Entrevistas Danza Adrián Rodríguez
Loreto San Juan · En busca de la danza interior
Loreto San Juan es bailarina, coreógrafa, profesora de danza y terapeuta. De origen chileno, ha residido durante casi tres décadas en Barcelona, donde ha colaborado con creadores de otras disciplinas como las artes plásticas, el vídeo o el arte sonoro. Paralelamente, y gracias a sus diez años trabajando para la fundación ONCE, ha desarrollado un método terapéutico que le ha permitido mejorar la autoestima de personas ciegas a través de la danza. ¿En qué consistía tu método para enseñar danza a invidentes? Como, obviamente, ellos no podían observar mis movimientos para después repetirlos, hice que buscaran una fuente de movimiento dentro de sí mismos, en sus emociones, en los recuerdos de cuando veían y en lo que les iba sugiriendo. El resultado era una forma de bailar enormemente genuina. Cuando imitas los gestos de otro, en cierto modo sales de ti mismo para convertirte en ese otro, y te alejas de tu esencia. Pero ellos bailaban su danza interior, que era diferente en cada uno. Ese fue el principio básico del método, al que llamé “danza de la vida”: todo ser humano tiene su propia danza, que es única e irrepetible. ¿Cómo puede uno descubrir su propia danza? Tienes que olvidar por un momento toda la técnica, los códigos estéticos, y crear un clima de silencio donde puedas escuchar el impulso que te dice si estás siendo tú mismo o si en realidad estás imitando lo que ya has visto. En el fondo consiste en dejarte llevar por la intuición.
¿De qué manera motivas esto, cómo lo provocas? Sobretodo a través de la escucha corporal; notar las articulaciones, sentir el cuerpo desde el hueso hasta lo más fino, que es la energía. A nivel pedagógico estimulo esto con imágenes metafóricas, conceptos a menudo conectados con la naturaleza, y cada uno se mueve en función de lo que les sugieran estas ideas. Entonces, ¿los cánones son innecesarios? Más bien diría que no son imprescindibles para crear algo bello. La técnica es una buena herramienta, pero si no se acompaña de una emoción sincera que transmitir se convierte en puro narcisismo, lo cual no me interesa demasiado. Mis alumnos no eran en absoluto virtuosos, pero había en sus gestos una inocencia y una sinceridad fascinantes. Nunca he visto belleza más grande que aquella sobre un escenario. ¿Eso les ayudaba a ellos emocionalmente? Mucho. Al empezar comprobé que la mayoría de ellos arrastraban el trauma de haber perdido la visión, y eso les había provocado una gran rigidez corporal. No levantaban la cabeza ni hacían ademanes al hablar, y sus posturas eran muy cerradas. Además, sus desplazamientos se limitaban a recorridos fijos que memorizaban a base de repetirlos, como el trayecto desde el metro a casa, y no salían de ese circuito. Pero a partir de nuestro trabajo fueron desprendiéndose de esa coraza. Empezaron a ser mucho más expresivos gestualmente, a salir de casa, a hacer excursiones en grupo. Los que vivían solos volvieron a ilusionarse por encontrar pareja. Todo aquello mejoró mucho sus relaciones sociales y su propia autoestima. ¿Probaste el método con personas que podían ver? Sí. Después de mi experiencia en la ONCE empecé a impartir talleres adaptando mis técnicas para toda clase de gente, en función de lo que necesitara cada persona. Hoy sigo haciéndolo, lo cual me satisface mucho. Con los años he comprobado que la terapia que propongo es
válida para cualquiera, porque al fin y al cabo consiste en recobrar el contacto con uno mismo. ¿Crees que la danza, por ser una forma de expresión que usa el propio cuerpo, es especialmente propicia para este reencuentro? Claro, porque en nuestro cuerpo esta toda la verdad de lo que somos, es como tu gran libro de información de ti mismo. Todo lo que modifiques en tu cuerpo incidirá en el plano emocional, mental y espiritual. Lo bueno es que trabajas a partir de algo concreto y cuantificable; son músculos, articulaciones, no es nada esotérico. ¿Está infravalorada la espiritualidad? No se aprovecha lo suficiente. La espiritualidad es una necesidad básica del ser humano; lo que ocurre es que en mucha gente está adormecida. Nuestra atención se centra en el consumo material, en el placer efímero, y eso nos aleja de lo espiritual, es decir, de nuestra capacidad para contactar de forma sensible con la naturaleza. De ahí parte tu trabajo… Sí; de hecho, en toda la historia del arte la naturaleza ha sido una fuente de inspiración fundamental. Pero para mí no se trata simplemente de utilizar elementos naturales para crear; intento establecer una comunicación con el medio natural, un intercambio. Creo que deberíamos acercarnos a nuestro entorno con humildad y respeto, escucharlo en lugar de invadirlo. ¿El arte es exploración? Siempre. Personalmente me gusta considerarme una exploradora de la danza, más que bailarina. Es por eso que procuro combinar el movimiento con otras formas de expresión, cruzar fronteras. En este sentido, creo que la danza debería abrirse mucho más a las otras artes, y viceversa. Porque aunque te expreses con pintura, o con danza, o con música, en el fondo estás utilizando un mismo lenguaje.
Cesc Casadesús · Director del Mercat de les Flors
Què guanya el Mercat de les Flors respecte de la temporada anterior? En aquesta temporada fem explícit ja el projecte de Centre d‟Arts de Moviment. Tota la programació s‟orienta en aquesta línia i comencem a proposar activitats paral•leles als espectacles en quatre direccions: suport a la creació, amplitud d‟estils, facilitar l‟accés a públics diversos i treball en xarxa amb el nostre entorn. Quins nous reptes aspira aconseguir? Dos reptes importants per nosaltres són la visibilitat i la presència constant de la dansa en les programacions de la ciutat de Barcelona. Això vol dir que la gent pugui veure dansa i aprendre a estimar-la. El Mercat ocupa ara una bona part de la programació de dansa a la ciutat. Quins són els avantatges i els perills d’aquesta “centralització”? Nosaltres com a espai públic ens adaptarem al que puguem intuir que és necessari en cada moment. Donarem suport a qualsevol altre espai que s‟animi a programar més dansa i, si deixéssim de ser necessaris per programar, buscaríem una altra funció. Sempre parleu de “públics”, en plural. Quins “públics” busca el
Mercat de les Flors? Busqueu també captar el públic que vagi a veure dansa per primer cop? Hem definit un esquema de treball que comprèn tant els professionals com el públic que s‟enfronta a la dansa per primer cop. Intentem en la nostra comunicació deixar clar a qui va destinada cada una de les propostes per no generar frustracions innecessàries. El que sí pensem és que ens adrecem a públics intel•ligents i que saben valorar la qualitat i el context en el que es presenten. Per què creus que hi ha tanta gent a Catalunya i Espanya que encara no sap el que és la dansa moderna o contemporània, o que ni tan sols en té referents visuals? Hi ha un dèficit històric en la presència de la dansa a les programacions i sobretot en els mitjans de comunicació. Fins ara tampoc s‟han ofert eines ben treballades als professors perquè introduïssin la dansa a l‟escola. Els ballarins s’haurien d’esforçar més per fer que el seu art fos més accessible al gran públic? En la dicotomia artista-públic hi ha posicions diferents. En el nostre cas pensem que una programació ha d‟oferir ponts de diàleg i d‟encontre entre uns i altres: oferir-li al públic mecanismes de comprendre el treball i a l‟artista les millors condicions per a l‟encontre amb el públic. A pesar de tot, consideres que comença a aparèixer, per fi, un interès més o menys destacat per la dansa a Barcelona? En el meu primer any al Mercat hem notat un fort interès i una gran acceptació de les nostres propostes, algunes d‟elles prou complexes. Crec que sí, però encara falta molt per a la normalització. Com valoraries l’estat actual de la dansa a Barcelona a nivell de creativitat i sensibilitat estètica per part de ballarins i coreògrafs? Depèn de amb qui ho contrastem. La creativitat demana treball, temps i recursos. Hem perdut l‟atenció que durant un temps va tenir la dansa que
es feia a Barcelona però crec que la podem recuperar o almenys seguir en sintonia amb la dansa que es fa en altres indrets. A l’hora de presentar la vostra programació, plantegeu la pregunta: “quins són els límits de la dansa?” i al mateix temps us definiu com a “centre de les arts del moviment”. Realment té sentit continuar parlant de “dansa”? En aquest moment s‟està jugant amb els dos conceptes. Per als professionals cada vegada té menys sentit parlar de „dansa‟ en el sentit tradicional. Per al públic general entenc que la noció de moviment els sembla estranya, però també és veritat que si anuncies „dansa‟, llavors, davant d‟algunes propostes artístiques, hi ha qui es fa la pregunta: això és dansa? El ballet clàssic queda descartat de la programació del Mercat? No, en absolut, però no tenim les condicions d‟escenari per a fer un ballet clàssic dels del segle XIX. El que sí que fem és espectacles que utilitzen la tècnica clàssica com a codi bàsic de treball de coreògrafs actuals. Quin nou rumb seguirà el Mercat en un futur proper? Acabarà desapareixent la programació de música i festivals d’audiovisuals per esdevenir un centre dedicat en exclusiva a la dansa? Amb tots els festivals ja hem traçat camins d‟aproximació en la programació d‟enguany. Per nosaltres els festivals són una manera de fer una mirada més profunda cap a temes potser tangencials però que ens interessen, i establir relacions amb altres disciplines que els artistes fan de manera natural quan estant creant. S‟estan ordenant, però no crec que hagin de desaparèixer de la programació.
Juan Eduardo López · Director de Dies de Dansa
La Marató de l‟Espectacle es una asociación no lucrativa que lleva más de dos décadas organizando eventos culturales con el objetivo de acercar las artes contemporáneas al público general. Entre sus proyectos, gratuitos y situados en espacios públicos, está Dies de Dansa - Festival Internacional de Danza en Paisajes Urbanos, que este año celebra su decimoquinta edición tras el éxito de público de las anteriores. Juan Eduardo López, su director y miembro fundador de la asociación, nos habla acerca del festival. ¿Bajo qué criterio se escogen las compañías participantes en Dies de Dansa? La diversidad de las propuestas es la base del festival. Intentamos mostrar las diferentes tendencias y lenguajes de la danza contemporánea. Hay mucho de intuición y de olfato, después de ver muchísimos trabajos a lo largo del año. ¿Cómo suelen reaccionar los bailarines ante la propuesta? ¿Ellos deciden donde bailarán? Al principio algunos eran algo reticentes, pero con el tiempo han sido cada vez más receptivos, sobretodo las nuevas generaciones de creadores. Ellos pactan con la organización los lugares donde bailarán según las posibilidades reales que tengamos. Hay una gran cantidad de museos en la propuesta, gracias a ellos y a sus aportaciones también es posible el evento. Además son lugares muy atractivos arquitectónicamente,
protegidos del ruido y de la contaminación visual, y eso motiva a los bailarines. ¿Las piezas se crean especialmente para esos espacios? Algunas sí, sobretodo las que resultan de los talleres, pero en general son obras preexistentes; una producción específica requeriría trabajar mucho tiempo in situ y eso escaparía a nuestro presupuesto. Cuando surgen complicaciones a la hora de adaptar obras que habían sido pensadas para el teatro, prefiero que haya una improvisación con el espacio, una acción coreográfica o una propuesta de juego. ¿Crees que el espacio urbano de Barcelona está muy deshumanizado? No, pero corre el peligro. Barcelona es una ciudad mediterránea y latina, por lo que la vida en el espacio público es vital. Lamentablemente, tantas restricciones para su uso están poniendo barreras a las manifestaciones naturales de la gente, muchas de las cuales son maravillosamente creativas y lúdicas. Nuestra intención es trabajar sobre el espacio público en su conjunto, no sólo con los elementos físicos que lo componen sino también con las manifestaciones sociales que allí se manifiestan. No queremos utilizar el espacio sino integrarlo. Este año el festival estará también en Sitges y en Mataró. ¿Tenéis pensado ampliarlo a otras localidades? Nos seduce muchísimo la idea. Queremos potenciar el desarrollo de la danza en otras ciudades catalanas, impulsando sus compañías locales y propiciando que actúen allí compañías internacionales. Ya tenéis la experiencia del proyecto Ciudades que Danzan… Sí. Hemos impulsado esta red desde Barcelona con mucho esfuerzo y aunque hemos contado con muy pocos apoyos al final hemos logrado que 25 ciudades del mundo participen, cada una con su propio festival. Intercambiamos información con las otras ciudades y establecemos bases para apoyarnos y desarrollarnos: un congreso anual, proyecciones de
vídeos de otros festivales, coproducciones… Cada festival tiene su independencia dentro del objetivo común de acercar el arte a la comunidad. ¿Qué dirías a los que piensan que la danza es para las élites? No me preocupa. Considero la danza como una expresión básica de la riqueza que lleva el ser humano en su interior y por ello creo que tanto la danza como cualquier arte contemporáneo son sumamente comprensibles por la comunidad. Lo importante está en saber comunicar. Son muchos los que no saben hacerlo y se protegen diciendo que la danza es para una élite.