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NO. 40 / NOVIEMBRE - DICIEMBRE 2016
THE EMISSARY
´ CELIANA CARDENAS AMC
A DAY OF INSPIRATION FOR WOMAN ?
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QUE CULPA TIENE EL NINO? CARLOS HIDALGO AMC
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Foto cortesía: Carlos R. Diazmuñoz AMC
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publicaciOn ´ bimestral DISTRIBUCION ´ ELECTRONICA ´ GRATUITA
´ CINEMATOGRAFICA ´ S.C. GACETA INFORMATIVA DE LA AMC. SOCIEDAD MEXICANA DE AUTORES DE FOTOGRAFIA
CARTA DEL PRESIDENTE.
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n este año se ha logrado la orgullosa unión de varios países en Latinoamérica para formar la Federación Latinoamericana de Autores de Fotografía Cinematográfica conocida como la FELAFC con sitio web en www.felafc.org. Los países que forman esta unión son, Argentina, Brasil, Chile, Colombia, Perú, Uruguay, Venezuela y México. Esta simbólica alianza es un ejemplo de que en México también nos podemos unir en beneficio de la industria audiovisual en todos sus rubros ya que hay un número significativo de producciones mexicanas rodando con talento de varios países que ahora laboran con nosotros.
En este momento, existe un cambio radical en los enormes barcos de la industria que están tratando de seguir a flote
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Busquemos lo que ha funcionado para el valor positivo de la industria y aprovechemos el cambio en creencia al contenido redactado. Tengamos orgullo de nuestro trabajo y hagamos a una lado la ignorante soberbia que abunda para lograr un futuro que continue con el reconocimiento artístico a nivel mundial de México y más importante, el creer en nosotros mismos unidos y no como individuos. Carlos R. Diazmuñoz AMC Presidente AMC presidente@cinefotografo.com
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Foto cortesía: Juan José Saravia AMC
Hoy más que nunca, tenemos que creer en nuestra industria y más que nada en la unión. Es muy fácil criticar a México por los obvios desafíos políticos internos y externos desde décadas o en el presente, pero es tiempo de hacer un cambio y nutrir a la industria audiovisual mexicana. Apoyémonos en el arte nacional que desde hace años es visto con respeto global, y visualicemos algo positivo en México para generar una cinergia que nos haga avanzar generando orgullo y un cambio más que urgente. El peor enemigo del contenido nacional es el propio mexicano y la falta de credibilidad. En efecto, hay que exigir guiones de calidad para poder continuar en este resurgimiento de nuestro país, pero también hay que exigir condiciones de trabajo favorables. Muchos laboran explotando a sus equipos y lo peor de todo es que hay cola de gente esperando esa oportunidad sin importar las condiciones, olvidándose de lo más importante y algo que no siempre se considera en nuestro país, la seguridad y bienestar del ser humano.
en la cambiante marea del medio audiovisual mexicano. En esta urgencia, se ha determinando como se debe laborar por lo que dicta su constante presupuesto limitado y dejando en segundo plano la calidad del contenido.
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Texto y Fotos por: Celiana Cárdenas AMC
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enía muchos años de no hacer cortos. No por no querer hacerlos, sino por que ya no me los habían ofrecido. Pero cuando en Canadá me contactaron para ver si me interesaría fotografiar “The Emissary”, leí el guión, me gustó mucho la historia y acepté. El guión estaba escrito por Naledi Jackson, quien también sería la directora del corto. Por la manera en que estaba escrito, me di cuenta de que Naledi le daba gran importancia a la parte visual. Ya que en el guión estaba muy bien descrito el mundo en donde se desarrollaría la historia. La atmósfera de la película jugaría una parte vital para poder apoyar el sentimiento que Naledi quería expresar através de los personajes.
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“The Emissary” es una historia que se desarrolla en un mundo postapocalíptico, en donde un ser de otro planeta llega a la tierra en una misión diplomática, para llevar acabo una adopción poco habitual. Este corto sería la primera experiencia de Naledi como directora. Así que le pedí me diera algunas referencias de como veía la película y como la sentía. Con esto quiero decir que para mí era muy importante no solo saber la parte visual (el encuadre, el contraste), sino también el ritmo de la cámara y la narrativa. Naledi me dio como referencias “Chidren of Men” de Alfonso Cuarón (sobre todo la secuencia final en el agua) “Macbeth” de Roman Polansky, “Top of The Lake” de Jane Campion entre otras.
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23.98 Así que cuando empezamos juntas el proceso de visualizar la película, me di cuenta de que veíamos el corto de la misma manera, lo cual me dio mucho gusto. Nuestra comunicación e intercambio de ideas fue un proceso realmente agradable, lleno de colaboración y confianza. Las locaciones fueron en Toronto Island y Scarborough Bluffs en el lago de Ontario. La idea inicial, era filmar todos los exteriores en el lago, tratando de dar la idea de que nos encontrábamos en el océano rodeados de agua. Por cuestiones de presupuesto nos dimos cuenta de que no nos sería posible llevar acabo la filmación ahí ya que los requerimientos de seguridad y logística que nos pedía la provincia de Ontario eran complejo y caros. Así que en uno de nuestros viajes a Scarborough Bluffs decidimos mover gran parte del corto a unos canales que también se encontraban a espaldas de la locación. La decisión fue la correcta, no solo en cuanto al dinero se refiere, sino también nos permitió tener más control sobre los elementos de la filmación. Siento que fue positiva, por que enriqueció la narrativa y la atmósfera de la historia. __________________________________________________________________________________________________ Cuadros de la película
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Nuestra filmación se llevó acabo en abril, aún haciendo frío en Toronto, pero no a temperatu-
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ras gélidas como en los meses previos. Eso nos permitió tener cielos anubarrados, lo cual nos funcionaba dramáticamente para la historia ya que buscábamos crear un mundo inhóspito y desolado que al mismo tiempo mostrara una belleza muy particular. Al tener el 60% de la película en exterior día, a mi me beneficiaba el tener cielos nublados , pues podría tener un mayor control en cuanto a la luz del sol se refería. Sería una luz más homogénea sin grandes cambios en el contraste. Pero por lo mismo, sabía que no tendría hi-lights (altas luces) ya que al tener cielos nublados , solo podría lograrlo con luces artificiales de gran tamaño con las que no contaría. El rodaje se llevó a cabo en tres días que dividimos en dos días de
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exteriores día y el tercer día de exteriores e interiores de noche. El equipo de iluminación y tramoya para los primeros dos días que fueron de exteriores día, fueron básicamente textiles negros y blancos para poder dar el rango de contraste que yo buscaba, rebotes blancos y pizarras de espejo para poder apoyarme en los momentos que lo considerara necesario en los planos cercanos a las caras de los actores. Para el tercer día de exterior e interior noche, era más complicado ya que, sobre todo el interior, tenía una atmósfera completamente diferente al resto de la película, pero aún así debía estar acorde con ella.
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23.98 Todos nuestros exteriores, tanto día como noche, tenía un tinte cian ya que yo filtré en cámara y queríamos que el interior fuera cálido. Así que pedí ayuda al diseñador de producción Jason McQuarrie y a la directora de arte Tisha Myles, pues el interior era pequeño de tamaño, bajo de techos y con solo dos pequeñas ventanas que podría usar como fuentes de luz. Por estas limitaciones, era importante que las fuentes de luz provinieran como parte de la decoración del set y las pudiera ver en cuadro. En los exteriores noche e interiores trabajé con diferentes temperaturas de color filtrando las luces, para obtener la atmósfera que estaba buscando. La corrección de color fue hecha en Technicolor Toronto en 5hrs. Obtuve la colaboración de Brett Trider como colorista, con quien ya he tenido el placer de trabajar en otros proyectos. Quisiera agradecerle a Naledi Jackson por haberme dado la oportunidad de colaborar con ella, así como a Paul (1er. AC) y a Ryan (Gaffer) por haber hecho de esta experiencia un recuerdo maravilloso y por siempre estar dispuestos a ir tan lejos como lo necesitáramos para lograr que cada escena fuese especial . __________________________________________________________________________________________________ Cuadros de la película
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Algo que me dio este corto, no fue sólo la oportunidad de trabajar con un equipo de personas maravillosas y apasionadas por su trabajo, también me abrió las puertas a nuevos directores y productores, que en Canadá no había tenido la oportunidad de conocer. Esta producción me permitió hacer 5 cortos más, en lo que va de este año, por lo cual me siento muy agradecida con “The Emissary”.
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Texto por Salvador Franco Fotos por: Carlos Hidalgo AMC
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l miembro de la AMC comparte el camino que lo llevó hasta el set de ¿Qué Culpa Tiene El Niño? y las decisiones que tomó junto con el director Gustavo Loza para filmar la película mexicana más taquillera de 2016 El cinefotógrafo Carlos Hidalgo AMC disfruta del mayor éxito taquillero de su carrera gracias al éxito de “¿Qué Culpa Tiene El Niño?”, de Gustavo Loza, que suma 5 millones 893 mil 885 espectadores. Pero antes de “conectar” con el público, el egresado del Centro de Capacitación Cinematográfica e integrante de la AMC desde hace casi una década, tuvo que sumergirse por completo en el género de la comedia, el cual no deja de sonreirle. “Me parece que mi crecimiento tiene un paralelo super lindo con muchos de los cinefotógrafos mexicanos, porque estamos haciendo un cine con una factura de primer mundo y con pocos recursos, lo cual es un reto de madurez y de oficio que hay que subrayar”, señaló Hidalgo en una amena charla, en la que entre tequilas y té chai, compartió sus claves con las que conquistó uno de los retos más emocionantes de su carrera: hacer reír al público. ¿Qué significó para ti un proyecto como ¿Qué Culpa Tiene El Niño? (QCTN) “Es algo que me regaló muchísimas cosas. Fue un proceso con una curva de aprendizaje muy importante para el cuenta cuentos que llevo dentro, pues a pesar de que un año antes había tomado mi curso de comedia durante 16 semanas para rodar Rob Schneider la serie Real Rob, QCTN fue mi primera comedia mexicana.”
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_________________________________________________________________________ DP Carlos Hidalgo AMC y Gustavo Loza.
¿De qué manera te retó fotografiar una comedia? “Para mí representaba un miedo como siempre, que se convirtió en reto y después en un proceso muy gozoso a lado de Gustavo Loza, que es un tío que domina ese género que requiere de la chispa, del chiste, del timing. Me parece que hicimos bien la tarea y vencí un miedo más en mi vida.” ¿Cuáles son los retos y miedos que tú como cinefotógrafo venciste al filmarla? “Conseguir un tipo de narrativa al que no estaba acostumbrado y descubrir que eso hace reír a la gente y que la cámara es partícipe de esa
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23.98 carcajada. Es muy similar con el drama que persigue provocar angustia o hacerte llorar. En QCTN entendí que la cámara ayuda a que te rías y juega con esa parte. También me fascinó que el proyecto cuenta con todo un diseño de producción creativa que desde antes del rodaje ya está pensando en cómo la va a vender y con el ojo puesto en la taquilla.” ¿Eso no te estorbó o molestó? “No, es otra manera de trabajar. Yo creo que la característica más importante de un director de fotografía es saber adaptarse a cada método de trabajo de los directores y productores, y hacerlo lo antes posible. Entonces para mí no era algo nuevo, finalmente ‘Cantinflas’ la había hecho bajo un esquema muy parecido y toda la publicidad en la que trabajo tiene ese esquema, donde la última decisión no es de la parte creativa, sino de la parte aportante, aunque acá Gustavo Loza era productor junto con Mónica Lozano, con quien fue bien padre colaborar nuevamente.” ¿Cómo puedes definir a Gustavo Loza? Un director que ha creado franquicias y que sorprende con cada nuevo proyecto que genera. “Es un tipo que conoce muy buen la idiosincrasia mexicana y que la aborda con un humor muy peculiar y eficiente. Gustavo es como Gary Alazraki o Eugenio Derbez, unos genios del humor que conectan con el público y por ende por la taquilla. Yo conozco personas que fueron tres veces al cine a ver QCTN. Ellos logran que sus películas tengan la misma validez que el cine de autor que gana los Arieles o es premiada en el Festival de Cannes, porque ese es otro gran éxito: conectar con ocho jueces que son los mejores del mundo. Es como ganarse la medalla de oro.”
___________________________________________________________ DP Carlos Hidalgo AMC, Gustavo Loza y Karla Souza.
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¿De qué manera el género de la película influyó en la manera de fotografiarla? “El trabajo de un cinefotógrafo es encontrar, a lado de su director, la personalidad de cada proyecto. Al principio el acercamiento con Gustavo fue para buscar el look, el color y tomar decisiones de cómo se tenía que ver el personaje de Karla Souza; Ya con eso en la mano, nos concentramos en seguir las reglas de la comedia.”
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________________________________________________________________________________________________________________________________________________________ Algunos momentos durante el rodaje.
¿Qué decisiones específicas tomaste al momento de encuadrar y mover la cámara? “La dinámica del género pide ser narrada en planos mucho más abiertos, evitar los close up y más aún los big close up’s; además de eso, buscas cuadros que permitan una corporalidad pueso es algo que tiene mucho que ver con la comedia. Y en términos de agilidad de contar la historia, usamos elementos clásicos como el steadicam, filmar a dos cámaras y también improvisar mucho, sobre todo porque muchos de los mejores gag’s de la película se le ocurrían a Gustavo y a Karla en el set. Entonces eso cambiaba
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un poco la narrativa o el movimiento. En ese sentido creo que la comedia es más libre y más risueña que en un drama.” ¿Con qué iluminación trabajaste? “Fui bastante leal al género y en exteriores de día usamos HMI, mientras que los interiores los iluminamos con tungsteno, porque buscábamos un tono muy cálido pues entendimos muy rápidamente que favorecía a Karla por su tono de piel, entonces nos fuimos hacia esa gama de color, mucho más durazno. Evidentemente la luz y el color son dos cosas importantes que marcan diferencia, por lo que en términos de contraste buscamos una fotografía mucho más cercana al mundo
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23.98 clásico de la comedia: brillante, con poco contraste y con mucha delicadeza a la hora de dónde poner los colores chillantes, sin perder de vista que queríamos una película colorida.” ¿Qué cámara utilizaste? “Mi cámara favorita: la Alexa, porque yo estoy enamorado de las alemanas (risas). Fue una Alexa Studio y una Plus. El 80 por ciento de los proyectos que hago son a dos cámaras, tanto en cine como en los comerciales. Aprendí mucho esa dinámica porque es algo muy práctico, y creo que la diferencia es que si el fotógrafo disfruta poner esa cámara B, los editores acaban agradeciéndolo mucho, porque tienen un buen intercorte o un buen arranque de secuencia. Además en esa segunda cámara me gusta muchísimo estrenar un fotógrafo chavo, que en esta ocasión fue Andrés Orbeso, formado por Lalo Martínez Solares y un servidor.” ¿Qué buscas con esa segunda cámara? “Me parece que la cámara B tiene una función muy particular dependiendo del lenguaje de cada película, pero por ejemplo en QCTN me gustaba que esa cámara buscara arranques de secuencia o detalles del personaje que tienes en la cámara principal. Generalmente filmas juntos un plano muy abierto y un fullframe; un medium close up y un close up juntos, entonces vas matando de dos en dos. Lo ideal es no mezclar un plano abierto y un plano cerrado porque los acercamientos los iluminas diferente al cuidar mucho la piel, entonces necesitas filmar paralelamente con encuadres que requieran el mismo control de luz.”
____________________________________________________________________ ARRIBA. DP Carlos Hidalgo AMC ABAJO. Durante el rodaje de la película.
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También utilizaron drones, ¿o fueron helicópteros? “Tiene años que no me subo a un helicóptero para filmar. Fueron drones, de los cuales hay muchos tipos y en los que puedes subir cualquier tipo de cámara. En esta ocasión no teníamos mucho dinero y subimos una cámara Inspire que quizá no fue suficiente para una pantalla de 25 metros de largo
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a pesar de que es un 4K, pero con un sensor del tamaño de mi uña que no puedes comparar con un 4K en un sensor de 5 cm. Entonces sí sufrí un poco con esa parte, tuve que trabajar mucho en la post para que luciera o para estabilizar, pero fue parte del aprendizaje.” ¿Qué pasa por la cabeza de un cinefotógrafo cuando se da cuenta que la película que rodó es la película mexicana más taquillera del año? “Conectar con el público es un premio bien padre. Es mi segunda película en el top 10, pero es un tema que la verdad me da un poco lo mismo, porque yo no trabajo ni para la taquilla, ni para ganar un premio, sino para encontrar la personalidad de un proyecto, y si con la suma de todos conmovió a la audiencia, se
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23.98 ¿Qué sigue para ti? “Tengo dos proyectos de época hermosísimos que están calentando, comienzo ‘Así Los Quería Encontrar’, una película con Itaca dirigida por Javi Colinas, que es otra comedia, y el año que entra yo espero que arranque muy cinematográfico.”
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Filmografía Carlos Hidalgo AMC - ¿Qué Culpa Tiene El Niño?, de Gustavo Loza. (2016) ________________________________________________________________ Durante el rodaje de la película.
- Real Rob. Serie de TV. (2014) - Matria, de Fernando Llanos. Documental. (2014) - Cantinflas, de Sebastián del Amo (2014)
convierte en un agasajo y en algo muy reconfortante.” ¿Qué beneficios te da, qué cosas cambian y en qué lugar te pone el éxito taquillero de la cinta? “Las películas entre más conecten con la gente le dan prestigio y exposición a tu trabajo. A partir de eso se detonan otros proyectos. Gracias a QCTN he tenido un par de entrevistas bien interesantes para hacer otras comedias, porque ese éxito te abre una ventanota. Eso me sucedió con ‘Cantinflas’ y ahora está pasando con esta, así es que por supuesto que reditúa, ya sea con una taquilla de millones o en un festival de élite.”
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- Detrás del Poder, de Javier Colinas (2013) - Guten Tag, Ramón, de Jorge Ramírez Suárez (2013) - Capadocia. Serie de TV. (2012) - El Fantástico Mundo de Juan Orol, de Sebastián del Amo (2012) - Los Inadaptados, de Javier Colinas, Marco Polo Constandse, Jorge Ramírez Suárez y Sergio Tovar Velarde (2011) - Bala Morida, de Diego Muñoz (2009) - Spam, de Charlie Gore (2008)
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Fotos por: Sandra de Silva de la Torre
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reo que por fin habrá cola en el baño de mujeres aquí en la Casa Club de la ASC”, con estas palabras de Kees van Oostrum ASC, Presidente de la ASC, comenzó el día. El día sábado 22 de Octubre del 2016, se llevó a cabo, por primera vez en la historia de la Casa Club ASC, un evento que reunió a cientos de mujeres de la industria: entre cinefotógrafas, operadoras de cámara, focus pullers, loaders, gaffers y aprendices, quienes atentas escuchamos anécdotas y consejos de las mujeres más exitosas de Hollywood. Una pequeña entrevista que le hicieron a Brianne Murphy ASC abrió el panel matutino: “Finding Your Career Path”. Este video dio cuenta de cómo la artista inició su trayectoria en la industria y todas las cosas por las que pasó para llegar a ser directora de fotografía; el relato no sólo dejó claro los retos profesionales, sino la lucha en contra de las discriminaciones dentro del campo cinematográfico; el abuso de prácticas sexistas, como el ser obligada a usar falda en el set, o el de ser orillada a cambiar su nombre a “Brian” (nombre masculino) para ser tomada en cuenta, así como las innumerables veces que fue rechazada para entrar al sindicato; sin embargo, relata Murphy, nunca se dio por vencida, su perseverancia y temple la llevaron a lograr ser la primer mujer aceptada en el Sindicato y después la primer mujer aceptada en la ASC. Sin duda Brianne Murphy es una mujer extraordinaria que abrió el camino a las siguientes generaciones de mujeres detrás de la cámara. El panel continuó con las intervenciones de Sandi Sissel ASC, Joan Churchill ASC, Judy Irola ASC, Cynthia Pusheck ASC, Tami Raiker ASC, Nancy Schreiber ASC, y Amy Vincent ASC, quienes una a una relataron cómo llegaron a ser directoras de fotografía y cómo lograron formar parte de la ASC. Una invitada más fue Kira Kelly, aspirante al titulo ASC.
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____________________________________________________________________ ARRIBA. Kees van Oostrum ASC, Presidente ASC. ABAJO. Joan Churchill ASC, Kira Kelly, Tami Raiker ASC, Cynthia Pusheck ASC.
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________________________________________________________________________________________________________________________________________________________ IZQUIERDA. Nancy Schreiber ASC, Judy Irola ASC, Amy Vincent ASC, Joan Churchill ASC. DERECHA. Uta Briesewitz ASC, Natasha Foster-Owens, Kim Snyder.
Varias preguntas surgieron de las invitadas, desde cómo subir de posición en el sindicato, cómo comportarse en el set, cómo decir que “no” ante situaciones adversas -preponderantemente de género-, “No”, una palabra muy importante en el medio, ya que siempre es difícil decirlo con contundencia tanto para hombres como para mujeres; no obstante, las repercusiones de esta palabra son mayores en una mujer, a lo que Cynthia Pusheck ASC, respondió que “hay que hacerlo con sutileza, hablar de algo técnico para así cambiar la situación, así puedes evadir la palabra “no” y sugerir algo que funcione para el caso”. El primer panel terminó con la pregunta de una jovencita de 19 años quien se abre camino en la industria como aprendiz de cámara, ella preguntó qué hacer en caso de acoso sexual; cómo manejarlo para no perder su puesto, pregunta que hizo revuelo, ya que casi todas las presentes habían sufrido de acoso sexual en algún momento de sus
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carreras. Todas comentaron al respecto, dieron algunos testimonios de sus experiencias y su consejo final fue reportarlo inmediatamente a un superior con el que te sientas en confianza o hacer una llamada al Sindicato para que tomen cartas en el asunto. El segundo panel, titulado: “Navegando El Negocio De La Industria”, fue llevado por Uta Briesewitz ASC y director, quien pasara de director de fotografía en series como “The Wire” y “True Boold”, entre otras, a dirigir la serie “Weeds”, “Fear the Walking Dead”, “Orange is the New Black”, y muchas más; Joanna Johnson quien empezó como actriz antes de volverse escritora, productora y directora de la serie “The Fosters”; Natasha Foster-Owens directora, productora para HBO en series como “West Coast”, y otras; Kim Snyder CEO de Panavision Los Angeles; y Anne Murphy agente; todas ellas relataron el camino que han recorrido en la industria.
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23.98 Directorio ´ y diseno editoral coordinacion juan jose´ saravia amc ´ y distribucion ´ coordinacion claudia mera O.
CONSEJO DIRECTIVO amc CARLOS R. DIAZMUNOZ AMC presidente
GUILLERMO GRANILLO AMC AEC vicepresidente
MARIO GALLEGOS AMC vicepresidente
EDUARDO VERTTY AMC tesorero
FITO PARDO AMC secretario
DAVID TORRES AMC Vocal Carlos hidalgo amc vocal
www.cinefotografo.com www.laamc.com ´ y colaboradores equipo tecnico Juan JosE´ Saravia AMC ___________________________________________________________________________________________________ Kim Snyder, Joanna Johnson, Anne Murphy.
La ASC tiene alrededor de 400 miembros, de los cuales 15 son mujeres. Es trágico que aún en el siglo XXI sigamos hablando de esta desigualdad de género, aun cuando la situación no es tan crítica como antes. Hoy día, es asombroso ver cada vez a más mujeres en posiciones de “hombres”; sin embargo, lo más importante para ser un buen cinefotógrafo es tener la pasión y talento para llegar a donde cada uno se lo proponga. Es importante recordar a todas estas mujeres que le han abierto el campo a las nuevas generaciones, ya que no hay que olvidar: “el género no existe cuando se mira la luz a travez de los ojos”. Muchas gracias a la ASC y sus patrocinadores Cinelease, Panavision y Sim Group, por haber hecho posible esta fantástica experiencia.
Iniciativa AMC ´ Ricardo CerdAn SALVADOR FRANCO Claudia Mera o.
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