N º 73 Mayo 2012 El Espectáculo Teatral by El Espectáculo Teatral

el mundo del espectáculo teatral

Editorial

La nueva filosofía de Mercartes E

ste próximo mes de noviembre se celebrará la nueva edición de Mercartes. Feria bienal, el certamen anterior tuvo lugar en 2010. Entonces la crisis ya golpeaba con dureza, pero nadie se imaginaba todavía hasta qué punto iba a ser su dureza. Ahora, en cambio, ya somos capaces hasta de imaginar un futuro más negro, quizá, de lo que vaya a ser. Casi un 25% de paro, deudas ingentes por parte de los ayuntamientos, caída brutal de la contratación municipal… Estamos fatal, por supuesto, pero ya está bien de dar pábulo a los más agoreros, que llegan, incluso, a avisar de que esto puede desembocar en la III Guerra Mundial. En realidad, y al hilo de la tónica de lo que venimos escuchando últimamente, la situación no es, sin embargo, dramática de forma inexorable. Como dicen los psicólogos, debemos evitar las voces tóxicas que nos sumergen en un círculo vicioso de desesperación. Al contrario; el vaso del empleo no está medio vacío, sino que está lleno en ¾ partes. También hay quien, incluso, no ha optado por evadir su capital a Suiza sino que, al contrario, se decide a invertir y apostar por el futuro, porque “el espectáculo” no se puede parar: ahí están, por ejemplo, Carlos López Fides, director de Summun Music, o Marcos Cámara y Adriana Suárez, de Drive Entertainment, que se han lanzado a alquilar en Madrid sendos teatros de más de mil doscientas localidades, el Nuevo Apolo y el Arteria Coliseum, respectivamente. Por cuestiones materiales de espacio, no podemos incluir en estas páginas las entrevistas que hemos realizado a los responsables de estas dos empresas; sin embargo, sí las tenéis disponibles en nuestra web. Si queréis un resumen extremadamente breve de sus palabras aquí lo tenéis: “HAY PÚBLICO”. Ellos representan el teatro musical, pero no pasa nada: también HAY PÚBLICO para el teatro de texto. También lo dicen Miguel del Arco y Aitor Tejada, nuevamente premiados en la edición de este año de los Max, en esta ocasión por “Veraneantes”. Lo ven en los montajes en los que ellos intervienen, ya sea como Kamikaze Producciones, o como director de escena, en el caso de del Arco: “De ratones y hombres” y “El inspector”. Y lo ven en los espectáculos a los que acuden como público. Lo que también es cierto es que todos nosotros, en mayor o menor medida, estamos haciendo por adaptarnos a las circunstancias: los que tienen más talento, con medidas rompedoras y sorprendentes; los que no lo tenemos, por la vía de la reducción de gastos, para poder seguir adelante, para no tirar la toalla: porque no queremos tirarla y pensamos que esto tiene vuelta de hoja. Y ahora se acerca Mercartes y la feria ha hecho por adaptarse a las circunstancias: si hasta ahora coincidía la feria con unas jornadas de ponencia y debate en esta edición el encuentro se va a centrar en el negocio puro y duro. Aquí estamos para vender, no para discutir del sexo de los ángeles teatrales, y los esfuerzos de la organización se van a dirigir, precisamente, a eso, a favorecer el encuentro entre vendedores y compradores, con unas tarifas de alquiler de superficie muy adecuadas a los tiempos que corren. Por otra parte, se va a ofrecer un papel destacado para los proveedores técnicos, esos grandes ausentes de este tipo de certámenes: fabricantes de escenografía, empresas de sonido profesional e iluminación espectacular, creadores de vestuario, ticketing, servicios auxiliares, etc. Quien más, quien menos, nos hemos visto obligados a encogernos para aguantar el chaparrón, pero tenemos que seguir trabajando y para ello tenemos que seguir invirtiendo: el que pueda mil, que invierta mil; el que pueda cien, cien. Todos tenemos que hacer números para seguir peleando por aquello en lo que creemos, pero no podemos rendirnos. Esa no es una opción. Estoy seguro de que volverán los buenos tiempos. Jesús Rodríguez Lenin Editor

el mundo del espectáculo teatral www.elespectaculoteatral.es Edita: Publicaciones Teatrales S.L.

c/ Julián Camarillo 47 port. D of. 104 28037 MADRID Tel.: 91 304 04 88 Director: JESÚS RODRÍGUEZ FERNÁNDEZ lenin@dosdimensiones.es Director de arte: ENRIQUE PÉREZ eperez@dosdimensiones.es Redactor Jefe: SANTI GARCÍA santigarcia@dosdimensiones.es Redacción: JAVIER MORA, CLARENCE J. BODDICKER. Autoedición: LAURA R. DIONIS, FRANCISCO CACENAVES Publicidad: ABEL VALERO SALINAS abel@elespectaculoteatral.es Publicidad Equipamiento: SANTI GARCÍA santigarcia@dosdimensiones.es Fotocomposición: Dos Dimensiones, S.L. Depósito Legal: M-46213-2005 Imprime: Villena Artes Gráficas. Distribuye: National Post.

SUMARIO: 6 9

FERIAS Y EVENTOS - 6: Festival TAC de Valladolid - 7: Festival de Almagro y Extremagia ASOCIACIONES - 9: ARTESA y La Red

10 PREMIOS - 10: Especial premios Max 26 COMPAÑÍAS - 26: Teatro de texto - 29: Humor - 30: Infantil 31 EQUIPAMIENTO ESCÉNICO OPINIÓN - 9: Heteatrodoxias, de Xavier Marcé - 33: La Técnica, de Jordi Planas - 34: La reflexión, de Robert Muro

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ferias y eventos

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Festival Internacional de Teatro y Artes de Calle de Valladolid Acoge veinte estrenos en su XIII edición

l Festival Internacional de Teatro y Artes de Calle de Valladolid (TAC) celebrará su decimotercera edición del 23 al 27 de mayo. La programación reúne a 53 compañías procedentes de nueve países (Francia, Italia, Portugal, Australia, Alemania, Reino Unido, Estados Unidos, Argentina y España) que presentarán gran variedad de propuestas de teatro, circo, danza, performance, música, títeres o parkour. Entre ellas veinte serán estrenos, once absolutos y nueve nacionales. La programación del festival se divide en tres secciones, una oficial que contará con veintinueve de los espectáculos presentados, otra denominada Estación Norte, que presenta diez propuestas de compañías vallisoletanas, y Valladolid Propone, constituida por los catorce espectáculos restantes. Entre los estrenos absolutos se encuentra la obra “El silencio blanco”, una performance del artista Albert Vidal que regresa al festival después de haber sido homenajeado el año pasado. Este montaje, coproducido por el TAC y por la Fundación Municipal de Cultura, recorrerá las calles de la ciudad en una convocatoria multitudinaria, con la participación de todas aquellas personas que deseen sumarse a la marcha. Otro estreno absoluto será el realizado por Galizian Urban Project, grupo de parkour que hace sus acrobacias al mismo tiempo que supera los obstáculos de la estructura urbana. La compañía Visitants, por su parte, estrenará en el festival la obra “Judit & Paul”, una tierna historia de amor y rechazo de dos ancianos. La francesa Claire, a su vez, representará por primera vez el montaje “La sonrisa del náufrago”, solo de danza inspirado en la obra escultórica de Eduardo Cuadrado y acompañado de música de piano y contrabajo. Dentro de la sección Valladolid Propone habrá otros dos estrenos, como son “Los Rodríguez, una familia en CRISIS”, obra de La rueda ETC que convierte al espectador en protagonista, y “F… esta”, propuesta de danza contemporánea de La Abuela Danza. Los demás estrenos absolutos son los incluidos en la sección Estación Norte. Se trata de “Balada de la buena vida”, un montaje musical de Lacuba que recorre las calles a ritmo de batería y saxo; “¿Tragas o escupes?”, versión desarrollada del

montaje realizado el año pasado por Xtrañas Producciones; “Ciudades nómadas”, un acercamiento al espectador realizado por Teatro Encuentro; “El cazador de ballenas”, reflexión sobre la creación artística del colectivo Ghetto 13-26, y “Peregrinos”, último montaje del escultor vallisoletano Eduardo Cuadrado. En cuanto a los estrenos nacionales, los franceses Kumulus regresan al TAC con “Silence encombrant”, después de haber logrado en 2004 el premio al mejor espectáculo. Otro artista que regresa a Valladolid es Antoine le Menestrel, de Lézards Bleus, que en esta ocasión acude con el montaje de danza de riesgo “La bourse ou la vie?”. También procedente de Francia llegará la compañía Jo Bithume, que ofrecerá el musical “Boîte de rue”, una verdadera discoteca a cielo abierto. Desde el Reino Unido se desplazarán los nueve integrantes de Gandini Juggling para representar por vez primera en España su obra de variedades “Smashed”, en la que combinan malabares y teatralidad. El comediante estadouni-

dense Rob Torres, por su parte, arrancará la sonrisa del público con su absurda interpretación de las labores cotidianas en “Funeeestuff”. Por último, otro de los estrenos nacionales es el del espectáculo “Felliliana”, de la compañía italiana Ondadurto, que proyecta imágenes de fuerte impacto visual y rinde homenaje al cineasta Federico Fellini. Por otro lado, en esta ocasión el TAC rendirá homenaje a Frank Wilsom, figura referente en el estudio y desarrollo de las artes de calle, a las que ha aportado notables aportaciones durante las últimas décadas desde diferentes cometidos: creador, programador, asesor y productor de eventos de todo tipo de formatos. Fundador y director artístico del Festival Internacional de Stockton Riverside desde 1988, Wilson ha puesto sus conocimientos al servicio de su compañía, Event International, desde 1999. En los últimos ocho años ha sido además el programador internacional del Cahoyang International Spring Carnival in Beijing. www.elespectaculoteatral.es

ferias y eventos

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Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro Se celebrará del 5 al 29 de julio bajo el lema “Disfruta de tus clásicos” y contará con 49 compañías participantes

a 35ª Edición del Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro, que se celebrará entre el 5 y el 29 de julio próximos bajo el lema “Disfruta de tus clásicos”, contará con un total de cuarenta y nueve compañías participantes: treinta y tres españolas, una de música y quince extrajeras llegadas desde Argentina, Italia, Francia, Canadá, Colombia, Cuba, Portugal, Reino Unido y México, que será el País Invitado de Honor. A estos hay que sumar dieciocho espectáculos familiares. De todos estos montajes, dieciocho son estrenos: seis absolutos, once en España y uno en castellano. En total se presentarán en el festival las obras de cincuenta y cuatro autores, treinta y ocho e ellos contemporáneos, como Ferruccio Soleri, Luigi Lunari, Laila Ripoll, Emilio del Valle, Juan Mayorga o Ernesto Caballero. Entre los clásicos estarán Lope de Vega, Shakespeare, Calderón de la Barca, Molière, Cervantes o Ruíz de Alarcón, y entre los cincuenta y cuatro directores de escena que presentarán sus trabajos dentro de la programación se encuentran importantes nombres como Milena Vlach, Alice Ronfard, Helena Pimenta, Mercedes

Castro, Alfonso Zurro, Álex Rigola, Martin Butler o Sergio Peris-Mencheta. La Compañía Nacional de Teatro Clásico recibirá el 12º Premio Corral de Comedias, que le será entregado durante la jornada inaugural del festival. Por otro lado, el homenaje recae este año en el figurinista Javier Artiñano, un profesional que ha sido parte esencial en la historia de estos últimos cuarenta y cuatro años del teatro, el

Extremagia

Celebra su primer lustro de vida, del 4 al 10 de junio en Don Benito

cine y la televisión. El patronato de este festival, organizado por la Fundación Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro está formado por el Ministerio de Cultura, la Junta de Comunidades de Castilla-La Mancha, la Diputación de Ciudad Real, el Ayuntamiento de Almagro, la Universidad de Castilla-La Mancha, la Compañía Nacional de Teatro Clásico y el Museo Nacional del Teatro.

ste año Extremagia cumple su quinto aniversario y reunirá una vez más a grandes nombres del ilusionismo en la localidad pacense de Don Benito, entre el 4 y el 10 de junio. Dirigido por el mago Víctor Ferro y producido por El Negrito Producción y Distribución de Espectáculos, junto al ayuntamiento de Don Benito y la Junta de Extremadura, por el festival internacional de magia de Extremadura han pasado magos como Jorge Blass, Juan Tamariz, Silvester de Jester... hasta completar una lista de unos cien artistas en los últimos cinco años. En su edición 2012 la programación de Extremagia incluye una gala internacional con Jandro, Yunke, Huang Zheng (China), Junge Junge (Alemania), Andy González y los gamberros espíritus de Luis Boyano. En cuanto a espectáculos de calle contará con el maestro argentino en magia infantil Carlos Adriano; Don Gelati, el mago Rafa, la ventrílocua Lolita Torres, Moon, Aleskim y Luna y la magia de autor de Fernando Arribas. Además, como todos los años, habrá magia social (magia en hospitales, hogares de ancianos y centros de educación especial), que este año estará a cargo del Doctor Ilusión; la Escuela de Magia; el Albergue de los Deseos y la actividad “Magia para tus nietos”.

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El mago Víctor Cerro es el director de Extremagia.

asociaciones

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Carlos Tapia, nuevo presidente de ARTESA C

arlos Tapia, de la compañía Azar Teatro, ha sido elegido nuevo presidente de ARTESA, la asociación profesional de empresas de teatro y danza de Castilla y León. Tapia, que hasta ahora ejercía como secretario general de la asociación, sucede en el cargo a Jacinto Gómez, a quien la nueva directiva ha agradecido su “esfuerzo por dignificar y colocar en su lugar a la profesión”. La nueva junta directiva la completan el vicepresidente Manuel Iglesias (de la compañía Teatro La Saca), Alberto Estébanez (del Ballet Contemporáneo de Burgos) como secretario general y los vocales Luis Miguel García (de Corsario Teatro), María José Gómez (de Valladolid Esarte) y el propio Jacinto Gómez (de Rayuela). En las actuales circunstancias económicas, que el nuevo presidente de ARTESA definió como “situación límite” de subsistencia, se han planteado “nuevas fórmulas” que permitan seguir trabajando: “Los responsables políticos de nuestra región precisan encontrar retornos a los recursos que ofrecen –admite Tapia– y la fórmula que sugieren es que los espectáculos vayan a taquilla y estamos dispuestos, bajo ciertas condiciones. La propuesta que hemos elaborado no es en base a taquilla pura y dura. Pasar de golpe de trabajar

La Red

La nueva junta directiva de ARTESA. De izda. a dcha.: María José Gómez, Carlos Tapia, Alberto Estébanez, Luis Miguel García y Jacinto Gómez. FOTO: H. Sastre

a caché a hacerlo la taquilla es muy duro y nosotros hemos propuesto que haya un fijo de caché (el 60% para las compañías de teatro y un 70% en el caso de las de danza) y, en función, del rendimiento de taquilla, el fijo se fuera reintegrando para la Junta una vez recuperado el 100%”. Esa fórmula propugna, igualmente, la participación de las compañías en la comunicación de los espectáculos: “Ya que

asumimos un riesgo de taquilla –afirma el nuevo presidente de ARTESA–, queremos tener también decisión en la comunicación o la publicidad que se va a hacer. Hay teatros con buena gestión que tienen buenos porcentajes de ocupación pero hay otros que no. Y ahí es donde creo que tenemos que tener capacidad de decisión, porque no se han hecho buenas políticas de comunicación o marketing”.

Almagro y Bolaños de Calatrava acogerán del 11 al 15 de junio la 7ª Escuela de Verano

el 11 al 15 de junio más de un centenar de profesionales de las artes escénicas de todo el país se darán cita en las localidades castellano manchegas de Almagro y Bolaños de Calatrava para asistir a la séptima edición de aa Escuela de Verano de La Red Española de Teatros, que regresa con nuevas y atractivas propuestas, consolidando esta iniciativa como la principal actividad formativa de nuestro país en relación a la formación de técnicos y gestores de espacios escénicos. Esta experiencia, pionera en Europa, acaba de avanzar sus primeros contenidos y ha abierto el periodo de inscripción. Como viene siendo habitual, el programa de cursos de este año pretende responder a las demandas y necesidades que enfrentan en su trabajo diario los profesionales del sector. En lo que respecta al apartado más técnico incluye cursos como “Autocad para técnicos de equipamientos escénicos”, un taller práctico que ofrecerá a los alumnos inscritos nuevas y mejores estrategias en el dibujo asistido por ordenador, destrezas que les permitirán trabajar en la generación de planos e intercambiar documentos con las compañías en gira sobre las implantaciones en el escenario. Otro novedoso taller aborda el “Trabajo en equipo” y lo hace a través de contenidos como la cohesión, las dinámicas de trabajo en grupo, la planificación y organización, los roles, etc. Por su parte, los cursos para gestores se centrarán este año en retos de financiación que deben hacer frente las organizaciones culturales, con especial atención a los espacios escénicos públicos y las posibilidades de patrocinio y mecenazgo. Durante cinco días, en jornada intensiva de mañana y tarde, docentes de acreditado prestigio dirigirán el trabajo de los participantes, organizados en grupos de entre 15 y 35 personas.

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heteatrodoxias

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Un estatuto para el artista Ante la actual situación de recortes por parte de las administraciones públicas y un sector de las artes escénicas empresarialmente atomizado, Marcé pone de manifiesto en su artículo la necesidad de un modelo jurídico particular para los creadores. Tres años después de enseñar por primera vez las garras, dos ejercicios presupuestarios sucesivamente restrictivos y una legión de municipios que cierran o limitan la actividad de sus teatros a la mínima expresión, nadie puede decir que eso de la crisis es un fenómeno coyuntural, un malestar pasajero que olvidaremos rápidamente cuando todo vuelva a la antigua normalidad. En este periodo de tiempo y con la tranquilidad que genera el convencimiento de que va para largo, el teatro español está cambiando su fisonomía. Va más gente, se ingresa más, lo cual tiene su mérito en un momento en el que el paro, las reducciones salariales o simplemente la prudencia restringe todo tipo de consumos. Pero esta aparente calma no debe confundirse con el optimismo, ni puede avalar necios análisis sobre la realidad. El teatro de élite, plagado de grandes figuras escénicas va bien. Las empresas, pocas ciertamente, con capacidad para producir muchos espectáculos y con espacios propios para explotarlos aguantan razonablemente, el entretenimiento escénico con poco gasto de producción y mucho soporte mediático funciona como una moto. El resto lo pasa mal, incluido el siempre socorrido teatro público al que afecta sobremanera la reducción presupuestaria y unas estrategias de márqueting que salvo muy encomiables excepciones, son erráticas. Si el deporte de élite gana medallas después del trabajo de toda una generación de deportistas de base y por supuesto con mucho dinero (público y privado), al teatro le pasa lo mismo. El buen teatro no surge de la economía, sino de la acumulación de experiencias y de un proceso de selección natural que necesita densidad, mucha densidad. Ahora, sin embargo, cada día cierran teatros (o limitan tanto su actividad que prácticamente es lo mismo), desaparecen compañías (o se corporativizan tanto que se vuelven amateurs) o se disuelven www.elespectaculoteatral.es

empresas (aunque muchas de ellas se convierten en un NIF autónomo para mantener las pocas ayudas públicas existentes sin que ello suponga apenas multiplicador alguno para el sector). Siempre pensé que hacer teatro en España era demasiado fácil. Me explico: que había demasiada oferta para la demanda existente y me refería sin duda a unas políticas públicas con escasa capacidad para evaluar y discriminar en términos de calidad y eficacia cultural. Pero jamás deseé que las restricciones llegaran de la mano de una crisis que no distingue a los mejores de los peores y que elimina sistemáticamente a los que no disponen del capital mínimo para aguantar la morosidad o la falta de crédito circulante o productivo (en este caso tanto monta). El futuro puede ser mucho peor que el presente aún siendo un sector con capacidad para generar recursos y sin grandes problemas para conectar con un público creciente. Curiosa contradicción. No estamos delante de un problema de cantidad. Teatro hay y lo seguirá habiendo en abundancia, lo que debe preocuparnos es la calidad, la diversidad y sobre todo su función social en términos artísticos y culturales. Esas piezas que nacen en un teatro de Madrid, Barcelona u otras ciudades, que trascienden el tiempo previsto en una programación conservadora que inevitablemente mide las semanas para evitar pérdidas inasumibles, que generan un boca a oreja imparable, que perduran en el recuerdo de los espectadores, que crecen en la memoria como obras vivas, son cada día menos habituales. No es que no haya buen teatro; es que hay poco buen teatro. Una parte importante de este teatro imprescindible lo hacen los centros públicos, aquejados ahora de unas rebajas presupuestarias cuya solución confunde, a menudo, los problemas de gestión con los de producción. Pero otra, nada desdeñable la hacían las compañías y

las empresas privadas. Los primeros están maniatados por un marco jurídico laboral y unas estructuras organizativas propias del siglo XIX, los segundos por un flujo económico lento e inseguro. A todo ello es a lo que debemos encontrar solución. Y esa depende más del propio sector que de las Administraciones. En general el sector teatral tiende a la atomización porque una parte notable de su estructura empresarial proviene de la transformación de artistas a empresarios motivada por normativas que así lo exigen y que no han sido capaces de definir un estatuto particular para los artistas. No se trata de un tema menor: las empresas productoras deben evolucionar como tales; invertir, tener beneficios, capitalizarse…, los creadores, en cambio, desarrollan proyectos puntuales sin que exista una pauta previsible de actuación. Aunque nos complazca pensar que el debate cultural es eminentemente conceptual y programático, muchos de los problemas relevantes que le afectan tienen un trasfondo jurídico. El trabajo de los creadores no puede someterse a los mismos criterios contables y fiscales que el de las empresas, pero ello no supone relajar la legislación para que cada uno decida cuál es el protocolo que más le interesa. Por ello hay que insistir en la necesidad de desarrollar un modelo jurídico particular para que ciertos artistas puedan desarrollar su trabajo con normalidad sin que la presión fiscal, los problemas laborales o la amortización a corto plazo les impidan explotar todo el potencial de su talento. Si avanzáramos en esta dirección el panorama teatral se clarificaría, de tal manera que las deserciones, los abandonos y en buena parte los fracasos tendrían un componente racional y no serían, como ocurre tan a menudo, la consecuencia de un sistema que obliga a estandarizar las fórmulas de gestión sin tener en cuenta todo lo bueno que se queda por el camino. Xavier Marcé

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el mundo del espectáculo teatral Especial Max 2012

“La avería” y “Veraneantes” La XV edición de los Premios Max se celebró en el teatro-circo Price de Madrid con una gala que quiso rendir homenaje al público

eraneantes”, una coproducción de Kamikaze Producciones y el teatro de La Abadía, y “La avería”, coproducción de las productoras teatrales Avance y Entrecajas y el teatro Arriaga, se han convertido en lo grandes triunfadores de la decimoquinta gala de entrega de los PREMIOS MAX DE LAS ARTES ESCÉNICAS que convocan la Sociedad General de Autores y Editores y la Fundación Autor. Las dos obras se repartieron diez de las manzanas diseñadas por el poeta visual Joan Brossa. Partían ambas en cabeza: “Veraneantes” con catorce candidaturas y siete para “La avería”. Entre los ganadores, con dos “manzanas” cada uno, figuran también el espectáculo de danza “Cuando yo era” de Eva Yerbabuena Ballet Flamenco –que recibió el premio

correspondiente al mejor espectáculo de danza, mientras que su responsable, Eva Yerbabuena, fue galardonada como mejor intérprete femenina de danza– y el bailaor Israel Galván, que obtuvo los premios correspondientes al mejor intérprete masculino de danza y a la mejor coreografía, ambos por su espectáculo “La curva”. Encomiable, una vez más, el esfuerzo llevado a cabo por la SGAE por sacar adelante esta edición tras los complicados meses vividos tras la imputación de su director general, Eduardo Bautista, y el reciente proceso electoral. La SGAE organizó la gala en el teatro circo Price de Madrid, encargando su realización a la prestigiosa compañía madrileña Uroc Teatro, con Olga Margallo y Antonio Muñoz de Mesa como directores y con Petra Martínez como presentadora y “maestra

de ceremonias”. Su puesta en escena se basó en “la defensa del público” y contra “el ombliguismo” de la profesión y, rompiendo con la tradición de este tipo de eventos, se encargó la entrega de los trofeos a gente anónima: arquitectas, médicos, profesores, etc. Entre ellos, José Carlos Escudero y Fernando Ortega, acomodadores del teatro Español de Madrid. Participaron en la gala Pepe Viyuela, el ballet de Carmen Roche, La Rous Teatro y Andrea Motis & Joan Chamorro Quartet. El escenógrafo y figurinista Rafael Garrigós, por segundo año consecutivo, fue el responsable y creador del vestuario y la escenografía que se pudo ver en la ceremonia, esta última fabricada por la empresa madrileña Mambo Decorados. El diseño de iluminación corrió a cargo de Juanjo Beloqui. www.elespectaculoteatral.es

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el mundo del espectáculo teatral Especial Max 2012

Pepe Viyuela, que ha vuelto a los escenarios con su espectáculo “Encerrona”, participó en la gala con el patoso personaje que convirtió en famoso tras su paso por el “Un, dos, tres” de Chicho Ibáñez Serrador.

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empatan a cinco “manzanas”

Petra Martínez, de Uroc Teatro, fue la encargada de presentar la gala a modo de maestra de ceremonias.

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Premios de honor

el mundo del espectáculo teatral Especial Max 2012

Premio Max de la Crítica 2012

Nuevo Teatro Fronterizo

Nuevo Teatro Fronterizo centra su trabajo diario en múltiples frentes: promoviendo la investigación teatral y la formación avanzada de profesionales españoles y extranjeros (especialmente latinoamericanos), mediante cursos, talleres y residencias pedagógicas; vinculando la reflexión teórica y la práctica teatral con otros campos del conocimiento y estableciendo nexos de cooperación e interacción con colectivos sociales, tales como asociaciones de inmigrantes, agrupaciones vecinales, colectivos profesionales, etc. En palabras de su impulsor y director, José Sanchis Sinisterra: “Tras varias tentativas frustradas de obtener apoyos institucionales, un grupo de personas vinculadas al teatro decidimos poner en marcha Nuevo Teatro Fronterizo, un proyecto de investigación y creación teatral, que dirige su atención hacia el interior mismo del hecho teatral, y también hacia fuera de sus fronteras”. En definitiva, un laboratorio de investigación y reflexión para profesionales del teatro: actores, directores y dramaturgos –fundamentalmente–, donde (re)pensar y (re)hacer el teatro.

Premio Max Nuevas Tendencias Temporada Alta - Festival de Otoño de Catalunya Girona/Salt

a sido calificado por la crítica y la prensa especializada como “el mejor festival de España” y a lo largo de sus veinte años de historia ha desarrollado una imparable y creciente proyección internacional, haciéndose poco a poco hueco entre los principales festivales europeos. El Festival de Otoño de Catalunya se celebra durante los meses de octubre, noviembre y diciembre en las ciudades de Girona y Salt, siendo la puerta de entrada a espectáculos y compañías extranjeras al mismo tiempo que un importante escaparate de la producción escénica nacional. Dirigido por Salvador Sunyer, Temporada Alta - Festival de Otoño de Catalunya Girona/Salt siempre ha apostado por ser una plataforma para las propuestas escénicas más innovadoras, dando acogida a compañías que basan su trabajo en la experimentación y exhibiendo los resultados de laboratorios de investigación escénica.

Festival de Teatro Las Translatinas Con una trayectoria de más de treinta años, el Festival de Teatro Las Translatinas, que se celebra en Bayona organizado por la compañía Théâtre des Chimères con la colaboración del ayuntamiento de dicha localidad vasco francesa, se ha consolidado como un punto de encuentro para la creación latinoamericana. Actualmente dirigido por Jean-Marie Broucaret, durante sus primeras ediciones acogía principalmente espectáculos procedentes de todas las regiones españoles, pero la evolución de su línea artística está marcada por la rápida incorporación de propuestas latinoamericanas. Desde 2007 esta convocatoria es bienal y se celebra durante diez días del mes de octubre, manteniendo un carácter esencialmente alternativo.

Premio Max Iberoamericano

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el mundo del espectáculo teatral Especial Max 2012 © Paco Manzano

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Julia Gutiérrez Caba © Enrique Cidoncha

Premio Max de Honor T

odos los asistentes a la gala en el Circo Price se pusieron en pie para recibir con una larga ovación a Julia Gutiérrez Caba, premiada este año con el Max de Honor. Recogía el premio de manos del ministro de Educación Cultura y Deporte, José Ignacio Wert, acompañada por su hermano, Emilio Gutiérrez Caba y su nieta, Irene Escolar. Gran dama de la escena, la veterana actriz ha llegado a interpretar más de 50 obras a lo largo de seis décadas de carrera, durante la que ha recibido numerosos reconocimientos en el ámbito de las artes escénicas. Pertenece a la cuarta generación de una longeva saga actoral iniciada por el intérprete de zarzuela Pascual Alba Sors en el siglo XIX. Es hija de los actores Emilio Gutiérrez e Irene Caba Alba; sobrina de Julia Caba Alba y hermana de Irene y Emilio Gutiérrez Caba. Su emotivo discurso estuvo especialmente dedicado a su familia: “¡Gracias a los que han decidido concederme este premio Max de Honor!, un premio tan significativo para mí. Todos los premios tienen algo especial para quien los recibe, pero el Max es un premio de teatro y el teatro en nuestra familia y durante generaciones ha formado parte de nuestra vida y la sigue formando, porque las nuevas generaciones también están por aquí. Por eso quisiera dedicarle este premio a mi familia, a los que todavía están conmigo, por fortuna, y a los que ya no están. A aquellos a los que no llegué a conocer y a los que afortunadamente comparten y he compartido mi vida con ellos. Aquellos que trabajaron tanto para salir adelante en este oficio tan bello y tan duro a veces, aquellos que conocí en la vida y en la muerte tantas veces lejos de casa, a los que nos enseñaron que el teatro no solo era un bello juego, sino también algo fundamental e indispensable en un país, por eso se lo dedico a los que están aquí, a toda mi familia que aún me rodea y me ayuda y a los que se fueron de mi vida siempre demasiado pronto. ¡Gracias!”

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Miguel del Arco subió a recoger el Max al Mejor Espectáculo de Teatro acompañado de Alicia Roldán, del teatro de La Abadía, que co-produjo la obra con Kamikaze Producciones.

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Aitor Tejada recogió el Max al Mejor Empresaro o Productor Privado de Artes Escénicas.

Veraneantes

Mejor Espectáculo de Teatro Kamikaze: Mejor Empresario o Productor Privado de Artes Escénicas Miguel del Arco: Mejor Adaptación de Obra Teatral

amikaze Producciones está en la cresta de la ola. Después de triunfar en la XIV edición de los Max, al obtener siete “manzanas” con “La función por hacer”, este año han vuelto a lograr casi todos los premios que gozan de más repercusión informativa. La misma repercusión que ha tenido entre el público la noticia de su triunfo en la gala de este año: “El primer ‘bolo’ de ‘Veraneantes’ que dimos después de recibir los cinco Max –comenta Miguel del Arco–, que fue en Alcobendas, con un auditorio gigantesco, estaba lleno hasta la bandera”. “Una semana después –añade Ai-

tor Tejada– tenemos otro ‘bolo’ en Getafe y ya nos han dicho que se han vendido todas las entradas a gran velocidad”. Las actuales circunstancias han provocado, sin embargo, que apenas se pueda aprovechar este tirón mediático. Con las giras bajo mínimos, “Veraneantes” finaliza sus representaciones este mismo mes de mayo, mientras que los dos responsables de Kamikaze Producciones, Miguel del Arco y Aitor Tejada, se disponen a tomar un descanso para reflexionar sobre sus nuevos proyectos que, en cualquier caso, se conocerán en 2013.

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premios

Arnau Vilà

el mundo del espectáculo teatral Especial Max 2012

Arnau Vilà es colaborador habitual de los montajes escénicos y cinematográficos de Kamikaze Producciones.

Mejor Composición Musical para Espectáculo Escénico

Bárbara Lennie

anador, junto a Xavier Navarro, del Max a la Mejor Dirección Musical de 2000, por su trabajo en “Chicago”, Arnau Vilà es colaborador habitual de los montajes escénicos y cinematográficos de Kamikaze Producciones, con quienes ha trabajado en todos sus trabajos, con excepción de “La función por hacer”, que no tenía música. En la actualidad es el director musical del programa de Antena 3 Televisión “El número uno”, además de haber sido jurado de “Operación Triunfo” en su edición de 2009. En su currículo figura la dirección musical de las versiones españolas de espectáculos de las dimensiones de “Mamma mía!” o “Saturday night fever”, así como la composición, orquestación y dirección de la banda sonora de obras de teatro como “La madre vigila tus sueños” o “Armengol”.

La actriz comenzó a colaborar con Kamikaze en “La función por hacer”.

Mejor Actriz Protagonista

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resente en “La función por hacer”, “Veraneantes” es la segunda producción de Kamikaze en la que interviene. 2011 fue un gran año para ella, ya que, además de ser chica-del Arco, se convirtió también en chica-Almodóvar, al tomar parte en “La piel que habito” con un pequeño papel. En su currículum figura sus papeles protagonistas en películas como “Todas las canciones hablan de mi” u “Obaba” (por la que fue candidata a los premios Goya), además de haber formado parte del elenco de “Trece rosas”, de Emilio Martínez Lázaro. En televisión, ha formado parte del reparto de la quinta temporada de “Amar en tiempos revueltos” y en algunos capítulos de “Águila Roja”. 15

Blanca Portillo Mejor Dirección de Escena

Asier Etxeandía

Quince años después de debutar en la dirección teatral con “Hay amores que hablan”, Blanca Portillo consigue su primer Max, premio para el que ha sido candidata en varias ocasiones en su faceta de actriz (en la que sí se ha alzado en cuatro ocasiones con los premios de la Unión de Actores o con la Concha de Plata del Festival de Cine de San Sebastián). Actriz de incuestionable carácter, en 1999 decidió convertirse también en productora y creó Avance Producciones Teatrales, con la que ha puesto en pie varios proyectos artísticamente arriesgados, aunque ninguno tan aclamado como ha resultado “La avería”, en coproducción con Entrecajas y el Teatro Arriaga.

La avería

premios

el mundo del espectáculo teatral Especial Max 2012

Mejor Actor Protagonista Es uno de los actores del momento, con infinidad de trabajos desarrollados en los últimos años, tanto en cine y televisión como en teatro (además de una intermitente carrera como cantante, en la que ha llegado a colaborar con Fangoria). Galardonado con el prestigioso premio Ercilla de Teatro por “Barroco” (función en la que coincidiría por primera vez con Blanca Portillo y empezaría su gran amistad) y el de Actor Revelación de la Unión de Actores por “Cabaret”, su primer Max le ha llegado por el papel de Zorn, un viejo fiscal de 85 años, en una obra impresionante que somete a los actores a una gran exigencia física.

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premios Es uno de los más veteranos escenógrafos de nuestro país, y de los mejores, pero eso es algo que la profesión parece haber tardado en descubrir, ya que la “manzana” lograda por “La avería” es sólo la segunda que consigue por esta labor profesional –hay otra más, obtenida por su trabajo como productor en “Panorama desde el puente”–, y su primer Max a la Mejor Escenografia lo obtuvo el año pasado, por “Glengarry Glen Ross”. Arquitecto de formación, sus montajes escenográficos tienen no sólo una enorme perfección técnica, sino una identidad artística incuestionable y una altisima sensibilidad simbólica. Y su trabajo en “La avería” era un ejemplo de todo esto.

Elisa Sanz

Dos años después de recibir su primer Max por el Diseño de Iluminación para “Urtain” –junto con Valentín Álvarez–, producción de Animalario, Pedro Yagüe repite galardón, en esta ocasión por “La avería”. Yagüe forma parte del equipo técnico del Festival Internacional de Teatro de Almagro desde 1996, además de haber sido jefe del departamento de iluminación del teatro de La Abadía, de Madrid, de 1999 a 2006. En la actualidad está trabajando en tres nuevos proyectos: “Sueño de la razón” , de la compañía Ferroviaria en coproducción con el Teatro Circo de Murcia, que se estrenará en la próxima edición del Festival de Almagro; el próximo espectáculo de Aracaladanza, inspirado en la pintura de Miró, con el que la compañía de danza finalizará la trilogía que inició con El Bosco y siguió con Magritte, y que se estrenará en el teatro de La Abadía; y “Naturaleza muerta en una cuneta”, de K Producciones, que se estrenará en el Arriaga de Bilbao.

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Un año después de recibir idéntico galardón por “Nubes”, de Aracaladanza –y de que la anunciáramos como candidata en estas mismas páginas por su trabajo en “La avería”–, Elisa Sanz ha logrado ya su quinta “manzana”. La primera le fue concedida por su trabajo de figurinista para ”El rey se muere”, producción de La Abadía, y los otros dos lo fueron por su trabajo como escenógrafa y figurinista para Aracaladanza, por “Pequeños paraísos”. © Paco Manzano

Mejor Figurinista

Pedro Yagüe

Mejor Diseño de Iluminación

Andrea D’Odorico

aíreva aL

Mejor Escenografía

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premios © Enrique Cidoncha

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“En alta mar”

De izda. a dcha.: Rocío Tagle (encargada de producción y distribución) y los actores de la obra: Rita Cofiño, Paco Valcarce, director de La Machina; Patricia Cercas y Luis Oyarbide,

Mejor Espectáculo Revelación

Ltro ha ganado el Premio Max al Espec-

a compañía cántabra la Machina Tea- Fuertes y Fernando Llorente, que eligieron a La Machina entre siete candidatos. táculo Revelación por su obra “En alta mar” La Machina Teatro ya había sido finalista Esta categoría reconoce los montajes más en las ediciones de 2001 con “El dolor del significativos producidos en cada comuni- tiempo”; en 2002 con “La danza del sapo”; dad que, por su singularidad artística y su en 2003 con “Palabra de hierro”; y, posteaportación renovadora, han destacado en su riormente, en 2010 con “Robinson y Crusoe”. ámbito regional, desde la convicción de que “En alta mar” se estrenó en el Teatro Casyc los Max deben servir para descubrir otras de Santander en octubre de 2010 y se trata de igual calidad pero menos conocidas por de la última producción de La Machina Teael gran público y por el grueso de los profe- tro. Al recoger el galardón, Francisco Valcarsionales. En esta sección, el espectáculo y ce, director de la compañía, recordó que la compañía representante de cada comunidad misma había cumplido veinte años a finales autónoma es elegido por una comisión for- de 2011, pero se preguntaba si podría llegar mada por conocedores del hecho escénico a cumplir los veinticinco, dadas las circunsen la región, en los ámbitos de la gestión y la tancias tan complicadas que atravesamos. información escénica. En Cantabria, el jura- No quiso finalizar sin lanzar un mensaje de do estuvo formado por Ana Lekube, Luz María reivindicación del teatro en estos tiempos,

como “servicio público” y animó a luchar contra las dificultades. “En alta mar” muestra, con un tono irónico, las absurdas luchas de poder que se establecen en una balsa donde tratan de sobrevivir tres náufragos, uno representativo del carácter más depredador, otro que muestra a un representante de ese carácter que siempre se las apaña para aliarse con el poder, y el último un carácter débil, como víctima propiciatoria. Obra del polaco Slawomir Mrozek, publicada en 1961, la versión de La Machina modifica aspectos del original convirtiendo la obra en una muestra de teatro del absurdo, con detalles simbólicos: los dos personajes más fuertes son interpretados por mujeres y se añade un cuarto personaje que interpreta dos papeles breves.

Un instante de una de las representaciones de “En alta mar”.

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“El fantástico viaje de Jonás el espermatozoide”

premios

Ángel Calvente, co-fundador de la compañía El Espejo Negro, con el Max al Mejor Espectáculo de Teatro Infantil que ha obtenido por segunda ocasión.

Mejor Espectáculo de Teatro Infantil

Dsuma dos premios Max al Mejor Espectáculo de Teatro os de dos. La compañía malagueña El Espejo Negro,

Infantil. El primero, en 2009, por “La vida de un piojo llamado Matías”, y ahora por “El fantástico viaje de Jonás el espermatozoide”. La compañía fue creada en 1989 por Ángel Calvente y Carmen Ledesma e inicialmente se centraba en el complicado terreno de las marionetas para adultos, con obras como “Todas eran tan suyas”, “Tos de pecho”, “El circo de las moscas”, “Apariciones” o “Es-puto cabaret”. A principios de los años 90 sus marionetas aparecían con regularidad en el programa de Telecinco “Vip Noche”, que presentaba Emilio Aragón. Después de estrenar espectáculos de calle para todos los

públicos (“Heroína”, “La cabra” o “Los perros flauta”), El Espejo Negro decide en 2006 crear su primer espectáculo para público infantil, “La vida de un piojo llamado Matías”, que fue galardonado en FETÉN con el premio a la Mejor Dirección en 2007 y, en 2009, con el Max al Mejor Espectáculo de Teatro Infantil, premios ambos que ha repetido, respectivamente, en las ediciones de 2011 (FETÉN) y 2012 (Max). Con una sólida y fructífera trayectoria nacional e internacional, El Espejo Negro seguirá compaginando espectáculos para adultos e infantiles y, por lo pronto, ya prepara una versión sui generis de “La venganza de Don Mendo” que se estrenará a finales de año y con la que se pretende atraer a los dos públicos en un espectáculo absolutamente familiar.

Un instante de una de las representaciones de “El fantástico viaje de Jonás el espermatozoide”.

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Avenue Q

David Ottone (centro), acompañado por los actores Ángel Padilla (izda.) y Leandro Rivera (dcha.) en el Photocall de la gala de los Premios Max.

Mejor Espectáculo de Teatro Musical

venue Q” es uno de los espectáculos de teatro musical más gamberros e irreverentes que se haya podido ver jamás en los escenarios españoles. Protagonizado por marionetas (cuyos manipuladores están también presentes –y visibles– en escena), y con notables referencias a “Barrio Sésamo”, las letras de las canciones hablan de porno, drogas, homosexualidad, racismo o política. Estrenado en Broadway en 2003, años después fueron a Nueva York a verlo los productores Gonzalo Pérez Pastor y Juanjo Rivero, de la empresa vasca Vértigo Producciones, y Marcos Cámara, de la madrileña Drive Entertainment. Encantados por lo que habían visto, al saber que sus derechos para España ya estaban en manos de Pedro Larrañaga y Enrique Salaberría, les pidieron a estos una reunión en las que les

presentaron una propuesta de trabajo conjunto que ambos aceptaron, y en la que tenía un papel fundamental la compañía Yllana. En septiembre de 2010 se estrenó en el teatro Nuevo Apolo de Madrid, de donde pasó al Nuevo Alcalá antes de viajar a San Sebastián, Vitoria, Bilbao, Logroño y Valencia. En total han sido 110.000 espectadores los que han visto el montaje que, según Marcos Cámara, confían en volver a ofrecer en un teatro de la Gran Vía madrileña. Según Cámara, “lo más complicado es borrar los prejuicios de ser un espectáculo con muñecos. Porque lo otro, mantener el espíritu de la obra original, para que quien hubiera visto el espectáculo en Londres o Nueva York no se sintiera defraudado, se cumplió con creces gracias al trabajo de Yllana”.

Foto de “familia” de todo el elenco de actores y músicos que intervienen en “Avenue Q”.

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Alex Casanovas Mejor Actor de Reparto por “Un tranvía llamado deseo”

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El actor catalán, en un momento de su interpretación de Mitch, en “Un tranvía llamado deseo”.

n tranvía llamado deseo”, una portentosa produccion de Juanjo Seoane, tan merecedora de premios como la que más, no se ha ido de vacío de esta edición de los Max gracias al trabajo de un actor al que en el futuro le llegarán más premios. Alex Casanovas –lejano chico Almodóvar en “Kika” y actor todoterreno, que igual presenta programas de entrevistas en televisión que interviene en series, películas u obras de teatro– ya había participado en otros montajes de Tennessee Williams como “El zoo de cristal” y conoce el arrojo que exige el dramaturgo norteamericano. En este caso, además, se luchaba contra un icono: la versión cinematográfica de “Un tranvía llamado deseo” de Elia Kazan, en el papel que interpretaba Karl Malden. Y la solución era la más fácil para no dejarse llevar por las comparaciones: partir de cero y crear un personaje completamente nuevo sin alejarse, no obstante, del texto dramático original. La obra cuenta con una combinación de talentos tampoco le era desconocida del todo: ya había trabajado con Mario Gas y Vicky Peña en “El tiempo y los Conway”, “Otelo” y “La reina de belleza de Leenane”. El resto del elenco lo formaban Roberto Álamo y Ariadna Gil, una actriz que llevaba diez años sin subirse a un escenario.

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Alejandro Cruz Benavides Mejor Dirección Musical, por “La barraca del zurdo”

l ganador del Max a la Mejor Dirección Musical no sólo es músico y pianista, sino todo un hombre de teatro: director y co-fundador en su Osuna natal de la compañía teatral Al Alba; director del Taller de Teatro de los Talleres por la Paz de la localidad gaditana de San Pablo de Buceite y actor, labor ésta última con la que ha obtenido premios como el logrado como mejor actor de reparto en el Festival Nacional de Teatro de Benavente de 1998 con “Espigas y olivos”. En su faceta musical ha trabajado como músico de estudio y directo de artistas como Falete, Miguel Bosé, Raphael o Lole Montoya y participa en el programa de televisión de Canal Sur “Menuda noche” En el caso concreto de “La barraca del zurdo”, producción de la compañía granadina Laví e bel, Cruz Benavides es el compositor, junto con Emilio Goyanes, director de la compañía, de los doce temas y la música incidental que conforman el espectáculo, un homenaje al lanzador de cuchillos asturiano Daniel Buenaventura “el Zurdo”. En 1920 fundó junto a su mujer, Aurora Romano, una compañía de variedades, La Barraca, con la que participó en las Misiones Pedagógicas durante la República. Con la Guerra Civil se vieron obligados al exilio y recorrieron el mundo. El legado de La Barraca lo mantuvieron vivo durante un total de noventa años sus tres hijos y cuatro nietos.

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Alfredo Sanzol Mejor Autor Teatral en Castellano

Premiado por segundo año consecutivo con un Max –aunque el año pasado fue en la categoría de mejor autor teatral en catalán o valenciano por “Delicades”– en esta ocasión Sanzol obtiene el galardón por “Días estupendos”, una obra puesta en escena por el Centro Dramático Nacional y en la que, según él mismo afirma, viene a continuar una línea de investigación que inició con “Risas y destrucción” y “Sí, pero no lo soy”. Todas ellas forman una trilogía donde la constante es un peculiar sentido del humor y en la que Sanzol demuestra ser un agudo observador de la condición humana.

Josep Mª Benet i Jornet Mejor Autor Teatral en Catalán o Valenciano Este veterano dramaturgo catalán recibió el Premi Josep Maria Segarra en 1963 con su primera obra, “Una vella, coneguda olor”, a partir de ahí comenzaría una prolífica carrera que le llevaría a escribir más de cuarenta piezas, aparte de guiones para televisión. Su obra ha ido evolucionando con el tiempo hacia temáticas intimistas y existenciales. La premiada en esta ocasión, “Dues dones que ballan”, escenificada por el Teatre Lliure bajo de la dirección de Xavier Albertí, es una muestra de ello; contiene detalles autobiográficos, como la pasión por los tebeos del autor desde su infancia y está ubicada en la Barcelona de barrio, que siempre ha sido su universo por excelencia.

Jokin Oregi y Patxo Telleria

Mejor Autor Teatral en Euskera

Jokin Oregi y Patxo Telleria, además de acumular una amplia experiencia como escritores y guionistas, son fundadores, junto a Mikel Martínez, de la compañía Tartean, que es la que ha puesto en escena la obra por la que han sido premiados con el Max, “Larria, kutsakorra, mendebaldekoa (Enfarmados)”, una tragicomedia en la que, a modo de original monólogo, un solo actor interpreta a tres personajes sometidos a experimentos farmacéuticos. En definitiva, una ácida crítica que consigue hacer reír y reflexionar a los espectadores tratando algo tan serio como la salud y los oscuros manejos de la industria farmacéutica.

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Premios al mejor autor teatral

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Avelino González, Artur Trillo y María Ordóñez Mejor Autor Teatral en Gallego Talía Teatro es una compañía con veinte años de experiencia, durante los que han estrenado cerca de treinta espectáculos destinados a un amplio abanico de público. Dos de los integrantes de la compañía, Artur Trillo y Marina Ordóñez, junto al director de escena Avelino González, han recogido este año el Max al Mejor Autor Teatral en Gallego por la obra “Pelos na lingua”, una comedia que, por su estructura, formato y temática viene a ser una continuación, aunque no argumental, de su anterior creación, “Bicos con lingua”, donde se incita a la reflexión sobre la situación del idioma gallego.

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Israel Galván

Un instante de la actuación de Israel Galván en “La curva”.

Mejor Coreografía, por “La curva” Mejor Intérprete Masculino de Danza srael Galván ya recibió en 2011 el Premio Max al Mejor Intérprete Masculino de Danza y no esperaba repetir este año, aunque era consciente de que “La curva” era un espectáculo que había triunfado en las representaciones ofrecidas en España a lo largo de 2011. El coreógrafo y bailaor no pudo acudir a la gala de entrega de los Max porque, precisamente, esa noche se encontraba en Málaga donde había estado mostrando funciones de este espectáculo. De cada cien actuaciones de Israel Galván, noventa se celebran en el extranjero. Muchas de ellas en Francia y Suiza, donde ya es todo un mito. Aquí, pese a haber recibido el Premio Nacional de Danza en 2005, las dificultades para trabajar están a la orden del día: para poner en pie “La curva”, una coproducción entre A Negro y el teatro de La Ville de Paris, y con ayuda económica de la Junta de Andalucía, Israel se tuvo que marchar al teatro Vidy de la ciudad suiza de Lausanne, donde ya había estrenado “La edad de oro”. Allí se estrenó el 7 de diciembre de 2010 y, después, llegarían París, Roma, Barcelona o Madrid, dentro de la programación del Festival de Otoño en Primavera…, en total, hasta la fecha, más de sesenta representaciones en casi toda Europa. Participan en el espectáculo Sylvie Courvoisier, autora de la música que interpreta al piano, e Inés Bacán al cante. La mezcla de estilos es tremenda: por un lado el flamenco más profundo de la Bacán–con quien ya había colaborado en su espectáculo “Tábula rasa”– y por otro, la más rabiosa contemporaneidad musical de Sylvie, colaboradora musical de su marido, el violinista Mark Feldman, colaborador habitual del gran pope de la vanguardia neoyorquina más ruidista, el compositor y saxofonista John Zorn, con quien ella misma también ha colaborado en varios proyectos.

En ausencia de Israel, recibió las “manzanas” Chema Blanco, responsable de marketing y comunicación de la productora A Negro.

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Eva Yerbabuena

Mejor Espectáculo de Danza, por “Cuando yo era…” Mejor Intérprete Femenina de Danza, por “Federico según Lorca”

Un instante de la obra “Federico según Lorca”.

on estas dos nuevas “manzanas” ya son siete las que suma Eva Yerbabuena en su exitosa trayectoria profesional: dos por “Eva”, en 2005; uno por “A cuatro voces”, en 2006, y otros dos, en 2010, por “Lluvia”. A ellos se añaden muchos otros galardones, entre los que destaca el Premio Nacional de Danza que le concedió el Ministerio de Cultura en 2001. Culmina así un espectáculo estrenado el 5 de octubre de 2010 en el teatro de la Maestranza de Sevilla, dentro de la programación de la Bienal de Flamenco y con el que ha recorrido gran parte del mundo en este año y medio. “Cuando yo era…” es uno de sus trabajos más intensos y profundos, en el que ha tratado de expresar con el baile sus reflexiones sobre la Guerra Civil, un conflicto bélico no vivido, del que sólo guarda referencias personales que arrancan, eso sí, desde sus tres años de edad, a través de los comentarios escuchados a sus familiares más mayores. A punto de dar a luz en el mes de mayo, Eva Yerbabuena regresará a los escenarios en noviembre, con una breve gira por la India, en Delhi y Mumbai, antes de viajar a Centroamérica y, muy posiblemente, al teatro Español de Madrid, en diciembre. “Mario Gas lo tenía previsto para esas fechas –advierte Cristóbal Ortega, director de producción del ballet flamenco–, y confiamos en que el nuevo responsable de los teatros municipales de Madrid lo mantenga, porque ‘Cuando yo era…’ no se ha estrenado todavía en la capital”. A continuación, en enero, le seguiría una gira por Francia antes de embarcarse en el siguiente proyecto, que se estrenará en abril de 2013 en los Reales Alcázares de Sevilla: “Se trata de un espectáculo que va a combinar las artes plásticas, las escénicas y la moda –explica Ortega–: un pase de modelos con diseños de David Delfin, Ágata Ruiz de la Prada o Ángel Schlesser, que se basan en las santas de los cuadros de Zurbarán y en el que las modelos son diez bailaoras elegidas por Eva. Y todo ello con música en directo a cargo de la Orquesta Barroca de Sevilla”.

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En ausencia de la bailaora, en las últimas semanas de su embarazo, recibió los trofeos Cristóbal Ortega, director de producción de Eva Yerbabuena Ballet Flamenco.

compañías

el mundo del espectáculo teatral teatro de texto

Fundación Siglo de Oro

Presenta un “Enrique VIII” en castellano en el Globe Theatre de Londres

l Shakespeare Globe Theatre, conocido popularmente como The Globe, es uno de los principales reclamos turísticos y culturales de la capital británica. Situado a las orillas del Támesis, recrea la arquitectura del The Globe original, construido en 1599, en donde se estrenaron buena parte de las obras de William Shakespeare. El nuevo recinto se abrió en 1997 dedicado en exclusiva a la obra de ese autor. La celebración en Londres de las Olimpiadas trae aparejada una serie de actividades culturales, a las que The Globe no ha sido ajeno, encargando el montaje de treinta y seis obras de Shakespeare a otras tantas compañías procedentes de un país diferente cada una, en sus respectivos idiomas. Y la compañía Fundación Siglo de Oro (antes conocida como Rakatá Teatro) ha sido la seleccionada en representación de España para participar, del 27 al 31 de mayo, con su versión de “Enrique VIII”. La embajada española, tras consultar con el Ministerio de Cultura, facilitó a The Globe una relación de compañías cuyo trabajo podría ser de interés para ese proyecto y, en una segunda etapa, el propio director artístico de The Globe, Dominic Droomgole, viajó a Madrid para presenciar algunas de estas propuestas. En febrero de 2011 asistió en los Teatros

Una instantánea de “Fuenteovejuna”, uno de los montajes de Fundación Siglo de Oro, que fue dirigido por el británico Laurence Boswell.

del Canal, a la versión que Fundación Siglo de Oro había realizado de “El castigo sin venganza” de Lope de Vega, dirigida por Ernesto Arias. Vista la calidad del montaje, Droomgole les encargó en firme la puesta en escena de “Enrique VIII”, por la relación con España del texto, en el que el papel protagonista recae en Catalina de Aragón. “Nuestra compañía, fundada en 2004,

está especializada en el Siglo de Oro español –afirma Rodrigo Arribas, co-fundador de la compañía– y este Shakespeare no formaba parte de nuestro repertorio, pero esta oportunidad no podíamos desaprovecharla y ahora, en cambio, lo que tenemos que procurar es darle más vida. Estamos en negociaciones para estrenar la obra en Madrid este próximo mes de septiembre”.

Hamlet

El Centro Dramático de Vila-real estrena su primera producción

reado a principios de este año, el nuevo Centro Dramático de Vila-real ya tiene lista su primera producción, “Hamlet”, que se estrenará los próximos 26 y 27 de mayo en el Auditorio Municipal de dicha localidad castellonense. Este centro escénico es fruto de la cooperación público y privada, ya que además del Ayuntamiento de la ciudad cuenta como impulsor con la compañía Teatro de la Resistencia, con su director, Hadi Kurich, al frente. Kurich, antiguo director del Teatro Nacional de Sarajevo, se rebela ante la opinión generalizada de que las ciudades pequeñas y medianas tan solo pueden acoger humildemente representaciones teatrales de renombre creadas en las capitales. Por eso decidió afrontar el reto de crear un centro de producción en su localidad. “Especialmente –afirma– cuando se trata de una ciudad como Vila-real, con una larga y fructífera trayectoria teatral en la que germinaron y prosperaron algunas de las empresas teatrales más importantes del País Valencià”. La elección de “Hamlet”, en versión escrita y dirigida por el pro-

Reparto de la obra “Hamlet”, del Centro Dramático de Vila-real.

pio Kurich, no es casual. “Esta imperecedera tragedia escrita por Shakespeare hace cuatro siglos –continúa Kurich– se ha convertido a lo largo del tiempo en el paradigma de todo hecho teatral. El conocimiento generalizado y el respeto que la obra ‘Hamlet’ provoca en todo amante del arte teatral, unida al reto que supone escenificarla, nos ha impulsado a ponerla en práctica para abanderar así un proyecto tan valiente e ingenioso como lo es el Centre Dramàtic Vila-real”. www.elespectaculoteatral.es

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el mundo del espectáculo teatral teatro de texto

La vida es sueño: el bululú Telón Corto y El Aedo resucitan al bululú para rendir homenaje al Siglo

as compañías Telón Corto y El Aedo han querido resucitar al bululú, ese comediante que se paseaba por los pueblos interpretando el solo a tantos personajes como hiciera falta para contar sus historias. Sebastián de Prado, interpretado por Jesús Torres, nos acerca a “La vida es sueño” como nunca nadie antes ha podido. Sebastián es Segismundo, pero también es Rosaura, Clarín, Basilio, Astolfo... Sebastián es Calderón. Sebastián es el teatro. Sebastián es el verdadero sentido de “La vida es sueño”. El argumento “La vida es sueño: el bululú” nos lleva al Madrid de 1648, donde al parecer los teatros han sido cerrados por orden real y los actores son perseguidos. Los pregones de los alguaciles que recogen la prohibición nos adentran en el sótano de la famosa Taberna del Turco, donde un joven actor representa los primeros versos de “La vida es sueño”. Pronto sabremos que se trata de Sebastián de Prado, famoso comediante de la época. Además de interpretar casi la totalidad de los versos de Calderón, Sebastián nos acercará al Madrid del Siglo de Oro, a su vida teatral, nos contará cómo funcionaban los corrales de comedia y las compañías de la legua, los entresijos del estreno de la obra, anécdotas sobre su autor, incluso nos enseñará el hatillo de su familia y nos pedirá ayuda para usar la utilería. Esta nueva producción sigue la estela del bagaje que Telón Corto–El Aedo se ha ido forjando en los últimos años: obras clásicas de calidad (“Yo, Lázaro–La historia de El Lazarillo de Tormes”; “El viajero perdido–La Odisea”) basadas en una dramaturgia fiel a los originales a la vez que asequible tanto para el público adulto como para el juvenil.

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el mundo del espectáculo teatral teatro de texto/humor

Las Criadas

Versión de Pablo Messiez de la obra más emblemática de Jean Genet

l dramaturgo y director de escena argentino Pablo Messiez ha abordado una nueva versión de la inmortal obra de Jean Genet, “Las criadas”, que se estrenará dentro de la programación del Festival de Otoño en Primavera de Madrid, los días 25 y 27 de mayo en La Cabrera y El Escorial, respectivamente, y del 30 de mayo al 3 de junio en la Sala Cuarta Pared. El comienzo de la gira nacional de esta nueva producción de La Zona está programado para enero de 2013. La obra original de Genet fue estrenada en París en 1947 y la historia en la que se inspira parte de un hecho real: el asesinato de una dama burguesa llevado a cabo por sus propias criadas, las hermanas Papín. El crimen conmovió al mundo por su brutalidad y aparente falta de motivo. En el argumento, dos criadas, Clara y Solange, aprovechan las ausencias de su señora para utilizar sus vestidos e intercambiarse continuamente sus papeles, usurpando el de la dueña de la casa y llevando a cabo un ritual que ellas mismas denominan “la ceremonia”, en el que permanentemente se interrelacionan los planos de la realidad y el deseo, de los poderosos y de los oprimi-

dos. En definitiva, en su obra Genet explora el odio de clase, la humillación de quienes se ven obligados a servir y deben renunciar a sus anhelos. Esta nueva versión cuenta con las interpretaciones de Bárbara Lennie, Fernanda Orazi y Tomás Pozzi. Messiez aborda un

montaje en el que da esencial protagonismo al texto: “desde la crisis –comenta–, sin escenografía, ni vestuario, sólo con los actores y la luz nos proponemos contar la rabia de estas criadas, que es la de todo aquel que se ha visto sometido a la lógica impune de algún superior”.

El Carnaval de la Comedia Leviathan Entertainment programa monologuistas españoles en Londres E

l pasado 16 de febrero, con la actuación del monologuista de Paramount Comedy Hovik Keuchkerian, echó a andar en Londres el primer proyecto de monólogos de humoristas españoles. El Carnaval de la Comedia es la traducción de The Comedy Carnival, un programa de presentación de humoristas internacionales de stand-up comedy que la empresa Leviathan Entertainment lleva desarrollando desde hace ocho años. Los impulsores de El Carnaval de la Comedia son Susana Sola y su marido, Peter Gionis –un monologuista australiano que actúa bajo el nombre de Pete Jonas–. Ambos llevan ocho años trabajando en Londres al frente de Leviathan Entertainment, empresa que ofrece “dos shows semanales de monólogos en el corazón de Londres –tal y como comenta la propia Susana Sola– y que ha presentado los espectáculos de algunas de las más importantes estrellas internacionales del mundo de la comedia de habla inglesa, como Russell Brand, Jim Jefferies, Flight of the Conchords, Rhys Darby o Stephen Merchant. Algunos de ellos son actualmente estrellas de Hollywood”.

Los responsables de El Carnaval de la Comedia, Susana Sola y Peter Gionis, con Santi Rodríguez (en el centro), que actuó el pasado mes de abril en el Clapham Grand de Londres.

En 2011, coincidiendo con la avalancha de emigrantes españoles a la capital británica, se puso en marcha el proyecto de llevar allí a los principales humoristas españoles. “Yo llevaba mucho tiempo con esa idea en la mente –nos explica Susana– y me hacía

mucha ilusión, como amante del mundo de la comedia. En Londres hay unos 30.000 españoles viviendo: la demanda está ahí y nos faltaba algo, porque la música española está presente, el flamenco, la danza, el cine…”. www.elespectaculoteatral.es

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el mundo del espectáculo teatral teatro de texto/humor

Justo lo que busco Gira de Clan de Bichos para fomentar el consumo responsable y el comercio justo

urante este mes de mayo ha arrancado la gira de “Justo lo que Busco” el nuevo montaje de la compañía Clan de Bichos dirigido tanto a público adulto como, sobre todo, juvenil (a partir de 13

años), con el que pretende fomentar el consumo responsable y el comercio justo, temas que esta compañía ya había tratado en su anterior obra, “Cuenta atrás: el rap de Irú”.

Creada e interpretada por los dos fundadores de Clan de Bichos, Susana Sánchez e Ismael Moreno, “Justo lo que busco” es una versión adaptada de “2015 tiempo vital”, el montaje que la compañía realizara sobre los Objetivos de Desarrollo del Milenio, con el que ha hecho más de 120 representaciones desde su estreno en octubre de 2009 y que han visto más de 30.000 espectadores. El humor, los audiovisuales y la música original interpretada en directo siguen siendo los elementos protagonistas en este nuevo montaje, todos ellos empleados para llamar la atención de los espectadores más jóvenes, erradicando desde el primer momento su temor al aburrimiento, para poderles explicar qué es el comercio justo, además conseguir conmoverles y remover sus conciencias.

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el mundo del espectáculo teatral infantil

Argos E

Anem Anant Teatre reestrena su primer montaje para festejar su 10º aniversario

l próximo 31 de mayo el Escalante Centre Teatral acogerá el reestreno de “Argos”, el espectáculo con el que los componentes de Anem Anant Teatre iniciaban su andadura en el mundo del teatro infantil hace diez años. La compañía fue fundada por Vicent Pastor, Eduard Costa y Nando Pascua, quienes nada más terminar sus estudios en la Escuela Valenciana de Arte Dramático, deciden probar suerte con esta primera obra. Los resultados fueron excelentes, al igual que para los seis montajes que le han seguido en la última década. “Después de ver que ‘Argos’ funcionó muy bien y estrenar nuestro segundo montaje –“Circus” en 2003– vimos clara la necesidad de crear una compañía que nos consolidara y nos permitiera desarrollar la mejor profesión que para nosotros se puede tener”, afirma Vicent Pastor; “queríamos contar historias que nos intrigaban y llegar a poder vivir del teatro. Y, sobretodo, hacerlo juntos”. Anem Anant ha sido capaz de constituir un sello, reconocible por ciertos detalles como el diseño de vestuario, la forma de contar las historias, la música, las caracterizaciones e incluso el colorido de las escenografías. “A pesar de estas características comunes, los espectáculos se han distinguido entre sí gracias a la estrategia de escoger diferente director para cada

montaje”, desvela Nando Pascual. Han sido dirigidos por Chema Cardeña, Gemma Miralles (la única que ha repetido), Leopoldo García, Carles Alberola y David Durán. Según refiere Pascual, “cada uno de ellos ha aportado su visión personal y ha destacado diferentes aspectos en cada obra”. Eduard Costa, el encargado de escribir los textos, explica los objetivos que se plantea con sus creaciones: “A la hora de modelar un personaje pensamos mucho en el niño. Queremos estimularlos, no tratarlos como idiotas, porque son inteligentes y muchas

veces preguntan cosas en los coloquios tras el espectáculo que ni siquiera se nos habían pasado por la cabeza. Queremos que los niños saquen sus propias conclusiones y no nos da miedo exigirles. Si la trama ha de complicarse, se complica”. La compañía ha tenido como objetivo fundamental ofrecer mucha calidad y tiene especial preferencia por los textos clásicos. “Nos gustan los cuentos de toda la vida, – afirma Nando Pascual– que si han llegado hasta hoy será por algo, pero los pasamos por nuestro punto de vista”.

La Maquiné La compañía de títeres estrenará “La casa flotante” en el Festival de Música y Danza de Granada

os títeres de la compañía granadina La Maquiné protagonizarán uno de los estrenos más destacados de la sexagésimo primera edición del Festival Internacional de Música y Danza de Granada, con su obra “La casa flotante”, que cuenta con música del compositor gerundense Xavier Montsalvatge en el centenario de su nacimiento. La obra, una coproducción del festival, el Gran Teatre del Liceu y La Maquiné, se estrenará el día 25 de junio en el teatro Alhambra de la ciudad andaluza y se volverá a representar en el mismo recinto los días 26 y 27 de ese mismo mes de junio. Junto con otras fechas en diversos espacios del resto del país, hay que destacar que la obra ha sido incluida en el “Proyecto pedagógico” del Teatro Real de Madrid, donde llegará los días 7, 8 y 9 de noviembre con representaciones matinales en la sala principal del recinto de la plaza de la Ópera. La obra es una recreación del mito del diluvio universal, protagonizada por una niña llamada Noé que decide construir una casa flotante para salvar a todos los seres vivos que viven en su zona, habitualmente solitaria y desértica, cuando de repente comienza a llover de forma imparable, amenazando con anegarlo todo.

Elisa Ramos, co-fundadora de La Maquiné, con un títere de “La casa flotante”.

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equipamiento

el mundo del espectáculo teatral

Nuevo ETC Source Four LED

a firma madrileña Stonex, distribuidora exclusiva en España de la marca ETC, presenta el nuevo Source Four LED en nuestro país. ETC ha ampliado su línea de productos Source Four con este nuevo modelo que incluye todas las características de la gama pero además aporta unos nuevos colores brillantes, una bajo nivel de calor y una mayor eficiencia en el consumo de energía. El Source Four LED genera un haz de luz

limpio, nítido y enfocable con el fin de ofrecer una mayor versatilidad a todo tipo de proyectos de iluminación. Inicialmente estará disponible en tres variedades: Lustr+, Daylight y Tungsten. Al igual que los productos de ETC Desire Lustr+, el Source Four LED Lustr+ ofrece una completa paleta de colores, gracias al sistema de colores x7 de Selador Series. Por otro lado, Source Four LED Tungsten y Daylight producen un brillo máximo en las respectivas

temperaturas de blanco cálido (3.000K) y de blanco frío (5.600K). Todas las variedades ofrecen la misma calidad de proyección del haz. El Source Four LED es perfecto para proyectos en los que el ahorro de energía sea prioritario o en los que se requiera cambios de color coherentes y silenciosos. Ha sido específicamente diseñado para ser compatible con todos los tipos de iluminación tradicionales.

la técnica, instrucciones de uso

el mundo del espectáculo teatral

La cualificación profesional de la coordinación técnica de espectáculos El pasado 19 de enero de 2012, el Boletín Oficial del Estado publicó la Cualificación Profesional “Asistencia a la Dirección Técnica de espectáculos en vivo y eventos”. Se trata de una interesante novedad que viene a poner, blanco sobre negro, las competencias profesionales de un nutrido grupo técnicos de nuestro sector.

as compañías y teatros deben realizar una serie de trabajos que tienen como objetivo hacer viables las representaciones desde el punto de vista técnico. No siempre se encuentran centralizados en un único puesto o persona, dando lugar a una gran diversidad de tareas y empleos según el tipo de teatro o compañía. De ello dan testimonio las distintas denominaciones que encontramos: coordinador técnico, responsable técnico, jefe de sala, coordinador de operaciones, productor técnico, jefe de escenario… Estos apelativos recogen, cada uno a su manera, diversos aspectos de las funciones que de un modo general podemos denominar Dirección Técnica. Los profesionales del espectáculo que ocupan estos puestos carecían hasta hoy de una referencia clara sobre la descripción de las competencias de su perfil profesional y la formación asociada. El Instituto Nacional de Cualificaciones Profesionales (INCUAL) viene a colmar este vacío con la publicación de la citada Cualificación Profesional en cuyo redactado he tenido ocasión de colaborar. Las cualificaciones se establecen con la participación del sector productivo, los agentes sociales y las administraciones con el objetivo –entre otros– de mejorar la calidad de la formación profesional acercándola a las necesidades sectoriales así como favorecer la formación y acreditación de las competencias que los trabajadores han adquirido mediante la formación específica o mediante la experiencia laboral. Además, como puede ser el caso del espectáculo en vivo, acaban convirtiéndose en un referente profesional. La competencia profesional expresa lo que una persona es capaz de hacer, en un contexto profesional cambiante, mediante la aplicación de sus saberes, sus habilidades y sus capacidades en el ámbito relacional y personal. Atendiendo a la complejidad de las competencias que contienen, se asigna a las cualificaciones un nivel según una escala de cinco grados. El nivel 3 atribuido a esta cualificación, se establece teniendo en cuenta los indicadores siguientes: “a) competencia en actividades que requieren dominio de técnicas y se ejecutan con autonomía; b) responsabilidad de supervisión de trabajo técnico y especializado y c) comprensión de los fundamentos técnicos y científicos de las actividades y del proceso”. En ausencia de una denominación precisa derivada de los usos profesionales –como podría ser la de “régisseur général” vigente en Francia–, se establece un apelativo a partir de la figura del Director Técnico al que se atribuye un nivel competencial mayor (nivel 5). De ahí la denominación de la

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cualificación que nos ocupa como “Asistencia a la Dirección Técnica”. (El INCUAL ha abordado de forma análoga el caso de otras cualificaciones como la de “Asistente a la Producción de Espectáculos en vivo y eventos”). En nuestro caso, la competencia general de nivel 3 se expresa de la siguiente manera: “Coordinar los aspectos técnicos y logísticos de la representación de un espectáculo en vivo o evento en los ámbitos de las necesidades de los artistas o participantes (compañía, cliente, entre otros) y las relativas al público (confort y seguridad), participando en el establecimiento del proyecto técnico de exhibición; desarrollando los procesos de planificación y supervisión del montaje, servicio a función y desmontaje; así como el mantenimiento y almacenamiento de los medios técnicos, garantizando la seguridad, la fidelidad al proyecto artístico y el respeto al marco económico de producción en condiciones cambiantes de explotación” Se aprecian en este redactado las grandes áreas de la actividad del profesional: la planificación de los aspectos técnicos de la representación, la supervisión de su realización técnica y la gestión de las condiciones de acogida del público. Se excluyen tareas de gestión de la producción, gestión presupuestaria, planificación de recursos humanos, planificación de inversiones etc. que corresponden al Director Técnico de nivel 5. En consecuencia, como desarrollo de la competencia general, las Unidades de Competencia que integran la cualificación del Asistente a la Dirección Técnica son: • Establecer el proyecto técnico de exhibición de un espectáculo en vivo o evento en colaboración con el resto de responsables del mismo en situaciones cambiantes de explotación. • Planificar y coordinar la ejecución técnica del montaje, servicio a función y desmontaje de espectáculos en vivo o eventos en situaciones cambiantes de explotación. • Gestionar el almacenaje, mantenimiento y las condiciones de seguridad de los equipos e instalaciones técnicas del espectáculo en vivo o evento en situaciones cambiantes de explotación. El responsable técnico debe afrontar dos grupos de solicitaciones aparentemente contradictorias, uno primordial relacionado con el resultado artístico y otro que engloba las de carácter técnico y económico. Este segundo grupo modulará y condicionará todas las propuestas que pueda efectuar. La cualificación contiene numerosas referencias a él y a su carácter tecnológico, e

incluye conceptos como el uso adecuado de equipos e instalaciones, la prevención de riesgos laborales en todos los ámbitos incluidos los de la planificación y gestión de la jornada laboral, la seguridad del público, etc. Sin embargo, la clave de su competencia profesional reside en la capacidad de coordinar a las personas en el trabajo y el trabajo de las personas, con el fin de obtener los mejores resultados. El responsable técnico aparece como un coordinador y una persona capaz de trabajar en equipo, que ha de hacer posible el encuentro del artista con su público en las mejores condiciones para ambos. A lo largo de la cualificación aparecen numerosas referencias a las capacidades relacionales, de coordinación y conducción de personas con expresiones como: “Participar y colaborar activamente en el equipo de trabajo”; “Comunicarse eficazmente con las personas adecuadas en cada momento, respetando los canales establecidos en la organización”. “Demostrar flexibilidad para entender los cambios”; “Demostrar cordialidad, amabilidad y actitud conciliadora y sensible a los demás”; “Actuar con capacidad de liderazgo, con espíritu de negociación y fomentando la colaboración entre los distintos colectivos implicados”; “Resolver los imprevistos con iniciativa, celeridad y promoviendo el acuerdo y compromiso de los distintos colectivos implicados”. El extenso documento incluye una detallada descripción de las realizaciones profesionales de este técnico junto con los correspondientes “criterios de realización” a modo de indicadores de la tarea llevada a cabo con competencia. En una segunda parte, se describe la formación asociada al perfil profesional descrito. Se trata de un completo documento con clara vocación de configurarse como referente profesional, que puede amparar diversas situaciones profesionales que van desde el responsable técnico de una gira al coordinador técnico de una sala. Permitirá, cuando se realice la oportuna convocatoria, que los profesionales en ejercicio obtengan la acreditación profesional de las competencias adquiridas a través de la experiencia. *** (Texto completo de la cualificación: Real Decreto 1788/2011, de 16 de Diciembre, por el que se complementa el Catálogo Nacional de Cualificaciones Profesionales, Anexo DCLXVII. BOE 19 Enero 2012) Jordi Planas

la última

el mundo del espectáculo teatral reflexión

Sistema teatral y compañías en residencia (I) En éste y próximos artículos, nuestro colaborador, Robert Muro, aborda las virtudes estratégicas –y también sus beneficios en la actual situaciónde los programas de residencia de compañías de teatro y danza. En sucesivas entregas presentará las que desde su perspectiva deben ser sus principales características, y, más allá, el modelo en concreto del Ayuntamiento de Madrid y de su Comunidad autónoma.

l sistema teatral español es un sistema complejo, compuesto por diferentes agentes y realidades que interactúan y se influyen unas a otras. Forma parte de él, en primer lugar, el tejido creativo, constituido por individuos (autores, creadores, artistas…) y colectivos de diferentes tipos, intereses y formas organizativas (empresas, asociaciones, compañías…). Lo forman las escuelas y centros de enseñanza y formación escénica, así mismo con una extraordinaria variedad de formas y titularidades. El sistema lo constituyen también los espectadores, los públicos que asisten y dan vida a los espectáculos…, y la sociedad en su conjunto, como destinataria última de la cultura generada en un país. Es parte sustancial del sistema, también, el inmenso tejido de espacios físicos en los que se representa el teatro y la danza; miles de “teatros” con una diversísima tipología que va desde los centros culturales polivalentes de barrios de grandes ciudades y de pueblos a los grandes teatros líricos. Actúan también sobre el sistema, y por lo tanto forman parte de él, las instituciones que fijan la política cultural y la orientación de servicio de los teatros y espacios culturales. El sistema lo conforma también un determinado modelo económico y de financiación, esencialmente público, pero con una creciente presencia del patrocinio y el mecenazgo privado. Y, para terminar, no hay que olvidar que en nuestro país, este conjunto de rasgos que conforman el sistema teatral está atravesado por una realidad de inevitable referencia constituida por el hecho de que la mayor parte de los teatros y espacios son de titularidad pública, mientras que la creación y las organizaciones que la soportan pertenecen al sector privado, sea o no con ánimo de lucro. El modelo de relación entre lo público y lo privado es parte sustancial del sistema teatral español. Históricamente, los responsables de las políticas culturales en España, pero también los propios agentes creativos y el resto de los agentes que intervienen, no han comprendido este entramado sistémico del que formaban parte y en el que actuaban. O no extraían consecuencia alguna. De hecho no ha sido interpretado como un sistema ni tenido como tal, lo que ha impedido que sea percibido, y lo que es peor, tratado, como algo global, interconectado, vivo y por ello frágil y al tiempo extraordinariamente fuerte. Esta falta de percepción sistémica es debida, en parte, al propio desequilibrio interno del

sistema, en el que no todos los agentes pesan e influyen proporcionalmente: hoy está claramente sometido a las decisiones políticas y económicas de las instituciones, responsables últimas de un modelo tutelado en el que los públicos apenas opinan. Las instituciones públicas siguen siendo –aunque la evolución apunta grandes novedades– titulares, responsables y gestoras de buena parte de los espacios teatrales; son también quienes fijan las grandes líneas de la financiación pública –mayoritaria– del teatro. Sin embargo, y a pesar de la baja conciencia sistémica, casi todos los agentes estarán de acuerdo en que los elementos que configuran el sistema han de ser articulados para que den el máximo beneficio social, alcancen una mayor eficiencia y multipliquen sus valores y utilidades. De dar un nuevo sentido al sistema teatral y organizarlo de acuerdo a los intereses de todos cuantos lo conforman depende cómo salga y hacia dónde se dirija en las próximas décadas. Hoy me voy a referir solamente a la multiplicación de efectos y sinergias que genera y puede generar la relación de las compañías de artes escénicas (parte esencial del tejido empresarial y asociativo, es decir, creativo, productivo), y de los espacios teatrales donde los ciudadanos se encuentran con el arte escénico. Desde hace años una de las fórmulas posibles de esa articulación es la residencia de compañías en teatros públicos. Consiste en que los teatros acojan y financian –establemente o por temporadas– compañías profesionales para que ensayen y produzcan nuevas obras e interactúen con el entorno social inmediato, llenando de contenido y de sentido, y también democratizando, la pléyade de teatros y centros culturales hoy dedicados a exhibición de bajo perfil o infrautilizados. Un intercambio beneficioso para las partes. Con estas características, no encuentro obstáculo ni principio alguno que impida que los teatros privados participen también de esta fórmula, ni lo encuentro para que algunos centros se abran incluso a compañías neo-profesionales. En numerosos países –Francia, Inglaterra, Estados Unidos…– la residencia de compañías es una práctica habitual orientada a extraer el máximo beneficio social, favorecer los procesos de creación, impulsar a las empresas y compañías que los sustentan, mejorar y descentralizar la creatividad, y ofrecer a los públicos producciones artísticas relevantes y

otras aportaciones educativas solicitadas a las compañías residentes. Aunque tienen aspectos comunes, no hay que confundir los programas de residencia creativa para artistas individuales y los programas de residencia de compañías. Las residencias individuales acogen normalmente a artistas cuyos procesos creativos se producen en general en soledad: escritores, pintores, músicos, escultores… Cuando los artistas individuales finalizan su estancia, siempre temporal y habitualmente corta, se llevan su trabajo, del que apenas queda en el mejor de los casos una obra para la institución que los acoge. Las residencias de compañías, sin embargo, realizan procesos creativos colectivos, y las residencias se orientan a poner en valor social los espacios –los teatros–, y a ofrecer a las compañías financiación y espacios de ensayo y de creación cómodos y adecuados. Las residencias de compañías, además, tienen una clara vocación de intervención social, de acercamiento del arte y los procesos creativos a los ciudadanos; e incluso pedagógica y de formación de públicos. Su tarea queda nítidamente enmarcada en la política cultural de la institución receptora, que interviene con la programación en la vida cultural del entorno. Manuel F. Vieites ha empleado a menudo la expresión “un teatro, una compañía”, para señalar que las residencias de compañías pueden y deben extenderse a todo el territorio, a todos los teatros y centros que dispongan de espacio adecuado, y al máximo de tejido de compañías, asociaciones y empresas que creen establemente. Los programas de compañías residentes, en realidad, se orientan a fomentar, promover y consolidar un tejido productivo –el cultural– esencial para el desarrollo de un país pero que además genera una enorme riqueza, beneficios sociales y puestos de trabajo. Por eso, en el diseño y desarrollo de los programas de residencia, hasta ahora encomendados en exclusiva a las áreas de cultura de las instituciones, deben intervenir también las de educación y las de industria y trabajo, en niveles ministeriales, autonómicos y municipales. En el próximo número abordaré los principios de funcionamiento que a mi modo de ver han de inspirar las residencias de compañías. Robert Muro www.robertmuro.wordpress.com www.elespectaculoteatral.es