Editorial: Memoria es una revista de diseño que muestra el trabajo de diferentes diseñadores que marcaron la historia y también diseñadores actuales con gran potencial para pasar a formar parte de la memoria colectiva. Revista Memoria tiene una sensación moderna, dinámica y juvenil.
Créditos: Profesor guía: Juan Reyes. Trabajo realizado por: Sofía Romero Q Página: Aka no Kitsune http://www.facebook.com/AkaiKitsu Constanza Castillo G. Página: Lynka-for-ever http://www.facebook.com/Lynka4ever
ÍNDICE PAUL RAND
Pág. 4 - 5
RAY CARSON
Pág. 6 - 7
SAUL BASS
Pág. 8 - 9
STEFAN SAGMEISTER
Pág. 10 - 11
SUSAN KARE
Pág. 12 - 13
MASSIMO VIGNELLI MILTON GLASER
Pág. 14 - 15 Pág. 16 - 17 NOMA BAR VICENTE Y ANTONIO LARREA FRANCISCO OTTA CAMILO MORI
WALDO GONZÁLEZ ISAÍAS CABEZÓN ACEVEDO
Pág. 18 - 19 Pág. 20 - 21 Pág. 22 - 23 Pág. 24 - 25 Pág. 26 - 27 Pág. 28 - 29
PAUL RAND
“MEZCLA EL COPY (FRASE PUBLICITARIA) CON EL DISEÑO” Diseñador gráfico estadounidense de gran prestigio a nivel internacional por sus diseños editoriales y especialmente por la creación de marcas institucionales. Diseñó una gran cantidad de carteles publicitarios e identi dades corporativas, incluyendo los logos de IBM, UPS y ABC. Paul Rand fue uno de los pioneros del estilo suizo internacional dentro del ámbito del diseño gráfico. Paul Rand fue un diseñador modernista que no aceptaba las nuevas tendencias y conceptos de diseño, a pesar de tantas y tantas nuevas concepciones en el diseño nunca cambio su postura, fue acusado en infinidad de ocasiones de reaccionario y hostil con las nuevas ideas, pero siempre fue fiel a sus convicciones. Trasladó los movimientos de vanguardia y corrientes modernistas europeas aEE.UU, estudió los conceptos del constructivismo ruso, el movimiento artístico deconstructivista De Stijl y el racionalismo alemán de la Bauhaus.
RAY CARSON “ROMPE LAS REGLAS”
Conocido como “El padrino del Grunge”, David Carson revolucionó la industria del diseño gráfico con su actitud única y particular. Hasta el día de hoy, sigue siendo una fuente de inspiración gracias a sus diseños que rompen las reglas, trazos deformados y rotos, inclusive llegando al punto de ser casi ilegibles.
David Ray Carson es un sociologo norteamericano que empezo a diseñar por gusto propio, nació en Texas en el año de 1956. David Carson fué el pionero del diseño estrafalario y alternativo en el diseño editorial, fué director de arte de la revista Ray Guy, sus trabajos más famosos resultaron de la dirección artística en las revistas Transworld Skate Boarding (1983-1987), Musician (1988), Beach Culture (1989-1991), Surfer (1991-1992),en 1993 funda GarageFonts digital typefoundry como vehículo para distribuir las fuentes usadas en Raygun Magazine. En 1993, se convirtió en consultor de diseño, entre sus clientes se incluyen; Burton Snowboards, GameNet Outdoors, Gotiche Clothing, Hallmark Corporation, Levis, Nike y Pepsi. En 1994 y 1995 realizó tareas como director fílmico de comerciales publicitarios para empresas como American Express, Citybank, Coca-Cola, Hardees, MCI, Norton Bank, Ryders Trucks, Sega, Tv Guide, Vans y Microsoft.
SAUL BASS
“DISEÑA LO ICÓNICO” Bass hizo su branding personal en 1950 creando este tipo de letreros para famosas películas de la época. Pero no solo diseñaba interesante e icónicos carteles, sino que también fue un importante diseñador de marcas que hasta siguen vivas hasta el día de hoy como Kleenex, Girl Scout o AT&T.
Saul Bauss ha sido uno de los diseñadores gráficos más importantes del siglo pasado. No solamente dejó su huella artística imborrable en la industria del cine sino que también es el responsable de algunos de los diseños gráficos de las organizaciones y empresas más importantes de los Estados Unidos. En un comienzo trabajó en relación dependencia para varias agencias de diseño, en tanto, en el año 1950, ya mudado a la ciudad de Los Ángeles , abre su propio estudio de diseño. En los primeros tiempos, el estudio de Bass se dedicaba con exclusividad a la publicidad hasta que el séptimo arte golpeó su puerta… El cineasta independiente Otto Ludwig Preminger, impresionado con el estilo de Bass, le pidió que le diseñara el poster de su cinta Carmen Jones. Pero esto no fue todo, tan encantado quedó con el trabajo que le pidió que también diseñase los títulos. Este fue el inicio de una sociedad artística que prosperaría en futuras películas de Preminger.
STEFAN SAGMEISTER Stefan Sagmeister es un diseñador y director de arte austriaco contemporáneo que ha realizado trabajos impresionantes con clientes como los rolling stones o hbo. Sus obras a menuda combinan cualidades especiales como el humor, la sexualidad, el detalle poco ortodoxo y ciertos detalles que buscan llamar la atención e inspirar en el mundo del diseño. Ha sido nominado cinco veces a los premios Grammy y finalmente ganó uno por el set-box de Talking Heads. En 2001 publicó un libro en donde compila todos sus trabajos llamado Made You Look. Mientras algunos diseñadores se preocupan por la tipografía, la reducción y abstracción de formas lógicas, Sagmeister es mucho más directo y, a veces, hasta crudo. Un ejemplo es el cartel que diseñó, a principios de los 90, para la conferencia del American Institute of Graphic Arts (AIGA), en el campus de Cranbrook, cerca de Detroit. En esa ocasión, Sagmeister pidió a su ayudante que tallara los detalles de la conferencia sobre su torso con un cuchillo y después fotografió el resultado para convertirlo en un cartel.
“MEZCLA CUALIDADES INSPIRADORAS”
SUSAN KARE Susan Kare (1954) es una artista y diseñadora gráfica que ha creado muchos de los elementos de la interfaz para Apple Macintosh en la década de 1980. También fue una de los empleados de NeXT (la compañía formada por Steve Jobs después de salir de Apple en 1985), trabajando como director creativo. Es la diseñadora de distintos tipos de letras, iconos, material de marketing para el Macintosh OS. De hecho, los descendientes de su trabajo pionero todavía se puede ver en muchas herramientas de gráficos de computadora y accesorios.
“LLEVA TUS DISEÑOS AL MUNDO DE LA TECNOLOGÍA”
Una pionera de pixel art, sus obras más reconocidas de su tiempo con Apple son el tipo de letra de Chicago (el más destacado visto la interfaz de usuario tipo de letra en el entorno Classic de Mac OS, así como el tipo de letra utilizado en las tres primeras generaciones de la interfaz del iPod de Apple) , el tipo de Ginebra, Mónaco el tipo de letra (co-creadora), la Dogcow Clarus, el Happy Mac (el ordenador que acogió sonriente usuarios de Mac al iniciar sus máquinas durante 18 años, hasta el Mac OS X 10.2 sustituirá gris con un logotipo de Apple) , y el símbolo de la tecla Comando en los teclados de Apple.
MASSIMO VIGNELLI
“BUSCA TRANSMITIR IDEAS” Considerado por muchos como uno de los diseñadores más influyentes del siglo pasado, Massimo Vignelli era un autoproclamado “arquitecto de la información” que se esforzó por condensar grandes ideas en formatos comprensibles y de forma que el público pueda entender mejor por medio de sus diseños. Un claro ejemplo de su estilo de diseño fue en 1972 al rediseñar el mapa del metro de la ciudad de New York, un diseño abstracto, que fue muy debatido, pero que finalmente resultó sumamente eficaz. Fue considerado un precursor del diseño modernista. En sus obras siempre prevaleció la simpleza, las formas geométricas y el uso tipográfico persiguiendo un diseño atemporal y elegante que el definía como la “vulgaridad imperante“. Su inquietud frente al diseño le llevó a trabajar en múltiples disciplinas como el diseño de interiores, el diseño ambiental, el packaging, y el diseño de muebles. Bajo Unimark creó numerosos identidades corporativas entre las que destacaban el logo de American Airlines y la señalización del metro de Nueva York, un trabajo que le catapultó a la fama gracias a un diseño nítido, claro y atemporal.
MILTON GLASER Creador de la icónica marca “I ♥ NY” (Que muchos se compraron alguna vez), logos para Target y JetBlue, la famosa introducción que todos recordarán de la serie Mad Med e inclusive carteles para el músico Bob Dylan; Milton Glaser ha transformado lo que significa crear un poderoso diseño “atemporal”. Milton Glaser se enfocó en diseñar para que la primera vez que alguien vea un diseño, entienda la idea, ya que para él eso era algo crítico. Para muchos, Milton Glaser es la personificación del diseño gráfico americano durante la segunda mitad del siglo XX. Todavía en activo, su presencia e impacto en la profesión a nivel internacional es incuestionable.
“CIERRA LA BRECHA ENTRE VER Y ENTENDER” Su carrera, inmensamente creativa y elocuente, muestra a un hombre moderno del renacimiento –una especie rara de diseñador/ilustrador/intelectual–, que nos acerca una profundidad de comprensión y pensamiento conceptual, combinado todo ello con una gran riqueza del lenguaje visual. Un trabajo altamente inventivo y atemporal.
NOMA BAR
“Mis imágenes no deben ser obvias para el lector”
Es un israelí, nacido en el 73 y afincado en Londres desde 2001. Es diseñador, ilustrador, artista gráfico. Ha desarrollado un estilo minimalista, personal y característico hasta conseguir una obra gráfica refinada y con identidad propia. Noma Bar utiliza una estética pragmática, un sutil sentido del humor al que se añade una paleta de colores básica escogida con precisión. Sus obras suelen contener varios significados, el uso de las formas juegan con nuestra percepción sacándole el máximo partido al espacio negativo utilizando diferentes niveles visuales.
Son imágenes extremadamente simples que acostumbran ocultar una o más figuras escondidas en el fondo, figuras que siempre ofrecen el contrapunto que consolida el significado final de cada obra. En ocasiones solo un detalle, un trazo o una letra, pero es rara la pieza que no esconde algún secreto.
VICENTE Y ANTONIO LARREA
Los hermanos Vicente y Antonio Larrea Mangiola nacieron en Linderos, localidad rural en la comuna de Buin, cerca de Santiago de Chile. Hijos de un matrimonio de inmigrantes de origen español e italiano que se radica muy luego frente al mar, en San Antonio. En 1961 ingresa a la Escuela de Artes Aplicadas de la Universidad de Chile, para estudiar decoración de interiores y dibujo publicitario. En 1963 inicia su trabajo gráfico en el Departamento de Extensión Cultural de la universidad, donde se dedica a la producción de material informativo para las escuelas de temporada. Tras cuatro años trabajando en dicho departamento, y ante la tal demanda del cartel en esos momentos, Larrea se instala con una pequeña oficina en la calle Huérfanos. Entre sus primeros trabajos reconocidos, sobresale la carátula del primer disco del grupo folcklórico Quilapayún. Posteriormente se incorporó a esta oficina, Antonio Larrea, hermano menor, quien se desempeñaba como fotógrafo y estudiaba en Artes Aplicadas. En su gran mayoría, los encargos realizados por esta oficina, tuvieron por punto de partida el dibujo, por sobre la fotografía, la tipografía o el color; y por el mismo hecho que la visualidad desarrollada por esta oficina fuera “dibujable” o reproducible por el público, causó un gran impacto, exaltando la manualidad, todo ello en el contexto de la valoración del trabajo humano que Prometía el programa de la Unidad Popular. Esta visualidad, aun sin pretenderlo, resultó pertinente para la representación de un proyecto en construcción, de un proceso inconcluso que entonces se percibía como la única realidad posible.
FRANCISCO OTTA Francisco Otta Bergman, pintor, grabador y diseñador. Nació en 1908 en Pilsen, Bohemia, antiguo reino de Europa Central que fue la base de la organización de Checoslovaquia. Se radicó en Chile en 1940, y en 1950 le fue otorgada la ciudadanía chilena. Falleció en Santiago, Chile, el 1º de julio de 1999. Otta fue un hombre multifacético en su vida y también dentro de su trayectoria artística. Fue afichista, diseñador gráfico entre 1936 y 1962. En 1962 se colegió como periodista; entre 1962 y 1982 se desempeñó como Director Cultural del Instituto Chileno-Norteamericano de Cultura. Fue miembro del Círculo de Críticos de Arte de Chile (CCACH) y de la Association Internationale de Critiques d`Art de París, capítulo chileno (AICA), y fue Vicepresidente de la Asociación Chilena de Pintores y Escultores de Chile (APECH) por dos períodos consecutivos comprendidos desde 1961 hasta 1964.
CAMILO MORI “La pintura para el diseño”
La constante evolución de su estilo fue acompañando las variaciones del arte durante el siglo XX. Se inició en el criollismo academicista, y culminó su vida experimentando con carteles en la esfera del arte pop. Pintor chileno. Nació en Valparaíso el 24 de septiembre de 1896 y murió en Santiago el 7 de diciembre de 1973. En 1923 participó en la creación del Grupo Montparnasse junto a Luis Vargas Rosas, José Perotti, Enriqueta Petit y Julio Ortiz de Zárate, quienes renovaron el medio cultural chileno, difundiendo la autonomía de los medios plásticos y una pintura Más vanguardista, cercana a los postimpresionistas y fauvistas. Camilo Mori, en su larga vida artística, evolucionó de la tendencia realista de Fernando Álvarez de Sotomayor a telas no objetivas y al “pop”, que realizó en los años sesenta. Camilo Mori recibió destacados premios durante su vida y ha sido merecedor de varios homenajes después de su muerte.
WALDO GONZÁLEZ Waldo González es una figura crucial en el desarrollo del diseño en Chile, tanto por su trayectoria docente como por su trabajo gráfico. Como diseñador trabajó fundamentalmente en el rescate de las tradiciones locales y la vinculación del cartel con la educación popular. Su etapa más productiva como cartelista transcurrió entre 1971 y 1973, época en la que trabajó junto con el diseñador Mario Quiroz. De ese período destacan los ochenta carteles quincenales que realizó para la Polla Chilena de Beneficencia, de los cuales llegaron a imprimirse 5.000 ejemplares por tiraje. Las campañas de la Polla estaban dirigidas a los sectores pobres de la población, por lo que tuvieron un marcado acento social.
En el aspecto técnico, se caracterizó por un espíritu experimental, que lo llevó a incorporar a su trabajo lo que define como “materiales inusuales”. A nivel tipográfico, realizó fuentes hechas a mano, que imprimieron un cariz gestual a los textos. Si bien las figuras de madres y niños son las más recurrentes en los carteles de 1971, a partir de 1972 se advierte un énfasis en la iconografía del trabajo, con imágenes de obreros, campesinos, mineros y empleados, además de estudiantes y mujeres. González usó el alto contraste para exaltar las figuras, dejando pequeñas zonas de color, casi siempre de gamas cálidas. Otro efecto que empleó frecuentemente fue el punto de vista ascendente, produciendo imágenes con vista en contrapicado. Sus carteles fusionaban lenguajes provenientes de la alfarería precolombina con influencias sicodélicas, del cartel cubano y de la estética del mural político de izquierda. También cabe destacar la influencia que tuvo en su producción la obra del pintor y grabador Pedro Lobos (1919-1968).
ISAÍAS CABEZÓN ACEVEDO
Isaías Cabezón Acevedo, pintor. Nació en 1891 Salamanca, en el Norte Chico de Chile. Falleció en Santiago en el año 1963.
A su regreso a Chile, a mediados de la década del veinte, formó parte y apoyó las ideas del grupo Montparnasse liderado por Camilo Mori. Trabajó como escenógrafo e Artista autodidacta, siendo niño se ilustrador, iniciando el desarrollo hizo popular como dibujante y afi- del cartel artístico en Chile. chista en su pueblo natal. De espíritu inquieto, trabajó como decorador y diseñador de etiquetas en Madrid. En París organizó varias exposiciones de autores latinoamericanos y frecuentó los talleres del Montparnasse. Sus obras fueron elogiadas por los críticos Florent Fels, Charensol y Maurice Raynal. En Berlín trabajó con el pintor Otto Joeckel.