Nº68 DIC 11 EL ESPECTACULO TEATRAL by El Espectáculo Teatral

el mundo del espectáculo teatral

Editorial

La vida es sueño

el mundo del espectáculo teatral www.elespectaculoteatral.es Edita: Publicaciones Teatrales S.L.

Habla nuestro colaborador Robert Muro, en su columna mensual, de las oportunidades que surgen en tiempos de crisis. Nunca estoy en desacuerdo con él; ahora tampoco. Pero me cuesta ver las oportunidades alrededor mío. Miento: sí las veo. Veo un estupendo chalé en una zona costera que me encanta a un precio que asombra. Pero ni tengo el dinero, ni me atrevo a pedir un crédito en el hipotético caso de que alguien se atreviera, a su vez, a dármelo. Desgraciadamente, las oportunidades están ahí para quien puede aprovecharlas, por capacidad, talento o casualidad. Efectivamente: hay “ciento volando”, pero en cambio no tengo posibilidad de conseguir siquiera un solo “pájaro en mano”. Los que hayan andado más listos, los que hayan tenido años buenos y hayan guardado, a lo mejor pueden permitirse ahora invertir, aunque imagino que son pocos los que se encuentren en esas circunstancias. Oigo, en cambio, que determinado productor importante ha tenido que recuperar su plaza de profesor de instituto; constato que otra compañía mantiene sus escasas fechas de exhibición de sus producciones gracias a que sus dos socios tienen, además, un

c/ Julián Camarillo 47 port. D of. 104 28037 MADRID Tel.: 91 304 04 88 Director: JESÚS RODRÍGUEZ FERNÁNDEZ lenin@dosdimensiones.es Director de arte: ENRIQUE PÉREZ eperez@dosdimensiones.es Redactora Jefe: CRISTINA RELLO VARONA cristina@elespectaculoteatral.es Redacción: JAVIER MORA, CLARENCE J. BODDICKER. Autoedición: LAURA R. DIONIS, FRANCISCO CACENAVES Publicidad: ABEL VALERO SALINAS abel@elespectaculoteatral.es

trabajo alimenticio en una televisión pública; igual sucede con Kamikaze Producciones, que se ha negado a acudir a León después de que el ayuntamiento incumpliera el contrato que había ﬁrmado con la compañía y que les obligaba a realizar el pago del bolo de “La función por hacer” dos días antes de que este se celebrase… Pueden hacerlo porque Aitor vive en el pluriempleo como guionista de televisión.

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Cada cual está adaptándose a lo que hay como buenamente sabe y puede y ¡sálvese quien pueda! o “marica el último” (entiéndase la expresión en su acepción más coloquial, me niego a ser considerado homófobo por emplear un casticismo). Lo deseable sería lo contrario: que hubiera coordinación en el qué y cómo hacer. Pero no es lo que sucede: en FAETEDA han acusado el problema en forma de compañías que no pueden,

SUMARIO: 6 INSTITUCIONES - 6: Consejo Estatal de las Artes Escénicas y de la Música y La Red Española de Teatros

siquiera, pagar sus pequeñas cuotas mensuales. Lo que haría falta, en cambio, es lo opuesto: que muchos de los que nunca han querido asociarse lo hagan ahora y, perdón por lo que voy a decir, que se asocien a organizaciones fuertes, las únicas que pueden garantizar una acción conjunta decidida. ¿Qué más queda por decir que no hayamos dicho ya mil veces? Tenemos por delante cuatro años de gobierno de un partido que tiene mayoría absoluta en el Parlamento. Eso signiﬁca que nadie les va a poder toser, que si les da por recuperar la “mili” obligatoria, la segregación de alumnos por razón de sexo en las aulas, o cargar con un impuesto de lujo la harina para hacer pan podrían hacerlo. ¿Qué más tiene que pasar? ¿Estamos esperando a Godot? ¿Somos mil personajes en busca de un gestor milagroso? ¿Estamos todos protagonizando el viaje a ninguna parte? Esto es, en realidad, el coño de la Bernarda… Alba.

Jesús Rodríguez Lenin

8 EMPRESAS - 8: Entrevista a Daniel Martínez 14 FERIAS Y EVENTOS - 14: Mediterrània - 15: Chiquicirco 16 COMPAÑÍAS - 16: Entrevista a Teresa Osuna - 18: Entrevista a Loek Muijsenberg - 20: Teatro de texto - 25: Humor - 26: Danza - 27: Musicales& - 28: Circo y magia - 29: Infantil 31 EQUIPAMIENTO ESCÉNICO OPINIÓN - 12: Heteatrodoxias, de Xavier Marcé - 34: La reﬂexión, de Robert Muro

Editor

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instituciones Consejo Estatal de las Artes Escénicas y de la Música

Tercera reunión del pleno de este órgano de asesoramiento del INAEM

l Ministerio de Cultura acogió el 15 de noviembre la tercera reunión del pleno del Consejo Estatal de las Artes Escénicas y de la Música, el más alto cargo de asesoramiento y participación del INAEM. El acto, además de con la ministra Ángeles González-Sinde, y el director general del INAEM, Félix Palomero, contó con la presencia de representantes propuestos por los sectores de las artes escénicas y de la música, los vocales presentados por el INAEM, la gran mayoría de los delegados de la Administraciones Públicas con

competencias en la materia –comunidades y ciudades autónomas–, un miembro de la FEMP y otro del Ministerio de Educación. La ministra de Cultura caliﬁcó a este órgano como un “instrumento fundamental de cara a elaborar, contrastar y coordinar las políticas estatales en el ámbito de las Artes Escénicas y Musicales”. “El Consejo Estatal ya está consolidado. Ahora es el momento de avanzar alimentándolo de contenidos para mejorar y elaborar nuevas líneas de trabajo y para hacer más eﬁcaz la comunicación entre él y el Ministerio”,

añadió González-Sinde. Algunos de los temas de los que se hablaron en esta reunión fueron el resultado ﬁnal del proceso de selección de los nuevos directores de los Centros de Creación dependientes del INAEM; el desarrollo del Foro del Circo, celebrado los pasados días 7 y 8 de noviembre, y su plasmación en el Plan General del Circo; y la intervención de Mª Dolores Lara Crespo como portavoz de ASSITEJ, UNIMA y Te Veo para exponer propuestas de apoyo y fomento de las artes escénicas para la infancia y la juventud.

La Red Española de Teatros Celebrará elecciones el próximo 14 de diciembre

l próximo 14 de diciembre la Red Española de Teatros celebrará una Asamblea en la que se decidirán los nuevos cargos que formarán parte de su Junta Directiva. Esta reunión también permitirá repasar los proyectos desarrollados este año por la Asociación, como la Escuela de Verano, el circuito artístico Danza a Escena o la presentación del Estudio sobre Redes y Circuitos Teatrales, que analiza la actividad de estos programas. Por otro lado, en la jornada previa se llevará a cabo un encuentro en el que se analizarán diferentes instrumentos para alcanzar una gestión más independiente y eﬁcaz de los teatros. Alrededor de un centenar de programadores se darán cita en Madrid el 13 de diciembre para debatir sobre los modelos jurídicos de gestión de los espacios escénicos españoles. Durante el encuentro, profesionales del despacho de abogados Durán–Sindreu presentarán un informe que analiza las fórmulas jurídicas más extendidas y el modo en el que la personalidad legal de los teatros inﬂuye en su funcionamiento, sobre todo en relación a aspectos como la cesión o el alquiler de espacios, la optimización de la gestión de las taquillas o el patrocinio privado y el mecenazgo.

Gerardo Ayo, presidente saliente de La Red Española de Teatros.

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empresas

Daniel Martínez de Obregón Presidente del Grupo Focus “¡La reconversión aún no ha empezado!” En 2011 se han cumplido veinticinco años de la creación de Focus, la principal empresa española productora de teatro. La efeméride es lo suﬁcientemente señalada como para entrevistar a su presidente, Daniel Martínez, en sus primeras declaraciones a EL ESPECTÁCULO TEATRAL, excluyendo unas breves frases recabadas en Bilbao, en 2006, tras recibir el Premio Max al Mejor Empresario o Productor Privado de Artes Escénicas. Las actuales circunstancias de crisis absoluta hacían obligatorio que la entrevista no se centrase exclusivamente en la onomástica celebrada, sino que permitiese abordar otros aspectos, a los que respondía en su calidad de presidente de ADETCA y FAETEDA, lo que conﬁere una dimensión muy especial a sus opiniones. e compañía amateur a principal grupo de producción teatral del país… ¿Cuáles eran los objetivos con los que se creó Focus? - Desde el primer momento decidimos partir de dos premisas que seguimos cumpliendo: una es ser una empresa moderna con vocación artística y otra es ser una empresa que nos permita ser alguien en el mundo del teatro y que nos trascienda

cuando las personas que la creamos, por las razones que sean, no estemos. Debo decir que nuestra vocación artística se cumple, porque nos sentimos parte del éxito de los espectáculos que desarrollamos, aunque no aparezcamos en el escenario. Y la empresa nos trascenderá, porque hemos generado los recursos para que siga desarrollándose en el futuro. Y así, los objetivos han sido

cumplidos, sin duda alguna. - ¿Ha habido momentos complicados? - Los inicios fueron, sin ninguna duda, lo más complicado. Una empresa que nace necesita contar con crédito en el sector y financieramente. Y hay que esperar muchos años para que esos dos créditos aparezcan y los inicios son muy duros. La tranquilidad no nos llegó hasta pasados diez años. Después, los momentos más delicados fueron, quizá, los de la crisis de 2002. Si miráramos las gráficas que muestran la salud de una empresa se vería que nuestra trayectoria, con los lógicos “valles”, ha sido siempre ascendente. Nacimos sin ningún capital, con el trabajo, y actualmente la empresa no tiene un dueño, sino que somos una sociedad anónima en manos de 47 trabajadores de la empresa. Cada empleado, cuando lleva cinco años en el Grupo Focus, puede pasar a ser socio, sabiendo que no repartimos beneficios, porque todo se reinvierte. El patrimonio es de todos y los beneficios que se producen entre todas la divisiones es lo que hace que el objetivo de que la empresa trascienda se haya logrado. Actualmente tenemos cinco divisiones: Teatral, Infraestructuras, Comunicación, Eventos y, desde hace dos años, Audiovisual. El núcleo de creatividad de todas, salvo la división de Infraestructuras, está basado en la creatividad de la división Teatral. Eso hace que todos nuestros trabajos tengan una “firma” característica, aunque cada división tenga un funcionamiento autónomo. - Hace un año comentaba que la crisis no estaba afectando a Focus. ¿Podría repetir ahora esas declaraciones? - Quiero matizar: yo decía que la crisis no estaba afectando al consumo teatral y ahora nos está afectando poco. Hay que destacar una cosa: que el espectador se mantiene. Pero se produce la paradoja de que el teatro trata directamente con sus espectadores tan sólo en Madrid y Barcelona. Fuera se trabaja a través de intermediarios, los programadores, que son públicos en un 95%, y ese sistema es el que ha mostrado claramente sus debilidades, porque manteniéndose la demanda, tenemos un tremendo problema de oferta. Ese problema se percibía claramente en 2010 y ahora se está a punto de cruzar una línea roja. En Barcelona, el nivel de recaudación en taquilla se mantiene. En cambio, en el conjunto de Cataluña, que es de las regiones menos afectadas, la reducción de giras supera el 20%. Y es el territorio que menos disminución ha tenido, todavía, por la reducción de presupuestos municipales. En otros sitios la reducción de exhibición ha sido del 30, del 40 o, incluso del 50%, una situación francamente grave. Es el gran problema del sector teatral, que necesariamente deberá movilizar a todas las partes, porque hay que reestructurar el www.elespectaculoteatral.es

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empresas sistema actual. Para todos los productores el sistema de cachés ha sido muy cómodo y nos ha evitado pensar lo que podría ocurrir. De todas formas, hay que agradecer la intervención de la administración que nos permitió atravesar el enorme desierto en que nos encontrábamos durante la transición democrática. Y hay que aplaudir que se considerara la exhibición teatral como un servicio a los ciudadanos completamente necesario. Pero es verdad también que, a la larga, eso ha producido una serie de efectos no beneficiosos muy difíciles de afrontar en estos momentos, sobre todo los precios públicos de los teatros sufragados por los presupuestos municipales. Me estoy refiriendo a los precios “políticos”, que hacen imposible trasladar la carga de la financiación de esos espectáculos. Lo que entra por parte del espectador no se corresponde con lo que cuesta realmente. Y equilibrar eso no es labor de un día. - Focus lidera claramente la producción teatral en España. ¿Cuáles son las claves de su éxito?: ¿buen ojo a la hora de elegir textos? ¿la aplicación de técnicas de marketing a la exhibición? ¿trabajar con criterios empresariales inéditos en el sector? ¿la diversificación? ¿habilidad en la búsqueda de apoyos políticos? - De todo hay. Lo de los apoyos políticos es más discutible. Lo normal en aquellos momentos no era aplicar criterios empresariales. Lo original cuando aparecemos es decir “somos una empresa que vamos a procurar el desarrollo de los artistas”. Cuando pusimos la visión empresarial fue para crear los medios necesarios para la creación artística. El rechazo vino por el maniqueísmo de oponer siempre “empresa” a “cultura”, algo que a mí me enerva. Yo soy empresario y me puedo comparar en mis ansias de realización cultural con cualquier

“Pensar en la privatización es un gravísimo error. Otra cosa es que a la empresa privada se la mantenga al margen de la gestión de los espacios públicos” individuo. Ser empresario no tapa ni mis conocimientos, ni mis ansias, ni mis deseos. Y colocar delante la visión empresarial nos permite ser tremendamente eclécticos: tener un teatro como el Villarroel, dedicado exclusivamente al autor vivo autóctono, o el Romea, dedicado a la investigación y la visión de los directores, etc. etc. La visión empresarial nos ha permitido dar vía libre a la libertad artística y, al mismo tiempo, ordenar y dar coherencia a los espacios para esa libertad artística. Y tenemos una premisa sagrada: la libertad artística es total y absoluta, algo que es sencillo de comprobar, hablando con los propios artistas. Respecto a lo político, según se produce nuestro crecimiento y somos más representativos en el sector, el respeto es otro, pero nuestra empresa siempre ha tenido que “demostrar”, para después, acudiendo a las normativas existentes, solicitar los recursos públicos que hay previstos. Yo tengo más subvenciones, pero es porque hago dieciséis espectáculos. Y si en Barcelona se ayuda a todas las salas de exhibición… pues Focus tiene cuatro. No es más que eso. La diferencia está en el volumen que tiene Focus con respecto al resto. Y salimos perjudicados, porque Focus está, proporcionalmente, por debajo de los ratios de cualquier otra sala de Barcelona. También en producción: a nosotros no nos multiplican por dieciséis las subvenciones

que recibimos con respecto a lo que recibe quien hace una producción. Lo que Focus sí ha conseguido en alguno proyectos es convencer a la Administración de que en nuestras manos hay determinados productos que son un bien público. - ¿Cómo se consigue que el público acuda al teatro? - Yo no sé si se consigue. Yo siempre digo que el público se pone de acuerdo. Es verdad es que en estos momentos los que están cambiando son los procesos por los que influyes en su toma de decisión. Lo que puedo decir es que después de dos o tres semanas de exhibición podemos saber el nivel que va a tener el espectáculo. Parece increíble, pero es real que un número determinado de espectadores deciden acudir cada semana al teatro. Curiosamente puedes establecer una línea de regularidad asombrosa hasta que el espectáculo empieza a bajar. Su gráfica es prácticamente plana una vez se sitúa. Eso denota que difícilmente se puede influir en el proceso. Todos utilizamos técnicas similares para llegar al espectador y eso consiste básicamente en hacerle saber que determinado espectáculo está en determinado sitio. Pero hay un axioma absoluto: el espectáculo que no va, no va, por más que se haga. Y el que funciona, va aunque no hagas nada. A los quince días podemos decidir si ampliamos nuestra carga de publicidad o la reducimos y,

Una compañía de teatro independiente en sus orígenes

ocus se crea como consecuencia de la vocación y las motivaciones artísticas de un grupo de amigos que trabajábamos en el teatro independiente”, explica Daniel Martínez. Ese es el auténtico origen de Focus, mucho antes de que la empresa se constituyese mercantilmente como tal. Entre 1970 y 1986, los años más convulsos y reivindicativos de la reciente historia de España, la compañía reflejó sus cambios políticos y sociales. “Nosotros estábamos inmersos en esa época y esas circunstancias –afirma el señor Martínez–: todos nuestros espectáculos eran de los autores españoles más comprometidos, como Alfonso Vallejo, Martínez Mediero, Carlos Muñiz… Y la realidad es que lo hacíamos bastante bien y recorríamos toda España”. Después de quince años de trayectoria teatral de indudable importancia, una serie de miembros de ese grupo de aficionados “quisimos vivir del teatro, como artistas y nos dispusimos a crear una empresa –explica su presidente–. Como todos teníamos formación empresarial y veníamos de ese mundo pensamos que primero había que constituirse como empresa y, luego, realizarnos como artistas. Con el paso del tiempo la empresa ha

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funcionado, pero los que la iniciamos tenemos que reconocer que somos artistas frustrados, aunque nuestra realización artística la conseguimos poniendo los recursos necesarios para que lo ejecuten otros artistas”. El método elegido fue constituir, inicialmente, una empresa de servicios. “El objetivo era asegurarnos los recursos para que los posibles fracasos que siempre suceden en la producción teatral no nos hicieran cerrar la empresa –señala–, porque quien decide el futuro de un espectáculo es el público y no podíamos estar a su albur”. “Las cosas nos habían ido bien como compañía amateur –continúa el señor Martinez– y fuimos creando un cierto capital en material técnico que es el origen de la empresa y lo que podíamos poner al servicio de los demás, antes de empezar a producir teatro. La empresa la habíamos constituido en 1986 y nuestra primera coproducción es de 1988, pero nuestra primera producción como tal, no llegó hasta 1990. Y desde entonces la producción teatral es el eje absoluto. En 2011 hemos producido 16 espectáculos, con un presupuesto total de 3.350.000 euros”

el mundo del espectáculo teatral entrevista curiosamente, reforzamos los que están funcionando y reducimos los que no van, porque aceptamos el veredicto del público. - ¿Cómo se ve desde su posición el proceso de reconversión que se está produciendo en las artes escénicas españolas? - ¡La reconversión aún no ha empezado! Lo que sucede es que se ha hecho notar la necesidad de reconvertirlo, sobre todo el sistema de exhibición, para que no se muera. Yo tengo dos prismas al respecto: lo que ocurre en Cataluña y lo que ocurre en el resto del estado. Desde hace mas de un año, desde FAETEDA empezamos a trasladar a nuestros asociados la preocupación del peligro que acecha a la exhibición teatral. En ningún caso hemos hablado de un vuelco de la exhibición pública para que se convierta en privada. En ningún caso hablamos de la privatización del sistema. Sería absurdo hacerlo porque simplemente es imposible. Cuando la administración actúa lo hace por dos motivos: uno, para acercar el espectáculo de las artes escénicas

empresas el modelo idóneo para los espacios problemáticos y mantener su actividad. En algún caso la gestión puede pasarse a una empresa, pero hay más fórmulas: la residencia de compañía y empresas, gestiones delegadas, gestión mixta, etc. El ICIC (Instituto Catalán de Industrias Culturales) puso en marcha su programa de ayudas reintegrables y eso ha permitido paliar la bajada de actividad y que las compañías puedan trabajar porque pueden tener cierto riesgo cubierto. Y si las cosas van bien, esas cantidades regresan íntegras a los fondos públicos. En Cataluña se están realizando en este último trimestre del año giras bajo el auspicio de esas ayudas reintegrables, que van a generar unas ciento veinte funciones que no se hubieran producido de otra manera. Eso ha sido una negociación de las asociaciones catalanas con el gobierno autonómico,y acuerdos con los respectivos teatros que forman nuestra red municipal. Son medidas relativamente sencillas que

“FAETEDA ha puesto en marcha una oficina que está ayudando a gestionar los impagos de los municipios que se están produciendo en la exhibición de las artes escénicas” a sus ciudadanos y, dos, porque no puede ser de otra manera si no lo hacen ellos, en razón a las posibilidades de viabilidad que tienen esos espacios. Pensar en la privatización es un gravísimo error. Otra cosa es que a la empresa privada se la mantenga al margen de la gestión de los espacios públicos, especialmente de aquellos que puedan tener problemas serios cuando no disponen de los recursos públicos suficientes. En Cataluña llevamos meses negociando todas las partes para establecer esa colaboración, una colaboración que ha de eliminar prejuicios. Ni todo lo que hace un programador público está bien hecho, ni todas las empresas privadas están ávidas de beneficios económicos. Hay malos y buenos programadores y hay buenas y malas gestiones a cargo de empresas. A todos les preocupa la viabilidad de su modo de vida y a todos nos debería preocupar la salud de las artes escénicas en igual medida. Si estas premisas se aceptan la conversación podría ser distendida y fructífera. Ahora todo el mundo habla de la taquilla… Pero no en todos los sitios se puede ir a taquilla. ¿Qué hacemos con los demás? ¿Cerrarlos o dejar que el intrusismo de lo amateur desplace a los profesionales? FAETEDA ha explicado a la Red que hay líneas de actuación para encontrar

se pueden aplicar en el resto del estado español. El [pasado] 1 de diciembre va a haber una asamblea de FAETEDA en Bilbao en donde se van a plantear estas iniciativas, porque la actividad escénica no se puede mantener de forma absolutamente privada. Es imposible. Sólo es sostenible en Barcelona y Madrid sin detrimento de la calidad. El equilibrio entre la vertiente lúdica y cultural es bastante encomiable gracias a los recursos públicos que se han puesto a disposición del sector. - Desde su posición de presidente de FAETEDA imagino que es consciente de las ampollas que levanta en determinados sectores de la profesión para los que Focus es anatema, en su acepción de “maldito”. Para quien lo pueda dudar, ¿realmente pelea por todas las empresas o lo que persigue es lo que beneﬁcia a Focus? - Esa es una visión mezquina del asunto. En Cataluña, en ADETCA, somos cuarenta y cinco compañías y hay elecciones cada tres años, y la democracia permite que, si hay disgusto con una gestión, se pueda solucionar en un período de tiempo relativamente breve. Y si yo soy elegido y gestiono de una manera determinada es porque me lo permiten otros. Yo llevo bastantes años dirigiendo ADETCA. ¿Por qué permiten que el de Focus sea el que dirige la asociación? O ven beneﬁcios o

la forma de catalogar al que vota de esa manera es tremenda… La unión de absolutamente todos nos da una gran fuerza y es lo que permite que los más pequeños no queden desnudos delante de los grandes o delante de la administración. Y en cuanto a FAETEDA, yo soy su presidente por unanimidad. Tengo el honor de poder decir que no lo soy por mayoría, sino por la unanimidad de las diecisiete asociaciones. Dicho esto, una empresa del volumen de Focus tiene capacidad para operar por sí misma y es, posiblemente, la que menos necesita estar asociada. Por otro lado, si los resultados de las gestiones de quienes dirigimos las asociaciones no fueran los adecuados, la afiliación no aumentaría como lo está haciendo, sino que descendería, aunque sólo fuera por dejadez. Nuestro problema de asociacionismo son, desgraciadamente, la falta de recursos de las compañías hasta para pagar las cuotas. - ¿Hasta qué punto le puede beneficiar a una empresa teatral “x” asociarse a ADETCA y FAETEDA? - Lo primero, por pura solidaridad. Las asociaciones trabajan en aspectos que benefician a todos. Cuando negociamos la Seguridad Social o la regulación de normas laborales eso afecta a todo el sector, se esté o no asociado. En segundo lugar, por capacidad de diálogo. Antes de ir a negociar con otros agentes, el primer diálogo tiene que producirse entre los miembros de las asociaciones, porque de ahí surge la información necesaria. Y, finalmente, por los servicios que se prestan. Actualmente, FAETEDA ha puesto en marcha una oficina que está ayudando a gestionar los impagos de los municipios que se están produciendo en la exhibición de las artes escénicas. En apenas dos meses el éxito ha sido notable, porque las compañías no se atreven en muchas ocasiones a ejercer la fuerza que la ley les permite para denunciar el impago o forzar el cobro. A través de FAETEDA se está haciendo esa gestión, de forma que el protagonismo de las compañías no es directo, para evitar el enfrentamiento con quien tarde o temprano te tiene que volver a contratar. - Pero sí hay un gran número de compañías, incluso nombres potentes, que no pertenecen a asociaciones… - En Cataluña no. Aquí no hay ninguna compañía que no esté asociada. Están todas en las dos asociaciones que hay. Y cuando negocias estás plenamente legitimado porque representas al cien por cien del sector. Seguramente por eso, en Cataluña hay muchos menos problemas entre el sector público y el sector privado. Los acuerdos son aprobados masivamente desde hace años… Y han cambiado Gobiernos y han www.elespectaculoteatral.es

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empresas cambiado los cargos públicos. Esa unión no ocurre en el resto de comunidades. Madrid es un ejemplo de eso, con empresas que debieran formar parte de determinadas asociaciones y no están. De todas formas, en FAETEDA hay cerca de quinientas empresas, lo que representa a la amplia mayoría de la profesión, con excepciones llamativas que debiéramos ser capaces de solucionar. Pero nos haría mucho bien que esa situación se arreglara deﬁnitivamente. - ¿Qué se espera del nuevo Gobierno? - Lo que estamos es en eso mismo: en espera. La sensación es que tiene una legitimidad total, al haber ganado por mayoría absoluta, para deﬁnir nuestro futuro más inmediato y gran parte de nuestro futuro a medio y largo plazo. Bajo ese prisma, me costará creer que los nuevos dirigentes no sean conscientes de que uno de los aspectos fundamentales de nuestro futuro como país está en el área de la creación y el conocimiento. Tengo la esperanza de que con ese concepto claro de que esos sectores son capitales para nuestro futuro no se dediquen a salvar lo insalvable. Dedicar recursos a parches que a medio plazo van a seguir en la misma situación no es la política que corresponde. Por el contrario, los sectores que tienen posibilidades de crecimiento, porque nos van a hacer más ricos desde todos los

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aspectos, es donde han de aplicarse los recursos necesarios de la acción política. Espero que no nos retiren mimbres que nos van a resultar absolutamente necesarios para la recuperación, que pasa por la exportación de talento. La cultura es un sector estratégico y fundamental. En ese sentido me alegra, después de haber leído que el Ministerio de Cultura estaba en peligro, haber empezado a leer y escuchar todo lo contrario, dentro incluso del propio Partido Popular. - Pero ¿qué puede hacer un Ministerio de Cultura con las competencias transferidas a las autonomías? - Ya lo está haciendo: evitar que nos encerremos en nuestras propias comunidades. Eso empequeñece no sólo el mercado, sino el trasvase de creatividad. El Ministerio tiene capacidad de obrar en ese sentido, favoreciendo las giras entre comunidades, además de promover el intercambio transnacional. Lo que hace falta es analizar, por ejemplo, el funcionamiento del Instituto Cervantes. Hay muchas cosas que se pueden hacer y en estos momentos en concreto su desaparición sería mortal… - ¿Es Latinoamérica un mercado que estamos desaprovechando? - El primer problema es la viabilidad económica. Nosotros hemos tenido una producción, “La vida es sueño”, con

el teatro San Martín de Buenos Aires, y estamos preparando otras; pero el intercambio entre Latinoamérica y España tiene dos problemas de muy difícil solución: la distancia y la capacidad económica de esos países. Los intercambios que se están produciendo están siendo sufragados casi por completo con recursos españoles. Otra cosa es Europa, donde el intercambio es más fácil. Y lo estoy comprobando a través de nuestro proyecto BIT. - ¿BIT se sostiene con recursos públicos o mediante taquilla? - El BIT tiene unos recursos que ponen cada uno de los socios en la operación y la idea es que acaben resarciéndose de sus inversiones a través de la exhibición. El primer espectáculo es una co-producción con un teatro alemán, asegurando la exhibición en varios de los teatros cómplices del proyecto, que garantizan la recuperación de la inversión. Y BIT se sostiene con recursos públicos, porque los socios que hemos encontrado en Europa son todos teatros públicos, lo que debiera servir de ejemplo de que es perfectamente posible el diálogo y la colaboración entre una empresa privada, BIT y, en este caso, dieciocho teatros públicos de Europa. Si ha sido posible en el ámbito europeo, ¿por qué no puede serlo también en el ámbito español?

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heteatrodoxias

Observar la cultura La sociedad actual nos sorprende diariamente con nuevos escenarios culturales. Fenómenos musicales surgidos en la red, apariciones artísticas estelares de enorme fragilidad, éxitos sorprendentes sin apenas experiencia acumulada, etc. Sean o no realidades sólidas y con independencia de la profundidad de su contenido artístico, estos escenarios van adquiriendo un carácter cotidiano y los hábitos de consumo se amoldan a ellos de manera creciente.

a proliferación de un mercado extenso y muy popular obligará a replantear la terminología cultural para establecer una cierta separación entre el mundo del espectáculo y la creación que asume una mayor ambición artística. No se trata de una clarificación fácil dado que ambos conceptos no están conceptualmente reñidos aunque proyecten ideas de un calado distinto. Es cierto que en última instancia lo que hay es buena cultura y mala cultura, buenos espectáculos y espectáculos malos, pero lo es igualmente que el mercado ofrece iguales oportunidades a ambos, cuando no se decanta claramente por los peores. La calidad sólo es objetivable (en teoría) si el sistema cultural se fundamenta en el trabajo prescriptor de una gran cantidad de intermediarios. En la sociedad analógica esta función la realizaban los críticos y los gestores culturales: directores de teatros, auditorios, centros cívicos, productores de exposiciones, programadores, etc. En la sociedad digital la prescripción deja de ser una función externa y la elección de los contenidos que consumimos pasa a ser una decisión eminentemente personal. Justamente por ello uno de los principales retos de las nuevas políticas culturales será redefinir el perfil profesional del gestor cultual, tanto en la perspectiva de sus funciones de prescripción, como ante los objetivos de socialización cultural implícitos a toda política pública. Y en este contexto la información es una pieza de extraordinario valor. Recoger la información cultural, analizarla y extraer conclusiones que permitan extrapolar la eficacia de las políticas o simplemente observar la evolución cultural de una sociedad, es lo que hacen los Observatorios Culturales. Los países que se han tomado en serio las políticas culturales los han creado y los han dotado de cierta capacidad indicativa. En España no abundan y en general se

limitan a realizar estadísticas culturales, análisis cuantitativos y últimamente a realizar extrapolaciones sobre el peso económico agregado del sector cultural. Hay excepciones, por supuesto, y quizá la más relevante sea el Observatorio Vasco de la Cultura. El problema de los Observatorios Culturales es analizar esta parte de la cultura que tiene una extraordinaria liquidez y que fluye por la red al margen de todo sentido orgánico. Si la conociéramos con detalle sería más fácil entender, por ejemplo, por qué el consumo y la economía de la cultura crece cada año aunque, en apariencia, el sector productivo esté sumido en una profunda crisis. Un gran número de contenidos culturales funcionan al margen de los espacios y formatos físicos que nos permiten realizar estadísticas al uso. Pero eso no significa únicamente que la tienda se haya desplazado a la red, sino que los efectos multiplicadores asociados a la creación de contenidos se activan en otras direcciones menos visibles. El “networking” crea una economía difícilmente calculable con los instrumentos de contabilidad tradicional. Esta realidad afecta a los artistas visuales que trabajan directamente en la red, a una parte notable de la música, a multitud de contenidos audiovisuales conectados con la publicidad y por supuesto a las, cada día más activas, televisiones IP que están transformando el mundo de la comunicación empresarial y que se nutren de contenidos creativos. Ya hace tiempo que alertamos sobre la necesidad de definir los parámetros operativos de una contabilidad de los intangibles y su importancia estratégica para medir el valor económico de la creatividad, el talento y las transacciones susceptibles de generar derechos futuros. Es importante observar la cultura y sería bueno que el Ministerio y algunas

comunidades donde la cultura sigue teniendo un peso relevante, pusieran en marcha Observatorios Culturales, pero tendría poco sentido que este esfuerzo se destinara únicamente a recoger datos obvios que el sector maneja con normalidad. Aprovechando la crisis y sabiendo que, en los próximos años, viviremos una reducción de la actividad pública, dedicar un cierto tiempo a planificar el futuro y sobre todo a situar la cultura en el contexto de las actividades productivas tiene todo el sentido del mundo. En este sentido el retraso que llevamos es gigantesco y la prueba nos la ofrece el déficit de nuestra balanza comercial a escala internacional: somos un país que consume mucha más cultura importada que la que vendemos aunque haya pocas dudas acerca de nuestro potencial exportador. La clave de una buena política exportadora no es tanto la capacidad para tener visibilidad en el exterior sino la capacidad para controlar los derechos que genera el producto vendido tanto a corto como a largo plazo. Un buen observatorio debe detectar este déficit de distribución pero, sobre todo, debe permitir a los analistas y políticos diseñar los instrumentos que lo solucionen. Los Observatorios que nos interesan deben añadir a la información tradicional sobre hábitos de consumo, ocupación de teatros, auditorios y festivales y presupuestos culturales, un análisis de tendencias y sobre todo idear parámetros de cálculo del valor potencial de los activos culturales españoles. Eso es lo que hacen los Ministerios de Fomento y Hacienda a la hora de proyectar el valor económico de las grandes infraestructuras comunicativas. Quizá se equivoquen pero su trabajo se basa en un consenso tan sólido que permite planificar grandes inversiones con la esperanza de un retorno económico que las justifique. Xavier Marcé www.elespectaculoteatral.es

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ferias y eventos

Mediterrània

La feria se revuelve ante la disminución del 10% de su presupuesto inicial

“Ballar la veu”, de Perejaume.

l 10% de reducción del presupuesto que ha sufrido la feria Mediterrània, cuya pasada edición se llevó a cabo en Manresa (Barcelona) entre los días 3 y 6 de noviembre, no se ha visto reﬂejada en la misma proporción en los datos cuantitativos obtenidos. Este año este evento perteneciente a COFAE ha acogido 121 espectáculos frente a los 143 del año pasado, aunque se han llevado a cabo más funciones, sobre todo de artes escénicas. El total de actividades, contando seminarios, conferencias, etc., ha sido de 263, tan solo una menos que en 2010. Y el número de profesionales asistentes también superó la barrera de los 1.100 acreditados alcanzados en la edición anterior. Tere Almar, directora artística de Mediterrània, nos da las claves de estos buenos resultados a pesar de los recortes: “El objetivo era que la parte artística no saliera muy perjudicada, por lo que pensamos reconsiderar las infraestructuras para que no se fuera tanto presupuesto en ellas. Decidimos optimizar espacios, incluir más compañías en cada recinto, con horarios más ajustados. Además hemos establecido un espacio nuevo de circo al que los artistas llevan su propia carpa, lo que también supone un ahorro”. Así, en esta ocasión la feria se ha desarrollado en 18 espacios frente a los 27 del años pasado. Sin embargo, el tiempo tampoco se lo quiso poner fácil a los responsables de la feria. “Hemos tenido un problema con la lluvia, que más bien fue un ‘huracán mediterráneo’ –explica la directora de la feria–. En Manresa el jueves cayeron casi tantos litros como en toda Cataluña, lo que motivó que tuviéramos que suspender seis

producciones y que algunos espectáculos de carpa no hayan lucido como tenían que haberlo hecho”. Y es que, según explica Tere Almar, el circo ha tenido un papel muy destacado en esta edición “por dos motivos. Aquí en Cataluña el circo está muy bien posicionado, se hacen muchas producciones muy contemporáneas a cargo de gente muy joven que ha ido a prepararse en el extranjero y vuelve con nuevos lenguajes muy frescos, que unen disciplinas diferentes como la danza y el propio circo. Y en segundo lugar, porque el circo es de raíz tradicional y evidentemente en la feria teníamos que mostrar también este género”. También obtuvo muy buena acogida el espectáculo inaugural. “El artista invitado de este año, Perejaume, es un artista multidisciplinar que proviene de las artes visuales pero que además es poeta. Ha aportado una muy visión diferente a la de otras ediciones, con un discurso que enriquece toda la parte de cultura popular y de raíz. El espectáculo inaugural se titulaba “Ballar la veu”, “Bailar la voz” en castellano, y en él, Perejaume, que es un gran admirador de Jacint Verdaguer, un poeta catalán, ha querido representar toda la fuerza de la voz del poeta pero sin una sola palabra, solo con música, con todos los compositores que en estos 100 años han compuesto para su poesía. El espectáculo consistía en dos pianos de cola, cuatro pianistas y una campana que absorbía la voz del poeta”. Por último, y a pesar de la valoración positiva que se puede extraer de esta edición, los augurios para Mediterrània de cara al futuro no se presentan muy prometedores, como nos indica Tere

Almar: “Tal y como están las cosas, 2012 va a ser todavía un año difícil. Ya se está hablando de una reducción de un 10% del presupuesto respecto al de esta edición. Veremos las posibilidades que tenemos a lo largo del año de poder hacer más ingresos. Estamos trabajando en la búsqueda de ﬁnanciación privada. Nosotros tenemos ingresos de taquillaje, evidentemente ingresos que aporta la Generalitat, e ingresos de patrocinadores. Vamos a seguir trabajando en esta línea para ver si podemos equiparar el presupuesto al de este año”. “La muntanya al teu voltant”, de Gelabert & Azzopardi.

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ferias y eventos

Chiquicirco Pequeños montajes de circo para pasarlo en grande en su III edición

a madrileña sala Tarambana albergará una nueva edición, y ya van tres, de su festival Chiquicirco, un evento en el que las artes circenses se dan la mano con el teatro para hacer las delicias de los más pequeños, pero no por ello menos importantes, de la casa. Así, del 3 al 27 de diciembre, en el escenario-pista de este espacio escénico se darán cita diversos espectáculos que combinan ilusionismo, malabarismo, danza, clown, acrobacias y equilibrios. Las compañías y artistas que contribuirán a desarrollar la imaginación y la capacidad de sorpresa de los niños en esta ocasión serán el malabarista Javi Javichi con “Veloz como el rayo”; Enkuentro Teatro, con la historia de una payasa y un músico en “Australia blues”; Delírica Teatro y Títeres con el clown de “La espera”; los valencianos Engrata Cia de Teatre, con “Fa sol”; la formación leonesa Concedeclown, que acercará sus “Cuentos, risas y rock & roll”; la magia de Magomino; Que te den... Teatro y la parada del autobús en la que se ambienta “Paradapara2”; y Tempo y su propuesta gastronómica “Rebelión en la cocina en Navidad”.

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“Fa sol”, de Engrata Cia de Teatre.

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compañías “Los niños constituyen el público del futuro, y hay que mimarlos, hay que hacer espectáculos de calidad para ellos como si fueran para adultos”

Teresa Osuna Directora de producción de Thule Producciones Más de 500 millones de hogares de 128 países siguen las andanzas de los habitantes de “LazyTown”, el pueblecito sobre el que gira la serie de televisión islandesa del mismo nombre. Era cuestión de tiempo que sus protagonistas dieran el salto del televisor a los escenarios, por lo que actualmente existen cuatro espectáculos basados en este espacio girando por el mundo. Uno de ellos es “LazyTown - Roboticus”, que se estrenó en el teatro Häagen-Dazs Calderón de Madrid el 26 de noviembre, y que constituye la primera producción de Thule Producciones. El productor ejecutivo islandés Thorsteinn Stephensen y la directora de producción Teresa Osuna son las cabezas visibles de esta empresa recién nacida aﬁncada en Madrid. Hasta el 8 de enero este espectáculo que promueve hábitos saludables entre los más pequeños se podrá ver en la capital, aunque también hará escala en Ávila el día 26 de diciembre y en Guadalajara el día 29. Posteriormente, el 28 de enero, se representará en La Línea de la Concepción (Cádiz). 16

Cómo surgió el proyecto de Thule Producciones y cómo llegaste hasta

él? - Soy amiga de Thorsteinn (Stephensen) desde hace tiempo. A principios de este año empezó a hablarme de este proyecto que me pareció muy interesante. Compró los derechos y nos pusimos manos a la obra. Así, el pasado verano nació Thule Producciones. - ¿Qué características destacan en “LazyTown-Roboticus”, vuestra primera producción? - Este montaje está basado en la serie de televisión “LazyTown”, un espacio emitido en nuestro país por Clan TV con gran éxito, que fundamentalmente quiere transmitir a los niños valores como la importancia del deporte, de la comida sana y de hábitos www.elespectaculoteatral.es

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compañías saludables como lavarse los dientes o dormir las horas necesarias. Es la única serie de entretenimiento a nivel internacional que está basada en estos principios, y de hecho no cuenta con ningún patrocinador que no promueva esas características, porque ese es un aspecto muy importante para su creador, Magnus Scheving. “LazyTown” nació primero como una obra de teatro en Islandia, y posteriormente se hizo la serie de televisión que comparte esos valores, valores que ahora se están perdiendo porque hay unos niveles de obesidad tremendos. Esa fue una de las razones que nos convencieron del proyecto, porque no es un espectáculo infantil sin más, sino que conlleva un mensaje. Por otro lado, su puesta en escena está muy cuidada y los actores y bailarines tienen un nivel muy alto. Tenemos dos acróbatas que son espectaculares, que son los intérpretes que hacen de Sportacus y Roboticus. Queríamos hacer un espectáculo de calidad y para ello hemos contado con Lola González en la coreografía, porque queríamos a la mejor. Y la dirección es de Luis Arribas, que es una persona con un talento y una sensibilidad extraordinarios, y que, aunque no había trabajado en el mundo del teatro porque es director de cine, también está muy involucrado en el tema de los niños, porque ha hecho documentales para Ayuda en Acción. - ¿Este espectáculo ya se ha representado en otros países? - Sí, en Australia y en Reino Unido, donde fue todo un fenómeno de ventas. Este montaje supone el inicio de la historia de “LazyTown”, porque narra como Stephanie, la protagonista, llega al pueblo de LazyTown, y como los niños conocen a Sportacus, que es el superhéroe. Las canciones las hemos adaptado al español y también el guión, ya que nos lo mandaron traducido al inglés y hemos tenido que cambiarlo bastante para que se entienda mejor por el público de nuestro país. Contamos con unos actores fabulosos como Ángel Jodra, por ejemplo, que es un grande de toda la vida que interpreta al alcalde y que constituye un personaje muy para los

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padres. Y el malo también lo interpreta un actor con un talento extraordinario, Frank Alonso, que creo que también conectará muy bien con los adultos. Además hay mucha interacción con los niños: bailan, entrenan con Sportacus... - Actualmente hay cuatro espectáculos de “LazyTown” girando por el mundo. ¿En Thule Producciones tenéis intención de traer más adelante otro de estos montajes? - Primero vamos a ver como sale este y ya lo pensaremos. En LazyTown, como marca, están muy contentos con nosotros, de hecho Magnus Scheving se mostró muy satisfecho del reparto, nos dijo que

país que se meta a hacer algo de teatro y no esté un poco loco. Pienso que si el producto es bueno, si ofreces al público un espectáculo de calidad, la gente va a ir a verlo, aunque a lo mejor no es como antes y dependemos mucho más de la taquilla y de los organismos para que nos paguen los cachés. Los niños constituyen el público del futuro, y hay que mimarlos, hay que hacer espectáculos de calidad para ellos como si fueran para los adultos, al menos esa es nuestra intención. - Cómo productora, ¿cuáles son los principales problemas con los que os habéis encontrado?

era el elenco que más le había gustado de todas las producciones que había por el mundo. Sé que ellos están muy satisfechos y si queremos contemplar otras opciones tendríamos las puertas abiertas. Pero nuestra idea no es solo hacer “LazyTown”, sino otras producciones de otro tipo y para adultos. - ¿No os dio miedo lanzaros a crear una productora teatral en los tiempos que corren? - Arriesgado es, pero el teatro en sí es arriesgado. No creo que haya nadie en este

- Me imagino que con los que se encuentra todo el mundo. Tengo que agradecer a toda la profesión el apoyo que nos ha dado, no he encontrado obstáculos a ese nivel. El obstáculo es que tenemos que trabajar mucho para vender entradas. - ¿Y desde las administraciones públicas también os han ayudado? - No hemos tenido ninguna ayuda institucional, ni a nivel de ayuntamientos, de comunidades autónomas o del estado. Ni una sola subvención; esta es una apuesta totalmente privada.

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compañías “Ser un distribuidor no significa solamente mover una caja llamada ‘espectáculo’, también puede ejercer de ojeador para encontrar espectáculos interesantes, lo que para un programador puede resultar imposible”

Loek Muijsenberg Distribuidor de Artimouse Dos impulsos irrefrenables llevaron al distribuidor holandés Loek Muijsenberg al lugar profesional que ocupa actualmente. Aunque estudió Marketing y Comunicación en la Universidad de Eindhoven, su pasión por las artes escénicas, que se desarrolló como amateur en una compañía de teatro musical, le llevaron a ejercer como programador durante una década en el teatro Speelhuis de la ciudad de Helmond. Posteriormente, y esta vez por motivos sentimentales, se trasladó a España, donde decidió continuar con su labor profesional, pero a partir de entonces como distribuidor de espectáculos. Así nació, hace justo tres años, Artimouse, la agencia a través de la cual gestiona la contratación de compañíastt españolas en el norte de Europa y al revés, la de compañías de Holanda, Alemania, Inglaterra, o Dinamarca en nuestro país. uál es la línea de trabajo de Artimouse? - La idea principal es aprovechar las ventajas de vivir en España y de ser holandés. Mi intención inicial era llevar producciones españolas hasta Holanda, o más bien al norte de Europa, a través de mi red de contactos en Alemania, Inglaterra, Dinamarca y otros países, y también producciones de allí hasta España. A lo largo del tiempo también he trabajado con producciones de Francia

y Rusia, y he hecho algunos intentos de vender en ambos lugares. Además, desde hace siete años voy cada verano al Festival Internacional de Teatro de Edimburgo, el FRINGE, donde encuentro muchos espectáculos interesantes que no tienen por que ser holandeses o españoles. - Dentro de tu amplio catálogo de espectáculos, hay tres que recomienda La Red Española, dos de artes escénicas y uno de danza. ¿Qué nos puedes decir de ellos?

- El primer espectáculo es el del teatro Semianyki, unos payasos rusos que presentan un montaje fantástico de teatro gestual que trata de una familia completamente loca. Hace unos días estuvieron en Pamplona, donde consiguieron un éxito total, con el público y los responsables del teatro completamente entusiasmados. Su contratación permanece abierta para el próximo mes de enero y también para enero de 2013. Es, sin duda, uno de los espectáculos más destacados de mi oferta, porque se trata de teatro puro de mucha calidad, pero que además resulta muy divertido. Su guión es simplemente fantástico. El otro espectáculo recomendado por La Red es el de la compañía Maravilla de Sevilla, que se titula “Lapsus”, y que también es de teatro gestual. Este montaje también resulta un poco extraño en el sentido positivo de la palabra porque narra cómo perder un autobús de las seis de la mañana… ¡más de seis veces! Y no se entiende ni se sabe por qué pasa eso. Durante la espera y las pérdidas del autobús ocurren cosas rarísimas, un poco locas, con personas y cosas que desaparecen... A mí me gusta mucho el teatro gestual, por eso ya tengo tres espectáculos de este tipo en mi oferta. Hay artistas que dominan y controlan este arte, que saben articular miradas o gestos que cualquier persona www.elespectaculoteatral.es

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compañías de cualquier lugar entienden, no son expresiones “españolas”, “holandesas” o “rusas”, sino de cualquier parte del mundo. Y para cerrar un poco este bloque de teatro gestual, aunque no está destacada por La Red, también me gustaría mencionar a la compañía Bodecker & Neander de Berlín, que está formada por dos mimos, herederos del famoso Marcel Marceau. Ellos trabajaron con él y luego montaron su propia compañía, y aunque transformaron un poco su estilo, aún se pueden apreciar los gestos típicos de Marceau pero de una manera más actual. Además le han añadido algo de magia, ilusionismo, y trucos visuales. - ¿Y qué nos dices sobre el espectáculo de danza que se recomienda en el catálogo de Danza a Escena? - Se trata de “¡Voy!”, de Danzarte. Danzarte es una compañía muy joven con un nivel de calidad muy alto, pero que todavía está considerada en el “círculo de principiantes”, por eso estoy muy contento de que haya conseguido el sello de Danza a Escena. Existen más compañías de danza española contemporánea, pero creo que lo que pasa con Danzarte es que cuenta con una coreógrafa holandesa-suiza cuya inﬂuencia se puede apreciar en el espectáculo y que le da un punto muy del norte de Europa. - ¿Cómo se está dando la contratación de compañías españolas en Europa? ¿Sigue

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siendo el flamenco nuestro género más exportable? - Algo está cambiando. Hasta hace cinco años el único producto cultural español que interesaba en el norte de Europa era el flamenco, en el espectro más amplio del género, aunque nunca les ha gustado el flamenco puro. Pero en los últimos cinco años lo que ha pasado es que el flamenco ha perdido un poco su atractivo, mientras que lo ha ganado el fado portugués, que se ha puesto mucho más de moda. De igual manera, últimamente veo un nuevo interés por espectáculos españoles pero no necesariamente de flamenco. Por ejemplo, Nova Galega de Danza, una compañía que combina la danza contemporánea con los bailes tradicionales gallegos, está gustando mucho. Yo estoy orgulloso de sentirme “medio” español, me siento muy a gusto en este país, y me interesa mostrar que España es más que toros, vino, flamenco y jamón. Ese no debería ser solo mi objetivo, sino también el del Ministerio de Cultura, o el de los Gobiernos de las comunidades autónomas, para que fuera de nuestro país no se queden solo con el estereotipo. - ¿Qué planes tienes para tu empresa de cara al futuro? - Más que para mi empresa, lo que me interesaría mucho es que la plantilla del mercado teatral en España se abriera un

poco más. El mercado español de teatro siempre ha estado muy politizado y muy cerrado, y es muy difícil para mí, también como extranjero, entrar en este ámbito para que me conozcan, para romper círculos cerrados. Me interesaría que la programación de los teatros la gestionaran no solo concejales, sino profesionales a los que les interese ir a festivales para conocer nuevos espectáculos. De todas formas, ante el concepto de “distribuidor” noto que los teatros tienen un poco de miedo, incluso en algunos me dicen que les interesa más contratar directamente con la compañía, lo que signiﬁca que no ven, o no valoran el valor añadido de nuestro trabajo, porque ser un distribuidor no signiﬁca solamente mover una caja llamada “espectáculo”, también puede ejercer de ojeador para encontrar espectáculos interesantes, lo que para un programador puede resultar imposible. Por otro lado, y ya respecto a mi empresa, me gustaría añadir a cada montaje una labor de marketing, porque montar un espectáculo tiene su trabajo, pero también hay que pensar cómo lo puedes vender, cuál debería ser la imagen que quieres transmitir. En ese aspecto creo que el sector del teatro está todavía algo retrasado. Lo cambiaremos, sin duda.

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Lázaro Una innovadora puesta en escena del clásico en el teatro Español de Madrid

ngaño, miseria, picardía, hambre, tretas, soledad, traición, necesidad y otra vez engaño. “Lázaro” es todo eso. Mediante timos y mentiras el Lazarillo alcanza la “madurez”, una madurez basada en el sacriﬁcio de la conciencia, el autoengaño, la elección de ignorar lo que sabemos para poder vivir en paz. La compañía Mirage Teatro ofrecerá este montaje basado en el clásico “La vida del Lazarillo de Tormes y de sus fortunas y adversidades” entre el 7 de diciembre y el 1 de enero en el teatro Español de Madrid. Estrenado con gran éxito de crítica y público en el Festival de Almagro 2010, y representado recientemente con similar reacción en el Corral de Comedias de Alcalá de Henares (Madrid) entre los días 16 y 19 de noviembre, este montaje cuenta con tres actores –Daniel Gallardo, Miguel Pérez-Muñoz y Miguel Oyarzun, este último responsable de la dramaturgia junto al director Juan Ayala–, un montón de ropa y algo de música, el material imprescindible para mostrarnos esta ácida crítica a la sociedad de su tiempo, al oír, ver y callar, a la doble moral, que nos devuelve, como un espejo, una imagen clara de lo que aún somos.

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Madame Bovary

Pentación lleva la famosa novela de Flaubert a los escenarios teatrales

De izda. a dcha: Armando del Río (Rodolfo), Fernando Ramallo (León), Ana Torrent (Emma Bovary) y Juan Fernández (Carlos Bovary), intérpretes de “Madame Bovary”.

na Torrent, Juan Fernández, Armando del Río y Fernando Ramallo son los afortunados actores que interpretan la versión teatral de “Madame Bovary” que Pentación estrenó el 2 de diciembre en el teatro Principal de Alicante. Esta esperada producción, de cuya adaptación a las tablas se ha encargado Emilio Hernández y que cuenta con la dirección de Magüi Mira, llegará al teatro Bellas Artes de Madrid durante el primer mes de 2012. Emma Bovary, mujer inteligente inmersa en los duros principios morales y sociales de 1850, intenta escapar del paisaje en el que se ahoga. Para ello lee, imagina, sueña, desea, se complace con

ﬁestas o compras excesivas, pelea por lo que ella entiende una vida libre. Acepta y disfruta la relación con Rodolfo, su primer amante, y con León, joven estudiante. Se pierde, cada vez más sola, se hunde impotente. El amor incondicional de su marido Carlos Bovary no puede hacer nada por ella... El brillante equipo artístico de esta versión de la obra de Flaubert se compenetra a la perfección con el técnico, en el que aparecen profesionales tan sobresalientes como José Manuel Guerra en el diseño de iluminación, David San José en la composición musical, y Helena Sanchís en el diseño de vestuario.

Sueña, Casanova Arden Producciones ofrecet una visión diferente del conocido libertino veneciano

l 11 de noviembre la compañía valenciana Arden Producciones estrenó en la sala Russafa de la ciudad del Turia su nuevo montaje teatral: “Sueña, Casanova”. Escrita y dirigida por Chema Cardeña, esta obra, que supone un novedoso acercamiento al famoso mujeriego veneciano, se ofrecerá hasta el 11 de diciembre dentro del ciclo de teatro de corte clásico del recientemente inaugurado recinto valenciano. La acción se sitúa en Los Plomos, una prisión veneciana. Casanova, encerrado por sus actividades masónicas y su comportamiento libertino, comparte celda con el Conde Gaetano, un alquimista y masón al que quemaron los ojos por intentar fugarse de esta cárcel. Casanova no soporta el encierro y Gaetano

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conoce la única salida posible de la terrible prisión. Como el ciego ha perdido la capacidad de soñar, ambos llegan a un acuerdo: Gaetano confesará a Casanova cómo escapar a cambio de que este haga volar su imaginación durante tres noches consecutivas recordando sus tres mejores aventuras amorosas a lo largo de toda Europa.

“Sueña, Casanova” se basa en un episodio real: el encierro del famoso hedonista italiano en la cárcel veneciana de Los Plomos. El propio autor, Chema Cardeña, da vida a un Casanova cínico, ácido, pero rematadamente tierno, mientras que Juan Carlos Garés encarna al Conde Gaetano, el lúcido ciego que se resiste a vivir sin soñar.

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La ruleta rusa Teatro El Zurdo recorre 20.000 kilómetros de viaje teatral de España a Paraguay

n las últimas semanas la compañía Teatro El Zurdo ha realizado veinte mil kilómetros y no precisamente de viaje submarino, aunque ha contado con dos cruces del Atlántico incluidos. Entre el 25 y el 30 de octubre la formación participó con su obra “La ruleta rusa” en el Festival Internacional de Teatro de Asunción, en Paraguay. Esta evento se celebró coincidiendo con la Cumbre Iberoamericana que se llevó a cabo en el país latinoamericano, organizado por la CEPATE, Centro Paraguayo de Teatro, y con la colaboración de AECID, y en él participaron compañías de Brasil, Bolivia, Ecuador, Argentina, Paraguay y España. Con esta obra escrita por Enric Benavent a partir de textos de Chejov, que pasó con éxito por el teatro María Guerrero de Madrid la pasada temporada, y que fue candidata al Mejor Espectáculo Revelación en la más reciente edición de los premios Max, Teatro El Zurdo tuvo el privilegio de cerrar la programación del festival con dos actuaciones. La primera de ellas tuvo lugar en el impresionante teatro Ignacio A. Pane, y la segunda en el Centro Cultural Juan de Salazar, epicentro de la cultura española en Paraguay. En ambas funciones la compañía madrileña obtuvo el generoso aplauso del público. Una vez de vuelta, Teatro El Zurdo prosigue con sus actuaciones por toda España con “La ruleta rusa” y “La ventana de Chygrynskiy”. Durante el mes de noviembre la compañía ha hecho escala en Zaragoza del 4 al 7, en Santander el día 10, y en Alicante el día 12. Por delante, en los próximos días, tiene una cita en el centro cultural La Elipa (Madrid) el 16 de diciembre, y en el teatro de Alcobendas (Madrid) el 20 de enero. Más información en la edición digital

Las raíces cortadas Producción Off Madrid rinde homenaje a Victoria Kent y Clara Campoamor

n 2011, cuando se cumplen ochenta años de la consecución del voto femenino en nuestro país, y en una época en la que los jóvenes buscan más referentes fuera que dentro de nuestras fronteras, Producciones Off Madrid ha querido reivindicar las figuras de Victoria Kent y Clara Campoamor con la obra “Las raíces cortadas”, del Premio Nacional de Literatura Dramática 1998 Jerónimo López Mozo. Las actrices Pepa Sarsa y Marisa Lahoz interpretan a estas dos importantes mujeres de nuestra historia en este montaje estrenado el pasado 2 de octubre en la Residencia de Estudiantes de Madrid. Victoria Kent y Clara Campoamor, dos mujeres, políticas y progresistas, coinciden en cinco encuentros apócrifos: siendo niñas en un parque; en el Parlamento en 1931, en un debate sobre la aprobación del voto femenino; al comienzo de la guerra; más tarde en el exilio, y finalmente en el hospital, al final de los días de Victoria Kent, donde por fin llegan a comprenderse y reconciliarse. “Las raíces cortadas” se podrá ver los días 9 y 10 de diciembre en Ciudad Real, del 19 al 22 de enero en Zaragoza, y en Dos Hermanas (Sevilla) el próximo mes de marzo. www.elespectaculoteatral.es

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Yo, el heredero

Ernesto Alterio y Concha Cuetos prosiguen con sus funciones por toda España

espués de que el teatro madrileño María Guerrero acogiera sus representaciones entre el 16 de septiembre y el 23 de octubre, “Yo, el heredero”, la obra de Eduardo De Filippo que produce Producciones Andrea D’Odorico y que distribuye la misma empresa en colaboración con Emilia Yague Producciones, prosigue con sus compromisos. Valladolid y Las Palmas de Gran Canaria fueron sus escalas durante el mes de noviembre, mientras que ya entrado el próximo año se podrá ver en el Festival de Málaga los días 13 y 14 de enero, en Valencia del 24 al 29 de enero, en Pamplona los días 3 y 4

de febrero, y en Sevilla del 8 al 12 de febrero. Ernesto Alterio encabeza el amplio reparto –en el que también aparece Concha Cuetos– de este montaje que dirige Francesco Saponaro, en el que interpreta a Ludovico Ribera, un misterioso personaje que irá descubriendo, con gran ironía, las maldades, mentiras y errores de una familia de la burguesía acomodada. La obra está inspirada en un hecho real. Un periodista, amigo del autor, fue despedido de su trabajo por su posición política antifascista. De Filippo lo acogió en su casa. Cuando falleció, otro periodista solicitó al dramaturgo ocupar su lugar.

El hombre de la pistola de nata Estreno en el teatro Arenal de Madrid del nuevo montaje de Iraya Producciones

l marco escogido el 1 de diciembre para el estreno de la obra “El hombre de la pistola de nata”, de Iraya Producciones, fue el teatro Arenal de Madrid. Allí se representó por primera vez esta obra que ﬁrma Carlos Atanes y que interpretan los actores Joaquín Hinojosa, Francesc Tormos, Josu Ormaetxe y María Kaltembacher. “Nos proponemos reﬂexionar sobre el mundo de las ideas, de la autoría, del amor y hasta de la obsesión que el creador puede sentir por una idea suya, aunque sea absolutamente descabellada… Y también de la fuerza que da el poder de la creación y de la crueldad, del enorme atractivo que la crueldad despierta en nosotros, sobre todo cuando la

podemos cultivar a nuestro antojo”, explica sobre su argumento el propio director del montaje, Juan José Afonso, responsable de éxitos de taquilla como “La cena de los idiotas”, protagonizada por Josema Yuste y Agustín Jiménez, o “Almacenados”, con José Sacristán y Carlos Santos. www.elespectaculoteatral.es

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Gracias

La Llave Inglesa ofrece al público la posibilidad de pagar o no su espectáculo

a compañía La Llave Inglesa ofrece un novedoso sistema de taquilla en el que los “teatretros” se arriesgan para captar público ofreciéndoles una garantía clara. La formación madrileña ha inventado “Teatro casi gratis”, un método a través del cual el público puede valorar si el espectáculo es bueno o no antes de pagar el precio de la entrada. Se trata de un sistema sencillo: el público ve gratis la mitad de la obra y luego decide si pagar o no. Si le gusta, abona la entrada, y si no le gusta se va sin soltar un solo céntimo. La compañía lo puso en práctica en noviembre en la sala Triángulo de Madrid con su espectáculo “Gracias”. Este montaje, que lleva el subtítulo de “graciosidades de dos desgraciados muy agraciados”, consiste en una varieté de piezas cómicas para todos los gustos por la que desﬁlan desopilantes personajes: dos clowns dándose la espalda en una lucha libre, directores de orquesta desaﬁnando a los grandes clásicos, la crisis encarnada en un títere, un mimo negro degenerado, un strip-tease cabaretero, un caballo sin cuerpo, azafatas lavativas, gorilas uniformados y hasta videoproyecciones multimedia. Todo ello interpretado por Fausto Ansaldi y Yeyo Guerrero, que en este montaje suben al escenario lo mejor de sus siete años trabajando juntos en el terreno de la comicidad.

Tengo una familia moderna Pilar Ordóñez presentará su nuevo monólogo el 22 de enero

a actriz Pilar Ordóñez irrumpe de nuevo en los escenarios con un brillante monólogo de humor bajo el brazo que lleva el título de “Tengo una familia moderna”. Este divertido texto, que promete provocar las carcajadas del más reacio, se estrenará oﬁcialmente el 23 de enero en la sala Galileo Galilei de Madrid, aunque se llevará a cabo una función previa en el municipio madrileño de Zarzalejo el día 14 del mismo mes. “Tengo una familia moderna” explica, en clave de humor y de manera muy entretenida, cómo son las relaciones familiares y los problemas intergeneracionales en la sociedad actual, en la que el modelo tradicional de familia convive con otras múltiples fórmulas. Los amantes de este género escénico también podrán disfrutar de este monólogo en la localidad de Valdemorillo, en Madrid, el próximo 2 de marzo. www.elespectaculoteatral.es

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Momix Remix Momix celebra su XXX aniversario con un espectáculo que recopila sus mejores momentos

a fama que la compañía de danza Momix posee a nivel mundial se ha labrado a base de romper los límites de lo convencional y de crear un universo estético propio. Ahora el público madrileño dispone de la posibilidad de ver un espectáculo que recopila lo mejor de su trayectoria. “Momix Remix”, que así se titula esta batidora de sus momentos más emblemáticos con los que la formación estadounidense celebra su XXX aniversario, se podrá ver en la sala Roja de los madrileños Teatros del Canal entre los próximos días 1 de diciembre y 1 de enero.

“Momix Remix” nos propone una caleidoscópica compilación de los números más signiﬁcativos, originales y sugestivos, seleccionados de entre todas las producciones realizadas por la compañía a lo largo de su historia: desde la primera mágica y sorprendente “Momix Classics”, a la última y espectacular “Bothanica!”. Además, y como deliciosa guinda del pastel, la compañía dirigida y fundada por Moses Pendleton ha creado dos nuevas piezas: “Termas de Caracalla” y “If you need somebody”.

Gernika, danza sobre lienzo Exitosa gira por Argentina y Uruguay de esta pieza de Aukeran

a compañía vasca de danza Aukeran ya ha regresado de la gira que recientemente ha realizado al otro lado del Atlántico con su espectáculo “Gernika, danza sobre lienzo”. Su periplo comenzó en Argentina, donde su emotiva puesta en escena fue acogida por el teatro París de la ciudad de Necochea el 11 de noviembre, y por el teatro Municipal de Rosario el día 17 del mismo mes. Posteriormente la formación se trasladó a Uruguay, más concretamente a la sala Zitarrosa de Montevideo el día 19. En su equipaje de vuelta Aukeran tuvo que hacer hueco a los aplausos y a las buenas críticas cosechadas durante su estancia en Latinoamérica. “Gernika, danza sobre lienzo” narra lo ocurrido en abril de 1937 en la localidad vizcaína contado en la primera persona del plural, es decir, por aquellos que sufrieron el terrible bombardeo que asoló el lugar. La propuesta fusiona la danza tradicional y la contemporánea gracias a las coreografías ideadas por Edu Muruamendiaraz, fundador de la compañía, y se aprovecha del uso de luces y colores para crear diferentes ambientes. En el montaje los fallecidos en el bombardeo vuelven de la muerte para contar lo sucedido. Hablan de cómo era su vida antes de la destrucción, de cómo se desató el inﬁerno de la guerra sobre su pueblo, y de cómo, a través de la memoria, es posible renacer.

La compañía vasca Aukeran durante su reciente estancia en Argentina.

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el mundo del espectáculo teatral musicales

El percusionista Entra en la Red de Teatros de la Comunidad de Madrid

os últimos meses han sido trepidantes para Gorsy Edú, el polifacético intérprete guineano de “El percusionista”. La obra que distribuye la empresa madrileña Menchosa participó el pasado mes de julio en el XX Festival Internacional de las Culturas Pirineos Sur, donde cosechó una gran ovación. Ya en octubre, entre los días 1 y 9, llenó la sala Guindalera de Madrid, mientras que desde el 2 de noviembre y hasta el 26 de diciembre realizará su segunda gira por Latinoamérica, con la que recorrerá Argentina, Paraguay, Bolivia, Cuba y República Dominicana. Además, durante el primer semestre de 2012 se representará en varios de los teatros integrados en la Red de Teatros de la Comunidad de Madrid. En “El percusionista”, un espectáculo en el que el público juega un papel muy importante, un músico anciano instruye a su nieto a través de la música. La vida en la aldea, las costumbres y la cultura africana viajan de una generación a otra a través de los ritmos del percusionista. Pero cumpliendo con el dicho africano –”Los días que hacen crecer a los niños son los mismos que envejecen a los ancianos”–, el abuelo cae enfermo, consecuencia de su vejez. El afán por curar al anciano obliga al muchacho a emigrar a Europa, llevando consigo únicamente el saber de su pueblo encerrado en las melodías y ritmos africanos tradicionales. Más información en la edición digital

Made in Spain, el musical de tu vida Las mejores canciones de los años 60 y 70 de la mano de La Década Prodigiosa

ara todos aquellos que en el terreno musical consideran que cualquier tiempo pasado fue mejor, llega “Made in Spain, el musical de tu vida”, un espectáculo en el que se desgranan temas inolvidables de los años 60 y 70 de la mano de La Década Prodigiosa. Cristina Conde, Jennifer Rubio, Jose Zapata y Kike Navas, integrantes actuales de esta mítica formación del pop español que en sus 26 años de trayectoria ha vendido más de 3 millones de discos, rescatarán lo mejor del pasado para añadir felicidad al presente y dar inicio a un futuro inmediato repleto de ilusión. Música ye-ye como “Tómbola”, de Marisol; canciones del verano como “Un rayo de sol”, de Los Diablos; triunfos de Eurovisión como “La la la”, de Massiel; composiciones de autor como “Mediterráneo”, de Serrat; éxitos de solistas femeninas y masculinos como “Mi querida España”, de Cecilia, o “Yo soy aquel”, de Raphael; o canciones protesta como “Libertad sin ira”, de Jarcha, son algunas de las piezas que se rememorarán con modernas adaptaciones en este espectáculo que cuenta con música en absoluto directo y con actuales coreografías, estás últimas a cargo de un cuerpo de baile compuesto por ocho bailarines. Durante dos horas, y con la intervención de un narrador que nos hará reír, conmovernos y añorar épocas pasadas, “Made in Spain, el musical de tu vida” nos recordará aquellas Más información en la edición digital dos “décadas prodigiosas” de nuestra vida. www.elespectaculoteatral.es

el mundo del espectáculo teatral circo y magia

compañías

Un pessic de sal

Foto: Beatriz González.

Circo Gran Fele ambienta su nuevo espectáculo en las fiestas de un pueblo

irco Gran Fele vuelve a poner una pequeña pizca de sal para transformar la escena en una ﬁesta para los sentidos. En “Un pessic de sal”, que así se titula su nuevo espectáculo, la formación valenciana nos invita a disfrutar de una gran celebración que transcurre en la plaza mayor de un pueblo. Trapecistas, acróbatas, equilibristas, payasos, títeres y autómatas se darán cita entre el ocaso y el alba. Circo Gran Fele integra en sus espectáculos elementos del circo de 1900, unido siempre a las ferias, a los gabinetes de curiosidades... a medio camino entre el espectáculo y la ciencia. La música,

interpretada en directo por su banda, procede de instrumentos de manivela, organillos, carracas, cajas de música o gramolas. Y también cuenta con títeres, que harán que los espectadores rían y pongan los mismos ojos de sorpresa que ponían sus tatarabuelos con la llegada de los titiriteros a su ciudad. La compañía, galardonada con el premio Nacional de Circo en 2008, estrenará “Un pessic de sal” el próximo 15 de diciembre en Valencia. Posteriormente iniciará una gira que, como en años anteriores, empezará en el Gran Teatre Antonio Ferrandis de la localidad de Paterna, también en Valencia.

Navidades mágicas Las fiestas navideñas se visten de magia y humor de la mano de Juan Tamariz i hablas de magia en España, hablas de Juan Tamariz. Los numerosos seguidores del conocido mago, sobre todo los de Madrid, están de enhorabuena, ya que desde el 14 de diciembre Tamariz presentará nuevos y sorprendentes números en el teatro Marquina de la capital en nueve únicas funciones que se desarrollarán hasta el 5 de enero. En “Navidades mágicas”, que así se llama este nuevo espectáculo del inclasiﬁcable ilusionista andaluz nacido en Madrid, las personas que integran el público se convierten en “especta-actores”, ya que, al cruzar el espejo, entrarán de lleno en el mundo de ilusión, fantasía y carcajadas en el que Juan Tamariz transforma todos sus montajes. Y todo ello bajo las fascinantes, aunque poco sonoras, melodías de su imaginario violín. Juan Tamariz lleva más de medio siglo dedicado al ilusionismo, especializado principalmente en cartomagia, pero también en magia de cerca. Además de en nuestro país, ha presentado sus espectáculos en ciudades como Chicago, Tokio, París, Milán o Estocolmo, por mencionar solo algunas de la numerosa lista. Y entre sus muchos reconocimientos cabe destacar su elección como Mago del Año en Estados Unidos en 1993, su triunfo como Campeón del Mundo de Cartomagia en 1973, o la concesión, por parte del Consejo de Ministros, de la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes de nuestro país el pasado mes de abril.

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el mundo del espectáculo teatral infantil

compañías

La abeja Maya, el musical

Los personajes de la famosa serie de televisión llegan a los escenarios

a abeja Maya, el zángano Willy y el resto de personajes de la inolvidable serie de televisión cobrarán vida, a partir del 3 de diciembre, en los escenarios teatrales. El primero en acoger “La abeja Maya, el musical” será el Nuevo Teatro Alcalá de Madrid, donde se estrenará este espectáculo con guión original y dirección escénica de Cristina Zambrana y Carlos Fernández, coreografía de Ana Alcázar, y música y arreglos de Jorge Escudero y Alberto Lozano. Limac Producciones es la responsable de este montaje que enseñará a los niños la importancia de respetar el medioambiente a través de canciones, bailes y actividades con las que pasarán un rato inolvidable. La protagonista es Lucía, una niña, amante de la naturaleza, cuyo objetivo es impedir la desaparición total de la ﬂor más bella de la comarca. Maya y Willy le ayudarán a llevar a cabo sus planes, descubriendo, junto a los niños del público, las claves del enigma que evitará la destrucción de la famosa ﬂor.

La fea durmiente Aprender a quererse a uno mismo es el principal mensaje de esta obra

a compañía Quenval Artística, bajo la distribución de Santamaría Producciones, presenta una nueva versión de “La bella durmiente”. ¿Qué pasaría si, en lugar de ser hermosa, la princesa de esta obra fuera fea? ¿Qué pensaría el príncipe al verla? Y es que la protagonista de “La fea durmiente” tiene una enorme nariz y el príncipe, en vez de querer salvarla, no deja de reírse de su defecto físico. Esta comedia musical, estrenada el 16 de octubre en la sala Tarambana de Madrid, trata de explicar, de manera divertida e interactiva con el público, que, más importante que encontrar al amor verdadero, lo es el quererse y aceptarse a uno mismo tal y como se es. Canciones originales ﬁrmadas por Jaime Iglesias y Juan Cáliz, humor, títeres, bailes, fantasía y un mensaje positivo construyen este espectáculo dirigido principalmente a niños de entre 4 y 11 años que gustará a partes iguales a padres e hijos. www.elespectaculoteatral.es

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compañías

Cenicienta, el musical

Un sueño de una noche de verano

Tempus Producciones repite el éxito que ya obtuvo con “Pinocho, un cuento musical”

Teatro defondo ofrece una versión infantil con electroduendes e irreductibles actores

iguiendo la estela de éxito que cosechó con su primer montaje, “Pinocho, un cuento musical”, con el que incluso optó al premio Max 2011 al Mejor Espectáculo Infantil y del que se han realizado más de 150 funciones, la empresa valenciana Tempus Producciones ofrece actualmente por todo el país “Cenicienta, el musical”. Este espectáculo fue estrenado el pasado mes de agosto en el Festival Internacional de Teatro y Danza de San Javier (Murcia), plataforma de gran repercusión dentro y fuera de nuestras fronteras que ya contribuyó a lanzar su anterior montaje. “Cenicienta, el musical” mantiene la esencia y la magia del cuento de siempre, aunque el envoltorio se aleja de los parámetros tradicionales. Así pues, podremos disfrutar de la clásica historia de amor y de triunfo personal, adornada con un vestuario soﬁsticado, una escenografía con cierto brillo de modernidad, un estilo musical cercano al pop actual y unas coreografías que nos transportarán de la elegancia del vals a la expresividad de los bailes urbanos. Solo durante el mes de diciembre el montaje hará escala en El Ferrol, La Coruña, Alzira (Valencia), Benifaió (Valencia), Torremolinos (Málaga), Gandía (Valencia), Molina de Segura (Murcia), Burgos y Pamplona, mientras que en enero también hará las delicias de los niños de Chinchilla (Albacete), Cartagena, Xativa (Valencia), Alfás del Pi (Alicante), Bilbao, Logroño y Cheste (Valencia).

nos duendes eléctricos, dos parejas de amantes que se pierden y un grupo de irreductibles actores aﬁcionados con nombres sospechosamente parecidos a los de unos conocidos galos..., todos se dan cita en un bosque. Es verano, es de noche y todo es posible cuando el mundo mágico choca con el mundo real por culpa del amor. Los “electroduendes” mezclarán las parejas, confundirán y transformarán a los actores y lo pondrán todo patas arriba a ritmo de rock y jazz. Todos estos ingredientes conforman la versión para niños mayores de 7 años de “Un sueño de una noche de verano”, el clásico de Shakespeare, que Teatro defondo, compañía que en 2012 cumplirá su primera década especializada en el teatro clásico, representa actualmente por todo el país. Tras cosechar un gran éxito en el recién inaugurado Teatro Circo Apolo de El Algar (Murcia) y en campaña escolar en el teatro Juan Prado de Valdemoro (Madrid), el 17 de diciembre llegará al teatro Bretón de los Herreros de Haro (La Rioja). Y durante el periodo navideño, en concreto entre el 22 de diciembre y el 8 de enero, hará escala en Madrid, en el teatro Fernán Gómez, para a continuación iniciar una gira por diversas localidades de la región madrileña. En esta versión, cinco actores –Mon Ceballos, Eva Higueras, Pablo Huetos, Pedro Santos y Gemma Solé– interpretan los 20 papeles de esta trepidante comedia, repleta de referentes muy familiares para el espectador como los cómic de Asterix, “La bola de cristal” o las consolas, que dirige Vanessa Martínez.

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el mundo del espectáculo teatral novedades

equipamiento

Escena Múltiple Proyecto de creación de una base de datos con modelos 3D de los recintos escénicos del país scena Múltiple es un nuevo proyecto de Juan Carlos Pascual, quien actualmente trabaja en el departamento de iluminación del Teatro de la Abadía y cuenta con una amplia experiencia profesional en el mundo de la producción técnica. El objetivo es convertir el sitio web escenamultiple.com en un portal de comunicación entre espacios escénicos y el personal que los utiliza. Está dirigido tanto a técnicos como a las propias compañías de teatro, coordinadores de giras y programadores y realizadores de cualquier tipo de evento. En Escena Múltiple se puede acceder a los diferentes recintos escénicos y moverse por ellos libremente en una representación gráﬁca en tres dimensiones, ver sus ﬁchas técnicas y planos en AutoCAD y SkechtUp, además de compartir o solicitar información sobre ese espacio, de manera que técnicos y compañías pueden

SeaChanger L

avanzar y planiﬁcar su trabajo antes de llegar al espacio, de la misma manera que los directores técnicos de dichos recintos pueden actualizar y poner a disposición de todos los detalles técnicos de sus escenarios tanto en formato 2D como en 3D.

Amplía su línea de productos con tres nuevas luminarias HMI

a firma norteamericana SeaChanger ha presentado recientemente tres nuevos focos, todos ellos equipados con una muy eficiente lámpara HMI de 575 vatios capaz de ofrecer 24.000 lúmens y que vienen a ampliar la actual gama de productos de la marca que emplea luz de tungsteno y de plasma. Con estos nuevos modelos (Profile, Wash y Exterior) los diseñadores de iluminación podrán disponer de más opciones en cuanto a lámparas para el reconocido SeaChanger Color Engine, el cual consiste en un sistema mezclador de colores CYM, dinámico y dicroico, junto con un regulador de luz mecánico suave. Al combinar el proceso de color CYM patentado de SeaChanger con una lámpara HMI los usuarios

pueden crear una paleta casi inﬁnita de colores estables y reproducibles que no cambian o desaparecen con el tiempo ni con los cambios de temperatura, junto con una fuente de luz de alta intensidad. Al igual que otras unidades de la marca, la luminaria HMI de SeaChanger utiliza componentes elipsoides ETC Source Four, por lo que es compatible con todos los accesorios estándar, como tubos de extensión Source Four, portagobos y gobos, top hats y kits iris. Asimismo, otra novedad reciente de este fabricante es una rápida tecnología de transición de color que incorporará a todos sus productos y que permite que el color cambie en tan solo 0,5 segundos.

equipamiento

el mundo del espectáculo teatral novedades

Soundcraft

Nueva consola digital Si Compact 16

no de los últimos lanzamientos de Soundcraft ha sido la gama de consolas Si Compact, la cual contiene toda la experiencia de la marca en el diseño de mezcladores digitales y se ofrece a unos precios muy competitivos. La versatilidad de estas mesas facilita su rápida adaptación a aplicaciones de la más diversa índole como actuaciones en directo, teatros, centros de congresos y eventos corporativos, entre otros. La nueva serie arrancó con el modelo Si Compact 24 y hace poco se ha completado con los modelos Si Compact 32 y Si Compact 16. Este último es el más pequeño de la serie; incorpora dieciséis entradas mono y cuatro retornos estéreo. Todas las entradas están equipadas con compresor, puerta de ruido, ecualizador paramétrico, ﬁltro pasa alto y delay (diseñado por BSS). De la misma manera que los mezcladores de tamaño superior Si1, Si2 y Si3, todas las mesas digitales de la serie Si Compact incluyen cuatro potentes procesadores de efectos Lexicon, cada uno con un bus de efectos dedicado, aportando así una gran riqueza de sonidos y parámetros ajustables a voluntad del usuario. Otra de las características destacables son los potenciómetros deslizantes, todos ellos motorizados y con tecnología FaderGlow, la cual ilumina cada potenciómetro con un color diferente, dependiendo del bus al que esté asignado. Cuenta además con un set de botones independiente por canal para ajuste de todos sus parámetros, desde la ganancia de entrada hasta la ecualización, dinámica y asignación a buses. Las amplias posibilidades de este mezclador se ven además incrementadas por las diversas opciones internas y de expansión de entradas y salidas que nos brinda: a las dieciséis entradas mono tenemos que añadir las dos entradas estéreo analógicas, la entrada y salida AES, las dieciséis salidas de línea analógicas y la salida de auriculares, sin olvidar la posibilidad de conectar cualquiera de las tarjetas accesorias de los modelos Si, es decir, tarjetas AES, AVIOM, Cobranet y MADI. La tarjeta MADI por ejemplo, además de constituir un interface para grabación multipista, permite conectar los mezcladores Si Compact a los Stage Box de Soundcraft y Studer, lo que amplía el número de entradas y salidas y, por tanto, la ﬂexibilidad de usos. Por último cabe destacar otras características y funciones de esta mesa como son: catorce buses auxiliares mono; cuatro buses matriciales; buses de mezcla LCR; cuatro grupos de mute; cuatro insertos asignables y, por supuesto, la integración con la tecnología de audio en red Harman HiQnet. Sin duda, se trata de un potente aparato que ofrece las más avanzadas prestaciones para presupuestos ajustados. www.elespectaculoteatral.es

el mundo del espectáculo teatral reﬂexión

la última

En tiempos difíciles necesitamos organizaciones sostenibles En esta entrega, nuestro colaborador, Robert Muro reflexiona sobre las oportunidades de mejora que el difícil momento actual plantea a las organizaciones culturales. Oportunidades todas ellas vinculadas al concepto de sostenibilidad. a principal tarea, el primer reto de las organizaciones culturales es sin duda la de hacerse sostenibles en estos tiempos difíciles. Más difíciles todavía en nuestro país, abandonado a los mercados por la incapacidad de políticos y ciudadanos de mirar de frente a los problemas durante tantos años. Tiempos difíciles, sí, pero tiempos de oportunidades y de trabajar duro, muy duro, para convertir esas oportunidades, esos retos, en garantía de supervivencia e incluso de éxito. Pero antes unas palabras sobre el término “sostenibilidad”, ese término que la ecología ha regalado a la cultura y al pensamiento político contemporáneo. No suelo quedarme prendado de neologismos, de desplazamientos de significado o de conceptos okupas de viejas palabras, pero éste siempre me ha gustado. Fíjense que si en su acepción medioambiental nos habla de mantener la diversidad y el equilibrio a lo largo del tiempo, en el ámbito de la cultura y de sus organizaciones expresa también la necesidad de mantener el equilibrio y la durabilidad en el ecosistema cultural y artístico; nos habla de la necesidad de conquistar la autonomía respecto a fuentes financieras externas; de la eficiencia en la gestión y una adecuada productividad. ¿Cómo no entender entonces la sostenibilidad, en los tiempos que vuelan, como un objetivo que debe guiar la estrategia de todas las organizaciones culturales que quieran seguir jugando a lo que les gusta? Los cambios en los que las actividades sociales, económicas y también culturales se encuentran inmersas, simplemente hacen mucho más urgente hacer frente al reto. Y ello porque son cambios que parecen haber llegado para quedarse bastante tiempo. Por un lado, el cambio de rol de los públicos hacia una participación cultural mucho más democrática, más activa y con más capacidad de decidir sobre lo que desean, cuándo lo desean y cómo lo quieren disfrutar; un cambio que en buena parte deviene y es puesto de relevancia por el desarrollo de las redes sociales y los nuevos medios. Otro cambio decisivo, relacionado con el anterior, estriba en que hoy los usuarios o consumidores culturales esperan y exigen un alto nivel de satisfacción en su experiencia, exigen calidad por lo que pagan, exigen ser escuchados por las organizaciones que los convocan. Y un

último cambio, que vivimos aceleradamente y como un ataque frontal a la supervivencia, es la brutal reducción de la financiación pública de la acción cultural. En su conjunto, estos cambios configuran un terreno de juego que es imprescindible entender y aceptar como un marco que también abre nuevos retos para la sostenibilidad de las organizaciones y un amplio abanico de oportunidades. Las preguntas que debemos hacernos son si las organizaciones están preparadas para sacar jugo de esas oportunidades, si cuantos trabajamos en ellas estamos preparados para hacer frente a esos retos y, si no es así, qué debemos hacer para orientarnos en el camino correcto en estos difíciles tiempos. Como he señalado ya en algún otro escrito (Asimétrica. Conectando audiencias, 2), cuantas oportunidades veo, cuantas medidas es preciso aplicar para alcanzar la sostenibilidad, se relacionan, por un lado, con los públicos, que siempre son la fuerza natural de las organizaciones artísticas y culturales, y, por otro, con las mejoras a introducir en las propias organizaciones. Son: 1. La oportunidad de desarrollar nuevos y originales métodos para afrontar los problemas de financiación y tesorería de forma más profesional y diversificada, lo que exige el desarrollo tanto de líneas de patrocinio y mecenazgo, como líneas de ingresos comerciales, diferenciadas de las estrictamente artísticas. 2. La oportunidad de aplicar técnicas de marketing con adecuados niveles de diversificación respecto a los clientes y usuarios, que eviten los estándares, la generalización, los lugares comunes y la homogeneidad de la oferta. 3. La oportunidad de posicionar en los “nuevos medios” –a la organización y sus productos o servicios–, de manera decidida y empleando los recursos más dinámicos e innovadores. Ello, además, permitirá mantener un diálogo más continuado y medible con los usuarios a través de vías de comunicación fáciles, ágiles y de doble dirección. 4. La oportunidad de mejorar la experiencia del usuario que, como objetivo de las organizaciones, debe tender a lo

memorable. Ello incluye el desarrollo de indicadores concretos para la medición de su comportamiento y su satisfacción, y la capacidad de recabar y tratar datos, entre los que los provenientes del ticketing son esenciales. Otro aspecto vinculado es la oportunidad de desarrollar programas de lealtad que favorezcan la estabilidad de las organizaciones. 5. La oportunidad de adecuar los perfiles profesionales de las personas, las plantillas, a las diversas tareas específicas de las organizaciones, lo que puede implicar en ocasiones cambios y renovación en los equipos o bien abordar procesos de formación para los actuales. Hoy, las comprensibles resistencias al cambio en el seno de las organizaciones se transforman en obstáculos para su supervivencia y su sostenibilidad en el largo plazo. Hoy, los verdaderos frenos a la sostenibilidad son la resistencia a hacer del cliente el eje de la actividad de la organización, la resistencia al empleo decidido y adecuado de los nuevos medios, la resistencia a la formación continuada de cuantos trabajan en las organizaciones, la resistencia a considerar con parecida dedicación los procesos creativos y los de gestión, particularmente los que tienen que ver con el marketing y con los públicos.No son tiempos de salir del paso ni de faenas de aliño, ni de hacer cueste lo que cueste lo que creativamente apetezca. Son tiempos de invertir en recursos para conectar sólidamente a las organizaciones con el entorno, pero también para planificar adecuadamente, para crear el contexto que permita pensar los procesos de abajo a arriba, para incorporar la tecnología adecuada a sus necesidades, para pedir ayuda experta… Son tiempos de invertir en autonomía, eficiencia, durabilidad y relación con el ecosistema cultural, del que los públicos son el factor esencial. Tiempos de invertir en sostenibilidad.Solamente así la Cultura alcanzará la relevancia que precisa para aportar verdadero valor a la sociedad.

Robert Muro www.robertmuro.wordpress.com www.elespectaculoteatral.es