JENNY ASHLEY
HIDDEN WOMEN
THE LAMPSHADE PROJECT
CONTENT 2 Presentation 4 Curatorial Text 8 Profile 10 Interview 14 Photographs 65 Spanish translation
PRESENTATION SINUHÉ GUEVARA CECUT Exhibitions Coordinator
In 2020, we learned the importance our home has in our lives as a shelter to resist the attacks of the outside world. However, we also learned that the problems of the domestic world don’t disappear and, in some cases, they became worse. In the midst of the quarantine, the number of reported cases of domestic violence increased in several parts of the world, including Mexico and the United States. This reveals an ugly truth: the domestic space still is a hostile environment for many women, making some feel trapped or unsafe as if their home was a prison. Jenny Ashley’s exhibition Hidden Women. The Lampshade Project, delve in this private world and cast a light on the truths that everyday life tries to hide. Ashley’s work is a direct opposition to the old social practice summarized in the saying “Don’t air your dirty laundry in public”. What Ashley does is to put, precisely in front of our eyes, her life story so we can see ourselves and wonder who are these women? Who could they be? Why aren’t they who they want to be? Ashley’s photographs tell us a story so specific that it is hard not to search for autobiographic details, but, at the same time, the story told is so common it becomes universal, creating an urgency to show to the rest of the world. By exposing and talking about the abuse women suffer inside their homes, we believe we can advance towards gender equality.
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THE LAMPSHADE PROJECT
HIDDEN WOMEN
THE LAMPSHADE PROJECT CENTRO CULTURAL TIJUANA
Recalling a long tradition of portraiture and theatrical story telling in art, Jenny Ashley (Los Angeles, California, 1975) utilizes the camera to create her socially critical images. An avid collector herself, Ashley incorporates vintage clothing and set design in each vignette where her protagonists assume stereotypical gender roles, that too often silence and suppress the female voice in the contemporary landscape. Ashley follows in the legacy of post modern feminist artists such as Cindy Sherman and Barbara Kruger who delve into cultural assumptions yet Ashley uniquely challenges the common illusions of the feminine mystique, the patriarchal notions that a woman’s place is in the home and that her success can only be achieved through the roles of mother and housewife. Ashley’s photographs construct and critique socially held beliefs about domesticity that still prevail in the majority of the world. Through this series, the artist presents the uncomfortable notion that a woman’s prime source of fulfillment is directly linked to the well held belief of domestic goddess. Ashley first began working on her photographic series The Lampshade Project in 2017 to highlight gender inequalities and the objectification of women. The concepts for this series first took root at the California Polytechnic State University where she studied English Literature and Studio Art with an academic focus on feminist theory, gender studies and voices of resistance. In each photograph, the face of the model is obscured by a lampshade. By hiding the female face the individually voice of the woman is stripped away. The images ask the viewer to question whether the woman in the photograph is a mannequin, an object representing a woman, or an actual woman and thus blurring the lines between identity and objectification. The lampshade becomes a mask in which a woman hides, denying her true self and becoming what some men look for in a wife, someone who is subservient, docile and obedient.
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Ashley chose to use vintage clothes to explore the idea of role playing. The clothes are not an expression of the woman’s true identity, but rather how culture expects her to appear as either a highly demure or sexualized object. The woman becomes nearly invisible in a domestic setting as she is seen as fanaticized notion of a sex appeal without the essence of identity. Additionally, this series focuses on the female as a universally marginalized group who is valued as a source of décor or decoration rather than a sovereign entity and essential component and contributor to society and culture. The photographs become a symbol for those women who have been undervalued, dismissed and ignored –past or present. The Lampshade Project presents a dichotomy or “art as argument” with the power of visual rhetoric as the images suggest one’s limitation to truly know the individual and simultaneously understand the role of gender as defined by traditional models. With this series and exhibition, Ashley challenges her audience to reconsider common beliefs and stereotypes about a woman’s place. These works are even more poignant given the current climate #MeToo and #TimesUp movements with the revelation of abuses towards women and in turn the important fight for a woman’s voice to be heard.
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ARTIST’S STATEMENT
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Have you ever felt overlooked? Silenced? Trapped? Even replaceable? My photography explores these struggles and offers me a way to be seen and heard. The Lampshade Project, a series of over twenty subversive images, features women whose identity is veiled by a lampshade to signify how ridiculous it is how so many woman are still silenced, objectified, or expected to remain “hidden.” Does it make you uncomfortable, even angry, to confront an image of these woman who are stripped of their identity and put on display as beautiful objects of decoration? Good, because this paradigm needs to change. I spend countless hours preparing to make each photograph and my process involves curating the design of the set, the vintage wardrobe and props, as well as selecting the model, all of which simultaneously trap the woman in a bygone era of seemingly outdated values. My subversive photography and The Lampshade Project in particular is a way for me to join the voices of resistance and to visually say, “Nevertheless, she persisted.” But aren’t things getting better, you might ask. Yes and no. Even in the wake of the #MeToo movement, with more people being aware of inequalities and outright abuses, I still—as a women moving throughout the world, in business meetings and personal relationships—witness basic incongruities. In my seemingly liberal circles in my seemingly liberal state of California, women are still valued more for their looks than their intellect. Women are still interrupted and their ideas dismissed, as if their opinions were second class. Women are still judged for working if they are simultaneously raising children. Women are still valued more for their quiet domestic service rather than for their accomplishments outside the home. Women are still silenced and hidden every day in personal relationships, business hierarchies, and government service—any place where patriarchy persists. Not to mention more outright abuses happening daily like sexual assault, domestic violence and human trafficking. My hope is that The Lampshade Project, as a series of visual rhetoric, will add to the current conversation and illuminate these inequalities worldwide. The artist currently resides and teaches in San Luis Obispo, California.
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INTERVIEW
by Sofía Jofre February 7, 2020 at Tijuana Cultural Center THIS TRANSCRIPTION HAS BEEN EDITED FOR LENGTH AND CLARITY https://www.youtube.com/ watch?v=d3bzJPd2GNo
Why did you choose photography as a medium to create your art? I was trained in film photography, working in the dark room for eight years. I also have a background in theater, and I love that there can be a stage aspect to art photography: with just one frame, you can create an imaginary story by visualizing it as a scene and you only need a small number of things: a camera, some clothes, a person, and a few props. With that, you can create a scene in an imaginary story very quickly.
As a theater student I design sets, and we built them based on a script and director notes. Do you conceive your images as the end of a narrative or do you have some items and/or ideas that you want to focus on in each photograph? My photographs come together piece by piece, organically. I started this series by finding vintage clothes. So I’d be thrift shopping and I’d find an old green polka dot dress, for example, and I start to look for a background that would match it, and then the whole image started to take shape. For one, I found this bright-orange vacuum cleaner at a garage sale and I instantly knew it matched the walls of my friend’s house. But other times I’d notice wallpaper that’s bright, colorful or strange and I’d return to that place to take the photo very quickly, like in a hotel lobby. On some occasions I’ve rented a room in a hotel, but mostly, I used friend’s houses and common places like a corner laundromat. My process has a lot to do with putting props and clothes together collected from thrift and second-hand stores, or garage sales, and then creating a set around that, on a budget. Oftentimes I find an interesting vintage dress and from there I have to find a woman who fits into it. Fortunately, I have a lot of friends who volunteered to model and collaborated with me to make each image unique.
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Who are your art influences and what female artist inspires you?
Why do you describe this series as subversive?
I’ve been influenced by many artists throughout my life. But before studying photography, when I was growing up, I read fashion magazines, like Vogue and Cosmopolitan, so I learned a lot from Annie Leibovitz’s photography that way. I remember pouring over all the beautiful photographs she did in those magazines and that was an informal influence on me. I wasn’t really into fashion –and I never spent a lot of money on clothes or anything like that– but the fashion and celebrity photography in those magazines is always so artistic and beautiful.
It’s subversive because it makes people uncomfortable and subverts how we look at women. At first glance, the photographs look familiar, places where you’ve been (hotel rooms, kitchens, living rooms, gardens) and then you see a woman with her face covered. You may think she’s pretty and that she belongs there, in her home, her place; but she’s veiled and her identity has been stripped from her, you can’t see her face, she has no name, and she’s not allowed to be her true self –or even a full self. She only exists to clean and stand there looking pretty.
More recently, I met Lena Rushing and Jami Ray, two local friends and painters. They were my first female connection to the local art scene. I live in a fairly conservative town and when I saw their work, I thought it was strange and didn’t quite understand it at first, but just being exposed to their work, and knowing that they were women my age who were also mothers, gave me a sense of permission to create something of my own, to be a little weird, and do something different.
This series is also influenced by my love of advertising and fashion photography because the photographs are made to be like the ones in the magazines, with the notable difference that you can’t see the model’s face. That makes people uncomfortable because they may think something is wrong, and it is: She is only allowed to blend into the background, silent and without an identity.
My work has been compared with Cindy Sherman’s and I adore her self-portraits. She is definitely an influence, maybe without me even realizing it, because there is definitely a resemblance there. I’m also influenced by female political artists, not necessarily photographers, but like the Russian activists Pussy Riot, who protest and perform with masks, and the Guerrilla Girls, who also cover their face, and work to get more representation of female artists in museums.
You didn’t necessarily grow up in an artistic environment, but rather in a conservative one that didn’t encourage you to be creative and rather pushed you to fit into traditional gender expectations. As a female artist, what limitations have you experienced based on your gender? Most of my restraints have been personal: my relationships with people and their expectations of me to be a “good woman or mom” prevented me from making art. I had to say to myself that even though THE LAMPSHADE PROJECT
these images in my head are maybe weird, I’m going to make them anyway. I gave myself permission to do that, and to take them seriously, even if people think they’re odd and I’m labeled as strange. How does The Lampshade Project relate to the #MeToo movement? I started this project three years ago, just a few months before the #MeToo movement, but I think the #MeToo movement has created space for more women to speak out and to speak their truth; it paved the way for more women to express themselves. Fortunately, there are more female artists being recognized right now, than ever before. It’s a little ironic that the series is about silenced women, but this project has become my voice to explain my personal experience. I was the woman with the lampshade on and I was hidden for much of my life and I felt like I didn’t have a voice. Thanks to the #MeToo movement, more women can speak up and have a voice.
Why do you choose to talk about our present-day struggles with sexism with images that evoke the past?
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The out-dated vintage clothes and the retro style in the photographs mirrors the old-fashion values and expectations that still persist. I know many women that, even today, are shamed for working outside the home because other people think their job prevents them from being a good mom. I live in a liberal town and teach at a university and some people still think it
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would be better if I were at home, cleaning and cooking, which shows that these conservative expectations still persist, even in liberal California. Hopefully, this is changing and the next generation will have different expectations, but right now, there’s a quiet shame brought on many women that seems to belong to the 1950’s. Do you think the domesticity in your photographs represents a universal theme? Women are hidden in a lot of ways, but the most common is the expectation that women must be domestic. Even if they work, they should be “domestic goddesses”: Splitting their time between their work and the domestic chores. For example, I have female friends who are successful but are also ashamed they cannot make a five-course meal for everyone every single night or that their house isn’t always clean. That sounds like a conflict from the 1980s, but it still persists. I played with the idea that the woman’s place is in her home, and that’s a reason a lot of the photographs are shot inside a home. Why is she stuck there? Is she supposed to blend with the background and remain quiet and not have an opinion? I want people to see the photographs and get frustrated with this idea because it needs to change.
What has been the response from the people who have seen the exhibition? The people who have had a strong emotional response are mostly middle-age women, my age and older, probably be-
cause they see themselves in the photograph. Men have also responded positively, and when I talk to them about the stereotypes the photos portray, they understand the concept and agree that women should not be trapped like this. Initially a lot of people in America first notice the bright and happy colors and think the images are funny, but then they realize that something’s wrong, and maybe it makes them feel uncomfortable. I think the reaction in Mexico will be similar because the theme is universal and our cultures are alike in some ways. As for Tijuana, this is a modern city that loves art and bright colors, and that’s why it is perfect to have the exhibition opening here. Also, Mexico –much like the United States– has a patriarchal culture and in that sense, I’m hoping that Mexican women connect with the exhibition because their experiences might be similar to mine.
The exhibition opening was part of the museum’s celebrations for International Women’s Day (March 8th). Do you define your work as feminist? I’m very excited that there’s a movement pushing for gender equality and more representation of art by women in museums, and I think this exhibition is a great place to start because it’s not just art made by a woman, but the art is speaking about the inequalities women face every day and how their voices are silenced. I believe there’s more expectations on women, in terms of sexism and different things we have to think about as artists or professionals, than men.
I definitely consider myself a feminist, as well as my work. I personally don’t agree with everything, though, within the contemporary feminist movement. For example, I don’t think we should perpetuate the idea of a gender-war or an anti-male discourse. But, we need to balance the scales. As a feminist, I fight for gender equality and I’m against every kind of aggression and abuse, regardless of gender. I can critique some aspects of the feminist movement, but I’m very proud to call myself a feminist, even if that scares some people, in my social circle, at least. Which is astounding because the word “feminist” only means gender equality, and if we really want gender equality, we need all genders involved. We have to stop being sexist and start treating each other as equal. That’s why men can be feminists too, which might sound radical for them to say, but it is really important for them to say it. All that means is that you believe both women and men are equal and should be treated equally.
What advantages and disadvantages do you find in the exhibition space? As a disadvantage, the exhibition isn’t displayed in a formal gallery which prevents a sense of continuity because you can’t view them all together, but thankfully, the photographs can be appreciated individually or in small groups. As an advantage, it is displayed on a transit space, with different entrances and exits, so a greater number of people will be able to see it.
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Prev. page: Lady in Waiting, 2019. Curr. page: Vacuous, 2018.
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Garden of Delights, 2019.
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Power Couple, 2019.
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Girl Tender, 2019.
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Golden State, 2019. Next page: The Colorful Raconteur, 2019.
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Hot Mod, 2019.
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Incognito, 2019.
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Laguna Housewife, 2019.
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Mirror Image, 2019.
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Quiet Hours, 2018. Next page: Pretty in Pink, 2019.
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Well Decorated Laundromat, 2018. Next page: Well Lit, 2019.
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Prev. page: House Beautiful, 2019. Curr. page: Whiskey June, 2018.
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Some Extravagance, 2019.
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Twice as Nice, 2019.
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White Picket Perfect, 2019.
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Keeping House, 2018.
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Members Only, 2019. Next page: Fully Furnished, 2019.
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Curb Appeal, 2018.
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Boudoir Betty, 2019. Next page: Brilliant Disguise, 2019.
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Sitting Pretty, 2018.
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David Lynch Dream, 2019.
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PromQueen, 2019. Next page: Help Wanted - Female, 2019.
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Page 56: Garden Party, 2018. Page 58: Evening Decor, 2018. Exotic Location, 2018.
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ACKNOWLEDGEMENTS Page 61: Restricted Access, 2019. Page 62: Lodge Lady, 2019.
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Special thanks to everyone who worked alongside me and supported me to make this exhibition possible, especially to my agent Virginia Repasky, for her endless time, enthusiasm vision and organization; Norma Samuelson, for her translation and communication with the museum; my brother Ted Wells, for his inspiration and mentorship; Jami Ray, founder of Lamplight Arts who initially inspired the project; Paul Ecke and Bill Merrill, for graciously hosting me during my travels to the museum, Leobardo Garcia, SinuhÊ Guevara, and the impeccable staff at Cecut; and to the generous donors who funded this catalogue with special thanks to: Missy Reitner-Cameron, Erik Olson, Neal Breton, Anne Marie and Trevor Strohman, Noriko and Dave Swanson, Brad Dunsee and Tom Mellott, and my amazing parents, Richard and Ilonka Wells. Thank you also to those who graciously allowed me to shoot in their private homes, with special thanks to: Kelly and Ted Hyman, Mitchell Hollander and Michael Mooney, Marya Mazor and EJ Freedman, Chad Halsey, Ron Woodson, Aaron Creurer and Fred Ross, Bob Allred, Hayley and Reid Cain, Marc Sanders, Carol Choate, Ann and Corbin Holland, and Melanie and Derek Senn. Thank you also to those who supported this project by allowing me to photograph in their place of business including: Andrew Meieran of Clifton’s Cafeteria, Shannon and Tyler Clark of The Raconteur Room, as well as April Lindberg and Debbie Lindberg of Revamped. And most importantly thank you to the many women who collaborated with me as models over the last three years to shape this series into Mujeres Ocultas / Hidden Women: The Lampshade Project, with special thanks to: Jami Ray, Cika Cook, Blake Ashlee, Kathryn Vickers, Hayley Cain, Maria Garcia, Mallory Ann, Alyssa Hagan, Kelly Rogers, Kavya Makam, Eli Montoya, Julia Ghoulia, Melanie Senn, Courtney Brogno, Nina Bame Leschinsky, Erin Lundeen, Ann Holland, Natalia Hogue Wellman, Sara Lane, Amanda Hawkins, and Zoe Zappas.
TRADUCCIÓN AL ESPAÑOL
PRESENTACIÓN
SINUHÉ GUEVARA Coordinación de Exposiciones Cecut
En el 2020 aprendimos la importancia que el espacio doméstico tiene en nuestras vidas como refugio ante los embistes del mundo exterior, sin embargo, también aprendimos que los problemas dentro del hogar no desaparecen, se recrudecen. En medio de la cuarentena, las denuncias por violencia doméstica se incrementaron en varias partes del mundo, incluyendo México y Estados Unidos. Esto revela la horrible verdad: el espacio doméstico sigue siendo un ambiente hostil para muchas mujeres, haciendo a algunas sentir atrapadas e inseguras, como si su hogar fuera una prisión. La exposición Mujeres ocultas. The Lampshade Project de Jenny Ashley, ahonda en este mundo privado y echa luz sobre las verdades que la vida cotidiana parece opacar. El trabajo de Ashley es una contraposición a la vieja práctica social enarbolada en el refrán «la ropa sucia se lava en casa». Precisamente, Ashley pone frente a nuestros ojos su historia de vida para nos reflejemos y reflexionemos sobre quiénes son estas mujeres, quiénes podrían ser y por qué no son quienes ellas desean ser. Las fotografías de Ashley nos cuentan una historia tan específica que es imposible no encontrar detalles autobiográficos, pero, al mismo tiempo, una historia tan terriblemente común que es imposible no encontrar la universalidad de su obra y entender la necesidad de difundir su trabajo. Al exponer y hablar públicamente de los abusos que sufren las mujeres en el espacio domésticos creemos que podemos avanzar hacia una mayor equidad de género.
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TRADUCCIÓN AL ESPAÑOL
MUJERES OCULTAS
THE LAMPSHADE PROJECT CENTRO CULTURAL TIJUANA
Recordando una larga tradición de retratos y cuentos teatrales en el arte, Jenny Ashley (Los Ángeles, California, 1975) utiliza la cámara y las herramientas de la literatura para crear sus imágenes socialmente críticas. Ashley, una ávida coleccionista, incorpora prendas vintage y escenografía en cada viñeta en la que sus protagonistas asumen los estereotipos propios de los roles de género, los cuales comúnmente conllevan al silenciamiento y la supresión de la voz femenina en el paisaje contemporáneo. Siguiendo el legado de artistas feministas posmodernas, como Cindy Sheman y Bárbara Kruger -quienes ahondan en suposiciones culturales-, Ashley desafía de forma única las ilusiones comunes de la mística femenina, las nociones patriarcales de que el lugar de una mujer está en el hogar y que su éxito solo se logrará a través de los roles de madre y ama de casa. Las fotografías de Ashley construyen y critican las creencias sociales sobre la domesticidad que aún prevalecen en casi todo el mundo. A través de esta serie, la artista presenta la incómoda y común noción de que la principal fuente de satisfacción de una mujer está directamente relacionada con ser una diosa del hogar. Ashley comenzó a trabajar en su serie fotográfica The Lampshade Project en 2017 para destacar las desigualdades de género y la objetivación de las mujeres. Los conceptos para esta serie primero echaron raíces en la Universidad Estatal Politécnica de California, donde estudió Literatura Inglesa y Arte de Estudio con un enfoque académico en la teoría feminista, estudios de género y voces de resistencia. En cada fotografía, se oculta la cara de la modelo con una pantalla de lámpara. Al esconder el rostro, se despoja a cada mujer de su propia voz. Las imágenes le preguntan a quién observa si la mujer de la fotografía es un maniquí, un objeto que representa a una mujer o una mujer real y, por lo tanto, desdibuja las líneas entre identidad y objetivación. La pantalla de la lámpara se convierte en una máscara en la cual se esconde la mujer, negando su verdadero yo y convirtiéndose en lo que algunos hombres buscan para cónyuge: subordinación, docilidad y obediencia.
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Ashley elige usar ropa vintage para explorar la idea del juego de roles. La ropa no es una expresión de la verdadera identidad de la mujer, sino más bien cómo la cultura espera que aparezca, ya sea como un objeto muy recatado o muy sexualizado. La mujer se vuelve casi invisible en el ámbito doméstico, ya que es vista, desde una perspectiva fanática, como un objeto de deseo sexual sin esencia alguna de identidad. Además, esta serie se centra en la mujer como un grupo universalmente marginado que se valora como una fuente de decoración u ornamentación en lugar de como una entidad soberana y un componente esencial que contribuye a la sociedad y a la cultura. Las fotografías se convierten en un símbolo para aquellas mujeres que han sido infravaloradas, rechazadas e ignoradas, pasadas y presentes. The Lampshade Project presenta una dicotomía o «arte como argumento» con el poder de la retórica visual ya que las imágenes sugieren la limitación personal para conocer verdaderamente al individuo y, al mismo tiempo, comprender el papel del género como se define en los modelos tradicionales. Con esta serie y exposición, Ashley desafía a su audiencia a reconsiderar las creencias y los estereotipos comunes sobre el lugar de una mujer. Estos trabajos son aún más necesarios dado el clima generado por los movimientos #MeToo y #TimesUp que revelaron los abusos hacia las mujeres y, a su vez, puso de manifiesto la importante lucha porque la voz de la mujer sea escuchada.
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DECLARACIÓN DE LA ARTISTA
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¿Alguna vez te has sentido ignorada? ¿Silenciada? ¿Atrapada? ¿Reemplazable? Mi fotografía explora estas luchas y me ofrece una forma de ser vista y escuchada. The Lampshade Project es una serie de más de veinte fotografías subversivas que tienen como protagonista a mujeres cuya identidad se oculta tras la pantalla de una lámpara. El ejercicio demuestra el enorme ridículo que significa que tantas mujeres, al día de hoy, sigan siendo silenciadas, objetivadas o que se espera que permanezcan «ocultas». ¿Te incomoda, o incluso molesta, tener que enfrentarte a la imagen de estas mujeres que han sido despojadas de identidad y puestas en el aparador como bellos objetos decorativos? Bien, porque debemos cambiar ese paradigma. Pasé innumerables horas preparando cada fotografía y mi proceso involucra curar el diseño del set, el vestuario y los accesorios vintage, así como elegir a la modelo. Con todo ello, se busca atrapar a la mujer en un pasado de valores anticuados. Mi fotografía subversiva, y The Lampshade Project en particular, es una forma de unirme a las voces de resistencia y decir, visualmente: «Aun así, ella persistió». Pero ¿qué no las cosas son mejor ahora?, podrías preguntar. Sí y no. Incluso en medio del clima generado por el movimiento #MeToo (Yo También), que ha permitido a las personas estén más conscientes de las inequidades y abusos, aún soy –como mujer que desplaza por el mundo, entre reuniones de trabajo y relaciones personales– testigo de incongruencias. En mis círculos aparentemente liberales, en mi aparentemente liberal estado de California, las mujeres siguen siendo valoradas más por su físico que por su intelecto. Las mujeres siguen siendo interrumpidas y sus ideas son desechadas, como si fuesen ciudadanas de segunda clase. Las mujeres siguen siendo juzgadas por trabajar si, al mismo tiempo, están criando a sus hijos. Las mujeres siguen siendo valoradas más por su silencioso trabajo doméstico que por sus logros afuera del hogar. Las mujeres siguen siendo silenciadas y escondidas a diario en sus relaciones personales, en la jerarquía laboral y en la burocracia –en cualquier lugar donde el patriarcado persiste. Eso sin mencionar los más rotundos abusos que suceden diario como la agresión sexual, la violencia doméstica y la trata de per-
sonas. Mi esperanza es que The Lampshade Project, como retรณrica visual, sume a la actual conversaciรณn y eche luz sobre las inequidades que suceden en cualquier parte del mundo. Actualmente, la artista vive e imparte clases en San Luis Obispo, California
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ENTREVISTA por Sofía Jofre
¿Por qué elegiste la fotografía como el medio para producir arte?
7 de febrero de 2020 en el Centro Cultural Tijuana
Estudié fotografía y cine, y trabajé en cuartos de revelado por ocho años. También hice un poco de teatro y me encanta el hecho de que haya algo de escenografía dentro del arte fotográfico; si lo visualizas cada cuadro como la escena de una película, puedes crear toda una historia con tan solo un par de cosas: una cámara, algo de ropa, una persona y un poco de utilería. Con esos cuantos objetos, puedes construir una escena que forme parte de una historia imaginaria más grande de manera muy rápida.
ESTA TRANSCRIPCIÓN HA SIDO EDITADA POR EXTENSIÓN Y CLARIDAD https://www.youtube.com/ watch?v=d3bzJPd2GNo
Como estudiante de Teatro diseño escenografías, las cuales realizamos en base al libreto y las notas de dirección. ¿Concibes tus imágenes como el resultado final de una narrativa o hay ciertos objetos y/o ideas en los que decides enfocarte en cada fotografía? Todas mis fotografías son construidas de manera orgánica, parta por parte. Esta serie, la inicié a partir de la ropa vintage que fui encontrando. Por ejemplo, estaba en una tienda de segunda mano y encontré un viejo vestido verde de lunares, por lo que comencé a buscar un fondo sobre el cual colocarlo y que combinara y así, de pronto, la imagen comenzó a tomar forma. También encontré una aspiradora naranja brillante en una venta de garaje y de inmediato supe que combinaba con las paredes de la casa de mi amiga. Otras veces, veía algún papel tapiz brillante o colorido o con algún aspecto extraño en ciertos lugares, como en el vestíbulo de un hotel, y volvía para tomar una foto rápidamente. Hubo ocasiones en que renté cuartos de hotel para hacer las fotografías, aunque en la mayoría de los casos uso las casas de mis amistades o lugares que ya me son familiares.
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Mi proceso tiene mucho que ver con usar distintos objetos y vestimenta que colecciono de tiendas de saldos, de segunda mano, o ventas de garaje; para luego crear una escenografía alrededor de ellos, bajo un presupuesto. Hay veces que me topo con un algún vestido interesante y debo encontrar a la modelo que pueda usarlo. Afortunadamente, tengo muchas amigas que se ofrecen como
voluntarias para modelar y que han colaborado conmigo para hacer cada imagen única. ¿Cuáles son tus influencias artísticas y que artistas mujeres te han inspirado? He recibido influencias de muchas personas a lo largo de mi vida. Antes de estudiar fotografía, cuando era joven, leía muchas revistas de moda, como Vogue y Cosmopolitan, por lo que aprendí mucho de fotografía gracias a Annie Leibovitz. Recuerdo estudiar detenidamente sus bellas fotografías publicadas en esas revistas y eso se convirtió en una especie de educación informal para mí. No me interesaba tanto la moda –y nunca gasté mucho dinero en ropa o cosas así–, pero las fotografías sobre moda y celebridades en esas revistas siempre son muy artísticas y hermosas. Más hacia el presente, conocí a Lena Rushing y Jami Ray, dos pintoras locales y mis amigas. Ellas fueron mis primeros contactos femeninos en la escena del arte local. Vivo en una ciudad bastante conservadora y cuando vi sus trabajos pensé que eran muy extraños y no los comprendí del todo al inicio, pero el solo hecho de haber visto sus obras y saber que eran mujeres de mi edad y que también eran madres como yo, me dio la sensación de permitirme crear algo por mi cuenta, de ser un poco extraña y hacer cosas diferentes. Desde entonces mi trabajo ha sido comparado con el de Cindy Sherman, de quien adoro sus autorretratos. Definitivamente, ella ha sido una influencia para mí –quizás aunque que yo no lo supiera– porque no se puede obviar esa conexión. También me han inspirado artistas políticas, no nece-
sariamente fotógrafas, como las activistas rusas Pussy Riot, quienes protestan y se presentan portando máscaras, y las Guerrilla Girls, quienes también cubren sus rostros y trabajan en favor de una mayor representación de artistas mujeres en los museos. ¿Por qué describes esta serie como subersiva? Es subversivo porque incomoda a las personas y subvierte la manera en que observamos a las mujeres. Cuando observas las fotografías por primera vez, éstas parecen familiares, lugares donde has estado (cuartos de hotel, cocinas, salas de estar, jardines) y luego observas a la mujer con el rostro cubierto. Puede que pienses que es bonita y que pertenece a ese lugar, a su casa, a su espacio; pero está oculta y ha sido despojada de su identidad, no puedes ver su rostro, no tiene nombre y no se le permite ser su verdadero yo –o incluso un yo completo–, solo está ahí para limpiar y lucir bonita. Esta serie también se inspira en mi amor hacia la publicidad y hacia la fotografía de moda porque mis fotografías simulan ser las que aparecen en esas revistas, con la enorme diferencia de que aquí no puedes ver el rostro de la modelo. Eso incomoda a las personas porque piensan que algo está mal, y lo está. Sólo se le permite a la mujer volverse una con el muro, de manera silenciosa y sin una identidad propia. No creciste realmente en un ambiente artístico, sino en uno conservador que no te motivó a ser creativa y, que más bien, te empujó a adecuarte a las expectativas tradicionales de tu género. THE LAMPSHADE PROJECT
Como artista mujer, ¿qué limitantes has experimentado debido a tu género? La mayoría de mis restricciones han sido de índole personal: mis relaciones con las personas y las expectativas que éstas tienen sobre mí para que sea «una buena mujer o madre» me impidieron crear arte. Tuve que decirme a mí misma que, si bien estas imágenes dentro de mi cabeza son quizás extrañas, voy a realizarlas de todas formas. Me otorgué permiso para hacerlo y tomarlo con toda la seriedad del mundo, incluso si las personas piensan que son raras y soy etiquetada como extraña. ¿Cómo se relaciona The Lampshade Project con el movimiento #MeToo? Comencé este proyecto hace tres años, justo unos meses antes de que iniciara el movimiento #MeToo, pero creo que éste ha creado un espacio propicio para que las mujeres se expresen y den a conocer su verdad, facilitando que cada vez más mujeres se expresen. Afortunadamente, hoy en día hay muchas más mujeres que son reconocidas. Es un poco irónico que la serie verse sobre las mujeres que son silenciadas y, al mismo tiempo, haya sido mi voz para poder explicar mi experiencia personal. Fui esa mujer con la pantalla de la lámpara sobre mis hombros y estuve oculta por gran parte de mi vida y no sentía que tenía una voz. Gracias al movimiento #MeToo hay más mujeres que pueden expresarse y tener una voz propia.
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¿Por qué decidiste hablar de nuestras luchas actuales contra el sexismo con imágenes que evocan un tiempo pasado?
JENNY ASHLEY / HIDDEN WOMEN
La ropa vintage fuera de su tiempo y la forma anticuada que algunas de las fotografías buscan emular reflejan los anticuados valores y expectativas que aún persisten. Conozco a muchas mujeres que, hoy en día, sienten vergüenza de trabajar fuera de su casa porque otras personas piensan que su trabajo les impide ser una buena madre. Vivo en una ciudad liberal y doy clases en una universidad y aun así hay personas que piensan que sería mejor si me quedara en casa limpiando y cocinando, lo que demuestra que estas expectativas conservadoras aún persisten, incluso en la liberal California. Por fortuna, esto está cambiando y la próxima generación tendrá expectativas diferentes, pero actualmente, hay un sentimiento de culpa soterrada que se le impone a las mujeres que pareciera pertenecer a la década de los años 1950. ¿Consideras que el espacio doméstico de tus fotografías representa un tema universal? Las mujeres son escondidas de muchas maneras, pero la más común de ellas es la expectativa de que las mujeres deben ser domésticas. Incluso si trabajan, deben ser «diosas del hogar»: dividiendo su tiempo entre el trabajo y las labores domésticas. Para poner un ejemplo: tengo amigas que se sienten avergonzadas porque no pueden preparar una comida de cinco platillos para toda su familia cada noche o porque su casa no está siempre limpia. Suena como un conflicto propio de la década de los años 1980, pero aún persiste. Juego con la idea de que el lugar de la mujer es en su casa, por lo que muchas de las fotografías son dentro de hogares. ¿Por qué está atrapada ahí? ¿Se supone
que debe fusionarse con el fondo y permanecer callada sin emitir su opinión? Quiero que las personas vean las fotografías y le moleste esta idea porque es necesario cambiarla. ¿Cuál ha sido la respuesta de las personas que han visto la exposición? Las mujeres de mediana y tercera edad han sido quienes han tenido una mayor respuesta emocional, probablemente porque se identifican con la fotografía. Los hombres también han respondido positivamente y cuando converso con ellos acerca de los estereotipos que las imágenes retratan, entienden el concepto y se muestran de acuerdo con que las mujeres no deberían estar atrapadas así. Inicialmente, las personas en Estados Unidos notaron los colores brillantes y alegres, y pensaron que las imágenes eran graciosas, pero después se dieron cuenta que algo está mal y quizás las hacía sentirse incómodas. Creo que la reacción en México será similar porque es un tema universal y nuestras culturas son semejantes. En cuanto a Tijuana, ésta es una ciudad moderna que gusta del arte y colores brillantes, por lo que creo que es el escenario perfecto para tener su inauguración. Además, México –al igual que Estados Unidos– posee una cultura patriarcal y, en ese sentido, espero que las mexicanas se identifiquen con la exposición porque sus experiencias son similares a la mía. La exposición fue inaugurada como parte de las celebraciones en torno al Día Internacional de Mujer (8 de marzo). ¿Defines tu trabajo como arte feminista?
Me entusiasma bastante que existe un movimiento que aboga por la equidad de género y por una mayor representación de las mujeres en los museos, y creo que la exposición es un excelente lugar para comenzar a hablar de ello porque no es solamente una exposición de arte realizada por una mujer, sino son obras de arte que hablan sobre las desigualdades que las mujeres enfrentan diariamente y como sus voces son silenciadas. Creo que las mujeres enfrentan mayores expectativas que los hombres, en términos de sexismo y escenarios que tienen que pensar como parte de su vida profesional o como artistas. Definitivamente me considero feminista, al igual que a mi trabajo. Personalmente no estoy de acuerdo con todos los postulados del movimiento feminista contemporáneo. Por ejemplo, no creo que debamos perpetuar la idea de la guerra entre los géneros o el discurso anti-masculino, pero estoy completamente de acuerdo en la necesidad de nivelar la balanza. Como feminista, lucho por la equidad de género y estoy en contra de cualquier tipo de agresión y abuso, sin importar el género. Puedo criticar puntos específicos del movimiento feminista, pero me siento muy orgullosa de llamarme a mi misma feminista, incluso si eso asusta a algunas personas, al menos en mi círculo social. Lo cual me parece asombroso porque la palabra «feminista» significa equidad de género, y si realmente deseamos la equidad de género, debemos involucrar a todos ellos. Debemos dejar de ser sexistas y empezar a tratarnos por igual. Por eso los hombres también pueden ser feministas, lo cual puede resultar muy radical para ellos decirlo, pero por ello es importante que lo THE LAMPSHADE PROJECT
hagan. Todo lo que significa es que crees que ambos sexos son iguales y deben ser tratados como tal. ¿Cuáles son las ventajas y desventajas del espacio de exposición? Como desventaja, la exposición no se encuentra en una galería formal lo que impi-
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de la sensación de continuidad entre las fotografías porque no las puedes ver todas juntas, afortunadamente, cada una de ellas puede apreciarse manera individual o en pequeños grupos. Como ventaja, al estar expuestas en un espacio de tránsito con diferentes entradas y salidas, permite que un gran número de personas la observen.
AGRADECIMIENTOS
Muchas gracias a todas las personas que trabajaron a mi lado y me apoyaron para hacer esta exposición posible, especialmente a mi agente Virginia Repasky por su todo su tiempo, entusiasmo, visión y organización; a Norma Samuelson por sus traducciones y la comunicación con el museo; a mi hermano Ted Wells por su inspiración y tutoría; a Jami Ray, fundadora de Lamplight Arts, quien inspiró este proyecto inicialmente; a Paul Ecke y Bill Merrill por recibirme en su casa durante mis viajes al museo; a Leobardo García, Sinuhé Guevara y el impecable equipo de trabajo de Cecut; y a quienes, generosamente, donaron para hacer este catálogo posible: muchas gracias a Missy Reitner-Cameron, Erik Olson, Neal Breton, Anne Marie y Trevor Strohman, Noriko y Dave Swanson, Brad Dunsee y Tom Mellott, y a mis maravillosos padres, Richard e Ilonka Wells. Gracias también a todas las personas que, amablemente, me permitieron trabajar en sus hogares, especialmente a Kelly y Ted Hyman, Mitchell Hollander y Michael Mooney, Marya Mazor y EJ Freedman, Chad Halsey, Ron Woodson, Aaron Creurer y Fred Ross, Bob Allred, Hayley y Reid Cain, Marc Sanders, Carol Choate, Ann y Corbin Holland, y Melanie y Derek Senn. Gracias también a quien apoyaron este proyecto al permitirme tomar fotografías dentro de sus negocios, incluyendo Andrew Meieran de la cafetería Clifton’s, Shannon y Tyler Clark de The Raconteur Room, así como también April Lindberg y Debbie Lindberg de Revamped. Y de manera más importante, muchas gracias a todas las mujeres que colaboraron conmigo como modelos por los últimos tres años y que permitieron darle forma a esta serie hasta convertirla en Mujeres Ocultas / Hidden Women: The Lampshade Project, especialmente a Jami Ray, Cika Cook, Blake Ashlee, Kathryn Vickers, Hayley Cain, Maria Garcia, Mallory Ann, Alyssa Hagan, Kelly Rogers, Kavya Makam, Eli Montoya, Julia Ghoulia, Melanie Senn, Courtney Brogno, Nina Bame Leschinsky, Erin Lundeen, Ann Holland, Natalia Hogue Wellman, Sara Lane, Amanda Hawkins y Zoe Zappas.
exhibition /exposición CENTRO CULTURAL TIJUANA Vianka Santana R. / director Francisco Godinez | dd for Exhibitions / subdirector de exposiciones Leobardo García C. | exhibitions manager / gerencia de exposiciones Carlos A. García C. | collection manager / gerencia de colecciones, registro y conservación Sinuhé Guevara | pidpc coordinator / coordinación pidpc Miguel Corona | operational coordinator / co. operativa José Manuel Cruz V. / Luis Del Toro | graphic design / diseño gráfico Iraseli Romero L. | office manager / jefa de oficina Elda Sandoval | installers manager / jefa de museografía José Sandoval - José Terrones - José Ramos - José Jaime G. - Luis Dueñas | installers / museografía Hilario Hernández | conservator / restauración Sergio M. Torres P. / Salatiel Leal | artwork register / registro de obra
Hidden Women. The Lampshade Project. ® Jenny Ashlhey. 2020 Archival pigment print for all photographs. catalog / catálogo Sinuhe Guevara | editorial. Luis Del Toro | design / diseño.
© Exhibition photographs 2020. Centro Cultural Tijuana. Paseo de los Heroes 9350 Zona Urbana Rio Tijuana. Tijuana, Baja California. c.p. 22010 Printed in Mexico / Impreso en México Esta obra se terminó de imprimir en los talleres de Ultradigital Press, s.a. de c.v. Centeno 195, Col. Valle del sur, delegación Iztapalapa. c.p. 09819, Ciudad de México.