DIRECCIÓN Y MAQUETACIÓN: Fran Navas www.frannavas.net
REDACCIÓN: Rosa Perea http://olfateandoideas.jimdo.com
Lidia Cárdenas http://lidiacardenas.wordpress.com
COLABORAN: Ignacio Jurado http://fotografiadigitalignacio.jimdo.com
ENLACES: http://robindavey.co.uk http://ggili.com/ http://design-milk.com http://www.tenbyfotolia.com http://graffica.info
Nuestra revista es interactiva.* Junto a cada enlace aparecerá la conocida mano para que hagas click. Igualmente podrás enlazar al ‘clickar’ cuando veas un texto subrayado o el texto Requiere Conexión. ¡Disfruta de Inspiration! *Se recomiendo tener conexión a internet mientras lee la revista.
Inspiration por Fran Navas se encuentra bajo una Licencia Creative Commons Reconocimiento-NoComercial-SinObraDerivada 3.0 Unported. Basada en una obra en www.revistainspiration.net
¡Bienvenidos a una nueva edición de Inspiration! En esta ocasión con algo de retraso, aunque suelen decir que lo bueno se hace esperar... ;) Bromas aparte, he de decir que Septiembre ha sido un mes de mucho trabajo, trabajo que verá sus frutos reflejado en la revista en poco tiempo. Para este nuevo número queremos destacar la participación en un nuevo tutorial fotográfico de Ignacio Jurado, además de la vuelta del espacio Artículo, donde Lidia Cárdenas nos habla un poco de tecnología. También os contamos las diferencias y semejanzas en los cambios de logo que han llevado a cabo las empresas líderes Google y Yahoo. En Type volvemos a recomendar una TypeFree, en este caso del diseñador Carlos de Toro. Por supuesto, destacar la participación un número más de nuestras empresas colaboradoras Fotolia con su nuevo artista TEN del mes y la fantástica Editorial Gustavo Gili con sus novedades en libros. ¡Disfrutad de esta nueva edición!
Hecho de ladrillos 3D impresos y ensamblados, Echoviren es una sensible instalación arquitectónica impresa en 3D que forma parte del ‘Proyecto 387 Residency’. El edificio fue montado en el corazón de un bosque de secuoyas en California.
Echoviren P38
Fran Navas www.frannavas.net
Robin trabaja como ilustrador freelance, animador, diseñador y director. Recientemente ha estado trabajando en Italia, donde ha creado unos maravillosos GIFs animados que pueden ver en su portfolio. Las ilustraciones de Robin están llenas de diversión y humor de temática diversa pero con una serie titulada“adicto al trabajo” que levanta pasiones en todo el mundo. P.12
Nuevos Logos en Yahoo y Google practicamente al mismo tiempo P8
Robin Davey y sus peculiares ilustraciones P12
Una nueva type free Born de Carlos de Toro P16
Francesca Holsenn y su proyecto No Curves P20
‘Mini Mundos’. Nuevo tutorial fotográfico de Ignacio Jurado P24
Las webs FullScreen más destacadas del momento P32
Smith Allen Studio nos enseña su último proyecto: Echoviren P38
Algunas de las gráficas míticas en Advertising P43
Las últimas novedades de la Editorial Gustavo Gili P48
El italiano Alberto Seveso, Artista Ten by Fotolia de Octubre P52
Nuestro colaborador habitual Ignacio Jurado nos trae un nuevo tutorial para el apartado Photo. No os lo perdáis.
MINI MUNDOS P.24
HAY VECES QUE REDISEÑAR EL LOGO DE UNA EMPRESA PASA TOTALMENTE DESAPERCIBIDO. CUANDO EL CAMBIO LO LLEVAN A CABO EMPRESAS DE LA TALLA DE GOOGLE O YAHOO
FRAN NAVAS | Como si se hubieran puesto de acuerdo, dos de los gigantes del mundo de internet como son Google y Yahoo han decidido darle nuevos aires a su imagen. Fuera volúmenes, fuera brillos en el caso de Google, todo lo contrario si hablamos de Yahoo. Resulta cuanto menos curioso que ambas marcas adopten decisiones tan dispares y casi al mismo tiempo.
Hoy queremos enseñarte los cambios que han sufrido los logotipos de ambas empresas, intentaremos darle una explicación y podremos ver, en ambos casos, la dura tarea que ha supuesto estos leves aunque significativos cambios. ¿Casualidad o pura estrategia el que hayan coincidido en el tiempo estos rediseños?
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GOOGLE Lo más destacado del nuevo logo del buscador lider en internet es la ausencia de biseles y sombreados, detalle característico durante años como se puede comprobar en la evolución que ha ido sufriendo la marca. Además, ha ajustado sus colores, dotándolo con tonalidades más ‘pastel’. Los cambios sufridos son leves pero, por otro lado, lógicos y necesarios ya que alinean su imagen con el estilo gráfico que ha venido utilizando ultimamente y que tanto se ha puesto de moda. Colores suaves, tipografías limpias y sin excesivos volúmenes. Este ajuste de Google viene a ser la reafirmación de lo que todo el mundo esperaba del diseño, y a la vista del resultado, se confirma lo apropiado del cambio.
YAHOO! El caso Yahoo es practicamente el inverso. La marca del ‘otro’ buscador líder, dice hola a los volúmenes y biseles dotando al logo de una tridimensionalidad que nunca antes le había caracterizado. Eso sí, su tipo deja de ser serifa y opta por un ‘palo seco’ que da como resultado una marca con aires más modernos. Lo destacado de Yahoo es que, durante 30 días, la empresa fue mostrando diferentes logotipos de calidad y complejidad bastante cuestionables, esto hizo baticinar un dudoso resultado final. Eso si, la marca fue fiel a sus colores...
FRAN NAVAS | Hace poco tuvimos la oportunidad de descubrir el trabajo de Robin Davey. Con sede en Londres, Robin trabaja como ilustrador freelance, animador, diseñador y director. Recientemente ha estado trabajando en Italia, donde ha creado unos maravillosos GIFs animados que pueden ver en su portfolio. Las ilustraciones de Robin están llenas de diversión y humor de temática diversa pero con una serie titulada“adicto al trabajo” que levanta pasiones en todo el mundo. Os invitamos a descubrir sus fantásticos proyectos.
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PROYECTO PARA WIRED ITALIA Este trabajo fue presentado tanto para edición impresa como para la edición iPad de la revista, y según las palabras de Robin, fue un reto divertido y tuvo la oportunidad de hacer algo para los medios nuevos y tradicionales. Según comenta, le encanta y espera ver ilustraciones más animadas como las que ha desarrollado en el futuro. Puedes ver más trabajos de Robin en su página web: http://robindavey.co.uk
FRAN NAVAS | BORN es una fuente libre, diseñada por Carlos de Toro y que muestra el lado más mediterráneo y humanista de la tipografía. Sin embargo, esta fuente no sólo se ve como una creación más, para Carlos supone un cambio radical en su vida profesional y hoy lo compartimos con vosotros. Haz click en la imagen inferior y disfrútala con nosotros.
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LA HISTORIA DE BORN “Born es mucho más que una tipografía, es también una historia; La de mi año 2013. La historia de una mudanza a la gran ciudad, el resultado de conocer grandes personas de todas partes del mundo y también sus culturas, de conversaciones en clases, bares, trenes… de compartir momentos, experiencias, conocimientos… Born es el resultado de todas estas vivencias y personas: y ahora yo comparto contigo este pedacito de historia.” Carlos de Toro.
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FRAN NAVAS | La cinta adhesiva es la materia prima, las tijeras son la herramienta, el corte es el gesto. La prensa calificó a Francesca Holsenn como una “artista de la cinta”. Cada obra expuesta cuenta con personajes de la publicidad a nivel internacional, la creación de un imaginario pop hecho de líneas discontinuas que hacen referencia a los gráficos de los primeros videojuegos, los creados a partir de un puñado de bits. ‘La cinta’ es su arte, la línea es su marca.
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Avantgarden, galería Milán, siempre ha tenido
cuidado en seleccionar el mejor artista de lo ‘underground’ internacional. El proyecto ‘Sin curvas’ es capaz de representar el origen de una idea y el proceso creativo de esta, según comentaban los entendidos de dicha galería. En esta obra podemos diferenciar hasta 10 talentos del mundo de la creación: Fabio Novembre, Philippe Starck, Stanley Kubrick, Gio Ponti, Antoni Gaudí, Katsuhiro Otomo, Bruno Munari, Ettore Sottsass, Fortunato Depero y Le Corbusier. Todos y cada uno de ellos representados sin curvas homenajeando así a las obras de los propios artistas a lo largo de sus diferentes carreras.
¿POR QUÉ NACE ESTA IDEA? Entrar en una sala caótica, oscura y a falto de un orden por completo, hace que entender una obra sea sumamente difícil. Ahí entra en acción la línea o la NO CURVA, que es la que, casi sin querer, crea orden en la exposición.
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EL FOTÓGRAFO SEVILLANO IGNACIO JURADO NOS TRAE UN NUEVO TUTORIAL. EN ESTA OCASIÓN NOS MOSTRARÁ UNA VISIÓN DE LA FOTOGRAFÍA QUE SE HA VUELTO MUY FAMOSA DE UNOS AÑOS HASTA HOY.
IGNACIO JURADO | En esta edición vamos a ver
cómo podemos realizar una “Fotografía Estereográfica o Polarizada”, dicho de otro modo: MINI MUNDOS. Éste es un modo curioso de ver el mundo a través de la fotografía. Veremos cómo podemos conseguir este retoque digital a partir de panorámicas y crear imágenes de lo más llamativas. El primer paso sería realizar las fotografías del lugar que queremos convertir en ‘Mini Mundo’. Lo ideal es que la imagen fuese de unos 180º para obtener así un 360º perfecto haciendo que los extremos coincidiesen. Y ahora... comenzamos con el tutorial.
PASO 1 Una vez realizadas las fotografías, las abrimos en Adobe Photoshop y hacemos click en:
Archivo – Automatizar – Photomerge
Nos aparecerá la pantalla de vuestra derecha. Y haremos click en: añadir archivos abiertos. La composición la dejamos automática y hacemos click en: fusionar imágenes. Pulsamos ok y obtendremos el resultado de nuestra panorámica.
PASO 2 Si no disponemos de una panorámica también podemos hacerlo de una forma fácil. Cogeremos cualquier fotografía que tenga el horizonte en medio y la abrimos en Photoshop.
Desbloqueamos nuestro fondo haciendo click con el botón derecho y lo modificamos a Capa a partir de fondo. Donde nos aparecerá el desplegable, lo llamaremos capa 0 y pulsamos ok. No importa si existen edificios o elementos que sobresalgan, esto incluso le dará mayor interés a nuestro ‘Mini Mundo’.
Una vez realizado, nos vamos a: Imagen – Tamaño de lienzo y hacemos click. Esto hará que nos aparezca el siguiente desplegable, donde colocaremos los siguientes ajustes: en el tamaño nuevo pondremos un valor de 30 cm, con este cambio nuestro lienzo se ampliará 15 cm por cada lado.
Nuestra imagen nos quedará como véis abajo.
PASO 3
Los siguiente sería duplicar la capa 0, arrastrándola hasta este icono o haciendo click en el botón derecho y pulsando duplicar capa. Obtendremos una nueva capa llamada Capa 0 copia.
A continuación desplazaríamos cada imagen a un extremo, por lo que con la herramienta mover y la capa 0 seleccionada la movemos hacia la derecha y la capa 0 copia la movemos haca la izquierda.
Ahora procederemos a voltear una de nuestras imágenes. Con la capa 0 copia seleccionada nos vamos a:
Edición – Transformar – Voltear horizontal
El siguiente paso es acoplar nuestra imagen y seguidamente duplicamos un par de veces y volvemos a acoplar, esto lo realizamos para quitar la línea vacía que nos ha quedado justo en medio de la unión de nuestra imagen.
Nos vamos a Imagen – Tamaño de Imagen donde colocaremos un nuevo tamaño de 30x30.
El siguiente paso es voltear nuestra imagen verticalmente, para ello nos vamos a:
Imagen – Rotación de imagen – Voltear lienzo vertical
PASO 4 El siguiente paso es el que dará forma a nuestro ‘Mini Mundo’, así que nos vamos a:
Filtro – Distorsionar – Coordenadas polares Nos aparecerá el siguiente desplegable donde pondremos la opción de rectangular a polar y una vez realizado pulsamos ok.
Ya tenemos listo nuestro ‘Mini Mundo’. Nosotros seguimos para darle un toque final más detallado.
PASO 5 Nos disponemos a corregir de una manera sencilla esos detalles que no nos terminan de convencer. Creamos una nueva capa y con el cuenta gotas tomamos una muestra del mismo color del cielo y pintamos las esquinas que han quedado algo feas. En esta ocasión es sencillo, pero si tuviésemos otra con nubes, tendríamos que clonarlas y sería más entretenido y delicado. Acoplamos imagen, pulsando botón derecho encima del fondo.
Para terminar con nuestro retoque duplicamos el fondo; creamos una nueva capa de ajuste de Curvas y elegimos Curvas. Creamos la siguiente curva con forma de S. Los valores dependerán de cada imagen, pero aproximadamente será así para darle mayor contraste. Una vez obtenidos los valores deseados podemos darle unos toques finales nivelando los brillos y las tonalidades, aunque eso dependerá de la imagen que hayamos escogido.
Descubre los proyectos de Ignacio Jurado en: http://fotografiadigitalignacio. jimdo.com
FULLSCREEN WEBSITES
©Copyright. Imagen cedida por Fotolia.
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LA EXPERIENCIA QUE NOS DA UNA WEB A PANTALLA COMPLETA NO ES COMPARABLE CON OTROS TIPOS DE WEBS, ENCAJONDAS EN SUS EXPLORADORES. HOY OS PRESENTAMOS ALGUNAS DE LAS FULLSCREEN MÁS DESTACADAS POR SU DISEÑO.
FRAN NAVAS | Cuando diseñamos un sitio web a
pantalla completa, debemos centrarnos en la utilización del espacio vacío en la página. No estoy abogando por la complejidad, sino por algo que va a captar la atención del espectador de una manera cautivadora. ‘Flash’ se está muriendo poco a poco, y en estos días ‘Javascript’ y ‘HTML5’ son la alternativa perfecta. Las páginas web a pantalla completa son también una gran opción para que no sean las animaciones tipo ‘Flash’ las que inunden la pantalla sino que destaquen la limpieza, los espacios y las tipografías llamativas acompañadas de imponentes fotografías.
LIDIA CÁRDENAS | Samsung ha sido la tercera compañía en lanzarse al mundo del reloj inteligente. Hace apenas un par de semanas presentó el nuevo Samsung Galaxy Gear, a la venta desde el pasado 25 de septiembre. Previamente, ya lo hizo Sony con su Smartwatch y Smartwatch 2, así como Qualcomm con su Toq. El compañero perfecto del nuevo Galaxy Note 3 está basado, como toda la familia Galaxy de Samsung, en sistema operativo Android. Con el nuevo Galaxy Gear es posible contestar o realizar llamadas, además de ver mensajes y notificaciones. De hecho, dispone de S Voice para poder manejarlo mediante comandos de voz. El Galaxy Note 3 y el Gear son complementarios, de manera que las notificaciones fluyen de una manera especial.
El SmartWatch 2 de Sony fue el pionero en esto de
los relojes inteligentes que se conectan con los Smartphone. Esta versión que ahora llega al mercado es una revisión de la primera edición, con lo que se han corregido ciertos aspectos fruto de la experiencia, toda una ventaja. Consta de una pantalla de 1,6 pulgadas con posibilidad de visualizar resoluciones de 220 x 176 píxeles. Su cuerpo es de aluminio y la pulsera de acero inoxidable, aunque ésta puede ser cambiada por diferentes modalidades de correa estándar de 24 milímetros. Para su carga, emplea un conector micro USB estándar, y desde Sony destacan el hecho de tratarse de un modelo resistente al agua y al polvo, cumpliendo la especificación IP57. El emparejamiento con otros Smartphone se realiza mediante su tecnología inalámbrica Bluetooth. Por su parte, el modelo Toq de Qualcomm con el que la firma ha sorprendido en la feria IFA depende de una conexión a Smartphone, como les sucede a sus competidores. Sin embargo, promete una mayor autonomía que la del Galaxy Gear de Samsung gracias a la tecnología de pantalla implementada. Su pantalla, similar a las de tinta electrónica empleadas en los libros electrónicos, puede visionarse a plena luz del día en la calle gracias a la tecnología Mirasol empleada. No es tan brillante como las pantallas LCD, pero destaca por su bajo consumo de energía, lo que permite una experiencia de visualización constante, así como una carga inalámbrica del dispositivo con WiPower.
Tras estas apariciones en el mercado, tan sólo queda conocer el modelo en el que trabaja Apple, el rumoreado iWatch, que se espera sea presentado el próximo año 2014. Según comentan, este reloj inteligente operaría en la misma plataforma que el iPhone e incorporaría una pantalla de vidrio curvado, aunque habrá que esperar para verlo. Lo que nos espera es el avance imparable de la tecnología, que en cada paso desafía a lo desconocido.
FRAN NAVAS | Bryan Allen y Stephanie Smith de Smith Allen Studio han creado el primer espacio 3D impreso del mundo con su estructura Echoviren. Hecho de ladrillos 3D impresos y ensamblados, Echoviren es una sensible instalación arquitectónica impresa en 3D que forma parte del ‘Proyecto 387 Residency’. El edificio fue montado en el corazón de un bosque de secuoyas en California. Hoy os presentamos esta fantástica pieza arquitectónica que une la naturaleza y los últimos avances de la tecnología.
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Las dimensiones de esta estructura llegan hasta los 10 metros de largo por 2 de altura. Echoviren es una estructura blanca traslúcida instalada en un entorno natural y desde su interior, hueco, puedes ver la copa de los árboles que la rodean.
Echoviren se fabricó con material impreso y se montó sobre el propio terreno por los diseñadores. La estructura se ensambló con una conexión de ajuste a presión de paneles creando así una superficie lisa sobre el suelo. Hecho de más de 500 piezas únicas impresas individualmente por hasta siete impresoras 3D que funcionaron constantemente durante dos meses, un total de 10.800 horas. Sin embargo, únicamente se necesitaron cuatro días para dejarlo totalmente instalado. Según los diseñadores, el bio-plástico del que está fabricado se descompone naturalmente en 30-50 años.
Más de Echoviren en: http://cargocollective.com/SmithAllen/
Echoviren es un espacio para la contemplación del paisaje, de los recursos que la propia naturaleza nos brinda y de nuestra relación con estas construcciones. Su idea se centra en la esencia del bosque, no como un sistema natural, sino como un palimpsesto (nuevo grabado) sobre lo que ya existe. La experiencia híbrida dentro de la pieza hace destacar lo natural que rodea a la figura. Sus diseñadores lo definen como ‘la interacción del hombre y la naturaleza moderada por la tecnología a través de los siglos’. Sin duda, un claro ejemplo de lo que el hombre puede llegar a influir en la naturaleza de manera directa o indirecta.
Echoviren desaparecerá en unos años, pero no cabe duda que merece la pena disfrutarlo hasta entonces.
Nos bombardean a diario, en cualquier lugar... la publicidad está en todas partes y los impactos visuales que sufrimos son incontables y prácticamente imposibles de recordar. Aunque a veces la percepción cambia y resulta que una gráfica resalta por encima del resto y consigue implantarse en nuestra cabeza. Hoy damos un repaso a aquellas gráficas memorables que merecen un hueco especial en nuestro recuerdo.
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Humanity and nature are one.
World Wildlife - bolsos o caimanes - es tu turno.
Band-Aid - Incluso el IncreĂble Hulk a veces necesita una curita.
Ford - La ciudad en tus manos.
American Airlines
Mini
Absolut vodka - NYC “Absolute Apple.”
New York Film Academy
Land Rover UK - More Pull
ŠCopyright. Imagen cedida por Fotolia. ŠCopyright. Imagen cedida por Fotolia.
Cómo crear un portfolio y adentrarse en el mundo profesional. Guía de orientación para creativos Fig Taylor Este libro es una guía práctica para introducirse en el mundo profesional de la industria creativa. Dirigido a estudiantes y profesionales júnior de los ámbitos del diseño, la publicidad y la ilustración, proporciona todas las claves para familiarizarse con los distintos sectores del mercado creativo y darse a conocer profesionalmente. El libro expone las características particulares de cada especialidad (branding, diseño web, ilustración, agencias de publicidad, sector editorial, videojuegos, etc.) y explora todos los aspectos que hay que tener en cuenta a la hora de confeccionar un portfolio, desde cómo seleccionar el contenido, hasta qué tipo, formato y soporte elegir. Aporta también consejos prácticos sobre, por ejemplo, cómo presentar candidaturas espontáneas, cómo preparar una entrevista de trabajo o cómo presentar un portfolio en directo. El libro se cierra con un completo directorio de recursos que incluye asociaciones profesionales, proveedores de portfolios, publicaciones, anuarios y concursos.
INSPIRATION OPINA: Una auténtica maravilla para saber qué tipo de portfolio te conviene según tu curriculum y tus proyectos. Muy útil para preparar el salto de estudiante a profesional.
PVP: 18,00 euros.
©Copyright. Imagen cedida por Fotolia.
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Profesión Moda. Guía de las 55 carreras profesionales con más futuro en el mundo de la moda. Julia Yates, Donna Gustavsen Ser estudiante o profesional de la moda no significa únicamente ser diseñador. En realidad, existen infinidad de profesiones que forman parte de la amplia, diversa y compleja industria de la moda. Este libro presenta una panorámica del sector a partir de las claves necesarias para introducirse en este ámbito y escoger entre las 55 profesiones más corrientes, populares e interesantes del mundo de la moda. La primera parte de Profesión Moda es una guía práctica que cuenta cómo buscar empleo o cómo hacerse un hueco en el sector trabajando por cuenta propia. El libro expone todos aquellos aspectos que deben tenerse en cuenta para empezar con buen pie el desarrollo de una trayectoria profesional, desde cómo escribir un buen currículo o cuándo hacer prácticas en una empresa, hasta dónde buscar trabajo o cómo registrar los derechos de autor para un diseño. La segunda parte presenta un excelente y vasto catálogo de profesiones ligadas a esta industria tan compleja como repleta de oportunidades. Organizados según el ámbito de acción (diseño de moda, diseño de accesorios, textiles, producción, diseño de vestuario, comercio minorista, comunicación y educación), cada perfil está descrito con todo detalle a partir de una serie de puntos clave como las vías de acceso a la profesión, los aspectos positivos y negativos de cada uno de ellos, o las aptitudes y la formación necesarias. El texto, de estilo claro y directo, viene acompañado de numerosas imágenes e ilustrativos casos prácticos que ayudan al lector a hacerse una idea real del día a día de cada profesión. Cada perfil cuenta, además, con un valiosísimo apartado de recursos online para ampliar información sobre la especialidad.
INSPIRATION OPINA: Una completísima guía para el profesional de la moda, proponiéndonos, siempre con ejemplos reales, las diferentes ramas dentro del mundo de la moda. Quizás algo pesada la temática.
PVP: 29,00 euros.
COMPRAR
Fotolia presenta un nuevo artista, el famoso diseñador italiano Alberto Seveso. Su creación exclusiva, «Retrato de una perfecta desconocida» se podrá descargar gratuitamente en formato PSD durante 24 h. el próximo jueves 10 de octubre en: tenbyfotolia.com Cuando la unión de géneros da lugar a la «dispersión». Alberto Seveso, de Cerdeña, es un artista autodidacta. Tras su paso por una escuela de hostelería, donde conoció «el arte de la cocina», se dedicó a experimentar y desarrollar su talento artístico durante los años 90, combinando dos de sus pasiones: el arte digital y la fotografía. Un matrimonio entre lo real y lo digital que le ha llevado a conseguir el reconocimiento de sus pares. Este versátil artista ha forjado un universo gráfico personal sobre el cuerpo humano. Trabaja sugiriendo la sensualidad de las formas, recortando fotos de caras o cuerpos que mezcla con motivos vectoriales. Esta expresión desestructurada ha ayudado a eclosionar una corriente gráfica basada en la «dispersión», la que es hoy en día el máximo representante.
Un retrato cautivador. Para la Colección TEN, Alberto Seveso se ha mantenido fiel a su estilo creativo. El artista italiano eligió en primer lugar un hermoso retrato de mujer del catálogo de Fotolia, realizado en tres cuartos, “para resaltar la profundidad”, y unas texturas de acuarelas “para conseguir un tono natural”, mezcladas con formas vectoriales. Una mezcla de géneros que dan a la obra dulzura, sensualidad y cierta melancolía. Como hechizado, el espectador no puede levantar la vista de esta «perfecta desconocida», ni del mosaico de elementos y colores que la componen.
Deshacer para reconstruir. Para conseguir este resultado, Alberto Seveso no ha dejado nada al azar. «La técnica no es lo más importante; la clave es colocar correctamente los elementos en la composición de la imagen, para que la atención se centre especialmente en la zona de los ojos y la boca, cuna de las emociones». Las texturas, las curvas, las formas, los juegos de luces, etc., están armoniosamente pensadas para un resultado más natural. «Una vez unidas las diferentes partes de mi obra, me concentro en el trabajo de la luz y la sombra. No me gustan demasiado los colores saturados, e intento mantener tonos neutros. Para el pelo utilizo mi técnica personal: uso formas de Wireframe y les aplico distorsiones para dar una sensación natural de movimiento ». Desestructurada de esta manera, la obra de Alberto Seveso compone un todo fascinante y cautivador que deja libre la interpretación del espectador. «Cada cual debería ser libre de ver lo que quiera ver en mis trabajos, igual que se interpretan las formas de las nubes », nos dice el artista.
PREGUNSTA: Por favor, preséntate en unas pocas palabras RESPUESTA: Mi nombre es Alberto Seveso, soy
un diseñador gráfico. Actualmente vivo en la isla de Cerdeña. Soy un apasionado de la fotografía, que es siempre la base de mis trabajos.
P: Cuéntanos sobre tu formación: ¿fue formal o eres autodidacta? R: Soy autodidacta; no asistí a ninguna clase o curso. Sin embargo, y de cierta manera, haber estudiado cocina en un Instituto de Hostelería, creo que se podría decir que sí, que he estudiado arte en una escuela de arte, porque considero la cocina como una forma de arte, con un fuerte impulso creativo. P: ¿Trabajas para una agencia, o como freelancer? ¿Por qué? R: Soy freelance. En el pasado he trabajado con los gabinetes de prensa de algunos periódicos gratuitos, pero siempre he intentado mantener un apoyo de forma libre. Creo que trabajar en una agencia no es para mí. Me considero un tipo bastante asocial y con muchos cambios de humor. La libertad de trabajar como freelance me permite renovarme periódicamente, y encontrar nuevas fuentes de inspiración.
P: ¿Cómo llegaste a la ilustración digital? R: Todo empezó como un hobby. A principio de los 90
estaba utilizando programas de dibujo en Amiga, un ordenador al que le guardo mucho cariño. Más tarde me pasé a PC y a Photoshop, pero era simplemente como divertimento. A principios de 2000 este juego/pasión se convirtió en una actividad profesional de verdad.
P: ¿Cuál es tu principal inspiración e influencias? R: Consigo inspiración de cualquier cosa. La inspira-
ción es algo demasiado abstracto para lidiar con ella. Me refiero a que no es algo que puedas poner en una caja, y decir “ok, esto es la inspiración, cógela y crea lo que quieras.” No voy en busca de la inspiración, ya que sé que te llegará cuando menos te lo esperes. Desde luego, me gusta estimular nuevas ideas, viajando mucho, viviendo nuevas experiencias, conociendo a gente, etc…
P: ¿Cómo definirías tu estilo? R: Si tuviera que definir mi estilo, diría que es caótico, aleatorio y compulsivo. P: ¿Tienes algún proceso a la hora de trabajar que pudieras describirnos paso a paso? R: En mi trabajo sigo un unas pautas, pero creo que se trata de un tipo de automatismo inconsciente, más que un proceso en sí, así que no sabría describirlo. P: ¿Es importante para ti seguir trabajando en proyectos personales al margen de tus proyectos profesionales? ¿Por qué? R: Para evolucionar tu estilo siempre se deberían probar cosas personales nuevas. El progreso que hacemos a través de los proyectos personales se refleja en los trabajos profesionales. Esto te permite renovarte a menudo y encontrar algo nuevo que proponer. P: La cultura e historia de tu país son muy ricos... ¿De qué manera ha afectado eso a tu trabajo? R: No sé hasta qué punto ha influido la historia y cultura de mi país en mi trabajo. Puedo asegurarte que haber crecido en un lugar pequeño como Porto Scuso en Cerdeña me supuso un incentivo para evolucionar de una forma creativa. La calma de este lugar, la naturaleza que me rodea, todos esos aspectos sin duda estimulan mi creatividad.
P: ¿Qué palabra, o frase, te define mejor? R: No es fácil dar una definición de mí mismo, y mucho menos en una sola palabra. No soy tan egocéntrico como para definirme a mí mismo, pero si lo tuviera que hacer diría que extrovertido. P: ¿Qué planes tienes para los próximos meses? R: Para un futuro próximo me gustaría tomarme unas vacaciones, relajarme y quizá tomarme algo de tiempo para algunos proyectos personales. Me gustaría disfrutar de la vida. P: ¿Crees que si hubieras nacido en un entorno/ cultura/país diferente tu trabajo y estilo serían otros? R: Seguramente, si hubiera crecido en un entorno urbano no habría interactuado con la naturaleza de una forma tan potente, y quizás mi estilo habría sido completamente diferente. El mar, y esa naturaleza salvaje, son partes fundamentales de mi vida, y por lo tanto los cimientos de mi estilo. P: Según tú ¿cuáles son las características clave de un gran artista o diseñador gráfico? R: Creo que un artista debería ser capaz de adelantarse
a su tiempo, y estar dotado de un espíritu de sacrificio. Las disciplinas artísticas requieren de una fuerza de voluntad tremenda.
P: ¿Por qué te uniste al proyecto TEN? R: Acepté unirme al proyecto TEN ya que me pareció que era una iniciativa muy interesante porque involucra a artistas de talento de diferentes partes del mundo. Este tipo de proyectos son geniales para estimular ideas. P: ¿Cuál es tu punto de vista sobre la creatividad, de manera genérica? R: Creo que estamos abusando del término “creativi-
dad”. Hoy por hoy se habla demasiado de esta palabra.
P: ¿Qué consejo darías a los jóvenes artistas que quieran seguir tu ejemplo? R: Mi consejo a los jóvenes artistas, a la gente joven que se acerca a diferentes formas de arte, y que quieren convertirla en su profesión es que sigan experimentando hasta que encuentren su estilo.
P: Cuéntanos sobre tus herramientas favoritas (equipos, software...) R: Uso casi exclusivamente Photoshop e Illustrator. P: ¿Qué sentimientos o ideas intentas transmitir a través de tu obra? R: Prefiero dejarlo a la libre interpretación de los que vean mis obras. P: ¿Qué te motivó a esta elección? R: No hay un motivo real. Simplemente creo que todo el mundo debería ser libre de ver lo que quieran ver en lo que hago, como con las nubes. P: Las bases de la Colección TEN pedían libertad creativa. ¿Prefieres trabajar con una dirección artística definida, o teniendo carta blanca? R: No tengo preferencia entre seguir unas instrucciones muy específicas o tener carta blanca en un proyecto. Depende, no hay una regla fija. Aparentemente, tener libertad creativa puede parecer más sencillo, pero no siempre es así, así que a veces demasiada libertad resulta contraproducente. P: ¿Puedes desvelarnos más información o trucos sobre tu trabajo y las técnicas que usas para crearlo? R: No tengo trucos o secretos que desvelar. Quiero decir, que no hay una fórmula mágica. Aun así, si quieres un consejo, te recomendaría cultivar tu pasión de manera consistente para conseguir obtener determinados resultados. El truco está básicamente ahí, en pasar los últimos 15 años de tu vida con el culo pegado a una silla y tu cara en la pantalla del ordenador. En este negocio no hay atajos ni accesos rápidos.
P: Has incorporado diferentes fuentes en tu trabajo (3D, dibujos, imágenes, vectores...) ¿Puedes contarnos más sobre esto? R: Normalmente combino diferentes contenidos en mi
trabajo, simplemente por diversión. Me gusta experimentar y mezclar diferentes técnicas, desde fotografía a vectores. Para crear esta obra usé mi técnica habitual. Creo que es importante tener un estilo personal, sin importar que se puedan experimentar nuevas combinaciones y nuevas formas de trabajar para ser capaces de renovarse. No tengo idea sobre el resultado final, siempre es un trabajo en desarrollo. La técnica en sí es muy sencilla, y quizás lo menos importante. La clave es colocar los elementos principales en la composición, y específicamente centrarse en la zona de los ojos y los labios para obtener un resultado satisfactorio.
P: ¿Utilizaste tus técnicas habituales, o probaste nuevas cosas? R: Busqué en Fotolia la imagen principal, y encontré un hermoso retrato de una mujer. Generalmente prefiero perfiles o tomas de tres cuartos, para enfatizar la profundidad. En el catálogo online también encontré unas texturas muy interesantes de acuarelas que me impactaron al momento. Así que decidí insertar un elemento poco usual en mi estilo. La foto no necesitaba ningún retoque porque ya estaba perfecta. Intento interferir tan poco como me sea posible con el trabajo de otros. En general, no me gustan los colores muy saturados, intento mantener tonos naturales, cubriendo con las acuarelas los elementos vectoriales. Desde una función básica como Dibujar Sombra, hay diferentes formas de procesar las sombras. El resultado siempre varía de acuerdo al gusto y sensación personal. Normalmente trabajo el fondo en la fase final, después de haber trabajado los detalles del sujeto principal. Finalmente, después de combinar todos los niveles me concentro en perfeccionar la luz y los colores. En mis obras me gusta usar mi técnica personal en el pelo. Uso formas en Wireframe y aplico sobre ellas algunas distorsiones para dar una sensación de movimiento natural al pelo.