Una y lo otro. ISP

Una y lo otro: devenir en relación. Exposición retrospectiva de Irma Sofía Poeter. Tijuana: Secretaría de Cultura, Centro Cultural Tijuana, 2019.

Primera edición / First edition, 2019

Irma Sofía Poeter, obra y cédulas / artwork and info Adriana Martínez Noriega, curaduría y textos / curatorship and texts Sinuhé Guevara, coordinación y revisión editorial / editorial coordinator Luis del Toro, diseño editorial / design coordinator Robert L. Pincus, texto / text Mónica Mayer, texto / text Norma Iglesias, texto / text Ofre Valeria Alduenda Sandoval, asistencia en traducción / translation assistance © 2019 Secretaría de Cultura / Centro Cultural Tijuana Paseo de los Héroes 9350 Zona Urbana Río Tijuana Tijuana, B. C. C. P. 22010 Impreso y hecho en México Se prohíbe la reproducción total o parcial de esta obra, sea cual fuere el medio, sin la anuencia por escrito del titular de los derechos Printed and made in Mexico The total or partial reproduction of this work, in whatever mean and without the written approval of the author is forbidden.

ÍNDICE

8 Presentación 10 Una y lo otro: devenir en relación 15 CORRER EL RIESGO: TEJER REDES Correr el riesgo: tejer redes 17 Primeras piezas 18 Grupo M artes 20 23 MÁS ALLÁ DEL CANÓN: LA PLÁSTICIDAD DEL SER (MUJER) Más allá del canón: La plásticidad del ser (mujer) 24 Yo estoy aquí 28 El paquete 55 59 BORDADO FINO: NOSTALGIAS ANCESTRALES De un bosque oscuro a una montaña sagrada 61 Nostalgias ancentrales, bordado fino 68 TransBordados 80 85 LA OTREDAD: TEJIDOS SOCIALES La otredad: tejidos sociales 86 Identidades Re-vestidas 90 Eduardo 92 How many drops have fallen? (¿Cuántas gotas han caído?)

98 ¡Ouch!

100 107 LA FRONTERA: IMAGINARIOS LIMINALES La frontera: imaginarios liminales 108 Iconografías infiltradas 110

119 (DE)CONSTRUCCIÓN DEL HOGAR La (de)construcción del hogar 120 Arquitectura: Casa Fuego, Casa Tierra, Casa Agua, Casa 122

Aire y temazcal 129 TRASCENDENCIA: SINGERGÍAS ESPIRITUALES La tracendencia: sinergías espirituales 130 Energía, flujos y pasiones: Irma Sofía Poeter y lo femenino 132 138 142 146 148 156

recuperado Protección Espejos Retratos: texturas curativas Trascendencia en La Marca Fusión-fisión

162 Declaración de artista 164 Semblanzas 169 ENGLISH VERSION 205 Agradecimientos

Textos por: Adriana Martínez Noriega / Irma Sofía Poeter / Roberto L. Pincus / Mónica Mayer Norma Iglesias-Prieto / Alfonso Caputo

irma sofía poeter

Presentación

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Como una plática entre el murmullo, las obras de Irma Sofía Poeter le hablan a quien sabe escuchar. Esto no quiere decir que se deban poseer conocimientos previos para poder entender la exposición, sino que se requiere armarse de sensibilidad y empatía para detenerse frente a las obras y reflexionar sobre lo que nos quieren decir.

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retrospectiva

El confort inicial que nos brindan los colores tenues y las texturas suaves de las obras, van dando paso a otra verdad cuando develamos los contextos bajo los que fueron creados.

Pronto, a la ternura la acompaña el dolor de sentir la realidad que hemos dejado afuera de la sala y que, de pronto, nos golpea.

La exposición Una y lo otro: devenir en relación es una muestra retrospectiva de la artista visual Irma Sofía Poeter presentada en el Centro Cultural Tijuana (El Cubo, Sala 3, del 22 de noviembre de 2019 al 23 de marzo de 2020). Compuesta por más de sesenta obras, la exposición desafía los muros de la sala y se expande por todo el edificio. Así como es imposible constreñir nuestra identidad en un solo apartado, es imposible reducir la exposición a un solo espacio.

Entre pintura, escultura blanda, instalaciones, fotografía, video y vestido; Irma Sofía nos cuenta sobre su vida, su familia, sus viajes, sus influencias, sus miedos, sus desafíos, sus logros y sus retos, todo hilvanado por el uso del textil, en un tejido que envuelve a quien la observa.

En el hilo conductor de la exposición, ayuda bastante la curaduría y textos de Adriana Martínez quien, junto con Reyna Aguiar, trabajaron de forma colectiva con Irma por meses para desarrollar el discurso y el mensaje.

Hacer una revisión de la carrera de casi tres décadas de Irma Sofía Poeter nos permite analizar la evolución del arte regional, los avances en la inclusión de la mujer dentro del escenario artístico -en gran parte producto de la misma artista y de sus colaboradoras cercanas–, de los temas que van interesando a los artistas con el paso del tiempo y los retos que aún nos quedan por superar Así como el pasado de María Teresa le brinda la posibilidad de trazar distintos caminos, el pasado de Irma Sofía Poeter nos dice donde estuvo, qué hizo y hacia dónde se dirige.

Centro Cultural Tijuana

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«El tiempo, como lo han explicado Einstein y otros físicos, no es lineal, sino circular. Nuestras vidas no son puntos en una línea (…); somos más bien los centros de unos círculos.

Si sólo pienso en mí, ¿quiénes son los otros? Si los otros sólo piensan en ellos, ¿quién soy yo? Si no ahora, ¿cuándo? Si no aquí, ¿dónde?»

-- John Berger, 2016, ¿Estamos a tiempo?

Una y lo otro: devenir en relación Exposición retrospectiva de Irma Sofía Poeter

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Todo es cuestión de tiempo y este año Irma Sofía Poeter celebra 25 años de trayectoria artística con esta exposición retrospectiva que se presenta en el Centro Cultural Tijuana (cecut) y, mediante un eco en la galería The Front, se extiende hacia el otro lado de la frontera. Así, con una selección de más de 70 piezas, la muestra da cuenta de las distintas técnicas, formatos y temáticas que ha explorado la artista mexico-estadounidense a lo largo de esos cinco lustros en relación con la otredad.

Somos con y a través de los otros o, como dijera Víctor Hugo, «nada es solitario, todo es solidario». En ese sentido, analizar la

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obra de Irma Sofía a la luz de una lógica relacional que explora la naturaleza misma de sus vínculos resulta una estrategia pertinente para entender, no sólo su mundo, sino también quién ha ido siendo ella en su transitar por él. Bajo esta lupa, la exposición propone siete líneas en las que se pueden agrupar las diversas búsquedas y etapas formales del devenir de la artista.

Correr el riesgo: tejer redes compendia esos primeros momentos en los que la conexión con la comunidad artística local fue clave para su desarrollo; Más allá del canon: la plasticidad del ser (mujer) concentra piezas en las que se afirma como ser sexuado para, desde ahí, proponer un emancipador repertorio de imágenes; Nostalgias ancestrales: bordado fino, se yergue como la sección más íntima ubicada en el corazón de la sala, habla del seno familiar a través de escenas cargadas de recuerdos infantiles; La otredad: tejidos sociales aborda sus preocupaciones ante problemas como la migración, la explotación laboral o la guerra; La frontera: imaginarios liminales invita a reconocer esa doble mirada que caracteriza su origen bicultural; (De)construcción del hogar apunta a su relación con el espacio y a su incursión en la arquitectura y en el diseño de paisaje; y, por último, La trascendencia: sinergias espirituales conjuga obras más recientes en las cuales destacan postulados y búsquedas metafísicas.

Una y lo otro: devenir en relación no pretende establecer una lectura cronológica y lineal, está concebida, más bien, bajo una lógica espacial en la cual el tiempo transcurre y se hace presente. De esta manera, la exposición propone un recorrido zigzagueante a través de ese universo compuesto de pinturas, arte objeto, esculturas, videos, instalaciones, piezas textiles y fotografías intervenidas. De tal suerte que cada obra resulta, a la vez, escala y destino en el mapa de la artista, es decir, un punto de encuentro en el cual se nos revelan de a poco sus preocupaciones est/éticas.

En suma, esta muestra retrospectiva y binacional es una invitación a trasladarnos en tiempo y espacio con el fin de conectar y dotar de sentido el trayecto artístico de Irma Sofía Poeter.

Adriana Martínez Noriega Curadora

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CORRER EL RIESGO: TEJER REDES

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El abismo, 1994.

Acrílico sobre papel y tela. Colección familia Martínez (San Diego, ee.uu.)

The abyss, 1994.

Acrylic on paper and fabric. Martinez Family Collection (San Diego, u.S.)

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Correr el riesgo: Tejer redes

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Dejarse seducir por la plástica y entregarse al trabajo creativo de manera formal no es tarea fácil; sobre todo si eres esposa y madre de dos hijos, y en ti recae el peso cultural que responsabiliza a las mujeres de sacar adelante (o no) a una familia tradicional. En ese sentido, con la intención de destacar la valentía y fortaleza que para Poeter supuso correr el riesgo social de dedicarse al arte, esta sección introductoria reúne obra de sus primeras etapas. En ellas destacan, por un lado, las maromas, contorsiones y abigarramientos propios de una época oscura y confusa, y por otro, las estrategias de supervivencia a las que recurrió para salir ilesa de ella.

El collage Abismo –que inicia el recorrido por la exposición– es indicativo de esa sensación vertiginosa que supone un salto al vacío.

Por su parte, el video Quimeras –hecho a partir de diapositivas de la serie del mismo nombre– trasluce, a través de figuras híbridas, colores fuertes y formas rebuscadas, distintas búsquedas y reclamos visuales contra las limitantes impuestas por la sociedad. Cierra esta sección una selección de material de archivo del grupo M artes, un colectivo de mujeres artistas, vigente hasta estos días y que empezó reuniéndose todos los martes en el restaurante Victor’s de Zona Río, en la ciudad de Tijuana y cuyo propósito ha sido tanto compartir creativamente como servir de apoyo frente a las adversidades de la vida. Se destaca la importancia que esta red tuvo durante las primeras etapas de desarrollo de la artista.

Adriana Martínez Noriega

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Primeras piezas

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He tenido muchos maestros a lo largo de mi camino artístico pero, indudablemente, Luis Lombardo fue uno de los más importantes.

Empecé a trabajar en su taller en 1993 y es ahí donde tuve un rompimiento, donde el arte pasó de ser un pasatiempo a ser mi modo de vida, mi modo de pensar y de sentir. Y digo rompimiento no solo de forma metafórica sino literal. Mis primeras piezas están hechas de pedazos de pinturas que hice con pintura acrílica sobre papel kraft que después rompí para volver a armar. La acción de pintar fue visceral, usando sólo mis manos al principio; fue una liberación total de todo lo que yo sabía hasta ese momento sobre cómo hacer arte. Fueron mis primeros ensamblajes. Desde ese momento se definió mi manera de hacer arte que es a través de la construcción y la de-construcción. ISP

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Primeras piezas, 19931997. Video (04:06”) Realización: Reyna Aguiar First pieces, 1993-1997 Video (04:06”) Made by Reyna Aguiar

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Grupo M artes

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Empecé mi carrera artística en 1993, realmente no conocía a ningún artista y me di a la tarea de buscarlos. ¿Dónde se reunirían?

Supe después que en el café del cecut un grupo de artistas se congregaban todas las mañanas a platicar y tomar café. Ahí conocí a los artistas de ese entonces, sin embargo, dentro del grupo no había ninguna mujer. Quería encontrarlas. Quería saber quiénes eran, qué era lo que las movía, cómo le hacían para balancear ser madres, compañeras y creadoras artísticas, buscaba un grupo de apoyo, complicidad y amistad. En uno de los talleres de Felipe Ehrenberg por fin las conocí. Les propuse que nos juntáramos a charlar y a producir obra, que nos volviéramos un grupo de mujeres que hablara de mujeres. Empezamos reuniéndonos todos los martes en el restaurante Victor’s de la Zona Río en Tijuana, de ahí el nombre M artes (Mujeres en las artes). Trabajamos varias exposiciones entre las cuales figuran La Casa y Tapetes. El grupo aún sigue activo con integrantes que entran y salen, y algunas que seguimos desde el principio. ISP

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Grupo M artes, Fotografías Polaroid, invitaciones y diversos artículos del Grupo M artes M artes Group, Polaroid photograph, invitations and articles of M artes Group.

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MÁS ALLÁ DEL CANON: LA PLASTICIDAD DEL SER (MUJER)

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Más allá del canon: la plasticidad del ser (mujer)

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Todo comienza con la palabra y, como bien saben las artistas mujeres, también con el «poner el cuerpo». En ese sentido, con el performance titulado Yo estoy aquí, Poeter lanza una aseveración rotunda mediante la cual ratifica tanto su presencia en el mundo (de la creación) como el carácter relacional de su existencia. De tal suerte que, reproduciendo y colgando muchas fotografías de su persona e invitando después a la gente a recorrer el recinto por debajo de esa instalación, buscó fijar su imagen en la memoria de los asistentes. Sin embargo, tras esa acción simbólica que parecía gritar «no me olviden», la velada dio un giro inesperado.

En un gesto de iconoclasia y de entrega francas, la artista quemó todas las representaciones de sí misma y distribuyó las cenizas remanentes en pequeñas bolsas de plástico para que el público se llevara consigo un trozo de esa memoria consumida.

En esta misma sección, un mosaico pictórico refrenda también esta idea al colocar al centro, a manera de una fuerte afirmación, un autorretrato de la artista circundado de piezas que no obedecen a una disposición cronológica y que, sin embargo, dan cuenta del devenir personal de la artista y de las distintas búsquedas de su ser (mujer) en relación con todo lo que existe. Este mosaico de obras, dado su formato y disposición en la sala, bien podría percibirse como la producción más canónica de la artista. Es decir, se trata de 18 piezas bidimensionales en óleo, encáustica y/o acrílico sobre tela o madera dispuestas a la usanza, casi abigarrada, de los

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salones del siglo xix. Sin embargo, tras una observación más detallada de la instalación, los preceptos dogmáticos del canon plástico occidental empiezan a difuminarse para dar paso a una serie de propuestas asaz subversivas y cuestionadoras de los postulados heteropatriarcales.

En primer lugar, este conjunto de cuadros coloca a Irma Sofía Poeter dentro de una tradición en la que, de facto, las mujeres creadoras han sido históricamente consideradas como una minoría. Por otro lado, el grupo de figuras representadas en las obras, siendo todas femeninas, ofrece un vasto y diverso imaginario en torno a lo que ser mujer puede significar, y, además, deja de manifiesto que la noción varía a lo largo de las distintas etapas de la vida. Así mismo, la instalación puede leerse como un diario personal en el que cada cuadro es un capítulo dentro de esa metanarrativa que cuenta distintas historias de la vida de la artista y su muy particular contexto social, geográfico y cultural. Lo cual, sin duda, tiene una clara implicación política.

Al centro del mosaico se aprecia ese autorretrato arriba mencionado en el que recurriendo a la metáfora del cuerpo como territorio y portando un espejo en la mano, deja ver un ejercicio de auto-observación a través del cual parece afirmar «mi cuerpo es mío, yo decido» trazando así una geografía personal en la cual se vislumbran los relieves sinuosos de sus muy personales planos de la existencia. A partir de ahí, el universo pictórico que la circunda a manera de constelación invita a recorrer y a conectar, sin un orden particular, las distintas historias, emociones y búsquedas que han caracterizado a sus diferentes etapas de producción.

Se pueden detectar esos primeros momentos oscuros que denotan el desprendimiento de los estereotipos y los mandatos socioculturales en aras del encuentro con un yo sexuado y atravesado por una serie de creencias y vivencias como se puede observar en Pietá, Encajonada y María Magdalena. Por otro lado, se identifican también esas exploraciones posteriores en las que destacan el desdoblamiento y la introspección en piezas como Mitad y mitad, Dos volcanes, Perspectivas, Tigres al amanecer, Cubos en la cabeza, Pasajes difíciles y Rhino Girl (esta última se exhibe en The Front). Y,

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en última instancia, se puede apreciar la creación de un lenguaje plástico propio en el que destaca la hibridación y la reconfiguración de códigos formales propios del mundo de la moda y la tradición pictórica religiosa de las Madonas como es el caso de Madoga, Brown sugar Madona y Total yearning for God, o bien la conjunción quimérica de formas en parte caninas y en parte humanas, como es el caso de Diner dog y la serie Bitches en la cual el empoderamiento femenino es clave tanto en temas que tienen que ver con lo laboral, la autonomía emocional y los roles de cuidado como es el caso de la maternidad.

En este mismo apartado se ubican también las piezas Enunciados suspendidos, Baby Venus, Castraciones sociales, El paquete y las Tres desgracias que justamente apuntan a esas expectativas y mandatos socioculturales con los que hay que romper, a veces voluntaria y a veces involuntariamente, para encontrarse con su propio yo.

Enunciados suspendidos, una instalación en forma de célula hecha de ropa «de mujer» rellena y tensada de lado a lado en los muros de un espacio constreñido, debajo de la cual se advierte, además, una serie de zapatos de distintos tamaños y estilos, denota una marcada influencia de las exploraciones formales de Louise Bourgois. Esta obra, la primera totalmente textil en la carrera de la artista y que en esta ocasión se exhibe en The Front, habla sobre los diferentes roles, expectativas y fuerzas que tiran de las mujeres, y las mantienen metafóricamente estáticas y suspendidas de unos cuantos hilos.

Por su parte, Baby Venus es una franca cita a la así llamada Venus de Willendorf, la figurilla/amuleto reconocida por la Historia del Arte (con mayúsculas) como una de las primeras representaciones femeninas de la humanidad. En ese sentido, esta pieza nos lleva una suerte de origen, a esas formas primigenias que aluden a la fertilidad, pero con un giro particular. No se trata aquí de una mujer madura y capaz de dar vida exclusivamente, sino de una representación que es a la vez una Venus y una bebé, un ser que (pro) crea y que fue (pro)creado. En ese sentido, alude a la noción de origen en tanto principio simbólico, pero lo dota de un carácter cíclico que se encarna y reviste la experiencia maternal que se continúa hasta el infinito a través del cordón umbilical. Además, no se trata

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aquí de una figura pequeña que se pueda llevar uno consigo en sus trayectos nómadas como sí lo era la pieza que se encontrara en las tierras austriacas de Willendorf. La Baby Venus aquí expuesta es, por el contrario, una pieza de gran escala que se hace presente majestuosamente y nos invita a recorrerla y hasta a abrazarla ya que, además de poderosa, se ve pachoncita y tierna por ese recubrimiento de chambritas de bebé que también la diferencia del carácter pétreo de la Venus de Willendorf.

También una pieza textil, Castraciones sociales, presenta una serie de vaginas expuestas que, mediante una maniobra relacional y de conjunto, constituye una imagen en la que dicha parte anatómica deja de ser el reducto exclusivo del pensar, sentir y obrar «femeninos» para presentarse, más bien, como un coro diverso que interroga las maneras mismas en las que la construcción cultural de siglos ha producido una forma unívoca de ser mujer. Así, al recurrir a prácticas comunes a las mujeres como son coser, tejer o bordar para crear una especie de manta con representaciones del órgano sexual femenino por excelencia, Poeter resignifica fondo y forma del hacer y el deber ser ‘femeninos’, y abre un espacio de reflexión sobre las prácticas violentas que históricamente han atravesado las vivencias de las mujeres cisgénero.

El paquete, otra de las obras de este grupo, es un bulto hecho a partir de ropa de bebé de distintas tallas que una amiga que alguna vez vivió un embarazo psicológico le regalara, junto con una serie de cartas manuscritas, a la artista. Es una pieza que habla del peso de una ilusión, de un ser no consumado; se trata, en suma, de una suerte de homenaje y acompañamiento a todas aquellas mujeres que, deseándolo, no logran consumarse como madres.

Por último, se encuentra las Tres desgracias, obra que desde el nombre mismo subvierte el tema clásico al convertirlas en tres figuras bastante lejanas de las mitológicas Cárites, representantes de la belleza, el júbilo y la abundancia en la tradición griega. Y es que suplantando a las tres figuras humanas por tres perras rabiosas que claramente se ligan con las bitches de sus cuadros, Irma Sofía atenta de nuevo contra el canon y abre una fisura que permite cuestionar aquello que se asume universal como es el vínculo entre el constructo mujer y distintas nociones etéreas de virtud.

Adriana Martínez Noriega

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Yo estoy aquí

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En 1997 conocí a Felipe Ehrenberg, otro gran maestro que me enseñó a conceptualizar mi trabajo. En uno de sus talleres «De lo conceptual a lo retinal y de vuelta» produje Yo estoy aquí. Esta pieza es un performance en el que invité al espectador a que pasara por un área de donde colgaban del techo imágenes fotocopiadas de mi persona, a diferentes alturas. Una vez que pasaron todos bajé las fotocopias y las quemé dándole a cada uno de los asistentes a la galería una bolsita con las cenizas que quedaron. ISP

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Yo estoy aquí, 1997.

Vídeo, fotografías y fotocopias I am here, 1997. Video photographs and photocopies

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Pietá, 1993 Acrílico y óleo sobre tela Colección familia Poeter-Barrera (San Diego, EE.UU.) Pietá, 1993 Acrylic and oil on canvas Poeter-Barrera Family Collection (San Diego, U.S.)

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Encajonada, 1994 Encáustica sobre madera. Colección familia Martínez (San Diego, EE.UU.) Boxed, 1994 Encaustic on wood Martinez Family Collection (San Diego, U.S.)

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María Magdalena, 1997 Acrílico y hoja de oro sobre madera. Colección familia Barragán (Tijuana, México) Mary Magdalene, 1997 Acrylic and gold leaf on wood. Barragan Family Collection (Tijuana, Mexico)

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Mitad y mitad, 2000 Acrílico sobre tela Colección familia De la Garza (Tijuana, México) Half and half, 2000 Acrylic on canvas De la Garza Family Collection (Tijuana, Mexico)

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Dos volcanes, 1995 Acrílico y óleo sobre tela Two volcanos, 1995 Acrylic and oil on canvas

siguiente página: next page: Perspectivas, 1995 Acrílico sobre tela.

Colección familia Barragán (Tijuana, México) Perspectives, 1995 Acrylic on canvas.

Barragan Family Collection (Tijuana, Mexico)

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Tigres al amanecer, 1996 Acrílico sobre tela Colección familia Martínez (San Diego, EE.UU.) Tigers at dawn, 1996 Acrylic on canvas Martinez Family Collection (San Diego, U.S.)

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Cubos en la cabeza, 2000. Acrílico sobre tela Colección Lozano (San Diego, EE.UU.) Cubes in the head, 2000. Acrylic on canvas Lozano Collection (San Diego, U.S.)

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Autorretrato, 2000 Acrílico sobre tela Self-portrait, 2000 Acrylic on canvas

página anterior: previous page: Pasajes difíciles, 2000 Acrílico sobre tela Difficult passages, 2000 Acrylic on canvas

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Madoga (serie Bitch), 2005. Acrílico sobre tela Madoga (Bitch series), 2005. Acrylic on canvas

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Brown sugar Madona, 2000. Acrílico y hoja de oro sobre tela Brown sugar Madonna, 2000. Acrylic and gold leaf on canvas

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Total yearning for God, luxury.com, 2000.

Acrílico sobre tela Total yearning for God, luxury.com, 2000.

Acrylic on canvas

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Diner dog (serie Bitch), 2005. Acrílico sobre tela Diner dog (Bitch series), 2005. Acrylic on canvas

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Fetch (serie Bitch), 2004. Acrílico sobre tela. Colección familia Funcke Orendain (Tijuana, México) Fetch (Bitch series), 2004. Acrylic on canvas.

Funcke Orendain Family Collection (Tijuana, Mexico)

página anterior: previous page: Drive by (serie Bitch), 2001. Acrílico sobre tela Drive by (Bitch series), 2001. Acrylic on canvas

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Working bitches (serie

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Bitch), 2007. Acrílico

Bitch Café (serie Bitch),

Bitch Café (Bitch series),

sobre tela

2004. Acrílico sobre tela

2004. Acrylic on canvas

Working bitches (Bitch

Colección familia

Martinez Family

series), 2007. Acrylic on

Martínez (San Diego,

Collection (San Diego,

canvas

EE.UU.)

U.S.)

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Baby Venus (serie Cosidos), 2001. Ropa tejida de bebé y algodón Baby Venus (Cosidos series), 2001. Knitted baby clothing and cotton

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Castraciones sociales, 1999. Tela, tinta y sangre Social castrations, 1999.

Fabric, dye, and blood

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El paquete, 2005.

Fotografías, cartas y ropa de bebé The package, 2005.

Photographs, letters, and baby clothing

El paquete

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Una tarde de verano de 2005 recibí un paquete por correo con prendas de bebé y una carta de mi querida amiga Tania. Ella estaba pasando un duelo después de la noticia de que jamás podría ser madre. En la carta me explicaba su estado emocional y su proceso, y me pedía que con las prendas que con tanta ilusión había adquirido y guardado para su tan deseado bebé, hiciera una pieza de arte con el objetivo de transformar y trascender tal dolorosa noticia. Fotografié la primera y más pequeña prenda que es una

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camisetita blanca sobre el fondo blanco con el espacio donde estaría la cabeza del bebé iluminada. Para la siguiente fotografía coloqué la camisetita dentro de la prenda que le seguía en tamaño y así sucesivamente, hasta que todas las piezas quedaran una dentro de la otra formando un pequeño bulto. Al mover la pieza me sorprendió su peso físico, aparte del peso emocional. Sentí que pesaba lo que pesaría un bebe recién nacido. Así que empecé a pesar cada una de las estaciones que van desde 41 gramos, hasta 1.892 kilos y textualmente incorporé el peso correspondiente a cada una de las imágenes. Hoy en día Tania tiene la fortuna de gozar a su hija Uma de once años de edad. ISP

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Tres desgracias, 2001 Ropa y tela Three Disgraces, 2001 Garments and fabric

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BORDADO FINO: NOSTALGIAS ANCESTRALES

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De un bosque oscuro a una montaña sagrada: la búsqueda artística de Irma Sofia Poeter

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Es apropiado que una de las obras formativas de Irma Sofia Poeter esté en deuda con las Tres Gracias de la mitología griega, que han sido interpretadas por innumerables pintores occidentales.

Estas hijas de Zeus y Hera, Euphrosyne, Aglaea y Thalia, que representan la juventud/belleza, alegría y elegancia, han sido fundamentales para la noción de feminidad idealizada, tanto en términos de las cualidades de temperamento que encarnan como en la forma en que han sido representadas. Esto es igualmente cierto si estamos pensando en una escultura icónica de

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Antonio Canova o en pinturas igualmente familiares de Rafael, Rubens o Cranach. Y por muy diferente que sea su estilo, todas estas obras tienen algo en común: representan imágenes de desnudos femeninos con énfasis en la gentileza y una dosis variable de sensualidad. Tienen algo más en común: un deseo de atender al ojo o a la mirada masculina.

La naturaleza duradera de este tema en la historia del arte seguramente debe haber estado en la mente de Poeter cuando creó su Tres Desgracias (2001). Y su «versión» es clara, está burlando la tradición. Sus «desgracias» son tres criaturas en tela rellena: parecidas a perros y ligeramente grotescas, con senos hinchados. Lo que se está desdeñando aquí, en mi opinión, es la carga que se le impone a las mujeres en esta línea de imágenes para ser gratas, para ser la encarnación de lo agradable y lo alegre.

Extienda esta lógica hasta su conclusión y obtendrá las esposas de Stepford. Y hay una dimensión más en esta línea de pensamiento, tal como se encarna en las versiones de Poeter: representan el lado oscuro de tales idealizaciones y modelos de feminidad: la objetivación y la deshumanización de las mujeres. Las desgracias son los dobles grotescos o degradados de las gracias, mujeres vistas a través del lente oscuro y distorsionador de la misoginia.

Hay trabajos anteriores en esta exposición retrospectiva, pero las Tres Desgracias, proporcionan una piedra de toque, un medio para comprender el camino en el que se embarcó a principios de la década de 1990, como artista. La evidencia es abundante de que Poeter estaba en una búsqueda para definirse a sí misma, como artista y como mujer. Esa naturaleza inquisitiva de su iniciativa ha perdurado, aunque como odiseas sustanciales de esta variedad profunda, la suya ha dado muchos giros y vueltas.

De hecho, las líneas indelebles del comienzo del Infierno de Dante reverberan por mí cuando pienso en el camino que Poeter ha forjado con su arte: «A mitad de camino en el viaje de nuestra vida / Me encontré dentro de un bosque oscuro / Por el camino directo se había perdido»¹. Su propia vida como artista comenzó a la mitad de su vida adulta, más específicamente, en sus treintas. Se había concentrado en el diseño de moda y criando a sus hijos, antes de dedicarse al arte a principios de la década de 1990. Y ese enfoque en el arte coincidió con el despertar y la inmersión en una perspectiva feminista. Tanto el arte como el feminismo fueron esenciales para su proceso de encontrar y definirse a

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sí misma. Y definirse a sí misma como artista era el medio esencial para salir de su propio bosque oscuro. «Ha sido un largo viaje –reconoció– transformador para mí»².

El trabajo inicial es de hecho oscuro, como Poeter ha reconocido sin reparos. Pero hay una sensación, moviéndose a través del tiempo, de que encontró un camino que la condujo fuera de este bosque simbólico. Y en este viaje de la oscuridad a la luz, que caracteriza su gran evolución como artista, debemos tomar nota de dónde vive y trabaja ahora, en la base de la montaña Tecate, situada en la frontera entre México y los Estados Unidos. Más conocida como Cuchumá, esta montaña es un sitio sagrado para los kumiai, la civilización con raíces antiguas cuyo territorio se extiende por Baja California y California. También es sagrado en el pensamiento budista e hindú. El difunto Walter Y. Evans-Wentz, erudito y traductor budista, dedicó un libro muy conocido a los paralelos vívidos entre las enseñanzas budistas y kumiai en relación con el poder de este sitio.

La casa y el estudio que Poeter ha diseñado, que mira al Cuchumá, enfatiza contornos suaves y materiales que armonizan con el paisaje, cada uno representando uno de los cuatro elementos.

Podemos ver el viaje, desde el bosque oscuro hasta la montaña, como un valioso dispositivo de encuadre para su viaje, que ha sido (y sigue siendo) una intensa búsqueda de autoconocimiento, renovación y autorrealización como artista. Y ahora, después de casi tres décadas en su práctica, ha revelado que su odisea es muy variada y luminosa. Ella es de hecho la heroína de la búsqueda que ha aspirado a cumplir, que está en curso.

Su formación anterior como diseñadora de moda informó, y continúa informando, su práctica de usar la costura y la tela como una herramienta importante en su arte. También aprovechó un abrazo más amplio de la costura y el tejido como medios en el ámbito del arte, que tiene raíces en el siglo xx, la Bauhaus, el arte mexicano de mediados de siglo y el movimiento de Patrones y Decoración en los Estados Unidos en la década de 1970.

Meticulosa y elegantemente hecha, la obra Enunciados Suspendidos (1998) es ante todo una expresión de visión y emoción. Las formas suspendidas, la tela y la ropa estiradas, evocan �figuras� tensas, tiradas en todas direcciones, una metáfora escultórica visceral de almas y psiques en coacción. Los zapatos de las mujeres en el piso de abajo son accesorios complementarios de las formas biomórficas por encima de ellos. El título

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completa el simbolismo, con sus sugerencias de que la mujer en coacción ha sufrido una forma de encarcelamiento emocional del cual, cuando se representa en el arte tan vívidamente como en esta instalación escultórica, tiene un efecto potencialmente catártico en el espectador.

En las pinturas de la década que comienza a mediados de los años 1990, Poeter creó imágenes expresionistas que se corresponden con Tres Desgracias y Enunciados Suspendidos. Algunos son alucinantes, como Dos volcanes (1995), con su par de figuras femeninas con cabezas explosivas, piel macabra y pies deformes. En otra pintura se mira a sí misma, y es que Pasajes difíciles no está etiquetada como un autorretrato, pero seguramente lo es, ya que la imagen se parece a la de un autorretrato de 2005. Se ve demacrada, dolorida y su compañero es un cocodrilo. La versión de sí misma en un autorretrato de 2005 parece menos dolorosa y más pensativa. Poeter sostiene un espejo, pero sus ojos están cerrados, como si mirara hacia adentro más que a su reflejo externo.

Y ella parece usar una especie de mapa en su piel, como si estuviera tratando de trazar su camino con su cuerpo y mente. En otras pinturas, la arquetípica hembra luce la cabeza de un perro y todos están etiquetados como perras en los títulos. Estas imágenes se leen de dos maneras, lo que sugiere una imagen feroz de la mujer. Pero también podrían reflejar la misoginia en nuestra cultura, en la que las mujeres pueden ser tratadas como adultos de segunda clase, menos que completamente humanas. El tono en estas pinturas es conmovedoramente feroz.

El alcance general de estos trabajos es sobre la configuración de su propia identidad a través del arte, transmitiendo implicaciones más amplias de la identidad femenina al mismo tiempo. Pero también la vemos extendiendo su vocabulario formal a otros temas, como en Generaciones (2002), una meditación sobre el lapso de una vida que se concreta en una vívida imagen de este gran tema. Las camisas, blusas y pantalones blancos, grandes y pequeños, forman una corriente continua a través de pantallas verticales suspendidas de tela transparente en las que se colocan. También hay exploraciones oblicuas de su historia familiar. Ella tiene afinidad por las fotografías antiguas y cuando descubrió un archivo de diapositivas de su padre, comenzó a emplearlas en su arte. El era americano; su madre, mexicana. Poeter nació en Arcadia, California y creció en ambos países. Y su afinidad igual por ambas culturas es una característica importante de su trabajo y vida.

De adulta, ha vivido en San Diego, Arizona y México, y ahora siente que Tecate (el Tecate

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en México) está en casa. Bordar estas fotografías es una forma de comunicarse con su padre y su historia, una historia que involucraba construir una goleta de 80 pies en la que hacía muchos viajes. Ella ha creado una composición llamativa, utilizando su imagen de un industrial en Construcción-deconstrucción (2008) al que agrega apliqués en amarillo brillante de un patrón de una blusa Huipil. Está impreso en lienzo.

En su deseo de profundizar en su identidad cultural, la decisión de Poeter de pasar un tiempo en Oaxaca, de 2008 a 2010, fue vital. Y como explica en su sitio web, «Vivir y trabajar allí me dio la oportunidad de tener una experiencia increíblemente rica con los textiles. El color, las texturas, la forma y las iconografías incrustadas en una cultura compleja y diversa me llevaron a otro ámbito, donde el espíritu, la tradición, el misticismo y la naturaleza conquistan y reinan»². Su pasión por la costura y la tela ya era muy evidente en su trabajo. Pero su tiempo en Oaxaca la condujo a una epifanía personal: ese tapiz podría ser un medio excelente para ella, una forma de combinar la iconografía y las tradiciones europeas y prehispánicas. El impacto fue aún mayor para ella: lo describe como un «despertar espiritual», encendiendo un deseo de estar más cerca de la naturaleza y valorar lo que ella llama conocimiento ancestral. Estas revelaciones la llevaron a establecerse en Tecate, cerca de la montaña sagrada de Cuchumá, para crear una casa construida de adobe y paja que refleja fuego, agua, aire y tierra.

Esta nueva visión del arte y la vida ha desencadenado una interesante línea de trabajo.

Oración (2014) es un ejemplo rico y elegante: un tapiz de estilo europeo superpuesto con imágenes mixtecas y zapotecas. Las dos culturas se cruzan en los estilos visuales contrastantes de las aves. Su tiempo en Oaxaca también sirvió como catalizador para explorar otro principio de su cosmovisión: la premisa de que todos poseemos una dimensión masculina y femenina. Decidió explorar su lado masculino, trabajando bajo el nombre de Eduardo mientras estaba en Oaxaca. Poeter creó una serie de trabajos basados en entrevistas con oaxaqueños que emigraron a los Estados Unidos y regresaron, Identidades Re-vestidas. Su estilo tradicional de vestir era una fuente principal de imágenes en estas piezas. Un ejemplo en la exposición, Eduardo (2018), realizado ocho años después de su regreso de Oaxaca, representa su propia aunque diferente «migración»: volver a esta región fronteriza. Su imagen principal, un mandala, está formada por las piernas de los jeans, su forma de vestido «tradicional».

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Los mandalas son fundamentales para el trabajo que ha estado haciendo después de su regreso de Oaxaca. El ejemplo profusamente modelado, Fisión-Fusión (2018), inspirado en una visita a un laboratorio en el Instituto Salk, donde observó la fisión y fusión mitocondrial. La composición es exuberante, hermosa, una expresión de alegría al descubrir las energías en la vida microscópica paralela a las espirituales. La composición recuerda las maravillosas líneas de William Blake, «Ver un mundo en un grano de arena / Y un cielo en una flor silvestre / Sostener el infinito en la palma de tu mano»³.

Parece apropiado que su hogar esté representado en la exposición: a través de fotografías, un video desde un dron y una maqueta de tela. Un sentido de lugar es intrínseco al trabajo actual. Ha recorrido un largo camino desde su bosque oscuro hasta un lugar lleno de luz y vida. En la noble tradición de la misión, había enfrentado dificultades y obstáculos y había logrado una especie de paz. Eso no significa que ella ignoró las realidades y las tensiones del territorio fronterizo. Hay una sección aislada de la valla fronteriza en el Cuchumá que le sirve como un recordatorio constante de las realidades políticas de la región. Pero en reacción al pensamiento político y la política que nos divide, Poeter ofrece otro grupo de trabajos: abrigos que combinan materiales de una gran cantidad de culturas y grupos. Ella los considera prendas de protección, de una manera expansivamente simbólica. Su objetivo es reducir la diferencia, subrayar cómo la conexión triunfa sobre la división. Estas son prendas ornamentadas y exuberantes. Y cuán intrigante es pensar que recuerdan sus inicios en el diseño de moda, infundiendo a las prendas la visión luminosa que es el sello distintivo de su arte. Su búsqueda se ha desarrollado y se desarrolla en tiempo cíclico y lineal.

Robert L. Pincus

Notas: 1. Dante Alighieri, La Divina Comedia, traducida por Henry Wadsworth Longfellow. (Boston: Ticknor y Fields, 1867), 1.

2. Irma Sofía Poeter, entrevista con el autor, 11 de septiembre de 2019.

3. William Blake, «Auguries of Innocence» en The Pickering Manuscript (c. 1801-1803).

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Nostalgias ancestrales, bordado fino english version go to page 183

Este núcleo comienza con la espectacular pieza Generaciones que, suspendida del techo, envuelve el vestíbulo del Museo de las Californias con esas múltiples capas de velos translúcidos que representan sustratos mnemónicos de los antepasados de la artista. El resto de la obra que conforma este grupo se encuentra dispuesta en el área central de la sala, es decir, en el corazón simbólico de la misma. Así, circundado por tres mamparas, este segmento contiene sus piezas más personales, ésas que remiten a los recuerdos de infancia y a la añoranza depositada en sus orígenes materno y paterno. De ahí que la pieza Nostalgia esté colocada a manera de umbral de este espacio: una escalera colgante hecha con huesos humanos, que bien puede remitir a la estructura de una cadena de adn, invita a recorrer con la mirada sus peldaños

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de arriba a abajo en un acto que simbólicamente implica (re)conocer el pasado para entender el presente.

Una vez dentro de este núcleo central, la obra Victor’s, hecha a base de acrílico con el nombre bordado en tela, nos lleva a ese lugar emblemático y de estética californiana en donde, durante una época, tuvieron lugar los encuentros del Grupo M artes. Sin embargo, la imagen que Irma Sofía presenta aquí no corresponde con su etapa adulta, sino con una bastante anterior en la que ella era apenas una niña. Una niña que, tomada de la mano de su querida tía materna, se desdibuja mientras camina por el estacionamiento del restaurante. A un costado, Desdobles, un díptico de la misma técnica que, a manera de espejo, replica una escena en la que aparecen su madre y su tía por partida doble, apunta directamente a su herencia y vínculo con el lado materno de su genealogía. Se trata, en suma, de un paisaje urbano, ordenado, terrenal, en fin, pragmático pero atravesado por el bordado fino los afectos.

En contrapunto a ello, el influjo paterno se hace presente mediante el políptico Padrehijo/hijo-padre que irrumpe verticalmente en el espacio. Se trata de su abuelo y su padre que aparecen posando frente a nosotros, cubiertos en uno de sus dos retratos por máscaras de luchador. Este elemento que los vincula también reviste de cierto halo lúdico sus presencias ya que se esconden y develan a la vez. Siguiendo por el sendero de la memoria y la añoranza ancestrales, las series Re-a-bordados y Visiones de luz son piezas pequeñas que, literal y metafóricamente, invitan a acercarse de manera íntima a presenciar la inmensidad de los paisajes marinos capturados por la lente de su padre y posteriormente intervenidos por la mano de la artista. Se trata, en suma, de una maniobra fina mediante la cual Irma Sofía logra conectar, como hilo en la aguja, con el espíritu aventurero de un padre que de soltero recorriera en su barco el océano Pacífico en busca de nuevos horizontes.

Por último, un par de piezas de las series Construcción-deconstrucción y Terrazas, siguiendo la misma lógica que las anteriores pero en formatos más grandes, cierran este sancta sanctorum abordando el tema del origen y la manera en que las memorias ancestrales se a-bordan.

Adriana Martínez Noriega

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Nostalgia, 2002 Huesos e hilo de seda Nostalgia, 2002 Bones and silk yarn

pégina siguiente: next page Victor’s, 2008 Acrílico y bordado sobre tela Victor’s, 2008 Acrylic and embroidery on canvas

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Desdobles (serie Pinturas desbordadas), 2008. Acrílico sobre tela, tela sobre tela y bordado Unfolding (Pinturas Desbordadas series), 2008. Acrylic on canvas, fabric on fabric, embroidery

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Padre/hijo-Hijo/ padre, 2007. Fotografía bordada y pintada con acrílico Father/son-Son/father, 2007. Painted with acrylic and embroidered photograph

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Re-a-bordados, 2007 Diapositivas bordadas Re-embroidered, 2007 Embroidered slides Visiones de luz, 2007 Diapositivas intervenidas con bordados y esgrafiado Light visions, 2007 Intervened slides with embroidery and sgrafitto

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TransBordados

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Este trabajo nace ante el hallazgo del archivo de transparencias tomadas por mi padre. En 1960 él construyó un barco tipo Schooner de dos mástiles y 80 pies de largo con el que realizó numerosos viajes por el océano Pacífico.

TransBordados es un trabajo que explora las multiplicidades de la imagen según las lecturas de un archivo. A principios de 2007 comencé a intervenir directamente las transparencias tomadas por mi padre, perforándolas, uniendo dos, bordándolas, rallándolas y/o pintándolas.

Las piezas de TransBordados son de diversas dimensiones en función de las intervenciones y las diapositivas: algunas están colocadas como objetos singulares en cajas de luz y otras están transferidas en impresión digital sobre papel fotográfico y lienzo. Sin embargo, todas están pintadas, bordadas y/o presentan aplicaciones cosidas. Una de ellas, incluso, está tejida en lana a manera de tapete miniatura. ISP

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Construccióndeconstrucción, 2007 Aplicación de bordado sobre fotografía digital sobre lienzo Constructiondeconstruction, 2007 Embroidered appliqué on digital photograph on canvas

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Terrazas, 2007 Bordado y acrílico sobre fotografía digital sobre tela Terraces, 2007 Embroidery and acrylic on digital photography on canvas

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OTHERNESS: SOCIAL FABRIC

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La otredad: tejidos sociales

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Esta sección se enfoca en la relación con la otredad, ese tema filosófico sobre el cual tanto se ha escrito y al cual aquí hago referencia a través de la metáfora del tejido social, una manera de aludir a la relacionalidad en tanto parámetro para medir la buena salud de una comunidad. Hoy por hoy, en el mundo entero, pero de manera muy especial en nuestro país, se habla de la importancia de resarcirlo ya que la violencia lo ha descompuesto hasta romperlo de maneras drásticas. En ese sentido, este grupo de obras da cuenta de un aspecto más socialmente comprometido en donde ella apuesta por incluir a la otredad dentro de sus preocupaciones. Ya que, si bien no busca necesariamente darles voz, sí incluye sus demandas y las incorpora a sus búsquedas plásticas. Y es que ése es también el deber del arte: recordar la dimensión colectiva del mal y al mismo tiempo hacer presente el hálito de una

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esperanza inextinguible instalada en cada átomo de la existencia, donde todo, desde las moléculas de polvo hasta los más lejanos universos, dialoga con todo y existe porque lo otro existe. Así, orientada en la geografía variable de una era en la que la movilidad entre fronteras, la nueva composición del trabajo, la guerra, la pobreza y la violencia mutan a toda velocidad, la artista transfronteriza pone sobre la mesa con gran potencia estas discusiones que, sin duda, son cruciales en el horizonte global.

Las primeras obras de este apartado son Lilia y Eduardo de la serie TransBordados. Ambas piezas nos hablan de los procesos personales que conlleva el fenómeno migratorio contemporáneo. La primera, Lilia, habla de un desplazamiento sur-norte-sur, mientras Eduardo lo hace a la inversa. Aunque en ello se observan lógicas de poder distintas, tanto Lilia como Eduardo (el alter-ego masculino de Irma Sofía) coinciden en el uso del textil como elemento o material para sus creaciones. Ambas piezas encuentran en el acto simbólico de tejer la posibilidad de narrar o contar historias que las conectan con el saber de sus antepasadas y le dan, así, sentido a su día a día. Desde esta lupa, estas piezas, a pesar de presentar prendas o diseños modernos como los pants y los jeans, representan afectos y vínculos ancestrales que aluden a tránsitos de carácter físico, pero también emocional. De ese modo, Lilia cuenta las experiencias de una mujer oaxaqueña del mismo nombre antes, durante y después de haberse ido a buscar suerte a Estados Unidos. Por su parte, Eduardo relata su propia experiencia, la de una mujer que con su doble nacionalidad circula libremente de uno y otro lado de la frontera. Sin embargo, fue en Oaxaca, donde entendió el verdadero significado de los procesos migratorios y de sus propios privilegios (de raza y de clase), lo cual la condujo a abrirse a la posibilidad de imaginar y percibir las cosas de forma diferente.

Ahora bien, las obras Fuerza de trabajo y Realidades desgastadas continúan con las preocupaciones sociales de la artista y abordan el tema de los derechos laborales. Ambas realizadas con ropa de mezclilla (camisas y mangas respectivamente), prendas cuyo origen está ligado a las clases obreras mineras y que en épocas recientes se han erigido como símbolo universal de lo juvenil y lo antisistema. En el contexto mexicano actual, sobre todo en la región fronteriza, refieren sobre todo a la realidad de las maquilas y a los fenómenos socioeconómicos que detrás de ellas se esconden. Así, estas obras cuestionan tanto la despersonalización como la opresión que se vive al interior de las industrias en el marco de un neoliberalismo global sin precedentes.

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How many drops have fallen?, un vestido de novia hecho a partir de uniformes de camuflaje militar y cuya cola representa un conjunto de vísceras expuestas tiene, como la misma artista lo dice, distintos niveles de lectura. Por un lado, es una crítica a la industria de la guerra desde el punto de vista de las llamadas Army wives (esposas de militares que sufren la pérdida o, por otro, es una crítica a la banalización que de dichos estampados (bélicos) ha hecho el mundo de la moda; y, por último, es una alusión al matrimonio en tanto campo de guerra. Dispuesta sobre una base a nivel de piso esta pieza fuerza nuestra mirada hacia abajo y nos hace preguntarnos por esa sangre de violencia con la que estamos (des)nutriendo la tierra.

Por otro lado, muy ligada formalmente a El paquete, El olvidado (exhibida en The Front) remite al emblemático film de Luis Buñuel de casi el mismo nombre en el que el director español plasmara la pobreza de las periferias en la Ciudad de México en los años cuarenta. Esta pieza es un busto sin cabeza hecho a partir de múltiples capas de suéteres rasgados a la altura del corazón. Un ser sin identidad definida y vestido con ropa andrajosa, de ésos que en la calle solemos ya no ver, y que nos muestra, no obstante, su conformación interior en un intento por generar intimidad con el espectador.

Continuando en esta línea, el registro fotográfico de la acción Simplicity 6954, un molde de galleta en forma de abrigo a gran escala que se inserta en la tierra dejando un hueco en el suelo, apela a la noción de ausencia/presencia a través de ese juego entre cubrir y descubrir, entre estar o simplemente dejar un rastro. Y es que, como establece Mónica Mayer en su texto Ouch!, a la luz de la realidad actual, esta pieza nos lleva a pensar en fosas comunes, feminicidios y desapariciones forzadas. A continuación, se presentan las piezas Celebración y Lavando memorias que, en grande y pequeño formatos, remiten también a escenas en donde se deja entrever el borramiento de ciertos personajes. Quizás huecos en la memoria, quizás vacíos de aquellos que ya no están…

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Lilia (serie Identidades revestidas), 2008 Textil de seda, capullos de gusano de seda (sombrero, chaqueta, pantalón y tenis) Lilia (Re-dressed Identities series), 2008 Silk textile, silkworm cocoons (hat, jacket, pants, and tennis shoes)

Identidades Re-vestidas

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Identidades Re-vestidas es el resultado del intercambio entre dos culturas, México y Estados Unidos, de la fusión del textil tradicional y el textil contemporáneo. Es una muestra de piezas creadas a partir de historias de personas que dejan su país, sus

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comunidades, sus familias para migrar de Oaxaca a los Estados Unidos. Estos migrantes regresan a sus pueblos y sus historias de transformación son recreadas interviniendo su vestimenta tradicional. Esta pieza es el resultado de la historia de Lilia.

Lilia es una tejedora de rebozos de seda, vive y trabaja en San Pedro Cajonos, en la región Sierra Norte de Oaxaca. Ella cría sus gusanos de seda en su casa. Lilia migró a los Estados Unidos en 1998, se fue en busca de mejorar su economía y dejó atrás a sus dos hijos cuando aún eran muy pequeños. Ella no tenía marido. En California cuidó a los hijos de su hermana; constantemente pensaba en los suyos, constantemente se encontraba hilando su seda. Estando allá le llamó la atención la vestimenta masculina: los jeans, las chamarras y, sobre todo, los zapatos; extrañaba mucho a sus hijos, quería todo eso para ellos.

Después de un año de estancia del otro lado, regresó. De vuelta en Oaxaca fue explotada por su padre. Ella tejía rebozos que él vendía, pero nunca recibía un quinto por su trabajo. A escondidas, Lilia entró en un concurso de rebozos y ganó el primer lugar, esto le dio la seguridad para independizarse. Hoy, uno de sus hijos la apoya tejiendo, el otro se perdió en el alcohol.

Su día empieza siempre a las tres de la mañana. Hace rebozos en seda o en ixtle. Su hijo también teje, pero es ella quien se encarga del terminado de las barbas, el empuntado.

Para trabajar el ixtle es necesario hacerlo fuera de casa, bajo el calor del sol, para eso usa el sombrero de su hijo, no quiere un sombrero propio. Mientras ella teje el hijo hace la salsa y le cocina.

Lilia sueña con tener una máquina que haga el trabajo de tejer la seda, pero está consciente de que el verdadero valor de su trabajo radica en el hecho de que lo realizan sus propias manos. ISP

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Eduardo

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Eduardo, 2018 Pantalones jeans, aplicaciones de tela y bordados sobre tela Eduardo, 2018 Jeans pants, fabric appliqués, and embroidery on fabric

Mi trabajo en Oaxaca me llevó a conocer todo el estado con sus ocho regiones y 16 grupos étnicos. Entrevisté cerca de cuarenta migrantes que habían salido hacia los Estados Unidos y que habían regresado a Oaxaca. Conté sus historias transformando los trajes típicos de las regiones de donde eran los migrantes. El traje típico de una región generalmente habla de la historia de la comunidad pero, en este caso, la prenda hablaba de la historia del individuo. Trabajé con artesanas y artesanos para la elaboración de las piezas que sumaron diez, las mismas que se presentaron en el Museo Textil de Oaxaca en una exposición llamada Identidades Re-vestidas. Después de haber terminado mi exposición me di cuenta de que la primera migrante de ese proyecto había sido yo misma, solo que yo había migrado de norte a sur para regresar al norte. Mi transformación había sido tan fuerte como cualquiera de las historias de las personas que había entrevistado, y decidí hacer la onceava pieza: Eduardo.

Como Eduardo partí de California hacia Oaxaca. Me llevó el trabajo y la aventura. Soy una artista textil y mi verdadero nombre es otro. Decidí cambiarlo estando en Oaxaca, siguiendo el relato que mi madre me contó una infinidad de veces. La historia cuenta que antes de que yo naciera, el doctor había afirmado que sería niño por las fuertes patadas y los poderosos latidos de mi corazón.

El nombre que me esperaba era el de Eduardo, sin embargo, al nacer se dieron cuenta de mi género y me pusieron Irma Sofía.

Durante mi estancia en Oaxaca (2008-2010), estuve trabajando bajo el nombre de Eduardo Poeter. Este pseudónimo es el título de esta pieza, la última de la serie Identidades Re-vestidas, en donde no cuestiono la noción transgénero, sino las maneras en que nombramos las cosas del mundo que nos rodea.

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En Oaxaca conocí la importancia de las plantas, la relación que cada ser humano tiene con la tierra, con sus raíces, con el conocimiento ancestral. También conocí la importancia del trabajo en comunidad a través del concepto del tequio y de la guelaguetza, la belleza de trabajar con las manos, la importancia del trabajo artesanal. Aprendí a amar a la Madre Tierra, a respetarla, a luchar por ella. Me di cuenta de la gran fuerza que se adquiere cuando se reúne una comunidad a trabajar sin jerarquías por el bien común.

Encontré que lo más sencillo es lo más bello y que la familia, ya sea de sangre o escogida, es el pilar que nos sostiene y nos inspira. Mi espíritu se exaltó y encontró un despertar espiritual que me llevó a cambiar mi vida totalmente. ISP

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Realidades desgastadas, 2005. Mangas de camisas sobre tela de paracaídas Worn realities, 2005 Shirt sleeves on parachute fabric

pégina anterior: previous page Fuerza de trabajo, 2005 Camisas y tela Workforce, 2005 Shirts and fabric

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How many drops have fallen? (¿Cuántas gotas han caído?) english version go to page 189

How many drops have fallen? es una intervención a un pantalón y a una camisa militar con impresión de camuflaje que, en conjunto, se transforma en un vestido de novia. De él pende una cola de tela de organza y algodón trenzado simulando vísceras en las cuales se lee el nombre de la obra hecho con cuentas rojas de plástico cortado.

Las lecturas críticas de la pieza son diversas. Por un lado, se refiere a lo que la cultura estadounidense llama Army Wife, que son las mujeres (esposas, novias o viudas de militares) que sufren la guerra de manera (in)directa al sobrellevar ya sea la carga de convivir con parejas que quedan lisiadas, o bien, de vivir la pérdida en combate de sus seres queridos. Por otro lado, la pieza hace alusión a lo banal que resulta la utilización del estampado de guerra en el sistema de la moda imperante, sobreentendiéndose que la guerra está en boga. Por último, está la connotación metafórica del matrimonio como un espacio de batalla.

Este vestido se presentó en el Museo de Arte Contemporáneo de San Diego, CA, como una reprobación a la Guerra del Golfo. ISP

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¿Cuántas gotas han caído?, 2007 Uniforme militar, algodón crudo y tela

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¡Ouch!

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La vi y me dolió. La pieza que realizó Irma Sofía Poeter en el suelo húmedo del frondoso Jardín de las Esculturas en Xalapa, Veracruz, la sentí en mi propia piel.

La artista escarbó la tierra y creó varias formas. Después les colocó una cinta de acero alrededor del perímetro, a ras de tierra.

De entrada, me recordaron a los moldes con los que mi mamá, mis hermanos y yo hacíamos galletas navideñas cuando era niña.

Las formas de esta incisión que penetra el pasto verde dejando al descubierto el color café profundo de la tierra, son las del patrón para un abrigo, el Simplicity 6159, Abrigo A, a doble escala. «¡Qué chistoso! –pensé– la Poeter está desvistiendo la tierra con un abrigo». Destapa con algo que se supone que tapa. Utiliza lo que debiera servir de protección para resaltar lo vulnerable. Es una obra tan paradójica como la relación del arte y la naturaleza,

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que en este jardín, generalmente mantienen un diálogo respetuoso, pero en esta obra se convierte en un enfrentamiento directo.

La pieza también me recordó la ropa de papel con la que vestía de chica a mis muñecas de cartón. Pero cuando vi el gancho colgado de un árbol que también es parte de esta instalación, nuevamente me paré en seco. Me quedé pensando que a ese gancho lo habían dejado colgado porque, a menos que pase algo extraordinario, el abrigo ya no se va a levantar. Ese abrigo que debió ser, ya jamás será. Sin embargo, podríamos pensar que se trata de la promesa de una tierra que nos abrigue, cosa que dudo después de todo lo que le hemos hecho. Por alguna razón me recordó el cuadro que pintó Frida Kahlo en 1933, Mi vestido cuelga aquí, en el que la ropa de la artista está colgada en medio de Manhattan, resaltando su ausencia. La figura de Ana Mendieta marcada en la tierra, también me viene a la mente.

Aunque mis primeras reacciones ante esta obra me remiten a la infancia, no creo estar ante una obra inocente. En la infancia nos imponen los patrones que generalmente nos acompañarán toda la vida, a veces como guías para navegar la realidad, pero otras como cicatrices tan profundas y delineadas como las que marca esta obra.

No quiero encasillar mi apreciación de esta instalación/intervención en el pasado. Lo malo es que si dejo que me remita a mi condición de adulto, bien puede ser aterradora.

La figura de una mujer (o su abrigo) desmembrada, sus partes regadas por el piso, a medio enterrar, me hace pensar tanto a la Coyolxauhqui como en las mujeres que han sido asesinadas en Ciudad Juárez, cuyos cuerpos semidesnudos, mutilados, han sido encontrados apenas abrigados por la arena del desierto.

Con el tiempo, el acero duro de esta obra empezará a oxidarse, abandonando su tono industrial para integrarse un poco más a la tierra que rodea. Supongo que poco a poco se irá integrando al paisaje y se suavizará un poco. El tiempo también la irá nutriendo con todas las ideas y sensaciones que despierta en quienes la observan, porque me queda claro que, igual que cualquier abrigo, esta obra es polisémica y que se amolda perfectamente bien al cuerpo de quien se lo pone.

Mónica Mayer

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Simplicity 6954, 2004 Pieza cavada a partir de un patrón de abrigo a doble escala en el jardín escultórico de Xalapa, Ver.

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Lavando memorias, 2008. Acrílico y aplicaciones bordadas de tela sobre tela Laundering memories, 2008. Acrylic and embroidered fabric appliqués on canvas

pégina anterior: previous page: Celebración, 2008 Acrílico y aplicaciones bordadas de tela sobre tela. Colección familia Montoya (Tijuana, Mexico) Celebration, 2008 Acrylic and embroidered fabric appliqués on canvas. Montoya Family Collection (Tijuana, Mexico

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LA FRONTERA: IMAGINARIOS LIMINALES

irma sofía poeter

La frontera: imaginarios liminales

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Las fronteras son heridas en la tierra; son divisiones ficcionales que delimitan un aquí para separarlo de un allá. Sin embargo, en un sentido más amplio, la noción de frontera puede referirse también a los límites entre un cuerpo y otro o a barreras que no son necesariamente físicas ni geográficas. Muchos teóricos, como Gloria Anzaldúa, han dado cuenta de ello. Es por eso que es importante traer su pensamiento a colación ya que, si bien aborda

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retrospectiva

los aspectos dolorosos de habitar un espacio entre medio, ofrece, en última instancia, una visión sanadora; un «estado Coatlicue», frente a la escisión de la Coyolxauhqui.

Así, para quienes han nacido en un contexto liminal como es la zona Tijuana/San Diego, la idea de transfronteridad se presenta como una tercera vía que, consciente de la permeabilidad de los muros, permite la relacionalidad, la hibridación y, por último, la conjunción equilibrada de las cosas buenas de ambos lados, literal y metafóricamente hablando. De aquí que la identidad binacional de Irma Sofía Poeter, esa que mediante un guión une a la vez que separa su mexicanidad y su ascendencia anglosajona/alemana poniéndolas a dialogar en un mismo nivel, se pone de manifiesto en esta serie de obras titulada Iconografías infiltradas.

Paisajes nocturnos, presenta un firmamento oscuro pintado sobre un patrón de estampado con coquillages estilo francés en el cual destacan glifos geométricos de aves, estrellas y serpientes con clara influencia prehispánica. Por otro lado, el trío compuesto por Unión, Oración y Mujer sigue esa misma lógica que combina fondos y formas de distintos orígenes y tradiciones, resaltando así la riqueza que emana de esa doble mirada. Por último, se encuentra Düsseldorf, un par de fotografías en blanco y negro que, remitiendo a esos registros arquitectónicos del siglo xix, aparece no obstante «invadido» por el colorido y las formas sinuosas de una deidad serpenteante gracias a su artificiosa y subversiva intervención.

Adriana Martínez Noriega

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Paisajes nocturnos, 2013 Acrílico sobre tela Night landscapes, 2013 Acrylic on canvas

Iconografías infiltradas

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Iconografías infiltradas es el resultado de la experiencia de mis dos años de estancia en Oaxaca, México. Vivir y trabajar allí me permitió tener una de las más enriquecedoras experiencias con el textil. Color, textura, forma e iconografías encarnadas en una compleja y diversa cultura me llevaron a otro espacio, donde espíritu, tradición, misticismo y naturaleza, conquistan y reinan.

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El formato de las piezas es europeo, pero la iconografía fusionada es prehispánica. Estos íconos vienen de los bordados y tejidos de los trajes y textiles utilitarios de las culturas mixteca y zapoteca. Estos narran y describen la ancestral y singular cultura de su gente.

Es evidente que esta re-conquista se está extendiendo fuera de los límites del singular lugar llamado Oaxaca. Nosotros, como mundo, estamos regresando a esa manera ancestral; buscando sentido, dirección y nuestra propia sobrevivencia. ISP

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Unión, 2013 Acrílico sobre tela Union, 2013 Acrylic on canvas

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Mujer, 2013 Acrílico sobre tela Woman, 2013 Acrylic on canvas

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Oración, 2014 Acrílico sobre tela Prayer, 2013 Acrylic on canvas

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Düsseldorf, 2014 Fotografías encontradas y tinta Düsseldorf, 2014 Found photographs and ink

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(DE) CONSTRUCTING HOME

irma sofía poeter

La (de)construcción del hogar english version go to page 193

Toda odisea, como bien demostrara Ulises, empieza por el mismo acto: irse de casa. El periplo artístico de Irma Sofía no es la excepción ya que el salto al vacío con el que se iniciara en este menester implicó, en buena medida, dejar de lado la noción tradicional de familia, enfrentar monstruos, deconstruir falsas verdades y surcar mares entre tormentas y vendavales como alguna vez hiciera su padre. Sin embargo, con alrededor de quince años de recorrido, Poeter finalmente decidió alzar la bandera blanca, como lo demuestra la pieza Surrender que realizara por primera vez en 2010, y optó por volver a tierra firme, por regresar al hogar. Su Ítaca, no obstante, ya no era aquella que había dejado atrás. En ese sentido, convirtiéndose en el Homero de su propia historia y siguiendo los consejos de Virginia Woolf, se embarcó en una nueva aventura: la creación de un hogar propio, una Arcadia acorde a sus nuevas búsquedas y necesidades.

El sitio para dicho proyecto lo descubrió en Tecate, a las faldas del Cuchumá, el cerro sagrado de los Kumiai, los pobladores originarios de esta tierra hoy dividida entre México y Estados Unidos. A escasos dos kilómetros del muro fronterizo, en un terreno rectangular, encontró el lugar donde asentarse y se entregó a la tarea de diseñar, delimitar y aprovechar las bondades del espacio al máximo. Trazó los ejes en las cuatro direcciones, concibió una casa para cada elemento (aire, agua, tierra y fuego) y les otorgó funciones distintas; se puso a jugar con las formas y materiales locales, definió las escalas, diseñó el jardín, decoró los interiores y armonizó todo con el entorno para hacer de su casa un hogar sustentable y respetuoso con el entorno.

La maqueta, el video y el conjunto de fotografías exteriores e interiores que aquí se concentran son el registro completo de esa empresa (de)constructiva que le tomó seis años terminar.

Adriana Martínez Noriega

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Ríndete/Surrender, 2010-2019. Textil tejido a mano, bordado y rama de árbol Surrender/Ríndete, 2010-2019. Hand woven textile, embroidery, tree branch

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Arquitectura: Casa Fuego, Casa Tierra, Casa Agua, Casa Aire y temazcal

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Durante el período del 2014 a 2019 construí tres casas en un terreno a las faldas de la montaña sagrada del Cuchumá. El terreno ya tenía una casa de ladrillo que rediseñé y llamé Casa Fuego.

Después edifiqué Casa Tierra, una casa hecha de pacas de paja enjarrada con barro completamente realizada a mano. Fue hecha con la idea de crear una casa sustentable donde los materiales naturales (paja, barro, carrizo y madera) funcionaran práctica y estéticamente en su mayor potencial. Se le incorporó un baño compostero por lo que todas sus aguas grises, así como las de las demás casas, son aprovechadas para el riego del jardín. Se usó tierra local para el barro que se utilizó en la construcción y el carrizo de un arroyo cercano para uso decorativo-funcional en las puertas de los clósets, cocina y forrado interior de los techos. La mayoría de los muebles como cama, mesas de noche, tocador, mesa y bancas del desayunador fueron hechos a mano de barro y cemento, y se incorporaron a la arquitectura completamente. El diseño de la casa va cambiando estructuralmente de un espacio cuadrado,

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reflejando la casa vecina de ladrillo (Casa Fuego), a un espacio circular y orgánico. Incorporé los troncos de un árbol caído que estaba dentro de la propiedad para la construcción del muro ondulante que separa la recamara de la cocina. Las puertas interiores fueron hechas con madera reciclada, una con forma orgánica. Se usaron piedras del río Tecate para la decoración del baño, y los mosaicos de barro de la cocina fueron hechos y pintados artesanalmente. El color de los muros interiores y exteriores es del tono de la tierra con que se enjarraron, la pintura blanca está hecha de cal y el aglutinante utilizado para el emplastado es baba de nopal. Al mismo tiempo se construyó un diseño completamente personal de un temazcal de barro, madera, carrizo y piedra, para doce personas.

La siguiente construcción fue Casa Agua, ubicada al final de la propiedad, en la esquina noreste.

Esta casa fue hecha con ladrillo local y bloques de cemento. Todo su techo es una gran bóveda de alambrón y cemento. Se incorporaron al muro oeste garrafones de vidrio con agua que al bajar el sol proyectan múltiples arco iris sobre el piso y los muros interiores. La casa tiene un mezanine al que se accede por una escalera espiral, y dos desniveles, el nivel más bajo tiene triple altura dando una sensación de un espacio sin límite. También aquí se usaron mosaicos hechos a mano para la cocina y el baño. Así como en casa tierra, ramas y troncos de árbol fueron usados para cortineros, toalleros y jaladeras de las puertas de cocina. El piso es de ladrillo local colocado directamente sobre el suelo. Se incorporó en un jardín interior, un árbol de eucalipto ya existente que armoniosamente quedó dentro de la casa.

Casa Aire fue la última en construirse. Se encuentra en la esquina suroeste de la propiedad. Fue construida con ladrillos y bloques de cemento, pero el material que destaca es la madera. Toda la madera utilizada fue reciclada de segunda para techos, pisos, clósets, puertas y cocina. Aquí también se incorporaron elementos naturales como troncos y ra-

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Arcadia: Casa Fuego, Casa Tierra, Casa Agua, Casa Aire, 2013-2019 Cien fotografías de exteriores y cuatro fotografías de interiores de cada una de las casas hechas por Mario Suárez Maqueta en tela con relleno de wata Video 02:36min.

Realización: Mario Suárez Arcadia: Casa Fire, Casa Earth, Casa Water, Casa Air, 2013-2019 One-hundred exterior photographs and four interior photographs of each house built by Mario Suárez

mas para las jaladeras de puertas y toalleros como en las casas anteriores. La construcción consta de tres niveles: el primero es un espacio para un carro; en el segundo, a cuatro escalones de altura, hay una recámara y un baño completo; al último espacio se accede por una escalera espiral y se trata de un área abierta donde se encuentran cocina, sala, comedor y recámara.

Tiene ventanas en sus lados este y sur con una extensa vista a la ciudad de Tecate. En el lado norte tiene ventanas entre las dos aguas del techo lo cual permite que entre la luz a raudales y que tenga una sensación de ligereza y, por último, una puerta balcón de vidrio que da a una terraza donde se ve, inmejorablemente y en todo su esplendor, la montaña sagrada del Cuchumá. Esta casa tiene en su interior dos muros de vidrio, hechos de ventanas recicladas. Uno de estos muros está a los pies de la cama del espacio abierto, el otro muro es el tercer muro de la recamara del segundo nivel.

Fabric mockup Video 02:36min.

Made by Mario Suárez

El jardín está dividido en áreas: una es el área del huerto orgánico, le sigue un área de contemplación bajo árboles de olivo, la siguiente es el área del temazcal y la última, es el área de los árboles frutales.

Consta de una combinación de plantas nativas y otras que necesitan poca agua. Está rodeado de árboles que ayudan a crear un microclima que protege a las casas de las inclemencias de las grandes diferencias de temperatura. ISP

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LA TRASCENDENCIA: SINERGIAS ESPIRITUALES

irma sofía poeter

La trascendencia: Sinergias espirituales

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El eje rector que concierne al vínculo de Irma Sofía con el espectro metafísico de la existencia, si bien atraviesa todo el cuerpo de su obra, se hace presente de manera más contundente en series como Chacras y Protección en las que la artista incursiona en el mundo de la moda diseñando trajes y abrigos a partir de telas de distintos materiales, texturas y estampados que provienen, además, de diferentes regiones del mundo. La primera serie, represen-

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tada en esta muestra por Mulhadara, chacra 1 (raíz) y Ajna, chacra 6 (tercer ojo), alude a los puntos energéticos del cuerpo que desde la visión tántrica corresponden a distintas potencialidades y colores. Por su parte, Emoción y Espíritu, un par de abrigos hechos de tela, encaje y cuentas de vidrio, incluyendo íconos como un corazón ardiente o una Virgen de Guadalupe respectivamente, refieren a esa noción de protección no sólo carnal sino también espiritual que supone cubrirse o arroparse literal y simbólicamente.

Por otro lado, las piezas El lugar donde el pasado y el futuro se encuentran (de la serie Espejos), Alba y Débora (de la serie Texturas curativas), y las fotografías intervenidas María Teresa, Infinito y Paisajes trascendentales, correspondientes todas a la producción que Poeter realizara durante su etapa de residencia en el pueblo Toscano Belforte del Chienti, hablan justamente del afecto que, al atravesar el vínculo con la otredad, coadyuva a alcanzar planos relacionales más elevados. Así, este conjunto de obras aborda el tema de la refracción energética que en los encuentros de índole más profunda puede incluso favorecer la sanación.

Asimismo, las mandalas Paisajes de transformación, Fusión-fisión y Mandala de las orbes (expuesta en The Front) son mucho más que una simple forma circular, son representaciones de modelos estructurales de la vida misma. Acorde a los preceptos formales de armonía y equilibrio, estos collages bordados no sólo transmiten un efecto de paz, sino que también invitan a pensar en esa realidad que se extiende tanto hacia adentro como hacia fuera de todo ser, pues cada pieza alude tanto al micro como al macrocosmos. Es por esto que estas imágenes caleidoscópicas pueden leerse como cartografías que trazan las coordenadas de una pequeña célula o bien, del universo mismo. .

Adriana Martínez Noriega

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irma sofía poeter

Energía, flujos y pasiones: Irma Sofía Poeter y lo femenino recuperado

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La serie Chacras: Energías entramadas tiene la fuerza y la virtud de mostrar de manera articulada muchas dimensiones personales y profesionales de Irma Sofía Poeter. Su interés es profundo, apela a una reflexión y recuperación de lo básico: desde lo femenino, a un retorno enriquecido y crítico hacia lo único que nos da verdadera fuerza, la energía creativa. Incorpora su práctica espiritual y su interés por los siete chacras. Incluye su fascinación y dominio del diseño de moda, así como su atracción por los textiles y todo lo que ellos cargan y significan. Atracción que está ligada tanto a lo estético y a lo antropológico, como a lo vivencial.

Desde lo estético, Irma Sofía yuxtapone materiales de muy diversas texturas, densidades, formas de producción, épocas, culturas y países. Les impregna, además, la esencia que armoniza con el respectivo chacra. La yuxtaposición de materiales libera a la artista, pero provoca y revela nuestros propios prejuicios socioculturales.

Desde lo antropológico, el manejo de los textiles le permite rastrear las dinámicas de vida y de trabajo de quienes los producen, así como otorgar valor simbólico, reconocimiento y dignificar tanto a los sujetos (mayoritariamente femeninos) que los elaboran, como a sus formas de trabajo.

Desde lo vivencial, las telas, los textiles, el diseño de los patrones y el acto de coser, le remiten a su infancia, a los recuerdos de su madre y a las pláticas de cómo su abuela cosía. Las texturas, formas, densidades, y colores de las telas y textiles que encuentra en una tienda o en un mercado, la conectan con un momento y condición de vida.

Cada tela se asocia a un recuerdo. Las telas le remiten también al poder y al placer de la transformación de un objeto más o menos

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simple (un retazo de tela) en uno mucho más complejo (la prenda de vestir), así como al empoderamiento en el acto de vestir, en el de adornar y transformar un cuerpo, en el de subrayar posturas, generar estilos, crear moda y mandar señales.

Norma Iglesias-Prieto Septiembre de 2014

Chacras Video 02:45min Realización: Elena Pardo Chakras Video 02:45min) Made by Elena Pardo

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Ajna, chacra 6 (tercer ojo), 2014. Textiles, tela, mimbre, piedras, cristales y plumas Ajna, chakra 6 (third eye), 2014. Textiles, fabric, wicker, stones, crystals, and feathers

siguiente página: next page Mulhadara, chacra 1 (raíz), 2014. Textiles, tela, bordado, piedras, piel, semillas y algodón Mulhadara, chakra 1 (root), 2014. Textiles, fabric, embroidery, stones, leather, seeds, and cotton

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Protección

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Protección es una serie de nueve piezas; ocho abrigos y una pieza textil bidimensional. El concepto detrás de este trabajo es la manifestación de la idea de protección a través de la unión de diferentes textiles con diversos orígenes, tiempos y valores para crear un todo armonioso y balanceado. La necesidad de protegernos viene del miedo a lo desconocido. A través de los textiles, la historia, el tiempo, las tradiciones y los valores son presentados en comunión en cada una de las piezas con la intención de de-construir las barreras que nos separan. ISP

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Emoción (serie Protección), 2019 Tela, encajes, cuentas de vidrio y bordado Emotion (Protection series), 2019 Fabric, lace, glass beads, and embroidery

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Espíritu (serie Protección), 2019 Tela, encaje, cuentas de vidrio y bordado Spirit (Protection series), 2019. Fabric, lace, glass beads, and embroidery

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Espejos

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Al observar el trabajo de un artista, no se puede ignorar el conocimiento de su experiencia personal de vida. En el caso de Irma Sofía, es importante recordar su doble nacionalidad, no adquirida por un acto burocrático, sino adquirida desde el nacimiento, transmitida a ella por sus padres. En ella la naturaleza americana y la mexicana viven juntas, e inevitablemente su trabajo artístico es por lo tanto una constante búsqueda de equilibrio, dando forma a híbridos de alto perfil.

El arte textil le ha dado la oportunidad de desarrollar concretamente su naturaleza más profunda. Trama y urdimbre que se integran hasta manifestar lo que ella ha incubado, a lo largo de los años, en los rincones más remotos de su ser. Todo un juego de reflejos, de sugerencias. Un juego de espejos.

Esta forma de entrar en contacto directo con el entorno en el que vive, hizo posible este capítulo de su producción artística. Espejos, de hecho, nació en Italia por su expreso deseo. Poeter no expuso en Italia obras ya realizadas en otros lugares, sino que las piezas

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que forman parte de esta serie las realizó todas aquí, a partir de los contactos cotidianos y mediante un modus operandi que dejó una huella concreta de su presencia en este lugar.

Es así, entonces, que el trasfondo de cada obra, la trama, es un particular de Belforte del Chienti, de su gente, de sus momentos. Cada componente, amplificado y reflejado más de una vez, genera una arquitectura básica que admite los elementos textiles, la urdimbre, que con armonioso equilibrio la artista pone en el lienzo. Días hechos de silencio, pasados absorta en el trabajo, pero también días de encuentros en la plaza del pueblo.

La unicidad de este trabajo está contenida en ese mecanismo de fusión en el que la artista y el entorno en el que trabaja, conservando cada uno su propia identidad, crean juntos algo que permanecerá para siempre en la vida y en la historia de ambos. Cada obra es el resultado de un diálogo delicado, pero intenso, en el que cada elemento contribuye al resultado final y en el que cada obstáculo se disuelve en un abrazo rico de sentimientos más que de palabras. Y, quedándose aquí, son estas emociones las que cuentan la magia de esta feliz convivencia.

Alfonso Caputo Junio de 2017, Belforte del Chienti

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El lugar donde el

The place where

pasado y el futuro se

the past and the

encuentran, 2017

future meet, 2017.

Aplicaciones de tela y

Fabric appliqués and

bordado sobre fotografía

embroidery on digital

digital

photograph on canvas

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Alba (serie Texturas curativas), 2017.

Fotografía digital Alba (Healing textures series), 2017. Digital photography

Retratos: texturas curativas

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Realicé la serie Retratos: texturas curativas en Belforte Del Chienti después de terminar el trabajo que presenté en la residencia que realicé en 2017. Belforte es un pueblo medieval en Italia, cerca de la región de la Toscana. Allí la vida transcurre lentamente deliciosa entre hermosos paisajes, antigua arquitectura y gente generosa y abierta. Conocí a varios personajes del pueblo: sus historias, sus alegrías y tristezas; la conexión fue muy hermosa y fuerte. Por eso decidí hacer Retratos: Texturas curativas.

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Débora (serie Texturas curativas), 2017 Fotografía digital Deborah (Healing textures series), 2017 Digital photography

El proceso fue de la siguiente manera: invité individualmente a distintas personas a mi taller en Belforte y ahí, sentadas en una silla, les apliqué sobre la piel recortes de textiles creando espejos y mandalas sobre sus caras y cuerpos. La intención fue, conociendo un poco de la historia de cada persona, provocar un acto de curación en ellas. Después de terminar con la aplicación, las personas en cuestión se ponían en una postura cómoda para seguir con una meditación y culminar con la toma de su fotografía. Hice diez retratos, entre ellos, el de Alba y Débora. ISP

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Paisajes trascendentales, 2017.

Postales encontradas y hoja de oro sobre papel de algodón Transcendental landscapes, 2017 Found postcards and gold leaf on cotton paper

Trascendencia en la Marca

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Trascendencia en la Marca es una serie de trabajos que hice a partir de un álbum fotográfico que encontré en una tienda de antigüedades en Belforte del Chienti, La Marca. Se trata de un álbum sobre los viajes que hiciera una mujer llamada María Teresa, residente de la región. Con las fotografías y las postales del álbum hablo de la trascendencia a nivel físico, mental y espiritual, a través de la construcción y deconstrucción, el movimiento, los viajes y la memoria. ISP

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María Teresa, 2017 Fotografías encontradas, hilo y tela sobre papel de algodón Maria Teresa, 2017 Found photographs, thread, and fabric on cotton paper

pégina anterior: previous page: Infinito, 2017 Fotografías encontradas, hilo y tela sobre papel de algodón Infinity, 2017 Found photographs, thread, and fabric on cotton paper

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Paisajes de transformación, 2019 Landscapes of transformation, 2019

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Fusión-Fisión

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Fusión-Fisión, 2018 Aplicaciones de tela y bordado sobre tela Fusion-Fission, 2018 Fabric appliqués and embroidery on fabric

El laboratorio del científico Uri Manor me voló la cabeza y movió mi espíritu. Ese lugar está lleno de microscopios de alta tecnología que, con fotografías y videos, registran las funciones y disfunciones de algunos de los organismos más pequeños en la naturaleza. Los microscopios detectan cuando cada metal pierde electrones y registra cada pérdida única con un color específico.

Estos colores eléctricos ayudan a diferenciar las partes del espécimen de estudio para su entendimiento. Rojos, verdes, amarillos, morados y azules abundan sobre un fondo de negro muy obscuro. Durante la visita, Uri habló del uso de los métodos basados en la microscopía y los análisis bioquímicos que lo llevaron a descubrir la molécula (spire 1 C) y el mecanismo que controla el proceso crítico de la fusión y la fisión de la mitocondria. La mitocondria son grandes organelos encontrados en el citoplasma de todas las células de plantas y animales. El papel principal de la mitocondria es producir la energía que es esencial para la vida y la muerte de la célula. Fusión y fisión, ambas, contribuyen en mantener la función de la mitocondria y en optimizar la capacidad bioenergética.

Como mi trabajo trata con temas de energía a nivel espiritual, conocer todo esto me sentó muy bien. La exploración de la energía a nivel celular, las cuestiones de vida y muerte y el «control» que tenemos sobre ellos me llevaron a crear esta pieza, una mandala, llamada Fusión-fisión. La mandala, «círculo» en sánscrito, es un símbolo ritual usado en el hinduismo y el budismo para representar el universo. Retrata la concentración de energía que pone en balance y conecta con nuestro espíritu. Además, estas formas circulares dentro de un cuadrado representan el cosmos metafórica y simbólicamente a una escala micro. Por tanto, qué mejor representación del microcosmos que una célula con su generador de energía, la mitocondria. ISP

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Making of Video 09:57min.

Producción: Reyna Aguiar. Edición: Alejandro Cruz. Traducción y subtítulos: Francisco Eme. Agradecimiento especial a la Universidad de la Comunicación por su apoyo Making of Video 09:57 min.

Producer: Reyna Aguiar.

Editor: Alejandro Cruz.

Translation and subtitles: Francisco Eme. Special thanks to Universidad de la Comunicación for their support

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Declaración de artista

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Soy una artista multidisciplinaria que trabaja con el textil en todas sus formas: tela, prendas de ropa, bordados y tejidos. El textil, elemento de manufactura humana que protege, da forma, define situación social, económica y cultural, es para mí en un lenguaje universal fuertemente ligado a toda condición humana. Teñido, descompuesto, tejido o reconstruido, el textil acentúa marcas de

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traumas y detona memorias individuales, familiares y colectivas que me permiten abordar temas como identidad, memoria, género, espíritu y energía.

El acto de construir es evidente en mi quehacer artístico ya que la mayoría de las telas que utilizo son adquiridas, recicladas o comisionadas, y con ellas formo ensamblajes y collages que a veces incorporo a la pintura y la fotografía. Mi obra, sumergida en la poética de la materia del textil, depende fuertemente de la textura, el color, el patrón y la forma, así como de sus referentes sociales, históricos y geográficos.

Mi trabajo está arraigado en la revalorización de la tarea de coser, acto vinculado con la mujer y tradicionalmente considerado una actividad doméstica, artesanal y, por ende, menor. Mediante este lenguaje «menor», busco descubrir, enfatizar y equilibrar lo femenino que existe en cada uno de nosotros para así elevarlo al nivel que se merece. Por tanto, con mi labor pretendo exaltar la importancia de lo femenino dentro del sistema patriarcal en que vivimos con el fin de lograr el balance, la armonía y el equilibrio que nos permitan crear un mundo equitativo, libre e integral.

Durante mi estancia en Oaxaca 2008-2009, estuve trabajando bajo el nombre de Eduardo Poeter. Este pseudónimo es parte de una pieza en proceso en donde no cuestiono los aspectos transgénero, sino las maneras como nombramos las cosas del mundo que nos rodea.

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Semblanza

Irma Sofía Poeter (Arcadia, Estados Unidos, 1963)

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Artista mexico-americana que ha vivido en los dos lados de la frontera de Tijuana-San Diego. Actualmente, reside y trabaja en Tecate, México. Su obra se desarrolla con énfasis en la utilización de telas y bordados, así como intervenciones e instalaciones. Es fundadora del colectivo Grupo M artes.

Artista autodidacta con estudios en seminarios y talleres del Centro de Humanidades de Baja California y un diplomado en Artes Visuales por la Universidad Autónoma de Baja California (uabc).

Ha realizado residencias artísticas en Oaxaca (La Curtiduría), Ciudad de México (Espacio Lagos) e Italia (Museo Internazio-

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nale Dinámico di Arte Contemporanea) y ha obtenido distintos reconocimientos como la mención honorífica en la x Bienal de Baja California (1995), el San Diego Art Prize (2016) y la beca del Fondo Estatal para la Cultura y las Artes de Baja California (2001).

Desde finales de la década de los años 1990, ha participado en exposiciones individuales y colectivas en diversos países de América y Europa. Entre sus presentaciones en México destacan sus muestras individuales Anecdotario ancestral (2002, uabc), Tramas y condiciones (2004, Universidad del Claustro de Sor Juana), Identidades Re-vestidas (2009, Museo Textil de Oaxaca), Cartografías del Espíritu (2016, La Caja Galería) y Mandalas y Espejos (2018, Espacio Lagos); así como en el xii Salón de Arte Bancomer (2003, Museo de Arte Moderno).

Por otra parte, ha expuesto en varios espacios en otros países, desde presentaciones individuales como Iconografías infiltradas (2014, Galería Casa Valencia, ee.uu.) y Espejos (2017, Museo Internazionale Dinámico de Arte Contemporanea, Italia), hasta proyectos colectivos como la Séptima Bienal de La Habana (2000, Cuba), Espejos invertidos: arte contemporáneo de México en los Estados Unidos (2005, Instituto Cultural de México, ee.uu.), Tijuana Organic (2006, Cornehouse, Reino Unido), Vica México (Galería de Arte Nacional, Polonia), Shaped in Mexico (2015, Barge House, Reino Unido), Displacement / Replacement y Extra-ordinary Collusion (2017, San Diego Art Institute, ee.uu.) y Convergencia (2019, Escondido Center for the Arts, ee.uu.)

Como artista regional, ha participado en catorce ocasiones en proyectos del Centro Cultural Tijuana desde hace más de dos décadas. En proyectos colectivos como la Primera subasta de arte (1998), Senderos que se bifurcan (2000, con Grupo Martes), Pintura neograffiti (2003), ii Bienal Internacional de Estandartes (2002), Orgánica. Realidad de la frontera (2006), Mi tema (2007, con Grupo Martes), Memorabilia (2007), vi Bienal Internacional de Estandartes (2010) y Obra negra. Una aproximación a la construcción de la cultura visual de Tijuana (2011); proyectos extramuros como Hasta la raya / Art without frontiers ii – Right at the edge / Arte sin fronteras (1997, en el Instituto de Arte de San Diego. ee.uu.) y Beyond Frida. Mujeres artistas del noroeste mexicano (1998, en el Museo de Arte de Oceanside. ee.uu.). Una y lo otro: devenir en relación es su tercera exposición individual en el cecut, después de Cosidos (2001) e Identidades Re-vestidas (2011).

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irma sofía poeter

Adriana Martínez Noriega

Es maestra en Estudios Femeninos por la Universidad Estatal de San Diego, especialista en Política y Gestión Cultural por la Universidad Autónoma Metropolitana y licenciada en Historia del Arte por la Universidad Iberoamericana (Campus cdmx). Se ha desempeñado como asistente de investigación en distintos proyectos, tanto del Colegio de México como de la Universidad Estatal de San Diego. Ha trabajado en diversos museos como el Museo Nacional de Arte, el Museo del Palacio de Bellas Artes y el New Americans Museum. Sus temas de interés son la representación del cuerpo y la sexualidad ‹femenina›, así como el performance y la imagen en tanto dispositivos visuales contraculturales.

Ha publicado varios artículos académicos e impartido conferencias sobre arte, identidad y género en México, Colombia y Estados Unidos. Ha sido curadora de más de quince exposiciones en diversos espacios nacionales e internacionales; es escritora y tallerista independiente y co-directora editorial de Antidogma, la revista de arte y cultura de la Universidad de la Comunicación. Su trabajo –algo que ella considera activismo creativo— está siempre atravesado por una visión feminista decolonial e interseccional.

Reyna Aguiar Basurto

Tiene estudios de maestría en Relaciones Internacionales por la Universidad Laval (Quebec, Canadá); cuenta con una especialidad en Gestión y Política Cultural de la Universidad Autónoma Metropolitana y es licenciada en Relaciones Internacionales por la Universidad Iberoamericana (Campus cdmx). Ha colaborado a lo largo de más de 25 años en diversos museos, desde el Centro Cultural/Arte Contemporáneo, el Museo Nacional de Arte, el

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retrospectiva

Museo del Palacio de Bellas Artes y el Museo de Arte de San Diego. Tiene una trayectoria de más de veinte años como docente y diseñadora de programas de estudio universitarios. Es traductora de textos de arte y ha participado en la creación y desarrollo de múltiples proyectos culturales. Posee un acusado manejo de temas de historia del arte y la cultura, y es también fotógrafa. Desde hace tres años se desempeña como gestora cultural independiente e imparte diplomados y talleres sobre diversos ámbitos entre los que se cuenta la incorporación de la perspectiva de género en el ámbito académico y en la agenda cultural en general. Es codirectora editorial de Antidogma, la revista de arte y cultura de la Universidad de la Comunicación y ha participado en la curaduría de diversas exposiciones.

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ENGLISH VERSION

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English version from page 8

Presentation Centro Cultural Tijuana (cecut).

As a conversation between whispers, Irma Sofía Poeter’s works speak to those who knows how to listen. This does not mean that people must have prior knowledge to understand her exhibition, but that they need to have sensitivity and empathy to stop in front of the works and reflect on their meaning.

The initial comfort provided by the faint colors and soft textures of the fabrics that Poeter uses, give way to another truth when we unveil the contexts under which they were created. Soon, the public will feel the tenderness followed by the pain of feeling the blow of reality that leaves outside the room.

The exhibition Una y lo otro: devenir en relación (One and the other: becoming a relationship) is a retrospective exhibition of the visual artist Irma Sofía Poeter presented at the cecut (El Cubo, Room 3, from November 22, 2019 to March 23, 2020). This exhibition was made up of more than sixty works, which cross the walls of the room and expand throughout the building. Just as it is impossible to reduce our identity in one part, it is impossible to reduce exposure to a single space.

Irma Sofía tells us about her life, her family, her travels, her influences, her fears, her challenges, her achievements and her challenges, through the fabric that wraps the person who observes her work between painting, soft sculpture, installations, photography, video and dress.

In the guiding thread of the exhibition, the curatorship and texts of Adriana Martínez, who, together with Reyna Aguiar, worked collectively with Irma for months to develop the discourse and the message, help a lot.

To make a review of Irma Sofía Poeter’s almost three-decade career allows us to analyze the evolution of regional art, the advances in the inclusion of women within the artistic scene - largely the product of the same artist and her close collaborators - , of the topics that interest artists over time and the challenges we still have to overcome..

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Just as María Teresa’s past gives her the possibility of drawing different paths, Irma Sofía Poeter’s past tells us where she was, what she did and where she is going.

“Time, as Einstein and other physicists have explained, is not linear, but circular. Our lives are not points on a line (...); we are rather the centres of circles.

If I only think of myself, who are the others? If the others only think of themselves, who am I? If not now, when? If not here, where?”

-- John Berger, 2016, Confabulations English version from page 10

Herself and the Other: to Become Relationally.

Retrospective Exhibition By Irma Sofia Poeter Adriana Martinez Noriega. Curator

Irma Sofia Poeter celebrates 25 years of artistic trajectory with this retrospective exhibition that extends across both sides of the border. Housed at the Centro Cultural Tijuana (cecut) with an echo at The Front gallery, the exhibit presents more than 70 pieces that highlight the different techniques, formats and topics that this Mexican-American artist has explored throughout those five lustrums in relation with otherness.

We become with and through the others or, as Victor Hugo stated, “nothing is solitary, everything is solidary”. Hence, to analyze Poeter’s work in the light of a relational logic that explores the very nature of those connections is a rich strategy that enables us to understand not only her world, but also who she has been in her transit through it. From this standpoint, the exhibition proposes seven thematic lines in which the artist’s work can be grouped.

Taking The Risk: Weaving Networks sums up those first moments in which her relationship with the local artistic community was key to her development; Beyond The Canon: The Plasticity of Being (a Woman) concentrates works in which Poeter affirms herself

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as a sexual being in order to propose an emancipatory repertoire of images; Ancestral Nostalgia: Fine Embroidery, the most intimate section located in the heart of the room, speaks of her family through scenes loaded with childhood memories; Otherness: Social Fabric addresses the artist’s concerns surrounding problems like migration, labor exploitation or war; The Border: Liminal Imaginaries underscores the double gaze that characterizes her bicultural upbringing; (De) Constructing Home points to the artist’s relationship with space and her involvement in architecture and landscape design; finally, Transcendence: Spiritual Synergies groups her more recent pieces, all of them characterized by metaphysical assertions.

Without pretending to establish a chronological or linear reading, Herself and The Other: To Become Relationally is conceived through a spatial logic in which time nonetheless elapses and becomes present. Hence, the exhibition traces a zigzagging path through this poetic universe made up of paintings, art objects, sculptures, videos, installations, fabric pieces, and intervened photographs. A path in which each work is, at the same time, a stopover and destination in the artist’s map, that is, a meeting point in which her aesth/et(h)ic concerns are revealed to us little by little.

In short, this retrospective and bi-national exhibition is an invitation for us to travel in time and space in order to connect and give meaning to Irma Sofia Poeter’s artistic journey.

TAKING THE RISK: WEAVING NETWORKS English version from page 17

Taking the Risk: Weaving Networks Adriana Martinez Noriega

To be a professional artist is not an easy task, especially if you are a wife, a mother of two, and you carry on your shoulders the cultural weight that holds women accountable for successfully raising up (or not) a traditional (Mexican) family. Hence, in order to highlight the social risk Poeter undertook so as to devote herself to art, this introductory section

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brings together work from her early stages. These include, on the one hand, different scenes and formal explorations from a rather dark and confusing period, and, on the other, the survival strategies she employed in order to emerge unscathed from it.

The collage titled Abyss opens the exhibition pointing to the vertiginous sensation that entailed such leap into the void. Then, the video Chimeras, made from old slides taken from the series of the same name, asserts, through hybrid figures, strong hues and elaborate forms, different visual claims against social limitations. Finally, this section shows an array of archival material from the M artes group (Tuesday in Spanish but also short for Mujeres en las Artes), a women artists collective that began meeting up every Tuesday at Victor’s, a restaurant in Zona Rio in Tijuana, and whose purpose has been both to share creatively and to serve as a support network. This material underscores the importance that this network had during the early stages of development for the artist.

English version from page 18

First pieces Irma Sofia Poeter

I have had many teachers in my journey as an artist but, without a doubt, Luis Lombardo was one of the most important ones. I started working in his studio in 1993 and it was then that I had a breakthrough, where art passed from being a hobby to be my way of life, my way of thinking and feeling. And I say breakthrough not only metaphorically but also in a literal sense. My first works are made from pieces of paintings I did with acrylic paint on kraft paper and then I tore to assemble back again. The action of painting was visceral, using only my hands at first; it was a complete liberation from everything I knew until then about creating art. These were my first assemblies. Since that moment I defined my way of creating art through construction and de-construction.

English version from page 20

M artes Group Irma Sofia Poeter

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I started my artistic career in 1993, I really did not know any artists and I decided to look for them. Where could they gather? I then learned that some got together in the café at cecut to have coffee and chat. There I met the artists of that time but none of them were women. I wanted to find them. I wanted to know who they were, what moved them, how did they managed being mothers, partners and creative beings; I was looking for a support group, mutual understanding and friendship. In one of the workshops offered by Felipe Ehrenberg I finally found them. I proposed we gathered every Tuesday at Victor’s restaurant in Zona Río, in Tijuana: that’s where the name comes from martes (Tuesday), in translation M for mujeres (women) en las artes (in the arts). We worked on different projects like La Casa (The House) and Tapetes (Rugs). The group is still active today with members that come and go, and some, like me, who have stayed since the beginning.

BEYOND THE CANON: THE PLASTICITY OF BEING (A WOMAN) English version from page 24

Beyond the Canon: The Plasticity of Being (a Woman) Adriana Martinez Noriega

Everything begins with the Word and, as women artists have proven, also by coming forth and using their own bodies in their work. In that light, through the performance I am here, Poeter ratifies both her presence in the (creative) world and the relational character of her existence. The action consisted of hanging up numerous photographs of herself and then inviting people to walk through them so as to fix her image into the memory of the attendees. However, after this symbolic forget-me-not kind of move, the event took an unexpected turn. In an iconoclastic gesture, the artist burned all the photographs and distributed the remaining ashes in small plastic bags so that the public could take with them a piece of the memory they had consumed.

In this same section, a pictorial mosaic also places Irma Sofia’s self-portrait front and center, amidst other paintings through which one can identify both the various stages of her personal evolution as an artist and the different aspects of her being (a woman) in relation with everything that exists. This mosaic of works, given their format and layout

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retrospectiva

in the room, could well be perceived as the artist’s most canonical production. That is, 18 two-dimensional oil, encaustic and/or acrylic paintings on fabric or wood displayed in an almost mottled, 19th-century-salon manner. However, after a closer look at the installation, these dogmatic precepts of the Western canon begin to fade to make way for a number of rather subversive statements that intend to challenge/question heteropatriarchal standards.

In the first place, this set of paintings places Irma Sofia Poeter within a tradition in which creative women have been historically considered a minority. On the other hand, the series of figures represented in the works, all female, offer a vast and diverse imaginary around what being a woman can mean just as it points out how the notion can change across different life stages. In addition to that, the installation itself can be read as a personal diary in which each painting is a chapter within that meta-narrative that tells different stories of the artist’s life and her very particular social, geographical and cultural context. Which is something that clearly has political implications.

At the center of the group is a self-portrait in which Poeter, resorting to the metaphor of the body as territory and carrying a mirror in her hand, lets us see an exercise of self-observation through which she seems to affirm “my body, my rights”. From there, the pictorial universe that surrounds her as a constellation invites us to wander around and connect, without a particular order, the different histories, emotions and quests that have characterized the different stages of her artistic production.

One can identify those first dark moments that denote the detachment from stereotypes and sociocultural constructs that entails all search of the self, intersected by a series of experiences and beliefs as can be observed in Pietá, Cornered and Mary Magdalene. On the other hand, one can identify those later explorations that reveal a sense of unfolding and introspection in pieces such as Half and Half, Two Volcanoes, Perspectives, Tigers at Dawn, Cubes in the Head and Difficult Passages. Ultimately, one can appreciate the creation of personal language, characterized by the hybridization and reconfiguration of formal codes specific to the fashion and religious worlds such as Madoga, Brown sugar Madonna and Total yearning for God, or the chimerical conjunction of forms—partly canine and partly human—as is the case of Diner dog and the entire Bitches series in which feminine empowerment is key.

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This same segment also includes the pieces Suspended Sentences, Baby Venus, Social Castrations, The package and Three Disgraces, which rightly point to those socio-cultural expectations and mandates that must be broken in order to find one’s own self.

Suspended Sentences (exhibited at The Front) is a cell-like installation made out of stuffed “women’s” clothing stretched from side to side on the walls of a constricted space, below which lies a series of shoes of different sizes and styles. Clearly influenced by Louise Bourgois’ formal explorations, this work, the first wholly textile piece in Poeter’s career, talks about the different roles, expectations and forces that pull women, keeping them metaphorically static and suspended from a few threads.

On the other hand, Baby Venus references the so-called Willendorf Venus, the figurine/ amulet Art History considers one of the first female representations of humanity. In that light, this piece takes us back to a sort of origin, to those primeval forms that underscore fertility, but with a particular twist. This is not a mature woman capable exclusively of giving birth, but rather a representation that is a Venus and a baby at the same time, that is, a being that both (pro)creates and was (pro)created. Hence, it alludes to the notion of origin as a symbolic and cyclic principle represented by the maternal experience and embodied in the umbilical cord. Moreover, this is not a small figure that one can take on nomadic journeys as was the piece found in the Austrian region of Willendorf. On the contrary, Baby Venus is a large-scale piece that invites us to surround it and even embrace it because, in addition to sending off a powerful presence, it offers a fluffy, tender look as opposed to the stony surface of the Willendorf Venus.

Another textile piece, Social Castrations, presents a series of exposed vaginas that, through a relational and group lens, constitutes an image in which this body part ceases to be the bastion of ‘femininity’ and becomes a diverse choir that questions the ways in which cultural construction has produced a univocal form of being a woman. Thus, resorting to practices commonly related to womanhood (sewing, knitting or embroidery) in order to create a blanket with representations of the “female” sexual organ par excellence, Poeter resignifies the meaning and ways of being ‘feminine’, and opens a space to reflect on the violent practices that have historically marked cisgender women’s experiences.

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The package, another of the works in this group, is a bundle made from baby clothes that a friend who once endured a psychological pregnancy gave the artist along with a series of handwritten letters. It is a piece that speaks of the weight of an illusion, of an unconsummated being; in short, it is a kind of homage to all those women who, despite desiring it, fail to become pregnant.

Finally there is Three Disgraces, a work that subverts the classical Cárites by turning them into three angry canine figures, that is, into distant representations of the mythological incarnations of beauty, joy and abundance in the Greek tradition. Not human anymore and clearly linked to the bitches of Poeter’s paintings, the disgraces also attempt against the canon as they question the universal construct that connects women exclusively with ethereal notions of virtue.

English version from page 28

I am here Irma Sofia Poeter

In 1997 I met Felipe Ehrenberg, another great teacher that taught me how to conceptualize my work. In one of his workshops. From the conceptual to the retinal and back I produced “I am here”. This piece was a performance where I invited the spectator to pass through an area where photocopied images of myself where hanging from the ceiling at different heights. Once all of them passed through, I took down the photocopies and burned them giving each person at the gallery the remaining ashes in a small plastic bag.

English version from page 55

The package Irma Sofia Poeter

One summer afternoon in 2005 I received a package in the mail with baby clothes and a letter from my dear friend Tania. She was mourning after receiving the news that she could never be a mother. In the letter she explained her emotional state and process, and

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asked me to make a piece of art out of the garments she had acquired and saved with such enthusiasm for her much desired baby, all with the aim of transforming and transcending such painful news. I photographed the first and smallest garment, which was a white little shirt on the white background illuminating the space where the baby’s head would have been. For the next photograph, I placed the first piece of clothing inside the garment that followed in size and so on, until all the pieces were inside one another forming a small lump. When moving the piece, I was surprised by its physical weight, apart from the emotional one. I felt it weighed the same as a newborn baby. So, I began to weigh each of the stations ranging from 1⅜ ounces, to 3 pounds 8 ounces and textually incorporated the weight corresponding to each of the images. Today Tania is fortunate to enjoy her 11-year-old daughter Uma.

ANCESTRAL NOSTALGIA: FINE EMBROIDERY English version from page 61

From a Dark Woods to a Sacred Mountain: Irma Sofia Poeter’s Artistic Quest Robert L. Pincus

It is fitting that one of Irma Sofia Poeter’s formative works is indebted to the Three Graces of Greek mythology, who have been rendered by countless Western painters.

These daughters of Zeus and Hera, Euphrosyne, Aglaea and Thalia, meant to represent youth/beauty, joy, and elegance, have been central to the notion of idealized femininity, both in terms of the qualities of temperament they embody and the way they have been depicted. This is equally true whether we are thinking about an iconic sculpture by Antonio Canova or equally familiar paintings by Raphael, Rubens or Cranach. And however different in style, all these works have something in common: they picture female nudes with an emphasis on gentility and a varying dose of sensuosity. They have something else in common: a desire to cater to the male eye or gaze.

The enduring nature of this subject in art history surely must have been on Poeter’s mind when she created her Three Disgraces (2001). And her “version” it is clear, is flouting the tradition. Her “disgraces” are three creatures in stuffed cloth: dog-like and mildly grotes-

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que, with swollen breasts. What is being scorned here, in my view, is the burden placed on women in this line of imagery to be pleasing, to be the embodiment of agreeable and cheerfulness. Extend this logic to its conclusion and you get the Stepford Wives. And there is one further dimension to this line of thought, as embodied by Poeter’s versions of them: they represent the dark side of such idealizations and models of femininity: the objectification and dehumanization of women. The disgraces are the grotesque or degraded doppelgangers of the graces, women viewed through the dark, distorting lens of misogyny.

There are earlier works in this retrospective exhibition, but the Three Disgraces provide a touchstone, a means of understanding the path on which she embarked in the early 1990’s, as an artist. The evidence is abundant that Poeter was on a quest to define herself, as both an artist and a woman. That questing nature of her enterprise has endured, though like substantial odysseys of this profound variety, hers has taken many twists and turns.

In fact, the indelible lines from the beginning of Dante’s Inferno reverberate for me when I think about the path that Poeter has forged with her art: “Midway upon the journey of our life/ I found myself within a forest dark / For the straightforward pathway had been lost”¹. Her own life as an artist did begin partway through her adult life –more specifically, in her thirties. She had concentrated on fashion design and raising her children, before devoting herself to art beginning in the early 1990’s. And that focus on art coincided with awakening to and immersion in a feminist outlook. Both art and feminism were essential to her process of finding and defining herself. And defining herself as an artist was the essential means to finding her way out of her own dark forest. “It has been a long journey –she acknowledged– transformational for me”².

The early work is indeed dark, as Poeter has readily acknowledged. But there is a sense, moving through time, that she found a path that led her out of this symbolic wood. And in this journey from darkness to light, which characterizes her highly involving evolution as an artist, we should take note of where she now lives and works –at the base of Tecate Mountain, situated on the border between Mexico and the United States. Better known as Cuchama, this mountain is a sacred site for the Kumeyaay, the civilization with ancient roots whose territory stretches Baja California and California. It is also holy in Buddhist and Hindu thought. The late Walter Y. Evans-Wentz, Buddhist scholar and translator,

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devoted a well-known book to the vivid parallels between Kumeyaay and Buddhist teachings as they relate to the power of this site. The home and studio that Poeter has designed, which looks out on Cuchama, emphasizes soft contours and materials that harmonize with the landscape, each one representing one of the four elements.

We can see the journey, from dark forest to mountain, as a valuable framing device for her journey, which has been (and remains) an intense quest for self-knowledge, self-renewal and self-realization as an artist. And now, after nearly three decades at her practice, she has revealed her odyssey to be a richly varied and luminous one. She is indeed the heroine of the quest she has aspired to fulfill, which is ongoing.

Her earlier training as a fashion designer informed –and continues to inform— her practice of using sewing and fabric as a major tool in her art. She was also tapping into a wider embrace of sewing and weaving as media in the art realm, which has roots in the early 20th century, Bauhaus, mid-century Mexican art and the Pattern and Decoration movement in the U.S. in the 1970s. But as meticulously and elegantly made as a work like Suspended Sentences (1998) is, it is first and foremost an expression of vision and emotion.

The suspended forms, stretched fabric and clothing, evokes “figures” stretched taut, pulled in all directions, a visceral sculptural metaphor of souls and psyches in duress. The women’s shoes on the floor below are companion props to the biomorphic forms above them. The title completes the symbolism, with its suggestions that woman in duress have endured a form of emotional imprisonment from which, when represented in art as vividly as it is in this sculptural installation, has a potentially cathartic effect on a viewer.

In Poeter’s paintings of the decade beginning in the mid-90’s, she created corresponding expressionist images to Three Disgraces and Suspended Sentences. Some are hallucinatory, like Two Volcanos (1995), with its pair of female figures with exploding heads, ghoulish skin and misshapen feet. In other painting she looks at herself, Difficult Passages isn’t labelled a self-portrait but it surely is one, since the likeness resembles that in a self-portrait from 2005. She looks gaunt, pained and her companion is a crocodile. The version of herself in a self-portrait from 2005 looks less suffering and more pensive. Poeter holds a mirror, but her eyes are closed, as if looking within rather than at her external reflection. And she appears to wear a kind of map on her skin, as if she is trying to chart her way with her body and mind. In still other paintings, the archetypical

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female sport a dog’s head and all are labelled bitches in the titles. These pictures cut two ways, suggesting a fierce image of women. But they could also mirror the misogyny in our culture, in which woman can be treated as second class adults, less than fully human.

The tone in these paintings is movingly fierce.

The overall sweep of these works is about the shaping of her own identity through art, conveying wider implications of female identity at the same time. But we also see her extending her formal vocabulary to other subjects, as in Generations (2002), a meditation on the span of a life that creates a vivid fulfillment of this large theme. White shirts, blouses and pants, large and small, form a continuous stream across suspended vertical screens of sheer cloth to which they are affixed. There are also oblique explorations of her family history. She has an affinity for aged photographs and when she discovered a slide archive of her father’s she began employing them in her art. He was American; her mother, Mexican. Poeter was born in Arcadia, California and grew up in both countries.

And her equal affinity for both cultures is an important feature of her work and life. As an adult, she has lived in San Diego, Arizona and Mexico, and now feels as if Tecate (the Mexican Tecate) is home. Embroidering these photographs is a way of communing with her father and his history, a history which involved building an 80-foot schooner in which he made many trips. She has created a striking composition, using his image of an industrial in Construction-deconstruction (2008) to which she adds appliqué in bright yellow of a pattern from a Huipil blouse. It is printed on canvas.

In her desire to delve deeply into her cultural identity, Poeter’s decision to spend time in Oaxaca, from 2008 to 2010, was a vital one. And as she explains on her website, “Living and working there afforded me the opportunity of having an incredibly rich experience with textiles. Color, textures, form and iconographies imbedded in a complex and diverse culture, took me to another realm, where spirit, tradition, mysticism and nature conquer and reign”². Her passion for sewing and fabric was already abundantly evident in her work. But her time in Oaxaca led to a personal epiphany: that tapestry could be a prime medium for her, a way to combine European and pre-Hispanic iconography and traditions. The impact was larger still for her: she describes it as a “spiritual awakening,” igniting a desire to be closer to nature and to value what she calls ancestral knowledge.

These revelations moved her to settle in Tecate near the sacred mountain of Cuchama, to create a home built of adobe and straw that reflected fire, water, air and earth.

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This newfound vision of art and life has triggered a rich stream of work. Prayer (2014) is a rich and elegant example: a European style tapestry overlaid with Mixtec and Zapotec imagery. The two cultures intersect in the contrasting visual styles of birds. Her time in Oaxaca also served as a catalyst for exploring another tenet of her worldview: the premise that we all possess a masculine and feminine dimension. She had decided to explore her masculine side, making work under the name Eduardo while in Oaxaca. Poeter created a series of works based on interviews with Oaxacans, Re-dressed Identities, who has migrated to the U.S. and returned. Their traditional style of dress was a prime source of imagery in these pieces. An example in the exhibition, Eduardo (2018), made eight years after her return from Oaxaca, represents her own different “migration” -- back to this border region. Its prime image, a mandala, is formed from the legs of jeans – her “traditional” form of dress.

Mandalas are central to the work she has been making after the return from Oaxaca.

The profusely patterned example, Fission-Fusion (2018), inspired by a visit to a laboratory at the Salk Institute, where she observed mitochondrial fission and fusion. The composition is exuberant, beautiful, an expression of joy at discovering the energies in microscopic life parallel spiritual ones. The composition brings to mind William Blake’s wonderful lines, “To see a World in a Grain of Sand / And a Heaven in a Wild Flower / Hold Infinity in the palm of your hand”³.

It seems fitting that her home is represented in the exhibition: through photographs, a drone video and a fabric model. A sense of place is intrinsic to the current work. She has come a long way from her dark wood to a place filled with light and life. In the noble tradition of quests, she had braved hardships and obstacles and achieved a kind of kind of peace. That doesn’t mean she ignored realities and tensions of the border territory.

There is an isolated section of border fence on Cuchama that serves as a constant reminder to her of the political realities of the region. But in reaction to political thought and policy that divides us, Poeter offers another group of works: coats that combine materials from a host of cultures and groups. She thinks of them as protection garments, in an expansively symbolic way. She aims to undercut difference, to underscore how connection trumps division. These are ornate and lush garments. And how intriguing to think they look back to her beginnings in fashion design, infusing the garments with the

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luminous vision that is the hallmark of her art. Her quest has unfolded and is unfolding in cyclical as well as linear time.

Notes: 1. Dante Alighieri, The Divine Comedy, translated by Henry Wadsworth Longfellow.

(Boston: Ticknor and Fields, 1867), 1.

2. Irma Sofia Poeter, interview with the author, September 11, 2019.

3. William Blake, “Auguries of Innocence” in The Pickering Manuscript (c. 18011803).

English version from page 68

Ancestral Nostalgia: Fine Embroidery Adriana Martinez Noriega

This nucleus begins with Generations a spectacular installation that, suspended from the ceiling, envelops the open hall of the Museum at cecut. Composed by multiple translucent veils this piece represents different mnemonic layers of the artist’s ancestry.

The rest of the pieces in this group are arranged in the central area of the room, that is, in its symbolic heart for it is Irma Sofia’s most personal work, that which refers to her childhood memories and the longing deposited in her maternal and paternal origins.

Nostalgia, a hanging ladder made of human bones which may well look like a dna chain, is placed as a threshold that invites us to look through its steps from top to bottom in an act that symbolically implies (re)visiting the past in order to understand the present.

Once inside this central segment, the painting Victor’s, made of acrylic with its name on embroidered fabric, takes us back again to that emblematic restaurant of Californian aesthetics where, during a period, the meetings of the M artes Group took place. However, the image that Irma Sofia presents here does not correspond to her adult stage, but rather to a much earlier one where she was just a child. Hence, she appears as a fading silhouette of a girl who, holding the hand of her beloved maternal aunt, walks through the restaurant’s parking lot. Right next to it, Unfolding, a diptych of the same technique that replicates through a mirror-like effect a scene in which her mother and aunt appear

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on the front yard, points directly to the artist’s inheritance and connection with the maternal side of her genealogy. In short, this urban landscape talks about her mother’s earthly and pragmatic influence as traversed by the fine embroidery of affections.

In contrast to this, the paternal side of her story becomes present through the polyptych Father-son/Son-father that bursts vertically into space. It is both her grandfather and father who appear posing in front of us, covered in one of their two portraits by a wrestler’s masks. Binding them together, this masquerading element also sends off a playful halo as they hide and reveal themselves at the same time. Further into Poeter’s ancestral memory and longing, the series Re-embroidered and Visions of Light are small intervened photographs that invite us to witness the immense seascapes captured by her father’s lens and later interpreted by the artist’s hand. Hence, through this fine maneuver Irma Sofia manages to connect, like a thread in a needle, with the adventurous spirit of a father who once sailed the Pacific Ocean on his schooner in search of new horizons.

Finally, following the same logic as the previous pieces but in larger formats, the series Construction-Deconstruction and Terraces close this sancta sanctorum by tackling the notion of origin as well as the way in which ancestral images are embroidered into our memories.

English version from page 80

TransBordados Irma Sofia Poeter

This work was born out of the finding of a slide archive of my father. In 1960, he constructed an 80 feet, two-mast Schooner on which he made uncountable voyages across the Pacific Ocean.

Transbordados explores the multiplicity of the image according to the reading of an archive. In the beginning of 2007, I started to directly intervene the slides my father took from his ship by perforating, joining, embroidering, scratching and/or painting on them.

The pieces in Transbordados series are of different dimensions: some of them are pre-

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retrospectiva

sented as objects themselves in light boxes while others are transferred to digital impressions on photographic paper and canvas. However, they are all embroidered, painted and sewn with appliqués. One of them is woven in wool simulating a miniature tapestry.

OTHERNESS: SOCIAL FABRIC English version from page 86

Otherness: Social Fabric Adriana Martinez Noriega

This section addresses the artist’s relationship with everything that exists around her by using the metaphor of the social fabric that underscores the importance of such relational parameter in evaluating (un)healthy societal conditions. Nowadays, due to the violent times we are facing there seems to be a common need around the globe, but more particularly in Mexico, to refurbish one-on-one connections and community-based artistic projects. In that light, this segment offers an overview of Poeter’s more socially committed work. For that is also the duty of art: to remember the collective dimension of evil while bringing forth a sense of inextinguishable hope. Because through a relational gaze, everything (from dust molecules to the most distant universes) dialogues with everything, and everything exists because the other exists. Thus, concerned about the social consequences of an era characterized by migration, exploitative labor logics, war, poverty and violence, the bi-national artist tackles some of these matters and adds to the conversation.

The first artworks in this section are Lilia and Eduardo from the series TransBordados.

Both of them address the personal processes involved in contemporary migration. The first piece, Lilia, an actual migrant woman, talks about her south-north-south story of displacement while Eduardo, Poeter’s male alter ego, narrates his/her own migratory experience in the opposite direction. Despite the different power politics in each case, both Lilia and Eduardo, share nonetheless the same passion: textile art. Hence, the two pieces are a concrete example of how weaving, read as a metaphor for storytelling, symbolically operates as a means that connects the creators with their foremothers’

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irma sofía poeter

sense-giving knowledge. From this standpoint, these pieces, in spite of using modern garments or designs such as sweatpants or jeans, represent affections and ancestral bonds that allude to both physical and emotional transits.

Thus, Lilia recounts her experiences before, during and after she migrated to the United States in search of better life opportunities. While Eduardo tells the artist’s own story, that of a woman who, thanks to her dual nationality, circulates freely from one side of the border to the other. Irma Sofia grants Oaxaca a very special place in her narrative for it was there that she became aware of her own (race and class) privileges as she experienced the true meaning of migratory processes; a realization that led her to open herself to the possibility of imagining and perceiving things differently.

Workforce, a bi-dimensional piece, and Worn Realities, a hung installation, address labor rights issues. They both are made out of denim shirts, a garment whose origin is linked to the working classes and that historically became a universal symbol of youth and rebellion. However, in the Mexican context, especially in the border region, denim clothes also evoke the maquiladoras and the socioeconomic phenomena behind them.

Thus, these works question both the depersonalization and the oppression experienced within this unprecedented global neoliberal framework.

How many drops have fallen? a wedding gown made from military camouflage uniforms and a train that shows exposed viscera has, as the artist herself states, many possible readings. On the one hand, it is a critique of the war industry from the point of view of Army wives; on the other hand, it critiques the fashion world and its banal use of military prints; finally, it alludes to marriage as a battlefield. Set on a base at floor level, this piece forces our gaze downwards and makes us wonder about the violent blood we shed on the ground.

Quite similar to The package in terms of composition, The Forgotten One (exhibited at The Front) evokes Luis Buñuel’s emblematic film Los Olvidados (The Forgotten Ones) in which the Spanish director captured life conditions in poverty belts surrounding Mexico City during the 1940’s. A headless bust made from multiple layers of sweaters ripped heart-high tells the story of a selfless raggedy human being, one of those we no longer look at as they lie on the streets, even if they are showing us their inner self in an attempt to intimately connect with the spectator.

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retrospectiva

Continuing along these lines, the two photographs that record the action Simplicity 6954, a cookie cutter mold in the form of a large scale coat that, when inserted into the ground, leaves a tomb-like hole, tackle the notion of absence/presence. This set of images of that sculptural garden intervention where the form of a coat is essential leave us hanging between the idea of protection and un-protection, between being or simply leaving a trace. As Monica Mayer states in her text Ouch! in the light of today’s circumstances, this piece leads us to think of mass graves, femicides and forced disappearances. Right next to these are the pieces Celebration and Laundering Memories which, in large and small formats, also refer to scenes where the erasure of certain characters becomes evident. Perhaps they represent gaps in the artist’s memory, perhaps the void of those who are no longer with us...

English version from page 90

Re-dressed identities Irma Sofia Poeter

Re-dressed identities is the outcome of an exchange between two cultures, Mexico and the United States, it is the fusion of traditional and contemporary textiles. It is an exhibition of pieces created from stories of people leaving their country, their communities, their families, to migrate from Oaxaca to the United States. These migrants return to their villages and their stories of transformation are recreated by intervening their traditional dress. This particular piece is the concretion of Lilia’s story.

Lilia is a silk rebozo weaver; she lives and works in San Pedro Cajonos, in the Sierra Norte, Oaxaca. She raises her silk worms at home. She migrated to the United States in 1998 seeking to better her economy, and leaving behind her two sons when they were still young. She did not have a husband. In California she took care of her sister’s children, constantly thinking of her own, constantly spinning her silk. There, Lilia was attracted to men’s clothing: jeans, jackets and, above all, shoes. She missed her children very much and wanted all those things for them.

After a year in the US she returned to San Pedro Cajonos where her father exploited her.

Lilia wove the rebozos that he then sold but received not one cent for her work. Without

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irma sofía poeter

his father’s knowledge, she entered a rebozo in a competition and won first price. This gave her the self-confidence to seek her independence. Today, one of her sons helps her with the weaving labor; the other is lost in alcoholism.

Her days begin at three in the morning. She makes silk and ixtle rebozos. Her son also weaves, but it is she who does the endings, the empuntado. To work with ixtle it is necessary to do it outside, under the warmth of the sun, for that she uses her son’s hat; she does not want a hat of her own. While she weaves her son prepares salsa and cooks for her.

Lilia dreams of having a machine that could do her silk weavings, but she is conscious that the true value of her work is the fact that it is made by her own hands.

English version from page 92

Eduardo Irma Sofia Poeter

My work in Oaxaca led me to travel the entire state with its eight regions and 16 ethnic groups. I interviewed about 40 migrants who left for the United States and then returned to Oaxaca. I told their stories by transforming the ethnic clothing of their region.

The ethnic dress of a region usually speaks of the history of the community but, in this case, the typical dress spoke of the history of the individual. I worked with artisans to make ten pieces that were presented at the Textile Museum of Oaxaca in an exhibition called Identidades re-vestidas (Re-dressed Identities). After having finished my work, I realized that the first migrant of that project had been me. Although my migration route had been north to south and then back north again, my transformation had been as strong as any of the stories of the people I had interviewed. That is why I decided to do “Eduardo”, the eleventh piece.

As “Eduardo” I left California to go to Oaxaca. Work and adventure took me there. I am a textile artist and go by another name. However, I decided to change it while in Oaxaca, following the story my mother told me countless times. The story goes that, before I was born, the doctor had affirmed I would be a boy because of the strong kicks and the powerful beating of my heart. The name that awaited me was Eduardo, but at birth they realized my gender and they named me Irma Sofia. During my stay in Oaxaca (2008-

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retrospectiva

2010), I was working under the name of Eduardo Poeter. This pseudonym is also the name of this piece that does not question the transgender concept, but rather the ways in which we name the things of the world that surrounds us.

In Oaxaca, I discovered the importance of plants, the relationship that every human being has with the earth, with its roots, with the ancestral knowledge. I also discovered the importance of community work through the concept of tequio and guelaguetza, the beauty of working by hand, the importance of craftsmanship. I learned to love Mother Earth, to respect Her, to fight for Her. I realized the great strength that is acquired when a community gathers to work without hierarchies for the common good. I found that the simplest things are the most beautiful ones and that family, whether by blood or by choice, is the pillar that sustains and inspires us. My spirit was exalted and I found a spiritual awakening that led me to change my life completely.

English version from page 98

How many drops have fallen?

Irma Sofia Poeter

How many drops have fallen? is a piece made by intervening military pants and shirt, and transforming them into a bridal gown. Its train is made out of braided cotton and organdy simulating viscera, with the name of the piece made out of red cut plastic beads.

The work’s critical readings are diverse. On one hand, it refers to what American culture calls the “Army Wives”. Partners, wives, girlfriends and widows who (in)directly suffer the consequences of war as they bear the burden of either living with disabled spouses or losing and mourning them while in combat. On the other hand, it speaks to the banal use of war-style fabric designs within the fashion system, a phenomenon that implies that war is trendy or “in vogue”. Finally, the piece also suggests the metaphoric connotation of marriage as a battleground.

The dress was presented in the Museum of Contemporary Art in San Diego, California, condemning the Gulf War.

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irma sofía poeter

English version from page 100

Ouch!

Monica Mayer

I saw it and it hurt. I felt the work Irma Sofia Poeter made in the humid grounds of the leafy Sculpture Garden of Xalapa, Veracruz, on my own skin.

The artist dug the earth and created various forms. Then she placed a steel band around the perimeter, flush with the ground. At first, it reminded me of the cutters with which my mother, my brothers and I used to make Christmas cookies when I was a child. The forms that penetrated the grass leaving uncovered the deep brown color of the earth are the pieces of the pattern of a coat, the “Simplicity 6954”, coat A at double scale.

How funny! I thought, Poeter is undressing the earth with a coat. She uncovers with something that is supposedly used to cover. She uses what should be a means of protection and makes evident its vulnerability. It is as paradoxical as the relationship between art and nature, which in this garden generally sustains a respectful dialogue, but through this piece it becomes a direct confrontation.

“Simplicity 6954” also reminded me of the paper clothing with which I dressed my paper dolls. However, when I saw the cloth hanger that is part of the installation hanging from a tree, again, I went cold turkey. I started thinking the hanger was left there, hanging, because unless something extraordinary happened, the coat would no longer emerge.

The coat that should have been, will not be. One can also think about the promise of the earth to cover us, I, however, deem that highly impossible after everything we have done to her. For some reason it reminded me of the painting that Frida Kahlo painted in 1933, “My dress hangs here”, with the garment of the artist hanging in the middle of Manhattan, making evident her absence. The silhouette of Ana Mendieta traced on the earth, also comes to mind.

Although my first reactions to this piece take me to my childhood, I do not think I am in front of an innocent piece. The patterns imposed on us during childhood generally accompany us, all our life, sometimes as guides to navigate reality, other like scars so deep and outlined like the ones this piece marks.

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retrospectiva

I do not want to keep the appreciation of this installation/intervention in the past. However, if I bring it to my adult condition, it might turn terrifying. The figure of a woman (or her coat) dismembered, her parts scattered on the floor, half buried, make me think of the Coyolxauhqui and the women murdered in Ciudad Juarez, where their mutilated bodies have been found, barely covered by the desert sand.

With time, the hard steel of this piece will start to oxidize, abandoning its industrial look to integrate to the earth that surrounds it. I suppose that, little by little, it will integrate to the landscape and will soften a little. Time will also nurture it with all the ideas and sensations that it awakens in its observers, because this is clear, like a coat, this piece is polysemic and it adapts perfectly to the body of whoever wears it.

THE BORDER: LIMINAL IMAGINARIES English version from page 108

The Border: Liminal Imaginaries Adriana Martinez Noriega

Borders are wounds in the earth; they are fictional divisions that delimit an “over here” in order to separate it from an “over there”. However, in a broader sense, the notion of the border may also refer to the boundaries between one body and another or to barriers that are not necessarily physical or geographical. Many theorists, such as the Chicana-Tejana Gloria Anzaldúa, have realized this. That is why it is important to reference her thinking because while Anzaldúa addressed the painful aspects of inhabiting an in-between space, she ultimately offered a healing vision: a “Coatlicue state” in the midst of a Coyolxauhqui split condition.

Thus, for those who are born in a liminal context such as the Tijuana/San Diego border region, the idea of transfronteridad or “cross-borderness” is presented as a third option: a consciousness that is aware of the permeability of the walls, allows relationality, hybridization and, most particularly, a balanced conjunction of the best of both worlds, literally and metaphorically speaking. Hence, the bi-national identity of Irma Sofia Poe-

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ter, which, by means of a hyphen, unites both her Mexicanness and her Anglo-Saxon/ German ancestry and allows a same-level dialogue, is manifested in this series of works entitled Infiltrated Iconographies.

Night Landscapes, presents a dark firmament painted over a French-style coquillages print pattern in which geometric glyphs of birds, stars and snakes, all with a clear pre-Hispanic influence, stand out. On the other hand, the trio consisting of Union, Prayer and Woman follow the same logic of combining backgrounds and forms from different origins and traditions, thus highlighting the richness that emanates from the artist’s double gaze. Finally, there is Düsseldorf, a pair of black-and-white photographs that are reminiscent of 19th-century architectural sketches, which thanks to Poeter’s subversive intervention, appear “invaded” by the colorful and sinuous forms of a serpent-like deity.

English version from page 110

Infiltrating Iconographies Irma Sofia Poeter

Infiltrating Iconographies is the outcome of my two-year stay in Oaxaca, Mexico. Living and working there afforded me the opportunity of having an incredibly rich experience with textiles. Color, texture, form and iconographies imbedded in a complex and diverse culture, took me to another realm, where spirit, tradition, mysticism and nature conquer, and reign.

The format of these pieces is European, but the infiltrating and merging iconography is Pre-Hispanic. These icons come from the embroideries and woven clothing and utilitarian textiles of the Mixtec and Zapotec cultures. They narrate and describe the unique ancestral culture and history of its people.

It is evident that this re-conquest is permeating observers outside of this unique space called Oaxaca. We, as a world, are reaching back to that ancestral way; seeking meaning, direction and our own survival.

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retrospectiva

(DE) CONSTRUCTING HOME English version from page 120

The (De)construction of Home Adriana Martinez Noriega

Every odyssey, as Ulysses well demonstrated, begins with the same act: leaving home.

Irma Sofia’s artistic journey is no exception, since the leap into the void with which she began her artistic crusade involved, to a great extent, leaving aside the traditional notion of family, facing monsters, deconstructing false truths and sailing seas through storms and strong winds as her father once did. Nevertheless, in 2010, about fifteen years into her journey, Poeter finally decided to raise a white flag, as the piece Surrender shows, and returned home. Her Ithaca, however, was no longer the one she had left behind. Hence, becoming the Homer of her own story and following the advice of Virginia Woolf, she embarked on a new adventure: the creation of a home of her own, an Arcadia based on her emerging needs.

The site for this project was discovered in Tecate, at the foot of the Cuchuma, the sacred hill of the Kumyaay, the original Indigenous inhabitants of this land now divided between Mexico and the United States. Just two kilometers from the border wall, in a rectangular terrain, she found the place to settle and devoted herself to the task of designing, delimiting and taking advantage of the benefits of space to the maximum. She traced the axes in the four directions, conceived a house for each element (air, water, earth and fire) and gave them different functions; she also began to play with the local forms and materials, defined the scales, designed the garden, decorated the interiors and harmonized everything with the environment so as to make her house sustainable and respectful of the surrounding environment.

The model, the video and the set of exterior and interior photographs that are concentrated here record this (de)constructive enterprise that took her six years to complete.

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irma sofía poeter

English version from page 122

Architecture: Fire House, Earth House, Water House, Wind House and temazcal Irma Sofia Poeter

From 2014 to 2019 I constructed three houses on a property at the skirts of the sacred mountain of Cuchuma. This piece of land already had a brick house that I remodeled and called Casa Fuego, Fire House.

I later built Casa Tierra (Earth House), a house created with straw bail and plastered with adobe. It was built with the idea of making a sustainable home where the materials (straw, clay, reed grass and wood) would function practically and aesthetically to their full potential. A composting toilet was incorporated so that all the grey water, as in the other houses, could be reused to water the garden. Local clay was used on the building just like reed grass from a nearby stream was incorporated for decorative-functional usage in the closet and kitchen doors, as well as in the refacing of the ceiling. Most of the furnishings, that is, bed, nightstands, dressing table, dining table (made from a tree trunk), and dining benches, are all incorporated into the architecture. The house, structurally, goes from square, reflecting the shape of the adjacent brick house (Fire House) to a round and organic space. I incorporated trunks from a fallen tree into an undulating wall that separates the bedroom from the kitchen. The interior doors where made with recycled wood. River rocks were used in the decoration of the bathroom and the clay tiles used in the kitchen were handmade and hand painted locally. The color of the inner and outer walls is the same hue of the soil with which they were plastered; the white colored walls were painted with lime and the binding agent was prickly pear sap. At the same time, a temazcal (sweat lodge) that holds twelve people was built with wood, reed grass, adobe and stone.

The next house was Casa Agua (Water House), at the end of the property in the northeastern corner. This house was built with local brick and cinderblocks. Its roof is a large dome made of wire rod and concrete. In the west wall, glass jugs full of water were incorporated. When the sun comes down and the light hits the bottles, rainbows are projected inside on the floor and walls. The house has a mezzanine and two levels, the lowest level is three stories high giving the space a limitless feeling. Here also handmade and hand painted tiles were used in the kitchen area and bathroom. As in Casa Tierra

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retrospectiva

(Earth House), tree branches and twigs were used for handles, curtain rods and towel holders. The floor is made of local brick placed directly on the soil. An already existing eucalyptus tree was incorporated into an interior garden inside the house.

Casa Aire (Air House) was the last one built. It is located on the southwestern corner of the property. This house was built with local brick and cinderblocks but the material that stands out is wood. Ceiling, floor, closet, doors and kitchen cabinets were made with it and all of it is recycled. Twigs and branches were also used as door handles and towel holders like in the other houses. The house has three levels: the first is a one car garage; the next level, 4 steps high, has a bedroom and full bathroom. Going up a spiral staircase there is one more area, an open space holding the kitchen, dining space, living room and bedroom. It has windows on the south and east facing walls, both with a panoramic view of the city of Tecate. On the north side, the house has windows between the two roofs allowing light to enter thus giving a feeling of lightness, and a glass door that opens onto a balcony where you can see, in all its splendor, the sacred mountain of Cuchuma. This house has two glass walls inside, made of recycled windows. One of these walls is at the foot of the open space bed, the other is the third wall of the second level bedroom.

The garden is divided into areas: one is the area of the organic garden, another is a contemplation area under olive trees, the other is the temazcal area, and the last one is the fruit trees area. It consists of a combination of native plants and plants that need little water and is surrounded by trees that help create a microclimate that protects the houses from the weather.

TRANSCENDENCE: SPIRITUAL SYNERGIES English version from page 130

Transcendence: Spiritual Synergies Adriana Martinez Noriega

Although it crosses her entire body of work, the guiding axis regarding Irma Sofia’s relationship with the metaphysical spectrum of existence is more powerfully present in

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irma sofía poeter

series like Chakras and Protection in which the artist uses her fashion design abilities to create suits and coats out of fabrics of different materials, textures and prints from around the world. The first series, represented in this exhibition by Mulhadara, chakra 1 (root) and Ajna, chakra 6 (third eye), alludes to the energetic points of the body that from a tantric perspective correspond to different potentialities and colors. On the other hand, Emotion and Spirit, are a pair of coats made of fabric, lace and glass beads that, by including icons such as a burning heart or a Virgin of Guadalupe, refer to the notion of protection, not only physical but also spiritual protection, that supposes covering or tucking oneself under a secure halo.

On the other hand, the pieces The Place Where the Past and the Present Meet (from the series Mirrors), Alba and Deborah (from the series Curative Textures), and the intervened photographs “Maria Teresa, Infinite and Transcendental Landscapes, all correspond to the production that Poeter carried out during her period of residence in the Tuscan village of Belforte del Chienti. These pieces speak precisely of the affection that, through connection with others, helps us reach higher relational planes. Thus, this set of works deals with the idea of energy refraction, which, in the most profound encounters, can even favor healing.

Likewise, the mandalas Landscapes of Transformation, Fusion-Fission and Mandala of the Orbs (exhibited in The Front) are much more than a simple circular forms; they are representations of structural models of life itself. In accordance with the formal precepts of harmony and equilibrium, these embroidered collages not only transmit an effect of peace, but also invite us to think about that reality that extends both inwards and outwards from all being since each piece alludes to both the micro and the macrocosms. This is why these kaleidoscopic images can be read as cartographies that trace the coordinates of a small cell or of the universe itself.

Finally, to close this circular curatorial narrative, the piece Desire, a large installation made up of a sort of translucent blanket in which we find girl dresses and an empty rocking chair, points to the cycle of life and the force that drives us in this transit that goes from the alpha to the omega. On the one hand, the blanket is reminiscent of the cards or monographs that small children use to cut and stick clothes in kindergarten, and on the other, the rocking chair evokes scenes in which grandmothers sway rhythmically back

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retrospectiva

and forth while weaving clothes for their grandchildren. Thus, by connecting childhood and old age, learning and wisdom, energy and patience, space and time, in short, the incoming and outgoing generations, this work alludes to that impetuous fire that incites us to relate and create other possible worlds: desire. Desire for life, desire for more...

English version from page 132

Energy, flows and passions: Irma Sofia Poeter and feminine recovered Norma Iglesias-Prieto. September, 2014

The series “Chakras: woven energies” has the strength and the virtue of showing the many personal and professional dimensions of Irma Sofia Poeter in an articulated way.

Her interests are deep and appeal to a reflection and recovery of the basics: from the feminine to a rich critical return toward the only thing that gives us true strength, the creative energy. Her interest in the seven chakras incorporates her spiritual practice and her fascination and expertise in fashion design, as well as her attraction to textiles and everything they contain and signify. Attraction that is linked to an aesthetic, an anthropological and an experiential realm.

From an aesthetic point of view, Irma Sofia juxtaposes materials that offer a wild array of textures, densities, means of production, historic periods, cultures and countries.

And then, she impregnates them with the essence that harmonizes with each specific chakra. This juxtaposition of materials releases the artist but provokes and reveals our own socio-cultural prejudices.

From an anthropological perspective, by handling textiles Poeter is able to track down the life and labor dynamics of those who produce them, as well as to confer symbolic value, recognition and dignity both to the subject (predominantly female) that produces them and to their working strategies.

From the experiential standpoint, fabrics, textiles, pattern designs and the act of sewing, remind the artist of her childhood and bring back memories of her mother and the conversations she heard about how her grandmother used to sew. The textures, shapes, densities, and colors of the fabrics and textiles that she stumbles upon at a store or at a

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irma sofía poeter

market, connect her with a specific moment and life condition. Each fabric is associated to a memory. Textiles, however, also remind Poeter of the power and pleasure invested in the transformation of a rather simple object (a piece of cloth) into one much more complex (the garment), as well as of the empowerment the acts of dressing, adorning and transforming a body, stressing postures, generating styles, creating fashion and sending signals entail.

English version from page 138

Protection Irma Sofia Poeter

This is a series of nine pieces; eight coats and one a two-dimensional textile piece. The concept behind this work is the manifestation of the idea of protection by unifying different textiles of diverse origins, times and values to create a harmonic and balanced whole. The need to protect ourselves comes from fear of the unknown. Through textiles, history, time, traditions and values are presented in communion in each of the pieces so as to de-construct the barriers that separate us from one another.

English version from page 142

Mirrors Alfonso Caputo. June 2017, Belforte del Chienti.

While observing the work of an artist, one cannot ignore the knowledge of her personal life experience. In Irma Sofia’s case, it is important to remember her dual nationality, not acquired by a bureaucratic act, but by birth, transmitted to her by her parents. In her, the American and the Mexican nature live together, and inevitably her artistic work is therefore a constant search of balance, giving shape to high profile hybrids.

Her work with textiles has given her the opportunity to concretely develop her deepest nature. Plot and warp integrate to manifest what she has incubated in the most remote corners of her being along the years. It all is a game of reflections, of suggestions, a game of mirrors.

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This way of being in direct contact with the environment in which she lives made possible this new chapter in her artistic production. “Mirrors”, in fact, was born in Italy by her expressed wish. The pieces she showed here had not been already made elsewhere but rather this series emerged out of her day-to-day contacts and were done according to a modus operandi that left a concrete trace of her presence in this Italian town.

Hence the background of all this work, the plot, is particular to Belforte del Chienti, its people, its moments. Every component, amplified and reflected more than once, generates a basic architecture that admits the textile elements, the warp, the artist sets on the canvas through harmonious balance. Days made of silence, spent absorbed while working, but also days made of meetings at the village square.

The uniqueness of this work is enclosed in this fusion mechanism through which the artist and the environment in which she works create something that will forever remain in the life and history of both, even as they both retain their own identity. Every artwork is the result of a delicate but intense dialogue in which each element contributes to the final result and in which every obstacle dissolves into an embrace rich in feelings rather than words. And these emotions that remain here are the ones that tell the magic of this happy coexistence.

English version from page 146

Portraits: Healing Textures Irma Sofia Poeter

I made this series in Belforte Del Chienti after finishing the work I presented during my residency in 2017. Belforte is a medieval town in Italy near to the Tuscany region. There life goes by slowly between beautiful landscapes, ancient architecture and its generous and open people. I met various locals and got to learn their stories of joy and sorrow. The connection was strong and beautiful, that is why I decided to make Portraits: Healing textures.

The process was as follows: I invited several people individually to my studio in Belforte and there, sitting on a chair, I applied cutouts of textiles on their skins creating mirrors

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and mandalas on their faces and parts of their bodies. Knowing a bit of the history of each person, the intention was to provoke a healing act on themselves. After applying my design, the subjects would find a comfortable position in order to meditate and, finally, I would photograph them. There were 10 portraits, among which are Alba and Deborah.

English version from page 148

Trascendence in La Marca Irma Sofia Poeter

Transcendence in La Marca is a series of works I made out of a photographic album I found in an antiques store in Belforte Del Chienti, in La Marca (“The Mark” if translated literally to English). The album turned out to be a travel book of a woman named María Teresa, resident of the region. With the photographs and postcards it contained I decided to talk about physical, mental and spiritual transcendence, through construction and destruction, the movement, voyages, and memory.

English version from page 156

Fusion-Fission Irma Sofia Poeter

Uri Manor’s laboratory blew my mind and moved my spirit. This place was filled with state-of-the-art microscopes that record via photography and video the functions and dysfunctions of some of the tiniest organisms in Nature. The microscopes detect when each metal loses electrons and records each unique loss as with artificial color. These electric colors help differentiate the parts of the specimen of study to better understand them. Reds, greens, yellows, purples and blues abound on a stark black background. During the visit, Uri spoke of the microscopy-based methods and biochemical analysis that led him to discover the molecule (spire 1 C) and the mechanism that controls the critical processes of mitochondrial fusion and fission. Mitochondria are large organelles found in the cytoplasm of all plant and animal cells. The main role of the mitochondria is to produce the energy on which the life and death of a cell depend. Fusion and fission both contribute to the maintenance of mitochondrial function and optimize bio-energetic capacity.

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retrospectiva

Since my work deals with energy issues at a spiritual level, this whole new universe fitted me just fine. Exploring energy at a cellular level, the issues of life and death and the “control” we have over them lead me to create this mandala piece called “Fusion-Fission”.

A mandala, “circle” in Sanskrit, is a spiritual and ritual symbol used in Hinduism and Buddhism to represent the universe. It portrays the concentration of energy that balances and connects us to our spirit. It represents the cosmos, metaphorically and symbolically, at a micro scale. And what better way to represent the microcosm than a cell with its energy generator, the mitochondria.

English version from page 162

Artist statement I am a multidisciplinary artist who works with textile in all its forms, that is, fabric, garments, embroidery and woven materials. Textile, a manufactured material that protects, gives form and defines social, cultural and economic standards, is for me a universal language given its strong ties to the whole human condition. Dyed, decomposed, embroidered or reconfigured, textiles accentuate marks of trauma and detonate individual, family and collective memories that enable me to address identity, memory, gender, spirit and energy issues.

The act of constructing is evident in my artistic production since most of the fabrics I use are acquired, recycled or commissioned, and with them I create assemblages and collages that sometimes incorporate painting and photography. My art, immersed as it is in the poetics of textile matter, depends strongly on texture, color, pattern and shape, as well as on the social, historical, and geographical references they confer.

My work is deeply rooted in the revaluation of sewing as a high art. Traditionally pondered as a womanly activity, the act of sewing has been long considered a domestic task, a craft and, therefore, a lesser form of art. Hence, resorting to this “minor” language, I try to discover, emphasize, and balance the feminine that exists in each of us in order to raise it to the level it deserves. Given the patriarchal system in which we live, through my art I stress the importance of the feminine as a means to achieve the balance, harmony,

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and equilibrium that will allow us to create a free, comprehensive, and equitable world.

During my stay in Oaxaca, 2008-2009, I worked under the name of Eduardo Poeter.

This nickname is part of an ongoing piece where I question not transgender issues, but the ways we name the things that surround us.

English version from page 164

Irma Sofía Poeter (Arcadia, United States, 1963) Mexican-american artist who has lived on both sides of the San Diego-Tijuana border.

She currently works and lives in Tecate, Mexico. Her oeuvre is developed with emphasis on the use of fabrics and textiles, as well as intervention and in situ installations. She is a founding member of Grupo Martes art collective.

She is a self-taught artist with studies on seminars and workshops of Baja California Humanities Center and an diplomat on Visual Arts for the uabc. She has done artistic residencies in Oaxaca (La Curtiduría), Mexico City (Espacio Lagos), and Italy (Museo Internazionale Dinámico di Arte Contemporanea) and earned several awards like the honorific mention at the 10th Biennial of Baja California (1995), the San Diego Art Prize (2016), and the Baja California State Fond for the Arts and Culture grant (2001).

Since the late-1990’s she has participated in solo and collective exhibitions in several American and European countries. Among her presentations in Mexico we find solo shows: Anecdotario ancestral (2002, UABC), Tramas y condiciones (2004, Universidad del Claustro de Sor Juana), Identidades Re-vestidas (2009, Oaxaca Textile Museum), Cartografías del Espíritu (2016, La Caja Gallery) y Mandalas y Espejos (2018, Espacio Lagos); as well as the collective show 12th Bancomer Art Saloon (2003, Modern Art Museum).

Abroad, she has solo exhibitions like Iconografías infiltradas (2014, Casa Valencia Gallery. San Diego, CA) y Espejos (2017, Museo Internazionale Dinámico de Arte Contemporanea. Italy), and group proyects like the 7th Havanna Biennial (2000. Cuba), Espejos invertidos: Mexican contemporary art in the United States (2005, Mexican

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Cultural Institute. Washington, D.C.), Tijuana Organic (2006, Cornehouse. UK) Vica Mexico (National Art Gallert. Poland), Shaped in Mexico (2015, Barge House. UK), Displacement / Replacement y Extra-ordinary Collusion (2017, San Diego Art Institute.

San Diego, CA) y Convergencia (2019, Escondido Center for the Arts. Escondido, CA).

Being an artista from the Baja California region, she has participated in fourteen exhibition proyects with cecut in the last two decades. Group exhibitions like the First Art Auction (1998), Senderos que se bifurcan (2000, with Grupo Martes), Neograffiti painting (2003), 2nd International Banners Biennial (2002), Orgánica. Realidad de la frontera (2006), Mi tema (2007, with Grupo Martes), Memorabilia (2007), 7th International Banners Biennial (2010), and Obra negra. Una aproximación a la construcción de la cultura visual de Tijuana (2011); collaboration proyects like Hasta la raya / Art without frontiers II – Right at the edge / Arte sin fronteras (1997, with the San Diego Art Institute.

San Diego, CA) and Beyond Frida. Women artists from the Meixcan Northwest (1998, Oceanside Art Museum. San Diego, CA). Una y lo otro: devenir en relación is her third solo exhibition at cecut, after Cosidos (2001) and Identidades Re-vestidas (2011).

Adriana Martínez Noriega She became a teacher in Women’s Studies at the San Diego State University, specialized in Politics and Cultural Management at Universidad Autónoma Metropolitana and she graduated in Art History at the Universidad Iberoamericana (cdmx Campus). Martínez Noruega has worked as a research assistant in different projects, both at the Colegio de México and the San Diego State University. He has worked in various museums such as the Museo Nacional de Arte, the Museo del Palacio de Bellas Artes and the New Americans Museum. Her subjects of interest are the representation of the body and sexuality “feminine”, as well as performance and image as both countercultural visual devices. She has published several academic articles and lectured on art, identity and gender in Mexico, Colombia and the United States. She has curated more than fifteen exhibitions in various national and international spaces; she is a freelance writer and workshop and co-editorial director of Antidogma, the art and culture magazine of the University of Communication. Her work - something she considers creative activism - is always crossed by a decolonial and intersectional feminist vision.

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Reyna Aguiar Basurto She has a master’s degree in International Relations from the Université Laval (Quebec, Canada); she acquired a specialty in Management and Cultural Policy at the Universidad Autónoma Metropolitana and graduated in International Relations at the Universidad Iberoamericana (CDMX Campus). She has collaborated over more than 25 years in various museums, from the Centro Cultural/Arte Contemporáneo, the Museo Nacional de Arte, the Museo del Palacio de Bellas Artes and the Museo de Arte de San Diego.She has a history of more than twenty years as a teacher and designer of university study programs. She is a translator of art texts and has participated in the creation and development of multiple cultural projects. Aguiar Basurto has an outstanding handling of themes of art history and culture, and is also a photographer. For three years she has been working as an independent cultural manager and teaches graduates and workshops in various fields, including the incorporation of a gender perspective in the academic field and in the cultural agenda in general. She is co-editor of Antidogma, the art and culture magazine of the Universidad de la Comunicación and has participated in the curation of various exhibitions.

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Agradecimientos: Acknowledgments: Reyna Aguilar / Emiliano Alvarado / Gina Argote / Mely Barragán / Luis Blanco / Alfonso Caputo / Karen Cordero / OlgaMargarita Dávila / Leticia Funcke / Damaris Gorrocino / Marisol Grinelli / Norma Iglesias / Michelle Landis / Paige Landis / Tania López-Winkler / Daniela Lozano / Juan Eduardo Lozano / Jaime Magdaleno / Adriana Martínez / Alfredo Martínez / Griselda Martínez / Isabela Martínez / Lorena Martínez / Paty Martínez / Mónica Mayer / Daniela Moller / Emma Montoya / Fernando Montoya / Tere Ocaranza / Elena Pardo / Bettina Poeter / Marissa Poeter / Robert Pincus / Jesus Robles / Arturo Rodriguez / Mariel Romero / Daimary Sánchez / Mario Suárez / Virginia Taracena / Sergio Toledo / Maria Vale

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SECRETARÍA DE CULTURA Alejandra Frausto Guerrero | Secretaria / Secretary Centro Cultural Tijuana Vianka Santana | Directora / Director Francisco Godínez | Subdirección de Exposiciones / DD for Exhibitions Jorge Medina | Subdirección de Promoción Cultural / DD for Cultural Promotion

Claribel Bernal | Subdirección Educación y Gestión / DD for Statistical & Public Info.

Martha Velarde | Subdirección Administrativa / DD for Administration Jaime Cháidez | Subdirección de Comunicación y Memoria / DD of Media & PR

Exposiciones Leobardo García Córdova | Gerencia de Exposiciones / Exhibitions Manager

Carlos A. García Cortés | Gerencia de Colecciones, Registro y Conservación / Collection Manager Sinuhé Guevara Flores | Coordinación de Exposiciones / Exhibitions Coordinator Miguel Corona Ambriz | Coordinación Operativa / Operational Coordinator Iraseli Romero Lomelí | Jefa de oficina / Office Manager Elda Sandoval Flores | Jefa de Museografía / Installers Manager José Manuel Cruz V. / Luis Del Toro | Diseño Gráfico / Graphic Designer

José Jaime G. / José Ramos / José Sandoval / José Terrones / Luis Dueñas | Museografía / Installers Hilario Hernández | Restauración / Conservator Salatiel Leal / Sergio M. Torres Pérez | Registro de obra / Register

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Primera edición, diciembre 2019 © Secretaría de Cultura / Centro Cultural Tijuana Tijuana, B.C. México. Tiraje 300 ejemplares Esta obra se terminó de imprimir en los talleres de Gestela Ediciones S.A. de C.V. Macedonia 15 Frac. lomas estrella 2da sección, Iztapalapa CDMX. C.P. 09890. Tel. 55-5608-8400