las diferentes épocas en que fueron construidas, los distintos materiales utilizados, los eventos que influyeron en su concepción y las preocupaciones ideológicas y estéticas que las inspiraron.

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Todas las sillas que aquí se presentan pertenecen a dos colecciones: la Fundación de la Familia Steven y Kelly McLeod, y el Fideicomiso Ted Wells; este último ha coleccionado dichos objetos por el gusto personal que tiene hacia el diseño, así como por sus ligas de amistad, ya que muchas de sus sillas han sido obsequios de amigos y familiares que saben de la afición de Ted. La colección completa de Ted cuenta con casi 200 sillas, de las cuales se seleccionaron las aquí expuestas por ser las más representativas de su época y de su estilo de diseño. En palabras de Ted, lo importante de su colección no recae únicamente en su valor estético, sino en la posibilidad que representa poder sentarse en las sillas, probarlas y usarlas para platicar con sus amistades. Sentarse es una acción que

nos permite dialogar entre nosotros, no en vano, decimos «sentarnos a platicar» u ofrecemos una silla cuando necesitamos decir algo importante. Por lo tanto, la exposición nos invita a tomar una pausa para reflexionar sobre nuestro entorno. En el contexto actual es importante aprender a escucharnos y a abrirnos a la empatía. Los problemas que atravesamos, como sociedad, sólo se pueden resolver a partir del diálogo, y en ello las sillas cumplen una función vital. Vista desde cierta óptica, más que una exposición Sillas es una pieza de arte-instalación que habla sobre la necesidad de entablar un diálogo, de escuchar al otro, de acercarnos. Esperamos que, tanto dentro como fuera de este espacio de exhibición, nos sentemos a escuchar lo que los demás tienen que decir.

FOTÓGRAFOS DE NUEVO LEÓN Revisión 2017

Revisión 2017: El mundo alucinante «Aquí todo es piedra y arenas, que en un tiempo fueron piedras. Monterrey vive la edad de piedra. Pero ya vamos pasando a la de arena. Después entraremos a la de polvo. Todo rojo. Y la arena centellando entre las piedras». Reinaldo Arenas, El mundo alucinante En 1966, sin haber puesto un pie fuera de Cuba, el escritor Reinaldo Arenas imaginó la infancia de fray Servando Teresa de Mier en el Monterrey del siglo xviii. Arenas imaginaba a una Sultana del Norte llena de corojos –palmas cubanas– y niguas –insectos tropicales parecidos a las garrapatas– donde el tiempo transcurre lento e inverosímil, y donde se fragua el espíritu rebelde del padre, en medio de alucinantes y extrañas imágenes de alacranes cantantes. Fray Servando se va a la Ciudad de México en mula, en medio de fantásticas historias de caminantes, para después pronunciar su famoso, y verídico, sermón de Guadalupe en el santuario del Tepeyac, donde defendería a la antigüedad del rito de Tonantzin, previo a la llegada de los españoles. Sermón debido al cual pasaría casi toda su vida en el exilio. Esta historia veraz, narrada de forma imaginativa y surreal por un escritor cubano que nunca visitó Monterrey, muestra el poder de la imaginación y el efecto de la migración y la movilidad, extraño en la época de fray Servando y tan común en nuestros días. Esta muestra es una versión de 12 de los 28 proyectos seleccionados para la exposición, resultado de la convocatoria Revisión 2017 Fotógrafos de Nuevo León. Una participación, que plantea un estado del quehacer fotográfico de calidad en Ana Sofía Ayarzagoitia Cantú, Andrea Saucedo González, Brenda Elisha Cordero Castillo, Eduardo Jiménez Román, Elizabeth Trejo García, Erick Garza Morales, Estrella Esquivel Dávila, Fernando Luis Gallegos Morales, Héctor Alejandro Cartagena González, Isaac Rincón Aiza, Iván Raymundo Manríquez López, Jesús Mario Alberto García Fraire, José Ibarra Hernández, Mariana Hernández Otero, Mauricio González Ortiz, Minerva Hortencia Hernández Olvera, Myriam Salinas García, Natalia Rodriguez Caballero, Nydia Lilian Cavazos Sáenz, Veronique Chapuy Palacios, Victoria Fava, Yasodari Sánchez Zavala y Yolanda Leal Cavazos 6 de octubre – 3 de noviembre Vestíbulo del Museo de las Californias EN COLABORACIÓN ENTIJUANARTE, A.C.

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la entidad, dando cuenta de los programas de fotografía implementados en los últimos años, y de los nuevos espacios educativos que utilizan esta herramienta como base de su enseñanza. Mi papel ha sido aquí el de un seleccionador, como fotógrafo más que como curador, colega de quienes exponen. Y es interesante participar en este proyecto de una época coyuntural, no sólo para la subjetividad de los ciudadanos en este país, sino para el estado de la fotografía como herramienta y como arte. Pues tal como hemos podido ver en el certamen nacional de fotografía pasado, ésta se encuentra en un importante punto de inflexión. Es tan numerosa y extendida su producción, que se ha convertido en la verdadera herramienta democrática que prometía desde sus orígenes. Pero como hemos presenciado en los procesos políticos actuales, democracia no necesariamente significa una capacidad para dejarse guiar por la razón. La dimensión actual de la fotografía es la ubicuidad. Sin embargo, aun siendo un dispositivo tecnológico de uso extremadamente extendido y diverso, la cara de su producción se ha estandarizado a niveles alarmantes: vemos millones de fotos similares, producidas con ideas similares, creadas por los mismos dispositivos, con escasa participación del ojo humano, que sólo atina a estar presente en una posición física y temporal. Es necesario hacer una revisión de la instrumentalización que se hace de la fotografía y defender su lugar como arte, como documento o como idea. Pero esta revisión sólo puede hacerse a través de la fotografía misma y de las sutilezas que en sus particularidades nos presentan los fotógrafos, a través de la apropiación que hacen del medio. Cada fotógrafo ofrece en su visión un semblante de lo que la fotografía es o puede ser. Dando imagen al mundo, en realidad la fotografía actual parece amenazar con cerrar las visiones de nuestra realidad a estandarizaciones reguladas por los sistemas de consumo (televisión, publicidad, prensa, redes sociales), y al final lo que impera es una especie de ceguera lúcida, una inundación de millones de imágenes semejantes que reducen las miradas particulares a errores en el sistema de nuestra realidad. Es aquí donde llama la atención El mundo alucinante de Reinaldo Arenas, quien eligió la historia de este fraile, nacido en el aún llamado Nuevo Reino de León, alejado del virreinato y del mundo, para identificarse con él como eterno perseguido y disidente, como alguien que debe migrar debido a su visión distinta de la realidad.

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Las movilidades humanas han transformado el mundo desde el origen de la historia pero su pronunciada acentuación en los últimos años ha radicalizado nuestro entendimiento de las subjetividades y las características que rigen el territorio, así como las identidades de sus habitantes. Los fotógrafos aquí reunidos muestran su visión sobre esa subjetividad relacionada con el territorio o el movimiento: tanto aquellos que vienen de otros países y de otras realidades, como aquellos nacidos en estas tierras que buscan otros confines espectacularidades o extrañamientos, incluso al interior del núcleo de lo familiar. ¿Qué significa ser fotógrafo en medio de esta inundación de imágenes, ya sea regiomontano o simplemente humano? ¿Qué significa estar vivo en este tiempo y utilizar una herramienta para dar visión del mundo, que aun siendo relativamente reciente parece ser rebasada por nuevos implementos tecnológicos? ¿Qué imagen podemos tener de nosotros mismos cuando nuestra identidad fragementada, clonada o estandarizada? En los proyectos de Sofía Ayarzagoitia, Nydia Lilian Cavazos, Fernando Luis Gallegos, Erick Garza Morales se encuentran algunas de las respuestas sobre el uso de la imaginación cuando ésta se desborda y nos enfrenta a nuevos universos propios, íntimos o lejanos. En las fotografías de Jesús Mario Alberto García Fraire, Mauricio González, José Ibarra Hernández y Myriam Salinas se documenta un mundo en constante confrontación con expectativas y aprendizajes. En las piezas de Veronique Chapuy, Victoria Fava, Eduardo Jiménez Román y Yolanda Leal se puede observar un concepto del mundo que la tomar cuerpo de imagen nos plantea otro visión de lo narrado. El mundo alucinante que nos presentan estos fotógrafos no radica en su visión espectacular, sino en el asombro que les produce lo que fotografían y en la manera en que esto estimula nuestra imaginación. Sus imágenes son exploraciones visuales que van al interior de las redes sociales o a los espacios de trabajo, de los migrantes de la ciudad a los migrantes de la psique. Estas fotografías muestran un aquí y un ahora invaluables e irrepetibles donde podemos encontrarnos identificados o extrañados, al grado de revitalizar con nuestra propia imagen y la de nuestro entorno. Revisemos este mundo alucinante como aperturas a caminos que nos hagan posible nuevas formas de pensar en nosotros, en los demás y en el mundo. Oswaldo Ruiz

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LOVE & WAR La historia del arte nos dice mucho sobre la historia de la humanidad. En el arte se expresan las emociones, preocupaciones y las contradicciones de su tiempo, así como los valores que guiaron procesos históricos. Es por ello que Mark Bryce se apropia de la historia del arte para narrarnos una historia igual de universal pero, al mismo tiempo, sumamente íntima.

Mark Bryce 12de octubre, 2017 - 28 de enero, 2018 Vestíbulo de la Sala de Espectáculos PRODUCCIÓN PROPIA

A través de 22 pinturas en óleo, Mark Bryce nos cuenta qué le emociona y qué le preocupa, tanto como individuo, así como parte de una colectividad. Usa a los personajes que habitan las obras de maestros como Rafael, Caravaggio, Cranach, Rodin, Wood, Munch y otros, para contarnos la historia de su país y las inquietudes de su gente, las cuales son –no extrañamente– las mismas que las nuestras. A pesar de las diferencias que existen entre los distintos pueblos, sin mencionar las que existen entre cada uno de nosotros como individuos, todos las personas enfrentamos los mismos problemas. El amor, la empatía, el miedo, la solidaridad y el odio; son emociones universales que gobiernan la vida de todos. Carl Jung llamó a este tipo de ideas congénitas que poseen un valor simbólico y habitan en el inconsciente colectivo como arquetipos. Aún cuando nuestro bagaje cultural es diferente, compartimos los mismos arquetipos en ambos lados de la frontera. En Love & War, Mark Bryce realiza un ejercicio de empatía para construir puentes de comunicación entre la sociedad mexicana y la estadounidense, en aras de entablar un diálogo y solucionar los problemas que nos aquejan. Lo que nos separa es mínimo comparado con lo que nos une como miembros de la misma especie cohabitando el mismo espacio. Los problemas universales expresados a través de la historia del arte, nos ayudan a identificarnos con el otro.

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LABERINTOS DE LA MEMORIA En la mejor tradición de los surrealistas latinoamericanos, Esaú Andrade trabaja con una variedad de símbolos, torciendo sus significados, expertamente. La cultura popular y las potentes imágenes latinas son comprimidas alegremente en lienzos de color caramelo, reflejo vibrante del estado anímico del artista. Nacido en Tepic, Nayarit, Andrade encuentra sus raíces en el arte folclórico, a su vez, tanto su madre, Guadalupe Valencia, como su hermano, Raymundo Andrade, son artistas. Es primordialmente un artista autodidacta, aunque estudió en la Escuela de Artes Plásticas de la Universidad de Guadalajara. Aunque fue enormemente influenciado por dos gigantes del arte mexicanos, Diego Rivera y Rufino Tamayo, Andrade logra inyectar su propia exuberancia infantil en sus estilizadas y peculiares pinturas. ¿Dónde Está? es una de las pinturas que más saltan a la vista. Un cráneo y un ojo, separados por una cerradura y una barrera de cuerdas, flotan en un misterioso limbo sobre un fondo dorado brillante. El tema es misterioso, sin embargo el color exuberante y la composición esquemática actúan como refuerzos de su conexión con el arte folclórico. Algunas de sus pinturas son versiones del juego de cartas mexicano lotería, donde diferentes objetos fantásticos son encuadrados y acomodados de acuerdo un punto focal. Rebozando de colores primarios y signos astrológicos, Los Signos gira en torno a un rectángulo central que contiene a una pequeña niña en traje campesino de pie sobre el mundo. Un escorpión, un cangrejo y un toro existen en esta cuadrícula comprimida y en capas de colores brillantes y símbolos antiguos. Esáu Andrade 19 de octubre, 2017 – 4 de febrero, 2018 Sala Central PRODUCCIÓN PROPIA

En el exquisito El Barco, todos los elementos juguetones y propios de la obra de Andrade –las muñecas, los barquitos, las sirenas nadando a su lado y el pequeño trompetista anunciando el arribo del barco– se fusionan para crear un cuadro encantador y colorido. Su habilidad nata para el color y la composición lo convierten en una entrada idónea al peculiar arte folclórico. Kathy Zimmerer, 2004

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CECUT 35 ANIVERSARIO En el marco de su 35 aniversario, se presenta una selección de imágenes que tienen como fin celebrar la historia arquitectónica del Centro Cultural Tijuana (cecut) a través de imágenes, planos y maquetas de sus edificios, así como fotografías de archivo de su proceso de construcción. Hacia finales de la década de 1970, la Sra. Carmen Romano de López Portillo –Primera Dama y creadora del Fondo Nacional para las Actividades Sociales (fonapas)–, comenzó a idear la construcción de un centro cultural en la frontera norte de México, el cual debía reforzar la identidad nacional en estas latitudes y servir como tarjeta de presentación de la cultura mexicana para el turista. El proyecto fue encomendado a los arquitectos Pedro Ramírez Vázquez y Manuel Rosen Morrison, comenzando la construcción del entonces llamado Centro Cultural fonapas Tijuana en 1980 en las inmediaciones del río Tijuana y muy cerca de la garita internacional de San Ysidro.

25 de octubre - 25 de febrero de 2018 Sala de Exposiciones Temporales Planta Baja PRODUCCIÓN PROPIA

El 20 de octubre de 1982, el C. Presidente José López Portillo inauguró el Centro, el cual se componía, en ese entonces del Cine Omnimax (imax), la Sala de Espectáculos, el edificio de Gobierno y Comercios (hoy oficinas) y las rampas de exposición (hoy Museo de las Californias). En sus 35 años de existencia, el cecut ha ido creciendo de acuerdo a las necesidades demandadas por la comunidad local y artística. Espacios como El Cubo, la Sala Carlos Monsiváis y el Acuario se han agregado, mientras que otros se han adaptado, para ofertar más actividades.

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GUARDIANES Xavier Mascaró nació en París en noviembre de 1965, de padre español y madre francesa. En 1968, su familia se trasladó a Barcelona. En 1979, tras la muerte de su madre, decidió dedicarse al arte para «dejar una huella». Comenzó a dibujar y, por su cuenta, a pintar y a grabar al aguafuerte como una manera de procesar la pérdida. Entre 1983 y 1988, estudió en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona, licenciándose en la especialidad de pintura, aunque apenas acudía a clase. Se dedicó por entero a pintar en su primer taller del barrio gótico de Barcelona. En 1989, igualmente de forma autodidacta, comenzó a realizar sus primeras esculturas, inicialmente en yeso y en bronce. En 1995, comenzó a fundir en hierro, su material preferido a la fecha.

Xavier Mascaró 20 de octubre - ----- 2018 Vestíbulo de la Sala de Espectáculos EN COLABORACIÓN CON LA EMBAJADA DE ESPAÑA EN MÉXICO

La falta de oportunidades para exponer su trabajo a principios de los años 1990, unidos a la escasez de las ventas, le animó a buscar un cambio de aires. En 1996, emprendió su primera aventura en el extranjero y abrió su primer taller en Nueva York. Allí, desde la distancia, realizó una serie de obras introspectivas y exploró sus raíces familiares y culturales, que expresa en dos series que tituló Un autorretrato a los 30 años y Sangre española. Entró en contacto con numerosos artistas, algunos muy reconocidos como Manolo Valdés y Julian Schnabel, quienes le ayudaron a conseguir sus primeros clientes. A partir de ahí, alternó temporadas entre Nueva York y Madrid; en este último taller, en 1998, realizó por primera vez obras monumentales en hierro.

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En 2001, tuvo su primera exposición en Nueva York, en la galería Marlborough de Chelsea. En 2002, pasó unos meses como pensionado emérito en la Academia de España en Roma. Ese mismo año realizó exposiciones en Cartagena de Indias y Viena, organizadas por el Ministerio de Asuntos Exteriores de España. En 2004, se instaló nuevamente en Nueva York y comenzó a utilizar nuevos materiales como el cristal emplomado, la resina y la piedra. En 2007, produjo una nueva serie de obras monumentales consistentes en un conjunto de diez Guardianes y una barca en hierro de grandes dimensiones que titula Departure, que se exhibieron por primera vez en los jardines del Palacio Real en París, en una muestra organizada por el Ministerio de Cultura de Francia, y posteriormente en Málaga, Sevilla, en el Paseo del Prado en Madrid y en el Instituto Valenciano de Arte Moderno en Valencia. En 2010, tras cerrar su taller de Nueva York, abrió talleres en Londres y en la Ciudad de México. Entre sus más recientes exposiciones se incluyen las muestras en la Saatchi Gallery de Londres en 2014, en Warehouse 421 de la Salama Bint Hamdan al Nahyan Foundation en Abu Dhabi y en el Instituto Cultural Cabañas en Guadalajara. Cuenta con más de 120 exposiciones, incluyendo más de 40 individuales, en museos, galerías, festivales y espacios públicos de varias ciudades de España, Francia, Mónaco, Países Bajos, Alemania, Estados Unidos, Argentina, Suiza y México, así como en Bélgica, Reino Unido, Colombia, Ecuador, Paraguay, Venezuela, Jordania, Emiratos Árabes Unidos y Hong Kong. Actualmente vive entre la Ciudad de México y Madrid.

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UN RECUERDO AUSENTE «¿Qué hacía las veces de la fotografía antes de la invención de la cámara fotográfica? La respuesta que uno espera es: el grabado, el dibujo, la pintura. Pero la respuesta más reveladora sería: la memoria. Lo que hacen las fotografías allí fuera en el espacio exterior a nosotros, se realizaba anteriormente en la interioridad del pensamiento». John Berger ¿Se puede transformar el tiempo? La fotografía ha estado acompañada desde su origen por la maldición de lo real. Lo que está frente a nuestros ojos es lo que es o fue, tal cual. La fotografía es, para muchos, la petrificación del instante sucedido y la ventana al recuerdo. La fotografía no es absoluta e inamovible, es un indicador de nuestras propias interrogantes y deseos. Si bien la fotografía doméstica ha perdido su dimensión corpórea ante los archivos digitales guardados en una carpeta de la computadora o publicadas en redes sociales, aún es posible encontrar en muchos hogares un álbum o un cajón lleno de papeles impresos que certifican el recuerdo, papeles en los que no solo visitamos el pasado o recreamos situaciones. Depositamos en ellas especulaciones, interrogantes, replanteamientos y negociaciones de los hechos. Leticia Herrera 8 de noviembre - 25 de marzo, 2018 Pasillo de la Fotografía Vidal Pinto PRODUCCIÓN PROPIA

Para Leticia, la cámara y sus atributos son condicionantes del recuerdo: la lente, el formato, el filme y la impresión estandarizada configuran la materialidad del recuerdo. La manipulación de estos elementos lleva a la redefinición de la memoria y de las historias personales, permiten horadar el tiempo y reescribirlo desde el presente. Las imágenes de la memoria son cápsulas de tiempo que vuelven a ser abiertas en otro tiempo, donde se convierten en un arte-facto del presente sobre el pasado. Christian Zúñiga

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XXVIII SALÓN DE ARTE EN SECUENCIA SAS! Al advenimiento de Trump, sus muros, ladrillos y ladrillazos; muchos caricaturistas, a iniciativa de Arturo Kemchs, emprendieron la construcción del «Muro de Caricaturas». Así, se ha logrado reunir el trabajo de grandes y estupendos artistas del humor y la línea para conformar una serie de exposiciones que a su vez ya completaron dos libros sobre «el tema». Boligán, Arturo Kemchs, Juan Alarcón, Rogelio Naranjo, Gonzalo Rocha, Marian Kamenski, Paco Baca, René de la Nuez, Kevin Siers, Vasco Gargalo, Helio Flores, Machado, Darío, Castrux, Alireza Pakdel, Valdivia, Ramsés, Corpus, Luis Curry, Saavedra y Abraham 9 de noviembre - 3 de diciembre Vestíbulo del Museo de las Californias EN COLABORACIÓN CON EL CLUB DE CARICATURISTAS DE TIJUANA QUÉ-QUÉ

sas! 2017, tiene el gran honor de presentar el trabajo de Boligán, Kemchs, Alarcón, Naranjo, Rocha, Kamenski, Baca, De la Nuez, Siers, Gargalo, Helio Flores, Machado, Darío, Castrux, Pakdel y una verdadera constelación internacional de caricaturistas, acompañados por los artistas locales: Valdivia, Ramsés, Corpus, Curry, Saavedra, Abraham, entre otros. Pocas veces se tiene la oportunidad de ver a tantos y tan buenos caricaturistas reunidos en una exposición, por lo que esperamos la disfruten enormemente. El Comité Organizador

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INTUIR EL AZAR Intuir el azar revisa diecinueve años de trayectoria de Jaime Ruiz Otis, enfocándose en las estrategias metodológicas y decisiones estéticas que, impulsadas por la intuición y el hallazgo, conforman la poética y política en la obra del artista. Motivado por la curiosidad innata hacia los objetos encontrados y las historias que éstos guardan, en afinidad con su conciencia ecológica y biografía, Ruiz Otis desarrolla un cuerpo de obra rico en plasticidad e impregnado de una sutil pero incisiva crítica a nuestro sistema de producción hegemónico y su incidencia en la naturaleza y los humanos.

Jaime Ruíz Otis Curaduría: Daril Fortis 17 de noviembre - 25 de marzo de 2018 El Cubo, Sala 3 PRODUCCIÓN PROPIA

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MAGIA DE LA SONRISA EN EL GOLFO DE MÉXICO «…Olmecas, totonacas, popolocas-mazatecos, toltecas: nombres. Los nombres van y vienen, aparecen y desaparecen. Quedan las obras. Entre los escombros de los templos demolidos por el chichimeca o por el español, sobre el montón de libros y de hipótesis, la cabecita ríe. Su risa es contagiosa.» Octavio Paz y Alfonso Medellín Zenil, Magia de la risa, 1962.

1 de diciembre - 11 de marzo, 2018 El Cubo, Sala 1 EN COLABORACIÓN CON EL INSTITUTO NACIONAL DE ANTROPOLOGÍA E HISTORIA, LA UNIVERSIDAD VERACRUZANA Y EL MUSEO DE ANTROPOLOGÍA DE XALAPA

La arqueología, como disciplina humanista, desentraña y explica las formas de vida de los grupos culturales pretéritos y se aventura a entenderlos a partir de contextos específicos. La aproximación a nuestro pasado debe ser multidisciplinaria, para explorar caminos en donde lo biológico, lo simbólico y lo morfológico producen múltiples significados. Más allá del entorno geográfico, lo único que nos une ineludiblemente con nuestros antepasados mesoamericanos es nuestra condición humana, que en sus límites y potencialidades nos caracteriza como receptores de nuestro ambiente, al que socializamos y transformamos con estos cuerpos, a partir de la afectación de nuestras emociones.

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El psicólogo norteamericano Paul Ekman (1934) ha dedicado su vida al estudio de las expresiones faciales. Sus investigaciones han comprobado que el rostro humano posee un sistema de gestos involuntarios, cuya interpretación puede ser diferente y variar en cada cultura; ha sido pionero de su disciplina y ha identificado todo un código oculto en los mensajes de nuestro semblante. Las figurillas sonrientes de la Costa del Golfo de México son testimonio materializado en cerámica de la manera en que vivían los habitantes de dicha región durante el período Clásico Tardío –del 600 al 900 d. C. –. Ellos sonrieron como nosotros, y ese gesto común nos sirve de pretexto para adentrarnos en la cosmovisión mesoamericana.

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TAPETES 2.0 Welcome.

Lula Lewis, Lourdes Lewis, Lídice Figueroa, Melisa Cisneros, Carmen Campuzano, Melisa Arreola, Mónica Arreola, Jean von Borstel, Carmela Castrejón, Elba Rhoads, Laura Castanedo, Rosa Osuna, China Lamadein, Fernanda Uski, Hilda Vanessa Ramos, Claudia Ramírez, Mariana Bello, Marisol González, Norma Michel y Sarah A. Zarza 8 de diciembre – 4 de marzo, 2018 Vestíbulo del Museo de las Californias EN COLABORACIÓN CON EL GRUPO MARTES

Veinte mujeres, veinte tapetes, veinte años de trabajo del colectivo Martes resignificando, por tercera ocasión, el concepto de tapete, tradicionalmente asociado con una posición poco favorable u honorable, indigna, casi arrastrada. «Ponerse de tapete» tiene una connotación negativa en el imaginario popular. Se relaciona con estar abajo, pasivo, dejándose pisar, dando la bienvenida al recién llegado que, en el mejor de los casos, se desempolva sus viajados pasos mientras el tapete le dice muy contento: Welcome. Las marchantas del arte utilizan en sus tapetes técnicas variadas, materiales, colores, intenciones diversas; insistiendo en llamar nuestra atención lo más al sur que nos sea posible. La invitación es a ver hacia abajo, en lugar de hacia arriba o hacia enfrente, como estamos acostumbrados a hacer siempre en un museo. Un arte más accesible para todos. Que nos sea familiar. Que nos diga welcome y nos haga sentir en casa. Una suerte de reciclaje emocional histórico familiar recorre los tapetes. La nostalgia está presente en varias de las piezas. El tema de la familia, los recuerdos, los objetos amados, lo privado, lo doméstico, lo lúdico, el cuerpo, los órganos, la muerte, las vulvas; nos hacen voltear hacia lo íntimo. Pero al voltear la mirada hacia abajo, también nos encontramos la unión del cosmos con el cuerpo, con el planeta, los mapas, la ecología, la violencia. Lo que permanece, lo que sobra, lo que no se ve, lo de adentro.

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En los tiempos del «primero yo, luego yo y después yo» no es cualquier cosa un grupo de mujeres creando juntas. Un grupo que mantiene lo colectivo pero expresa lo individual. Que se ajustará a la consigna del tapete y a decir cada quién lo suyo. Hay algo inspirador en los 20 años de trabajo de este colectivo Martes de mujeres artistas radicadas en Tijuana. ¿Cuál es el valor de la creación artística si no es mostrarnos que uno puedo, aunque sea de vez en cuando, vivir su deseo? Que uno puede disfrutar de su labor, de su trabajo, de su esfuerzo. Producir intimidad y dejarnos ser parte de eso es un regalo. Celebremos pues con el colectivo Martes sus 20 años de trabajo. Hay variedad, hay calidad, pásele. Welcome.

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SEMBLANZAS

Artistas / Curadores / Coordinadores / Investigadores

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Abraham Ávila Artista y productor cinematográfico. Cuenta con conocimiento profesional en comunicación y cine. Actualmente labora en Relaciones Inesperadas donde funge como tutor para el Programa de Producción Cinematográfica. Alejandra Phelts. Mexicali, BC, 1978 alejandraphelts.com

Artista contemporánea. Estudió Filosofía, Historia y Apreciación del Arte en el Instituto Privado de Filosofía y Teología San Juan, cursó varios talleres de pintura, grabado y performance y realizó la licenciatura en Artes Plásticas en la Universidad Autónoma de Baja California. Obtuvo el primer lugar en la xviii Bienal Plástica del Estado de Baja California. Ha participado en más de treinta exposiciones en México, Estados Unidos, China y países de Europa. Su obra forma parte de la colección nacional permanente del Consulado General de México en Shangai.

mentales y ha presentado su trabajo multidisciplinario en Videomuro del Centro de la Imagen. Cuenta además con proyectos culturales en comunidad y exposiciones individuales y colectivas. Becaria del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes en dos ocasiones por el proyecto Ñongos y por Chijuana, una aproximación a la cultura china en Tijuana. Ana M. Pastrana. Ciudad de México, 1995 Cursa la licenciatura en Psicología por la Universidad Nacional Autónoma de México. Su producción se desarrolla en las disciplinas de ilustración, pintura y fotografía. Ha expuesto su trabajo colectivamente en cuatro ocasiones en México, Reino Unido y Alemania. Andrés de Luna. Tamaulipas, 1955 Narrador y ensayista. Estudió Ciencias de la Comunicación en la Universidad Nacional Autónoma de México y en el Centro de Capacitación Cinematográfica de los Estudios Churubusco. Autor de obras literarias y académicas como La batalla y su sombra: la Revolución en el cine mexicano, Martín Luis Guzmán: un estudio histórico y Erótica: la otra orilla del deseo. Obtuvo el premio La Sonrisa Vertical por El bosque del a serpiente.

Alejandro Espinoza Galindo. Mexicali, BC Artista conceptual, crítico de arte, narrador, ensayista, traductor y profesor-investigador de tiempo completo en la Facultad de Artes de la Universidad Autónoma de Baja California, interesado en temáticas que aborden teoría e historia del arte, estética, análisis de discurso y práctica de tendencias contemporáneas en el arte. Cuenta con varios Andrew Roberts. Tijuana, BC, 1995 libros publicados sobre estos temas y sobre el quehacer Artista visual con un interés particular por el arte conceptual. Actualmente cursa la Licenciatura en Artes Plásticas artístico en la frontera México-Estados Unidos. de la Universidad Autónoma de Baja California, ha comAlonso Delgadillo «El Norteño». Guadalajara, Jal, pletado el Programa de Fotografía Contemporánea y es 1983 miembro del Programa de Producción de Arte Contemporáneo de Relaciones Inesperadas. Ha expuesto de manera nortenotj.com Ilustrador, muralista y artista visual con licenciatura en individual y colectiva en varias ciudades de la región Baja Diseño Gráfico por la Universidad Xochicalco y maestría California-California y la Ciudad de México. Fue becario en Diseño por la Universidad de Palermo. Obtuvo el Primer de Medios Alternativos en Jóvenes Creadores del Programa Lugar en el Concurso de Murales cfe Rosarito con su obra de Estímulo a la Creación y Desarrollo Artístico y recibió «Construcción de sueños» (2013). Su propuesta visual ha una mención honorífica en el vi Concurso Internacional de sido publicada por varios institutos latinoamericanos y ha Videoarte Universitario Visiones del Arte. También ha desaparticipado en exposiciones en México, Estados Unidos y rrollado proyectos de curaduría y es fundador y co-director Argentina. del espacio Deslave. Ana Andrade. Tijuana, BC, 1987 Investigadora, productora y fotógrafa. Licenciada en Comunicación y Publicidad por el Centro Universitario de Tijuana. Ha colaborado con el Colegio de la Frontera Norte, BorderClick Talks, y ambos (Art Made Between Opposite Sides), entre otros. Ha trabajado en cortometrajes docu-

Angélica Escoto. Tijuana, BC angelicaescotophoto.com

Fotógrafa, periodista, editora y directora de Producciones Mar. Estudió en la Escuela de Periodismo Carlos Septién García y trabaja como editora en diarios nacionales. Su obra ha sido publicada en diversas revistas especializadas.

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Junto con Walk in closet, ha desarrollado un diario visual autobiográfico, que incluye los paisajes agrestes y desolados Cheram Morales. Cherán, Mich, 1983 de la península. cheram-morales.blogspot.mx Artista visual contemporáneo y gestor cultural. Su obra está Bryan Ruelas. Tijuana, BC, 1992 íntimamente ligada al trabajo en comunidad y el arte-acMúsico. Se inició tocando con un grupo de jóvenes intere- ción, en aras de satisfacer la función social del arte como hesados en crear música que saliera del corazón con el proyec- rramienta de reflexión y crítica de la vida cotidiana. Cuenta to «Lo que nunca fue», en cual participó como guitarrista. con una licenciatura en Artes Plásticas por la Universidad Tiempo después estuvo como bajista en la agrupación «La Autónoma de Baja California, así como exposiciones indiBacallao», como guitarrista en «Openélope», y en «Jardín». viduales y colectivas en México y Estados Unidos. Por necesidad, su actividad musical se centró en esta última agrupación, dedicándose a ella de tiempo completo y Claudia Ramírez Martínez. Guadalajara, Jal, 1967 tomando el puesto de baterista. claudiaramirez-crm.blogspot.mx Artista multidisciplinaria especializada y reconocida por su obra en grabado, aunque también ha trabajado con esCamel Demilo. Culiacán, Sin, 1980 Realizó estudios de Diseño en el Centro Integral de Diseño cultura, dibujo, performance y poesía. Su arte es una mezcla en Tijuana. Participó en el taller de Artes Visuales en la heterogénea de materiales, métodos y disciplinas donde Universidad Autónoma de Baja California. Su trabajo se convergen temas integrales como la sostenibilidad ecolóha mostrado en diversas exhibiciones colectivas en Tijuana gica, el alimento, la crítica del sistema capitalista, la colapor más de una década. boración artística y varios tipos de fronteras. Ha impartido clases y conferencias en grabado, cultura ambiental y arte Carlos Roa. Tijuana, BC, 1992 público. Ha sido jurado en concursos de gráfica y escultura, Artista visual y músico. Su trabajo se basa en la experi- y ha realizado varias intervenciones en espacios públicos. mentación de materiales en diferentes disciplinas artísticas sobre temas como el equilibrio, la forma y el sonido. Su Daniel Aguilar Ruvalcaba. León, Gto, 1988 obra se interesa por el misterio de los ambientes sonoros Productor de imágenes y gestor cultural. Cursó estudios que se encuentran en la naturaleza y en la vida cotidiana, en el Programa Educativo de soma. Ha exhibido su trabaofreciendo una visión sobre sonido primigenio y sus valo- jo en Ladrón Galería, el Museo Universitario del Chopo, el Museo de Arte Moderno, Museo de Arte Carrillo Gil, res intrínsecos y culturales. entre otros, y ha colaborado con textos para revistas como La Tempestad, Horizontal, y el Blog de Crítica. Obtuvo la César Fernando Vázquez Olivares. Cuautla, Mor, beca Jóvenes Creadores en el área de medios alternativos 1986 para realizar el proyecto Ruvalcaba y Asociados, y recibió vazquezcesar.blogspot.mx Artista visual contemporáneo y gestor cultural. Su obra, la beca del Patronato de Arte Contemporáneo para imprientre las que se encuentran esculturas, instalaciones, car- mir un proyecto editorial. Es fundador del espacio de arte teles publicitarios y portadas de libros, se caracteriza por contemporáneo Biquini Wax. sus dibujos tridimensionales de capas de papel superpuesto para así crear dibujos escultóricos, explorando la for- Daniel A. Lara «Danee Green». Tijuana, BC mación y construcción de las ideas. Licenciado en Artes Músico y disc jockey. Ha colaborado con distintas bandas, Plásticas por la Universidad Autónoma de Baja California, tocando instrumentos diferentes. coordinador de la galería Nodo y miembro de Co[lab]. Su trabajo ha sido expuesto de manera individual y colectiva Daril Fortis. Tijuana, BC, 1988 en distintos estados de México y Estados Unidos. Obtuvo darilfortis.wordpress.com el premio de adquisición de la 9na Bienal Universitaria de Escritor, crítico y curador de arte. Co-fundador y co-diArte Contemporáneo. rector de Periférica, programa dedicado a la generación, distribución y preservación de contenidos relacionados con las artes visuales en Tijuana. Su ejercicio explora las posibi-

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lidades performativas, biológicas y simbólicas del cuerpo, dad Autónoma de Baja California. Es integrante del Prograponiendo énfasis en las intersecciones entre escritura, tec- ma de Producción de Arte Contemporáneo de Relaciones nología, visualidad y género. Inesperadas. David Nava. Tijuana, BC, 1987 Ha realizado estudios de diseño y audio en San Diego. Su obra explora la reacción sensitiva del espectador activo por medio de creaciones espaciales y sonoras. Es integrante del Programa de Producción de Arte Contemporáneo de Relaciones Inesperadas.

Ernesto Ramírez. Ciudad de México, 1968 Fotoperiodista. Licenciado en Periodismo por la Universidad Nacional Autónoma de México, estudió Fotografía en el Centro de Capacitación Fotográfica, la Escuela «Nacho López», el Centro de la Imagen y la Fundación Pedro Meyer. Ha publicado tres libros, además de colaborar por más de tres décadas con varios periódicos nacionales. Su trabajo fotográfico ha sido publicado en diversos títulos y parte de ella pertenece a la colección de la Fundación Televisa. Obtuvo el Premio Nacional de Periodismo «Fernando Benítez» (2006) por su reportaje «Arqueología urbana» y es miembro del Sistema de Creadores de Arte.

Diana Haro. Tijuana, BC, 1989 Egresada de Relaciones Internacionales por la Universidad Autónoma de Baja California. Fundadora de moversnshapers.com, proyecto que busca detonar la industria creativa del norte de México a través de la formación de redes y la promoción. Es parte del comité organizador del Festival Internacional de Fotografía Tijuana e integrante Esaú Andrade. Tepic, Nay, 1963 del Programa de Producción de Arte Contemporáneo de Artista plástico enfocado en pinturas alusivas a la historia Relaciones Inesperadas. del arte y con una re-significación de símbolos de la cultura pop y de la tradición latina. Estudió en la Escuela de Eder Martínez. Veracruz / Orlando Martínez. Vera- Artes Plásticas de la Universidad de Guadalajara y cuenta cruz / Antonio Reyes «Tercero» con exposiciones en museos y galerías de varias ciudades Agrupación musical bajo el nombre Los Reverdes del Son, de México y Estados Unidos. Su obra, que narra viajes a la cual se dedica a fomentar, fusionar y redescubrir el Son. través de su memoria, forma parte de las colecciones de varios museos en México y Estados Unidos. También ha Eduardo Limón trabajado ilustraciones y textos de narrativa para revistas Escritor, periodista y locutor. Ha colaborado en periódicos literarias y libros. y revistas como Excélsior, Nexos y la edición latina de Le Monde Diplomatique. Como locutor ha trabajado con la Felipe Zúñiga. Ciudad de México, 1978 emisora W Radio, el programa «Un libro para el fin» y Artista visual, curador y pedagógo. Egresado de la Escuela para el programa cultural «Triángulo de Letras en el canal Nacional de Artes Plásticas, realizó su maestría en Artes 22» Entre sus reconocimientos se encuentran el Premio Visuales en la Universidad de California en San Diego. Nacional de Locución y el Premio Internacional del Libro Fue coordinador el programa de residencias Lui Velazquez Animado Interactivo. en Tijuana y de servicios educativos en el Centro Cultural Tijuana. Fue curador educativo de Taller Público en Casa Edward J. Sullivan. Nueva York Vecina y es miembro de la Plataforma Arte-Educación, con Docente y teórico de arte. Trabajó en el departamento de quien ha desarrollado los proyectos Laboratorio de MediaHistoria del Arte y como decano en l la Facultad de Arte ción, Casa del Lago. y Ciencias de la Universidad de Nueva York. Ha escrito más de treinta libros y catálogos sobre el arte moderno en Fernando Botero Angulo. Medellín, Colombia, Latinoamérica, destacando: The Language of Objects in the 1932 Art of the Americas, Continental Shifts: the Art of Edouard Pintor y dibujante. Mundialmente reconocido por su esDuval Carrie y Nueva York: 1613-1945. tilo particular, el cual se caracteriza por el uso de colores vibrantes y figuras redondeadas y exageradas, las cuales se Elizabeth Zamudio. Tijuana, BC, 1996 apropian de gran parte del lienzo, en un monumento a la Artista visual. Estudiante de Artes Plásticas en la Universi- desproporción, resaltando su existencia y, al mismo tiempo

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burlarse de su rol. Estudió en la Academia de San Fernando tienen como fin recomponer el tejido social y modificar en Madrid y está ampliamente influenciado por el Escuela la percepción social sobre las viviendas irregulares de la región. Cuenta con una licenciatura en Sociología por la Florentina de Pintura y los maestros del Quattrocento. Universidad Autónoma de Baja California, una maestría Fernando Raúl León Rodríguez «Rojo». Tijuana, en Investigación y Medio Ambiente por el Colegio de la BC, 1989 / Miguel Omar Rodríguez López «Mike». Frontera Norte, así como cursos y talleres de fotografía y Tijuana, BC, 1988 arte contemporáneo. Imparte clases sobre arte y función Ingenieros de profesión y productores de música electró- social, procesos de investigación y fotografía en la Escuela nica tropical bajo la agrupación Le Rodríguez, siendo ellos Superior de Artes Visuales, la Universidad Autónoma de quienes se producen sus propios videos, flyers, imagen y Baja California y el Instituto de Artes Gráficas Boxel; y opebooking. Cuentan con presentaciones en festivales, fiestas ra el centro artístico Relaciones Inesperadas, el cual ofrece populares y bares de varias ciudades de México. Su música seminarios y pláticas especializadas enfocadas al arte local. es una mezcla de cumbia tribal con sonido electrónico denominado «carposo». Irving Domínguez. Ciudad de México, 1976 Curador, crítico de arte y docente. Realizó estudios curaGabriel de la Mora. Tijuana, BC, 1985 toriales en Teratoma, la Colección/Fundación jumex y el Músico especializado en guitarra y voz. Toca con la banda Centro de la Imagen, donde también estudió Fotografía, al Perra Galga, grupo de rock psicodélico de Tijuana. Ha igual que en la Escuela Nacional de Antropología e Histoparticipado en el Say North Festival y Real del Under, y ria. Ha curado exposiciones en varias ciudades de México y cuenta con múltiples presentaciones en varios puntos de la en Polonia. Ha colaborado con textos sobre arte en publicaciudad, incluido el teatro del Instituto Mexicano de Segu- ciones especializadas y formó parte del programa internaridad Social. cional soma Summer. Contribuye regularmente en el Taller Multinacional, en Relaciones Inesperadas y es miembro del Giorgio Antei. Italia, 1946 staff del Centro adm. giorgioantei.com

Escritor, curador e historiador de arte, con interés en proyectos donde se conjuntan el arte, la historia y la geografía. Ha curado varias exposiciones y publicado diversos libros donde aborda la historia de la exploración de América Latina, a partir de los cronistas y cartógrafos europeos, así como el arte italiano y latinoamericano. Es miembro de la Academia Colombiana de Historia.

Jaime Ruiz Otis. Mexicali, BC, 1974 jaimeruizotis.com

Artista contemporáneo multidisciplinario preocupado por la manera en que los procesos industriales afectan al individuo. Estudió en talleres de pintura, instalación, escultura conceptual, gráfica, grabado y artes visuales de varios artistas de la región. Ha expuesto de manera individual y colectiva en México, Estados Unidos, España y Rusia. Su obra Gustavo Mayoral. Tijuana, BC, 1971 parte de material encontrado en basureros y se encuentra GustavoArt.com en las colecciones del Museo de Arte Contemporáneo de Fotógrafo de retrato, moda, de bodegón y naturaleza muer- San Diego y la Colección del Museo Universitario de Arte ta. Su producción se desarrolla en las disciplinas de fotogra- Contemporáneo de la Ciudad de México. fía y medios electrónicos. Ha expuesto su trabajo de manera individual y colectiva en México, Estados Unidos y Japón. Javier Navarro. Tijuana, BC, 1979 Ingeniero electromecánico y artista visual. Ha mostrado su Ingrid Hernández. Tijuana, BC, 1974 trabajo de manera colectiva e individual en México y Estaingridhernandez.com.mx dos Unidos. Formó parte del Programa de Producción de Artista visual, docente e investigadora social enfocada en Arte Contemporáneo de Relaciones Inesperadas. proyectos colaborativos de larga duración que abordan el espacio doméstico del migrante como lugar de re-signifi- Jorge Francisco Sánchez «Jofras». Ciudad de cación y contemplación. Los resultados de sus investigacio- México, 1978 nes se expresan en ensayos, fotografías y piezas, las cuales Artista visual y doctor en Ciencias Sociales con especiali-

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dad en Estudios Regionales. Sus líneas de investigación son procesos socioculturales, zonas urbanas, espacio público, arte, ciudadanía y responsabilidad social; estos temas también son abordados en su trabajo artístico. En años recientes ha estudiado la organización de colectivos culturales y movimientos ciudadanos que abordan problemáticas de seguridad y vida cotidiana en la frontera México-Estados Unidos. José Luis Cuevas. Ciudad de México, 1931 − 2017 joseluiscuevas.com.mx

Pintor, dibujante, escritor, grabador, escultor, ilustrador, docente y crítico de arte. Estudió en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado «La Esmeralda» y en el Colegio de la Ciudad de México con Lola Cueto. Miembro de la llamada «Generación de la Ruptura», su obra transcurrió por diversas épocas como producto de diversas influencias. Participó en numerosas exposiciones alrededor del mundo y recibió distintos premios entre los que destacan: el Primer Premio Internacional de Dibujo en la v Bienal de Sao Paulo, el Primer Premio Internacional de Grabado en la i Trienal de Nueva Delhi, el Premio Nacional de Ciencias y Artes de México, (1981); el Premio Internacional del Consejo Mundial de Grabado (1984); y el Premio Tomás Francisco Prieto (1997) entregado por la Reina de España con motivo de su exposición en el Museo Casa de la Moneda de Madrid. También fue investido con diversos honores por los gobiernos de México, El Salvador, España, Francia, Nicaragua, Perú y Venezuela.

Leslie García. San Diego, EEUU, 1988 Cursó parcialmente el Programa de Cine y Cultura Visual por Universidad de California, Riverside. Actualmente, cursa la licenciatura en Comunicación por Universidad Autónoma de Baja California y el Programa de Arte Contemporáneo de Relaciones Inesperadas. Leticia Herrera. Tijuana, BC, 1984 Artista visual. Licenciada en Comunicación y maestra en Artes por la Universidad Autónoma de Baja California. Realizó parte de su posgrado en la Academia de San Carlos y en la Universidad Nacional Autónoma de México. Su trabajo se ha expuesto en México, Estados Unidos y Francia. Obtuvo una mención honorífica en la x Bienal de Fotografía de Baja California y fue seleccionada para la presentación de portafolios programada en el marco del Coloquio Latinoamericano de Fotografía en el Foto Museo Cuatro Caminos. Forma parte de la Plataforma de Imágenes Contemporáneas del Centro de la Imagen. Lore Álvarez. Ciudad Juárez, Chih, 1964 Licenciada en Administración de Empresas por la Universidad Autónoma de Baja California. Es integrante de del Programa de Producción de Arte Contemporáneo de Relaciones Inesperadas. Luis Enciso «Curry» -curry.blogspot.com

Dibujante, humorista y caricaturista con amplia trayectoria y múltiples reconocimientos. Ha participado en exposiJosé Manuel Cruz Vázquez «_ChP+». Ciudad de ciones sobre historietas y tiras cómicas a nivel nacional e México, 1973 internacional, y coordinado el Salón de Arte en Secuencia Diseñador gráfico egresado de la Universidad Iberoame- sas! desde 1989. Es miembro del Club de Caricaturistas ricana-Tijuana, con estudios posteriores en el Colegio de ¡¿Qué-Qué?! y de la Sociedad de Caricaturistas del Sur de Diseño Centro de Arte, la Universidad Politécnica y Centro California. de Evaluación Informática de Valencia, y la Universidad Autónoma de Baja California. Cuenta con amplia experien- Manuel Ramos. Tecate, BC, 1996 cia en el diseño de libros, catálogos de arte y de exposiciones Estudiante de Artes Plásticas en la Universidad Autónoma en ambos lados de la frontera México-Estados Unidos. de Baja California. Tiene una serie de participaciones artísticas en exposiciones colectivas locales como miembro de la Karina Muñoz. Tijuana, BC, 1970 Sociedad de Acuarelistas de Baja California. Artista, periodista y conductora de noticias. Licenciada en Ciencias de la Comunicación por la Universidad Iberoame- Marco A. Rodas. Ciudad de México, 1975 ricana-Tijuana. Es integrante del Programa de Producción Médico cirujano plástico y fotógrafo. Egresado de la Universidad Autónoma de Baja California. Actualmente forma de Arte Contemporáneo de Relaciones Inesperadas. parte del Programa de Producción de Arte Contemporáneo de Relaciones Inesperadas.

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Margarita Morales. Ciudad Mante, Tamps margarita-morales.de

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Max Corona. Guadalajara, Jal, 1981 Artista visual y comunicólogo egresado de la Universidad Autónoma de Baja California. Estudió un diplomado en Producción Cinematográfica y dirección de Fotografía en Centro de Estudios Cinematográficos de Baja California. Ha expuesto colectivamente a nivel local.

Artista plástica enfocada en pintura abstracta, donde el color es el protagonista. Estudió Diseño de la Comunicación Visual en la Universidad Autónoma Metropolitana y Artes Visuales en la Academia de San Carlos. Durante su estadía de tres años en Londres, descubrió su pasión por el movimiento abstracto. Ha expuesto, de manera individual y Midori Zúñiga. Tijuana, BC, 1986 colectiva, en museos y galerías en México y Europa. Licenciada en Comunicación por la Universidad Autónoma de Baja California. Integrante del Programa de Producción Mariel Miranda. Ciudad de México, 1987 de Arte Contemporáneo de Relaciones Inesperadas. Se desSocióloga, investigadora y artista visual enfocada en temas empeña como directora de arte en proyectos audiovisuales. vinculados a los usos sociales de la fotografía en relación con el tiempo, el espacio y la memoria. Licenciada en So- Miguel Alejandro Paredes. Culiacán, Sin, 1983 ciología por la Universidad Autónoma de Baja California. Artista visual, diseñador gráfico y director de arte en proSu trabajo fotográfico ha recibido distinciones estatales y ducciones audiovisuales. Licenciado en Diseño Gráfico nacionales y ha sido expuesto de manera individual y co- por la Universidad Univer e integrante del Programa de lectiva en varias ciudades de México y Los Ángeles. Sus en- Producción de Arte Contemporáneo de Relaciones Inessayos visuales han sido publicados en editoriales nacionales peradas. e internacionales realizadas en México y Estados Unidos. Ha sido becaria del Programa de Estímulos a la Creación y Miriam Gabriela García Aguirre. Tijuana, BC, 1975 al Desarrollo Artístico por el Instituto de Cultura de Baja Historiadora, investigadora, escritora, docente y artista. California. Es co-directora y fundadora del Festival Inter- Tiene estudios en Historia, Cultura Escrita, Neuroartes, nacional de Fotografía Tijuana. Género y Creación Literaria. Fue investigadora de la Subdirección de Exposiciones del Centro Cultural Tijuana; Mark Bryce. San Francisco, EEUU, 1953 co-realizadora de «El proyecto de las Morras. Talleres de Artista contemporáneo especializado en pintura realista literatura en centros de rehabilitación para mujeres» con el con una amplia carga simbólica y política. Sus pinturas se Interdisciplinario La Línea, autora y coordinadora de libros caracterizan por la apropiación de elementos de la historia y colaboradora de la revista electrónica Espiral. Actualmendel arte y de la pintura misma con el objetivo de darle un te es la directora del Museo de Historia del Tijuana. giro de tuercas a la disciplina al jugar con la superficie, la perspectiva, la luz y las sombras. Estudió en la Academia Néstor Mondragón «spel». Tijuana, BC, 1987 de Bellas Artes de Pennsylvania y ha participado en más Artista visual y diseñador gráfico interesado en la interacde ochenta exposiciones colectivas e individuales en varias ción social a través de las múltiples disciplinas, formas y materiales de producción artística, haciendo énfasis en el ciudades de Estados Unidos y en Tijuana. grafiti para llevar su imaginación a las calles en un diálogo con los transeúntes. Su obra aborda temas sociales como el Massimo Listri. Florencia, Italia, 1953 massimolistri.com medio ambiente urbano, los flujos migratorios y el trasfonFotógrafo especializado en arquitectura y espacios inte- do de las palabras, y se caracteriza por la utilización de la riores. Sus imponentes imágenes buscan, a través del rigor figura femenina dentro de la urbe. Es licenciado en Diseperfeccionista y la estética de la perspectiva arquitectónica ño Gráfico por la Universidad de las Californias y cuenta de Brunelleschi, captar el espíritu del espacio y mostrar con cuatro exposiciones individuales y varias colectivas en los secretos de mundos perdidos en el tiempo y el olvido. México y Estados Unidos. Miembro del colectivo Boiling Co-fundador de la revista de arte fmr, ha publicado más de Process. sesenta libros y realizado múltiples exposiciones en todo el mundo, incluido los Museos Vaticanos.

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Noé Sandoval Peralta. Tijuana, BC, 2000 Estudiante de preparatoria. Ha expuesto su trabajo de fotografía colectivamente en Tijuana. Es integrante del Programa de Producción de Arte Contemporáneo de Relaciones Inesperadas.

sidad Autónoma de Baja California y tomó talleres de arte instalación, serigrafía, arte abstracto, escultura y grabado. Ha expuesto su obra en Tijuana, Estados Unidos y Cuba, ganando dos veces la Bienal Universitaria de la Universidad Autónoma de Baja California.

Pedro Camarena Siqueiros «Shemo». Hermosillo, Son Artista visual enfocado en serigrafía, grafiti, skate y diseño. Trabaja en Satan Shop, la cual se interesa por incentivar el consumo de productos locales ya que los considera claves para el desarrollo artístico, económico y social de la subcultura de Tijuana. Ha expuesto su obra en Tijuana, Hermosillo y San Diego.

Rodolfo Morales. Ocotlán de Morelos, Oax, 1925 − Oaxaca, Oax, 2001 fcrom.org.mx

Artista plástico, docente y gestor cultural interesado en las raíces de la cultura y el imaginario popular. Su obra mural, gráfica y pictórica se caracteriza por retratar los mitos populares insertos en la vida cotidiana. Se ha expuesto su obra más de cien veces en muestras individuales y colectivas en varias ciudades de México, Estados Unidos y Canadá; así Roberto Romero Molina. National City, EEUU, como en quince países de América, Europa, Asia y África. 1970 Ha recibido homenajes a lo largo del país y en varias ciuromero-molina.com dades sudamericanas. Fundador del Centro Cultural en su Artista conceptual multidisciplinario que busca crear afo- pueblo natal y de la fundación que lleva su nombre. rismos visuales para cuestionar y reevaluar nuestro presente, entendiendo que la realidad es solo un fragmento de la Sergio Hernández. Oaxaca, 1957 experiencia total. Su obra explora las relaciones entre la ex- Artista plástico versátil en las disciplinas de la pintura, periencia y la representación, entre lo visible y lo invisible, el grabado, la cerámica y el dibujo. Estudió en la Escuela e incluye fotografía, pintura, video, arte-objeto, instalación, Nacional de Artes Plásticas, la Academia de San Carlos, arte sonoro, gráfica e intervención. Estudió Artes Visuales la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado «La en el Colegio Southwestern, Artes Plásticas en la Univer- Esmeralda», y el Instituto Nacional de Bellas Artes. Ha

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expuesto individualmente en más de cincuenta ocasiones en varios países de América y Europa. Entres sus múltiples reconocimientos obtuvo la beca de Creador Artístico del Sistema Nacional de Creadores de Arte y el premio internacional René Portocarrero, otorgado por la Unión de Escritores y Artistas de Cuba (2014). Sergio Arturo Hurtado Sandoval «Fide». Ensenada, BC, 1993 Diseñador y artista. Estudió Diseño Industrial y cuenta con experiencia de exposición colectiva a nivel local en el Say North Festival, Ecce Homo, Monster Plush Attack y el proyecto urbano con Fundación Hogares.

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Valeria Ortega Osuna. Tijuana, BC, 1995 Cursa actualmente la licenciatura en Artes Plásticas en la Universidad Autónoma de Baja California y es una de los participantes de Globos: Hot Air Balloons and Interviews – Transnational Seminar por el Colectivo Magpie y el Museo de Arte Contemporáneo de San Diego. Tiene experiencia en exposiciones colectivas a nivel local. Victoria James. Londres, Inglaterra, 1974 Artista plástica practicante de la abstracción. Estudió Literatura en el Colegio de Artes y Diseño Chelsea. Su obra traduce experiencias personales y de conocidos a un imaginario palpable. Ha exhibido de manera individual en cuatro instancias distintas en Ginebra y una docena de veces de manera colectiva a nivel internacional.

Tabea Huth Artista visual y académica. Enfoca su trabajo temáticamente en cuestiones de género y otras polémicas sociales de la Wu Xiahong. China Cantante y pintora de laca con su propio estilo artístico frontera. Trabaja la fotografía y el performance. especializada en utilizar el lenguaje de variación musical Tania Kareni López. Tijuana, Baja California, 1991 en su pintura. Sus pinturas de laca han sido expuestas en Licenciada en Administración de Mercadotecnia por el cuatro continentes. Actualmente es Vicepresidente de la Centro de Enseñanza Técnica y Superior. Es integrante de Asociación de Estudio de la Cultura de Arte de Laca de la del Programa de Producción de Arte Contemporáneo de provincia de Fujian y de la Federación de Literatura y Arte de la Municipalidad de Fuzhou. Relaciones Inesperadas.

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EXHIBITIONS 2017 Presentation / Introduction / Exhibitions / Profiles

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PRESENTATION

Cuevas was one of the promoters of national artistic production as we know today: vibrant and innovative. His decease has left behind an empty space in the cultural scene of this country that no one can take place, but his influence can be perceived in the exhibitions made everyday and in Mexico’s drawing and painting evolution. We want to pay a special tribute in cecut to his figure by always finding and presenting new talent, giving the opportunity of art development and allowing the artist to lead the paths.

The exhibition is the organized presentation of objects to the public, with the purpose of creating a playful and pedagogical experience. Those in charge of organizing the exhibition must take into account the target audience’s interests and the intrinsic value of the objects presented (that can vary in nature and subject); it is therefore considered that the museum only exists after its relation with its surroundings and the understanding that it has from its users’ concerns. Pedro Ochoa Palacio Tijuana Cultural Center Director In 2017, almost 800 000 people used Tijuana Cultural Center’ (cecut) exhibitions. Such influence shows the huge role that cecut has in its surroundings, which influences 2017 in a categorical way; as well as the need for promoting said enclosure in Mexico and in the world. The 2017 exhibition program was distinguished by its diversity in techniques. From traditional media such as paincecut works with such quality that allows it to exhibit ting, sculpture, and drawing to more contemporary media unique and invaluable pieces, with extreme care, which such as video, electronic media, interventions; from in situ is the reason why works by great national and internatio- production to ancient art pieces; from small photographs nal masters such as José Luis Cuevas, Sergio Hernández, to monumental art works. This multitude of formats repreFernando Botero, and Massimo Listri– were exhibited this sented a challenge for the Exhibitions Department team, year, as well as monumental works with small pieces of the besides allowing users to come into contact with a type archaeological patrimony. of artwork that, in many cases, they weren’t familiar with, motivating the learning towards the new artistic producMaría Cristina García Cepeda tion media. Secretary of Culture As in previous years, an attempt was made to build a program of exhibitions which included great art masters of a JOSÉ LUIS CUEVAS well-known trajectory with local and emerging artists, fulfilling two objectives: to attract as many public as possible In 2017 we proudly brought to Tijuana great exhibitions so that they would know the work of the most established from different places, which allowed us to approach diverse artists as well as the ones who are just beginning and equate esthetics and establish this institution as a benchmark on these two groups as equals, fostering the dialogue among this part of the world. From Pre-Hispanic art to photogra- their exhibitions. This objective seeks to declare that while phs of Roman sculptures, from contemporary art to paint not everyone is a great artist, a great artist can emerge from and drawing masters. anywhere. However, José Luis Cuevas’ heartbreaking death left a mark in Mexico’s art history, in 2017. Given that we had the privilege of producing his last exhibition while he was alive, his decease marked us profoundly. We had the honor of show his artwork on ten occasions; four of them were solo exhibitions. This last exhibition, although his departure stained it with sorrow, is without a doubt the most meaningful for this institution.

Among these great masters we had Viacrucis. La pasión de Cristo [Via Crucis. The Passion of the Christ] by Fernando Botero, one of the last pictorial series of this Colombian artist that places the via crucis within the current society; Último Tule [Last Tule] by Sergio Hernández, which talks about the artist s concern for the environment by experimenting with acids to draw on lead plates, sculpting sculptures with fallen trunks and carrying out monumental

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works; José Luis Cuevas. Obra reciente [José Luis Cuevas. Recent work], bronze sculptures and drawings, the vast majority with love letters included, showing the enormous technical quality of one of the most influential artists of the second half of the 20th century in Mexico; and El señor de los sueños [The Lord of the Dreams] by Rodolfo Morales, a pictorial series about daily life, the landscape and Oaxacan mythology. In addition to Botero, Hernández, and Morales exhibitions, there were other painting exhibitions by artists from various parts of the world. Los colores de las formas [The colors of the shapes] by Margarita Morales –who currently resides in Germany– addresses her Mexican identity in an explosion of colors; Love & War by the American Mark Bryce, talks about the hopes and disappointments with American history and culture; Laberintos de la memoria [Memory labyrinths] by Esaú Andrade is a pictorial love ode to Mexico, its myths, traditions, and landscapes; Variación infinita and vida colorida [Infinite variation and colorful life] by the multidisciplinary Chinese artist Wu Xiahong fuses his passion for music with the traditional technique of Chinese lacquer, producing brilliant paintings and jewelry; and Retratos iluminados [Illuminated portraits] by Alejandra Phelts, an artist from Baja California, is a journey through the memory of the artist where the paintings, photographs, videos, and textile work tell us about her family, her passions, and her love affairs. There was also painting in other exhibitions that were more aimed at contemporary art, curiously, all of them with artists from the region. El lenguaje de las cosas [The language of things] by Roberto Romero-Molina explored the emotions that the sound can awake in the individual, so he experimented with different supports; Intuir el azar [Random chance] by Jaime Ruiz Otis presented the author’s artistic process where the collection of industrial waste is raw material for his sculptures and paintings; Programa de Producción de Arte Contemporáneo ii.iii [Contemporary Art Production Program ii. iii] focused on the new forms of artistic production; so, in addition to painting, there was photography, installation, video, electronic sculptures, and intervention.

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Vázquez addressed the garbage accumulation problem in our environment using beetle sculptures as a metaphor; Sunrise Corporation by Andrew Roberts transformed the space into the reception lobby of the fictional futuristic corporation that will sell digital simulations of natural landscapes due to the planet contamination; En todo corazón habita un bosque [A forest dwells in every heart] complemented Ana Clavel’s book, El amor es hambre, with a projection of fauna on the walls; On the other hand, Trotamundo. Arte público [Globetrotter. Public Art] by the collective of artists coordinated by Cheram Morales, exposed the evidences of his intervention in the public space in which they made serigraphs on the public road together with musical ensembles in an attempt to take the art to the streets and spread the work of the young artists. Like every year, photography played an important role in the exhibition program, largely by the Vidal Pinto Photography Hallway. Three of the six samples devoted exclusively to photography were exhibited there: u’ceet Oxtkutzcab u’ka’kuxtal by Ana Andrade, which explores life in the Mayan jungle; Exitocina [Exitocin] by Ernesto Ramírez addresses the feeling of ecstasy that comes from being close to a successful person and the devotion of the fans; and Un recuerdo ausente [Absent memory] by Leticia Herrera focuses on friendship and their links to the space where they arose. The other three photographic exhibitions’ main focus was the specific place where they were produced: Fotógrafos ambulantes de Tijuana [Tijuana’s street photographers] by Mariel Miranda narrates the trade, challenges, and characteristics of this trade that had its apogee a few decades ago; Revisión de fotógrafos de Nuevo León [Nuevo León s photographers review] tries to expose the contemporary work of entity creators; and El Vaticano secreto [Secret Vatican] by the Italian Massimo Listri allows us to enter to private rooms where the ecclesiastical elite gathers and to appreciate the enormous collection of art works that the Vatican accumulates.

The rest of the exhibitions in 2017 were characterized by heterogeneity. Those exhibitions presented sculpture such as Guardianes [Guardians] by the Spanish Xavier Mascaró, who presented his monumental pieces in various spaces of the institution; there was drawing where the annual cartoon In addition to these contemporary art exhibitions, the in- showing xxviii Salón de arte en secuencia sas! [28th Art in tervention projects of the space were placed. Escarabajos Sequence Saloon sas!], presented this year an exhibition obreros [Worker beetles] by Claudia Ramírez and César dedicated to the current US president; the exhibition also

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included the textile artwork Tapetes: 20 [Rugs: 20] by the collective Martes, in another edition of the original sample that seeks to encourage creativity by extending the limits of what a rug can be; it also contained design with the artwork Sillas. xviii-xxi [Chairs. 18th-21st], which drew a line in the history of design, enormously linked to architecture, to understand the reasons and concerns behind the hundred chairs exhibited in the room; and the graphic design cecut 35 años. Su arquitectura [cecut 35 years. Architecture] as a commemorative exhibition for the 35th anniversary of the institute, which presented the original models and the project plans; and Clima extreme [Extreme Weather], parallel exhibition to the homonymous film that addressed the topic of climate change. Also in parallel with an imax film, the scenic representation of Vincent Van Gogh’s painting Bedroom in Arles was presented by the scenographer Vannia Cárdenas.

EXHIBITIONS 2017 INFINITE VARIATION. CHINESE LACQUER BEAUTY Wu Xiahong February 10 – April 3 Museo de las Californias lobby In collaboration with the People’s Republic of China consulate

In the framework “2017 China-Mexico Culture Year”, we celebrate in cecut a special exhibition of Chinese lacquer art with thirty works finely crafted by Mrs. Wu Xiahong, a well-known lacquer artist from Fujian Province. These works traveled across the Pacific Ocean and were exhibited in the Tenth International Chinese Galleon Festival (Acapulco, And last but not least, a sample of pre-Hispanic art and 2016), to later arrive at Tijuana with the purpose of contriarchaeological heritage was exhibited: Magia de la sonrisa buting to the Sino-Mexican cultural and artistic exchange. en el Golfo de México [The magic of the smile in the Gulf of Mexico] that brought to these latitudes the smiling figures The archaeological discovery of a lacquered wooden bowl of cultures of the Center of Veracruz under a curatorial belonging to the 7,000 year-old Hemedu culture, proved script that aimed to teach us the history and characteristics why China is considered in the world as the pioneer counof the Mesoamerican culture and, at the same time, to relate try on knowing and using natural lacquer. The art of Chineus to them by linking the emotions expressed behind each se lacquer that was often seen in the ancient Silk Road has smile that we produce. And this is the purpose of all these become clearer over almost seventy centuries of history and exhibitions, that the user relates to the work based on his constant technological progress. own experience and the empathy. Mrs. Wu Xiahong expresses –with her own musical language and different techniques– the particular characteristics Exhibitions Department of lacquer art: warmth, inclusive, and mysterious. Her works are a modest evidence of the rich and deep, in form and content, which is capable of representing such technique, whose beauty will be widely recognized as it goes deeper in this type of cultural and artistic exchanges at a bilateral level. We hope that this exhibition will help increase the bonds of friendship that unites both countries and as well as it ends up being a complete success. RELACIONES INESPERADAS. CONTEMPORARY ART PRODUCTION PROGRAM Javier Navarro, Valeria Ortega Osuna, Ana M. Pastrana, Gustavo Mayoral, Midori Zúñiga, Max Co-

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rona, Karina Muñoz, David Nava, Diana Haro, Jorge Francisco Sánchez «Jofras», Elizabeth Zamudio, Lorena Álvarez, Marco A. Rodas Nava, Leslie García Durán, Noé Sandoval Peralta, Tania Karemi, José Manuel Cruz Vázquez «_Chp+», Mariel Miranda, Ernesto Orozco, Camel Demilo, Manuel Ramos, Miguel Alejandro Paredes, and Miriam García Aguirre Curator: Irving Domínguez February 17 – May 21 Central Gallery In collaboration with Relaciones Inesperadas a. c

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this group for their long career in the art world and their disposition to share, as well as their distinguished involvement in art education. We would like to thank the director of the Tijuana Cultural Center (cecut), Pedro Ochoa, for for hosting this exhibition, as well as Armando García Orso, Deputy Director of Exhibitions, and Leobardo García Córdova, the Exhibitions manager. We would also like to thank the work of the Collections, Register, and Conservation manager, Carlos García Cortés, and the rest of the people involved in the investigation and graphic design of the exhibition.

Since the beginning of our non-profit group Relaciones Inesperadas, it has been our main goal to develop and su- As we mentioned the ppac was created because Baja Capport the production, training, and the meditation/appre- lifornia wants to create, understand, and investigate from ciation of contemporary art projects. the art. The participants want to think about art beyond the traditional ways that we know it. The results have led to The Contemporary Artwork Production Program (ppac) projects and pieces that talk about the context from when is an art training program based on the discussion of ideas they came from and that’s why they are relevant. and artwork production. In 2015 when we were designing the PPAC we visualized a project that would bring together Abrahám Ávila and Ingrid Hernández generations of artists and creators from different careers, Founders and co-directors of Relaciones Inesperadas specialties, and areas of knowledge that could share their different stances on art. We imaged a program where it wasn’t necessary to have an academic background or expe- ILLUMINATED PORTRAITS rience in the art world, but one that would gather a group of creative people who are constantly questioning their Alejandra Phelts reality. Because of this we can have professional artists, February 24 – May 7 visual arts students or from other degrees, or even people El Cubo, Gallery 3 that are having their first educational experience in this Cecut production field. For the first time in Baja California a program was designed with these features: an inclusive nature, where the If I were asked to describe the work of Alejandra Phelts with participants reflect, discuss, and make projects alongside a single word that word would be temporality. Those of us colleagues with a career in the arts. The ppac is an inclusive that without limits have followed her artwork have come program and at the same time a personal one, because it to the conclusion that both life and events do not escape can adjust to the needs and requirements of each partici- Alejandra’s aesthetics and embraces almost everything. pant, thus the importance of close work between the artists and tutors. In Costura [Sewing], by mainly focusing on stitching, folding and fabrics as her main themes, she amazingly displays A program like this is only possible thanks to mutual inte- her representation of a whole feminine environment per se, rest and the sum of energy of all of those who were involved, however there are other very accurately addressed subplots, that is why we want to thank the work of the facilitators such as: the factuality in clothing, the passing from geneand tutors from the program: Alejandro Espinoza, Aldo ration to generation or, on the other hand, the feminine Guerra, Francisco Emme, Daniel Alcalá Guzmán, Ingrid “conspiracy” taken from the gestural and confidentiality Hernández, Juan Villavicencio, and guest curator Irving which reveal a complete knowledge about today’s feminine Domínguez, who after nine months of intense work, shared philosophy and –¿why not?–from the past. their experience with humility and respect. We gathered

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Once again, Alejandra surprises us in her project Retratos Iluminados [Iluminate Portraits], by stretching out the use of technics such as: mixture, collage, the installations, the performance, and photography (which in many cases she mixes them) by assuming a thematic universe that is not just necessarily focused in the feminine, but amplified to recreate other points of view.

leads the visual attention to everything that needs to go on; I do not think the resemblance or parallel between mother and daughter dressed with the same colors, sitting in the same couches and have a favorite thread for the red weave is something you should take for granted. The location of these visual centers in this artwork is remarkable as it obligates the spectator will have to look from one side to the other and up and down trying to capture the details in Even so, the human figure, reinforced with other elements the piece and almost feel the tension of the thread, or the that perfect the concepts, such as the attire, is still the visual movement of the needles between the hands of the woman center that joins all the pieces together. It is important that and the girl. women–alone or accompanied– seem always aware or out of the mundane, thinking of what could or not interest or By retaking timely elements she creates «Hermana mahappen to them during that moment in a constant acting dre» [Mother Sister] were she accurately uses costumes as that shows more than meets the eye. «Esperando verte» the main focus point. By sharing a same ideal, these two [Looking Forward to meet you] and «En la distancia» [In women synthetize for a brief moment, a cultural instant the distance] point towards this direction: Obviously assu- inside everything that characterizes it and they know that ming that their protagonists belong to two different times they should wear proudly, not only because it gives them –by looking at their clothes–, yet both of them are familiar identity, but because it is what society accepts. This artwork with waiting or saying goodbye, and both facial expression is playful by excellence, it causes pleasure and at the same and body language in both cases are used demonstrate this. time it installations a whole creative style solely based on At the same time, and indorsing that they belong to com- the feminine. pletely different times and their behaviors are so distinct, it is interesting how she uses the clothing in each case to In a very peculiar presentation Alejandra goes beyond represent time and context. the setup, photography and performance. In this case she breaks with tradition by mixing genders by linking one In her other works Alejandra Phelts expresses a symbiosis of the first technics with action, thus creating a very rich between action, time, and space, in contrast to loneliness and attractive artwork such as «La mesa de los suspiros» and approaching an extremely dramatic discourse. In this [Table of Whispers] or «Durmiente i» [Sleeper 1] and sense, she retakes several behaviors from the female gender «Durmiente ii» [Sleeper 2], all in which the histrionics of in which the characters develop in a very natural way. Even the participants fuses correctly with the installation of the in «Las bordadoras» [Women’s embroidery], maybe becau- pieces placed in the table or in the taken photos. And we se she wanted to strongly focus on the tasks of gender, the return to the world of women in which the moment to sit organization greatly favors the visual direction towards the in a table is a delight and something to look forward to, center of the group since the most important aspects are because it is a time and space just for them, or the quiet the diverse colors that can be found in their clothes such and patient waiting that must be assumed when marriage as: the embroidery rings and all the symbolic elements that has arrived. the artist joins in her canvas. Alejandra Phelts grows as an artist alongside my amaze«Todo sobre mi madre» [All about my mother], where the ment with each artwork. I think that the technique she uses idea of traditions being passed down from generation to in her paintings is incredibly admirable, the way she adds generation is necessary, provokes something similar and the clothing in each character as if they were separate worstrongly echoes in the poetical sense. For families, even ks, but never less important, and that is precisely the reason, if social changes and their advances, bring new priorities because it adds something unique and authentic. Also, the to newer generations, it does not make it less valuable to dominance of the human figure and the tenacity of the exthem, the fact that costumes and/or pleasures have coexis- pressive lines, as well as the environmental constructions, ted through the passing years will not stop. The artist also reveal an exquisite invoice. That is the main reason why I

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continue to see these artworks again and again, and I feel It is more than a project for cultural management; it is an arthat I will find myself sitting in the table of whispers or, who ticulated initiative of different elements in a platform where knows maybe, telling all about my mother. there is a search for dynamic experiences between creators and audiences outside the walls of the workshop, concert Victoria James hall, or museum. On one side, there’s the moveable aspect of Curator and Art Critic the unit where the artists have gathered their graphic proposals in “real time” in front of the passers-by in the downtown area of this city. Trotamundo is more than a moving gallery GLOBETROTTER. PUBLIC ART of urban art, since it is the main focus of the proposal, which is to move the passes-by closer to the work experience done Cheram Morales, Bryan Ruelas, Daniel A. Lara with the screen printing method, offering anyone the oppor«Danee Green», Gabriel de la Mora, Héctor Luis tunity to reproduce the works of the mentioned artists. Santos «Santos», Los Reverdes del Son (Eder Martínez, Orlando Martínez, Antonio Reyes This element of the projects wants to break away with the «Tercero», Le Rodríguez (Fernando León Rodrí(sometimes overwhelming) everyday experience of urban guez «Rojo» y Miguel Rodríguez «Mike», Nasmar traffic, opening a space for surprises and spontaneous learGuzmán, Alonso Delgadillo «Norteño», Pedro ning, where the rules of the workshop are broken in order Camarena «Shemo», Carlos Roa, César Vázquez, to offer a direct approach with a noble discipline of graphics. David Peña, Néstor Mondragón «SPEL», and Sergio On the other hand, the moveable unit is also a platform Hurtado «Fide» for the dissemination of music, or more appropriately, the Coordination: Cheram Morales acoustical experiences in which young musicians use the March 10 – July 2 streets as a stage. First Floor Exhibition Gallery Cecut production The presentation of Trotamundo in the exhibition halls of the downtown area, is not to contradict the micro and inThe public art genre is a strong tradition in Mexico. We only formal principal of the project, it is a creative intervention need to remember the beginning of the modern cultural strategy to remind us that there is an exciting life out there, projects of Mexico where muralism enjoyed a creative force in our streets, and that there is a lot of potential in this space. which marked the first decades of the twentieth century and These displays provide us with the possibility to value and that in some way it extended and diversified many types of enjoy these visual and audible proposals under a new persexpressions of modern urban art in this country. The rela- pective, and surely will have an impact on many that will tionship between the city and art can be found in different recognize the sounds and settings, and the will be surprised moments in Mexico by mutual influence, like is the case with with the characters and visual compositions that we will the duo of urbanism and monumental sculptures that still have access to, and that, sometimes the stress and numbness have some prestige and vitality in different cities in Mexico. of urban life can take away. However, along with these two big routes of the Mexican public art, there are also a variety of parallel trajectories. We refer to the artistic practices on the micro scale, those which since the 1970s have greatly transformed the streets of many cities and have joined different paths such as photography, graphics, and writing with themes such as memory or politics. Many of these propositions have brought into play randomization and everyday life to change a fertile field for creation. This is the case of Trotamundo [Globetrotter] a project imbued with an urban aesthetic which joined the free and easy form of graphics in a wide sense and music.

Felipe Zúñiga U’CEET-OXKUTZCAB-U’KA’KUXTAL Ana Andrade March 17 – July 10 Vidal Pinto Photography Hallway Cecut production

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The universe consists of combinations of small indivisible and single particles, such as the symbology Ana Andrade uses to document the landscape of the “other peninsula”. Although in the colloquial language the notion of “particle” is associated to trash or sediment, a structural reference in its oeuvre. Her methodology is transdiscipline. She uses it as a prism to settle in areas marked by exclusion or separation; accidentally building new relationships that reveal a poignant intimacy. She gets involved, and lives in them during long periods. Her purpose is empathy over denounce or examinations. In the Mayan language, u’ceet means “particle” and ka’kuxtal means “revives”. In order to reborn, Ana traveled to the jungle, she heard the Mayan language and found in its phonetic the physical sounds of human speech and the similarity with Chinese writing, which was invented inspired by bird tracks. This metaphor connects in a fertile way because in the cyclical life of Mayans there is a cosmic space held by the branches, trunk, and roots of a monumental ceiba or sacred tree, considered by this culture as the axis of the world. The images as concepts are those that do not allow us to understand entirely: the jungle, the house, a crater, natural wells, edible innards that, as in the Popol Vuh –the Maya sacred book– describe the descent into the underworld as a road of obstacles to avoid. And in order to get there you need to go down some steep stairs, cross rapid blood and water rivers, and go through some thorny calabash trees. Angélica Escoto VAN GOGH Scenography: Vannia Cárdenas Guzmán March 22 – July 9 IMAX lobby cecut production In autumn of 1888, Vincent van Gogh drew a sketch of his room in one of the many letters he sent to his brother Theo. The small and bare room, which he had just rented in the spring, was located in a yellow house in the city of Arles of the south France

There in the port city, Vincent found an enormous source of inspiration for his paintings, this being one of his most fruitful periods of his life. Between the more than 200 paintings he did in that periods – marked by his time with Paul Gauguin and his sickness, due to alcoholism and smokingamong them was Bedroom in Arle. During this time Vincent got accustomed to and forced himself to work constantly, even sometimes by putting his health at risk. In his letters to Theo, Vincent often mentions that he had to eat better and rest, but it seem that it was impossible for him do so. Bedroom in Arles is the result of the struggle that Vincent had between resting and painting. Locking himself in his room to take care of his health, he decided to spend his time painting what was in front of him. Vincent said himself that he used that painting as way to “payback the forced rest time he had been obligated to do”. Vincent painted his room three times, maintaining the same perspective and furniture; he only changed the tonality of the colors and the paintings on the walls. The last version -which he painted by memory, when he was at the Saint-Paul asylum in Saint-Rémy-de-Provence, after Gauguin had left –it seemed to be, what Vincent deemed his personal style: “It seems to me that my technical ability is more simple and energetic. No more points, no more sketches: just uniform colors in harmony!”. VIACRUCIS. THE PASSION OF THE CHRIST Fernando Botero March 24 – June 11 El Cubo, Gallery 1 In collaboration with Museum of Antioquia, Colombian Ministery of Culture, and Colombian Embassy in Mexico Viacrucis. La pasión de Cristo [Viacrucis. The passion of the Christ] is the newest series, made in 2010-2011, by the great Fernando Botero. It consists in 27 oil paintings and 34 artworks on paper, and has been exhibited in: New York, Medellin, Cali, Pereira, Lisbon, Panama, Santiago de Chile, Palermo, and Rome, before its arrival to Tijuana Cultural Center.

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It is worth mentioning that the first visual education Botero ever had, was during his childhood and youth in Colombia, were religious imagery is omnipresent in both: public and private environments. A crossroad where the memories of his city and region are strongly crossed by (among other things), their religious traditions. deeply rooted in the culture and its iconography. This is important in his artwork.

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from any interest with the tourist trade; his introspective look is mature and sensitive; he examines his past and understands the value of a past memory, by redefining the myths of his youth, folklore legends, and popular stories, so that they have relevance for a public of the late twentieth century.

One of the most recurring symbols in his collages (and in his work in general) is the human hand. In every one of his Fernando’s work generates multiple levels of reading: by ex- creations, hands are disproportionately big. In his oeuvre plaining what is being presented, the theme in his artwork Morales uses the gesture as a code that communicates with and its constant reference to art’s history, among the most the spectator more directly than the word itself. visible ones. It is a constant amplifying, yet never imitative, interpretation of some of occidental art’s protagonists Edward J. Sullivan like: Paolo Uccello, Peter Paul Rubens, Diego Velázquez, Paul Cézanne, and Pablo Picasso, among many others. However, Botero goes beyond that by constructing some TIJUANA STREET PHOTOGRAPHERS sensual environments, inhabited by these beings swollen with nothing but a happy and bulky pleasure; with calm Mariel Miranda and sumptuous shapes that matured in the 1970’s. April 4 – August 6 Museo de las Californias Temporary Exhibitions Previous artworks reflect that religious tradition but the Gallery peaceful side, the shapes and ideas that seemed stable, are Cecut production now enriched by that twist that represents how pain and tragedy are embodied in the figurative speech that cha- «The history of the images, where they came from, how racterizes them, without abandoning his deformed vision. they fit into the norm, is one of the keys of our time. It is also the medium by which we judge the past with new eyes Botero’s place in history is due to the making of one of the and ask for explanations according to our current concerns, bluntest visualizations in modern art’s history. It would redoing history on our way, as it the right and duty of every be worth considering this turn in which dramatic does its generation» incursion, as a new unfolding, one in which persistence Pierre Francastel, French historian and art critic, in La is identified, but also internal transformations that enrich réalité figurative, 1988 and expand his work. The ironic tone is replaced with the compassionate to think around poetry and drama, the in- This exhibition addresses the visual production of the street tensity, and the cruelty in the passion of Christ. photographer and his place in Tijuana’s public space of the last seventy years. By showing all of the images together, it allows to see intimate and emotional aspects that are related THE LORD OF THE DREAMS with themes of family history and passer-bys of Tijuana, the transformation of public spaces, and of religious practices, Rodolfo Morales as well as an imaginary social construction of modernity March 31 – June 18 and it symbolisms, youth, gender roles, the body, and its Central Gallery differences meanings in the public space. Cecut production Photography, understood as a device and instrument to A deep nostalgia comes from the artworks of Rodolfo Mo- view space and time, has been referred to as the most imrales. In pointing this quality, I do not talk about the cloying portant cultural practice of the last decade. The incorponostalgia, sweetened, which is frequent in the artworks ba- ration of photography apps to cell phones has opened the sed on the common life. The artistic vision of Morales is far possibilities to hipervisualize physical and virtual spaces

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that we experience every day. Through this exhibition we are interests to reflect on capital questions like the transformations of our relationship with image, the processes of representation and construction of memory, as well as the technological impact that has transformed contemporary work spaces and their protagonists. Mariel Miranda IN EVERY HEART DWELLS A FOREST. ARBORS OF “LOVE IS HUNGER” Ana Clavel May 25 – October 1 El Cubo lobby Cecut production for the 25th Tijuana Book Fair The project In Every Heart Dwells a Forest / Arbors of “Love is hunger” arises around the Ana Clavel’s novel, Love Is Hunger, published by Alfaguara Mexico. Without pretending to give a totalizing view of the novel – since that is the purpose of the literary work itself –, the multimedia proposal extends, as arbors, some of the transmedia possibilities of the book which, precisely, is about a contemporary Little Riding Hood that goes through the concrete woods laden with her basket of desires and appetites.

aimed to new audiences that can make their way back to the book and the reading experience from different audiovisual, plastic, “performative” and/or digital platforms and mediums. Thus, the multimedia project In Every Heart Dwells a Forest/ Arbors of “Love is Hunger”, which seeks to extend other forms of writing, arbored or wooded areas, of an author to whom the researcher Jane E. Lavery has defined as a “multimedia writer” in her recent volume The Art of Ana Clavel. Ghosts, Urinals, Dolls, Shadows and Outlaw Desires, published by the prestigious English publisher Legend Books (UK, 2015). The Tijuana Book Fair, which is interested in extending the limits of the book’s experience, houses this “transliterary” proposal in the framework of its 35th broadcast at the Tijuana Cultural Center’s facilities from May 20 to August 20, 2017. THE COLORS OF THE SHAPES Margarita Morales June 2 – September 3 Central Gallery Cecut production

The colors reveal part of the framework of human existence and their different shades show the diversity and the characteristics of things. Margarita Morales’ abstract painting addresses this fundamental condition, showing the joy of In the development of the story, Artemisa, the protagonist, being alive, despite the many contradictions that exist in it. discovers that more than helpless little reds or fierce wolves, Her color palette is full of chromatism that allows her build in reality, “In every heart dwells a forest”. This phrase is the everything with her pencils. starting point of the multimedia installation, where in a dark space arbors are projected over the spectators through From Berlin –where she lives– Margarita invites us to obshadows that allow them to discover the forest as an expe- serve life from another perspective, opening our eyes to a rience of their own. In the background wall, the video Love more joyful planet but remembering the everyday chaos. is hunger / Heart of Wolf, is exhibited, and created by the Her paintings are kind of a transition; they are a unique author with texts from the novel and images allusive to a moment that it must be treasured because art allows us to Little Riding Hood, with music from the symphonic poem mix sadness with pleasure, which is a complementary way The Vltava, river of wild waters that born in a forest of Eas- to find ourselves. Margarita’s aesthetic work is a wake up tern Europe, also referred in the book. The projection of the call that we must keep in our memory. video contributes to set and give context to the instalation of arbors and shadows, thus becoming into what Ana Clavel Dr. Andrés Luna has called “transliteraries” proposals. Art critic “Transliterature”: a proposal that arises from the book and which, when extended to other medias, continues propo- JOSÉ LUIS CUEVAS. sing other forms of “writing” or “transmutated” literature, RECENT WORK

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José Luis Cuevas June 23 – August 30 El Cubo, Gallery 2 In collaboration with José Luis Cuevas Museum The extensive and brilliant artistic production of José Luis Cuevas –painter, drawer, engraver, sculptor, illustrator, teacher, writer, and art critic– makes him one of the most important and influential Mexican artist of the 20th century. He was born on February 26, 1931 in Mexico City and since an early age he became interested in arts by gazing and living surrounded by Diego Rivera and Rafael Montenegro’s murals. Curiously, one of his most important contributions to art in Mexico was his rejection of the canons and limits imposed by the Mexican School of Painting, and his support to the so-called “Breakaway Generation”, which stood for a free art where every style and theme fit together. In his more than six decades of trajectory, his style has gone by several stages as a result of different influences: from expressionism, tenebrism, and cubism, to the Spanish esperpentico, Islamic geometrism, and the figurative movement of Francis Bacon; culminating in a neo-figurative art “more inclined towards the existential problematic, with a humanistic vision”, in the words of the researcher Eduardo Cabrera Nuñez.

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widely recognized and awarded by museums, galleries, art fairs, and governments of several countries, with hundreds of exhibitions on three continents. Among his many recognitions are the First International Drawing Prize at the 5th Biennial of Sao Paulo (1959), the First International Prize for Engraving at the First Triennial of New Delhi (1968), the National Prize of Sciences and Arts of Mexico (1981), the International Prize of the World Council of Engraving (1984), and the Tomas Francisco Prieto Prize (1997) given by the Queen of Spain on the occasion of his exhibition at La Casa de la Moneda in Madrid. It has also been invested with many honors by the government of Mexico, El Salvador, Spain, France, Nicaragua, Peru, and Venezuela. Tijuana itself recognized him as a distinguished guest (1989), and gave him the key to the city (2008). ESCARABAJOS OBREROS Claudia Ramírez and César Vázquez July 6 – August 27 El Cubo lobby Cecut production

What good is the garbage we accumulate day by day? How can we make use of the plastics, cardboards, cables, keyboards, newspapers and bottles that we indifferently throw This exhibition represents dozens of the most recent pain- away in frightening quantities? How can we prevent our tings, sculptures, and drawings of the great Mexican master. waste from damaging and killing others? In them we see his exercises by defragmenting the individual, seeking to understand the parts that compose it. In the Claudia Ramírez and César Vázquez pose these questions series “Caricaturas” [Cartoons] we can see how each part of in their current installment, inspired by dung beetles. Cothe body-object of the characters is analyzed and visualized llecting organic waste and transforming it into spherical from different angles, which merge and complement to give homes for their eggs, these insects ensure the nourishment cause to the rest of the paintings and drawings. This process and survival of their future generations. In what way can we is evident in his self-portraits, which represent the sum of use our garbage to contribute to a future worthy of our city, the artistic and philosophical concerns of Cuevas. our country, and our planet? What are we leaving behind to those that precede us? The characters in the universe of Jose Luis Cuevas reveal a constant theme: the anguish of being, through the im- During a process of more than two years, César and Claupudent look and uncomfortable contortions to which the dia debated these questions among themselves and with author subjects his figures. This rumination on one of the the Tijuana’s youth that participated in their recycled art universal concerns of the human being, combined with workshops. Therefore, this piece constitutes a collaboration his extensive artistic production, is the legacy of Jose Luis not only between these two plastic artists, but also a direct Cuevas to the Mexican culture. For this reason, it has been exchange with the Tijuana community, which contributed

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to the collection and categorization of garbage. Likewise, the small crowd who had heard him. There was barely a garbage represents a significant part of Tijuana’s daily life part of the glove. We have always admired with energy and and the city’s daily consumption. What are we leaving to enthusiasm. those that precede us? The future begins today. In order to participate in the promethean act we pay or do Tabea Huth what is necessary. Occasionally we cling to someone else’s success in order to feel that their fame fixes our life. There are those who have placed admiration, which implies that EXITOCIN it can transform the person’s existence into the worship of others, even to the point of imitate their fascinating details. Ernesto Ramírez We like the actor Tin Tan so much that the idea of “being” July 14 – October 19 –truly be like him, even if just for a little while– it captivaVidal Pinto Photography Hallway tes us. The members of the band kiss look so well in their Cecut production makeup, why would we put that makeup on? Admiring can make us stand out, but it can also absorb us. Fire over fame To Ernesto Ramirez a photographer with a unique view, The queue slowly moves. The expectant crowd awaits the there is a lot of passion regarding to the enthusiasm associaopening of the ticket booth. At the same time in other place, ted with admiration. In the Ernesto’s work, images capture an exhausted couple is resting at a motel; they are following personal, overflowing, out of control joy. And again, why do their favorite band in their frenetic tour. In another place, we admire others so much? Maybe it’s because they expel a young man with no arms moves forward through the the smell of glory. Because only they can produce “exitocin”, crowd; at the end of the show he and his brother will meet the mix between powerful oxytocin and seductive compoin an unlikely hug, a mix of fan excitement and brotherly site of success, a brilliant and new pheromone. love. The excitement made them climb three giant floors, made others travel to nine countries, to walk miles in the Exitocina is a paradise in which there are no halftones: rain, and made millions to sing and live to the fullest. They either it is or it isn’t a badass. However, we also know about are fans and they follow the band, you know? “Their” band. the exitocina. We all admire, we have times where we wish The favorite artist, the brightest, “ours”. to be someone else, someone special who deserves the admiration of others. We all have wanted to produce our Why did we admire others that much? To Lourdes Meraz own Exitocina. the answer is simple: We admire those who can do very well something that we cannot. We applaud or howl with joy Eduardo Limón to appreciate the work of those who seem to be like us but aren’t. Lourdes calls them “promethean characters”, who show us the fire. And as we all know, all the tribes love fire. SUNRISE CORPORATION When the great singer steps on stage, with his deep and powerful voice, sings the first words of a song; when this same hero takes a guitar and with every pick of the string he transmits his intensity, those who find themselves applauding below, whistling, yelling how much we like the artist and how much we love that music. Sometimes we even cry. In front of the success, in front of the fire, we behave in the same way as those who admired Franz Liszt, the virtuous Hungarian pianist whom at the end of his recitals and during his promethean turn would throw his glow to

Andrew Roberts July 21 – October 15 First Floor Temporary Exhibitions Gallery Cecut production It is no longer production that appears in light, but refuse or combustion, adequately expressed by the horror emanating from a brilliant arc lamp. Georges Bataille (1897-1962), “Rotten Sun”.

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From the sensibility of the contemporary artist, any human experience is susceptible to be transformed into a work of art. Therefore, an experience as vulgar as the exchange of goods is not exempt from being the material of work for an image producer. The work of Andrew Roberts (Tijuana, 1995) has been articulated from a delicate field of action that makes it possible to distinguish the implicit exploitation in the relations of production of a society founded on the free merchandising of all the aspects of human life. This aesthetic method could be called “a critique of the political economy of the senses”, and it is a critical look on the capitalist system behavior.

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EXTREME WEATHER July 25 – February 25, 2018 imax lobby cecut production Our planet Earth has suffered several climate changes through its existence, however, the industrialization process of this global economy has rush this current variation, accelerating the global warming. The present installation is exhibited with the porpoise of complete its namesake movie. Through six bullet points, and collecting data from National Geographic, the movie producer, we try to understand the drastic change our environment is suffering, and also, to expand the knowledge about his transcendent, important, and urgent issue.

For his exhibition at the Tijuana’s Cultural Center, the artist, Andrew Roberts, presents a dystopian science fiction story that is part of a post-apocalyptic assumption. Sunrise Corporation is a company that sells sunrises; because, in the not too distant future – mediated by screens, algorithms and superstars – the sunrises will be privatized and the only way to see how the day will end is through this company. THE LANGUAGE OF THINGS The most basic and elementary visual regale of humanity will no longer be possible, unless you pay for it. Roberto Romero-Molina July 28 – October 15 Art has been selling sunrises for years. It is important to El Cubo, Gallery 3 remember that what we know as modern art began sym- Cecut production bolically with a sunrise: “Impression, Sunrise” (1872) from the impressionist painter Claude Monet. If we see it with Art, language and comunion in Roberto Romero-Molina’s a capitalist lens, Monet’s painting is a successful attempt work to privatize a sunrise. One of the questions that Sunrise Corporation asks us is: What is our relationship with the One of the many ways we can test the language (and I’m tallandscape – understood as an expression of the common – king specifically about words) is to produce anagrams with in a society historically grounded in private property? non-existent words. This exercise test language’s capacity to exist, not only as a way of give meaning, the moment is In Sunrise Corporation, Andrew Roberts parodies contem- pronounce or propose as a word. In this sense, non-existent porary capitalism’s friendly branding – specifically that of words do not exist. Once is said, written and/or pronounce, socially responsible companies – in a stimulating facility the word is an inescapable presence, it doesn’t matter if we that mimics the design of a corporate lobby. The perversity know its meaning or not. Tronsgonstrain. of the company is presented in the banners, furniture and propaganda videos, as Sunrise Corporation promotes an With this logic, a little fuzzy –at first– Roberto Romeexorbitant obscenity: the intellectual appropriation and pri- ro-Molina’s work operates: is the logic born from the creavatization of the largest galactic waste – and which has been tion of “anagrams” of art tools, materials, and imaginary. characterized for being the reason of the most celebrated It’s born from an experimentation process, not necessarily moments of human unproductivity – sunlight. a breakaway from representation, but focused on how we explore the possibilities of language and our perception Daniel Aguilar Ruvalcaba ways. Beyond an ars mimetica, an ars combinatoria. Art as a possibility of discovering, beyond the revelation of reality possibility condition, an compose and dispose art, as a

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communion act according to the sensing of thing and the Finally, on body and space communion. A multiplicity sense we use to perceive them. of meaning came from the body in Art. From its original expression in paingint, through its theatrical or dancing Comunion with the word, text and the way its meaning glib, all the way to its division on a “transbody”, which is changes, for a start. Using text based art, Romero-Molina the body as a sign, figure, number, the way Romero-Moliapproaches the spectator, thinking of him as an interlocu- na assumes the body is from a plastic figure point-of view; tor and not just a mere passive figure in front of a mirror. and second, as participant, as an identity and substitution He approaches and confronts him with the need to ask producer. On one hand, we have the audiovisual work that questions, to decode messages, to transform reading as a establish the body as a transit figure, whose movements necessary individual exercise to give meaning. Assuming came from a composition regulated by a physical steady the multiplicity of shapes –signs, graphic work, text-vision, environment, and unmovable; possibly, under the umbrephotographic intervention, or coming from neon lightning lla of a contemporary body representation, signed, coded, plasticity– this kind of work has an interesting genealogy and algorithmically quantify as data. However, other type in Northern Mexico. Without being strictly bilingual, he of dynamic and interests are found in Romero-Molina’s takes the duality of senses that people in the border are work: the body and its relation with spaces and exchanges. accustomed in their relationship with language as ground If audiovisual experimentation leads you to the coded body zero. That’s the reason Romero-Molina presents this parti- itself, his space intervention oeuvre always addresses the cular kind of work with the same pun and ontological affir- social body, of open space, in dialogue with us when we are mation/questioning about the nature of what we “feel” or in communion with our environment. Living spaces, spaces “think” when (we) decided to understand something. That to exchange objects, in this type of work, Romero-Molina something, that phenomenon, only exist in this formless, finds a sentient line that helps us understand the warm in mercurial space that we called thought. which his more experimental art is born. Sound communion. Sound landscapes, sound-source rescue, sound experience moving from enclosures or spaces that allow better reception of its contents, that’s another way Romero-Molina’s work shapes its sound communion. But is not only about represent that, taken from a different space and moves to another. It’s also about the reinvention process, which happens when the spectator delves into the experience. There’s a link between the painting beginnings of the artist and its expansion to sound experimentation. We can identify its composing need. It’s not just a structure in space, but a pictorial composition made in space with sounds as colors. In this kind of oeuvre, it’s important to identify, not only listen, the sound display, where it comes from, where are we physically hearing it, where the vanishing point is originated, to where and how the tones are displaced and the chiaroscuros emerged, not only gaze information but as a flutter for the hearing. Either through headphones or through the synesthetic transfer between sound, shape, and color video projected, or, finally, with the use of physical space; this transfers require attention to detail but, above all, the user’s trust towards its own hearing and sound appreciation, breaking with Western harmony, melody, and rhythm tradition in order to become a more life and nature friendly representation.

All this “acts of communion” with Romero-Molina’s work helps us identify him as one of the most original and risktaker experimentalist. Born in the plastic tradition that lies over Baja California artistic production, his multidisciplinary work invites us to assume the same risks he has taken, made them our own: the risk of experiment with shapes and media that allow him to expand its oeuvre possibilities, understood as a way of find possibilities; second, the risk of acknowledge that reality, the world and things, all change, that all can be understood from multiple senses; in this process, our appreciation to his oeuvre exhorts us to become active being on our environment, helps us to question the nature of what we are trying to understand. Alejandro Espinoza Galindo THE SECRET VATICAN Massimo Listri Curator: Giorgio Antei August 11 – October 22 El Cubo, Gallery 1 In collaboration with the National Institute of Fine Arts and the San Carlos National Museum

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The Secret Vatican of Massimo Listri offers us an undisputed proof of his artistic maturity. It says a lot that this set of photos have been exhibited – on an exceptionally fashion – in the Vatican Museums themselves. The featured works represents, in their totality, the interior design of the Apostolic Library and the Pio Clementino and Gregorian Profane Museums, all of them part of the Vatican Museums. Galleries, courtyards, and rooms of unbeatable architectonic beauty, full of artistic treasures among the most prized in the world, a parade under the lens of Listri. The photographer’s look expresses an extraordinary spectacle of thousands of photographs ad majorem Dei gloriam. As a matter of fact, between the 16th and 17th century, Rome became the art capital of Europe because of the Pope’s and Cardinals collections. The fact that today we can admire the “Lacoönˮ is due to the Pope Julius II appreciation for ancient statues. The survival of “The Belvedere Torso’’ and the famous “Belvedere Apollo” is due to other popes and prelates.

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it was measured in this way, it would be fully understood why Sergio Hernández is so important in the arts’ overview. As many international exhibitions shown, the interest to his work has long ago cross beyond Mexico’s borders. His most recent work –which includes an original incursion into the alchemy field – it has awakened, more than ever, the attention of collectors and critics. This is demonstrated by the success of three important exhibitions performed in Italy in 2016 (at the Palazzo delle Esposizioni in Rome and the Labyrinth of Franco Maria Ricci in Parma) and in Colombia (at the Museum of Modern Art in Bogota).

In Tijuana, Sergio Hernández presents an exhibition of great importance and contemporaneity, mostly unpublished, constituted by pieces representative of his different artistic interests. Some of them have been created for the cecut, in particular the canvas that gives the exhibition its title. The sculptures that rise in the lobby and outside of Listri reveals a “secretˮ facet of the Vatican collections. El Cubo are new too: Seven huge Ahuehuete trees victims Thanks to a special “apostolic pass” he could access to the of a hurricane, symbols of the fury of a threatened planet. Museums ad libitum, alone, day and night. Because this privilege, his photos are more than true: they are revealing. For Risk is a determinant factor of all creation. Sergio Hernánthis reason, the visitors from exhibition will see things that dez has taken it without hesitation, indifferent to fashions are invisible from the public’s eyes of the Vatican museums. and fame. The art for him is curiosity, courage, and fun. He Mexico is the first country that welcomes a complete exhi- has always been striking a path in suspense between past bition, including the impressive marmoreal heads of Gre- and present, rationality and instinct, aesthetics and ethics, goriano Profano Museum (a serie that illustrates Listri’s without ever giving up his identity and his personal style. talent as a portraitist). All this is possible, thanks to the The exhibited works mark the route of this tour, showing collective effort of the National Institute of Fine Arts and the achievements and contradictions of one of the greatest the National Museum of San Carlos, along with Tijuana Mexican artists. Cultural Center with this art exhibition. LAST TULE Sergio Hernández Curator: Giorgio Antei September 1 – February 18, 2018 El Cubo, Gallery 2 Cecut produciton If artists value were measured with their ability to renew themselves, that is, to bury their findings and to keep searching; if it were calculated according to creativity and technical mastery; if it were based on freedom; if it turns out of respect for its own identity; if it express true love to art; if

CHAIRS. XVIII-XXI September 14 – April 15, 2018 Museo de las Californias Temporary Exhibitions Gallery In collaboration with the Ted Wells Trust and the Steven & Kelly McLeod Family Foundation How do we approach an every-day object? Through personal experience or by analyzing its origin? What do we think about chairs? What was the first image in your head when you read the title of the exhibition? Did you think about the structure of a chair, some color, some material, some element? Did you remember a chair that is homely to you?

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Chairs are so linked to our daily environment and to our daily activities that we stop thinking about them as total objects and with a history. We spend most of the day seated: at the table, at commute, at school, at work, at waiting rooms, at leisure places, at home. However, are we satisfied with the chairs we use? Have you ever thought of what would be the ideal chair for an opportune time? Do you think that different chairs can make you feel distinct emotions?

2017 NUEVO LEON PHOTOGRAPHERS REVIEW. Ana Sofía Ayarzagoitia Cantú, Andrea Saucedo González, Brenda Elisha Cordero Castillo, Eduardo Jiménez Román, Elizabeth Trejo García, Erick Garza Morales, Estrella Esquivel Dávila, Fernando Luis Gallegos Morales, Héctor Alejandro Cartagena González, Isaac Rincón Aiza, Iván Raymundo Manríquez López, Jesús Mario Alberto García Fraire, José Ibarra Hernández, Mariana Hernández Otero, Mauricio González Ortiz, Minerva Hortencia Hernández Olvera, Myriam Salinas García, Natalia Rodriguez Caballero, Nydia Lilian Cavazos Sáenz, Veronique Chapuy Palacios, Victoria Fava, Yasodari Sánchez Zavala, and Yolanda Leal Cavazos October 6 – November 3 Museo de las Californias lobby In collaboration with Entijuanarte Foundation

Chairs exhibition makes an analysis of the design of this familiar object with the purpose of understanding the motives and reasons behind the conception of each one of them, which, therefore, allows us to have an idea of new design possibilities that still need to be uncovered. From 100 chairs of American, European, and Japanese designers we will see the evolution of the design through four centuries, the norms of the different times in which they were constructed, the different materials used, the events that influenced their conception, and the ideological and aesthetic concerns that inspired them. Review 2017: The hallucinating world

All the chairs that are presented here belong to two collec“Here everything is stones and sand, which in a tions: the Steven and Kelly McLeod Family Foundation, moment was stone. Monterrey is living the age of and the Ted Wells Trust; the latter has collected these obstone. But we are headed to the sand age. Then we jects because of his personal preference for design, as well will enter the time of dust. as his ties of friendship, since many of his chairs have been Red everywhere. And the sand twinkling between gifts from friends and family who know about Ted’s hobby. the stones. Ted’s complete collection has almost 200 chairs, from which Reinaldo Arenas, The hallucinating world the ones at display were selected being the most representative of their time and design style. In 1966, without taking a step out of Cuba, the writer Reinaldo Arenas imagined the infancy of fray Servando Teresa In Ted’s words, the importance of his collection lies not only de Mier in 17th century Monterrey. in his aesthetic value, but in the possibility to be able to sit on the chairs, test them, and use them to talk to his friends. Arenas imagined a Sultana del Norte full of corojos –Cuban Sitting is an action that allows us to dialogue among oursel- palms– and niguas –tick looking tropical insects– where ves, not in vain, we say “to sit down and talk” or we offer a time would run slowly and where the priest’s rebel spirit chair when we need to say something important. Therefore, forged, among strange and hallucinating images of sinthe exhibition invites us to take a pause and think about our ging scorpions. Fray Servando travels to Mexico City in a surroundings. In the current context it is important to learn donkey, among the walking travelers fascinating stories, to listen and open ourselves to empathy. The problems we to later pronounce his famous, and truthful, Guadalupe are facing, as a society, can only be solved based on dia- speech in the Tepeyac sanctuary, where he would defend logue, and the chairs play a vital role. Seen from a certain the Tonantzin rite’s antiquity, previous to the Spaniards point of view, more than an exhibition, Chairs is a piece arrival. Because of said speech he would spend almost all of art-installation that addresses the need of beginning a his life in exile. dialogue, to listen, to get closer. We hope that, both inside and outside this exhibition space, we sit down to listen to This true story, narrated in an imaginative and surreal way by a Cuban writer who never visited Monterrrey, shows the power what the others have to say.

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of imagination and the effect of migration and mobility, rare a the eternally persecuted and dissident, as someone who in the times of fray Servando and so common in our days. must migrate due to his different vision of reality. This exposition is a version of 12 of the 28 selected projects for the exhibition, a result of the 2017 Nuevo Leon Photographers Review. One participation, that poses a condition of the quality photographic work of the state, gives account to the photography programs implemented in the last years, and to the new educational spaces that use this tool as a base for their teaching.

The human mobility has transformed the world since the start of history but its pronounced accentuation in the last years has radicalized our understanding of the subjectivities and characteristics that rule a territory, as well as the identities of its inhabitants. The photographers here gathered show their vision on this subjectivity in relation to territory and movement: so much that who come for other countries and realities, as those who were born on this land and seek other spectacular and strange confines, even inside the core of the familiar. What does it mean to be a photographer in the middle of this image flood, being regiomontano (form Monterrey) or simply human? What does it mean to be alive in this time and to use a tool that even being a recent invention seems to be suppressed by new technological discoveries, to give vision to the world? What image can we have of ourselves when our identity is fragmented, cloned and standardised?

My roll here has been one of a spectator, more as a photographer than a curator, a colleague of the people exhibiting. And its interesting to participate in this project of a conjectural age, not just for the subjection of citizens in this country but for the state of photography as a tool and as art. For, as we have been able to see in last years national photography contest, the state of photography finds itself in an important inflexion point. Its production is so numerous and extensive that it has become in the true democratic tool it promised to become since its origins. But, like we have witnessed in the current political processes, democracy does not necessarily mean the capability of letting yourself In the projects of Sofía Ayarzagoitia, Nydia Lilian Cavazos, be driven by reason. Fernando Luis Gallegos and Erick Garza Morales we can find some o the answered concerning the use of imaginaThe current dimension of photography is the ubiquity. And tion when imagination itself overflows and pits us against even though the camera is a technological gadget of extre- new universes, being intimate of foreign. mely diverse and extended use, the face of its production has been standardized at alarming levels: we see millions In the pictures Jesús Mario Alberto García Fraire, Mauriof similar pictures, made with similar ideas, made by the cio González, José Ibarra Hernández and Myriam Salinas same gadgets, with scarce participation of the human eye, a world in constant confrontation with expectatives and that only aims to being present in a physical and temporal learnings is documented. position. In the work of Veronique Chapuy, Victoria Fava, Eduardo It’s necessary to review the instrumentalization that is be- Jiménez Román and Yolanda Leal we can observe a world ing done with photography and defend its place as art, concept that, as it takes visual form, poses another vision as a document or as an idea. But this review can only be of what is narrated. done through photography itself and in the subtleties that photographers present, through their appropriation of the The hallucinating world that this photographers present to medium and the particularities of their work. Each pho- us doesn’t lie in their spectacular vision, but in the amazetographer offers up, in their vision, a semblance of what ment they get form what they are photographing and in the photography should and should not be. way this stimulates our imagination. Their images are visual explorations that go into social networks and work spaces, It’s here were Reinaldo Arenas’s The hallucinating world from the migrants of the city to the migrants of the psyche. calls for attention. The author chose the story of this friar, This photographs show an invaluable and unrepeatable born in the once called Nuevo Reino de León, drawn apart here and now where we can find ourselves identified or esfrom the viceroyalty and the world, to identify with him as tranged at a degree where our own image and environment

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revitalices us. Let’s review this hallucinating world with MEMORY LABYRINTHS openness to changes that will make possible new way to think of ourselves, of others, and of the world. Esaú Andrade October 19 – February 4, 2018 Oswaldo Ruiz Cecut production LOVE & WAR Mark Bryce October 12 – January 28, 2018 Theater lobby Cecut production Art history reflects so much about the history of mankind. The emotions, concerns, and contradictions of its time, as well as the moral values that triggered historical processes; are all expressed in art. That’s why Mark Bryce appropriates Art history to tell us a universal, and at the same time, extremely personal story. Through 23 oil paintings, Mark Bryce tells us what excites him and what worries him, as an individual as well as part of a collective. He uses the characters that inhabit the works of masters such as Raphael, Caravaggio, Rodin, Wood, Munch, and others; to tell us the history of his country and the concerns of its people, which –small wonder– are the same as ours.

In the best tradition of Latin American surrealists, Esau Andrade works with a variety of symbols and adeptly twists their meanings. Pop culture and potent Latin images are all merrily compressed into candy-colored canvases that are a vibrant reflection of the artist’s mood. Born in Tepic Nayarit, Mexico, Andrade comes from a folk art background, and both his mother Guadalupe Valencia and brother Raymundo Andrade are also artists. He is mainly a self-taught painter; despite he attended the Plastic Arts School of the University of Guadalajara. Although strongly influenced by two of the giants of Mexican art, Diego Rivera and Rufino Tamayo, Andrade manages to inject his own childlike exuberance into these stylized, quirky paintings. ¿Where is it? is one of the strongest paintings on view. Against a glowing gold background, a skull and an eye are separated by a keyhole and a rope barrier, and float in an eerie limbo. The theme is mysterious, yet the lush color and schematic composition act to reinforce his connections to folk art. Some of his paintings are versions of the Mexican card game, Loteria, where many different whimsical objects are contained in squares arranged around a focal point. Bursting with primary colors and astrological signs, The Signs revolves around a central rectangle that contains a young girl in peasant costume standing on the world. A scorpion, a crab, a bull exist in this compressed and layered grid of brilliant colors and ancient symbols.

Despite the differences that exist between peoples, to say nothing of the differences between each one of us as individuals, we all face the same issues. Love, empathy, fear, solidarity, and hate are universal emotions that rule everyone’s life. Carl Jung called these congenital ideas that have a symbolic value and reside in the collective unconsciousness as archetypes. Even when our cultural background is different on both sides of the border, we all share the same In the delightful The Ship all the quintessential playful elearchetypes. ments of Andrade’s work--the doll like figures, the toy ship, the mermaid swimming alongside, and the tiny trumpeter In Love & War, Mark Bryce performs an empathy exercise announcing the ship’s arrival--merge to create a charming to build communication channels between the Mexican and colorful tableau. His effortless skill at color and comand the American society, with the purpose of start a dia- position make this a quirky folk art entrée. logue and solve the issues that afflict us. What separate us is minimal compared to what unite us as members of Kathy Zimmerer, 2004 the same species cohabiting the same space. The universal issues expressed through the Art history, help us see ourselves in the other.

EXPOSICIONES 2017

CECUT. 35 ANIVERSARY October 25 – February 25, 2018 First Floor Temporary Exhibitions Gallery Cecut production Within the framework of its 35th anniversary, a selection of images will be presented aiming to celebrate the architectural history of the Tijuana’s Cultural Center (Cecut) through images, plans and models of its buildings, as well as archived photographs of its construction process. Towards the end of the of 1970’s decade, Ms. Carmen Romano de López Portillo – First Lady and creator of the National Fund for Social Activities (FONAPAS) – began to devise a cultural center on the northern border of Mexico, created to reinforce the national identity in these latitudes and to serve as a presentation card of Mexican culture for its tourists. The project was entrusted to the architects Pedro Ramírez Vázquez and Manuel Rosen Morrison, who began the construction of the then called Tijuana’s FONAPAS Cultural Center in 1980 in the vicinity of the Tijuana River and very close to the international crossing border of San Ysidro.

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Some of his paintings are versions of the Mexican card game, Loteria, where many different whimsical objects are contained in squares arranged around a focal point. Bursting with primary colors and astrological signs, The Signs revolves around a central rectangle that contains a young On October 20, 1982, President José López Portillo inau- girl in peasant costume standing on the world. A scorpion, gurated the center, which was composed at the time by the a crab, a bull exist in this compressed and layered grid of Omnimax Cinema (now imax Domo), the Theatre, the brilliant colors and ancient symbols. Government Building, the Stores (now offices), and the Exhibition Ramps (now Museum of the Californias). In the delightful The Ship all the quintessential playful elements of Andrade’s work--the doll like figures, the toy ship, In its 35 years of existence, Cecut has grown according to the mermaid swimming alongside, and the tiny trumpeter the needs demanded by the local artists and the population. announcing the ship’s arrival--merge to create a charming Spaces such The Cube Gallery, Carlos Monsivais Hall and and colorful tableau. His effortless skill at color and compothe Aquarium have been added, others have been improved sition make this a quirky folk art entrée. to offer more activities. Kathy Zimmerer, 2004 GUARDIANES Xavier Mascaró October 20 – May 15, 2018 El Cubo lobby, Rubén Vizcaíno Station, and Front Square In collaboration with the Spaniard Embassy in Mexico

AN ABSENT MEMORY Leticia Herrera November 8 – March 25, 2018 Vidal Pinto Photography Hallway Cecut production

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What was photography before the invention of the camera? The answer one expects is: engravings, drawings or paintings. But the most revealing answer would be: memory. What the photographs do out there in outer space to us, was done previously in the interior of thought. John Berger Can time be transformed? Photography has been accompanied since its origin by the curse of what is real. What is in front of our eyes is what it is or was, as it is. Photography is, for many, the petrification of the moment that has already happened and the window to a memory. Photography is not absolute nor immovable, it represents our own questions and desires. While domestic photography has lost its corporeal dimension to digital files stored in a computer folder or published on social networks; it is still possible to find in many households an album or a drawer full of printed papers certifying: “I remember”. Papers where we don’t just visit the past or recreate situations, but also, we put in them speculations and questions, and then we rethink and negotiate the facts. For Leticia, the camera and its attributes are factors of memory: lens, format, film and standardized printing shape the materiality of memory. The manipulation of these elements lead to the redefinition of the memory and personal histories which allow us to drill time and to rewrite it from the present. The images of the memory are time capsules that are re-opened in another time, where they become an artifact of the present about the past. Christian Zúñiga

With Trump’s accession, and his walls and bricks, many cartoon artists, exhorted by Arturo Kemchs, launched the construction of the “Wall of Cartoons”. That’s how we could gather the work of great and wonderful humor artists and developed a series of exhibitions that has already helped to complete two books on “the subject”. sas! 2017 has the great honor of introduce the work of Boligán, Kemchs, Alarcón, Naranjo, Rocha, Kamenski, Baca, De la Nuez, Siers, Gargalo, Helio Flores, Machado, Darío, Castrux, Pakdel, and an international constellation of cartoon artists, joined by local artists: Valdivia, Ramsés, Corpus, Curry, Saavedra, Abraham, among others. Few times you have the opportunity to see so many anf good cartoon artists gather in one exhibition, so we hope you enjoy it. The Organizer Committee RANDOM CHANCE Jaime Ruiz Otis Curator: Daril Fortis November 17 – March 25, 2018 El Cubo, Gallery 3 Cecut production Random chance reviews Jaime Ruiz Otis’ nineteen-year career, focusing in the methodological strategies and aesthetic decisions that, impelled by the intuition and discover, conform the poetic and political structure of the artist work.

Motivated by the innate curiosity towards found-objects and their background stories, in affinity with his ecological conscience and life-story, Ruiz Otis develops a work body Boligán, Arturo Kemchs, Juan Alarcón, Rogelio rich in plasticity and impregnated with a subtle but incisive Naranjo, Gonzalo Rocha, Marian Kamenski, Paco criticism to our hegemonic production system and its imBaca, René de la Nuez, Kevin Siers, Vasco Gargalo, pact on nature and humans. Helio Flores, Machado, Darío, Castrux, Alireza Pakdel, Valdivia, Ramsés, Corpus, Luis Curry, Saavedra, and Abraham THE MAGIC OF THE SMILE IN THE GULF OF November 9 – December 3 MEXICO Museo de las Californias lobby In collaboration with Club de Caricaturistas de December 1 – March 11, 2018 Tijuana Qué-Qué El Cubo, Gallery 1 In collaboration with the National Institute of An28TH ART IN SEQUENCE SALOON sas!

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thropology and History, the University of Veracruz, and Xalapa Museum of Anthropology «…Olmec, Totonacas, Popolocas-Mazatecos, Toltec: names. The names come and go, appeared and dissparead. The works remain. Under the rubbish of the temples destroyed by the Chichimeca or the Spaniard, over a bunch of books and hypothesis, the little head laughs. His laugh is contagious.” Octavio Paz and Alfonso Medellín Zenil, Magia de la risa, 1962.

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December 8 – March 4, 018 Museo de las Californias lobby In collaboration with Martes collective

Twenty women, twenty rugs, twenty years of work form the Martes collective giving new meaning, by a third time, to the concept of rug, traditionally associated with a less than favorable or honorable position, unworthy, almost dragged. “Ponerte de tapete” (being used as a rug) has a negative connotation in the popular imaginary. It associated with being lower, passive, letting people walk over you, welcoming the visitor that, in the best of cases, will dust off his traveled Archeology, as a humanist discipline, unravels and explains steps while the mat happily reads: Welcome. how past culture groups lived and dares to understand them from specific contexts. The approach to our past must be from The artists use their rugs, of mixed mediums, materials, multiple disciplines in order to explore paths where Biology, colors and diverse intentions, to insist on drawing attention Semiotic, and Morphology produce multiple meanings. as south as possible. The invitation is to gaze downwards instead of up or to the front, as one is accustomed to do Beyond our geographic surroundings, the only thing that at a museum. A more accessible art for everybody. That’s inescapably binds us to our Mesoamerican forefathers is familiar. That welcomes us and makes us feel at home. our human condition, which, in its limits and potentialities characterizes us as recipients of our environment, in which A historic family emotional recycling is fated for the rugs. we socialize and transform our bodies, due to how our The nostalgia is present in most of the pieces. Subjects as emotions affect us. family, memory, loved artifacts, the private, the domestic, the playful, the body, the organs, death, vulvas; make us The American psychologist Paul Ekman (1934) has dedica- turn to the intimate. But when gazing down, we also find ted his life to the study of facial expressions. His researches the union between cosmos and body, with the planet, maps, have proofed that the human face posses a system of invo- ecology, and violence. What remains, what is left, what is luntary gestures, whose interpretation can change and di- unseen, and what´s inside. ffer from culture to culture. He has pioneered his discipline and identifies a hidden code in the messages our face emits. In the times of “me first, me second, and me after”, a group of women creating together is no small thing. A group that The smiling figurines of the coast of the Gulf of Mexico are maintains the collective but expresses the individual. A testimony made in pottery on how do the people of said group that will adjust to the task of the rug and to expressing region lived during the Late Classic period –from 600 to each one their own thing. There’s something inspiring in 900 a. C.–. They smiled like us, and that common gesture the 20 years of work of this Martes collective of artist woallows us to delve into Mesoamerican worldview. men that live Tijuana. What is the value of artistic creation if it’s not to show ourselves that anyone can, even if it’s once in a while, live his o her desire? That one can enjoy his labor, RUGS: 20 his work, and his effort. Lula Lewis, Lourdes Lewis, Lídice Figueroa, Melisa Cisneros, Carmen Campuzano, Melisa Arreola, Mónica Arreola, Jean von Borstel, Carmela Castrejón, Elba Rhoads, Laura Castanedo, Rosa Osuna, China Lamadein, Fernanda Uski, Hilda Vanessa Ramos, Claudia Ramírez, Mariana Bello, Marisol González, Norma Michel, and Sarah A. Zarza

Producing intimacy and letting ourselves be part of it is a gift. Let’s celebrate than with 20 years of the Martes collective´s work. There’s variety, there’s quality, come right in. Welcome.

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juana. She has collaborated with El Colegio de la Frontera Norte, BorderClick Talks, and ambos (Art Made Between Abraham Ávila Opposite Sides), among others. She has worked on docuArtist and film producer. He has professional knowledge in mentaries and has presented her multidisciplinary work in communication and film. He currently works at Relaciones Videomuro of Centro de la Imagen. She also has commuInesperadas, where he functions as a tutor for the Film nity cultural projects, and individual and collective exhibiProduction Program. tions. She twice earned the grant of the National Fund for Culture and the Arts by the project Ñongos and Chijuana, Alejandra Phelts an approach to the Chinese culture in Tijuana. PROFILES

alejandraphelts.com

Contemporary artist. She studied Philosophy, History and Art Appreciation in the San Juan Private Institute of Philosophy and Theology; gone through painting, engraving and performance courses in several artist workshops; and has a bachelor’s degree in Plastic Arts by the Autonomous University of Baja California. She won the first place at the 18th Baja California Plastic Biennial. She has participated in more than thirty exhibitions in Mexico, United States, China, and several European countries. Her work is part of the permanent collection of the Mexican General Consulate in Shanghai.

Ana M. Pastrana. Mexico City, 1995 She is studying a bachelor’s degree in Psychology at the National Autonomous University of Mexico. Her production unfolds in the fields of illustration, painting, and photography. She has exhibited her work collectively on four occasions in Mexico, the United Kingdom, and Germany.

Andrés de Luna. Tamaulipas, Tamps, 1955 Writer of stories and essays. He studied Communication Sciences at the National Autonomous University of Mexico and in the Film Capacitating Center in Charabusco Studios. He has authored several literary and academic works Alejandro Espinoza Galindo. Mexicali, BC like La batalla y su sombra: la Revolución en el cine mexicaConceptual artist, art critic, narrator, essayist, translator, no, Martín Luis Guzmán: un estudio histórico and Erótica: and full time research professor in the Faculty of Arts at the la otra orilla del deseo. He won the Sonrisa Vertical award Autonomous University of Baja California, focused in sub- for his El bosque del a serpiente. jects that address the history and theory of art, aesthetics, discourse analysis, and the practice of the contemporary Andrew Roberts. Tijuana, BC, 1995 tendencies of art. He has published many books regarding Visual artist with an interest for conceptual art. He currentthese subjects and about the artistic tasks in the Mexico-us ly studies Plastic Arts in the Autonomous University of Baja border. California, has completed the Contemporary Photography Program, and is a member of the Contemporary Art ProAlonso Delgadillo «El Norteño». Guadalajara, Jal, duction Program of Relaciones Inesperadas. He has exhibit 1983 in several cities of the Baja California-California region nortenotj.com and Mexico City. He received the grant of Young Artist in Illustrator, muralist and visual artist with a bachelor’s de- Alternative Medium for the Creation and Artistic Developgree in Graphic Design in Xochicalco University and mas- ment Stimulus Program (pecda), and a mention on the 6th ter’s degree in Design from the University of Palermo. He International University Video-Art Competition Art Visions. won in the Rosarito’s cfe Mural Contest with his work He also developed projects as a curator and is founder and “Construction of dreams” (2013). His visual proposal has co-director of the Deslave art space. been published by several Latin American institutes, and has participated in exhibitions in Mexico, the United States, Angélica Escoto. Tijuana, BC and Argentina. angelicaescotophoto.com Photographer, journalist, editor, and director of ProduccioAna Andrade. Tijuana, Baja California, 1987 nes Mar. She studied at the Carlos Septién García School of Researcher, producer and photographer. Graduate in Com- Journalism, and works as an editor in national newspapers. munication and publicity by the University Center of Ti- Her work has been published in specialized journals. Along

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with Walk in closet she has developed an autobiographical and critique of everyday life. He graduated in Plastic Arts visual diary that includes the rough and desolate landscapes from the Autonomous University of Baja California, and has solo and collective exhibitions in México and the Uniof the peninsula. ted States. Bryan Ruelas. Tijuana, BC, 1992 Musician. He started by playing with a group of young Claudia Ramírez Martínez. Guadalajara, Jal, 1967 people interested in creating music that came out of the claudiaramirez-crm.blogspot.mx heart with the project “Lo que nunca fue”, he participated Multidisciplinary artist renowned and focused on her etas a guitar player. Sometime afterwards he was a bass player ching work, although she also works on sculpture, drawings, in the band “La Bacallao”, he was a guitar player in Ope- performance and poetry. Her art is a heterogeneous mixnélope”, and “Jardín”. His musical activity focused on the ture of materials, methods and disciplines that meet at last band out of necessity, dedicating himself full-time to it, subjects like ecologic sustainability, food, capitalist system taking the place of drummer. critique, artistic collaboration and various types of frontiers. She has given lectures about etching, environment Camel Demilo. Culiacan, Sin, 1980 culture, and public art. She has served in judge panels in He studied Design at the Integral Design Center in Tijuana etching and sculpture competitions and developed several and has participated in the Visual Arts workshop at the interventions in public spaces. Autonomous University of Baja California. His work has been shown in various collective exhibitions in Tijuana for Daniel Aguilar Ruvalcaba. Leon, Gto, 1988 more than a decade. Image producer and cultural gestator. He studied in the soma educational Program. He has exhibit at the Ladrón Carlos Roa. Tijuana, BC, 1992 gallery, the Chopo University Museum, the Modern Art Visual artist and musician. His work is based on the expe- Museum, the Carrillo Gil Art Museum, among others, rimentation of materials under different artistic disciplines and has collaborated with texts for magazines like La on issues such as the balance, form, and sound. His work is Tempestad, Horizontal, and Blog de Crítica. He earned the fond with the mystery of the sound environments found in Young Creators grant in Alternative Mediums for the denature, and in everyday life, providing a vision on primor- velopment of the Ruvalcaba and Associates Project and the dial sound and their intrinsic values, and cultural rights. Contemporary Art Patronage grant for the printing of an editorial project. He founded the contemporary art space César Fernando Vázquez Olivares. Cuautla, Mor, Biquini Wax. 1986 Contemporary visual artist and cultural manager. His work, Daniel A. Lara «Danee Green. Tijuana, BC among which are sculptures, installations, advertising pos- Musician and disc jockey. He has worked with different ters, and book covers, is distinguished by his three-dimen- bands, playing different instruments. sional drawings with layers of overlapped paper that explore the emergence and construction of ideas. Graduated Daril Fortis. Tijuana, BC, 1988 in Plastic Arts from the Autonomous University of Baja darilfortis.wordpress.com California, coordinator of the Nodo gallery and member of Writer, critic and art curator. Co-founder, and co-director Co[lab]. He has individual and collective exhibitions in se- of Periferica, a program dedicated to the generation, disveral Mexican and us cities. He won the acquisition award tribution and preservation of content related to the visual arts in Tijuana. His exercise explores the performative, in the 9th Contemporary Art University Biennial. biological, and symbolic possibilities of the body, giving emphasis on the intersections between writing, technology, Cheram Morales. Cheran, Mich, 1983 cheram-morales.blogspot.mx visual standpoint, and gender. Contemporary visual artist and cultural promoter. His work is deeply connected with community work and action-art, David Nava. Tijuana, BC, 1987 trying to meet art s social function as a tool for reflection He has realized studies of design and audio in San Diego.

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His work explores the sensitive reaction of the active spectator through space and sound creations. He is a member of the Contemporary Art Production Program of Relaciones Inesperadas.

Autonomous University of Mexico, studied photography at the Center of Photography Training, at the School “Nacho López”, at the Center of the Image, and at the Pedro Meyer Foundation. He has published three books, moreover, and he has collaborated for more than three decades with several national newspapers. His photographic work has been published in several titles, and part of it is from the collection of the Televisa Foundation. He won the National Prize of Journalism Fernando Benítez” (2006) for his story “Urban Archeology”, and he is a member of the System of Art Creators.

Diana Haro. Tijuana, BC, 1989 Graduated in International Relations at the Autonomous University of Baja California. Founder of moversnshapers. com project that seeks to increase the creative industry in Northern Mexico through the formation of networks, and promotion. She is a member of the Organizing Committee of the International Photography Festival in Tijuana and of the Contemporary Art Production Program of Relaciones Esaú Andrade. Tepic, Nay, 1963 Inesperadas. Plastic artist focused on Art History allusive paintings, where he works with the re-signification of pop culture Eder Martínez. Veracruz / Orlando Martínez. Vera- and Latin tradition symbols. He attended the Plastic Arts cruz / Antonio Reyes «Tercero» School of the University of Guadalajara and has exhibiMusic group called Los Reverdes del Son, which is ted in museums and galleries at several Mexican and us dedicated to promote, merge and rediscover the cities. His paintings, journeys through his memory, it is Son. also included in the collections of several Mexican and us museums. He has also worked in magazines and books with Eduardo Limón illustrations and narrative texts. Writer, journalist and announcer. He has collaborated in newspapers and magazines like Excelsior, Nexos, and the Felipe Zuñiga. Mexico City, 1978 Spanish edition of Le Monde Diplomatique. As a radio Visual artist, curator, and teacher. He graduated form the announcer he has worked with W Radio station, “Un libro National School of Plastic Arts and has a Master’s degree in para el fin” radioshow, and for the cultural show “Triángu- Visual Arts at the University of California-San Diego. He lo de Letras en el canal 22”. Among his awards there’s the worked as coordinator of the Lui Velazquez artist-in-resiNational prize for Radio announcer and the International dence program in Tijuana and of the educational services at Prize for the Interactive Animated book. the Tijuana Cultural Center. He was the educational curator of the Public Workshop in Casa Vecina and is a member of Edward J. Sullivan. Nueva York, US the Art-Education Platform, with whom he developed the Teacher and art academic. He worked in the Art History Mediation Laboratories Projects in Casa del Lago. Department and as a Dean of the Art and Science Faculty at the New York University. He has written and published Fernando Botero Angulo. Medellín, Co, 1932 more than thirty books about the modern art in Latin Painter and draftsman. Globally recognized for his particuAmerica, among them: The Language of Objects in the Art lar style, which characteristics is the use of vibrant colors, of the Americas, Continental Shifts: the Art of Edouard Duval and rounded, exaggerated figures; taking a large section Carrie and Nueva York: 1613-1945. of the canvas in a monument to the disproportion that highlight its existence and, at the same time, makes fun of Elizabeth Zamudio. Tijuana, BC, 1996 their role. He studied at the academy of San Fernando in Visual artist. She studies Plastic Arts at the Autonomous Uni- Madrid and is greatly influenced by the Florentine School versity of Baja California and she’s a member of the Contem- of Painting, and the masters of the Quattrocento. porary Art Production Program of Relaciones Inesperadas. Fernando Raúl León Rodríguez «Rojo». Tijuana, Ernesto Ramírez. Mexico City, 1968 BC, 1989 / Miguel Omar Rodríguez López «Mike». Photojournalist. Graduate in Journalism in the National Tijuana, BC, 1988

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Professional engineers and tropical electronic music producers under the name Le Rodríguez. They produce their own videos, flyers, image, and booking. They have presentations at festivals, popular festivities, and bars in several cities of Mexico. Their music is a mixture of cumbia tribal (Colombian-Mexican musical genre) with electronic sound called “carposo”. Gabriel de la Mora. Tijuana, BC, 1985 Musician specialized on guitar and vocals. He plays in the Perra Galga band, a psychedelic rock group from Tijuana. He has been involved in events as the Say North Festival and Real Under, and has presented multiple times in several places throughout the city, including the theater of the Mexican Institute of Social Security (imss). Giorgio Antei. Italy, 1946 giorgioantei.com

Writer, curator and art historian, interested in projects where art, history and geography come together. He worked in the curatorship of a great number of exhibitions and published several books that addresses the history of Latin America exploration, from the European chroniclers and cartographers, as well as Italian and Latin American art. He is a member of the Colombian Academy of History.

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artistic center Relaciones Inesperadas, which offers seminars and specialized talks focused in local art. Irving Domínguez. Mexico City, 1976 Curator, art critic, and teacher. He attended curatorial seminars at Teratoma, the Collection/Fundation jumex, and Centro de la Imagen, where also he studied Photography, as well as in the National School of Anthropology and History. He has worked in the curatorship of exhibitions in several Mexican cities, and in Poland. He has written art texts for specialized publications and is part of the soma Summer international program. He is a regular contributor to Taller Multinacional, Relaciones Inesperadas, and is a staff member of Centro adm. Jaime Ruiz Otis. Mexicali, BC, 1974 jaimeruizotis.com

Multidisciplinary contemporary artist concerned about the way the industrial processes affects individuals. He attended painting, installation, conceptual sculpture, graphics, engraving, and visual arts workshops of various artists from the region. He has exhibited individually and collectively in Mexico, United States, Spain, and Russia. His work is made with material found in landfills and belongs to the Museum of Contemporary Art San Diego and the University Collection of Contemporary Art Museum of Mexico City collections.

Gustavo Mayoral. Tijuana, BC, 1971 Portrait, fashion, and still-life photographer. His production unfolds in the fields of photography and electronic me- Javier Navarro. Tijuana, BC, 1979) dia. He has exhibited his work individually and collectively Electromechanical engineer and visual artist. He has exhiin Mexico, the United States, and Japan. bited his work collectively and individually in Mexico and the United States. He was a member of the Contemporary Ingrid Hernández. Tijuana, BC, 1974 Art Production Program of Relaciones Inesperadas. Visual artist, teacher, and social researcher focused in long term collaborative projects that address the migrant’s do- Jorge Francisco Sánchez, «Jofras». Mexico City, mestic space as a place of re-signification and contempla- 1978 tion. Her research results are expressed in essays, photogra- Visual artist with a PhD in Social Sciences majoring in phs, and works, whose purpose is to rebuild the social tissue Regional Studies. His research areas are socio-cultural proand to modify the social perception about the irregular cesses, urban areas, public space, art, citizenship, and social housing in the region. She has a degree in Sociology from responsibility; these areas are also addressed in his artistic the Autonomous University of Baja California, a master’s work. In recent years, he has studied the organization of degree in Researching and Environment from colef, as cultural groups and citizen’s movements that address iswell as many photography and contemporary art courses sues of security, and daily life in the United States-Mexico and workshops. She teaches art and social function, inves- border. tigation process, and photography at the Superior School of Visual Arts, the Autonomous University of Baja California, José Luis Cuevas. Mexico City, 1931 – 2017 and the Boxel Graphic Arts Institute. She also operates the Painter, draughtsman, writer, etching artist, teacher, illus-

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trator, sculptor, and art critic. He studied at the National School of Painting, Sculpture, and Engraving “La Esmeralda”, and at the College of Mexico City with Lola Cueto. A member of the so-called “Rupture Generation”, his work went by several epoch as a result of various influences. He participated in numerous exhibitions around the world and received awards which some of them are the First International Prize for Drawing at the 5th Biennial of Sao Paulo, the First International Prize for Etching in the 1st Triennial in New Delhi, the National Prize for Science and the Arts of Mexico (1981); the International Prize of the World Council of Etching (1984); and the Prize Tomás Francisco Prieto (1997) handed by the Queen of Spain on the occasion of his exhibition at the Mint Museum of Madrid. He was also endowed with various honors by the governments of Mexico, El Salvador, Spain, France, Nicaragua, Peru, and Venezuela. José Manuel Cruz Vázquez «_ChP+». Mexico City, 1973 Graphic Designer graduated from the Ibero-American University Tijuana, with subsequent studies in the ArtCenter College of Design, the Polytechnic University and Informatic Assessment Center of Valencia, and the Autonomous University of Baja California. He has vast experience in editorial, art catalogues, and exhibition design on both sides of the Mexico-us border. Karina Muñoz. Tijuana, BC, 1970 Artist, journalist, and news anchor. She has a bachelor’s degree in Communication Sciences from the Ibero-American University Tijuana and is a member of the Contemporary Art Production Program of Relaciones Inesperadas. Leslie García. San Diego, US, 1988 She partially coursed the Film Program and Visual Culture from the University of California-Riverside. She’s currently coursing a bachelor’s degree in Communication in the Autonomous University of Baja California and is a member of the Contemporary Art Production Program of Relaciones Inesperadas. Leticia Herrera. Tijuana, BC, 1984 Visual artist. She has a bachelor’s degree in Communications and a master’s in Arts form the National Autonomous University of Mexico. Her work has been shown in Mexico, us, and France. She earned a honorific mention at the 10th Photography Biennial of Baja California and was selected

for the portfolio presentation programmed for the Latin American Photography Conference at the Photo Museum Cuatro Caminos. She’s part of the Contemporary Image Platform of the Image Center. Lore Álvarez. Juarez, Chih, 1964 Graduate in Business Administration from the Autonomous University of Baja California. She is a member of the Contemporary Art Production Program of Relaciones Inesperadas. Luis Enciso «Curry» -curry.blogspot.com

Cartoonist and humorist with a vast experience and numerous awards. He has participated in cartoons and comic strips exhibitions at a national and international level, and he has been the coordinator of Art Room in Sequence sas! since 1989. He is a member of the Cartoonist Club ¡¿QuéQué?! and the Southern California Cartoonist Society. Manuel Ramos. Tecate, BC, 1996 Plastic Arts student at the Autonomous University of Baja California. He has participated in several collective exhibitions as a member of the Watercolorist Society of Baja California. Marco A. Rhodes. Mexico City, 1975 Plastic surgeon and photographer. Graduate of the Autonomous University of Baja California. He is member of the Contemporary Art Production Program of Relaciones Inesperadas. Margarita Morales. Ciudad Mante, Tamps margarita-morales.de

Plastic artist focused on abstract painting, in which the color is the protagonist. She studied Visual Communication Design at the Metropolitan Autonomous University, and Visual Arts at the San Carlos Academy. While living in London for three years, she discovered her passion for the abstract movement. She has exhibited, individually and collectively, in museums and galleries in Mexico, as well as in Europe. Mariel Miranda. Mexico City, 1987 Sociologist, researcher, and visual artist focused on themes that address the social uses of photography in relation to time, space, and memory. She has a Sociology

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bachelor degree from the Autonomous University of Baja California. Her photographic work has received state and national recognition and has been exhibited individually and collectively in several Mexican cities and in Los Angeles. Her visual essays have been published in national and international editorials in Mexico and the United States. She received the scholarship of the Encouragement of Creation and Artistic Development Program by the Baja California Culture Institute. She is co-director and founder of the International Festival of Photography Tijuana.

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phic Design from Univer University and is a member of the Contemporary Art Production Program of Relaciones Inesperadas.

Miriam Gabriela García Aguirre . Tijuana, BC, 1975 Historian, researcher, writer, teacher, and artist. She has studies in History, Written Culture, Neuroarts, Gender, and Literary Creation. She was a researcher at the Exhibitions Department of the Tijuana Cultural Center; co-director of “El proyecto de las Morras. Literature workshops in women s rehabilitation centers with La Línea interdisciplinary collective; author and coordinator of books, and Mark Bryce. San Francisco, US, 1953 Contemporary artist specialized in symbolic and political collaborator for the electronic magazine Espiral. She is curealism paintings. He takes elements of Art history and rrently the director of Tijuana’s History Museum. painting itself in order to give the painting a twist and play with the surface, perspective, lights, and shadows. He Néstor Mondragón «spel». Tijuana, BC, 1987 studied at the Pennsylvania Academy of Fine Arts and has Visual artist and graphic designer interested in social inteparticipated in more than eighty group and solo exhibitions raction through multiple disciplines, shapes, and materials of artistic production, with emphasis on the graffiti, brinin several us cities, as well as Tijuana. ging in his imagination to the streets in a dialog with the pedestrians. His work addresses social issues such as the Massimo Listri. Florence, Italy, 1953 urban environment, the migratory flows, and the backmassimolistri.com Photographer specialized in architecture and interior spa- ground of the words, and is characterized by the use of the ces. His imposing images seek perfection and the aesthetic female figure within the city. He holds a degree in Graphic architectonic perspective of Brunelleschi, to capture the Design from the University of the Californias and has four spirit of space and show the secrets of worlds long forgotten individual and several collective exhibitions in Mexico and and lost in time. Co-founder of the fmr art magazine, he the United States. And he is member of the Boiling Process. has published more than sixty books and made numerous exhibitions around the world, including the Vatican Mu- Noé Sandoval Peralta. Tijuana, BC, 2000 High School student. He has collectively exhibited his phoseums tography in Tijuana. He is a member of the Contemporary Art Production Program of Relaciones Inesperadas. Max Corona. Guadalajara, Jal, 1981 Visual artist and Communication Science graduate from the Autonomous University of Baja California. He studied Pedro Camarena Siqueiros «Shemo». Hermosillo, Photography at the Center for Cinematographic Studies Son of Baja California. He has participated in local collective Visual artist focused on screen printing, graffiti, skate and design. Works on Satan Shop, which is interested in encouexhibitions. raging the consumption of local products because it considers it key to the artistic, economic and social development Midori Zúñiga. Tijuana, BC, 1986 Graduated in Communication from the Autonomous Uni- of Tijuana subculture. He has exhibited his work in Tijuana, versity of Baja California. She is a member of the Contem- Hermosillo and San Diego. porary Art Production Program from Relaciones Inesperadas and works as an art director for audiovisual projects. Roberto Romero Molina. National City, US, 1970) romero-molina.com

Miguel Alejandro Paredes. Culiacan, Sin, 1983 Multidisciplinary conceptual artist who seeks to create viVisual artist, graphic designer, and art director of audio- sual aphorisms to question and reevaluate our present, visual Productions. He has a bachelor’s Degree in Gra- understanding that reality is only a fragment of the total

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experience. His work explores the relationship between experience and representation, the visible and the invisible, it includes photography, painting, video, object art, installation, sound art, graphic, and intervention. He studied Visual Arts at Southwestern College, Plastic Arts at the Autonomous University of Baja California, and at installation art, silk-screen print, abstract art, sculpture, and printmaking workshops. He has exhibited his work in Tijuana, United States, and Cuba; winning twice the Autonomous University of Baja California University Biennial.

Tabea Huth Visual artist and academic. She focuses her work thematically in matters of gender and other social controversies of the border. She works with photography and performance. Tania Kareni López. Tijuana, BC, 1991 Graduate in Business Administration Marketing at the Center of Technical and Higher Education. She is a member of the Contemporary Art Production Program of Relaciones Inesperadas.

Rodolfo Morales. Ocotlán de Morelos, Oax, 1925 - Valeria Ortega Osuna. Tijuana, BC, 1995 She is currently studying a bachelor’s degree in Plastic Arts Oaxaca, Oax, 2001 at the Autonomous University of Baja California and is fcrom.org.mx Plastic artist, teacher and cultural manager interested in one of the participants of Globos: Hot Air Balloons and Inthe roots of culture and the popular imagination. His gra- terviews - Transnational Seminar by the Magpie Collective phic and pictorial work is characterized by portraying the and the San Diego Museum of Contemporary Art. She has popular myths inserts in everyday life. His work has been experience in collective exhibitions at the local level. displayed more than a hundred times, in individual and collective exhibitions in several Mexican, us, and Canadian Victoria James. London, Inglaterra, 1974 cities, as well as in fifteen countries in America, Europe, Plastic artist who works mainly with abstraction. She stuAsia, and Africa. He has received tributes throughout the died Literature at the Chelsea College of Art and Design. country, and in several South American cities. He founded Her work translates personal and third-party experiences the Cultural Center in his hometown and the foundation into a tangible imagery. She has exhibited individually on four separate occasions on Geneva, and collectively a dozen that bears his name. times worldwide. Sergio Hernández. Oaxaca, Oax 1957 Plastic artist, versatile in disciplines like painting, etching, Wu Xiahong. China ceramics, and drawing. He studied in the National School Singer and lacquer painter with her own artistic style speof Plastic Arts, San Carlos Academy, the National School cialized on using the musical variation language in her of Painting, Sculpture and Etching “La Esmeralda”, and paintings. Her lacquer paintings have been exhibited in the National Institute of Fine Arts. He has presented more four continents. She is currently Vice-president of the Asthat fifty individual exhibitions in several American and sociation of Study of Lacquer Art Culture of Fujian ProEuropean countries. Among his multiple awards he earned vince, and on the Fuzhou Municipal Federation of literary the Artistic Creator grant from the Art Creators National and art circles. System and the international award René Portocarrero, given by the Writers and Artists Union of Cuba (2014). Sergio Arturo Hurtado Sandoval «Fide». Ensenada, BC, 1993 Designer and artist. He studied Industrial Design and has experience in a local collective exhibition on the Say North Festival, Ecce Homo, Monster Plush Attack, and the urban project with Fundación Hogares.

CRÉDITOS SECRETARÍA DE CULTURA María Cristina García Cepeda Secretaria / Secretary

CENTRO CULTURAL TIJUANA Pedro Ochoa Palacio Director / Director

CATÁLOGO / CATALOG Exposiciones 2017 Tijuana: Centro Cultural Tijuana, Secretaría de Cultura, 2018. Sinuhé Guevara Flores

Armando García Orso

Coordinación y revisión editorial / Editorial Coordinator

Mara Maciel

Luis Del Toro

Subdirección de Exposiciones / DD for Exhibitions Subd.de Promoción Cultura / DD for Cultural Promotion

Ricardo Galindo

Subdirección Técnica / DD for Statistical & Public Info

Rubén Carrillo

Subdirección Administrativa / DD for Administration

Alan Bautista

Subdirección de Difusión y Rel. Públicas / DD of Media & PR

EXPOSICIONES Leobardo García Córdova

Gerencia de Exposiciones / Exhibitions Manager

Carlos A. García Cortés

Gerencia de Colecciones, Registro y Conservación / Collection Manager

Sinuhé Guevara

Coordinación pidpc / pidpc Coordinator

Lissette Sánchez Gómez

Coordinación Operativa / Operational Coordinator

Diseño editorial / Editorial Designer

Carlos Varela Estefany Maya

Fotografías / Photographs

Aldo Román Coronado Sánchez Andrea Rincón Sánchez Diana Loreto Zazueta Amador Frida Caridad Gómez Briseño Ismael Iván Solís Flores Manuel Alejandro Stephens Aduna Marcos Arroyo Apac Nicole Jocelyn Vázquez Zorrilla Samantha Garduño Vázquez Traducción / Translators

Alfredo Valles

Investigación / Research

José Manuel Cruz Vázquez / Luis Del Toro

Diseño Gráfico / Graphic Design

Iraseli Romero Lomelí

Jefa de oficina / Office Manager

Elda Sandoval

Jefa de museografía / Installers Manager

José Sandoval / José Terrones / José Ramos / José Jaime G. / Luis Dueñas Museografía / Installers

Hilario Hernández

Restauración / Conservator

Sergio M. Torres Pérez / Salatiel Leal

Jefe de registro de obra / Registrar

Impreso y hecho en México / Printed and made in Mexico

FE DE ERRATAS: Página 127. La fotografía corresponde a la exposición Veinte murales y una mujer desesperada de Alejandro Santiago (2016) y no a la exposición la Magia de la sonrisa en el Golfo de México. Página 131. La fotografía corresponde a la exposición xxvii sas! (2016) y no a la exposición la Tapetes 2.0.

Primera edición, agosto 2017 © Secretaría de Cultura / Centro Cultural Tijuana Esta obra se terminó de imprimir en los talleres de Editorial Impresora Apolo, S.A. de C.V. Centeno 150-6, Col. Granjas Esmeralda C.P. 09810 México D.F.