Biennal de Mislata Miquel Navarro. Compromís social en les arts visuals 2017

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PREMIS D’ADQUISICIÓ MISLATA 2017 COMPROMÍS SOCIAL EN LES ARTS VISUALS Biennal de Mislata Miquel Navarro 1 desembre - 31 gener 2018

Organització i producció Ajuntament de Mislata Regidoria de Cultura

Edita Ajuntament de Mislata Regidoria de Cultura

Comissariat Alba Braza Boïls

Traducció AVIVA Mislata (Agència de Promoció del Valencià de l’Ajuntament de Mislata)

Artistes Rosalía Banet, Gabriela Bettini, María Carbonell, Diego Diez, Manuel Antonio Domínguez Gómez, Sandra Paula Fernández, María Gimeno, Andrea Hauer, Sonia Navarro, Gema Rupérez Components del jurat Lorena Martínez de Corral, Alba Braza, Semíramis González, Ángela Montesinos, Alicia Ventura Gestió Departament Municipal de Cultura Ajuntament de Mislata Comunicació Fernando Morales Checa

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Fotografies Kike Sempere Disseny gràfic i maquetació Hérétique.it Impressió La Imprenta Comunicació Gràfica SL Dipòsit legal V-2894-2018

ÍNDEX

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Carlos Fernández Bielsa, Alcalde de Mislata No pegar puntada sense fil, Alba Braza Boïls

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1r Premi: Rosalia Banet 2n Premi: Sandra Paula Fernández Gabriela Bettini María Carbonell Diego Díez Manuel Antonio Domínguez María Gimeno Andrea Hauer Sonia Navarro Gema Rupérez

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Traduccions

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CARLOS FERNÁNDEZ BIELSA ALCALDE DE MISLATA Mislata és una ciutat que aposta clarament per la cultura. Amb ímpetu, valentia i convicció, apostem per una cultura que arriba a totes les edats, que s’obri als carrers, a la participació, i que és accessible des dels nostres espais públics municipals. Entenem la difusió i la promoció cultural com una nova atmosfera ciutadana, com un eix vertebrador del nostre model educatiu, participatiu i social que ens ajuda a progressar com a ciutat.

La nostra Biennal de Mislata Miquel Navarro, tutelada pel nostre artista més internacional, ha tornat amb importants novetats en les seues bases, aportant-hi modernitat i noves intencions. Així, en anys imparells convocarem premis d’adquisició amb compromís social.

Obres de sala, realitzades amb diferents tècniques, que un jurat de prestigi valorarà i distingirà amb guardons. Un procediment que premia la iniciativa artística, la creativitat lliure i ajuda a ampliar la nostra potent col·lecció municipal; sumarem obres d’enorme valor signades per artistes de gran prestigi nacional per a custodiar-les a la nostra ciutat.

Sota aquesta premissa, Mislata torna a ser referent, conjuminant art contemporani i compromís social mitjançant temes tan sensibles i vigents com la necessitat de lluitar per la igualtat de gènere.

La llibertat entre homes i dones, entre identitats i conductes, la ruptura d’antics clixés i l’obertura de mires hui apareixen plasmats en la selecció d’obres que es van exposar al nostre Centre Cultural la passada tardor.

Aquest catàleg condensa, per tant, la lluita contra les desigualtats, la lluita contra la soledat, contra la incomprensió, contra la violència i la discriminació que ha patit històricament la dona. Una situació davant la qual aquest Ajuntament ha posat fre amb polítiques que s’han materialitzat en projectes tan importants com el nostre I Pla d’Igualtat de Mislata, que continuarem alimentant amb convocatòries que hi aporten noves idees i iniciatives. Enhorabona a les artistes premiades, i un agraïment a totes les persones que van participar en aquests premis d’adquisició, que tindran continuïtat des de nous àmbits on siga necessari el compromís social i la conscienciació ciutadana.

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NO PEGAR PUNTADA SENSE FIL Alba Braza Boïls «Els llibres i les putes poden portar-se al llit».

Walter Benjamin Dedicava Walter Benjamin una de les seues publicacions a Asja Lacis1, dona a qui descriu com enginyera d’un carrer, d’adreça única, que dona alhora títol a l’obra en qüestió. Lacis (Letònia, 1981-Riga 1979) va ser una reconeguda directora de teatre i militant soviètica, un dels seus tres grans amors2, junts van redactar l’article “Nàpols”, publicat en el periòdic Frankfurter Zeitung. Però, què sabem d’Asja Lacis? Com de moltes altres dones de la història, ben poc.

En l’actualitat, bé sabem que les referències històriques apreses les han escrites homes blancs, els relats dels quals s’han convertit en hegemònics. Així, no sorprén trobar referències transmeses d’autor en autor sobre dones artistes com la que trobem de Gershom Scholem, editor de Benjamin, el qual “tenia poc de respecte per Asja. La considerava intel·lectualment feble i no compartia el seu entusiasme per la revolució russa”. Per a ell “no era fàcil veure què és el que atreia Benjamin d’Asja, perquè la descriu amb l’actitud d’un observador desinteressat.” De la mateixa manera, tampoc no ens sorprén que al cinema es mostren escenes d’artistes que abusen i maltracten dones, com la pel·lícula recent sobre Turner3, que il·lustra sense pudor com l’artista palpa sense permís la seua serventa o menysprea la seua exdona sense passar-li la pensió que correspon a les seues filles.

La història està plena d’aquests fets, de qualificatius i d’absències que conformen una realitat en la qual passa desapercebut el fet que en un dels manuals més reproduïts i consultats de la Història de l’Art, el d’Ernst Gombrich4, no trobem cap referència a una dona artista. És ara l’edició Queridas viejas, editando a Gombrich, de l’artista María Gimeno, la que trau de l’oblit les dones i les inclou en el llom de l’edició a colp de ganivet. Tota una acció que es recull amb l’exposició del llibre intervingut i un vídeo, l’edició del qual té una clara intenció didàctica i divulgativa. L’obra, concebuda com un acte performatiu, es repetirà tantes vegades com caldrà 1 Walter Benjamin inicia la seua obra Carrer de direcció única amb la dedicatòria: “Aquest és el carrer d’Asja Lacis, l’enginyera que l’ha obert en l’autor.”

2 Segons l’article publicat per Sonia Borinski en La Nación, els seus tres amors van ser Dora Kellner, Jula Cohn i Asja Lacis, entre d’altres històries d’amor.

3 Mr Turner. Escrita i dirigida per Mike Leigh i protagonitzada per Timothy Spall, Dorothy Atkinson, Marion Bailey i Paul Jesson, 2014.

4 Gombrich, E.H. (2008). La Historia del Arte. Phaidon Press Limited. 15a edició.

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mentre continue sent un repte per a la societat aconseguir citar referents femenins de la Història de l’Art, més enllà de Frida Kalho; sempre que ens continuem preguntant “per què no hi ha hagut grans dones artistes5?” i fins que la majoria de dones que veiem als museus no siguen meres representacions, moltes de les vegades, nues.

Amb la concepció dels rols i dels estereotips de gènere com a conceptes universals6, s’ha assumit la cosificació de la dona al llarg de la història. Fins i tot el mateix Benjamin va dedicar tot un capítol a fer una comparativa irònica sobre les putes i els llibres, dos objectes que segons ell “han sentit un amor mutu, però no s’han correspost” i que “calculen el temps mentre els hi penetrem”7. La metàfora no només situa tots dos en qualitat de ser manejats a la mercè de l’home, sinó que la mateixa ironia serveix per a qüestionar l’interés que puga tindre una dona, que exercisca la prostitució, per la lectura.

No obstant això, la lectura i la creació literària poden adquirir moltes formes i funcions, “sé cridar fins a l’alba” és un dels versos d’Alejandra Pizarnik8, publicats en El Heraldo de Aragón, que conforma Missed call, de Gema Rupérez. L’artista descontextualitza una selecció de versos i els publica acompanyats d’un número de telèfon en la secció de contactes. Mitjançant una càmera oculta enregistra la conversa que dona lloc a la compra de l’anunci que respon a les lògiques dels prejudicis, una jove prostituta que paga per fer-s’hi publicitat. Amb la contraposició entre poesia i prostitució, Rupérez mostra poetesses de referència alhora que visibilitza una sèrie de relacions i codis propis entre client i professional del sexe. Els fulls del periòdic amb les publicacions són intervinguts com si d’una pintura suprematista es tractara i s’exposen al costat del dispositiu telefònic que correspon al número de l’anunci. Cada vegada que aquest sone a la sala d’exposicions, alguna persona estarà buscant apagar “la sensació de brases al cos”9 i inquietant l’espectador o espectadora de l’obra. Els missatges queden enregistrats en l’aparell telefònic mentre el públic pot accedir a altres rebuts anteriorment a través del segon vídeo de la instal·lació. Ells, els 5 “Why Have There Been No Great Women Artists?” és el títol d’un dels textos per Linda Nochlin, una referència fonamental quant a l’Art i Feminisme.

6 Se cita la idea d’universal tal com François Jullien la tracta en la seua publicació “La identitat cultural no existeix”. L’autor fa referència a la idea d’allò “universal” al costat dels termes “uniforme” i “comú”. Per a Jullien, allò “universal” és allò que adquireix un sentit de generalitat.

Es tracta d’una idea que no només ha sigut sempre de la mateixa manera, sinó que a més no es pot arribar a concebre de cap altra manera.

7 Benjamin, W. (2011). Calle de dirección única, Abada editores. p.39.

8 Alejandra Pizarnik (Avellaneda 1936- Buenos Aires 1972), poeta i traductora.

9 Vers de Marita Troiano (Perú, 1953), escriptora.

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qui telefonen, mai no trobaran Alejandra10, i probablement mai no llegiran altres versos seus.

Una altra de les formes retòriques que Benjamin no contempla apareix hui sovint en diferents mitjans de comunicació. “Infermera farta de les retallades, la xuple sense goma fins al final 24h”, és l’inici del text que una professional de sanitat publicava el 2015 en la secció de contactes d’un periòdic madrileny. Sandra Paula Fernández el transforma en l’obra Enfermera, de la sèrie Arte Público: la vida no coser y cantar, on broda delicadament cada paraula a punt de creu sobre panamà. Fidel al text original, augmenta les seues dimensions fins a convertir-lo en un tapís que reflecteix la impotència de no veure’s justament remunerada pel seu treball i preferir, fruit de la desesperació, dedicar-se a la prostitució com a gest que posa de manifest el desig de control social del seu propi cos.

Ambdues obres serveixen com a paradigma de la complexa i inexacta realitat que proporcionen els estereotips que, abastant diferents capes de contingut, aconsegueixen quasi tots els àmbits més enllà de la prostitució. Prendre consciència del propi cos difumina els límits que els estereotips determinaven amb claredat.

Potser podem intuir dades vertaderes sobre una persona a través de la seua gestualitat i forma de vestir? Diego Díez en Prendas del poder I fa un intent per classificar quines peces de roba usa la dona per a transmetre poder en un món construït per homes.

Mitjançant cinquanta fotografies de menut format aconsegueix una composició cromàtica i de gestos a partir d’imatges de les dones més poderoses del món, segons la revista Forbes. Cames encreuades i faldes de tub són les protagonistes de la construcció social del gènere pel que fa a les dones en contextos de poder.

Qüestions semblants, abordades des del punt de vista de la masculinitat, es visibilitzen en Más adelante, de Manuel Antonio Domínguez Gómez. Mitjançant la tècnica de l’aquarel·la i amb la creació d’una iconografia pròpia, es mostra que la sexualitat dominant no és únicament masculina, sinó que també és heterosexual. Una realitat que comporta la necessitat social de revisar i actualitzar què és allò masculí i quins valors se li assignen i se li associen d’arrel. Les qüestions es concatenen i allò hegemònic s’esvaeix per la seua mateixa atemporalitat i inadequació. Controvertir el binarisme sexual dona lloc a concebre altres sexualitats i altres gèneres que podran fluctuar d’un costat a l’altre, sense la necessitat de definir-se en moltes ocasions. El 10 Alejandra (Pizarnik), Gioconda (Belli), Dina (Posada), (Santa) Teresa (de Jesús), Gisela (Galimi), Dulce María (Loynaz), Sylvia (Plath), Marita (Troiano) ofereixen els seus versos en “Missed Call”.

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cos continua sent el centre del tot, amb totes les qüestions que comporta vincular allò social a la naturalesa mateixa.

El banquete hambriento 3, de Rosalía Banet, tracta a través de la pintura aquests condicionaments socials vinculats als rituals relacionats amb el menjar. L’obra, que pertany a un projecte més ampli en el qual es narra la vida de dues germanes siameses, és una metàfora d’allò que se’ns imposa socialment sobre el que hem de ser i el que en realitat som i volem ser. Sota l’aparença apetitosa del banquet, els elements a degustar són cap, cor i ossos que simbolitzen la fractura, el conflicte que aquesta diferència genera.

La reflexió s’estén més enllà del cos abastant l’híperconsum, l’excés i les desigualtats socials que aquests comporten. No obstant això, si les normes socials són complexes, també ho són les referides a la llar. Living, de la sèrie Hogar, dulce hogar d’Andrea Hauer, fa present aquelles qüestions afegides que assumeix la dona amb la maternitat. Mitjançant la tècnica del brodat, l’artista crea una escena domèstica en la qual es combinen les tasques associades a una llar d’una família amb fills, amb una escena que forma part del nostre imaginari: un home tombat al sofà en situació de repòs en un context de desordre i caos donat per les tasques inacabades i indicades pels fils solts del brodat. D’acord amb Hauer, la idea de maternitat porta implícita l’assumpció de treballs, no remunerats ni reconeguts socialment i tradicionalment, associats a “allò femení”.

Tindre cura dels fills o filles, com tindre cura dels majors, i deixar en un segon pla la pròpia carrera professional durant el període de criança, semblen tan inqüestionables com el fet que l’assumpció del rol de mare la situa en un segon pla al respecte del del pare.

El format de Living és pura conciliació laboral. Hauer adapta els materials, tècniques i format al seu nou lloc de treball, el parc i els xicotets espais de la casa.

Clarament, llegir Walter Benjamin des d’una perspectiva de gènere no comporta únicament visibilitzar la figura d’Asja, com en aquest cas, sinó assumir l’anàlisi i la deconstrucció del patriarcat amb una metodologia de treball pròpia. En el cas de la pràctica artística de la mà de dones, l’ús de les labors ha suposat una eina de denúncia i reivindicació. Elles no peguen puntada sense fil, l’agulla es converteix en un arma amb la qual teixir altres relats i en un llenguatge que, tal com la cultura ha afavorit, pertany majoritàriament a elles. Enfermera, Living i ara, Luci in the Escai 1, de Sonia Navarro, en són una bona prova. Realitzada amb PVC cosit a manera de collage, l’artista dissenya recorreguts de la ciutat on transita, plasmats en forma de patrons de costura, els quals porten implícit el cos, novament. Sota l’aparença d’un 11

discurs formal, Navarro assumeix la costura com a llenguatge propi, heretat de sa mare i de les seues iaies. La forma de treballar que té, posa en valor tota una construcció social que, molt sovint, sol portar implícit quedar-se al marge de valors econòmics i fins i tot simbòlics. Com en les obres esmentades anteriorment, la distinció és també compromís social, un model de lluita des de les arts visuals com ho és escriure i publicar sobre això. Paisajes de excepción, de Gabriela Bettini, situa el públic en l’estudi de l’artista, la pintura a l’oli representa una paret amb imatges de paisatges pegades que semblen ser objecte d’estudi per a alguna futura creació. Les fotografies, tretes totes elles d’Internet, són una combinació de llocs situats a Amèrica Llatina. Part d’elles es troben en el web d’empreses transnacionals i una altra part són els llocs on activistes ambientals han sigut assetjades o assassinades. Cada vegada més, la lluita des dels feminismes i l’ecologia es vinculen més estretament. L’ecofeminisme n’és mostra i resultat, la qual cosa augmenta la vulnerabilitat i els perills que de vegades comporta el seu activisme. Our Body, our Fight de María Carbonell, n’és un altre exemple. La pintura al llenç mostra tres activistes del grup Femen, un grup que es caracteritza per usar el seu cos com a espai per a la denúncia. L’artista ens mostra tres dones a meitat d’una carrera de fons que, si bé fa intuir el llarg camí recorregut i les victòries adquirides, deixa entreveure el trajecte que resta per conquerir.

Si bé els camins que falten per recórrer s’intueixen llargs i ardus, replets de clots i foradades, es desitgen aquells que, a diferència de la dedicatòria de Benjamin per a Asja Lacis, sí que en tinguen una eixida. La construcció gradual de nous referents amb noves històries ajuden a teixir la història mitjançant puntades menudes.

Les absències es completen a poc a poc siga, des dels grans museus, siga des dels xicotets centres culturals. I en aquest context és on la Biennal de Mislata Miquel Navarro es proposa com un exemple més. Mitjançant l’edició dels Premis d’Adquisició Mislata 2017 teixim noves realitats en les quals tenen lloc noves protagonistes com són Asja, Alejandra, Griselda, María, Gema, Sandra Paula, Diego, Manuel Antonio, Andrea, Sonia, Gabriela, Oxana i moltes més...

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Bibliografia Benjamin, W. (1989). Calle de dirección única. Abada editores. Madrid.

Jullien, F. (2016). La identidad cultural no existe. Taurus. Barcelona.

Webgrafia Borinski, A. “Un raro amor de Walter Benjamin”, La Nación. Buenos Aires. 25 de septiembre 2010.

Manrique, D. “Le llamaban El Miserable. Walter Benjamin cayó bajo el Efecto Ibiza durante sus visitas a la isla”, El País. 28 de maig de 2018.

Morales, P. “Tres mujeres para Walter Benjamin”, Nexos. 1 de setembre de 1992.

Nochlin, L. “Why Have There Been No Great Women Artists?”, en Women, Art and Power and Other Essays, Nueva York: Harper & Row Publishers, 1988, pp. 145-178. (Publicat originalment en Art News, vol. 69, núm. 9, gener de 1971).

Tudelilla, C. (2014). “Encuentro en Capri y cita en Moscú. Asja Lacis y Walter Benjamin” en m-arte y cultura visual, MAV Mujeres en las Artes Visuales.

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1r PREMI D'ADQUISICIÓ MISLATA 2017 Compromís social en les arts visuals

ROSALร A BANET El banquete hambriento 3, 2010 oli sobre llenรง 180 x 130 cm

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El banquete hambriento (El banquet famolenc) pertany a un projecte que, a través de diferents rituals socials relacionats amb el menjar (aniversari, Nadal, berenars i sopars amb amics i/o amigues, etc.), narra la vida de dues germanes siameses. Aquest personatge duplicat representa una identitat doble, significa la diferència entre el que la societat ens diu que hem de ser i el que en realitat som i volem ser. Damunt la taula d’aquest banquet no trobem fruita ni verdura, sinó fragments humans. Cap, cor i ossos que simbolitzen la fractura, el conflicte que aquesta diferència genera; el dolor i la por que hi produeix; però també funcionen com a porga, traient a l’exterior l’interior, les vísceres s’exposen davant de nosaltres com a forma de mostrar la ferida, de curar-la. Malgrat la cruesa del seu contingut, l’obra té una estètica dolça i alegre, reflecteix la societat de consum com un sistema caníbal que, davall l’aparença de felicitat i hiperabundància, genera i amaga desigualtats, prejuís i altres horrors. Més enllà d’allò purament nutricional, els aliments que ara ens emportem a la boca estan carregats d’ideologies, identitats, creences, que manipulen els nostres desitjos i les nostres pors, i condicionen i confonen el nostre pensament. D’aquesta manera, quan mengem un producte també ingerim una forma de pensar.

La peça s’ha desenrotllat a partir d’una xicoteta maqueta amb personatges i menjar de plastilina, fotografiada i posteriorment ampliada sobre la tela.

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Rosalía Banet (Madrid, 1972) és llicenciada en la Facultat de Belles Arts de Pontevedra i doctora en Belles Arts per la Universitat de Vigo.

Des del seu treball analitza, reflexiona i critica la societat actual.

Tracta de mostrar els seus excessos i desigualtats. Utilitza el cos humà i les seues malalties com a metàfores per a representar un sistema que considera caòtic, alienador i deshumanitzat.

El menjar és una altra de les constants en els seus projectes. A través del sistema alimentari comprén temes que van des del nutricional a qüestions socials, polítiques, econòmiques i ambientals.

Ha exposat en centres com: Espacio Mínimo (Madrid), Marta Cervera (Madrid), Catherine Clark Gallery (San Francisco), Twin Gallery (Madrid), La Conservera (Múrcia), MAS Museo de Arte Moderno y Contemporáneo de Santander y Cantabria i el Centro de Arte de Alcobendas (Madrid).

La seua obra forma part de la col·lecció Fundación Coca-Cola Espanya, IVAM Museu d’Art Contemporani de València, Museo de Bellas Artes de Santander, Comunidad de Madrid, Diputación de Pontevedra, Unicaja (Màlaga), INJUVE (Madrid), Museo de Arte Contemporáneo de Santander, Fundación Benetton, Fundació Lluís Coromina i Fundación Aragonesa Pilar Citoler.

Recentment, ha rebut la beca de la Real Academia de España a Roma, on ha residit en el període 2016/17.

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2n PREMI D'ADQUISICIÓ MISLATA 2017 Compromís social en les arts visuals

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SANDRA PAULA FERNÁNDEZ Enfermera, 2015-2016 panamà brodat amb punt de creu amb fils de colors 170 x 160 cm

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Enfermera (Infermera) forma part del projecte “Arte Público: la vida no sólo es coser y cantar” (Art Públic: la vida és més fàcil que beure’s un ou) en què estic treballant des de fa diversos anys. Vaig triar aquest títol ja que antigament una “dona pública” era un eufemisme amb què es designava les prostitutes.

Aquesta línia d’investigació s’emmarca dins de labors tradicionals com ara cosir, teixir, brodar, etc. que sempre han estat associades a allò femení i lligades als àmbits privat i domèstic.

Vaig començar a brodar aquests textos perquè crec que donen pistes importants sobre la nostra societat actual i la doble moral que s’exhibeix entorn d’aquests temes. No sols he brodat anuncis de periòdics, sinó també textos extrets de pàgines web de contactes en què s’aprecia tota la cruesa d’aquest tipus d’anuncis.

Per ser reals, m’ha paregut interessant respectar l’ortografia i el format. Molts d’aquests anuncis encara romanen pujats a la xarxa.

Aquests textos que passen generalment desapercebuts entre les pàgines dels periòdics, posen en relleu tota la seua duresa quan es mostren a grans mides en una sala d’exposició.

Enfermera es caracteritza per la seua ironia i el seu humor negre.

Té, a més, la càrrega afegida de ser molt crític amb el moment de crisi recent que s’ha viscut a Espanya i del qual encara estem eixint.

La tècnica emprada, el punt de creu, ocasiona a més una càrrega sexista associada a quelcom apocat i bonic propi de mestresses desocupades.

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Sandra Paula Fernández (Oviedo, 1972) és llicenciada en Belles Arts per la Universitat de Salamanca en l’especialitat de pintura, i graduada en el Màster en Edició de Vídeo + Motion Graphics. En l’actualitat, resideix i desenrotlla el seu treball a Madrid.

El seu procés creatiu comprén diverses línies d’investigació que van des de l’aplicació de noves tecnologies, i l’ús que pot derivar-ne, fins a treballs on prima allò manual i allò artesà. Moltes de les seues obres ofereixen una visió caòtica i apocalíptica carregada d’humor i ironia sobre els tòpics d’una societat de consum amb una càrrega híper de sexe, cada vegada més endormiscada i addicta al menjar ràpid.

Ha realitzat nombroses exposicions i ha participat en diverses fires nacionals i internacionals com ara: Estampa, JustMad, Context Art Miami o CIRCA Puerto Rico Internacional Art Fair. Ha rebut premis i beques entre les quals sobreïxen la Beca Generación AlNorte 2016 i la Muestra de Artes Plásticas del Principado de Asturias, on va ser finalista en la 1a Convocatòria d’Art Electrònic d’Outsiders Arts Foundation.

La seua obra es localitza en destacades col·leccions com la Col·lección Liberbank, la Fundación Canaria para el Desarrollo de la Pintura i la Nueva Colección Pilar Citoler.

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ARTISTES FINALISTES Gabriela Bettini María Carbonell Diego Diez Manuel Antonio Domínguez Gómez María Gimeno Andrea Hauer Sonia Navarro Gema Rupérez

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GABRIELA BETTINI 28

Paisajes de excepciรณn, 2016. Oli sobre lli. 200 x 300 cm 29

Paisajes de excepción (Paisatges d’excepció) és la primera peça d’un projecte que parteix de la investigació de les desaparicions i assassinats de dones defensores de la naturalesa i dels recursos de la terra, fonamentalment a Hispanoamèrica.

La degradació de la naturalesa i les dones com a categoria de “recursos permanents”, pròpies del procés de colonització, es vincula amb un model extractiu actual altament depredador i insostenible a Hispanoamèrica i altres regions del planeta.

La peça consisteix en una pintura que representa una cantonada del meu estudi en la qual hi ha disposats diferents paisatges, pintats a partir d’imatges oposades en internet.

Diversos d’ells mostren els llocs on han matat dones defensores de la terra, d’acord amb l’argumentació que els casos creixents de fustigació i assassinat a activistes ambientals en moltes ocasions assumeixen una forma específica de gènere.

Uns altres són els paisatges que apareixen en les portades dels llocs web de les empreses transnacionals extractivistes, que exploten els recursos naturals en aquells llocs i que serveixen per a publicitar una actitud de respecte a la naturalesa i de col·laboració amb les comunitats.

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Gabriela Bettini (Madrid, 1977) és llicenciada en Belles Arts per la Universidad Complutense de Madrid. Obté una Beca de la Fundació “la Caixa” i el British Council per a estudis de postgrau al Regne Unit amb què realitza el Master in Fine Art, University of East London.

Ha guanyat el Premio Internacional de Artes Plásticas Obra Abierta 2017, Fundación Bancaria Caja de Extremadura. Ha obtingut la Beca de Pintura MAEC-AECID en la Real Academia de España en Roma; Beca del CCEBA - Residencia URRA (Buenos Aires); Premio de Creación Artística de la Comunidad de Madrid i Muestra de Arte INJUVE. Les seues últimes exposicions individuals han sigut, Galería Silvestre (Tarragona), Galería Silvestre (Madrid), Galería Silvestre (Tarragona), La Fresh Gallery (Madrid) i Galería Mundo Nuevo (Buenos Aires), Museo Evita (Buenos Aires), Centro Cultural Borges (Buenos Aires), Galería Asm28 (Madrid) i Casa de América Latina (Lisboa).

Ha participat en exposicions col·lectives com “Habitar la frontera”, “Bienal Internacional de Arquitectura de San Sebastián”, Centro Cultural de la Memoria Haroldo Conti (Buenos Aires), Real Academia de Bellas Artes de San Fernando (Madrid), Centro Cultural Tlatelolco (Ciutat de Mèxic), Real Academia de España en Roma (Roma), Sa Quartera, Centre d’Art (Inca), Premio Internacional de Artes Plásticas Caja de Extremadura (Plasència), Feria ArteBa, La Fresh Gallery (Buenos Aires), Premio de Pintura Focus-Abengoa, Fundación Focus-Abengoa (Sevilla), Fondation Argentine (París) i Open House (Londres).

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MARร A CARBONELL Our Body, our Fight 2017 oli sobre llenรง 195 x 195 cm

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Our Body, our Fight (El nostre cos, la nostra lluita) representa el paper de lluita de les dones per aconseguir els seus drets. En ella podem veure tres components del grup feminista i activista FEMEN. Les seues integrants realitzen les protestes amb l’escriptura de les consignes sobre el seu tors nu, perquè el missatge siga més impactant i, alhora, simbolitze l’alliberament femení. Ja siga utilitzant el cos com a forma de protesta, o bé a través de manifestacions amb pancartes, la lluita de moviments feministes ha permés conquistar drets elementals (vot, divorci, avortament, estudis) que abans excloïen les dones. “La igualtat de gènere és un principi constitucional que estipula que homes i dones són iguals davant la llei”, la qual cosa significa que totes les persones, sense cap distinció tenim aquests drets i deures enfront de l’Estat i la societat en el seu conjunt. En l’actualitat, existeix una igualtat legal entre dones i homes en moltes zones del món, però no n’hi ha cap país en el qual s’haja aconseguit una igualtat real d’oportunitats. La lluita per la igualtat d’oportunitats entre dones i homes ha de ser una lluita diària i individual i una lluita per part de la societat que comença amb l’educació, educar xiquets i xiquetes en els mateixos drets i deures. Amb Our Body, our Fight volia ressaltar eixe aspecte de lluita que ve donant-se des del segle XVIII quan el 1791, l’escriptora francesa Olympe de Gouges va redactar la Declaració dels Drets de la Dona i de la Ciutadana en considerar que la Declaració de Drets de l’Home i del Ciutadà, proclamada per la Revolució Francesa, no emparava la meitat de la humanitat, és a dir, les dones.

Totes i tots hem d’actuar per avançar en la lluita per la igualtat.

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María Carbonell (Molina del Segura, 1980) realitza els seus estudis artístics en la Facultat de Belles Arts de Sant Carles (València), on es llicencia l’any 2003. En l’últim any de carrera es trasllada a Atenes amb una Beca Sòcrates–Erasmus. Des de l’any 2008, resideix a Múrcia. Les seues últimes exposicions individuals han sigut en: Fundación Cajamurcia, Madrid), L’Escalier Espace d’Art, Montreuil, França, Gallery 133, Toronto, BJ Art Gallery, Paris, Palacio de Garcigrande, Salamanca, o ES/UM, Espacio para el arte, Universidad de Murcia, Múrcia. Al llarg de la seua trajectòria artística, ha rebut diversos reconeixement com el Premio Pablo de la Peña de Torres en el XLIV Concurso Internacional de Pintura Villa de Fuente Álamo Fuente Álamo (Múrcia), artista resident en el VI Encontro de Artistas Novos ‘Cidade da Cultura’ (Santiago de Compostela), Certamen Internacional de Pintura Toledo Puche (Cieza, Múrcia) i el Certamen Jóvenes Pintores Fundación Gaceta de Salamanca (Salamanca), així com prestigioses seleccions com el BP Portrait Award (Londres, 2011, 2014 y 2015). Entre les exposicions col·lectives i projectes on ha participat en els últims anys es troben, Mundo de Papel (Cendeac, Múrcia), Art Banchel – Al margen hay sitio Nave 6 (Madrid), HotelxHotel. Art & Breakfast 3 Museo Carmen Thyssen (Màlaga), Unheimlich: Visiones de lo siniestro Espacio AB9 (Múrcia), BP Portrait Award 2015 National Portrait Gallery (Londres), New Figuration 3 Punts Galerie (Berlín) o Jóvenes Pintores: 1996 – 2012 Centro de Arte Contemporáneo DA2 (Salamanca).

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DIEGO DIEZ 36

Prendas del poder I, 2017. 50 fotografies. 7,5 x 10 cm cad.

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Si hi ha una peça que representa el poder, aquesta seria, sense dubte, el vestit de jaqueta. Però, quina seria la peça per a les dones?

Després d’una investigació a partir de la llista publicada per Forbes amb els noms de les dones més poderoses del món, em vaig fixar en com la famosa falda llapis, o falda de tub, n’és la peça estrela.

El meu treball intente crear ponts entre l’art i la cultura popular. Ací em centre en la figura de la dona en un món econòmic i polític, moltes vegades encara dominat per homes, i analitze mitjançant la moda quina és la posició que pren la dona davant dels cànons de la bellesa.

M’he decidit centrar en les seues posicions, les seues cames i, sobretot, la seua falda. En una actitud quasi fetitxista, que pot recordar el treball de Hans Peter-Feldmann, intente jugar amb una selecció i enquadrament d’imatges una miqueta provocador, però aplique una capa de contingut inapreciable a simple vista, ja que faig no visible la identitat d’aquestes persones.

Potser és preocupant pensar com aquestes dones, la majoria d’una ideologia conservadora, siguen les més poderoses en la presa de decisions que afecten tota la societat; i com, no solament amb les seues decisions polítiques o socials, sinó amb l’elecció del seu estil, també continuen perpetrant una societat heteropatriarcal.

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Diego Díez (Barcelona, 1994), després del seu treball inicial com a fotògraf, el 2014 va decidir convertir-se en artista visual. Des d’aleshores ençà, es percep en tota la seua obra una preocupació per donar resposta a les preguntes bàsiques de les arts plàstiques, tot i qüestionant la idea de representació i la producció de significat a través de l’ús de sistemes de coneixement existents. El seu treball comprén des d’instal·lacions, escultures i fotografies fins a conferències e performativas, publicacions o exposicions. Díez examina les condicions de la producció artística i el procés cognitiu de la percepció de l’art. El seu cos d’obres forma un laberint de narracions interrelacionades, sovint basades en incidents reals, personatges, o obres d’art existents.

En l’actualitat, resideix als Països Baixos i estudia en la Gerrit Rietveld Academie d’Àmsterdam.

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MANUEL ANTONIO DOMÍNGUEZ GÓMEZ 40

Más adelante, 2016. Aquarel·la sobre paper. 75 x 110 cm 41

La identitat personal sorgeix d’un complex entrecreuament d’universos de sentit múltiples i heterogenis en els quals la persona s’autoreconeix i és reconeguda. Des de Más Adelante (Més endavant) presente una lectura d’entorns socials i culturals molt diferents, on la diversitat s’estableix com un vincle comunicacional amb l’altre i amb si mateix. Un espai on qüestionar certes actituds negatives dominants al respecte de la sexualitat, que implica una reconsideració d’allò educacional i la seua importància en la formació de les identitats sexuals i de gènere. Aquesta reconsideració implica sotmetre a revisió unes cultures que durant molt de temps han menyspreat aquella que no estiguera construïda per una masculinitat hegemònica i que necessàriament han de conviure amb una societat de diversitat. El treball es fonamenta en la subversió de la força simbòlica. La utilització del vestit de jaqueta, de la uniformitat en alguns sectors o el poder constructor de la vestimenta, es planteja ací des d’una revisió de les formes de poder que s’exerceixen directament sobre els cossos i que desencadenen en comportaments d’inculcació i d’assimilació.

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Manuel Antonio Domínguez Gómez (Huelva, 1976) és llicenciat en Belles Arts per la Universitat Politècnica de València el 2004, ha cursat l’Especialitat Universitària en Art Públic en la Universitat Politècnica de València i el Màster en Art i Producció Artística impartit per la Facultat de Belles Arts en la mateixa universitat.

Ha exposat individualment al Museo ABC de Madrid, Museo de Huelva, Galería Yusto/Giner de Marbella, Galería Ángeles Baños de Badajoz i a la Galería Raquel Ponce de Madrid.

Ha participat en exposicions col·lectives al Museo Arte Moderno de Santo Domingo (República Dominicana), ARCO, Stand ABC Cultural, TEA, Tenerife Espacio de las Artes, Volta Basel, Stand Galería Ángeles Baños; Today Art Museum, (Pequín); Museo ABC de Madrid, Centro Centro, Palacio de Cibeles (Madrid), Galería Javier López & fer Frances (Madrid), Palacio Santa Barbara (Madrid), Galería Fernando Pradilla (Madrid), Centro Arte Contemporáneo de Málaga, Swab, Stand Galería Ángeles Baños (Barcelona), ARCO. Stand Galería Ángeles Baños, (Madrid), Chaco. Stand Galería Ángeles Baños (Santiago, Chile), ArteBa. Stand Galería Ángeles Baños (Buenos Aires, Argentina).

La seua obra l’han adquirit, entre altres, les col·leccions DKV, el fons d’arts plàstiques de la Junta de Andalucía o la Sala el Brocense de Cáceres. Ha sigut premiat com a artista revelació.

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MARÍA GIMENO Queridas viejas, editando a Gombrich, 2017 llibre intervingut i faristol sobre paret , 60 x 40 cm video, 36’ 20’’

MARÍA GIMENO 44

Queridas viejas, editando a Gombrich, 2017 llibre intervingut i faristol sobre paret, 60 x 40 cm, video, 36’ 20’’ 45

Podria donar-me el nom de cinc artistes dones, anteriors al segle XX? I si no són cinc, poden ser-ne tres?

Queridas Viejas (Benvolgudes velles) és un projecte artístic amb què incloc les dones artistes dins de la Història de l’Art, lloc on han sigut excloses sistemàticament. És fonamental reescriure apropiadament la Història de l’Art i acostar referents de gènere femení invisibilitzats per una història sempre dictada per mans masculines.

Aquesta obra s’ha desenrotllat en forma de conferència performativa, per fer a conéixer dones com Hildegarda de Bingen, la Leonarda da Vinci del segle XII. Amb un ganivet de cuina, talle La Història de l’Art de Gombrich, i hi introduïsc físicament les pàgines que falten, per a crear una única història de l’art, on convisquen creadors i creadores. Dissenye les pàgines de les creadores amb detall, i maquete els textos i les obres, seguint el disseny del llibre original; l’acció implica engreixar el llibre, “fent lloc” a les dones creadores. Perquè no siguen uns annexos, perquè formen part del llibre, part de la història de l’art.

En aquesta ocasió, presente l’obra final, el resultat de l’acció, el llibre, una mica més complet i que s’acosta a la vertadera història de l’art.

Per què el Gombrich?

La Història de l’Art d’E.H. Gombrich (1909-2011) publicat el 1950, editat actualment per Phaidon i que a hores d’ara ha venut més de 8.000.000 de còpies arreu del món; no esmenta ni una sola dona artista en les seues més de 600 pàgines.

Els manuals d’Història de l’Art estan incomplets, falten totes les dones creadores i hem donat per vàlida la selecció de grans mestres que conformen la Història de l’Art.

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María Gimeno (Zamora, 1970) és llicenciada en Belles Arts per la Universidad Complutense de Madrid. Des dels seus anys de formació, ha exposat la seua obra de manera constant en galeries i museus per distints indrets del món. La seua obra forma part de col·leccions privades. Ha realitzat exposicions individuals a Espanya, Suïssa, Mèxic, Alemanya, Sèrbia i Iemen així com col·lectives en unes quantes ciutats europees i americanes o del nord d’Àfrica.

Artista multidisciplinària, treballa diferents mitjans amb la finalitat de poder expressar de manera concreta els conceptes que li interessen. Es podria definir com a feminista autorreferencial. El seu treball és femení i feminista, implicat amb la situació de la dona en el segle XXI i amb el compromís de ser artista.

El treball de Gimeno ha desdibuixat les fronteres de les tècniques movent-se entre instal·lació, performance o vídeo i tècniques clàssiques com dibuix, brodat i escultura.

Ha realitzat tallers amb artistes com Yannis Kounelis o Esther Ferrer entre altres.

Ha assistit a residències artístiques i col·labora amb diversos grups de treball com Ridícolo, grup internacional d’artistes, fruit de la residència en la Fundació Botín.

En l’actualitat forma part de -Tertulia La Roldana-, col·lectiu de dones artistes que revindiquen la reflexió sobre la la problemàtica de la memòria històrica i actual de les dones artistes.

Fundadora de la madrilenya galeria d’art alternatiu dels 90 Espacio f, de arte joven.

En l’actualitat, treballa amb la galeria Gowen Contemporary, de Ginebra i és col·laboradora habitual de Rafael Pérez Hernando, Madrid i Pàramo, Guadalajara i Mèxic. Acaba de rebre una ajuda de la Comunidad de Madrid per a continuar treballant en el projecte performatiu, ací presentat, “Queridas Viejas”.

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ANDREA HAUER 48

Living, 2015. Fil sobre tela. 90 x 120 cm 49

Living (Vivint), de la sèrie Hogar Dulce Hogar, naix com a reacció al canvi vital que visc en ser mare i en haver de quedar-me a casa per a tindre cura dels meus fills. Aquestes noves obligacions em fan prendre consciència de com ha sigut delimitat el nostre paper com a dona en la societat, de com creixem i se’ns educa en una sèrie de comportaments com “naturals” quan no ho són; de com el sistema ens utilitza com a mà d’obra no remunerada i com el treball que realitzem diàriament és completament invisibilitzat i infravalorat.

Use la costura com a tècnica per qüestions pràctiques (no fa olor, no és perillosa per a xiquets i xiquetes, es pot fer en qualsevol part) i per les seues connotacions de gènere, que la inscriuen com un mètode tradicional femení i propietari. Assumisc la costura com un llenguatge propi (vaig aprendre a cosir i a escriure quasi al mateix temps) i la utilitze com un acte de transgressió i de resistència enfront de tècniques tradicionals dins de les belles arts.

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Andrea Hauer (Concepción, Xile, 1974) és llicenciada en Arts Visuals en la Pontificia Universidad Católica de Chile. L’any 2001, es trasllada a Madrid on ha cursat estudis de doctorat en la Universidad Complutense de Madrid i de Grau Superior de Gravat i Estampació en la Escuela Arte 10. S’ha format en fotografia i laboratori fotogràfic i ha participat en tallers i seminaris de prestigiosos artistes i pensadors, com per exemple Donald Kuspit, Georges Didi-Huberman, Joan Fontcuberta i Eva Lootz, entre altres.

Ha realitzat exposicions individuals a Madrid, Múrcia i Gijón i de manera col·lectiva tant a Espanya com fora d’ella, destacant la seua presència en World of Threads (Canadà), Bienal Con-textile (Portugal) i Nordart (Alemanya). És membre de MAV Mujeres en las Artes Visuales i fundadora del Colectivo el Quiltro.

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Luci in the Escai 1 són recorreguts sobre plànols de la ciutat que em porten d’un costat a un altre, i el compare amb els plànols d’un patró de costura; documentació cartogràfica en la qual es recullen espais urbans, on l’escultura i l’arquitectura tenen un sentit de referència i un punt clau de trencament en eixos recorreguts.

La idea de patró sempre ha estat present com a punt de partida que uneix la meua obra, tot i adquirint mil formes dins d’un llenguatge pictòric que se serveix de la costura com a element principal d’expressió. Aquest discurs no és alié a les dialèctiques de gènere i a l’ús que han fet de la costura com a eina formal a la qual lliguen un passat de submissió domèstic.

Sonia Navarro (Puerto Lumbreras, 1975) va aprendre costura i sastreria de les seues iaies, abans d’obtindre una Llicenciatura en Belles Arts i un Màster en Fotografia. Ha sigut guardonada amb diversos premis i beques com la Beca de l’Acadèmia d’Espanya a Roma i el Premio de Artes Visuales y Fotografía pel Ministeri de Cultura.

S’ha presentat individualment en galeries nacionals i internacionals, com T20 (Múrcia), Mas Art (Barcelona), Ad Hoc (Vigo), Ybakatu, (Curitiba, Brazil) i Galería Pedro Oliveira (Oporto, Portugal); també en la Cité de París (França). Ha treballat en projectes específics per a Manifesta 08, Open Studio Madrid, CCE Guatemala; Fundación Cerezales Antonino y Cinia (Lleó), La Mar de Músicas, Cartagena.

Des de fa més d’una dècada, a través de diferents mitjans de comunicació, com l’escultura, la instal·lació, la fotografia i el dibuix, Navarro ha creat obres que desafien i confronten els mecanismes de poder i les seues institucions, especialment aquelles que han contribuït a l’establiment d’una jerarquia entre gèneres, relacionant les dones amb el treball domèstic i la impossibilitat de mobilitat, reflexionant sobre la lluita constant de les dones contra les convencions socials establides.

SONIA NAVARRO Luci in the Escai 1, 2017 collage de PVC cosit 190 x 90 cm 52

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GEMA RUPÉREZ Missed call, 2016-2017 instal·lació: fulls de periòdic interveninguts, telèfon, video-registre, mides variables 54

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Missed call (Trucada perduda) contraposa una cosa tan sublim com la poesia, immortalitzada en llibres, amb el seu contrari simbòlic en l’imaginari col·lectiu, la prostitució, sotmesa a la invisibilitat.

L’artista publica en la secció de contactes d’un diari local versos extrets de poemes d’amor escrits per dones reconegudes: [“Sé gritar hasta el alba”. Alejandra] vers corresponent a un poema d’Alejandra Pizarnik.

Els anuncis, diferents entre si, estan associats a un mateix número de telèfon, un mòbil actiu que s’exposa formant part de la instal·lació, al costat de les fulles de periòdic, que reben i enregistren les trucades de números desconeguts, en temps real. És interessant la tensió que produeix el telèfon encés, que pot sonar en qualsevol moment, enmig del procés de contemplació o de reflexió de l’espectador o espectadora. La telefonada anònima interromp el silenci, i és llavors quan l’obra t’interpel·la definitivament.

La instal·lació es completa amb un vídeo, arxiu-documental que enregistra el moment en el qual em dirigisc a posar els anuncis en el mostrador del diari local i que va ser gravat amb una càmera oculta. I finalment, una peça que recull alguns dels missatges de text i de veu que es van quedar enregistrats en el telèfon.

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Gema Rúperez (Saragossa, 1982) és llicenciada en Belles Arts per la Facultat de Sant Carles (València). Completa la seua formació en Urbino-Itàlia i en tallers impartits per artistes com Chema Madoz, Juan Ugalde, Jannis Kounellis, Rogelio López Cuenca o Cristina Lucas.

Obté el DEA (Diploma de Estudios Avanzados) amb el títol: “Materiales plásticos y escultura contemporánea. La seducción de la transparencia” amb la beca F.P.I. (Formació de Personal Investigador) dins del grup d’investigació Nous Procediments Creatius de la U.P.V. Rep diverses beques, de les quals cal destacar: la Beca Ramón Acín (Osca), la residència a Kiosko Galería (Bolívia), dos anys com a membre de la selecció artística en Casa Velázquez (Madrid), l’estada d’un any a la Fundación Antonio Gala para jóvenes creadores (Còrdoba), la Beca Enate (Osca) en la VII convocatòria.

Recentement, guanya el 1r Premio de Artes Plásticas de la Fundación Ramón J.Sender UNED, la 2n Posició en el 3rd International Emerging Artista Award (Dubai), el Premi XVIII Bienal Internacional Santa Cruz De La Sierra (Bolívia), 1r Premio V Concurso de Creación Artística Fundación José García Jiménez (Múrcia), el 1r Premio Santa Isabel de Portugal, 2n Premio del VI Concurso de artes plásticas Universidad de Zaragoza.

Exposicions individuals dels últims anys: Galería A del Arte (Saragossa), Twin Gallery (Madrid), Sala Juana Francés (Saragossa), Kiosko Galería (Bolívia), Galería Art Core (Bari-Itàlia). I algunes col·lectives: North End Studios (Detroit, EEUU) i China Town, Yam Lau (Toronto, Canadà), Museo MADRE (Nàpols), Sala de Arte Joven (Madrid), Espacio Pierre Cardin (París, França), Museo Nagasaki Prefectural (Japó), Instituto Cervantes (Palerm-Itàlia).

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TRADUCCIONS

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CARLOS FERNÁNDEZ BIELSA ALCALDE DE MISLATA Mislata es una ciudad que apuesta claramente por la cultura. Con ímpetu, valentía y convicción, apostamos por una cultura que llega a todas las edades, que se abre a las calles, a la participación, y que es accesible desde nuestros espacios públicos municipales.

Entendemos la difusión y promoción cultural como una nueva atmósfera ciudadana, como un eje vertebrador de nuestro modelo educativo, participativo y social que nos ayuda a progresar como ciudad.

Nuestra Biennal de Mislata Miquel Navarro, bajo la tutela de nuestro artista más internacional, ha regresado con importantes novedades en sus bases, aportando modernidad y nuevas intenciones. Así, en años impares convocaremos premios de adquisición con compromiso social. Obras de sala, realizadas con diferentes técnicas y objetivos, que un jurado de prestigio valorará y distinguirá con galardones. Un procedimiento que premia la iniciativa artística, la creatividad libre y ayuda a ampliar nuestra potente colección municipal; sumaremos obras de enorme valor firmadas por artistas de gran prestigio nacional para custodiarlas en nuestra ciudad.

Bajo esta premisa, Mislata vuelve a ser referente, aunando arte contemporáneo y compromiso social mediante temas tan sensibles y vigentes como la necesidad de luchar por la igualdad de género. La libertad entre hombres y mujeres, entre identidades y conductas, la ruptura de antiguos clichés y la apertura de miras hoy aparecen plasmados en la selección de obras que se expusieron en nuestro Centro Cultural el pasado otoño.

Este catálogo condensa, por tanto, la lucha contra las desigualdades, la lucha contra la soledad, contra la incomprensión, contra la violencia y la discriminación que ha sufrido históricamente la mujer.

Una situación a la que este Ayuntamiento ha puesto freno con políticas que se han materializado en proyectos tan importantes como nuestro Plan de Igualdad, que seguiremos alimentando con convocatorias que aporten nuevas ideas e iniciativas.

Enhorabuena a las artistas premiadas, y un agradecimiento a todas las personas que participaron en estos premios de adquisición, que tendrán continuidad desde nuevos ámbitos donde sea necesario el compromiso social y la concienciación ciudadana.

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NO DAR PUNTADA SIN HILO Alba Braza Boïls Los libros y las putas pueden llevarse a la cama.

Walter Benjamin Dedicaba Walter Benjamin una de sus publicaciones a Asja Lacis1, mujer a quien describe como ingeniera de una calle, de dirección única, que da asimismo título a la obra en cuestión. Lacis (Letonia, 1981- Riga 1979) fue una reconocida directora de teatro y militante soviética, uno de sus tres grandes amores2, juntos publicaron el artículo “Nápoles” publicado en el periódico Frankfurter Zeitung. ¿Pero qué sabemos de Asja Lacis? Como de muchas otras mujeres de la historia, poco.

A estas alturas bien sabemos que las referencias históricas aprehendidas han sido sido escritas por hombres blancos cuyos relatos se han convertido en hegemónicos. Así, no sorprende encontrar referencias transmitidas de autor en autor sobre mujeres artistas como la que encontramos de Gershom Scholem, editor de Benjamin, de quien se cuenta “tenía poco respeto por Asja. La consideraba intelectualmente débil y no compartía su entusiasmo por la revolución rusa”. Para él “no era fácil ver qué es lo que atraía a Benjamin de Asja, porque la describe con la actitud de un observador desinteresado.” Del mismo modo tampoco nos sorprende que se muestre en el cine escenas de artistas que abusan y maltratan a mujeres, como el reciente film sobre Turner3 que muestra sin pudor cómo el artista manosea sin consentimiento a su sirvienta o desprecia a su exmujer sin pasar la pensión correspondiente a sus hijas.

La Historia está llena de estas historias, de calificativos y de ausencias que han ido constituyendo una realidad en la que llega a pasar desapercibido que en uno de los manuales más reproducidos y consultados de La Historia del Arte4, el de Ernst Gombrich, no encontremos una sola referencia a una mujer artista. Es ahora la edición “Queridas viejas, editando a Gombrich”, de la artista María 1 Walter Benjamin inicia su obra Calle de dirección única con la dedicatoria: “Ésta es la Calle de Asja Lacis, la ingeniera que la ha abierto en el autor.”

2 Según el artículo publicado por Sonia Borinski en La Nación, sus tres amores fueron Dora Kellner, Jula Cohn y Asja Lacis, entre otras historias de amor.

3 “Mr Turner”. Escrita y dirigida por Mike Leigh y protagonizada por Timothy Spall, Dorothy Atkinson, Marion Bailey y Paul Jesson. 2014.

4 Gombrich, E.H.(2008). La Historia del Arte. Phaidon Press Limited. 15ª edición.

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Gimeno, la que saca del olvido a las mujeres y las incluye en el lomo de la edición a golpe de cuchillo. Toda una acción que se recoge exponiendo el libro intervenido y un vídeo, cuya edición tiene una clara intención didáctica y divulgativa. La obra, concebida como un acto performativo, se repetirá tantas veces haga falta mientras siga siendo un reto para la sociedad conseguir citar referentes femeninos de la Historia del Arte, más allá de Frida Kalho; siempre que nos sigamos preguntando “por qué no ha habido grandes mujeres artistas”5 y hasta que la mayoría de mujeres que vemos en los museos no sean meras representaciones, muchas de las veces, desnudas.

Concibiendo los roles y estereotipos de género como conceptos universales6, se ha asumido la cosificación de la mujer a lo largo de la historia. Hasta el mismo Benjamin dedicó todo un capítulo a hacer una comparativa irónica sobre las putas y los libros, dos objetos que según él “han sentido un amor mutuo, pero no se han correspondido” y que “calculan el tiempo mientras vamos penetrándolos”7. La metáfora no sólo sitúa a ambos en calidad de ser manejados a la merced del hombre, sino que la misma ironía sirve para cuestionar el interés que pueda tener una mujer que ejerza la prostitución por la lectura.

Sin embargo, la lectura y la creación literaria pueden adquirir muchas formas y funciones, “sé gritar hasta el alba” es uno de los versos de Alejandra Pizarnik8, publicados en El Heraldo de Aragón que conforma “Missed call”, de Gema Rupérez. La artista descontextualiza una selección de versos y los publica acompañados de un número de teléfono en la sección de contactos. Mediante una cámara oculta graba la conversación que da lugar a la compra del anuncio respondiendo a las lógicas de los prejuicios, una joven prostituta que paga por darse publicidad. Contraponiendo la poesía a la prostitución, Rupérez muestra poetisas de referencia al mismo tiempo que visibiliza una serie de relaciones y códigos propios entre cliente y profesional del sexo. Las hojas del periódico con las publicaciones son intervenidas como si una pintura suprematista se tratase y se exponen junto al dispositivo telefónico 5 “Why Have There Been No Great Women Artists?” es el título de uno de los textos publicados por Linda Nochlin, una referencia fundamental en cuanto Arte y Feminismo.

6 Se cita la idea de universal tal y como François Jullien la trata en su publicación La identidad cultural no existe. El autor hace referencia a la idea de “universal” junto a los términos “uniforme” y “común”. Para Jullien, lo “universal” se refiere a aquello que adquiere un sentido de generalidad. Se trata de una idea que no sólo siempre ha sido de la misma manera, sino que además no se puede llegar a concebir de otro modo.

7 Benjamin, W. (2011). Calle de dirección única. Abada editores. p.39.

8 Alejandra Pizarnik (Avellaneda 1936- Buenos Aires 1972), poeta y traductora.

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que corresponde al número del anuncio. Cada vez que éste suene en la sala de exposiciones, alguien estará buscando apagar la sensación de brasas en el cuerpo9 e inquietando al espectador de la obra. Los mensajes quedan grabados en el aparato telefónico mientras el público puede acceder a otros recibidos anteriormente a través del segundo vídeo de la instalación. Ellos, quienes llaman, nunca encontrarán a Alejandra10, mas probablemente nunca leerán otros versos suyos.

Otra de las formas retóricas que Benjamin no contempla aparece frecuentemente en diferentes medios de comunicación. “Enfermera harta de los recortes la chupo sin goma hasta el final 24h” es el inicio del texto que una profesional de sanidad publicaba en 2015 en la sección de contactos de un periódico madrileño. Sandra Paula Fernández lo transforma en la obra “Enfermera”, de la serie “Arte Público: la vida no sólo es coser y cantar” bordando delicadamente cada palabra a punto de cruz sobre panamá. Fiel al texto original, aumenta sus dimensiones hasta convertirlo en un tapiz que refleja la impotencia de no verse justamente remunerada por su trabajo y preferir, en el desespero, dedicarse a la prostitución como gesto que pone de manifiesto el deseo de control social de su propio cuerpo. Ambas obras sirven como paradigma de la compleja e inexacta realidad que proporcionan los estereotipos pues, abarcando diferentes capas de contenido, alcanzan casi todos los ámbitos más allá de la prostitución. Tomar consciencia del propio cuerpo difumina los límites que los estereotipos determinaban con claridad. ¿Acaso podemos intuir datos verdaderos sobre una persona a través de su gestualidad y forma de vestir? Diego Díez en “Prendas del poder I” hace un intento por clasificar qué prenda usa la mujer para transmitir poder en un mundo construido por hombres. Mediante cinquenta fotografías de pequeño formato consigue una composición cromática y de gestos a partir de imágenes de las mujeres más poderosas del mundo según la revista Forbes. Piernas cruzadas y faldas de tubo son protagonistas de la construcción social del género en cuanto mujeres en contextos de poder.

Cuestiones similares, abordadas desde el punto de la masculinidad, se visibilizan en “Más adelante”, de Manuel Antonio Domínguez Gómez. Con la técnica de la acuarela y creando una propia iconografía, se muestra que la sexualidad dominante no sólo es masculina, sino que también es heterosexual. Una realidad 9 Verso de Marita Troiano (Perú, 1953), escritora.

10 Alejandra (Pizarnik), Gioconda (Belli), Dina (Posada), (Santa) Teresa (de Jesús), Gisela (Galimi), Dulce María (Loynaz), Sylvia (Plath), Marita (Troiano) ofrecen sus versos en “Missed Call”.

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que conlleva la necesidad social de revisar y actualizar qué es lo masculino y qué valores se le asignan y asocian de raíz. Los cuestionamientos se concatenan y lo hegemónico se desvanece por su propia atemporalidad e inadecuación. Controvertir el binarismo sexual da lugar a concebir otras sexualidades y otros géneros que podrán fluctuar de un lado a otro, sin la necesidad de definirse en muchas ocasiones. El cuerpo sigue siendo el centro del todo, con todas las cuestiones que conlleva vincular lo social a la propia naturaleza.

“El banquete hambriento 3”, de Rosalía Banet, trata a través de la pintura estos condicionamientos sociales vinculados a los rituales sociales relacionados con la comida. La obra, que pertenece a un proyecto más amplio en el que se narra la vida de dos hermanas siamesas, es una metáfora de lo que se nos impone socialmente que debemos ser y lo que en realidad somos y queremos ser.

Bajo la apariencia apetitosa del banquete, los elementos a degustar son cabeza, corazón y huesos que simbolizan la fractura, el conflicto que esta diferencia genera. La reflexión se extiende más allá el cuerpo abarcando el hiper consumo, el exceso y las desigualdades sociales que éstos conllevan. Mas si las normas sociales son complejas, también lo son las que se establecen en el hogar. “Living”, de la serie “Hogar dulce hogar” de Andrea Hauer, hace presente aquellas cuestiones añadidas que asume la mujer con la maternidad. Mediante la técnica del bordado, la artista crea una escena doméstica en la que se combinan las tareas asociadas a un hogar de una familia con hijos, con una escena que forma parte de nuestro imaginario: un hombre tumbado en el sofá en situación de reposo en un contexto de desorden y caos dado por las tareas inacabadas e indicadas por los hilos sueltos del bordado.

De acuerdo con Hauer, la idea de maternidad lleva implícita la asunción de trabajos, no remunerados ni reconocidos socialmente, tradicionalmente asociados a “lo femenino”. El cuidado de los hijos y dejar en un segundo plano la propia carrera profesional durante el período de crianza, parecen tan incuestionables como el propio rol de madre le sitúe en un segundo plano respecto al del padre.

El formato de “Living” es pura conciliación laboral, Hauer adapta los materiales, técnicas y formato a su nuevo lugar de trabajo, el parque y los pequeños espacios de la casa.

Claramente, leer a Walter Benjamin desde una perspectiva de género no conlleva únicamente visibilizar la figura de Asja, como en este caso, sino asumir el análisis y la deconstrucción del patriarcado con una propia metodología de trabajo. En el caso de la práctica 65

artística de la mano de mujeres, el uso de las labores ha supuesto una herramienta de denuncia y reivindicación en este sentido. Ellas no dan puntada sin hilo, la aguja se convierte en un arma con la que tejer otros relatos y en un lenguaje que, tal y como la cultura ha favorecido, pertenece mayoritariamente a ellas. “Enfermera”, “Living” y ahora, “Luci in the Escai 1”, de Sonia Navarro, son prueba de ello. Realizada con PVC cosido a modo de collage, la artista diseña recorridos de la ciudad donde transita plasmados en forma de patrones de costura, formas que nuevamente hacen mención al cuerpo. Bajo la apariencia de un discurso formal, Navarro asume la costura como lenguaje propio, heredado de su madre y abuelas. Su forma de trabajar pone en valor toda una construcción social que, muy a menudo, suele llevar implícito quedarse al margen de valores económicos e incluso simbólicos.

Como en obras citadas anteriormente, la distinción es también compromiso social, un modelo de lucha desde las artes visuales como lo es escribir y publicar sobre ello. “Paisajes de excepción”, de Gabriela Bettini, sitúa al público en el estudio de la artista, la pintura al óleo representa una pared con imágenes de paisajes pegadas que parecen ser objeto de estudio para alguna futura creación. Las fotografías, sacadas todas ellas de Internet, son una combinación de lugares situados en América Latina. Parte de ellas se encuentran en la web de empresas transnacionales y otra parte son los lugares donde activistas medioambientales han sido hostigadas o asesinadas. Cada vez más, la lucha desde los feminismos y la ecología se vinculan más estrechamente. El ecofeminismo es muestra y resultado de ello, lo cual aumenta la vulnerabilidad y peligros que en ocasiones conlleva su activismo.

“Our Body, our Fight”, de María Carbonell es otro ejemplo de ello. La pintura al lienzo muestra tres activistas el grupo Femen11, un grupo que se caracteriza por usar su propio cuerpo como espacio para la denuncia. La artista muestra a tres de ellas a mitad de una carrera de fondo; se intuye el largo camino recorrido y deja entrever el trayecto que falta por conquistar.

pequeñas puntadas. Las ausencias se van completando poco a poco sea desde los grandes museos, sea desde los pequeños centros culturales. Y en este contexto es donde la Biennal de Mislata Miquel Navarro se propone como un ejemplo más. Mediante la edición de los Premios de Adquisición Mislata 2017 tejemos nuevas realidades en las que tienen lugar nuevas protagonistas como son Asja, Alejandra, Griselda, María, Gema, Sandra Paula, Diego, Manuel Antonio, Andrea, Sonia, Gabriela, Oxana y muchas más...

Bibliografia Benjamin, W. (1989). Calle de dirección única. Abada editores. Madrid.

Jullien, F. (2016). La identidad cultural no existe. Taurus. Barcelona.

Webgrafía Borinski, A. “Un raro amor de Walter Benjamin”, La Nación. Buenos Aires. 25 de septiembre 2010.

Manrique, D. “Le llamaban El Miserable. Walter Benjamin cayó bajo el Efecto Ibiza durante sus visitas a la isla”, El País. 28 de mayo de 2018.

Morales, P. “Tres mujeres para Walter Benjamin”, Nexos. 1 de septiembre de 1992 Nochlin, L. “Why Have There Been No Great Women Artists?”, en Women, Art and Power and Other Essays, Nueva York: Harper & Row Publishers, 1988, pp. 145-178. (Publicado originalmente en Art News, vol. 69, núm. 9, enero de 1971.)]

Tudelilla, C. (2014). “Encuentro en Capri y cita en Moscú. Asja Lacis y Walter Benjamin” en m-arte y cultura visual, MAV Mujeres en las Artes Visuales.

Si bien los caminos que faltan por recorrer se advierten arduos, repletos de baches y socavones, aquí se desean aquellos que, a diferencia de la dedicatoria de Benjamin para Asja Lacis, sí contengan una salida. La construcción paulatina de nuevos referentes con nuevas historias van tejiendo la Historia mediante 11 Oxana Shachkó, una de las fundadoras de Femen, se suicidó pocos días antes de la escritura del presente texto. De nuevo, la enfermedad mental toma protagonismo en prensa y se obvia las dificultades que encuentran las cabezas visibles del activismo para vivir en sociedad.

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1ER PREMIO ROSALÍA BANET El banquete hambriento 3, 2010 óleo sobre lienzo 180 x 130 cm El banquete hambriento 3 pertenece a un proyecto que, a través de diferentes rituales sociales relacionados con la comida (cumpleaños, Navidad, meriendas y cenas con amigos, etc.), narra la vida de dos hermanas siamesas. Este personaje duplicado representa una identidad doble, significa la diferencia entre lo que la sociedad nos dice que debemos ser y lo que en realidad somos y queremos ser. Sobre la mesa de este banquete no encontramos fruta ni verdura, sino fragmentos humanos. Cabeza, corazón y huesos que simbolizan la fractura, el conflicto que esta diferencia genera; el dolor y el miedo que produce; pero también funcionan como purga, sacando al exterior el interior, las vísceras se exponen ante nosotros como forma de mostrar la herida, de curarla. A pesar de la crudeza de su contenido, la obra tiene una estética dulce y alegre, refleja la sociedad de consumo como un sistema caníbal que, bajo la apariencia de felicidad e hiper-abundancia, genera y esconde desigualdades, prejuicios y otros horrores. Más allá de lo puramente nutricional, los alimentos que ahora nos llevamos a la boca están cargados de ideologías, identidades, creencias, que manipulan nuestros deseos y nuestros miedos, condicionando y confundiendo nuestro pensamiento. De esta forma, cuando comemos un producto también ingerimos una forma de pensar. La pieza la ha desarrollado a partir de una pequeña maqueta con personajes y comida de plastilina, fotografiada y posteriormente ampliada sobre la tela.

Rosalía Banet es licenciada en la facultad de Bellas Artes de Pontevedra y doctora en Bellas Artes por la Universidad de Vigo.

Desde su trabajo analiza, reflexiona y critica la sociedad actual.

Trata de mostrar sus excesos y desigualdades. Utiliza el cuerpo humano y sus enfermedades como metáforas para representar un sistema que considera caótico, alienador y deshumanizado. La comida es otra de las constantes en sus proyectos. A través del sistema alimentario abarca temas que van desde lo nutricional a cuestiones sociales, políticas, económicas y medioambientales.

Ha expuesto en centros como Espacio Mínimo (Madrid), Marta Cervera (Madrid), Catherine Clark Gallery (San Francisco), Twin Gallery (Madrid), La Conservera (Murcia), MAS Museo de Arte 68

Moderno y Contemporáneo de Santander y Cantabria (Santander), Centro de Arte de Alcobendas (Madrid). Su obra forma parte de la colección Fundación Coca-Cola España, IVAM (Insitituto Valenciano de Arte Moderno), Museo de Bellas Artes de Santander, Comunidad de Madrid, Diputación de Pontevedra, Unicaja (Málaga), INJUVE (Madrid), Museo de Arte Contemporáneo de Santander, Fundación Benetton, Fundación Lluís Coromina y Fundación Aragonesa Pilar Citoler.

Recientemente ha recibido la beca de la Real Academia de España en Roma, donde ha sido residente en el período 2016/17.

2º PREMIO SANDRA PAULA FERNÁNDEZ Enfermera, 2015-2016 panamá bordado a punto de cruz con hilos de colores 170 x 160 cm Enfermera forma parte del proyecto “Arte Público: la vida no sólo es coser y cantar” en el que estoy trabajando desde hace varios años. Escogí este título ya que antiguamente una “mujer pública” era un eufemismo con el que se designaba a las prostitutas.

Esta línea de investigación se enmarca dentro de labores tradicionales tales como coser, tejer, bordar, etc. que siempre han estado asociadas a lo femenino y ligadas al ámbito de lo privado y lo doméstico. Empecé a bordar estos textos porque creo que dan pistas importantes acerca de nuestra sociedad actual y la doble moral que se exhibe en torno a estos temas. No sólo he bordado anuncios de periódicos, sino también textos extraídos de páginas web de contactos en las que se aprecia toda la crudeza de este tipo de anuncios. Por ser reales, me ha parecido interesante respetar la ortografía y el formato. Muchos de estos anuncios aún permanecen subidos en la red. Estos textos que pasan generalmente desapercibidos entre las páginas de los periódicos, ponen de relieve toda su dureza cuando se muestran a gran tamaño en una sala de exposiciones.

Enfermera se caracteriza por su ironía y su humor negro. Tiene además la carga añadida de ser muy crítico con el momento de crisis reciente que se vivió en España y del que aún estamos saliendo. La técnica empleada, el punto de cruz, acarrea además una carga sexista asociada a algo ñoño y bonito propio de amas de casa desocupadas.

Sandra Paula Fernández (Oviedo,1972) es licenciada en Bellas Artes 69

por la Universidad de Salamanca en la especialidad de pintura y egresada en el Máster en Edición de Vídeo + Motion Graphics. En la actualidad reside y desarrolla su trabajo en Madrid.

Su proceso creativo comprende varias líneas de investigación que van desde las aplicación de nuevas tecnologías y el uso que puede derivar de ellas, hasta trabajos donde prima lo manual y lo artesano. Muchas de sus obras ofrecen una visión caótica y apocalíptica cargada de humor e ironía sobre los tópicos de una sociedad de consumo hipersexualizada, cada vez más adormecida y adicta a la comida rápida.

Ha realizado numerosas exposiciones y ha participado en diversas ferias nacionales e internacionales tales como Estampa, JustMad, Context Art Miami o CIRCA Puerto Rico Internacional Art Fair.

Ha recibido premios y becas entre las que sobresalen la Beca Generación AlNorte 2016 y la Muestra de Artes Plásticas del Principado de Asturias siendo finalista en la 1a Convocatoria de Arte Electrónico de Outsiders Arts Foundation.

Su obra se localiza en destacadas colecciones como la Colección Liberbank, la Fundación Canaria para el Desarrollo de la Pintura y la Nueva Colección Pilar Citoler.

ARTISTAS FINALISTAS

GABRIELA BETTINI Paisajes de excepción, 2016 óleo sobre lino 200 x 300 cm Paisajes de excepción es la primera pieza de un proyecto que parte de la investigación de las desapariciones y asesinatos de mujeres defensoras de la naturaleza y de los recursos de la tierra, fundamentalmente en América Latina.

La degradación de la naturaleza y las mujeres como categoría de “recursos permanentes” propias del proceso de colonización se vincula con un modelo extractivo actual altamente depredador e insostenible en Latinoamérica y otras regiones del planeta.

La pieza consiste en una pintura que representa una esquina de mi estudio en la que hay dispuestos distintos paisajes pintados a partir de imágenes encontradas en Internet. Varios de ellos 70

muestran los lugares donde han matado a mujeres defensoras de la tierra, de acuerdo a la argumentación de que los casos crecientes de hostigamiento y asesinato a activistas medioambientales, en muchas ocasiones asumen una forma específica de género.

Otros son los paisajes que aparecen en las portadas de los sitios web de las empresas transnacionales extractivistas que explotan los recursos naturales en esos lugares y que sirven para publicitar una actitud de respeto a la naturaleza y de colaboración con las comunidades.

Gabriela Bettini (Madrid, 1977) es licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid, obtiene una Beca de la Fundación “la Caixa” y el British Council para cursar estudios de posgrado en el Reino Unido con la que realiza el Master in Fine Art, University of East London.

Ha ganado el Premio Internacional de Artes Plásticas Obra Abierta 2017 otorgado por la Fundación Bancaria Caja de Extremadura. Ha obtenido la Beca de Pintura MAEC-AECID en la Real Academia de España en Roma; la Beca del CCEBA Residencia URRA, Buenos Aires; el Premio de Creación Artística de la Comunidad de Madrid y la Muestra de Arte INJUVE. Ha expuesto en centros como Galería Silvestre (Tarragona), La Fresh Gallery (Madrid), Galería Mundo Nuevo (Buenos Aires), Museo Evita (Buenos Aires), Centro Cultural Borges (Buenos Aires), Casa de América Latina (Lisboa), Centro Cultural de la Memoria Haroldo Conti (Buenos Aires), Real Academia de Bellas Artes de San Fernando (Madrid), Centro Cultural Tlatelolco (Ciudad de México), Academia de España en Roma, Open House (Londres).

MARÍA CARBONELL Our Body, our Fight, 2017 óleo sobre lienzo 195 x 195 cm Our Body, our Fight representa el papel de lucha de las mujeres por conseguir sus derechos. En ella podemos ver a tres componentes del grupo feminista y activista FEMEN. Sus integrantes realizan sus protestas escribiendo sus consignas sobre su torso desnudo, para que su mensaje sea más impactante y, a la vez, simbolice la liberación femenina. Ya sea utilizando el cuerpo como forma de protesta, o bien a través de manifestaciones con pancartas, la 71

lucha de movimientos feministas ha permitido conquistar derechos elementales (voto, divorcio, aborto, estudios) que antes excluían a las mujeres. “La igualdad de género es un principio constitucional que estipula que hombres y mujeres son iguales ante la ley”, lo que significa que todas las personas, sin distinción alguna tenemos los mismos derechos y deberes frente al Estado y la sociedad en su conjunto. En la actualidad existe una igualdad legal entre mujeres y hombres en muchas zonas del mundo, pero no hay ningún país en el que se haya alcanzado una igualdad real de oportunidades. La lucha por la igualdad de oportunidades entre mujeres y hombres tiene que ser una lucha diaria e individual y una lucha por parte de la sociedad que empieza en la educación, en enseñar a niños y niñas que todos tenemos los mismos derechos y deberes. Con Our Body, our Fight quería resaltar ese aspecto de lucha que viene dándose desde el siglo XVIII cuando en 1791, la literata francesa Olympe de Gouges escribió la Declaración de los Derechos de la Mujer y de la Ciudadana al considerar que la Declaración de Derechos del Hombre y del Ciudadano proclamada por la Revolución Francesa no amparaba a la mitad de la humanidad, es decir, a las mujeres.

Todos debemos actuar para avanzar en la lucha por la igualdad.

María Carbonell (Molina del Segura, 1980) es licenciada en Bellas Artes por la Facultad de San Carlos de Valencia. Ha expuesto en centros como Fundación Cajamurcia (Madrid), L’Escalier Espace d’Art (Montreuil, Francia), Gallery 133 (Toronto), BJ Art Gallery (Paris), Palacio de Garcigrande (Salamanca), Espacio para el arte, Universidad de Murcia, Museo Carmen Thyssen (Málaga), National Portrait Gallery (Londres), Centro de Arte Contemporáneo DA2 (Salamanca) o 3 Punts Galerie (Berlín). Ha sido galardonada con premios como el Premio Pablo de la Peña de Torres en el XLIV Concurso Internacional de Pintura Villa de Fuente Álamo, artista residente en el VI Encontro de Artistas Novos ‘Cidade da Cultura’ (Santiago de Compostela), Certamen Internacional de Pintura Toledo Puche y el Certamen Jóvenes Pintores Fundación Gaceta de Salamanca, así como prestigiosas selecciones como el BP Portrait Award (Londres).

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DIEGO DIEZ Prendas del poder I, 2017 50 fotografías, 7,5 x 10 cm cad.

Si hay una prenda que representa el poder, esa sería, sin ninguna duda, el traje de chaqueta. Pero, ¿cuál sería la prenda para las mujeres? Tras una investigación a partir de la lista publicada por Forbes con los nombres de las mujeres más poderosas del mundo, me fijé en cómo la famosa falda lápiz, o falda de tubo, es la prenda estrella. En mi trabajo intento crear puentes entre el arte y la cultura popular. Aquí me centro en la figura de la mujer en un mundo económico y político, muchas veces todavía dominado por hombres, y analizo mediante la moda cuál es la posición que toma la mujer ante los cánones de belleza. Me he decidido centrar en sus poses, sus piernas y, sobretodo, su falda.

En una actitud casi fetichista que puede recordar al trabajo de Hans Peter-Feldmann, intento jugar con una selección y encuadre de imágenes un tanto provocador, pero aplico una capa de contenido inapreciable a simple vista, ya que hago no visible la identidad de estas personas.

Quizás sea preocupante pensar cómo estas mujeres, la mayoría de una ideología conservadora, sean las más poderosas en la toma decisiones que afectan a toda la sociedad; y cómo, no solo con sus decisiones políticas o sociales, sino con la elección de su estilo, también siguen perpetrando una sociedad heteropatriarcal.

Diego Diez (Barcelona, 1994), tras su trabajo inicial como fotógrafo, decidió en 2014 convertirse en artista visual. A partir de entonces, se percibe en toda su obra una preocupación por dar respuesta a las preguntas básicas de las artes plásticas, cuestionando la idea de representación y la producción de significado a través del uso de sistemas de conocimiento existentes. Su trabajo abarca desde instalaciones, esculturas y fotografías hasta conferencias performativas, publicaciones o exposiciones. Diez examina las condiciones de la producción artística y el proceso cognitivo de la percepción del arte. Su cuerpo de obras forma un laberinto de narraciones interrelacionadas a menudo basadas en incidentes reales o personajes o obras de arte existentes. En la actualidad reside en los Países Bajos y estudia en la Gerrit Rietveld Academie de Amsterdam.

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MANUEL ANTONIO DOMÍNGUEZ GÓMEZ

MARÍA GIMENO

Más adelante, 2016 acuarela sobre papel 75 x 110 cm

Queridas viejas, editando a Gombrich, 2017 libro intervenido y atril sobre pared 60 x 40 cm vídeo, 36’ 20’’

La identidad personal surge de un complejo entrecruzamiento de universos de sentido -multiples y heterogéneos- en los cuales la persona se autorreconoce y es reconocida. Desde Más Adelante, presento una lectura de entornos sociales y culturales muy diferentes, donde la diversidad se establece como un vínculo comunicacional con el otro y consigo mismo. Un espacio donde cuestionar ciertas actitudes negativas dominantes con respecto a la sexualidad, implicando con ello una reconsideración de lo educacional y su importancia en la formación de las identidades sexuales y de género. Esta reconsideración implica someter a revisión a unas culturas que durante mucho tiempo han despreciado aquella que no fuese la construida por una masculinidad hegemónica y que necesariamente tienen que convivir con una sociedad de diversidad. El trabajo se apoya en la subversión de la fuerza simbólica. La utilización del traje de chaqueta, de la uniformidad en algunos sectores o el poder constructor de la vestimenta, es planteado aquí desde una revisión de las formas de poder que se ejercen directamente sobre los cuerpos y que desencadenan comportamientos de inculcación y asimilación.

Manuel Antonio Domínguez Gómez (Huelva, 1976) es licenciado en Bellas Artes por la Universidad Politécnica de Valencia, ha cursado la Especialidad Universitaria en Arte Público y el Máster en Arte y Producción Artística impartido por la Facultad de Bellas Artes en la misma universidad.

Ha expuesto en el Museo ABC (Madrid), Galería Yusto/Giner (Marbella), Galería Ángeles Baños (Badajoz), Galería Raquel Ponce (Madrid), Museo Arte Moderno de Santo Domingo, TEA Tenerife Espacio de las Artes, Volta Basel, Today Art Museum (Pekín), Museo ABC (Madrid), Centro Centro (Madrid), Centro Arte Contemporáneo de Málaga.

Su obra ha sido adquirida por las colecciones DKV, los fondos de artes plásticas de la Junta de Andalucía o sala el Brocense de Cáceres. Ha sido premiado como artista revelación.

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¿Podría darme el nombre de cinco artistas mujeres, anteriores al siglo XX? ¿Y sí no son cinco, quizá tres?

Queridas Viejas es un proyecto artístico con el que incluyo a las mujeres artistas dentro de la historia del arte, lugar del que han sido excluidas sistemáticamente. Es fundamental reescribir apropiadamente la Historia del Arte y acercar referentes de género femenino invisibilizados de una historia siempre dictada por manos masculinas.

Esta obra se ha desarrollado en forma de conferencia preformativa, para dar a conocer a mujeres como Hildegarda de Bingen, la Leonarda da Vinci del siglo XI. Con un cuchillo de cocina, corto “La Historia del Arte” de Gombrich, e introduzco físicamente las páginas que faltan, para crear una única historia del arte, donde convivan creadores y creadoras. Diseño las páginas de las creadoras minuciosamente, maquetando los textos y las obras, siguiendo el diseño del libro original. La acción implica engordar el libro, “haciendo sitio” a las mujeres creadoras. Para que no sean unos anexos, para que formen parte del libro, parte de la Historia del Arte. En esta ocasión, presento la obra final, el resultado de la acción, el libro, un poco más completo y que se acerca a la verdadera Historia del Arte ¿Porqué el Gombrich?

“La Historia del Arte” de E.H. Gombrich (1909-2011) publicado en 1950, editado actualmente por Phaidon y que a día de hoy a vendido más de 8.000.000 de copias en todo el mundo; no menciona a ni una sola mujer artista en sus más de 600 páginas.

Los manuales de Historia del Arte están incompletos, faltan todas las mujeres creadoras y hemos dado por válida la selección de grandes maestros que conforman la historia del arte.

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María Gimeno (Zamora, 1970) es licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid, ha expuesto su obra de manera constante en Galerías y Museos tanto en España como en distintos lugares del mundo, como Suiza, México, Alemania, Serbia y en África.

Su trabajo es femenino y feminista, implicado con la situación de la mujer en el siglo XXI y con el compromiso de ser artista.

Ha realizado talleres con artistas como Yannis Kounelis o Esther Ferrer entre otros. Forma parte de Tertulia La Roldana colectivo de mujeres artistas que reivindican la reflexión a cerca de la problemática de la memoria histórica y actual de las mujeres artistas, y es fundadora de la madrileña galería de arte alternativo de los 90 Espacio f. Acaba de recibir una ayuda de la comunidad de Madrid para seguir trabajando en el proyecto performativo, aquí presentado, Queridas Viejas..

ANDREA HAUER Living, 2015 hilo sobre tela 90 x 120 cm Living, de la serie Hogar Dulce Hogar, nace como reacción al cambio vital que vivo al ser madre y tener que quedarme en casa y al cuidado de mis hijos. Estas nuevas obligaciones me hacen tomar conciencia de cómo ha sido delimitado nuestro papel como mujer en la sociedad, de cómo crecemos y se nos educa una serie de comportamientos como “naturales” cuando no lo son; de cómo somos usadas por el sistema como mano de obra no remunerada y cómo ese trabajo que realizamos diariamente es completamente invisibilizado e infravalorado.

Uso la costura como técnica por cuestiones prácticas (no huele, no es peligrosa para niños, se puede hacer en cualquier parte) y por sus connotaciones de género, que la inscriben como un método tradicional femenino y casero. Asumo la costura como un lenguaje propio (aprendí a coser y escribir casi al mismo tiempo) y la utilizo como un acto de transgresión y resistencia frente a técnicas tradicionales dentro de las bellas artes.

Andrea Hauer (Concepción, Chile, 1974) es licenciada en Artes Visuales por la Pontificia Universidad Católica de Chile.

Se traslada en 2001 a Madrid, ciudad donde ha cursado 76

estudios de doctorado en la Universidad Complutense de Madrid y de Grado Superior de Grabado y Estampación.

Se ha formado en fotografía y laboratorio fotográfico y ha participado en talleres y seminarios de prestigiosos artistas y pensadores como Donald Kuspit, Georges Didi-Huberman, Joan Fontcuberta y Eva Lootz. Ha realizado exposiciones individuales en Madrid, Murcia y Gijón y de manera colectiva tanto en España como fuera de ella, destacando Canadá, Portugal y Alemania. Es miembro de MAV (Mujeres en las Artes Visuales) y fundadora del Colectivo el Quiltro.

SONIA NAVARRO Luci in the Escai 1, 2017 collage de PVC cosido 190 x 90 cm Luci in the Escai 1 son recorridos sobre el plano de la ciudad que me llevan de un lado a otro, comparándolos con el plano de un patrón de costura; documentación cartográfica en la que se recogen espacios urbanos, donde la escultura y la arquitectura tiene un sentido de referencia y punto clave de quiebro en esos recorridos. La idea de patrón siempre ha estado presente como punto de partida que une mi obra, adquiriendo mil formas dentro de un lenguaje pictórico que se sirve de la costura como elemento principal de expresión. Este discurso no es ajeno a las dialécticas de género y al uso que han hecho éstas del cosido como herramienta formal a la que ligan un pasado de sometimiento doméstico.

Sonia Navarro (Puerto Lumbreras, 1975) aprendió costura y sastrería de sus abuelas, antes de obtener una Licenciatura en Bellas Artes y un Master en Fotografía. Ha sido galardonada con premios y becas como la Beca de Roma y el Premio de Artes Visuales y Fotografía por el Ministro de Cultura. Ha expuesto en centros como T20 (Murcia), Mas Art (Barcelona), Ad Hoc (Vigo), Ybakatu (Curitiba, Brasil), Galería Pedro Oliveira (Oporto, Portugal), Cité de Paris (Francia), Manifesta 08 (Murcia), CCE Guatemala, La Mar de Músicas (Cartagena).

Desde hace más de una década, a través de diferentes medios de comunicación, como la escultura, la instalación, la fotografía y el dibujo, Navarro ha estado creando obras que desafían y confrontan los mecanismos de poder y sus instituciones, especialmente aquellas que han contribuido al establecimiento de una jerarquía entre 77

géneros, relacionando a las mujeres con el trabajo doméstico y la imposibilidad de movilidad, reflexionando sobre la lucha constante de las mujeres contra las convenciones sociales establecidas.

GEMA RUPÉREZ Missed call, 2016-2017 instalación: hojas de periódico intervenidas, teléfono, vídeoregistro medidas variables Missed call contrapone algo tan sublime como la poesía, inmortalizada en libros, con su contrario simbólico en el imaginario colectivo, la prostitución, sometida a la invisibilidad.

La artista publica en la sección de contactos de un diario local, versos extraídos de poemas de amor escritos por mujeres reconocidas: [Sé gritar hasta el alba. Alejandra] verso correspondiente a un poema de Alejandra Pizarnik.

Los anuncios, diferentes entre sí, están asociados a un mismo número de teléfono, un móvil activo que se expone formando parte de la instalación, al lado de las hojas de periódico, recibiendo y registrando las llamadas de números desconocidos, en tiempo real.

Es interesante la tensión que produce el teléfono encendido, que puede sonar en cualquier momento, en medio del proceso de contemplación o reflexión del espectador. La llamada anónima interrumpe el silencio, y es entonces cuando la obra te interpela definitivamente.

La instalación se completa con un video, archivo-documental que registra el momento en el que me dirijo a poner los anuncios en el mostrador del diario local y que fue grabado con una cámara oculta. Y, por último, una pieza que recoge algunos de los mensajes de texto y voz que se quedaron registrados en el teléfono.

Ha recibido becas como la Beca Ramón Acín (Huesca), la residencia en Kiosko Galería (Bolivia), Casa Velázquez (Madrid), la Fundación Antonio Gala para jóvenes creadores (Córdoba) y la Beca Enate (Huesca).

Ha recibido el 1er Premio de Artes Plásticas de la Fundación Ramón J.Sender UNED, la 2º Posición en el 3rd International Emerging Artista Award (Dubai), el Premio XVIII Bienal Internacional Santa Cruz De La Sierra (Bolivia), 1er Premio V Concurso de Creación Artística Fundación José García Jiménez (Murcia), el 1er Premio Santa Isabel de Portugal, 2º Premio del VI Concurso de artes plásticas Universidad de Zaragoza.

Ha expuesto en centros como la Galería A del Arte (Zaragoza), Twin Gallery (Madrid), Sala Juana Francés (Zaragoza), Galería Art Core (Bari, Italia), Museo MADRE (Nápoles), Casa Velázquez Espacio Pierre Cardin (París, Francia), Museo Nagasaki Prefectural (Nagasaki, Japón) y el Instituto Cervantes (Palermo, Italia).

Gema Rupérez (Zaragoza, 1982) es licenciada en Bellas Artes por la Facultad de San Carlos de Valencia, completa su formación en Urbino-Italia y en talleres impartidos por artistas como Chema Madoz, Juan Ugalde, Jannis Kounellis, Rogelio López Cuenca o Cristina Lucas. Obtiene el DEA (Diploma de Estudios Avanzados) bajo el título: Materiales plásticos y escultura contemporánea. La seducción de la transparencia con la beca F.P.I. (Formación de Personal Investigador) dentro del grupo de investigación Nuevos Procedimientos Creativos de la UPV. 78

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