N º 74 Junio 2012 El Espectáculo Teatral

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Editorial

No tenemos nada que perder E

n pocos días comienza en Mérida una edición del Festival Internacional de Teatro Clásico que puede servir de punto de inflexión para una forma de hacer las cosas en el sector profesional de las artes escénicas. El famoso modelo de gestión mixta entre lo público y lo privado, del que tanto hemos oído hablar desde hace ya varios meses, va a demostrar o no su viabilidad antes de que acabe el verano. Ni que decir tiene que hay mucho en juego.

Sin pretender ser agorero, pienso que lo que está por ver es, ni más ni menos, si la profesión tiene futuro.

Los ayuntamientos ya han comenzado a pagar sus deudas…, pero son pocos los que siguen generando actividad, con lo que el problema de todas las compañías o distribuidores (y todos los sectores profesionales asociados) ya no es cobrar, que algunos lo están consiguiendo, sino seguir facturando en el futuro más inmediato. Sigo pensando que lo que tenemos que procurar es seguir trabajando y para ello, a falta de ayuntamientos, habrá que buscar otras soluciones. Pueden ser patrocinadores –que imagino que es aún más complicado que lograr bolos en teatros municipales–, pero hasta que no haya una Ley de Mecenazgo que no sea al gusto del Ministerio de Hacienda, sino al de sus posibles usuarios. O puede ser, también, el modelo de compañías en residencia por el que aboga nuestro colaborador Robert Muro en estas mismas páginas y en el pasado número 73 de la revista. El único inconveniente que le encuentro a la brillante propuesta del querido Robert es que, una vez más, depende de la voluntad de los políticos, y en estos, no sé por qué, cada vez confío menos…

Pero, incluso, con la buena voluntad política, esta solución precisaría también –sintiéndolo mucho– de la taquilla. No soy yo el que se empeña en hablar de la taquilla, es la bofetada diaria de la realidad la que lo dice: “tanto vendes, tanto vales”.

Sé que vincular las posibilidades de supervivencia de las artes escénicas españolas a la gestión privada de espacios públicos es una posición “políticamente incorrecta”, pero pienso, sinceramente, que en las actuales circunstancias es la única que tenemos. Lo que “debiera ser”, no me canso de repetirlo, no quieren hacerlo nuestros políticos, así que queda descartado, salvo que mandemos a la tumba de una puñetera vez a la actual casta dirigente. No hay nada que discutir, nada que dialogar, nada que intentar razonar con las administraciones: lo que les entra por un oído les sale por el otro, a no ser que haya dinero de por medio. Cambiar pasa, indefectiblemente, por una transformación del modelo político tan brutal que se necesitarían varios lustros para que pudiéramos percibirlo.

Yendo de lo ideal a lo posible, hay que convenir que Pentación ha hecho una apuesta muy arriesgada al encargarse de la dirección de la quincuagésimo octava edición del Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida, porque si las cosas salen bien, el principal beneficiado es el propio patronato que convoca el festival, pero si salen mal… Si salen mal, es Pentación la que corre con las pérdidas. Las económicas y las intelectuales, ya que buena parte de su discurso sobre las posibles soluciones a esta crisis ha gravitado sobre este modelo de gestión.

Personalmente, confío en el éxito de esta edición. O, más bien, quiero creer en su éxito: sería la única buena noticia en un panorama desolador. Al menos abriría una ventana de relativo optimismo y podría dar a entender que ese mismo pacto entre empresas y administraciones se puede aplicar a otros ámbitos. Los recintos, afortunadamente, siguen ahí y aunque esté muy bien decir hay que “hay que exigir a la Administración que se usen”, nuestras exigencias se las pasan también por el arco del triunfo:: si los teatros y los maravillosos auditorios de que disponemos están a nuestra disposición no es por el afán cultural de los mandamases, sino por las comisiones subterráneas del negocio del ladrillo y sus precios inflados que se les quedaban entre las uñas.

Si el modelo tiene éxito, las compañías tendrán que unirse a continuación y ofrecer programaciones que resulten atractivas: ofertas que ningún concejal (o técnico) pueda rechazar. Necesitamos, además, nuevas ideas, abrirnos a escuchar aquello en lo que no nos hemos parado a pensar. Las conversaciones con los extraños son ahora más necesarias que nunca: lo que opinan nuestros conocidos ya lo sabemos y no parece que en esas charlas consigamos romper rutinas. Ahora viene Palma del Río, luego Ciudad Rodrigo. En septiembre, Tàrrega. En noviembre, en Sevilla, Mercartes. Necesitamos oir hasta lo más disparatado, porque las certezas con las que trabajábamos hasta ayer nos están hundiendo irremisiblemente.

Jesús Rodríguez Lenin Editor

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Edita: Publicaciones Teatrales S.L.

c/ Julián Camarillo 47 port. D of. 104 28037 MADRID Tel.: 91 304 04 88 Director: JESÚS RODRÍGUEZ FERNÁNDEZ lenin@dosdimensiones.es Director de arte: ENRIQUE PÉREZ eperez@dosdimensiones.es Redactor Jefe: JESÚS RODRÍGUEZ FERNÁNDEZ Redacción: JAVIER MORA, CLARENCE J. BODDICKER. Autoedición: LAURA R. DIONIS laura@dosdimensiones.es Publicidad: info@elespectaculoteatral.es Fotocomposición: Dos Dimensiones, S.L. Depósito Legal: M-46213-2005 Imprime: Villena Artes Gráficas.

Distribuye: National Post.

SUMARIO: 6 FERIAS Y EVENTOS - 6: Festival de Mérida - 8: Clásicos en Alcalá - 9: Almagro Off

14 COMPAÑÍAS - 14: Teatro de texto - 26: Humor - 28: Musicales - 29: Danza - 32: Circo - 33: Infantil OPINIÓN - 12: Heteatrodoxias, de Xavier Marcé - 34: La reflexión, de Robert Muro

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58 Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida Un cartel lleno de grandes nombres de la escena española aspira a recuperar el prestigio del certamen

Jesús Cimarro, director del festival, durante su intervención en la presentación del 58 Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida.

Detrás, el alcalde de la ciudad, Pedro Acedo (izda.) y el presidente de la Junta de Extremadura, José Antonio Monago.

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l próximo 5 de julio arranca la quincuagésimo octava edición del Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida. La programación llevada a cabo por Jesús Cimarro como nuevo director del certamen cuenta como plato fuerte con seis estrenos (cinco de ellos absolutos) con grandes nombres nacionales de la dirección y la actuación como reclamo.

El objetivo prioritario de la gestión encargada a la empresa madrileña Pentación es unificar calidad artística con la imprescindible rentabilidad económica que asegure la supervivencia de un festival que en los últimos años ha sido noticia, sobre todo, por sus escándalos financieros más que por la relevancia artística de sus propuestas. Jesús Cimarro afirma, con sorpresa, que muchos de los actores y actrices presentes en esta edición, nombres de la talla de Concha Velasco o Juan Fernández, no se habían subido todavía al escenario del teatro Romano de

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Mérida. En declaraciones publicadas en el número 72 de esta revista, Cimarro aseguró necesitar “un porcentaje de ocupación media del 65% para no perder…”, una propuesta de gran riesgo económico con la que, sin embargo, pretende demostrar la validez de su modelo de colaboración entre lo público y lo privado para la producción teatral.

El festival comienza con un espectáculo inaugural titulado “Hélade”, dirigido por Joan Ollé y protagonizado por Josep María Pou, Lluís Homar, Concha Velasco y Maribel Verdú, que se podrá presenciar del 5 al 8 de julio. Se trata de una visión de la crisis que vive la Grecia actual a través de una selección de textos de autores helenos, desde clásicos como Eurípides, Sófocles o Platón a autores del siglo XX como Yannis Ritsos a Konstandinos Kavafis.

Del 11 al 15 de julio se ofrecerá el “Anfitrión” de Plauto, en versión de Eduardo Galán y dirección de Juan

Carlos Pérez de la Fuente. Es el único espectáculo que no es estreno absoluto, ya que éste se habrá producido pocos días antes en Torrelavega. La comedia está protagonizada por Roberto Álvarez, Juanjo Cucalón, Jorge Roelas, Natalia Millán, María Felices y Patxi Freytez.

A esta obra le sigue, del 20 al 22 y del 24 al 29 de julio la “Electra” de Eurípides, protagonizada por Ana Belén, Julieta Serrano, Fran Perea, Juan Fernández, Carlos Álvarez Novoa y José Antonio Lucía, en una versión de Vicente Molina Foix con dirección de José Carlos Plaza.

Seguidamente, del 1 al 5 y del 8 al 12 de agosto, Rafael Álvarez “El Brujo” ofrecerá en un chispeante monólogo su personalísima adaptación de “La Odisea” de Homero.

Las dos últimas obras programadas corren a cargo de sendas compañías extremeñas: Desván Teatro, con “Bacantes”, de Eurípides, y Teatro del Noctámbulo, con www.elespectaculoteatral.es

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Acudieron al acto un gran número de actores y directores teatrales que participan en esta edición, entre los que podemos descubrir a Gabriel Moreno, Rafael Älvarez “El Brujo”, José Vicente Moirón, Paca Velardiez, Diego Ramos, Denis Rafter, Domingo Cruz, Juan Carlos Pérez de la Fuente, Julieta Serrano o Juan Fernández.

“Áyax”, de Sófocles. La primera, en versión y dirección de Carlos Álvarez Ossorio, ha comenzado a llamar poderosamente la atención por contar con la música en directo del compositor, DJ y productor discográfico Matthew Herbert, uno de los grandes nombres de la actual música electrónica de vanguardia.

El “Áyax” de Sófocles contará con la dirección del irlandés Denis Rafter y la música de uno de los grandes creadores nacionales de bandas sonoras, Roque Baños, ganador de tres premios Goya, por “Salomé”, “Las 13 rosas” y “Los crímenes de Oxford”.

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Una programación profesional paralela Junto a la programación de espectáculos, la quincuagésimo octava edición del Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida ofrecerá un ciclo de conferencias y un encuentro internacional de festivales internacionales. Grandes personalidades del teatro y la cultura europea participarán en ambos foros, abordando, dentro de las conferencias, temas como “La vida humana como un teatro”, “La Grecia clásica en la poesía griega moderna”, “Culpa y delito en la tragedia clásica” o “Dionisos en la literatura y religión griegas”.

El encuentro de festivales se celebrará los días 24 y 25 de julio y en él se aspira a abordar la situación actual de los festivales de teatro internacionales, mostrando una comparativa de los distintos modelos de gestión que se pueden encontrar en los principales certámenes europeos: Edimburgo, Aviñón o Epidauro.

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Festival de Artes Escénicas Clásicos en Alcalá 2012 Cuatro estrenos absolutos y veinticuatro compañías participantes en Clásicos en Alcalá 2012

La compañía Ron Lalá ofreció durante la presentación del festival un fragmento de su espectáculo “Siglo de Oro, Siglo de Ahora (Folía)”, que se estrena en el transcurso del certamen.

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l pasado 22 de mayo se presentó la programación del Festival de Artes Escénicas Clásicos en Alcalá 2012, que se celebra entre el 14 de junio y el 1 de julio y que acogerá un total de 87 actividades culturales; entre ellas se cuentan montajes de teatro y música, espectáculos de calle, cine, conferencias, exposiciones y talleres infantiles. La presentación estuvo a cargo del viceconsejero de Cultura y Deportes de la Comunidad de Madrid, Javier Hernández, acompañado por el concejal de Cultura, Universidad y Patrimonio Histórico del Ayuntamiento de Alcalá de Henares, Gustavo Severien, y el director del festival, Pablo Nogales.

En lo que a artes escénicas se refiere, un total de veinticuatro compañías procedentes de diferentes regiones del país participan en este festival, organizado por la Comunidad de Madrid y el Ayuntamiento de Alcalá de Henares. Habrá cuatro estrenos absolutos: “Siglo de Oro, Siglo de Ahora (Folía)”, de la compañía Ron Lalá; “La discreta enamorada & Doña Francisquita”, basada en las obras de Lope de Vega y Amadeo Vives, representada por la Academia del

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Verso de Alcalá y dirigida por Juan Polanco; “Coloquio de los perros”, adaptación de la novela ejemplar de Cervantes dirigida por Emilio del Valle y llevada a escena por las compañías (in)constantesteatro y A Loveira Producciones; y “Corporis”, espectáculo de calle realizado por la compañía Laitrum Teatre.

Asimismo, la programación cuenta con diez estrenos en la Comunidad de Madrid, entre ellos, “Coriolano”, de William Shakespeare, puesto en pie por El Canal y Teatro Lliure bajo la dirección de Àlex Rigola; “La dama boba”, de Lope de Vega, representada por la compañía Micomicón y dirigida por Laia Ripoll; “Los villanos de Shakespeare”, de Steven Berkoff, protagonizada por Manel Barceló; “Celestina, la tragicomedia”, de Fernando de Rojas, representada por Atalaya Teatro con dirección de Ricardo Iniesta; “El médico de su honra”, de Calderón de la Barca, llevada a los escenarios por Teatro Corsario; y el espectáculo musical del tenor John Potter y del laúd renacentista Ariel Abramovich, que interpretarán “A Pilgrim’s Solace”, de John Dowland.

Respecto a espectáculos de calle, podrá verse “Versos cara a cara”, con artistas como Ana Santos, Arturo Querejeta, Beatriz Arguello, Chete Lera, Daniel Alvadalejo, Francisco Carril, Greg Hicks, Lidia Palazuelos, Santi Senso y Toni Ponce. Y un año más, “La hoguera de los decorados. Noche de San Juan”, que contará con la presencia de la Big-Band de Alcalá para acompañar la quema de decorados teatrales.

Aparte de los espectáculos en sí, el festival cuenta con una amplia agenda de actividades paralelas entre las que se incluye el ciclo dedicado al cine “El séptimo clásico”, dos exposiciones y un total de siete conferencias. Además, este año se presenta “Espacios para la escena”, un concurso de proyectos con el objetivo de encontrar nuevos espacios para la escenografía teatral.

Por otro lado, Clásicos en Alcalá no se olvida de uno de sus principales objetivos, la creación de nuevos públicos para el teatro clásico y por ello ha programado para los más pequeños el “Taller de versos antiguos para niños modernos”. www.elespectaculoteatral.es

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II Certamen Internacional Almagro Off Diez obras de jóvenes directores compiten en la segunda edición de esta plataforma

“Exhumación”, de The Zombi Company, es uno de los espectáculos participantes en Almagro Off.

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or segunda vez el Certamen Internacional Almagro Off ofrece a los más jóvenes una plataforma para mostrar sus espectáculos basados en obras del barroco. La muestra se celebrará dentro de la programación del 35º Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro, en el espacio La Veleta, del 13 al 22 de julio, y el seleccionado como mejor espectáculo tendrá la oportunidad de clausurar la programación del teatro Municipal de la localidad manchega los días 26, 27 y 28 de julio.

Entre las sesenta y ocho propuestas recibidas se han seleccionado diez finalistas, las cuales están basadas en

cuatro autores. Cinco de los títulos están vinculados a Shakespeare: “Claudio, tío de Hamlet”, de Rajatabla Danza y Teatro; “Exhumación”, de The Zombi Company; “Mucho ruido y pocas nueces”, del Proyecto Conecta con Shakespeare; “Giulio Cesare”, de la compañía italiana I Termini; y “Merry war (Una guerra chistosa)”, de la compañía británica Hotel Teatro.

Lope de Vega estará representado por tres obras, dos de ellas procedentes de México, que este año será invitado de honor de la 35ª edición del Festival de Almagro.

La Compañía Seres Comunes realiza un laboratorio de creación en formato crudo

con “El castigo sin venganza”, y “La noche de San Juan” llega de la mano de INBA y UNAM. Por su parte, la compañía madrileña 300 Pistolas representará “El perro del hortelano”.

También procedente de Latinoamérica llegará La Quadrille con un montaje multimedia, que combina teatro, poesía, performance y música en vivo, titulado “La Quadrille” y basado en textos de María de Zayas.

Por último, la programación del Almagro Off se completa con Calderón de la Barca y “El pleito matrimonial del cuerpo y el alma”, auto sacramental de corte alegórico del Teatre Pedra / Teatre Kaddish.

Primera edición del Certamen Internacional Barroco Infantil

Imagen de “La hija de Shakespeare”, de La Mar de Marionetas.

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Por otra parte, este año se celebrará, también dentro de la programación del Festival de Almagro, el I Certamen Barroco Infantil, uno de cuyos principales objetivos es permitir el acercamiento de los más pequeños al teatro del barroco de una manera lúdica, inteligente y didáctica.

Para este apartado se han seleccionado ocho montajes que se exhibirán en el Teatro Municipal de Almagro entre el 12 y el 22 de julio. Al igual que el vencedor de Almagro Off, el espectáculo ganador clausurará con tres funciones la programación del mencionado teatro.

Los títeres y marionetas son sin duda uno de los grandes protagonistas. Un buen número de compañías se decanta por esta vía de expresión, como en “Yo soy la locura”, cuento histórico en clave de reflexión de la compañía Claroscuro; “Romeo y Julieta”, de Teatro Albero; “La hija de Shakespeare”, de La Mar de Marionetas; o “Pulgarcito”, de los catalanes Pa Sucat, espectáculo en el que conviven proyecciones audiovisuales, sombras chinas y música en directo. Música que también comparte otro espectáculo singular como “Perseo y Andrómeda”, de los italianos L’Aura Rilucente, obra basada en el libreto de una ópera barroca del compositor Jean Baptiste Lully.

Completan la programación del Barroco Infantil “Julia, un viaje teatrástico”, de la compañía de Teatro Clásico de Sevilla, “El doncel del caballero”, de La Quimera de Plástico Teatro y “Duelos de leyenda”, de la Cía Irremediable.

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Mercartes

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Interesantes novedades y ventajas para los expositores en su quinta edición

os próximos 14 y 15 de noviembre el Palacio de Exposiciones y Congresos Sevilla, FIBES, acogerá la quinta edición del Mercado de las Artes Escénicas, Mercates 2012. Esta convocatoria bienal, que desde 2004 se ha consolidado como un encuentro comercial de referencia para todos los agentes del sector de las artes escénicas, ofrece a todos los profesionales, organizaciones y empresas diferentes modalidades de participación, presentando este año algunas interesantes novedades, como es un sistema de tarifas más flexible y económico a través de formatos como los “puntos de encuentro” individuales de bajo coste, o los acuerdos alcanzados con operadores, que facilitarán ofertas promocionales de transporte y alojamiento.

Organizado por la Federación Estatal de Asociaciones de Empresas de Teatro y Danza (FAETEDA), La Red Española de Teatros, Circuitos, Auditorios y Festivales de titularidad pública y la Asociación de Autores de Teatro (ATT), con la colaboración de la Federación Estatal de Asociaciones de Gestores Culturales (FEAGC), Mercartes pretende continuar en el camino de cooperación entre agentes públicos y privados para encontrar modelos de ges-

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tión más eficientes y sostenibles. De forma complementaria, durante la feria tendrá lugar la presentación del “Informe bienal sobre la situación actual y las tendencias del mercado de las artes escénicas en España”, un trabajo en el que participan diferentes especialistas en la materia y que quiere servir como diagnóstico de la evolución del sector y como análisis prospectivo de los retos a los que hará frente en el futuro. Será también durante el acto de apertura, el 14 de noviembre, cuando se dé a conocer el “Manifiesto Mercartes 2012”, en el que todas las entidades organizadoras expresarán la voluntad del sector escénico de encontrar un modelo de desarrollo sostenible.

Por otro lado, la feria contará con la presencia de representantes de organizaciones y proyectos escénicos de México D.F. y Caracas, que podrán establecer acuerdos de cooperación o contratar funciones, fomentando así el intercambio entre las ciudades invitadas y España. Del mismo modo, será destacada la participación activa de creadores, en una apuesta de la organización para reunir en un mismo escenario a productores y exhibidores con autores y compañías.

También será novedad la participación de

empresas de equipamiento y servicios técnicos, de ticketing y CRM, comunicación o logística. En concreto, la asociación AFIAL, que agrupa a los principales fabricantes e importadores de equipos de sonido e iluminación del país, contará con su propio stand corporativo en la feria.

Además, los profesionales y empresas asistentes podrán disponer de un servicio de asesoramiento adaptado a sus necesidades. Esta asesoría se concreta en una atención personalizada que sugiere a los profesionales modalidades de participación que se adaptan a su línea de negocio, con servicios de acompañamiento y de gestión de entrevistas y otras actividades para facilitar el máximo número de encuentros entre operadores. Visitas guiadas para los programadores a los diferentes expositores, presentaciones de proyectos artísticos o empresariales de futuro y un Foro de los Negocios completan las propuestas del nuevo Mercartes.

Por último, cabe mencionar que, al igual que en la pasada convocatoria de 2010, la feria volverá a ser escenario para el Salón Internacional del Libro Teatral, cita que celebrará su decimosegunda edición y está organizada por la Asociación de Autores de Teatro. www.elespectaculoteatral.es

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Umore Azoka 2012 Reunió a más de 36.000 espectadores en su XIII edición a pesar de la llluvia

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pesar de la climatología adversa la XIII edición de Umore Azoka-Feria de Artistas Callejeros de Leioa, celebrada entre el 17 y el 20 de mayo, consiguió reunir a 36.200 espectadores (el año pasado fueron alrededor de 45.000) una cifra más que satisfactoria para sus organizadores, teniendo en cuenta que la lluvia, sobre todo durante el fin de semana, hizo que algunos espectáculos no pudiesen llevarse a cabo.

Aunque finalmente fueron suspendidas una decena de funciones, la utilización de espacios alternativos permitió salvar algunas de ellas y acoger a las compañías en buenas condiciones. Las suspensiones propiciaron además que otros espectadores se acercasen a la exposición de bicicletas ubicada en Kultur Leioa o que aprovechasen para realizar un paseo urbano y disfrutar con los retratos de la Instalación fotográfica CLOWNTRAIT de Asier Bastida. La incidencia de la lluvia se minimizará aún más en futuras ediciones con la entrada en servicio de una zona techada en el Boulevard, a donde podrán trasladarse muchos espectáculos.

Durante las dos primeras jornadas pudieron ofrecerse 23 de los 39 espectáculos previstos, que reunieron a 9.200 espectadores el jueves y 15.000 el viernes. Según Ana lópez, directora de la feria “Fue una sorpresa ver a tanta gente en esas dos jornadas y, especialmente, la gran cantidad de espectadores jóvenes”. El sábado había programados 39 espectáculos y finalmente se ofrecieron 27 a los que acudieron 10.800 espectadores “en parte –aclara López– por haber podido trasladar las funciones a los polideportivos locales.

Finalmente, el domingo un total de 1.200 espectadores acudieron a las tres funciones representadas de las cuatro que estaban previstas.

En lo que respecta al ámbito profesional de la feria, López afirma que “programadores y las compañías han mostrado una satisfacción generalizada”. En total hubo 175 profesionales acreditados. Además, el programa de actividades complementarias incluía los XIV Encuentros Profesionales de las Artes de Calle de Euskadi, organizados por la Asociación ARTEKALE, entidad integrada por distintas entidades públicas y privadas y de la cual participa el Ayuntamiento de Leioa. Este encuentro contó con la presencia de directores de diferentes festivales europeos y estatales,

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Foto de familia de los distintos ganadores de los premios Umore Azoka 2012.

como son: Karolina Pacewiz, directora adjunta del Festival FETA (Polonia); Angus MacKechnie, director de Plataforms and Witch this Space (Reino Unido); Casper de Vries, director de Festival Spoffin & The Garden of Delights (Holanda); Gabrielle Koch, directora de LaStrada Festival-Bremen (Alemania); Philipe Macret, director artístico de Festival de Amiens y Pole Cirque de Amiens (Francia) y Denis Lafaurie, director del festival Cratére Surface en Alés (Francia). Todos ellos ofrecieron su punto de vista sobre la influencia que la crisis económica que se vive a nivel mundial está teniendo en el sector de las Artes Escénicas.

Ganadores de los premios Umore Azoka 2012 Mejor Espectáculo de Euskadi

“Suz (A fuego)”, de Gaitzerdi Teatroa

Mejor Espectáculo del Resto del Mundo “Rue des Dames”, de La Passante (Francia)

Mención Especial

“Gnosia”, de ATX Teatroa

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el mundo del espectáculo teatral opinión

Sobre los códigos de buenas prácticas ¿Dónde rige la fortaleza de un centro cultural? ¿En la naturaleza de sus funciones o en las virtudes de su director? Nuestro colaborador Xavier Marcé aborda en el siguiente artículo el debate que se está produciendo en Cataluña sobre los cambios en el CCCB y el Teatre Nacional de Catalunya.

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os grandes centros culturales públicos están viviendo momentos duros.

Las aportaciones directas del Estado se están reduciendo y viven a la espera de una incierta ley de mecenazgo que poco a poco se está convirtiendo en la gran esperanza de nuestro sistema cultural. Hay que señalar que el impacto de una ley de esta naturaleza es lento (en Francia se recaudaron 150 millones en el año 2004 y la cifra se ha ido incrementando hasta los 650 en el año 2011) y que buena parte de su eficacia depende de los retornos en imagen que consiguen los patrocinadores lo cual está directamente relacionado con los recursos públicos existentes. De ello se deduce que la necesidad de una buena ley de aportaciones privadas a la cultura es importante pero que no debe confundirse con un modelo alternativo de financiación de la misma.

En este periodo intermedio los ajustes de gestión tienen una gran visibilidad: reducciones de plantilla, eliminación de gastos innecesarios, ánalisis de productividad, etc; y de paso una mayor claridad en los procesos de selección del personal ejecutivo y de manera especial del director de cada centro. Todo dentro de esta carátula que aparentemente acabamos de descubrir a la que denominamos “código de buenas prácticas”, obviando, no pocas veces, un debate mucho más trascendente como es el que afecta a las funciones que debe desarrollar cada centro cultural. A menudo, todo ello supone un absurdo simulacro de transparencia que pone en evidencia uno de los principales problemas de los centros culturales públicos españoles: ¿cuál es su misión cultural y cuáles los instrumentos para evaluar su funcionamiento?

En Catalunya hemos vivido recientemente un caso paradigmático que tiene relación con esta problemática. Se trata del relevo de Josep Ramoneda en la dirección del CCCB, que ha recaído, al final, en Marçal Sintes. Una parte de la opinión pública, y me refiero obviamente a la eximia minoría de personas que discute y debate este tipo de cosas, ha entrado al trapo demonizando al nuevo director, en el bien

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entendido que Ramoneda realizó una excelente labor y que su salida ha tenido ciertos tintes políticos. Sobre Sintes se ha dicho de todo; se le tacha de periodista orgánico, se le cuestiona su inexperiencia como gestor o se le alaba su trayectoria catalanista, pero de lo que se habla poco o nada es del CCCB y mucho menos de cuál es el encargo sociocultural al que debe dar respuesta. En cualquier caso resultaría mucho más sensato discutir la idoneidad del nuevo director bajo estas premisas que no sobre una simple comparación con las virtudes del anterior director.

Algo similar ocurre en otro proceso de selección, abierto recientemente para la sustitución de Sergi Belbel al frente del Teatre Nacional de Catalunya. Estamos en un proceso de reducción presupuestaria, se debate la viabilidad de una plantilla sobredimensionada, se discute el número de obras a realizar, pero apenas se destina tiempo a replantear el modelo TNC en el contexto de la actual situación del teatro catalán e indirectamente español. De nuevo, los esfuerzos por generar un proceso transparente se basan en la normativa para elegir al nuevo director, sin plantearse cuál es el perfil idóneo del responsable final de un centro de tanta importancia sectorial en la actual situación político-cultural y por supuesto económica.

En el caso del TNC, el proceso tiene su miga: un conjunto de especialistas seleccionan a un máximo de cinco candidatos entre todos aquellos que hayan manifestado su voluntad de acceder a la dirección del teatro. Los finalistas deberán presentar un proyecto que será evaluado por los responsables políticos de la Consejería para elegir al futuro director. No hace falta señalar que la primera selección (la de los precandidatos) ya incorpora todo tipo de tópicos sobre la naturaleza de las familias teatrales catalanas y los obvios apriorismos asociados al estricto análisis de méritos. Mucho más interesante sería establecer un conjunto de requerimientos previos y objetivos que le permitiera a un potencial candidato autoexcluirse por

razones de expectativa personal. No hay más que mirar la lista de los precandidatos (Broggi, Portacelli, Mestres i Albertí) como para darse cuenta de que más de uno se lo pensaría si los objetivos imaginables para los próximos años del TNC se pusieran claramente encima de la mesa (menos dinero, mayor dedicación a los retos de gestión de recurso, austeridad artística, etc). Es evidente que se trata de cuatro excelentes directores (lo cual no justifica la inexplicable ausencia de alguno más, igualmente excelente), pero muy probablemente la idea de TNC que tiene cada uno de ellos en la cabeza es muy distinta.

Ahí reside el problema. ¿Dónde rige la fortaleza de un centro cultural? ¿En la naturaleza de sus funciones o en las virtudes de su director? Y no vale buscar una respuesta tramposa; que el director adecuado añade solvencia al centro es obvio, pero que la falta de un encargo preciso puede suponer el nombramiento de un director inadecuado también. Ninguno de los nombres supone un problema a priori, pero nada parece indicar que las virtudes personales acaben siendo esencialmente estricto valor añadido.

Hace pocos meses vivimos en Barcelona una selección altamente confusa en el Auditorio municipal. Se descartaron los más de veinte candidatos presentados a una primera selección abierta, por su teórica falta de idoneidad. La posterior contratación directa del Director acabó en un desastre por razones de gestión irregular de fondos económicos, sin que surgiera ningún tipo de análisis crítico sobre el proceso de selección. En los últimos años se habla mucho de buenas prácticas, concepto que se asocia directamente a la elección de los cargos públicos de libre designación, pero raramente se establecen los criterios de evaluación de resultados que lógicamente deben medirse en función del encargo recibido. De ahí que o todos buenos o todos malos; depende del partido político al que le toque poner la vara de medir.

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el mundo del espectáculo teatral teatro de texto

Desnudando a los clásicos

Nuevo acto íntimo de Santi Senso basado en textos clásicos anti Senso, creador del “teatro íntimo”, estrenará este verano en el Festival de Teatro Clásico de Cáceres y en Clásicos en Alcalá su nueva propuesta, “Desnudando a los clásicos”, basada en textos como “Romeo y Julieta”, “Hamlet”, “Don Juan” y la “Divina Comedia”. En este nuevo acto íntimo, sin escenografía, ni vestuario, ni atrezzo, desnuda a los es-

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critores que escribieron dichas obras bajo la censura moral de la época que les tocó vivir.

Los actos íntimos de Senso han sido representados en festivales de teatro nacionales e internacionales e incluso en Latinoamérica en espacios poco convencionales como casas particulares, habitaciones de hoteles, cuevas, garajes, sótanos, naves indus-

Ron Lalá ofrece su visión iconoclasta del teatro breve del Barroco

triales, salas de cine o caravanas. Lleva más de diez años experimentando con su compañía, Simbolía Teatro de los Sentimientos, para hacer que el lenguaje íntimo siga vivo en obras como “Hiela el calor”, “El amor eterno”, “Velar el desvelo”, “La cosa más maravillosa del mundo”, “Orgiame, la depravación del YO”, “HeroINtiMIsmo” o “Intento, un acto de amor”.

Foto: David Ruiz

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n su nuevo proyecto, “Siglo de Oro, Siglo de ahora (Folía)”, la compañía Ron Lalá propone una revisión contemporánea de la “folía”, “folla” o fiesta barroca de piezas breves, recreando estructuras, personajes, situaciones, metros y ritmos del entremés tradicional, desde los pasos de Lope de Rueda hasta los sainetes de Ramón de la Cruz, pasando por todos los grandes dramaturgos del Barroco y rindiendo homenaje a numerosas obras, escenas, poemas y fragmentos de los grandes autores de la época, tanto españoles como europeos.

El espectáculo se estrenó dentro de la programación del festival Clásicos en Alcalá el 14 de junio. Es una colección de piezas que se sucede a ritmo vertiginoso y en la que no falta la música en directo, como es habitual en los montajes de los irreverentes miembros de Ron Lalá, así como el humor genial, incisivo y ácido en grandes dosis. Para llevarla a cabo han investigado las diferentes tradiciones europeas del género (teatro barroco español, commedia dell’arte, teatro isabelino, etc.), creando un juego formal, textual, escénico y musical entre tradición y modernidad.

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Él médico de su honra Foto: Jesús Peña

Teatro Corsario celebra su 30º aniversario con una versión de la obra de Calderón de la Barca a cargo de Jesús Peña

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a Compañía Teatro Corsario celebró su 30º aniversario con el estreno el 12 de mayo en el Teatro Liceo de Salamanca de “El médico de su honra”, de Pedro Calderón de la Barca, en una versión escrita y dirigida por Jesús Peña. De esta manera los responsables de la compañía continúan su andadura en el recuerdo del que fue su histórico director, Fernando Urdiales, bajo cuya batuta la compañía ha puesto en pie una veintena de espectáculos con preferencia especial por las obras de Calderón, pero también de otros autores clásicos como Lope de Vega, Tirso de Molina, Shakespeare o Sófocles, por citar tan sólo algunos de sus referentes.

“El médico de su honra” cuenta la historia de don Gutierre, un hombre obsesionado con la sospecha del posible amor entre su esposa Mencía y el hermano del rey, el infante don Enrique. Para que el supuesto adulterio no se haga público, don Gutierre decide ser el “médico de su honra” y llevar a cabo un diabólico plan. Jesús Peña, quien también ejerce como responsable del repertorio de títeres de Teatro Corsario, ha abordado un texto que a pesar del paso del tiempo por desgracia sigue teniendo actualidad.

Muchos de los abominables guardianes de la honra consideran propiedad privada a las mujeres con que comparten su vida. La honra se asocia con los ancestrales derechos de sangre y herencia. Esta obra es, entre otras muchas cosas, el retrato de un hombre que se carga de razones para defender su honra. Y Calderón, que disfruta sometiendo a sus personajes a situaciones extremas, concibe unas circunstancias en el límite de lo verosímil; para que no haya escapatoria, para recordarnos que debemos deshacer la maraña de los prejuicios si queremos pensar con claridad. Esa misma claridad es el objetivo de esta versión. www.elespectaculoteatral.es

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El Oso

El Teatro de Cámara Chéjov estrena este montaje y se salva del cierre gracias a la UNIR

Eleuterio, historia de u Teatro del Barro elige a “El Lute” como ejemplo de que el conocimiento lleva a la libertad

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l director ruso afincado en Madrid Ángel Gutierrez ha puesto en escena la versión teatral de “El Oso”, uno de los cuentos más conocidos del dramaturgo, novelista y cuentista ruso Anton Chéjov. La adaptación de la obra acaba de subirse a las tablas del Teatro de Cámara Chéjov, donde se representa esta historia sobre un terrateniente que se enzarza en una discusión con una viuda por una deuda impagada que ésta no quiere abonar, lo que deviene en una discusión sin salida entre estos dos personajes que, por más que intenten ocultarlo, están enamorados apasionadamente el uno del otro.

Con este estreno el Teatro de Cámara Chéjov inicia una nueva etapa en la que la Universidad Internacional de la Rioja (UNIR) se hará cargo del recinto escénico madrileño. De esta forma destaca la originalidad de la unión entre teatro y universidad, que abre numerosas posibilidades de investigación sobre el legado de Stanislavski a través de publicaciones o como centro de documentación teatral. A pesar del vínculo con la UNIR, la esencia del Teatro de Cámara Chéjov continúa en la figura de Ángel Gutierrez que entiende el teatro como un conjunto orquestal, fundamentando su método en las técnicas de Stanislavski y formando a sus propios actores con el objetivo de crear cantera.

En esta ocasión, para “El Oso” Ángel Gutierrez no sólo se ha encargado de la puesta en escena, sino también del diseño de escenografía, la iluminación y el espacio sonoro, dirigiendo así a la compañía del teatro que está compuesta por Germán Estebas y Jesús Salgado (en el papel de Grigori Stapanovich Smirnov), Elena Niconorova Petrova (como Elena Ivánovna Popova) y José Luis Checa (encarnando a Luká).

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ntre el 7 y el 29 de junio la sala madrileña El Montacargas acoge las funciones del nuevo montaje de la compañía Teatro del Barro: “Eleuterio, historia de un hombre libre”. Esta joven compañía ha elegido la figura de “el Lute” como motivo de su obra debido a que él sufrió en su propia persona toda la cólera de un Estado represor y fascista, así como terribles penalidades solamente por haber nacido dentro de una familia pobre, en una España tercermundista. Pero lo que más interesante de su historia es la forma en que se rebeló y luchó por su libertad.

Totalmente analfabeto ingresó en la cárcel y gracias a su afán de superación comenzó a alfabetizarse hasta salir 18 años después licenciado en Derecho y convertido en un hombre completamente libre.

Luis Callejo ejerce el papel protagonista de una obra cuyo punto de partida es la salida de la cárcel de El Lute en 1981. A partir de ahí se desarrolla una historia de superación personal cuyo principal objetivo es fomentar y valorar la importancia de la cultura en la formación del individuo y cómo a través de la sabiduría se puede alcanzar la verdadera libertad.

En la colonia penitenciaria Versión sobre textos de Franz Kafka de Gruppo Teatro y Espada de Madera

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ruppo Teatro y el teatro Espada de Madera han estrenado “En la colonia penitenciaria”, una versión teatral basada en las obras originales de Kafka “El castillo” y “La colonia penitenciaria” realizada por Vicente Camacho, quien también ejerce la dirección escénica junto a Xabier Olza. Ambos son a su vez son los dos actores protagonistas del montaje.

El texto narra la historia de un tecnócrata que es destinado a realizar tareas de supervisión en un presidio, donde la justicia es administrada de una forma tan original como inhumana. Allí es recibido por un oficial que le informará del funcionamiento del penal y la extraordinaria manera en la que son ejecutados los prisioneros. La obra invita al espectador a recapacitar sobre conceptos como la justicia, la libertad y la compasión, valiéndose para ello de una cuidadosa puesta en escena donde la palabra es el eje principal de la acción. www.elespectaculoteatral.es

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de un hombre libre

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Martes de Carnaval

Teatro del Norte homenajea a Valle-Inclán

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ras su espectáculo “Muerte de un poeta: Federico García Lorca”, estrenado en 2011 como homenaje al autor granadino, este año la compañía Teatro del Norte hace lo propio con Ramón del Valle-Inclán.

Frente a Lorca, que ha sido compañero de viaje a lo largo de veintisiete años de existencia de la compañía asturiana, con un total de ocho montajes, Valle-Inclán solo se asomó al repertorio de Teatro del Norte en 2006 con su pequeño esperpento “¿Para cuándo son las reclamaciones diplomáticas?” y con un espectáculo demostración sobre su obra que forma parte del Museo del Teatro de la compañía.

De todos los temas, personajes y situaciones que ValleInclán barajó en su extensa obra, lo que han elegido en Teatro del Norte es su mundo militar, sus “Martes de Carnaval”. El espectáculo, lleno de humor corrosivo y continuador de la corriente del esperpento, propone un recorrido por el militarismo de comienzos del siglo XX sobre el que sustenta la España del presente. En definitiva, gira alrededor de esos militares de farsa, de charanga y pandereta, puros fantoches, pretendiendo provocar una reflexión tanto sobre nuestro pasado reciente como sobre los tiempos que vivimos actualmente.

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Verano

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Tamzin Townsend dirige a Ana Marzoa, Ruth Gabriel y Lidia Navarro en esta obra escrita por Jorge Roelas

l trabajo hasta ahora conocido de Jorge Roelas como autor son sus monólogos “Produsto’s d’España” y “Esto a qué venía”. Recientemente se lanzó a escribir “Verano”, una obra con tres personajes interpretados por Ana Marzoa, Ruth Gabriel y Lidia Navarro, bajo la dirección de Tamzin Townsend, y que ha sido puesta en pie por las productoras Cinco Jotas y Toñi Arranz.

“Verano” es una obra que podría entrar en la categoría de thriller con bastante de comedia. Su estructura dramática está basada en las comedias clásicas de salón pero con interesantes innovaciones, como por ejemplo el galán ausente y la exclusiva presencia de personajes femeninos. La acción comienza a la hora de la siesta de una bochornosa tarde de verano y terminará al caer la noche con el aire fresco y renovador que llega después de una gran e inesperada tormenta.

Las protagonistas son tres mujeres insatisfechas y dependientes de la aprobación y del afecto de un mismo hombre que ha marcado sus vidas. Las tres tienen mucho en común pero ninguna es lo que parece.

Cada una tiene sus propios planes para esa tarde en la que nada saldrá según lo previsto. Las tres ambicionan la totalidad del poder y del control de la situación, y por ello se enfrentan a sí mismas y entre ellas

en un arriesgado juego de trampas y mentiras. En esa tarde desvelan sus más sucios secretos, muestran sus debilidades, abren sus heridas y se encaran con el rencor que las ha hecho tan infelices.

El rumor analógico de las cosas Foto: Alba Lajarín.

Fernanda Orazi explora la identidad arriesgando con diez actores en escena

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a actriz y directora Fernanda Orazi –a quien ya vimos dirigir en el Festival de Otoño en Primavera de 2010 con “Susana en el agua y con la boca abierta”– sigue la huella de la última generación de autores y directores argentinos iniciada en España con Daniel Veronese y Claudio Tolcachir. Su colaboración habitual con Pablo Messiez (aplaudido recientemente por sus trabajos “Los ojos” y “Las criadas”, que también protagoniza Orazi), la ubica en un terreno interesante que atrae a público y crítica.

Representada en la sala Cuarta Pared desde finales de mayo y hasta el 17 de junio, en “El rumor analógico de las cosas” Orazi teje una metáfora escénica sobre el teatro como vida y la vida como teatro. Sobre la tragedia y la comedia que esconde la búsqueda de la identidad. Para ello se suben a escena diez actores, algo poco frecuente a

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día de hoy, donde embarcarse en proyectos numerosos resulta más que arriesgado.

Sobre lo que quiere transmitir este montaje Orazi afirma: “Creyendo que la belleza se podría agarrar caímos en la trampa del lenguaje y salimos por la parte de atrás, donde todo lo obvio se vuelve absurdo, nos

caímos de la risa tropezando en las palabras, en los sentidos, nos caímos de espaldas sobre los nombres que nombran lo que no sabemos, se nos dio vuelta a todo y entonces nos detuvimos a contemplar.

Aventuramos una hipótesis: estamos soñando siempre...”. www.elespectaculoteatral.es

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No somos ángeles Baraka Teatro estrena su nuevo montaje en la sala Cuarta Pared

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a compañía Baraka Teatro estrenará su nuevo montaje, “No somos ángeles”, el próximo 29 de junio en la sala Cuarta Pared de Madrid, donde permanecerá hasta el 8 de julio. Con dramaturgia y dirección de María Caudevilla, narra la historia de cinco personas desde su infancia, cómo llegan a conocerse entablando una gran amistad y terminan uniéndose para formar una compañía y hacer teatro.

A través de regresiones y saltos temporales, conoceremos los momentos más significativos del grupo, y en especial, el acontecimiento que supuso el antes y el después de la compañía; el accidente de su líder. Todos sufren una potente crisis que les hace replantearse quiénes son y qué quieren hacer con sus vidas. A partir de este hecho, cada uno de ellos reconstruye las piezas de un pasado olvidado. Y solo al final del recorrido tendrán una visión completa del dibujo.

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Historias de la radio Álvaro Saenz de Heredia ha

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adaptado para la escena la película de su tío

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istorias de la radio” fue el mayor éxito cinematográfico de José Luis Sáenz de Heredia, una obra que ahora, recién cumplido en 2011 el centenario del nacimiento del cineasta, ha recuperado para los escenarios su sobrino Álvaro y se estrenará en el teatro Fígaro de Madrid el próximo 20 de junio.

Producida por Divina Comedia Teatro, la adaptación ha supuesto todo un desafío, puesto que Álvaro Sáenz de Heredia ha querido rendir un homenaje muy fiel, conservando al máximo la ternura de la trama y el frescor de los diálogos. Tampoco ha querido renunciar a los numerosos decorados utilizados en la película y que sorprenderán al espectador al encontrarlos sobre el escenario.

Con un elenco formado por nueve actores: Manel Castillejos, Kepa Fersán, Pingüi, Juan Garrido, Emily Suárez, Félix Granado, Elena Villalba, Juan Carlos Moya y Lucía Alonso, “Historias de la radio” narra tres historias cómicas enlazadas por una de amor, todo ello ambientado en el mundo de la radio de los años 50.

Zen Residui Teatro trae de gira a Europa el espectáculo de la compañía mexicana Cartaphilus Teatro

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l pasado 18 de mayo la sala La Usina acogió el estreno en Madrid del espectáculo “Zen”, de la compañía mexicana Cartaphilus Teatro, que realiza su gira europea, después de permanecer en programación un año entero en México DF, gracias a la compañía Residui Teatro.

Ambas mantienen un proyecto de colaboración, denominado Puente Entre Dos Mundos, que las une artísticamente desde hace casi una década.

Creado por el director de Cartaphilus Teatro, Luis Ibar, “Zen” es un espectáculo multidisciplinar en el que se dan cita la danza, el vídeo y las artes visuales (escenografía y máscaras). Está dirigido a todo tipo de públicos, aunque pone énfasis en los jóvenes, dadas las evocaciones fantás-

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ticas que puede suscitar. Tiene un estilo y una estética oníricos y surrealistas, apelando más a las emociones que a la razón. La presencia del texto se reduce a una sola escena y el resto, las imágenes y los mo-

vimientos de los cuerpos tratan de traducir los momentos cotidianos de amor, sorpresa, ternura, alegría, nostalgia… los momentos de relación con el otro o de renuncia al dolor. www.elespectaculoteatral.es

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Miserias Domésticas Doble Sentido nos muestra un piso compartido como el mejor escaparate de la mezquindad

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iserias domésticas” es el cuarto proyecto que ha afrontado la joven compañía Doble Sentido y se estrena el 15 de junio en el teatro Lagrada de Madrid, donde permanecerá hasta el 1 de julio. Se trata de una comedia que tiene como escenario un piso compartido por cuatro treintañeros. Esta es una forma de convivencia muy habitual actualmente, pero tiende a poner de manifiesto los comportamientos más mezquinos que pueden surgir de las relaciones humanas.

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Al igual que el resto de obras de la compañía de la que es miembro, “Miserias domésticas” está escrita y dirigida por Mariano Rochman quien afirma que comenzó “a escribir esta obra con el convencimiento de hablar acerca de las miserias, esa forma tan particular que muchas personas tienen para relacionarse con lo material o con sus semejantes. Comencé a reunir experiencias y a pensar en el tema sabiendo que quería escribir una comedia sórdida o ácida por momentos, donde la mayoría de la

gente pudiera sentirse identificado y divertirse. A partir de ahí, la reflexión ya quedará para cada uno”. El elenco de la obra está formado por el propio Rochman junto a las actrices Raquel Alarcón, Pilar Cabanillas y Mónica Monferrer, quienes interpretan a esos cuatro personajes que absurdamente se sumergen en un ambiente donde abusos de confianza, desmesuradas reglas de convivencia, pequeños o grandes robos, infidelidades y toda clase de faltas de respeto son la moneda corriente.

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Agonía y éxtasis de Steve Jobs Uno de los monólogos más polémicos de Broadway ya tiene versión española

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gonía y éxtasis de Steve Jobs”, uno de los textos más polémicos del año en Broadway, ya tiene versión española coproducida por Drive Enterteinment y Vaca Estudio. Se trata de un sencillo montaje, un monólogo con audiovisuales, protagonizado en esta ocasión por Daniel Muriel y con dirección escénica de David Serrano, director y guionista de cine que por segunda vez se introduce en el teatro después del estreno del musical “Más de cien mentiras”. La versión española del texto original

de Mike Daisey ha sido creada por Nacho Artime, adaptador de más de 200 títulos de teatro y musicales.

Mike Daisey es uno de los actores y autores americanos de más éxito en los últimos años. Es un gran provocador que aborda siempre con humor ácido temas políticamente incorrectos. Su fama empezó con su monólogo “21 años perros”, que estrenó hace diez años y en el que contaba su experiencia personal como vendedor de Amazon.com. Este fue el inicio de una

carrera en la que ha estrenado un total de quince monólogos. En “Agonía y éxtasis de Steve Jobs” el protagonista, empleando el afilado humor de Daisey, nos conduce hacia dos iconos de la actualidad: Steve Jobs y la marca Apple. Nos habla en clave periodística de determinados viajes a China, a las factorías de producción de prácticamente todos los gadgets de Apple, y de la investigación llevada a cabo para desvelar la penosa vida de miles de trabajadores de las fábricas de los conocidos iPhone o iPad.

Mi sobrino el concejal Sube al Escenario pone en escena la comedia de Concha Rodríguez

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esde el pasado 6 de junio el Pequeño Teatro Gran Vía de Madrid acoge las funciones de “Mi sobrino el concejal”, una comedia escrita en 2005 por la dramaturga, actriz y directora extremeña Concha Rodríguez que ahora pone en pie y dirige la productora Sube al Escenario.

El argumento de la obra sigue teniendo gran actualidad y gira en torno a una familia corrupta que invita a cenar a su sobrino, nombrado concejal de Asuntos Propios del Ayuntamiento. Cada miembro de la familia querrá llevarse toda la atención del invitado para sus propios favores. Los papeles protagonistas están interpretados por Berta Ojea, Chema del Barco, Víctor Sevilla y Fede Rey. El texto destila humor ácido e irónico y pretende poner de manifiesto un pedazo de realidad con intención de divertir a partir de mirarnos a nosotros mismos, de vernos patéticos, ansiando la suerte del otro, la felicidad del otro y su poder.

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Chema del Barco.

Berta Ojea.

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Perra vida; dulces sueños La compañía El Montacargas celebra su 25º aniversario con dos estrenos y prorroga “Perra vida; dulces sueños”

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urante este mes la compañía madrileña El Montacargas celebra su 25º aniversario acogiendo dos estrenos en su sala: “Eleuterio, historia de un hombre libre”, de la compañía Teatro del Barro, y “Dúo católico”, de The Sinflow. Por otro lado, gracias al apoyo del público y las excelentes críticas recibidas, ha decidido prorrogar unas semanas más las representaciones de su último montaje, “Perra vida; dulces sueños”.

La compañía fue fundada, con el nombre de La Torre Infiel, por Aurora Navarro y Manuel Fernández Nieves en París, donde estrenaron su primer montaje, “Bouges pas, poupeé”, en junio de 1987. Después realizarían una gira de un año en Canarias y seguidamente se trasladarían a Madrid, donde acometerían su segunda producción, “Maloficio”, escrita para ellos por Nancho Novo, dirigida por Markus Von Watchel, con escenografía de Brayda y vestuario de Essy Ngomo; nombres que luego formarían parte del elenco habitual de la compañía.

Fue en 1993 cuando decidieron abrir la sala El Montacargas y la compañía adoptaría el mismo nombre. En dicha sala, aparte de recibir a veinte compañías, realizar más de 200 representaciones anuales y organizar ciclos de todo tipo, les ha dado tiempo para hacer una producción propia por año. La primera fue “Creator” –sobre la comedia “Dios”, de Woody Allen–, que con un presupuesto mínimo consiguió llenar todos los días la sala, haciendo incluso funciones extras. A este montaje seguirían otros muchos, siempre con un estilo variado, ecléctico y lúdico. Tal y como los responsables de la compañía afirman: “Todas nuestras obras han sido muy distintas, pero todas tienen mucho en común: teatro comprometido con nuestro tiempo, teatro donde el humor sea el arma más eficaz para hablar de lo ‘serio’, teatro donde todo el mundo se pueda reflejar porque es ‘humano’ y teatro que quiere cambiar el mundo y es optimista”.

“Perra vida; dulces sueños” se viene representando en El Montacargas desde el pasado 2 de marzo. Se trata de una comedia de humor negro escrita por Miguel Morillo que tiene como protagonistas a dos antihéroes interpretados por Aurora Navarro y Manuel Fernández. Con la crisis como telón de fondo y nuevamente con un presupuesto muy austero, estos dos actores hacen un magnífico trabajo contando una historia surrealista e hilarante.

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el mundo del espectáculo teatral humor

Llorar por llorar

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Pez en Raya recupera su formato original con este espectáculo protagonizado por Cristina Medina y Joan Estrader

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a nueva producción de la compañía “cataluza” (catalana y andaluza) Pez en Raya, “Llorar por llorar”, llega este verano a los escenarios de Barcelona, donde permanecerá entre el 27 de junio y el 5 de agosto en la sala Pepe Rubianes del Club Capitol. El espectáculo recupera el formato original y de éxito de la compañía: Cristina Medina y Joan Estrader en el escenario. Una pareja de actores que trabaja el humor absurdo con absoluta finura y elegancia y que levanta la risa del espectador durante toda la función. En definitiva, un show que abarca un amplio espectro de espectadores que buscan disfrutar de un humor sorprendente, muy asequible y de alta calidad.

La dirección de “Llorar por llorar” la firma David Sant, habitual colaborador de la compañía. Catalán afincado en Londres desde 1993 donde tiene su propia compañía, Peepolykus, la cual cuenta ya con más de diez años de existencia y está considerada por la crítica, el público y la profesión como una de las mejores compañías de “Komedy” en Inglaterra.

Somos idiotas porque es lo más inteligente Martelache celebra su décimo aniversario y cierra su “Trilogía Idiota” con esta nueva comedia

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a compañía Martelache, en colaboración con Dimelek Teatro, estrenó el pasado 6 de junio en el teatro Arenal de Madrid “Somos idiotas porque es lo más inteligente”, una nueva comedia que viene a cerrar la “Trilogía Idiota” de Chema Rodríguez-Calderón, que comenzó en 2002 con “Idioteces profundas contadas por imbéciles inteligentes” y continuaría con “Comedia idiota con título absurdo”. Ambas cuentan en su haber con más de 200 representaciones, 20.000 espectadores y cuatro premios en festivales de teatro.

Se han visto dentro y fuera de España, en Argentina, Chile, El Salvador o Nicaragua, entre otros países.

Bajo la dirección de Blanca Baltés, e interpretada por el propio Chema Rodríguez-Calderón y Marta Ochando, el nuevo montaje mantiene el derroche de humor ácido de sus predecesores y es un retrato irónico, cómico y alocado sobre el mundo de las relaciones personales: una pareja de artistas decide separarse del mismo modo que ha vivido toda su vida, sobre el escenario. Repasan su vida ante el público y esto da lugar a situaciones divertidas y por momentos delirantes.

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Cirque de Légume E

el mundo del espectáculo teatral humor

La compañía irlandesa hace gira en España a través de iCultur

l espectáculo homónimo de la compañía irlandesa Cirque de Légume estará de gira en nuestro país durante este año y el próximo de la mano de la empresa distribuidora iCultur. Se trata de una pieza de teatro cómico gestual en la que dos artistas, Mister y Missis, tratan de hacer un espectáculo tipo Circo del Sol utilizando nada más que una silla y una caja llena de verduras.

Este sencillo montaje señala el camino a seguir para un nuevo estilo de teatro basado en una excelente capacidad de rendimiento físico y en el espíritu de juego puro.

En una época en que una obra de teatro se puede hacer con el presupuesto de una película pequeña, Cirque de Légume es un refrescante recordatorio de que todo lo que se necesita para un gran espectáculo es dos payasos y unos cuantos vegetales desechados.

Cirque de Légume llega a España después de arrasar internacionalmente. Ha realizado una gira nacional por Irlanda y otra por Londres, ha participado en el Mayfest (Festival de Teatro Contemporáneo de Bristol), ha recibido cinco estrellas en el festival de circo de Montreal y ha cosechado un gran éxito en el teatro 59E59, uno de los principales teatros off-Broadway de Nueva York.

Lo peor de Los Quintana

La compañía argentina satiriza el fanatismo televisivo a través de la fonomímica

Foto: Julio Castro Jiménez

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ras cinco años de éxito en Latinoamérica, la compañía argentina Los Quintana llega a nuestro país con su nueva creación, “Lo peor de Los Quintana”, que se representa en el Teatro Lara de Madrid entre el 15 de junio y el 28 de julio.

En este nuevo montaje los protagonistas son dos divertidas empleadas de hogar, un control remoto y un televisor. El fanatismo por la televisión y la adicción al zapping de estos personajes hacen disfrutar al público de un humor rápido y desenfrenado.

Como en todos los trabajos de la compañía, en esta reciente creación también se echa mano de la técnica de la fonomímica para citar pasajes de teleseries y películas, elegidas por los contenidos absurdos, románticos e insólitos de los diálogos. El tratamiento esperpéntico de los personajes, especialmente de los tipos femeninos, y el transformismo, con más de veinte vertiginosos cambios de vestuario, son otros de los ingredientes presentes en esta obra que saben manejar a la perfección Los Quintana.

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el mundo del espectáculo teatral musicales

My fair lady

Paloma San Basilio protagoniza el musical que inicia su gira el 29 de junio en Santa Cruz de Tenerife

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Foto: Sergio Parra.

a gira del musical “My fair lady”, la nueva producción de Stage Entertainment en nuestro país, arrancará en el Auditorio de Tenerife Adán Martín el próximo 29 de junio y llegará a más de veinte ciudades españolas durante este año y el próximo.

Paloma San Basilio vuelve a los escenarios para interpretar el personaje principal de la obra, Elisa Doolittle. Junto a ella completan el elenco artístico otros grandes actores como Juan Gea, en el papel del profesor Henry Higgins; Joan Crosas, quien volverá a encarnar, como ya hizo en 2001, el personaje de Alfred P. Doolittle; la actriz Ana María Vidal, que dará vida a la Sra. Higgins; Jose Ramón Henche, que se pondrá en la piel del coronel Hugh Pickering; Víctor Díaz, que también repite en el personaje de Freddie Eynsford-Hill; y Luisa Fernanda Gaona en el papel del ama de llaves Sra. Pearce.

Jaime Azpilicueta es el encargado de dirigir esta producción, que cuenta con Sergi Cuenca como director musical, Montse Amenós como directora de escenografía, Gabriela Salaverri en el diseño de vestuario, Goyo Montero como el coreógrafo y Joan Rodón en el diseño de vídeo.

“My fair lady” fue estrenado por primera vez en Broadway en 1956. Considerado como “el musical perfecto” según el diario New York Times, ha sido galardonado, entre otros reconocimientos, con nueve premios Tony y seis Premios Olivier Awards.

La película dirigida por George Cukor y protagonizada por Audrey Hepburn y Rex Harrison obtuvo ocho premios Oscar en 1964.

Concha. Yo lo que quiero es bailar

Concha Velasco repasa sus cincuenta años de carrera en un espectáculo unipersonal

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oncha Velasco celebra sus cincuenta años de carrera con un espectáculo en el que se enfrenta a su público para reflexionar, hablar de su trayectoria, de sus personajes, de las obras que ha hecho (y de las que no ha hecho, también), de los éxitos y de los fracasos.

En gira por todo el país, “Concha. Yo lo que quiero es bailar” tiene como base el texto escrito por Juan Carlos Rubio sobre la biografía y el propio relato oral de la artista. La dirección y dramaturgia corre a cargo de José María Pou y la dirección musical y arreglos son de Xavier Mestres, quien también participa en directo al piano y la voz, acompañado por los músicos Tomàs Alcalde (violín, teclado y voces), Roger Conesa (saxo, batería y voces) y Xavi Sánchez (contrabajo y voces).

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el mundo del espectáculo teatral danza

Gálata

Carmen El Ballet Flamenco de Madrid

La historia de la ciudad de Estambul contada a través de la danza

Foto: Jorge Badolato.

comenzó la séptima temporada con 10.000 entradas vendidas

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l Nuevo Teatro Alcalá de Madrid acoge entre el 14 y el 24 de junio las funciones de “Galata”, un espectáculo dedicado a la historia de la ciudad de Estambul que nos presenta, a través de diversos estilos de la danza oriental y coreografías contemporáneas, la conquista del Bósforo por los griegos, las luchas por el poder, la Constantinopla bizantina, la gran conquista de 1453 por los turcos otomanos, la fascinación que la Estambul otomana ha provocado en todo el occidente y la efervescencia de la moderna cuidad de la actualidad.

Creado y dirigido por Cristiane Azem, “Gálata” cuenta con cuarenta bailarinas en escena, más de 300 trajes y lo mejor de la música turca, mostrando la gran variedad de registros, ritmos e influencias que se pueden encontrar en ese país.

Cristiane Azem, coreógrafa y directora de la compañía Fenicia, lleva 18 años en España y dirige el estudio Cristiane Azem Danza y Arte, donde realiza una importante labor de formación y divulgación acerca de las culturas orientales en España, integradas a la expresión escénica.

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l Ballet Flamenco de Madrid comenzó el 15 de mayo su séptima temporada en la capital con “Carmen”, de Bizet, habiendo vendido 10.000 entradas con antelación. Tras seis años de éxito y más de 500.000 espectadores este espectáculo se ha convertido ya en un clásico de los veranos en Madrid. En esta ocasión, el escenario elegido ha sido el teatro Nuevo Apolo.

El elenco artístico de la obra está compuesto por veinticinco artistas (bailarines y músicos) encabezados por Verónica Cantos (Carmen) y Francisco Guerrero (Don José); con la participación especial de su coreógrafa: Sara Lezana.

El Ballet Flamenco de Madrid es una compañía independiente (no subvencionada) creada por Luciano Ruiz y desde sus comienzos, en 2005, ha recorrido países como Italia, Alemania, Portugal, Egipto, Emiratos Árabes, China, Costa Rica, Perú o México. Aglutina años de experiencia y preparación e intenta romper el tópico del flamenco como único baile español. Otras obras en las que esta compañía demuestra su esfuerzo por mantener lo ortodoxo en el concepto del baile español son: “El amor brujo”, “Antología de la danza española y flamenco” y “Carmina Burana”.

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Lo real / Le Réel / The Real

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La nueva producción de Israel Galván junto al Théatre de la Ville de París se estrenará en el Teatro Real de Madrid en diciembre l próximo mes de diciembre se estrenará en el Teatro Real de Madrid una nueva producción del bailarín y coreógrafo Israel Galván con el Théatre de la Ville de París. Se trata de “Lo real / Le Réel / The Real”, un encargo realizado directamente por Gerard Mortier, director artístico del emblemático recinto madrileño.

“Lo real / Le Réel / The Real”, explica Chema Blanco, director de marketing y comunicación de A Negro, la empresa que gestiona la carrera artística de Galván, desarrolla un viejo proyecto del coreógrafo, que quería abordar la idea del holocausto del pueblo gitano. “El espaldarazo del Teatro Real es lo que necesitábamos – comenta Blanco– para terminar de poner en marcha este trabajo, que estará en la capital del 12 al 22 de diciembre y en febrero en el Thèatre de la Ville de París”.

En la habitual heterodoxia de Galván, “Lo real / Le Réel / The Real” cuenta entre su música con el tema “Hitler in my heart” de Antony and The Johnsons, que apareció en 1998 en el primer disco de la banda. No es un hecho casual: el propio Antony Hegarty y la performer serbia Marina Abramovic habían presenciado una actuación de Israel en Nueva York en febrero de 2010, pocos meses antes de que el bailaor sevillano actuara en el Teatro de La Abadía de Madrid presentando su espectáculo “Solo”. A esta actuación volvieron a acudir Antony y Abramovic, acompañados por Bob Wilson y el propio Gerard Mortier. “Fue después de esa función cuando Mortier nos invitó a tomar unas copas –recuerda Chema

Foto: Felix Vazquez.

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Blanco– y en el transcurso de esa noche se gestó el encargo para que desarrolláramos ‘Lo real / Le Réel / The Real’, que hemos empezado a ensayar a principios de 2012”.

El último vuelo del mantón

Blanca del Rey se despide de los escenarios

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lanca del Rey ofreció su última actuación el 7 de junio en la Sala Roja de los Teatros del Canal. El espectáculo “El último vuelo del mantón”, dentro de la programación del VII Festival Flamenco de la Comunidad de Madrid-Suma Flamenca, rendía homenaje a la bailaora reuniendo a dieciséis artistas sobre escena.

Fue la ocasión de repetir la mágica noche del pasado mes de agosto donde unos pocos elegidos asistieron a la última actuación de Blanca del Rey en su Corral de la Morería. Cordobesa con temprana vocación por la danza, desde pequeña ha transformado la música en movimiento de forma autodidacta. Fue nombrada representante de la Danza Española a petición de Jacques Delors; a lo largo de su carrera ha protagonizado espectáculos como “Los tarantos”, con el Ballet Nacional de España, y “Carte blanche”, de Maurice Béjart; ha inspirado a Yehudi Menuhin y Ravin Shankar en su espectáculo “Del Sitar a la Guitarra” y ha coreografiado y bailado la ópera “La vida breve” en el Teatro de la Zarzuela, entre otros muchos hitos.

Premio Nacional de Flamenco, alcanza su máxima expresión en su “Soleá del mantón”, en la que emplea un mantón que tiene más de 100 años y pesa más de 20 kilos, formando una simbiosis con su cuerpo para transformarse en un vestido, toca de beata, cola de un caballo o capote de torero. Su elegancia y gracia hacen que esta coreografía única haya creado escuela en la historia del flamenco.

En “El último vuelo del mantón” estuvo acompañada al baile por Belén López, Jesús Fernández, Marco Flores, Olga Pericet, Adrián Sánchez, Manuel Liñán, Silvia Durán y el cuerpo de baile del Corral de la Morería; al cante por Perrete, Yeyé de Cádiz y Cuquito de Barbate; y al toque por Felipe Maya, Antonio “El Muñeco” y Pino Losada.

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el mundo del espectáculo teatral danza

Identities

La identidad desde el punto de vista de cinco grandes coreógrafas e intérpretes

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el 22 al 24 de junio el Teatro Fernán Gómez de Madrid acoge el estreno absoluto de “Identities”, dentro de la programación del Festival Danza en la Villa 2012. Este espectáculo reúne a cinco grandes coreógrafas e intérpretes, actualmente repartidas por la geografía europea: Mariko Aoyama (franco-japonesa), residente en París; Catherine Allard (belga) y Susan Kempster (hispano-australiana), en Barcelona; Hilde Koch (hispano-alemana), en Alicante, y Mónica Runde (hispano– alemana), en Madrid.

Estas mujeres han desarrollado su trabajo junto a grandes creadores de la danza como Pina Baush, Maurice Béjart, William Forsythe, Mats Ek, Jiri Kylián o Nacho Duato, entre otros, o han permanecido en la creación independiente durante más de veinticinco años, llegando a obtener reconocimiento internacional.

El proyecto tiene como base la gestión participativa, la comunicación fluida y multidireccional para el desarrollo del proceso de creación, destacando el uso de la improvisación como recurso creativo. Natalia Menéndez y Carlos Iturrioz son responsables de la dirección artística y dramaturgia de

este espectáculo donde se quiere tratar y desarrollar el tema común de la identidad.

“Identities” es una producción del Teatro Fernán Gómez y 10 & 10 Danza S.L. que cuenta con la ayuda a la producción bie-

nal de la Dirección General de Promoción Cultural de la CAM y a la gira por el Ministerio de Cultura, Educación y Deportes, así como con la colaboración del Mercat de las Flors y Mediart Producciones.

Cesc Gelabert V.O.+ El coreógrafo estrena tres solos y revisa varias piezas antiguas en su nuevo espectáculo

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n su nuevo espectáculo, estrenado el pasado 24 de mayo en el Teatre Lliure de Montjuïc, el coreógrafo Cesc Gelabert incluye tres nuevos solos y la interpretación de piezas antiguas revisadas para la ocasión.

Recogiendo la experiencia acumulada en los últimos años con varios programas de divulgación, como “Un día con el público”, el bailarín introduce las diferentes piezas con breves comentarios, ya sean referencias de la obra o personales, explicaciones sobre su significado o ideas generales sobre la danza, anécdotas o comentarios del momento.

Con esta propuesta Gelabert regresa al núcleo de su creatividad, a la esencia de su movimiento y de su presencia. En la madurez de su carrera, desea ofrecer un montaje de piezas individuales, un hecho que le conduce a los inicios de una colaboración con el Teatre Lliure que nació el 16 de mayo de 1977 al presentar en Gràcia su primer solo, “Acció 0 - la ment i el cos”. Entre las piezas antiguas incluidas se encuentran la sección de Mompou de “Preludis” (2002), “Al Capone” (1982) con música de Prince Buster All Stars, “Lágrimas negras” (2003) con música de Miguel Matamoros, “Funny Valentine” (2005) con música de Richard Rodgers y Lorenz Hart y otras que podrán variar según los días o las circunstancias. Las tres piezas nuevas, “V.O.+1-2-3”, cuentan con una música original de Borja Ramos y vestuario diseñado por Lydia Azzopardi

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el mundo del espectáculo teatral circo

Rococó bananas

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Los Excéntricos presentarán su espectáculo en el festival de Aviñón

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ntes de sumergirse de lleno en la creación de su nuevo montaje, la compañía Los Excéntricos presentará “Rococó bananas” en el festival de Aviñón el próximo mes de julio. Probablemente sean las últimas ocasiones en que se represente este exitoso espectáculo, que ha recibido el premio Nacional de Cultura de la Generalitat de Catalunya 2011 en la categoría de circo.

El festival de Aviñón, uno de los más importantes a nivel mundial, celebrará su 66ª edición entre el 7 y el 28 de julio y la funciones de “Rococó bananas” tendrán lugar diariamente (excepto un descanso el 16 de julio) en el Théâtre de l’Étincelle.

La participación de Los Excéntricos con su espectáculo en el certamen está programada en el apartado Off del certamen, en el que llegan a representarse hasta 1.200 espectáculos diariamente en múltiples espacios de la antigua ciudad papal.

“Rococó bananas” es un espectáculo poético y surrealista que renueva la figura del clown mediante una mezcla sutil de modernidad y clasicismo. Malabares, bo-

fetadas, una cabeza parlante, una diva desafinada, un aspirador loco e intervenciones extravagantes se suceden a un ritmo frenético. Estos clowns, músicos virtuosos,

sorprenden con una multitud de instrumentos curiosos (escoba-bajo, un violín trompeta, cencerros de vacas…) y desatan las risas entre el público.

Nu 2.0

El pasado 27 de mayo el Auditorio de La Eliana (Valencia) acogió el estreno de “Nu 2.0”, el nuevo espectáculo de Circo Gran Fele, en el que la multipremiada compañía renuncia a la clásica pista circular para ofrecer un montaje con el paisaje urbano como protagonista.

“Nu 2.0” Es la visión imaginativa de un espectador que se sienta en el banco de una calle transitada y de repente es testigo de la transformación de simples elementos urbanos en maravillosos elementos circenses: los pasos, las bocinas, el respirar de las cálidas alcantarillas... farolas que escalar, papeleras que saltar, bancos que esquivar. Una ciudad ruidosa se convierte ante nuestros ojos en un parque de juegos.

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Foto: Beatriz González.

El paisaje urbano es el protagonista en el nuevo montaje de Circo Gran Fele

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el mundo del espectáculo teatral infantil

Jugando con: Los hermanos Grimm

Cocido Teatro convierte a su público en actor espontáneo para interpretar los cuentos clásicos

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l nuevo espectáculo de la compañía Cocido Teatro, “Jugando con: Los hermanos Grimm”, está basado en los cuentos clásicos de la pareja de escritores alemanes y en el mágico mundo creado por ellos, poblado personajes que han alimentado la fantasía de muchas generaciones de niños.

Lo peculiar es que en el montaje solo participan dos actores quienes, empleando diferentes lenguajes escénicos, tratan de estimular la atención y, sobre todo, provocar la participación del público. De esta manera el escenario se convierte en un campo de juego y los personajes experimentan momentos que tienen que resolver de manera espontánea, siempre motivados por los dos intérpretes principales. En definitiva, los niños del público tienen que ayudar a los dos protagonistas, Carol y Charlie, a contar los cuentos subiendo al escenario y convirtiéndose ellos también en protagonistas.

El objetivo no es otro que acercar el universo literario a los niños a través de la fantasía y hacerles partícipes en la narración desde una postura más activa y colaborativa.

Los tres cerditos

Ribalta Producciones inicia la gira nacional del primer montaje de la nueva compañía Pupaclown

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na nueva versión del cuento de “Los tres cerditos” escrita y dirigida por Juan Pedro Romera ha sido la elegida como primer montaje por la nueva compañía Centro Escénico Pupaclown, la cual está formada por un equipo de profesionales con amplia experiencia y tiene como vocación presentar a niños y jóvenes lo más destacado del acervo cultural que puebla nuestro imaginario.

La compañía nace con la intención de abordar la puesta en escena de cuentos tradicionales y textos teatrales creados para resaltar los principios básicos que han dado sentido al Centro: integración de la discapacidad en un ambiente normalizado.

Actualmente “Los tres cerditos” se encuentra en su gira nacional, puesta en marcha por la empresa Ribalta Producciones, encargada de su distribución y contratación.

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la última

el mundo del espectáculo teatral reflexión

Simbiosis para el futuro y futuro de la simbiosis.

Compañías residentes (II) En la segunda entrega de esta serie que nuestro colaborador, Robert Muro, dedica al trascendental tema de las residencias de compañías en teatros públicos, aborda lo que cada una de las partes aporta en esta fórmula, el valor multiplicador del mutualismo, y los principios que deben regir las convocatorias y adjudicaciones.

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roveniente de la biología, el término simbiosis es probablemente el más útil para definir el alma de las residencias de compañías en los teatros. Una de las definiciones de simbiosis es “asociación de dos organismos de especies diferentes que se favorecen mutuamente obteniendo un cierto beneficio para los dos.”

Precioso, porque el concepto de colaborar para obtener beneficio mutuo ha de ser el modelo de relación privilegiado en la acción cultural.

Colaboración y beneficio de las partes son valores, además, que adquieren una proyección extraordinaria si los ponemos en el marco de la situación económica que atravesamos y que amenaza con alargarse poniendo en peligro cierto el modelo de desarrollo cultural implícito en la Constitución española. Los programas de residencia de compañías en teatros públicos y privados, son una oportunidad verdaderamente trascendental que las instituciones y las compañías deben conocer más y poner conjuntamente en valor al servicio de la comunidad.

Pero, ¿qué es lo que cada una de las partes –teatros/instituciones, y compañías– aporta, y cuáles son los beneficios que obtiene de la colaboración?

Aunque lo apuntábamos en la anterior entrega, no está de más recordar lo que los teatros públicos y las instituciones que los amparan ponen en juego. Por un lado los espacios mismos, hoy claramente infrautilizados por los costes de gestión. Espacios para ensayo, almacenaje, representación. Espacios administrativos para que las compañías puedan instalar su aparato de gestión estable. Por otro lado, financiación.

Es cierto que disponer de una compañía estable que garantice estrenos, programación y otros valores añadidos, aligera los presupuestos de programación de los teatros que las acojan, pero las residencias no pueden ser gratuitas. El coste de oportunidad para las compañías de estrenar y representar por debajo de sus precios, o de aportar programas pedagógicos gratuitos, ha de ser a cambio de una aportación mínima tasada que haga las residencias interesantes para las compañías. Los teatros aportan también su aparato de mantenimiento y de gestión –particularmente la comunicación– al servicio de las actividades de la compañía residente, ahora ya “su” compañía residente.

A cambio, los teatros y centros de cultura que las acojan reciben relevantes aportaciones de las compañías residentes. La primera, la innovación que implica el asumir procesos de creación descentralizados que pueden hacer de ese teatro, hasta ahora limitado a acoger representaciones (en no pocas ocasiones neo-profesionales),

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un centro de creación periférico de calidad. Las compañías residentes no solamente ensayan sus nuevas producciones en esos teatros sino que ofrecen en ellos sus estrenos haciendo partícipe al propio teatro y a sus públicos de una labor de gran proyección. Además, las compañías desarrollan actividades formativas para los vecinos de los barrios en los que se enclavan los teatros y centros culturales. Con ellos, los ciudadanos que lo deseen se benefician de oferta formativa profesional y de calidad, descentralizada: una contribución notable a la democratización cultural y con grandes posibilidades de generación y multiplicación de efectos. En realidad a través de los programas de intervención pedagógica y de formación de espectadores, las compañías residentes pueden convertirse en agentes privilegiados de influencia y uno de los nexos privilegiados del centro cultural con el entorno social en el que se enclava, con los vecinos y ciudadanos.

Los programas de residencia de compañías generan otros muchos beneficios fruto de la simbiosis. Uno, que el tejido creativo, el tejido empresarial y asociativo, se refuerzan, y con ello una fuente real de riqueza y de trabajo. Otro, la descentralización y al tiempo la localización de los procesos de creación artística. Habitualmente velados para los ciudadanos, la existencia de compañías profesionales que visibilizan sus procesos de producción artística, son una contribución neta a la democratización de la cultura, se separa de los centros de las ciudades y toma forma en espacios accesibles y cercanos a los ciudadanos. Y es que los programas de residencia son una herramienta de gran valor para que las instituciones atiendan al mandato constitucional de promover la cultura.

Hasta aquí un breve resumen que relata los rasgos y virtudes de los programas de residencia, los beneficios del mutualismo, en fin. No son pocos, ciertamente, pero podrían ser mucho más, a poco que desde las instituciones que pueden hacerlo tomen decisiones de futuro. Inversiones de futuro habría que decir. Dibujémoslos mediante preguntas. ¿Se imaginan centros culturales en los que a las compañías residentes se les demandara experimentación y riesgo artístico, vanguardia? ¿Sería posible que algunas compañías asumieran entre sus tareas programas de desarrollo de audiencias, de escuelas de espectadores, de promoción de la acción entre los jóvenes? ¿Se imaginan circuitos de programación inter-teatros con todas las compañías residentes (de un ayuntamiento o de muchos)?¿Y por qué no variedad: residencias de clown, zarzuela, mimo…?

¿Y si el sello de “Compañía Residente” llega a ser un sello que garantice niveles elevados de calidad? ¿Se imaginan compañías profesionales residentes tomando de la mano a compañías locales neo-profesionales y acompañándolas y tutelándolas en el proceso a la madurez? ¿Les parece posible que algunas de esas compañías residentes asumieran la gestión de uno o dos días a la semana del centro cultural que les acoge, programando esos días y haciendo de la taquilla una fuente de ingresos más? ¿Y si lo que les encargamos a esa compañía es la gestión integral de la programación del centro cultural? Si la programación es de calidad y conecta con los públicos, ¿no sería posible articular programas de micro-mecenazgo asentados en los comercios y benefactores del entorno? Y es que el modelo de compañías residentes está por aplicar…, y sobre todo por desarrollar. Un terreno de enormes posibilidades en el que si conseguimos eliminar las rémoras y obstáculos –las más de las veces relacionados con el miedo a lo nuevo, a lo desconocido– existen muchos beneficiarios posibles. ¿Sueños? Probablemente eso pensarán quienes encuentran en cada piedrecita una justificación para no seguir adelante. Otros pensamos que lo que necesitamos para el futuro es que nos dejen soñar.

Unas últimas y muy sumarias palabras en este apartado, dedicadas a las normas que deben regir el modelo de residencia de compañías. Las convocatorias deber ser abiertas, para aquellas compañías y teatros que soliciten residencia, con unos pliegos de condiciones públicos y ajustados a las necesidades de los teatros y dignos con las necesidades de las compañías.

La elección final y el proceso de selección ha de ser transparente, democrático. Los convenios han de establecerse por periodos mínimos en los que las partes puedan valorar los beneficios comunes y para cada una de ellas; en cualquier caso no menos de tres años prorrogables. La estabilidad es una característica esencial, troncal, de las residencias.

Resumiendo, digamos que los programas de compañías residentes en teatros son una magnífica herramienta de política cultural que puede servir para descentralizar y democratizar el acceso a la cultura y al teatro y la danza de calidad; para poner en valor espacios hoy infrautilizados; para impulsar el tejido asociativo y empresarial vinculado a la creación; para generar riqueza y empleo… Una joya en bruto.

Robert Muro www.robertmuro.wordpress.com www.elespectaculoteatral.es

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