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Editorial
Mecenazgo con la cuenta de la vieja S
iempre habrá un mago de la economía que me podrá enmendar la plana, pero según tengo entendido, las empresas que facturan menos de cinco millones de euros al año (imagino que casi todas las de nuestro sector, léase con o sin ironía, a gusto de cada cual) y tengan al menos un empleado, tributan actualmente al 20% en el Impuesto de Sociedades. Esto quiere decir que si el 28 de diciembre de cualquier año cualquier empresario ve que su balance del ejercicio va a dar unos resultados, por poner un ejemplo redondo, de 10.000 euros de beneficio, cuando llegue el 30 de junio del año siguiente tendrá que pagar al fisco la bonita cantidad de 2.000 euros (¿cuántos de los que leéis estas líneas no firmaríais hoy por acabar 2012 con estos datos?). Sin embargo, si con esas previsiones ese empresario decide gastar esos 10.000 euros en los tres días que faltan para acabar el año en publicidad, un tipo de gasto que se amortiza íntegro en un único ejercicio fiscal (la compra de un inmueble se amortiza fiscalmente en cincuenta años), cuando llegue junio no tendrá que tributar nada. Se habrá pulido los beneficios en un gasto puro, de forma que el gasto le habrá costado, en realidad, 8.000 euros, porque los otros 2.000 ya estaban “perdidos” contablemente… Si la citada publicidad la reciben en partes iguales dos revistas, una que ya tenía previstos otros 10.000 de beneficios y otra que no iba a acabar el año con 0 euros en el balance de pérdidas y ganancias, veremos que la primera tendrá que tributar en junio por 15.000, es decir, 3.000 euros y la otra por 5.000, es decir, 1.000, de forma que, al final, a Hacienda le van a seguir llegando los famosos 2.000 euros de la empresa que quiso dejar de pagar impuestos y, al mismo tiempo, trató de asegurarse cierta notoriedad pública con la publicidad contratada, con la que, a su vez, puede incrementar su facturación futura y sus posibles beneficios… Y vuelta a girar la rueda del dinero. Las empresas que facturan entre 5 y 10 millones anuales, tributan al 25%, así que si el año ha sido malo y sólo han dado 10.000 euros de beneficios y deciden gastárselos todos del mismo modo, el gasto real en el que incurren es de 7.500 euros, porque sin hacer nada de esto pagarían al fisco 2.500… El Gobierno ha anunciado su intención de modificar la Ley de Mecenazgo. Es de imaginar que para que sea útil. Un gasto es un gasto, aunque se pueda desgravar una parte y hemos visto recientemente cómo con la actual el Gran Teatro del Liceo de Barcelona se ha visto obligado a suspender siete espectáculos y cerrar dos meses, no sólo por la merma de subvenciones públicas, sino por una caída del 31% de sus ingresos por patrocinio en los últimos tres años… Con la Ley de Mecenazgo vigente ni siquiera les compensa desgravar a las firmas con más “seny”, porque con la que está cayendo, el beneficio en imagen no cubre ni de cerca la inversión que hubieran podido efectuar en un emplazamiento, a priori, interesante. ¡Coño!, que estamos hablando del Liceo, la bombonera de la burguesía bienpensante, donde se dejan ver los de los consejos de administración acompañados por “damas” con abrigos de pieles… Esperamos que las medidas que se preparen para modificar ese texto legal sean rápidas y, sobre todo, amplias. Mucho más que ese triste 20 o 25% que cualquier empresa puede desgravarse ahora mismo con el ejemplo simplón que ha encabezado estas líneas. Estaría bien, también, que hubiera medidas que ajusten desequilibrios. Porque todas las grandes empresas pueden querer ver su imagen rutilante patrocinando el Museo del Prado, el Teatro Real, el Camp Nou, las obras de la Sagrada Familia o el Festival Castell de Peralada, pero también hace falta que empresas grandes (Telefónica, Correos, Banco de Santander, Repsol, Iberdrola, etc.) y, sobre todo, medianas y pequeñas (¡incluso las unipersonales!) puedan encontrarle el gusto a patrocinar MADferia, FETEN, el Festival de Teatro Clásico de Almagro o… la programación de la sala Triángulo de la calle Zurita. La Ley de Mecenazgo debe servir para que cualquier hijo de vecino, como sucede en Estados Unidos, pueda dar un talón a la compañía de danza que acaba de montar su hijo y desgravarse por ello. Toni Cantó, que ya es casi un fijo entre quienes cito en esta página, le deseó “muchísima mierda” al ministro Wert en su primera comparecencia ante la Comisión de Cultura del Congreso de los Diputados. Yo le pido al ministro “valor… ¡y al toro!” del mecenazgo. Y a Toni Cantó, que ya está dentro de la máquina, que dé toda la caña que puede y sabe dar. Muchos se lo agradeceremos. Jesús Rodríguez Lenin Editor
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el mundo del espectáculo teatral www.elespectaculoteatral.es Edita: Publicaciones Teatrales S.L.
c/ Julián Camarillo 47 port. D of. 104 28037 MADRID Tel.: 91 304 04 88 Director: JESÚS RODRÍGUEZ FERNÁNDEZ lenin@dosdimensiones.es Director de arte: ENRIQUE PÉREZ eperez@dosdimensiones.es Redactora Jefe: CRISTINA RELLO VARONA cristina@elespectaculoteatral.es Redacción: JAVIER MORA, CLARENCE J. BODDICKER. Autoedición: LAURA R. DIONIS, FRANCISCO CACENAVES Publicidad: ABEL VALERO SALINAS abel@elespectaculoteatral.es Publicidad Equipamiento: SANTIAGO GARCÍA santigarcia@dosdimensiones.es Fotocomposición: Dos Dimensiones, S.L. Depósito Legal: M-46213-2005 Imprime: Gráficas Villena. Distribuye: National Post.
SUMARIO: 6
FERIAS Y EVENTOS - 6: MADferia - 8: Jornadas de Eibar y FETEN - 9: IPAY - 10: La Alternativa y Teatralia -11: Festival Internacional de Magia
16 COMPAÑÍAS - 14: Entrevista a Rafa Zueco - 16: Entrevista a Sandra Toral - 18: Teatro de texto - 23: Humor - 26: Danza - 25: Musicales - 28: Infantil 31 EQUIPAMIENTO ESCÉNICO OPINIÓN - 12: Heteatrodoxias, de Xavier Marcé - 24: Ferias y feriantes, Isidro Rodríguez Gallardo - 33: La Técnica, de Jordi Planas - 34: La reflexión, de Robert Muro
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MADferia
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El nuevo director, Eduardo Pérez-Rasilla, se muestra satisfecho con los resultados de asistencia
pesar de las grandes dificultades que ha tenido que afrontar, sobre todo en lo que se refiere a recortes presupuestarios, Eduardo Pérez-Rasilla, el nuevo director del MADferia, se muestra satisfecho con los resultados de asistencia del evento, celebrado entre el 23 y el 25 de enero y que está dirigido exclusivamente al público profesional: “El aforo ha estado completo y a veces se ha superado en cuanto a la asistencia a los espectáculos, es decir, que desde ese punto de vista ha tenido éxito. Por ejemplo, han estado muy llenos de público los espectáculos que hemos hecho en el Conde Duque, que es un espacio mucho más amplio, lo cual demuestra que ha despertado incluso más interés del que esperábamos”. Precisamente el Conde Duque era el único espacio cedido este año por las administra-
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ciones públicas, en concreto en este caso por el Área de las Artes del Ayuntamiento de Madrid, aunque Pérez-Rasilla aclara que “ocasionalmente también han cedido el Café Teatro del Matadero para uno de los espectáculos porque necesitábamos un espacio no convencional para ello”. MADferia cuenta con el patrocinio de las tres administraciones públicas que confluyen en Madrid: la municipal, la autonómica y la estatal, es decir, el Ayuntamiento, la Comunidad y el Ministerio de Cultura; además de la colaboración de las salas asociadas a ARTEMAD. Para Eduardo Pérez-Rasilla los recortes presupuestarios no han sido la única dificultad a superar, también ha sido complicado encontrar los recintos más convenientes. “Hay que tener en cuenta –afirma– que la feria se ha reducido a tres días y por lo tanto el horario
es muy apretado. Es necesario que, además de adecuarse a las propuestas que presentamos los espacios estén próximos entre sí para, no perder tiempo en los desplazamientos. Hemos conseguido resolverlo pero ha sido complicado”. Todavía sin la cifra exacta de profesionales acreditados, Eduardo Pérez-Rasilla nos da una estimación del perfil de los asistentes: “Unas doscientas personas han estado circulando por los diferentes espacios. A lo mejor hemos notado que el porcentaje www.elespectaculoteatral.es
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se pretende que sea un poco acorde con la imagen de la ciudad, de un Madrid que está al día en cuanto a la contemporaneidad”. Es inevitable preguntarse cuál va a ser el futuro de MADferia ante la grave situación económica, muchos se preguntan si corre el peligro de desaparecer. Pérez considera que “hay que tener en cuenta que las instituciones patrocinadoras están en una situación cambiante, es posible que las personas responsables con las que mantenemos relación ya no estén ahí en un futuro próximo. No están aprobados todavía los Presupuestos Generales del Estado… en fin, hay varias cuestiones todavía en el aire de las que dependemos y que condicionan una respuesta sobre el futuro de MADferia. La voluntad por supuesto es que continúe e incluso reforzarla, porque creemos en esta feria y en esta manera de hacerla. Si fuese posible debería continuar en esta línea y sería deseable que en lugar de tres días de celebración fuesen cuatro, que pudiese acoger algún espectáculo más y tener alguna actividad complementaria, pero hay que esperar un poco para saberlo y para decidirlo.
Julio Fernández Peláez se alzó con el VI premio El Espectáculo Teatral
De izda. a dcha: el escritor y editor Miguel Ángel de Rus, de Ediciones Irreverentes; los dramaturgos José Luis Ordóñez (finalista) y Julio Fernández Peláez (ganador); el director de la revista EL ESPECTÁCULO TEATRAL Jesús Rodríguez Lenin; la ganadora de la pasada edición del premio, Juana Escabias y Eduardo Pérez-Rasilla, director de MADferia.
de programadores ha sido un poco inferior a anteriores ediciones, pero muy poco, la cifra es similar a la de la edición del año pasado, no ha tenido un descenso significativo; y ello pese a los recortes no solo en las instituciones patrocinadoras que nos incumbían a nosotros, sino en las que sustentan a esos programadores, porque a lo mejor no pueden costearse el viaje o disponer de los tres días que dura la feria. Para ellos también es cada vez más difícil acudir y agradecemos el esfuerzo que www.elespectaculoteatral.es
“Manifiesto capitalista para destrozar corazones”, firmado por el autor zamorano afincado en Galicia Julio Fernández Peláez, resultó ganador del VI premio El Espectáculo Teatral, galardón que conceden la revista del mismo nombre y Ediciones Irreverentes con la colaboración de MADferia, en cuyo marco se celebró la entrega, en concreto sobre el escenario del teatro Alfil de Madrid. La obra finalista fue “Cuestión de fe”, del autor sevillano José Luis Ordóñez. Julio Fernández Peláez comenzó su trayectoria teatral en la década de los 90, al colaborar como escenógrafo para diferentes compañías de teatro independiente, y al realizar una intensa labor de creación en el ámbito de la escena performativa. En 2007 fundó Inaudita, para el desarrollo de proyectos de acción, y en 2010 la revista de artes escénicas Núa. El año pasado publicó la pieza teatral “Filamentos de tiempo”, mientras que en la actualidad dirige el proyecto “Teatro anómico”. Es autor, además, de las novelas “La risa del conejo”, “La losa baila el agua” y “K-mandra o la velocidad de los sueños”. 7
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Jornadas de Teatro de Eibar Amplía las fechas de celebración para su XXXV edición Las Jornadas de Teatro de Eibar van a cumplir su 35º aniversario y por ello sus organizadores han puesto un especial interés en que su próxima edición, que se celebrará entre el 17 de febrero y el 31 de marzo, tenga un especial relieve. La apertura oficial tendrá lugar el próximo 22 de febrero con una conferencia a cargo de Juan Carlos Rubio titulada “El teatro sin actores”. Como viene siendo habitual desde hace diez años, el comienzo del festival se animará con la ya tradicional Muestra de Estatuas Humanas, que este año cuenta con especialistas de Bolivia, Argentina, Venezuela e Italia. Este será el pistoletazo de salida para un amplio programa que incluye veintiuna representaciones, nueve de ellas estrenos en el País Vasco, ofrecidas por quince compañías y dos grupos universitarios en los dos espacios que suele ocupar la muestra guipuzcoana: el Complejo Educativo y el Coliseo Antzokia de Eibar. El criterio de selección de los espectáculos sigue siendo el mismo que ha dado carácter a esta convocatoria y que tiene siempre presente el objetivo de acercar a todo tipo de públicos lo mejor de cada temporada, atendiendo a diferentes estilos y niveles de
“Querida Matilde”, de Pentación, es uno de los espectáculos programados en las XXXV Jornadas de Teatro de Eibar.
producción. Entre las obras programadas se pueden citar: “La apoteosis necia”, de El Cansancio; “Perro que no muere ladra”, de Companhia do Chapitô, “Lázaro”, de Mirage Compañía de Teatro; “Querida Matilde”, de Pentación Espectáculos; “Kafka y la muñeca viajera”, de Tanttaka, Albena y eme2 Producciones; “La escuela de la
desobediencia”, de Andrea D’Odorico; o “El Nacional “; de Els Joglars. Por otra parte, es de destacar que en esta ocasión se han ampliado los días de celebración para poder distanciar las fechas de las funciones y dar así más opciones a los espectadores que no quieran perderse todo lo que ofrecen estas jornadas.
FETEN
Acogerá seis estrenos del 25 de febrero al 2 de marzo en Gijón
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eis compañías españolas estrenarán sus nuevos proyectos en el marco de la XXI edición de FETEN, que se llevará a cabo en Gijón del 25 de febrero al 2 de marzo. Es el caso de la madrileña Susi Lillo, que presentará “Mamushka”, o las vascas Marie de Jongh y Markeliñe, que harán los mismo con “Querida hija” y “Cuentos de arena” respectivamente. La valenciana Arden Producciones mostrará en esta feria dedicada al público infantil y juvenil la obra “Gatacienta”, mientras que eme2 (Galicia), Albena (Valencia) y Tanttaka (País Vasco) ofrecerán la coproducción “Kafka y la muñeca viajera”. Además, los castellanomanchegos Ultramarinos de Lucas cerrarán el apartado de estrenos con la
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Uno de los estrenos en la feria es “Kafka y la muñeca viajera”, montaje coproducido por eme2 (Galicia), Albena (Valencia) y Tanttaka (País Vasco).
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Feria IPAY
Da.te Danza y Teatro Paraíso participaron en este evento estadounidense
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iguiendo la estela de la compañía Katarsis, que ya participó en la edición del año pasado con su montaje “Pa cama”, dos compañías artísticas españolas fueron seleccionadas para participar en IPAY, la Feria Internacional de Artes Escénicas para la Infancia y la Juventud, que se celebró del 18 al 21 de enero en la ciudad estadounidense de Austin, en el estado de Texas. Las elegidas fueron Teatro Paraíso y Da.te Danza, que se presentaron así ante el mercado norteamericano. La feria IPAY es uno de los grandes eventos mundiales al servicio y en apoyo de la comunidad de profesionales de artes escénicas para todos los públicos. Con este evento como nexo común, Teatro Paraíso (Vitoria), Da.te Danza (Granada) y Katarsis (Galicia) han formado Pequeña Escena, una oficina internacional de las artes escénicas españolas para todos los públicos. Este nuevo proyecto, que pretende promover trabajos artísticos de calidad, contribuir a la educación infantil, y enriquecer las propuestas dirigidas a los niños, presentó en la edición de este año de IPAY los espectáculos “En el jardín”, de Teatro Paraíso, y “Río de luna”, de Da.te Danza.
El ballet de Carmen Roche participará en FETEN con “Cuentos en danza”.
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“Río de luna”, de Da.te Danza, fue uno de los espectáculos presentados este año en IPAY.
puesta en escena de “Pinocho. La historia de un muñeco”. En total en esta edición se llevarán a cabo más de 140 representaciones, creadas a partir de diversas disciplinas artísticas como el teatro, la danza, los títeres, la música, el circo o la magia, entre otras. Las pondrán en marcha 67 compañías procedentes de España, Austria, Bélgica, Bulgaria, Cuba, Dinamarca, Francia y Portugal, que optarán a los habituales premios que concede esta feria integrada en COFAE. Y de entre las españolas, habrá representación de 12 comunidades autónomas. Además FETEN continuará siendo un espacio de encuentro imprescindible para los programadores, distribuidores y creadores, quienes analizarán, en diversas reuniones, las nuevas tendencias artísticas y trabajarán para impulsar un mercado cultural que fortalezca el sector de las artes escénicas.
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La Alternativa
Ofrece más de treinta espectáculos en seis salas madrileñas “Despido improcedente”, de la compañía burgalesa Cal y Canto Teatro, se representará en la sala Tarambana los días 3 y 4 de marzo.
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n total de seis salas madrileñas acogerán entre el 15 de febrero y en 18 de marzo el 24º Festival Alternativo de Teatro Música y Danza de Madrid, La Alternativa 2012. Esta convocatoria continúa manteniendo el espíritu de sus orígenes, allá por 1989. Su principal objetivo es conseguir una comunicación más directa con el público y entre el colectivo de creadores y salas. Aunque este festival está gestionado por una fundación, la sala
Triángulo se encarga de la coordinación entre todos los recintos participantes, que además de dicha sala son: Babalú 2120, Garaje Lumiere, Kubik Fabrik, Nudo Teatro y Tarambana. Cada uno de ellos hace su propuesta de programación que este año incluye más de treinta espectáculos procedentes de todo el territorio nacional y del extranjero, los cuales permanecen en cartel entre dos y cinco días.
Teatralia
El festival dedicado al público infantil y juvenil ofrece veinte espectáculos en los escenarios madrileños
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n año más, y ya van dieciséis ediciones, la Comunidad de Madrid organiza el Festival Internacional de Artes Escénicas para Niños y Jóvenes, Teatralia, que en esta ocasión ofrece los trabajos de 19 compañías (9 nacionales y 10 extranjeras), las cuales representarán un total de 137 funciones a lo largo de 25 días en Madrid capital y en 31 municipios de la región. Se trata de la convocatoria con mayor proyección y extensión en la Red de Teatros de la Comunidad de Madrid. Asimismo, como en anteriores ediciones, llegará también a colegios, hospitales y centros penitenciarios. Por géneros la programación incluye, además de teatro, circo, danza, títeres y sombras. Dos de las funciones se traducen al lenguaje de signos y la novedad este año es que por primera vez una de ellas se representa en abierto para que
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La compañía alemana Junges Ensemble Stuttgart ofrecerá el espectáculo “Berlin, 1961” dentro de la programación de Teatralia.
los niños con discapacidad auditiva también puedan acudir al teatro acompañados por sus padres. El festival arranca el 2 de marzo en el Círculo de Bellas Artes con la obra “Têtê à Têtê” de la compañía italiana Teatro Necessario. La amplia oferta incluye desde montajes
para niños de 2 años como “Forbicerie”, de Teatro Papelito, hasta propuestas muy interesantes para adolescentes como “Berlin, 1961”, de la compañía alemana Junges Ensemble Stuttgart, o el espectáculo de danza “Variations S”, de la compañía canadiense Cas Public. www.elespectaculoteatral.es
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Festival Internacional de Magia de Madrid Jorge Blass dirigirá la segunda edición de este fascinante evento
Foto: Paco Manzano.
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a ilusión y la sorpresa volverán a hacer acto de presencia en la segunda edición del Festival Internacional de Magia de Madrid, evento que de nuevo convertirá al Teatro Circo Price de la capital en un templo del ilusionismo con artistas llegados de todos los confines del planeta. Del 22 de febrero al 4 de marzo, y bajo la dirección del conocido mago Jorge Blass, se llevarán a cabo 14 galas internacionales, ocho sesiones de magia de cerca, dos espectáculos con auténticas leyendas del ilusionismo, y una exposición de carteles mágicos. Juegos con naipes, trucos cómicos, sombras chinescas o magia con aves son algunos de los números que fascinarán a los asistentes a las galas internacionales, en las que participarán magos de todo el mundo: An Ha Lim (Korea), Gaetan Bloom (Francia), Charlie Frye & Co (Estados Unidos), Arno (Francia), Jorge Blass (España) y Raymond Crowe (Australia). Las galas especiales contarán con dos leyendas vivas de la magia internacional. Por un lado, el mítico Juan Tamariz ofrecerá su espectáculo “Magia potagia” con la colaboración especial de la maga colombiana Consuelo Lorgia. Por el otro, el argentino Rene Lavand mostrará sus habilidades con 52 naipes y su mano izquierda. Además los magos españoles Luis Piedrahita y Dani Daortiz mostrarán sus trucos de magia de cerca, y se realizará una gala benéfica a favor de las fundaciones Theodora y Abracadabra.
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La conspiración
Más allá de las grandes conspiraciones planetarias propias de las “leyendas urbanas” y las películas, Xavier Marcé sí cree en un cierto acuerdo global para mantener un sistema que beneficia, y mucho, a unos pocos, en detrimento de millones. El proceso es tan claro que en el siguiente artículo es capaz de diseccionar las tres fases que componen la estrategia imperante para restar poder y dinero al Estado con la intención de que deriven en manos privadas.
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amás le di demasiada credibilidad a las tesis conspiracionistas y siempre pensé que las trilaterales, los clubs Bilderberg u otras organizaciones de grandes oligarcas y pensadores de la derecha radical eran tonterías surgidas de los cómics; a lo sumo encuentros informales de banqueros, políticos y empresarios para reafirmarse como clase social hegemónica y afinar con compromisos de sangre sus indefectibles intereses comunes. Vaya, una especie de patronal de las patronales comiendo caviar y discutiendo la jugada, pero a la vista de lo que está ocurriendo empiezo a tener mis dudas. Alguna cosa se nos escapa para entender la radicalidad de los ajustes y sobre todo la rapidez con la que se producen, pero lo evidente es que tiene un patrón común y que siguen al pie de la letra una perceptible transferencia de poder que limita el peso del Estado y refuerza la concentración de capital en manos privadas. Se está desmontando el sistema público en tres fases que empiezan a ser perfectamente visibles: en primer lugar, todas aquellas políticas que fomentan los valores democráticos de la sociedad; sistema público de comunicación, cultura, investigación, universidades y en general todos aquellos gastos de valor añadido que pueden percibirse como superfluos aunque tengan un enorme peso simbólico y un impacto determinante sobre la calidad de nuestra sociedad. Ante la percepción de crisis, este tipo de gastos pueden reducirse con un bajísimo coste social, sin apenas quejas e incluso con el aplauso de una parte de la sociedad que no es usuaria de estos servicios o que lo es únicamente de su franja más alta y elitista y en consecuencia más resistente a los cambios. En segundo lugar, las prestaciones sociales básicas: sanidad, educación y
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subsidios de paro. Reducida la capacidad crítica de la sociedad y con un mayor peso de los medios de comunicación privados afines a los intereses del capital, la reducción del estado del bienestar puede realizarse con más tranquilidad. Los sindicatos pueden ser demonizados como entidades del pasado, mientras que la progresiva aparición de servicios privados en estas áreas, a los cuales todavía podrán acogerse las clases medias, asegura una razonable calma social. En tercer lugar, la reducción de la plantilla pública bajo la inapelable justificación de la ausencia de trabajo y la insuficiente productividad de los funcionarios, así como una reducción de los costes salariales y la consiguiente liberalización del despido en el sector privado. El clima social bajo el cual se realizan estos ajustes magnifica el miedo dándole alas a los sentimientos más conservadores de unas empobrecidas clases medias, altamente hipotecadas y con una escasa capacidad de maniobra, mientras que la gasolina que las alimenta –el crédito— está convenientemente racionada. Imaginemos únicamente que significa en términos económicos el trasvase de un 25% de los servicios públicos a manos privadas. Pues el negocio del siglo, sin duda. En esta supuesta conspiración he puesto la cultura en primer lugar, aunque no son los teatros, la música o la danza lo más relevante. Si lo es, en cambio, un determinado tipo de cine, cierta literatura y sobretodo los medios de comunicación públicos que, aún demonizados y vilipendiados en tiempos de normalidad, han mantenido un auténtico pulso con el poder económico y no pocas veces con el político. Elementos simbólicos que transmiten información y crean imaginarios sociales para procesarla en direcciones
plurales no sujetas al predominio del pensamiento único. Se salvan de la quema los proyectos artísticos más individualizados (en los cuales el talento es genéricamente independiente del dinero de producción) y aquellos en los cuales prima el sentido del espectáculo y un limitado compromiso crítico. Lo más curioso, paradójicamente, es que en tal conspiración no están los políticos locales. No creo que sea cosa del Partido Popular, de Convergencia o del PSOE, allí donde les toque gobernar. Con toda seguridad su margen de actuación se limitaría, en condiciones normales, a administrar los estrechos márgenes de diferencia que comporta su ideario acorde con el peso incuestionable de un Estado potente y sólido. En condiciones normales los cambios entre una política de derechas o de izquierdas en el terreno de la cultura es simplemente un matiz. Pero ahora se trata de un dictado global, de un libro de estilo que obliga a todos por igual ante el ataque monumental y coordinado de la conspiración. Hay una cantidad ingente de dinero virtual que hay que capitalizar y los que lo poseen no están dispuestos a correr el riesgo de que vuele en una operación financiera que lo devalúe. En esta conspiración la suerte de los más débiles se convierte en un daño colateral. «CODE 46», de Wintherbottom, es una buena película que lo explica oportunamente a partir de una fábula sobre el miedo a olvidar en una sociedad donde estar dentro o fuera del sistema se ha oficializado con todas sus consecuencias. «In time», más recientemente, reflexiona sobre una sociedad en la que el tiempo se ha convertido en la moneda de cambio y en la que el paro, se ha convertido simplemente en la muerte. Xavier Marcé www.elespectaculoteatral.es
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compañías
Rafa ataquilla.net Zueco
Los creadores del proyecto ataquilla.net, de izda. a dcha: Toni Cabero, Rafa Zueco y Joan Arnedo.
“Nosotros planteamos una de las soluciones posibles, hay otras que son mucho más agresivas. Vemos muy importante la figura del programador local y queremos contar con él. Otras propuestas quieren prescindir de esta figura creando directamente y gestionando ellas mismas una red de teatros propia. No somos ninguna amenaza ni para el programador ni para el distribuidor, en realidad vamos a trabajar colaborando muy directamente con ellos” 14
Se presenta como la primera red de teatros que programa sin cachés y como su propio nombre indica, muy clara y contundentemente, funciona a taquilla. Evidentemente, la primera pregunta que surge es: ¿eso cómo se hace sin apoyos de ningún tipo y sin correr grandes riesgos? Rafa Zueco, uno de los impulsores de ataquilla.net, junto a Toni Cabero y Joan Arnedo, nos explica en esta entrevista las claves de este proyecto, que no pretende ser la gran y única solución. Desde un principio nos aclara que este es un modelo de negocio más entre las diversas propuestas que están surgiendo en unos tiempos que obligan a la transformación, a la dura reconversión que en definitiva estamos viviendo. No tiene ninguna intención de quitar a nadie su papel, los servicios que ofrece se dirigen a lo que ya está establecido, aunque en algunos aspectos es necesario cierto cambio de actitudes.
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n qué consiste ataquilla.net? - En esta situación de crisis y recortes, en la que los gerentes de los recintos escénicos tienen lo justo para mantener sus estructuras y no les queda apenas presupuesto para programar espectáculos, está claro que la alternativa es la venta de entradas. Pero ir a taquilla no es la solución por si sola, no se trata solo de poner entradas a la venta, nos hemos dado cuenta que hay una manera de trabajar para garantizar que un espectáculo funcione. Tenemos la experiencia de varios teatros con los que hemos trabajado y hemos establecido una serie de requisitos que hay que cumplir para que las compañías quieran asumir el riesgo. A nosotros, al igual que las compañías, nos preocupa vender el máximo número de entradas y mucho más poder garantizar el
cobro a las compañías. Hasta ahora el problema que había yendo a caché era que las compañías se garantizaban una cantidad fija pero podían llegar esperar hasta un año para cobrarlo. Este problema de cobro se ha hecho extensible incluso para aquellas compañías que iban “a taquilla” que veían como el dinero de su venta de entradas era utilizado por los teatros para hacer frente a otros pagos. Nosotros hemos establecido una fórmula para que esto no ocurra, es decir, vamos a taquilla pero el emisor de las entradas debe ser la compañía, no el ayuntamiento o el teatro y el sistema de ticketing debe liquidar directamente a la compañía. Hasta hace unos años esto era un problema, pero ahora ya es una de las cosas que están cambiando y que ya están facilitando muchos teatros públicos. www.elespectaculoteatral.es
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Requisitos para compañías • Tener muy claro que se va a taquilla, no a caché fijo.
Requisitos para teatros y programadores
• Se penalizará en el contrato la suspensión por falta de éxito. Si todo el mundo ha hecho bien su trabajo, si el teatro ha cumplido con todos los requisitos, la compañía va a riesgo y ha de asumirlo en las condiciones pactadas.
• Ser una entidad jurídica de carácter público o privado que gestione un teatro de manera estable o programaciones temporales (festivales, ciclos, etc).
• También han de hacer un esfuerzo en cuanto a la comunicación, deben trabajar su imagen y facilitar las aplicaciones que luego se utilizarán en promoción y publicidad.
• Disponer de un mínimo de 400 butacas para la venta de entradas.
Desde Zucar Event, que es la empresa que está gestionando esta red, operamos, además de como mediadores y asesores, como recaudadores. Unificamos la liquidación de todos los canales de venta de entradas y le damos a cada uno lo que le corresponde en un plazo máximo de quince días. Lo que estamos haciendo es sintetizar todas las experiencias de éxito que se están produciendo tanto en la gestión de los teatros como de productores que organizan giras a taquilla. En base a esas experiencias hemos marcado una línea de trabajo, hay un mínimo denominador común en estas experiencias de éxito y estamos tratando de aplicarlo. Las crisis llevan a estos cambios, tenemos que adaptarnos. Nosotros planteamos una de las soluciones, hay otras que son mucho más agresivos. Por ejemplo, vemos muy importante la figura del programador local y queremos contar con él. Otras propuestas quieren prescindir de esta figura creando directamente y gestionando ellas mismas una red de teatros propia. Quiero dejar claro que no somos ninguna amenaza ni para el programador ni para el distribuidor, en realidad vamos a trabajar colaborando muy directamente con ellos. - Pero si la compañía inscribe directamente sus espectáculos en la red de ataquilla. net, ¿cómo entra ahí la figura del distribuidor? - Nosotros vivimos también de las comisiones que nos dan las compañías. Este proyecto se autofinancia de esa manera, si hay una venta de entradas habrá unas comisiones que nos repartiremos el distribuidor y nosotros según acordemos. Si un distribuidor quiere trabajar solo que lo haga, pero el sistema de trabajo de ataquilla.net no es algo que entre en competencia con él, es simplemente una herramienta complementaria para conseguir más actuaciones. - ¿Cuáles son más concretamente los servicios que vais a ofrecer? - Por un lado nosotros vamos a facilitar la información sobre el espectáculo de determinada compañía a todos los teatros asociados a la red, pero insistiremos en aquewww.elespectaculoteatral.es
llos que veamos que son más adecuados al espectáculo. Uno de los grandes problemas que hay en este sector es la comunicación, no entendida como publicidad, que también, sino como medio de llegar eficazmente a donde te interesa llegar. Es decir, un programador al cabo del día recibe una gran cantidad de información y no puede atender a todo el mundo, las compañías valoran mucho a un distribuidor cuando este tiene el contacto para llegar fácilmente a determinados teatros. Por otro lado, gestionamos la reserva de fechas en coordinación con el distribuidor de la compañía. Y negociamos en favor de la compañía, porque nosotros vamos a depender de sus ingresos. El siguiente paso es el ticketing. Damos de alta las entradas, donde el emisor siempre será la compañía y garantizando que las ponemos a la venta con tiempo suficiente. Después de la función enviamos un informe final con la liquidación desglosada, seguidamente, con el visto bueno de la compañía, procedemos al pago y en un plazo máximo de quince días cada uno tiene lo que le corresponde. Evidentemente, también vamos a supervisar la comunicación. Tenemos a una persona que se va a encargar de que las acciones de promoción y publicidad que pactemos con los teatros se llevan a cabo. Nos interesa controlar que se hace esa comunicación, porque existe una relación directa con los resultados en la venta de entradas. Básicamente esos son nuestros servicios y por ellos, al ser una empresa privada lógicamente tendremos que cobrar. Para ello llegamos a un acuerdo con la compañía y el distribuidor. Nuestros ingresos provienen de la liquidación de la venta de entradas de cada función, así que dependemos del éxito igual que todos, no establecemos ninguna cuota fija para estar en la red ni nada por el estilo. - ¿Qué plazos se han establecido para que los teatros puedan inscribirse en la red de ataquilla.net? - Oficialmente la red se presenta en Madrid, dentro del SIMBA (Seminario Internacional de Música y Artes escénicas), en
• Asumir los costes inherentes al teatro y la producción local: disponibilidad de uso, mantenimiento, suministros, limpieza, personal sala, taquilla, personal técnico: jefe técnico, técnico luces, técnico sonido, maquinista, y personal de carga-descarga. • Tener una actitud dinámica y demostrar a las compañías una implicación en la venta de entradas. • En el caso de teatros públicos disponer de un presupuesto para un correcto plan de comunicación sin que ello suponga un coste para la compañía • Tener página Web propia del teatro, un club de socios y mantenerlos informados mediante las redes sociales. • Disponer de un sistema de ticketing y una taquilla en el teatro abierta un mínimo de 5 días a la semana. • Poner las entradas a la venta con un mínimo de tres meses de antelación. • En el caso de teatros públicos aceptar que las compañías sean los emisores de las entradas con su CIF. • En el caso de teatros públicos facilitar que el sistema de ticketing liquide directamente a la compañía y ofrecer la garantía de cobro a través de ataquilla.net. • Permitir que las entradas de los espectáculos tengan un precio “justo” que haga viable asumir el riesgo de ir “a taquilla”. el Círculo de Bellas Artes los días 23 y 24 de marzo. El plazo se cierra el 15 de agosto tanto para las inscripciones de teatros como de compañías. A partir de ese momento empezará a trabajar una comisión que valorará si los teatros y compañías que se han inscrito cumplen los requisitos. Los seleccionados entrarán en la actividad de contratación a partir de septiembre, es decir, se trata de un proyecto útil para las programaciones de 2013.
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el mundo del espectáculo teatral entrevista
Sandra Toral
Directora de Studio Teatro
“En nuestro país no abunda el teatro documenta, que a mí me gustaría que se desarrollara, porque tendría su público y uno quiere ir a veces al teatro para que ‘le pasen cosas’. De todas formas, nosotros como productora siempre priorizamos el texto dramático, el texto con calidad y que nos sugiera algo, sea del género que sea”
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Casi quince años le ha costado a Sandra Toral y a su productora, Studio Teatro, poner en escena el montaje de “José K. Torturado”. En primer lugar tuvo que convencer al propio autor, el periodista Javier Ortiz, quien no tenía ninguna experiencia en la confección de textos teatrales, pero que fue involuntariamente el responsable de que el proyecto comenzara a gestarse. No podía saber que una conferencia pronunciada por él, a principios del presente y convulso siglo, en la que planteaba un dilema con ingredientes como el terrorismo y la tortura sería el acicate para crear un espectáculo sobrecogedor, que logra agitar conciencias como ningún otro y que la propia Sandra Toral encuadra en un género poco desarrollado en nuestro país, el teatro documenta. Su empeño y tesón se ha visto por fin recompensado con el estreno primero en el festival Temporada Alta y ahora en el Teatro Español de Madrid, bajo la dirección de Carles Alfaro y con la formidable interpretación del actor Pedro Casablanc. 16
ómo se consigue el aval de un premio Nobel como José Saramago para una obra de teatro como “José K. Torturado”? - José Saramago fue uno de los primeros que leyó el texto, porque era amigo de Javier Ortiz, que es una de las personas más rectas y más posicionadas que yo he conocido. Yo creo que los hombres de bien siempre terminan por encontrarse. Simplemente Saramago leyó el texto, le encantó y nos hizo ese maravilloso prólogo para el programa. - ¿Cómo fue en detalle el proceso de creación del texto de “José K. Torturado”? - Javier Ortiz nunca había escrito teatro, hace años dio unas conferencias convocado por la Asociación Contra la Tortura y yo asistí. Suponía que tanto yo misma como las personas del público que me rodeaban teníamos suficientemente trabajadas nuestras ideas y nuestra conciencia ética como para rechazar de plano algo como la tortura; pero cuando Javier Ortiz planteó allí el mismo dilema que se plantea en la obra, es decir, José K. es un terrorista que pone una bomba en una plaza, ¿está justificada la tortura en este caso para evitar que la bomba estalle?, ¿se trata de un mal menor para evitar uno mayor?, ¿es cuestión de cifras?, se produjo tal sacudida en el público que, www.elespectaculoteatral.es
compañías tras un silencio muy tenso, muchos empezaron a levantarse, a marcharse y algunos incluso a insultar a Javier. En ese momento yo entendí que sería bueno convertir aquello en una obra de teatro. Cuando algo me emociona siempre pienso en teatro. Me da la impresión de que en España se hace muy poco teatro documenta, creo que en otros países está más presente. Es un teatro que no deja indiferente, que es una experiencia, sobre todo si está bien montado, como es en este caso por un genio como Carles Alfaro que ha llevado al límite al actor Pedro Casablanc, lo ha colocado, como dice Villán, en el “Olimpo”. En aquel entonces Javier Ortiz trabajaba en el diario El Mundo, me costó mucho vencer mi timidez para llamarlo, pero al final lo hice porque tenía unas ganas enormes de llevar a cabo el proyecto. Al principio pensó que se trataba de una broma, pero le fui dando las razones por las que yo quería convertir aquello en una obra de teatro y pude convencerlo. Lo hizo con muchísimo pudor, respeto y humildad, porque no era autor dramático, pero a mí me gustó mucho el texto, precisamente por no tener una estructura teatral y sobre todo porque hace que ese terrorista nos explique sus razones para matar. ”Un monstruo cargado de razones”, que decía Carles Alfaro cuando trabajaba con Pedro. - ¿Siempre pensasteis en Pedro Casablanc para el papel o él se apuntó al proyecto mucho más adelante? - Yo hice primero una lectura en la SGAE con Ramón Langa y funcionó muy bien, es algo que no te deja indiferente. Muchos años después me encontré con Carles Alfaro, le presenté la idea y le gustó mucho, era de los pocos directores que yo creía que podían hacer este texto e inmediatamente me sugirió a Casablanc. Ahora sí estoy convencida de que José K. en las tablas es Pedro Casablanc. Hace un trabajo tan generoso y tan complicado; desnudo de alma y de cuerpo en el escenario. - ¿Cuando fue el estreno? - Se estrenó en el festival temporada alta de Girona, donde tuvimos un éxito importante, de ahí ya pasamos al Teatro Español entre el 14 de enero y el 5 de febrero. El 11 de febrero estaremos en Avilés y deswww.elespectaculoteatral.es
el mundo del espectáculo teatral entrevista pués iremos a la Feria de Teatro de Donosti el 14 de marzo; tengo mucha ilusión por ver qué acogida tiene allí. Nuestra distribuidora, Emilia Yagüe, también está muy enamorada del proyecto y está peleando mucho por él. En Donosti espero llegar a todos los lugares posibles, porque me parece muy interesante el escenario de paz que entre todos, y sobre todo con el esfuerzo que están haciendo las personas que más han sufrido, se empieza a construir. Para esa paz es fundamental “la escucha”. Desde aquí tiendo mi mano para que José K. pueda poner su granito de arena. Estamos dispuestas tanto Emilia como yo a llevar nuestro espectáculo donde pueda ser de utilidad y colaborar con las respectivas instituciones para lograrlo. Son tiempos
de aunar esfuerzos y, como dice Saramago, los escenarios necesitan a José K… nosotros también. - ¿Hay público que se levante de las butacas como en la conferencia? - No, el público no se mueve porque en el teatro se crea un silencio sepulcral, pero se nota que la gente se agita en sus asientos; es muy interesante, se ve que a la vez que se angustia el personaje empezamos a angustiarnos los espectadores. Pedro Casablanc está, desnudo y atado, metido en una urna de metacrilato que simboliza una celda de castigo; nosotros le vemos la espalda, en esa urna empiezan a ocurrir cosas y, a la vez, nos empiezan a pasar a nosotros. Esa es la magia de la puesta en escena, el personaje está de espaldas
al público pero hay un resorte por el cual nosotros le vemos la cara… es el talento del director y es una sorpresa que no te voy a revelar. - ¿Crees que el teatro debe tener siempre de alguna manera un mensaje social? - No, hay distintos tipos de teatro, a mí como espectadora también me gusta pasar una tarde disfrutando de una comedia. Siempre me gustan los textos buenos, pero de todos los géneros, comedia, drama, tragedia... lo que no abunda en nuestro país es un teatro de este tipo, un teatro documenta que a mí me gustaría mucho que se desarrollara, porque tendría su público y uno quiere ir a veces al teatro para que le pasen cosas. De todas formas, nosotros como productora siempre priorizamos el texto dramático, el texto con calidad y que nos sugiera algo, sea del género que sea. - ¿Studio Teatro es la única empresa en la producción de este montaje? - Sí, y tengo que decir que a pesar de tratarse de un texto tan difícil estoy enormemente agradecida a la Comunidad de Madrid que nos ha dado su apoyo desde el inicio del proyecto y al Teatro Español por acogernos. - En este caso es un espectáculo con un solo actor, pero ¿para futuros proyectos te planteas la coproducción con otras compañías, es quizás la salida más óptima en los tiempos que corren? - Yo creo que sí, hay que buscar nuevas fórmulas. Por ejemplo en Studio Teatro tengo la suerte de contar con el apoyo económico de empresas y de personas que están fuera del mundo del espectáculo, y lo hacen desinteresadamente, simplemente porque les gusta el teatro. Creo que estas personas deberían tener, por ejemplo, alguna ventaja fiscal por hacer esto, como ocurre en otros países. Es necesario desarrollar el mecenazgo, porque entonces aquellas personas o empresas que quieran apoyar a las artes escénicas se implicarán muchísimo mejor. Hace mucho tiempo que vengo hablando de esto y estoy en contacto con un despacho abogados de Madrid de han hecho algo parecido con la Ley del Cine. Mi objetivo es ayudar a que esa ley de mecenazgo sea una realidad cuanto antes.
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Los intereses creados José Sancho dirige e interpreta en Madrid su versión de la obra de Jacinto Benavente
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ras triunfar con “Enrique IV”, de Luigi Pirandello, el conocido actor José Sancho emprendió la dirección y la interpretación de la obra cumbre de otro premio Nobel de Literatura: “Los intereses creados”, de Jacinto Benavente, galardonado en 1922. La obra se desarrolla a principios del siglo XVII, cuando Leandro y Crispín, dos pícaros impenitentes, llegan
a una ciudad italiana donde Crispín, mediante su labia, hace creer que Leandro es hombre adinerado, generoso y culto. Con esta imagen Leandro deberá enamorar a la hija del rico Polichinela con el fin de conseguir sus riquezas. El problema vendrá cuando el amor surge de verdad entre ambos jóvenes. Del 9 al 19 de febrero esta producción de
Teatres de la Generalitat, que durante la pasada temporada fue uno de los éxitos teatrales de Valencia, donde prorrogó sus representaciones en los teatros Rialto y Principal, permanecerá en los madrileños Teatros del Canal. Allí Sancho dará vida al mítico personaje de Crispín en un reparto en el que también estarán José Montesinos, Paco Alegre o Elena Seguí, entre otros.
Luces de Bohemia Lluís Homar dirige el montaje del CDN en el María Guerrero
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l primer esperpento de Valle-Inclán ha regresado a los escenarios de la mano del Centro Dramático Nacional. Desde el pasado 20 de enero, y hasta el 25 de marzo, el teatro María Guerrero acoge las representaciones de “Luces de bohemia”, bajo la dirección de Lluís Homar y con Gonzalo de Castro y Enric Benavent en los papeles de Max Estrella y Don Latino respectivamente. La dramaturgia y la composición musical están a cargo de Xavier Albertí y, al igual que en el texto original, la literatura ejerce un papel esencial a través de la puesta en escena, con una escenografía diseñada por Lluc Castels (encargado asimismo del vestuario) en la que los libros rodean e incluso sostienen a los personajes. Se recupera una vez más una obra escrita a principios del siglo pasado que parece que en muchos aspectos sigue teniendo actualidad. En palabras de Alfonso Zamora Vicente: “El esperpento tiene mucho de amargo y cruel (aunque nunca le falten luminosos puntos de ternura). Pero la visión esperpéntica casi no deforma nada, sino que deja al desnudo, en toda su miseria, la realidad misma (...) Y verdaderas parece que fueron las sustancias elementales, a menudo grotescas, de que estaba constituida aquella indeseada España. Hacerla mejor, regenerarla, es lo que quisiera Valle‐Inclán. Y esa es la lección que nos deja el esperpento”.
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La Regenta El personaje de Clarín cobra vida en la sociedad actual gracias a Come y Calla y los Teatros del Canal
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na Ozores regresa a su tierra. “La Regenta”, protagonista de la obra cumbre de Leopoldo Alas “Clarín”, adquirirá vida sobre los escenarios en una coproducción de Come y Calla y los Teatros del Canal cuyo estreno nacional tendrá lugar en dos importantes localidades de Asturias. Será el 23 de marzo en el teatro Palacio Valdés de Avilés, y al día siguiente en el teatro Jovellanos de Gijón. Posteriormente, del 29 de marzo al 15 de abril, podrá verse esta moderna adaptación en los madrileños Teatros del Canal. Ubicada en la ciudad de Vetusta –una más que reconocible Oviedo–, “La Regenta” habla sobre lo mejor y lo peor del ser humano. Marcada por sus emociones y por la sociedad que le rodea, Ana Ozores se pone el mundo por montera para dar rienda suelta a sus pasiones. Sin embargo, esa decisión tendrá un precio... La nueva visión de la obra de Leopoldo Alas nos presenta esta historia universal reubicada en la sociedad actual. Marina Bollain dirige este montaje en cuya dramaturgia ella misma ha participado junto a Vanessa Monfort. El reparto, por su parte, lo integran Mariona Ribas, Yolanda Ramos, David Luque, Raúl Sanz, Alberto Vázquez, Paca López y Ángel Savín. De su distribución se encarga GG Distribución Escénica.
Foto: Pedro Gato
Madame Bovary
La versión teatral de la novela de Flaubert llega al teatro Bellas Artes de Madrid
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strenada en diciembre del el año pasado en el teatro Principal de Alicante, el 2 de febrero llegaba al teatro Bellas Artes de Madrid, donde se representará hasta el 25 de marzo, la versión escénica escrita por Emilio Hernández de la novela de Gustave Flaubert, “Madame Bovary”. Producida por Jesús Cimarro y dirigida por Magüi Mira, para quien la narración de Flaubert en que está basada esta obra es la “novela madre” de todas las que se han escrito en el siglo XX, cuenta con las interpretaciones de Ana Torrent en el papel de Emma Bovary; Juan Fernández como Carlos Bovary; Armando del Río como Rodolfo y Fernando Ramallo encarnando a León. El montaje cuenta con música original de David San José, mientras que el diseño de vestuario corre a cargo de Helena Sanchís y el de iluminación ha sido creado por José Manuel Guerra. www.elespectaculoteatral.es
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Acabáramos Gazpacho con aceite de
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motor y mucho humor negro en la nueva creación de Teatro del Páramo
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l punto de partida de “Acabáramos”, la nueva creación de Teatro del Páramo, es una historia real: tres miembros de una familia toman por error un gazpacho hecho con aceite de coche. Su reacción cuando se enteran es sentarse a esperar la muerte. Con este planteamiento las autoras y directoras de la obra, Teresa Espejo y Ana Varela, han desarrollado tres personajes hechos a medida que protagonizan momentos absurdos, llenos de esperpento y humor negro. El montaje ha pasado durante el mes de enero por las salas La Escalera de Jacob y Tarambana de Madrid, además del Centro Cultural Blas de Otero de San Sebastián de los Reyes. Actualmente continúa su recorrido por la comunidad de Madrid, las próximas representaciones tendrán lugar el Los Castillos (Alcorcón) el 25 de Febrero, el Centro Cultural Pilar Miró (Madrid) el 3 de marzo y el Auditorio Municipal Gustavo Pérez Puig de San Martín de Valdeiglesias el 24 de marzo.
La Strada Éxito de una adaptación de la película de Fellini en Nueva York y en español
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l actor y productor español Luis Carlos Lombana, actualmente residente en Nueva York, y su compañía La Strada, tienen la intención de traer a nuestro país la adaptación teatral de la película de Federico Fellini de la que ha tomado el nombre dicha compañía y que ha cosechado importantes éxitos en la Gran Manzana durante el año pasado. Esta versión escénica de “La Strada” se representó en cincuenta ocasiones en Manhattan, primero en co-producción con el IATI (uno de los teatros hispanos más reconocidos en la ciudad) en febrero de 2011 y después producida en solitario por la propia compañía en el TBG Theater, entre el 23 de octubre y el 4 de diciembre. Durante el verano recibiría dos premios Hola 2011 a la mejor dirección, para René Buch y Jorge Merced, y al mejor actor secundario para el español Israel Ruiz. El montaje no ha dejado de cosechar excelentes críticas tanto en medios hispanohablantes como anglófonos y cabe destacar que, gracias al sistema de subtitulación en inglés, en muchas ocasiones el público angloparlante superaba al de habla hispana.
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Extraño anuncio El estreno de esta obra de Adolfo Marsillach tendrá lugar el 11 de febrero en Castellón
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a está más cerca la fecha de estreno de “Extraño anuncio”, un texto firmado por Adolfo Marsillach que, sorprendentemente, y cuando ya se han cumplido más de 10 años de su fallecimiento, hasta ahora solo había visto la luz en forma de una lectura dramatizada dirigida por Natalia Menéndez. La viuda del autor, Mercedes Lezcano, es la encargada de dirigir ahora su puesta en escena, en la que contará a sus ordenes con los actores Manuel Galiana, Mónica Aragón, José Carabias, Ana María Barbany, Óscar Olmeda y Kiko Sánchez. El debut de este espectáculo producido por Metrópolis Teatro tendrá lugar los días 11 y 12 de febrero en el teatro Principal de Castellón. Según expresó el propio Marsillach, “Extraño anuncio” “quisiera llegar a convertirse en una sorprendida investigación sobre la inconsistencia de la realidad; un juego –conviene insistir en esta palabra– en el límite entre lo que ha
El elenco actoral de “Extraño anuncio” junto a su máxima responsable. De izda. a dcha., y de arriba a abajo: Kiko Sánchez, José Carabias, Manuel Galiana, Óscar Olmeda, Ana María Barbany, la directora Mercedes Lezcano y Mónica Aragón.
ocurrido, lo que ocurre y lo que ocurrirá. Nadie es uno entero y de una vez; el fraccionamiento alucinante de nosotros mismos nos convierte al mismo tiempo en actores y público, en observadores y
observados, en vivos y muertos”. La obra también se podrá ver el 3 de marzo en Salamanca y, del 16 de marzo al 29 de abril, en la sala Francisco Nieva del Centro Dramático Nacional.
La familia de Pascual Duarte
Llega a Madrid la versión teatral de la famosa novela de Camilo José Cela
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n el año en que se cumplen siete décadas de la publicación de la novela en la que se basa, y una del fallecimiento de su autor, Tomás Gayo Producciones trae a Madrid la versión teatral de “La familia de Pascual Duarte”, la obra maestra del premio Nobel de Literatura Camilo José Cela. La producción, que se estrenó el pasado mes de octubre en Castellón, permanecerá en el teatro Fernán Gómez de la capital del 8 de febrero al 4 de marzo. El director Gerardo Malla está al frente de un reparto que encabezan los actores Miguel Hermoso, Ana Otero, Ángeles Martín, Lola Casamayor, Tomás Gayo y Sergio Pazos. El propio Tomás Gayo se ha encargado de la adaptación escénica de este texto, considerado fundador de ese subgénero literario que se ha venido a llamar como “tremendismo”. La empresa Metrópolis Teatro, por su parte, se responsabiliza de la distribución de este montaje que, tras su paso por Madrid, proseguirá con su gira por todo el país.
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Foto: Antonio Castro.
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el mundo del espectáculo teatral teatro de texto
Oxigen
Una comedia del Teatre Gaudí sobre la maternidad y la pareja
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asta el 25 de marzo el Teatre Gaudí de Barcelona acoge las funciones de “Oxigen”, una comedia ácida sobre cómo la llegada de la maternidad (y la paternidad) puede cambiar la vida de dos parejas jóvenes. Se trata del segundo texto teatral escrito por Mar Monegal, cuya primera profesión fue la de enfermera en el Hospital del Mar
de Barcelona, aunque mantenía latente una vocación artística y estudiaba interpretación en la Escuela Eòlia. Aprovechó una baja maternal para escribir su primer texto, “Sushi”, que le reportó un premio Ramón Vinyes y un accésit al Premio Romea 2008. Ante este éxito decidió dejar la enfermería para dedicarse plenamente a la dramaturgia.
En “Oxigen” Monegal parte precisamente de su experiencia personal como madre, añadiéndole buenas dosis de sarcasmo y ha contando con un equipo de cuatro actores (Helena Bagué, Frances Ferrer, Albert Mèlich y Betsy Túrnez), dos de ellos conocidas caras de la televisión en Cataluña, ya que protagonizan la serie “Pop Rápid” en el Canal 33.
Cal y Canto Aborda el fracaso escolar en “ZERO, el examen continúa”
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al y Canto hace una nueva apuesta creativa dirigida al público juvenil y adulto con “ZERO, el examen continúa”, que se estrenará el 9 de marzo dentro del Ciclo de Teatro Joven que organiza el Ayuntamiento de Burgos. El director y dramaturgo Marcos Castro la define como una obra coral, que desgrana la vida de varios personajes como las preguntas cruzadas de un examen. Aunque el fracaso escolar pueda parecer la temática central, la obra retrata, con un tratamiento muy dinámico, otros muchos aspectos de la experiencia vital de un adolescente, sus sueños y pasiones contrapuestos a una dura realidad que se presenta como un examen continuo en el que todos somos evaluados.
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el mundo del espectáculo teatral humor
Campanades de boda
El 2 de marzo sonarán por primera vez de la mano de La Cubana
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a hay fecha y lugar para el nuevo estreno de La Cubana. Será el 2 de marzo cuando la conocida compañía catalana presente en el teatro Tívoli de Barcelona su espectáculo “Campanades de boda”, toda una parodia de la escenificación teatral que todos hacemos al casarnos. Todo espectáculo de La Cubana pretende demostrar que detrás de cualquier evento cotidiano siempre hay teatro. En este caso
han escogido las bodas, un ejemplo muy evidente de esa escenificación habitual. Y es que han pasado los años, han cambiado las costumbres, y aunque ya no es necesario casarse religiosamente, cuando lo hacemos por lo civil continuamos con la misma “pompa” de siempre: un guión y una puesta en escena que todo el mundo conoce a la perfección y en donde todo el mundo sabe el papel que le toca interpretar.
A partir de situaciones que todos reconocemos, el espectador irá descubriendo las divertidas contradicciones de una familia de Barcelona que está a punto de casar a su hija. “Campanades de boda”, dirigido por Jordi Milán, estará interpretado por Mont Plans, Jaume Bacis, Xavi Tena, Toni Torres, Annabel Totusaus, María Garrido, Meritxell Duró, Bernat Cot, Babeth Ripoll, Montse Amat, Orial Burés y Jordi Milán.
Yes we Spain is different Carlos Latre actualiza su espectáculo y emprende una gira nacional
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l teatro Coliseum de Barcelona, entre el 1 de febrero y el 19 de febrero, es el punto de partida para la nueva gira por toda la península que Carlos Latre emprenderá con una versión actualizada de su espectáculo “Yes we Spain”, ahora titulada “Yes we Spain is different”. Nuevamente el mejor profesional de la imitación se muestra capaz de encarnar a una amplísima galería de personajes, unos ochenta incluyendo los más populares de sus registros y otros rostros novedosos. Todos ellos se ven envueltos en las tramas más hilarantes y surrealistas, pero siempre teniendo como marco la actualidad: Zapatero vendió España antes de marcharse, el nuevo presidente del Gobierno deberá afrontar la peor situación jamás imaginada y recurrirá nuevamente a Obama.
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ferias y feriantes
el mundo del espectáculo teatral opinión
A taquilla, vale, pero depende por Isidro Rodríguez Gallardo
El sistema no es nuevo y siempre se ha practicado, quizá ahora se vuelva en contra de algo fundamental que se llama partida presupuestaria. El espacio, bien sea privado o público, es claro que debería tener una planificación contable donde se incluya un gasto dedicado a programar cultura. Y ahí está el tema: si lo tengo a taquilla, a riesgo dicen las compañías a sus elencos, no es necesaria la previsión del gasto. El siguiente paso es pedir el pago de una tasa por la utilización del espacio público o un porcentaje si hablamos de privado. Y al ritmo que va el tema, llegará el día que te entreguen la llave y tendrás que aportar todo el personal necesario técnico y organizativo necesario para la limpieza, venta de entradas, acomodadores, técnicos, etcétera. Eso sí, no hace falta preocuparse
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todo esto se da, palabra. Pero lo más inexplicable es cómo compañías o productoras que hace muy poquito tiempo cobraban un caché de equis al cuadrado, ahora se rinden al riesgo. No puedo entender como se cuadran las cuentas. Lo mío nunca fueron las matemáticas, pero pienso. Y ni haciendo la “cuenta la vieja” me salen los números. En fin, allá cada uno, pero que está negro el asunto y con mucho hollín en la chimenea. Hay poblaciones que podrían llenar todo un año de programación a taquilla. Y posiblemente cubrirían sus expectativas por el volumen de fama de actrices o actores que estén en el reparto, cabeceras de cartel que se llaman. Pero sin duda que perderíamos todos porque hay un teatro necesario, imprescindible que no accedería a los espacios porque la cabecera de cartel sería el texto, la propuesta, el equipo, etc. Y los más perjudicados, los que más necesitan de un teatro diferente al de toda la vida, son los pequeños y medianos núcleos de población, porque ya ni tan siquiera hay circos ambulantes con bailarinas sobre el cable de acero, por eso, a pesar de seguir jugando en los patios de los colegios, ya no pueden enamorarse de ella; ahora sueñan con Cristiano Ronaldo o con Messi. Ese gran debate, que siempre está pendiente, es urgente propiciarlo, muy urgente, porque van a desaparecer personas, ideas, sabidurías, sensibilidades, posibilidad de... etc. La penúltima Feria de Teatro Y estás en todo esto y zas, llega la feria de teatro de Madrid, MADferia y nos zambullimos en ella los más habituales feriantes de la ferias. Es la primera de las ferias de teatro del año y creo que es así desde que se inició. Esta edición ha sido reducida a tres días y ha surgido un espacio estupendo como es el Centro Cultural Conde Duque. La afluencia de asistentes, tengo la impresión, ha sido bastante inferior que en otras ocasiones. Pero bueno, los tiempos que corren son lo que son y llegan a todas partes. Y el primer espectáculo programado nos enseña que hay un momento, o muchos, en la vida, que hay quitarse todo de encima y pensar. Creo que nunca deberíamos decir “pararse a pensar”. El pensamiento en sí, ya, al menos, es un movimiento celular ¿no? Pero no siento ganas de hacer aquí ahora una
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reflexión sobre lo bueno de la desnudez interna que pasa por la exterior. No es ni con mucho, el caso. Ester Bellver, en “Protagonizo”, hace un trabajo estupendo, sin rodeos, al pan, pan y ya sabes el resto del dicho. Había personas que comentaban la valentía de la actriz y yo creo que no se trata de tener valor para hacer lo que ella tan bien hace; se trata de tomar conciencia sobre uno mismo sin nada que lo impida lo más mínimo. Todo iría mejor si tuviéramos las ideas tan claras como las tiene esta actriz tan inteligente. “Protagonizo” se anuncia con un guiño que puede parecer una errata de imprenta –“ProtAgonizo”–, que sería algo así como “Prot-Agonizo”... Nos entendemos, ¿verdad? Ana Vallés ha ofrecido espectáculos con su compañía, Matarile, que han marcado una forma y un tiempo. Y su sello está muy presente en la dirección del espectáculo “Métanse nos seus asuntos”. Nuria Sotelo es un animal bellísimo que se entrega sin rodeos y ofrece un trabajo intenso y con una técnica impresionante donde cada partícula de su organismo interviene con una disciplina ejemplarizante. Para hacer lo que ella de la mano de Vallés hace hay que ser así. Tener los conceptos tan claros y amar esta profesión como ellas lo hacen. Y partiendo de lo sencillo. Fantástico. Es igual que el trabajo que Ricardo Reguera ofrece en “El corazón es extraño o la atribulada muerte de los vivos” (me encantan los títulos largos), de Denise Despeyrouz. Quería decir que el trabajo de Ricardo en el personaje de Victor es inmenso, estaba siempre en el punto ascendente que la propuesta textual exige y, gracias a él, la función no pierde interés. Cuando él no está en escena, todo se viene abajo. Sus compañeros luchan por llegar, pero da la impresión de que no saben hacia dónde. Ricardo Reguera es la verdad de una historia imposible, pero una historia que todos, en alguna ocasión, hemos soñado... ¿Nadie ha soñado tener encadenado a un ser para amarlo? ¡Pues que poco perversos son ustedes! El texto me interesó muchísimo y esa interrelación chejoviana más que más. Amador Cuartapared me regaló un libro de la autora, pero me falta el del espectáculo. ¿Me lo envías? Denise, un beso y las correspondientes gracias. Los días martes tienen un punto especial; sí, seguro. Y en este de MADferia pues ocurrieron cosas... Propuestas de un “Showcase de Teatro Infantil”, con ocho compañías que
presentaban unos diez minutos de un espectáculo. Presencia de personas con diferentes glamures, sí, porque estaba Helena Pimenta, Chusa de Entrecajas, Francisco Castaño, poeta y editor; Juan Ramón Pardo Carrión, jefecísimo de todo lo que huela a música y teatro en Castilla de la Mancha; actrices, actores, músicos, técnicos, etc. y la plana mayor de EL ESPÉCTACULO TEATRAL, que entregó su premio literario y, por tanto, había escritores varios, y al término del evento, no hubo croqueta, regalaron el premio del año anterior. Presentes también, al menos dos premiados. Ah, y Ron Lalá con su hada madrina, “La Yagüe”, que se mesaba en plan nervioso la punta de la melena como si ella, sabia donde las haya, no supiera que su muchachada estaría maravillosa en lo que presentaban, “Folias. Fiesta de entremeses”. En fin, que aquello, si no hubiera durado como duró; más que una misa en hebreo hubiera sido estupendo. Pero como fue martes, la noche se volvió mágica en el Conde Duque y gracias a la Compañía de Daniel Abreu. “Animal”, así se llama el espectáculo, no tiene desperdicio alguno. Lo mires por donde lo mires, porque hasta la dificultad que suponía salir de escena por el foro de la derecha, según el espectador, era perfecto, bien fuera la salida desde la posición que fuera. El arte se siente, te emociona, te hace soñar, te da vida, te abre universos secuestrados, censurados, rotos y los compone, te seduce y después te enamora. Sí, sí, en ese orden, primero seducción y después enamorarse. Totalmente. ¿Para qué quieres saber más después de sentir tanto? Gracias Daniel Abreu, a ti y a todo tu equipo. Pienso yo que, de “Santa Perpetua”, firmaría el texto Don Ramón María y estaría tan feliz. Pero también ocurre que lo firma su autora, Laila Ripoll, y nos hace felices a los mortales que aún vivimos y amamos a Valle Inclán en el recuerdo de su sabiduría, y amamos a Laila Ripoll, que no necesitamos recordar, porque está, por fortuna, entre nosotros... Si hay una máxima de que todo es mejorable, aquí no cabe. Todo está bien, hasta las dificultades del espacio, porque, ¿qué importancia tiene eso cuando hay una más que buena historia como la de “Santa Perpétua?. Con una idea tan maravillosa y que haya una manada de estúpidos que la quieren ocultar... Todo está en su punto. Todo está como debe estar. Señoras y señores, aquí hay teatro. Puro teatro. Pura verdad. www.elespectaculoteatral.es
compañías
el mundo del espectáculo teatral danza
La mujer invisible Carmen Werner nos da la posibilidad de mirar a través del ojo de la cerradura
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n una sociedad en la que hurgar en la vida privada de los otros arrasa cada vez más en los horarios de máxima audiencia televisiva, las artes escénicas ofrecen una alternativa para los que no se conforman con cualquier cosa. Carmen Werner, coreógrafa, bailarina y Premio Nacional de Danza, presenta con su compañía Provisional Danza la pieza “La mujer invisible”, un montaje que enfrenta al espectador con la sensación de que mira a través de un agujero para ver la vida íntima
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de los otros, gracias al lenguaje directo y discreto del cuerpo. Para su creación, Carmen Werner, directora artística y coreógrafa del espectáculo, ha contado en esta ocasión con su colaborador habitual Daniel Abreu al frente de la dirección escénica, y con intérpretes tanto de su propia compañía como de 360 Danza, además de con la colaboración especial de Rebeca Martín Tassis. La obra permanecerá en la sala Cuarta Pared de Madrid entre los días 22 y 25 de febrero. www.elespectaculoteatral.es
compañías
el mundo del espectáculo teatral musicales
A quién le importa
Un musical en homenaje a los hermanos Jorge y Carlos Berlanga De izda. a dcha: Alejandro Colubi, presidente del grupo Marquina; Francis Montesinos, diseñador; José Luis Berlanga, hermano de Carlos y Jorge y productor de la obra; Marcos de Quinto, presidente de Coca-Cola España; Guillermina Royo, encargada de realizar la imagen gráfica; Miguel Bosé, padrino de la iniciativa; y Marcos Campos, promotor y productor del musical “A quién le importa”.
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anciones como “Un hombre de verdad”, “El rey del glam”, “Perlas ensangrentadas” o “Cómo pudiste hacerme esto a mí” compondrán la banda sonora del musical “A quién le importa”, una producción que homenajeará a los hermanos Jorge y Carlos Berlanga. Este espectáculo, dirigido por Jorge de Juan y Eduardo Bazo, se estrenará el próximo mes de diciembre en el teatro Arenal de Madrid. Esta comedia musical, escrita por Jorge Berlanga y adaptada por Enrique y Yerai Bazo, realizará un recorrido por las canciones de Carlos Berlanga y Nacho Canut a través del personaje de Óscar, un bala perdida que ingresa en un hospital y reflexiona sobre su pasado. Óscar mezcla la realidad con la ficción y en sus sueños aparecen los personajes más
importantes de su vida, como Camila, su amor perdido, así como sus amigos y algunos de sus mitos: Andy Warhol, Federico García Lorca, Salvador Dalí... Precisamente el personaje de Dalí será interpretado por el diseñador valenciano Francis Montesinos, quien además es el encargado de diseñar todo el vestuario de los personajes. El repertorio de este musical, en cuya producción participan Marcos Campos y José Luis y Fernando Berlanga, estará compuesto por un total de 22 canciones que serán puestas en escena por un elenco de 16 actores y bailarines, cuyo proceso de selección comenzará en las próximas semanas. También habrá un casting popular para elegir a uno de sus cinco protagonistas.
el mundo del espectáculo teatral infantil
Afuera es un lugar
compañías
Arena en los Bosillos estrena en FETEN este montaje para bebés
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a nueva obra de Arena en los Bosillos, compañía especializada en títeres y objetos para bebés, es fruto de casi dos años de investigación que comenzaría con el traslado a Buenos Aires, a fin de conocer de primera mano las experiencias vividas por los profesionales que atienden en prisión tanto a las madres reclusas como a sus pequeños, y continuaría después en España colaborando en su estudio con el Observatorio de la Infancia en Andalucía, comprobando de esta manera las distintas realidades en cuanto a esta situación que existen en diferentes partes del mundo. “Afuera es un lugar” es el título del espectáculo resultante de esa investigación y cuyo estreno absoluto se producirá el 29 de febrero, dentro de la programación de FETEN. Con autoría de Elisa Vargas y la dirección de Rosa Díaz (Premio Nacional de las Artes Escénicas para la Infancia 2011), cuenta con Iker Pérez (quien además se ha encargado del diseño y construcción de la escenografía) y Francisco Javier Martín como intérpretes.
Vuela si puedes Una fábula de teatro paraíso que explora el racismo y la discriminación
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nte la proximidad de una catástrofe, una tribu de pájaros llamada Touron debe dejar su territorio y para ello se hace necesario abandonar en tierra a los más débiles, enfermos o discapacitados. Con este punto de partida argumental la compañía Teatro Paraíso aborda en “Vuela si puedes” temas como el racismo, la indiferencia, las luchas de poder, pero también la amistad, la solidaridad y el respeto. Se trata por tanto de una fábula protagonizada por animales que adoptan un perfil casi demasiado humano en sus relaciones con los demás. Mathias Simons es el autor de esta obra que también dirige junto a Dino Corradini y que está interpretada por Eriz Alberdi, Tomás Fernández Alonso, Rosa A. García y Ramón Monje.
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compañías
La princesa y el dragón Títeres Sol y Tierra viajó hasta Dubai con la versión inglesa de esta obra
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a obra “The princess and the dragon”, la versión en inglés de “La princesa y el dragón” de la compañía Títeres Sol y Tierra, fue seleccionada para realizar una gira de 16 actuaciones y 10 talleres en el Dubai Shopping Festival. Este evento, patrocinado por el Gobierno de los Emiratos Árabes, se llevó a cabo en el escenario del Dubai Mall Marina entre el 26 de enero y el 4 de febrero de 2012. El espectáculo de la compañía madrileña fue visto por el coordinador de dicho festival durante las representaciones que Títeres Sol y Tierra ofreció del 10 al 14 de agosto del año pasado en el teatro Acoustic Music Center de Edimburgo (Escocia) dentro de la programación del Fringe, evento en cuya pasada edición participaron más de 3.000 compañías –un centenar de ellas dedicadas al público infantil– en 60 espacios y en diversos escenarios callejeros de la famosa Royal Mile de la ciudad. “La princesa y el dragón” fue estrenada en 1998 en la madrileña sala Pradillo, y desde entonces se ha podido ver en más de 800 ocasiones, tanto en España como en diversos festivales internacionales: Taiwan (Kaohsiung), El Salvador (San Salvador), Francia (Sant Eloy les Mines), Suecia (Lund), Venezuela (San Cristóbal) y Gran Bretaña (Fringe).
el mundo del espectáculo teatral infantil
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La Hija de Shakespeare
compañías
La Mar de Marionetas recrea el “Sueño de una noche de verano”
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l Festival Internacional de Títeres de Bilbao acogió en noviembre del pasado año el estreno de “La hija de Shakespeare”, una producción de La Mar de Marionetas que contiene los ingredientes que siempre fueron esenciales en la filosofía de esta veterana compañía: música, arte y títeres. Sus objetivos son aunar en un espectáculo el disfrute y el entendimiento de la buena música, el gusto por la cultu-
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ra clásica a través de sus mitos, el cultivo de la sensibilidad por las obras de grandes pintores y escultores y, por supuesto, la puesta en escena con teatro de marionetas, que cuenta con un lenguaje propio, lleno de licencias y simbolismo. “La hija de Shakespeare” nos presenta a Judith, hija del escritor inglés, que viaja hasta nuestros tiempos para hablarnos de su padre, de su época y contarnos “El
sueño de una noche de verano”. El público podrá descubrir este clásico de la literatura universal a través del romanticismo de Titania, la magia de Oberón y las travesuras del elfo Puck. En definitiva, se trata de que los más pequeños tomen contacto con las creaciones y personajes de uno de los genios de la dramaturgia de todos los tiempos, pero siempre en clave de humor. www.elespectaculoteatral.es
el mundo del espectáculo teatral
Fluge/ASL Equipan el musical “Más de 100 mentiras” en el teatro Rialto de Madrid
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as compañías madrileñas Fluge y ASL son las encargadas del suministro e instalación del equipamiento de sonido e iluminación para el musical “Más de 100 mentiras”, basado en las canciones de Joaquín Sabina y que se viene representando con gran éxito en el teatro Rialto de Madrid desde el pasado mes de octubre. En lo que se refiere a sonido, la principal dificultad de este montaje tiene que ver con el número de cantantes y bailarines que evolucionan en escena, por ello es necesario utilizar gran cantidad de sistemas inalámbricos en microfonía. En concreto, durante la función se mantienen en funcionamiento alrededor de una docena de micrófonos de diadema DPA 4066 con las correspondientes petacas transmisoras Sennheiser SK5212. Aparte de las voces, algunos instrumentos, como al saxo y el violín, necesitan también de otras cápsulas DPA junto a transmisores Sennheiser. Por lo que respecta a la monitorización, se emplean sistemas personales por auriculares y no se utiliza una mesa de mezclas, sino elementos modulares Aviom, como el distribuidor de red A-16D PRO, hasta trece mezcladores personales A-16II, tres mezcladores de rack AR-16 y un módulo de dieciséis entradas AN-16/i. En cuanto al control de F.O.H. se utiliza una consola DiGiCo SD10 y es de suponer que debido al as características y tamaño del teatro Rialto no ha querido utilizarse un sistema line array como equipo de P.A. sino que se han distribuido recintos Meyer Sound de diferentes tamaños, potencias, respuesta y coberturas de los modelos 650-P (subgraves), CQ-1, UPA, UPJ y UPM.
equipamiento
la técnica, instrucciones de uso
el mundo del espectáculo teatral reflexión
Técnicos y tecnócratas
Vivimos en épocas extrañas en las que basta leer el periódico para ver cómo, en algunos países, el gobierno de las sociedades ha pasado a manos de tecnócratas. Parece ser que ante la dejación o incapacidad de los políticos de regir la sociedad, el poder debe ser puesto en manos de “técnicos” quienes se supone han de conducirnos a buen puerto en mitad de la tormenta mediante la toma de decisiones racionales, limpias de toda condición política.
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a comunidad profesional del teatro es, en cierta manera, un reflejo de la sociedad que la acoge. Cuando se reúne un conjunto de personas para conseguir un objetivo –en nuestro caso la puesta en pie de un espectáculo– aparece la necesidad de la organización y con ella las contingencias asociadas. Entendidas éstas como factores que nos influirán en su diseño, podemos agruparlas en dos grandes bloques: las de origen técnico y las de origen social. Definiremos así una compañía o un teatro como un “sistema sociotécnico” en el que deberemos lidiar, por una parte, con la problemática asociada a la complejidad tecnológica y su influencia en los aspectos sociales y, por otra, con las dificultades surgidas de los grupos de interés, las relaciones de poder y la autoridad. La complejidad de las estructuras organizativas actuales y la de las tecnologías empleadas en el teatro requieren personas capacitadas, poseedoras de una sólida formación que dispongan de pericia y habilidad para el manejo de los recursos. Esta es la definición del técnico. Es difícil sustraerse a la corriente de pensamiento general que legitima la colocación de banqueros al frente del gobierno de los países bajo la premisa de que su pericia técnica bastará para resolver los enormes problemas políticos que nos agobian. De la misma manera que parece que la sociedad deberá funcionar mejor en manos de los técnicos, podemos llegar a pensar que el teatro jamás estará en mejores manos que cuando lo está en las del equipo técnico. “¡Qué mal gestor es un artista!”, exclamamos a menudo no faltos de razón. ¡Viva la “racionalidad”! ¡Pongamos gestores y técnicos competentes al frente! Si ponemos por delante las consideraciones de eficacia y eficiencia técnicas y de gestión de recursos, seguramente el más indicado para la gestión será un técnico en esas áreas. Pero esto no es más que una burda simplificación. No podemos reducir la creación escénica a un simple proceso industrial. Ser un buen técnico no garantiza ser el más indicado para la
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dirección del teatro o de la compañía. Esta deriva de pensamiento convierte al técnico –eficaz cuando se ciñe a su ámbito– en un peligroso “tecnócrata” que, viendo el mundo únicamente a través del color de su cristal, cae en la tentación de extrapolar al contexto social de la organización soluciones pretendidamente asépticas apoyadas en la supuesta “veracidad” apriorística del criterio técnico. El resultado no es un gobierno de técnicos sino de “tecnócratas” en el peor sentido de la expresión; convencidos poseedores de la verdad que, en lugar de ser fieles aliados de quien debe liderar el proceso de creación, toman el poder en nombre de una pretendida eficacia y eficiencia que tan lejos están de conseguir. La gestión cultural, la dirección técnica, la producción escénica no son arte. Simplemente son –y no es poco– técnicas y procedimientos que pueden ayudarnos a conseguir con pertinencia y con una mejor economía de esfuerzos y recursos aquello que perseguimos. El técnico que sabe cual es su posición en el contexto de la creación no persigue el poder. Quiere ser escuchado, quiere aportar sus conocimientos para hacer posible la concepción escénica y la representación. Es un colaborador indispensable, pero no aspira a capitanear el barco para imponer su criterio al creador. El tecnócrata, aunque errado en el método, puede actuar persiguiendo el bien general. De este “tecnócrata bienintencionado” todos conocemos algún ejemplo. Sin embargo, también encontramos técnicos que, no habiendo alcanzado las cuotas de poder del tecnócrata, caen en la tentación de utilizar su conocimiento y posición para tratar de influir en la marcha general de las cosas defendiendo sus intereses particulares por encima del interés común. ¡Para esto no hay presupuesto! ¡Aquello lo impide la norma! ¡Esto no se puede hacer por razones de seguridad! ¡Esto lo impide el convenio!... ¿Cuántas veces se habrán utilizado estas herramientas para conseguir objetivos no declarados? Se aprovecha el
crédito del que se dispone como técnico (y –todo hay que decirlo– de la ignorancia del profano sobre dichos asuntos), para conseguir objetivos espurios. He aquí el secreto anhelo de algunos técnicos: tomar el poder. Quizá no obtengan el poder formal del tecnócrata, pero acaban ejerciendo un fuerte poder informal en el seno de la organización. El síntoma de esta enfermedad se evidencia en una manifiesta falta de consideración hacia el sector artístico por parte de los técnicos implicados. El colmo de la catástrofe se produce cuando el técnico, adquiriendo cuotas de poder formal, se transmuta en tecnócrata como medio para defender intereses ajenos a la producción. Tanto el tecnócrata bienintencionado como el técnico egoísta excusan su manera de pensar y actuar en el descrédito de quien debe estar al frente. Ambos sostienen que el gobierno de los teatros y compañías no debe dejarse en manos de los artistas de la misma manera que el gobierno de la sociedad no debe dejarse en manos de los políticos. Se desprecia al artista en el teatro del mismo modo que se desprecia al político en la sociedad. Soy de la opinión de que el trabajo del técnico debe fundamentarse en la implicación y la colaboración con los artistas de manera que sean ellos quienes, con el auxilio de los técnicos, asuman las decisiones más adecuadas para su producción. El espectáculo se basa en el trabajo en equipo: todos y cada uno desempeñando adecuadamente las respectivas funciones, –todas importantes– para la consecución del mismo fin. Corresponde a los creadores el liderazgo del proceso aún si nos llevan por un camino no exento de curvas peligrosas. Ellos, y no los técnicos, son los líderes naturales del proceso. Ellos, y no los técnicos, son los artistas. A ellos, y no a los técnicos, quiere ver el público. ¿Banqueros presidiendo gobiernos? Jordi Planas
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la última
el mundo del espectáculo teatral reflexión
Ley de Patrocinio: Estado, empresas, ciudadanos Una de las primeras intervenciones del nuevo ministro de Educación, Cultura y Deportes, José Ignacio Wert, anunciaba una inminente nueva Ley de Patrocinio. Es un excelente momento para fijar las líneas maestras que debe tener una nueva ley de incentivos fiscales al patrocinio y al mecenazgo. Sobre este tema versa en este número el artículo de nuestro colaborador, Robert Muro. 1. La necesidad imperiosa de una nueva ley de patrocinio y mecenazgo ha ido haciéndose clamor en estos últimos años. En parte porque la anterior, que data de 2002, se ha mostrado muy poco útil en su labor de estímulo de donaciones e inversiones privadas en Cultura; irrelevante en su tarea de animar a las empresas a iniciar o multiplicar su Responsabilidad Social Corporativa. En parte, también, porque ante la situación económica los responsables políticos han optado por restringir brutalmente gastos e inversiones en servicios, entre ellos Cultura, con trágicas consecuencias para la creación y el arte, y el consiguiente empobrecimiento de servicios para los ciudadanos. En esas circunstancias no son pocos los que ven –vemos– en el incremento de la acción social de las empresas, de sus donaciones o/y del patrocinio de actividades artísticas y culturales, una forma de paliar el déficit y la fuga de financiación pública. 2. Al abordar la redacción de la nueva ley existe el peligro de mirar demasiado fuera de nuestras fronteras, a modelos de financiación de las artes como el norteamericano o el inglés. Tengamos en cuenta que cada uno de ellos se inscribe en décadas de un modelo concreto de política cultural, muy diferente al español y que por lo tanto las copias miméticas no funcionarán. Aprendamos de otros modelos, pero recordando que su aplicación se hará en una estructura en que la creación es en general privada, las redes de exhibición públicas, los precios intervenidos, y los creadores y la creación minusvalorados. Y que la ley, y la política que la sustenta, debe tender a moderar y mejorar ese panorama poco a poco. 3. Cualquier ley se inscribe en un determinado concepto político y de hacer política. Por eso, más que una ley necesitamos un profundo cambio de actitud ante el tema de la financiación de la cultura y el arte. Este nuevo proyecto de ley se redacta en el marco de una oleada de privatizaciones, y cuando predomina entre nuestros políticos un modelo que deja la gestión de instituciones culturales públicas en manos de empresas privadas, y apenas sin control. Todo ello, desgraciadamente, con un chato objetivo: el de abaratar costes, el de reducir el peso presupuestario de la cultura –y la sanidad,
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la educación…– en las arcas públicas. Y sin embargo, la Constitución fija con meridiana precisión el papel de las instituciones públicas como promotoras de la Cultura, algo que no deben ni pueden ceder a terceros. La ley no debe olvidar que los poderes públicos son los responsables de fijar las líneas estratégicas de hacia dónde va la cultura; y también, por lo tanto, las líneas maestras de la financiación de las artes. 4. Lo verdaderamente relevante es que la financiación global de las artes y la cultura sea suficiente y se oriente a hacer mejores ciudadanos y más país. De esa financiación suficiente son responsables el Estado y las instituciones públicas: vía presupuestos, vía leyes de incentivos fiscales al patrocinio y mecenazgo. Tengamos en cuenta que los beneficios fiscales reducen la masa de impuestos que las instituciones emplean para sus políticas, incluidas las culturales, y que, por lo tanto, el Estado debe vigilar que la tarea de promoción de la cultura y el arte quede salvaguardada de una mayor o menor financiación privada, previsiblemente variable. 5. La futura ley de incentivos ha de servir al objetivo de hacer sostenible la producción de arte y el mantenimiento de la cultura como servicio. Por eso, más allá de los objetivos económicos, el alma de la ley debe ser multiplicar la responsabilidad colectiva en el devenir de la cultura, democratizarla en suma. Porque, aunque esencialmente orientada a promover donaciones y patrocinios de empresas y grandes fortunas, es una actividad que puede ser impulsada por cualquier ciudadano con deseo de aportar fondos a la cultura. El micromecenazgo, tan en boga, es una expresión profundamente democrática y social del patrocinio individual. Por eso la ley debe contribuir a la irrupción de los ciudadanos en la acción cultural, a devolver el protagonismo de la creación y el desarrollo artístico y cultural a la sociedad civil, de la que forman parte asociaciones sin ánimo de lucro, empresas y ciudadanos. 6. Los incentivos fiscales y la propia ley de patrocinio juegan un papel divulgador de la gran responsabilidad que una sociedad mayor de edad tiene en los procesos artísticos y culturales. Tal vez ese sea inicialmente su
papel más relevante: correr la voz social de que todos debemos comprometernos con la cultura y el arte, no solo las instituciones. Por ello los incentivos deben ser máximos en los primeros años de vida de la ley, con el objetivo de que muchas empresas e incluso las poco sensibles a la Cultura, se planteen apoyarla. Importa menos que las aportaciones busquen ser percibidos mejor por sus clientes, prestigiarse, o porque son sinceramente sensibles al arte. 7. La futura ley, que ha de estar inscrita en un modelo de política cultural, ha de atender en su redacción a que los ámbitos artísticos y culturales minoritarios reciban también donaciones y apoyo del mundo empresarial. Así, los proyectos de más riesgo o las expresiones artísticas menos mediáticas, disfrutarán de máximos incentivos fiscales. O, alternativamente, una parte de las donaciones integrará obligatoriamente un fondo específico –gestionado por el Estado a sus diferentes niveles– destinado a esas expresiones: el estado como defensor de la innovación y alimentador de las vanguardias y el riesgo. 8. La ley también debe recoger en su redacción beneficios fiscales para los ciudadanos que individualmente realicen aportaciones a proyectos artísticos o culturales, porque, como decía más arriba, la ley debe alentar la idea de fondo de que la cultura es responsabilidad de todos. Ello podrá hacerse facilitando las desgravaciones a aquellas personas que financien actividades artísticas, o bien promoviendo la desgravación por consumo, aunque formalmente se aleje del espíritu de una ley de incentivos fiscales. Sí, la nueva ley puede servir de cortina de humo para que los presupuestos públicos borren el epígrafe destinado al servicio cultural. Pero también puede ser una maravillosa oportunidad para implicar a la sociedad en la marcha de la cultura, el valor estratégico más relevante que posee nuestro país. Esa es la Ley que necesitamos: orientada a la sociedad, a los públicos; incluso más que a las empresas. Por favor, pregunten mucho y a muchos antes de aprobarla. Robert Muro www.robertmuro.wordpress.com www.elespectaculoteatral.es