Talleres AMC, Juan Pablo Ramírez AMC y Daniel Blanco AMC

TALLERES AMC JUAN PABLO RAMÍREZ AMC

Por Kenia Carreón y Milton R. Barrera Fotos: Daniel Blanco AMC

la oportunidad de ver y aprender el trabajo del cinefotógrafo al utilizar película de 35mm.

Contagiar la pasión por el cine y la cinefotografía forma parte de la vida de los directores de fotografía Juan Pablo Ramírez AMC y Daniel Blanco AMC, quienes aprovechan cada oportunidad para compartir su conocimiento, ya sea en escuelas o a través de sus redes sociales. Es por eso que para terminar el 2019 de la mejor manera, se dieron a la tarea de organizar el que fue uno de los mejores talleres que se han impartido dentro de la AMC. Con la producción y organización de Daniel Blanco AMC (‘Yo, Fausto’- 2019), pudimos contar con la presencia del mentor Juan Pablo Ramirez AMC, director de fotografía de películas multigalardonadas nacional e internacionalmente como ‘Huachicolero’ (2019) y ‘Chicuarotes’ (2019). Con 36 jóvenes a su cargo, Ramirez enseñó a los alumnos la labor que realiza un director de fotografía y cómo porta su visión a la narrativa de una historia. Los alumnos tuvieron Día 1 Contar con el apoyo de los socios AMC es esencial para avanzar. Bajo esta iniciativa y gracias al compañerismo entre ellos, hemos tenido la fortuna de contar con la presencia de múltiples directores de fotografía que enriquecen aún más los talleres. El llamado inició a las 7 de la mañana en la bahía del CENART , lugar donde se dió cita a los alumnos para su traslado a la multilocación ‘Pino 577’, lugar con varios foros donde se crean realidades alternas y un espacio ideal para llevar a cabo la clase. El presidente de la AMC, Carlos R. Diazmuñoz AMC, fue el encargado de dar comienzo al taller dando una breve introducción de la labor, el trabajo que realiza la AMC y de los logros que se han obtenido a lo largo de los 27 años de vida que lleva la sociedad. Diazmuñoz, además de presentar a Ramírez y a Blanco, también aprovechó para señalar la presencia de dos socios más Iván Hernández AMC ‘El sueño del Mara’akame’ (2016) y Eduardo Vertty AMC. También 18

“Muchas veces el trabajo de un director de fotografía es seducir al director y convencerlo de qué es lo que funciona mejor para la escena” - dice Juan Pablo Ramírez AMC al recordar las enseñanzas de sus maestros en el CCC: que en el cine lo más importante es transmitir un mensaje, emociones y sensaciones. Siempre es importante recordar y tener claros los principios básicos de iluminación para avanzar en técnicas más elaboradas. Juan Pablo comenzó por reafirmar los conceptos de donde parte todo un mundo de posibilidades lumínicas y que pueden ayudar a la narrativa de la historia. Mostró a los alumnos 9 configuraciones posibles mientras iba explicando las calidades y cualidades de la luz y cómo transforman las sensaciones dependiendo su posición. También señaló la importancia de tener en mente las facciones del personaje y entender cómo funciona la luz en su rostro para determinar cual le es más favorable.

El gaffer encargado de ayudar a Ramírez a ‘hacer magia’ con la luz, fue Francisco Morales con quien ya ha colaborado anteriormente en múltiples proyectos. La participación de “Paquito” Morales enriqueció la experiencia al explicar y ejemplificar con sus experiencias y anécdotas en rodaje al lado de Ramírez y de otros directores de fotografía como María Secco AMC o como Federico Cantini ADF.

Muchas de las preocupaciones como fotógrafos principiantes es tener que iluminar grandes espacios y al mismo tiempo filmar un planosecuencia. Sin embargo, siempre hay maneras de resolverlo y al mismo tiempo dar un aspecto más estético al proyecto. Ramírez nos ha comentado con anterioridad que es muy fácil encapsularse en un pensamiento negativo con la presión que existe a la hora de entrar a un proyecto: “La función como fotógrafo es ir al principio de las historias para conocer toda la problemática y todas las posibilidades”. Para entender este proceso, compartió una técnica para perderle el miedo a estas situaciones y sacarle provecho a lo que tenemos. Para él, lo que mejor funciona en estos casos es iluminar con “pistas lumínicas”, es decir, tener algunos puntos de luz clave y necesarios dentro del espacio donde se moverán los actores.

Carlos R. Diazmuñoz AMC

Habló de ‘Huachicolero’, película en la que después de analizar a profundidad los espacios de trabajo y la narrativa de la historia, llegó a la idea de incorporar luces de trabajo a la camioneta en la que se transportan los personajes. “La camioneta tenía luces a los lados, le cambiamos los faros, los stops. Se le agregaron faros Tungsteno y lo mejor es que los actores podían manejarlas desde el interior. Las luces abarcaban 360º y la cámara los seguía. Como yo diseñé todo este arreglo visual, sabía cuándo tenía que dejar pasar a los actores para no generar sombras. Me gusta tirar con la luz detrás del personaje para darle tridimensionalidad”. En esta película se utilizó la oscuridad como un elemento importante en la historia. Se buscó otra forma de iluminar a los personajes y que al mismo tiempo fuera acorde a la historia, de esta manera se optó por tener puntos de luz en algunas zonas que funcionaban como back, relleno o key dependiendo del desplazamiento de los actores.

Juan Pablo Ramírez AMC ilumina a Paulina Gaitán Labodigital mostró el trabajo que realiza y la importancia que tiene el DIT dentro del set de filmación. Además de la monitorización, explicaron la relación que debe existir entre su departamento y el de cámara, en especial el diálogo con el director de fotografía. Además nos mostraron un poco de la creación de LUT’s. Iván Hernández AMC compartió un poco de su proceso y de la relación que llevaba con el DIT cuando realizó la serie ‘Diablero’ (2018) y de la forma en que debían acatarse a ciertos estándares visuales que tiene Netflix.

Quitar luz para iluminar

Hay que aprender a leer los espacios necesarios a la hora de hacer scouting. Es en este momento cuando puedes observar los mejores lugares para posicionar luces o utilizar luz natural y sacarle provecho a la locación.

Alrededor de las 13 horas y después de conocer las ventajas y desventajas de diferentes tipos de luces como los Kino y las Asteras, los alumnos pasaron al primer foro temático de Pino577: ‘SEMEFO’. En este espacio Juan Pablo dejó a un lado el uso de la luz artificial para explicar su proceso con luz natural, cómo trabajarla y la importancia que tiene el saber cuando quitar luz en lugar de agregar más, es decir: ‘desiluminar”.’ Esto se logra, entre otras cosas, con ayuda de floppys, mantas, banderas e inclusive, con el decorado con el que es posible eliminar y oscurecer algunas zonas para así crear contraste y tridimensionalidad a la escena.

Dentro de este set observamos también la integración del movimiento de cámara al lenguaje. En esta escena Paulina Gaitán recorrió el espacio desde la entrada del SEMEFO hasta las planchas en donde se encontraría con algún ser querido. En este momento el director de fotografía comenta que las películas son como una orquesta o algún platillo, es decir, muchas veces cometemos el error de querer impresionar dentro de todos los departamentos con lo mejor que tenemos, cuando en realidad la dosificación de los elementos y su correcto uso ayuda mucho al proyecto. En esta ocasión Juan Pablo sabía que la fotografía en esta escena no era lo más importante sino la actuación de Paulina; su trabajo como cinefotógrafo era crear una atmósfera para que el personaje se desenvolviera. Para el director de fotografía es fundamental tener diálogo con los actores para aclarar qué es lo que funciona mejor para cámara.

El segundo y último set del día fue en las oficinas en donde se combinaron las técnicas aprendidas anteriormente a favor de la escena que se montó junto a Paulina Gaitán y Harold Torres. Se combinó el uso de luz natural, que para ese momento era la luz dorada del atardecer, con luz artificial dentro de unas oficinas. Para finalizar el día se adelantó un poco el trabajo que se haría al día siguiente con película de 35mm de Kodak.

Paulina Gaitán

Utilizando los mismos principios de iluminación vistos en el primer día, presentó y explicó a los alumnos el funcionamiento de la cámara de 35mm, la película y el equipo. En esta ocasión contamos con la cámara Arriflex 435 y película Kodak.

Espacios abiertos y filmar con humo

Para el segundo día, utilizando la azotea de la locación, se mostró a los alumnos cómo enfrentarse a la luz natural en espacios abiertos. Uno de los consejos que se dio a los alumnos fue: “A veces no queda de otra más que hacer una toma con una luz ‘fea’ cuando el sol está cenital. Esto sucede, o porque así queda el plan de trabajo, o por la naturaleza misma de la escena, el guión lo detalla.” Juan Pablo se refirió a que no siempre tendremos la fortuna de tener las condiciones del clima a nuestro favor y constantemente estaremos enfrentándonos al tiempo y al sol. Es por esto que decidió extender una manta de 12x12 en el suelo y de esa manera crear contraste en la cara de la actriz. En este espacio, varios de los alumnos tuvieron la oportunidad de operar la cámara y hacer el foco bajo la tutela de Ramírez.

La segunda mitad del día se dedicó para aprender a controlar y mantener continuidad en espacios cerrados utilizando humo. Juan Pablo compartió que existen cursos especializados sólo para este tema ya que es un verdadero reto. Lo primero, como siempre, es conocer la locación, encontrar la posición de las fuentes de luz, saber qué tipo de humo se utilizará (si es humo como tal, neblina, etc.) , y la calidad (pensando en densidad muchas veces), de los diferentes líquidos.

El primer consejo que se dio fue llenar el espacio con el humo y dejar que este se esparciera por el set (que en esta ocasión fue una recámara). De esta manera se puede lograr una atmósfera uniforme. Después de tener el humo listo, Juan Pablo mostró una técnica para tener continuidad en la densidad del humo utilizando una fuente de luz, un negativo y el exposímetro.

Queremos agradecer a todos los patrocinadores que hicieron posible este Taller AMC: Zeiss, CTT, Indie Film School, LCI Seguros, Pino 777, Labo, Kodak. De igual manera, gracias también a la gran labor realizada por parte de todos los organizadores, en especial a Daniel Blanco AMC y a Juan Pablo Ramírez AMC por compartir con nosotros y crear una experiencia increíble de aprendizaje. Los esperamos en el próximo Taller AMC.

NUEVOS TALENTOS DIEGO TENORIO ‘La paloma y el lobo’

24 Poco a poco se están creando oportunidades para que nuevos realizadores puedan llevar sus voces a las salas de cine. Sin duda las óperas primas son aquellos proyectos que nos muestran cuáles serán los nombres que estarán sonando dentro de la industria del cine. Diego Tenorio y Carlos Lenin, cineastas egresados de la Escuela Nacional de Artes Cinematográficas (ENAC), quienes después de años de compartir el set durante sus ejercicios escolares y uno que otro trabajo externo, entraron en 2017 al programa de ópera prima. Hablamos con Diego Tenorio, director de fotografía de la película mexicana que ha estado rondando algunos de los festivales más importantes en el mundo: ‘La paloma y el lobo’. “Carlos y yo nos llevamos muy bien, somos muy amigos y tenemos años colaborando juntos; años de entendimiento, de autocrítica y de reflexiones; tenemos una búsqueda estética y temática muy similar”. El sueño de muchos estudiantes que ingresan a las escuelas de cine, es terminar la carrera con un proyecto de largometraje. Cada escuela cuenta Por Kenia Carreón y Milton R. Barrera Fotogramas con un programa de óperas primas que da la oportunidad al mejor proyecto presentado. La UNAM y el IMCINE otorgan 10 millones de pesos para llevar a cabo los proyectos inscritos. El proceso, desde el primer guión, pasando por las carpetas y hasta el último corte, es tutorizado y evaluado por profesores de la ENAC. La ‘La paloma y el lobo’ abre con un cuerpo de agua del que desconocemos la magnitud, mientras escuchamos el sonido del viento al rozar con el mismo. Entra a cuadro “Lobo”, interpretado por el actor nominado al Ariel, Armando Hernández (‘El César’, ‘Los héroes del norte’); nadando desnudo y con cansancio, su presentación motiva el primer movimiento de cámara hasta verlo llegar al final de la presa. La película narra la historia de dos jóvenes que, a pesar de su intento por mantener su amor, se ven afectados por la violencia que existe en su mundo y el miedo de volver al lugar que los marcó. Propuesta visual “Una de las cosas que hablamos en cuanto a la estética visual, fue que queríamos sentir la cercanía con los personajes, sobre todo la sensación de intimidad. La propuesta visual trato de hacerla diferente a como acostumbraba. Ahora no son tan técnicas como me enseñaron en la escuela. Es más bien la descripción literaria de una imagen, por ejemplo: El sol entra por la

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ventana y pega en estos elementos que nos reflejan esta calidad de luz y crea esta atmósfera. Me ayuda a trabajar más en el terreno de las sensaciones y alejarme de la idea técnica, de esta manera puedo asumirme como co-creador de una obra artística y trabajar desde ahí. A veces, si sólo lo piensas y resuelves técnicamente te vuelves frío y no te acercas al proyecto. Me gusta trabajar con las vísceras, intuitivamente y no sólo apoyarme en lo técnico. Para esta película queríamos que la luz fuera siempre muy agresiva con los personajes, que se sintiera lo cruel que es la vida, el clima, la falta de agua, la falta de higiene por no bañarse y se planteó tener los colores desaturados.”

Tenorio decidió utilizar una Alexa Mini en RAW y open gate. Para la óptica eligió el Master Prime de 27mm. Algo que llama la atención desde el inicio del filme, es la elección del aspect ratio 3:2. “En la escuela las cámaras eran solo 1:85 y estábamos supeditados a eso. Lenin y yo siempre tuvimos la necesidad de experimentar con otros aspects, queríamos salirnos de ese esquema escolar. De hecho, saliendo de la escuela hicimos un corto en 2:35 y nos sentimos mal de hacerlo así por la espacialidad y la perspectiva. Eran cosas de las que que hablamos mucho antes de iniciar el proyecto” le otorgan unidad a la película y hace que el mensaje sea más claro.

En la película se aprecian múltiples locaciones que ofrecían al director de fotografía poder trabajar y aprovechar la luz natural. “Desde el principio planteé llevar muy poco equipo. Hablé con el productor para llegar a un acuerdo de aumentar las semanas de rodaje y así no llevar tantas luces. He aprendido a arreglármelas sin tantos elementos, pero sabía que habría circunstancias en las que las necesitaria. La Van Daylight de CTT fue suficiente. Teníamos muchas luces de LED, KINO y un 1200 que pedí. También utilicé un par de Aladdin, que en su momento eran nuevas”.

La estética visual de la película responde a una cadena de decisiones que viene desde la elección del aspect. “Esta película trata de personajes y su imposibilidad para amarse. Las circunstancias que los rodean determinan su relación y a ellos mismos. Estamos retratando a una clase social oprimida; esta última palabra es la clave. A partir de ahí y de una visita que hicimos al norte en donde notamos los techos de las casas muy bajos, decidimos que incorporaríamos este recurso en la película, pero ¿cómo transmitirlo?. El aspect ratio nos dio la solución pues nos permitía mantener a los personajes siempre en un estado claustrofóbico. Sumado a esto, procuramos mantener siempre mucho aire encima de la cabeza de los personajes, así como una composición fractal, es decir, mantener el cuadro dentro del cuadro, esto con el fin de continuar con la sensación de que el espacio ejerce una fuerza sobre el personaje”. La búsqueda por encontrar encuadres simétricos viene de la intención de elevar esa sensación de opresión. “Incorporar aire sobre ellos pero con elementos en la imagen

‘La paloma y el lobo’ Cámaras: Alexa Mini Óptica: Master Prime Cinefotógrafo: Diego Tenorio Gaffer: Ventura Hernández

Armando Hernández ‘Lobo’

Los espacios ayudaron también a crear sensaciones frías y distantes. La posición de la luz en torno al personaje principal se relaciona con la manera de sentir de él. “Lobo vivía en una cueva, ensimismado en el pasado, en los recuerdos, por eso lo fotografiamos de esa manera. No queríamos algo melancólico y cálido. Casi siempre mantuvimos el lado oscuro de su rostro mirando a cámara. Sobre la elección de la óptica, en un primer momento mi intención era usar Cooke. Ya estando en el scouting, iba reflexionando y tratando de pensar y sentir el guión. Le dije a Lenin que era mejor usar los Master Primes. Son nítidos y ya en locación podemos utilizar esa textura. En corrección de color se sacaron aún más las texturas. Lo que queríamos lograr era una imagen cruda de la realidad”. Bien o mal, estábamos en el programa de ópera prima, pero entonces era una oportunidad para aprender y descubrir nuevas formas de contar una historia”.

“La TV te da mucho oficio; fueron seis meses teniendo que iluminar varios sets por día y hacerlo rápido. Llega un momento e el que te olvidas de la parte técnica y puedes entregarte a la búsqueda estética. Iluminaba rápido y me daba tiempo para estar codo a codo con Lenin, para platicar el cuadro, sintiendo y apoyando las escenas. He encontrado cosas que son muy importantes como la gestualidad o la corporalidad de los actores: si se encorva más o si se pone en tal posición, sucede tal cosa con la luz y hay que manejar de cierta forma la cámara”.

De la TV al Cine

Recién egresado, Tenorio tuvo la oportunidad de trabajar en televisión en series como “El Hotel de los Secretos” (2016). Esto le enseñó a resolver situaciones con rapidez y así entregar ese tiempo a cosas más importantes. “El cambio de la TV al cine de alguna manera me ayudó y me empujó. Venía de estar dos años haciendo mucha tele y cuando leí el guión reescrito le hablé a Lenin y platicamos de la manera en como resolverlo. Pudimos haber logrado todo con master y protecciones, pero queríamos salirnos de lo convencional, lo queríamos llevar al límite.

Una de las secuencias más memorables de la película sucede en un sótano. Un grupo de compañeros de Lobo están viendo atentamente un video en un celular, mientras en el fondo otro trabajador está soldando algo. La secuencia está iluminada completamente por la soldadora y cuando esta está inactiva, hay oscuridad total acompañada del violento audio del video.

“La secuencia la filmamos el tercer día de trabajo y nos tomó dos días obtener los resultados deseados. Tuvimos una serie de dificultades técnicas con el Tiltamax que llevábamos, pues queríamos mantener un trazo escénico con movimientos largos pero muy controlados, la cámara se movía con los personajes. Pero debido a las fallas del estabilizador, decidimos resolverlo regresando a los básicos aprendidos y usados en el CUEC: tonina y rieles”.

Los jóvenes cineastas lograron sacar la secuencia con lo que tenían disponible, pero el director no quedó satisfecho con el resultado, pues creía que la imagen era muy poderosa, pero el trazo no era lo mejor. “Sabíamos de la importancia de la secuencia, pues representaba el proceso interno con el que lucha el personaje principal”.

“Decidimos entonces no hacer la secuencia programada y darle prioridad a la soldadora. Volvimos de nuevo a los básicos: planteamos un campo contra campo. Con un leve travelling nos vamos acercando poco a poco a los compañeros de Lobo. En el contracampo aparece Lobo y se ve como se acerca a sus compañeros”.

“Sucedió algo curioso al estar haciendo una de las tomas del contracampo, unas cuadras arriba de donde nos encontrábamos pasó un tren. Me quedé helado mientras operaba a la cámara, pues parecía que el tren nos estaba pasando por arriba y al estar grabando una secuencia tan violenta, te provocaba y evocaba muchas cosas. Sentir la presencia del tren que te puede arrollar en cualquier momento. A partir de ahí se decidió usar el sonido del tren como parte de la atmósfera de toda la película”.

Uno de los mayores retos técnicos que tuvieron que afrontar fue al momento de filmar la escena final de la película, comenzando con un primer plano de las piedras hasta terminar con Lobo y Paloma nadando. “Cuando hablamos de esa secuencia, Lenin ya me había dicho que quería piedras como metáfora de las muertes y quería crear una sensación de la dimensión de la matanza que se ha vivido por la violencia. Para poder hacer esta toma, dependiamos del nivel de agua y muchas otras cosas. Pensamos en tres maneras distintas de hacerla: una, la más obvia, era el dron. Pero necesitariamos un octocóptero que cargara la cámara para no sacrificar la calidad de la imagen. La otra, era construir una plataforma o muelle para hacer el plano. La última, era poner una grúa sobre el barco. Hicimos scouting en la zona y cuando escogimos el mejor lugar nos dimos cuenta que no había manera de hacer un muelle; solo quedaban dron y barco.

‘La paloma y el lobo’

Le comenté que lo mejor era la grúa porque la idea era ir de muy lejos a muy cerca. Hicimos varias pruebas con drone, pero no funcionaba muy bien por la distancia para cuidar las hélices. Al final nos quedamos con el barco”. Para realizar esta escena necesitaron dos días. Uno de puro ensayo y otro para filmar. En el barco podían ir pocas personas, por lo que se utilizó otro barco en paralelo para bajar la grúa y acomodarla. En general el crew de la película estaba conformado por pocas personas y el gaffer encargado del proyecto fue Ventura Hernández”. La corrección de color estuvo a cargo de Ernie Schaeffer. “ Yo lo conocí cuando grabamos ‘Los reyes del pueblo que no existe’ (2015) y me gustó mucho su forma de trabajar. En cuanto pude, lo sumé a este proyecto. Ernie es grandioso porque le gusta proponer, entiende la imagen y es muy sensible; conoce sus herramientas y está en constante capacitación”. Ernie Schaeffer trabajó el proyecto desde su empresa Manosanta Studios.

Grandes Aprendizajes

“Para todos los que están luchando por desarrollar su primer proyecto, una de las enseñanzas que puedo compartirles, es el aprendizaje de las posibilidades de la imagen. Como consejo les recomiendo arriesgarse, claro, con disciplina y hacer pruebas. Arriesgarse en las búsquedas y encontrar su propia voz” - dice Diego.

“La paloma y el lobo” fue premiada con el Swatch Art Peace Hotel Award en la 72° edición del Festival de Cine Locarno en Suiza y el premio de México Primero en el Festival Internacional de cine de Los Cabos. Esperamos que los premios continúen y que pronto podamos verla en salas de cine.