Revista referentes DESIGNIO REFERENS by Adconce

DESIGNIO Referens

EDITORIAL

evista Designio reune a los mayores exponentes del medio del Diseño Gráfico en una sola edición, mostrando de forma visual sus mayores reconocimientos, sus estilos que hasta el día de hoy siguen marcando, y que formaron una revolución en su momento, abriendo una nueva brecha para los diseñadores del día de hoy.

ÍNDICE Erik Nitsche

David Carson

Alvin Lustig

Massimo Vignelli

Milton Glaser

Saul Bass

Paul Rand

Hermanos Larrea

Alan Fletcher

Waldo Gonzalez

Francisco Otta

Susan Kare

Noma Bar

Stefan Sagmeister

Herb Lubalin

Bradbury Thompson 24 Cipe Pineles Favia Lara Mabel Uribe

ERICK NITSCHE

COMUNICA IDEAS PODEROSAS Erik Nitsche nació y estudió en Lausana , Suiza, y se trasladó a los Estados Unidos a la edad de 26 años, donde tuvo una exitosa carrera como diseñador gráfico y director de arte. Después de 1960 trabajó principalmente en los libros para niños. Nitsche es mejor conocido por su relación histórica con la empresa de ingeniería de General Dynamics . Se diseñó un avance serie de carteles, además de diseñar su imagen corporativa, informes anuales, y la publicidad. Fue contratado como director artístico de General Dynamics y saboreó el diseño de datos técnicos para cosas tales como sistemas hidráulicos y secciones transversales de los aviones.

Fue un pionero en el diseño de libros, informes anuales y otro material impreso que se basó en una meticulosa atención a los detalles de composición de páginas, la elegancia de la presentación de tipo simple, y la yuxtaposición de elementos de una página. Sus características eran impecablemente diseño claro, colores brillantes, tipografía inteligente, y una adhesión a determinadas bases geométricas. Durante su carrera de más de 60 años, el diseñador Erick Nitsche ha influenciado bastante al mundo del diseño gráfico. Habiendo incursionado en casi todas las facetas del diseño y de marcas, con su estilo propio y modernista, el trabajo de Nitsche no solo se ha convertido en una fuente de inspiración para muchos, sino que también ha creado la tendencia para ver al diseño como una herramienta poderosa en comunicación de ideas tanto en sentido industrial como comercial.

ALVIN LUSTIG

SUGIERE, NO LO DIGAS

Nació en Colorado, California.

la forma en que se muestran, se presentan y el pensamiento que Estudió diseño en Los Angeles en hay envuelto en ellas. el centro de artes City College y de forma independien- Si bien en la época, la práctica te con el arquitecto Frank Lloyd más común era la de presentar Wright y el pintor francés Jean un resumen del contenido del Charlot. libro, Lustig operó bajo un enfoque basado en sugerir en lugar Comenzó su carrera diseñando de decir. De esta forma sus disecubiertas de libros en 1937 en Los ños dejaba a los lectores con una Ángeles, California. expectativa de lo que iban a leer. En 1944 se convirtió en director de investigación visual para la revista Look . También diseñó para la Fortuna , y Girl Scouts de los Estados Unidos. Lustig fue un diseñador que revolucionó de forma radical el diseño de portadas de libros,

Este enfoque fue bastante radical para la época y se popularizó rápidamente hasta el punto que hoy en día sigue siendo una práctica común en la mayoría de los diseños de portadas de libros.

Además de sus muchas contribuciones al diseño gráfico, Lustig era un arquitectónico diseñador consumado. En 1949, diseñó lo que se conoce como el “Presidente Lustig” para Paramount Muebles en Beverly Hills, CA. Su diseño original sigue inspirando a los interiores modernos y la repeticion de la silla sigue todavía en producción.

MILTON GLASER

CIERRA LA BRECHA ENTRE VER Y ENTENDER Nacido en el Bronx de Nueva York, Ilustrador y diseñador muy prolífico conocido sobre todo por sus diseños para discos y libros. Estudió en la conocida Cooper Union entre 1948 y 1951 a través de la beca Fulbright, también estudió en la Academia de Bellas Artes de Bolonia, en Italia, donde estuvo con el pintor Giorgio Morandi. Fundó con Seymour Chwast el Push Pin Studio,para asi en 1974, crear su propia compañía. Creador de la icónica marca “I NY” (Que muchos se compraron alguna vez), logos para Target y JetBlue, la famosa introducción que todos recordarán de la serie Mad Med e inclusive carteles para el músico Bob Dylan. Glaser ha transformado lo que significa crear un poderoso diseño “atemporal”, enfocandose en diseñar para que la primera vez que alguien vea un diseño, entienda la idea, ya que para él eso era algo crítico.

PAUL RAND MEZCLA EL COPY (FRASE PUBLICITARIA) CON EL DISEÑO

Diseñador gráfico estadounidense reconocido en gran parte por el diseño de marcas institucionales. Su educación incluye el Pratt Institute, el Parsons School of Design y el Art Students League. Fue uno de los originadores del estilo tipográfico internacional suizo. Desde adolescente, su trabajo ya mostraba una fuerza innovadora y vanguardística que no pasó desapercibida debido a su despreciable y aberrante estilo. Fue Director de Arte de la revista Esquire y de Apparel Arts -GQ- y de las portadas para el “Directions Cultural journal”. Fue pintor, conferencista, diseñador industrial y artista publicitario que puede plasmar su conocimiento y su creatividad sin límites. “Piensa en términos de necesidad y función.” Rand se destacó en el diseño editorial. Fue también recordado, por uno de sus empleados como la persona con “peor genio en el mundo”. Puede presumir de la fama de ser un viejo gruñón que siempre critica o desprecia nuevas tendencias o conceptos en el diseño, derecho ganado gracias a que nunca cambió su postura o cuestionó la rectitud de su camino en cuanto al modernismo, y aun a pesar de las ideas y vueltas que sufrió el diseño él jamás cambió. Uno de los grandes aportes de Paul Rand al mundo del diseño fue la eliminación de la redacción que ocupaba el primer lugar en los mismo, para ubicarlo en la misma posición que el diseño del arte, creando así un “todo” que combinado, funcionaba de una mejor forma a la hora de transmitir un mensaje.

ALAN FLETCHER

SE EXPRESIVO CON LA TIPOGRAFÍA Fue un diseñador gráfico británico, calificado por el Daily Telegraph como “el diseñador gráfico más elevado y probablemente el más prolífico de su época” Fletcher nació en Nairobi, Kenia. Luego volvió a Inglaterra a los cinco años con el resto de su familia, cuando su padre estaba en estado terminal. Fletcher vivió con sus abuelos en Shepherd’s Bush, Londres del oeste, antes de ser evacuado en 1939 al Christ’s Hospital en Horsham.

College of Art, donde conoció a Peter Blake, Joe Tilson, Len Deighton, Denis Bailey, David Gentleman y Wellington Dick Smith.

Estudió en la escuela de arte Hammersmith a partir de 1949, después en la escuela central del arte, en donde estudió bajo la tutela de Anthony Froshaug y conoció a Colin Forbes, Theo Crosby, Derek Birdsall y a Ken Garland. Después de un año de enseñar inglés en Barcelona, él volvió a Londres a estudiar en la Royal

Su tipografía expresiva, el uso de colores llamativos y un fuerte lenguaje visual, ayudaron a que se abriera el camino para que el diseño gráfico fuera considerado un elementos clave y crucial para las empresas y no una mera decoración extra.

Fundó la firma Fletcher/Forbes/Gill del diseño con Colin Forbes y Bob Gill en 1962. Un producto temprano era su libro diseño gráfico: Una comparación visual. Sus clientes incluían a Pirelli, Cunard, libros del pingüino y Olivetti.

FRANCISCO OTTA

COMPLEMENTA EL DISEÑO CON LO QUE SEPAS HACER

Nació en 1908 en Pilsen, Bohemia, antiguo reino de Europa Central. Se radicó en Chile en 1940.

Trabajó como corresponsal en viaje para la revista chilena Nuevo Zig-Zag. Fue un hombre multifacético en su vida y también dentro de su Fue pintor, grabador y diseñador. trayectoria artística. Fue afichista y diseñador gráfico. Sus estudios primarios los realizó en Bohemia. Posteriormente En 1962 se colegió como periorealizó estudios de: Arte en la dista; entre 1962 y 1982 se desemEscuela de Bellas Artes de Viena peñó como Director Cultural del graduándose en Pintura e Histo- Instituto Chileno-Norteamericaria del Arte; Gráfica y Ciencia de no de la Escritura. Cultura. Realizó también cursos de perfeccionamiento: Gráfica Aplicada y Exhibition Display en Londres, Inglaterra; Fonética en la Universidad de Grenoble, Francia; Grabado en el Atelier Dix-Sept de París, Francia; Derecho Internacional en la Universidad de La Sorbonne, París.

Fue miembro del Círculo de Críticos de Arte de Chile y de la Association Internationale de Critiques d`Art de París y fue Vicepresidente de la Asociación Chilena de Pintores y Escultores de Chile por dos períodos consecutivos.

En 1995 utilizaron sus ilustraciones para el libro Diamantino de Fernando Emmerich. En 1999 el Museo Nacional de Bellas Artes realizó la exposición Francisco Otta: Reminiscencias Azules y Otras: Obra 1994 al 1999, la cual le fue dedicada como Homenaje Póstumo, ya que el artista falleció pocas semanas antes de su inauguración. Destacó como conferencista en universidades, instituciones culturales, radioemisoras y televisión en diversos países, participó también en numerosos foros y como jurado de Arte, fue traductor multilingüe y autor de libros, entre ellos La guía de la Pintura Moderna, Breviario de los Estilos, De Altamira a Picasso y Los Alfabetos del Mundo.

SUSAN KARE

LLEVA TUS DISEÑOS AL MUNDO DE LA TECNOLOGÍA

Artista y diseñadora gráfica que ha creado muchos de los elementos de la interfaz para Apple Macintosh en la década de 1980. También fue una de los empleados de NeXT (la compañía formada por Steve Jobs después de salir de Apple en 1985), trabajando como director creativo.

Una pionera de pixel art, sus obras más reconocidas de su tiempo con Apple son el tipo de letra de Chicago (el más destacado visto la interfaz de usuario tipo de letra en el entorno Classic de Mac OS, así como el tipo de letra utilizado en las tres primeras generaciones de la interfaz del iPod de Apple) , el tipo de Es la diseñadora de distintos tiGinebra, Mónaco el tipo de letra pos de letras, iconos, material de (co-creadora), la Dogcow Clarus, marketing para el Macintosh OS. el Happy Mac (el ordenador que De hecho, los descendientes de su acogió sonriente usuarios de Mac trabajo pionero todavía se puede al iniciar sus máquinas durante ver en muchas herramientas de 18 años, hasta el Mac OS X 10.2 gráficos de computadora y acce- sustituirá gris con un logotipo sorios, especialmente los iconos de Apple) , y el símbolo de la tales como el lazo, el Grabber y el tecla Comando en los teclados de Cubo de pintura. Apple.

Dejó una importante huella en el mundo del diseño, muchos de estos diseños siguen todavía en uso y han influenciado en gran parte los diseños de interfaces actuales.

NOMA BAR

JUEGA CON LO SIMPLE Y DALE OTRO SIGNIFICADO De nacionalidad Israeli y de profesión diseñador gráfico , ilustrador y artista.

El trabajo de la barra ha llegado a ser bien conocido en todo el mundo, ganando varios premios de la industria; el más recienSu trabajo ha aparecido en temente el prestigioso premio muchas publicaciones de medios, Lápiz amarillo en los premios incluyendo: Time Out London , profesionales D & AD 2012 para BBC , Random House , The Obsu serie de Don DeLillo Cubierserver , The Economist y el fondo tas, creado con el estudio de de pantalla. diseño de Londres. Ha ilustrado más de sesenta portadas de revistas, publicado más de 550 ilustraciones y publicado dos libros de su trabajo a través Mark Batty Editorial : Guess Who, Las muchas caras de Noma Bar en 2008 y espacio negativo a principios de 2009.

Su exposición London Design Festival ‘Ya basta’, fue seleccionado como uno de los aspectos más destacados del festival. El proyecto fue nominado en la categoría de gráficos para el Museo del Diseño, Diseños del año 2012.

STEFAN SAGMEISTER

Nacio en Austria, es diseñador gráfico y director de arte austriaco. Fundó Sagmeister, Inc. en 1993 en Nueva York. Ha sido nominado cinco veces a los premios Grammy y ganó uno por el set-box de Talking Heads. En 2001 publicó un libro en donde compila todos sus trabajos llamado Made You Look. Estudió Diseño Gráfico en la University of Applied Arts de Viena, más tarde recibió una beca para estudiar en el Pratt Institute de New York.

MEZCLA CUALIDADES INSPIRADORAS

En 1991 se mudó a Honk Kong y ha trabajado para la agencia Leo Burnett, para más tarde formar su propio estudio en el que ha trabajado con los más diversos clientes del mundo de la música, diseñando portadas realmente sorprendentes, cargadas de poder retórico y estético. Desde su estudio se da el lujo de elegir a sus clientes como a David Byrne, Lou Reed, The Rolling Stones y la artista japonesa Mariko Mori. También se tomó un año sabático para dar conferencia en el mundo y formar True Majority (La verdadera mayoría), que consiste en un grupo de 500 artistas y directores de empresas líderes en Estados Unidos que se opusieron públicamente a la guerra contra Irak. Uno de nuestros objetivos es lograr que en este país se reduzcan los gastos militares en 15% y que ese dinero se invierta en educación.

HERB LUBALIN JUEGA CON LAS PALABRAS

Herb Lubalin, diseñador gráfico y tipógrafo norteamericano. Nació en Nueva York en 1918 y falleció en 1981. Estudió en la Cooper Union School, y muy pronto comenzó a trabajar como director creativo en diversas agencias para crear en 1964 su propio estudio. Fue uno de los fundadores de una empresa de creación tipográfica internacional llamada ITC (International Typeface Corporation, creada en 1970), de cuya revista U&lc (Upper and Lower Case) fue director artístico.

Sus trabajos comprenden packaging, diseño editorial, creación de alfabetos y publicidad. Como diseñador editorial fue responsable del Saturday Evening Post, Eros, Avant Garde y la citada U&lc. Para Avant Garde, Lubalin creó su conocida tipografía del mismo nombre comercializada por ITC desde 1970 para la que también creó con Toni DiSpigna la Serif Gothic

Herb se había iniciado en la publicidad lo que explica su capacidad para conectar con gustos mayoritarios y a la moda. De los años sesenta es su conocida Lubalin, uno de los innovadores propuesta para Mother & Child, tipógrafos americanos, rechazó la en la que era patente su habitual filosofía funcionalista de los euro- utilización de juegos formales de peos en favor de un estilo eclécti- naturaleza trivial y, en ocasiones, escasamente original, pero que, co y exuberante. gracias a su enorme dominio de Su manipulación del tipo reflelas formas escritas, adquiría una jaba un deseo de romper con la exuberancia y vitalidad enormes. tradición y explotar las posibilidades tipográficas de los nuevos Lubalin es, en este sentido, el más decidido representante de una sistemas de fotocomposición. corriente en favor de los retruécanos visuales y la ironía visual.

BRADBURY THOMPSON EXPERIMENTA CON TODO

Bradbury Thompson nació en Kansas en 1911, y falleció el 1 de noviembre en 1995 a los 84 años, considerado “El padre del diseño en la revista moderna”. Uno de los diseñadores gráficos más influyentes de la posguerra fue Bradbury Thompson quien logró revolucionar los medios impresos expandiendo las opciones de la imagen impresa, dejando abiertas las puertas para las siguientes generaciones de diseñadores. Los trabajos de Thompson se caracterizaron por el uso de figuras grandes, orgánicas y geométricas, letras ampliadas usadas como elementos de diseños para modelos visuales, una organización compleja y un flujo visual. Renovó los parámetros de la arquitectura gráfica, además de ser uno de los pioneros de la utilización de retoques fotográficos.

Thompson trabajó un par de años con Paul Bayer para crear una nueva versión de su alfabeto 26, un concepto tipográfico que desarrollo en 1940 para simplificar e improvisar el sistema corriente de alfabeto. También trabajo en Westvaco Inspirations, la cual empleaba planchas para impresión tipográfica de arte e ilustración que pedía prestadas a las agencias de publicidad y a los museos. Los diseños que logró desde el año 1939 hasta el año 1961 tuvieron un tremendo impacto.

Las contribuciones de Thompson para el diseño gráfico se observan, cuando diseño las ediciones finales de la revista de guerra “Victory” y U.S.A. En ese año también se hizo director de arte de la revista “Mademoiselle”, director de diseño en “Art News” y “Art News Annual”, diseño el catálogo de “For Motor Company”, donde comenzó la reforma tipográfica, y creo el “Monoalphabet” con el que acabó la tradición de separar las formas de las mayúsculas y las minúsculas, y la innovación se vio en “Westvaco Inspirations For Printers” revista de la cual diseño más de 60 ediciones. El trabajo de Thompson fue galardonado varias veces en Estados Unidos, se consideró el padre de la revista modernos, tuvo un gran papel en el uso de la tipografía, contribuyó con el desarrollo de varias áreas del diseño gráfico y permitió la evolución del diseño después de la posguerra.

CIPE PINELES LIBÉRATE DE LAS LIMITACIONES Nacida en Austria, Cipe Pineles fue diseñadora gráfica, ilustradora y la primera mujer directora de arte en Estados Unidos. Trabajó en revistas como Vanity Fair, Glamour o Vogue.

Pineles utilizó la tipografía figurativa en las dobles páginas de las secciones editoriales y en las de moda, reemplazando los caracteres habituales por objetos, con el fin de crear juegos y bromas visuales; manipuló la forma Su carrera profesional comenzó de las letras e interactuó con cuando se convirtió en la asisellas, rayándolas, rasgándolas, tente del Dr. MF Agha, director escribiéndolas a mano, para pode arte de publicaciones Conde tenciar el significado y la expreNast, que incluyó Vogue, Vanity sión de cada historia. Su trabajo Fair, y House and Garden Maga- muestra las primeras tendencias zines. en tipografía figurativa ameriEn esta posición durante los años cana en donde los objetos reem30 y 40, ella aprendió a ser una de plazan las letras, como juegos las mejores directoras de arte en visuales. el diseño gráfico. Cuando ella se convirtió en la Sus diseños están llenos de color, directora de arte de la revista el patrón y la forma tienen una Glamour, tomó su lugar en la expresión muy vital. Eran poco historia del diseño gráfico conconvencional. Tal vez la mezcla virtiendose en la primera mujer de artistas plásticos, combinados que ejercía este puesto para una con su propia historia personal revista estadounidense de merca- como ilustradora, fue lo que condo de masas. tribuyó al éxito de estas publicaPineles también fue la primera ciones. Funcionó muy bien. Era directora de arte para contratar una manera de cerrar la brecha artistas plásticos para las publica- entre el mundo del arte y el munciones del mercado de masas. do del arte comercial. Después de trabajar en la revista Glamour, trabajó en Seventeen and Charm y Revistas Mademoiselle.

DAVID CARSON ROMPE LAS REGLAS

David Ray Carson nació en Texas en el año de 1956, y es un sociologo norteamericano que empezo a diseñar por gusto propio. Pionero del diseño estrafalario y alternativo en el diseño editorial, fué director de arte de la revista Ray Guy, sus trabajos más famosos resultaron de la dirección artística en las revistas Transworld Skate Boarding, Musician, Beach Culture y Surfer. Carson es conocido por la elaboración de diseños innovadores y originales, y fue el primero en romper con la retícula, estructura invisible que sostiene los cimientos del diseño en una página. Este concepto fue desarrollado por la Escuela Suiza para dar orden y racionalidad a la composición de una página .Para nuestro diseñador, el uso de la retícula era aburrido ya que prefería la irracionalidad y el predominio del desorden en sus composiciones, cosa que demuestra en cada numero de la revista Ray Gun, todas completamente diferentes.

Sus diseños se alejan del centro, prefiriendo así la tensión de las esquinas y de los márgenes, espacios que suelen estar siempre vacíos. Juega con los espacios en blanco como un elemento más en sus composiciones para aportar carga emotiva. Para los lectores de Ray Gun es todo un completo desafío pero a su vez supone un entretenimiento ya que tienen que interactuar con la revista para poder comprenderla debido a que los elementos que componen cada página aparcen descolocados; bloques de textos girados, columnas de diferentes formas y tamaños se llegan a cruzar e incluso aparecen juntas, lo que dificulta su lectura. El texto aparece en sus composiciones como un elemento vital, por eso, David Carson esta considerado uno de los grandes genios de la tipografía.

MASSIMO VIGNELLI BUSCA TRANSMITIR IDEAS

ssimo Vignelli nació en Milán en 1931 y estudió arquitectura en el Politécnico de Milán y en la Universidad de Arquitectura de Venecia. En 1957 gracias a un beca visitó Nueva York y quedó tan prendado de la ciudad que volvió en 1966 para fundar Unimark en la ciudad de los rascacielos.

Su inquietud frente al diseño le llevó a trabajar en múltiples disciplinas como el diseño de interiores, el diseño ambiental, el packaging, y el diseño de muebles.

Vignelli diseñaba aquello que le gustaría usar y no encontraba; Relojes, calendarios, mesas, lámparas, gafas, revistas, ollas, hasta La empresa era una de las pricreó una revolucionaria línea meras en enfocarse en la creación de ropa que confeccionaba en el de identidades corporativas y estudio de la calle 57. rápidamente se convirtió en un Su mantra era que solo se nereferente mundial del diseño bajo cesitaban cuatro tipografías: La la tutela del diseñador italiano Garamond, la Bodoni, la Times y la Helvética. Consideraba la Fue considerado un precursor del tipografía el ladrillo con el qual diseño modernista. En sus obras construir una marca, así que no siempre prevaleció la simplese necesitaban más colores que el za, las formas geométricas y el llamado Rojo Vignelli (Pantone uso tipográfico persiguiendo un 482) y el negro. diseño atemporal y elegante que el definía como la “vulgaridad imperante“.

En 1971 recibió el encargo de la Autoridad de Transportes de Nueva York de ordenar el caos gráfico de un metro que había crecido desmesuradamente y era el medio de transporte prinicipal de los habitantes de la ciudad. Con un diseño nítido y claro basado en la Helvetica y la imagen geométrica el diseño del plano del metro de Nueva York y toda la señalética de las estaciones, convirtió a Vignelli en el diseñador de moda de la ciudad de los rascacielos. Actulamente los modelos de mapas de metro toman como canon el realizado por Vignelli, especialmente en Europa.

SAUL BASS DISEÑA LO ICÓNICO

Saul Bass nació en el Bronx, en 1920 y falleció en 1996. Estudió en el “Artes League” en Nueva York, y después en el Colegio de Brooklyn con Gyorgy Kepes, un diseñador gráfico húngaro que había trabajado con László Moholy-Nagy en Berlín antes de emigrar a los Estados Unidos. Kepes fue el que introdujo a Saul Bass al estilo Bauhaus de Moholy y al constructivismo ruso. Después de trabajar en varias agencias de diseño de Nueva York, Bass trabajó de forma independiente como diseñador gráfico. Se mudó a Los Ángeles, donde abrió su propio estudio en 1950, dedicado inicialmente a la publicidad, hasta que Otto Preminger lo invitó a diseñar el póster para su película Carmen Jones. A éste le impresionó tanto el trabajo de Bass, que le pidió que diseñara también la secuencia de los títulos de la película.

Pronto se especializó en el diseño de títulos de películas, como The Big Knife de Robert Aldrich y The Seven Year Itch (La tentación vive arriba) de Billy Wilder. Pero fue en el siguiente proyecto de Preminger, The Man with the Golden Arm (El hombre del brazo de oro), en donde Bass se reveló como un maestro del diseño de títulos de crédito de películas. Colaboró con Alfred Hitchcock en Psicosis haciéndosele responsable del story board de la escena de la ducha, aunque Hitchcock nunca lo reconoció. Para Hitckcock también realizaría los títulos de crédito en Con la muerte en los talones y cartel y títulos de Vértigo. Regresó al diseño gráfico comercial, creando los logotipos para AT&T, United Airlines, Minolta, Bell, y Warner Communications. Diseñó también el póster para los Juegos Olímpicos de Los Ángeles en 1984.

Hay ejemplos que anticipan los primeros trabajos de Bass como los títulos finales de crédito de Ciudadano Kane subrayando el metraje con los nombres de los actores, pero se puede decir quet el impactante diseño de los créditos de Bass no tuvo parangón. Un buen ejemplo son los primeros metros de West Side Story, un sólido bloque de color que varía de acuerdo a la insinuación. Las técnicas de Bass son variadas ya a priori: animación de recortes, montaje, acción real y diseño de nombres. En segundo lugar, Bass hace un ejemplar uso del color y del movimiento en secuencias que comienzan a menudo con un marco de color sólido.

HERMANOS LARREA

LA SIMPLEZA ES MÁS FUERTE Entre sus primeros trabajos reconocidos, sobresale la carátula del primer disco del grupo folcklóriLos hermanos Vicente y Antonio co Quilapayún. Larrea Mangiola nacieron en Lin- Posteriormente se incorporó a deros, localidad rural en la comu- esta oficina, Antonio Larrea, herna de Buin, cerca de Santiago de mano menor, quien se desempeñaba como fotógrafo y estudiaba Chile. en Artes Aplicadas. En 1961 ingresa a la Escuela de Su producción fue un referenArtes Aplicadas de la Univerte para la gráfica chilena de la sidad de Chile, para estudiar decoración de interiores y dibujo transición entre las décadas del sesenta y setenta, en un momento publicitario. En 1963 inicia su trabajo gráfico en el Departamen- de búsqueda de las raíces latinoamericanas. El uso de formas ceto de Extensión Cultural de la universidad, donde se dedica a la rradas, el alto contraste, las tintas producción de material informa- planas, los contornos irregulares y el trazo manual de los caractetivo para las escuelas de temporada. Tras cuatro años trabajando res, elementos gráficos propios del grabado y el mural, fueron en dicho departamento, y ante la tal demanda del cartel en esos trasladados a otros sistemas de producción como la serigrafía y momentos, Larrea se instala con la impresión offset, procedimienuna pequeña oficina en la calle to que marcó su sello plástico. Huérfanos.

WALDO GONZALEZ EXPERIMENTA CON LO INUSUAL

Estudió medicina en la Universidad Mayor de San Simón en Cochabamba (Bolivia), estudios que abandonó por motivos económicos. En 1954 ingresó a la Escuela de Artes Aplicadas, donde se desempeñó como ayudante de la cátedra de Afiche y Propaganda entre los años 1958 y 1959. Al egresar en 1960, se convirtió en el primer licenciado en artes plásticas con mención en Cartel y Propaganda de la Universidad de Chile.

En el aspecto técnico, se caracterizó por un espíritu experimental, que lo llevó a incorporar a su trabajo lo que define como “materiales inusuales”.

A nivel tipográfico, realizó fuentes hechas a mano, que imprimieron un cariz gestual a los textos. Si bien las figuras de madres y niños son las más recurrentes en los carteles de 1971, a partir de 1972 se advierte un énfasis en la iconografía del trabajo, con imágenes de obreros, campesinos, Como diseñador trabajó fundamineros y empleados, además de mentalmente en el rescate de las estudiantes y mujeres. González tradiciones locales y la vinculausó el alto contraste para exaltar ción del cartel con la educación popular. Su etapa más productiva las figuras, dejando pequeñas como cartelista transcurrió entre zonas de color, casi siempre de gamas cálidas. Otro efecto que 1971 y 1973, época en la que trabajó junto con el diseñador Mario empleó frecuentemente fue el Quiroz. De ese período destacan punto de vista ascendente, produciendo imágenes con vista en los ochenta carteles quincenales que realizó para la Polla Chilena contrapicado. de Beneficencia, de los cuales llegaron a imprimirse 5.000 ejem- Sus carteles fusionaban lenguajes provenientes de la alfarería plares por tiraje. Las campañas de la Polla estaban dirigidas a los precolombina con influencias sicodélicas, del cartel cubano y sectores pobres de la población, de la estética del mural político por lo que tuvieron un marcado de izquierda. acento social