ACIDCONGA N·1

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Carta del Editor: Primero Julio Verne afirmaba: “todo lo que una persona puede imaginar, otras lo harán realidad”. Años despues el filósofo de los artistas, Nietzsche, decía: “el mundo real es mucho mas pequeño que el de la imaginación”. No olvidemos tampoco a Gustavo Adolfo Bécquer quien dijo que “la imaginación sirve para viajar y cuesta menos”. Todas estas afirmaciones son necesarias para poder adentrarnos en el contenido de esta publicación que va más allá de sencillos datos, más alla de información tangible.

Al ser este el primer número oficial quiero comunicaros el porqué de mi atrevimiento a hacer esta publicación que se concentra única y exclusivamente en la música y en toda la fenomenología que se encuentra a su alrededor. Pues claró esta que para mí la música es una pasión desmedida que, puede ser, me haya complicado la existencia, pero sobretodo me ha traído un sin fin de satisfacciones y a marcado mi destino. Tantos placeres me ha traído que ahora soy yo quien quiere compartir y llevar la experiencia musical con la ayuda de grandes colaboradores y compañeros de viaje a vosotros.

Existen muchas publicaciónes sobre música que tienen muchos años y que hasta pueden llegar a ser consideradas intituciones de la crítica musical. Pero esto para nosotros no es ningún impedimento para arriesgar a inmiscluirnos en este mundo, ya que como bien decimos, nuestro acercamiento a la música tiene un tono distinto, es decir, nos gusta el análisis crítico, la perspectiva ácida y tenemos un espíritu subersivo ante el, creo yo, decadente mercado que sufre una buena parte de esta industria. Por lo que nuestra labor no es mas que tachar lo que creemos pernicioso y sobretodo resaltar lo que creemos valioso.

Mes a mes les llevaremos propuestas musicales, reflexiones, crónicas y muchas recomendaciones. Esperamos que, tú que lees esto, puedas entender nuestra postura y contagiarte un poco de ésta. Mentiría al decir que la revista no es de tendencias, por lo pronto no es la pretensión. Nuestra verdadera intención es salir un poco de la cultura pop, y tratar de llevar información de valor al igual que entretenida.

Quiero darle las gracias a todos mis compañeros que han hecho que esto se formalizara.

Haceros saber que Alfredo dedica este número a Contanza quien crecerá a la par de la revista. Y pedirte a ti lector que no dejes de esperar los números por venir, ya que esto apenas empieza y ten por seguro que mejorará y con el tiempo recurriremos a mas profesionales en la matería como musicólogos, etnomúsicologos, historiadores y demás, para darles un espacio a plasmar ideas relevantes en esta sociedad donde el valor de la cultura no debe cesar.

_____________________________ Director, coordinador y editor: Angel Montaña Jefe de Redacción: Mauricio Hernández Redacción: Alfredo Corral, Pablo Solis Director de Arte: Israel Hernández Diseñadores: Luis Silva, Jorge Hernández Director comercial: Luciano Martín Batista Han colaborado: Roberto Romero, Beatriz Almagro Portada: Luis Silva ______________________________ Impresión: Madrid, ESPAÑA Publicidad: contacto@acidconga.com www.acidconga.com ______________________________

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El Fin de las Transnacionales //

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El Fin de las Transnacionales //

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JaimeMassieu & fotografía

música

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The Sweet Vandals

FOTOGRAFÍA // Jaime Massieu

Hector Rojo

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Fotografía de música en vivo Jaime Massieu habla

Mi

relación con la fotografía musical no ha sido siempre la misma. En un primer momento, como siempre digo, necesitaba una excusa para utilizar la cámara. Al empezar a trabajar en el Junco, un club de jazz, comencé a entregar mi trabajo a los músicos. Hector Rojo, gran contrabajista, colgó mis fotos en el Myspace de su grupo, y al hacerlo, me dejó darme cuenta de que mi trabajo no debía ser tan malo.

Hay un dicho entre los músicos que dice “el trabajo sale en las Jams”. Hay otro dicho que dice que es mentira, pero en mi caso siempre fue así. Durante más de un año saqué fotos casi exclusivamente en las jams de Blues de Norman Hogue, músico estadounidense, y mi relación con los músicos fue mejorando poco a poco. David Fernandez, Emmet Crowly, Lisandro Mansilla, Chepe, se convirtieron en compañeros de las madrugadas de los lunes.

Tonky de la peña

Mi primer trabajo serio fue un cartel para un grupo. Es gracioso las vueltas que da la vida. Angel Montaña, director actual de esta revista, era el guitarrista de este grupo. El trabajo me lo pidió Sandro Tarkhnishvili, un saxo georgiano que me conoció en las jams de los domingos. Con esto di un pequeño salto y decidí sacar fotos más amenudo.

Fui a bares como La Fídula, la Coquette o la Caracol. Llevé una de las fotos de este reportaje, de Elisard Negrón de la Fídula, impresa al dueño de la sala y le gustó tanto que decidió colgarla en la entrada. Este tipo de cosas hacen que merezca la pena trabajar sin ánimo de lucro, hasta cierto punto, claro.

Por estas fechas conocí a Joaquín, Andrés y a David. Los encargados de puerta y el encargado de sala los domingos entre otros días en el Junco. Al conocerles conseguí un trato “especial” en el local. Un trato más cercano al resto, un trato que me permitía

FOTOGRAFÍA // Jaime Massieu sentirme agusto cualquier día que fuese. Con esto empezé a ir más frecuentemente y me tomé la fotografía algo más enserio. Me compre una Canon 7D y me gaste un dineral en ella, pero al grabar video y al querer dedicarme a ello, pienso que me ha salido rentable.

Yendo y yendo a sacar fotos acabé conociendo a muchos músicos que me han ido abriendo puertas.

Aquí tengo que destacar a Raul Moya y a Pitu. Raúl Moya es un arquitecto-músico increíble que me pidió que le grabara un concierto, como no, en el junco. Nunca lo había hecho, y la verdad fue una experiencia bonita, y me ha dado la oportunidad de grabar a grupos como Susan Santos, Charles Pasi, Edu Manazas o Ogun Afrobeat. A Pitu y a Juli, cantante y batería de Mamafunko, les debo haberme hecho mi web. Les di las fotos y las usaron en su web. Al ver el resultado, me pareció tan profesional que decidí hacerme mi web, y no me arrepiento ni de un sólo minuto invertido en ello.

Mi primer trabajo bien remunerado no tuvo que ver nada con la música, fue un trabajo con el grupo de relojes OMEGA, una opotunidad que no desaproveché para aprender y para conocer como era el mundo de la fotografía profesional. De aquí grabé con Charles Pasi para su contrato recién firmado con Warner Music Group y fui con el de gira hasta Soria, al festival Enclave de Agua. Resultó ser que Pitu, mencionado anteriormente, era uno de los productores de Globo R&Business, y me permitió sacar todas las fotos que quise y más.

Llevo poco en esto y no puedo decir que este mundo me haya tratado mal. Empezar no ha sido tan difícil como siempre se dice, hay que tener paciencia y hay que saber cuando estás aprendiendo. Tienes que disfrutar haciéndolo, claro, pero el dinero no siempre viene por esta vía. Por suerte puedo decir que el dinero está en segundo plano, pero no siempre podrá ser así. Estoy aprendiendo y me queda mucho camino por recorrer, pero creo haber empezado con buen pie. www.jaimemassieu.com

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Chip Whickam

FOTOGRAFĂ?A // Jaime Massieu

Susana Ruiz

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Israel Sandoval

FOTOGRAFĂ?A // Jaime Massieu

Norman Hogue

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FOTOGRAFĂ?A // Jaime Massieu

Jose Funko

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FOTOGRAFĂ?A // Jaime Massieu

Lisandro Mansilla

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Charles Pasi

Reseñas y Artistas // La Bruja Cósmica (cuento)

La Bruja Cósmica (cuento) Erase una vez, en una tierra psicodélica donde abundaba el LSD y el clamor de paz, una joven amante de la contracultura de su época y poseedora de una voz extraordinaria conocida por todos como `La Bruja Cósmica’.

Cuenta la leyenda que sus padres habrí­an querido que fuera maestra, que la vida de su niña fuera como una rosa, pero esta joven bruja en el primer año de instituto se tiñó el pelo de naranja y se unió a una pandilla de jóvenes radicales por lo que se convirtió en una marginada por sus compañeros de clase, siendo durante esta etapa una persona antisocial. En esa época en su país la gente vivía en una terrible ignorancia que hacía que odiaran a las personas de piel oscura pero ella rechazaba el racismo y se le acusaba de ser “amiga de los negros”.

En aquella psicodélica tierra había lugares mágicos donde la gente negra se divertía al ritmo de la más extraordinaria música, eran lugares de fantasía donde reinaba la igualdad y la paz, ésta joven bruja gozaba visitarlos desde los 16 años y a los 17 gracias a su extraordinaria voz conseguiría dominar ese arte mágico del canto con el cual podría expresar sus ideales y cósmicos sentimientos ante aquella gente.

La Bruja Cósmica disfrutaba de usar algunas pócimas mágicas muy usuales en esa época, que tenían el poder de transportar su mente al paraíso aunque su cuerpo estuviera en el infierno. Para dejar de usar esas peligrosas pócimas necesitaba a alguien para amar, cuando esta joven bruja creyó haberlo encontrado y por fin ser feliz, su príncipe la abandono condenándola al maleficio de la soledad e inseguridad afectiva, eterno castigo.

Para revertir los efectos de esa terrible condena la bruja necesitaba una dosis diaria de canto, regalar un pedazo de su corazón, necesitaba embrujar al mundo con su voz para deleite universal, por ese motivo vio a bien cambiar de aires, viajar a la lejana tierra de los hippies, llena de liberalismo y famosa por su Golden Gate, para unirse a unos colegas suyos conocidos como Big Brother and the Holding Company. Pronto ésta bruja brillaría con luz propia hechizando a cualquiera que fuera expuesto a los poderes de su voz, esa extraordinaria, ácida, única e irrepetible voz.

Junto a sus nuevos compañeros de aventura, la bruja viajó a un conocido festival en Monterey donde otros hechiceros exhibían

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sus poderes mágicos: Jimi Hendrix, Jefferson Airplane, Canned Heat, The Who, The Mamas and the Papas, The Byrds y Otis Redding. En Jimi Hendrix encontraría a un buen amigo.

La Bruja Cósmica actuaría dos veces en aquel festival, con su voz conquistaría y su fama crecería tanto que alcanzaría el título de «La Reina de los Hippies». Sus compañeros de viaje cambiaron una y otra vez tras el pasar del tiempo, pero la historia se repetía, pasaba el verano, llegaba el invierno y las hazañas de la bruja eran cada vez mas conocidas y reconocidas hasta en los lugares mas lejanos.

Toda esa fama no era suficiente, el sentimiento de soledad y los efectos de su maleficio aún la perseguían. Decía que “hacía el amor con 25,000 personas en el escenario y luego se volví a a casa sola”. Era necesario aumentar cada vez más la porción de sus pócimas, en especial de aquella llamada heroína alegando que “Lo que te hace sentir bien no te puede causar ningun daño "sólo quiero algo de paz”.

Ante su ya adictivo problema se dio cuenta que era tiempo de volver a casa, quizá el amor de sus padres podría ayudarle a salir de ese vacío, pero tal como sufrió el abandono de su príncipe la joven bruja escasa de cariño,

experimentaría también el rechazo de su madre que le confesó desear nunca haberla tenido.

A los 27 años de edad decidió dar alcance a su buen amigo Jimi Hendrix al lugar al que se había marchado tan solo 15 días antes que ella. La Bruja Cósmica tomaría camino a otra tierra mágica de la cual nunca regresaría. Una tierra tranquila donde por fin encontraría la paz que tanto anhelaba, con un Mercedes Benz esperando a su llegada. Abordó el barco de la sobredosis por heroína y llegó a ése lugar en el cual se deja de sentir miedo, tristeza y soledad, alcanzando la inmortalidad e hipnotizando por siglos y siglos a través de su talento.

RETRO

Reseñas y Artistas // brownout

Brownout, orgullo chicano En Austin, Texas, hay una escena musical muy interesante que lleva generando varios gruposy estilos que vale la pena escuchar. Ahí, se congregan músicos de todos lados del mundo, que llevan consigo las ganas de tocar con todo el bagaje cultural que traen detrás. En sus ratos libres, un grupo de ocho latinos se dedican a tocar funk por el puro gusto de hacerlo. Tocaban tan bien, que a la gente le encantó y decidieron hacerlo en serio. Así surge Brownout, un proyecto paralelo de los miembros de Grupo Fantasma, quienes sintieron la necesidad de distraerse y divertirse tocando lo que les gusta, lo que se les antoja.

Brownout es una fusión de estilos donde domina el funk, el afrobeat y el rock psicodélico. Sin embargo, sería un error limitar los géneros por los que atraviesa esta música, ya que la ejecución y composición de todas sus canciones cruzan por un sinnúmero de formas y caminos. En pocas palabras, la música de esta banda es una enciclopedia abierta de sonidos, ritmos y composiciones musicales. Al igual que en Grupo Fantasma, los músicos pasan de un ritmo a otro sin que se note forzado y las composiciones y ejecución son impresionantes. La única diferencia con su otro grupo es que acá tienen más libertad de explorar otros sonidos y salirse un poco de la cumbia y la salsa, para darle más presencia al funk y el afrobeat.

Si escuchas con atención, en cada instrumento se siente la influencia cultural que hay detrás de cada integrante. Pese a esto, la música se fusiona a la perfección y logran un sonido completo, integrado y sólido. Además, en el grupo se vibra la atmósfera relajada en la que esta música es compuesta e interpretada. Esto da como resultado un sonido fresco y nuevo, aunque en variasocasiones se notan las influencias y sonidos del pasado, lo que da la idea de que es un sonido viejo, sacado de algún disco funk de los setenta o de una película de aquella época. De hecho, gran parte de su sonido hace referencia al funk-soul-rock chicano que surgió en aquel entonces, y cuyo máximo exponente fue Carlos Santana. Es innegable esta influencia. Sin embargo, su música es una especie de tributo a todo lo que han escuchado a lo largo de su vida (su primer disco lleva por nombre Homenaje).

Brownout es la muestra perfecta de que las culturas y nacionalidades se pueden entender a la perfección, incluso en un país como los Estados Unidos. Los miembros de esta banda nos enseñan lo bien que han asimilado la cultura americana y la han adaptado a su pasado, a sus raíces. El resultado es una música latina que ha sido filtrada por el jazz, el blues, el soul, el funk, el rock y finalmente el afrobeat. Más que una adaptación, la música obtenida habla de una evolución de la cultura latina al interior del imperio americano. Es una muestra innegable de que el futuro de los Estados Unidos estará marcado por lo que haga o deje de hacer la comunidad latina. Brownout no es la primera manifestación de este tipo, pero es sin duda, a mi parecer, una de las mejor logradas hasta estos momentos.

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Mosaico de Afrobeat desde el suburbio Nueva York y sus suburbios, mosaico cultural de distintas civilizaciones, sigue siendo fuente inagotable de fusiones rítmicas y armónicas. Icono y meca de aquellos cobijados por la marginación, de los que definieron su personalidad colectiva cimentada en el funk y el soul en la década de los setenta. Ciudad que, hoy día, muestra al mundo que el alma del afrobeat se encuentra más vivo que nunca, y uno de los ejemplos más recientes es The Menahan Street Band.

Haciendo honores al lema de los primeros pobladores de la antigua Nueva Ámsterdam (hoy Nueva York), In Unity There is Strength, Menahan Street Band nace en 2007 con la unión de músicos de distintas bandas de afrobeat como Antibalas, El Michels Affair, The Budos Band, y Sharon Jones & The Dap-Kings. Thommas Brenneck, músico y productor de las dos bandas anteriormente mencionadas, así como de Amy Whinehouse, es el artífice de esta conjunción, la cual intenta recrear el ambiente musical que se vive algunas calles de Brooklyn. Mezcla sólida de intensidad, cadencia, y esencia étnica es lo que logran con su primer álbum Make the Road by Walking, en el cual apuestan a una alineación conformada por trombón, saxofón, trompeta, guitarra, bajo, batería, percusiones y teclados.

“Este álbum es una especie de ventana que mira hacia nuestro mundo en la calle Menahan”, dice Brenneck, quien además afirma que, aunque sea de forma no oficial, son ellos la banda representativa de ese rumbo. Recién logrado su primer EP, el rapero Jay-Z, también oriundo de Brooklyn, utilizó fragmentos del sencillo Make the Road by Walking para el tema de la banda sonora de la película American Gangster, lo cual le abrió las puertas a este proyecto híbrido más allá de los límites neoyorkinos.

Así que amigos, caballeros, melómanos y amantes del afrobeat, esta es otra recomendación de la casa que pone a prueba a los detractores de quienes van firmes en la apuesta de la música étnica.

Reseñas y Artistas // Beats Antique

Visible “Umbral Ciego” de Beats Antique Miren, miren cómo se retuercen los sonidos en un ombligo electrónico. Escuchen, escuchen muy alto y con buenos bafles los arreglos, detallados o apabullantes, de un vientre serpenteante.

Con ceros y unos se fusiona la danza oriental en Beats Antique, grupo californiano que acaba de dejar suelto su último trabajo “Blind threshold“. Down-tempo, hip-hop, world-music, jazz, afro-beat, electrónica, experimental… a veces por definir con etiquetas reconocibles, homogeneizamos lo que es libre y único, por eso desde Acidconga recomendamos la experiencia directa y unipersonal para empatizar con lo intransferible de los adjetivos musicales.

El combi de tímpanos y pupilas puede o debe ser usado de dos maneras con este trío de la escena de San Francisco. Con los ojos cerrados -no confundir con el título del CD “blind threshold” o “umbral ciego”-, la pupila tenderá a la imaginación de otras latitudes, ya sea un gris pavimento, rascacielos y alógenos o bien arenas tórridas, olores a especias y supervivencias con miles de años y muchas historias que contar. Con los ojos abiertos, se recomienda inmiscurise en el directo -física o “youtubeianamente“-, donde la más que convincente performance de los Beat Antique mezcla cables y botones de plástico con las monedas de oro colgantes de unas gasas agarrandose a los ritmos del aire.

Me gustaría pensar que por mis oídos de siglo XXI -aunque sólo sea de manera abstracta- pasan orientales y occidentales -o hemisferios norte y sur- armonizados y hermanados, que la música actual de algunos es capaz de dar otra vuelta más a la tuerca desgastada por el crudo y duro día a día global para sacar creatividad de lo que muchos, por miedo a la alteridad, consideran destructivo.

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Telecaster, mezcla de crudeza, brillo y elegancia Definida por muchos como el examen final de cualquier guitarrista. Extremadamente compleja en la sencillez.

Celosa de su sonido, quisquillosa con los amplificadores y estricta con la ecualización. Protagonista por su brillo en cualquier tema con acordes abiertos, imprescindible para el country –chicken picking-, y de incuestionable definición y pulcritud para el feeling bluesero. Mucho es lo que se ha dicho y escrito sobre la Fender Telecaster, elogios y flores no han faltado ni faltarán para este clásico de las seis cuerdas, que ha sido poseída, a través de los años, de forma magistral por Bruce Springsteen, Keith Richards, Buddy Guy, James Burton, Muddy Waters, Tom Morello, Joe Strummer, Joe Perry, Jeff Beck, Andy Summers, Pete Townshend, Andrés Calamaro, entre muchísimos otros. ¿Por qué es tan complejo lograr una pulcra definición de su sonido? El modelo más popular de esta guitarra es el que consta de dos pastillas únicamente, o 2 single-coil, lo cual le brinda un sonido muy agudo y lleno de armónicos, por eso es necesario hacer una minuciosa selección del amplificador que destaque esta cualidad, pero que no la dispare. Hay quien sostiene firmemente que los amplificadores Fender de bulbos son con los que esta guitarra logra una conjunción armónica óptima, ya que favorece el sonido –twanky-, pero eso es sólo la opinión de algunos. Otros la prefieren sonorizada con Marshall, para destacar la potencia y brillantez en los acordes abiertos. Pero la marca del amplificador no lo es todo, es de suma importancia tener una ecualización en donde prevalezcan características como el sonido –twanky-, el brillo en acordes abiertos, y lo que algunos han definido como un feeling de bat de baseball.

Ahora bien, todo lo anterior nos muestra que la telecaster es una guitarra que demanda a un ejecutante con experiencia y sólidas bases en técnica, sonido y amplio conocimiento musical. Esta guitarra se distingue fácilmente de otras por un sonido crudo y con personalidad propia, es por eso que la han tildado como el examen final de un guitarrista, ya que lograr en ella una buena expresión sonora no es cosa para iniciados. No perdona error alguno.

Por lo tanto, amigos, caballeros, melómanos, curiosos, iniciados en la música, ejecutantes profesionales, la telecaster es un clásico de clásicos.

No recomendada para quienes dan sus primeros acordes, pero sí para aquellos que buscan una comunión entre la madera y el metal, la sangre y el sentimiento, la adrenalina y la nostalgia, tanto con su instrumento, como con su entorno.

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Poéticamentecomplejo complejo Mauricio MauricioHernández Hernández Poéticamente

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ambientede deuna unaciudad, ciudad, describir describir la la piel piel de de ambiente unamujer, mujer,oopara pararevivir revivirlos lossentimientos sentimientosque que una yacen en en los los rincones rincones más más recónditos recónditos del del yacen corazó n.n. Por Por ejemplo, ejemplo, la la letra letra de de Madrid Madrid corazó recrea gráficamente gráficamente la la vida vida de de la la capital capital recrea española en en lala imaginación imaginación de de quien quien la la española escucha, gracias gracias aa lala sutileza sutileza con con la la que que el el escucha, autor utiliza utiliza expresiones expresiones populares populares yy Alabado,reconocido reconocidoeeinterpretado interpretadodurante durante autor Alabado, nombres de sitios típicos. tres generaciones, tanto en arrabales, tres generaciones, tanto en arrabales, nombres de sitios típicos. cantinas, y y restaurantes, restaurantes, como como en en foros, foros, cantinas, continuación algunos algunos fragmentos fragmentos destadestaplazas, teatros teatros y y auditorios auditorios alrededor alrededor del del AA continuación plazas, cables: mundo.ElElMúsico MúsicoPoeta, Poeta,como comoesespopularpopular- cables: mundo. menteconocido, conocido,dejó dejóun unrico ricolegado legadoen enlala mente culturapopular popularmexicana, mexicana,española españolayycubana, cubana, …En EnChicote Chicoteun unagasajo agasajo cultura … queprivilegiadas privilegiadasvoces vocescomo comolas lasde dePlácido Plácido postinero, yayaque postinero, Domingo,José JoséCarreras, Carreras,Luciano Luciano Pavarotti, Pavarotti, conla lacrema cremade dela laintelectualidad, intelectualidad, Domingo, con Francisco Araiza, Ramón Vargas, Fernando de y la gracia de un piropo retreFrancisco Araiza, Ramón Vargas, Fernando de y la gracia de un piropo retreMora,Alfredo AlfredoSadel, Sadel,y yPedro PedroVargas, Vargas,lolohan han chero, lalaMora, chero, interpretadomagistralmente magistralmenteaacasi casicuarenta cuarenta máscastizo castizoque quela lacalle calle de de interpretado más añosde desusumuerte. muerte.Ha Hasido sidohomenajeado homenajeadoun un Alcalá… años Alcalá… sinfínde deocasiones, ocasiones,entre entrelas lasque quedestacan destacan sinfín Loca por Lara, espectáculo musical montado Lapalabra palabraChicote Chicote hace hace referencia referencia aa un un bar bar Loca por Lara, espectáculo musical montado La Buenos Aires, Aires, Argentina, Argentina, en en 2003; 2003; emblemático emblemático de de esa esa ciudad ciudad nacido nacido en en 1931.

1931. enen Buenos Solamenteuna unaVez: Vez:toda todalalapasión pasiónyymelanmelan- Más Mástarde, tarde,en en1947, 1947,elel local local abre abre las las puertas puertas Solamente colíaen en lala vida vida de de Agustín Agustín Lara, Lara, novela novela de de su su sótano sótano alal público público madrileño madrileño con con un un colía biográfica de Francisco Haghenbeck; Mi museo de bebidas llamado Museo Chicote, en biográfica de Francisco Haghenbeck; Mi museo de bebidas llamado Museo Chicote, en NovialalaTristeza, Tristeza,biografía biografíapor por Guadalupe Guadalupe donde donde personajes personajes de de la la vida vida intelectual, intelectual, Novia Loaezay yPavel PavelGranados; Granados;Lara LaraaalalaCubana, Cubana, artística artísticayypolítica políticade delalaépoca épocase se dejaban dejaban ver ver Loaeza álbum recopilatorio de sus éxitos interpretacon frecuencia.

Se rumora que por las mesas álbum recopilatorio de sus éxitos interpreta- con frecuencia. Se rumora que por las mesas dospor pordistintos distintosartistas artistasy yorquestas orquestascubanas, cubanas, de deese ese establecimiento establecimiento icónico icónico de de la la ciudad ciudad dos donde figuran figuran Omara Omara Portuondo Portuondo yy pasaron pasaron celebridades celebridades como como Ernest Ernest HemingHemingenen donde Barbarito Diez; Diez; ElEl Último Último Beso, Beso, disco disco way, way,Frank FrankSinatra, Sinatra,Ava AvaGardner, Gardner,Sofía Sofía Loren, Loren, Barbarito homenaje por Enrique Heredia, El Negri, y entre muchas otras.

Por otra parte, retrehomenaje por Enrique Heredia, El Negri, y entre muchas otras. Por otra parte, retremuchos otros más. chero significa encantador, fascinador, pícaro muchos otros más. chero significa encantador, fascinador, pícaro zalamero, lo lo cual cual refiere refiere aa los los típicos típicos oo zalamero, ¿Enqué quéradicaba radicabalalacomplejidad complejidadpoética poéticade de cumplidos cumplidosyypiropos piroposcon conlos los que, que, tradicionaltradicional¿En este genio de la composición?

Además de un mente, los caballeros de la capital han este genio de la composición? Además de un mente, los caballeros de la capital han rico vocabulario y un excelente manejo de la adulado a sus bellas mujeres.

Y finalmente, rico vocabulario y un excelente manejo de la adulado a sus bellas mujeres. Y finalmente, métrica,Lara Laracontextualizabamuy contextualizabamuy bien bien sus sus ¿qué ¿quépuede puedeser sermás máscastizo, castizo,típico, típico, yy oriundo oriundo métrica, canciones,esesdecir, decir,escogía escogíaminuciosamente minuciosamente para paraMadrid Madridque quelalacalle callede deAlcalá?

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Acidconga // Noviembre 2010 // Pg35 … Cuando Cuando llegues llegues a Madrid, chulona mía, … voy aa hacerte hacerte emperatriz de Lavapiés, voy alfombrarte de claveles la Gran Vía, yy aa alfombrarte bañarte con vinillo de Jerez… yy aa bañarte ¿Podría resistirse resistirse una dama a ser coronada ¿Podría emperatriz de de uno de los barrios más peculiemperatriz ares de de la la capital capital española?, ¿qué mujer se ares negaría aa dar dar un un paseo tomada de la mano de negaría quien tendió tendió una alfombra de claveles para quien ella en en la la arteria arteria vial y peatonal más significaella tiva del del centro centro de Madrid?, y después de todo tiva eso, ¿qué ¿qué doncella doncella pondría obstáculo alguno eso, para ser ser comida comida a besos después de brindar para con un un amontillado amontillado o cualquier otro néctar con de los los vinos vinos jerezanos? jerezanos? de Ahora fragmentos fragmentos de Granada: Ahora

… Granada, Granada, tierra ensangrentada en … tardes de toros. tardes de Mujer que conserva el el embrujo embrujo de Mujer que conserva de los ojos ojos moros; moros; los Te sueño sueño rebelde rebelde y y gitana gitana cubierta cubierta Te de flores, de flores, beso tu tu boca boca de de grana, grana, jugosa jugosa yy beso manzana, manzana, que me me habla habla de de amores… amores… que … Granada, Granada, tu tu tierra tierra está está llena llena de … de lindas mujeres, mujeres, lindas de sangre sangre y y de de sol… sol… de Sin duda duda alguna, alguna, el el Flaco Flaco de de Oro Oro logra Sin logra con con gran facilidad sintetizar en unos gran facilidad sintetizar en unos cuantos cuantos versos toda toda la la complejidad complejidad yy riqueza riqueza cultural versos cultural de una de las ciudades más importantes de una de las ciudades más importantes no no sólo de de España, España, sino sino del del mundo. mundo. Tres Tres símbolos sólo símbolos le bastaron bastaron para para cantarle cantarle a a una una ciudad ciudad que, le que, dicen algunos, algunos, no no conocía conocía al al momento momento de dicen de escribir esa canción.

A ciencia cierta no escribir esa canción. A ciencia cierta no se se

sabe si si el el autor autor había había pisado pisado tierras tierras granadigranadinas al momento momento de de componer componer su su obra, obra, pero pero de lo que que no no cabe cabe duda duda es es que que quien quienle lehabló habló de esa esa ciudad, ciudad, la la conocía conocía muy muy bien bien yy le le pudo pudo transmitir transmitir esos esos tres tres elementos elementos culturales culturales que que han fascinado fascinado al al mundo mundo entero entero por por generageneraciones: ciones: el el aire aire morisco morisco que que aún aún conservan conservan las las bellezas bellezas arquitectónicas arquitectónicas yy sus sus mujeres, mujeres, la la sangre derramada en las corridas de toros, sangre derramada en las corridas de toros, uno de de los los espectáculos espectáculos andaluces andaluces con conmayor mayor tradición, tradición, yy su su sol sol mediterráneo. mediterráneo.

Amigos, Amigos, caballeros, caballeros, melómanos, melómanos, sibaritas, sibaritas, curiosos, curiosos, tradicionalistas tradicionalistas yy vanguardistas, vanguardistas, además además de de la la complejidad complejidad poética poéticade deAgustín Agustín Lara, los los invitamos invitamos aa conocer conocer su su amplia amplia obra obra musical, ya que se encuentra interpretada musical, ya que se encuentra interpretadaen en distintos distintos géneros géneros como como flamenco, flamenco,ópera, ópera,jazz, jazz, bolero bolero yy blues. blues. Madrid, Madrid, Madrid, Madrid, Madrid, Madrid, en en México México se se piensa piensa mucho mucho en en ti… ti…

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por

Roberto Romero

La música en la era de su reproductibilidad técnica // l 21 de noviembre de 1877 el destino de la música fue alterado radical y terminantemente. La pueril cancioncilla Mary had a Little lamb, se acababa de convertir en el primer acontecimiento sonoro, que parecía romper la condena a la que su propia naturaleza lo sujetaba: la condición de lo efímero. Edison daba a conocer la reprodu cción del primer registro sonoro gracias a la invención del fonógrafo, y con ello, conseguía liberar a la música de ser un movimiento irrepetible que se extinguía siempre en el instante mismo de su ejecución, al tiempo que la atrapaba materialmente en un cilindro de cartón y cera.

Desde ese momento, el modo en el cual percibimos la música, la forma en la que la hacemos, gozamos y utilizamos; el papel del músico en la sociedad y muchas cosas más, han tomado un rumbo vertiginoso que el apantallante genio del buen Edison –dedicado por completo a la invención de aparatillos que han cambiado nuestra vida- jamás avizoró.

Así pues, lo que en estas líneas pretendo ofrecer, es un panorama de esos aspectos que se han visto transformados cuando la música empieza a reproducirse técnicamente a través del sistema de aparatos. Aunque inspirado y apoyado en el importantísimo ensayo de Walter Benjamin, La obra de arte en la época de su reproductibilidad técnica, este escrito busca llevar las ideas de Benjamin a un lenguaje artístico diferente a través de caminos alternos.

Desde tiempos remotísimos los hombres nos hemos avocado a capturar el imparable flujo del sonido, ya sea el de nuestras palabras, o en el caso que nos incumbe, el de la música. Aunque nos ha tomado milenios acercarnos a ese ideal que implica atraparla en su transcurrir, el aparato de almacenamiento que traemos de fábrica, fue el primero en permitirnos su transmisión y reproducción. La memoria, expresada en la tradición oral e instrumental que convive hasta nuestros días con los demás mecanismos de transmisión de la música, fue la pionera en permitirnos rescatarla del inexorable silencio al que estaba condenada cualquier pieza musical tras haber sido ejecutada.

Después, como sucedió también con nuestras palabras, la representación simbólica fue el siguiente salto revolucionario, y de ello tenemos registro desde el antiguo Egipto y Mesopotamia hace más de 4,000 años. A partir de que la música quedó congelada mediante símbolos plasmados en la piedra, la arcilla o el papel, su alcance se expandió, ya que pudo transmitirse más allá del círculo inmediato de aquellos que la recuerdan, y su estructura se complejizó, pues se logró pensarla no en su transcurrir sonoro, sino estatizada en su disposición simbólica. Así, los sistemas de notación musical se desarrollaron, dando lugar –con mayor ahínco en Occidente- a la experimentación en los diferentes elementos constitutivos de la música: la armonía, el ritmo y la melodía.

"Aunque inspirado y apoyado en el importantísimo ensayo de Walter Benjamin, La obra de arte en la época de su reproductibilidad técnica1, este escrito busca llevar las ideas de Benjamin a un lenguaje artístico diferente a través de caminos alternos."

Acidconga // // Noviembre Noviembre 2010 2010 // // Pg Pg39 Acidconga 39 Del canto gregoriano a las expresiones posmodernas, este género ha tendido a perpetuarse mediante los símbolos, en un intento por constituirse como una idealidad capaz de trascender y al mismo tiempo regir cualquier interpretación. Así, el desarrollo de los sistemas de notación ha implicado desde su inicio la especialización de las indicaciones estructurales y técnicas para los ejecutantes, pues los signos y su acotada interpretación se convirtieron en la garantía de que volveríamos a escuchar aquello que está plasmado en la partitura.

Para el Renacimiento, el desarrollo de la escritura musical permite al compositor moderno, empapado de individualidad, instalarse en el papel de soberano creador, mientras que el rol del músico ejecutante pasa a ser el de traductor y mensajero del discurso musical manifestado en los símbolos.

Ahora bien, tanto la tradición oral como la escrita han conseguido, cierto punto, devolvernos ese discurso sonoro que desde el mismo momento en que se expresa tiende al silencio. Sin embargo, ambas tradiciones sólo nos habían permitido transmitirlo de un modo trascendental, es decir, más allá de la experiencia fugitiva que aconteció en la escucha, dejando tras de sí una red de conexiones neuronales o una serie de manchas sobre el papel.

Para que la música almacenada en la mente de alguien o simbolizada sobre el papel vuelva a escucharse, es necesario que recorra de nuevo el cuerpo y explote en las cuerdas vocales o se vuelque mediante los dedos a los cordajes, teclados y parches, en el tiempo mágico de la ejecución.

Es necesario regresarla de un limbo inaudible, que dada la inmensa cantidad de elementos humanos, y por lo tanto imperfectos, que se deben conjuntar para lograrlo, sólo consigue darnos una sensación de familiaridad y autenticidad a veces sorprendente pero siempre dudosa, pues sabemos que la ejecución pasada o ideal está siempre en un más allá que se fue para no volver.

Esto es precisamente lo que la era de la reproductibilidad técnica musical parece subvertir.

Cuando se consiguió grabar y reproducir música mediante un sistema de aparatos primero mecánicos y analógicos, después magnéticos y más tarde digitales, pareció por fin cumplirse el anhelo de atrapar a la música en su devenir mismo. Las dudas sobre la familiaridad y autenticidad de lo que escuchamos prácticamente desaparecieron en el sentir del oyente promedio.

Cuando oímos el disco del Concierto para violín en mi menor, Op. 64 de Mendelssohn, ejecutado por Yehudi Menuhin y la orquesta Philharmonia bajo la dirección de Wilhelm Furtwängler, grabada en mayo de 1952, bajo el sello de Emi Classics, difícilmente nos queda duda de que lo que escuchamos es la música que Mendelssohn escribió y que Menuhin, Futwängler y los músicos de la orquesta Philharmonia, tocaron en 1952. De igual manera podemos afirmar que conocemos a la perfección la música de Pink Floyd y los Beatles pues hemos escuchado muchas veces todos sus discos y hasta nos los sabemos de memoria, aunque jamás los hayamos escuchado en vivo.

La música en la era de su reproductibilidad técnica // Al escuchar una grabación tendemos a pensar que ésta no es en sí misma una interpretación, sino más bien una reproducción. Como si el sistema de aparatos hubiera abierto una ventana que nos permite revivir el pasado. Surge entonces una especie de transparencia en la percepción, que libre de las figuras humanas del compositor y el ejecutante, cree encontrar en la materialidad del sonido que emiten las bocinas, el sonido mismo de la ejecución perdida. Como si a diferencia de la tradición oral y escrita, la reproductibilidad técnica permitiera la transmisión de la música de un modo inmanente, que nos muestra el acontecimiento sonoro ocurrido en sí mismo.

Los discos nos muestran “algo” inherente al hecho particular que fue grabado, y eso es lo que nos permite reidentificar un vasto universo de elementos que al oído le resultan idénticos al original, cada vez que le damos play. De aquí el que la reproductibilidad técnica se haya convertido en el método de transmisión de la música de mayor auge en la actualidad.

Ahora bien, en sentido estricto, aunque nos hemos acercado al ideal de atrapar a la música en su trascurrir, lograrlo es sólo una ilusión, pues lo cierto es que nunca volveremos a experimentar un acontecimiento musical tal y como sucedió en vivo. En cuanto a la grabación misma, a partir de que el sonido pasa a través del micrófono y se convierte en audio, parte de su vitalidad muere.

Los micrófonos, los sistemas de almacenamiento y las bocinas están avocadas a transmitir el rango audible de frecuencias con una fidelidad cada vez más sorprendente, sin embargo, los instrumentos musicales acústicos y los sonidos del mundo, nos ofrecen frecuencias y texturas de armónicos que llegan a nuestro oído y tacto con una brillantez singular, pues no hay que olvidar que al pasar por el micrófono siempre hay una pérdida de frecuencias audibles e inaudibles. Esto quiere decir que el mismo sistema de aparatos que nos permite grabar y reproducir el sonido nos impide atrapar la música tal y como se dio.

Desde el lado del sujeto, tampoco podemos hablar de una experiencia musical –o de cualquier otro tipo- igual. En principio, porque nuestra propia disposición espacial y temporal nunca es la misma. Por muy fiel que sea una grabación, bastará con caminar más cerca o más lejos de las bocinas para que nuestra forma de captar el sonido se modifique. Aunado a ello, nuestro estado perceptual frente a la música, se encuentra siempre fluctuando dentro de una corriente de emociones y pensamientos. No es lo mismo oír Siguiendo la luna de Los Fabulosos Cadillac’s, a los 18 años en la playa rodeado por tus amigos después de una borrachera con la luna en su plenitud, que solo en el coche, a los 27, de camino al trabajo por la mañana. El tono emocional y los pensamientos que envuelven nuestra cabeza, le dan a cualquier vivencia musical, un carácter particular, que es siempre nuevo.

Acidconga Acidconga // // Noviembre Noviembre 2010 2010 // // Pg Pg41 41 A pesar de lo anterior, la reproductibilidad técnica, ha sido desde su invención para acá, el método de transmisión de la música que más rápidamente y en mayor medida ha transformado el modo en que concebimos, creamos y experimentamos la música. Esto se debe a que, contrario a la idea generalizada de que la reproductibilidad técnica ofrece los hechos sonoros en sí mismos, lo que se nos presenta en una grabación, lejos de una reproducción sin más, es una gran cadena de interpretaciones que entran en juego en su transformación.

La reproductibilidad técnica es la era dorada del arte musical. Nunca antes éste había arropado nuestras vidas de manera tan abrumadora. Escuchamos música prácticamente bajo cualquier contexto, invade nuestras casas, el transporte público, los restaurantes, las oficinas, los medios masivos de comunicación; adereza nuestras fiestas y reuniones, acompaña nuestros momentos de soledad y alegría. Nunca antes el gremio musical había tenido tanta proyección, fama y fortuna; tan sólo sir Mick Jagger acumula en su cuenta alrededor de 250 millones de euros. Nunca antes la fusión de discursos musicales se había dado tan vertiginosamente, el jazz por ejemplo, ha derivado en menos de cien años en una innumerable cantidad de subgéneros (big band, bebop, acidjazz, free jazz…) y fusiones (Latinjazz, afrocuban jazz, bossa nova, funk, etcétera).

Este boom musical se podría deber en gran medida al hecho de que la reproductibilidad técnica –como sucedió con la fotografía y las artes plásticasi-, ofreció los elementos necesarios para que la música llegara a las masas. Al no depender la escucha de la presencia de los músicos, sino de un sistema de aparatos fabricados en serie, la posibilidad de dar a conocer determinada música creció exponencialmente. El resultado de esta masificación fue el nacimiento de una industria multimillonaria.

Al volverse la música una industria, nuevas fuerzas empezaron a estremecer su desarrollo, la dinámica del mercado masivo comenzó a infiltrarse en ella. Como toda industria, la musical requirió para su subsistencia de la acumulación de capital para mantener su enorme infraestructura, esto es, llegar a la mayor cantidad de gente posible a través de la venta de discos. Nuevas figuras de poder, encabezadas por el productor, salieron a escena para en cierta medida encargarse de que la música se ajuste a las reglas de consumo, que permitan su transmisión a las masas.

"La reproductibilidad técnica es la era dorada del arte musical. Nunca antes éste había arropado nuestras vidas de manera tan abrumadora."

Antes de que la música entrara en la era de la reproductibilidad técnica, ya existían figuras de poder externas a ella que influenciaban el trabajo de los compositores y músicos. Ya fueran monjes con intereses divinos como en el canto gregoriano, gobernantes y aristócratas con el interés de entretener a sus cortes como en la música clásica del siglo XVII, o intereses burgueses como en el caso del romanticismo; además del peso de la tradición y las diferentes funciones sociales que se le han asignado a la música, que hacen del ideal del músico como un libre creador que simplemente vuelca sus emociones y discursos personales en la música, una onírica utopía.

Lo que me parece diferente respecto a las figuras de poder anteriores, es que éstas no habían logrado un impacto directo e inmediato sobre el producto auditivo, como ocurrió con las figuras de poder que surgieron con la reproductibilidad técnica.

Ella consiguió una injerencia sobre aquella inmanencia auditiva de la ejecución grabada. La cadena de interpretaciones directas, es decir, que le dan un tratamiento a la obra musical en sí, se multiplicaron. Si anteriormente se podía afirmar que la triada compositor-ejecutante-oyentei, comprendía a las figuras capaces de añadir interpretaciones, esto es, aportar algo a la percepción estética de la materia musical, el sistema de aparatos permitió que nuevos actores entraran a escena.

Entre el ejecutante y el oyente, aparecieron por ejemplo, el productor y el ingeniero quienes a través de la manipulación del audio, se convirtieron en co-creadores de la música, pues mediante el manejo de diversos efectos sobre la materia sonora, lo que se consigue es una interpretación particular de cierta ejecución, que aporta una serie de carices estéticos al producto auditivo.

Nadie podrá negar el importante papel que juegan tanto el productor como el ingeniero de sonido en la determinación de estilos ya sea a nivel de géneros, ¡Qué sería del pop sin los estetas de las consolas!; o a nivel de agrupaciones, por ejemplo, sería difícil concebir el sonido de los Beatles sin las contribuciones de George Martin. Quienes han sido asiduos lectores de acidconga, bien pueden hacerse un panorama y una opinión sobre los aspectos tanto positivos como negativos que el encuentro entre el sistema de aparatos y la música, con todo y sus figuras de poder facilitó. Desde la crítica a la música pensada con un fin último comercial, hasta el encuentro gozoso entre la darbuka y el cajón.

Lo que aquí me parece importante resaltar dentro de los aspectos positivos de esta era que he intentado dibujar, más allá del encuentro entre la música y el mercado que el sistema de aparatos facilitó, es cómo este sistema al encontrarse con algo tan profundamente humano como lo es la práctica musical, llega a transformar nuestra vivencia de la misma; el modo en que trasmitimos, escuchamos, entendemos y hacemos música.

La reproductibilidad técnica rápidamente ha devenido en tradición, se vuelve el método más eficaz para trasmitir la música de una gen

La reproductibilidad técnica rápidamente ha Acidconga devenido en tradición, es decir en entrega, desde el momento en que se vuelve el método más eficaz para trasmitir la música de una generación a otra, desde el momento en que facilita, a una velocidad estrepitosa, el intercambio sonoro entre culturas.

A más de un siglo de la invención del fonógrafo, completamente inmersos en la cultura de la música grabada como lo estamos todos nosotros, podemos afirmar que nos encontramos ante una nueva etapa dentro de la reproductibilidad técnica musical, referente a su encuentro con otra gran revolución de nuestros tiempos, aquella de las computadoras y la internet. Si bien anteriormente se habló de una multiplicación de figuras que entran en juego en la trasformación de la música y de una industria multimillonaria de gran infraestructura, cabe ahora preguntarse, ¿qué sucede cuando los mecanismos de manipulación estética de la música pasan a ser del dominio público?, ¿qué pasa cuando la generación y el intercambio de música se vuelve a dar sin el arbitrio de una industria?

Las posibilidades actuales de grabar, manipular estéticamente el producto de tales grabaciones, y lo que es más crucial, de intercambiar la música, han generado una serie de transformaciones que aún es difícil vislumbrar.

La reproductibilidad se potencializa // Noviembretécnica 2010 // Pg43 al tiempo que una industria y sus figuras de poder se precipitan. Sin embargo, siguiendo la pista de la relación entre la música grabada y la experiencia fugitiva de la música en vivo, de manera paradójica podemos decir que la música viva no ha perdido la magia y el encanto que la ha perseguido desde siempre, pues nuestro espíritu en perpetuo debate entre los extremos, no sólo se ha empeñado en atrapar el transcurrir sonoro para luego solazarse con el sonido que emiten los altoparlantes, sino que al mismo tiempo no cesa de buscar esas experiencias irrepetibles por las que después pueda brotar el agridulce placer de la nostalgia.

El músico ante la caída de esos gigantes del mercado, quizás regrese de ese limbo de algodón que implicaban los discos de oro y de platino, para volver como el resto de los mortales, a “ganarse el pan con el sudor de su frente”, pues se entrevé también una revaloración de lo en vivo, ya que si no se gana dinero vendiendo lo que se graba pues se tendrá que vender, como antes, esa materia efímera que ofrecen los conciertos.

Dicha revaloración se experimenta también –y es este el fenómeno que más llama mi atención- en el trabajo de los dj´s y el auge de los matchups, que implican por un lado la magia de la presentación en vivo, pero ampliando nuevamente la cadena de interpretaciones de la que hablaba líneas atrás, llevándola al paroxismo… Habrá que ver si esto no es signo, como lo fue el recargado estilo rococó, de la decadencia de una era.

, es decir en entrega, desde el momento en que otra neración a otra...

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Titeres de la m煤sica y el efecto domin贸 //

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