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Pepe

‘House of the Dragon’ Fotograma. Pepe Ávila del Pino AMC

Con más de una decena de largome trajes en su filmografía, el director de fo tografía nacido en Perú, Fergan Chávez Ferrer AMC, quien recientemente se in corporó a la Sociedad Mexicana de Au tores de Fotografía Cinematográfica, comparte cómo nació su interés por el cine, la cinefotografía y su viaje a través de distintos países.

Desde sus comienzos, Fergan se ha involucrado en proyectos con carácter más independiente que han sido bien recibidos por la crítica internacional. Su primer largometraje titulado ‘Octubre’, dirigido por Daniel y Diego Vega, logró obtener el Premio del Jurado en el Festival de Cannes 2010, en la sección ‘Un Certain Regarde’.

Tuvimos la oportunidad de hablar con él sobre este proyecto y de su más reciente película titulada ‘Tiempos futuros’, nominada en diversos festivales alrededor del mundo, como en el Festival de Málaga y en el de Beijing.

Primeros acercamientos a la fotografía

“Estudié la carrera de comunicaciones, pues allá en Perú, en ese momento, no había una carrera propia de cine. Digamos que existen algunas escuelas que te forman como director de cine pero no es tan especializado. Todas esas escuelas sólo daban una pequeña noción de lo que es el quehacer cinematográfico. De alguna forma, fui beneficiado, pues como se acababa de abrir la facultad de comunicaciones, entré a audiovisuales y conté con profesores que me ayudaron a tener una perspectiva más cinematográfica, aunque muy virada hacía la televisión”.

“Terminé con un título en las manos. Tenía muy claro que quería ser cinefotógrafo pero era consciente de que aun estaba muy lejos de estar capacitado para serlo a nivel profesional. Lo que más rescato de aquella época, es el amor que me surgió por los equipos audiovisuales. Recuerdo la primera vez que tuve la cámara en mis manos y lo mucho que me encantó, ¡me emocionó! Fue amor a primera vista”.

Por Kenia Carreón y Milton R.Barrera Fotogramas de ‘Octubre’, ‘Tiempos futuros’

‘Octubre’. Fotograma. Fergan Chávez Ferrer AMC

Rápidamente Fergan cayó en la cuenta de que dirigir no era lo que más le gustaba, sin embargo, sus compañeros lo comenzaron a llamar para estar en cámara.

“Con el tiempo también le fui entrando al terreno de la iluminación, etc. Recién ahí descubrí todo ese amor guardado que tenía y que deposité en la cámara, en la fotografía. Además de la escuela, cerca de mi casa había un cine en el que proyectaban películas francesas de autor. Recuerdo particularmente ‘El perfume de Ivonne’ de Patrice Leconte y ‘Azul’ de Kieslowsky. Era un tipo de cine que tenía un carácter muy peculiar, con finales inesperados. Me llamó mucho la atención por ese lado, pues eran películas que aludían a los sentimientos de una manera muy diferente a lo que estaba acostumbrado. De cierta manera, creo que siempre me atrajo el cine, pero no fue sino hasta la universidad que pude apreciarlo un poco más”.

“Mientras era estudiante de comunicaciones, proyectaron en la filmoteca de Lima un ciclo enorme de la nueva ola francesa; ese ciclo me marcó y me inspiró para meterme completamente al cine. Toda la corriente me pareció muy interesante y muy diversa. Por otro lado, al mismo tiempo se comenzó a gestar el movimiento de Dogma 95 y lo que más nos inspira de ese movimiento fue que usaban video y no cine. Y claro, como en nuestra facultad teniamos video, ver a estos nuevos cineastas que tenían las mismas herramientas que nosotros, nos hizo creer que podíamos hacer cine con ellas”.

Aprovechar las oportunidades

A pesar de que en los últimos años se ha visto un aumento anual en el número de producciones en latinoamérica, años atrás, era casi una odisea lle var a cabo tu ópera prima y arrancar una carre ra en la industria cinematográfica, más aún si no egresabas de una escuela de cine. Fergan cuenta cómo dio el salto para fotografíar sus primeros proyectos profesionales demostrando que la in tención clara y la pasión por tu trabajo te pueden abrir las puertas.

“La industria en Perú era muy pequeña. Para ese entonces se hacían dos películas al año y, clara mente, era muy difícil que te dejaran entrar a fotografiar una. Por otro lado, la escuela no te daba la garantía de salir preparado para filmar en negativo que es lo que se estaba usando en ese momento. Creo que cuando de verdad quieres algo, puedes encontrar la manera de hacerlo. En mi caso, mis amigos y yo juntábamos dinero para irnos a comprar latas de negativo. Estoy contento de poder decir que nuestros cortos los filmába mos en cine”.

Antes de salir de la carrera, Fergan no perdió la oportunidad de filmar un mediometraje junto a algunos compañero, antes de viajar a Argentina para encontrar oportunidades.

“En ese tiempo, los estudios en Argentina eran muy diferentes a lo que son hoy. Era muy difícil encontrar cursos cortos o workshops y estaban diseñados para la formación de trabajadores de la industria que estaban laborando y viviendo en Buenos Aires, por lo que tuve que llevar un curso de dirección de fotografía en fílmico una vez por semana para continuar mi formación”.

Fergan Chávez Ferrer AMC

‘Tiempos futuros’. Fotogramas. Fergan Chávez Ferrer AMC

Caminos inesperados

Fergan había viajado a Argentina buscando aprender a fotografiar en negativo ya que en su país era muy caro, sin embargo, fue este destino el que lo llevaría a encontrarse con uno de los representantes de la cinefotografía argentina.

“Un día, platicando con la casera que me rentaba, me contó que era muy amiga de la esposa de Félix, ‘el Chango’, Monti (‘La historia oficial’, 1985; ‘La niña santa’, 2004). Logré tener con él conversaciones muy interesantes y profundas sobre el cine y la fotografía. Después de un tiempo, me llevó como meritorio a una película. Fui sólo a ver, ya que en esta industria el trabajo en el set está muy jerarquizado; cuasi militar. Tienes que ganarte la confianza de la gente. Luego de varios días, apenas me dejaron tocar algo del equipo, mover las maletas y esas cosas. Sin embargo, fuera del set, todos los técnicos de cámara y luces fueron personas muy generosas que se tomaban el tiempo de enseñarte todo acerca del equipo que estaban utilizando”.

“Lo vi trabajar y conversé con él; me dio una perspectiva bien interesante. Primero me contó que él comenzó a trabajar en el cine en 1954, pero los golpes militares fueron sucesivos y no hubo libertad para hacer cine ni poder tratar temas que los cineastas querían tratar. Hasta 1983 fue que pudo empezar a rodar una película de ficción con la que fue ganadora del Oscar a Mejor Película Extranjera en 1986: ‘La historia oficial’”.

“Monti me contó que durante todos esos años hizo mucha publicidad y con eso sobrevivió. Esa fue la escuela de toda esa generación de directores y cineastas que para los noventa y dos miles se desempeñaron en la industria con gran maestría”.

“El tema central fue aprender que la publicidad podía ser una buena escuela para ganar experiencia como cinefotógrafo mientras las posibilidades de hacer cine fueran limitadas. Me daba la oportunidad de poder quemar mucho negativo, familiarizarme con todo el stock de película disponible y los tipos de revelado, así como de trabajar con las luces más nuevas que el mercado ofrecía en ese momento”.

“Estar en el set con Monti fue para mí como una escuela, aprendí que se puede iluminar con poco. Nunca olvidaré que al entrar a su set había tres cámaras de 35mm filmando al mismo tiempo. Hasta ese momento, nunca había visto tanta producción junta”.

“Regrese a Perú intentado ganarme un espacio en la publicidad y, aunque fueron muchos años de picar piedra, de a poco logré ingresar al medio publicitario con la ayuda, justamente, de amigos de la universidad. Trabajando en comerciales conocí a Daniel Vega quien era productor ejecutivo. Unos años después, él y su hermano me invitaron a la que sería la primera película peruana premiada en Cannes. Luego de este evento, empezaron nuevas oportunidades para mí en el mundo del cine.

Por azares del destino, Fergan terminó en la Ciudad de México donde ha tenido la oportunidad de fotografiar varios largometrajes como ‘Detrás de la montaña’ y regresa a filmar en su país cada que existe la oportunidad. Uno de sus últimos proyectos filmados en Perú fue ‘Tiempos futuros’.

La película trata sobre la historia de Teo, un niño con una gran inteligencia que trabaja con Luis -su padre-, un inventor quien lo educa con clases de física, química, termodinámica, etc. Luis está obsesionado con la idea de crear una máquina extraña dejando de lado el cuidado de Teo. El joven debe encontrar la manera de impedir que les quiten su casa y no puede evitar entrar a trabajar con una pandilla de adolescentes quienes le enseñan otra forma de ver el mundo, generando confusión con respecto al oficio y el estilo de vida que su padre le ofrece.

“Esta película, a pesar de estar situada en Lima, no es necesariamente una representación real de la ciudad. Está situada en otra realidad, en algún lugar paralelo que no está claro ni establecido, así se concibió desde el guion. Lo único que se sabe es que es una distopía en un universo atem poral”.

El proyecto tenía algunos años esperando la oportunidad de filmarse. Fergan recuerda que la invitación a participar en la película fue en 2015.

“Victor -el director- y yo, nos conocemos desde hace tiempo. A lo largo de varios años tuve incontables conversaciones con él sobre lo que queríamos lograr con esta película en términos visuales y narrativos. Comenzó a relatarme la historia, que por supuesto fue modificándose y evolucionando. Poco a poco, la historia fue encontrando su propia voz, su personalidad. En este largo recorrido, hablamos de muchos temas como por ejemplo, que teníamos claro que el universo sería muy contenido, sin tantos extras ni sets espectaculares o luces extravagantes”.

Para ambos realizadores, lo más importante era crear un universo que sirviera a la historia.

“Lograr una abstracción de la realidad con pun tos que realmente aportaran algo. ‘Tiempos futuros’ es una película minimalista, con poca intención de embellecer la composición, pues de cidimos trabajar con lo que hay en la realidad, lo que se muestra es lo que hay, reducir el universo a lo mínimo. En ese sentido, es difícil controlar calles y el tráfico humano y de coches sin presu puesto. Nos vimos obligados a rodar desde muy temprano.

“La constancia te hace aprender” ‘Tiempos futuros’

‘Tiempos futuros’. Fotograma. Fergan Chávez Ferrer AMC

Nos inventamos veinte mil formas para hacer que la ciudad se viera vacía y apocalíptica”.

Una de las primeras preguntas que Fergan y Víc tor se hicieron, fue qué aspecto sería el adecuado para la película. A pesar de sentir que el 4:3 po dría llegar a ser difícil de vender, estaban conven cidos de que se tenía que contar de esta manera.

“Siempre preocupa el tema de la distribución, que se pueda vender, o que el aspect sea un im pedimento para su comercialización. Fueron semanas de darle vueltas al asunto, pero deci dimos irnos por lo que realmente le funciona ba a la película. Es una historia de personajes y su interacción a partir de acciones más que con diálogo. Al tener el formato cuadrado, nos ase guramos de que su entorno y background, no iba a distraer al espectador. Este aspect también nos ayudaba a enfatizar la idea de que el cielo es importante porque no llovía y, a su vez, el sue lo. Este aspect y la composición nos ayudaba a proyectar una sensación de opresión. Ahora que lo veo en retrospectiva, creo que el formato tam bién ayuda a esta sensación de atemporalidad”.

Color y locaciones

“Era importante para nosotros mantener nos en la línea del minimalismo, es por eso que teníamos que quedarnos con los colores na turales de las calles de Lima, sin LEDs, to nos fríos y, más bien, con los vapores de sodio que alumbran naturalmente el lugar. Este tipo de iluminación parece sacada de otra época. El hecho de dejar los sodios influyó en otra característica de la película pues. debido a un fenómeno, los cielos de la noche se teñían de amarillo por el mismo sodio con ayuda de la contaminación que enfatiza el color; es como una nata de color por la contaminación. Esto era importante pues ayudaba con la narrativa de la película y el problema de que no llueve”.

“Las nubes se trabajaron un poco en post; se les intensificó el amarillo, pero también se les dio textura dándoles un poco de contraste adicional pues, por alguna razón, las nubes en la costa de Lima parecieran no tener definición. Había que hacer como si las nubes fueran de lluvia que tienen formas muy peculiares y que se reconocen”.

“El naturalismo se planteó desde el principio, con los encuadres y respetando el color de las luces que teníamos a cuadro y no anularlas o pelear contra los exteriores noche y los vapores de sodio, sino usarlas y usar el color de todo lo que había en set y que no podíamos controlar. Contamos con una escena que tiene como locación un basurero/ deshuesadero. Cuando llegas a esta situación siempre te preguntas ¿cómo iluminar tanto espacio si nuestro kit básico no nos alcanzaba? El presupuesto tampoco era lo suficientemente holgado para contratar grúas. Rescato de este momento el tener que hacer scoutings minuciosamente, encontramos un depósito donde había grúas y las usamos para iluminar junto con las luces de trabajo del mismo lugar”.

La cámara seleccionada para grabar la película fue la ARRI Alexa XT en juego con la óptica S4/i de Cooke para conseguir un looksuave.

‘Tiempos futuros’. Fotograma. Fergan Chávez Ferrer AMC

‘Tiempos futuros’. Fotograma. Fergan Chávez Ferrer AMC

Retos

Para el director de fotografía, cada una de las es cenas representaban algún reto dependiendo la locación. Una de estas fue el departamento donde habitan los personajes principales.

“Esta locación es en realidad un hotel abandona do lo que nos daba mucha facilidad para meter nos en donde fuera. Como se había planteado que estábamos en un piso alto, decidimos iluminar desde el piso de abajo. Sacamos las luces por la ventana casi cuatro metros para retroiluminar las ventanas y que pareciera que la luz venía desde abajo, desde la ciudad. Por ejemplo, en los exte riores de noche tenía que eliminar algunos postes de luz para que no se sintiera sobreiluminado y, sobre todo, que no tuviera múltiples sombras. Las bloqueamos con algunos marcos 20x20, que al mismo tiempo me ayudaban a ganar contraste. A pesar de ser una producción con la mayoría de llamados mixtos para tener un poco de luz de día y noche y ser un rodaje exigente, fue bastante razonable”.

Para Fergan una de las prioridades es que los actores se sientan cómodos dentro del set

“Si lo que tienes delante del cuadro no te da la sensación de verdad, no sirve por bello que sea. Por este motivo, no me gusta ser tan estricto con las indicaciones de posición a los actores. Tienen que fluir, sentir la luz y, donde la sientan, se van a parar naturalmente. Trato de que el clima sea muy natural para que hagan su trabajo con total tranquilidad y esto se hace desde el bloqueo. En este momento te das cuenta cómo se relacionan los personajes con el espacio y con base en eso, planteamos las posiciones de cámara”.

Dejarse sorprender

Llevar a cabo cualquier tipo de proyecto requiere de una planeación estratégica, sin embargo, estar en el momento y abierto a las posibilidades, es lo que nos lleva a encontrar una verdadera magia en el cine. Para Fergan esta es una de las cosas que considera más especiales en su trabajo.

“Creo que debes dejar un margen para que la vida te sorprenda. Permitir que las cosas pasen y no dejarse llevar tanto por la idea de controlar todo. Es un 50/50, un trabajo de planificación y un sen tido de apertura a lo que venga”.

“Al final es un arte, una creación colectiva, parte de la mente del realizador, pero nosotros -todos los demás departamentos-, ayudamos a materializar esa visión. El cine junta un montón de artes y cada quien pone su granito de arena”.

Trailer ‘Tiempos futuros’ https://www.youtube.com/watch?v=2hg-ag_NdxE

‘Tiempos futuros’

Cámara: ARRI Alexa

Óptica: Cooke S4/i

Cinefotógrafo:

Gaffer:

Chávez

Francis Ford Coppola

'Tiempos futuros'

Fergan Chávez Ferrer AMC

'Tiempos futuros' Fergan Chávez Ferrer AMC

'Tiempos futuros'

Chávez Ferrer AMC

El productor Carlos Eichelmann Kaiser debuta en la silla del director con la esperada ‘Zapatos rojos’, película que logró ser el proyecto que representó a México en la pasada edición del Festival Internacional de Cine de Venecia dentro de la categoría ‘Orizzonti Extra’. La cinta cuenta con la colaboración de Serguei Saldivar AMC (‘Sonora’, 2018), quien nos lleva a través de un viaje detrás de cámaras para descubrir el trabajo realizado en esta película.

‘Zapatos rojos’ nos transporta a un lugar entre las montañas del norte de México para contar la historia de Eustacio Ascacio (Tacho), un agricultor que recibe la noticia de la muerte de su hija con quien había perdido comunicación desde hace algunos años. Tras este evento, el hombre emprende un viaje a la Ciudad de México para encontrar la redención y la paz con su hija.

Serguei narra su primer acercamiento a la his toria:

“Conozco a Carlos desde hace, por lo menos, veinte años. Hemos trabajado incontables veces en el mundo de la publicidad. Él ocupó siempre el puesto de productor ejecutivo, de hecho, tiene una casa productora: Wabi. Además de la amis tad que teníamos, este era uno de los principales vínculos entre nosotros. Él ya tenía en mente la historia desde hace algunos años, tenía un tiempo trabajando en ella, hasta que se acercó conmigo y me dio a leer el guion que originalmente se tit ulaba ‘500 Millones de zapatos rojos’, ahora su nombre es más corto”.

“Al principio no sabía qué esperar, pues no conocía el talento de Carlos en la escritura de guiones, en parte porque siempre lo relacioné con el mundo de la publicidad; sin embargo, cuando recibí el guion, ¡vaya sorpresa que me llevé! Me encontré con una verdadera joya. Una estructura dramática bien planteada, una historia clavada en su aspecto visual y con una profundidad gigante en su discurso. Simplemente, me voló la cabeza. “Conseguir la sencillez en un guion es difícil, pero creo que ‘Zapatos rojos’ lo logra de una manera muy potente. Siento que esta película estaba perfectamente pensada desde el inicio. Tras años en la industria, creo que es imposible dejar de lado pensar en los retos que se comienzan a gestar

Carlos Eichelmann y Serguei Saldívar AMC

Por Kenia Carreón y Milton R. Barrera Fotogramas: ‘Zapatos rojos’

cuando lees un guion e imaginas el rodaje. Detecté desde ese momento que uno de los mayores retos iba a ser la forma en la que se iba a contar la historia y de inmediato comencé a preguntarme ¿quién podría interpretar de manera correcta a los personajes? Porque son ellos los que llevan la historia y tenían que estar perfectamente orientados y dirigidos”.

Serguei Saldívar AMC es un director de fotografía que reconoce la importancia de encontrar al talento indicado para contar una historia ya que es a través de los personajes, que podemos descubrir algo sobre nosotros mismos.

“La película cuenta la historia de un personaje de la tercera edad que realiza un viaje para encontrar la redención de algunos problemas de su pasado. Encontrar al actor indicado era imprescindible. Creo que Carlos se tardó para descubrir al idóneo. Cuando me mostró el guion aún no tenía decidido al protagonista, sin embargo, me mostró algunos videos de actores no profesionales pero que cumplían con los requisitos físicos. Suena a lugar común, pero siento que fue lo más apropiado; es decir, buscar en gente real, al personaje”.

“Tras varios castings, Carlos encontró a un actor natural que nos sorprendió a todos y fue quien hizo la película años después: Eustacio Azcacio Velázquez, un minero jubilado”.

Inicia el viaje

“Comenzaron las pláticas con Gabriela Maldona do, una de las productoras (‘El otro Tom’, 2021). Ahora nos da risa recordar que ella dudaba que yo quisiera entrar a la película debido a que tenían un presupuesto muy modesto, pero yo estaba tan maravillado con el guion que acepté sin dudarlo. Venía de hacer otra película pequeñita e indie y de esa otra película traía mucha vida y entusias mo por mi profesión”.

El trabajo de un director de fotografía no que da sólo en la creación de imágenes y atmósferas ideales para contar la historia, también debe tener en mente las implicaciones que tiene cada decisión en el presupuesto. De cierta manera, un buen director de fotografía debe tener una visión como productor, desde su departamento. Es el encargado de decidir sobre equipo técnico y personal para aumentar la practicidad y agilizar el tiempo requerido para llevar a cabo los esque mas de iluminación necesarios. A pesar del poco presupuesto, Serguei apostó por la fuerza de la historia.

“La película se hizo con un crew muy reducido lo que a veces se agradece. Es una familia trabajan do en conjunto para sacar adelante un proyecto. Recuerdo que Gabriela estaba indecisa en lla marle a mi equipo de cámara por el mismo temor

El director ensayando con los actores de ‘Zapatos rojos’

ELEVANDO LOS ESTÁNDARES

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que tenía conmigo, que no aceptaran el pre supuesto, sin embargo, la convencí de intentar hablar con ellos porque me gusta trabajar con mi gente de confianza. Afortunadamente, aceptaron y a partir de ahí, todo fue miel sobre hojuelas. Gabriela inlcuso se ha llevado a mi staff a otras producciones. Como directores de fotografía, también somos responsables de ayudar a que el proyecto se arme y se concrete y no ser simple mente una figura de poder que hace listas de equipo dejando que los productores sufran y ha gan lo que puedan por conseguirlo; hay que saber proporcionar soluciones a todo. Es distinto a la publicidad en la que, en ocasiones, pides lo que se necesita para un shoten particular”.

En rodaje

Escribir y dirigir tu propia película es una posición que suele ser abrumadora. Un cineasta requiere de un perfil específico con la formación audiovisual que te permite generar la capacidad de reflexionar sobre las necesidades de un proyecto y, sobre todo, la manera de solucionar problemas.

“Respecto a Carlos, pensé que su pasado como productor lo iba a influir, pero descubrí que es un director con mucha dedicación. Tiene mucha seguridad y mucha claridad al dar órdenes y al expresarse para conseguir que su visión sea entendida. Pareciera que ya había hecho cuatro largometrajes y no que era el primero. Trabajó mucho en su preproducción; es un hombre que se cuestiona mucho, pero que es lo suficientemente sensible para permitirse escuchar a su equipo de trabajo y cambiar de opinión cuando lo amerita. Fue realmente agradable trabajar con él. Tiene un gusto muy particular, hablando cinematográficamente. Me dejaba como tarea ver algunas pelí-

culas que no eran el tipo de película que hay en el catálogo de Netflix; eran películas rusas y españolas y él quería que identificáramos los ritmos, los encuadres, las atmósferas”. “Conforme esto fue avanzando, me di cuenta de que él tenía muy clara la idea visual de la película y quería que el formato fuera anamórfico. Sin embargo, conforme fui viendo las referencias comencé a notar que había una imagen muy limpia y sin aberraciones, lo contrario a lo que te ofrece el anamórfico. Analicé la óptica de las películas de referencias y caí en cuenta que la óptica de Zeiss podría ayudarnos a lograr un look parecido, precisamente los Master Primes. Decidí mostrarle el look de los lentes, que recién había usado en ‘Sonora’. Una óptica con mucha limpieza que no tienen deformación, lentes más limpios, que ofrecen un look más limpio”.

‘Zapatos rojos’. Serguei Saldívar AMC

Serguei Saldívar AMC, el director Carlos Eichelmann y el AD Julio Quezada

“Quería irme en full frame , había que sumar este factor a la búsqueda de óptica. Opciones de lentes para full frame . Probé con los Scorpio anamórficos, que cuentan con elementos de Zeiss. Le mostré opciones, sin embargo un día llegó, seguramente después de ver varias referencias visuales con la opción de los Cooke Anamórficos para sensor súper 35mm. Los probamos, le gustaron y yo sólo pude decirle: Si estás tan seguro vamos con ellos.”

“Sin duda esta es La película en la que menos injerencia he tenido en la decisión de la óptica, pero admito que fue la elección perfecta. Reconozco que no me gusta tanto la distorsión de los Cooke Anamórficos sobre todo en los lentes muy angulares, sin embargo, hacer la película con estos lentes fue un total acierto.”

viendo a una chica seguido de un panning de unos 200 grados, recorriendo a las otras dos pasajeras para terminar viendo la carretera. Sumado a toda la coreografía, tenía que estar lloviendo por un trayecto de casi dos kilómetros. Con una película con tan poco presupuesto, era una locura y después de darle vueltas y vueltas al asunto, se nos ocurrió una idea. Un hombre en una pipa, con ayuda de una manguera, iba echando el agua sobre el coche en movimiento, en una coreografía en conjunto con el taxi. La pipa siempre iba en un punto ciego y lanzaba el agua hacia donde veía la cámara en el momento preciso del panning . Como en todo, muchas cosas no salieron como debían, por ejemplo, hubo un momento en el que nos quedamos sin lluvia pero, por fortuna y para sorpresa de todos, eso le encantó al director, se veía increíble”.

Retos

Serguei Saldívar cuenta que en está película uno de los retos a enfrentar fue una secuencia que se realizó a destiempo de toda la película, pero que sirvió para probar en rodaje el look de los Cooke Anamórficos.

“Requerimos de una locación donde hubiera un maizal muy seco. Cuando lo encontramos todavía estábamos en pre, entonces se decidió hacer un día de llamado varios meses antes del arranque oficial. Se consiguió una cámara ARRI Alexa Mini y el juego de Cooke Anamórficos. Esta secuencia es, de hecho, el comienzo de la película. Tacho, nuestro protagonista, está caminando entre el maizal tomando las últimas mazorcas. Teníamos que hacer un seguimiento, entonces, hacer esta secuencia, sirvió para probar el balance del Ronin con la óptica mas pesada, toda la configuración en general, los settingsnecesarios para el proceso de post, todo eso se probó en ese llamado previo”.

“Otro momento en el que me enfrenté con un reto mayor, fue en una toma dentro de un taxi, un Tsuru para ser más precisos. Todo comenzaba

“Por continuidad, y debido a que unas escenas que ya habiamos rodado unos seis meses antes de la misma secuencia, las habia rodado con RED Helium y Zeiss Compact Zoom 28-80mm, elegí hacer la escena del interior del taxi con RED Monstro y Zeiss Supreme Primes, pues los lentes anamórficos no daban el foco mínimo y el tamaño de los lentes y la distorsión eran muy grandes. Con la RED Monstro pudimos usar un lente 35mm estando muy cerca de las actrices y, al tratarse de una secuencia separada de la narrativa principal de la película, el cambio de paquete de cámara y ópticas no fue grave”. “Para realizar el plano abierto de la misma secuencia decidimos grabar con lluvia real. Un día en el que se pronosticaba lluvia, fuimos a la carretera que va hacia Mineral del Chico en Pachuca y pudimos tener la toma. Esta se trataba de ver al taxi que venía circulando desde lejos. Mientras estábamos listos para grabar, la lluvia fue decreciendo. La toma que tenía buena lluvia no quedó del todo bien porque al chofer

‘Zapatos rojos’. Fotograma. Serguei Saldívar AMC

del taxi se le olvidó prender los limpiaparabrisas.

Entonces, hicimos otra toma y casi dejó de llover, pocas gotas caían pero en post añadieron lluvia y no se nota. Aún con estas complejidades derivadas de la lluvia, hacer esta película fue un reto que agradezco y que atesoro”.

“Veo una película como si fuera un rompecabezas, me gusta completarlo, irlo armando desde cero. Afortunadamente Carlos tenía clarísimos los encuadres de todas las secuencias y estaban perfectamente planteadas en todo aspecto”.

“Es muy interesante aproximarse a directores que tienen esta claridad, ellos proponen una cosa y nosotros vamos añadiendo los detalles que hacen que todo sea visualmente más rico. Con estos directores se trata de poner cartas sobre la mesa para que ellos decidan las mejores opciones como por ejemplo hablar de las horas de luz y cuál favorece más y por qué. Carlos hizo también un trabajo muy concienzudo con los actores que, aunque eran naturales, también lograron adentrarse intensamente en la historia y me conmovieron en más de una ocasión”.

Rodando en pandemia

Como a todo el mundo, el Covid nos tomó por sorpresa y estuvimos a punto de retrasar el rodaje indefinidamente con los riesgos que eso acarreaba. Cuando se decidió rodar la película, Carlos tenía el dilema de incluir o no el uso del cubrebocas, pero dado que en varias secuencias íbamos a rodar en las calles de la CDMX sin mucho control de la gente al fondo, decidió incluir y aprovechar dramáticamente la situación de la pandemia y el uso de cubrebocas. Todo el crew siempre estuvo muy atento de utilizar máxima protección, cubrebocas y mascarilla con el afán de cuidar la salud, principalmente de Eustacio el actor principal que es un hombre de más de 80 años de edad. Rodamos en los primeros meses de la pandemia, cuando el virus era muy agresivo y había riesgo alto en la salud, de los adultos mayores principalmente.

Corrección de color

“La corrección de color se realizó en Roma por Andrea Baracca ‘Red’, recomendado por mi cole ga Sara Purgatorio AMC, AIC, quien reside en Italia. Uno de los aspectos más increíbles de la AMC, es justo este tipo de apoyo que existe, saber que hay

gente que vive en otros países y que puede apo yarnos en lo necesario al salir de México. Siem pre hay una o un colega con un buen consejo”.

Hicimos una pre corrección de color en México con Ernie Schaeffer, un gran colorista que reside en la Ciudad de México a partir de una selección de veinte secuencias significativas. Se lo manda mos a Andrea Baracca y, a partir de esto, hizo la corrección de toda la película. La mandó de vuel ta, le hicimos comentarios de modo que cuando llegamos a Roma, en tres días estuvo el ajuste fino de la película”. ‘Zapatos rojos’ es una coproducción México- Ita lia por lo que parte del crew y los procesos se lle varon a cabo en el país europeo, como la música y la distribución que también está a cargo de una casa productora italiana.

“Esta película fue realizada por un grupo muy pequeño de personas, sin embargo, fue realiza da con mucho amor y dedicación, con mucha pa ciencia y profesionalismo. Sin ánimo de alardear, estoy convencido de que esto se nota en pantalla y por eso fue seleccionada para Venecia. Agradez co mucho a Carlos por el viaje y también a todo mi crew por tan buen desempeño”.

Trailer ‘Zapatos rojos’: https://www.youtube.com/watch?v=JvWYY4tpgX8

Spike Lee

'Zapatos rojos'

Serguei Saldívar AMC

'Zapatos rojos'

Serguei Saldívar AMC

'Zapatos rojos'

Serguei Saldívar AMC

.C onoce la piez a f inal del rompecabezas

ZEISS S upreme P rime

C on 14 distancias focales de 15 mm a 200 mm, l o s lentes ZEISS Supreme Pri me u ne n cobertura hasta Full Fra me y más allá , con alta velo cida d en una lente pequeña y liviana. Su aspec t o se caracteriza por una defi nici ón g entil y una tra nsición muy suave entre las áreas enfocadas y desenfocadas. Lo s Su pr eme Pr imes le dan al creador un contro l absoluto sobre la image n al reve lar sutiles de talles matizados en sombras pr ofundas y luces brillantes.

eiss.com/cine/supre me

rime

Desde su primera temporada emitida en 2011, ‘Game of Thrones’ (GOT) se ha convertido en un fenómeno, haciendo de esta serie una de las más vistas, con miles de aficionados alrededor del mundo. Después de ocho temporadas, la serie culminó en 2019, dejando tras de sí un mar de audiencia aficionada al universo creado por George R. Martin. Afortunadamente, se decidió darle seguimiento a la lucha por el Poniente con una precuela en la que se cuenta cómo era el mundo doscientos años antes de los hechos en GOT, cuando la casa Targaryen dominaba junto con sus dragones y cómo se enfrentaron a la decadencia debido a una lucha familiar.

El pasado 21 de agosto se emitió el primer episodio de la serie ‘House of the Dragon’, de nuevo de la mano de HBO. La tan esperada precuela, rompió cifras de audiencia, pues este episodio, en su primera noche, fue visto por casi diez millones de personas alrededor del mundo y gracias a ello, se renovó para tener una segunda temporada.

La serie fue escrita por Ryan Condal, George R. Martin y Miguel Sapochnik, quien fue el direc tor de varios de los episodios más destacados de ‘Game of Thrones’ como ‘La batalla de los bas tardos’ y el episodio final de la serie ‘Vientos de invierno’. Él fue el encargado de abrir la serie al dirigir el episodio piloto.

‘House of the Dragon’ cuenta con la destacada participación de tres directores de fotografía: Fa bian Wagner y los mexicanos Alejandro Martínez y Pepe Ávila del Pino AMC. La serie está confor mada por 10 episodios, tres de ellos fotografiados por Pepe Ávila del Pino, quien comparte su expe riencia tras esta serie.

“Me llamó Greg Yaitanes, director de los episodios 2, 3 y 10, que fotografié. En 2016 habíamos colaborado en la serie ‘Quarry’, pero desde entonces no habíamos podido coincidir de nuevo”.

Por Kenia Carreón y Milton R. Barrera

Fotogramas de ‘House of the Dragon’, episodios 2 y 3

‘House of the Dragon’. Fotograma. Pepe Ávila del Pino AMC

“A Greg lo contactaron para trabajar en este enorme proyecto y no dudó en llamarme para por fin volver a coincidir en set. Jamás imaginé trabajar en algo así, no solo por la magnitud del proyecto y lo cotizado que es, sino porque en lo personal, admito que tenía prejuicios por ser un proyecto con muchos efectos escpeciales y yo me cuestionaba realmente cuánto hacía el fotógrafo. Al participar en la serie me di cuenta de que no es para nada sencillo usar SFX y que la labor del cinefotógrafo es sumamente importante”.

“No sólo era el hecho de trabajar nuevamente con Greg Yaitanes lo que me orilló a aceptar colaborar en la serie, la verdad es que leí los guiones y quedé fascinado, sobre todo por la forma en que culmina la historia. Sumado a esto, había varias escenas que realmente me hicieron reflexionar en cómo iba a hacer para lograr sacarlas adelante y que se entendieran. Eran guiones que me estaban retando a salir de la zona de confort por mucho, de un lugar en el que me sentía cómodo”.

Este tipo de proyectos, con episodios tan lar gos y gran cantidad de locaciones, requie ren de más de un director y fotógrafo para lograr terminar en tiempo y forma. Por fortu na, el nivel de preparación para crear un uni verso y un lenguaje ideal para la serie, termi na por hacer una unidad entre los creativos.

“Desde que me integré al proyecto tuvimos un sinfín de pláticas entre todos: los fotógrafos, los directores y los showrunner . Me siento muy afortunado de haber podido compartir mesa con dos cinefotógrafos increíbles, con Fabi an Wagner, quien ya había tenido la experien cia de haber fotografiado algunos episodios de ‘Game of Thrones’, y con Alejandro Martínez (‘The Alienist’ y ‘The Mosquito Coast’)”.

Uno de los mayores retos a los que se enfrentaron, es que GOT dejó tras de sí, una base de fans muy grande, con grandes expectativas que no pueden ser defraudadas. Por esto, se decidió entre todos que no se podía cambiar todo el looktan radical mente. Buscaron que en los primeros episodios se mantuviera el mismo lenguaje visual que en GOT: bloqueo y cobertura con movimientos per fectamente delimitados, con colores y texturas ya trabajadas con los mismos niveles de contraste.

“Para nosotros era importante mantener el mis mo universo creado años atrás y, poco a poco, ir modificándolo, encaminarlo hacia su propia per sonalidad. Cuando liberen el décimo episodio notarán que es diferente en cuanto a su trata miento visual porque ya hubo una maduración de imagen a lo largo de todos los otros episodios”.

‘House of the Dragon’. Fotograma. Pepe Ávila del Pino AMC

Construir sobre ideas

Pepe Ávila acostumbra crear un archivo en el que vacía toda referencia que le ayude a crear una unidad visual y que al mismo tiempo sirva para comunicar su visión con los demás colaboradores.

“Hice lookbooks para los episodios que me tocaría realizar. En estos archivos integré muchas diapositivas que sirvieron para compartir con mi crew y que todos estuviéramos en el mismo canal, que buscáramos las mismas cosas”.

Una de las funciones más importantes del lookbook para el director de fotografía, es que permite realizar una investigación precisa de los elementos que quiere integrar en su proyecto. De igual manera, permite analizar la forma en la que puede aproximarse para hacerlo realidad.

“En ellos encuentro mi perspectiva y mi visión general de todo lo que se va a abordar. Es una parte fundamental e importantísima en mi proceso creativo, pues me ayuda a desmenuzar todo lo que dan en un guion hasta encontrar aquello que lo hace único; encontrar el tema y el alma del proyecto.”

En la búsqueda de inspiración todo puede servir, desde un concepto, una imagen, una palabra. Un lugar donde buscar inspiración creativa siempre será la observación; fijarse en detalles, razonar lo

que estás viendo. Para Pepe uno de los detonantes fue encontrar el tema.

“Un tema puede ser un personaje, una oración o inclusive una palabra que tenga por sobre todo, mayor peso dramático. Una vez que encuentras el tema, se trata de buscar el tipo de estructura que se le va a dar. Esto tiene que ver con el tono, con el ancla emocional y el cómo va evolucionando en los personajes y en su manera de actuar”.

Cuando se trata de una película se puede dar tratamiento por personaje, pero en este caso, la serie fue tratada desde GOT como un ensamble. Los episodios van cambiando desde su centro emocional, es decir, es sobre Rhaenyra y Allison, un par de amigas que se separan y cómo esto va influyendo en todos y en todo a su alrededor.

‘House of the Dragon’. Fotograma. Pepe Ávila del Pino AMC

“Así como yo preparo mis lookbooks , el diseñador de producción Jim Clay, un genio total, trabaja todo a partir de acuarelas, las cuales son hermosas, son increíbles. Después de que se tiene esa primera imagen, se crean sketches de cómo deberían verse lo sets y después se decide si se hará en locación, con green screen o con sistema de pantallas”.

‘House of the Dragon’ fue la primera serie realizada en Leavesden Studios, en Inglaterra. Se trata de unos estudios preparados con una bóveda llena pantallas LED en las que se hace una sincronización de lo que se ve en las pantallas con las cámaras.

“Estaba muy nervioso pues de los tres fotógrafos, yo fui el primero en usarlas. En el segundo episodio hay un momento en el que Rhaenyra se enfrenta a su tío con ayuda de un dragón, todo esto sobre un puente. Me preguntaba dónde poner a los personajes en el puente. Se hicieron varios storyboards para que todos en el equipo pudiéramos entender la escena de la mejor manera. Hay muchos factores a tomar en cuenta, desde la inclinación del puente real, la inclinación de las cámaras, la óptica, los actores mismos, etc. Comenzamos trabajando con el storyboard y, a partir de ahí, a componer todos los elementos para que se viera real y muy épico sin que se notaran las pantallas. En mi lookbook incluí una pintura de Monet que es un atardecer muy amarillo y una montaña. Siento que esta locación, que ya era

muy conocida entre los fanáticos de GOT, necesitaba un empuje visual, por decirlo de alguna forma, y hacerla completamente diferente a como la habían retratado anteriormente”.

“El equipo adoptó mi idea y pusimos manos a la obra. Decidí que había que meterle humo para dar la sensación de estar cerca de las nubes. El departamento de VFX creyó mucho en mi propuesta y se dedicaron a buscar cielos que ayudaran a llegar al look de Monet. Esta decisión implicó tener que determinar cuánto humo meter para integrar el set físico y el virtual, el set tangible y el set de las pantallas. Estuvimos dándole muchas vueltas durante varias semanas hasta entender qué es lo que se iba a ver en las pantallas”.

‘House of the Dragon’. Fotograma. Pepe Ávila del Pino AMC

Mezclando realidades

La realidad mixta ha estado ganando terreno dentro de las producciones audiovisuales. La constante evolución en la tecnología en sistemas de monitoreo, iluminación y proyección con pantallas LED en tiempo real, ha ayudado a los cineastas a adoptar la realidad mixta y usarla de manera creativa. ‘House of the Dragon’ no se queda atrás en el empleo de estos sistemas para entregar a los fanáticos universos llenos de fantasía. El reto, sin embargo, es encontrar el punto exacto de unión entre ambos mundos -físico y digital-, para crear una ilusión perfecta.

“Este fue el reto, la pregunta de ¿qué tanta atmósfera física se requiere y qué es lo que aportarán las pantallas? Se vuelve algo no sólo técnico, en la cuestión de exposición y angulación por las pantallas, sino que también en un trabajo muy artístico. Aunque al final, y como lo dije desde el comienzo, se trata de tener siempre como prioridad la historia y donde están emocionalmente los personajes”.

“La serie fue realizada de manera vertiginosa, con horarios laborales no tan complejos de más de diez horas, sin embargo, se grabó con tres cáma-

ras simultáneamente en set. ¿Cómo iluminar con tres cámaras y que todo se vea perfecto en todas? No podía hacer sólo “patitos” con una de ellas, en las tres sucedían cosas importantes para la his toria. Cada emplazamiento tiene un por qué, una selección muy precisa del encuadre”. “Por eso mismo la responsabilidad en set recae fuertemente en el fotógrafo. Los encargados de efectos visuales y efectos especiales me preguntaban directamente si todo estaba funcionando. Al final de cuentas, todo está al servicio de nosotros para que la magia suceda. No sólo era el hecho de las tres cámaras, también había otras unidades que trabajaban en paralelo, las unidades “Fire” y “Blood”. Cada unidad con su gaffer y keygrip , lo que iba alternando en el combo éramos el director, los fotógrafos y los asistentes de dirección”.

La realización de esta serie tomó cerca de un año. Cada episodio se hacía en aproximadamente tre inta días y el resto de tiempo se iba en la prepro ducción. ‘House of the Dragon’ en un setenta por ciento, se grabó en Londres en los estudios de la Warner. Se filmó también en España, Portugal y en la playa en el suroeste de Inglaterra, pero solo fueron unos cuantos días.

‘House of the Dragon’. Fotograma. Pepe Ávila del Pino AMC

Un formato diferente

El uso del llamado ‘gran formato’ ha estado ga nando terreno durante los últimos años. Se ha convertido en una opción atractiva para los direc tores de fotografía ya que permite crear la misma sensación que buscan, con la misma profundidad, pero ahora tienen más espacio en el cuadro para contar una historia más grande. Sin embargo, un espacio más grande tiene píxeles más grandes, más precisión de color, menos ruido, más reso lución, etc., además, los sensores más grandes exigirán lentes más grandes. Ópticamente, las cámaras de gran formato permiten acercarnos a nuestro personaje sin presentar distorsión.

‘House of the Dragon’ fue realizada con cámaras Alexa 65 en conjunto con óptica DNA de ARRI, un nuevo set de lentes especiales para ser usados con cámaras de gran formato que se diferencian de otras familias de lentes por proveer un look más suave, con una caída de foco suave y diferentes características de flare.

Retos importantes

“En uno de los episodios que fotografié hay una escena que dura varios minutos y que involucra, entre muchos elementos, dragones. Ya mencioné la importancia de la meticulosidad que se requiere para planear todo y distinguir los elementos físicos de los efectos visuales. Para entender un poco cómo aterrizarlo todo, vi la película ‘Top Gun’ para saber cómo se mueve un cuerpo que vuela. Saqué un par de referencias de ahí, de las tomas aéreas y, después de eso, tocó dibujar. Luego, nos pusimos a jugar con dragones de juguete y los grabamos con el iPhone para planear las tomas que teníamos en mente. Vinieron después más dibujos y animatics”.

Cámaras: ARRI Alexa 65

Óptica: DNA ARRI

Cinefotógrafo Pepe Ávila del Pino AMC Gaffers: James Bridger, Tom Gates y Chuck Finch

“Fue todo un reto imaginar algo que no existe y, sobre todo, cómo aproximarse a ellos. Aunque la producción ya había realizado muchas escenas de dragones volando, la verdad es que siempre representan un gran reto, uno agotador pero muy divertido y muy satisfactorio ya que lo ves en pantalla. Los dragones fueron difíciles, pero el reto más grande y lo que me tuvo más nervioso y sin dormir, fue la bóveda de pantallas. Había tantos elementos en juego, tantas variables, que era muy difícil, por no decir casi imposible, estar cien por ciento seguro de lo que estábamos

‘House of the Dragon’. Fotograma. Pepe Ávila del Pino AMC

‘House of the Dragon’Episodios 2,3 y 10

creando. Me aventuré varios días para hacer prueba tras prueba de todos los elementos. Había que enfocarse no solo en los elementos que ya mencioné, sino también en calibrar el brillo y contraste de las pantallas, reitero, cuánta niebla digital y cuánta niebla física o los elementos que estuvieran en juego como el fuego”.

“Lo más difícil era balancear el contraste de los personajes con el puente construído y todo lo que abarcaba el escenario real y con las pantallas. Me tomó semanas llegar a un entendimiento profundo. Hay que entender cómo funciona la tecnología y cómo construir lo que se ve en pantalla”.

“Fue un reto muy muy grande y desafiante, pero lo que más me divierte son los efectos especiales, siempre les pedía más fuego y más humo. Me sentí como un niño pidiendo más juguetes, divirtiéndome”.

“Otro de los aspectos que disfruté profundamente de trabajar en un proyecto de este calibre, fue el equipo tan profesional. Ya mencioné al diseñador de producción, pero no sólo él, todos y cada uno de los elementos de los todos los departamentos eran profesionales en toda la extensión de la palabra. Todos con un gusto increíble y fascinados de estar trabajando en el proyecto. No hay nada más reconfortante que saberte en un equipo donde todos estamos felices de desempeñarnos en lo que más amamos. Fue un año de convivencia diaria, y nos volvimos una gran familia”.

“Hablando de Jim Clay, el diseñandor de produc ción, estoy recordando un set que es el interior de Dragonstone que grabé sólo yo. Ese set lo tra bajamos juntos y tomamos las decisiones de sus detalles en conjunto: ¿qué tan altas las ventanas y qué tan gruesas?, ¿qué tan rugosa la pared?, ¿qué tan oscuros los colores?, etc. Decidimos todo jun tos y fue padrísimo estar con él y su equipo.”

Trailer episodio 2, ‘House of the Dragon’

https://www.youtube.com/watch?v=OcUmLlopkdM

Trailer episodio 3: ‘House of the Dragon’

https://www.youtube.com/watch?v=zzCrFWjKPy8

Sergio Leone

'House of the Dragon'Pepe Ávila del Pino AMC

'House of the Dragon'Pepe Ávila del Pino AMC

'House of the Dragon'Pepe Ávila del Pino AMC

'House of the Dragon'Pepe Ávila del Pino AMC

Esto quiere decir, que si trabajas en S-Log3 po drás aprovechar todo el potencial de tu cámara, obtener imágenes sorprendentes con mucha más información o detalle, tanto en zonas de sombras como en zonas de luz. Por eso, si tu cámara te permite trabajar en S-Log3, ya es momento de que dejes ese miedo y aproveches todo el poten cial de tu cámara.

Para eso, te traigo un par de consejos que te ayudarán a superar ese miedo y utilizar este perfil de una forma más precisa.

Antes de comenzar quiero aclarar algunos pun tos técnicos:

-Primero que nada, estos consejos están enfoca dos totalmente a video.

Te recomiendo que estos perfiles logarítmicos solo los uses para video ya que para fotografía lo mejor es usar un perfil creativo o aspecto creativo en vez de un perfil de imagen (los perfiles de ima gen están diseñados para video).

Por otro lado, si haces fotografía lo mejor es dis parar en formato RAW que vendría siendo como la opción SLog3 en video, el formato RAW guar da toda la información de la captura permitién dote hacer correcciones en post producción de una forma increíblemente versátil.

-Algunas cámaras de Sony permiten usar dos ti pos de perfiles logarítmicos el S-Log2 y S-Log3. El S-Log2 no aprovecha el 100% el potencial de la cámara pero aun así, es una buena opción, de todas formas, S-Log3 siempre será la mejor op ción.

También quiero aclarar un poco el tema de los espacios de color. Generalmente en nuestros dis-

positivos de la vida cotidiana como un móvil, tablet , pantalla de pc, televisor, etc., nosotros vemos ya una imagen con color, luminancia, contrastes adecuados y esto se ve muy similar en todos nuestros dispositivos, puesto que todos trabajan en el mismo espacio de color. Este espacio de color ya estandarizado, es mayormente conocido como REC709. Igualmente han salido nuevos espacios de color estándar para televisores HDR, entre otras tecnologías, pero en su mayoría lo que se utiliza es el espacio de color REC709. Entonces, cuando yo te hablo de un perfil de color estándar, es porque este perfil trabaja con ese espacio de color, es decir está listo para reproducirse en nuestros dispositivos con una colorimetría y contraste correctos.

En cambio, el perfil S-Log3 trabaja en su propio espacio de color llamado Sgamut3 el cual captura una información con mayor cantidad de colores que un perfil estándar como el REC709, que básicamente ya viene compreso y optimizado para su reproducción. Ahora, si uno reproduce un video grabado en S-Log3 con su espacio de color Sgamut3 en un dispositivo que reproduce o que esta calibrado para reproducir REC709, este video se verá extraño, deslavado, sin contraste, lechoso, etc. Esto se debe a que antes de entregar este video a un cliente, o antes de querer reproducir bien este video, debe pasar por un proceso de etalonaje o corrección de color, proceso en el que, además de darle un look cinematográfico a nuestro video, debe pasar por la conversión del espacio de color para que nuestro video S-Log3 con espacio de color Sgamut3 se convierta en un video estándar con espacio de color REC709 y así poder visualizar este video de forma correcta.

Imagen en REC709

Imagen en S-Log3

Entonces, ahora que sabemos que este perfil tiene su propio espacio de color, su propia forma de trabajar, hay que saber que también tiene su pro pia forma de manejarse al momento de grabar. Con esto último me refiero a un dato importante: al trabajar en S-Log3 cambia un poco la forma en la que debemos exponer al momento de filmar; si no manejamos bien la exposición, posiblemente nuestro material final no quede lo más óptimo. Por ello, ahora te daré algunos tips que te ayudarán al momento de exponer en S-Log3 con una herramienta que viene integrada en nuestras cámaras Sony, la herramienta llamada Cebras. Te invito a ver los siguientes consejos.

En este clip te muestro como exponer en S-Log3 utilizando la ayuda de las cebras y una carta de gris medio:

https://youtu.be/pJ1x9oEvg_w

En este clip te muestro cómo exponer en S-Log3 utilizando la ayuda de las Cebras para saber qué zona de nuestro encuadre o plano se encuentra sobre expuesta:

https://youtu.be/FZboLkpYKHg

En este clip te muestro cómo exponer en S-Log3 utilizando la ayuda de las Cebras para saber cuándo está bien expuesto nuestro personaje uti lizando la piel de su rostro:

https://youtu.be/BdLcqUfcmiE

Espero que estos consejos te ayuden a trabajar de mejor forma tus videos. Dejo un enlace en el que podrás descargar un LUT que te ayudará a con vertir tu video S-Log3 Sgamut3, en un video con espacio de color REC709:

LUTS de Sony:

https://pro.sony/ls_CL/technology/professional-video-lut-look-up-table#TEME170401Luts

FromSony-professional-video-lut-look-up-table

Finalmente, quiero dejar algunos links de in terés para comprender más a fondo algunos de los datos y nombres técnicos que mencioné ante riormente:

¿En qué consiste la función Patrón Cebra y para qué sirve?:

https://www.sony.es/electronics/support/articles/00077788

Explicación de SLog3 – Sony: https://pro.sony/ls_CL/technology/s-log

Sgamut – Sony:

https://www.sony-latin.com/es/electronics/support/articles/00145905

S-Log: nuevos horizontes de belleza cine matográfica – Sony:

https://support.d-imaging.sony.co.jp/support/ilc/movie/es/grading/index.html

Felipe Cárcamo es un comunicador visual de nacionalidad chilena. Aquí puedes ver su biografía:

https://alphauniverse-latin.com/artistas/felipe-carcamo

Precursores y desarrolladores del Motion Control

Por Eduardo Vertty AMC Fotos de internet

En el número anterior de esta revista escribí sobre los orígenes e historia del Motion Control y sus principales inventores. En este número hablaremos de uno de los principales precursores y desarrolladores de sistemas Motion Control a nivel mundial, su historia y comienzo de la compañía. Actualmente la compañía Mark Roberts Mo tion Control situada en Inglaterra, al sur de Londres, es la empresa líder en la fabricación, implementación y desarrollo de sistemas Mo tion Control y automatización de mecanismos de interconectividad para todos sus productos.

La compañía comenzó con Mark Roberts, nacido en Australia Occidental a principios de los años 30. Después de su educación en ingeniería civil, se mudó al Reino Unido donde tuvo varias carreras. Trabajó como ingeniero en Oxberry, una empresa con sede en Estados Unidos que producía soportes de animación e impresoras ópticas y una temporada como almacenista en Lotus, durante sus días pioneros, donde, como se aprecia en la fotografía, él mismo tomó el volante en varias ocasiones.

En mayo de 1966, creó Mark Roberts Film Services. La empresa tenía varios contratos con empresas de Londres para prestar sus servicios especiales con equipo de efectos por la noche y los fines de semana. Mark pasó el resto de su tiempo trabajando en el diseño y la fabricación.

En 1972 produjo una de las primeras cámaras Rostrum controladas por una computadora analógica y en 1975 fabricó la primera versión digital para computadora. Estos avances per mitían a los directores de fotografía y efectos vi suales realizar un trabajo preciso y completado rápidamente.

A principios de la década de los 90, la empresa pasó a llamarse Mark Roberts Motion Control, como un reflejo de sus productos actuales.

Mark Roberts Motion Control fueron los únicos que llevaron a la demanda de un sistema estándar “listo para usar”, por lo que en 1993, el sistema Motion Control llamado “Cyclops”, fue puesto de base en un estudio para filmación y, en poco tiem po, los clientes empezaron a solicitar un sistema portátil del mismo calibre.

Ante la creciente demanda de sistemas Motion Control, en 1994 se diseña y sale al mercado el sistema “Milo” siendo un éxito rotundo en la industria cinematográfica y de efectos visuales. No es sorprendente que “Cyclops” y “Milo” se hayan vendido mucho en Londres - capital de los efectos especiales más destacados- y también en lugares tan lejanos como Estados Unidos, Rusia, Corea, Australia y Japón. En la actualidad exis ten más de 50 “Milos” en todo el mundo y siguen trabajando.

Con el estreno de la película ‘Star Wars’ en 1977, hubo una demanda de sistemas de control de movimiento en la industria cinematográfica. La empresa, por lo tanto, se embarcó en el diseño y fabricación de innovadoras máquinas 3D. Se le pidió construir un sistema completo de control de movimiento para brindar libertad de movi miento de la cámara al operador, para reemplazar el simple movimiento hacia arriba y hacia abajo además del movimiento de mesas que solo esta ba disponible con los sistemas en ese momento. Mark Roberts Film Services diseñó, para fijar en piso, plataformas aéreas y plataformas rodantes “Panther” personalizadas, que establecerían nue vos estándares en rendimiento, especialmente en lo que respecta a suavidad de movimiento.

En 1999, Mark Roberts Motion Control recibe el Premio de la Academia De Ciencias y Artes Cinematográficas de Hollywood en el rubro científico por el diseño de el Milo y el software de control de movimiento Flair. El premio reconoce a las personas cuyas aportaciones técnicas y científicas han contribuido en gran medida al desarrollo de la in dustria cinematográfica.

Tras el lanzamiento del sistema Juno en el año 2000, que es un sistema de control de movimiento más pequeño y el Ulti-Head, un sistema de control remoto modular de giro / inclinación, en 2004 se empezaron a diseñar y fabricar otros productos y softwares más pequeños.

Mark Roberts falleció el 23 de Mayo de 2012 dejando un gran legado de desarrollo técnico y científico que permite crear los efectos visuales más complejos dentro de la industria cinematográfica y de los videojuegos hoy en día.

En la siguiente edición de la revista hablaremos de toda la gama de productos fabricados por la empresa Mark Roberts Motion Control.

Eduardo Vertty AMC Director de fotografía MoCo Programmer VFX Supervisor

Juno Motion Control, también conocido como Mini Milo.

Ulti-Head / Cabeza de dos ejes programable.

Eduardo Vertty AMC en las instalaciones de la empresa Mark Roberts Motion Control en Eastbourne Road. Blindley Heath, Surrey. United Kingdom.

1- ¿ Escuela de cine o por la libre?

Técnicamente fui a una escuela de arte; me enfo qué en cine.

Algo muy bueno de ese ambiente, es que estaba rodeado de gente creativa con intereses diversos y aplicaciones distintas; el cine conjuga muchas disciplinas e ideologías, pero dentro del set es donde más aprendes la forma y la técnica, más allá del lenguaje.

2.-¿ Qué película marcó tu vida ?

Muchas películas marcaron mi vida. Cuando era muy pequeño, mis favoritas eran ‘El secreto de Nimh’ y ‘Dunas’ -la versión de David Lynch que ni a él le gusta-, y era la época auge de ‘La guerra de las galaxias’ (Lucas) y la guerra del blockbuster (Spielberg + Cameron).

Más adelante, en mi juventud, descubrí a Kubrick, Hitchcock, Cronenberg, De Palma, Fincher, Coppola, Scorsese, Friedkin, Scott, etc.

En la universidad vi la Nueva Ola, Leone, Tarkovsky, Melville, Kurosawa, Anderson, los hermanos Coen, Polanski, Altman, Bergman, Antonioni, Miike, Cuarón, las coreanas y las Italianas y en general, el cine internacional. Así pues, cualquier película buena puede marcar distintas etapas de tu vida. Aun me sorprendo con buenas película y vienen de todos lados.

3.-¿Quién es tu directora o director de fotografía favorito?

De Los que han pasado, Robbie Mueller, Gordon Willis, Haskel Wexler, Almendros, Toland, Figueroa, Jim Wong Howe, Conrad Hall, Henri Alekan, Dacaë, Harris Savides, Francis, Young, Zsigmond, por mencionar algunos. Los que están, pues sin duda Lubezki, Prieto, Charlone, Khondji, Deakins, Doyle, Rob Hardy, Tom Sigel, Peter Suschitzky, Storaro, Cristian Berger, Wolski son algunos, pero seguido veo algo que es estelar y de primer nivel en una ópera prima o de cineastas con pocas películas detrás. Pero favoritos, así bien, pues todos con los que he colaborado y que me han enseñado y me continúan abriendo horizontes y sonrisas.

4.-¿Celuloide o digital?

¿Acuerela o acrílico? Son distintos y no es importante en realidad, pues lo que importa es la historia, lo que sucede enfrente del lente.

El celuloide tiene una patina que inmediatamente, por el grano vivo, y sus colores limitados genera una capa surrealista; ya estas en otra realidad de entrada.

El digital es más clínico, más fiel, mas sensible a las sombras, tambien es más democrático.

5.- ¿Cuál es el mejor consejo que te han dado?

Escucha más, habla menos.

6.- ¿Qué le recomendarías a alguien que quiere ser directora o director de fotografía?

No dejes nunca de mirar, observa tu entorno con stantemente, llénate de experiencias, sé humilde. Eres solo tan bueno como la gente que te rodea, así que rodéate de gente de la que te puedes apo yar para resolver los retos constantes de nuestra profesión y pasión.

7.- ¿Cuál es el proyecto en el que más has apren dido y por qué?

Siempre en el que estoy haciendo. De alguna manera tienes que poder empezar de cero y de esa vulnerabilidad, hambre y apertura, buscar la mejor manera de abordar tu visión y labor. Sin duda, todas las experiencias previas te en señan un sinfín de cosas constantemente y cada día las aplicas y sigues aprendiendo nuevas. Lo que haces en el presente es imposible sin lo que ya viviste e impulsa los siguientes aprendizajes por venir.

8.- Recomiéndanos un libro de cine.

Específicamente para cinefotógrafos, recuerdo ‘Masters of Light’ -portada amarilla-, que me dio mucho entendimiento de las situaciones y búsquedas de otros fotógrafos muy admirables, pero seguramente hay muchos más interesantes que no he leído. Sobre todo y más interesante aun, los que no son de cine.

9- Y una película...

La última buena que vi en cine ‘Licorice Pizza’ de Paul Thomas Anderson, pero ‘Érase una vez en el oeste’ siempre es grato volver a ver. ‘El Gran Lebowski’ es de esas que no puedo dejar de ver si está en la televisión. Recién volví a ver un par de clásicos que no dejan de sorprender: ‘El resplandor’ y ‘Apocalipsis ahora’.

10.- Y una aplicación...

Artemis / Cadrage, Sun Seeker / Helios / Sun Surveyor / TPE, pCam, CameraKit / CineLenses, FiLMiC Pro, Cine Meter

11.-¿Qué significa la dirección de fotografía para ti?

Hacer la foto en un medio audiovisual es solo una parte de un engranaje de alto nivel en la produc ción de mitos modernos, en los que pones tus emociones, tus gustos y experiencia al servicio de la visión del director y con el apoyo de un gran numero de colaboradores. Cada pieza y cada persona involucrada es responsable de la calidad de lo que hacemos. Así que significa, de alguna manera, dar todo por ideas que al final son solo luz y sonido a través del tiempo, robando una cita famosa, “Donde se alinea el ojo, la mente y el corazón”.

PROYECTOS CON SIGLAS AMC

Estos son algunos de los proyectos en los que participan algunas socias y socios AMC con estrenos recientes o por venir.

‘Amsterdam’, película fotografiada por Emmanuel Lubezki AMC, ASC, disponible en noviembre.

https://www.youtube.com/watch?v=GLs2xxM0e78

‘Mal de ojo, fotografiada por Isi Sarfati AMC, estrenó el 22 de septiembre.

https://www.youtube.com/watch?v=1xNJ_LZTgZA

‘Un extraño enemigo’, segunda temporada, serie fotografiada por Marc Bellver AMC, disponible Prime Video a partir del 30 de septiembre.

https://www.youtube.com/watch?v=UyQX6oQvLT4

‘Lecciones para canallas’, película fotografiada por Serguei Saldívar AMC, disponible en cines.

https://www.youtube.com/watch?v=z68sKrktd3c

PROYECTOS CON SIGLAS AMC

‘Me casé con un idiota’, película fotografiada por Guillermo Granillo AMC, AEC, disponible en ViX Plus. https://www.youtube.com/watch?v=n8CDHbgGm68

‘María Félix, La Doña’, bioserie fotografiada por Jerónimo García-Rodríguez AMC, disponible en ViX.

https://www.youtube.com/watch?v=EJqn2ttHEJs

‘Soy tu fan’, película fotografiada por Ignacio Prieto AMC, en cines a partir del 8 de septiembre.

https://www.youtube.com/watch?v=rtggffCAWSk

‘Toda la sangre’, serie fotografiada por Alfredo Altamirano AMC, Santiago Sánchez AMC y Luis Enrique Carrión AMC, disponible en Starzplay. https://www.youtube.com/watch?v=4LsxcvqZhPk

‘La mujer del diablo’ fotografiada por Gerónimo Denti AMC, serie que ya está disponible en ViX.

https://www.youtube.com/watch?v=JqgpFLz92pI

SUGERENCIAS DE LECTURA AMC

Este bimestre difruta de las lecturas recomendadas por nuestras socias y socios AMC.

The Photographer’s Playbook

Editado por: Jason Fulford y Gregory Halpern

Este libro presenta trabajos de fotografía, así como ideas, historias y anécdotas de muchos de los fotógrafos y profesionales de la fotografía más talentosos del mundo. Ya sea que estés buscando ejercicios para mejorar tu arte, solo o en grupo, o que estés interesado en aprender más sobre el medio, esta juguetona colección inspirará nuevas formas de participar en el proceso fotográfico.

Editorial: Aperture

Amazon Precio: $502.00

Estética y psicología del cine Autor: Jean Mitry

¿Es el cine un arte? Alguien a principios de si glo, lo bautizó como ‘séptimo arte’, y algunos esfuerzos se orientaron a la búsqueda de una estética del cine. Emparentado con las artes que lo precedieron en cuanto que se expresa a la vez en el tiempo y en el espacio, a la hora de formular su estética se impone la necesi dad de indagar cuál es su grado de parentes co con las otras artes y en qué difiere de ellas.

Editorial: Siglo XXI editores

Amazon Precio: $489.00

AGENDA

Octubre - Noviembre 2022

Los festivales de cine en todo el mundo no se detienen y te presentamos los más relevantes para este bimestre.

20 Festival Internacional de Cine de Morelia

Octubre 22 al 29

Desde el 2003, el Festival Internacional de Cine de Morelia proyecta lo mejor del cine nacional e internacional, además de contar en cada emisión, con invitados especiales. Este año competirán 95 títulos.

https://moreliafilmfest.com

39 Festival de Cine de Bogotá Bogocine

Octubre 20 al 26

El Festival de Cine de Bogotá, con 25 años de his toria, cuenta con una competencia internacional con más de 68 países participantes internaciona les además del cine colombiano.

https://www.bogocine.co

10 Festival Internacional de Cine de los Cabos

Noviembre 9 al 13

Este es uno de los festivales más importantes de nuestro país que se ha venido celebrando desde el 2012. Este año se realizará de manera híbrida entre la ciudades de Los Cabos, Ciudad de Méxi co y Mérida, Yucatán.

https://www.cabosfilmfestival.com

Festival Internacional de Cine de Viena

Viennale

Octubre 20 al 1 de noviembre

Desde 1960, el festival proyecta lo mejor del cine para más de 75,000 asistentes, siendo uno de los festivales más importantes de habla alemana.

https://www.viennale.at/en

66 BFI London Film Festival

Octubre 5 al 17

Este año, se anunció un programa con proyec ciones de gala, 23 estrenos mundiales y 164 lar gometrajes. ‘Pinocho’ de Guillermo del Toro, será estrenada en el festival.

https://whatson.bfi.org.uk/lff/Online/default.asp

REDES SOCIALES

Te invitamos a conocer y a seguir a algunas socias y socios de la AMC a través de sus redes sociales.

Celiana Cárdenas

https://www.instagram.com/celiboy22/ https://www.imdb.com/name/nm0194595/

Alberto Casillas

http://casillas24fps.com https://www.instagram.com/casillas24fps/ https://www.imdb.com/name/nm0143691/

Alfredo Altamirano

https://www.alfredoaltamirano.com

https://www.instagram.com/alfredoaltamirano/ https://www.imdb.com/name/nm3932566/

Kenji Katori

http://www.kenjikatori.com/homehome https://www.instagram.com/kenjikatori/ https://www.imdb.com/name/nm2287944/

José Antonio Lendo

https://www.joseantoniolendo.com

https://www.instagram.com/lendub/?hl=es-la https://www.imdb.com/name/nm1750937/

Carolina Costa

https://www.carolinampcosta.com

https://www.instagram.com/ccostacine/?hl=es-la https://www.imdb.com/name/nm2990105/

DAVID TORRES

1er VICEPRESIDENTE

ISI SARFATI VOCAL

ARTURO FLORES SECRETARIO

CONSEJO DIRECTIVO

CARLOS R. DIAZMUÑOZ PRESIDENTE

CELIANA CÁRDENAS VOCAL

MARTÍN BOEGE 2do VICEPRESIDENTE

ESTEBAN DE LLACA VOCAL

ERIKA LICEA TESORERA

COMITÉ DE HONOR Y JUSTICIA

JUAN JOSÉ SARAVIA

ALBERTO CASILLASAGUSTÍN CALDERÓN

SOCIOS HONORARIOS

HENNER HOFMANN EMMANUEL LUBEZKI MIGUEL GARZÓN

NICOLÁS AGUILAR

ALFREDO ALTAMIRANO JUAN PABLO AMBRIS ALBERTO ANAYA PEDRO ÁVILA JOSÉ ÁVILA DEL PINO MARIEL BAQUEIRO FEDERICO BARBABOSA GERARDO BARROSO CLAUDIA BECERRIL MARC BELLVER DANIEL BLANCO DONALD BRYANT ALEJANDRO CANTÚ LUIS ENRIQUE CARRIÓN ROBERTO CORREA CAROLINA COSTA ALEJANDRO CHÁVEZ FERGAN CHÁVEZ FERRER

TOMOMI KAMATA XAVIER GROBET MARIO LUNA

SOCIOS

GERÓNIMO DENTI EDUARDO FLORES MARIO GALLEGOS DIANA GARAY LUIS GARCÍA RICARDO GARFIAS FREDY GARZA GUILLERMO GARZA RENÉ GASTÓN PEDRO GÓMEZ MILLÁN CÉSAR GUTIÉRREZ IVÁN HERNÁNDEZ MARíA SARASVATI HERRERA ÓSCAR HIJUELOS SEBASTIÁN HIRIART PAULA HUIDOBRO DANIEL JACOBS ERWIN JAQUEZ KENJI KATORI

ALBERTO LEE JUAN CARLOS LAZO JOSÉ ANTONIO LENDO

GABRIEL BERISTAIN RODRIGO PRIETO GUILLERMO GRANILLO

GABRIEL FIGUEROA

JACK LACH

ALEX PHILLIPS BOLAÑOS

MATEO LONDONO DARIELA LUDLOW JULIO LLORENTE GERARDO MADRAZO RODRIGO MARIÑA TONATIUH MARTÍNEZ ALEJANDRO MEJÍA HILDA MERCADO JAVIER MORÓN JUAN PABLO OJEDA RAMÓN OROZCO MIGUEL ORTIZ FITO PARDO FELIPE PÉREZ BURCHARD IGNACIO PRIETO SARA PURGATORIO

SOCIOS AETERNUM

JORGE STAHL EDUARDO MARTÍNEZ SOLARES RUBÉN GÁMEZ ÁNGEL GODED

JUAN PABLO RAMÍREZ

FERNANDO REYES JAIME REYNOSO JERÓNIMO RODRÍGUEZ CARLOS F. ROSSINI SERGUEI SALDÍVAR SANTIAGO SÁNCHEZ LUIS SANSANS MARÍA SECCO

JORGE SENYAL EDUARDO R. SERVELLO PEDRO TORRES RICARDO TUMA EDUARDO VERTTY EMILIANO VILLANUEVA ALEXIS ZABÉ JAVIER ZARCO

SANTIAGO NAVARRETE CARLOS DIAZMUÑOZ GÓMEZ TAKASHI KATORI